Memory è il film del regista messicano Michel Franco in Concorso a Venezia 80. Il tema centrale del film che da anche il titolo al lungometraggio è ovviamente la memoria che fa da filo conduttore tra le storie: “Non sapevo di stare girando un film sulla memoria fin quando non l’ho finito. Mentre scrivevo e facevo ricerche ho realizzato che il concetto della memoria continuava a ritornare in tutte le pagine ed è poi il titolo che ho dato al film”, ha iniziato Michel Franco. La memoria viene trattata in tutte le sue forme, anche quando si tratta di perdita di memoria e in particolare della demenza. “La mia più grande paura è perdere la memoria, la mia mente. Se non sai chi sei, sei sempre te stesso ma se non ti ricordi da dove vieni è quella la cosa che mi fa più spaventare”, continua il regista.

Jessica Chastain e Peter Sarsgaard in Memory

Memory tratta della demenza che colpisce il personaggio di Peter Sarsgaard. L’attore si è commosso oggi parlando di suo zio che soffriva di CTE (encefalopatia traumatica cronica) ed è morto durante la Covid. “Si tratta di una persona che è stata molto importante nella mia vita, quindi ho sentito come una cosa magica il fatto che mi sia stato chiesto di interpretare qualcuno che ha avuto la demenza – a 52 anni, mio zio l’ha avuta a 48… Il suo spirito di positività e amore e grazia e perdono, anche fino alla fine. Ho pensato che fosse bellissimo“.

Jessica Chastain ha dichiarato di essere stata colpita dalla sceneggiatura di Memory e “dall’assenza di qualsiasi cliché. Mi ha commosso molto la storia di questa donna che ha vissuto il trauma della sua vita davanti a sé… e questo l’ha chiusa al mondo. In sostanza, ha smesso di vivere. È stato bellissimo assistere al suo viaggio per imparare a vivere di nuovo“.

Lo sciopero

“Ero molto nervosa all’idea di venire“, ha detto la Chastain, che indossava la maglietta nera in supporto allo sciopero SAG-AFTRA, rivelando che “in realtà alcune persone del mio team mi avevano sconsigliato di farlo. Sono molto consapevole di quanto sono fortunato. È una professione meravigliosa quella che possiamo svolgere come attori. Ci viene fatto credere di dover stare zitti per proteggerci. E spesso ci viene detto e ricordato quanto dovremmo essere grati. Questo è l’ambiente che, a mio avviso, ha permesso che gli abusi sul posto di lavoro restassero incontrollati per molti decenni. Ed è anche l’ambiente che ha imposto ai membri del mio sindacato contratti ingiusti”, continua l’attrice premio Oscar.

“Sono qui perché la SAG-AFTRA è stata esplicitamente chiara sul fatto che il modo di sostenere lo sciopero è quello di postare sui social media, camminare sui picchetti e lavorare e sostenere i progetti di accordo interinale. È quello che il nostro consiglio nazionale e la nostra leadership ci hanno chiesto di fare. E quando i produttori indipendenti, come quelli qui presenti, firmano questi accordi provvisori, fanno sapere al mondo e all’AMPTP che gli attori meritano un compenso equo, che le protezioni dell’AI devono essere implementate e che ci deve essere una condivisione dei ricavi dello streaming”, conclude.

L’80. Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia sta per giungere al termine e quest’oggi il regista francese Stéphane Brizé ha presentato in anteprima alla stampa il suo nuovo film Hors Saison. La trama di questo suo nuovo progetto ruota attorno a Mathieu (Guillaume Canet), che vive a Parigi, e ad Alice (Alba Rohrwacher) in una piccola località di mare nella Francia occidentale. Lui è un famoso attore in procinto di compiere cinquant’anni, lei un’insegnante di piano sulla quarantina. Innamorati quindici anni fa, successivamente separati. Il tempo è passato. Ciascuno ha preso la propria strada e le ferite si sono lentamente rimarginate. Quando Mathieu va in una spa per cercare di superare la malinconia che lo attanaglia, si imbatte in Alice.

