Che ci crediate o no, il vertiginoso secondo film di Christopher Nolan, Memento, compie 25 anni quest’anno. L’emozionante storia poliziesca non lineare ha portato Nolan alla ribalta come una delle voci più talentuose, uniche e originali di Hollywood. Due decenni dopo, Nolan è diventato il principale fornitore di blockbuster artistici di alto livello. Il suo lavoro nella trilogia di Il cavaliere oscuro e poi Inception, Interstellar e Oppenheimer parla da sé. Memento è però ancora oggi ricordato per il suo finale e la sua struttura particolarmente ambiziosa. Qui, però, andiamo alla scoperta di alcuni elementi nascosti sfuggiti a molti durante la visione.

LEGGI ANCHE: Memento: la spiegazione del finale del film di Christopher Nolan

L’origine di Jimmy G.

Il conflitto alla base di Memento riguarda Leonard (Guy Pearce), determinato a trovare l’assassino non identificato di sua moglie. Senza un nome su cui basarsi, Leonard dà all’assassino il soprannome di Jimmy G. Ma sapete da dove viene questo nome? Nel libro L’uomo che scambiò sua moglie per un cappello, il dottor Oliver Sacks cura un paziente di nome Jimmy G. Il paziente, proprio come Leonard, soffre di una rara forma di amnesia retrograda e anterograda, il che significa che non è in grado di formare nuovi ricordi. Mentre Jonathan Nolan ha tratto ispirazione per la sceneggiatura dal suo racconto breve Momento Mori, l’opera di Sacks è stata più che fonte di ispirazione.

Cronologia

Che ci crediate o no, il montaggio di Memento salta ben 113 volte nella cronologia narrativa. Inoltre, un’analisi più attenta della struttura del film rivela una formula precisa. Il film è diviso in due filoni narrativi. Il presente è rappresentato nelle scene a colori e ha una sequenza alfabetica inversa (V-A). I flashback sono girati in bianco e nero e hanno una sequenza numerica lineare (1-22). Una volta combinati, la sequenza narrativa del film si svolge come segue: 1, V, 2, U, 3, T, 4, S, 5, R… ecc.

La scrittura

Durante tutto il film, Leonard usa caratteri cubitali quando scarabocchia i vari appunti e tatuaggi per rafforzare la sua memoria. Tutti tranne uno. Avete individuato l’unico caso anomalo? Quando Teddy implora Leonard di scrivere “non fidarti di lei” in riferimento a Natalie (Carrie-Anne Moss), per qualche motivo Leonard scrive la nota in corsivo invece che con i suoi caratteristici caratteri stampatelli. In seguito cancella la nota, suggerendo che qualcosa non andava fin dall’inizio.

Autocitazioni

Nolan si diverte molto a richiamare l’attenzione su se stesso e su sua moglie, Emma Thomas, in alcuni dettagli di sfondo in Memento. Il primo è il negozio di tatuaggi che Leonard frequenta spesso nel film. In onore di sua moglie, Nolan ha chiamato il negozio Emma’s Tattoos. Per non essere da meno, però, Nolan aggiunge in seguito un altro tocco personale mettendo la sua Honda Civic bianca nel parcheggio proprio accanto alla Jaguar di Leonard.

ADR

Nel gergo cinematografico, ADR sta per Automated Dialogue Replacement (sostituzione automatica dei dialoghi). Si tratta di un processo di ri-registrazione dei dialoghi che, per qualsiasi motivo, non sono venuti come previsto durante le riprese. In Memento, Nolan nasconde un pezzo del suo ADR in bella vista! Quando Teddy pronuncia la frase chiave “Non ne hai idea, pazzoide”, l’attore Joe Pantoliano non ha pronunciato le ultime due parole in modo soddisfacente per Nolan. Di conseguenza, Nolan ha registrato la sua versione della frase, che è quella che si sente quando Teddy completa la parte “pazzoide” della frase.

