Ewan McGregor rivela i commenti “rudi” che il
regista Terry Gilliam gli ha fatto, criticando la
sua carriera di attore mentre si approcciava a lui per un ruolo nel
film notoriamente travagliato, L’uomo che uccise Don Chisciotte. L’attore
scozzese è noto soprattutto per la sua interpretazione dell’iconico
Maestro Jedi, Obi-Wan Kenobi, un ruolo decisivo in
cui McGregor è tornato di recente per la serie Disney+, 17 anni dopo la fine della
trilogia prequel.
Al di fuori di Star
Wars, McGregor è noto principalmente per il suo ruolo
dell’eroinomane Mark Renton in Trainspotting del
1996, mentre di recente ha anche vinto un Emmy Award per la sua
interpretazione del famoso stilista nella miniserie di Netflix
Halston.
Oltre un decennio fa, McGregor è
stato incaricato di sostituire Johnny Depp in
L’uomo che uccise Don Chisciotte di
Terry Gilliam, un film su un dirigente
pubblicitario di nome Toby Grummett che viaggia indietro nel tempo
nella Spagna del XVII secolo e incontra Don Chisciotte. Il primo
tentativo di Gilliam di realizzare il film con Depp come
protagonista è andato in pezzi perché era fuori budget. Per il suo
secondo tentativo, Gilliam si è rivolto a McGregor e lo ha scelto
per il ruolo principale, ma il progetto è fallito ancora una volta
per vari motivi.
Ora, più di un decennio dopo,
McGregor ha descritto in dettaglio cosa è successo davvero dietro
le quinte di L’uomo che uccise Don Chisciotte. Durante
un’intervista con GQ, l’attore di Obi-Wan
Kenobi ha discusso del momento in cui Gilliam gli si è
avvicinato per il ruolo principale di Toby Grummett. Il regista ha
sbattuto in faccia a Ewan McGregor la sua carriera di attore, anche
se ammette che Gilliam lo ha in un certo senso sfidato in un modo
che è rimasto con lui.
“[Gilliam] mi ha detto: “Che
cazzo hai fatto per tutto questo tempo? Hai sottovalutato tutto.
Cosa è successo al ragazzo in Trainspotting? Cosa è successo a quel
ragazzo?!” È stato piuttosto scortese. È raro che qualcuno ti
sfidi. Ma mi è rimasto impresso.”
Alla fine Gilliam ha realizzato
L’uomo che uccise Don Chisciotte con Adam
Driver, mentre Ewan McGregor ha continuato per la sua strada
di attore, arrivando poi, come detto, a conquistare un Golden
Globe.
Un ex avvocato dei Marvel Studios rivela cosa
succede effettivamente quando un attore condivide gli spoiler del
MCU. La serie di supereroi iniziata con Iron Man
nel 2008 è diventata uno dei franchise mediatici più remunerativi
al mondo, con la sua narrativa interconnessa, senza dubbio uno dei
segreti del suo successo. La premessa di base che ciò che accade
nelle avventure da solista di un eroe può avere un impatto su tutti
gli altri significa che alcuni archi narrativi vengono pianificati
in anticipo e che un progetto che viene realizzato potrebbe
potenzialmente basarsi su punti della trama che il pubblico ha
appreso in altri film.
Ciò ha notoriamente portato lo
studio a diventare estremamente protettivo nei confronti delle sue
sceneggiature, con vari attori che hanno confermato l’intensità dei
controlli di segretezza dell’MCU della Marvel. Con la presenza
della sicurezza che blocca le cose sul set, gli artisti affrontano
le loro prove più grandi mentre sono impegnati con la stampa,
quando spesso devono promuovere un progetto senza poterne davvero
parlare. Alcune star del MCU hanno accolto bene questo requisito,
mentre altri hanno lottato per mantenere tali informazioni
interamente per sé. L’esempio più famoso è ovviamente quello di
Tom Holland.
Ora, i fan che si sono chiesti a
lungo quali siano le effettive conseguenze di un attore che viola
gli NDA e fa spoiler dei film Marvel. Durante un
Reddit AMA, l’ex avvocato di produzione principale dei Marvel
Studios Paul Sarker ha affermato che rivelare
segreti sarebbe una violazione del contratto, che potrebbe
sottoporre gli attori a una causa per danni. Mentre l’importo
esatto in dollari sarebbe difficile da definire senza specifiche
del mondo reale, dice Sarker, sarebbe senza dubbio un enorme patata
bollente da gestire.
“Sì, sarebbe come violare un
contratto, e ti potrebbero fare causa, i danni sarebbero difficili
da quantificare ma sarebbe qualcosa di molto molto stressante con
cui avere a che fare”… Tom Holland pensaci bene!
Chris Evans rivela perché Anthony Mackie ha battuto Sebastian Stan nel loro contest di sms di
amicizia virale l’anno scorso. Evans, Mackie e Stan fanno tutti
parte del Marvel Cinematic Universe e sono
meglio conosciuti per aver interpretato rispettivamente Capitan
America, Falcon e il Soldato d’Inverno. Tutti e tre gli attori sono
apparsi insieme in vari film, mentre Mackie e Stan hanno anche
recitato insieme nella miniserie televisiva Marvel The
Falcon and the Winter Soldier.
Nel marzo 2021, Stan e Mackie hanno
parlato con Josh Horowitz nello show YouTube di
Comedy Central Stir Crazy. Durante questa intervista,
Horowitz ha chiesto alle due star di dimostrare chi è più amico di
Evans chiedendo a entrambi di mandare un messaggio a Evans
contemporaneamente e vedere a chi avrebbe risposto per primo l’ex
attore di Captain America. Alla fine, Evans ha risposto prima a
Mackie e poi a Stan pochi secondi dopo.
Ora, in un’altra intervista con
Horowitz per MTV News,
Chris Evans rivela la sua reazione alla ricezione
dei messaggi di
Mackie e
Stan e spiega perché alla fine ha risposto prima a Mackie.
Sebbene questa sia stata una competizione agguerrita, Evans giura
che risponderà sempre rapidamente a entrambi i co-protagonisti.
“Va bene, quindi ho ricevuto
entrambi i messaggi immediatamente, e sarò onesto. Farò saltare in
aria la copertura di Mackie in questo momento. Nel suo messaggio
c’era scritto: ‘Non mandare messaggi a Sebastian, mandami prima un
messaggio a me’ Ma sai, voglio dire, la verità è che avrei risposto
a entrambi all’istante. Sono entrambi miei cari amici. Li amo con
tutto il cuore. Quindi, sai, Mackie sapeva cosa stava
facendo.
“[Mackie] ha ha ricevuto il mio
messaggio per primo, ma Seb era proprio dietro di lui. Quindi, solo
per il bene di chi l’ha ricevuto per primo, ho dovuto rispedirlo a
Mackie”.
Non è molto probabile che vedremo i
tre di nuovo insieme nel Marvel Cinematic Universe, ma sarebbe
divertente, magari in altre occasioni e in altri progetti, vederli
recitare ancora insieme.
In una recente intervista con
Metro in occasione del lancio di
Paramount+ nel Regno Unito, Sylvester
Stallone ha discusso di cosa i fan possono aspettarsi
da Creed 3. Dopo aver rinunciato a recitare in
questo terzo capitolo spin-off/sequel di Rocky, Stallone fa parte
della produzione del film, che ha definito “davvero
interessante”.
“Ci vuole una direzione diversa. Auguro loro ogni bene e di
continuare a tirare pugni!”
Eagle Pictures
distribuirà in Italia Creed 3, terzo
capitolo della saga cinematografica nata come spin-off del celebre,
osannato e mai dimenticato “Rocky”. Il film prodotto da MGM è
diretto e interpretato da Michael B. Jordan che ha già dato cuore ed
anima al protagonista Adonis “Donnie” Johnson nei primi due
capitoli, Creed – Nato per combattere e
Creed II (distribuiti nel nostro Paese da Warner Bros.
Italia), che hanno incassato rispettivamente 5.5 milioni
di euro nel 2016 ed oltre 7 milioni di euro nel 2019.
Creed 3,
che si divide tra azione a dramma e affronta il tema della boxe con
intimità e la descrive in tutte le sue coinvolgenti e struggenti
sfumature, arriverà nelle sale italiane il 23 novembre, in
contemporanea con gli USA.
Completano il cast:
Tessa Thompson (Creed – Nato per combattere e
Creed II, Avengers: Endgame, Passing), Jonathan
Majors (“When We Rise”, Hostiles, The Harder They
Fall), Selenis Leyva (“Orange Is the New Black”,
Spider-Man: Homecoming), Phylicia Rashad (tick,
tick…Boom!, Creed – Nato per combattere e Creed
II).
Dopo aver deciso di allontanarsi dal
bordo del ring, questa volta Sylvester Stallone (che grazie al
primo capitolo della saga del 2016 conquistò la nomination agli
Oscar nella categoria Miglior attore non protagonista) non sarà
davanti la macchina da presa per rimettere i panni di Rocky Balboa
(allenatore di Adonis), ma è coinvolto nella produzione del
film.
Manca sempre meno all’uscita di
Thor: Love and
Thunder e i nuovi spot del film continuano a offrirci
piccoli momenti e scene inedite dal film. Di seguito, per esempio,
potete vedere un nuovo spot tv del film di
Taika Waititi in cui si vede fat Thor schierato
con i Guardiani della Galassia.
Thor: Love and
Thunder è il quarto capitolo sulle avventure del
Dio del Tuono nel MCU, ma ad impugnare
il Mjolnir stavolta sarà Jane
Foster, interpretata di nuovo daNatalie
Portman, come confermato sabato durante il panel
dei Marvel
Studios al Comic-Con. L’uscita nelle sale è fissata invece
al 6 Luglio 2022.
Il film segue Thor (Chris
Hemsworth) in un viaggio diverso da quelli affrontati
fino ad ora, alla ricerca della pace interiore. Ma il suo riposo è
interrotto da un killer galattico conosciuto come Gorr il
Macellatore di Dei (Christian
Bale), che cerca l’estinzione degli dei. Per
combattere la minaccia, Thor si affida all’aiuto di Valchiria
(Tessa
Thompson), Korg (Taika Waititi) e
dell’ex fidanzata Jane Foster (Natalie
Portman) che, con stupore di Thor, brandisce
inspiegabilmente il suo martello magico, Mjolnir, come Mighty Thor.
Insieme, intraprendono una sconvolgente avventura cosmica per
scoprire il mistero della vendetta di Gorr il macellatore di dei e
fermarlo prima che sia troppo tardi.
Taika Waititi tornerà alla regia di Thor: Love and
Thunder, un film dei Marvel Studios
dopo
Thor: Ragnarok, così come Chris
Hemsworth e Tessa
Thompson riprenderanno i rispettivi ruoli di Thor e
Valchiria dopo l’ultima apparizione in
Avengers: Endgame. Nel cast anche
Christian Bale nei panni del villain Gorr il
Macellatore di Dei, e
Russell Crowe in quelli di Zeus. L’ispirazione del
progetto arriva dal fumetto “The Mighty Thor”, descritto da Waititi
come “la perfetta combinazione di emozioni, amore, tuono e storie
appassionanti con la prima Thor femmina dell’universo“.
