Film da festival. Il parigino Quentin Dupieux, alias Mr.Oizo per gli appassionati di musica elettronica, è uno di quegli autori capace, più di molti altri, di interpretare il senso di una manifestazione cinematografica e di realizzare lungometraggi che rappresentano guilty pleasure per gli appassionati di cinema d’autore.

Mandibules, la trama

Nel caso di Mandibules, presentato fuori concorso alla 77esima Mostra del Cinema di Venezia, la sua visione surreale e i suoi concetti estremi, tuttavia molto semplici e immediati, si materializzano sullo schermo nella rappresentazione di un insetto gigante. Jean-Gab (David Marsais) e Manu (Grégoire Ludig) , sempre alla ricerca di trovare il modo di sopravvivere e di sbarcare il lunario, trovano accidentalmente una mosca enorme nel bagagliaio di un’auto. Senza scomporsi, dopo un attimo di perplessità, pensano di ammaestrarla per poi farla esibire per guadagnare molti soldi.

Il film si gioca tutto fra il rapporto fra i due e la loro “gallina dalle uova d’oro”. In questo road movie surreale (Jean-Gab e Manu devono portare a termine una missione) emerge la sincerità dell’amicizia che li lega e l’umanità con cui trattano il mostro. Questi tre personaggi borderline dimostrano di essere più vivi di tutti coloro che incontrano, e in un certo senso ne escono vincenti. La loro esistenza, alla fine, è fatta di espedienti, e ne sono totalmente consapevoli. In Mandibules, Dupieux, utilizza il suo humor dell’assurdo per mettere in scena situazioni paradossali mai scontate, coincidenze e incontri casuali, in 77 minuti che si rivelano la durata perfetta per evitare l’esagerazione.

Oltre ai due bravissimi protagonisti, e alla mosca degna di un film scifi anni ’50, a tenere la scena è Adèle Exarchoupoulos (La vita di Adèle), nella parte di Agnes, una ragazza impossibilitata a moderare il tono di voce a causa di un incidente sugli sci. Sempre perché il mondo più reale è quello ai confini.

Il regista Roger Michell, noto ai più per l’iconica commedia romantica Notting Hill, ha presentato nella sezione Fuori Concorso della 77ª Mostra d’arte cinematografica di Venezia, il suo ultimo lavoro The Duke.

Commedia in puro stile british racconta la storia vera di Kempton Bunton, anziano di Newcastle che nel 1961 fu coinvolto nel furto di un dipinto di Francisco Goya alla National Gallery di Londra; unico furto nella storia ai danni della celeberrima galleria. Il dipinto in questione è un ritratto del duca di Wellington, da qui il titolo del film.

The Duke, tratto da una storia vera

Il furto è in realtà un pretesto per mostrare al pubblico la storia del protagonista, un buono, che con i suoi metodi stravaganti si è sempre esposto per il bene comune confidando nella reciproca solidarietà tra gli esseri umani. L’uomo della porta accanto, il vicino che chiede in prestito una cosa, sempre per aiutare qualcuno che ha più bisogno.

Curioso a tal proposito, nell’ambito della programmazione festivaliera, come l’eccentrico e altruista Bunton di The Duke sia stato presentato lo stesso giorno del documentario dedicato a Greta Thunberg. Lontani anni luce, i due, hanno in comune il voler migliorare una situazione e la caparbietà per riuscire ad ottenerlo.

Il cast di The Duke

Nel ruolo del protagonista Jim Broadbent, che con il suo inconfondibile stile ci regala una performance da manuale, affiancato da un cast stellare tra cui si distinguono: Helen Mirren, Fionn Whitehead e Matthew Goode. La Mirren si conferma ancora una volta una punta di diamante del cinema britannico, nel ruolo della moglie, apparentemente secondario, ci regala nelle scene a due con Broadbent i momenti più irriverenti del film. Fionn Whitehead, conosciuto per il ruolo da protagonista in Dunkirk di Christopher Nolan, interpreta uno dei figli della coppia, l’unico che vive ancora con loro. Devoto al padre avrà un ruolo decisamente cruciale. Come cruciale e carismatico è l’avvocato interpretato da Goode che sceglierà di assistere un uomo, agli occhi di tutti, indifendibile.

