L’unione delle vivaci luci al neon così tipiche della Hong Kong degli anni ’80, un sottobosco urbano oscuro e cupo costruito con intricati dettagli e un’azione esagerata ma appagante crea forse la combinazione perfetta per l’intrattenimento. Il nuovo thriller d’azione cinese di Hong Kong, Twilight of the Warriors: Walled In, diretto da Soi Cheang, lo dimostra brillantemente, e non c’è da stupirsi che il film sia già diventato il secondo lungometraggio nazionale di maggior incasso nello Stato cinese.

Il racconto ha inizio quando un immigrato clandestino di nome Chan Lok-kwun finisce nella città fortificata di Kowloon, inizia a diventare parte del mondo criminale sotterraneo fino a quando non vengono fatte alcune rivelazioni minacciose sulla sua identità. I dettagli intricati e la grandiosa produzione, una serie di superstar di Hong Kong che appaiono tutte insieme e, naturalmente, le scene d’azione incredibilmente coreografate rendono Twilight of the Warriors: Walled In un film assolutamente da vedere per gli appassionati di film d’azione asiatici.

La trama di Twilight of the Warriors: Walled In

Nelle strade della Hong Kong degli anni ’80, i nightclub e le discoteche sono spesso utilizzati come arene clandestine per scommesse e combattimenti, ed è proprio in una di queste che inizia Twilight of the Warriors: Walled In. Le porte di un nightclub vengono improvvisamente chiuse dall’interno e i presenti piazzano le loro scommesse mentre il locale si trasforma rapidamente in un’arena di gioco d’azzardo illegale. Due giovani vengono messi al centro di quella che solo pochi istanti prima era la pista da ballo e inizia un intenso combattimento tra loro.

Si tratta infatti di un ring di combattimento e le scommesse sono state piazzate proprio su questo evento, poiché è una cosa che accade regolarmente nel locale. Uno dei partecipanti riesce a vincere l’incontro dopo aver usato frammenti di vetro di bottiglie rotte per abbattere il suo avversario, e poi lo si vede avvicinarsi a un uomo che è chiaramente il proprietario del nightclub. Conosciuto come Mr. Big, l’uomo è un pericoloso boss della triade che ha molti investimenti illegali come l’arena di combattimento clandestina.

Quando il vincitore dell’incontro, Chan Lok-kwun, chiede il premio in denaro promesso dopo l’incontro, Mr. Big si rifiuta di pagarlo, volendo invece assumerlo per la sua banda della triade. Sebbene Lok-kwun rifiuti, affermando di aver bisogno dei soldi per acquistare un documento di identità di Hong Kong, poiché è un immigrato clandestino, Mr. Big non cede alla sua richiesta. Si offre di procurare a Lok-kwun un documento falso in pochi giorni, ma quando il protagonista raggiunge la fabbrica del boss mafioso, si scopre che si tratta di una falsa promessa.

Mr. Big vuole semplicemente umiliare Lok-kwun per aver rifiutato la triade e per essere stato così audace nei suoi confronti, e si rifiuta di dargli sia la carta d’identità che i soldi per i suoi combattimenti. Ma Lok-kwun non è uno che si arrende facilmente, e riesce a rubare una borsa dalla fabbrica, credendo che sia piena di mazzette di contanti. Mentre i gangster della triade iniziano immediatamente a inseguirlo, è sicuro che la borsa compenserà sicuramente il premio in denaro di cui è stato privato, ma Lok-kwun alla fine scopre che contiene cocaina. Anche se la droga gli frutterebbe molti più soldi, dovrà prima cercare uno spacciatore.

Per proteggersi dai gangster della triade, Chan Lok-kwun si rifugia nella città fortificata di Kowloon, piena di vicoli squallidi, cavi elettrici aerei, tubi del vapore e stradine strette. Qui, il protagonista cerca di vendere la borsa piena di droga, ma viene immediatamente attaccato dagli spacciatori locali per aver cercato di vendere nel loro territorio. Ora inseguito sia dagli scagnozzi di Mr. Big che dagli spacciatori all’interno della città fortificata, Lok-kwun si trova in grave pericolo quando il capo criminale di Kowloon, Cyclone, si offre di proteggerlo. Anche se Lok-kwun deve consegnare la borsa di cocaina al boss, Cyclone gli permette di rimanere all’interno della città fortificata, e il protagonista sembra trovare qui una nuova vita.

Lok-kwun vuole rimanere a Kowloon

Dopo essere entrato a Kowloon e aver trovato rifugio lì, Lok-kwun si rende conto che è molto diverso dal resto di Hong Kong. Infatti, il luogo in Twilight of the Warriors è basato sulla vera città murata di Kowloon, che negli anni ’80 era un centro di ogni tipo di attività illegale e criminale. Quando immigrati clandestini provenienti da varie parti del mondo arrivarono a Hong Kong, le autorità diedero loro rifugio a Kowloon, che naturalmente divenne una località senza legge. Poiché la polizia e l’amministrazione non potevano operare come di consueto in quel luogo, la città murata sviluppò un proprio sistema di governo e regole, tutte dettate da organizzazioni criminali e bande.

La città fortificata di Kowloon in Twilight of the Warriors è leggermente diversa dalla realtà, poiché segue alcuni eventi che si verificano solo nell’opera di finzione. All’inizio del film viene presentata la storia recente della città fortificata, che diventa fondamentale anche per la trama principale. Sebbene il posto sia estremamente malandato e sovraffollato, Lok-kwun inizia a sentirsi a casa tra le mura di Kowloon, e in fondo non è nemmeno così sconcertante. Il protagonista è un orfano senza alcuna famiglia, che in qualche modo è riuscito ad arrivare a Hong Kong in cerca di una vita migliore.

Tuttavia, si è presto reso conto che senza una carta d’identità che lo attestasse come cittadino, non avrebbe avuto alcuna possibilità di andare avanti nella vita, e dato che le abilità di Lok-kwun erano limitate, per lo più a metodi illegali, è finito per entrare a far parte delle triadi. È solo all’interno delle mura di Kowloon che stringe un forte legame con tre uomini della sua stessa età: Shin, il braccio destro di Cyclone; AV, kickboxer ed esperto medico; e Twelfth Master, un fidato combattente armato di katana. Per coincidenza, questi quattro si legano per la prima volta quando decidono individualmente di punire un uomo libidinoso dopo che questi ha estorto denaro e ucciso una donna indifesa.

In breve tempo, tra loro nasce un’amicizia molto profonda, al punto che il Dodicesimo Maestro decide di allearsi con Lok-kwun e difendere Cyclone contro gli ordini del suo capo, Tiger. Insieme a questa amicizia, Lok-kwun inizia anche a sperimentare la guida di Cyclone, che ammira come una figura paterna. Non c’è quindi da stupirsi che Chan Lok-kwun voglia rimanere a Kowloon nonostante tutti i crimini pericolosi e la possibilità che la città venga rasa al suolo.

La vera identità di Chan Lok-kwun

Sebbene Chan Lok-kwun si presenti come un immigrato clandestino a Hong Kong e lui stesso creda che questa sia la sua storia, in realtà la sua identità è molto diversa. Per inciso, è anche direttamente collegata a Kowloon, poiché Lok-kwun è nato proprio in questo luogo. Suo padre era Jim, il fidato scagnozzo del boss mafioso Lui Cheng-tung. Durante il regno di Lui, questi ordinava spesso l’uccisione spietata dei residenti e delle loro famiglie ogni volta che si opponevano a lui, e Jim eseguiva queste esecuzioni. Pertanto, quando Jim stesso fu finalmente ucciso, era certo che anche sua moglie e suo figlio neonato sarebbero stati uccisi dalla mafia vendicativa, quindi furono mandati via da Kowloon e da Hong Kong.

Per inciso, Jim era molto amico di Cyclone nella vita privata, anche se erano nemici sul fronte professionale. Infatti, fu Cyclone a uccidere Jim, poiché quest’ultimo non poteva abbandonare il suo amato capo, eppure Lui doveva essere rovesciato per il bene dei residenti. Ma fu anche Cyclone a salvare la moglie e il figlio dell’uomo e a mandarli via da quel luogo, e così aveva salvato la vita di Lok-kwun molto prima di questo incontro casuale. Tuttavia, uno dei più stretti collaboratori di Cyclone all’epoca, Dik Chau, era stato personalmente colpito dai massacri di Jim, poiché sua moglie e i suoi figli erano stati uccisi senza pietà per ordine di Lui.

Lui fu ucciso prima che Chau potesse essere ferito, e così l’uomo sopravvisse con il ricordo della sua famiglia sterminata davanti ai suoi occhi. Da allora, Chau ha cercato la famiglia di Jim per vendicare la sua perdita, poiché sapeva che lo scagnozzo aveva una moglie e un figlio, anche se erano scomparsi. Lok-kwun non ne sa nulla, però, poiché sua madre è morta quando era molto piccolo e non gli è mai stato detto chi fosse suo padre. È Cyclone il primo a identificare Lok-kwun come il figlio di Jim quando fa la barba al giovane, ma decide di tenerlo segreto a Chau, che è ancora in stretto contatto con Cyclone. Questo perché Cyclone crede sinceramente che i peccati del padre di Lok-kwun non dovrebbero influenzarlo, ma è Mr. Big che tradisce il protagonista a Chau nella speranza di sostituire Cyclone.

La spiegazione di cosa accade a Kowloon City

Scoppia il caos assoluto quando Chau identifica Lok-kwun come il figlio del suo nemico giurato e si schiera con Mr. Big, poiché Cyclone si rifiuta di lasciare che il protagonista venga ferito anche adesso. Mentre Cyclone viene ucciso dal braccio destro di Big, King, Lok-kwun riesce a scappare vivo, ancora una volta con l’aiuto di Cyclone e dei suoi complici. Mentre la struttura di potere di Kowloon viene sconvolta, Mr. Big approfitta del momento e intrappola anche Chau in modo da poter prendere completamente il controllo. Ma l’avidità di potere corrompe ovviamente tutti, e anche Mr. Big viene ucciso dal suo fidato complice, King.

