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Creed II: la spiegazione del finale del film

Creed II: la spiegazione del finale del film

Il finale di Creed II (qui la recensione) è uno dei più emozionanti della serie Rocky. Il film è, ovviamente, il sequel di Creed – Nato per combattere del 2015, ma è anche un quasi-sequel/remake di Rocky IV del 1985 e, in qualche modo, di Rocky Balboa del 2006. All’altezza della sfida di omaggiare quei film, questo nuovo capitolo offre il meglio che il franchise di Rocky può offrire nonché un’evoluzione inaspettata di entrambi i personaggi principali. Riprendendo con Adonis Creed come pugile superstar, Creed II non perde tempo e lo vede vincere il titolo di campione del mondo dei pesi massimi.

La vera sfida del film è però quella con Viktor Drago, figlio di Ivan Drago che uccise Apollo Creed sul ring e fu poi sconfitto da Rocky Balboa in Rocky IV. Creed rischia di perdere il titolo contro il “carro armato umano”, salvato solo dalla squalifica di Drago, ma dopo un periodo di insicurezza torna per un incontro di rivincita. Ma molto più che un film di boxe convenzionale con spruzzi di vendetta, Creed II è un film che parla di padri, figli, giustizia e, soprattutto, eredità. In questo articolo scopriamo allora cosa succede nel finale e cosa significano le sue grandi rivelazioni.

Adonis Creed batte Viktor Drago

Il combattimento tra Adonis Creed e Viktor Drago alla fine di Creed 2 è davvero brutale, sia dal punto di vista mentale che fisico. Il piano di Creed è quello di vincere il combattimento per KO, mettendo al tappeto l’avversario e impedendogli di rialzarsi dopo dieci secondi, mentre Drago, pur essendo soddisfatto di un knockdown, punta chiaramente a un knockout completo. Adonis parte forte, ma viene immediatamente respinto da Viktor nel secondo round. Nel corso dell’incontro, il potere passa da una parte all’altra; Adonis viene messo al tappeto più volte, ma viene riportato in piedi dagli incitamenti di Bianca, mentre Drago mira alle costole dell’avversario, cercando di metterlo fuori combattimento come nel loro precedente incontro.

Creed II incontro finale

Alla fine, però, Creed prende il sopravvento, mettendo Drago al tappeto ripetutamente e, una volta che si rialza, lo colpisce con violenza. A questo punto, Ivan Drago interviene e getta la spugna, rinunciando all’incontro. Creed vince, mantenendo il titolo, anche se a questo punto era già probabile; sia in base ai punti che a un altro atterramento, Viktor Drago era praticamente esausto e destinato alla sconfitta. L’asciugamano serviva più che altro a impedirgli di subire ulteriori danni. Questo è importante per i Drago (come vedremo tra poco) e vede Adonis ottenere una vittoria morale inequivocabile, ma è soprattutto importante per come rispecchia Rocky IV. Nel mortale incontro dimostrativo tra Apollo Creed e Ivan Drago, Rocky non gettò la spugna, combattuto tra la sua preoccupazione per Apollo e la ripetuta insistenza del pugile a continuare l’incontro.

E così, mentre Rocky viene biasimato per non aver fermato l’incontro – cosa menzionata da Adonis e nei servizi giornalistici in Creed II – si tratta di un dibattito più interiorizzato su ciò che, in quel momento, era ritenuto meglio per Apollo: la sua vita o il suo ego. L’inerzia di Rocky si è rivelata fatale e lo ha tormentato fino a spingerlo a combattere lui stesso contro Drago in Rocky IV, ma è anche ciò che lo ha portato a rifiutarsi di allenare Adonis in Creed II. Il fatto che l’incontro finale del sequel finisca in modo speculare a quello precedente evidenzia quanto siano cresciuti tutti i personaggi chiave.

Ivan e Viktor Drago accettano la sconfitta

In Rocky IV, Ivan Drago è una caricatura. È una forza inarrestabile e un oggetto inamovibile, che registra livelli di forza impossibili e picchia a morte l’ex campione dei pesi massimi. Rocky lo batte solo riallineando completamente il suo approccio, costruendo una routine di allenamento che torna alle basi e mirando a logorare lentamente il russo. La chiave del combattimento finale in Rocky IV era far perdere a Drago il suo patriottismo, fargli perdere la compostezza e ridurlo a un semplice uomo.

È qui che riprende Creed II: l’Ivan Drago presentato qui è caduto in disgrazia e vive una vita povera. Il suo obiettivo è riconquistare il rispetto attraverso suo figlio, trasformandolo in una versione più arrabbiata di se stesso da giovane. Fondamentalmente, entrambe le generazioni sono spinte dalla partenza di Ludmilla Drago, ex moglie di Ivan, dopo la sua sconfitta; credono che, se vinceranno il titolo dei pesi massimi, la riavranno indietro. Riconquistare il suo affetto è un premio importante quanto quello di Creed.

Creed II cast Ivan Drago

E, all’inizio, sembra funzionare: lei partecipa a una cena per festeggiare il primo incontro di Viktor contro Adonis e siede in prima fila alla rivincita. Tuttavia, nel momento in cui diventa evidente che i Drago potrebbero non vincere – non in modo definitivo, ma con una piccola possibilità di essere disonorati – lei se ne va immediatamente. Perdendo ciò per cui i Drago stavano lottando, l’incontro, la cintura e Creed improvvisamente non hanno più importanza; Viktor perde il coraggio e Ivan alla fine getta la spugna. Senza nulla dietro cui nascondersi, Drago si rende conto dell’umanità di suo figlio, e Viktor è arrabbiato per due secondi prima di comprendere improvvisamente l’atto d’amore che suo padre ha appena compiuto.

Proprio come Creed ha reso seria la morte ostentata di Apollo, Creed II ridefinisce completamente il suo killer da cartone animato. Il culmine del viaggio di Adonis Creed dipende dall’umanità di entrambi i cattivi e dal loro accettare che vincere non è importante quanto l’altro. Ciò è sottolineato dalla loro ultima scena: i due sono tornati in Ucraina ad allenarsi, solo che questa volta Ivan corre al fianco di suo figlio, invece di cercare di distruggerlo.

 Il figlio di Rocky nei precedenti film di Rocky

Rocky Balboa Jr. è nato durante Rocky II (un parto complicato ha lasciato Adrian in coma per gran parte del film) e ha rappresentato una motivazione in più per combattere in Rocky III e Rocky IV. In Rocky V, tuttavia, il rapporto padre-figlio era teso: ora chiamato Robert, il figlio di Rocky ha iniziato a odiare il fatto di vivere all’ombra del padre (e risentiva dell’attenzione di Rocky per il figlio surrogato, il pugile Tommy Gunn). Sebbene il film sia stato per lo più ignorato a causa della sua indiscussa posizione di peggior capitolo della serie Rocky, quel rapporto è stato riportato in Rocky Balboa, dove Bobby e Rocky, ormai adulti, hanno lentamente trovato un rispetto reciproco. Tuttavia, la felicità è stata di breve durata: al tempo di Creed, Robert si era trasferito in Canada e aveva un nipote.

Michael B. Jordan e Tessa Thompson in Creed II

 Rocky si ricongiunge con suo figlio alla fine di Creed II

Dopo aver sconfitto il cancro nel periodo tra Creed e Creed 2, Rocky ha acquisito un certo senso di appagamento. Tuttavia, nel corso del sequel, le crepe nella sua vita cominciano ad ampliarsi. È costretto ad affrontare in modo più diretto il suo ruolo nella morte di Apollo, ma continua anche a tornare al suo rapporto con il figlio da cui si è allontanato; guarda con nostalgia le foto di Adrian e lui alla nascita di Robert, cerca di chiamare dopo aver visto Adonis e Bianca con la loro figlia per la prima volta e, dopo l’incontro, rimane solo a riflettere su chi ha, mentre i Dragos si confortano a vicenda e i Creed festeggiano.

Questa è la motivazione di cui ha bisogno per recarsi a Vancouver e ricongiungersi con Robert (interpretato ancora una volta da Milo Ventimiglia) e incontrare per la prima volta suo nipote Logan. È un incontro povero di parole ma ricco di significato, mentre due generazioni di Balboa iniziano silenziosamente a ricostruire un rapporto fratturato da tre decenni (e quattro film). Robert è, come Rocky ha sempre sospettato, felice, ma lo è ancora di più per aver rivisto suo padre.

La redenzione di Rocky nei film Creed

Il finale di Creed II completa un arco narrativo di redenzione in due parti per Rocky. Naturalmente, nei sei film originali, Rocky ha avuto un finale piuttosto risoluto. Era il vagabondo di Filadelfia dal cuore d’oro che avrebbe sempre perseverato; quando ha avuto la possibilità di dimostrare di poter arrivare fino in fondo, è diventato una superstar. E non ha mai smesso di combattere. Nei primi quattro sequel, Rocky ha affrontato la fama e la fortuna, l’impatto che queste hanno sulle sue relazioni più importanti e la morte delle persone a lui care, continuando comunque ad andare avanti. In Rocky Balboa, scritto come film finale, ha dimostrato che anche da anziano aveva ancora lo stesso cuore, lo stesso sguardo da tigre, e ha concluso la sua carriera proprio come l’aveva iniziata. Aveva accettato chi era sempre stato, superato la sua perdita e trovato la pace in una nuova vita.

Michael B. Jordan in Creed II

Tuttavia, nella realtà, le storie non finiscono così. Rocky ha sempre avuto un certo idealismo, ma nel rilanciare il franchise, è diventato chiaro che c’erano dei fili pendenti che avrebbero logorato il personaggio nel corso degli anni e che non potevano essere ignorati. Proprio come molti sequel hanno mostrato personaggi iconici consumati dal tempo – vedi Luke Skywalker in Star Wars: Gli ultimi Jedi, Flynn in TRON: Legacy o Laurie Strode in Halloween – quando Rocky è tornato in Creed, era chiuso in se stesso, trascorrendo le sue giornate nel suo bistrot senza uno scopo reale. La morte di Adrian e Paulie aveva lasciato il segno, e la distanza emotiva di Robert lo aveva lasciato alla deriva al punto che, quando gli fu diagnosticato un cancro, era pronto a rinunciare alla lotta.

È stato allenare il figlio di un uomo che aveva lasciato morire che ha permesso a Rocky di ritrovare quel senso di importanza e responsabilità verso se stesso e gli altri. Creed II, tuttavia, va oltre: non si tratta solo di prepararsi per il futuro – un tema forte incentrato sui figli e sulle figlie – ma anche di riparare al passato. Egli espia la morte di Apollo, si avvicina a suo figlio e riesce persino, in qualche modo, a lasciarsi alle spalle l’incidente con Drago. Se la serie Rocky era incentrata sulla perseveranza, l’arco narrativo del personaggio nella duologia Creed riguarda più l’accettazione. Anche se questo non è nulla in confronto a ciò che deve affrontare il nuovo protagonista.

Sylvester Stallone e Michael B. Jordan in Creed II

Adonis è un Creed… ma è anche un uomo a sé stante

Creed II si conclude con Adonis che finalmente visita la tomba di Apollo, “incontrando” suo padre per la prima volta. Si connette in modo affascinante con il suo ricordo e presenta la nuova famiglia Creed: la fidanzata Bianca e la figlia Amara. È qui che Adonis sottolinea il suo percorso attraverso gli ultimi due film di Creed. È sempre stato in conflitto con la sua identità; il suo desiderio di praticare la boxe era influenzato da Apollo (imita i vecchi combattimenti di suo padre), ma voleva farsi un nome come Adonis Johnson. Tuttavia, quando il titolo Creed gli è stato imposto dai media e dai promotori assetati di denaro, lo ha accettato e se lo è guadagnato davvero alla fine del primo film.

Quel nome è ciò che ha dato inizio al conflitto di Creed II, con i Dragos che hanno individuato nel figlio illegittimo di Apollo la chiave per la propria redenzione. Ma mentre Adonis affronta il primo incontro spinto dalla rabbia per il suo passato, dopo una brutale sconfitta e una profonda introspezione causata da sua figlia, si rende conto che non si tratta di essere un Creed. Il fatto che Apollo sia suo padre è ciò che lo ha portato al mondo e che ha creato il pugile, ma la rivincita con Viktor era qualcosa di personale per Adonis, l’energia usata per battere il russo era interamente sua. È vendetta, ma è puramente personale.

Nella sua confessione ad Apollo alla fine di Creed II, vediamo Adonis imparare la stessa lezione che hanno imparato i Dragos e Rocky: l’eredità va in entrambe le direzioni. Ci assumiamo il peso del passato, dei nostri genitori e dei nostri mentori, ma stiamo anche forgiando il nostro per tramandarlo a nostra volta. È appropriato che Creed 2, un film che ha un’attenzione ossessiva per i figli e i padri, con una storia influenzata contemporaneamente da tre generazioni, sia allo stesso tempo il sequel del primo Creed e di Rocky IV; il suo tema conclusivo è che né la natura né l’educazione possono definire veramente una persona, che siamo noi a creare il nostro destino. È un’idea che è stata al centro di Rocky dal 1976, ma non è mai stata così complessa.

Godzilla X Kong: Supernova, Matthew Modine potrebbe aver spoilerato i villain!

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Fin dalla rivelazione del titolo criptico del sesto capitolo del MonsterVerse, Godzilla x Kong: Supernova, i fan sono stati travolti da una frenesia di speculazioni. Il solo sottotitolo misterioso ha scatenato teorie selvagge su quale imponente minaccia l’iconico duo dovrà affrontare in futuro.

Una delle teorie più diffuse tra i fan suggerisce che Supernova alluda a una minaccia proveniente da oltre le stelle, portando molti a credere che il film possa segnare il ritorno di una nemesi cosmica dal passato di Godzilla: SpaceGodzilla.

Ad alimentare queste speculazioni è il nuovo arrivato Matthew Modine, che si è recentemente unito al cast. Non molto tempo dopo il suo casting, Modine ha iniziato a condividere clip di Godzilla vs. SpaceGodzilla sui social media. Ora, il fandom dei kaiju è in un dibattito: si è trattato di un sottile indizio, di uno spoiler accidentale, o Modine si sta semplicemente divertendo senza rendersi conto di essersi lasciato sfuggire qualcosa di grosso?

SpaceGodzilla si distingue come uno degli avversari più potenti e astuti di Godzilla, un vero peso massimo tra i cattivi kaiju. Insieme a leggende come King Ghidorah e Destoroyah, è ampiamente considerato uno degli avversari più duri che Godzilla abbia mai affrontato nella lunga storia del franchise.

Ciò che distingue SpaceGodzilla è la sua capacità unica di generare e manipolare enormi strutture cristalline, usandole per incanalare energia, scatenare attacchi devastanti e persino costruire imponenti fortezze di cristallo. Può assorbire diverse fonti di energia, incluso l’iconico respiro atomico di Godzilla, rendendolo ancora più pericoloso in battaglia.

Forse la cosa più impressionante è che SpaceGodzilla ha effettivamente sconfitto Godzilla durante il loro primo scontro in Godzilla vs. SpaceGodzilla (1994), consolidando il suo status di nemico davvero temibile.

Godzilla x Kong: Supernova arriverà nelle sale il 26 marzo 2027. Quest’ultima aggiunta al MonsterVerse sarà diretta dal regista Grant Sputore, noto per il suo lavoro nei thriller fantascientifici.

La sceneggiatura di Supernova è di David Callaham, che in precedenza aveva contribuito alle prime bozze di Godzilla del 2014. Questo suggerisce un ritorno agli elementi fondamentali del franchise.

Il film vanta un cast corale impressionante, con un mix di talenti affermati e stelle nascenti. Il pubblico non vede l’ora di vedere Kaitlyn Dever, Dan Stevens, Jack O’Connell, Delroy Lindo, Matthew Modine, Alycia Debnam-Carey e Sam Neill in questo spettacolo mostruoso.

Abraham’s Boys: A Dracula Story, il trailer!

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Abraham’s Boys: A Dracula Story, il trailer!

Shudder e RLJE Films stanno lavorando a un adattamento di Abraham’s Boys di Joe Hill, e il primo trailer e poster sono già stati pubblicati online.

Basato sul racconto di Hill tratto dalla sua antologia 20th Century Ghosts, Abraham’s Boys: A Dracula Story vede Abraham Van Helsing (Titus Welliver) condurre una vita appartata, lontano dagli orrori del suo leggendario passato da cacciatore di vampiri, insieme alla moglie e ai figli.

Quando la moglie di Abraham (Jocelin Donahue) – che a quanto pare il vecchio professore ha finito per sposare Mina Murray/Harker dopo gli eventi del romanzo di Bram Stoker – inizia a manifestare un comportamento molto strano, Van Helsing deve confessare ai figli la sua storia con il famigerato conte della Transilvania. Secondo la sinossi ufficiale: “Max e Rudy Van Helsing hanno trascorso la loro vita sotto il rigido e iperprotettivo governo del padre, Abraham. Ignari del suo oscuro passato, faticano a comprendere la sua paranoia e il suo comportamento sempre più imprevedibile. Ma quando iniziano a scoprire le violente verità dietro la storia del padre con Dracula, il loro mondo va in frantumi, costringendoli ad affrontare la terrificante eredità che non avrebbero mai dovuto ereditare.”

Dracula appare a un certo punto del film, anche se ne abbiamo solo una vaga visione sfocata sullo sfondo (assomiglia un po’ a Kurt Barlow di Le notti di Salem di Tobe Hooper).

Nastri d’Argento 2025 | Premi e menzioni speciali

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Nastri d’Argento 2025 | Premi e menzioni speciali

Va al film Familia (qui la nostra recensione) del regista e sceneggiatore Francesco Costabile, alla sua opera seconda, il Premio Speciale BNL BNP Paribas 2025 che con i Nastri d’Argento premia un film coraggioso, ispirato ad una drammatica vicenda di violenza domestica, segnalato dai Giornalisti Cinematografici fin dalla sua presentazione a Venezia anche con il cast particolarmente interessante: Barbara Ronchi e Francesco Di Leva con i più giovani Marco Cicalese, Tecla Insolia e soprattutto Francesco Gheghi, lo straordinario giovane protagonista vincitore al Lido del Premio per la migliore interpretazione maschile della sezione ‘Orizzonti’. 