Orfano del suo cast nella prima veneziana, anche Jim Broadbent era misteriosamente assente alla proiezione in Sala Grande, dopo aver presenziato alla conferenza stampa tenutasi nel pomeriggio; The Duke è uno di quei film che risplende di luce propria senza bisogno di lustrini per attirare l’attenzione. Conquista il pubblico che in film come questo riscopre il piacere di tornare al cinema. Una storia vera raccontata bene, con quel pizzico di humor raffinato e freddure pungenti che non possono che innescare una sonora risata.

Un racconto ironico e raffinato

La regia si mette al servizio della storia, anche se non mancano i virtuosismi. In particolare la scena del furto viene narrata attraverso un controcampo di sguardi. Gli sguardi sospettosi, espressivi ed enigmatici dei ritratti che circondano quello del duca, e anche qui l’ironia irrompe, una mano porta via il Goya e, dietro, sullo sfondo, appare in risalto L’Urlo di Edvard Munch. Ciò che appare statico diventa dinamismo narrativo grazie al montaggio. A tal proposito risultano molto convincenti anche le scene d’archivio della Londra degli anni Sessanta mescolate al nuovo girato.

The Duke, senza essere retorico e struggente, tocca molti temi importanti come il senso di colpa, il lutto e l’assenza di dialogo nelle coppie. Punto di forza del film resta però soprattutto il protagonista di cui verrebbe voglia di sapere di più, magari leggendo una delle sue tante opere per cui “ Shakespeare dovrebbe cominciare a preoccuparsi”.

Arriva in concorso alla 77esima edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia Nicole Garcia che presenta il suo ultimo film, Amants, storia di un primo, lungo ed intenso amore corroborato da un’evoluzione lunga un’intera vita. Reduce dagli anni 50′ di Mal di pietre, sua ultima fatica dietro la macchina da presa, Nicole Garcia ritorna a raccontare l’amore attraverso gli occhi di personaggi femminili al centro di triangoli amorosi il cui unico comune denominatore sembra essere una prigione senza amore.

Se nel precedente film che vedeva protagonista Marion Cotillard, la donna al centro della vicenda era per sua scelta finita in un matrimonio senza sentimento. Questa volta il matrimonio della protagonista interpretata da Stacy Martin avviene per necessità. Infatti, tormentata da un prematuro abbandono del suo primo e unico amore, la Lisa di Amants si rifugia in un rassicurante legame privo di affetto per la paura di non riuscire a sopravvivere.

Amants, la trama

Amants racconta la storia di Lisa e Simon, inseparabili. Sono innamorati l’uno dell’altra da quando erano adolescenti. Capita una tragedia, provocata dalle attività criminali di Simon. Egli è in pericolo e fugge. Senza Lisa. Lei aspetta invano notizie da lui. Tre anni dopo, è sposata con Leo quando le loro strade si incrociano nuovamente su un’isola nell’Oceano Indiano.

Fin dalle prime battute, il film si rivela essere un dramma sentimentale incastrato nelle pieghe spinose di un melodramma, i cui personaggi sono tratteggiati in modo superficiale e sono quasi sempre in balia degli eventi senza essere veri artefici del proprio destino.

Lascia perplessa anche la regia del film, al limite del televisivo, prevedibile e scontata come del resto lo è tutta la storia. Seppur ricca di buone intenzioni, la vicenda non riesce mai a sorprendere veramente, finendo per diventare un involucro di elementi ricorrenti del cinema della regista francese quali passione, morte, senso di colpa e desiderio. Tematiche che non vengono affrontare di petto bensì di rigetto.

Infatti, non capiamo mai realmente il sentimento di Lisa, seppur interpreta ottimamente dalla sempre brava Stacy Martin, unica vera vittima della storia. Probabilmente sarebbe molto più interessante comprendere il suo stato d’animo e la sua esistenza condizionata inesorabilmente dalle brame di due uomini: il primo giovane, bello e dannato, il secondo vecchio e alla constante ricerca di qualcosa che non può comprare.

In questa condizione si innesta palesemente la percezione che il desiderio di Lisa è quello di isolarsi in un mondo senza amore e senza uomini ma almeno con la consapevolezza che nessun altro a parte lei possa determinare il suo destino.