Alla fine, è King a prendere il controllo di Kowloon City, ma non per molto, poiché Lok-kwun si riprende e torna per vendicare la morte di Cyclone. Incontra Tiger e scopre che Shin, AV e il Dodicesimo Maestro sono ancora vivi; così, ha luogo anche una riunione. Nel finale di Twilight of the Warriors: Walled In, Chan Lok-kwun riesce a sconfiggere King, nonostante quest’ultimo sia quasi invulnerabile grazie ai suoi poteri soprannaturali. Curiosamente, nemmeno King sa cosa possa privarlo dei suoi poteri, e così, quando in modo spavaldo ingoia un frammento di spada, la sua forza soprannaturale svanisce e lui torna ad essere mortale.

È in questo momento che Lok-kwun uccide King e ripristina la pace a Kowloon City, salvando anche Chau insieme a Shin. Sebbene Lok-kwun e i suoi amici riescano a salvare la loro città dai criminali, non sono in grado di proteggerla dalle autorità, poiché Kowloon Walled City viene infine demolita nel settembre 1993.

John Wick 4 (qui la recensione) ha un significato molto profondo per la storia del suo personaggio principale. In questo quarto capitolo della saga, il leggendario assassino interpretato da Keanu Reeves sta lottando per sfuggire definitivamente alla morsa della Gran Tavola e si ritrova coinvolto nella guerra più straziante che abbia mai combattuto. Con il suo vecchio amico Caine (Donnie Yen) costretto a dare la caccia a John per salvare sua figlia, John viene a sapere da Winston (Ian McShane) che potrebbe riuscire a sconfiggere definitivamente la Gran Tavola e il loro rappresentante designato, il Marchese de Gramont (Bill Skarsgård), attraverso un duello.

Il finale di John Wick 4 prende però una piega inaspettata quando John muore dopo il duello con Caine, ma c’è molto di più di quanto sembri. Al di là delle acrobazie mozzafiato e delle sequenze d’azione, questo quarto film racconta l’obiettivo finale di John di definire la propria eredità. Come già accaduto in precedenza nella saga di John Wick, anche questo film è molto più complesso di quanto sembri a prima vista. In questo approfondimento, andiamo dunque ad esplorare il significato dietro gli eventi che lo caratterizzano.

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John Wick 4 riguarda il costruire da sé la propria storia

All’inizio di John Wick 4, John è già una leggenda nella cultura degli assassini come il mitico Baba Yaga, ma ha trascorso gli eventi degli ultimi tre film essenzialmente in una battaglia costante. Con nemici da tutte le parti e i suoi sforzi per ritirarsi continuamente rovinati, John ha dovuto fare i conti con la sua vita e la sua eredità dopo la morte di sua moglie Helen e del cane che lei gli ha lasciato, Daisy. L’arco narrativo di John in questo quarto film riguarda quindi la sua decisione di prendere il controllo della sua eredità e definirla per se stesso, piuttosto che lasciare che sia determinata dalla Gran Tavola.

Il marchese de Gramont, al contrario, vede l’eredità di John come un mezzo per elevare la propria. Come molti assassini che lo hanno preceduto, la gloria di essere l’uomo che finalmente ucciderà Baba Yaga è ciò che motiva il marchese de Gramont. Vuole anche rendere il risultato il più grandioso possibile ed estende la sua missione alla distruzione del New York Continental e all’uccisione di Charon (Lance Reddick) per inviare un messaggio che l’intera eredità di John, compresi i suoi amici e alleati, verrà eliminata.

Come l’arte e l’architettura in John Wick 4 rivelano il loro vero significato

L’enfasi che John Wick 4 pone sull’eredità e sulla storia è evidente anche nelle ambientazioni del film. Il film utilizza infatti opere d’arte classiche ed edifici ricchi di storia come sfondo, spesso riadattandoli per inserirli nel mondo dell’universo di John Wick. La Torre Eiffel ne è un esempio lampante, poiché ospita una stazione radiofonica da cui viene annunciata la taglia sempre più alta sulla testa di John agli assassini che lo inseguono.

L’incontro tra John e Caine prima del duello in una cattedrale è un altro esempio: i due uomini ricordano le loro vite e la loro amicizia poche ore prima di affrontare un duello da cui solo uno dei due potrà uscire vivo. Con altre ambientazioni come l’Arco di Trionfo e il Sacré-Cœur di Parigi come scenari chiave per le scene d’azione, John Wick 4 utilizza la grande storicità dei suoi ambienti per evidenziare la storia di John stesso che raggiunge il suo apice tanto atteso. Questo obiettivo è ancora più profondo con i rispettivi ruoli di John e Caine nella storia.

Il film 4 sottolinea l’importanza della scelta nella propria mitologia

Quando John e Caine si incontrano per il loro duello al Sacré-Cœur, John ha preso una decisione cruciale sulla propria vita e sulla propria eredità. Dopo essere stato ferito a morte da Caine, John spara e uccide il marchese de Gramont, che stava tentando di “dare il colpo di grazia”. Dopo aver scambiato alcune ultime parole con Caine e Winston, John muore sui gradini, avendo scelto di farlo per consolidare la sua eredità secondo i suoi termini. John sa che Caine si trova in una posizione terribile e essenzialmente si sacrifica per aiutarlo, cogliendo anche l’occasione per eliminare il marchese de Gramont al fine di riparare alla corruzione della Gran Tavola.

John non è l’unico a fare scelte così importanti, dato che il cieco Caine rivela di aver volontariamente donato i suoi occhi alla Gran Tavola, indicando di avere una prospettiva simile a quella di John nel mantenere la propria voce in capitolo sulla sua eredità (e prefigurando il finale di John Wick 4). Inoltre, dopo aver ucciso Shimazu Koji (Hiroyuki Sanada) nella loro battaglia con la spada per arrivare a John, Caine è pienamente consapevole che sua figlia Akira (Rina Sawayama) verrà a vendicarsi di lui, dimostrando di comprendere che la sua scelta di combattere Koji avrebbe avuto delle conseguenze.

La lapide di John Wick completa il percorso del personaggio

Quando Winston e il Bowery King (Laurence Fishburne) visitano la tomba di John nella scena finale del film, la lapide di lui la dice lunga sull’eredità che ha lasciato. Questa infatti recita “John Wick, marito amorevole”, secondo la richiesta che aveva fatto a Winston all’inizio del film. John era riuscito ad assaporare una vita normale con Helen nei cinque anni del suo pensionamento, e quella vita è ciò che ha cercato di riconquistare sin dall’inizio della serie. Nella scena finale di John Wick 4, dunque, finalmente ci riesce.

Piuttosto che essere ricordato per la sua vita come Baba Yaga, John vuole essere ricordato come un uomo normale che ha amato sua moglie prima della sua morte. Sepolto accanto a Helen, John riesce finalmente a liberarsi dalla sua vita di assassino e ad essere ricordato per la vita che ha cercato e che ha potuto vivere per alcuni anni. Tutto questo chiarisce il motivo per cui questo quarto film termina in questo modo.

Perché John Wick doveva morire nel finale di John Wick 4

Il film e l’intera serie di John Wick mostrano che John ha dovuto affrontare a lungo ostacoli insormontabili, con un mare infinito di nemici che lo perseguitavano. John stesso ha fatto i conti con questa situazione in John Wick 4 e sta combattendo una battaglia molto più esoterica. Per John, negare il potere della Gran Tavola su di lui e lasciare la sua eredità come uomo che ha abbandonato il mondo degli assassini per diventare un marito amorevole è il suo vero obiettivo. Con la vita della figlia di Caine in pericolo e i suoi amici che diventano bersagli tanto quanto lui, John sa che deve compiere il sacrificio estremo, ma non lo vede come una sconfitta.

Agli occhi di John Wick, la Gran Tavola non poteva esercitare il suo potere su di lui come Baba Yaga, né poteva cancellare l’amore che aveva provato con Helen. John Wick può morire in pace sapendo di averli tenuti entrambi lontani da loro. Tutto questo rende John Wick 4 uno dei capitoli più importanti, se non il più importante, del franchise di John Wick. È un film che parla di eredità, storia e controllo di entrambe per se stessi, con John che afferma per sempre che essere stato un marito amorevole è molto più importante per lui di quanto lo sia mai stato il suo status leggendario di Baba Yaga.

I franchise cinematografici vengono rivisitati continuamente. Che si tratti di reboot, remake, prequel o sequel tradizionali, nessun film classico è al sicuro dalla resurrezione. Il più delle volte si ottiene il cinico ampliamento del marchio, ma ci sono invece momenti in cui un regista prende le redini di una serie amata, rivelandosi meno interessato a rivisitarla per semplice nostalgia che a esaminarla e ricontestualizzarla, producendo così un nuovo classico. Non c’è esempio migliore del film del 2015 Creed – Nato per combattere, sequel della serie Rocky.

Si tratta di un film che affronta in modo intimo i temi del dolore, dell’eredità, della perseveranza e dell’identità. Il regista Ryan Coogler (Black Panther, I peccatori) ha portato l’immediatezza viscerale e il naturalismo (e la star) del suo debutto a basso budget del 2013 Prossima fermata: Fruitvale Station in una serie hollywoodiana molto amata che era in gran parte finita. Rocky Balboa del 2006 è stata una conclusione tardiva della storia del personaggio principale, realizzata in gran parte perché lo sceneggiatore, regista e protagonista Sylvester Stallone non aveva apprezzato Rocky V del 1990, che originariamente aveva un finale più tragico. Non c’era più molto da raccontare sul personaggio, soprattutto secondo la visione di Stallone.