Sammy/Leonard Splice

Senza spoilerare la trama, si pensa che il personaggio di Sammy Jankis (Stephen Tobolowski) sia solo un prodotto dell’immaginazione distorta di Leonard. Un indizio visivo nascosto nel film rafforza direttamente questa teoria. Dopo la morte della moglie di Sammy, lo vediamo seduto in un ospedale psichiatrico. Proprio mentre qualcuno passa davanti a Sammy, e subito prima che il film passi a un’inquadratura di Leonard al telefono, sullo schermo appare rapidamente un’immagine subliminale di Leonard seduto sulla sedia dell’ospedale di Sammy.

Il tatuaggio sul petto di Leonard

Una delle immagini più iconiche del film mostra un Leonard esuberante che indica un punto vuoto sul suo petto. Dice a Natalie che lascerà quel punto libero finché non troverà Jimmy G. Tuttavia, un flashback rivela l’identità di Jimmy G. proprio davanti ai nostri occhi. Quando Leonard guida fino al negozio di tatuaggi, ha un flashback di lui e sua moglie a letto. Se prestate attenzione, potete vedere che lo spazio vuoto sul petto di Leonard, che prima era nudo, ora è riempito da un tatuaggio con la scritta “I’ve Done It” (Ce l’ho fatta).

Il numero di telefono di Teddy

Il numero di telefono di Teddy, 555-0134, vi dice qualcosa? Beh, si dà il caso che sia lo stesso numero di telefono che aveva Marla Singer in Fight Club, uscito un anno prima. Anche se questo è già abbastanza strano, c’è dell’altro sul numero di telefono di Teddy. Gran parte della narrazione riguarda Leonard che parla al telefono con persone che non riesce a ricordare. Durante una scena, tiene in mano una foto con il numero 555-0134 scritto nella parte inferiore dell’immagine. Questo è un indizio sottile che Leonard ha parlato tutto il tempo con Teddy, che più tardi scopriremo essere un agente di polizia che aiuta Leonard a vendicare l’omicidio di sua moglie.

Foto con scollo a V

Un altro agghiacciante parallelismo visivo tra Leonard e Sammy è disegnato sullo sfondo di Memento. Quando Leonard guarda la TV a casa di Natalie, una foto dietro di lui mostra un ago e una persona che indossa una maglietta bianca con scollo a V. Qualcuno ha idea di cosa significhi? Sammy Jankis ha ucciso accidentalmente sua moglie somministrandole una dose eccessiva di insulina mentre guardava la TV. Ancora più inquietante è il fatto che lo stesso maglione bianco con scollo a V che si vede nella foto è lo stesso indumento che indossa la moglie di Leonard in un’altra scena flashback.

Easter egg del DVD

Forse il dettaglio nascosto più interessante che si trova in Memento proviene dal materiale supplementare del DVD. Accedendo a un Easter Egg nascosto nel menu del DVD in edizione limitata, è possibile sbloccare una versione del film che viene riprodotta in ordine cronologico lineare. Ancora più gratificante è il fatto che, per sbloccare la versione lineare completa, è necessario rispondere correttamente a una serie di domande e risolvere un puzzle. Il compito è reso ancora più difficile dal fatto che i pulsanti di riavvolgimento, avanzamento rapido e salto dei capitoli sono disabilitati.

LEGGI ANCHE: Memento: 10 cose che non sai sul film

Black Hawk Down rappresenta uno dei momenti più incisivi nella filmografia di Ridley Scott, che nei primi anni Duemila attraversa una fase di forte rilancio creativo dopo il successo di Il gladiatore. Con questo film il regista britannico torna a esplorare la dimensione della guerra, adottando un approccio realistico e immersivo che si discosta dalle atmosfere epiche dei suoi lavori precedenti. Scott costruisce un racconto serrato, quasi documentaristico, in cui il campo di battaglia diventa un luogo claustrofobico e imprevedibile, mettendo in scena un cinema di tensione pura e di grande rigore visivo.

Il film si inserisce pienamente nel filone del war movie moderno, quello che privilegia il punto di vista dei soldati e la rappresentazione diretta del conflitto, senza filtri retorici. La regia utilizza un linguaggio vicino al reportage, restituendo l’intensità del combattimento attraverso un montaggio frenetico e una fotografia sporca, capace di immergere lo spettatore nel caos della guerriglia urbana. Questo stile, unito a una gestione sapiente del ritmo, ha contribuito a trasformare Black Hawk Down in un riferimento imprescindibile del cinema bellico contemporaneo.