Un film di denuncia e di speranza, che si propone di sensibilizzare l’opinione pubblica sull’importanza di non rimanere indifferenti alla sopraffazione anche psicologica”, si legge nella motivazione, una violenza invisibile che filtra dalla quotidianità che Familia mette in scena grazie alla grande capacità di una regia sensibile e attenta anche al racconto di ogni sfumatura psicologica che ha convinto BNL BNP Paribas a scegliere questo film: «Il cinema è uno dei pilastri su cui poggia, da sempre, il nostro impegno e sostegno come Banca e Gruppo in ambito culturale. Crediamo nella sua forza sociale e culturale – dichiara Géraldine Conti, Chief People & Engagement BNL BNP Paribas – oltre che nell’impatto economico generato dalla sua industria e filiera, tra le espressioni del nostro Made in Italy. Da 90 anni lo sosteniamo nelle sue diverse manifestazioni, orgogliosi di aver contribuito sia alla realizzazione di grandi capolavori sia credendo nel talento, nella passione e nell’originalità di giovani autori».

Anche il Nastro d’Argento speciale a Luca Zingaretti per La casa degli sguardi, deciso dal Direttivo Nazionale, nasce dalla sensibilità d’autore del regista, che ne è anche interprete, di mettere a fuoco, all’interno di un complesso rapporto padre-figlio, “una riflessione sul tema del riscatto, sulla vita che può sempre offrire una nuova possibilità, sulle passioni mai da disperdere nella delusione, ma anche – come si legge nella motivazione del Premio – sul valore ‘salvifico’ del lavoro che, come ci ricorda la vicenda del giovane protagonista del film, è a volte la strada per superare la difficoltà di trovare un posto nel mondo”. Un tema che fa riflettere anche sull’attualità spesso drammatica dei nostri giorni e diventa lezione di vita ma anche incoraggiamento a tenere sempre aperto il dialogo, anche in famiglia. E le pagine di Daniele Mencarelli che hanno ispirato il film non avrebbero potuto vivere meglio sullo schermo se Luca Zingaretti non avesse scelto per il suo protagonista Gianmarco Franchini, ai Nastri d’Argento premiato dalla Fondazione Nobis sempre particolarmente attenta a valorizzare il talento dei giovani, che sottolinea quanto la sua sensibilità sia “perfetta nel rappresentare la fragilità e insieme la tenerezza che il suo sguardo esprime raccontando il dolore e la disperazione”. Il suo ‘Marcolino’ è un ragazzo che annega  dolore e insicurezze nella dipendenza dall’alcol ma riuscirà a trovare se stesso grazie alla poesia che è dentro di lui e senz’altro all’impegno di un lavoro umile che lo porterà, però, a costruire la sua empatia con il mondo. E dichiara Elena Croce, Presidente onorario della Fondazione: “Ancora una volta è una grande emozione segnalare con convinzione un giovane in un’opera sensibile e attenta al valore quasi ‘taumaturgico’ della cultura, in questo caso la poesia che ha nelle sue corde e il lavoro che sarà, alla fine, la cura migliore per uscire dal tunnel”.

Nastri D'ArgentoDue i giovani attori scelti per il premio tradizionalmente assegnato ai Nastri d‘Argento da Nuovo Imaie che segnala quest’anno una coppia di interpreti sicuramente destinati a proseguire con successo la loro giovane carriera: Ludovica Nasti già premiata da Nuovo Imaie per la serialità e per la prima volta alle prese, nel cinema, con la leggerezza della commedia ne La storia del Frank e della Nina di Paola Randi e Samuele Carrino, giovanissimo protagonista de Il ragazzo dai pantaloni rosa di Margherita Ferri, un vero  film ‘caso’ di questa stagione, nel quale ha dimostrato di superare con grande naturalezza una prova difficile conquistando, con la storia vera che ha messo in scena, l’attenzione di una vastissima platea di ragazze e ragazzi ma anche i loro genitori, nel ruolo di un ragazzo vittima dell’odio omofobo: Andrea Spezzacatena, suicida a 15 anni dopo aver subito atti di bullismo da parte dei suoi compagni di scuola solo per aver indossato un paio di pantaloni rosa per un lavaggio sbagliato. “Ludovica riesce ancora una volta a stupire con la sua grande capacità di entrare in connessione emotiva con il personaggio che interpreta, come ha fatto anche nel ruolo di Nina nel film della Randi” dice il Presidente di Nuovo Imaie, Andrea Miccichè, quanto a Samuele Carrino “l’intensità con cui ha interpretato Andrea Spezzacatena, non poteva che arrivare al cuore del grande pubblico riuscendo a far passare un messaggio importante: la libertà di ognuno di accettarsi ed essere accettato per quello che è”.

Per la prima volta infine i Nastri d’Argento assegnano una menzione di qualità a un  film ‘speciale’, Gli immortali di Anne Riitta Ciccone. Un riconoscimento “per la scelta di una narrazione colta e insieme ricca di sfumature psicologiche sul tema delicato e intimo che affronta rimettendo a fuoco il rapporto di una figlia dimenticata negli anni con un padre che riappare, inatteso, nella sua vita adulta”. Segnalato anche “per l’esperienza teatrale che inquadra la storia, una scelta non facile che, soprattutto nel cinema italiano, raramente entra da protagonista nella sceneggiatura”.

partner istituzionali dei Nastri d’Argento 2025 che i Giornalisti Cinematografici ringraziano sono: il MiC – Ministero della Cultura Direzione Generale Cinema e audiovisivo, la Regione Lazio e il Comune di Roma Assessorato alla Cultura che hanno concesso il patrocinio, il main sponsor SIAE – Società Italiana degli Autori ed Editori, il MAXXI – Museo nazionale delle Arti del XXI secolo che ospiterà lunedì 16 Giugno la serata di premiazione, e ancora NUOVO IMAIE e Fondazione Claudio Nobis. E grazie agli sponsor ufficialiBNL BNP Paribas, Hamilton, COTRIL, Campo Marzio, GE-Gruppo Eventi, Bazr e Chateau d’Ax, Italo Treno, Benedetta Riccio per il make up e Grandi Argenti per la realizzazione dei Nastri d’Argento.

Selezione delle candidature e Premi speciali sono a cura del Direttivo Nazionale dei Giornalisti Cinematografici Italiani (SNGCI), composto da Laura Delli Colli (Presidente), Fulvia Caprara (Vicepresidente), Oscar Cosulich, Maurizio di Rienzo, Susanna Rotunno, Paolo Sommaruga e Stefania Ulivi con Romano Milani (Segretario Generale) e Franco Mariotti (sindaco). Lo spoglio notarile è stato affidato, come sempre, al Notaio Alessandra Temperini.

Bring Her Back – Torna da me: il trailer del film di Danny e Michael Philippou

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Il nuovo trailer di Bring Her Back – Torna da me, l’horror Sony Pictures prodotto da A24. Il film è diretto da Danny Philippou e Michael Philippou (Talk to Me). Nel cast ci sono Billy Barratt (Crater), Sora Wong, Jonah Wren Phillips (How to Make Gravy), Sally-Anne Upton (Five Bedrooms), Stephen Phillips, Mischa Heywood e Sally Hawkins (La forma dell’acqua – The Shape of Water). Bring Her Back – Torna da me sarà nelle sale italiane dal 30 luglio distribuito da Eagle Pictures.

La trama breve di Bring Her Back

Un fratello e una sorella scoprono un terrificante rituale nella casa isolata della loro nuova madre adottiva.

Smoke – Tracce di fuoco: recensione della serie con Taron Egerton

Dopo il notevole e meritatissimo successo di Black Bird, Taron Egerton e Greg Kinnear tornato a recitare insieme nella serie Smoke – Tracce di fuoco, ispirata dal podcast di successo intitolato Firebug. Insieme a loro troviamo come coprotagonista Jurnee Smollett, affiancata in parti di prezioso supporto da Rafe Spall e John Leguizamo.

Cosa racconta Smoke – Tracce di fuoco?

Al centro della vicenda dello show targato ancora una volta Apple TV+ troviamo il detective Michelle Calderone (Smollett), la quale sceglie di lavorare in coppia con l’investigatore di incendi dolosi Dave Gudsen (Egerton) al fine di fermare una serie di piromani che seminano fuoco, distruzione e morte nel Nord-Ovest degli Stati Uniti.

Taron Egerton and Jurnee Smollett in “Smoke,” premiering June 27, 2025 on Apple TV+.

Creata come Black Bird dal romanziere di successo Dennis Lehane (dai suoi romanzi sono stati tratti film di enorme successo come Mystic River, Gone Baby Gone e Shutter Island) Smoke – Tracce di fuoco si muove su binari diversi rispetto alla precedente miniserie, la quale era maggiormente orientata dentro i canoni classici del thriller. Anche in questo caso ovviamente la detection rimane la chiave principale per lo sviluppo narrativo, ma ogni puntata si dedica anche allo studio dei caratteri, in particolar modo dei due protagonisti, tentando contaminazioni interessanti anche se non sempre omogenee con altri toni e generi.

In più di una sequenza infatti l’ironia fa capolino tra le pieghe delle situazioni rappresentate, in particolar modo quando nelle scene è presente il personaggio complesso e contraddittorio di Gudsen. Quello costruito da Lehane è un universo decisamente votato al maschile, dove i rappresentanti dell’ordine si muovono spinti da un senso di superiorità se non di “machismo” evidente, addirittura ostentato. E su questo Lehane e Smoke giocano attraverso un tono che in alcuni momenti si fa addirittura respingente, non facile da definire o anche da accettare.

Un universo maschile e “machista”

Anche la figura di Calderone è delineata con una forza quasi brutale che solitamente appartiene a personaggi maschili. Smollett si rivela molto efficace nell’evidenziare l’energia autodistruttiva e “terrena” del suo personaggio, fornendo una prova di solidità ineccepibile. Dal canto suo Egerton sa come rendere intrigante il ruolo di Gudsen, il quale però nasconde così tante pieghe e increspature che l’attore non riesce sempre a esplicitarle al massimo delle loro potenzialità. Il migliore in scena si rivela senza ombra di dubbio Kinnear, il quale delinea il capitano Englehart con tratti precisi, stringati e piacevolmente dritti al punto. Si tratta davvero di una delle migliori prove dell’attore due volte candidato all’Oscar, il quale anche in un ruolo di evidente supporto riesce ad elevare il tono dello show.

Una trama troppo diluita

Le prime puntate di Smoke sono davvero intriganti, in particolar modo il pilota, ma andando avanti con la progressione degli episodi si ha la sensazione che la minestra della trama sia stata inutilmente allungata a troppe puntate, quando quattro o cinque sarebbero potute bastare e soprattutto avrebbero reso l’impatto emotivo dei personaggi maggiormente potente.

Ntare Guma Mbaho Mwine in “Smoke”, disponibile dal 13 giugno su Apple TV+.

Per questo motivo Smoke non riesce completamente a mantenere le promesse molto intriganti degli inizi, quando aveva settato una storia di indagini piuttosto originale e due protagonisti che possedevano un’alchimia complessa, stridente ma dotata di una sua energia. Man mano che si procede la tensione viene purtroppo dissipata da sottotrame spesso soffocanti e personaggi di contorno non strettamente necessari.

Ogni tanto si possono comunque godere alcuni momenti di buona tensione drammatica, soprattutto grazie alla forza delle interpretazioni – la Smollett in particolar modo sprigiona un rabbia carismatica di sicuro effetto nelle prime puntate – ma nel complesso ci si chiede fin troppo spesso dove la trama stia andando, soprattutto dal momento che le dinamiche nascoste tra i personaggi principali vengono mostrate forse troppo presto per poi lasciare che il gioco funzioni a lungo. Una maggiore focalizzazione su un’indagine precisa riguardante un piromane avrebbe condotto Smoke dentro binari narrativi forse meno originali ma senz’altro maggiormente efficaci.

Hotel Costiera: teaser trailer della nuova serie Prime Video

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Hotel Costiera: teaser trailer della nuova serie Prime Video

Prime Video ha rilasciato oggi il teaser trailer di Hotel Costiera, nuova serie Original italiana con protagonista Jesse Williams (Your Place Or Mine, Only Murders In The Building, Broadway’s Take Me Out). Tutti i sei episodi di Hotel Costiera debutteranno dal 24 settembre in esclusiva su Prime Video in Italia, Francia, Spagna, Portogallo e nei Paesi di lingua inglese – Gran Bretagna, Irlanda, Stati Uniti, Canada, Australia e Nuova Zelanda.

Hotel Costiera è una serie internazionale action drama, girata in inglese in Italia e diretta dal premio Emmy Adam Bernstein e da Giacomo Martelli, da un’idea di Luca Bernabei, scritta da Elena Bucaccio, Matthew Parkhill e Francesco Arlanch e co-prodotta da Amazon MGM Studios e Luca Bernabei per Lux Vide, una società del gruppo Fremantle.

Il lancio del teaser trailer arriva all’indomani dell’anteprima, tenutasi ieri sera alla 71ª edizione del Taormina Film Festival, delle prime immagini della serie. Nel millenario Teatro Antico di Taormina, scenario unico tra cielo e mare, il protagonista ed executive producer Jesse Williams ha presentato in esclusiva mondiale, davanti ad una platea gremita, un footage screening dei primi venti minuti del primo episodio della serie, girata nella suggestiva Costiera Amalfitana con uno straordinario cast italiano e internazionale.

La trama della serie Hotel Costiera

Con una trama avvincente dal ritmo incalzante tra azione e commedia, Hotel Costiera racconta la storia di Daniel De Luca (Jesse Williams), un ex marine di origini italiane che torna nel paese della sua infanzia per lavorare come problem solver in uno dei più lussuosi hotel del mondo, sulla spettacolare costa di Positano. Oltre a risolvere i problemi dei facoltosi ospiti dell’albergo, Daniel è anche sulle tracce di Alice, una delle figlie del proprietario, scomparsa un mese prima. Daniel deve fare tutto il possibile per riportarla a casa, ma affrontare coloro che hanno rapito la ragazza sarà una sfida più grande di qualsiasi problema Daniel abbia mai affrontato.

Accanto al protagonista Jesse Williams, nel ricco ensemble cast anche Maria Chiara Giannetta, Jordan Alexandra, Antonio Gerardi, Sam Haygarth, Tommaso Ragno, Amanda Campana, Pierpaolo Spollon, Alejandra Onieva e Jean-Hugues Anglade. Hotel Costiera sarà disponibile in esclusiva su Prime Video dal 24 settembre in Italia, Francia, Spagna, Portogallo e nei Paesi di lingua inglese – Gran Bretagna, Irlanda, Stati Uniti, Canada, Australia e Nuova Zelanda – mentre Fremantle si occuperà delle vendite globali in tutti gli altri territori.

Downton Abbey: Il Grand Finale, ecco come il film omaggerà Dame Maggie Smith

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Il creatore di Downton Abbey, Julian Fellowes, ha spiegato come Downton Abbey: Il Grand Finale renderà omaggio all’amato personaggio interpretato dalla defunta Dame Maggie Smith, Lady Violet Crawley. Terzo (e forse ultimo) film catapulterà i Crawley e il loro meraviglioso staff negli anni ’30. Gli anni ’30 furono un periodo di sconvolgimenti economici a livello mondiale e anche la famiglia Crawley sarà indubbiamente colpita dalla Grande Depressione.

Nel trailer di Downton Abbey: Il Grand Finale si vede persino un’inquadratura di Robert Crawley (Hugh Bonneville) che sembra dire addio a Downton Abbey stessa. Saranno costretti ad andarsene? Qualunque turbolenza arrivi in ​​futuro, la famiglia Crawley dovrà affrontarla senza la defunta contessa vedova di Grantham, Violet Crawley, scomparsa alla fine dell’ultimo film di Downton Abbey, Downton Abbey: Una nuova era.

Purtroppo, la leggendaria Dame Maggie Smith non è più tra noi, rendendo l’assenza di Violet in Il Gran Finale ancora più agrodolce. In una recente intervista con Deadline, Julian Fellowes ha descritto come Downton Abbey: Il Grand Finale e la famiglia Crawley abbiano reagito alla morte della loro amata matriarca, e come la sua presenza duratura, e quella di Maggie Smith, si farà sentire per tutto il film.

“Nel film si percepisce chiaramente che la famiglia continua a essere, in un certo senso, dominata da Violet”, ha spiegato. “Il fatto che sia morta è un dettaglio. Sono le sue convinzioni, le sue richieste e la sua idea di come i Crawley dovrebbero comportarsi, e del motivo per cui sono lì, che sopravvivono. Abbiamo cercato di trovare il modo di renderlo il più chiaro possibile. Certo, Maggie ci manca nel film, ma dovrebbe mancarci. È del tutto intenzionale. Non vogliamo che la gente non senta la sua mancanza. Vogliamo che la sentano. Credo che abbia creato un personaggio meraviglioso di cui sarò grato fino alla morte.”

Downton Abbey: The Grand FinaleDownton Abbey: Il Gran Finale

Downton Abbey è uscito nel 2019, seguito da Downton Abbey: Una Nuova Era nel 2022. I primi due film hanno incassato complessivamente oltre 287 milioni di dollari a livello globale. Simon Curtis torna alla regia dell’ultimo capitolo dopo aver diretto Una Nuova Era. Fellowes ha scritto tutti e tre i film.

Il cast familiare torna anche per Downton Abbey: Il Grand Finale, che include Michelle Dockery, Hugh Bonneville, Laura Carmichael, Jim Carter, Raquel Cassidy, Brendan Coyle, Michelle Dockery, Kevin Doyle, Michael Fox, Joanne Froggatt, Paul Giamatti, Harry Hadden-Paton, Robert James-Collier, Allen Leech, Phyllis Logan, Elizabeth McGovern, Sophie McShera, Lesley Nicol, Dominic West, Penelope Wilton, Joely Richardson, Paul Copley e Douglas Reith.

Nel cast del franchise compaiono anche Joely Richardson, Alessandro Nivola, Simon Russell Beale e Arty Froushan. I produttori sono Gareth Neame, Fellowes e Liz Trubridge. Nigel Marchant è il produttore esecutivo.

Presence: trailer dell’atteso film di Steven Soderbergh in arrivo nelle sale dal 24 luglio.

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Dopo il passaggio a dicembre 2024 in concorso al Noir in festival, il passaggio a febbraio al Sundance Film Festival e l’anteprima italiana al COMICON Napoli 2025, Lucky Red svela il trailer italiano di Presence, l’atteso film di Steven Soderbergh in arrivo nelle sale dal 24 luglio.

Scritto da David Koepp, Presence è interpretato da un cast che mescola volti affermati con attori emergenti: sul grande schermo vedremo Lucy Liu, Chris Sullivan, Callina Liang, Eddy Maday, West Mulholland e Julia Fox.