Il punto di vista esterno di Coogler era quindi necessario e rivelatore. Invece di continuare a ripetere i ritmi narrativi familiari della serie, ha trovato nuove strade per aggirarne le convenzioni. Il cambiamento più grande del film è stato mettere da parte Rocky (Stallone) a favore di Adonis Johnson (Michael B. Jordan), il figlio illegittimo del defunto amico di Rocky, Apollo Creed (Carl Weathers). Il secondo cambiamento più grande è stato quello di riportare la serie alle sue origini.

 

Le origini di Creed

È difficile immaginare un film di Rocky che superi l’inizio originale con il tono di Creed – Nato per combattere. Un centro di detenzione minorile nella Los Angeles degli anni ’90, pieno di ragazzi che sono finiti dalla parte sbagliata della legge. Quelle prime scene raccontano una storia a sé stante. Quando uno dei ragazzi si rivela essere Adonis “Donnie” Johnson, figlio di Apollo Creed, è difficile non pensare a quanto facilmente avrebbe potuto finire nel baratro. Se non fosse stato il figlio di un pugile estremamente ricco e famoso, probabilmente sarebbe successo.

Invece, viene accolto dalla moglie di Apollo, Mary Anne (Phylicia Rashad), che lo cresce nel lusso. Passano 17 anni, lasciando il loro rapporto in gran parte inesplorato, ma vediamo abbastanza per capire la profondità del loro affetto reciproco. Vediamo anche che lei odia la boxe, un hobby che Donnie da adulto abbraccia invece con entusiasmo, volando a Tijuana nei fine settimana e lavorando in un ufficio durante la settimana. La sua passione è travolgente: lo vediamo fare shadowboxing guardando filmati del padre e lo vediamo lasciare il lavoro per perseguire ciò che desidera davvero: combattere.

Il naturalismo low-key del film è ben lontano dalla grandiosità che ha caratterizzato la serie Rocky. In Rocky IV, Apollo Creed muore mentre affronta un pugile russo apparentemente sovrumano di nome Ivan Drago (Dolph Lundgren), in uno dei capitoli più ridicoli della serie, anche se Stallone ha cercato di renderlo autentico. Creed – Nato per combattere non parla però tanto delle relazioni internazionali al culmine della Guerra Fredda, quanto dell’uomo al centro della storia, il padre che non ha mai conosciuto e la figura paterna che troverà.

Nuova vita a Philadelfia

Quando la sua palestra locale lo rifiuta, Donnie lascia dunque Los Angeles per le strade di Philadelfia, sperando di ricongiungersi con il rivale e amico del suo defunto padre, Rocky. Quest’ultimo si è ritirato dopo gli eventi del film del 2006. Come la palestra che Donnie aveva cercato in precedenza, anche Rocky rifiuta l’invito ad allenare Donnie. È solo quando il ragazzo gli chiede di un incontro non ufficiale tra Apollo e Rocky, avvenuto alla fine di Rocky III, che il vecchio si interessa a lui.

Così Donnie si allena, chiamando Rocky “Unc” per tutto il tempo, e il film si assesta su un ritmo rilassato familiare ai fan di “Rocky”. Invece di trovare modi tradizionali per allenarsi, Donnie cattura polli e aiuta a rifornire il ristorante di Rocky. Sta anche migliorando nella boxe. Lontano dalle tragiche circostanze della sua infanzia e dalla sua adolescenza più protetta nell’alta società, ha la possibilità di trovare se stesso, abbracciando per la prima volta i rigori dell’allenamento e la gioia di seguire le orme di suo padre.

Donnie ha anche l’opportunità di innamorarsi di una musicista locale di nome Bianca (Tessa Thompson) che, come Adriana (Talia Shire) nei primi due film di Rocky, è un personaggio a tutto tondo, più che un semplice interesse amoroso che ha un rapporto complicato con la boxe. La sua passione per la musica e la sua rapida perdita dell’udito si riflettono in modo unico anche su Rocky e Donnie.

Costruire un’eredità

Donnie non si fa però chiamare Adonis Creed. Si fa chiamare Adonis Johnson, sperando di forgiare la propria identità al di fuori di ciò che ha realizzato suo padre, famoso in tutto il mondo. Ma man mano che la sua fama cresce nella comunità della boxe, diventa sempre più difficile. La sua vittoria contro Leo “The Lion” Sporino (Gabriel Rosado), raccontata in un’unica ripresa avvincente e mozzafiato, lo ha portato sotto i riflettori. Quando il suo nome viene divulgato alla stampa, il suo senso di realizzazione personale viene compromesso, poiché viene considerato semplicemente il figlio illegittimo di suo padre.

Ecco perché diventa il bersaglio principale del pugile di Liverpool “Pretty” Ricky Conlan (Tony Bellew), campione mondiale dei pesi massimi leggeri, che sta per andare in prigione e spera di ottenere una facile vittoria contro un pugile famoso prima di entrare in carcere. La sua unica condizione è che Donnie cambi il suo cognome in Creed. Poiché il film si sforza così tanto di mostrare semplicemente i suoi personaggi mentre vivono, questi momenti sono ancora più dolorosi.

Di fronte alla sfida di un campione del mondo, Donnie sta per perdere anche il suo allenatore: la diagnosi di un tumore di Rocky lo spinge sull’orlo della disperazione. Il regista Ryan Coogler ha spesso citato la diagnosi di cancro di suo padre come fonte di ispirazione per Creed – Nato per combattere, solo uno degli elementi che rendono il film così personale per lui. “Questa è la storia che volevo raccontare”, ha detto al Philadelphia Inquirer, una storia di come il dolore e la paura possano diventare un potente carburante, di come la preoccupazione per il futuro non debba impedirti di lottare.

Andare fino in fondo

Il film vola quindi verso il suo incontro culminante mentre Rocky affronta il dolore della chemioterapia e Donnie l’ansia di dimostrare il proprio valore. Anche Mary Anne e Bianca sono preoccupate, spaventate da ciò che attende Donnie, come è giusto che sia. L’incontro finale lega insieme le storie di Rocky e Donnie, con il vecchio che esprime gratitudine per l’ambizione e la determinazione del suo allievo, che a sua volta hanno contagiato lui. Quando l’incontro volge a favore di Conlan, Donnie crolla a terra, risvegliandosi solo all’immagine mentale di suo padre all’apice della sua potenza.

Rocky si sente in colpa per aver aiutato Donnie a partecipare, sempre più preoccupato per la sua incolumità. Ma Donnie continua, perché ha bisogno di dimostrare, in definitiva, che lui “non è un errore”. È una scena emozionante. Se non spettacolare come la sequenza girata in un unico piano sequenza all’inizio del film, è molto più coinvolgente dal punto di vista drammatico, alternando clip della trasmissione HBO dell’incontro e l’incontro stesso, dove ogni colpo diventa una minaccia sempre più grande.

Donnie va fino in fondo, accettando finalmente il nome Creed. Perde l’incontro, ma riesce a dimostrare di essere un pugile affermato a pieno titolo. Non solo un nome, e non solo l’eco della leggenda di suo padre. L’epilogo del film è delicato come il resto, con Donnie e Rocky, abbattuti ma non sconfitti, che salgono i familiari gradini di pietra del Philadelphia Museum of Art. Nel primo film, quell’immagine simboleggiava la determinazione e la volontà del protagonista di scalare la vetta. Qui, diventa un riflesso dell’interpretazione del film sul tema dell’eredità, una metanarrativa sul significato di rivisitare un vecchio franchise e un omaggio all’amato Rocky.

Lady Bloodfight è il film d’azione del 2016 diretto da Chris Nahon, regista francese noto per il suo lavoro su Kiss of the Dragon. Ambientato principalmente a Hong Kong, il film si colloca nel solco dei classici tornei di arti marziali del cinema anni ’80 e ’90, aggiornando però la formula con una protagonista femminile e un cast quasi interamente composto da donne combattenti. La pellicola è caratterizzata da uno stile visivo dinamico, un montaggio serrato e coreografie marziali spettacolari che pongono al centro la fisicità e la potenza delle sue interpreti. In particolare, si distingue la performance di Amy Johnston nel ruolo di Jane, una giovane americana coinvolta in un torneo clandestino di combattimenti all’ultimo sangue noto come il Kumite.

Il film è dunque, a tutti gli effetti, un omaggio ai grandi classici delle arti marziali come Bloodsport e Mortal Kombat, ma riletto in chiave contemporanea e femminile. Il regista imposta la narrazione su binari semplici ma efficaci: l’allenamento, l’ascesa della protagonista, il confronto con un sistema brutale e corrotto. A fare la differenza è però proprio la centralità delle donne in un genere solitamente dominato da eroi maschili. Lady Bloodfight sfrutta questo ribaltamento per offrire una riflessione sui temi del potere, del riscatto personale e della determinazione.

Il viaggio di Jane, da giovane disorientata a lottatrice consapevole, si carica così di un valore simbolico che va oltre il semplice intrattenimento. Tra scontri violenti, legami di sorellanza e vendette incrociate, il film mette in scena un microcosmo in cui la forza fisica è l’unica legge. Tuttavia, sotto la superficie del combattimento, emergono tematiche legate all’identità, alla resilienza e all’affermazione del sé. Nei prossimi paragrafi esploreremo in dettaglio il finale del film, soffermandoci sul significato della scelta narrativa conclusiva e su come essa chiuda coerentemente il percorso evolutivo della protagonista.