The
Princess, il film originale targato 20th Century
Studios, debutterà il 1° luglio 2022 in esclusiva sulle piattaforme
direct-to-consumer di Disney: su Hulu negli Stati Uniti, su Star+
in America Latina e su Disney+ all’interno di Star in
tutti gli altri territori. Una lotta all’ultimo sangue ricca di
azione e ambientata in un mondo da favola, The
Princess è diretto da Le-Van
Kiet(Furie) e vede protagonista
la candidata agli Emmy Award Joey King
(The Act, The Kissing Booth) nel
ruolo di una giovane reale abile e coraggiosa.
Quando una bella e tenace
principessa rifiuta di sposare il crudele sociopatico a cui è stata
promessa in sposa, viene rapita e rinchiusa in una remota torre del
castello del padre. Con il corteggiatore respinto e intenzionato a
vendicarsi usurpando il trono, la principessa è chiamata a
proteggere la sua famiglia e salvare il regno. Il film è
interpretato da Joey King, Dominic Cooper
(Preacher), Olga Kurylenko (Black Widow) e
Veronica Ngo (The Old Guard). The
Princess è diretto da Le-Van Kiet, scritto da Ben
Lustig (The Thirst) e Jake Thornton (Final
Fantasy) e prodotto da Neal H. Moritz (il franchise di
Fast and Furious), Toby Jaffe (Total Recall – Atto di
forza) e Derek Kolstad (John Wick), mentre Joey King
e Guy Riedel sono i produttori esecutivi.
Prima di consacrarsi nel 1990 con
Balla coi lupi,
Kevin Costner si era già reso celebre grazie ad
una serie di ruoli da protagonista in popolari film. Tra questi si
annoverano Fandango, Gli intoccabili e L’uomo
deisogni. Quest’ultimo, uscito nel
1989 per la regia di Phil Alden Robinson, il quale
ne ha anche firmato la sceneggiatura, è un racconto che mescola
dramma ed elementi fantastici al mondo dello sport. Candidato a tre
premi Oscar, tra cui quello per il miglior film, questa pellicola
si è affermata come un’opera particolarmente importante del suo
decennio, tanto da meritare nel 2017 l’ingresso nella National Film
Registry per il suo valore storico e culturale.
L’uomo dei sogni: il libro da cui è tratto
Quella raccontata non è però una
storia ideata appositamente per il grande schermo, bensì è
l’adattamento del libro Shoeless, scritto da W. P.
Kinsella. Questo contiene al suo interno una serie di
fatti che, come avviene nel film, legano reali vicende ad altre
invece immaginarie. In particolare, si fa riferimento allo scandalo
che nel 1919 coinvolse otto giocatori di baseball, accusati di aver
svenduto le proprie partite in cambio di denaro. Per i tanti
elementi presenti nel libro, questo è infine stato adocchiato da
diversi produttori, divenendo infine l’acclamato film che oggi
tutti conoscono.
Ancora oggi L’uomo dei
sogni è infatti un titolo particolarmente ricordato, citato e
rivisto. Di recente, inoltre, è proprio stata annunciata una nuova
serie televisiva basata sui racconti del film, a conferma del
grande fascino che questo continua a suscitare. Prima di
intraprendere una visione del film, però, sarà certamente utile
approfondire alcune delle principali curiosità relative a questo.
Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare
ulteriori dettagli relativi alla trama e al
cast di attori. Infine, si elencheranno anche le
principali piattaforme streaming contenenti il
film nel proprio catalogo.
L’uomo dei sogni: la trama del film
Protagonista del film è Ray
Kinsella, un pacifico agricoltore che vive nell’Iowa con
la moglie Annie e la figlia
Karin. Da sempre grande appassionato di baseball,
mentre una sera cammina nell’ampio campo di granturco Ray sente una
voce sussurrargli “se lo costruisci, lui tornerà”. Non
capendo da dove questa provenga, egli ne è inizialmente spaventato
e anzi crede di essersela immaginata. Quando la voce torna a
parlargli, però, egli comprende che non si tratta di una sua
immaginazione, bensì di una missione affidatagli dall’alto.
Istintivamente egli inizia a costruire un campo da baseball
regolamentare proprio dietro la sua casa, senza sapere però il
perché.
Quando il campo è ultimato, tutto
gli viene però rivelato. Sul terreno di gioco iniziano infatti a
comparire gli otto giocatori che nel 1919 erano stati squalificati
per aver venduto una partita delle World Series, tra cui
“Shoeless” Joe Jackson. Per Ray, però,
quell’evento incredibile è solo il primo di una serie che
cambieranno per sempre la sua vita. Quando la voce torna a
parlargli, egli comprende di avere ancora altri compiti da dover
portare a termine, ed inizia a ricercare una serie di persone
collegate tra loro in qualche misterioso modo. Quando Ray comprende
cosa lega tutto ciò, stenterà a credere a ciò che gli è stato
riservato.
L’uomo dei sogni: il cast del film
Inizialmente i produttori non
considerarono Kevin Costner
per la parte di Ray Kinsella, perché non pensavano che avrebbe
voluto recitare in un altro film sul baseball dopo Bull Durham
– Un gioco a tre mani. Il ruolo è così stato invece offerto a
Tom Hanks, ma egli ha rifiutato. Costner, però,
finì comunque per imbattersi nella sceneggiatura, che apprezzò
molto. Diede a quel punto disponibilità a recitare nel film e a
sostenerlo economicamente, convinto che sarebbe stato un successo.
Qualche anno dopo, Costner avrebbe poi recitato in un terzo film
sul baseball: Giocod’amore.
Nel ruolo di Annie Kinsella vi è invece Amy
Madigan, dichiaratasi fan del libro, mentre Gaby
Hoffmann è la figlia Karin.
L’attore Ray Liotta,
celebre per film come Qualcosa di travolgente e Quei bravi ragazzi,
interpreta il giocatore Joe Jackson. Prima di recitare in questo
film, Liotta non aveva alcuna esperienza riguardante il baseball e
per questo dovette sottoporsi a diverse settimane di allenamento
per poter riuscire a colpire la palla. James EarlJones, celebre per aver dato voce a Darth Vader in
Star
Wars, interpreta lo scrittore Terence Mann. Nel libro, lo
scrittore citato è J. D. Salinger, ma quando
questi minacciò una denuncia se il suo nome fosse stato usato, i
produttori ripiegarono su un personaggio inventato. Nel film
compare poi anche il celebre attore Burt
Lancaster, nel ruolo del dottor Archibald Graham. Questo è
stato per lui l’ultimo ruolo prima della scomparsa.
L’uomo dei sogni: il
trailer e dove vedere il film in streaming e in TV
È possibile fruire del film grazie
alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme
streaming presenti oggi in rete. L’uomo dei
sogni è infatti disponibile nei cataloghi di
Rakuten TV, Chili, Google Play e Amazon Prime Video. Per vederlo, una
volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il
singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così
modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità
video. È bene notare che in caso di noleggio si avrà soltanto un
dato limite temporale entro cui guardare il titolo. Il film è
inoltre presente nel palinsesto televisivo di
lunedì20 giugno alle ore
21:10 sul canale La 5.
Nel corso della sua carriera il
premio Oscar Ron Howard si è cimentato nella regia
di film di genere continuamente diverso. Dalla commedia fantasy
Splash – Una sirena a Manhattan al dramma spaziale
Apollo 13, dal biografico A Beautiful Mind al
thriller Il codice Da Vinci. Tra questi non manca poi il
western, rappresentato dal suo film del 2003 The
Missing. Con questo, Howard sovverte diversi canoni
del genere, dando vita ad un racconto che ha per protagonista una
figura femminile forte in un contesto tipicamente maschile e
selvaggio. Scritto da Ken Kaufman, questo non è
però una storia originale, bensì l’adattamento di un noto
romanzo.
Si tratta di The Last Ride,
scritto nel 1996 da Thomas Eidson. Il libro è il
seguito di St. Agnes’ Stand ed ha a sua volta avuto un
sequel intitolato All God’s Children. In quanto più
popolare e apprezzato degli altri due, però, solo The Last
Ride ha avuto la sua trasposizione cinematografica e poiché le
storie dei tre romanzi sono pressocché distinte tra loro,
l’adattamento non ha richiesto particolari modifiche. Il film
The Missing è però principalmente noto per via
dell’autentica presenza del linguaggio degli indiani Apache, che
viene qui proposto e in certo qual modo salvato dall’oblio.
Nonostante tali elementi che lo
distinguono da altri western più canonici, The Missing non
ha incontrato un ampio favore di critica né di pubblico, finendo
con l’essere pressoché dimenticato. Si tratta però di un film da
riscoprire, tanto per il suo valore narrativo quanto per le
bellezze che il suo genere di riferimento offre. Prima di
intraprendere una visione del film, però, sarà certamente utile
approfondire alcune delle principali curiosità relative a questo.
Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare
ulteriori dettagli relativi alla trama e al
cast di attori. Infine, si elencheranno anche le
principali piattaforme streaming contenenti il
film nel proprio catalogo.
The Missing: la serie TV
Prima di parlare del film, però, è
bene sottolineare come questo non abbia nessun rapporto con la
serie omonima The Missing. Di
carattere antologico, questa è stata ideata da
Harry e JackWilliams per il canale britannico BBC One e per il
canale statunitense Starz. Ad oggi questa si compone di
due stagioni, uscite rispettivamente nel 2014 e nel 2016 e in
Italia trasmesse sul canale Giallo, facente parte del gruppo
Discovery. In ogni stagione si affronta un caso di scomparsa, dando
così vita ad intricate indagini che mirano alla soluzione del
tutto. Particolarmente apprezzata da critica e pubblico, la serie
The Missing non va dunque confusa con il film western di
Howard.
The Missing: la trama del film
La vicenda narrata in The
Missing si svolge nel 1885, nel Nuovo Messico, ed ha per
protagonista Maggie Gilkeson, donna rispettata e
apprezzata dagli abitanti del luogo. Oltre a gestire la propria
fattoria, ella è infatti in grado di parlare fluentemente lo
spagnolo e di fornire la propria competenza medica a chiunque ne
abbia bisogno. Con lei ci sono le sue due figlie, l’adolescente
Lilly e la piccola Dot, ma anche
i collaboratori Emiliano e, soprattutto,
Brake, con il quale ha una relazione segreta. La
tranquilla routine di Maggie viene un giorno stravolta dal ritorno
di suo padre Samuel, che vent’anni prima aveva
abbandonato la famiglia per andare a vivere con gli Apaches.
L’uomo, ora anziano, è in cerca di
cure, che Maggie si offre di fornirgli a patto che poi non si
faccia più vedere. Quando però la figlia Dot verrà rapita da una
banda di disertori dell’esercito e indiani rinnegati, guidata dallo
sciamano Pesh-Chidin, per Meggie avranno inizio i
veri problemi. Nessuno sembra disposto ad aiutarla e la sua unica
possibilità è fare affidamento sul padre, che conosce come nessun
altro le usanze degli indiani. Prima che la piccola possa essere
venduta come schiava in Messico, padre e figlia dovranno riuscire a
ritrovarla, intraprendendo un viaggio difficile sotto più punti di
vista.