L’accoglienza internazionale è stata notevole: il film ha ricevuto importanti riconoscimenti, tra cui due premi Oscar, e ha consolidato la reputazione di Ridley Scott come autore capace di coniugare spettacolarità e profondità. La storia alla base del film — solo accennata nella sua cornice storica — trae origine da una missione militare realmente avvenuta nei primi anni Novanta, poi divenuta uno dei casi più discussi della politica estera statunitense. Nel resto dell’articolo si esplorerà in modo più approfondito la vera storia che ha ispirato il film.

La trama di Black Hawk Dawn

In Somalia, durante la guerra civile, i Caschi Blu delle Nazioni Unite sono stati quasi tutti cacciati dalla milizia fedele a Mohamed Farrah Aidid, con base a Mogadiscio, che dichiara guerra al personale dell’Onu ancora presente. Inoltre, Aidid e i suoi uomini sequestrano le spedizioni alimentari della Croce Rossa per ridurre alla fame e sottomettere la popolazione del sud senza che i Caschi Blu siano in grado di intervenire. Gli Stati Uniti decidono, quindi, di mettere in campo tre forze operative speciali dell’esercito americano con l’obiettivo di entrare a Mogadiscio e catturare Aidid, che si è autoproclamato presidente.

Il piano è di svolgere l’intera azione in mezz’ora, arrivando sul posto, un edificio al centro di Mogadiscio, con quattro elicotteri UH-60 Black Hawk da cui scenderanno quattro unità di Rangers mentre gli uomini della Delta Force arresteranno tutti quelli che si trovano all’interno dell’edificio stesso. Tuttavia, il diciottenne Todd Blackburn (Orlando Bloom) è gravemente ferito mentre si cala da uno degli elicotteri e tre Humvees, guidati dal sergente Jeff Struecker, ricevono l’ordine di distaccarsi per riportare il soldato all’aeroporto, ancora sotto il controllo delle Nazioni Unite. A peggiorare le cose c’è l’abbattimento di uno dei Black Hawk e da quel momento la situazione degenera.

La storia vera dietro il film

La battaglia di Mogadiscio del 3‑4 ottobre 1993, nota anche come “Battle of Black Sea”, è all’origine del film. L’operazione, chiamata Operation Gothic Serpent, fu condotta da forze USA (Army Rangers e Delta Force) con l’obiettivo di catturare due luogotenenti del signore della guerra somalo Mohamed Farrah Aidid, nell’ambito di una missione più ampia di stabilizzazione sotto UNOSOM II. Tuttavia, quello che doveva essere un raid rapido si trasformò in un conflitto urbano prolungato quando le milizie locali attaccarono, schierarono barriere stradali, e abbatterono due elicotteri Black Hawk con razzi RPG.

Durante l’operazione, i Rangers e altri operatori furono bloccati vicino ai siti dei Black Hawk abbattuti. In uno dei crash venne coinvolto il pilota Michael Durant, che fu catturato e tenuto prigioniero per 11 giorni prima della sua liberazione. Altri due operatori, i soldati Delta Gary Gordon e Randy Shughart, si lanciarono volontariamente per difendere l’equipaggio con un coraggio estremo, ma persero la vita durante lo scontro. Le forze di soccorso, comprendenti convogli dell’ONU e veicoli militari, dovettero farsi strada in mezzo al fuoco per estrarre i sopravvissuti, in una notte di combattimenti intensi e disorganizzati.

Il bilancio delle vittime fu pesantissimo: circa 18 soldati americani uccisi e diversi feriti. Le cifre per le perdite somale sono meno precise, ma stime citate vanno da centinaia fino a oltre 1.000 tra miliziani e civili, anche se i numeri variano a seconda delle fonti. l conflitto ebbe un impatto duraturo sulla politica estera statunitense, contribuendo alla decisione di ritirare le truppe americane dalla Somalia.

