Il film romantico Queer (qui la recensione) racconta la storia dell’espatriato americano Lee (Daniel Craig) e del giovane Gene (Drew Starkey), esplorando le complessità dell’amore, dell’attrazione e dello stile di vita gay negli anni Cinquanta. Diretto da Luca Guadagnino e basato sull’omonima novella del 1985 di William S. Burroughs, Queer porta il pubblico nella Città del Messico degli anni Cinquanta per incontrare Lee, un emarginato tra le altre persone queer, che trascorre il suo tempo visitando i club della città e cercando di trovare nuovi (e più giovani) partner sessuali.

Un giorno, Lee vede Gene in un bar e ne è immediatamente attratto, ma, con sua grande sorpresa, non riesce ad avvicinarsi a lui, finché Gene stesso non gli si avvicina. Iniziano così una relazione sessuale, ma Gene continua a essere emotivamente distante, mentre Lee desidera l’intimità emotiva, pur avendo a che fare con un disturbo da uso di sostanze. Un viaggio in Sud America che li porta nella giungla per un’esperienza di yagé/ayahuasca finisce per essere un punto di svolta per i due, e il loro legame e la loro relazione non sono più gli stessi quando arriva il finale di Queer.

Perché Lee e Gene non restano insieme nel finale

Prima che Lee incontri Gene, Queer mostra che Lee tende ad andare a caccia di giovani uomini e ad attirarli a fare sesso con lui, con uno di loro che dice al suo amico che Lee ha cercato di andare a letto con lui per un po’ e che non è in grado di capire l’amicizia tra persone queer. Il problema di Lee non è che non sia in grado di stringere amicizia con altre persone queer, perché è assolutamente in grado di farlo (è amico di Joe, interpretato da Jason Schwartzman), ma che desidera amore, attenzioni e intimità in ogni modo, il che può farlo apparire come disperato o appiccicoso.

L’attrazione di Lee per Gene è diversa da qualsiasi altra che abbia mai provato, poiché non sa nemmeno come approcciarsi a lui, e solo quando Gene gli parla si lascia finalmente andare e si gode l’esperienza. Tuttavia, la relazione tra Lee e Gene è solo sessuale e, sebbene Gene tenga a Lee, l’intimità emotiva che Lee cerca non è presente con Gene. Lee invita Gene a partecipare al suo viaggio in Sud America per avvicinarsi a lui, ma Gene non cambia realmente le sue abitudini.

Uno dei motivi per cui Lee decide di andare in Sud America è il suo interesse per la telepatia e per la pianta yagé, che, a quanto ha letto, viene usata per migliorare la telepatia. Un esperto in materia invia Lee e Gene nella giungla per incontrare la dottoressa Cotter (Lesley Manville), una scienziata che ha studiato la pianta per anni e può controllarne l’uso. Il “viaggio” nello yagé di Lee e Gene apre loro gli occhi e quando finisce, invece di essere più vicini, sono più distanti che mai. Lee e Gene partono e prendono strade diverse, e Lee rimane single fino al suo ultimo giorno.

Perché Lee era così interessato alla telepatia

L’interesse di Lee per la telepatia viene menzionato per la prima volta all’inizio di Queer, quando ne parla con uno dei giovani a cui è interessato. Lee dice di credere nella telepatia e di essere interessato a sperimentarla, e per questo vorrebbe vivere l’esperienza del consumo di yagé. Lee dice anche di aver letto che il governo degli Stati Uniti e i russi hanno fatto esperimenti con lo yagé a scopo di controllo mentale, il che ha gettato un po’ di stigma sulla pianta.

Lee è così interessato alla telepatia non solo perché ci crede, ma perché sarebbe un modo molto più semplice per comunicare i suoi sentimenti ai suoi partner, soprattutto a Gene. Lee fatica a connettersi e a comunicare con Gene, e il suo desiderio di intimità con lui è splendidamente illustrato da un Lee fantasma che raggiunge fisicamente Gene, per cui la telepatia gli permetterebbe di dire a Gene ciò che sente e di cui ha bisogno in modo più semplice e diretto.