The Missing: il cast del film
Nel ruolo della protagonista Maggie
vi è l’attrice Cate Blanchett,
qui in una delle sue ultime interpretazioni prima di vincere
l’Oscar nel 2005 per il film The Aviator. Per prepararsi
alla parte per questo western, la Blanchett ha approfondito molto
il ruolo della donna in quel contesto storico e ha fatto pratica
con diverse delle attività che le si vedono compiere nel film, al
fine di risultare più realistica. Nel ruolo delle sue due figlie vi
sono invece le attrici Jenna Boyd, nota per la
serie Atypical, nel ruolo di Dot, e Evan Rachel
Wood, celebre invece per Westworld – Dove tutto è
concesso, nel ruolo di Lilly. Aaron Eckhart,
oggi noto per essere stato Harvey Dent in Il cavaliere
oscuro, è invece Brake.
Ad interpretare Emiliano, l’altro
aiutante di Maggie, vi è Sergio Calderon, mentre
Clint Howard (fratello minore del regista) è lo
sceriffo del luogo. L’attore Val Kilmer,
possessore di un vero ranch nel Nuovo Messico, ha un cameo nei
panni del tenente Jim Ducharme. Nel ruolo di Samuel, padre di
Maggie, si ritrova qui Tommy LeeJones. L’attore, che avrebbe poi a sua volta
diretto un western, The Homesman, si è preparato al ruolo
studiando la lingua degli Apache, prendendo lezione da due dei tre
rimanenti discendenti che la parlano fluentemente. Allo stesso modo
Eric Schweig, già noto per il film L’ultimo
dei Mohicani, si è cimentato con tale linguaggio per
interpretare Pesh-Chiding.
The Missing: il trailer e
dove vedere il film in streaming e in TV
È possibile fruire del film grazie
alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme
streaming presenti oggi in rete. The
Missing è infatti disponibile nei cataloghi di
Rakuten TV, Rai Play, Chili e Apple iTunes. Per
vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà
noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale.
Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della
qualità video. È bene notare che in caso di noleggio si avrà
soltanto un dato limite temporale entro cui guardare il titolo. Il
film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di lunedì
20 giugno alle ore 21:10 sul canale
Rai Movie.
Vince il
cinema d’autore ai Nastri d’Argento che chiudono
questa sera a Roma la 76.ma edizione
al MAXXI Museo nazionale delle arti del XXI secolo: con il
‘Film dell’anno’ Marx può
aspettare di Marco
Bellocchio, ilMiglior
film 2022 con sei Nastri,anche per
le attrici protagoniste Teresa Saponangelo e Luisa
Ranieri è È stata
la mano di Dio di Paolo Sorrentino. Con quattro
Nastri Mario Martone vince per la migliore regia, e con Ippolita Di
Majo per la sceneggiatura di Qui
rido
io e Nostalgiae,
sempre per Nostalgia, anche per gli
attori, Pierfrancesco Favino e in
coppia Francesco Di Leva
eTommaso
Ragno.È stata la mano di
Dio vince anche per il miglior
produttore Lorenzo Mieli con Paolo
Sorrentino in una produzione The Apartment (società del gruppo
Fremantle).
Tre Nastri
a Freaks Out di Gabriele
Mainetti per montaggio, costumi e scenografia
(Francesco Di Stefano, Mary Montalto e Massimiliano
Sturiale che vince anche per Il materiale
emotivo)e tre vanno anche alla
‘doppietta’ della migliore commedia in
candidatura Come un gatto in tangenziale 2 –
Ritorno a Coccia di morto e Corro da
tepremiati insieme per la regia di
Riccardo Milani e la produzione (Wildside, società del gruppo
Fremantle, Vision Distribution in collaborazione con Sky e Amazon Prime Video). Per Corro
da te Nastro anche alla migliore
attrice di commedia Miriam Leone. A Laura
Morante il Nastro speciale dedicato a due anniversari
molto importanti nella sua storia professionale: l’esordio al
cinema, poco più di quarant’anni fa, sul set con Giovanni e poi
Bernardo Bertolucci e nel 2012 il debutto alla regia
con Ciliegine.
In
coppia i migliori attori della commedia, Francesco
Scianna e Filippo Timi per Il filo
invisibile di Marco Simon Puccioni.
A Francesco Scianna, in un’annata davvero
speciale per le sue performance,anche il
premio Nastri d’Argento Persol/Personaggio dell’anno.
Tra i riconoscimenti speciali agli attori va a Vanessa
Scalera protagonista deL’
Arminuta il Premio Nastri/Nuovo
Imaie, che consegna il Presidente di
Nuovo Imaie, Andrea Miccichè.
Ed è un attore
molto amato come Edoardo Leo a ricevere
il premio Nastri/Hamilton Behind the
camera proprio per l’exploit che ci ha regalato, oltre
alle interpretazioni, da autore e regista non solo
con Lasciarsi un giorno a Roma, grande successo in
piattaforma e poi al cinema, ma anche per la regia del documentario
su Gigi Proietti. Infine il ‘cameo’
dell’anno: dopo protagonisti come Adriano Panatta e
Giuliano Sangiorgi, il Nastro va a Drusilla Foer, la
nonnadark
diSempre più bello.
Tra i più votati i
Giornalisti Cinematografici hanno attribuito due
Nastri ad Ariaferma di Leonardo Di
Costanzo,premiato per il migliore
attore, quest’anno, in ex
aequo con Favino, Silvio
Orlando – che vince anche come protagonista
per Il bambino nascosto di Roberto Andò –
e per la fotografia di Luca
Bigazzi:anche qui un ex
aequo con la fotografia di È stata la mano
di Dio di Daria D’Antonio, film
premiato anche per i Casting director Annamaria
Sambucco e Massimo Appolloni.
Segnalato dai
Giornalisti Cinematografici anche A
Chiara con un Nastro speciale all’autore, Jonas
Carpignano e con il Premio Graziella
Bonacchi all’attrice protagonista, Swamy Rotolo,
la più giovane nel cast di quest’edizione che segna, tra l’altro,
proprio tra i riconoscimenti dedicati alle attrici, il ritorno di
due protagoniste premiate un anno fa, Teresa
Saponangelo (È stata la mano di
Dio) che ha ottenutoanche il
Premio Nastri/Wella per l’immagine e, come
già anticipato, Miriam Leone per la
commedia. Nella categoria dell’Attrice non protagonista vince
invece, sempre per il film di Sorrentino, Luisa
Ranieri. Ed è al femminile la regia
dell’esordiente Giulia Louise Steigerwalt, anche autrice del
soggetto e sceneggiatrice del film,
con Settembre.
Ritirano i
Nastri per la squadra tecnica del
sonoro de Il
Buco di Michelangelo
Frammartino(Benny Atria, Matteo Gaetani e
Marco Saitta)gli autori della presa diretta
Simone Paolo Olivero e Paolo Benvenuti. Per la musica e la
canzone, invece, il voto dei Giornalisti ha premiato il talento del
Premio Oscar® Nicola
Piovani (Leonora addio di Paolo Taviani
e I fratelli De Filippo di Sergio Rubini)
e la migliore canzone dell’anno, La
profondità degli abissi di Manuel
Agnelli scritta e interpretata
per Diabolik.
Molto
cinema giovane tra i riconoscimenti dei Giornalisti: con
il Nastro per il miglior soggetto a Damiano e
Fabio D’Innocenzo per America Latina,
il ‘Premio Guglielmo Biraghi’ per gli esordienti al 21.mo anno
segnala Filippo Scotti (È stata
la mano di Dio) e Lina
Siciliano (Una femmina) e insieme
alla Fondazione Nobis un Premio collettivo va
a Giulia di Ciro De Caro, il
film più indipendente e low budget della
selezione 2021-22, che racconta, con la leggerezza della commedia,
lo smarrimento di una generazione ancora più evidente per gli
effetti della lunga stagione di pandemia.
In
questa 76.ma edizione,
realizzata come sempre con il sostegno del MiC
Ministero della Cultura – Direzione generale per il Cinema, main
sponsor BNL Gruppo Bnp Paribas, stili e generazioni diverse e
sorprese in un’annata che, soprattutto tra gli esordi (con una
presenza interessante di autrici, registe e sceneggiatrici) e tra i
giovani, segna nelle candidature e nel voto dei Giornalisti una
svolta di cambiamento e aggiunge novità al cinema dei ‘grandi’,
così protagonista nell’ultima stagione a dispetto delle grandi
difficoltà che il cinema in sala continua a vivere in questo
periodo. “Ricordiamo comunque pur augurandoci una ripresa per il
settore dell’esercizio ancora in sofferenza, che anche per i Nastri
d’Argento 76 il Direttivo del Sindacato ha lavorato anche su
moltissimi titoli visti in piattaforma, segnalando alla fine circa
40 film usciti tra il 1° Giugno 2021 e il 31 Maggio 2022”,
sottolinea a nome del Direttivo Nazionale la Presidente, Laura
Delli Colli ricordando che, dallo scorso
anno,i Nastri per miglior film e migliore
commedia premiano anche i produttori.
Oltre ai Nastri,
chiude questa sessione ilPremio Nino
Manfredi che sarà consegnato, come da tradizione, anche
quest’anno sul palcoscenico del Taormina Film Fest il
prossimo 1° Luglio.
Un ringraziamento,
come sempre, oltre al MiC – Direzione Generale per il Cinema e a
BNL – Gruppo BNP Paribas, main sponsor, a Fondazione Claudio Nobis,
Nuovo Imaie, MAXXI Museo Nazionale delle arti del XXI secolo
partner istituzionali, e naturalmente agli sponsor 2022 LEXUS auto
ufficiale, HAMILTON, PERSOL, WELLA, KOST make up Italia. Partner
tecnici: GE Gruppo Eventi. Media partner RAI CULTURA e RAI MOVIE,
tv ufficiale dei Nastri, che trasmetterà dopodomani, 22 Giugno
alle ore 23.15 la serata nello Speciale dedicato a
quest’edizione.
Le “cinquine” dei
candidati, anche su segnalazione degli iscritti al SNGCI, sono
state scelte quest’anno, come i premi speciali, dal Direttivo
presieduto da Laura Delli Colli e composto da Fulvia Caprara
(Vicepresidente), Oscar Cosulich, Maurizio di Rienzo, Susanna
Rotunno, Paolo Sommaruga, Stefania Ulivi – Romano Milani
(Segretario generale) e Franco Mariotti (Sindaco). Circa 100 i
giornalisti che hanno votato i vincitori 2022.
Obi-Wan
Kenobi è un progetto che i fan hanno aspettato a lungo
e, sebbene originariamente avrebbe dovuto trattarsi un film, la
decisione di trasformarlo in una serie televisiva ha dato i suoi
frutti.
Negli ultimi cinque episodi,
abbiamo visto l’iconico Maestro Jedi di Ewan McGregor superare i traumi del suo
passato per fronteggiare gli errori commessi durante La vendetta dei Sith. Sebbene la sua prima
battaglia con Darth Vader non è ovviamente andata
bene dalla sua parte, la riconnessione con la Forza ha potenziato i
suoi poteri e ha posto le basi per quello che si preannuncia come
un finale di stagione epico.
1Il Maestro Qui-Gon?
In
diverse occasioni nella serie Obi-Wan ha tentato di raggiungere
Qui-Gon Jinn tramite la Forza. È stato proprio
lui, in principio, a portare Anakin Skywalker
nell’Ordine Jedi, anche se non ci aspettiamo che
Ben si rivolga al suo Maestro per riparare agli
errori commessi in passato!