Il pluripremiato regista Steven Soderbergh, che ha esordito con la Palma d’Oro a Cannes Sesso, bugie e videotape e ha poi diretto commedie entrate nell’immaginario collettivo (Magic Mike e la trilogia di Ocean’s) e film di enorme successo (Erin Brockovich – Forte come la verità e Traffic) torna al cinema con un thriller soprannaturale, interamente girato in un’unica location.

Presence è una ghost story che fa vivere allo spettatore un’esperienza unica e impressionante. Rebecca (Lucy Liu), assieme al marito Chris (Chris Sullivan) e ai figli adolescenti Tyler (Eddy Maday) e Chloe (Callina Liang), si trasferisce in una bella villetta in periferia. Chloe è ancora sconvolta dalla perdita della sua migliore amica, morta per overdose poco tempo prima. Tyler invece è all’apice del successo: campione di nuoto, sta diventando molto popolare all’interno della nuova scuola. Rebecca spera che il trasferimento aiuti Tyler ad ottenere risultati sempre migliori e Chloe a superare il lutto. Un giorno però Chloe si accorge che nella sua camera sono stati spostati dei quaderni su cui stava studiando, anche se nessuno è entrato a riordinare. Percepisce anche una presenza, un’entità che la sorveglia e di cui in qualche modo sente le emozioni. La madre e il fratello non sono disposti a crederle, mentre suo padre sembra darle più credito. Ben presto le manifestazioni aumentano e per tutta la famiglia diventa impossibile ignorarle…

Presence di Steven Soderbergh sarà al cinema dal 24 luglio con Lucky Red.

Gatto: Pixar annuncia il suo prossimo progetto originale di Enrico Casarosa

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Oggi, Disney e Pixar hanno ribadito ancora una volta il loro impegno per l’Annecy Animation Festival, un evento di livello mondiale che gli studi ora utilizzano ogni anno per offrire notizie esclusive e proiezioni in anteprima a un pubblico globale di appassionati di animazione. In quella che si è aperta come consueta anteprima del prossimo Elio, il Direttore Creativo di DisneyPixar, Pete Docter, ha presentato un ricco programma Pixar con un film inedito, annunciando la novità a un pubblico entusiasta.

Gatto, previsto per l’estate 2027, è il frutto del team di Luca, il regista Enrico Casarosa e il produttore Andrea Warren. Il film d’esordio alla regia di Casarosa, ora diventato un successo tra i fan grazie ai suoi personaggi adorabili e alle splendide ambientazioni italiane, Luca è stato il primo film Pixar ad essere distribuito in esclusiva su Disney+, mentre i dirigenti di Hollywood faticavano ad adattarsi ai cambiamenti dovuti alla pandemia.

Da allora, la DisneyPixar ha ripreso — con grande piacere di tutti gli appassionati di animazione — una strategia di distribuzione cinematografica globale, abbinata a première esclusive. Sembra probabile che il film verrà presentato proprio a Annecy nel 2027.

Questo nuovo film Pixar torna in Italia, questa volta a Venezia, dove, dopo anni trascorsi a esplorare la straordinaria città marinara, un gatto nero di nome Nero inizia a chiedersi se abbia vissuto la vita giusta. Indebitato con un boss mafioso felino locale, Nero si ritrova in un dilemma ed è costretto a stringere un’amicizia davvero inaspettata che potrebbe finalmente condurlo al suo scopo… a meno che il lato misterioso e oscuro di Venezia non abbia la meglio prima.

Jurassic World – La Rinascita: il più grande incasso dell’estate, secondo le proiezioni del box office

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Le proiezioni al botteghino stimano Jurassic World – La Rinascita come uno dei migliori debutti di quest’estate. Diretto da Gareth Edwards (Godzilla, Rogue One), con una sceneggiatura dello sceneggiatore originale del franchise, David Koepp, La Rinascita è una sorta di reboot, e introduce una nuova serie di personaggi che intraprendono una missione sull’isola di Ile Saint-Hubert, un tempo utilizzata dalla InGen come centro di ricerca sui dinosauri. Il cast di Jurassic World – La Rinascita include Scarlett Johansson, Mahershala Ali, Jonathan Bailey, Rupert Friend, Manuel Garcia-Rulfo, Luna Blaise, Ed Skrein e altri.

Ora, a tre settimane dall’uscita, La Rinascita dovrebbe incassare tra i 115 e i 135 milioni di dollari in cinque giorni, secondo Deadline. Questa sarebbe una delle migliori uscite di quest’estate, insieme ai due film di supereroi: Superman di James Gunn l’11 luglio, con un incasso previsto tra i 154 e i 175 milioni di dollari, e I Fantastici Quattro: Gli Inizi del MCU il 25 luglio. Tuttavia, con un incasso tra i 115 e i 135 milioni di dollari, La Rinascita sarebbe anche l’esordio più basso tra i film di Jurassic World.

Il film uscirà di mercoledì, il che significa che avrà un weekend prolungato di cinque giorni, invece dei tradizionali tre. Di fatto, questo sarà il secondo film nella storia del franchise ad uscire di mercoledì, dopo Jurassic Park III del 2001, che incassò 85 milioni di dollari in cinque giorni. Nonostante i due giorni in più, le attuali proiezioni di La Rinascita sono ancora inferiori ai 145 milioni di dollari di Jurassic World: Dominion, che debutterà nel 2022. Tuttavia, è ancora presto per il lancio di Rebirth, e ha la possibilità di diventare un grande successo.

Tra la nuova trilogia, Jurassic World del 2015 detiene ancora il miglior incasso di apertura del franchise con 208 milioni di dollari, che si classifica anche come il settimo migliore nella storia del botteghino nazionale. Jurassic World: Il regno distrutto è seguito nel 2018 con un incasso di apertura di 148 milioni di dollari. A tre settimane dalla fine della sua campagna di marketing, La rinascita ha la possibilità di portare la fascia alta delle sue proiezioni a un intervallo di 145-148 milioni di dollari, che è il risultato iniziale di Dominion e Fallen Kingdom, anche se Jurassic World del 2015 sembra leggermente fuori portata.

Cinque anni dopo gli eventi di Jurassic World – Il Dominio, l’ecologia del pianeta si è dimostrata in gran parte inospitale per i dinosauri. Quelli rimasti, vivono in ambienti equatoriali isolati con climi simili a quelli in cui prosperavano un tempo. Le tre creature più gigantesche di quella biosfera tropicale possiedono la chiave per un farmaco che porterà miracolosi benefici salvavita all’umanità.

F1 – Il Film: Apple diffonde il primo trailer che DEVI guardare dal cellulare

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Un nuovo trailer di F1 – Il film è il primo che dovrete assolutamente guardare sul vostro telefono. Dal regista e co-sceneggiatore di Top Gun: Maverick, Joseph Kosinski ed Ehren Kruger, il film in uscita vede Brad Pitt nei panni di Sonny Hayes, un ex pilota di Formula 1 che torna dal ritiro per fare da mentore alla stella nascente Joshua “Noah” Pearce (Damson Idris) per il team fittizio Apex Grand Prix. Il cast include anche la candidata all’Oscar Kerry Condon, Tobias Menzies e il premio Oscar Javier Bardem.

Ora, Apple ha pubblicato il primo trailer cinematografico tattile di F1. Tuttavia, è necessario guardarlo su un iPhone per sperimentare appieno l’effetto del motore Taptic che pulsa e vibra insieme all’azione di gara sullo schermo. Il trailer è disponibile ora tramite l’app Apple TV su iPhone, sebbene richieda iOS 18.4 o versioni successive.

Quello di F1 – Il film, è il primo trailer cinematografico tattile in assoluto

Questo è presumibilmente il primo trailer cinematografico tattile al mondo, il che è in qualche modo sorprendente dato che la tecnologia è stata introdotta per la prima volta nell’Apple Watch nel 2015 e successivamente integrata nell’iPhone. Tuttavia, dato che Apple Studios sta producendo il film di F1 – Il film, ha senso per loro sfruttare la tecnologia del loro motore Taptic per creare un’esperienza di visione del trailer unica. Nel complesso, il trailer tattile continua l’astuto marketing per la F1, poiché il primo trailer è stato rilasciato poco prima del Gran Premio di Gran Bretagna 2024, seguito dal secondo poco prima del Gran Premio d’Australia.

Un uso intelligente della tecnologia

Il trailer tattile di F1 – Il film è fantastico, con l’iPhone che vibra mentre le auto rombano e lottano per la posizione. Quando Brad Pitt sale in macchina e avvia il motore, la vibrazione è sufficiente a dare la carica. Nell’abitacolo, con le gomme anteriori che sfiorano i cordoli, il rombo del telefono è perfettamente sincronizzato con l’azione sullo schermo. Sebbene guardare il nuovo trailer di F1 – Il film dal cellulare permetterà di godere in maniera intelligente di questa tecnologia, non sarà certamente il modo migliore per guardare il film vero e proprio, che uscirà in IMAX.

GUARDA IL TRAILER QUI!

Ironheart avrà una seconda stagione? Dominique Thorne rivela cosa sa sul futuro

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La produzione di Ironheart ha terminato alla fine del 2022, il che significa che la serie è rimasta in sospeso per quasi tre anni. Questo potrebbe indicare problemi con la serie o che i Marvel Studios si stiano prendendo il tempo necessario per perfezionare gli effetti visivi.

In ogni caso, la serie arriverà su Disney+ tra meno di due settimane. Questo significa che presto scopriremo che tipo di impatto avrà la storia di Riri Williams sull’MCU in generale (le speculazioni sul tanto atteso debutto di Mefistofele continuano a dilagare online).

Parlando con The Direct, alla star di Ironheart, Dominique Thorne, è stato chiesto se ci fossero state trattative ufficiali per una seconda stagione. “No, no”, ha confermato l’attrice. “Non ancora.” Alla domanda su cosa le piacerebbe vedere in futuro da Riri, Thorne ha aggiunto: “Non credo di poterlo dire senza rovinare tutto. Mi piacerebbe vederla esplorare l’intera gamma di altre opzioni che le vengono presentate nella prima stagione”.

“Penso che questa volta, ancora una volta, la sua mente si sia aperta su ciò che esiste realmente nel mondo”, ha continuato, “rendendosi conto che è molto più grande di quanto pensasse persino nella sua città natale, che le cose sono molto più grandi e che stanno succedendo molte più cose di quanto abbia mai voluto sapere o capire”.

“Quindi, ora che sa cosa c’è là fuori, cosa sceglie? E, quando fa una scelta, sappiamo che si impegnerà”, ha aggiunto Thorne. “E quindi cosa significa per lei, come si presenta, affidarsi all’opzione totalmente fuori dagli schemi rispetto a ciò che ci aspetteremmo da lei? Penso che sarebbe davvero fantastico”.

Questi commenti sembrano indicare che l’incontro di Ironheart con la magia dopo il suo scontro con The Hood apra le porte all’adolescente per esplorare ulteriormente l’angolo soprannaturale dell’MCU. L’ultimo trailer di Ironheart ha anche confermato che la sua armatura sarà alimentata dalla scienza e dalla magia.

Quello che sappiamo di Ironheart

Ambientata dopo gli eventi di Black Panther: Wakanda Forever, la serie Ironheart di Marvel Television mette a confronto la tecnologia con la magia quando Riri Williams (Dominique Thorne), una giovane e geniale inventrice determinata a lasciare il segno nel mondo, torna nella sua città natale, Chicago.

La sua innovativa interpretazione della costruzione di armature di ferro è brillante, ma nel perseguire le sue ambizioni, si ritrova coinvolta con il misterioso ma affascinante Parker Robbins, alias “The Hood” (Anthony Ramos).

La serie vede la partecipazione anche di Lyric Ross, Alden Ehrenreich, Regan Aliyah, Manny Montana, Matthew Elam e Anji White. Chinaka Hodge è la sceneggiatrice e produttrice esecutiva; gli episodi sono diretti da Sam Bailey e Angela Barnes.

I primi tre episodi di Ironheart debutteranno su Disney+ il 24 giugno 2025.

Deep Cover – Attori sotto copertura, la spiegazione del finale

Deep Cover – Attori sotto copertura, la spiegazione del finale

I vari colpi di scena di Deep Cover – Attori sotto copertura, disponibile su Prime Video, spingono il trio centrale di comici improvvisati a livelli sorprendenti e aprono nuove prospettive.

Deep Cover – Attori sotto copertura si concentra sull’insegnante di improvvisazione Kat, un’attrice americana a Londra che sta esaurendo il suo visto di lavoro e non è riuscita a far funzionare la sua carriera come attrice. Avvicinata dal detective Billings per un’operazione sotto copertura che coinvolge comici improvvisati, Kat (Bryce Dallas Howard) recluta due dei suoi studenti – un serio attore di metodo di nome Marlon (Orlando Bloom) e un timido impiegato informatico di nome Hugh (Nick Mohammed) – per aiutarla a portare a termine un lavoro semplice e di basso livello per la polizia. Una serie di colpi di scena inaspettati porta il trio a inciampare nel più ampio mondo criminale di Londra, dando vita a una tortuosa narrativa poliziesca che risulterà familiare a chiunque abbia visto un film di Guy Ritchie. I personaggi di Deep Cover – Attori sotto copertura si ritrovano a rivelare sempre di più su se stessi man mano che il film procede, imparando a conoscere i propri limiti e trovando nuovi limiti a cui arrivare per sopravvivere. Ecco tutti i grandi colpi di scena del film, e come il finale potrebbe gettare le basi per un sequel.

Come Kat, Marlon e Hugh convincono tutti di essere poliziotti sotto copertura

Il trio improvvisato sfrutta il caos della situazione a proprio vantaggio

Uno dei grandi colpi di scena del finale di Deep Cover vede Kat, Marlon e Hugh, mentre lavorano sotto copertura, fingono di essere poliziotti. Dopo essere stata arrestata e aver rivelato la verità alle autorità, Kat escogita un nuovo piano che può contribuire a garantire che la finta operazione sotto copertura in cui sono stati indotti con l’inganno vada effettivamente a buon fine. Tornando a Fly, ora nei panni degli agenti sotto copertura che la malavita criminale crede che siano, il trio trasforma Fly in un informatore (assicurandosi persino che tutti e quattro ottengano l’immunità per aver contribuito a far cadere Metcalfe e gli albanesi).

È un’escalation divertente, soprattutto perché dà a ciascuno dei tre il tempo di brillare. Kat è in grado di costruire la scena, mentre Marlon fornisce supporto invece di costringersi a stare sotto i riflettori. Hugh ha il ritmo più drammatico, intimidendo Metcalfe e aiutandolo a rivelare la vera portata dello spaccio di droga. Raddoppiando le capacità di improvvisazione affinate durante il film, il trio non solo riesce a sfuggire alla custodia e a salvarsi la vita, ma distrugge anche un impero criminale.

Il colpo di scena del cattivo di Billings in Deep Cover

Il detective di Sean Bean è un poliziotto corrotto in uno dei più grandi colpi di scena di Deep Cover

Uno dei grandi colpi di scena di Deep Cover è che l’operazione di “improvvisazione sotto copertura” di Billings (Sean Bean) è tutta finta, trasformando il personaggio in un poliziotto corrotto e aumentando la tensione nella seconda metà del film. Nel primo atto di Deep Cover, Billings viene presentato come una figura burbera ma apparentemente affidabile che convince il trio a continuare a immergersi sempre più nel mondo criminale. Tuttavia, la sua delusione per un bottino a metà film porta Kat a rendersi conto che non ci sono rinforzi in arrivo e che Billings è un poliziotto corrotto.

È un colpo di scena intelligente che appare ovvio a posteriori, poiché spiega l’enorme libertà con cui Billings si stava godendo il trio. Billings intendeva usare i tre come suoi agenti nel mondo criminale, facendo fare loro tutto il lavoro sporco mentre lui ricavava un “fondo pensione” dai loro sforzi. Li avrebbe poi ricattati con l’unica prova che non avevano commesso i loro crimini di loro spontanea volontà. Il fatto che questo pericolo sia ulteriormente aggravato dalla morte improvvisa di Billings rende la scena della sua grande rivelazione uno dei momenti più importanti del film.

Il ruolo del cattivo di Metcalfe in “Deep Cover” e ciò che vuole

Il vero grande cattivo di “Deep Cover” non ha pazienza per il miglioramento

Mentre Kat, Marlon e Hugh riescono a farsi strada con il fascino e l’inganno superando la maggior parte dei criminali che incontrano in “Deep Cover“, una persona apparentemente invulnerabile è Metcalfe (Ian McShane). Affermato fin dall’inizio come un boss criminale così temibile che persino l’altrimenti intimidatorio Fly gli dimostra deferenza, Metcalfe è la minaccia definitiva del film. Gli sforzi di Metcalfe per organizzare una collaborazione con le bande albanesi sono complicati dal trio e da Fly, che lo porta a reclutare forzatamente il gruppo per rimediare ai loro errori.

Dopo la morte di Billings, Metcalfe diventa ossessionato dalla ricerca dei “ratti” che lavoravano con lui. Metcalfe è definito dal suo desiderio di ordine e odia il caos che Fly ha introdotto nel suo impero criminale. È disposto ad affrontare qualsiasi minaccia a quella stabilità con la morte, una figura spietata in un film pieno di personaggi complessi. In questo senso, Metcalfe è l’antitesi dello spirito d’improvvisazione, che abbraccia caos e connettività a livello profondo. Oltre a essere il cattivo più pericoloso del film, Metcalfe rappresenta un ostacolo tematico che gli eroi devono superare.

Cosa succede a Fly e Shosh in Deep Cover?

Fly e Shosh sono pericolosi, ma sono comunque molto umani

I due criminali più simpatici di Deep Cover sono Fly e Shosh, con cui, dopo alcune tensioni iniziali, il trio fa amicizia. Fly instaura un rapporto con Kat, che si lega sempre di più a lui dopo aver scoperto che ha una figlia a Porto Rico. Shosh sviluppa la storia d’amore principale del film con un Hugh sorpreso, i cui innocenti flirt e la crescente sicurezza la avvicinano a lui. Fly risparmia persino il trio dopo che vengono smascherati come “ratti”, sostenendo di essere un criminale ma di non essere un assassino per qualcuno spietato come Metcalfe.