Dopo una lunga carriera nel mondo del cinema, tre documentari e un credits anche in The Tree of Life di Terrence Malick come unità italiana, Carlo Hintemann esordisce alla regia con The Book of Vision, che realizza in collaborazione con il co-regista di The Dark Side of The Sun, Lorenzo Ceccotti (LRNZ), in questa sede Conceptual Visual Designer e autore del suggestivo poster.

The Book of Vision, la storia tra passato e presente

Il film, scelto come apertura della 35° Settimana Internazionale della Critica a Venezia 77, racconta una “visione trascendente e immanente della natura” che si infiltra nei corpi in continuo mutamento e li fa dialogare con l’ambiente, con la natura stessa. Questo dialogo continuo tra pieni e vuoti, natura e uomo, passato e presente, si concretizza in primo luogo nella struttura narrativa del film. La storia racconta di Eva (Lotte Verbeek), una giovane e promettente dottoressa, che decide di abbandonare la sua carriera per immergersi nello studio della Storia della medicina e mettere in discussione tutto ciò in cui ha sempre creduto: la propria natura, il proprio corpo, la propria misteriosa malattia e un destino che sembra segnato.

Nelle sue ricerche, Eva si imbatte nel Libro della Visione che la porta dentro le memorie di un medico prussiano del Settecento, Johan Anmuth (Charles Dance), un umanista della medicina che, a differenza dei dottori moderni, pensava fosse importante prendersi cura del paziente nella sua interezza di essere umano, non soltanto della malattia con un approccio scientifico. Attraverso quelle parole, Eva diventa Elizabeth, un nobildonna prussiana, in cura (e segretamente innamorata e ricambiata) da Anmuth. La storia di quello che sembra essere l’ultimo dei medici umanisti e di questa affascinante e malinconica donna diventano una seconda vita per Eva, una proiezione di sé nel passato, un ponte emozionale che le fa vivere due vite in una e le permette di affrontare la sua malattia e la sua condizione con uno stato d’animo più saldo e sicuro.

Suggestioni per immagini che mettono da parte la logica

L’andamento ondivago del racconto di Hintermann, perso tra passato e presente, tra fantasia e realtà, si presta principalmente ad una fruizione emotiva, perché se da una parte lo sguardo è completamente rapito dalla totale bellezza dell’immagine, dall’utilizzo della luce alla scelta di posizionamento della camera che crea angoli e suggestioni insolite, questa visione così alta e poetica si scontra con una apparente incapacità di tenere il testo ancorato alle immagini, in cui la struttura narrativa che si perde, per ritrovarsi soltanto nel finale, lasciando però qualche vuoto, qualche nesso logico pendente.

I volti degli interpreti, guidati dall’affascinante Lotte Verbeek (Eva/Elizabeth) si confondono tra passato e presente, dal momento che quasi tutti loro interpretano due ruoli differenti nelle due linee temporali, e questa doppia presenza, specialmente per Verbeek e per Charles Dance, rafforza ancora di più la suggestione di connessione universale tra i moderni scienziati che cercano una verità andata perduta, e i vecchi “lettori” del creato, esseri umani protesi ad ascoltare i messaggi che la Natura stessa è in grado di comunicare loro. Soprattutto la parte della storia ambientata nel passato si avvale di alcune invenzioni visive che catturano l’immaginazione e la trascinano dentro al racconto, come il misterioso “albero dei morti” che il fuoco dell’industria vuole abbattere, o la foresta stessa che respira e comunica con chi possiede l’indole propensa ad accoglierne le verità.

Il debito verso Malick

In The Book of Vision, il libro della visione non è soltanto l’oggetto fisico, ma è il film stesso che diventa impressione colma di spunti filosofici che se da una parte non vengono del tutto affrontati o approfonditi, sono comunque dettagli che rivendicano la loro presenza e contribuiscono alla ricca e selvaggia confusione che trasuda da ogni inquadratura. L’occhio di Hintermann è stato sicuramente educato dalle sue collaborazioni prestigiose tanto che in più di un’occasione si possono notare scelte che omaggiano smaccatamente il cinema di Terrence Malick, che qui compare come produttore esecutivo.

The Book of Vision è un’opera che lascia interdetti sul piano narrativo, confondendo lo spettatore con una resa da sceneggiatura che forse avrebbe meritato maggiore attenzione, ma che allo stesso tempo riesce a parlare allo spirito, alla pancia dello spettatore, attraverso la bellezza luminosa delle immagini che lo compongono.