Cosa significa l’esperienza di Lee e Gene con lo yagé

Lee viene avvertito più di una volta, prima del finale di Queer, che l’assunzione di yagé non ti fa sballare ed è diversa da qualsiasi altra droga. Lee ha una dipendenza dagli oppioidi e assume regolarmente eroina e, durante il viaggio in Sud America, va incontro a un’intensa crisi di astinenza. Riesce a disintossicarsi durante il viaggio, ma insiste nel provare lo yagé, anche dopo essere stato avvertito che l’assunzione non lo porterà in un’altra “dimensione” come le altre droghe, ma è invece uno specchio che costringe l’utente a guardarsi veramente dentro.

Gene accetta di prendere lo yagé con Lee e i due lo provano con l’aiuto del dottor Cotter, e proprio quando pensano che la pianta non abbia fatto effetto, iniziano a vivere un’esperienza davvero strana ma molto intensa. Dopo aver vomitato il proprio cuore, Lee e Gene si siedono davanti a un falò e scompaiono gradualmente mentre comunicano telepaticamente. Gene dice a Lee di non essere queer e di essere invece incorporeo, una frase che Lee aveva già detto in un sogno. Sebbene Lee dica che lo sapeva già, ha il cuore spezzato, ma nel bel mezzo del viaggio in yagé le sue urla non si sentono.

In un ultimo tentativo di avvicinarsi a Gene al di là di una relazione sessuale, i corpi di Lee e Gene iniziano a fondersi mentre si abbracciano, e questo è il loro ultimo momento insieme. Quando gli effetti dello yagé si esauriscono, Lee cerca di riavvicinarsi a Gene, ma quest’ultimo vuole solo dormire. Il mattino seguente, Gene non parla con Lee e quando lasciano la casa del dottor Cotter, si separano per sempre. Il viaggio nello yagé apre gli occhi sia a Lee che a Gene, con quest’ultimo che finalmente è abbastanza libero da dire a Lee che non è queer e che quindi non può amarlo come vorrebbe.

Lee ottiene ciò che vuole dal “viaggio”, poiché sperimenta la telepatia e può finalmente comunicare con Gene, ma, allo stesso tempo, non ottiene ciò che vuole, poiché si rende conto che Gene non lo amerà mai e lo lascerà. In un ultimo momento di simbolismo in Queer, una volta tornato a Città del Messico due anni dopo, Lee fa un altro sogno in cui trova un serpente che si mangia la coda (l’ouroboros) e Gene che indossa una collana di millepiedi che prende vita.

L’ouroboros è un simbolo del ciclo della vita e della rinascita, ma soprattutto, nel contesto di Lee, riguarda il modo in cui si consuma, così come Lee continuerà nel suo circolo vizioso di solitudine, desiderio d’amore, uso di sostanze ed essere queer in un mondo intollerante e repressivo. D’altra parte, il millepiedi semplicemente se ne va, proprio come fa Gene, e va avanti mentre Lee rimane uguale.

Cosa succede a Gene dopo il viaggio in yagé

Come già detto, il viaggio in yagé permette a Gene di essere finalmente completamente onesto con Lee e di dirgli che non è queer e che quindi non lo amerà come lo ama lui. Anche quella notte, Gene non vuole parlare di ciò che è successo e sceglie di dormire mentre Lee rimane sveglio, e la mattina seguente non parla e rifiuta di aprirsi anche con il dottor Cotter. Quando escono dalla casa del dottor Cotter, Gene è un paio di passi avanti a Lee, ma improvvisamente scompare e quella diventa l’ultima volta che Lee lo vede.

Due anni dopo, a Città del Messico, Lee viene a sapere da Joe che Gene è tornato in città ma è partito sei mesi prima con un colonnello dell’esercito per il Sud America per fargli da guida turistica, e ha anche accennato alla possibilità di incontrare Lee. Gene non torna più a Città del Messico o Lee se ne va ad un certo punto, ma i due non si rivedono mai più.

Cosa succede a Lee alla fine del film

Il finale di Queer contiene un salto temporale: Lee continua il suo viaggio senza Gene dopo l’esperienza yagé e torna a Città del Messico due anni dopo. Lee si riunisce con Joe nel loro bar preferito, dove Joe gli dice che Gene è partito sei mesi fa. Dopodiché, Queer passa al già citato sogno con l’ouroboros e il millepiedi, in cui Gene è seduto su un letto dell’hotel locale dove Lee aveva avuto in precedenza incontri sessuali con altri uomini. Gene si mette un bicchiere di vetro in testa e Lee spara, colpendo Gene alla testa. Sebbene all’inizio Lee sorrida, poi si precipita sul corpo di Gene e lo bacia per l’ultima volta.