Come risultato di questi elementi di simpatia, Fly e Shosh ottengono un finale relativamente felice. Sebbene entrambi siano pericolosi di per sé, la loro umanità di fronte a minacce più palesi come Metcalfe rende più facile per i personaggi concludere la storia in un posto migliore. La volontà di Fly di diventare testimone contro Metcalfe gli conferisce l’immunità, con Kat che in seguito menziona che si è trasferito per stare con sua figlia. Shosh non ottiene l’accordo, ma il trio le permette di fuggire dopo averli salvati da Metcalfe, risparmiandole la libertà.

Tutti quelli che muoiono in Deep Cover

Quasi ogni morte grave in Deep Cover capita a un criminale

Ci sono alcune morti degne di nota in Deep Cover, la maggior parte delle quali capita a criminali. All’inizio del film, diversi gangster e un agente di polizia vengono uccisi quando Shosh ruba della droga alla mafia albanese. Più tardi, il trio spaventa un assassino chiamato Iceman e lo fa correre in strada, dove viene investito da un’auto. La prima morte grave è Billings, che viene colpito alla testa senza tante cerimonie da Shosh quando lo vede apparentemente minacciare i suoi nuovi alleati. Se da un lato questo elimina il pericolo che rappresentava, dall’altro aumenta la posta in gioco per Kat, Marlon e Hugh.

Attrae anche l’attenzione di Metcalfe, che intensifica la ricerca di eventuali poliziotti sotto copertura che lavorano con Billings. È così che Metcalfe diventa una minaccia più attiva nella seconda metà del film. Questo porta al climax di Deep Cover, che vede il trio collaborare con la polizia per portare a termine una massiccia operazione sotto copertura. Infuriato, Metcalfe spara a Fly senza ucciderlo, ma viene a sua volta eliminato da Shosh, che gli spara alla schiena. È interessante notare che in entrambi i casi, le morti più importanti di Deep Cover avvengono entrambe per mano dello stesso personaggio.

Deep Cover prepara un sequel?

Deep Cover ha una conclusione ordinata ma lascia abbastanza spazio per un seguito

Il finale di Deep Cover non prepara necessariamente un sequel, ma getta le basi per un potenziale seguito. Dopo aver ottenuto l’immunità per il loro aiuto, il trio torna alle proprie vite a Londra, sebbene con un ritrovato senso di fiducia e pace interiore dopo le loro avventure, il che sottolinea la loro simpatia e la loro crescita come personaggi. Un sequel potrebbe facilmente riunire il trio per un nuovo incarico, soprattutto se la polizia volesse provare a replicare il successo della loro operazione londinese.

Sebbene la notizia pubblica dell’operazione potrebbe rendere difficile per loro semplicemente mimetizzarsi, il trio potrebbe essere impiegato in operazioni in altre parti del paese o del mondo. C’è anche il dubbio persistente su Shosh, che è confermato essere sfuggito alle autorità. Potrebbe facilmente tornare e reclutare Hugh e gli altri per un lavoro, potenzialmente riaccendendo persino la storia d’amore che stava nascendo tra loro. Mentre Deep Cover si conclude con una nota positiva e conclusiva, il finale ottimista e aperto del film getta le basi per ulteriori avventure.

Il vero significato di Deep Cover

L’improvvisazione è vita

Deep Cover parla in definitiva della crescita che qualcosa come l’improvvisazione può indurre in una persona. Kat, Marlon e Hugh erano tutti in difficoltà nella loro vita personale, poco apprezzati nelle loro carriere e consapevoli dei loro fallimenti. Grazie al loro lavoro insieme in Deep Cover, tutti e tre trovano un modo per uscire dai rispettivi schemi. Kat rivitalizza la sua autostima e mette in mostra il suo talento, arrivando infine a trovare la battuta d’arresto che vince la partita. Marlon impara a lavorare in modo dinamico, abbandonando la scena dopo che le sue precedenti “interpretazioni da protagonista” li avevano quasi fatti fuori. Hugh affronta la reinvenzione più radicale, acquisendo abbastanza sicurezza da tenere testa a Metcalfe nel momento culminante.

Di conseguenza, tutti e tre ottengono un lieto fine: Kat ottiene il rispetto dei suoi studenti, Marlon ottiene un’audizione di successo e Hugh apre la sua azienda vinicola. Persino Fish e Shosh, che avevano rivelato di più di sé ai tre, concludono il film in modo migliore rispetto all’inizio, grazie all’impatto che il gruppo ha avuto su di loro. La pietà di Fish gli dà la possibilità di stare con sua figlia, mentre il legame di Shosh con Hugh la porta a salvare le loro vite e a permettere loro di fuggire. In Deep Cover, i veri cattivi sono personaggi come Metcalfe e Billings, che giocano sulle insicurezze altrui e cercano di controllare ogni situazione attraverso l’estorsione o la violenza. È un modo spietato di vivere, che va contro lo spirito comunicativo e collaborativo di improvvisazione che unisce i tre durante gli eventi del film. Deep Cover mette in mostra la crescita personale che può derivare dall’aprirsi agli altri, anche quando è in linea con il personaggio o sotto copertura.

Dragon Trainer: la spiegazione del finale e il paragone con l’originale animato

Il finale di Dragon Trainer (qui la nostra recensione) si basa sulle basi stabilite dal film originale, espandendo al contempo alcuni elementi specifici del cast e di quel mondo. Remake dell’omonimo film d’animazione DreamWorks, Dragon Trainer porta le avventure di un giovane vichingo e del suo drago in una versione live-action. Il risultato è una storia che non cambia molto nella trama, con il cast di personaggi di Dragon Trainer che condivide molto con l’originale.

I cambiamenti più importanti che Dragon Trainer apporta all’originale consistono in alcune lievi modifiche tonali e sottotrame ampliate, che conferiscono a due dei personaggi secondari del film un arco narrativo più appagante. Oltre a ciò, il film fa anche un lavoro migliore rispetto al film d’animazione originale nel gettare le basi per un Dragon Trainer 2 live-action, che è già in fase di sviluppo. Ecco come il finale di Dragon Trainer si confronta con quello originale e cosa anticipa sul futuro del franchise.

Il finale di Dragon Trainer è quasi identico a quello del film d’animazione

Entrambi i film preparano Berk a diventare un rifugio per i draghi

© 2024 Universal Studios. All Rights Reserved.

Il finale di Dragon Trainer è in gran parte simile a quello del film d’animazione originale, il che evidenzia le principali somiglianze tra i due film. Il grande arco emotivo di Dragon Trainer si concentra sul legame di Hiccup con persone come suo padre Stoick e il suo interesse amoroso, Astrid. Il ragazzo ha finalmente mostrato il suo valore, ma Stoick scopre che il figlio ha imparato come tenere i draghi a bada da Sdentato e rapisce il drago per condurlo al mitico nido dei draghi. Hiccup e i suoi amici corrono lì in testa ad altri draghi, contribuendo a salvare la situazione e a uccidere la Morte Rossa.

Tuttavia, questa vittoria ha un costo per Hiccup, che perde un piede nel violento atterraggio. Il resto di Berk si riprende rapidamente e si adatta al ritrovato rispetto reciproco per i draghi, che permette loro di integrarli nella struttura cittadina. È un finale molto carino, quasi identico, nota per nota, all’originale animato. Sebbene il tono sia stato reso leggermente più drammatico grazie al passaggio al live-action, il finale di Dragon Trainer è molto coerente con il film originale.

In che modo il finale del remake live-action è diverso da quello del film d’animazione

Astrid e Moccicoso ottengono archi narrativi migliori nel nuovo finale di Dragon Trainer

Le principali differenze rispetto al finale di Dragon Trainer sono coerenti con altri cambiamenti nella storia. I cambiamenti più significativi riguardano Astrid e Moccicoso, che ottengono entrambi maggiore profondità nel nuovo film. Astrid viene affermata come un’aspirante capo, guadagnandosi il rispetto di tutta Berk. Inizialmente vede Hiccup come un rivale ed è frustrata sia dal suo privilegio di essere “il figlio del capo” che dalle sue inaspettate abilità. Questa relazione conflittuale aggiunge poi valore alla futura storia d’amore di Astrid con Hiccup e al suo ruolo di leader sul campo per i giovani vichinghi.

Moccicoso è uno dei personaggi più monotoni del film d’animazione originale, una specie di bulleto per Hiccup. Il personaggio acquisisce maggiore profondità nel film, andando oltre la sua cotta per Astrid, riducendo gran parte del suo antagonismo diretto per Hiccup pur affermandosi come un bullo. Il film presenta anche il padre di Moccicoso, che viene visto ripetutamente giudicare il giovane. Il ragazzo funge da diretto specchio per Hiccup in questo senso, in quanto entrambi che cercano di guadagnarsi il rispetto del padre.

Sia per Hiccup che per Moccicoso, il loro coraggio nella battaglia finale contro la Morte Rossa sembra cementarli agli occhi del padre, con il padre del secondo che gli dà una pacca sulla spalla in segno di affetto nel climax. È un piccolo momento, ma che rende il personaggio molto più simpatico. Mentre gli elementi generali della trama del finale di Dragon Trainer rimangono coerenti in entrambe le versioni, la profondità che la durata estesa conferisce ad Astrid e Moccicoso migliora entrambi i personaggi.

Cosa significa il finale di Dragons Train per il sequel

Il film live-action prepara il ritorno della madre di Hiccup e il più ampio mondo dei draghi

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Il finale di Dragon Trainer è piuttosto autoconclusivo, garantendo a tutti i personaggi principali un lieto fine. Tuttavia, il film lascia aperto un intero mondo da esplorare. Il film originale si concluse in modo simile, dando vita a diversi spin-off e due sequel cinematografici. Probabilmente il più importante è Dragon Trainer 2, che ha ampliato il mondo del franchise e introdotto Valka, la madre di Hiccup. Valka viene citata ripetutamente in Dragon Trainer, il che pone maggiore enfasi sulla sua apparente morte, che ha ispirato la furia anti-drago di Stoick.

Dragon Trainer ha anche incorporato la diversità nel casting e nella costruzione del mondo, rivelando che Berk è stata fondata reclutando i migliori cacciatori di draghi da tutto il mondo. Questo apre la possibilità di incontri con draghi in tutto il mondo e potrebbe creare numerose avventure secondarie o nuove location per futuri film.

Altri maestri di draghi come Drago, il cattivo di Dragon Trainer 2, potrebbero facilmente minacciare la pace che Hiccup ha instaurato nella sua comunità. Proprio come il film originale, Dragon Trainer ha un finale avvincente che introduce un mondo più ampio.

Il vero significato di Dragon Trainer

Dragon Trainer parla del potere dell’empatia

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Il finale di Dragon Trainer è una dolce testimonianza del potenziale dell’empatia, sia a livello personale che culturale. Hiccup è intrappolato dall’amore per il suo popolo e dal suo legame con Sdentato, che lo spinge a cercare di convincerli che i vichinghi non hanno bisogno di essere nemici dei draghi. Allo stesso modo, cerca di appianare il conflitto che si è inasprito con suo padre, la tensione che è cresciuta tra lui e Astrid e la sua reputazione presso l’intero villaggio. I vichinghi trattano le sue particolarità con disprezzo, proprio come temono e odiano i draghi.

Hiccup dimostra di essere l’unico capace di oltrepassare i confini tra vichinghi e draghi, convinto che siano la stessa cosa. Quella stessa paura che ha provato e visto in Sdentato lo ispira. Questo elemento condiviso si trasforma gradualmente in lealtà e persino nobiltà, trasformando Hiccup da aspirante vichingo in un vero eroe. È un arco narrativo dolce ed emozionante per il film, una tesi centrale che si concretizza nei principali archi narrativi dei personaggi di Dragon Trainer, mentre imparano da Hiccup e imparano ad accettarsi a vicenda in un modo nuovo.

Fubar – Stagione 2: la spiegazione del finale. Qual è il vero significato della scena finale?

Attenzione: spoiler importanti sul finale di Fubar – Stagione 2

Fubar – Stagione 2 di Netflix si conclude in modo opportunamente esplosivo, con Luke (interpretato da Arnold Schwarzenegger) che scopre la sconvolgente identità del misterioso terrorista Dante Cress. Il finale della seconda stagione di FUBAR si apre con Luke e la sua squadra che lottano contro il tempo per impedire il lancio di un missile nucleare, che potrebbe scatenare una guerra con la Russia. Dopo aver scoperto che l’agente segreto dell’MI6 Chips (Guy Burnet) era in realtà Cress per tutto il tempo, riescono a sabotare il missile, impedendogli di uscire dall’atmosfera. Cress viene bruciato al lancio, mentre l’ex fiamma di Luke, Greta (Carrie-Anne Moss), apparentemente muore dopo aver danneggiato il missile dall’interno.

Miracolosamente, Greta sopravvive all’atterraggio di fortuna del missile, e Luke ed Emma (Monica Barbaro) fingono la sua morte per poterla liberare. “Let’s Twist Again” di FUBAR si chiude con Luke e la sua famiglia a cui viene permesso di tornare a casa dopo che la CIA ritiene che le minacce contro di loro siano cessate. Così, Luke chiede in sposa l’ex moglie Tally (Fabiana Udenio), mentre Roo (Fortune Feimster) diventa direttore regionale della CIA. L’episodio si conclude con Barry (Milan Carter) che decide di far evadere la sua fidanzata traditrice Tina (Aparna Brielle) dalla Russia, una missione che pone grandi rischi per la terza stagione.

Perché Dante Cress ha finto di far parte della squadra – Chips/Cress era tutt’altro che ambizioso

Burnet è un’ottima aggiunta al cast di FUBAR, Chips che è un agente segreto innegabilmente affascinante, seppur un po’ fastidioso, con l’intenzione di corteggiare Emma. Chips sembra passare dalla parte del bene dopo aver iniziato la stagione come antagonista, solo per poi rivelare in “Let’s Twist Again” che in realtà era Dante Cress fin dall’inizio. Chips/Cress si è infiltrato nel gruppo sia per tenere traccia delle loro attività, sia per rigirare gli eventi a proprio vantaggio. Nel corso della serie, le sue azioni hanno sia aiutato che sfavorito la squadra di Luke.

Ripensando alla seconda stagione di FUBAR, il piano di Cress non segue una logica precisa; ad esempio, Chips ha lasciato che l’intera squadra venisse giustiziata dai suoi uomini nell’episodio 2, e non poteva certo immaginare che avrebbero trovato una via d’uscita. In ogni caso, la rivelazione di Chips/Cress è un divertente colpo di scena, che premia il suo personaggio. Chips rivela anche perché voleva distruggere il mondo, ricordando come suo padre sia morto in una missione che prevedeva di insabbiare uno scandalo sessuale che coinvolgeva un politico.

Dopo che la missione fallì, suo padre cercò di ucciderlo, costringendo Chips a farlo per legittima difesa. Decidendo che il mondo era un posto orribile e che aveva bisogno di un reset totale, Chips decise che scatenare una guerra nucleare fosse l’opzione migliore. Chips provava seriamente i suoi sentimenti per Emma e voleva che lei si unisse a lui in un bunker nucleare; invece, combattono fino alla morte all’interno del silo, e lei guarda Chips annientato dal lancio del missile.

Il piano di Cress per la rete elettrica era una finta elaborata – Un blackout era solo una parte del piano del cattivo

La minaccia principale di Fubar – Stagione 2 riguardava l’ex fiamma di Luke, Greta, assunta da Cress per mettere fuori uso la rete elettrica americana. L’obiettivo di Greta è distruggere quattro centrali elettriche, innescando un effetto domino che porterà a un blackout totale in tutto il paese. Se gli Stati Uniti rimanessero senza elettricità, l’economia crollerebbe e la nazione si troverebbe completamente esposta a un’invasione. Tutte queste cose sono negative, ma il finale rivela che il piano per la rete elettrica era in realtà uno stratagemma per attivare le armi nucleari del paese.

Questi missili sono pronti a entrare in funzione in caso di interruzione completa dell’energia elettrica nel paese, presumendo che la nazione sia sotto attacco. Chips è anche riuscito a bloccare le comunicazioni satellitari con la Russia, quindi una volta innescati i missili, presumerebbero che una guerra nucleare sia imminente e risponderebbero di conseguenza. È una mossa audace da parte di Chips, e tutto va bene finché la squadra di Luke non riesce a disattivare gli altri missili e a rendere inattiva l’ultima testata nucleare rimasta.

Come Greta è sopravvissuta al suo eroico “sacrificio” – La granata di gommapiuma di FUBAR si è rivelata sicuramente utile

Sebbene Greta sia in gran parte interpretata come una parodia cartoonesca di una femme fatale, la serie chiarisce che ama davvero Luke e vuole stare con lui. Quando diventa chiaro che qualcuno deve sabotare l’ultimo missile, Greta dice a Luke che non può essere lui, dato che ha già una famiglia. Presto, il missile viene lanciato con Greta al suo interno e lei riesce a farlo schiantare. Luke ed Emma arrivano più tardi sul luogo dell’impatto e Greta si rivela viva dopo aver usato una granata artificiale per proteggersi dall’impatto.

Nonostante abbiano aiutato Cress durante la seconda stagione di FUBAR e causato molte morti, Luke ed Emma decidono che Greta è una brava persona e aiutano a inscenare la sua morte. Non sembra che questo prepari il suo ritorno per una potenziale terza stagione, ma gli showrunner ora hanno un margine di manovra per riportare Moss in vita se Greta si dimostrerà popolare tra il pubblico.

Perché Luke si ritira dalla CIA – Luke rescinde il suo contratto con la CIA

Nelle scene finali di “Let’s Twist Again” di FUBAR, la squadra di Luke festeggia la fine della missione e il fatto di poter finalmente tornare a casa. Luke coglie anche l’occasione per annunciare che, dopo decenni di leale servizio – anteponendo il lavoro alla famiglia – si ritira dalla CIA. FUBAR continua la sua vena romantica quando Luke chiede a Tally di sposarlo, con cui ha intenzione di risposarsi e andare in barca a vela.

Luke confida anche che la sua squadra, sotto la guida del nuovo capo Roo, possa mantenere il mondo al sicuro anche senza di lui. Questo suggerisce che il Luke di Schwarzenegger potrebbe passare in secondo piano se la terza stagione di FUBAR dovesse andare in onda, o potrebbe diventare un personaggio secondario. Considerando che la serie è convinta del successo di Arnie, è improbabile che lasci davvero la serie.

