It:
Welcome to Derry (qui
la nostra recensione) è un adattamento televisivo dell’iconico
romanzo horror di Stephen King su un’entità demoniaca,
che assume la forma di un clown, che terrorizza i bambini di Derry,
nel Maine. La serie è un prequel dei film reboot di It e
ha debuttato su HBO il 26 ottobre.
Il finale scioccante dell’episodio 1 ha visto la maggior parte
della nuova banda di ragazzi, che si credeva destinata a diventare
il nuovo Losers Club, uccisa e divorata da un bambino demoniaco
assassino. La scena scioccante e straziante gioca con le
aspettative del pubblico e conferma che questa è una serie che
cerca di fare le cose in modo diverso.
Stando a quanto riportato da
EW, il bambino demone, nato da un’idea di Muschietti, è stato
progettato per giocare sulle paure dell’epoca, con la seconda
stagione ambientata nel 1962, con le conseguenze della Seconda
Guerra Mondiale ancora presenti, la crisi dei missili di Cuba
imminente e i rumori della Guerra Fredda. Il regista spiega che la
decisione è stata presa per evocare le paure di un attacco nucleare
e delle mutazioni legate al parto.
Egli menziona come ci fosse un
panico diffuso in tutto il decennio su questo tema e come il
bambino demoniaco assassino di It:Welcome
To Derry funga da allegoria di quelle paure che esistevano
già alla fine degli anni ’50. “Era molto importante
prestare attenzione alle paure dell’epoca. C’era un panico
piuttosto diffuso per gli attacchi nucleari e gli effetti delle
radiazioni e delle mutazioni durante il parto”.
“Ci sono tutte queste cose che
posso solo immaginare come sarebbe stato essere un bambino in
quegli anni, come la tua immaginazione sarebbe stata trasformata in
orrore molto rapidamente, non in senso positivo. Anche nella
cultura popolare, molti film horror della fine degli anni ’50 sono
molto legati all’orrore delle radiazioni“. Le serie TV e i
film sono un’ottima opportunità per esplorare temi e allegorie che
riflettono la vita reale, e Muschietti ha ragione quando afferma
che quell’epoca era piena di paura e sfiducia.
Esplorare questo tema attraverso il
genere horror è un ottimo modo per portare una nuova prospettiva e
aggiungere profondità e sfumature alla storia. Essendo una serie
prequel, It: Welcome to Derry ha molto
spazio per crescere e molta flessibilità per espandere la storia
precedente, oltre che per esplorare il personaggio di Pennywise.
Gli anni ’50 e ’60 sono stati un periodo di grandi turbolenze
geopolitiche e disordini culturali, e questo offre molte
opportunità per la narrazione allegorica.
Il romanzo di King è stato un’opera
così iconica nel genere horror che fornire un po’ più di
retroscena, aggiungendo consistenza, colore e luce alla storia e ai
suoi personaggi, è un ottimo modo per valorizzare ciò che è venuto
prima e contribuire a migliorare il capolavoro di King. La serie ha
quindi l’opportunità di affermarsi come opera a sé stante, elevando
al contempo i suoi predecessori. Il fatto che Muschietti abbia
chiaramente riflettuto sul periodo storico e abbia cercato di
garantire che la serie e i suoi temi fossero in linea con esso
significa che It: Welcome to Derry ha ottime
possibilità di sorprendere il proprio pubblico.
The Last
Witch Hunter 2 ha ora ufficialmente un titolo e una
data di uscita, grazie a un sorprendente aggiornamento di Vin Diesel. Uscito nel 2015, The Last Witch Hunter vede Diesel nei panni di
Kaulder, un ruolo che ha recentemente confermato di voler
riprendere, nonostante il film originale abbia avuto scarsi
successi sia di critica che di pubblico. “Dieci anni!”
scrive Diesel nella didascalia di un suo post Instagram. “Dieci anni
fa, in questo fine settimana, Kaulder è stato presentato per la
prima volta… quest’anno lo avete resuscitato…”
Il post di Diesel include diverse
immagini di se stesso, tra cui due in cui indossa il costume di
Kaulder e posa con una spada. Nel post è poi riportato “The
Lion’s Oath” (Il giuramento del leone)
e 2026, ovvero titolo e anno di uscita del
film. La conferma che The Last Witch Hunter 2
sarà realizzato è piuttosto sorprendente, vista l’accoglienza
riservata al primo film. Il fantasy d’azione del 2015 è stato quasi
universalmente stroncato dalla critica e ha ottenuto un misero 17%
su Rotten Tomatoes.
La risposta del pubblico è stata
nel migliore dei casi contrastante, con un punteggio Popcornmeter
del 44%. Questa mancanza di entusiasmo da parte del pubblico e
della critica si è riflessa anche al botteghino. Realizzato con un
budget stimato di circa 90 milioni di dollari, il film ha incassato
solo 146,9 milioni di dollari in tutto il mondo. Secondo la
tradizionale regola empirica di Hollywood, il punto di pareggio
sarebbe stato di circa 225 milioni di dollari, rendendo il film un
fallimento commerciale. Il fatto che Lionsgate abbia comunque
confermato The Last Witch Hunter 2 dimostra la
popolarità del film come scelta per la visione domestica negli
ultimi 10 anni.
Quando a settembre è stato
confermato che il sequel era in fase di sviluppo, il presidente
della Lionsgate Motion Picture Group, Adam Fogelson, lo ha
sostanzialmente confermato:
“The Last Witch Hunter è
cresciuto dal suo lancio nelle sale fino a diventare uno dei film
preferiti dai fan di tutto il mondo, con un pubblico che ha
continuato a scoprirlo e a rivederlo su ogni piattaforma negli
ultimi dieci anni. Questo entusiasmo duraturo ha chiarito che c’è
voglia di altre storie ambientate in questo mondo. Vin e io abbiamo
collaborato molte volte nel corso degli anni, ed è una vera forza
nel nostro settore. Sono entusiasta di riunirmi a lui nel suo
ritorno a questo ruolo iconico, ed emozionato dal fatto che i
progressi nella tecnologia cinematografica ci consentano ora di
realizzare in modo economico un sequel su scala ancora più
ambiziosa”.
Il commento di Fogelson accenna
anche al budget del sequel, rivelando apparentemente che
The Lion’s Oath non avrà un costo di 90 milioni di
dollari come l’originale. Le cifre effettive del budget, tuttavia,
non sono ancora state rese note. Non è chiaro come il sequel
continuerà la storia dopo il
finale di The Last Witch Hunter, ma è stato
riferito che Michael Caine uscirà dal pensionamento per
riprendere il ruolo del 36° Dolan, un sacerdote e alleato chiave
nella lotta di Kaulder contro le streghe. Caine, 92 anni, aveva
precedentemente annunciato il suo ritiro nell’ottobre 2023.
Non è ancora chiaro se anche altri
attori secondari del primo film, come Rose Leslie
o Rena Owen, torneranno sul set. Con The
Last Witch Hunter 2 in arrivo il prossimo anno, la
produzione dovrebbe iniziare nel prossimo futuro. Il pubblico può
probabilmente aspettarsi che il sequel arrivi alla fine dell’anno,
e nei prossimi mesi dovrebbero emergere una data definitiva e
informazioni sulla trama e sul cast.
L’episodio finale di
Task
(qui
la nostra recensione della serie) conclude in modo intenso e
commovente la storia di
Tom
e
Robbie,
protagonisti di questa miniserie crime di HBO. La serie, iniziata
come un classico gioco del gatto e del topo tra il
Tom dell’FBI (Mark
Ruffalo)
e il
criminale Robbie (Tom Pelphrey),
si trasforma progressivamente in un dramma psicologico
sull’emotività e sul trauma dei personaggi, più che su una semplice
caccia al colpevole.
All’inizio, Robbie comincia a
rapinare le case della gang dei Dark Hearts per
attirare l’attenzione di Jayson, il membro del
gruppo che aveva ucciso suo fratello Billy. La sua
sete di vendetta lo rende imprudente, e la situazione degenera
rapidamente. Intanto, anche i suoi inseguitori — l’FBI e gli stessi
Dark Hearts — sono in crisi interne, distratti dai propri
conflitti.
Dall’altra parte,
Tom, agente dell’FBI, appare capace ma
psicologicamente distrutto: il suo figlio adottivo
Ethan ha ucciso la madre, Susan, durante
un episodio psicotico. Oltre al dolore familiare, Tom scopre che un
membro della sua stessa task force sta passando informazioni ai
Dark Hearts, fatto che porta alla morte di Lizzie
e dello stesso Robbie.
Le azioni di Robbie mettono in
ginocchio i Dark Hearts, che cominciano a crollare dall’interno. Il
boss Perry, che considera Jayson come un figlio,
fa di tutto per recuperare la droga rubata, ma nasconde un
terribile segreto: è stato lui a uccidere sua moglie,
Eryn. Quando Jayson scopre la verità, la loro
relazione “padre-figlio” implode, trascinando entrambi verso una
tragica fine.
Nel finale, tutte le tensioni
convergono. Con Robbie morto, Jayson decide di
vendicarsi prendendo di mira Maeve, la figlia di
Perry. Grasso, l’agente corrotto che aveva tradito
Tom, scopre i piani di Jayson e, nonostante sia ferito, cerca di
impedirgli di colpire ancora donne innocenti. Tom e
Aleah arrivano sul posto, e ne segue un violento
scontro a fuoco. Tuttavia, il cuore dell’episodio non è l’azione,
ma le conseguenze emotive di ciò che è
accaduto.