Lee si è ormai liberato di Gene, ma non del tutto, perché una parte di lui continuerà ad amarlo – o, forse, ciò che ama e a cui si aggrappa è l’idea di ciò che sarebbe potuto essere se Gene avesse ricambiato il suo amore. Queer fa un ultimo salto temporale a un Lee anziano in quella stessa stanza d’albergo, e invece di indossare il suo caratteristico abito bianco, ora ne indossa uno nero. Lee si sdraia sul letto, su un fianco, tremando, come quando era in astinenza da oppioidi, ma questa volta senza Gene. I ricordi del periodo trascorso con lui continuano a suonare nella sua testa e Lee muore da solo in quel letto, mentre l’ultima inquadratura è costituita da luci lampeggianti di diversi colori.

Il vero significato di Queer

Sebbene l’amore unilaterale tra Lee e Gene sia il punto focale di Queer, ci sono altri grandi temi affrontati. Lee desidera l’intimità emotiva, ma non sa come ottenerla e si accontenta di relazioni puramente fisiche. Mentre Lee vive una vita più libera come uomo queer, Gene è l’opposto, poiché ha ceduto alla pressione sociale degli anni Cinquanta contro le persone queer e non si permette di vivere la sua verità; come diretta conseguenza di ciò, non sa cosa vuole, il che lo porta a giocare con i sentimenti di Lee.

Anche se Lee vive più liberamente, Queer mostra anche quanto possa essere solitario essere una persona queer, poiché c’è ancora un vuoto in lui che non riesce a colmare, e questa solitudine era più presente negli anni Cinquanta. Non si sa se Gene sarà mai in grado di vivere liberamente la sua vita, di essere se stesso e di trovare qualcuno con cui essere se stesso e che possa amare a sua volta, ma almeno per Lee la solitudine rimane fino al suo ultimo giorno, così come il suo amore per Gene.

Il grande colpo di scena di Drop – Accetta o rifiuta è sempre stato sotto gli occhi del pubblico, con una motivazione che in realtà gioca a favore dei temi del film. Diretto da Christopher Landon (regista di Auguri per la tua morte), questo nuovo thriller al cinema dal 17 aprile è incentrato sulla Violet di Meghann Fahy. Al suo primo appuntamento dopo la morte del marito violento, la donna sembra inizialmente felice di condividere finalmente un pasto con il bello e dolce Henry. Tuttavia, una serie di messaggi anonimi la avvisano che la vita di sua sorella Jen e di suo figlio Toby è in pericolo, a meno che non segua esattamente le istruzioni. A questo punto il film propone una serie di colpi di scena che costringono Violet a cercare di scoprire la verità.

Drop – Accetta o rifiuta propone dunque un mistero profondamente divertente e un racconto ingannevolmente elegante che diventa sempre più avvincente man mano che la posta in gioco si alza. Ci si concentra principalmente sul mistero che circonda la persona che sta cercando di costringere Violet a commettere un omicidio, ma questo non toglie nulla alla potente morale al centro della storia. Si tratta di un film in cui i sopravvissuti agli abusi riprendono il loro potere e lottano contro le persone che vogliono controllarli. Ecco allora come il finale del film porta degnamente a conclusione questo teso thriller, in un’esplosione di azione che sottolinea i temi emotivi.

Il colpo di scena di Drop – Accetta o rifiuta

Il cattivo principale di Drop – Accetta o rifiuta è Richard, che si rivela un assassino molto più pericoloso di quanto il suo personaggio inizialmente senza pretese potesse far pensare. Inizialmente, Richard sembra un personaggio di ripiego destinato ad animare la scena che ha con Violet ad inizio film. Un uomo anziano al suo primo appuntamento dopo anni sembra abbastanza innocuo. In realtà, è un assassino ingaggiato per uccidere Henry. Sembra che Richard e il suo innominato socio abbiano fatto questo lavoro abbastanza a lungo da perfezionarlo, usando la tecnologia moderna per manipolare Violet e impedire ogni suo tentativo di avvisare le autorità.