FUBAR – Stagione 2 non finisce bene per tutti – Forse Carter e Donnie avranno il loro spin-off

Con Luke e Tally pronti a risposarsi e Roo che riceve la sua promozione, il finale della seconda stagione di FUBAR è per lo più ottimista. Non è altrettanto vero per l’ex fidanzato di Emma, ​​Carter (Jay Baruchel), e per l’ex fidanzato di Tally, Donnie (Andy Buckley). Entrambi hanno avuto la vita praticamente rovinata a causa dei loro legami con la famiglia Brunner e, dopo una rocambolesca scappatella che li ha visti coinvolti in uno spaccio di droga e uccidere accidentalmente un motociclista criminale, sono costretti a nascondersi.

L’ultima scena di Carter e Donnie li vede spediti su un peschereccio in Groenlandia, presumibilmente per anni a venire. Nel frattempo, Barry (Milan Carter) è anche lui sconvolto dalla scoperta che la sua ragazza Tina (Aparna Brielle) era una talpa russa, e nelle scene finali, lui e Aldon (Travis Van Winkle) la consegnano come parte di uno scambio di prigionieri. Tina in precedenza aveva negato di aver mai amato Barry, nonostante lui la pensasse diversamente, ma quando scopre che stava fornendo false informazioni ai russi, si rende conto che la sua convinzione era assolutamente corretta.

In che modo la scena finale della seconda stagione di FUBAR prepara la terza stagione – La squadra di FUBAR sta andando in Russia!

La scena finale della seconda stagione di FUBAR mostra Barry realizzare che Tina era davvero dalla loro parte e si sta sacrificando per salvarli. Barry e Aldon dicono a Roo che torneranno indietro per salvare Tina, il che significa dirigersi in Russia. Ovviamente, questo rischia un grave incidente internazionale, che non è qualcosa che Roo vuole affrontare nel suo primo giorno da capo.

In ogni caso, sembra che la terza stagione di FUBAR vedrà la squadra dirigersi in Russia per salvare Tina, il che senza dubbio porterà a qualche ricaduta. Di nuovo, sarà interessante vedere come Luke (Arnie) verrà coinvolto nella vicenda, anche se potrebbe trovare la pensione un po’ noiosa e iniziare a desiderare di nuovo un po’ di azione.

Balle Spaziali: l’annuncio ufficiale di Mel Brooks

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Balle Spaziali: l’annuncio ufficiale di Mel Brooks

Dopo i rumor, le conferme di una sceneggiatura e le prime conferme di casting, finalmente Mel Brooks in persona annuncia l’arrivo di un nuovo Balle Spaziali con un annuncio perfettamente in linea con quello a cui negli anni il geniale comico ci ha abituati.

Il sequel di Balle Spaziali, annunciato ufficialmente lo scorso anno, uscirà nel 2027 e il leggendario Mel Brooks, che compirà 99 anni alla fine di questo mese, riprenderà il ruolo di Yogurt, la parodia di Yoda.

Brooks non è l’unico membro del cast originale a tornare, come abbiamo detto ieri, anche Bill Pullman e Rick Moranis, che torneranno dal pensionamento per questo sequel, torneranno a interpretare Lone Starr e Dark Helmet. Anche Keke Palmer (One of Them Days) si è unita al cast in un ruolo non ancora reso noto.

L’attesissimo seguito della parodia di Star Wars degli anni ’80 di Brooks è in fase di sviluppo presso gli Amazon MGM Studios, con Josh Gad (La Bella e la Bestia, Frozen, Wolf Like Me) che sarà protagonista e produttore insieme a Brooks. Josh Greenbaum dirigerà il film da una sceneggiatura di Benji Samit, Dan Hernandez e Gad.

I dettagli della trama sono ancora segreti, ma il film originale era una farsa a tutti gli effetti, che seguiva la trama generale di Star Wars: Una Nuova Speranza, prendendo in giro anche altri generi fantascientifici o ambientati nello spazio come Star Trek, 2001: Odissea nello Spazio, Il Pianeta delle Scimmie e Alien.

Balle Spaziali vedeva anche il compianto John Candy nel ruolo di Barf e Daphne Zuniga in quello della Principessa Vespa.

Ecco il video condiviso sui suoi social:

Distribuito dalla MGM nel 1987, Balle Spaziali è una parodia iconica del genere fantascientifico, che trae ispirazione dal franchise di Star Wars e da altri classici. La trama ruota attorno al malvagio Casco Nero (Rick Moranis) e al Presidente Skrocco (Mel Brooks), che tentano di rubare l’atmosfera del pacifico pianeta Druidia, solo per essere ostacolati dall’eroe Stella Solitaria (Pullman), dal suo aiutante Barf (John Candy) e dalla principessa druisca Vespa (Daphne Zuniga). Tra gli altri attori del cast figurano Joan Rivers e Dick Van Patten. Il film ha incassato poco più di 38,1 milioni di dollari in tutto il mondo, ma è rimasto negli anni un classico di culto.

Dexter: Original Sin – Stagione 2 si farà? tutto quello che sappiamo

Dexter: Original Sin di Showtime è un prequel del popolare successo degli anni 2000, ma la sanguinosa storia delle origini sarà rinnovata per una seconda stagione? Sviluppato per il piccolo schermo da Clyde Phillips, Original Sin racconta i primi giorni di Dexter Morgan (ora interpretato da Patrick Gibson) quando inizia la sua carriera nel dipartimento di polizia di Miami. Con il rifacimento di molti dei personaggi riconoscibili della serie originale, la serie mira a spiegare come è nato il famigerato serial killer e cosa è successo nel decennio precedente agli eventi della serie originale.

Dopo l’uscita un po’ deludente di Dexter: New Blood nel 2021, il franchise nato dal romanzo di Jeff Lindsay sembrava essere finito per sempre. Tuttavia, Showtime ha improvvisamente annunciato una serie prequel e, non molto tempo dopo, ha anche rivelato una continuazione, Dexter: Resurrection, con Michael C. Hall. Mentre quest’ultima è ancora lontana, Original Sin sembra dare nuova vita al franchise in rapida espansione negli anni 2020. Il prossimo passo sarà il rinnovo della seconda stagione di Dexter: Original Sin, ma non è chiaro cosa Showtime abbia in programma per la serie prequel.

La seconda stagione di Dexter: Original Sin non è confermata

Con un altro spinoff in arrivo, non è ancora chiaro cosa Showtime abbia in programma per la prequel di Dexter. Con il rinnovo (o la cancellazione) della seconda stagione ancora in sospeso, è del tutto possibile che il network premium via cavo stia aspettando di vedere come verrà accolta la prequel prima di prendere decisioni importanti. Anche se è stato pianificato un grande progetto per la storia, Original Sin non avrà una seconda stagione se nessuno si sintonizzerà per guardarla. L’accoglienza dello show non sarà nota fino al termine della prima stagione e Showtime non prenderà una decisione fino ad allora.

Una cosa che ha affossato New Blood è che era stata pubblicizzata come la ciliegina sulla torta della serie originale, ma Original Sin è più un complimento a Dexter che altro.

Tuttavia, Dexter ha dimostrato di essere un prodotto molto richiesto anche a quasi due decenni dal debutto della serie, e non c’è motivo di pensare che Original Sin non attirerà un pubblico curioso. Anche l’accoglienza piuttosto fredda riservata a New Blood può essere corretta dal prequel, che non corre il rischio di dover impegnarsi in qualcosa di definitivo. Una cosa che ha affossato New Blood è che era stata pubblicizzata come la ciliegina sulla torta della serie originale, ma Original Sin è più un complimento a Dexter che altro.

Dettagli del cast di Dexter: Original Sin – Stagione 2

Poiché la serie è un prequel, è quasi certo che alcuni membri del cast di Dexter: Original Sin torneranno perché compaiono nella serie originale. Anche se nel prequel sono avvenuti alcuni cambiamenti, probabilmente non ci sarà una morte prematura di un personaggio importante. Chiunque non appaia in Dexter, però, è un bersaglio facile e non ci sono davvero garanzie che sopravviverà alla prima serie di omicidi di Dexter. Parlando del personaggio omonimo, il cast della seconda stagione sarà guidato da Patrick Gibson nei panni del giovane Dexter Morgan.

Allo stesso modo, Christian Slater dovrebbe tornare nel ruolo del padre di Dexter, Harry, e Molly Brown tornerà a riprendere il suo ruolo di Debra, la sorella minore di Morgan. Michael C. Hall è tornato nella prima stagione del prequel per narrare il monologo interiore di Dexter, e probabilmente tornerà a farlo di nuovo. I nuovi colleghi di Dexter, come Maria LaGuerta (interpretata da Christina Milian), Angel Batista (James Martinez) e Vince Masuka (Alex Shimizu), appaiono tutti nella serie originale, quindi sono una certezza per la seconda stagione di Original Sin.

Escape Room 2 – Gioco mortale: la spiegazione del finale del film

Proprio quando Zoey e Ben pensano di essersi liberati dalle grinfie della Minos Corporation, il colpo di scena finale di Escape Room 2 – Gioco mortale rivela che in realtà non sono mai realmente riusciti a fuggire. Gli ultimi momenti del sequel horror preparano così il terreno per il seguito della storia, ricollegandosi anche al finale del primo Escape Room. Ma andiamo con ordine. Diretto da Adam Robitel, il sequel vede i due sopravvissuti del primo film cercare di ottenere giustizia per i loro compagni di gioco che sono stati tormentati e uccisi dalla Minos. Sfortunatamente, il loro tentativo di indagare sul quartier generale della società a New York City finisce con loro che vengono attirati in una nuova serie di escape room.

Insieme a loro, ci sono stavolta altri quattro sopravvissuti dei precedenti giochi della Minos. Dopo aver affrontato una serie di rompicapo diabolici che coinvolgono un vagone della metropolitana che diventa una bobina di Tesla, una banca piena di laser letali, una spiaggia finta ricoperta di sabbie mobili e una strada cittadina periodicamente inondata da piogge acide altamente corrosive, Zoey è scioccata dal ritorno a sorpresa di due persone che credeva morte: Amanda, morta nel primo film, e Ben, inghiottito dalle sabbie mobili. Anche Escape Room 2 – Gioco mortale riserva dunque una nuova sorpresa dietro ogni angolo. In questo approfondimento analizziamo dunque il finale, fornendone una spiegazione.

Come (e perché) Amanda è sopravvissuta alla prima Escape Room

Con un po’ di retconning tramite flashback sul primo film, Escape Room 2 – Gioco mortale rivela che Amanda Harper aveva una figlia piccola. Questo è un primo indizio di un colpo di scena nel terzo atto, quando viene rivelato che la morte di Amanda per caduta era un’illusione e che da allora è stata nelle mani di Minos. Dopo essere caduta nel lungo pozzo dalla sala della piscina con il pavimento che crollava, Amanda è atterrata su un materasso invece che sul duro pavimento. Minos ha poi rivelato di aver rapito sua figlia, Sonya, e di averla usata come leva per costringere Amanda a progettare la loro prossima serie di stanze enigmistiche.

Come rivelato nel primo film, le escape room di Minos sono fornite come intrattenimento gladiatorio di alto livello a una clientela di ricchi sadici, e i loro clienti richiedono sempre enigmi più complessi ed elaborati. Ogni gruppo di concorrenti è collegato da un tema, quindi utilizzare gli ex concorrenti per progettare nuovi puzzle potrebbe essere semplicemente un altro modo per evolvere le escape room e mantenere le cose eccitanti per i clienti. La serie di escape room di Amanda era unica nel modo in cui le utilizzava per raccontare la sua storia, forse con l’intenzione di comunicare una richiesta di aiuto.

Come Zoey capisce quando legge una lettera scritta dalla figlia di Amanda, Sonya, le escape room sono tutte collegate ai ricordi di un giorno particolare: il viaggio in metropolitana, l’andare in banca e l’andare in spiaggia. Sia il puzzle della spiaggia che quello della strada utilizzavano l’immagine di una bambina che guardava sua madre, e c’erano anche riferimenti al round precedente di escape room nascosti nel nuovo set. Come le dice il suo terapeuta, “tutto è un indizio”.

Tyler Labine, Jay Ellis, Logan Miller, Deborah Ann Woll, Taylor Russell e Nik Dodani in Escape Room 2 - Gioco mortale
Tyler Labine, Jay Ellis, Logan Miller, Deborah Ann Woll, Taylor Russell e Nik Dodani in Escape Room 2 – Gioco mortale. Foto di Sony Pictures – © 2021 CTMG, Inc.

Gli altri concorrenti potrebbero essere ancora vivi?

Uno dei temi principali di Escape Room 2 – Gioco mortale è che non tutto è come sembra, e questo concetto è ribadito dall’avvertimento di Amanda a Zoey: se non ha visto un cadavere con i propri occhi, quella morte potrebbe non essere mai avvenuta. Se Minos ha salvato Amanda dalla caduta, potrebbe aver salvato anche altri concorrenti. Danny Khan era un veterano delle escape room e ne aveva già affrontate decine, il che lo rendeva il candidato perfetto per Minos come progettista di puzzle. Danny sembrava essere annegato dopo essere caduto nel ghiaccio, ma dato che il suo corpo è scomparso nell’acqua, potrebbe benissimo tornare come ha fatto Amanda.

Il ritorno di Ben dopo essere rimasto intrappolato nelle sabbie mobili apre anche la possibilità che Nathan possa essere ancora vivo, dato che era stato risucchiato nella stessa trappola. Rachel e Brianna sembravano essere morte quando sono state catturate dalla pioggia acida, ma Zoey è stata lasciata cadere nella stanza accanto prima che la loro morte fosse confermata. E anche se il rapporto della stazione di polizia dice che quattro corpi sono stati rimossi dall’edificio Minos a New York, la notizia si rivela essere solo un’altra bugia inventata da Minos.

Il colpo di scena finale

Convinta che Minos sia stato sconfitto e che Amanda stia rilasciando una dichiarazione alla stazione di polizia che aiuterà l’FBI a dare la caccia ai colpevoli, Zoey decide finalmente di superare la sua persistente paura di volare e di prendere un aereo per tornare a Chicago. Mentre è sull’aereo, però, si rende conto che tutti i mezzi con cui pensava di ingannare Minos e risolvere i loro enigmi – come scoprire la seconda uscita dietro la luna nella stanza sulla spiaggia e usare il tubo del gas per liberare Ben nella stanza finale – erano sospettosamente facili. Quelli che pensava fossero errori nella progettazione degli enigmi erano in realtà stati inseriti deliberatamente, proprio come tutti gli altri indizi.

La “fuga” di Zoey e Ben dall’edificio Minos faceva quindi parte del piano della società. La loro esperienza alla stazione di polizia, dal rapporto della polizia in TV alla rassicurazione che Minos era sotto indagine dell’FBI, era tutta una messinscena. Era stato progettato per dare a Zoey la fiducia necessaria per salire finalmente su un aereo, il che a sua volta avrebbe dato il via al prossimo round di escape room. Il libro sul libero arbitrio che il suo terapeuta le mostra all’inizio del film era davvero un indizio: un indizio su come Minos avesse intenzione di ingannarla facendola credere che stesse agendo di sua spontanea volontà, quando in realtà stava semplicemente facendo il loro gioco.

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Holland Roden, Logan Miller, Taylor Russell, Thomas Cocquerel e Indya Moore in Escape Room 2 – Gioco mortale. Foto di Sony Pictures – © 2021 CTMG, Inc.

Come il primo film ha preparato il finale di Escape Room 2 – Gioco mortale

Escape Room si è concluso con quella che all’inizio sembrava essere una escape room costruita all’interno di un aereo, con i concorrenti costretti a cercare di risolvere il puzzle prima che l’aereo si schiantasse contro una montagna. Si è poi scoperto che questo aereo era semplicemente un modello, costruito su una piattaforma inclinabile con schermi alle finestre per creare l’illusione di essere in volo. I “concorrenti” erano dipendenti di Minos che giocavano nella stanza dei puzzle per cercare difetti nel suo design.

Dopo l’ultima prova del puzzle dell’aereo, una misteriosa figura oscura su uno schermo chiede quali siano le possibilità di successo, e un ingegnere gli risponde che sono solo del 4%. Il creatore del puzzle rivela che questa stanza è stata progettata appositamente per Zoey, gongolando: “Sono così felice che Zoey abbia superato la sua paura di volare”. All’inizio di Escape Room 2 – Gioco mortale sembra che Zoey sia riuscita a evitare questo puzzle; ha cancellato il volo che avrebbe dovuto prendere per New York e ha cancellato anche altri tre voli, decidendo infine di andare in città in auto con Ben.

Il creatore del puzzle si è apparentemente reso conto che Zoey non avrebbe mai avuto abbastanza fiducia in sé stessa per volare a meno che non avesse pensato che Minos fosse stata sconfitta, e così ha orchestrato un piano per far credere a Zoey di aver vinto. È possibile che l’aereo su cui Ben e Zoey salgono alla fine del film non sia nemmeno un vero aereo, ma un modello all’interno di un magazzino come quello visto alla fine del primo film. È anche possibile che Minos abbia intensificato le cose trasformando un vero aereo in una stanza enigmistica e, se Zoey non riuscirà a capire gli indizi, lei, Ben e tutti gli altri passeggeri finiranno davvero per schiantarsi. È un chiaro punto di partenza per un terzo film, ma come il resto del film amplia anche l’idea di cosa possa essere una escape room.

Logan Miller in Escape Room 2 - Gioco mortale
Logan Miller in Escape Room 2 – Gioco mortale. Foto di Sony Pictures – © 2021 CTMG, Inc.

Il vero significato del finale di Escape Room 2 – Gioco mortale

La primissima stanza enigmistica introdotta in Escape Room ha stabilito l’idea che qualsiasi stanza potesse essere una escape room. Ai concorrenti è stato detto di andare a sedersi in una sala d’attesa, solo per rendersi conto che erano chiusi dentro e che il gioco era già iniziato. Come spiega il terapeuta di Zoey all’inizio di Escape Room 2 – Gioco mortale, la loro esperienza li ha lasciati con un tipo specifico di trauma che li porta a vedere il mondo stesso come una escape room e tutto ciò che contiene come indizi. Parlando con Screen Rant, il regista Adam Robitel ha spiegato che l’obiettivo del sequel era quello di far condividere al pubblico il dubbio su ciò che è reale e ciò che è artificiale:

Il gioco si è decisamente ampliato. Minos ha lavorato sodo, ma ciò che amo di questo film è che, ovunque tu vada, chiunque tu incontri, ti chiedi: cos’è la realtà? Non c’è nessun cucchiaio. Il gioco può essere ovunque, gli enigmi sono ovunque. E l’idea che ci sia questa forza machiavellica che controlla ogni singola scelta che facciamo, penso sia davvero spaventosa, soprattutto dopo una pandemia in cui ci sentiamo come se avessimo perso ogni controllo sulla nostra vita“.