Durante tutta la serie, Tom è
tormentato dalla morte della moglie per mano del figlio. Non riesce
a visitare Ethan in prigione e non sa come affrontare l’imminente
udienza di condanna. Il suo intervento in aula potrebbe ridurre la
pena del ragazzo, ma non sa se se la sente di perdonarlo.
Dopo la disfatta della sua squadra
e la caduta dei Dark Hearts, Tom inizia a cambiare prospettiva. Il
pentimento di Grasso e la decisione di
accogliere Sam, il bambino rimasto orfano a causa
di Robbie, lo aiutano a ritrovare una forma di pace. Prendersi cura
del piccolo e vedere sua figlia coinvolta nel processo di
guarigione lo spingono ad affrontare il proprio dolore.
Alla fine, Tom riesce a
perdonare Ethan. In tribunale, dichiara che sarà lì ad
accoglierlo quando verrà rilasciato. È un momento dolceamaro, che
suggella il suo percorso emotivo. Poco dopo, arriva anche la
notizia che Sam ha trovato una famiglia adottiva
stabile.
Tom è combattuto all’idea di
lasciarlo andare: vorrebbe adottarlo, come aveva fatto con Ethan.
Tuttavia, l’amico Daniel gli fa notare che sarebbe
una scelta egoistica: quando Ethan tornerà a casa, avrà bisogno
dell’attenzione totale del padre, mentre Sam merita genitori che
possano offrirgli tutto. Con grande dolore, Tom sceglie il
bene del bambino, rinunciando a lui.
Il sacrificio di Robbie e la
rinascita di Maeve
L’altra metà del finale ruota
intorno a Robbie e alle conseguenze delle sue
azioni. Dopo la sparatoria nella casa di Maeve, Tom trova la
borsa di denaro lasciata da Robbie. Capisce subito
la provenienza del denaro — frutto dei furti ai Dark Hearts — ma
quando riferisce al suo superiore, dichiara di non aver
trovato nulla.
Non vediamo mai la scena in cui Tom
consegna i soldi a Maeve, ma il finale la mostra mentre
prepara i bambini e lascia la casa paterna,
diretta in Canada per ricominciare una nuova vita,
proprio come Robbie aveva desiderato.
È ironico: Tom e Robbie erano su
fronti opposti, ma i loro gesti — il perdono e il sacrificio —
permettono a Maeve di liberarsi dal passato. Il padre criminale e
il cugino fuorilegge non potranno più nuocerle, e la giovane può
finalmente ricominciare. Il messaggio è chiaro: una sola
scelta giusta, anche in mezzo a tante sbagliate, può ancora portare
luce.
Grasso e la redenzione
Nel corso della serie, si scopre
che Grasso era la talpa nell’FBI, e che passava
informazioni ai Dark Hearts in cambio di denaro. Il suo obiettivo
era pagare la casa della sorella e garantire un
futuro ai suoi nipoti. Era un crimine, ma lo giustificava come “un
male necessario”.
Dopo la morte di
Lizzie, Grasso perde ogni giustificazione morale e
decide di costituirsi. Prima che possa farlo,
però, i Dark Hearts — attraverso il suo capo corrotto — tentano di
eliminarlo. Gravemente ferito, riesce comunque a raggiungere la
casa di Maeve e salvarla, sacrificandosi per
redimersi.
In ospedale, Tom lo va a trovare.
Grasso cerca perdono o punizione, ma Tom non gli
concede né l’uno né l’altra. Gli dice solo che nessuno potrà mai
giudicarlo più duramente di quanto lui giudichi sé stesso. È una
scena di silenzioso perdono morale, che sottolinea
quanto la colpa e il rimorso siano centrali nel racconto.
Le morti di Jayson e
Perry
I principali antagonisti,
Jayson e Perry, rappresentano il cuore marcio dei
Dark Hearts. Tutto parte da Jayson, che scopre che la moglie
Eryn ha una relazione con Billy, fratello di
Robbie, e lo uccide brutalmente. Da quel momento, diventa il
bersaglio di Robbie e di Eryn stessa.
Perry, mentore di
Jayson e figura paterna, cerca di ripulire il caos e salvare il suo
“figlio” dalla rovina, ma finisce per uccidere
Eryn per impedirle di parlare. Non sa, però, che la donna
aveva preso la sua collana con le iniziali, che lo
incrimina. Scoperta la verità, Jayson uccide
Perry, ma prima di morire, l’uomo lo avverte che i nemici
stanno arrivando. Jayson fugge, solo per essere ucciso da
Grasso poco dopo. Nessuno dei due sopravvive ai propri
errori, chiudendo il ciclo di violenza che avevano iniziato.
Il significato profondo di
Task
Il finale di Task riporta
l’intera serie al suo tema centrale: la psicologia del
crimine e il modo in cui il male si radica nelle relazioni
familiari. Come in Mare of Easttown (del medesimo autore,
Brad Ingelsby), non conta solo cosa accade, ma
perché accade: perché Robbie diventa un ladro,
perché Ethan uccide la madre, perché Grasso tradisce.
La serie indaga le ferite
ereditarie, mostrando come i traumi passino da genitori a
figli. Tom è diviso tra l’amore e l’orrore per il figlio omicida;
Maeve soffre per i crimini del padre; Sam cresce in un ambiente
criminale; i figli di Robbie portano il peso delle sue scelte.
Persino Perry e Jayson condividono un rapporto padre-figlio
distorto.
Il messaggio finale è che il trauma
non può essere cancellato, ma può essere
interrotto. Tom perdona Ethan e rinuncia a Sam per
amore. Robbie muore, ma lascia a Maeve la possibilità di una nuova
vita. Grasso paga per i suoi peccati cercando di salvare un
innocente.
Nessuno ottiene un lieto fine
perfetto: Maeve è ancora troppo giovane per fare la madre, Sam non
dimenticherà mai il suo passato, Tom vivrà per sempre con il peso
della morte di Susan, e Grasso resterà segnato dal rimorso. Ma in
mezzo al dolore, Task mostra la bellezza del
riscatto, e la possibilità di costruire un futuro migliore
nonostante le cicatrici.
Dogman(qui
la recensione) è il film di Luc Besson,
presentato in anteprima al Festival del Cinema di Venezia 2023, in
cui si combinano drag queen, cani e violenza. Il film è guidato da
uno spettacolare Caleb Landry Jones, ora protagonista per
Besson anche di Dracula –
L’amore perduto(attualmente al cinema). L’attore
ha un talento straordinario nel suscitare inquietudine e disagio e
sa come tenere lo spettatore con il fiato sospeso. Il film attinge
a questo particolare talento in modi che tendono alla
prevedibilità, ma Jones rende con tocchi emotivi finemente
calibrati che garantiscono una performance ricca di sorprese, fino
ad un finale molto emotivo.
La trama
di Dogman
Dogman inizia con
la polizia che ferma un camion. L’ambientazione è il New Jersey. Al
telegiornale si parla di un uomo armato sulla trentina scomparso e
ancora in libertà. La donna alla guida è riluttante a scendere, ma
si scopre che si tratta di un uomo travestito, imbrattato di
sangue. Viene portato in un centro di detenzione. Nonostante i
ripetuti interrogatori, non è disposto a parlare. Viene chiamata
una psicologa. La dottoressa Evelyn Decker (Jojo T.
Gibbs) arriva al centro, piuttosto irritata per essere
stata convocata a un’ora così scomoda.
È una madre single il cui marito
spesso la perseguita nel quartiere nonostante un’ingiunzione del
tribunale che gli impone di mantenere le distanze. È a Decker che
la persona rivela la sua lunga e tormentata storia. Douglas, o Doug
come si fa chiamare (Caleb
Landry Jones), ha avuto un’infanzia difficile.
Attraverso flashback elaborati, estesi e leggermente distorti,
apprendiamo che suo padre era un addestratore di cani che spesso li
faceva digiunare per prepararli ai combattimenti. Suo padre era
violento e brutale, e non si tratteneva mai dal picchiare la moglie
che non si lamentava mai.
Caleb Laundry Jones in Dogman
Il fratello di Doug, Richie,
cercava di ingraziarsi il padre per stare nelle sue grazie e non
subire la sua ira. Doug aveva una propensione per i cani
maltrattati e infelici, che nutriva segretamente con bocconi di
cibo. Richie se ne accorse e lo riferì al padre, che si infuriò e
chiese a Doug se amasse i cani più della sua famiglia. Doug rispose
affermativamente e fu immediatamente rinchiuso nella gabbia con i
cani. Il padre dichiarò che da quel momento in poi quella sarebbe
stata la sua residenza. Il film passa a un’altra linea temporale
che ci mostra Douglas in un glorioso travestimento a casa sua,
circondato da un esercito di cani.
Un timido Juan (Michael
Garza) bussa alla porta e gli racconta delle imprese di
una banda guidata da El Verdugo (John Charles
Aguilar), che ha chiesto il pizzo ai proprietari dei
negozi. Anche Martha, l’amata lavandaia di Doug, è stata
intimidita, ma non ha i soldi, quindi Juan è venuto per conto suo
in cerca di aiuto. Doug manda immediatamente un cane che porta un
telefono a El Verdugo. In una scena comicamente assurda, il cane si
scaglia sui testicoli dell’uomo mentre Doug esige un accordo per
non dare più fastidio a Martha. Messo alle strette, il ragazzo
accetta, ma nutre un desiderio di vendetta, che viene tenuto a bada
fino al climax.