Brizé ha svelato come mai, dopo essersi cimentato con vari film d’impianto sociale, si sia dedicato a un film sull’amore: “La stessa domanda mi era stata posta prima della trilogia Avevo gia affrontato tematiche sentimentali esistenziali, il rapporto madre figlia, ad esempio, come tutti gli esseri umani sono fatti di fasi diverse nella vita e sento il bisogno di raccontare fasi diverse a seconda del tempo che passa. Ho condiviso lo stato d’animo dei miei personaggi nel provare una profonda disillusione, che mi ha molto provato sia sul piano emotivo che fisico e sentivo la necessita di respirare come loro. Tutti noi abbiamo vissuto l’esperienza di una pandemia che ha costretto noi esseri umani, portati naturalmente al movimento, a stare fermi, chiusi nelle noste case, a fare i conti con quesiti esistenziai che ci hanno dato un senso di vertigine. Un momento della vita molto vero che io ho sentito la necessita di raccontare“.

In Hors Saison, è evidente che il regista ha apportato modifiche stilistiche rispetto alla maniera in cui è abituato a girare, pensando alla macchina a spalla dei film della trilogia: “Il film è fatto anche dai movimenti della macchina da presa e si prestava a una fissità delle inquadrature che sono comunque di formato diverso, campi molto larghi e personaggi piccoli rispetto al contesto in cui si trovano, quasi a deridere le loro vicissitudini umane“, ha spiegato.

Alba Rorhwacher ha invece ricordato il suo primo incontro con la sceneggiatura del film: “Quando ho letto la sceneggiatura la storia mi ha molto coinvolto: ho trovato un’aderenza nel modo in cui lui scriveva con la mia vita. Mi ha coninvolta, fatto piangere e ridere allo stesso momento. Il copione era molto potente e poi, durante questo film, ho incontrato un grandissimo regista con una visione molto precisa di quello che raccontava e io mi sono totalmente affidata nelle sue mani perche sentivo che erano delle mani che mi potevano reggere. Io che ho paura, sempre, non ho avuto paura. I confini miei si sono confusi con quelli del personaggio in totale armonia. La ricerca di Stéphane è la ricerca di una verità che io raramente trovo nel mio lavoro, mi è sembrato un miracolo e mi sono perduta. Anche Guillaume si è perduto nel lavoro di Stéphane e questo è il miracolo che accade nel nostro mestiere, raramente, per cui io dico ‘ecco perche lo faccio’“.

L’attrice ha poi raccontato come è stato lavorare assieme a Guillaume Canet: “Guillaume è un’anima gentile, abbiamo fatto un viaggio assieme dentro le mani di Stéphane. Ricordo la sua pazienza, il suo sguardo sempre attento, quando ieri ho rivisto il film mi ha straziato il ritratto che ha fatto del suo personaggio, la grazia con cui con poco ha raccontato questo residuo interiore enorme per lui e cosi quasi sciocco per altri. Ci siamo entrambi affidati a Stéphane e siamo diventati quello che lui ci ha chiesto di diventare. Quando succede questo è un qualcosa di unico che poi rimane nel lavoro. Io ieri ho guardato questo lavoro per la prima volta e ne ho riconosicuto la grandezza del processo lavorativo in quello che è diventato il film“.

Infine, Brizé si è esposto su una tematica attualissima e che rispecchia anche l’atmosfera in cui la trama del suo film prende piede: gli scioperi della SAG-AFTRA e della WGA: “Trovo assolutamente straordinario questo sciopero in un paese che fatica ad avere una rappresentaza sindacale, il fatto che un’industria come quella dello spettacolo si blocchi in un paese come gli Stati Uniti è un qualcosa di straordinario. Valgono tutte le regole di qualsiasi sciopero, anche Alba e io siamo operai artigiani nella scrittura e nella recitazione. Chiaro che diventa uno sciopero spettacolare perchè coinvolge un’azione che è emblematica della mercificazione del nostro mondo, affondata da in criterio di reddittività e profitto, ed è un’aberrazione che ha raggiunto livelli insostenibili. Siamo di fronte sicuramente uno sciopero potente, ci vuole coraggio come in tutte le altre forme di sciopero. Il mio sogno sarebbe che questo sciopero arrivasse a coinvolgere il mondo intero e tutti i settori industriali del capitalismo“.

Si è tenuta questa sera la proiezione ufficiale di Daaaaaali! (recensione), il nuovo film di Quentin Dupieux presentato fuori concorso Venezia 80, l’80esima Mostra d’Arte Cinematografica di Venezia. Sul red carpet il regista accompagnato dal cast, Anaïs Demoustier, Gilles Lellouche, Édouard Baer.