La trama di Lady Bloodfight 

Protagonista del film è Jane Jones, una giovane donna dal passato tormentato con un talento innato per il combattimento e un forte senso di giustizia. In viaggio per Hong Kong alla ricerca del padre scomparso, si ritrova coinvolta in un mondo oscuro e brutale: un torneo clandestino di arti marziali tutto al femminile noto come Kumite. Segreto e leggendario, il Kumite vede sfidarsi le più temibili lottatrici del mondo in combattimenti all’ultimo sangue, dove sono in palio gloria, rispetto e denaro. Le regole sono poche, la violenza è estrema, e solo le più forti sopravvivono. Per sopravvivere in questo contesto, Jane viene allenata da Shu, ex campionessa e maestra di arti marziali, che vede in lei un potenziale straordinario.

Ma dall’altra parte del ring c’è proprio la rivale di Shu, Wai, che allena una combattente altrettanto talentuosa e determinata, l’agguerrita Ling. Mentre il Kumite si avvicina tra combattimenti, rivalità e allenamenti estremi, Jane e Ling si trovano al centro di un conflitto più grande. Oscure trame legate alla criminalità organizzata e a un giro internazionale di scommesse illegali minacciano di travolgerle entrambe, e le due ragazze, destinate a scontrarsi, scopriranno di dover unire le forze per sopravvivere e cambiare le regole di un gioco mortale.

La spiegazione del finale del film

Nel finale di Lady Bloodfight, Jane si ritrova dunque nell’incontro decisivo del Kumite contro Ling, la campionessa imbattuta e allieva della sua ex-maestra Shu. Lo scontro è carico di tensione, non solo per la posta in gioco – la sopravvivenza e l’onore – ma anche per i legami personali e i conflitti irrisolti tra le due combattenti e le rispettive mentori. Il combattimento è intenso, coreografato con uno stile visivo che esalta la fisicità delle due protagoniste. Entrambe si spingono al limite, mostrando non solo abilità tecniche ma anche una profonda determinazione interiore. In un momento cruciale, Jane ha l’opportunità di uccidere Ling ma sceglie di risparmiarla, rompendo così il ciclo di violenza cieca su cui si fonda il torneo.

Questa scelta si rivela fondamentale. In un ambiente dominato dalla brutalità e dalla legge del più forte, Jane dimostra che la vera forza risiede nella compassione e nel controllo. Il gesto di pietà verso Ling rappresenta una presa di distanza dalla logica del Kumite, che trasforma le donne in macchine da guerra per il divertimento di un’élite corrotta. Jane, pur avendo vinto secondo le regole del torneo, ridefinisce il significato della vittoria stessa, opponendosi alla logica distruttiva del sistema. In questo senso, il finale assume una connotazione etica che eleva il film oltre il puro action.

Subito dopo la vittoria, il torneo viene interrotto e disgregato grazie anche all’intervento delle autorità, segno che l’equilibrio di potere sta cambiando. Jane riesce a liberarsi non solo fisicamente, ma anche simbolicamente: ha conquistato il rispetto delle altre combattenti, ha mantenuto la propria integrità e ha aperto una breccia in un mondo che sembrava impenetrabile. Il rapporto con Shu, inoltre, si conclude con una nota di riconciliazione: la maestra comprende il valore della scelta della sua allieva e la rispetta, pur rimanendo legata alla sua filosofia più dura.

Il finale di Lady Bloodfight chiude così un arco narrativo coerente con i temi del film: l’emancipazione femminile, il superamento dei limiti imposti dalla società e il rifiuto della violenza come unico linguaggio possibile. Jane emerge non solo come vincitrice del Kumite, ma anche come simbolo di una nuova via, in cui la forza è al servizio della dignità e non della distruzione. Per raggiungere questo status ha ovviamente dovuto attraversare prove durissime e grandi dolori, tra cui la scomparsa del padre, ma è riuscita a non farsi sottomettere da tutto ciò e anzi a reagire con il cuore alle leggi della violenza.

Ogni maledetta domenica è l’epico film sportivo del 1999 diretto da Oliver Stone (regista di film come Platoon, Wall Street, Nato il quattro luglio o il più recente Snowden), che racconta la storia della squadra di football americano Miami Sharks nel suo percorso per riconquistare la gloria perduta. Ad allenare la squadra è Tony D’Amato, un allenatore veterano stanco del mondo, il cui atteggiamento ribelle gli è costato la fiducia del giovane proprietario della squadra.

Il film segue dunque la squadra nella sua corsa verùso i playoff dell’Associated Football Franchises of America, con un cast stellare che vede protagonisti Al Pacino, Jamie Foxx e Cameron Diaz. Il film ha in qualche modo polarizzato la critica e dati alcuni precisi eventi e situazioni di Ogni maledetta domenica, ci si potrebbe chiedere quanto della storia sia basato su eventi reali. In questo articolo andiamo proprio alla scoperta di questo aspetto, tra gli elementi di verità presenti nel film e fino alle fonti di ispirazione per il celebre discorso del protagonista.

Ogni maledetta domenica non è direttamente basato su una storia vera

La risposta più rapida è che no, Ogni maledetta domenica non è basato su una storia vera. Tuttavia, Oliver Stone ha infuso un po’ di verità nel racconto, intrecciando la finzione con episodi di vita reale. Per realizzare il film, Stone ha infatti approfondito la storia del football professionistico. La prima versione della storia era una sceneggiatura intitolata “Monday Night”. L’ex tight end Jamie Williams e il giornalista sportivo Richard Wiener avevano collaborato alla stesura della sceneggiatura. Per la maggior parte delle informazioni, Stone si è poi avvalso dell’aiuto del libro “You’re Okay, It’s Just a Bruise: A Doctor’s Sideline Secrets” di Rob Huizenga.

Huizenga era un medico tirocinante dei Los Angeles Raiders negli anni ’80. In quel periodo, i Raiders stavano vivendo un periodo d’oro. Hanno partecipato ai playoff della NFL per quattro anni consecutivi, dal 1982 al 1985. Ha lavorato sotto la guida del medico veterano Dr. Robert T. Rosenfeld, e il titolo si ispira alla sua abitudine di liquidare le lesioni dei giocatori con un “Stai bene. È solo un livido”. Di conseguenza, il personaggio immaginario James Wood diventa l’immagine speculare del medico reale. Inoltre, l’infortunio al collo e il rischio di morte del linebacker centrale Luther “Shark” Lavay rispecchiano un incidente realmente accaduto a Mike Harden.

Stone acquisì anche “On Any Given Sunday”, una sceneggiatura separata di John Logan, che in seguito scrisse “Il gladiatore”. Nel frattempo, Stone incorporò anche una terza sceneggiatura nel mix, “Playing Hurt” di Daniel Pyne, e la storia iniziò gradualmente a prendere forma. Tuttavia, il regista sembra aver fatto di tutto per rendere il film il più autentico possibile in termini di realismo. Voleva persino acquisire i diritti per utilizzare i loghi originali delle squadre, ma ciò non si è concretizzato. Secondo il regista, la NFL ha attivamente scoraggiato i giocatori reali dal partecipare al progetto. Tuttavia, diversi giocatori hanno fatto il provino per vari ruoli secondari nel film.

Allo stesso tempo, è possibile identificare alcuni atleti leggendari dalle loro apparizioni cameo. Il wide receiver dei San Francisco Terrell Owens ha infatti accettato di partecipare. L’atleta nella vita reale è apparso in un cameo, segnando due touchdown per la squadra. D’altra parte, il quarterback dei Miami Dolphin Dan Marino non ha onorato il film della sua presenza. Tuttavia, ha permesso alla troupe di girare nella sua casa. La casa di Cap Rooney, infatti, era di proprietà di Dan nella vita reale. Molti giocatori dell’Arena Football League, un campionato di football indoor che è stato interrotto nel 2019, partecipano poi al film.

Inoltre, tra le star che compaiono in cameo ci sono alcuni nomi di peso: Dick Butkus, Y. A. Tittle, Warren Moon, Johnny Unitas, Ricky Watters e persino l’allenatore professionista Barry Switzer. Stone ha anche ottenuto l’autorizzazione a girare in alcuni grandi stadi, dall’Orange Bowl Stadium di Miami all’iconico Hard Rock Stadium, sede dei Miami Dolphins. Il regista voleva anche che la sua squadra immaginaria mostrasse un vero spirito atletico. Ha quindi chiamato degli esperti di football per addestrare i membri del cast. Sean Combs, che il regista aveva inizialmente scelto per il ruolo di Willie Beaman prima che fosse assegnato a Jamie Foxx, non ha potuto partecipare a causa di un conflitto di impegni.

La vera storia dietro il discorso di Al Pacino

In ultimo, ci si potrebbe chiedere quale sia stata l’ispirazione dietro l’ardente discorso dell’ultimo minuto di Tony D’Amato prima della partita dei playoff. Anche quello è basato su un discorso motivazionale reale. Il discorso del coach della NFL Marty Schottenheimer alla sua squadra, i Cleveland Browns, durante la partita del campionato AFC del 1989 ha costituito la base del discorso. Il monologo di D’Amato inizia con tono stanco, dicendo ai giocatori: “Siamo all’inferno, signori”. Eppure riesce a descrivere le gravi difficoltà in un modo che ti fa venire voglia di sfidarle:

“Perché in entrambi i giochi, nella vita e nel football, il margine di errore è così piccolo: basta mezzo passo in ritardo o in anticipo e non ce la fai. Mezzo secondo di ritardo o di anticipo e non riesci a prenderla. I centimetri che ci servono sono ovunque intorno a noi… E o ci rialziamo, ora, come squadra! … o moriremo come individui. Questo è il football, ragazzi. Tutto qui“.

In seguito, Stone ha affermato che la tesi del discorso, che traccia un parallelo tra le difficoltà incontrate nel gioco che si è scelto e la vita stessa, è stata ripresa da un discorso che aveva tenuto agli studenti di cinema. Il regista ha raccontato: “Si basava su un discorso che stavo tenendo agli studenti durante i miei tour nei college, in cui parlavo di ciò che mi era successo in Vietnam e di ciò che accade nei film. Ricordo di aver fatto l’analogia dei sei pollici davanti al mio viso, questa combinazione di guerra e strategia, esperienza personale e istinto. Volevo inserire tutto questo nel football. È un omaggio alla differenza tra tirare avanti e avere davvero successo, tra vincere e perdere”.