Escape Room 2 – Gioco mortale ha alzato subito la posta in gioco trasformando un vagone della metropolitana in una escape room. Questo dà un’idea di quanto sia terrificante il potere della Minos Corporation: se può controllare la metropolitana di New York e trasformare una stazione di polizia in un’estensione del suo gioco, cos’altro potrebbe controllare? Zoey ha davvero ingannato il sistema di puzzle e ucciso il Gamesmaster nel primo film di sua spontanea volontà, o anche questo era stato pianificato come parte dell’intrattenimento da Minos? E se il sequel ha trasformato un marciapiede di New York City, una spiaggia e persino un aereo in un puzzle elaborato e attentamente controllato, come continuerà Minos a migliorare il suo gioco in Escape Room 3?

Taylor Russell in Escape Room 2 - Gioco mortale
Taylor Russell in Escape Room 2 – Gioco mortale. Foto di Sony Pictures – © 2021 CTMG, Inc.

Cosa sappiamo di Escape Room 3

Il finale di Escape Room 2 – Gioco mortale sembra dunque suggerire in modo evidente che Escape Room 3 sarebbe arrivato per trasformare la duologia in una trilogia. La premessa fondamentale ha chiaramente un potenziale franchise e, come i film della serie Saw, sembra limitata solo dal numero di trappole che i registi riescono a immaginare. Tuttavia, nonostante il secondo film sia uscito ormai nel 2021 e abbia incassato oltre 65 milioni di dollari al botteghino con un budget di soli 15 milioni di dollari, Escape Room 3 non si è ancora concretizzato.

Il regista Adam Robitel aveva accennato nello stesso 2021 alla possibilità di un terzo film. Parlando con Nightmarish Conjurings, Robitel ha suggerito che l’unica cosa che frenava un potenziale sequel era il budget e l’interesse del pubblico: “Vedremo! Dico sempre: vediamo se c’è voglia di farlo. Tutto dipende dai soldi, come si suol dire”. Tuttavia, questo risale a quattro anni fa e da allora non ci sono state notizie concrete su Escape Room 3. Adam Robitel non ha più diretto alcun film da allora. Questo potrebbe però essere un buon segno, poiché significa che non è distratto da altri progetti e potrebbe essere al lavoro sul terzo film, ma al momento mancano conferme ufficiali.

The Conjuring – Per Ordine del Diavolo: la vera storia dietro il film

The Conjuring – Per Ordine del Diavolo (qui la recensione) è basato sulla storia vera delle presunte esperienze di possessione demoniaca della famiglia Glatzel e sul processo per omicidio di Arne Cheyenne Johnson. Il terzo capitolo della celebre saga nota come Conjuring Universe ha così riportato sul grande schermo gli attori Patrick Wilson e Vera Farmiga nei panni di Ed e Lorraine Warren – ispirati ai controversi investigatori del paranormale – raccontandoci di uno dei loro casi più difficili e controversi.

Il sequel, diretto da Michael Chaves e scritto da David Leslie Johnson-McGoldrick, ha infatti suscitato alcune polemiche poiché, molto più dei precedenti film, ha affrontato una storia vera incentrata su un brutale omicidio. Tuttavia, come gli altri titoli della serie basati sui casi dei Warren, anche The Conjuring – Per Ordine del Diavolo ha mescolato realtà e finzione per rendere il tutto ancora più spaventoso della realtà. La drammatizzazione, l’aggiunta di culti satanici e le modifiche apportate alla cronologia degli eventi reali hanno così in parte nascosto la verità su ciò che è realmente accaduto a Johnson e ai Glatzel.

La spiegazione della possessione demoniaca e l’esorcismo di David Glatzel

Nel 1980, l’undicenne David Glatzel avrebbe iniziato a manifestare segni di possessione demoniaca in seguito a un incontro mentre aiutava a pulire la nuova casa di sua sorella Debbie con Johnson, il suo fidanzato. David disse di essere stato spinto da un’entità simile a un vecchio con la pelle carbonizzata e bruciata. L’apparizione minacciò di fare del male alla famiglia Glatzel per aver affittato la proprietà. David continuò poi ad avere visioni del vecchio, insieme a terrori notturni e lividi e segni inspiegabili sulla pelle. Alla fine, la famiglia credette che fosse posseduto.

La madre di David, Judy, contattò i famosi demonologi Ed e Lorraine Warren. Una volta ottenuta la benedizione della Chiesa cattolica per eseguire un esorcismo, quattro sacerdoti si unirono ai Glatzel, ai Warren e a Johnson per liberare David da quello che credevano fosse il diavolo. Judy raccontò al New York Times che durante l’esorcismo David “calciava, mordeva, sputava, imprecava con parole terribili” ed era strangolato da “mani invisibili”. Johnson iniziò così a sfidare il diavolo, dicendo all’entità di possedere lui e lasciare in pace David. Presumibilmente, il demone si trasferì nel corpo di Johnson.

The Conjuring - Per Ordine del Diavolo recensione
Steve Coulter in The Conjuring – Per ordine del diavolo. Foto di © 2021 Warner Bros. Entertainment Inc. All Rights Reserved

Arne Cheyenne Johnson uccide il suo padrone di casa

Johnson, allora diciannovenne, uccise poi il suo padrone di casa, Alan Bono, il 16 febbraio 1981. Secondo Global News, Johnson e Bono litigarono per la riparazione di un televisore o di uno stereo prima che Johnson lo accoltellasse. Radio Times aggiunge che Bono afferrò Mary, la cugina di nove anni di Debbie, facendo infuriare ulteriormente Johnson. L’omicidio avvenne poche ore dopo che Johnson, Bono, Debbie e alcuni suoi colleghi avevano pranzato e bevuto insieme. Più tardi, nell’appartamento di Bono, Debbie assistette alla crescente tensione e alla lite tra i due uomini prima che Johnson aggredisse Bono, pugnalandolo con un coltello tascabile da cinque pollici.

Debbie affermò che l’aggressione era iniziata all’improvviso e che era finita altrettanto rapidamente. Johnson si allontanò, fissando il vuoto, senza dire una parola. Bono morì dopo aver subito quattro o cinque coltellate mortali. La famiglia Gratzel ha affermato che, dopo l’esorcismo di David, Johnson mostrava segni di possessione, tra cui allucinazioni e ringhi casuali. Inoltre, prima dell’omicidio, si era verificato un incidente in cui Johnson aveva schiantato la sua auto contro un albero e aveva affermato che non era colpa sua, ma di un’entità demoniaca.

Poco dopo l’accoltellamento, il New York Times ha riportato che i Warren avevano contattato la polizia quando David era ancora posseduto per avvertire le forze dell’ordine che c’era il rischio di “qualche atto violento” nella casa dei Gratzel, che definivano “una tana demoniaca”. Dopo l’arresto di Johnson, Debbie ha detto al giornale che suo fratello David le aveva parlato di una visione che apparentemente aveva avuto dopo la morte di Bono: “Ha detto di aver visto la bestia entrare nel corpo di Cheyenne, ed era stata la bestia a commettere il crimine”.

The Conjuring - Per Ordine del Diavolo
Ruairi O’Connor in The Conjuring – Per ordine del diavolo

Il processo per omicidio di Arne Johnson e la difesa “è stato il diavolo a costringermi

Johnson fu quindi accusato di omicidio e il suo processo iniziò il 28 ottobre 1981. Il suo avvocato, Martin Minella, presentò alla corte una richiesta di “non colpevolezza per possesso”, aggiungendo che il corpo di Johnson era stato manipolato da un demone. Sebbene l’avvocato di Johnson potesse essere convinto dalla sua versione dei fatti e da quella della famiglia Gratzel sul possesso demoniaco, il giudice Robert Callahan respinse la richiesta. Poiché la corte rifiutò di riconoscere la possessione come difesa legittima e istruì la giuria a non considerarla legalmente, Minella presentò quindi una richiesta di legittima difesa.

L’avvocato di Johnson ha cercato di dimostrare che il suo cliente era cambiato dopo l’esorcismo di David. Nonostante la richiesta iniziale fosse stata respinta dal giudice Callahan, secondo cui la testimonianza sarebbe stata “irrilevante e non scientifica”, i testimoni hanno potuto parlare della presunta possessione e dell’esorcismo di David per descrivere il comportamento successivo di Johnson. Tra i testimoni c’erano Debbie e i Warren, che hanno testimoniato che il demone era stato trasferito dal ragazzo a Johnson. Il 24 novembre 1981, la giuria ha giudicato Johnson colpevole di omicidio colposo di primo grado. È stato condannato a 10-20 anni di carcere, ma è stato rilasciato dopo cinque anni.

La verità sul Culto dei Discepoli di Ram

Il Culto dei Discepoli di Ram non si basa su un gruppo reale. Tuttavia, l’ispirazione per questa setta satanica deriva dall’era del panico satanico degli anni ’70 e ’80, in cui persone male informate erano terrorizzate dal satanismo. Casi criminali violenti come gli omicidi della Famiglia Manson, organizzati dal leader della setta Charles Manson, e il serial killer Son of Sam alimentarono la paura del pubblico. Mentre in quei due decenni si verificarono migliaia di accuse infondate di rituali satanici, i Discepoli di Ram sono descritti come una setta immaginaria che adorava i demoni.

I Discepoli fanno la loro prima apparizione in Annabelle quando un membro della setta, Janice “Annabelle” Higgins, attacca Mia e John Form all’inizio del film. Higgins era posseduta da un demone quando era bambina, come si vede poi in Annabelle: Creation, e in seguito si è unita alla setta. Dopo aver ucciso i suoi genitori adottivi in Annabelle, si toglie la vita e il demone riesce a riattaccarsi alla bambola che era in possesso di Mia. In The Conjuring – Per Ordine del Diavolo, si scopre che anche la figlia di padre Kastner è membro dei Discepoli di Ram.

The Conjuring - Per Ordine del Diavolo Patrick Wilson
Vera Farmiga, Patrick Wilson, Vince Pisani, Ruairi O’Connor, and Sarah Catherine Hook in The Conjuring – Per ordine del diavolo

 

Come il processo per omicidio di Arne Cheyenne Johnson ha cambiato la storia

Il processo a Johnson è stato il primo caso in cui è stata utilizzata la difesa di non colpevolezza per possessione demoniaca in un processo per omicidio negli Stati Uniti (la morte di Bono è stata anche il primo omicidio nella città di Brookfield in 193 anni). Il giudice potrebbe non aver ammesso la difesa, ma ciò non ha impedito al processo per omicidio di diventare un circo mediatico. Il caso attirò l’attenzione nazionale quando Minella chiamò a testimoniare i Glatzel e i Warren, che tentarono di convincere la giuria dell’esistenza del diavolo, delle possessioni e di un esorcismo andato male.

Il processo per omicidio è dunque diventato uno spettacolo mediatico e alla fine ha portato alla trasformazione delle storie delle presunte possessioni di Johnson e David in libri, film, programmi televisivi e documentari. The Conjuring – Per Ordine del Diavolo e il film documentario di Netflix del 2023, The Devil on Trial, sono solo due esempi di progetti che sono emersi dal caso reale negli ultimi decenni. Dalle accuse di truffa rivolte ai Warren ai dettagli tralasciati dal documentario, la maggior parte dei media ispirati dalle esperienze dei Glatzel e dalla condanna di Johnson hanno ovviamente dato vita a controversie.

Cosa ha detto la famiglia Glatzel sulla possessione demoniaca e sui Warren

Il fratello di David, Carl Glatzel, ha espresso chiaramente la sua opinione sulla presunta possessione in The Devil on Trial. Parlando con i registi del documentario, Carl ha accusato i Warren di essere truffatori e ha affermato che le visioni di David erano in realtà allucinazioni causate dalla madre che somministrava sonniferi alla famiglia per controllarla. Carl e David hanno intentato una causa nel 2007 contro i Warren e l’autore Gerald Brittle dopo la riedizione del libro di Lorraine The Devil in Connecticut. Hanno accusato gli autori e gli editori di diffamazione, violazione della privacy e “inflizione intenzionale di stress emotivo”).

Debbie e Johnson hanno invece sostenuto le affermazioni sulla possessione, mentre il padre di David nega che sia accaduto. David concorda con Carl sul fatto che i Warren fossero dei truffatori, cosa che non viene descritta in The Conjuring – Per Ordine del Diavolo. Quando The Devil in Connecticut fu pubblicato per la prima volta nel 1983, i Warren ricevettero circa 81.000 dollari, mentre i Glatzel ne ricevettero 4.500. In The Devil on Trial, David sostiene che Lorraine gli mentì quando gli disse che sarebbe “diventato un ragazzino ricco” grazie al contratto per il libro: “I Warren hanno guadagnato molti soldi grazie a noi. Se possono trarre profitto da te, lo faranno”.

Final Destination 2: la spiegazione del finale del film

Final Destination 2: la spiegazione del finale del film

Final Destination 2, uscito nel 2003 e diretto da David R. Ellis, rappresenta uno dei casi più emblematici di come un sequel possa espandere efficacemente un concept narrativo già ben definito. Rispetto al primo film, questo secondo capitolo alza la posta in gioco sia a livello visivo che tematico, portando avanti l’idea del destino inevitabile con maggiore audacia e una regia più spettacolare. Il tono è più dinamico, il ritmo più serrato, e le sequenze legate alla “morte che reclama ciò che le è sfuggito” diventano ancora più elaborate e memorabili. Non si tratta solo di replicare un successo, ma di evolverne le potenzialità, dimostrando come la tensione e l’orrore possano trovare nuova linfa in un contesto già collaudato.

All’interno della saga, Final Destination 2 occupa dunque un posto centrale e significativo. È il film che consolida davvero le regole del gioco, introduce una mitologia più strutturata e offre chiarimenti fondamentali su come la Morte agisce e su cosa i personaggi possono fare per cercare di sfuggirle. È proprio in questo capitolo che la narrazione inizia a diventare più serializzata, aprendo la strada a collegamenti più stretti tra i film successivi e creando una sorta di “universo condiviso” in cui ogni evento passato può avere ripercussioni future. In questo senso, il film non è soltanto un seguito, ma un vero e proprio punto di snodo per l’intera serie.

Uno degli aspetti più affascinanti di Final Destination 2 è poi il modo in cui il suo finale riesce a essere tanto scioccante quanto coerente con le regole dell’universo creato dal franchise, riuscendo anche a giocare con le aspettative dello spettatore, sorprendendolo ma allo stesso tempo rispettando la logica interna della storia. Nei prossimi paragrafi, analizzeremo a fondo proprio il significato e la costruzione del finale, cercando di comprenderne le implicazioni più profonde e il modo in cui si ricollega ai temi portanti della saga.

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A.J. Cook e Michael Landes in Final Destination 2
A.J. Cook e Michael Landes in Final Destination 2. Foto di New Line – © 2003 New Line Cinema.

La trama di Final Destination 2

Un anno dopo il disastro del volo 180, Kimberly Corman sta per partire con gli amici per una vacanza in Florida. Durante il tragitto in autostrada, ha una terrificante visione: un gigantesco incidente a catena causato dal distacco di un tronco da un camion provoca la morte di numerose persone, tra cui lei stessa. Sconvolta, ferma la sua auto bloccando il traffico, impedendo ad altri veicoli di immettersi sull’autostrada. Poco dopo, l’incidente si verifica realmente, esattamente come nella premonizione, e Kimberly si rende conto di aver appena salvato delle vite. Tuttavia, la sua vittoria è solo temporanea.

Poco a poco, infatti, le persone sopravvissute all’incidente iniziano a morire in circostanze inspiegabili, seguendo un ordine preciso. Convinta che la Morte stia cercando di sistemare le cose, Kimberly si rivolge a Clear Rivers, unica superstite dell’incidente aereo del volo 180, che vive rinchiusa in una clinica psichiatrica per sfuggire al suo destino. Insieme, tentano di comprendere e infrangere il disegno letale della Morte. Scoprono che tutti i superstiti dell’autostrada erano legati indirettamente a chi era coinvolto nel volo 180 e che forse solo una “nuova vita” potrebbe spezzare il ciclo mortale. Mentre la Morte continua a colpire, Kimberly dovrà affrontare sacrifici estremi per tentare di sovvertire le sue regole.

La spiegazione del finale del film

Nel finale di Final Destination 2, Kimberly, convinta di poter interrompere la catena della morte, si getta in un lago con la propria auto nel tentativo estremo di “morire” e quindi ingannare il disegno della Morte. Viene però salvata all’ultimo momento dal dottor Kalarjian, che la rianima con un massaggio cardiaco e le restituisce la vita. Questo gesto, almeno in apparenza, dovrebbe segnare la fine del ciclo fatale: Kimberly è tecnicamente “morta” e poi è “resuscitata”, riuscendo così a sfuggire al proprio destino. Il film si chiude quindi con una scena apparentemente più leggera, in cui Kimberly e Burke vengono invitati a un barbecue dalla famiglia Gibbons.

Andrew Airlie, A.J. Cook, Chilton Crane, Alf Humphreys e Michael Landes in Final Destination 2
Andrew Airlie, A.J. Cook, Chilton Crane, Alf Humphreys e Michael Landes in Final Destination 2. Foto di New Line – © 2003 New Line Cinema.

Uno dei membri di questa, Brian, sembra essere scampato alla morte grazie all’intervento di Rory, che lo aveva salvato da un’esplosione. Kimberly capisce subito cosa questo vuol dire, ma prima che possa intervenire in alcun modo, il ragazzo salta in aria a causa dell’esplosione di una griglia. Una morte che lascia ovviamente i presenti sconvolti. Questo momento finale, breve ma scioccante, dimostra che la Morte non si può sconfiggere, ha semplicemente rinviato la sua pretesa e che nessun intervento umano è davvero definitivo.

La scena non solo rafforza l’idea che la Morte abbia un piano ben preciso, ma anche che il tentativo di “rompere la catena” potrebbe essere solo un’illusione temporanea. Il significato profondo di questo finale è duplice. Da un lato, illude i personaggi e lo spettatore che ci sia un controllo possibile sul destino, suggerendo che con sacrifici e strategie si possa ingannare la Morte. Dall’altro, con la morte improvvisa di Brian, il film ribadisce brutalmente la regola fondante dell’intera saga: nessuno sfugge davvero. Anche i tentativi più audaci di sovvertire l’ordine naturale vengono inesorabilmente annullati.