Come fa Doug a scappare dalla
gabbia?
Doug ha imparato quasi tutto quello
che sa dai giornali di moda e dalle riviste femminili che si
trovano ammucchiati nelle fessure della gabbia. Un giorno, una
delle cagne partorisce dei cuccioli. Richie se ne accorge e corre
di nuovo a dirlo a suo padre. Mentre Doug protesta, il padre spara,
colpendo il ragazzo. Doug, ferito, uccide uno dei cani con un pezzo
di dito mozzato. Il cane guida abilmente i poliziotti alla casa. Il
padre e il fratello vengono rinchiusi in prigione. Doug perde la
mobilità perché il proiettile gli ha colpito la spina dorsale.
Potrebbe alzarsi e provare a camminare, ma questo aumenterebbe solo
la possibilità di morire.
Doug passa attraverso una serie di
case di riposo, ma non riesce a fare amicizia con nessuno, tranne
che con una insegnante alle prime armi, Salma (Grace
Palma). Salma lo introduce a Shakespeare e al piacere
della recitazione, aiutandolo a vedere il potere del travestimento,
in particolare come esso possa avere un potenziale liberatorio
quando lui è scontento del proprio aspetto. Doug è infatuato di lei
e spera di dichiararle il suo amore quando Salma parte
improvvisamente per perseguire le sue aspirazioni di attrice. Doug
segue intensamente la sua carriera e dopo molti anni riesce
finalmente ad assistere a una delle sue esibizioni a Broadway. Non
si aspetta che lei si ricordi di lui, ma così è.
Lei è entusiasta di vederlo e per
un breve momento lui accarezza la possibilità di esprimere il suo
amore. Le sue speranze vengono brutalmente infrante quando lei gli
presenta il suo compagno. Devastato, torna dai suoi cani. Il
rifugio per cani che gestisce riceve l’ordine di chiudere a causa
dei tagli al bilancio statale. Prende i cani con sé e si sistema in
una casa fatiscente nascosta alla vista. Doug va in giro alla
ricerca di un lavoro e finisce in uno spettacolo di drag queen.
Ottiene un ingaggio settimanale per esibirsi, interpretando Edith
Piaf e cantando in playback una serie di canzoni classiche. Doug
inizia anche a pianificare rapine in case ricche con i suoi cani,
definendole una ridistribuzione della ricchezza.
La spiegazione del finale del
film: cosa accade a Doug?
Doug continua la sua serie di furti
per un po’, ma un poliziotto attento rileva la traccia dei
collegamenti tra i cani nella serie di rapine denunciate. Il
poliziotto arriva nella sua stanza, con l’intenzione di arrestarlo,
ma i cani di Doug lo fanno a pezzi. Doug è ulteriormente turbato
dalla ricomparsa di El Verdugo e dei suoi scagnozzi, che si
intrufolano nel suo alloggio, facendo piovere proiettili. Ancora
una volta, l’esercito di cani combatte con tenacia, orchestrando un
complesso meccanismo per annientare tutti.
Doug riesce a ucciderli tutti, ma
alla fine viene arrestato dalla polizia, ricollegandosi all’inizio
del film. I cani sono stati il suo sostegno costante e la sua arma
più potente, ma Doug capisce che è giunto il momento di andarsene,
accettando finalmente la sua vulnerabilità e affidandosi a Dio
mentre si alza in piedi, con il dolore che alla fine lo schiaccia a
morte. Nel finale, dunque, il protagonista sembra morire, ma come
sempre, i suoi cani rimangono al suo fianco. Nel mentre, però, Doug
ha inviato uno dei suoi cani a fare da guardia a Evelyn Decker,
dimostrando di aver sviluppato un affetto nei suoi confronti.
Cosa ci lascia il film Dogman
Dogman lascia allo
spettatore un messaggio potente e ambivalente, sospeso tra
redenzione e disperazione. Attraverso la figura tragica di Doug,
Besson costruisce un racconto sulla solitudine, sull’abuso e sulla
ricerca di amore in un mondo che emargina chi è diverso. I cani
diventano metafora di lealtà e salvezza, ma anche di un istinto
ferino che sfocia nella violenza. Il film riflette su come la
crudeltà subita possa trasformarsi in giustizia distorta e sul
confine sottile tra vittima e carnefice. Alla fine,
Dogman ci ricorda che la compassione resta l’unica
vera forma di libertà.
Il creatore di The Boys,
Eric Kripke, ha
spiegato come il finale della seconda stagione di Gen V getti le
basi per la stagione 5 della serie principale. Il finale di Gen
V 2 mostra Marie e le sue amiche che incontrano di
nuovo Starlight, la quale chiede loro se vogliono unirsi
alla resistenza contro Homelander e
Vought. Tra i possibili membri figurano anche
A-Train e altri supereroi.
Kripke ha commentato:
“Stanno [giocando] una parte
importante. Parte del divertimento nel concludere la seconda
stagione in questo modo è che possiamo davvero apparecchiare la
tavola per la quinta stagione, dove ora esiste una resistenza
attiva e in crescita guidata da Starlight, di cui A-Train è una
parte fondamentale. stanno davvero cercando di riportare la lotta a
Homelander e a questo genere di governo fascista. Allo stesso
tempo, però, lavoriamo ancora sodo per mantenere l’equilibrio:
The
Boys è su The Boys, e Gen V è su Gen V. I
personaggi offrono un aiuto cruciale, ma resta comunque una storia
su The Boys, e si può guardare senza aver visto Gen V e viceversa.
Ma guardarle entrambe è comunque un’esperienza molto più
divertente.”
Riguardo al futuro dello spin-off,
Kripke ha ribadito che ci sono piani per una terza stagione
di Gen V. Ha aggiunto che il finale di
The
Boys lascerà la porta aperta per un ritorno
dei protagonisti dello spin-off, ma che tutto dipenderà dagli
ascolti su Prime Video:
“Non trattiamo nella quinta
stagione di The Boys la fine di Gen V. Li lasciamo con un
finale aperto, perché in realtà abbiamo ancora altre storie di Gen
V da raccontare, e ci piacerebbe farlo. Dipende dagli ascolti e da
quante persone finiranno per guardarla. Dobbiamo fare in modo che
Amazon ci rinnovi per un’altra stagione.”
Kripke ha poi anticipato
quanto sarà difficile la battaglia finale contro
Homelander, nonostante i molti alleati che i protagonisti
riusciranno a raccogliere:
“Ci sono molte persone in fila
che vogliono prenderlo a schiaffi (ride). Ovviamente Butcher è in
testa a quella fila. Ma ci sono anche stan Edgar, Marie, Annie,
Huey. Stanno cercando di organizzare una vera controffensiva, ma
sono anche in inferiorità numerica e di armi. Vivono in un intero
paese che ha bevuto la bibita di Homelander. Sono sopraffatti dal
numero di centinaia di supereroi sparsi in ogni città del paese, a
cui è stata data autorità sulla polizia. Quindi è davvero una vera
resistenza clandestina contro un governo fascista, che ovviamente
non ha alcun paragone o parallelo con nulla che stia accadendo in
qualsiasi parte del mondo.”
Dalle sue dichiarazioni emerge che
il cast di Gen V avrà un ruolo significativo nella
stagione 5 di The
Boys, anche se non sarà centrale. Questo
prosegue la connessione già stabilita tra le due serie, come
l’introduzione del virus dei superumani in Gen
V poi ripreso nella quarta stagione di The Boys.
La stagione 5 dovrà anche
aggiornare il pubblico su ciò che è accaduto a
Sam e Cate, che alla fine di Gen V 2
sembravano redenti, ma che nella serie principale erano stati visti
mentre rapivano Frenchie e Kimiko, evento ancora
irrisolto.
I commenti di Kripke sollevano
anche la questione di quanto la storia di Gen V
sarà intrecciata con quella di The Boys – Stagione
5. L’implicazione di Sage con
l’università di Godolkin prima della sua morte potrebbe creare un
conflitto con Homelander, a seconda di quanto le due narrazioni
saranno collegate. Tuttavia, Kripke riconosce che questo intreccio
potrebbe risultare confuso per gli spettatori che non seguono
entrambe le serie.
In ogni caso, tutto lascia pensare
che la quinta stagione di The
Boys sarà un finale
trionfale per la serie madre, pur lasciando aperta
la possibilità di nuove storie con i protagonisti di
Gen V. Anche se la
terza stagione dello spin-off non è ancora confermata, è
rassicurante sapere che il finale sospeso della seconda
stagione troverà una forma di risoluzione,
indipendentemente dal futuro dello spin-off.
Sono arrivate le prime reazioni a
Wicked – Parte 2. Il
primo film è stato un enorme successo di critica e di pubblico,
incassando 756 milioni di dollari in tutto il mondo e ricevendo un
punteggio Tomatometer dell’88% e un punteggio Popcornmeter del 95%.
La trama di questo sequel adatta ora la seconda metà del musical
originale di Broadway e offre un finale emozionante alle vicende di
Elphaba (Cynthia Erivo), Glinda (Ariana
Grande-Butera), Fiyero (Jonathan Bailey),
il Mago di Oz (Jeff
Goldblum), Nessarose (Marissa Bode) e
Madame Morrible (Michelle
Yeoh).