Assicurandosi la collaborazione di Violet minacciando la sua famiglia, Richard cerca di costringerla ad avvelenare Henry, dopo aver preparato la situazione con le prove della colpevolezza di lei. In questo modo, la incolperà dell’omicidio di Henry. Violet sarà vista dalle telecamere di sicurezza mentre manomette il drink dell’uomo, somministrandogli un’overdose di un farmaco che somministra spesso ai pazienti. Complica la cosa il fatto che si dice abbia ucciso il suo violento marito. Dal suo punto cieco in una cabina, Richard può dunque osservare tutto questo e rispondere ai tentativi di fuga di Violet. È un piano ben congegnato che va in fumo solo perché sottovaluta la donna in un momento chiave.

Perché Richard vuole che Henry muoia

Richard non sembra avere un’antipatia specifica per Henry, ma rivela di averlo preso di mira solo a causa dei suoi datori di lavoro. Drop – Accetta o rifiuta rivela che Henry è un fotografo dell’ufficio del sindaco che ha le prove della corruzione del politico. Henry sta collaborando con le autorità e sarà un testimone chiave nel caso. La sua morte, anche in circostanze normali, potrebbe essere considerata sospetta, rendendo necessario un omicidio più articolato. Richard deve anche assicurarsi che la scheda SD della sua macchina fotografica venga distrutta, cosa che costringe Violet a fare nelle sue manipolazioni.

Per questo motivo Richard cerca di usare Violet come intermediario per il suo assassinio. Se Violet venisse incolpata dell’omicidio, sembrerebbe completamente scollegata dall’indagine sul sindaco e potenzialmente gli risparmierebbe ulteriori controlli. Ironia della sorte, i tentativi di Richard di proteggere il sindaco da qualsiasi legame con l’assassinio lo espongono in uno spazio estremamente pubblico. Una volta convinto che Violet abbia avvelenato Henry, Richard deride Violet con tutti i dettagli del loro piano – solo per rendersi conto che lei ha finto di avvelenare Henry e in realtà ha avvelenato il dessert dell’anziano. La sua successiva morte (e l’incapacità di uccidere Violet o Henry) smaschera poi il sindaco.

Cosa è successo davvero al marito di Violet

La prima scena di Drop – Accetta o rifiuta è uno dei momenti più cupi del film, in quanto allude alla natura abusiva del rapporto tra Violet e il suo ex marito. Nonostante avessero un bambino insieme, l’uomo divenne per Violet una presenza sempre più instabile e violenta. La donna spiegherà a Henry, alla fine del film, che era diventato pericoloso con il figlio (cosa che ancora la tormenta). Come viene costantemente rivelato nel film attraverso i flashback, il marito di Violet si scagliava contro di lei, la picchiava e minacciava sia lei che il neonato Toby con una pistola. All’arrivo della polizia, il marito, scosso, ha puntato la pistola contro di sé, uccidendosi.

È una rivelazione oscura che cambia gran parte delle scene precedenti. La decisione di Violet di cambiare la sua prassi nei confronti dei sopravvissuti agli abusi acquista un taglio molto più personale, così come la sua eventuale resilienza di fronte ad altri uomini controllanti e violenti come Richard. Inoltre, dà a lei e a Henry qualcosa di vulnerabile su cui legare, dato che lui è ancora scosso dalle sue scoperte sul sindaco. Inoltre, offre a Richard un potenziale mezzo per dipingere Violet come un’assassina violenta, suggerendo che la famiglia del marito la sospettasse in seguito di un crimine. La tragica verità dietro il matrimonio di Violet è dunque una rivelazione emotivamente efficace.

Il vero significato di Drop

Drop – Accetta o rifiuta è dunque un film dal ritmo serrato che presenta diversi colpi di scena di grande effetto, concentrandosi più sulle tortuose svolte della trama che su qualsiasi grande dichiarazione tematica. Al centro di Violet (e in misura minore di Henry) c’è una metafora dei sopravvissuti agli abusi. Che si tratti di una relazione sentimentale tossica, del tradimento di un amico o delle manipolazioni di un datore di lavoro, i sopravvissuti come Violet e Henry sono entrambi chiaramente scossi e scoraggiati da queste esperienze. Henry suggerisce addirittura di brindare con i loro shot di tequila alla “speranza” di poterne uscire rafforzati.