Potrà anche aver ottenuto importanti riconoscimenti, ma cosa significa davvero il finale di Tár? Diretto da Todd Field, il film racconta la storia di Lydia Tár, una direttrice d’orchestra immaginaria la cui vita incredibilmente brillante va in pezzi dopo che una serie di scandali vengono alla luce. La complessa narrazione di Tár è accompagnata da temi ricchi e stratificati, che richiedono un’analisi più approfondita.

Tár è uscito nell’ottobre 2022 e il dramma musicale con Cate Blanchett è stato uno dei protagonisti della stagione dei premi 2022-2023. Come protagonista del cast di Tár, Cate Blanchett ha vinto il Golden Globe come migliore attrice in un film drammatico, e Tár è entrato nella top 10 dell’anno agli AFI Awards. Tár è stato anche candidato a sei Oscar, tra cui quello per il miglior film. Ci sono molti elementi da analizzare nel finale di Tár, tra cui i momenti salienti della trama, i temi e le domande senza risposta.

Cosa succede nel finale di Tár

Le scelte di Lydia la mettono alle strette

Tár segue diversi aspetti della vita di Lydia Tár mentre vanno in pezzi contemporaneamente, intrecciandoli in un tragico crescendo. Nel finale, Lydia Tár è oggetto di proteste e polemiche, che le fanno perdere il lavoro alla Julliard e la prestigiosa posizione di direttrice d’orchestra per la registrazione dal vivo della Quinta Sinfonia di Mahler. Questo fa precipitare Lydia in una spirale ancora più profonda, con la moglie Sharon (Nina Hoss) che le impedisce di vedere la figlia. Al culmine della sua depressione, Lydia aggredisce il direttore d’orchestra che l’ha sostituita, finendo così nella lista nera.

Il successo di Tár ai Golden Globe e agli Oscar è dovuto all’equilibrio che riesce a creare con Lydia alla fine del film. Alla fine di Tár, Lydia trova lavoro nelle Filippine, segnalando che la direttrice d’orchestra potrebbe avere una seconda possibilità. Tuttavia, una scena in un bordello suggerisce che Lydia porterà per sempre il peso della colpa per aver abusato sessualmente dei suoi studenti. Mentre Lydia dirige la sua ultima orchestra nel film, la telecamera fa una panoramica e rivela che sta eseguendo dal vivo la colonna sonora della serie di videogiochi Monster Hunter.

Il finale di Tár era un’allucinazione?

Il mondo di Lydia diventa drammaticamente assurdo

Una delle interpretazioni del finale di Tár è che gli eventi siano un’allucinazione. Se questa interpretazione è corretta, Tár potrebbe essere uno dei film più strani e astratti in cui Cate Blanchett abbia mai recitato. A partire dal momento in cui Lydia lascia la sua auto nel condominio abbandonato, la fotografia e il montaggio di Tár cambiano drasticamente, con riprese fluttuanti e errori di continuità intenzionali che rendono chiaro che qualcosa non va. Le scene successive mostrano le proteste contro Lydia aumentare drasticamente in un modo che non sembra logico.

Questa lettura sembra reggere, e Tár ha più senso se le scene finali sono un’allucinazione indotta dal senso di colpa, con il finale del film che si svolge interamente nella testa di Lydia. Le scene in cui aggredisce il direttore d’orchestra e vede la donna che assomiglia a Olga (Sophie Kauer) nel bordello non hanno molto senso se tutto ciò che appare sullo schermo è inteso come reale. Tár suggerisce costantemente che la lotta di Lydia contro la depressione sta peggiorando nel corso del film, e questo si adatta a questa interpretazione della disconnessione di Lydia dal mondo reale alla fine di Tár.

Ulteriori prove che il finale di Tár era un’allucinazione

La scena finale di Lydia è girata in modo diverso

Il finale di Tár mostra una caduta in disgrazia di Lydia Tár. Da compositrice di fama che influenza la prossima generazione di musicisti, diventa una persona che dirige la colonna sonora di un videogioco per un gruppo di cosplayer nel sud-est asiatico. L’idea che lei componga la colonna sonora di Monster Hunter è di per sé significativa, poiché ci chiede se lei sia un mostro o se ora si consideri tale. L’idea è che Tár continuerà a fare musica e nessuno la fermerà, indipendentemente dallo scopo della musica.

I suoni che sente, la paranoia che affronta, il pendolo stesso: tutto è gotico e horror come qualsiasi altro elemento horror.

Tuttavia, l’idea del “mostro” che compone musica per i cosplayer di Monster Hunter mette davvero in luce ciò che potrebbe essere l’allucinazione di questa scena specifica. Il motivo per cui così tante persone vedono questa scena come un’allucinazione o un sogno è perché l’intera scena è molto strana. È girata con un realismo così accentuato che non si adatta al resto del film. Tuttavia, i suoni che sente, la paranoia che affronta, il pendolo stesso sono tutti elementi tipici dell’horror gotico.

In una lettura gotico-horror, Lydia Tár è perseguitata da un fantasma, che in questo caso sarebbe Krista Taylor, la sua ex protetta che ha escluso dalla sua cerchia. Questo ha portato al suicidio di Krista, e tutto ciò che Lydia affronta dopo sembra quasi una punizione mentale e psicologica che si infligge a se stessa. Crede davvero di meritare tutto ciò che le accade, anche se non lo dice apertamente. Dal ticchettio del metronomo alle urla nel bosco, Tár è perseguitata. I “mostri” alla fine giocano su questo.

Perché Tár finisce con Lydia, interpretata da Cate Blanchett, che dirige Monster Hunter

Il titolo del videogioco è incredibilmente azzeccato

Per essere un film così serio e cupo, Tár ha un finale stranamente leggero, con Lydia che dirige davanti a un pubblico dal vivo di fan di Monster Hunter in cosplay. Tár entra nei dettagli dei successi passati di Lydia, spiegando che ha scritto libri ed è coinvolta in diversi progetti prestigiosi all’inizio del film. Lydia ha anche vinto un Emmy, un Golden Globe, un Oscar e un Tony, a testimonianza della sua carriera di successo. Questo si contrappone al finale di Tár, in cui Lydia dirige l’ultimo brano che chiunque si aspetterebbe.

Monster Hunter è stato scelto per la sinfonia finale di Lydia per via del titolo, anche se questo non viene esplicitamente detto durante il finale di Tár.

Il personaggio di Lydia è presentato come pretenzioso in fatto di musica, che guarda dall’alto in basso ciò che considera mezzi inferiori, come i videogiochi. Quindi, il fatto che Lydia diriga la serie di videogiochi e film Monster Hunter è una battuta finale che mostra come la sua vita sia stata capovolta. Su quel palco, davanti a tutti i cosplayer, Lydia è chiaramente umiliata. Tuttavia, il finale mostra anche che la sua ossessione per la perfezione musicale non finirà mai, con la scena che sembra dare il via ai tentativi di Lydia di tornare ai vertici del mondo della musica.

Anche la scelta di Monster Hunter proprio per il finale di Tár è probabilmente deliberata. Dopo tutto, si sarebbe potuta scegliere qualsiasi musica di un videogioco, e alcuni potrebbero chiedersi perché non sia stata scelta una colonna sonora più riconoscibile come quella di Super Mario o The Legend Of Zelda. Monster Hunter è stato scelto per la sinfonia finale di Lydia a causa del suo titolo, anche se questo non è esplicitamente dichiarato durante il finale stesso.

Monster Hunter è una scelta perfetta dal punto di vista tematico, data la percezione che Lydia ha di sé stessa, sia da parte sua che degli altri, come un “mostro”. L’aspetto del “cacciatore” può essere interpretato sia come il senso di colpa che la perseguita per sempre, sia come una metafora del pubblico e dei media che perseguitano Lydia per tutto il film Tár.

Il finale di Tár conferma che Lydia Tár è una cattiva?

Le sue azioni sono certamente malvagie

Ci sono due lati della medaglia sul fatto che Tár sia davvero una cattiva. Giudicata esclusivamente dalle sue azioni, Lydia Tár dovrebbe senza dubbio essere considerata una cattiva attrice. È incredibilmente severa con i suoi studenti, lanciandosi in invettive razziste che spingono uno dei suoi allievi ad abbandonare il suo corso. Peggio ancora, Lydia adesc

Dopo che una studentessa di nome Krista ha cercato di andarsene, Lydia l’ha inserita nella lista nera del settore, spingendola al suicidio. Il ripetuto schema di adescamento rende Lydia Tár una cattiva, e il film la mostra mentre viene finalmente chiamata a rispondere delle sue azioni.

Lydia è una cattiva, ma il film lascia che sia il pubblico a determinarlo, piuttosto che dirlo esplicitamente.

Il film stesso, tuttavia, non definisce direttamente Lydia una cattiva. Tár è raccontato dal punto di vista di Lydia, con il personaggio interpretato da Cate Blanchett che cerca costantemente di giustificare le sue azioni a se stessa. Lydia è una cattiva, ma il film lascia che sia il pubblico a determinarlo, piuttosto che dirlo esplicitamente. Questo ha reso Tár controverso, ma questa scelta rende anche la storia molto più complessa e coinvolgente.