E’
molto più probabile che sarà invece Qui-Gon che ad aiutare
Obi-Wan a tornare ad essere il saggio Jedi che
abbiamo conosciuto in Una nuova speranza. Forse è un po’ troppo
sperare in un cameo di Liam Neeson, ma saremmo scioccati se, dopo
aver sconfitto Darth Vader, Ben non sentisse almeno la voce
del suo Maestro in modo da poter finalmente imparare a vivere
grazie alla Forza anche dopo la morte. L’ascesa di Skywalker avrebbe dovuto mostrarci
Rey circondata da fantasmi della Forza. Dato il
legame di Vader con Qui-Gon,
sarebbe davvero sconvolgente vedere Anakin faccia
a faccia con qualcuno che una volta significava così tanto per
lui…
Un amore immenso nato forse troppo
presto e corrottosi troppo facilmente. Amanti è il nuovo
film di Nicole Garcia (Mal di
pietre) con protagonisti Pierre Niney
(Simon) e Stacy Martin (Lisa).
Presentato in concorso l’anno scorso alla Mostra
Internazionale d’Arte Cinematografica
diVenezia, dal 16
giugno il film è disponibile nelle sale italiane. La
pellicola segue le vicende di una coppia di innamorati costretti a
separarsi. Il destino li fa rincontrare: Lisa e
Simon, mossi dal loro folle amore rinnovato, fanno di
tutto pur di non perdersi nuovamente…
Amanti: la trama
del film
Lisa e Simon sono
due giovani parigini innamorati. Lei studia alla scuola
alberghiera, mentre l’attività di Simon è un po’ più
complicata: è uno spacciatore. Nonostante il forte legame esistente
tra i due, la coppia conduce una vita nell’ombra a causa del
mestiere di lui. Proprio per un incidente sul ”lavoro” di
Simon, la parentesi rosea che avvolge la coppia si
infrange: il ragazzo è costretto ad abbandonare il paese senza
lasciare alcuna traccia. Lisa vorrebbe scappare con
l’amato, ma lui non le dà il tempo.
Tre anni dopo, Lisa si è
rifatta una vita. Mentre è in vacanza con suo marito Leo
(Benoît Magimel), un uomo maturo e benestante, la
donna vede nel villaggio un fattorino dal volto famigliare: è
proprio Simon. Non appena si ritrovano, Lisa e il
suo ex ragazzo sbloccano tutti i sentimenti che a forza avevano
dovuto sopprimere. Anche questa volta però, sembra impossibile per
i due riuscire ad essere felici insieme: ai soliti problemi di
Simon, ora si aggiunge anche il marito di Lisa, e
la prospettiva di una vita agiata che l’uomo può offrirle.
L’intramontabile binomio
amore-soldi
Amanti è
una pellicola che scava all’interno del sentimento amoroso.
Lisa conosce due tipi d’amore: quello intenso ma
impossibile e quello assopito ma quotidiano. Al di là della favola
romantica, il film mostra i pro e i contro di entrambe le storie.
Per quanto vero, l’amore tra Simon e Lisa fatica
a stare in piedi: non potrebbe mai essere incasellato nella vita di
coppia ordinaria, quella in cui ci si sposa, si lavora e si hanno
figli. Questo stile di vita, fin troppo idilliaco, è invece
realizzabile con Leo, un uomo abbiente e maturo, in grado
di offrire un progetto concreto al futuro di Lisa.
Purtroppo però, lei non sente di amare suo marito.
Alla base di tutto, c’è una forte
opposizione: lo stereotipo della coppia innamorata e squattrinata
contro quello dei coniugi ricchi incapaci di amarsi. Partendo da
due luoghi comuni, la regista Nicole Garcia smonta
i preconcetti e esplora entrambe le relazioni nell’intimità. Scena
dopo scena, esse diventano ugualmente impossibili.
Un triangolo amoroso a metà tra
dramma e giallo
Amanti racconta una
storia impossibile sotto diversi aspetti. L’incontro che dopo anni
avviene tra Lisa e Simon è alquanto improbabile.
Tuttavia, storie come questa se ne sentono e, diciamolo, sono le
migliori avventure amorose da raccontare. Il film non è però una
pura commedia romantica, anzi: è un dramma che, a
differenza delle rom com, esplora i sensi di colpa e i pensieri
conflittuali che vive chi tradisce. Inoltre, la fuga di
Simon dalla Francia – e la vita nell’oscurità che ne
consegue – rende il film in parte un giallo
investigativo. Pian piano, Amanti diventa
sempre più un film noir in grado di generare
angoscia e suspence nello spettatore.
L’estetica di
Amanti
Il lungometraggio è apprezzabile
anche da un punto di vista pienamente estetico. Fin dalla scena di
apertura, che esplora il risveglio degli amanti tra le coperte del
loro letto, la cinepresa segue con delicatezza l’intimità della
coppia protagonista. Le tinte grigie, i dialoghi scarni, fatti di
poche battute potenti, le inquadrature non ordinarie, urlano
Francia e Parigi.
I volti dei due attori protagonisti
sono ciò che maggiormente comunica e veicola i sentimenti del film.
Pierre Niney (Simon) e Stacy
Martin (Lisa) sono ripresi da ogni angolazione,
mentre gli altri personaggi hanno tratti originali in grado di dare
colore al film.
In conclusione,
Amanti è un film bello sotto ogni aspetto: a
livello visivo, narrativo e filosofico. Per chi apprezza le
pellicole (e le storie d’amore) non troppo incasellate, per chi ha
nostalgia dei noir di Hitchcock o del cinema
francese più genino, questo film è l’ideale!
Il numero di film
disupereroi è sempre più alto:
The Batman è stato il nono live-action con
protagonista il Cavaliere Oscuro, mentre Thor – Love and Thunder sarà il 29esimo film MCU. Visto il successo degli eroi dotati di
superpoteri negli ultimi tempi, viene spontaneo chiedersi quali
siano i migliori. A rispondere alla domanda ci ha pensato
IMDb: ecco la classifica – e i voti – dei film di
supereroi più amati e più di successo di sempre.
1Il cavaliere oscuro (2008) –
9.0
In
streaming su Prime Video
Il
grande vincitore di questa classifica è Christopher Nolan con la sua trilogia
su Batman. IMDb ha inserito tutti e
tre i lungometraggi nella sua lista dei migliori film di
supereroi e al primo posto troviamoIl
Cavaliere Oscuro.
Una
nota di merito del lungometraggio va sicuramente alla storia,
davvero guidata dal Joker di Heath Ledger. Il cattivo e
Batman si ritrovano incastrati in una lotta epica per
l’anima di Gotham. Il conflitto è principalmente
ideologico: entrambi vogliono dimostrare che la loro visione
del mondo è corretta: ordine e decenza si scontrano quindi con caos
e distruzione. Riprendendo un tema mitico, Il cavaliere
oscuro sbaraglia la concorrenza e conquista il grande
pubblico.
Dopo una lunga pausa, Natalie Portman tornerà a vestire i panni di
Jane Foster in Thor: Love and Thunder, in arrivo nelle sale
l’8 luglio. Mentre i fan fanno il conto alla rovescia per rivedere
Chris Hemsworth nel suo iconico ruolo, non
tutti sono altrettanto entusiasti del ritorno di Jane
Foster. Il motivo? I fan citano proprio la mancanza di
chimica tra la Portman e Hemsworth.
L’affiatamento tra i componenti di
una coppia è davvero essenziale sullo schermo e può, agli occhi dei
fan di Reddit, “distruggere o meno il disegno di
un film”, come si evince da questa classifica stilata dagli utenti
delle 10 coppie cinematografiche che non hanno funzionato.
1Jane Foster e Thor (Thor)
Jane Foster è uno dei personaggi che
torneranno nel prossimo film di Thor e i fan non
hanno potuto evitare di ribadire che, in realtà, tra Natalie Portman e Chris Hemsworth non vi è una grandissima
chimica.
Questo utente Reddit ha addirittura detto che “la storia
d’amore tra Thor e il personaggio di
Natalie Portman è così dimenticabile e priva di
chimica che ha praticamente rovinato l’intera storia”.
In
ogni caso, il personaggio di Thor è cresciuto e ne
ha passate tante, soprattutto in Endgame, quindi sarà interessante vedere come
si evolverà il rapporto tra i due in Thor: Love and Thunder.
In una recente intervista con
Fandango,
Taika Waititi anticipa che il titolo di
Thor: Love and
Thunder possa avere molteplici significati.
Scherza sul fatto che, mentre alcuni punti della storia possono
essere facilmente intuiti dall’inclusione delle parole “Love and
Thunder”, anche i fan non dovrebbero presumere nulla o dare nulla
per scontato.
“Puoi presumere alcune cose dal
titolo, ma non dare per scontato tutto.” ha dichiarato Waititi
nella sua solita maniera arguta e divertente.
Thor: Love and
Thunder è il quarto capitolo sulle avventure del
Dio del Tuono nel MCU, ma ad impugnare
il Mjolnir stavolta sarà Jane
Foster, interpretata di nuovo daNatalie
Portman, come confermato sabato durante il panel
dei Marvel
Studios al Comic-Con. L’uscita nelle sale è fissata invece
al 6 Luglio 2022.
Il film segue Thor (Chris
Hemsworth) in un viaggio diverso da quelli affrontati
fino ad ora, alla ricerca della pace interiore. Ma il suo riposo è
interrotto da un killer galattico conosciuto come Gorr il
Macellatore di Dei (Christian
Bale), che cerca l’estinzione degli dei. Per
combattere la minaccia, Thor si affida all’aiuto di Valchiria
(Tessa
Thompson), Korg (Taika Waititi) e
dell’ex fidanzata Jane Foster (Natalie
Portman) che, con stupore di Thor, brandisce
inspiegabilmente il suo martello magico, Mjolnir, come Mighty Thor.
Insieme, intraprendono una sconvolgente avventura cosmica per
scoprire il mistero della vendetta di Gorr il macellatore di dei e
fermarlo prima che sia troppo tardi.
Taika Waititi tornerà alla regia di Thor: Love and
Thunder, un film dei Marvel Studios
dopo
Thor: Ragnarok, così come Chris
Hemsworth e Tessa
Thompson riprenderanno i rispettivi ruoli di Thor e
Valchiria dopo l’ultima apparizione in
Avengers: Endgame. Nel cast anche
Christian Bale nei panni del villain Gorr il
Macellatore di Dei, e
Russell Crowe in quelli di Zeus. L’ispirazione del
progetto arriva dal fumetto “The Mighty Thor”, descritto da Waititi
come “la perfetta combinazione di emozioni, amore, tuono e storie
appassionanti con la prima Thor femmina dell’universo“.
In un nuovo video come parte della
loro serie “VFX Artists React”, gli artisti di Corridor Crew danno un’occhiata al trailer di
Avatar: La Via dell’Acqua e spiegano perché la CGI
è così rivoluzionaria.
Oltre a mettere in evidenza gli
incredibili progressi apportati alla skin CGI, i conduttori
approfondiscono una particolare ripresa del trailer che mostra una
nuovissima tecnologia di simulazione dell’acqua brevettata dalla
principale casa di effetti visivi del film, Weta Digital.
Ian Hubert:“Il
pezzo che penso sia pazzo è la tensione superficiale in basso a
sinistra, il modo in cui entra in quel pezzo intrecciato. Non
ricordo di aver mai visto la tensione superficiale su quella scala
complessa e dinamica. Come l’acqua va via ed è ancora intrappolata
lì nei pezzetti [di tessuto]”.