Questa è l’etica delle azioni di Violet nel momento culminante, quando si rifiuta di cedere la sua autorità a un altro uomo che vuole abusare del suo potere su di lei. Violet combatte contro Richard, non solo superandolo nel ragionamento, ma assicurandosi la sua morte mentre è seduta proprio di fronte a lui. Violet aiuta a evitare che sua sorella e suo figlio diventino vittime, rifiutandosi di seguire le regole di Richard. Drop – Accetta o rifiuta si immedesima nel dolore persistente che il trauma può provocare in tutti i tipi di persone, ma sottolinea quanto sia importante lottare contro di esso e recuperare il proprio senso di sé e la propria autonomia.

Gli anni Settanta sono stati un decennio eccezionale per il cinema americano, con i registi della New Hollywood che hanno approfittato di una libertà artistica senza precedenti mentre il vecchio sistema degli studios declinava. L’atteggiamento verso il sesso, la violenza e le tematiche adulte si allentò e registi come Martin Scorsese, Robert Altman, Peter Bogdanovich, Roman Polanski e i loro contemporanei fiorirono creativamente, realizzando alcuni dei più grandi film dell’epoca. Alla fine, però, quella libertà divenne una lama a doppio taglio. Sul finire del decennio, alcuni noti progetti cinematografici divennero così imponenti e troppo ambiziosi da affossare l’intero movimento. Tra questi vi è anche Apocalypse Now di Francis Ford Coppola.

Sebbene non sia stato disastroso come l’epico fallimento di I cancelli del cielo di Michael Cimino – il film ampiamente considerato come quello che ha messo il chiodo finale nella bara della Nouvelle Vague americana – Apocalypse Now ha mostrato molti segni simili della creatività e dell’ego incontrollati di un regista. Coppola, il regista premio Oscar di Il padrino e Il padrino – Parte II, ha portato l’autorialità a livelli di eccesso stravaganti con la sua fantasticheria infernale su “Cuore di tenebra” di Joseph Conrad.

La produzione di Apocalypse Now è diventata una leggenda del cinema, tanto folle da giustificare un documentario a sé stante, “Hearts of Darkness: A Filmmaker’s Apocalypse”. Lavorando con lo sceneggiatore John Milius, il grande progetto di Coppola era però quello di portare il pubblico “attraverso un’esperienza di guerra senza precedenti e farli reagire come coloro che avevano vissuto la guerra”. Considerato oggi come il film per eccellenza sul tema de “la guerra è un inferno”, ci sono pochi dubbi sul fatto che ci sia riuscito. Ma che dire della sua fonte letteraria e di quel finale sconvolgente e ossessionante?

Di cosa parla esattamente Apocalypse Now?

Il capitano Willard (Martin Sheen), un agente speciale, sta impazzendo in una stanza d’albergo di Saigon prima che gli venga offerta una missione molto speciale. Gli viene affidato il compito di risalire il fiume nella vicina Cambogia per infiltrarsi nell’accampamento del colonnello Kurtz (Marlon Brando), berretto verde altamente decorato, che opera brutalmente al di fuori del controllo del Pentagono. La missione di Willard è di porre fine al comando di Kurtz con “estremo pregiudizio”. Per raggiungere la sua destinazione, Willard si imbarca su una barca di pattuglia fluviale della Marina degli Stati Uniti.

Mentre lui e l’equipaggio risalgono lentamente il fiume, si imbattono in episodi sempre più orribili e allucinanti, che vanno dall’attacco di un elicottero cannoniere a un villaggio controllato dai vietcong a uno spettacolo di danza delle Playmate di Playboy nel profondo della giungla. Gradualmente, l’equipaggio di Willard cade uno dopo l’altro nei terrori della giungla, prima che i sopravvissuti arrivino al complesso di Kurtz, disseminato di cadaveri. Dopo che l’attacco aereo preordinato sul posto è stato annullato, Willard attinge al suo cuore di tenebra per liberarsi del tormentato e contaminato colonnello Kurtz.