Nel film di Ridley Scott, molti di questi eventi sono rappresentati in modo fedele, soprattutto la dinamica dell’abbattimento degli elicotteri e la successiva notte di scontri urbani. Tuttavia, alcune critiche riguardano la semplificazione di ruoli somali e la riduzione delle motivazioni politiche del conflitto. In particolare, il personaggio del Signore della Guerra Aidid e il suo contesto non sempre ricevono una rappresentazione completa della complessità etnica, economica e politica: secondo alcuni veterani, il film enfatizza l’eroismo americano a scapito della realtà locale.

Inoltre, come evidenziato da nuove testimonianze raccolte nella docuserie Netflix Surviving Black Hawk Down, le conseguenze umane della battaglia continuarono a farsi sentire per decenni. Sopravvissuti americani parlano di traumi persistenti, mentre molti civili somali ricordano le perdite e la devastazione nella loro città. Queste voci offrono un ritratto più sfaccettato e realistico rispetto al film, sottolineando l’importanza di non dimenticare il costo umano che va al di là della strategia militare.

La storia reale dietro Black Hawk Down è dunque quella di un’operazione che non andò come previsto: da missione di cattura si trasformò in una guerra urbana con alti costi per entrambe le parti. Il film di Scott riprende molti di questi elementi reali, ma alcune ricostruzioni e semplificazioni narrative hanno suscitato critiche. Le testimonianze raccolte nelle produzioni più recenti, come la docuserie, aiutano a colmare le lacune e a restituire un racconto più umano e completo dell’evento.

Brooklyn’s Finest (2009) rappresenta uno dei momenti più cupi e corali nella filmografia di Antoine Fuqua, regista che aveva già esplorato il lato più ambiguo dell’applicazione della legge in film come Training Day, Attacco al potere e The Equalizer – Il vendicatore. Con questo titolo, Fuqua ritorna a un approccio duro e realistico, costruito su un mosaico narrativo che intreccia le vite di tre poliziotti molto diversi tra loro. Il film si colloca in una fase della sua carriera segnata da storie tese, eticamente complesse e immerse nel degrado urbano, confermando il suo interesse per personaggi che vivono al limite.

Il film abbraccia pienamente il genere crime drama di stampo neo-noir, mettendo al centro temi come la corruzione sistemica, il senso di colpa, la redenzione mancata e il peso delle scelte morali in un contesto di violenza endemica. Ogni storyline indaga un diverso volto della polizia, dal veterano disilluso al detective infiltrato fino alla recluta che cerca di dimostrare il proprio valore a ogni costo. Questo approccio permette di rappresentare Brooklyn come un organismo ostile e opprimente, dove la linea tra dovere e sopravvivenza si fa sempre più sfumata.

Uscito in un periodo in cui il cinema crime americano proponeva opere come The Departed, Pride and Glory – Il prezzo dell’onore o I padroni della notte, Brooklyn’s Finest si distingue per la sua struttura tripartita e per un pessimismo radicale che attraversa ogni livello della narrazione. Fuqua realizza un film che non cerca un’unica verità ma tre differenti prospettive sul fallimento morale, dando al pubblico un quadro volutamente frammentato e doloroso. Nel resto dell’articolo si offrirà una spiegazione dettagliata del finale e del senso ultimo delle storie che il film intreccia.

La trama di Brooklyn’s Finest

Il film segue la vicende di tre poliziotti operanti nel Distretto 65, una delle zone più pericolose a nord di Brooklyn. Il primo di questi è Eddie, un agente prossimo alla pensione che non vede l’ora di poter abbandonare quel mestiere e ritirarsi ad una vita tranquilla lontana dallo stress della città. Depresso e infelicemente sposato, l’idea di trasferirsi in una baita nel Connecticut sembra essere l’unico motivo per alzarsi dal letto ogni giorno. Poco distante da lui vi è Sal, da 12 anni operante nella squadra antidroga. La sua vita è altrettanto complessa, avendo ben cinque figli, una moglie con problemi di salute e uno stipendio con cui fatica ad arrivare a fine mese.