Il vero significato di Tár

Il film è un’esplorazione dei modelli di abuso

Tár presenta le conseguenze dell’abuso di Lydia. Il film parla di come si creano, si mantengono e alla fine si distruggono le dinamiche di potere abusive. Nel corso del film, Lydia inizia nuove relazioni abusive con i suoi studenti mentre nasconde quelle passate, continuando il suo ciclo di sfruttamento sessuale. La complessità di Tár ha senza dubbio contribuito al suo successo agli Oscar del 2023, ed è importante che metta in evidenza il modo in cui la posizione di potere e influenza di Lydia rende inevitabile che qualsiasi relazione con i suoi studenti sia abusiva.

Tuttavia, Tár esplora le bugie che gli abusatori raccontano a se stessi nel tentativo costante di giustificare le loro azioni. Durante la discussione registrata tra Lydia e la sua studentessa, le due parlano dell’idea della cultura della cancellazione. Il film passa poi il resto della sua durata a creare una situazione in cui la cancellazione di qualcuno è giustificata, mostrando che se le persone parlano, questi abusi di potere possono essere rimediati. Sebbene questi siano i temi principali, c’è molto da capire in Tár, che affronta idee complesse uniche a questa storia.

Il finale di Tár contribuisce ad assicurarne il successo

Il film è stato accolto con grandi elogi

Sebbene il pubblico potrebbe desiderare che il finale di Tár venga spiegato in modo da rispondere a tutte le domande, il film preferisce lasciare le cose in sospeso. Questo potrebbe contribuire alla reazione contrastante del pubblico a Tár, ma è probabilmente un altro motivo per cui il film è stato uno dei favoriti della stagione dei premi.

Il film avrebbe potuto avere un finale più soddisfacente, con Lydia completamente distrutta dalle sue azioni o sulla via della redenzione. Tuttavia, il film non è interessato a giocare sul sicuro, e offre invece un finale che continua le complessità della storia e si attiene a un approccio più realistico.

La scena finale consolida la posizione umiliante in cui Lydia si trova ora.

Lydia perde tutto ciò che le è caro per mostrare le conseguenze delle sue azioni, ma il finale mostra anche che la sua passione per l’arte rimane intatta. Eppure, la scena finale consolida la posizione umiliante in cui Lydia si trova ora. Il risultato è una storia completa che è stata accolta con grande entusiasmo, portando Tár a sei nomination agli Oscar e a Cate Blanchett alla vittoria dei Golden Globe.

Una scena tagliata aiuta a spiegare il finale di Tár

Il finale di Tár è abilmente ambiguo e lascia lo spettatore con molte domande, sia sulla moralità complessa e sfumata della trama, sia sul fatto che i momenti finali siano realmente accaduti. Tuttavia, c’è una scena tagliata di Tár che chiarisce meglio sia la trama che il destino finale di Lydia. Lo ha rivelato la montatrice Monika Willi. Parlando con Variety, Willi ha spiegato che una scena chiave tagliata rivelava tutti gli effetti dell’insonnia di Tár e contribuiva notevolmente a spiegare il suo stato mentale:

“Nonostante tutto il suo talento, [Tár] è isolata dal mondo e ricade nella sua insonnia. È nel suo appartamento. Suona, ma sente anche dei rumori, Lydia suona i suoni che sente e cerca di liberarsene. Abbiamo messo insieme quelle scene in cui è molto sola, e poi siamo passati al Mahler V. Movimento I. Trauermarsch. Battuta 20, che colpisce il pubblico e ci mostra tutta la sua professionalità”.

Sebbene questa scena non spieghi completamente tutto il film, mostra che Tár è un personaggio incredibilmente tormentato. Le sue omissioni hanno aggiunto ambiguità al film perché, se fosse stata inclusa, avrebbe potuto essere vista come la storia di una donna che perde il contatto con la realtà, piuttosto che come la moralità dietro le sue scelte, come Tár alla fine è stata nella versione definitiva.

Come è stato accolto il finale di Tár

Con sei nomination agli Oscar e un punteggio del 91% su Rotten Tomatoes, Tár è stato sicuramente un successo di critica. Tuttavia, nonostante il grande successo, il finale inaspettato ha causato qualche divisione. Mentre il finale di Tár è stato generalmente considerato una conclusione appropriata per la storia e un tocco di umorismo nero che chiude il cerchio, molti critici non sono d’accordo sul significato reale del finale. Alcuni hanno ritenuto che il film condannasse Lydia nei suoi momenti finali e che addirittura all’inizio presentasse la sua arroganza come la causa della sua rovina.

Clarisse Loughrey, critica cinematografica per The Independent, ha sottolineato la scelta del film di iniziare con i titoli di coda dei membri della produzione spesso trascurati, piuttosto che con quelli degli attori, dei produttori e del regista, come avviene normalmente nei titoli di testa. Alla fine del film, questa scelta sembra commentare la visione egoistica che Lydia ha degli altri e il fatto che dimentichi di essere parte di qualcosa di più grande di lei:

È sorprendente che Field abbia scelto di dividere i titoli di coda del suo film. Tár si apre con tutti coloro che lavorano dietro le quinte, che raramente ricevono un assaggio di fervida adulazione – i tecnici, gli assistenti, i location scout – e si conclude con gli attori e i musicisti che siedono in cima alla piramide. Lydia può rifiutarsi di vederlo, ma Tár ci ricorda che il genio non vive mai da solo.

Tuttavia, altri critici hanno ritenuto che il film fosse più complesso nella sua visione di Lydia e che il finale mettesse in discussione la validità di un’artista di tale talento che non è più in grado di condividere il proprio talento con il mondo. RogertEbert.com‘s Glenn Kenny ha suggerito che il finale pone domande difficili al pubblico:

Alla fine, “TÁR” non è una diatriba o una parabola, ma un interrogativo che cerca di coinvolgere gli spettatori e di costringerli a riflettere sul proprio posto nella questione.

È interessante notare che alcuni vedono il finale di Tár non come l’umiliante sconfitta di Lydia, ma piuttosto come l’inizio della sua rinascita. Il direttore d’orchestra Somtow Sucharitkul ha condiviso la sua opinione sul finale in questo modo, ritenendo che suggerisca che Lydia non sarà tenuta a terra (tramite THR):

Prima della sua partenza per il vecchio “paese asiatico senza nome”, scopriamo che si è già reinventata una volta, abbandonando il suo passato decisamente “white trash” per il fascino esotico di un nome dall’accento buffo. Non sono affatto sicuro che non sarà lei ad avere l’ultima risata in questa storia.

Il thriller è innegabilmente uno dei generi più amati e popolari del cinema mondiale. Le intricate vicende che si costruiscono all’interno di questi film sono in grado di tenere con il fiato sospeso fino all’ultimo, e i complessi personaggi inseriti in problematiche enormi sono quanto mai comprensibili e coinvolgenti. Su tali caratteristiche si basa anche La fredda luce del giorno, diretto nel 2012 da Mabrouk El Mechiri, qui al suo primo grande film con un cast stellare.

Vengono qui rielaborati una serie di scenari classici del thriller, con una ricerca di indizi che condurrà soltanto all’ultimo ad avere un quadro completo della situazione. Fino a quel momento, si assisterà a dinamiche sequenze d’azione e anche a momenti più intimi e famigliari, che portano nel film una vasta gamma di sentimenti ed emozioni. Questi consentono così di generare una certa apprensione per le vicissitudini del protagonista.

Pur essendo passato in sordina, grazie anche alla presenza dei suoi noti attori, il titolo è stato piano piano riscoperto, entusiasmando i fan del genere. In questo articolo, approfondiamo dunque alcune curiosità relative a La fredda luce del giorno. Proseguendo qui nella lettura sarà possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e alla spiegazione del finale. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama di La fredda luce del giorno

Protagonista del film è Will Shaw, un giovane analista finanziario di San Francisco. Sebbene la sua società stia rischiando il fallimento, l’uomo decide di andare a trovare la sua famiglia in Spagna per trascorrere insieme qualche giorno a bordo di una barca sulla Costa Brava. Ciò gli permetterà di allontanarsi momentaneamente dai problemi incombenti sul suo lavoro e sul suo futuro. Giunto sul luogo, Will viene accolto con grande entusiasmo dai genitori Martin e Laurie Shaw.

Tuttavia, anche quell’idilliaco momento è destinato ad infrangersi ben presto. Ritornato da una lunga nuotata, Will si accorge di uno scenario particolarmente preoccupante sulla barca dei suoi genitori. I due sono scomparsi e tutto è stato messo completamente sottosopra, segno che qualcuno è stato lì in cerca di qualcosa forse poi non trovata. Istintivamente, Will si rivolge alle autorità, scoprendo però suo malgrado di trovarsi coinvolto in una faccenda molto più complessa e grande di lui.

Il cast del film

Ad interpretare il protagonista Will Shaw vi è l’attore Henry Cavill, qui al suo ultimo ruolo prima di assumere i panni di Superman in L’uomo d’acciaio. Al momento di recitare in La fredda luce del giorno, l’attore era reduce però dal film Immortals, dove interpretava il guerriero Teseo e per il quale aveva assunto un fisico possente e particolarmente muscoloso. Al fine di poter assumere il suo ruolo in questo thriller, però, si è dovuto sottoporre ad una ferrea dieta al fine di perdere quel fisico.

Ad interpretare sua madre Laurie, invece, si ritrova l’attrice Caroline Goodall, recentemente vista in Hunter Killer – Caccia negli abissi. Suo padre Martin è invece l’attore Bruce Willis. Affascinato dalla sceneggiatura e dalla misteriosità del suo personaggi, questi accettò di partecipare al film. A causa di numerosi altri impegni, però, l’attore dovette girare tutte le sue scene nel minor tempo possibile. Pur essendo indicato come uno dei protagonisti, compare nel film per meno di mezz’ora.

Rafi Gavorn ed Emma Hamilton interpretano Josh Shaw, fratello di Will, e la sua fidanzata Dara Collins. La candidata all’Oscar Sigourney Weaver, attrice celebre per la saga di Alien, interpreta la controversa agente della CIA Jean Carrack. Infine, Veronica Echegui è Lucia Caldera, figlia di un amico di Martin, la quale aiuterà Will nella sua ricerca della verità. Joseph Mawle è, infine, il killer Gorman.