Ora, le prime reazioni al film
stanno facendo scalpore sui social media, con molti dei primi
spettatori impressionati e commossi da ciò che hanno visto.
Jazz Tangcay di
Variety dichiara che il film “supera tutte
le aspettative”, è “pura grandezza musicale” e
definisce il regista Jon M. Chu un
“genio” per come conclude la storia. Sottolinea inoltre la
forza della costruzione del mondo, dei costumi e della fotografia
di Alice Brooks.
Rebecca Ford di
Vanity Fair sottolinea che Wicked –
Parte 2 è “splendido, pieno di cuore e perfetto”,
perché Chu “ce l’ha fatta di nuovo!”. @MrDavidGordon
elogia invece il film definendolo “tutto ciò che si può
desiderare”, grazie al suo approccio “estremamente
emotivo” e “ricco di emozioni”. Lo descrive anche
come “straziante” e “sexy”. @kkassal
afferma che guardare Wicked – Parte 2 con i membri
del cast originale di Broadway è “qualcosa che non dimenticherò
mai” e incoraggia il pubblico a “portare i
fazzoletti” dopo la performance da Oscar di Grande-Butera.
@DestinyDreadful proclama che il
film consolida Elphaba e Glinda come “una delle amicizie più
dinamiche nella storia della cultura pop”. Lo descrive anche
come “una conclusione epica e straziante” e anticipa che i
fan di Broadway troveranno molto da amare nell’adattamento.
@christress
sottolinea che Erivo e Grande-Butera “portano le loro
interpretazioni a un livello superiore con performance
sbalorditive”, oltre a elogiare il film per come “amplia e
approfondisce il materiale originale in modi generalmente
entusiasmanti e innovativi”.
Queste reazioni indicano che
Wicked – Parte 2 non
solo è all’altezza delle recensioni di Wicked, ma potrebbe persino
essere superiore al suo predecessore. Il sequel sembra aver
raccolto la sfida delle aspettative straordinariamente alte e aver
soddisfatto profondamente il pubblico. Oltre a consolidare il
successo di critica e di pubblico del primo film, le prime reazioni
fanno ben sperare per le possibilità di Erivo e Grande-Butera agli
Academy
Awards. Entrambe hanno ricevuto nomination per Wicked,
Erivo nella categoria Migliore attrice e Grande-Butera nella
categoria Migliore attrice non protagonista, ma nessuna delle due
ha vinto.
Questa volta, Erivo o Grande-Butera
potrebbero aggiudicarsi un Oscar. Oltre alle loro già apprezzate
interpretazioni, nel film eseguono le canzoni iconiche di Wicked – Parte 2, tra cui
“For Good” e “No Good Deed”. Erivo e
Grande-Butera eseguiranno anche brani inediti per il musical, con
“No Place Like Home” di Elphaba e “The Girl in the
Bubble” di Glinda.
Con molteplici reazioni che
sottolineano come Wicked – Parte 2 valorizzi
fedelmente il musical di Broadway, le nuove canzoni di Elphaba e
Glinda sembrano essere una tra le serie di cambiamenti che gli
spettatori dovrebbero aspettarsi. Questi cambiamenti hanno finora
riscosso successo presso il pubblico e il sequel è pronto a
diventare ancora una volta un successo al botteghino che riscuote
il favore della critica e del pubblico in generale.
Hedda (qui
la nostra recensione) è un film drammatico e
intimo che esplora la distruttiva complessità emotiva della
protagonista, Hedda, interpretata da
Tessa Thompson. Basato sul classico di Henrik Ibsen
Hedda Gabler, il film è ambientato nell’Inghilterra della
metà del XX secolo, durante una sontuosa festa organizzata da Hedda
nella sua residenza di famiglia. Sotto la superficie di eleganza e
raffinatezza, si nasconde un intreccio di manipolazioni, gelosie e
tradimenti, che culminano in un finale ambiguo e malinconico.
Il motore principale della storia è
la relazione tormentata tra Hedda e la sua ex amante
Eileen, ora legata sentimentalmente e
professionalmente a Thea, e in competizione con il
marito di Hedda, George, per un prestigioso
incarico accademico. Il conflitto tra Hedda ed Eileen si concentra
simbolicamente intorno al manoscritto di
quest’ultima — un’opera che rappresenta il suo talento, la sua
carriera e la sua identità. In un gesto di rabbia, gelosia e
disperazione, Hedda ruba e brucia il manoscritto, un atto che
racchiude i molteplici aspetti della sua personalità: l’amante
respinta, la donna frustrata e la manipolatrice calcolatrice.
Da un lato, il gesto è un tentativo
di favorire il marito George, garantendogli il
posto ambito e quindi una maggiore sicurezza economica per la
coppia. Dall’altro, è una vendetta personale nei
confronti di Eileen, che Hedda inganna facendole credere di aver
perso il proprio lavoro per distrazione. In questo modo, Hedda non
solo sabota la carriera di Eileen, ma ne distrugge anche la
relazione con Thea, spingendola verso il crollo psicologico.
La profonda insicurezza di
Hedda
Dietro la crudeltà dei suoi atti si
cela però una profonda insicurezza. Hedda, pur
appartenendo all’alta società, è priva del rispetto e del
riconoscimento che invece Eileen ottiene nel mondo accademico,
dominato dagli uomini. Mentre Eileen, pur subendo discriminazioni,
riesce a imporsi come interlocutrice alla pari, Hedda è considerata
una figura decorativa, un’ospite affascinante ma marginale. Questa
mancanza di considerazione è simboleggiata dal
giudice Roland Brack, vecchio amico di famiglia
che vede Hedda non come una persona, ma come un trofeo da
conquistare.
La protagonista si muove così
nell’ombra, tramando e mentendo, tentando di controllare gli altri
come unico modo per affermare la propria presenza. Tuttavia, la sua
vita è segnata da una profonda solitudine e da un
senso di impotenza che la spinge a contemplare più volte il
suicidio, rappresentato visivamente dal lago in cui la donna sembra
voler trovare pace.
Parallelamente, anche
Eileen è un personaggio tragico. La sua forza e il suo intelletto
la rendono rispettata, ma la sua vita è minata da
insicurezze, dipendenze e solitudine. Pur avendo
conquistato uno spazio nel mondo accademico, Eileen non trova la
felicità: è intrappolata tra il desiderio di stabilità e il peso
del passato con Hedda. Le due donne sono legate da un amore
represso che si trasforma in odio e competizione. Nessuna riesce a
essere sincera con l’altra o con sé stessa; i loro incontri sono
costellati di provocazioni e ferite emotive reciproche, fino al
punto di rottura.
La perdita del manoscritto porta
Eileen alla disperazione e a un tentativo di suicidio
accidentale. Nel frattempo, Hedda vede sgretolarsi il
proprio mondo: il marito George, mosso da compassione, decide di
aiutare Thea a riscrivere l’opera di Eileen, anche a rischio della
loro sicurezza economica. Questo gesto di altruismo infrange
definitivamente la maschera di controllo di Hedda, mostrandole la
possibilità di un’etica diversa dalla vendetta e dall’egoismo.
A peggiorare la situazione,
il giudice Brack minaccia di svelare le manipolazioni di
Hedda, lasciandola senza via d’uscita. In preda al panico
e alla vergogna, Hedda fugge verso il lago, dove sembra voler porre
fine alla propria vita. Tuttavia, un ultimo barlume di speranza si
accende quando apprende che Eileen è
sopravvissuta: la possibilità di un riscatto, seppur
tenue, lascia il finale aperto a un’interpretazione più
sfumata.
Nel complesso, Hedda è un
film che indaga la distruttività delle passioni
represse e il modo in cui il potere, il privilegio e
l’amore negato possono corrodere l’animo umano. Attraverso la sua
protagonista, il film mostra come l’intelligenza e l’indipendenza,
in un contesto sociale che le soffoca, si trasformino in
autodistruzione e cinismo. Hedda incarna l’essenza
della tragicità moderna: una donna consapevole della propria
infelicità, ma incapace di sfuggirvi, prigioniera delle stesse
dinamiche che tenta di controllare.
Alla fine, la storia non offre
redenzione piena: rimane solo la consapevolezza del
danno — a sé stessa, a Eileen e a tutti coloro che l’hanno
circondata. Hedda è dunque una riflessione potente
sull’orgoglio, sulla gelosia e sull’impossibilità di conciliare il
desiderio di libertà con le convenzioni sociali.
Si vocifera che una delle stelle
nascenti di Hollywood interpreterà un ruolo fondamentale in
James
Bond 26, e l’attrice in questione ha finalmente rotto
il silenzio sulle indiscrezioni. Mentre l’era di Daniel Craig nei panni di 007 è giunta al
termine, l’iconica spia sta per entrare in una nuova fase, con
Amazon MGM Studios che diventa la nuova casa della serie di James
Bond. Ora, in un nuovo articolo di Variety, a Sydney Sweeney è stato chiesto se potesse
commentare le voci secondo cui sarebbe stata presa in
considerazione per diventare la prossima Bond girl nel prossimo
film di Amazon.