Infine vi è Tango, agente che ha passato anni a lavorare sotto copertura come spacciatore, accettando anche di trascorrere un anno in carcere. La sua vicinanza al mondo criminale, però, lo ha profondamente cambiato, tanto da renderlo spesso poco incline ad arrestare quelli che ormai considera suoi amici, tra cui vi è Caz, criminale che in passato gli ha salvato la vita. Gestire le due realtà diventa però ogni giorno più difficile. Questi tre agenti, che pur lavorando nello stesso Distretto non si sono mai incontrati, sono destinati a incrociare il loro percorso in seguito ad un evento inaspettato, che li cambierà per sempre.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto di Brooklyn’s Finest, le traiettorie dei tre protagonisti convergono brutalmente all’interno dei complessi residenziali di Van Dyke, dove tutto ciò che hanno cercato di evitare diventa inevitabile. Sal, ormai schiacciato dal bisogno economico, si introduce nell’appartamento dei narcotrafficanti per recuperare il denaro necessario alla nuova casa, convinto di poter fare un’ultima, disperata mossa. In parallelo, Tango entra nello stesso edificio deciso a uccidere Red, tradito dalle istituzioni e furioso per l’esecuzione di Caz. Intanto Eddie segue la scia di un rapimento, ancora incerto sul senso del suo ultimo giorno da poliziotto.

Nel momento in cui i loro percorsi si intrecciano, il film accompagna lo spettatore verso una serie di risoluzioni tragiche ma coerenti con il degrado morale mostrato fino a quel punto. Sal riesce a mettere le mani sul denaro, ma viene ucciso da un ragazzo che lo aveva osservato aggirarsi tra i corridoi. Tango, dopo aver ferito Red, viene scambiato per un criminale e colpito da Rosario, che realizza troppo tardi l’errore. Eddie, invece, trova una stanza degli orrori nel seminterrato: affronta uno sfruttatore e libera le ragazze, compiendo il suo unico vero atto eroico prima di allontanarsi in silenzio.

Il finale porta a compimento l’idea centrale di Fuqua: tre uomini immersi nello stesso sistema corrotto, incapaci di salvarsi nonostante le intenzioni, le illusioni o il desiderio di redenzione. Sal muore inseguendo un sogno piccolo e umano, simbolo di come la povertà possa consumare ogni principio. Tango cade per mano della stessa polizia che serviva, schiacciato dalla logica ambigua dell’undercover e da un ambiente istituzionale che lo ha sfruttato senza riconoscerne il valore. Eddie sopravvive, ma il suo gesto finale è un’eccezione, non una rinascita.

Questa conclusione suggerisce che nessuno dei tre riesca davvero a uscire dal ciclo di violenza e frustrazione che definisce il mondo narrativo del film. L’eroismo, quando appare, è solitario, fragile e incapace di modificare il sistema che lo circonda. Fuqua mette a fuoco come scelte personali, condizioni sociali e strutture istituzionali collaborino nel determinare il destino dei personaggi, e quanto sia difficile per loro distinguere tra giustizia e sopravvivenza. Tutto converge nell’idea che l’etica individuale non basti quando il contesto è irrimediabilmente contaminato.

In chiusura, Brooklyn’s Finest ci lascia soprattutto un senso di disillusione: la convinzione che il confine tra bene e male sia spesso una linea mobile, plasmata da necessità, paure e menzogne. Il film non offre consolazione, ma un ritratto crudo e realistico di ciò che significa vivere e lavorare in un sistema che divora i suoi stessi servitori. Il messaggio sotteso è che, senza un cambiamento profondo delle strutture sociali e istituzionali, le storie di Sal, Tango ed Eddie sono destinate a ripetersi all’infinito, lasciando dietro di sé solo macerie morali.

Fin dalla sua presentazione alla Mostra del Cinema di Venezia, Adagio è stato accolto come un film profondamente radicato nella realtà, tanto da sollevare una domanda ricorrente: quanto di ciò che vediamo è tratto da fatti veri? Per rispondere bisogna prima comprendere il modo in cui Stefano Sollima costruisce il proprio cinema. Il regista non lavora quasi mai sull’adattamento diretto di eventi reali, ma su ciò che definisce “un realismo di sistema”: la capacità di raccontare dinamiche, atmosfere e meccanismi di potere che esistono davvero, anche se incarnati da personaggi e situazioni fittizie.

Adagio (la recensione), in questo senso, non è basato su una singola storia vera, ma è composto da tessere reali che riflettono il volto più oscuro della capitale. La trama inventata dialoga costantemente con la cronaca, con le inchieste, con gli scandali di corruzione e con la memoria criminale di Roma, restituendo un racconto che finge la finzione solo per poter dire la verità in modo più profondo.