La spiegazione del finale del film

Nel finale de La fredda luce del giorno, Will si ritrova quindi al centro di una spirale di tradimenti e rivelazioni mentre cerca disperatamente di salvare la propria vita e quella della sua famiglia. Dopo una lunga fuga e una serie di scoperte shock — tra cui il fatto che suo padre Martin era in realtà un agente della CIA coinvolto in un traffico internazionale di informazioni — Will affronta l’ultimo scontro con i veri antagonisti: Carrack), agente corrotta dell’intelligence americana, e i suoi complici. In un crescendo di tensione, Will riesce infine a scappare con la valigetta contenente informazioni segrete e a smascherare i nemici, ma non prima che l’intera esperienza lo cambi radicalmente.

La conclusione del film avviene a Madrid, con Will che, grazie anche all’aiuto di Lucia, riesce a ingannare Carrack e a mettere in moto una catena di eventi che porta alla sua morte. Il giovane protagonista, inizialmente del tutto ignaro delle dinamiche geopolitiche e delle implicazioni del lavoro del padre, diventa suo malgrado parte integrante di questo mondo oscuro. Quando la CIA lo contatta nel finale per offrirgli un ruolo nella loro organizzazione. Il finale non è però del tutto chiuso, in quanto non sappiamo se Will accetterà o meno.

Tematicamente, il finale di La fredda luce del giorno mette dunque in luce i rischi dell’inganno istituzionale e il prezzo della segretezza. Il film riflette sul tema dell’identità e della fiducia, mostrandoci un protagonista costretto a ridefinirsi alla luce della verità. Il titolo stesso assume un significato emblematico: nella “fredda luce del giorno”, ovvero al di fuori delle ombre dell’inganno, la verità è spietata, ma necessaria per affrontare il mondo con consapevolezza.

Il trailer di La fredda luce del giorno e dove vedere il film in streaming e in TV

È possibile fruire del film grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. La fredda luce del giorno è infatti disponibile nel catalogo di Google Play, Apple iTunes e Prime Video. Per vederlo, basterà sottoscrivere un abbonamento generale alla piattaforma in questione o noleggiare il singolo film. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. In alternativa, il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di giovedì 29 maggio alle ore 21:20 sul canale Italia 1.

Il film lituano, francese e belga Vesper è un’inquietante pellicola distopica che rimane impressa nella mente dello spettatore per giorni dopo la visione. Il futuro della Terra che qui si dipinge per il pubblico è infatti cupo. Il pianeta ha subito un collasso ecologico che lo ha reso incapace di produrre colture. Al loro posto, ora sono gli alberi a respirare, le radici dei miceli si aggrappano alla pelle e i vermi spuntano dal terreno per mordere le zone esposte. Vesper, una ragazza con un talento per la bioingegneria, vive con il padre costretto a letto, comunicando con lui tramite un drone.

I due sognano di fuggire in una delle cittadelle, comunità tecnologicamente avanzate all’interno di gigantesche cupole biologiche. Ma quando Vesper salva una donna misteriosa di nome Camellia, il cui aereo è precipitato, tutto cambia. Alla fine del film, Vesper rimane sola, avendo perso tutte le persone a cui teneva, ma avendo scoperto il segreto per sbloccare i semi della cittadella, ispirando la speranza che la Terra possa tornare ad essere ciò che era un tempo. I co-registi Kristina Buozyte e Bruno Samper hanno iniziato a lavorare al film anni fa, decidendo infine di girarlo nelle cupe foreste fiabesche della Lituania.

Invece di girare davanti a uno schermo verde, Buozyte e Samper hanno infatti utilizzato i boschi come sfondo, aggiungendo effetti visivi surreali per accentuare l’atmosfera post-apocalittica della produzione. Proprio per dare ordine a questo contesto e comprendere appieno ciò che avviene nel film, in questo articolo si riportata una descrizione (ricca di spoiler) dei momenti finali del film, grazie alla quale poter avere un quadro completo del racconto e comprenderne meglio i suoi significati.

Oltre le cittadelle

Una volta incontrata Camellia, l’obiettivo di Vesper è quello di aiutarla e usarla come mezzo per entrare in una delle cittadelle. Dopo aver scoperto che la donna non è ciò che finge di essere, ma è invece una forma di vita artificiale conosciuta come “jug”, le cittadelle le sembrano ancora più lontane e forse non più un rifugio perfetto. Le città da sogno rappresentano il paradiso, dove nessuno soffre la fame, gli animali estinti esistono ancora e le cure mediche consentono ai residenti di vivere una vita incredibilmente lunga.

Alla fine, Vesper si allontana però dalle cittadelle, letteralmente, lasciando svanire la speranza di una vita futura gloriosa e facile. L’immagine finale del film la mostra che sale in cima alla torre dei pellegrini, voltando lentamente le spalle alle cittadelle, guardando verso il fiume e le foreste grigie che la circondano e liberando i semi vitali nel vento. Vesper non aspetta più che le cittadelle la salvino, rendendosi conto che non sono la risposta ai problemi del mondo. È lei la risposta. Il finale è dunque in definitiva pieno di speranza, poiché Vesper si rende conto di poter rendere la Terra un posto migliore per tutti.

L’identità di Camelia

Per quanto riguarda Camellia, un “jug” è una creatura artificiale simile all’uomo progettata per svolgere lavori manuali. È però illegale crearne uno intelligente. Nel corso del film, inoltre, Camellia sembra smentire l’affermazione per cui i jug non provano dolore. Diventa persino una figura materna per Vesper, confortandola e insegnandole come si svolge la vita nella cittadella, mentre la sostiene nella sua ricerca di un modo per diffondere i semi. Alla fine, Camellia compie il sacrificio estremo, sacrificando la propria vita affinché Vesper possa continuare il suo percorso.

Anche se “Vesper” è un film spesso cupo e inquietante, i personaggi principali Vesper e Camellia incarnano la speranza e l’amore; è attraverso la loro capacità di prendersi cura l’una dell’altra che l’umanità sopravviverà. È anche un espediente narrativo intelligente, perché per molti versi Camellia è la chiave del futuro. Non solo il suo DNA contiene le chiavi per sbloccare i semi, permettendo loro di diventare vitali, ma lei stessa si sacrifica per Vesper.

Un mondo di malvagi

In Vesper c’è però più di un cattivo. I soldati della cittadella rappresentano una solida malvagità senza volto, la Terra stessa è un ambiente ostile e lo zio di Vesper, Jonas (interpretato da Eddie Marsan), è così crudele da far rabbrividire. Jonas è infatti un uomo pericoloso. Anche se accetta di aiutare Vesper, lo fa solo dopo che lei gli offre le sue vene, permettendogli di prelevare un po’ del suo sangue da usare come moneta di scambio con la cittadella. C’è anche il fatto inquietante che sembra sessualizzare sua nipote, accarezzandole lascivamente il viso quando le chiede di unirsi alla loro comunità, portando Vesper a informarlo che non sarà una delle sue “riproduttrici”.

Alla fine, il suo rapporto con la cittadella lo rende centrale nella trama, poiché Jonas riferisce alla cittadella di aver trovato Camellia. Jonas è dunque uno strumento della cittadella, un collaboratore e, per molti versi, rappresenta un abile promemoria delle metafore di classe insite in Vesper. Jonas adora e detesta allo stesso tempo le cittadelle, facendo da fattorino mentre disprezza il modo in cui lo usano. Alla fine, Jonas viene ucciso dai soldati della cittadella, giustiziato insieme alla maggior parte della sua piccola comunità, liberando così Vesper dai legami che la vincolavano a un vecchio modo di vivere.

La maternità è un tema importante nel film

In una delle prime scene del film, Vesper si interroga su sua madre e su cosa possa averla spinta ad andarsene. Sua madre sembra essere diventata una pellegrina, una di quelle donne velate che vagano nella foresta alla ricerca di rottami metallici. Questi pellegrini hanno enormi paraocchi che coprono il viso, simili a grandi ombrelli, e si crede che un virus li costringa ad abbandonare le loro famiglie e a vagare per la Terra. Ogni volta che Vesper vede uno di questi pellegrini, lo fissa, determinata a trovare sua madre. “Non tornerà”, le dice suo padre con tono severo. Entra poi in scena Camellia, la gentile donna proveniente da una delle cittadelle.

Lei, come Vesper, è orfana di madre. Per gran parte del film, Vesper è circondata da uomini – suo padre, suo zio e i suoi cugini maschi – mentre tutte le donne sono pellegrine senza volto. Camellia e Vesper stringono quindi un legame, ululando come lupi quando Camellia le insegna i versi degli animali, e Vesper condivide il suo interesse per la botanica e il bio-hacking. Alla fine, l’amore di Camellia per la ragazza salva Vesper, che si consegna ai soldati della cittadella. Dopo che Vesper si sveglia e scopre che Camellia se n’è andata, segue i pellegrini – tra cui potrebbe esserci sua madre – fino alla loro torre, utilizzando ciò che queste donne hanno costruito per spargere i semi e, si spera, salvare la Terra.

L’Intelligenza artificiale

Vesper copre molti argomenti per un film di meno di due ore. Alcune scene sono brutali, strazianti e profondamente inquietanti, e rimangono impresse a lungo dopo i titoli di coda. In particolare, l’omicidio di un jug all’inizio del film è un momento scioccante. Nel contesto di questo mondo, l’uccisione di questa persona non è un gran problema, poiché i jug sono considerate creature non intelligenti, prive di sensibilità, al pari di un robot o di un drone. Anche Vesper, una giovane donna gentile e sensibile, non se ne preoccupa. Vesper è così profondamente radicata nella sua visione del mondo che non riesce a vedere la discrepanza tra il modo in cui tratta le sue piante e la sofferenza dei jug.