Tuttavia, invece di rispondere
semplicemente sì o no alla domanda, Sweeney ha dato la seguente
risposta: “Non posso. Non lo so. Ad essere sincera, non conosco
tutte le voci su Bond, ma sono sempre stata una grande fan della
serie e sono entusiasta e curiosa di vedere cosa ne faranno”.
Pur rimanendo riservata sul suo presunto coinvolgimento, la rivista
ha chiesto alla star di Euphoria se fosse interessata a partecipare a
Bond 26. Sweeney ha sottolineato: “Dipende dalla sceneggiatura.
Penso che mi divertirei di più nei panni di James Bond“.
Una tradizione decennale della
serie è l’aggiunta regolare di una nuova Bond Girl, la maggior
parte delle quali appare solo una volta. Tra le precedenti Bond
Girl figurano Denise Richards, Halle Berry, Michelle Yeoh, Famke Janssen, Teri Hatcher
ed Eva Green. Amy Pascal e
David Heyman sono pronti a guidare la serie
attraverso le loro case di produzione, Pascal Pictures e Heyday
Films. Il 25 giugno 2025 è stato confermato che Denis
Villeneuve, regista di Dune e Dune – Parte Due, dirigerà Bond 26,
la cui sceneggiatura è stata scritta da Steven
Knight.
Ottenere un ruolo al fianco del
nuovo James Bond sarebbe un’altra importante spinta alla carriera
della Sweeney, anche se l’attrice sta già ottenendo più ruoli che
mai. Tuttavia, non è chiaro se Bond 26 manterrà la pratica di
ingaggiare nomi già affermati. Il settore ha notato che
Jeff Bezos di Amazon sarebbe molto interessato a
vedere la ventottenne Sweeney nel cast di Bond 26, aggiungendo:
“Lei ha partecipato al suo matrimonio con Lauren Sánchez a
giugno, e i tre sono tangenzialmente in affari insieme nella nuova
linea di lingerie di Sweeney”, quindi non è escluso che possa
esserle fatta un’offerta.
Quentin Tarantino torna ufficialmente alla recitazione
per il suo ruolo più importante in quasi trent’anni. Sebbene il
regista due volte vincitore dell’Oscar sia apparso in molti dei
suoi film nel corso degli anni, tra cui il suo debutto alla regia
Le iene (1992), Pulp Fiction (1994) e Django Unchained (2012), il suo ultimo ruolo da
protagonista è stato in Dal tramonto all’alba (1996),
diretto dal suo caro amico Robert Rodriguez, di cui Tarantino è
anche co-autore.
Ora, secondo Variety, Quentin Tarantino reciterà nel prossimo
film di Jamie Adams, Only What We Carry, al fianco di
Simon Pegg, Charlotte Gainsbourg, Sofia Boutella, Liam
Hellmann e Lizzy McAlpine. Il film è stato girato a
Deauville, in Francia, in sei giorni alla fine di settembre con un
budget minimo e con interpretazioni in gran parte improvvisate.
Only What We Carry adotterà
un approccio narrativo simile a quello dei precedenti film di
Adams, tra cui She Is Love e Wild Honey Pie!, che
hanno tratto ispirazione dalle opere di Rohmer e Hong Sang Soo. Il
film sperimentale, ambientato lungo le coste battute dal vento
della Normandia, è descritto come “una meditazione sull’amore,
la perdita e il coraggio silenzioso necessario per andare
avanti”. Leggi la sinossi completa qui sotto:
[Pegg interpreta] Julian
Johns, un tempo formidabile insegnante, la cui ex allieva Charlotte
Levant (Boutella) torna a casa per affrontare i fantasmi del suo
passato. Ad affiancarli ci sono Quentin Tarantino nel ruolo di John
Percy, vecchio amico di Julian il cui arrivo improvviso fa
riemergere verità sepolte da tempo; Charlotte Gainsbourg nel ruolo
di Josephine Chabrol, la sorella protettiva di Charlotte; Liam
Hellmann nel ruolo di Vincent, un artista inquieto diviso tra amore
e lealtà, e Lizzy McAlpine, al suo debutto cinematografico nel
ruolo di Jacqueline, una giovane aspirante ballerina la cui presenza costringe tutti a
confrontarsi con il peso di ciò che si sono lasciati alle
spalle.
Pegg e Adams hanno rilasciato le
seguenti dichiarazioni:
Pegg: Dal punto di
vista creativo, lavorare a Only What We Carry è stato come tornare
a scuola. È stata un’esperienza incredibilmente appagante e
piacevole nella tradizione di Eric Rohmer e Mike Leigh, con un
gruppo di persone davvero straordinarie.
Adams: È sempre stato
un mio sogno girare un film in stile Eric Rohmer in Normandia, un
sogno che includeva la collaborazione con un cast e una troupe
internazionali eccezionali. Abbracciando la libertà del cinema
indipendente, quel sogno si è avverato, e sarò per sempre grato al
cast e alla troupe di Only What We Carry per questo
momento.
Per Tarantino, Only What We Carry
segna il suo ruolo più importante sullo schermo dopo Dal tramonto
all’alba, in cui ha recitato al fianco di George Clooney. Tarantino ha fatto
delle apparizioni cameo in molti dei suoi film, compreso il suo
ultimo, C’era una volta a Hollywood (2019).
Mentre torna alla recitazione,
Tarantino sta attualmente valutando quale sarà il suo decimo e
ultimo film. Tuttavia, il recente ritorno di Tarantino alla
recitazione suggerisce che potrebbe continuare a perseguire ruoli
sullo schermo dopo il suo ritiro dalla regia.
Ora sappiamo più o meno quando
uscirà nelle sale l’intrigante nuovo film di David Fincher,
Le avventure di Cliff Booth, sequel di C’era una volta a Hollywood di Quentin Tarantino. Brad
Pitt tornerà a vestire i panni dello stuntman Cliff Booth,
coprotagonista insieme all’attore Rick Dalton interpretato da
Leonardo DiCaprio nel film
precedente, che segue il duo durante il tramonto dell’età d’oro di
Hollywood.
In un nuovo articolo su Netflix e AMC Theatres che hanno superato i loro
precedenti conflitti per portare più progetti dello streamer nella
catena di cinema, Variety riporta che Netflix sta “contemplando un
lancio più robusto” per Le avventure di Cliff
Booth e sta puntando a una data di uscita nell’estate del
2026, evitando di competere con The Chronicles of Narnia
di Greta Gerwig a novembre.
Sebbene le due società abbiano
storicamente dissentito sulla durata tipicamente breve delle uscite
nelle sale di Netflix, AMC ha recentemente confermato che
proietterà sia KPop Demon Hunters per il suo ritorno nelle
sale durante il weekend di Halloween, sia il finale della serie
Stranger Things. Netflix ha
distribuito altri film nelle sale quest’anno, come A House
of Dynamite e Frankenstein, senza la
partecipazione di AMC.
Netflix di solito distribuisce nei
cinema per un breve periodo i film che spera possano ottenere
nomination agli Oscar, in modo che siano idonei, prima di debuttare
sulla piattaforma di streaming. Anche se Le avventure di
Cliff Booth potrebbe essere un candidato alla
stagione dei premi, con l’obiettivo di seguire le orme del suo
predecessore, Netflix spera probabilmente che possa anche
attirare il pubblico di un tradizionale successo
cinematografico.
Sebbene non si sappia molto della
trama di
Le avventure di Cliff Booth, alcuni addetti ai lavori hanno
rivelato il legame del sequel con C’era una volta a
Hollywood nell’aprile 2025, confermando che seguirà la vita del
personaggio titolare otto anni dopo gli eventi di C’era una
volta a Hollywood. Mentre Fincher lo sostituisce come regista,
Tarantino ha scritto la nuova sceneggiatura.
Oltre a Pitt, il cast di Le
avventure di Cliff Booth include anche Timothy Olyphant, Elizabeth Debicki, Carla Gugino, J.E. Burton, Yahya
Abdul-Mateen II e Scott Caan. Pitt e DiCaprio erano i nomi più
importanti del capitolo precedente, che vedeva anche la
partecipazione della allora stella nascente Margot Robbie nel ruolo di Sharon Tate
e di diverse future stelle nel ruolo della setta della Famiglia
Manson.
C’era una volta a Hollywood
ha incassato 392 milioni di dollari con un budget di 90 milioni
nell’ultimo anno prima che il box office fosse sconvolto dalla
pandemia, e ha ottenuto 10 nomination agli Oscar. Le
avventure di Cliff Booth si trova ad affrontare un mercato
diverso, ma ha lo status di sequel che potrebbe trasformarlo in un
successo estivo per Netflix; tuttavia, deve anche fare i conti con
un budget enorme di 200 milioni di dollari.
Alcuni film sui supereroi hanno
comunque avuto successo nel panorama post-pandemia. The
Batman (2022), Black Panther: Wakanda
Forever (2022) e Spider-Man: No Way Home (2021)
hanno tutti ottenuto ottimi risultati al botteghino, dimostrando
che c’è ancora appetito per il genere. Più recentemente, tuttavia,
film come Captain America: Brave New
World (2025) si sono rivelati deludenti sia dal punto di
vista della critica che da quello commerciale.
Con il pubblico che non accoglie
più con entusiasmo ogni uscita di un film sui supereroi, gli
studios sono stati costretti a privilegiare la qualità sopra ogni
altra cosa. Le reazioni della critica e del pubblico sono più
importanti che mai, motivo per cui molti spettatori si affidano a
Rotten Tomatoes per avere un’idea della qualità di un film.