Criminalità, corruzione e ricatti sessuali: elementi che rimandano a veri casi di cronaca

Una delle domande più frequenti riguarda il ricatto sessuale ai danni di un ministro ripreso in una festa orgiastica. Questo elemento, pur non essendo la ricostruzione di un caso specifico, riflette dinamiche emerse più volte nelle cronache italiane. La presenza di feste private in cui circolano droga, denaro e compromessi è documentata da indagini giudiziarie che negli anni hanno coinvolto imprenditori, politici e figure di potere. Sollima non copia un fatto preciso, ma prende nota di un meccanismo di sfruttamento e ricatto che in Italia – e in particolare a Roma – ha una lunga storia, dall’affaire Marrazzo fino ai casi legati a escort, minori e video amatoriali usati come arma politica o criminale. Anche la figura di Vasco, il maresciallo corrotto del ROS che gestisce materiale compromettente per conto di poteri oscuri, riflette un tipo di deviazione istituzionale non immaginaria. Nella realtà italiana, episodi di corruzione interna, dossieraggio illegale e rapporti opachi tra forze dell’ordine e criminalità organizzata sono stati al centro di commissioni parlamentari, indagini e sentenze. Adagio amplifica queste dinamiche ma non le inventa.

La banda della Magliana e l’eredità criminale: come il film dialoga con la storia di Roma

I personaggi di Daytona, Polniuman e soprattutto del Cammello appartengono dichiaratamente alla “tradizione” criminale della banda della Magliana, anche se non rappresentano individui realmente esistiti. Sollima non vuole rievocare i singoli membri dell’organizzazione, ma evocare un immaginario che la città conosce bene. La Magliana è stata uno snodo cruciale nella storia criminale italiana: un punto di contatto tra criminalità comune, terrorismo nero, servizi deviati, narcotraffico e giochi di potere che hanno attraversato Roma dagli anni ’70 agli anni ’90. Nel film, questi ex gangster diventano simboli di un mondo che sta scomparendo: uomini che hanno perso figli, libertà, salute e identità in una spirale di violenza che non produce né gloria né ascese epiche. Sono figure ispirate ai tanti “cattivi minori” della cronaca giudiziaria, persone schiacciate tra istituzioni deviate e clan criminali. In questo senso Adagio è profondamente realistico: non nel dettaglio biografico, ma nell’atmosfera di decadenza e di disgregazione morale che accompagna la fine di un’epoca criminale romana.

Gli incendi, i blackout e la Roma distorta: perché non sono invenzioni fantascientifiche

Una delle peculiarità del film è l’ambientazione in una Roma soffocata da incendi, roghi tossici e cali di tensione. Molti spettatori hanno pensato a un’operazione quasi distopica, ma Sollima stesso ha chiarito che si tratta di elementi realistici. Negli ultimi anni, Roma è stata colpita da numerosi incendi negli impianti AMA, da roghi nelle periferie, da black-out a catena che hanno messo in ginocchio interi quartieri. L’estetica apocalittica di Adagio nasce proprio da questo: la città è raccontata com’è, solo portata al limite per rendere visibile ciò che normalmente resta sullo sfondo. Non è futuro, non è fantascienza: è la Roma che, nei mesi estivi, si sveglia con l’odore di bruciato, con i palazzi anneriti, con le luci che saltano, con un trasporto pubblico spesso paralizzato. È un realismo spinto, che trasforma fatti diffusi ma quotidiani in un dispositivo narrativo coerente.

Il rapporto padre-figlio e il tema del riscatto: gli unici elementi davvero finzionali

Se molti aspetti del contesto derivano da realtà verificabili, la parte più marcatamente inventata del film è quella che riguarda il rapporto tra Manuel e le tre figure paterne della sua vita. Sollima definisce Adagio come il suo film più intimo, e ciò significa che la struttura emotiva – colpa, protezione, sacrificio, amore tardivo – è meno legata alla cronaca e più vicina a un impianto tragico universale. Il percorso di Manuel non ha un correlativo reale preciso: è la sintesi narrativa di tanti adolescenti cresciuti ai margini, sfruttati da adulti che cercano di manipolarli, e costretti a sopravvivere in un contesto in cui la famiglia biologica, quella scelta e quella criminale si sovrappongono fino a confondersi. In questo senso, la storia vera non è una storia singola, ma un insieme di storie invisibili che alimentano la cronaca nera di Roma e che il film traduce in forma cinematografica.