Per lei, i jug non hanno lo stesso valore delle foglie e dei fiori nella sua serra. Più tardi, quando scopre che Camellia è un jug, Vesper la spinge, tradita dalla falsa promessa che Camellia le aveva fatto di portarli alla cittadella e arrabbiata perché le aveva mentito sulla sua identità. In nessun momento del film c’è un dibattito esplicito sull’intelligenza o la capacità emotiva di questi esseri. Invece, il cambiamento di atteggiamento di Vesper nei confronti di Camellia, il modo in cui la salva quando cerca di farsi del male, è mostrato attraverso le loro azioni reciproche. Anche suo padre, Darius, arriva a rispettare Camellia.

Il tema centrale della speranza

Vesper, nonostante i suoi elementi più cupi, sembra un film per giovani adulti, poiché il mondo è mostrato dalla prospettiva dell’adolescente protagonista. Mentre gli adulti che la circondano hanno una visione cupa della realtà, Vesper mantiene la sua curiosità giovanile e la sua sincera fiducia nella bontà degli altri; è per questo che aiuta Camellia, contro il parere di suo padre. Alla fine del film, Vesper ha perso suo padre, la sua amica (e talvolta figura materna) e suo zio, ma questo non la ferma, anche se è completamente sola al mondo.

Secondo i registi Buozyte e Samper, era fondamentale creare un film che potesse mostrare la bellezza e l’amore, anche nelle situazioni più disperate. In un’intervista rilasciata in occasione dell’uscita del film, Buozyte ha dichiarato: “Il nostro desiderio era quello di realizzare un film sulla speranza. Anche nelle situazioni peggiori e più disperate, se siamo in grado di vedere la bellezza, non sarà facile, ma avremo sempre un motivo per vivere, lottare e cambiare l’ordine delle cose“.

Vesper trasmette un messaggio chiaro da parte dei suoi registi

Questo può dunque essere un film inquietante e sconvolgente, che non esita a mettere a disagio gli spettatori. Tuttavia, per quanto il film possa sembrare cupo, il suo messaggio è essenzialmente di speranza e crede che l’umanità sia capace di cambiare. “La giovane protagonista è ancora in fase di crescita e ha una mente aperta, non accetta le regole prestabilite e non si è adattata al mondo”, spiega Buozyte. “Quindi chi sta crescendo e chi sta cercando il modo di vivere, di andare avanti, di lottare, semplicemente di essere in questo mondo”.

“Volevamo creare un mondo mai visto sul grande schermo e il genere biopunk-fiabesco ci ha dato questa possibilità”, aggiunge Samper. “Abbiamo lavorato su questo universo per diversi anni. Abbiamo fatto molte ricerche sulle innovazioni più recenti nell’architettura organica, nel bio-design, nell’ingegneria genetica e persino nella sessualità delle piante”. Il mondo è cambiato notevolmente negli ultimi dieci anni e questi cambiamenti hanno ispirato Buozyte e Samper a creare una protagonista determinata e pragmatica per Vesper. In un’intervista con Screen Daily, Samper spiega il loro pensiero. “Non cercare una terra promessa utopica altrove”, dice, “ma usa invece le tue radici e la tua ambizione per cambiare la realtà del luogo in cui ti trovi”.

Con Unfriended: Dark Web, il regista Stephen Susco porta avanti il concept inaugurato nel 2014 da Unfriended (qui un approfondimento sul film), primo lungometraggio a sfruttare integralmente l’interfaccia di un computer come spazio narrativo. Anche questa volta, lo spettatore è catapultato dentro uno schermo: finestre che si aprono e si chiudono, videochiamate, notifiche, messaggi. Ma se il primo capitolo flirtava con l’horror soprannaturale, questa seconda iterazione vira con decisione verso il thriller tecnologico, più radicato nella realtà e forse proprio per questo ancora più inquietante.

Il punto di partenza è semplice e disturbante: Matias, un ragazzo alla ricerca di un nuovo portatile, ne trova uno apparentemente dimenticato in un bar. Una volta acceso, però, scopre che il laptop appartiene a qualcuno coinvolto in attività criminali nel dark web. Da lì inizia un incubo digitale che coinvolge anche i suoi amici, riuniti per una videochiamata. A differenza del primo film, dove la minaccia era un fantasma vendicativo, qui il terrore ha un volto più plausibile: hacker, mercati neri, identità rubate. Unfriended: Dark Web mostra un mondo sotterraneo spaventoso proprio perché realistico, fatto di anonimato, voyeurismo e violenza nascosta tra i bit.

Il film affronta tematiche attualissime: la vulnerabilità della nostra vita online, la disumanizzazione dietro lo schermo e il potere devastante dell’anonimato. Il tutto attraverso una regia che sfrutta in maniera creativa i limiti della narrazione “screenlife”, mantenendo alta la tensione nonostante l’azione sia tutta virtuale. Ma è nel finale che Unfriended: Dark Web gioca le sue carte più forti: con una serie di svolte crude e pessimiste, il film spiazza lo spettatore, lasciandolo a interrogarsi sul confine tra vittime e carnefici. Nella seconda parte dell’articolo analizzeremo proprio questo epilogo disturbante, spiegandone i significati e le possibili interpretazioni.

La trama di Unfriended: Dark Web

Matias O’Brian, un ragazzo di vent’anni non udente, fidanzato con Amaya, cerca di sviluppare un software per tradurre il linguaggio dei segni in linguaggio verbale, ma il suo laptop non è abbastanza potente. Un giorno gli si presenta l’occasione giusta per realizzare il suo progetto, perchè trova un pc migliore di quello che possiede, abbandonato da tempo tra gli oggetti smarriti del caffè che frequenta abitualmente. Si collega in videochat dal nuovo dispositivo con i suoi amici di sempre (Nari, Serena, Damon, AJ e Lexx), e gli racconta di aver trovato una misteriosa cartella nascosta con strani file e la possibilità di accedere al Dark Web.

Si tratta di quella parte di rete a cui si entra attraverso software particolari, dove navigano abitualmente hacker e cybersecurity e dove, non essendo rintracciabili, è possibile reperire ogni sorta di materiale illecito. Con gli altri ragazzi inizia ad esplorare i file proibiti e ben presto il gruppo si rende conto che le atrocità commesse ai danni delle persone protagoniste dei video sono reali e loro stessi ne sono divenuti testimoni oculari. Mentre cercano di capire come aiutare le vittime discutendo sul da farsi, la situazione precipita perché compare in videochat il profilo nascosto del proprietario del pc, che reclama il suo computer e minaccia terribili conseguenze per gli ingenui malcapitati.

La spiegazione del finale del film

Il finale di Unfriended: Dark Web è dunque tanto spietato quanto spiazzante, e si articola in diverse varianti, a seconda della versione del film distribuita. In tutte, però, il destino dei protagonisti è segnato da un’escalation di orrore e impotenza, orchestrata da un’organizzazione criminale anonima conosciuta come Il Circolo. Questi hacker, nascosti dietro schermi e identità false, manipolano gli eventi con precisione chirurgica, decidendo chi vive e chi muore come se fosse un gioco. Dopo aver scoperto che il computer che ha trovato appartiene a un membro di questa rete criminale, Matias diventa il bersaglio principale, trascinando nel baratro anche i suoi amici.

Del film esistono molteplici finali. Nella versione per il cinema, Matias corre disperatamente per salvare la fidanzata Amaya, attirata con l’inganno in una trappola. Quando la raggiunge, però, è troppo tardi: la ragazza viene rapita, e lui viene investito da un furgone, lasciato morire mentre i membri del Circle osservano tutto in diretta streaming, votando online se lasciarlo vivere o meno. L’elemento più disturbante è proprio questo: la vita dei protagonisti è ridotta a intrattenimento per un pubblico invisibile, che decide le sorti al di là dello schermo come se stesse partecipando a un reality show.

In un’altra versione alternativa, Matias riesce a localizzare Amaya ma scopre che il messaggio con le coordinate era falso. La trappola si chiude su di lui, e si ritrova rinchiuso vivo in una bara sotterrata, mentre Amaya è destinata a morire altrove. Anche qui, l’orrore è amplificato dall’impotenza assoluta del protagonista e dal cinismo dei suoi aguzzini. In entrambi le versioni cinematografiche, il film si chiude con una rivelazione amara: i responsabili non saranno mai scoperti, e l’anonimato garantito dal dark web li rende onnipotenti.

L’edizione home video di Unfriended: Dark Web aggiunge però due ulteriori opzioni di finale. La prima è la più felice di tutte, poiché sia Matias che Amaya vengono lasciati in vita dopo una votazione dei membri del Circolo. Sembra che alcuni siano rimasti colpiti dalla disponibilità di Matias a negoziare per salvare la vita di Erica, nonostante non la conoscesse prima dell’inizio del “gioco”. Nel secondo finale, invece, Matias viene indotto a credere che Amaya sia stata uccisa, poi lasciato solo con una pistola. Il Circolo scommette a quel punto se si ucciderà o meno, ma il risultato non viene mostrato.

In ogni caso, i finali del film son profondamente pessimisti. Unfriended: Dark Web ci mostra un mondo in cui la tecnologia ha smarrito ogni etica, e dove la connessione digitale diventa una trappola. La violenza non è più figlia del sovrannaturale, ma dell’uomo stesso, nascosto dietro uno schermo. L’orrore del film sta proprio nella plausibilità del suo scenario: chiunque, in qualsiasi momento, potrebbe essere sorvegliato, manipolato, eliminato, senza lasciare traccia. Un messaggio cupo e disturbante, che rispecchia le nostre paure più profonde sull’era digitale.