Sam Gorski:“Oltre a questo, dal punto di vista visivo e di rendering, non
so nemmeno quanti brevetti abbiano fatto. Ma ho visto piccoli blurb
apparire come, ‘Oh, fantastico, Weta ha tipo 4 o 5 nuovi brevetti
di simulazione dell’acqua,’ per casi davvero unici come questa
ripresa.”
Wren Weichman:“Penso che qui si stia verificando una simulazione dell’acqua a
due stadi. Normalmente, quando si esegue una simulazione dell’acqua
ci si basa molto sulle particelle e stanno facendo la prima
simulazione delle particelle per l’acqua. Ma poi, quando si
interfaccia effettivamente con qualcosa penso che ciò che [il nuovo
brevetto] dice sia che in realtà sta generando nuove particelle su
quelle superfici reali e questo è in qualche modo creare
l’illusione di quella tensione dell’acqua di cui stai parlando.[…]
Weta è famosa per aver letteralmente inventato strumenti da zero
per realizzare i loro film”.
Avatar: la via dell’acqua si svolge dentro e intorno
all’oceano. Sully (Sam
Worthington) e Neytiri (Zoe
Saldana) hanno dei figli. “Ovunque andiamo”, dice
Sully, “so una cosa, questa famiglia è la nostra fortezza”. Il
sequel sembra ancora più sbalorditivo nella sua grafica blu intenso
rispetto al film del 2009. Creature tutte nuove: vediamo i Na’vi su
pesci volanti, uccelli, creature che comunicano con una balena,
eppure in qualche modo divisi nonostante la loro affinità con la
natura: le persone aliene sono divise, combattono l’una contro
l’altra in una lotta tra pistole e frecce. È davvero un mondo
completamente nuovo che alza la posta in gioco del precedente film
3 volte vincitore di Oscar.
Avatar: la via dell’acqua debutterà il 14
dicembre 2022, seguito dal terzo capitolo il 20
dicembre 2024. Per il quarto e quinto capitolo, invece, si
dovrà attendere ancora qualche anno: 18 dicembre
2026 e 22 dicembre 2028.
Il cast della serie di film è
formato da
Kate Winslet, Edie Falco,
Michelle Yeoh,
Vin Diesel, insieme ad un gruppo di attori che
interpretano le nuove generazioni di Na’vi. Nei film torneranno
anche i protagonisti del primo film, ossia
Sam Worthington,
Zoe Saldana,
Stephen Lang,
Sigourney Weaver, Joel David Moore,
Dileep Rao e Matt Gerald.
La Marvel omaggia tutti i
papà supereroi del MCU per la festa del papà del
2022, ma include anche alcune scelte insolite, come la presenza di
Thanos, nell’elenco!
Quando l’MCU è iniziato nel 2008, i
padri erano già una parte importante della narrazione del
franchise. Tony Stark stava affrontando la sua relazione
problematica con Howard Stark sia in Iron Man che Iron Man 2. Nel
frattempo, in Thor, Odino aveva il suo bel da fare con Thor e Loki.
Oltre la Fase 1, i padri sono arrivati in tutte le forme e
dimensioni. Occhio di Falco e Ant-Man sono gli uomini di famiglia
più importanti del franchise, per non parlare di Hank Pym. L’MCU
mostra anche che non tutti i padri sono grandiosi, come si è visto
con Thanos in Avengers:
Infinity War e Avengers:
Endgame. Finora, nella Fase 4, sono stati introdotti
anche Wenwu di Shang-Chi e Alexei Shostakov/Red Guardian di
Black
Widow.
Per la festa del papà di quest’anno,
Marvel UK celebra tutti questi papà in un nuovo post sui social
media. Nella didascalia si chiamano “Super Eroi papà”. Tuttavia,
alcuni fan si affrettano a sottolineare che non tutti i padri
inclusi sono eroici. Semmai, mostra quanto sia vario l’MCU quando
si tratta dei suoi personaggi.
L’estate 2022 si tinge dei
meravigliosi colori dei film d’animazione dello Studio Ghibli
grazie alla rassegna “Un mondo di sogni animati”
di Lucky Red. Dal 1 luglio al 17 agosto tornano
al cinema alcuni magici ed emozionanti capolavori
del maestro Hayao Miyazaki:
La città incantata,
Principessa Mononoke,
Nausicaa della Valle del Vento, Porco Rosso, Il Castello
Errante di Howl. Un’occasione da non perdere per
scoprire e riscoprire il genio di Miyazaki.
Si parte con La città
incantata (dal 1 al 6 luglio), premiato con l’Orso
d’Oro al Festival di Berlino nel 2002 e l’Oscar al Miglior Film
d’Animazione nel 2003. Si prosegue con Principessa
Mononoke (dal 14 al 20 Luglio), sempre pronta a
difendere la natura dalle barbarie dell’uomo. Si conclude il mese
di luglio con Nausicaa della Valle del
Vento (dal 25 al 31 luglio) che con le sue
meravigliose atmosfere ha influenzato e continua a influenzare
generazioni di registi, illustratori e animatori. Nell’estate
italiana “ghibliana” non potevano certo mancare il sempre attuale
Porco Rosso nell’anniversario del
trentennale (dal 1 al 7 agosto) e Il castello errante
di Howl (dall’11 al 17 agosto), uno dei maggiori
successi di pubblico e critica dello studio d’animazione
giapponese.
Guarda l’intervista a Ethan Hawke, l’attore protagonista del nuovo
Horror Black Phone, in arrivo al cinema questo
giovedì distribuito da Universal Pictures Italia. Con il quattro
volte candidato all’Oscar Ethan Hawke nel ruolo più terrificante della
sua carriera e per la prima volta sul grande schermo Mason Thames,
Black
Phone è prodotto, diretto e co-scritto da Scott Derrickson,
regista e sceneggiatore di
Sinister, The Exorcism of Emily Rose e Doctor Strange
della Marvel.
Il regista Scott Derrickson torna
alle sue radici e collabora di nuovo con il marchio più importante
del genere, Blumhouse, per un nuovo thriller horror. La
sceneggiatura del film è di Derrickson e di C. Robert Cargill
(Doctor Strange, la saga di Sinister), basato sulla premiata storia
breve di Joe Hill dal suo bestseller del New York Times “20th
Century Ghosts”. Il film è prodotto da Derrickson e Cargill’s
Crooked Highway e presentato da Universal e Blumhouse. Jason Blum,
Scott Derrickson e C. Robert Cargill sono i produttori del film,
mentre i produttori esecutivi sono Ryan Turek e Christopher H.
Warner.
Finney Shaw, un timido ma
intelligente ragazzo di 13 anni, viene rapito da un sadico
assassino che lo rinchiude in un seminterrato insonorizzato dove le
urla servono a poco. Quando un telefono disconnesso inizia a
squillare sul muro, Finney scopre di poter sentire le voci delle
precedenti vittime dell’assassino. E sono decisi a fare in modo che
ciò che è successo a loro non accada a
Finney.
In occasione di una nuova
conversazione con la supervisora degli effetti visivi Betsy
Paterson ospitata da Deadline, James Gunn ha parlato del suo lavoro nel corso
degli anni. Quando la discussione si è spostata sul suo
coinvolgimento con il MCU, il regista cita il progresso
della CGI che, secondo lui, è la spina dorsale del successo del
franchise.
“Molti film moderni esistono
oggi semplicemente grazie agli effetti visivi. La gente mi chiede
sempre: ‘Perché i film Marvel sono così popolari oggi quando non lo
erano in passato?’ la risposta è che siamo arrivati al punto in cui
possiamo rendere credibile che un tizio di metallo stia volando in
giro.”
Nonostante una carriera che parte da
molto lontano, James Gunn ha dato una vera e
propria svolta popolare alla sua carriera grazie alla
collaborazione con la Marvel e con i Guardiani della Galassia,
arrivati per la prima volta al cinema nel 2014. La sua idea che gli
effetti visivi possano essere la ragione del successo Marvel è
insolita ma anche molto lucida e consapevole di quello che è il
mercato oggi e di quello che vuole lo spettatore contemporaneo, una
volta che ha pagato una considerevole cifra per sedersi al cinema
ed essere intrattenuto.
Durante un’intervista con MTV News, a
Chris Evans è stato chiesto la sua opinione su
Captain Carter di Hayley Atwell vista in Doctor Strange nel Multiverso della Follia.
Evans ammette di non aver visto il film di Sam
Raimi, ma si è speso in grandi elogi per la collega, con
cui ha lavorato diverse volte nel corso della sua presenza nel
MCU.
“Non ho ancora visto [Doctor
Strange nel Multiverso della Follia], ma l’ho sentito, ho
sentito che c’è anche lei. Voglio dire, è perfetta per questo… È
davvero una delle migliori attrici con cui abbia mai lavorato e uno
degli esseri umani più adorabili. Quindi, non potrei essere più
felice per lei.”
Ricordiamo che il personaggio ha
esordito nel primo episodio di What If…? per poi palesarsi in carne e ossa,
anche se solo per una breve scena, in Doctor Strange nel Multiverso della
Follia. Speriamo che il suo
futuro le consenta di riportare, al cinema o in tv, sia il Capitano
che l’Agente Carter.
La sceneggiatura del film porterà la
firma di Jade
Bartlett e Michael Waldron.
Oltre a Cumberbatch e Olsen, nel sequel ci saranno
anche Benedict
Wong (Wong), Rachel
McAdams(Christine
Palmer), Chiwetel
Ejiofor (Karl Mordo) e Xochitl
Gomez (che interpreterà la new entry America Chavez).
Nel cast è stato confermato anche Patrick Stewart nel ruolo di Charles Xavier.
Doctor Strange nel Multiverso della Follia è
al cinema dal 4 maggio 2022. Le riprese sono
partite a Londra a novembre 2020 e avranno luogo anche a New York,
Los Angeles e Vancouver. Nel sequel dovrebbe apparire in un cameo
anche Bruce Campbell, attore feticcio
di Sam Raimi. Al momento, però, non esiste
alcuna conferma in merito.
Dopo aver preso una pausa dal mondo
dell’orrore con Doctor
Strange (2016), Derrickson torna nella sua comfort zone con un
lungometraggio intrigante e angoscioso. Collaborando nuovamente con
Ethan
Hawke (Sinister), il
regista mette in piedi una storia che fa tremare ma che è anche in
grado di coinvolgere chi non ha troppa confidenza con il mondo
dell’orrore.
Black Phone: la
trama del film horror
L’ordinarietà all’inizio di
Black Phone è di per sé già uno scenario
spaventoso, ma il film scende ancora più in basso. Finney
Shaw è un timido ragazzino di 13 anni. Vive con il padre
violento e la sorellina minore Gwen nella provincia
americana. La loro cittadina, apparentemente tranquilla, è in
realtà lo scenario in cui si muove un misterioso rapitore di
ragazzini: The Grabber (Ethan
Hawke). Dopo la scomparsa di un paio di compagni di
scuola, anche Finney resta vittima del serial killer.
Rapito in pieno giorno, Finney viene rinchiuso in un
seminterrato semivuoto: una piccola finestra, un materasso e un
telefono disconnesso sono tutto ciò che The
Grabber ha lasciato nella stanza. Sorprendentemente, il
telefono inizia a suonare: attraverso esso, Finney riesce
ad avere conversazioni ultraterrene con le precedenti vittime
dell’assassino.