Fortunatamente, un nuovo film sui supereroi sta ottenendo ottime
recensioni.
Toxic Avenger ha un solido
punteggio RT
The
Toxic Avenger sta già impressionando sia la critica che
il pubblico. Con
Peter Dinklage nel ruolo principale, il film vietato ai minori
è un reboot della serie originale del 1984 e segue Winston Gooze,
interpretato da Dinklage, mentre si trasforma in un mostro
terrificante. È uscito il 29 agosto ed è ora nelle sale.
Dinklage recita al fianco di altri
attori di spicco, tra cui Jacob Tremblay (Wade), Kevin Bacon (Bob),
Elijah Wood (Fritz) e Taylour Paige (J.J.). Macon
Blair, che in precedenza ha lavorato a I Don’t Feel at Home in
This World Anymore (2017), è il regista e lo sceneggiatore. Il
film è distribuito da Cineverse e Iconic Events Releasing.
The Toxic Avenger sta
riscuotendo grande successo sul sito di recensioni Rotten
Tomatoes. Ha impressionato
i critici al punto da ottenere un punteggio Tomatometer
dell’83%, mentre il pubblico ha assegnato un punteggio Popcornmeter
altrettanto favorevole dell’86%. Queste valutazioni potrebbero
continuare a cambiare man mano che un numero maggiore di spettatori
riferisce le proprie reazioni iniziali.
Cosa significa questo per The
Toxic Avenger
Photo courtesy of Yana Blajeva – Legendary Pictures e Eagle
Pictures
I critici hanno generalmente
elogiato la narrazione assurda, il forte senso dell’umorismo e
l’amore incondizionato per il materiale originale di The Toxic
Avenger. Anche la performance di Dinklage ha ottenuto consensi,
poiché i critici riferiscono che è abile tanto nella commedia
quanto nel dramma. Ci sono alcune recensioni negative, ma anche
queste riconoscono che Toxic Avenger raggiunge sicuramente i
suoi obiettivi.
The Toxic Avenger ha
un disperato bisogno di dimostrare di essere in grado di attirare
il pubblico se spera di raggiungere alla fine la redditività.
Queste reazioni indicano che questa commedia sui supereroi
relativamente sottovalutata potrebbe avere successo, ma tutto
dipenderà dai suoi risultati a lungo termine.
Il
film del 2008 La mummia – La tomba dell’Imperatore
Dragone segna un’evoluzione significativa rispetto ai
primi due capitoli della saga (qui
la recensione del primo film). Diretto da Rob
Cohen, il film sposta l’ambientazione dall’Egitto alla
Cina imperiale, introducendo elementi della mitologia orientale e
del folklore cinese, con creature soprannaturali e un imperatore
resuscitato. Pur mantenendo la formula avventurosa e spettacolare
dei predecessori, il film aggiunge un tono più epico e globale,
ampliando il contesto storico e geografico e includendo effetti
speciali più sofisticati e scene d’azione su scala monumentale.
Il
film resta saldamente ancorato al genere
action–adventure
con elementi
fantasy e
horror leggero, una combinazione che ha caratterizzato tutta la
saga. La presenza di Brendan Fraser e dei personaggi storici della
serie garantisce continuità, mentre la narrazione introduce nuovi
antagonisti e sfide, in particolare l’Imperatore Dragone e il suo
esercito di terracotta. Questa scelta di fondo amplia il respiro
della saga, trasformando la storia in un’epica globale che unisce
azione, mistero archeologico e battaglie sovrannaturali.
I temi principali del
film includono il conflitto tra amore e dovere, la lealtà familiare
e l’eterna lotta tra bene e male. Inoltre, l’ambientazione
orientale e le nuove mitologie arricchiscono il filone narrativo
con un’iconografia differente, rendendo la saga più varia e
spettacolare. Nel resto dell’articolo ci concentreremo sulla
spiegazione del finale del film, analizzando come si risolvono le
tensioni narrative e quali sviluppi conclusivi vengono riservati ai
protagonisti e agli antagonisti.
La trama di La Mummia – La
tomba dell’Imperatore Dragone
Il film si apre nell’antica Cina
del III secolo a.C. Qui l’imperatore Qin shi
Huang, un signore della guerra brutale e tirannico servito
da un esercito di diecimila guerrieri, ricorre alla magia dei
signori dell’occulto per ampliare i suoi domini. All’ambizioso e
spietato Han vengono però concessi i poteri elementali, mentre il
tiranno brama l’immortalità ad ogni costo. Per questo invia suoi
due fedelissimi a cercare la maga Yuan che pare
conosca il segreto della vita eterna. Purtroppo per lui la sua
crudeltà sarà anche la sua rovina, la maga cercherà di fermarlo e
lancerà una maledizione su Huang che sarà tramutato in una statua
di terracotta insieme al suo esercito.
La spiegazione del finale del
film
Nel
terzo atto de La mummia – La tomba dell’Imperatore
Dragone, la tensione raggiunge il culmine mentre
l’Imperatore viene finalmente resuscitato dai traditori umani Yang
e Choi. Grazie all’acqua mistica dello Shangri-La, l’Imperatore
riacquista così forma umana e poteri sovrannaturali, trasformandosi
in un drago a tre teste. Durante la sua fuga, rapisce Lin e
richiama l’esercito di terracotta per conquistare il mondo,
minacciando di superare il Grande Muraglia e rendersi invincibile.
Gli O’Connells e Zi Yuan intraprendono immediatamente la caccia,
consapevoli che il destino del mondo è appeso a un filo.
La
battaglia culmina presso la Grande Muraglia, dove Zi Yuan, usando
le ossa dell’Oracolo, sacrifica la propria immortalità e quella di
Lin per evocare un esercito di non-morti guidato dal generale Ming.
Mentre le due armate si scontrano, Alex salva Lin e Rick si prepara
a fronteggiare l’Imperatore. La lotta finale vede la collaborazione
dei protagonisti, con Lin che affronta i traditori Yang e Choi, e
Rick e Alex che riescono infine a ottenere il pugnale maledetto.
L’Imperatore viene trafitto e distrutto, insieme al suo esercito di
terracotta, mentre Ming e i suoi soldati celebrano il ritorno alla
pace.
Questo finale porta a compimento i temi principali del film: il
contrasto tra ambizione e giustizia, il sacrificio personale per il
bene comune e il trionfo del coraggio familiare. L’uso del pugnale
maledetto simboleggia la capacità degli eroi di affrontare forze
apparentemente invincibili con determinazione e astuzia, mentre la
distruzione dell’esercito di terracotta rappresenta la caduta
definitiva dell’arroganza e della sete di potere dell’Imperatore.
La scelta di sacrificio da parte di Zi Yuan enfatizza anche il tema
della lealtà e dell’amore trasversale tra generazioni.
La sequenza conclusiva, in cui gli O’Connells ritornano a Shanghai
e Alex e Lin iniziano la loro relazione, offre una chiusura emotiva
e soddisfacente. Il ritorno del protagonista e della sua famiglia
alla normalità, unito alla ricomposizione dei legami affettivi,
chiude il racconto in modo coerente con le dinamiche sviluppate nel
corso della saga. Anche Jonathan riceve il suo arco narrativo con
la partenza per il Perù, consolidando l’idea che la ricerca, la
curiosità e la scoperta siano valori duraturi, nonostante i
pericoli affrontati.
Il film lascia un
messaggio chiaro: il coraggio, la collaborazione familiare e il
sacrificio sono essenziali per superare forze superiori e
salvaguardare l’ordine morale. La narrazione suggerisce che il vero
potere risiede nella rettitudine e nell’ingegno, non nella forza
bruta o nell’avidità. Inoltre, la combinazione di mitologia, azione
e legami emotivi sottolinea come il rispetto della storia e della
tradizione, insieme al coraggio individuale, possa contrastare
ambizioni tiranniche, offrendo allo spettatore un senso di chiusura
e di giustizia compiuta.
Jack Reacher – Punto di non ritorno (qui
la recensione) vede il personaggio interpretato da Tom Cruise
stringere una nuova amicizia mentre continua a dispensare la sua
personale giustizia. Nella seconda avventura live-action di Jack
Reacher, il vendicatore errante cerca di riabilitare il nome del
maggiore Turner (Cobie
Smulders), suo sostituto al comando della 110ª Unità
Investigativa Speciale. Turner è stata incastrata per la morte di
due soldati e, mentre indaga sul suo caso, Reacher viene a sua
volta incastrato per omicidio dal malvagio mercenario Il cacciatore
(Patrick Heusinger).
Ad aggravare lo stress di Reacher
c’è il fatto che una sua ex amante ha intentato una causa di
paternità contro di lui, sostenendo che sua figlia Sam
(Danika Yarosh) è sua figlia. Jack Reacher
– Punto di non ritorno vede Reacher, Turner e Sam in fuga,
mentre scoprono che dietro l’incastramento di Turner c’è il PMO
Parasource. La situazione giunge al culmine a New Orleans, dove
Reacher e Turner smascherano i crimini di Parasource, mentre
Reacher salva Sam dal vendicativo Hunter. Nelle scene finali,
Turner viene scagionata e torna al suo vecchio lavoro, mentre
Reacher riprende la strada.