In merito al film il regista ha commentato “Per scrivere e dirigere questo tributo, mi sono connesso con la coscienza cosmica di Salvador Dalí e mi sono lasciato guidare, a occhi chiusi. Per prima cosa, il Maestro mi ha ordinato di reclutare diversi attori brillanti a cui affidare il suo personaggio (troppo complesso per un solo uomo); poi insieme abbiamo fatto visita a Buñuel per carpire alcune immagini e idee; successivamente mi ha condotto a forza nelle profondità della sua angoscia morbosa e nei suoi sogni per guidarmi; e infine ho quasi ritrovato il controllo del mio film, per farne semplicemente una dichiarazione d’amore nei confronti di quest’uomo. Come ha detto lo stesso Dalí, la sua personalità è stata probabilmente il suo più grande capolavoro. Il mio film racconta modestamente questa storia.”

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Si è tenuta questa sera la proiezione ufficiale di Lubo (recensione), il nuovo film di Giorgio Diritti presentato in concorso Venezia 80, l’80esima Mostra d’Arte Cinematografica di Venezia. Sul red carpet il regista accompagnato dal cast, Franz Rogowski, Christophe Sermet, Valentina Bellè, Noemi Besedes, Cecilia Steiner, Joel Basman.

Il regista ha commentato: “La lettura del romanzo Il seminatore di Mario Cavatore mi ha svelato vicende poco conosciute accadute in Svizzera per cinquanta anni, portandomi a riflettere sul senso di giustizia, sulle istituzioni, sul senso dell’educare e dell’amare. Ne è nato il film Lubo, da cui nello svolgersi degli eventi emerge quanto principi folli e leggi discriminatorie generino un male che si espande come una macchia d’olio nel tempo, penetrando nelle vite degli uomini, modificandone i percorsi, i valori, generando dolore, rabbia, violenza, ambiguità… ma anche un amore per la vita e per i propri figli che vuole sopravvivere a tutto e riportare giustizia.” Di seguito tutte le foto dal red carpet.

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Lubo è un nomade, un artista di strada che nel 1939 viene chiamato nell’esercito elvetico a difendere i confini nazionali dal rischio di un’invasione tedesca. Poco tempo dopo scopre che sua moglie è morta nel tentativo di impedire ai gendarmi di portare via i loro tre figli piccoli, che, in quanto Jenisch, sono stati strappati alla famiglia, secondo il programma di rieducazione nazionale per i bambini di strada (Hilfswerk für die Kinder der Landstrasse). Lubo sa che non avrà più pace fino a quando non avrà ritrovato i suoi figli e ottenuto giustizia per la sua storia e per quella di tutti i diversi come lui.

Presentato Fuori Concorso alla Mostra del Cinema di Venezia, The Penitent – A Rational Man è il nuovo film da regista di Luca Barbareschi, presente al Lido anche in qualità di produttore di The Palace, il film di Roman Polanski presentato anch’esso nella sezione Fuori Concorso. Intervistato per presentare la sua nuova fatica da regista, Barbareschi spiega innanzitutto il perché abbia scelto di adattare per il grande schermo un testo del drammaturgo David Mamet, da lui già portato in teatro.

In esso si racconta di uno psichiatra di nome Carlos David Hirsh, che vede deragliare la sua carriera e la sua vita privata dopo essersi rifiutato di testimoniare a favore di un ex paziente violento e instabile che ha causato la morte di diverse persone. L’appartenenza alla comunità LGBT del giovane paziente, il credo ebreo del dottore, la fame di notizie della stampa e il giudizio severo della legge, aggravati da un errore di stampa dell’editor di un giornale, sembrano essere gli elementi che fanno scatenare una reazione a catena esplosiva, che costringerà Hirsh a dover lottare per la verità.

“Ho scelto questo testo perché racchiude, grazie all’opportunità di un fatto di cronaca, tutta l’imbecillità e la violenza che c’è nei confronti di un pensiero diverso, che non dico che sia giusto ma penso che tutti abbiano idee diverse e non per questo siano necessariamente meglio o peggio, anzi è interessante avere un’idea diversa – spiega Barbareschi. “Questo film doveva farlo un altro attore, ma alla fine Mamet mi ha detto “secondo me sei più bravo tu, perché non lo fai?” e a quel punto mi sono trovato a confrontarmi con un personaggio in cui mi sono ritrovato moltissimo”.