La tensione costante tra libero arbitrio e predestinazione, già presente nel primo film, viene quindi qui portata a un nuovo livello di complessità. Questo finale imposta le basi per i capitoli successivi della saga. Da qui in avanti, i personaggi cercheranno non solo di evitare la Morte, ma di decifrare le regole con cui essa opera, esplorando nuovi stratagemmi e interpretazioni del “disegno” fatale. Il sacrificio, l’ordine inverso della morte, e il concetto di “salto” nella catena diventano temi centrali nei film successivi, rendendo Final Destination 2 non solo un sequel riuscito, ma un punto di svolta narrativo nell’evoluzione del franchise.

The Gilded Age, la storia della vera famiglia Vanderbilt

The Gilded Age, la storia della vera famiglia Vanderbilt

La serie HBO The Gilded Age racconta le vicende delle famiglie dell’alta società newyorkese alla fine del XIX secolo, in particolare dei Russell. Proprio come altre popolari serie televisive ambientate in epoche passanti e ricche di scandali, quali Bridgerton o Downton Abbey, The Gilded Age offre uno sguardo romanzato sulla vita e gli avvenimenti delle famiglie ricche e influenti di New York, combinando realtà e finzione. La serie è stata creata dall’attore e sceneggiatore inglese Julian Fellowes, già autore di Downton Abbey. Fellowes ha iniziato a sviluppare The Gilded Age, che ha descritto come un “Downton americano”, per la NBC nel 2016, prima che la serie approdasse alla HBO nel 2019.

The Gilded Age offre uno sguardo romanzato sulla vita dei ricchi americani del XIX secolo, ma è basata su famiglie newyorkesi reali al centro della storica Gilded Age, un periodo di rapida crescita economica. I Russell sono personaggi di fantasia, ma sono ispirati alla vera famiglia Vanderbilt, che a un certo punto era la più ricca degli Stati Uniti. Molte delle altre famiglie ritratte nella serie sono famiglie newyorkesi realmente esistenti e alcuni personaggi famosi dell’età dell’oro compaiono come personaggi della serie. Sono molti i modi in cui la famiglia Vanderbilt ha ispirato The Gilded Age, anche se i personaggi reali erano piuttosto diversi da quelli della serie.

Le famiglie newyorkesi di The Gilded Age: quali sono reali?

Diverse famiglie dell’età dell’oro sono realmente esistite

I Russell di New York non sono una famiglia reale, ma il personaggio di Carrie Coon, la signora Russell, cita alcune importanti famiglie storiche di New York che vorrebbe invitare alla sua sontuosa festa. A parte la famiglia Van Rhijn, i nomi che ha menzionato sono quelli di vere famiglie dell’alta borghesia che erano importanti durante l’età dell’oro. Mamie Fish, Caroline e Carrie Astor, i Livingston, i Roosevelt e i Vanderbilt erano tutti personaggi reali.

La famiglia Astor di The Gilded Age, in particolare Caroline, era una delle famiglie più importanti della vera Gilded Age, essendo una famiglia di antica ricchezza e parte importante dell’alta società newyorkese. Il loro nome ha influenzato vari luoghi famosi di New York, tra cui il quartiere Astoria nel Queens. Caroline Astor ha avuto un’influenza determinante nel decidere chi era chi a New York, creando la Four Hundred, una lista di persone di spicco che lei considerava il meglio dell’alta società. Anche sua figlia Carrie era una mondana di New York e sconvolse la Four Hundred quando esortò la madre a invitare Alva Vanderbilt alle sue feste.

Alva Vanderbilt e Mamie Fish facevano parte dei Quattrocento, insieme a Tessie Oelrichs. Mamie Fish voleva essere vista come la “creatrice di divertimento” ed era nota per organizzare feste stravaganti. Nella serie, il figlio dei Russell, Larry (Harry Richardson), incontra Carrie Astor (Amy Forsyth) a una delle sue feste, che sua madre vuole che lui conosca per via del suo cognome. Alva Vanderbilt non compare nella serie, ma viene citata come esempio di famiglia di nuovi ricchi che è stata accettata. Alva ha contribuito a far entrare la famiglia Vanderbilt nella cerchia delle vecchie famiglie, che in precedenza la guardavano con disprezzo a causa della reputazione del patriarca come magnate senza scrupoli.

La famiglia Livingston, citata come la famiglia da cui discendono i Van Rhijn, è una famiglia importante di New York che fa risalire le sue origini al quarto Lord Livingston. Anche la famiglia Astor e la famiglia Fish sono entrambe presunte discendenti della linea Livingston. Ward McAllister, interpretato da Nathan Lane nel cast di The Gilded Age, era un creatore di tendenze e cugino della famiglia Astor, la cui protettrice era Caroline Astor. Coniò il termine “The Four Hundred” e si autoproclamò esperto della nobiltà newyorkese. McAllister pubblicò un libro intitolato Society As I Have Found It nel 1890, che rovinò la sua reputazione sociale presso le famiglie dell’alta società, che tenevano molto alla loro privacy e considerarono il libro una violazione.

La vera famiglia Vanderbilt

The Gilded Age è incentrato sui Russell e sul loro tentativo di entrare a far parte dell’alta società newyorkese. Nella vita reale, la famiglia Vanderbilt ha avuto un percorso simile. La famiglia Vanderbilt di The Gilded Age era considerata una famiglia di nuovi ricchi perché, a differenza delle famiglie di vecchia data, i Vanderbilt non erano importanti prima della Rivoluzione Americana. Cornelius Vanderbilt era il patriarca che accumulò una grande fortuna nel settore navale e ferroviario a metà del XIX secolo.

Era soprannominato “barone ladro”, un termine dispregiativo usato per indicare un uomo d’affari che ricorre a pratiche di sfruttamento per accumulare ricchezza. Cornelius è il primo “barone ladro” americano, poiché il termine fu usato per la prima volta dal New York Times nel 1859 per descrivere le sue pratiche commerciali. Era considerato rozzo e incolto dall’alta società newyorkese, anche se stava rapidamente diventando l’uomo più ricco della città.

I membri della famiglia Vanderbilt citati nella cronologia dell’età dell’oro sono il nipote di Cornelius, William Kissam Vanderbilt, e la sua prima moglie, Alva Vanderbilt. William gestì gli investimenti ferroviari della famiglia dopo la morte del nonno e ereditò 55 milioni di dollari del patrimonio dei Vanderbilt. La sua allora moglie, Alva, voleva far parte dell’alta società ed era una arrampicatrice sociale.

Non solo riuscì ad aiutare la famiglia Vanderbilt a farsi accettare dalle famiglie dell’alta borghesia di New York, ma sfidò persino il regno di Caroline Astor, le cui feste decidevano chi faceva parte dei Quattrocento dell’età dell’oro. William e Alva ebbero tre figli prima che l’infedeltà di William ponesse fine al loro matrimonio. Alva si risposò in seguito con il rappresentante degli Stati Uniti Oliver Belmont.

Il ruolo dei Vanderbilt nella serie The Gilded Age

I Vanderbilt sono personaggi che, nella serie, fungono da ispirazione per Bertha Russell per una famiglia di nuovi ricchi che viene accettata dalla società. Sono anche la famiglia della Gilded Age nella vita reale su cui sono modellati i Russell. I Russell sono una famiglia di nuovi ricchi che ha fatto fortuna grazie alla ricchezza accumulata da George Russell nell’industria ferroviaria. Il signor Russell è più simile a Cornelius Vanderbilt che a William Kissam Vanderbilt, che era in realtà una figura di spicco dell’età dell’oro.

George Russell, come Cornelius Vanderbilt, è lui stesso un magnate che sta facendo fortuna acquistando ferrovie e costruendone di nuove per superare la concorrenza di altri uomini d’affari che non vogliono vendergli le loro. Sua moglie Bertha, tuttavia, prende ispirazione dalla moglie di William Kissam Vanderbilt, Alva, che era determinata a farsi accettare dall’alta società newyorkese e alla fine è diventata così importante nella società da poter praticamente decidere chi faceva parte dell’ambita cerchia dei Quattrocento.

Nella prima stagione di The Gilded Age, la signora Russell menziona i Vanderbilt quando parla della sua ambizione di lasciare un segno nell’alta società newyorkese. La “signora Vanderbilt” a cui si riferisce nel primo episodio è Alva, a cui si attribuisce il merito di aver aiutato i Vanderbilt a farsi accettare dall’alta società newyorkese. Le famiglie dell’alta borghesia newyorkese snobbano la signora Russell nel primo episodio di The Gilded Age, il che la rende determinata a lasciare il segno nella società. Come la signora Vanderbilt, diventa un’abile arrampicatrice sociale, calcolando la sua strada per entrare nell’ambita Four Hundred.

Anche la figlia dei Russell, Gladys (Taissa Farmiga), è probabilmente ispirata a Consuelo, figlia di William Vanderbilt e Alva Belmont, che Alva aveva dato in sposa al duca di Marlborough per assicurarsi un posto nell’alta società. Il matrimonio combinato dell’ex duchessa potrebbe suggerire un possibile futuro per Gladys di The Gilded Age, che vive secondo le regole della madre opportunista.

Cosa succede alla famiglia Russell nella seconda stagione di The Gilded Age

Con la seconda stagione di The Gilded Age in corso, i Russell continuano a lottare per mantenere il loro posto nell’alta società newyorkese e ad affrontare il continuo scrutinio dei loro omologhi dell’alta borghesia. La vera famiglia Vanderbilt ha vissuto molti alti e bassi nel suo percorso verso la fama, la fortuna e la posizione sociale, quindi presumibilmente i Russell immaginari affrontano un percorso simile a quello della loro vera storia nella seconda stagione di The Gilded Age.

In particolare, la seconda stagione di The Gilded Age presenta una trama che vede Bertha entrare in guerra con la signora Astor per decidere quale teatro dell’opera fosse considerato alla moda dall’élite newyorkese. Dopo che l’Academy of Music ha snobbato i Russell rifiutandosi di vendere loro dei palchi permanenti (considerati un must dell’alta società newyorkese), Bertha offre invece il suo sostegno finanziario e sociale al rivale Metropolitan Opera House. Questa faida tra i due teatri è realmente avvenuta quando il Metropolitan aprì i battenti nel 1880.

I Vanderbilt reali erano tra le numerose famiglie benestanti che finanziarono il Metropolitan Opera House per snobbare l’aristocrazia tradizionale di New York e, per estensione, l’Academy of Music. Questo è uno dei numerosi parallelismi tra i Russell e i Vanderbilt finora emersi, e probabilmente ce ne saranno molti altri prima della conclusione della seconda stagione di The Gilded Age. Tuttavia, come sempre, la serie televisiva apporterà diverse modifiche creative agli eventi reali, mantenendo la storia dei Russell davvero unica.

Thunderbolts* ha perso milioni di dollari, nonostante le recensioni positive

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Pochi giorni dopo l’arrivo di Thunderbolts* sul grande schermo, il CEO della Disney, Bob Iger, ha pubblicamente elogiato l’avventura a fumetti come il “primo e migliore” esempio della nuova strategia cinematografica della Marvel, riferendosi all’accoglienza positiva del film da parte di pubblico e critica. Un vero e proprio sollievo dopo alcuni anni complessi.

Sei settimane dopo, Thunderbolts* ha subito un tonfo al botteghino. Con 371 milioni di dollari a livello globale, è uno dei film con gli incassi più bassi di tutto il Marvel Cinematic Universe Disney.

A differenza dei tre film Marvel che lo hanno preceduto, Thunderbolts* ha avuto un passaparola entusiasta, ma deve ancora uscire dal negativo, il che suggerisce che ci sia un nuovo limite per i film di supereroi che non sono basati su personaggi di punta.

Un mercato globale in calo e la saturazione di storie di supereroi sul grande e piccolo schermo sono in parte responsabili di questo declino. Anche le abitudini e i gusti del pubblico sono cambiati: i più grandi successi di quest’anno sono stati film per bambini come Un film Minecraft e Lilo & Stitch o titoli originali come I Peccatori.

“Questi film di fumetti di fascia bassa non sono più dei successi cinematografici”, afferma Jeff Bock, analista delle relazioni con gli espositori. “Anche il fatto che ‘Thunderbolts*’ si concluda dopo appena un mese di programmazione è motivo di preoccupazione. Questi film non stanno andando alla grande come le precedenti iterazioni”.

Arriva a un punto di svolta per l’MCU. Dopo aver inondato gli spettatori di storie complesse e interconnesse tra cinema e televisione, la Marvel sta intenzionalmente rallentando per concentrarsi sulla qualità piuttosto che sulla quantità.

Dopo I Fantastici Quattro: Gli Inizi di luglio, un’altra sorta di introduzione cinematografica, la Marvel sembra aver abbracciato una mentalità del tipo “o la va o la spacca”. Il calendario imminente è popolato solo da grandi successi con budget consistenti: Avengers: Doomsday e Spider-Man: Brand New Day nel 2026 e Avengers: Secret Wars nel 2027. Un film senza titolo è previsto per luglio 2027, e sono in lavorazione i film di “X-Men” e “Black Panther”. Ma altri progetti incentrati su un singolo personaggio, come “Blade”, sono rimasti bloccati in un limbo prolungato.

La Marvel prosperava grazie all’insolito. Quando Kevin Feige stava assemblando un universo cinematografico all’inizio degli anni Duemila, X-Men e Spider-Man, i personaggi più noti della Marvel, erano stati concessi in licenza ad altri studi. Eppure, ha creato una proprietà intellettuale di enorme successo introducendo Iron Man e Thor in avventure indipendenti e poi riunendoli in “The Avengers“. Quelle vittorie hanno incoraggiato Feige a scommettere su sinistre proposte a fumetti come “Guardiani della Galassia“, che hanno dato i loro frutti in modo spettacolare e hanno ampliato il franchise. Ma dopo troppi spin-off confusi e sequel mediocri, il pubblico sembra meno interessato alle nuove aggiunte agli Eroi più Potenti della Terra.

Robert Downey Jr. non può tornare ogni volta che l’MCU si trova in difficoltà. Se lo studio vuole rifornire il pozzo di nuovi vigilanti, deve investire meno nelle storie delle origini. Ma stringere la cinghia sta diventando sempre più difficile, dato che il costo di tutto – dagli stipendi degli attori agli effetti visivi al catering – è aumentato drasticamente. E trasformare questi film in eventi imperdibili richiede ingenti investimenti promozionali per tour stampa e anteprime in giro per il mondo.

La Marvel ha limitato gli investimenti per Thunderbolts*, consapevole che i suoi personaggi provenivano da “Black Widow”, un titolo bloccato dalla pandemia e poco visto su Disney+. In genere, i titoli di punta dello studio costano dai 200 ai 250 milioni di dollari per la produzione e altri 120-140 milioni di dollari per la commercializzazione. Thunderbolts* è stato economico, con un costo di produzione di 180 milioni di dollari e una commercializzazione vicina ai 100 milioni di dollari.

“Gli studi cinematografici stanno lavorando duramente per ridurre i budget più elevati”, afferma David A. Gross, analista di Franchise Entertainment Research. “Vedremo meno spese eccessive rispetto agli anni successivi alla pandemia”.

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M3GAN 2.0: il trailer finale!

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M3GAN 2.0: il trailer finale!

La bambola assassina che ha conquistato la cultura pop nel 2023 è tornata. E questa volta, non è sola.  Dopo il successo del primo film, il team creativo originale – guidato dai maestri dell’horror James Wan (Atomic Monster), Jason Blum (Blumhouse) e il regista Gerard Johnstone – porta sul grande schermo M3GAN 2.0 un nuovo e folle capitolo nel caos dell’intelligenza artificiale. Il film arriva il 26 giugno al cinema.

Sono passati due anni da quando M3GAN, un prodigio dell’intelligenza artificiale, si è ribellata scatenando una serie di omicidi (perfettamente coreografati) ed è stata distrutta. Nel frattempo, la sua creatrice, Gemma (Allison Williams), è diventata un’autrice di successo e una figura di spicco nella battaglia per la regolamentazione dell’intelligenza artificiale, mentre sua nipote Cady (Violet McGraw), ormai quattordicenne, disobbedisce sempre di più alle rigide regole di Gemma.

Quello che entrambe ignorano è che la tecnologia di M3GAN è stata rubata e sfruttata da una potente azienda della difesa per creare Amelia (Ivanna Sakhno, Ahsoka, Pacific Rim: La Rivolta), un’arma d’infiltrazione letale e intelligente. Ma, man mano che Amelia sviluppa autoconsapevolezza, diventa sempre meno disposta a eseguire ordini, e sempre meno incline a tollerare la presenza degli esseri umani.

Con il destino dell’umanità in bilico, Gemma capisce che l’unica speranza è riportare in vita M3GAN (Amie Donald, doppiata nella versione originale da Jenna Davis), migliorandola con nuovi aggiornamenti per renderla più veloce, più forte e ancora più letale. Ma quando le loro strade si incrociano, la Bitch si troverà ad affrontare una degna rivale.

Diretto dall’acclamato regista Gerard Johnstone, il film vede il ritorno di Brian Jordan Alvarez e Jen Van Epps nei panni dei fedeli collaboratori di Gemma, Cole e Tess, insieme a nuovi personaggi interpretati da Aristotle Athari (Saturday Night Live, Hacks), Timm Sharp (Apples Never Fall, Percy Jackson e gli dei dell’Olimpo) e Jemaine Clement (Avatar: La via dell’acqua, Vita Da Vampiro – What We Do in the Shadows), vincitore di un Grammy e nominato a undici Emmy.

Prodotto da James Wan, Jason Blum e Allison Williams, il film vede tra i produttori esecutivi Gerard Johnstone, Adam Hendricks, Greg Gilreath, Michael Clear, Judson Scott e Mark D. Katchur.

Il primo M3GAN ha sbancato il botteghino, esordendo con un incasso di 30,4 milioni di dollari negli Stati Uniti, record per un horror vietato ai minori di 13 anni dai tempi di A Quiet Place II. A fine corsa, il film ha superato i 180 milioni di dollari in tutto il mondo.

Balle Spaziali: volti noti tornano nel nuovo film!

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Balle Spaziali: volti noti tornano nel nuovo film!

Subito dopo la notizia che Mel Brooks tornerà nel ruolo di Yogurt per il nuovo film di Balle Spaziali, arriva da Deadline la conferma che anche Bill Pullman e Rick Moranis torneranno a bordo del franchise. I due attori torneranno ai rispettivi ruoli originali e a loro si unisce Keke Palmer in un ruolo inedito.