Adagio non è tratto da una storia vera, ma racconta verità che appartengono alla città

Il film non ricostruisce un caso giudiziario e non mette in scena fatti avvenuti punto per punto. Però racconta esattamente la Roma che chi ci vive conosce: una città dove la criminalità non è più glamour, dove i residui della banda della Magliana convivono con nuove forme di potere corrotto, dove i minori possono essere usati come strumenti di ricatto, e dove le istituzioni non sono sempre un antidoto al male, ma talvolta ne diventano il motore più subdolo. Adagio è una storia inventata che si regge su verità radicate nella cultura, nella memoria e nelle contraddizioni della capitale. Non è un fatto reale: è un fatto verosimile. Ed è proprio questa verosimiglianza a renderlo così disturbante.

Il thriller cult La mano sulla culla è stato rivisitato per un pubblico moderno e termina in modo più stimolante rispetto all’originale. Interpretato da Mary Elizabeth Winstead e Maika Monroe, il film è incentrato sull’avvocato Caitlin Morales che, dopo aver dato alla luce il suo secondo figlio, accoglie nella sua casa Polly Murphy, un’assistente all’infanzia in difficoltà, come nuova baby-sitter, ignara dei suoi piani di distruggere la sua famiglia armoniosa.

Dopo essere inizialmente riuscita a far sembrare Caitlin un pericolo per la famiglia, il finale di La Mano sulla Culla vede la protagonista scoprire finalmente la verità su Polly, il cui padre aveva abusato di Caitlin quando era più giovane. Non essendo riuscito a convincere nessuno, viene bruciato vivo dal personaggio interpretato dalla Winstead, causando anche la morte di tutta la famiglia di Polly. Dopo una lotta in cui Caitlin è stata pugnalata ma ha brevemente sopraffatto Polly, ha tentato di fuggire in auto con la figlia neonata, mentre Polly ha attaccato il parabrezza ed è morta dopo che si sono schiantate contro un’auto che sfrecciava nel quartiere.

Prima dell’uscita del film, Screenrant ha intervistato Maika Monroe, Mary Elizabeth Winstead e Mileiah Vega per discutere di La Mano sulla Culla. Alla domanda sul finale del film, che “sfuma davvero i confini tra vittima e cattivo”, la Winstead ha affermato che il climax “non è affatto trionfante” né per Caitlin né per Polly, cosa che le è piaciuta molto del finale.

Per quanto riguarda il suo personaggio, in particolare, Winstead ha sottolineato che gran parte della vita di Caitlin era stata caratterizzata da “tanti traumi repressi” e che lei stava “cercando intenzionalmente di andare avanti senza guarire davvero”. Pertanto, la personalità che seguiamo nel remake è “una persona completamente nuova” piuttosto che la vera Caitlin di quando era bambina, anche se “è impossibile fuggire da qualcosa del genere”:

Nel film, il rapporto con Polly è stato un fattore scatenante che ha fatto esplodere tutto, ma alla fine Caitlin deve essere se stessa. Non le è rimasto altro che la sua vera identità e, in un certo senso, questo è un sollievo. Tuttavia, c’è una grande tristezza nel fatto che sia finita in questo modo.

Nonostante il film finisca con Caitlin che riesce a scappare e uccide Polly, Winstead non lo vede come “un finale trionfante in cui alla fine si cattura il cattivo”. Al contrario, sente che “c’è sollievo nel fatto che, almeno ora, Caitlin possa essere semplicemente se stessa”, pensando che questo potrebbe “portarla a essere più felice in futuro”.