“Proprio come capita al protagonista, tante volte è capitato anche a me di essere stato linciato dalla stampa e ho visto quanta sofferenza questo tipo di situazioni provoca. Alla fine non c’era più differenza tra quello che dicevo e quello che facevo e questo film è uno dei rari privilegi in cui il meccanismo della finzione, della rappresentazione, dà un’opportunità di offrire una restituzione affettiva allo spettatore, mediata da una realtà dei fatti molto forte”.

Mostra del Cinema di Venezia, tra omologazione e controversie

Barbareschi passa poi a parlare più in generale della Mostra di quest’anno, dove sono presenti autori controversi come il già citato Polanski e Woody Allen con Coup de Chance. Proprio durante il red carpet di quest’ultimo si è svolto un piccolo evento di protesta per la presenza del regista newyorkese. “Vedere insultato in quel modo Woody Allen mi ha fatto male al cuore. Se in quel gruppo ci fosse stato Gabriel Garcia Marquez, Joyce e Dante Alighieri, allora sarebbe stata un’interessante sfida ermeneutica tra giganti della letteratura che danno del mascalzone ad uno dei più grandi registi della terra”. 

“Invece erano un branco di imbecilli a cui la stampa ufficiale dà voce. Il giornalismo è importante se mantiene il sacerdozio della sua funzione, cioè della responsabilità”, continua a spiegare Luca Barbareschi. “Non ci può essere un giudizio morale sull’artista, peggio ancora un avviso di garanzia al passato. L’arte non è criticabile moralmente. Alberto Barbera penso abbia preso seriamente questa cosa e ha avuto il coraggio di presentare in questa Mostra, ovvero un’esibizione di arte, registi provocatori”.

“Io vorrei fosse ancor più provocatoria in realtà, vorrei essere stupito, anche disturbato! Sono cresciuto vedendo film dove non si capiva nulla ma uscivi dalla sala e sapevi di esserti confrontato con qualcosa che dice effettivamente delle cose. Troppo spesso invece il cinema si omologa, così come si è omologata la critica”.

Il ruolo della critica cinematografica

Luca Barbareschi passa allora a parlare della critica cinematografica, affermando che: “un tempo la critica proponeva dei saggi così precisi e chiari da riuscire davvero ad influenzare il pubblico. Nel tempo lo spazio per questo tipo di scrittura si è però ridotto, si è corrotto, si è mercificato e si è autoreferenzializato”.

“Nel momento in cui tu ti metti davanti al film, tu crei uno stallo per cui non è più importante il quadro, è importante il fatto che io guardi il quadro. – continua a spiegare il regista – Diventa più importante chi guarda dell’artista. Questo nella critica cinematografica è grave. Tu puoi parlar male di un film, ma non puoi dire “è peggio di Vanzina”, perché allora sei un imbecille, perché primo devi rispettare Polanski e poi analizzare il film se sei capace di farlo. Liquidare un’opera con poco svilisce la critica, la delegittima e alla fine è un danno per tutti”.

“Io credo che nessuno sappia le differenze tra le lenti che ho usato per The Penitent – A Rational Man. Se non lo sai vedi sfocata l’immagine sullo schermo e pensi sia un errore, mentre l’obiettivo era quello di tenere apposta una sfocatura per dare un senso di destabilizzazione. Questa è sapienza narrativa, io ho studiato per usare queste robe qua. Mi andrebbe bene che mi dicessero “Luca perché usi questo tipo di lenti che è come fare un errore sintattico?”, allora ti rispetto. Se no non ha valore il tuo giudizio, a quel punto tanto vale che ci leviamo la giacca e veniamo alle mani”, conclude Luca Barbareschi.

Alla Mostra del Cinema di Venezia 2023, oggi è il giorno di Lubo di Giorgio Diritti. Nel film, Franz Rogowski interpreta il nomade Lubo, un artista di strada che nel 1939 viene chiamato nell’esercito elvetico a difendere i confini nazionali dal rischio di un’invasione tedesca. Poco tempo dopo scopre che sua moglie è morta nel tentativo di impedire ai gendarmi di portare via i loro tre figli piccoli, che, in quanto Jenisch, sono stati strappati alla famiglia, secondo il programma di rieducazione nazionale per i bambini di strada (Hilfswerk für die Kinder der Landstrasse). Lubo sa che non avrà più pace fino a quando non avrà ritrovato i suoi figli e ottenuto giustizia per la sua storia e per quella di tutti i diversi come lui.