Il libro che ha ispirato il film

Attingendo alle sue esperienze di lavoro in una compagnia commerciale belga che solcava il fiume Congo, il romanziere Joseph Conrad ideò una storia su Kurtz, un uomo che prende il controllo di una stazione commerciale nell’interno del paese e instaura un regime brutale, venerato come un semidio dalle tribù locali. Ne nacque una novella intitolata “Cuore di tenebra”. Il protagonista della storia, Marlow, viaggia attraverso la giungla e risale il fiume per incontrare il signor Kurtz, che ha una reputazione misteriosa e temibile nella regione. Le voci suggeriscono inoltre che sia gravemente malato. Quando Marlow e il suo equipaggio arrivano all’accampamento di Kurtz, decorato con teste mozzate di indigeni, si conferma l’idea che i metodi del commerciante d’avorio sono diventati orripilanti.

Conrad usa Kurtz come critica al dominio belga in Congo, dove commercianti e avventurieri, avvantaggiati rispetto agli indigeni dalla loro tecnologia superiore, sfruttano il loro potere e sfociano in un trattamento brutale e disumano degli abitanti del luogo. Questo riflette anche il quadro più ampio del saccheggio del continente da parte delle nazioni europee durante lo Scramble for Africa alla fine del XIX secolo. Il titolo stesso, “Cuore di tenebra”, ha un doppio significato, riferendosi al viaggio del protagonista nelle profondità del cosiddetto “continente nero”, ma anche agli abissi di violenza e depravazione di cui l’uomo è capace attraverso la lussuria e l’avidità.

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La spiegazione del finale di Apocalypse Now

Sebbene le trame di base siano simili, Coppola e Milius aggiungono anche la dimensione della guerra, facendo un parallelo tra la spartizione dell’Africa e il coinvolgimento degli Stati Uniti nel conflitto in Vietnam. Willard è il protagonista ma, come Kurtz, si trova sempre più lontano dalla civiltà quanto più si spinge all’inseguimento del suo obiettivo. Il comportamento di Kurtz suggerisce che la guerra ha un effetto disumanizzante su coloro che vi partecipano, soprattutto se viene dato loro un potere e un’influenza incontrollati sui “selvaggi” che intendono dominare. È evidente fin dall’inizio che Willard non è nelle migliori condizioni mentali.

Alla fine, si è liberato di tutte le norme della correttezza occidentale ed è diventato lui stesso “nativo”, aggirandosi per il complesso di Kurtz mezzo matto e mezzo nudo. Come abbiamo visto gli adoratori di Kurtz macellare cerimoniosamente un bufalo d’acqua, Willard fa lo stesso con Kurtz. L’implicazione è che Kurtz era un’utile bestia da soma per l’esercito americano fino a quando non è diventato un peso, quindi doveva essere sacrificato. Dopo l’uccisione di Kurtz, i suoi seguaci sembrano pronti ad accettare Willard come nuovo sovrano. Invece, egli salpa con l’ultimo superstite del suo equipaggio. Il finale è ambiguo: Willard è sfuggito al ciclo, sapendo che, se prenderà il posto di Kurtz, un altro assassino sarà inviato per lui?

Oppure, liberato dalle ultime vestigia di un comportamento civile, si sta dirigendo fuori dalla mappa per creare il proprio feudo? Potrebbe essere solo diretto a casa, ma è difficile credere che possa più esserci una casa per Willard. Mentre altri film hanno rappresentato i conflitti armati in modo più accurato e viscerale, nessuno si è avvicinato tanto ad Apocalypse Now nel catturare l’impatto psicologico della guerra. L’orrore vero, appunto. Per quanto riguarda l’effettivo significato del titolo del film, Apocalypse Now, il co-sceneggiatore John Milius ha spiegato che è antecedente alla concezione del film e che è stato ispirato dai distintivi che vedeva sfoggiare dagli hippy.

Il titolo gli venne in mente perché gli hippy dell’epoca avevano delle spille con i segni della pace con la scritta “Nirvana Now”. Le parole di Milius sono in linea con il moderno significato inglese della parola “apocalypse”, che connota un cataclisma massiccio e distruttivo, forse visto come una rivelazione profetica. Tuttavia, la parola “apocalisse” affonda le sue radici nel termine greco apokálupsis, che significa “scoprire” o “rivelare”. Anche se forse Coppola e Milius non hanno fatto questo collegamento esplicito, si potrebbe ipotizzare che sia per Willard che per Kurtz la guerra abbia tolto le loro illusioni e giustificazioni interiori per rivelare l’ipocrisia e l’immoralità della loro guerra imperialistica.