Per quanto riguarda Monroe, ha sentito che “era la cosa più importante per me amare davvero questo personaggio” per permettere a Polly di essere più di una semplice cattiva nel film. Questo non solo ha permesso alla star di “capirla”, ma anche di “non giudicare” le sue azioni e motivazioni, ed ha espresso la sua speranza che “le persone provino simpatia per lei” e che potenzialmente ne traggano “un po’ di comprensione per l’origine della sua rabbia”:

Ho dovuto interpretare il ruolo, ma gran parte di esso era già scritto nella sceneggiatura. Io e la [regista] Michelle [Garza Cevera] abbiamo parlato a lungo della sua infanzia, analizzando le conseguenze di quel trauma.

Tutto quello che abbiamo imparato sul cast di La mano che culla la culla

Maika Monroe: Adoro il genere horror e i film più spaventosi per me non devono necessariamente essere sanguinosi o disgustosi. Sono le cose che sembrano credibili, quelle a cui penso quando vado a dormire la sera. Ecco perché penso che questo film sia davvero realistico, ed è questo che lo rende davvero inquietante e disturbante. Mary

Elizabeth Winstead: Sì, esattamente. Ti affezioni così tanto ai personaggi, che sembrano così reali. Abbiamo cercato di creare questo senso di connessione, di rendere reali questi personaggi, in modo che lo spettatore possa percepire la loro paura e la loro ansia, immedesimarsi in loro e intraprendere questo viaggio terrificante.

Mary Elizabeth Winstead: Michelle è una collaboratrice incredibile, e la cosa che mi è piaciuta di più è stata poter parlare con lei del passato di Caitlin, di chi è e di come si presenta agli altri, scoprendo tutti gli strati intermedi. La cosa che mi piace di più è interpretare un personaggio che nasconde qualcosa, consciamente o inconsciamente, e che non è realmente se stesso. Poco a poco, si arriva a rivelare di cosa si tratta, il che è una sfida incredibile e molto divertente da affrontare come attore. Quando tutti quelli che ti circondano sono super talentuosi, è davvero facile. Si mettono insieme tutti i pezzi prima di iniziare, poi ci si presenta e lo si fa insieme. È il massimo.

Mileiah Vega: Adoro guardare i film thriller, sono così divertenti! Il fatto di poter recitare in uno di essi è fantastico. Questo è il mio primo grande film ed è stato fantastico. In realtà è stato molto divertente perché ho dovuto fare molti provini e richiami, e poi un giorno ero a casa mia a disegnare. Mia madre è entrata nell’ufficio e stava parlando al telefono con la signora Michelle. Mi ha passato il telefono e la signora Michelle mi ha detto: “Mileiah, hai ottenuto la parte!”. Ho iniziato a piangere. È stato fantastico!

Mileiah Vega: La cosa davvero fantastica del lavorare con lei, e del modo in cui mi ha aiutato con quelle scene, è che mi ha dato molti consigli di recitazione. Mi ha dato alcuni spunti su cui riflettere, che mi hanno aiutato molto. Mi ha semplicemente detto che, ogni volta che la scena diventava troppo difficile per me o succedeva qualcosa, potevo sempre chiedere cinque minuti di pausa. Questo mi ha aiutato molto, perché potevo davvero fare una pausa per calmarmi.

Mileiah Vega: È bello cambiare emozioni così rapidamente, ma è stato un po’ difficile perché non abbiamo girato le scene in ordine. Quindi, un giorno ero super felice e il giorno dopo dovevo essere emotiva e super triste. È stata una sfida, ma credo che in realtà mi abbia aiutato a migliorare. La mia insegnante di recitazione, la signora Kimberly, è stata molto gentile. Mi ha aiutato a entrare nella mente del personaggio. Per Emma, ho dovuto pensare molto a come si sente in ogni scena. Quando dicono “cut”, posso semplicemente tornare a essere Mileiah, ma devo ricominciare a entrare nella modalità Emma quando stiamo per girare di nuovo.

Mileiah Vega: Ho cercato di portare il più possibile in Emma perché quando Michelle ed io ci siamo incontrate di persona per uno dei richiami, abbiamo parlato di come rendere Emma più simile a me, in modo che mi sentissi più a mio agio con il ruolo. Mi piace il colore verde, quindi la signora Michelle ha fatto del verde il colore preferito di Emma. Suono il pianoforte, quindi in una delle scene si vede che Emma ha un pianoforte nella sua stanza.