I suggerimenti ricevuti attraverso
il telefono e i sogni mistici della sorellina di Finney
sembrano essere le uniche strade percorribili per tentare il
disperato salvataggio del ragazzo prima che The
Grabber scateni la sua ira…
Il sovrannaturale come unica
opzione
Black Phone
mostra una corsa paranormale contro il tempo. Inizialmente, i
collegamenti con l’ultraterreno di Finney e Gwen
vengono sminuiti dagli adulti, soprattutto dal loro padre
alcolizzato e violento (Jeremy Davies).
Gradualmente però, la polizia si rende conto che la razionalità
utilizzata nell’indagine non riesce a comprendere l’assurdità dei
rapimenti di The Grabber. Sono proprio le forze
dell’ordine a chiedere aiuto a Gwen e a fare appello ai
suoi sogni paranormali. Per quanto assurda, la strada percorsa dai
due fratellini diventa minuto dopo minuto l’unica realmente utile
alle indagini.
Angoscia e paura, ma non solo
Di base, il film ha una
trama sostanziosa. Tratto dal racconto The Black Phone di
Joe Hill (il figlio del celebre scrittore Stephen
King), il lungometraggio non è il classico
jump stare movie privo di senso e costruito solo
su scene ”da brividi”. Ci sono in Black
Phone una serie di momenti spaventosi che gli
amanti dell’horror apprezzeranno, ma in sostanza il film è un
thriller
intrigante e coinvolgente. L’angoscia dilagante è generata
principalmente dalla storia di base e gli attimi terrificanti sono
delle aggiunte centellinate e ben dosate. Per questo motivo, il
film può essere apprezzato da un pubblico ampio e variegato.
La recitazione eccellente del cast
di Black Phone
Un complimento al cast del film è
necessario.
Ethan Hawke(Rapina
a Stoccolma,
Moon Knight), per la maggior parte del tempo nascosto
dietro ad una maschera, è perfetto nella parte dello psicopatico
killer bipolare. Non potendo usare il proprio volto, Hawke si serve della voce e del corpo per
generare angoscia nelle sue vittime come nello spettatore.
Muovendosi nell’ombra e sussurrando con voce falsamente
accomodante, l’attore riesce benissimo a creare un’atmosfera tesa.
Finney e il pubblico sanno che la bestia dentro di lui
potrebbe esplodere da un momento all’altro e, proprio per questo,
hanno una paura folle.Oltre al grande nome dietro
al carnefice al centro del film, i due giovani interpreti non sono
da meno. Mason Thames (Finney)
riesce bene nella parte del ragazzino timido e insicuro, sensibile
e per questo bullizzato. Vedere la trasformazione del personaggio
in una situazione ai limiti della sopravvivenza è davvero
avvincente. Non è da meno Madeleine McGraw, la
giovane attrice che interpreta Gwen Shaw: il suo
personaggio è forse quello più stratificato, alle prese con un
padre violento, dei sogni ingombranti e un fratello scomparso. Su
di lei gravano tutte le pressioni degli adulti attorno. L’emotività
della ragazzina viene resa perfettamente dall’attrice, in grado di
passare dal riso al pianto senza mai sembrare forzata. In generale,
gli interpreti più giovani sono la nota di vanto del film.
Un’ambientazione retrò
Black Phone è
un film piacevole da vedere anche a livello di estetica. C’è uno
stile riconoscibile all’interno delle varie scene. Il direttore
della fotografia Brett Jutkiewicz sceglie
un’ambientazione vintage dalle tinte ocra e grigie che si dimostra
lo scenario ideale per una storia di paura. Sicuramente, la
collaborazione con Blumhouse,
noto marchio del genere horror, ha dato la spinta giusta in termini
di immagini ben costruite. Niente sembra troppo finto o
assurdo.
In conclusione, Black
Phone è un film horror che si distingue nel panorama
attuale. Staccandosi dallo stereotipo del film a basso budget,
costruito su carneficine e grida, il regista riesce a generare
angoscia in modo autentico: attraverso una storia da brividi che,
per molti aspetti, risulta plausibile e reale. La paura scaturisce
dalle scene senza essere forzata. Fin dai titoli di testa, Derrickson
rende perfettamente l’idea alla base del film: anche
nell’ordinarietà quotidiana, possono nascere situazioni da
panico.
Amuka, il documentario diretto
da Antonio Spanò, mostra uno spaccato della vita
quotidiana dei contadini congolesi. Il
film, presentato al Festival Cinema e Ambiente di Avezzano, porta
luce sulla contraddittorietà di un paese rigoglioso e povero.
Amuka – Il
Risveglio dei Contadini Congolesi
”Il Congo potrebbe nutrire 3
miliardi di persone ogni anno. Oggi 13 milioni di congolesi
soffrono la fame.” Amuka segue la vita di alcuni contadini e
allevatori congolesi: ad ogni soggetto e ad ogni storia viene
dedicato un capitolo. Ci sono produttrici di olio di palma,
allevatori di bovini, chi possiede piantagioni di caffè. Tutti i
protagonisti del documentario vivono in un paradosso: hanno a
disposizione le materie prime, ma non dispongono dei mezzi e degli
acquirenti necessari per sfruttarle fino in fondo. Molte delle
industrie occidentali presenti nel paese fino a qualche anno fa,
hanno abbandonato la produzione in Congo a causa delle continue
crisi di governo. Al momento infatti, buona parte della popolazione
vive ai limiti della povertà e, per quanto disposta a reinventarsi
a e lavorare, sembra avere poche possibilità per migliorare le
proprie condizioni di vita.
Uno spaccato amaro e diretto del
Congo
Antonio Spanò
propone un ritratto della situazione economica e politica attuale
del Congo. In Amuka, fa parlare la popolazione
locale: prende i casi singoli e, attraverso i loro nomi e le loro
storie, parla di una condizione generale che opprime l’intero
paese. Le immagini illustrano la vita quotidiana dei contadini e
degli allevatori. Uomini e donne di tutte le età, lavoratori del
presente e del passato, tutti prendono parola e contribuiscono al
film.
Immagini vere e riprese
sporche
Il
racconto che viene fatto è estremamente sincero. I dialoghi
originali e spontanei tra i contadini – Spanò
evita di inquadrare l’intervistatore – danno l’impressione di
catapultarsi all’interno di una quotidianità non costruita.
Inoltre, i colori dominano il documentario: dagli abiti ai
paesaggi, c’è la sensazione di immergersi in un mondo che può
offrire tanto. La rigogliosità delle immagini è in contrasto con la
povertà che si scaturisce dalle scene e che si sente nei dialoghi:
i prezzi bassissimi dei prodotti, le discussioni sui costi della
forza lavoro, le difficoltà per trovare un acquirente fanno
riflettere sulla stasi economica del paese.
In conclusione,
Amuka è un
documentario ben fatto che non vuole mostrare in modo acritico
la vita esotica di un popolo a noi lontano. Al contrario, sceglie
di veicolare una protesta sulla condizione dei contadini congolesi
attraverso immagini potenti. Le storie
singole si uniscono alla
storia del paese, il paesaggio si mescola ai luoghi abitati,
portando sulla scena le diverse sfumature di un paese che, se ben
sfruttato, potrebbe offrire tanto.
Lo sceneggiatore e regista canadese
premio Oscar Paul Haggis è stato arrestato a Ostuni, con
l’accusa di violenza sessuale e lesioni personali aggravate
presumibilmente inflitte a una donna ancora non identificata che ha
sporto denuncia.
Secondo numerosi resoconti e una
nota della Procura di Brindisi, Haggis è accusato di aver costretto
una giovane donna straniera ad avere rapporti sessuali nel corso di
due giorni ad Ostuni, mentre doveva tenere diverse masterclass
all’Allora Fest, che si terrà a Ostuni dal 21 giugno al 26
giugno.
Silvia Bizio, organizzatrice
dell’evento, ha confermato a Variety che Paul
Haggis è in arresto. In una dichiarazione di Allora Fest
ha affermato di aver “appreso con sgomento e shock la notizia
che Paul Haggis è in custodia per presunte violenze”.
I direttori del festival “hanno
immediatamente provveduto a rimuovere qualsiasi partecipazione del
regista dall’evento” e “allo stesso tempo, esprimono piena
solidarietà alla donna coinvolta”, hanno aggiunto. “I temi
scelti per il festival sono, tra gli altri, quelli
dell’uguaglianza, dell’uguaglianza di genere e della solidarietà.
In quanto professionisti e donne, sono costernate e sperano che il
festival contribuisca a promuovere maggiori informazioni e
consapevolezza su una questione così attuale e sempre più
urgente”, ha proseguito la nota.
Secondo un rapporto della polizia,
la presunta vittima, dopo essere stata aggredita, è stata portata
da Paul Haggis all’aeroporto di Brindisi e lì è
partita domenica mattina alle prime luci dell’alba, nonostante le
sue “precarie condizioni fisiche e psicologiche”.
In aeroporto la donna, che versava
in uno “stato di confusione” è stata assistita dal personale
aeroportuale e dalla polizia di frontiera che, dopo averle prestato
i primi soccorsi, l’ha accompagnata negli uffici della squadra
mobile di polizia. Gli agenti di polizia hanno poi portato la donna
all’ospedale A. Perrino di Brindisi, dove è stato messo in atto il
cosiddetto “protocollo rosa” per le vittime di stupro.
Successivamente, la donna ha sporto formale denuncia contro
Haggis.
Paul Haggis è stato citato in
giudizio nel 2018 dalla pubblicista Haleigh Breest, che ha
affermato di essere stata violentemente violentata dopo una prima
nel 2013. La causa ha spinto altre tre donne a farsi avanti con le
proprie accuse di cattiva condotta sessuale contro Haggis, che ha
negato con veemenza le affermazioni. Il processo è ancora pendente,
a causa dei ritardi dovuti al COVID.
Chi l’ha detto che i supereroi
devono essere personalità senza macchia e dotati di sole virtù come
Captain America o Superman? Se oggi il lato negativo e umano dei
supereroi è stato ampiamente esplorato grazie a film come
Glass, Watchmen o con serie come
The Boys e Jupiter’s Legacy, un vero e proprio
precursore a riguardo, uscendo in sala nel 2008 (stesso anno di
distribuzione di IronMan, primo film del
MCU), è
Hancock, lungometraggio scritto da
Vy Vincent Ngo e Vince Gilligan
(ideatore di Breaking Bad) e diretto da Peter
Berg (regista noto per gli action Lone Survivor e
Boston – Caccia
all’uomo).
Questo presenta infatti un supereroe
che non si riconosce come tale, con problemi legati all’alcol e
un’esistenza condotta come fosse un senzatetto. Ma come noto, da
grandi poteri derivano grandi responsabilità, e anche tale
controverso personaggio è infine chiamato a fare la sua parte. La
storia, scritta nel 1996, è per anni stata in cerca del via libera
alla sua realizzazione. Diversi registi e produttori si sono
avvicendati al suo comando, tra cui anche l’italiano
Gabriele Muccino. Trovata infine la squadra
giusta, Hancock si concretizzò con un budget di 150
milioni di dollari, rappresentando il primo film con effetti
speciali per Berg.