La stesura di Lubo

Alla conferenza stampa tenutasi questo pomeriggio, il regista ha raccontato dell’incontro con questo libro e di come ha deciso di trarne una sceneggiatura: “Un po’ di anni fa un’amica mi ha parlato di questo romanzo di Mario cavatore che parlava di questa vicenda particolare e ho avuto occasione di incontrare Mario con cui ho anche condiviso tante serate in compagnia fin quando c’è stato il romanzo mi ha colpito perché raccontava di questa vicenda un po’ particolare avvenuta in Svizzera in un paese che nell’immaginario comune e simbolo di democrazia e grande civilita. Questa storia è specchio dell’incapacità dell’uomo di capire la diversità che a mio avviso è invece di grande valore“.

“Rispetto al romanzo ho scelto un percorso differente sono stato molto di più sul protagonista perché mi sembrava interessante vivere con lui uomo che vive la sua normalità di artista di strada e a cui viene addosso qualcosa di molto drammatico che gli modificherà la vita. Importante sentire risvolti di questo in un uomo che vive l’angoscia della solitudine ma lotta comunque per avere un futuro. I protagonisti e le vicende parlano anche a noi in fondo i film sono dei viaggi un po’ onirici che spesso toccano anche la nostra coscienza ed è una delle grandi magie del cinema darci occasione di ripensare al valore della vita è degli altri“.

L’interpretazione di Rogowski

Franz Rogowski, internazionalmente noto come un interprete camaleontico, ha poi approfondito il suo lavoro sulle varie identità del personaggio e in che maniera questa storia lo ha toccato personalmente. “Questo carattere e una combinazione della storia nostra, della nostra identità europea. Collaborazione di costume, quello che è scritto, crei ogni giorno un piccolo pezzo di questa vita e diventa quasi sempre qualcosa che non ti aspettavi ma e il risultato della vita che hai avuto con questi artisti attorno. Ho studiato il testo, tre lingue che non sono le mie, un sacco da preparare in modo tecniche“.

Valentina Bellè è Margherita

Valentina Bellè ha espresso la sua gratitudine a Diritti per averla coinvolta in un progetto di tale rilevanza: “Ci siamo incontrati con Giorgio un anno fa e abbiamo fatto una lunghissima chiacchierata in cui ho avuto l’impressione che cercasse la persona prima del personaggio. Sul set nasce poi effettivamente quello che si vedrà e ti sorprende sempre non puoi mai prevedere cosa succcede. Tutti e due hanno subito il contesto della guerra in modi diversi. Margherita e una possibilità di amore sincero e tenerezza“.

L’internazionalità di Lubo

L’internazionalità è sicuramente la caratteristica produttiva che più identifica Lubo. I produttori del film hanno, a questo proposito, sottolineato come “il cinema italiano guarda oltre i suoi confini, è stato come scalare una montagna. Il film ha una grande complessità in più lingue, location storiche. Anche noi siamo diventati come il carro di LUBO, persi in un itinerario in cui era impossibile incastrare clima, riprese e necessità“. “Un film nomade pieno di eroi un sacco di lingue avventura straordinaria gestazione lunga e grazie alla tenacia di Giorgio come Rai cinema siamo molto orgogliosi e ringraziamo Giorgio“.

Infine, una riflessione sulle istituzioni e sulla violenza che ne deriva quando le leggi sono sbagliate: “Siamo molto vicini a una guerra che dura da tanto e di cui si raccontava qualche mese fa di bambini ucraini rapiti dai russi. Uno dei limiti dell’umanità malgrado gli sforzi e che gli errori ritornano. Ho avvertito la necessita di raccontare storia legata anche al cercare di dare un significato politico nel senso di sensibilizzare raccontando per che le persone abbiano un atteggiamento vigile nei confronti di tutti quegli elementi che portano a fare qualcosa contro la vita. In un ambiente di violenza subita spesso nasce una reazione il nostro protagonista ha un grande onore di farsi carico di una scelta responsabile per fare qualcosa per quei famigliari che sono ancora a lui vicini“.