No, Sam non è la figlia di
Reacher
Il grande gancio emotivo di
Jack Reacher – Punto di non ritorno ruota attorno
al rapporto tra l’eterno solitario Reacher e Sam. I due stringono
un forte legame mentre schivano insieme i proiettili, ma il sequel
diretto da Ed Zwick lascia fino alla fine il
mistero se Sam sia o meno la figlia di Reacher. I due si ritrovano
in una tavola calda a parlare della madre di Sam, e Reacher le dice
che se avesse davvero conosciuto sua madre, la riconoscerebbe se la
incontrasse di nuovo.
Sam rivela allora che la cameriera
che li ha serviti era sua madre, il che significa che Reacher non è
suo padre, dopotutto. Anche se questo probabilmente è un piccolo
sollievo per Reacher, non può fare a meno di sembrare deluso dalla
rivelazione. Il suo viaggio con Turner e Sam è il momento in cui si
è sentito più in sintonia con le persone da tempo, e ha iniziato a
riconoscere qualcosa di sé in Sam, compresa la sua
intraprendenza.
Il significato dell’ultimo
messaggio di Sam
Una delle cose utili dei libri di
Jack Reacher di Lee Child è che possono essere
letti praticamente in qualsiasi ordine. Un determinato romanzo può
fare riferimento a eventi o personaggi di una storia precedente, ma
sono in gran parte autonomi. I libri finiscono quasi sempre con
Reacher che si rimette in viaggio, prendendo un autobus o facendo
l’autostop verso la sua prossima destinazione sconosciuta e la sua
prossima disavventura. Il finale di Jack Reacher – Punto di
non ritorno segue questa formula, ma con una piccola
modifica.
Dopo il loro incontro finale,
Reacher si mette in viaggio, ma poi sente il telefono vibrare nella
tasca. Questo perché Samantha gli ha infilato un cellulare nella
giacca e gli ha mandato un messaggio: “Ti manco già???” Reacher
sfoggia quindi il famoso sorriso di Tom
Cruise, prima di alzare il pollice per chiedere un
passaggio. Questo implica che Reacher manterrà effettivamente un
legame con Sam. Considerando il suo stile di vita nomade e la sua
riluttanza a formare legami emotivi, la sua risposta al messaggio
di Sam è un piccolo segno di crescita.
Perché Turner è stato incastrato
da Parasource
La seconda stagione di Reacher di
Amazon ha adattato Bad Luck and Trouble, dove l’eroe di Alan
Ritchson si riunisce con i sopravvissuti della sua ex 110ª Unità
Investigativa Speciale. Il loro motto era “Non scherzare con gli
investigatori speciali”, poiché la squadra di Reacher era un’unità
d’élite. Turner ha preso il posto di Reacher quando lui ha lasciato
l’esercito, e i due sono diventati amici di telefono, dato che lui
la aiutava occasionalmente con i casi. Naturalmente, nel momento in
cui Turner viene accusata di omicidio, lui non ci crede
affatto.
Dopo che Reacher fa evadere Turner
dalla custodia cautelare e i due fuggono, la scia di cadaveri li
conduce alla Parasource, un’organizzazione militare privata. Questa
è guidata dal generale Harkness (Robert Knepper)
che, oltre ad aver incastrato Turner, ha venduto armi militari ai
ribelli in Afghanistan e gestisce un traffico di droga. Ovviamente,
il malvagio generale non ha tenuto conto dell’amicizia di Turner
con Reacher prima di incastrarla, causando la sua rovina.
La spiegazione dell’operazione di
traffico di droga della Parasource
Inutile dire che è stato Harkness a
mandare Il cacciatore anche dietro a Reacher e Turner. Gran parte
della seconda metà di Jack Reacher – Punto di non
ritorno vede la coppia cercare di smascherare Parasource.
La situazione raggiunge il culmine quando Turner affronta Harkness
con l’aiuto di alcuni poliziotti militari in una base, sostenendo
che una cassa di lanciarazzi collegata a Parasource sarà vuota. Lei
crede che siano stati invece venduti agli insorti, ma con suo
grande shock, tutte le casse sono effettivamente cariche di
armi.
Reacher sa che non può essere così
semplice, soprattutto perché Harkness è chiaramente colpevole.
Approfondendo la questione, l’antieroe protagonista del film scopre
che Parasource ha contrabbandato droga negli Stati Uniti
nascondendola all’interno di queste casse di armi, e che gli
omicidi sono stati un tentativo di Harkness di coprire le sue
tracce. Questa è la fine del Generale e del suo PMO, anche se Il
cacciatore è ancora a piede libero.
Il cacciatore è l’immagine
speculare malvagia di Reacher
Proprio come A.M. in Bad Luck
or Trouble, Il cacciatore potrebbe essere considerato una
versione distorta dello stesso Reacher. Se quest’ultimo non avesse
avuto morale né onore, avrebbe potuto trasformare le sue abilità e
il suo talento per la violenza in un lavoro. Il Cacciatore di
Jack Reacher – Punto di non ritorno si dimostra un
killer esperto e pieno di risorse, ma mentre Reacher cerca di
essere logico e impassibile, il suo nemico sembra amare il proprio
lavoro.
Ama l’inseguimento e gode
nell’uccidere, al punto da rapire Sam e attirare Reacher in un
combattimento, nonostante il suo capo Harkness sia già stato
arrestato. Potrebbe andarsene e scomparire, ma il suo odio per
Reacher e il bisogno di dimostrare la propria superiorità non
glielo permettono. Come il protagonista di Jack Reacher –
Punto di non ritorno, Il cacciatore è una sorta di
fantasma; il suo vero nome non viene mai rivelato, mentre il suo
passato militare è abbozzato solo sommariamente.
Come Reacher uccide finalmente Il
cacciatore
Prima della battaglia finale in
Jack Reacher – Punto di non ritorno, l’eroe
interpretato da Cruise fa una promessa a Il cacciatore. Dopo aver
deciso di fare del male a Sam solo per punirlo, Reacher espone
freddamente come morirà Il cacciatore. Alla fine arrivano alle mani
sui tetti di New Orleans e, sebbene l’assassino opponga una forte
resistenza, non è all’altezza di un Jack Reacher furioso. Reacher
mantiene fede alle sue minacce, spezzando tutte le membra di Il
cacciatore e lasciando il collo dell’assassino per ultimo,
concedendogli un momento per rendersi conto della sua imminente
fine. Con tutti gli assassini di Parasource sconfitti, Reacher,
Turner e Sam sono ora al sicuro.
Jungle, del 2017,
è più di un
thriller di sopravvivenza: è una straziante discesa nelle
ultime riserve della mente quando l’esplorazione si trasforma in un
incubo. Racconta cosa succede quando la fiducia viene tradita,
quando la natura selvaggia non è solo uno sfondo ma una forza viva
e vigile, sia unica compagna che nemica mortale.
Basato sulla vera esperienza dell’avventuriero israeliano
Yossi Ghinsberg (interpretato da Daniel Radcliffe), il film si muove sul filo
del rasoio tra rivelazione e follia. Nella giungla, non è solo il
tuo corpo a essere spinto al limite, ma anche il tuo senso della
realtà.
La trama
di Jungle
All’inizio degli anni ’80, Yossi
Ghinsberg arriva in Bolivia con un sogno che sembra quasi troppo
ingenuo per il terreno spietato dell’Amazzonia: sfuggire alle
convenzioni, connettersi con qualcosa di più grande di lui. Quando
incontra Karl Ruprechter, un carismatico austriaco
che sostiene di conoscere un gruppo nascosto nel profondo della
giungla, Yossi lo vede come la sua vocazione. Un’avventura. Uno
scopo. Convince due nuovi amici, Marcus Stamm e
Kevin Gale, a unirsi a lui. Sono scettici,
soprattutto Kevin, ma l’entusiasmo di Yossi è contagioso.
E Karl? Karl sembra un uomo che sa
quello che fa. Karl porta mappe, provviste e sicurezza. Conosce
persino il nome di un villaggio, Asriamas, dove alla fine arrivano
e dove Karl sembra stranamente familiare con la gente del posto. Ma
l’illusione di credibilità è proprio questo: un’illusione. Si
addentrano nella foresta. Non ci vuole molto prima che la realtà
cominci a sgretolarsi.
Cosa succede a Yossi, Kevin e
Marcus quando la loro guida Karl rivela di essere l’anello
debole?
La prima frattura appare sui piedi
di Marcus, piaghe sanguinanti, vesciche infette, che diventano
sempre più deboli di ora in ora. La giungla non richiede solo
forza, ma punisce la debolezza. Yossi e Kevin iniziano a provare
risentimento verso Marcus, che li rallenta. Ma c’è qualcosa di più
grave del semplice disagio fisico. La facciata di Karl comincia a
incrinarsi. Il suo temperamento esplode. La sua guida diventa
irregolare. Il gruppo cerca di adattarsi. Costruiscono una zattera
per scendere il fiume, un piano disperato per continuare a muoversi
senza spingere Marcus oltre i suoi limiti. Funziona, finché non
smette di funzionare.
Incontrano delle rapide, Karl va
nel panico e poi arriva la rivelazione: Karl ha il terrore
dell’acqua. Non sa nuotare. L’uomo che sosteneva di conoscere la
giungla non è in grado di affrontare uno dei suoi elementi
fondamentali. Kevin se ne accorge per primo. Quest’uomo è un
impostore. E nel caos del fiume, tutto viene alla luce. Karl e
Marcus se ne vanno a piedi. Yossi e Kevin continuano sul fiume, ma
vengono separati quando la loro zattera si schianta contro una
roccia. Kevin nuota verso la riva. Il fiume porta via Yossi. E
proprio così, la giungla lo inghiotte completamente.