Data la natura comica e controversa
del protagonista, il film si affermò come un autentico successo,
guadagnando circa 630 milioni di dollari a livello globale. Ancora
oggi è uno dei film di supereroi dal maggior incasso di sempre, ed
è ricordato con entusiasmo dai fan di questa particolare tipologia
di supereroi. Prima di intraprendere una visione del film, però,
sarà certamente utile approfondire alcune delle principali
curiosità relative a questo. Proseguendo qui nella lettura sarà
infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla
trama, al cast di attori e al suo
sequel. Infine, si elencheranno anche le
principali piattaforme streaming contenenti il
film nel proprio catalogo.
Hancock: la trama del film
Protagonista del film è
Hancock, un supereroe irritabile e detestato da
tutti, con evidenti problemi di alcolismo. Anche quando cerca di
fermare il crime che imperversa per le strade di Los Angeles, i
suoi modi di fare poco ortodossi e del tutto disorganizzati non
mancano di generare una serie di ulteriori problemi. Per questo
motivo, per i cittadini egli è visto più come una minaccia che non
come una fonte di sicurezza. Hancock, tuttavia, non dimostra nessun
interesse per l’opinione altrui, anzi, manifesta uno sprezzante
disinteresse anche per le numerose convocazioni in tribunale, a cui
non si presenta mai. Le cose per lui, sono però pronte a cambiare
radicalmente.
Un giorno egli si trova infatti a
salvare Ray Embrey, il quale era rimasto bloccato
con la propria auto sulle rotaie di un treno in arrivo. L’uomo, che
lavora nel settore pubblicitario, si offre di curare l’immagine del
supereroe, cercando così di riabilitare la sua presenza agli occhi
della città. Hancock non è però minimamente interessato alla cosa,
ma dopo una lunga riflessione decide di accettare l’aiuto. A
spingerlo in tale direzione è soprattutto l’incontro con
Mary, la moglie di Ray, la quale sembra avere
qualcosa da nascondere. Hancock, infatti, soffre di una profonda
amnesia, che non gli permette di ricordare molta della sua vita. La
presenza di Mary potrebbe rappresentare la soluzione a
riguardo.
Hancock: il cast del film
Nonostante diversi attori siano
stati considerati per il ruolo di Hancock, la prima ed unica scelta
possibile per i gli autori era l’attore WillSmith. Attratto dalla natura dissacrante del
personaggio, questi accettò da subito di interpretarlo. Grande
appassionato di wrestling, l’attore ha descritto Hancock come il
celebre lottatore Steve Austin ma con i supereroi. Per il ruolo,
inoltre, egli si è sottoposto ad un duro allenamento fisico, che lo
ha portato ad acquisire la massa muscolare necessaria a poter
interpretare molte delle scene più complesse. Per dare un aspetto
realistico al suo volo, Smith venne spesso sospeso tramite fili a
18 metri dal suolo e spinto a circa 70 chilometri orari.
Nei panni di Ray Embrey, invece, si
ritrova l’attore Jason Bateman, noto per
i film Juno e Tre le nuvole. L’attore ha
interpretato il personaggio rendendolo un uomo comune capace di
vedere sempre il lato positivo delle cose. Per il ruolo di sua
moglie Mary, Smith aveva inizialmente richiesto l’attrice
Aishwarya Rai Bachchan, ma a causa di altri
impegni questa non poté prendere parte al film. Al suo posto è
subentrata l’attrice Charlize Theron, la
quale si è dichiarata entusiasta di interpretare un ruolo tanto
diverso e dinamico rispetto ai suoi precedenti. L’attore
Eddie Marsan, infine, è Kenneth “Red” Parker Jr.,
rapinatore di banche e villain del film. Provenendo da film dal
piccolo budget, Marsan dichiarò di essere rimasto sconvolto dal set
di Hancock.
Hancock: il sequel, il
trailer e dove vedere il film in streaming e in TV
Precedentemente all’uscita del film,
il regista del film affermò che se Hancock si fosse
rivelato un buon successo sarebbe stato certamente realizzato un
suo sequel. Il successo poi arrivò, ma del promesso seguito non vi
è ad oggi ancora traccia. Nel corso degli anni gli sceneggiatori
hanno rivelato di star lavorando ad una nuova storia, mentre gli
attori protagonisti si sono dichiarati disponibili a riprendere i
rispettivi ruoli e approfondire le storie dei loro personaggi. Ad
oggi, però, sono molte poche le notizie rilasciate, che non
lasciano speranze all’idea di vedere nuovamente Hancock
protagonista al cinema. Nel 2020, la Theron ha infatti affermato
che non vi erano stati progressi significativi a riguardo.
Nella speranza di poter un giorno
vedere il suo sequel, è intanto possibile fruire del film grazie
alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme
streaming presenti oggi in rete. Hancock
è infatti disponibile nei cataloghi di Rakuten TV,
Chili Cinema, Google Play, Apple iTunes, Netflix, Tim Vision e
Amazon Prime Video. Per vederlo, una
volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il
singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così
modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità
video. È bene notare che in caso di noleggio si avrà soltanto un
dato limite temporale entro cui guardare il titolo. Il film è
inoltre presente nel palinsesto televisivo di sabato 18
maggio alle ore 21:15 sul canale
TV8.
È di Drusilla Foer, nel film
Sempre più bello il ‘cameo dell’anno’ ai Nastri
d’Argento che concludono lunedì sera a Roma, al MAXXI la 76.ma
edizione. Una nonna decisamente originale e
irresistibile nel suo stile ormai familiare al grande
pubblico: “anaffettiva, difficoltosa, inaridita dalla
propria vita”, come proprio lei l’aveva definita in occasione del
lancio del film. In un cameo aggiunge il nome di Drusilla, ormai
popolarissima ma decisamente inedita tra i protagonisti del cinema,
ad un palmarès che ha premiato nel tempo personaggi come
Adriano Panatta per La profezia dell’armadillo di Emanuele
Scaringi, Barbara Alberti per La dea Fortuna di Ferzan
Özpetek e un anno fa, nel cast dei Moschettieri di
Giovanni Veronesi, la voce dei Negramaro, Giuliano Sangiorgi.
Mai come quest’anno grande
attenzione dei Giornalisti Cinematografici per i giovani attori –
scelti dal Direttivo Nazionale che ha selezionato le candidature –
che saranno premiati lunedì sera insieme ai vincitori decretati dal
voto di circa 100 giornalisti specializzati. Sono con i
PremiGuglielmo Biraghi per gli esordienti
Filippo Scotti, protagonista del film scritto e
diretto da Paolo Sorrentino È stata la mano di Dio e la
rivelazione di Una femmina (soggetto di Lirio Abbate e
Edoardo De Angelis e presentato alla Berlinale nella sezione
Panorama), opera prima di Francesco Costabile tra le più
interessanti dell’anno, Lina Siciliano.
A loro si aggiunge il premio a
Giulia di Ciro De Caro che è il film
più coraggiosamente indipendente e a basso costo dell’intera
selezione 2021-2022, riconoscimento collettivo condiviso con la
Fondazione Claudio Nobis per i giovani.
Il premio alla più giovane di tutti
va a Swamy Rotolo, la protagonista del film di
Jonas Carpignano A Chiara che riceverà lunedì sera il
riconoscimento intitolato a Graziella Bonacchi. È il
premio che segnala ogni anno, insieme ai Nastri d’Argento, una
‘scoperta’ particolarmente interessante, scelta insieme ai
giornalisti proprio dagli esordienti di ieri, lanciati da
Graziella, straordinaria agente di un’intera generazione di talenti
tra i più affermati di oggi che il Premio ricorda così da quando ci
ha lasciato troppo presto.
Ecco il trailer di Don’t
Make Me Go, il nuovo film Prime Video disponibile sul servizio di
streaming a partire dal 15 luglio.
Diretto
da: Hannah Marks Scritto da: Vera Herbert Prodotto da: Donald De Line, Leah Holzer, Peter
Saraf Con:
John Cho, Mia Isaac, Mitchell Hope, Jemaine Clement, Stefania
LaVie Owen,
Kaya Scodelario
Don’t Make Me Go, la
trama
Quando Max (John Cho), padre single,
scopre di avere una malattia terminale, nel tempo che gli resta
decide di provare a fare il pieno di tutti quegli anni di amore e
supporto che non potrà vivere con la figlia adolescente Wally (Mia
Isaac). Con la promessa di fare le lezioni di guida tanto attese,
convince Wally ad accompagnarlo in un viaggio dalla California a
New Orleans per la rimpatriata dei vent’anni dalla laurea con gli
ex compagni di college, dove spera segretamente di farla
ricongiungere alla madre, che molto tempo prima li ha abbandonati.
In un viaggio originale ed emozionante, ricco di coraggio e ironia,
Don’t Make Me Go esplora il legame indissolubile ed eterno tra un
padre e una figlia, raccontato dal punto di vista di due
generazioni.
Il nuovo film di
Roberto Faenza esce in sala il 16 giugno. Si
tratta di Hill of Vision, la
storia pazzesca di un bimbo italiano analfabeta e scampato alle
bombe della Seconda Guerra Mondiale che diventa un genetista e nel
2007 riceve il premio Nobel per la medicina.
Il regista, che è anche
sceneggiatore e insegnante, ha una carriera cinematografica che
affonda le sue radici nei suoi primi vent’anni di vita, e che gli
ha fatto aggiudicare riconoscimenti di ogni sorta, tra cui diversi
David di Donatello, Nastri d’argento e Globo d’oro.
Lo sguardo verso i più
giovani, specialmente per le storie che partono dalle situazioni
più drammatiche, lo hanno interessato più di una volta
(Jona che visse nella balena, Un giorno questo dolore
ti sarà utile), per quanto, a onor del vero, la
varietà di tematiche e di tipologie di racconti affrontati da
Roberto Faenza, siano decisamente eclettici.
Hill of Vision, la storia di Mario Capecchi
La storia di Hill
of Vision nasce per caso. Un giorno, la produttrice
Elda Ferri legge una notizia riguardante lo
scienziato Mario Capecchi:
avrebbe donato a un museo di Kyoto il suo amato cappello. Cosa
significava un cappello per un uomo tanto famoso, colto e geniale?
La decisione di approfondire il fatto e di intervistare il premio
Nobel vengono da sé.
Così nasce il film
sull’infanzia di Mario Capecchi diviso in due
parti, in cui nella prima si racconta come è sopravvissuto ai
bombardamenti in Italia, dove ad interpretare il piccolo
protagonista è Lorenzo Ciamei, con
Francesco Montanari che fa il papà Luciano
Capecchi e Rosa Diletta Rossi nei panni di Anna,
sua compagna. La seconda parte inizia quando incredibilmente sua
madre (Laura Haddock), sopravvissuta ai campi di
concentramento, lo viene a prendere in orfanotrofio per portarlo
negli Stati Uniti e stare lì insieme agli zii (Edward
Holcroft ed Elisa Lasowski) che vivono in
una comunità di quaccheri.
Una fiaba assurda, per
molti aspetti, quella di Mario Capecchi, che
Roberto Faenza riporta per immagini con slancio e
un sacco di ammirazione, costruendo scenari, ambientazioni e il
susseguirsi degli eventi con affettuosa cura e parecchia ingenuità.
La storia è sufficiente di per sé a destare le coscienze e
soprattutto le speranze, ma il modo in cui viene riprodotta la
indebolisce e, a tratti, banalizza.