Whitney – Una voce diventata leggenda (qui la recensione) è basato sulla storia vera della vita e della carriera dell’iconica cantante. Whitney Houston, soprannominata “The Voice”, è una delle artiste di maggior successo di tutti i tempi, avendo battuto record e venduto più di 200 milioni di dischi in tutto il mondo nel corso della sua carriera. Ad oggi, sono stati realizzati ben cinque film su di lei, tra documentari e lungometraggi. Diretto da Kasi Lemmons su sceneggiatura di Anthony McCarten, il film si ispira dunque alla sua vita, anche se alcuni elementi non vengono approfonditi o raccontati fedelmente rispetto a come si sono realmente svolti.

Come noto, le biografie, pur essendo basate sulla verità, possono infatti includere solo una parte della storia e a volte esagerano alcuni aspetti della vita di un musicista per far valere le proprie ragioni (ne sono un esempio titoli come Bohemian Rhapsody, Rocketman o il più recente A Complete Unknown). Il biopic su Whitney Houston offre uno sguardo sulla vita e sull’ascesa alla fama della celebre cantante, ma c’è molto di più nella storia che il film tralascia e ci sono domande che sorgono dopo aver visto alcune scene di Whitney – Una voce diventata leggenda. In questo approfondimento esploriamo proprio il rapporto tra il film e la realtà.

La storia vera dietro il film: Whitney Houston era bisessuale? La realtà sulla relazione con Robyn Crawford

Whitney – Una voce diventata leggenda si concentra brevemente sulla relazione romantica tra la cantante e Robyn Crawford, che diventerà la sua direttrice creativa. In realtà, la Crawford ha confermato che hanno avuto una relazione intima nel suo libro di memorie, A Song for You: My Life with Whitney Houston, anche se ha anche dichiarato a People che lei e la Houston non hanno mai effettivamente definito la loro relazione. Questa, in ogni caso, è durata solo due anni. La Houston decise infatti di chiudere la storia tra lei e la Crawford per paura di ciò che la gente avrebbe detto e di come avrebbe influenzato le loro vite, soprattutto dopo aver ottenuto un contratto discografico.

La Crawford e la pluripremiata cantante si sono quindi separate dal punto di vista sentimentale, ma sono rimaste migliori amiche per più di due decenni. All’inizio degli anni 2000, tuttavia, la Crawford ha posto dei limiti tra sé e la Houston a causa delle decisioni che la cantante stava prendendo nella sua vita privata, tra cui la sua continua dipendenza dalle droghe. Bobby Brown, l’ex marito di Whitney Houston, ha anche confermato che la Crawford e la cantante hanno avuto una relazione sentimentale, e sostiene che la madre della Houston, Cissy, era contraria e voleva licenziare la Crawford dalla sua posizione di assistente della Houston.

Whitney Houston ha frequentato Jermaine Jackson?

Whitney Houston avrebbe inoltre frequentato Jermaine Jackson per un anno, come accennato in Whitney – Una voce diventata leggenda, e si dice che i due abbiano avuto una relazione mentre Jackson era ancora sposato con l’allora moglie Hazel Gordy. Sebbene Jackson non abbia mai parlato della loro relazione, sua sorella La Toya Jackson ha affermato che suo fratello “ha con loro ammesso che hanno avuto una relazione”. Si sostiene inoltre che la canzone di Whitney Houston “Saving All My Love for You” fosse dedicata proprio a Jermaine Jackson, anche se ciò non è mai stato confermato. Inoltre, la Houston avrebbe avuto un’infatuazione per Eddie Murphy alla fine degli anni ’80, anche se secondo la Crawford lui non avrebbe ricambiato.

Bobby Brown ha abusato di Whitney Houston?