I dettagli della trama sono ancora riservati. Josh Greenbaum dirigerà il film da una sceneggiatura di Benji Samit, Dan Hernandez e Josh Gad, come annunciato a giugno dello scorso anno. Gad dovrebbe anche recitare e produrre insieme a Brian Grazer e Jeb Brody, Brooks e Greenbaum di Imagine Entertainment, con Kevin Salter, Adam Merims, Samit e Hernandez come produttori esecutivi.

Distribuito dalla MGM nel 1987, Balle Spaziali è una parodia iconica del genere fantascientifico, che trae ispirazione dal franchise di Star Wars e da altri classici. La trama ruota attorno al malvagio Casco Nero (Rick Moranis) e al Presidente Skrocco (Brooks), che tentano di rubare l’atmosfera del pacifico pianeta Druidia, solo per essere ostacolati dall’eroe Stella Solitaria (Pullman), dal suo aiutante Barf (John Candy) e dalla principessa druisca Vespa (Daphne Zuniga). Tra gli altri attori del cast figurano Joan Rivers e Dick Van Patten. Il film ha incassato poco più di 38,1 milioni di dollari in tutto il mondo, ma è rimasto negli anni un classico di culto.

Mel Brooks torna nel ruolo di Yogurt nel nuovo film di Balle Spaziali

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Mel Brooks riprenderà il ruolo di Yogurt nel nuovo film di Balle Spaziali di Amazon MGM Studios, come annunciato oggi dallo studio. Brooks, che ha diretto e interpretato il film originale, era già stato incaricato di produrlo. Parodia del Maestro Jedi Yoda di Star Wars, il suo personaggio Yogurt è un alieno che nell’originale ha svolto il ruolo di mentore del protagonista Lone Starr (Bill Pullman). Descritto da chi non ha ancora letto la sceneggiatura come “Un film di espansione del franchise, non prequel e non reboot, parte seconda, ma con elementi reboot”, il progetto uscirà nelle sale nel 2027.

I dettagli della trama sono ancora riservati. Josh Greenbaum dirigerà il film da una sceneggiatura di Benji Samit, Dan Hernandez e Josh Gad, come annunciato a giugno dello scorso anno. Gad dovrebbe anche recitare e produrre insieme a Brian Grazer e Jeb Brody, Brooks e Greenbaum di Imagine Entertainment, con Kevin Salter, Adam Merims, Samit e Hernandez come produttori esecutivi.

Distribuito dalla MGM nel 1987, Balle Spaziali è una parodia iconica del genere fantascientifico, che trae ispirazione dal franchise di Star Wars e da altri classici. La trama ruota attorno al malvagio Casco Nero (Rick Moranis) e al Presidente Skrocco (Brooks), che tentano di rubare l’atmosfera del pacifico pianeta Druidia, solo per essere ostacolati dall’eroe Stella Solitaria (Pullman), dal suo aiutante Barf (John Candy) e dalla principessa druisca Vespa (Daphne Zuniga). Tra gli altri attori del cast figurano Joan Rivers e Dick Van Patten. Il film ha incassato poco più di 38,1 milioni di dollari in tutto il mondo, ma è rimasto negli anni un classico di culto.

L’icona comica dietro altri classici come The Producers, Mezzogiorno e mezzo di fuoco e Frankenstein Junior, Mel Brooks ha vinto un Oscar per la sua sceneggiatura di The Producers, ricevendo un ulteriore Oscar onorario nel 2024. Nel corso degli anni, è stato anche riconosciuto con una borsa di studio BAFTA, il Life Achievement Award dell’AFI, quattro Emmy, quattro nomination ai Golden Globe, tre Grammy, numerosi WGA Awards (tra cui il Laurel Award per la sceneggiatura) e una miriade di altri riconoscimenti. Più recentemente, ha scritto, prodotto esecutivamente e narrato History of the World, Part II di Hulu, una serie sequel del suo film History of the World, Part I del 1981. Ha anche interpretato se stesso in un episodio di Only Murders in the Building ed è rappresentato dalla CAA e dall’avvocato Jay L. Cooper.

Superman: David Corenswet spiega perché l’Uomo d’Acciaio porta i boxer rossi a vista

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Alcuni fan sono preoccupati per il fatto che James Gunn abbia diretto Superman. Il regista ha un curriculum pressoché impeccabile quando si tratta di film tratti dai fumetti, ma i mondi abitati dai Guardiani della Galassia e dalla Task Force X sono ben lontani dall’angolo dell’Universo DC dedicato all’Uomo d’Acciaio.

Tuttavia, non è un segreto che Gunn ami Superman, e l’incredibile trailer di ieri ha contribuito a far cambiare idea a molti. Se siete ancora indecisi, i nuovi commenti del co-CEO dei DC Studios (e protagonista David Corenswet) potrebbero essere ciò che vi convincerà finalmente a partecipare alla gioia collettiva.

In un’intervista con Fandango, a Gunn e David Corenswet è stato chiesto dell’inclusione degli iconici, e spesso controversi, boxer rossi di Superman. La DC Comics li abbandonò per la prima volta durante il rilancio di “The New 52” nel 2011 e sono stati completamente assenti dal DCEU.

Riflettendo su una conversazione con il regista de L’Uomo d’Acciaio, Zack Snyder, Gunn ammise di essere stato sul punto di decidere di non usare i boxer in Superman. Tuttavia, una conversazione con Corenswet gli fece cambiare idea, e tutto dipese dall’attore che trovò una possibile spiegazione del perché Clark Kent avrebbe potuto aggiungere la mutanda intima al suo costume da supereroe.

Gunn: Una delle domande più importanti era: avremmo avuto i costumi o non li avremmo avuti? Ne parlai con Zack Snyder, che mi disse: “Sai, ho provato un miliardo di versioni diverse con i boxer, ma non ci sono riuscito”. E la pensavo esattamente allo stesso modo. Andai con David – lui provò senza i costumi – e io continuavo a scegliere soluzioni senza i boxer.

Corenswet: Volevi i boxer, in teoria. Ti piaceva l’idea dei boxer…

Gunn: In teoria, mi piaceva l’idea dei boxer perché, sai, è il Superman con cui sono cresciuto.

Corenswet: Il problema è che sembrano un po’ ridicoli. Stavi cercando un modo per renderli fighi o una funzione e una spiegazione. La mia idea è: “Forse dovrebbero sembrare un po’ ridicoli”. Forse il motivo per cui li indossa è per sembrare un po’ ridicolo. In pratica per sminuire la sua vera potenza.

Gunn: In questa versione del DCU, tutti sanno che è un alieno. Spara raggi dagli occhi. Può abbattere le cose con il suo respiro. È una creatura terrificante. Ma gli piacevano molto i bambini, gli esseri umani e le persone. Non vuole che i bambini abbiano paura di lui. Ed è stato questo a farmi decidere di tenere i boxer.

Il cast di Superman

Superman è il primo film dei DC Studios scritto e diretto da James Gunn, con David Corenswet nei panni di Superman/Clark Kent.

Nel cast anche Rachel Brosnahan, Nicholas Hoult, Edi Gathegi, Anthony Carrigan, Nathan Fillion, Isabela Merced, Skyler Gisondo, Sara Sampaio, María Gabriela de Faría, Wendell Pierce, Alan Tudyk, Pruitt Taylor Vince e Neva Howell. Il film sarà al cinema dal 9 luglio distribuito da Warner Bros. Pictures.

Superman”, il primo film dei DC Studios in arrivo sul grande schermo, è pronto a volare nei cinema di tutto il mondo quest’estate, distribuito da Warner Bros. Pictures. Con il suo stile inconfondibile, James Gunn trasporta il supereroe originale nel nuovo universo DC reinventato, con una miscela unica di racconto epico, azione, ironia e sentimenti, consegnandoci un Superman guidato dalla compassione e da una profonda fiducia nella bontà del genere umano.

Produttori esecutivi di “Superman” sono Nikolas Korda, Chantal Nong Vo e Lars Winther. Dietro la macchina da presa, Gunn si è avvalso del lavoro di suoi collaboratori fidati, tra cui il direttore della fotografia Henry Braham, la scenografa Beth Mickle, la costumista Judianna Makovsky e il compositore John Murphy, oltre al compositore David Fleming (“The Last of Us”), ai montatori William Hoy (“The Batman”) e Craig Alpert (“Deadpool 2”, “Blue Beetle”).

Edi Gathegi, che vedremo in Superman, riflette sul suo ruolo in X-Men: L’inizio: “Un’occasione persa”

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Edi Gathegi ha parlato apertamente del trattamento riservato a Darwin in X-Men: L’inizio del 2011, e condivide la sua opinione sul perché interpretare Mister Terrific di Superman “sia in un certo senso un modo per rimediare ai torti” commessi dal film Marvel.

Dopo il successo del franchise di Twilight, X-Men: L’inizio sembrava poter rappresentare la grande occasione per Edi Gathegi. Sfortunatamente, il suo periodo come membro degli X-Men fu interrotto bruscamente dall’uccisione del mutante da parte di Sebastian Shaw. All’epoca ci fu molta delusione, ma anche quattordici anni dopo, la scomparsa di Darwin rimane uno dei più grandi passi falsi del franchise degli X-Men agli occhi di molti fan.

Parlando con Entertainment Weekly, Edi Gathegi, che interpreta Mister Terrific del DCU in Superman, ha ammesso di essere d’accordo con i fan. “Non hanno torto”, ha riconosciuto l’attore. “Penso che si sia trattato solo di una cattiva rappresentazione e di un’occasione persa. C’era molto che avrebbero potuto fare con quel personaggio, probabilmente avrebbero dovuto farlo.”

“Aspettavo di essere riportato indietro [dopo L’inizio] perché, come sapete, il personaggio non muore. Il fatto che sia morto nel primo film non è poi così grave se fa quello che fa nei fumetti, ovvero tornare”, ha continuato Gathegi. “Ogni film uscito e il personaggio non è tornato, ha confermato che si è trattato di una rappresentazione distorta e di un’occasione persa.” Sebbene abbia avuto una carriera di attore di successo dal 2011, Superman sembra in un certo senso la seconda possibilità di Gathegi per un ruolo di successo.

A questo proposito, ha detto: “Questo lavoro è in un certo senso un modo per rimediare ai torti di Darwin. So che, allo stato attuale, non è l’unico progetto a cui prenderò parte”. Mister Terrific sarà un membro della “Justice Gang” insieme a Guy Gardner e Hawkgirl. Per quanto sia stato divertente far parte di un’altra squadra di supereroi, Gathegi era molto più entusiasta di immergersi a fondo in ciò che spinge Michael Holt a comportarsi in modo così sensato.

Descrivendolo come “uno degli eroi più filosoficamente avvincenti della DC“, l’attore ha aggiunto: “È un ateo che crede nella giustizia. Ha trovato un significato nella conoscenza. Ha capito che, sebbene l’universo possa essere crudele, l’intelligenza, la scienza e l’innovazione possono renderlo migliore. Ha scelto di diventare speranza piuttosto che soccombere alla disperazione di perdere sua moglie“. Il franchise degli X-Men ha deluso molti personaggi e trame, e Darwin è finito per essere un altro nome da aggiungere alla lista delle delusioni.

Il cast di Superman

Superman è il primo film dei DC Studios scritto e diretto da James Gunn, con David Corenswet nei panni di Superman/Clark Kent.

Nel cast anche Rachel Brosnahan, Nicholas Hoult, Edi Gathegi, Anthony Carrigan, Nathan Fillion, Isabela Merced, Skyler Gisondo, Sara Sampaio, María Gabriela de Faría, Wendell Pierce, Alan Tudyk, Pruitt Taylor Vince e Neva Howell. Il film sarà al cinema dal 9 luglio distribuito da Warner Bros. Pictures.

Superman”, il primo film dei DC Studios in arrivo sul grande schermo, è pronto a volare nei cinema di tutto il mondo quest’estate, distribuito da Warner Bros. Pictures. Con il suo stile inconfondibile, James Gunn trasporta il supereroe originale nel nuovo universo DC reinventato, con una miscela unica di racconto epico, azione, ironia e sentimenti, consegnandoci un Superman guidato dalla compassione e da una profonda fiducia nella bontà del genere umano.

Produttori esecutivi di “Superman” sono Nikolas Korda, Chantal Nong Vo e Lars Winther. Dietro la macchina da presa, Gunn si è avvalso del lavoro di suoi collaboratori fidati, tra cui il direttore della fotografia Henry Braham, la scenografa Beth Mickle, la costumista Judianna Makovsky e il compositore John Murphy, oltre al compositore David Fleming (“The Last of Us”), ai montatori William Hoy (“The Batman”) e Craig Alpert (“Deadpool 2”, “Blue Beetle”).

Stephen Adentan, l’attore di Moss Man, condivide uno sguardo dal BTS al suo costume

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L’imminente film live-action Masters of the Universe di Mattel e Amazon MGM Studios presenterà molti personaggi (probabilmente ci vorrebbe meno tempo per elencare gli eroi e i cattivi che non appariranno) tratti dalla serie animata originale, dalla linea di giocattoli e da vari fumetti, inclusi alcuni alleati piuttosto oscuri di He-Man.

Stephen Adentan interpreterà Moss Man e ora ha annunciato sui social media di aver terminato le riprese delle sue scene, condividendo anche un’anteprima del costume che indosserà come guardiano del mondo naturale di Eternia.

Moss Man è apparso solo due volte nel cartone animato degli anni ’80 come spia in grado di mimetizzarsi trasformandosi in una pianta, ma le sue origini sono state rielaborate nei fumetti e nelle successive serie animate, reinterpretando il personaggio come uno degli esseri più potenti di Eternia.

Anche l’attore di He-Man/Prince Adam, Nicholas Galitzine, ha condiviso un’altra foto dal set di Wookey Hole, nel Somerset. Si ipotizza che possa trattarsi di una silhouette di Idris Elba nei panni di Man-At-Arms, ma è impossibile dirlo con certezza.

Il live action di Masters of the Universe

La versione live-action della classica serie animata vedrà protagonista Nicholas Galitzine, ma anche la partecipazione di Morena Baccarin nel ruolo della Strega, e di James Purefoy e Charlotte Riley nei ruoli dei genitori di Adam, Re Randor e la Regina Marlena, insieme ad Alison Brie (GLOW, Community) nel ruolo del braccio destro di Skeletor, Evil-Lyn, Idris Elba (Thor, Luther) in quello di Man-At-Arms e Jared Leto (Morbius, Blade Runner 2049) in quello di Skeletor stesso. Nel frattempo, Sam C. Wilson (House of the Dragon) interpreterà Trap Jaw, con Kojo Attah (The Beekeeper) nei panni di Tri-Klops e Jon Xue Zhang (Eternals) nei panni di Ram-Man.

Dopo numerose false partenze, Netflix era pronta a sviluppare un lungometraggio tratto dall’amata serie animata già nel 2022, ma all’inizio di quest’anno abbiamo saputo che anche l’ultimo tentativo di far decollare il progetto era fallito.

Tuttavia, in seguito avremmo appreso che Amazon/MGM Studios aveva acquisito il film, con il regista di Bumblebee, Travis Knight, in trattative per la regia. L’uscita del film è ora prevista per il 5 giugno 2026. Chris Butler ha riscritto la sceneggiatura da una bozza iniziale di David Callaham (Shang-Chi e la leggenda dei dieci anelli). In precedenza, la regia era stata affidata ai fratelli Nee (La città perduta).

Todd Black, Jason Blumenthal e Steve Tisch saranno i produttori, insieme a DeVon Franklin. Masters of the Universe arriverà nelle sale il 5 giugno 2026.

Andy Serkis: come mai Kino Loy non è tornato per Andor – Stagione 2?

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Durante l’eccezionale arco narrativo Narkina 5 della prima stagione di Andor, Cassian Andor si è ritrovato incarcerato dall’Impero e, inconsapevolmente, impegnato a costruire componenti per la Morte Nera che un giorno contribuirà a distruggere.

Lì, Cassian ha incontrato Kino Loy, interpretato da Andy Serkis, il burbero responsabile del turno di giorno che alla fine ha cambiato idea e ha contribuito a guidare un’evasione dal carcere. Sfortunatamente, quando la libertà lo ha chiamato, Kino ha fatto una straziante ammissione sul perché non potesse tuffarsi nell’acqua sottostante: “Non so nuotare”.

Ci si aspettava che Serkis potesse riprendere il ruolo nella seconda stagione, ma alla fine il suo personaggio è stato dichiarato disperso. Parlando con Collider, Andy Serkis ha finalmente rotto il silenzio sul destino di Kino, rimasto incerto. “Alla fine, penso che sia la cosa migliore per il personaggio. È stato un arco narrativo fantastico, con una conclusione molto, molto definita ed eroica”, ha spiegato. “Penso che, per molti versi, tornare indietro sarebbe difficile perché ha lasciato un segno. Sono rimasto davvero sorpreso da quanto fosse emotivamente efficace quel personaggio, in realtà, e quindi penso che sia molto, molto meglio lasciarlo in Narkina 5, da solo”.

Parlando dell’impatto sorprendentemente grande del personaggio sul franchise di Star Wars, Serkis ha aggiunto: “Quest’anno ho partecipato a un sacco di convention e tutti vogliono parlare di Andor. È straordinario quanto abbia colpito le persone, il che è fantastico”. “È un bellissimo testo, un’idea meravigliosa. Tony Gilroy e tutti i registi che hanno lavorato a quegli episodi hanno semplicemente creato qualcosa di geniale”, ha concluso.

Per quanto sarebbe stato divertente scoprire che Kino era in qualche modo sopravvissuto e si era unito all’Alleanza Ribelle, è probabile che sia stato giustiziato dall’Impero per il suo ruolo nell’evasione. Se preferite guardare il lato positivo, forse alla fine è stato liberato alla fine del regno dell’Imperatore Palpatine.

Anche lo showrunner di Andor, Tony Gilroy, ha parlato dell’assenza di Kino dalla seconda stagione. “Andy ha lasciato cadere il microfono, amico. Cosa posso fare di meglio di quello che abbiamo fatto?”, ha detto. “Non fa altro che minimizzare quel momento [in cui Loy rivela ‘Non so nuotare’ dopo essere evasa dalla prigione dell’isola].” “Sapevo che molte persone stavano discutendo se avessimo un modo per [riportarlo indietro”, ha continuato Gilroy, “ma non volevo creare quel tipo di situazione casuale.”

Le stagioni 1 e 2 di Andor sono ora disponibili in streaming su Disney+.