Nella seconda metà del
film ci trasferiamo negli Stati Uniti, Mario è cresciutello ed è il
giovane Jake Donald-Crookes a calarsi nel ruolo.
Un senso di avventura e di voglia di scoperta dà un po’ di colore
alla narrazione, ma resta sempre tutto ben posizionato come in una
dolce cartolina anni ’50 ed è necessario uno sforzo in più per
focalizzarsi sulla parte importante: i sensazionali fatti storici
nella vita di questo preadolescente. Tutti gli attori, durante
tutta la durata della pellicola, si spostano come piccole
marionette tirate da dei fili (con le sole eccezioni dei genitori
di Capecchi, Haddock e Montanari, e Rossi, l’amante del padre) e,
purtroppo, la stessa scrittura di alcune scene pare non tenere
conto dell’atmosfera e la profondità che sarebbe fondamentale
trasmettere.
Un’importante eredità pedagogica
Al netto, dunque, di una
scarsa consistenza di carattere di tutto il film, resta l’eredità
pedagogica della storia di questo ragazzo, e l’ennesima conferma di
quanto sia in grado di fare un giovane quando gli viene trasmesso
che è in gamba a prescindere da tutto. Oltre al fatto che, quando
nessuno ti capisce, devi trovare qualcuno che finalmente riesca a
farlo, e farti guidare da questi nei meandri delle strategie su
come stare al mondo.
La cosa bellissima della
storia di Mario Capecchi – ed è ammirevole che il
regista lo voglia trasmettere nelle scuole – è quanto semplicemente
faccia vedere che genio non nasce nessuno, anzi. Ma, a piccoli
passi, e anche con la possibilità di cadere più volte, lo si può
diventare eccome.
Dalla Cina, il nuovo gigante
dell’economia e della produzione agroalimentare, ai laboratori
della “food silicon valley” in Olanda, passando per le terre
contese delle popolazioni indigene in Brasile, alle minacce globali
per la salute umana e alle questioni etiche che stanno alla base
del nostro rapporto con la natura: One Earth -Tutto è connesso racconta storie
apparentemente distanti tra loro, rivelando paradossalmente come,
in questo immenso sistema che poggia su un fragile equilibrio, ogni
specifico fenomeno possa avere ripercussioni anche in altre parti
della Terra.
Gli allevamenti intensivi di
Guangzhou
Il viaggio di Francesco De
Augustinis parte dalla conformazione dicotomica di ogni
città della Cina, altissimi grattaciali simbolo del pieno boom
economico in cui il Paese si ritrova, contrapposti a quartieri
squallidi, nelle cui viuzze si tengono mercati in cui è possibile
trovare ogni cosa, soprattutto animali domestici e selvatici di
ogni genere, che vengono esposti e venduti. La genesi di One Earth comincia proprio qui, tra i mercati
nascosti di Wuhan, dove il corona-virus sta facendo un salto di
specie: sta passando da un animale all’uomo, il primo contagio
della specie umana di Covid-19 che avrebbe causato oltre 1 milione
e mezzo di vittime.
La troupe di Francesco di
Augustinis sta facendo un breve scalo a Wuhan, diretti a
Guangzhou, storicamente una delle capitali commerciali della Cina
meridionale, per condurre un’inchiesta sul cibo, in uno degli
allevamenti intensivi più tecnologici al mondo. La vera scoperta di
questo viaggio documentaristico avrà a che fare con una
consapevolezza rinnovata, di come le diverse attività industriali
condotte in una megalopoli possano innescare un meccanismo di
effetti a catena in tutto il mondo, portando un piccolo e
impercettibile avvenimento del mercato di Wuhan a farci soffermare
ulteriormente sul tema dell’aumento esponenziale del consumo di
carne e di come la crescita degli allevamenti intensivi stia
condannando noi e la Terra in maniera irreversibile.
Le conseguenze globali della
produzione zootecnica
Viste dall’esterno, non sembrano
nemmeno fattorie: sono blocchi di cemento, alti diversi piani,
nascosti in una sottospecie di grotta al centro di una montagna nel
cuore remoto della Cina. All’interno dei palazzoni di
Yangxiang si trova una produzione suina
iperintensiva, destinata a soddisfare la crescente domanda di carne
del popolo cinese. E’ intorno a questa struttura ipertecnologica,
simbolo del progresso umano, che si sviluppa una storia che
abbraccia i quattro continenti del pianeta e mostra come il sistema
alimentare mondiale stia compromettendo in modo irreversibile il
fragile equilibrio del pianeta e contribuendo alle attuali crisi
mondiali, come il cambio climatico, le epidemie e il crollo della
biodiversità.
L’obiettivo di One Earth– Tutto è connesso
e del team di Augustinis è quello di mostrare
l’urgenza di una ristrutturazione sistemica e totale, che vada a
contrastare i fenomeni dell’iperproduzione e dell’iperconsumo, che
attualmente esercitano un effetto cruciale sull’equilibrio del
pianeta. Le scelte individuali sono in questo senso molto
importanti, vuole suggerirci il documentario, ed è certamente
necessario educare le nuove generazioni al riguardo. Qualora
aumentasse esponenzialmente la fascia di persone disposte a fare
quotidianamente scelte biologiche, prima o poi le aziende dovranno
adeguarsi e l’opinione pubblica ne sarà influenzata, sostiene
Augustinis.
La suddivisione del film in capitoli
contribuisce a legittimare la denuncia di One Earth che, in maniera molto intelligente,
decide di basarsi sull’espressione dello stesso concetto da
prospettive contrastante, per fare emergere le diverse
sfaccettature di un tema oggi così delicato. E’ così che la
deforestazione, l’aumento delle epidemie e la perdita di accesso al
cibo per svariate fasce della popolazione mondiale convergono in un
unico documentario, capace di avvicinare a tematiche così attuali
anche i più giovani, grazie a una regia asciutta e che predilige la
veridicità dei fatti, piuttosto che un insensato
sensazionalismo.
Oggi più che mai siamo consapevoli
di vivere su un piccolo pianeta, dove ciò che accade in una foresta
dall’altra parte del mondo prima o poi ha ripercussioni anche sulla
nostra vita quotidiana. One Earth si prefigge di raccontare proprio
queste connessioni e, allo stesso tempo, denunciare le tante forme
di violenza alla base del modo insostenibile della nostra specie di
abitare la nostra unica casa.
In una recente intervista con
BuzzFeed, nell’ambito della
promozione di Lightyear
– La vera storia di Buzz, Chris
Evans ha dichiarato che il suo debito più grande come
attore lo deve a Robert Downey Jr., con cui ha
condiviso tante volte il set all’interno del Marvel Cinematic Universe.
Interpellato in merito a quale fosse
il collega dal quale ha imparato di più, Chris Evans non ha esitato
a dire che si tratta proprio di RDJ: “Probabilmente Downey.
Sai, lui ha visto un sacco di cose, ne ha passate tante, e ha un
talento enorme, saresti un folle a non ascoltare cosa ha da
dire!”
Lightyear
– La vera storia di Buzz, il lungometraggio
originale Disney e Pixar che segue il leggendario Space Ranger in
un’avventura intergalattica, arriverà il 15 giugno nelle sale
italiane. La nuova avventura d’azione racconta le origini di Buzz
Lightyear, l’eroe che ha ispirato il giocattolo di Toy
Story.
Lightyear
– La vera storia di Buzz è diretto da Angus
MacLane, regista vincitore dell’Annie Award e animatore veterano di
Pixar che ha co-diretto Alla
Ricerca di Dory del 2016, ed è prodotto da Galyn Susman
(il corto Toy Story: Tutto un altro mondo).
Il premiato compositore Michael
Giacchino, che ha firmato le musiche di The Batman e Spider-Man: No Way Home, comporrà la colonna sonora di
Lightyear – La vera storia di Buzz. Giacchino ha un
rapporto di lunga data con Pixar: ha vinto un Oscar, un Golden
Globe e un GRAMMY per la colonna sonora originale di Up.
Inoltre, la sua filmografia Pixar include, tra gli altri, Gli
Incredibili – Una “normale” famiglia di supereroi,
Ratatouille, Cars 2, Inside Out,
Coco e Gli Incredibili 2.
Il regista Taika
Waititi ha rivelato il motivo esilarante della scena di
Thor nudo in Thor: Love and Thunder.
Durante le sue apparizioni nel MCU, Chris
Hemsworth ha continuato a perfezionare il suo fisico,
in modo simile a Hugh Jackman quando interpretava
Wolverine nel franchise Fox. Tuttavia, dopo gli eventi di
Avengers: Infinity War e Avengers:
Endgame, Thor ha preso una brutta piega e il suo fisico
muscoloso è stato sostituito con una struttura più robusta,
dall’aspetto decisamente diverso. I trailer di Thor: Love
and Thunder hanno rivelato che Thor ha perso il suo peso
post-Endgame e ora sembra più grande e più forte di prima.
Durante l’attività stampa per
Lightyear – la vera storia di Buzz (tramite
ComicBook.com), Waititi ha
rivelato la ragione esilarante per cui ha scelto di mostrare Thor
nudo nel suo prossimo film.
“Sapevamo tutti che volevamo
farlo fin dall’inizio. In realtà era nella prima bozza della
sceneggiatura e anche Chris era d’accordo. Sai, penso che se tu
avessi un corpo come Chris… lo capisce anche lui. Sarebbe solo,
sarebbe uno spreco non mostrarlo. Sarebbe un crimine contro
l’umanità. Quindi, sai, devi provvedere alle masse.”
Thor: Love and
Thunder è il quarto capitolo sulle avventure del
Dio del Tuono nel MCU, ma ad impugnare
il Mjolnir stavolta sarà Jane
Foster, interpretata di nuovo daNatalie
Portman, come confermato sabato durante il panel
dei Marvel
Studios al Comic-Con. L’uscita nelle sale è fissata invece
al 6 Luglio 2022.
Il film segue Thor (Chris
Hemsworth) in un viaggio diverso da quelli affrontati
fino ad ora, alla ricerca della pace interiore. Ma il suo riposo è
interrotto da un killer galattico conosciuto come Gorr il
Macellatore di Dei (Christian
Bale), che cerca l’estinzione degli dei. Per
combattere la minaccia, Thor si affida all’aiuto di Valchiria
(Tessa
Thompson), Korg (Taika Waititi) e
dell’ex fidanzata Jane Foster (Natalie
Portman) che, con stupore di Thor, brandisce
inspiegabilmente il suo martello magico, Mjolnir, come Mighty Thor.
Insieme, intraprendono una sconvolgente avventura cosmica per
scoprire il mistero della vendetta di Gorr il macellatore di dei e
fermarlo prima che sia troppo tardi.
Taika Waititi tornerà alla regia di Thor: Love and
Thunder, un film dei Marvel Studios
dopo
Thor: Ragnarok, così come Chris
Hemsworth e Tessa
Thompson riprenderanno i rispettivi ruoli di Thor e
Valchiria dopo l’ultima apparizione in
Avengers: Endgame. Nel cast anche
Christian Bale nei panni del villain Gorr il
Macellatore di Dei, e
Russell Crowe in quelli di Zeus. L’ispirazione del
progetto arriva dal fumetto “The Mighty Thor”, descritto da Waititi
come “la perfetta combinazione di emozioni, amore, tuono e storie
appassionanti con la prima Thor femmina dell’universo“.