La relazione sentimentale tra Bobby Brown e Whitney Houston fu turbolenta e fece spesso notizia, soprattutto negli ultimi anni di matrimonio. Whitney – Una voce diventata leggenda sostiene che Bobby Brown fosse violento nei confronti di Whitney Houston, e in un’intervista a 20/20 ha confermato di aver colpito la Houston una volta. Brown ha però negato le accuse di essere stato violento nei confronti della Houston al di là dell’incidente ammesso, ma ha rivelato che gli ultimi anni del loro matrimonio sono stati piuttosto terribili.

Chi era Barbara Houston?

Barbara Houston si intravede in tutto il biopic musicale e si percepisce il gelo e la distanza tra lei e Whitney. Il loro rapporto nella vita reale era altrettanto teso. Barbara Houston, che ha 40 anni in meno di John Houston, alla fine lo ha sposato, anche se i due avevano una relazione che sarebbe iniziata quando John era ancora sposato con Cissy, la madre della Houston. Ciò che il film tralascia è però la causa intentata da Barbara contro Whitney, che sosteneva che la cantante fosse l’unica beneficiaria dell’assicurazione sulla vita di John Houston e che il denaro sarebbe stato utilizzato per pagare il mutuo di Barbara e John, mentre il denaro rimanente sarebbe andato a Barbara.

Tuttavia, Whitney Houston ha presentato una domanda riconvenzionale contro la matrigna, sostenendo che l’assicurazione sulla vita doveva servire a ripagare la cantante per il denaro che il padre le aveva prestato anni prima. Nel 2010, un giudice ha dato ragione alla Houston, attribuendole la proprietà dell’ipoteca di Barbara, il che significava che poteva decidere di pignorare la casa e lasciare la matrigna senza nulla. I rapporti tra Whitney Houston e Barbara Houston non erano buoni e la brutta causa rese pubblico il disprezzo della cantante per la nuova  moglie del padre.

Cosa è successo davvero tra Whitney Houston e suo padre?

Il rapporto tra Whitney Houston e suo padre era altrettanto complicato. John Houston divenne il manager della cantante e l’amministratore delegato della sua società, e Whitney – Una voce diventata leggenda sostiene che Houston padre abbia anche preso in prestito del denaro dalla figlia, il che sembra sia stato uno degli elementi che hanno portato i loro rapporti ad inasprirsi nel tempo. L’uomo avrebbe infatti preso in prestito 723.000 dollari da Whitney Houston nel 1990, ma è stata la causa da 100 milioni di dollari che ha intentato contro la celebre cantante nel 2002 per violazione del contratto a mettere in luce il loro rapporto tumultuoso.

La causa sosteneva che Whitney Houston non aveva pagato John o la sua società per i servizi che le avevano fornito, come l’assistenza legale dopo essere stata beccata con la droga alle Hawaii e la negoziazione dei termini del contratto da 100 milioni di dollari con la Arista Records. John Houston cercò persino di fare appello alla figlia in televisione. Il patriarca degli Houston morì però poco dopo, nel 2002, e la causa fu archiviata nel 2004.

Come è morta Whitney Houston?

Whitney – Una voce diventata leggenda evita di mostrare la tragica morte della cantante. Tuttavia, il biopic allude all’evento, avvenuto alcune ore prima della festa pre-Grammy del produttore musicale Clive Davis. Whitney Houston è morta per annegamento accidentale nella vasca da bagno della sua camera d’albergo al Beverly Hilton. Secondo il referto dell’autopsia, anche gli effetti di una “cardiopatia aterosclerotica e l’uso di cocaina” hanno contribuito all’annegamento accidentale della cantante-attrice. La Houston aveva infatti una nota storia di uso di cocaina e sul bancone del bagno è stata trovata della polvere bianca, il che fa pensare che la cantante avesse usato la sostanza.

Piuttosto che concentrarsi sulla sua morte e sui fattori che vi hanno contribuito, però, il film celebra la voce dell’iconica cantante all’apice della sua carriera, scegliendo di incentrare la scena finale del film sull’esibizione di Whitney Houston agli American Music Awards del 1994. Questa decisione allontana la tragedia della sua morte e gli ultimi anni tumultuosi della Houston e serve a ricordare la voce potente e bellissima che aveva e la gioia che portava agli altri quando usava il suo enorme talento. Il pubblico esce così dal film con un momento luminoso nella vita di Whitney Houston invece che con quello buio della sua morte.