Si può sopravvivere quando si è
completamente soli?
Yossi si sveglia da solo, senza
attrezzatura, senza armi, senza una direzione. Nessuna mappa,
nessun machete, nessun cibo. Solo alberi, fango, caldo e il ronzio
opprimente di qualcosa di antico che lo osserva. I suoi giorni si
confondono: dolore, fame, sanguisughe, allucinazioni. Vede una
bella donna indigena che lo guida attraverso la foresta. La segue e
le parla. Lei scompare.
Ma era davvero lì? Mangia uova
crude da un nido. Viene attaccato dalle termiti. A un certo punto,
affonda fino alla vita in una pozza di fango e rischia di annegare.
La giungla è indifferente alle sue grida, alla sua stanchezza e ai
suoi rimpianti. Ogni passo sembra l’ultimo. Perde la cognizione del
tempo. Perde il senso di sé. Eppure continua ad andare avanti.
Il perché Yossi si è fidato di
Karl nonostante tutti i segnali di allarme
Perché Karl rappresentava qualcosa
che Yossi desiderava disperatamente: uno scopo. Le bugie di Karl
erano avvolte dalla sicurezza e Yossi, giovane, ambizioso e senza
obiettivi, voleva crederci. Ignorò le incongruenze. Trascurò il
modo in cui Karl scaricava le provviste su di loro, controllava il
ritmo e alla fine rivelò di avere paura dell’acqua. La fede cieca
di Yossi non era in Karl. Era l’idea della grandezza attraverso il
rischio. Quella cecità lo ha quasi ucciso.
Cosa succede davvero a Marcus e
Karl?
Dopo che Karl e Marcus si
addentrano nella foresta, non vengono più visti. Il film termina
con la rivelazione che Karl era un criminale ricercato, noto per
attirare i turisti in situazioni pericolose. Il fatto che Marcus
scompaia con lui aggiunge un inquietante velo di incertezza. Karl
ha abbandonato Marcus? Sono morti entrambi? O Marcus era solo una
vittima collaterale di una truffa che Karl aveva già messo in atto
in precedenza? L’ambiguità diventa un fantasma che Yossi non potrà
mai seppellire del tutto, perché sopravvivere a volte significa
lasciarsi delle persone alle spalle, senza mai sapere se sia stata
la scelta giusta.
Perché Kevin continua a cercare
quando tutti gli altri hanno rinunciato?
A differenza di Karl, Kevin non è
spinto dall’orgoglio, ma dalla lealtà. Quando raggiunge la
salvezza, non va avanti. Organizza missioni di ricerca, anche
quando le autorità gli dicono che Yossi è probabilmente morto.
Assume un barcaiolo locale e setaccia le rive del fiume. Questa
lealtà diventa l’ancora di salvezza che riporta Yossi indietro dal
baratro. È in netto contrasto con la fiducia tossica che Yossi
riponeva in Karl. Kevin rappresenta il tipo di legame che non si
basa sul carisma, ma sulla cura.
La spiegazione del finale del
film: quale prezzo paga Yossi per la verità?
Yossi viene finalmente ritrovato,
vivo ma in fin di vita. Kevin, contro ogni previsione, lo tira
fuori dalla riva del fiume. È scomparso da tre settimane. Dovrebbe
essere morto. Ma in qualche modo non lo è. E la sopravvivenza, in
questa storia, non è un trionfo eroico. È una rinascita attraverso
il dolore. Il film si chiude con le foto reali dell’autentico Yossi
Ghinsberg, insieme a un cartello che rivela la vera identità di
Karl come ricercato. Marcus non è mai stato trovato. La giungla ha
mantenuto il suo segreto. Ma Yossi? Ha continuato a costruirsi una
nuova vita.
La sua esperienza diventa un libro
di memorie, un monito, una leggenda. La giungla lo ha cambiato non
solo nel corpo, ma anche nello spirito. La vera storia non riguarda
la fuga, ma il momento in cui ha capito che nessuno sarebbe venuto
a salvarlo e ha deciso comunque di sopravvivere. “Jungle” parla in
definitiva dell’istinto umano di trovare un senso nel caos e della
natura terrificante dell’essere completamente soli.
Si chiede cosa succede quando la
maschera della civiltà cade e devi confrontarti con te stesso nella
natura selvaggia. Le cicatrici di Yossi non sono solo fisiche. Sono
morali. Ha fatto delle scelte, alcune impulsive, altre egoistiche,
altre fatali. Ma ha anche scoperto una verità più profonda: che la
sopravvivenza non riguarda la forza o la strategia. Riguarda lo
spirito. E a volte, per ritrovare finalmente se stessi, è
necessario perdersi in mezzo al nulla.
È il 1974 quando nasce la Troma Entertainment, casa di
produzione statunitense fondata da Lloyd Kaufman e
Michael Herz, specializzata in film a bassissimo
costo e altissimo tasso di splatter, nudità, irriverenza, e tutto
ciò che di più sgradevolmente divertente riuscite a immaginare.
Con Troma esordiscono autori del
calibro di Trey Parker e Matt
Stone, futuri creatori di South Park e
soprattutto quel James
Gunn che sono sicura avete sentito nominare. Ma
soprattutto, nel 1984, Troma passa da micro-casa di produzione
exploitation a vera e propria mitologia cult facendo uscire nelle
sale The Toxic
Avenger. Nel film, diretto dagli stessi Herz e
Kaufman conosciamo Melvin, timido addetto alle pulizie di
una palestra che, buttato in un barile di rifiuti tossici, si
trasforma in un mostro buono: il vendicatore tossico o, per gli
amici, Toxie! Armato di mocio e senso della giustizia, ripulisce la
corrotta Tromaville a colpi di vendetta iper-violenta dal taglio
volontariamente cartoonesco.
Un’estetica da Z-Movie
contro l’America reaganiana
Utilizzando un’estetica da Z-Movie
per mettere in berlina le contraddizioni dell’America reaganiana,
il film ha dimostrato per la prima volta che anche dalla scena
indie più low budget poteva nascere una vera e propria icona pop.
Il suo successo è stato tale da generare tre sequel, il cartoon
Toxic Crusaders e un remake con
Peter Dinklage nel ruolo del protagonista che, dopo
essere stato presentato nel circuito dei festival, esce finalmente
nelle sale cinematografiche.
The Toxic Avenger
è il film del 2023 diretto da Macon Blair con
Peter Dinklage, Jacob Tremblay,
Elijah Wood,
Kevin Bacon, Julia Davis, remake dell’originale del
1984. Il film uscirà al cinema il 30 ottobre 2025
distribuito da Eagle Pictues.
Photo courtesy of Yana Blajeva – Legendary Pictures e Eagle
Pictures
Winston Gooze è un umile
inserviente di fabbrica, un uomo qualunque schiacciato da turni
massacranti e ignorato da una società che non lo vede. Ma una
notte, un incidente lo condanna: il suo corpo viene inondato da
sostanze tossiche che ne divorano la carne, lo deformano e lo
trasformano in qualcosa di mostruoso… e indistruttibile. Dalle sue
ceneri nasce Toxic Avenger, un antieroe
dall’aspetto mostruoso e dalla forza sovrumana. Ma dietro i muscoli
e le cicatrici ribolle una sete di vendetta radioattiva. Quando
spietati magnati minacciano suo figlio, Toxie non ha scelta: deve
scatenare la sua furia contaminata. In un mondo marcio, corrotto e
divorato dall’avidità, la giustizia non ha più volto umano. Ora è
un mostro. E la vendetta… ha l’odore della carne bruciata.
Prime Video svela il trailer di Natale
senza Babbo, la nuova commedia natalizia con
protagonisti Luisa Ranieri e Alessandro Gassmann che sarà disponibile in
esclusiva su Prime Video in tutto il mondo dal 28
novembre.
Quando Babbo Natale (Alessandro
Gassmann), nel pieno di una crisi esistenziale, decide
di prendersi una vacanza e scompare all’improvviso, a sua moglie
Margaret (Luisa Ranieri) – sempre pronta a
supportare (e sopportare) il marito Nicola – non resta altro da
fare che rimboccarsi le maniche e salvare il giorno più speciale
dell’anno. Non sarà un compito facile, perché l’intraprendente
strega Sabrina (Caterina Murino), meglio
conosciuta come la Befana, e Santa Lucia (Valentina
Romani) sono determinate a rubare la scena a Babbo Natale
diventando le protagoniste delle Feste. Nel cast di Natale senza
Babbo, con la partecipazione di Diego Abatantuono,
e con Michela Andreozzi e Angela
Finocchiaro, ci sono anche Rita Longordo, Paolo
Calvano, Francesco Centorame, Simone Susinna, Francesca Alice
Antonini, Alberto Astorri e Stefano
Ambrogi.
1 di 6
Cortesia di Prime Video -
Alessandro Gassman
Cortesia di Prime Video -
Caterina Murino
Cortesia di Prime Video -
Valentina Romani
Cortesia di Prime Video -
Luisa Ranieri
Cortesia di Prime Video -
Angela Finocchiaro
Cortesia di Prime Video -
Diego Abatantuono
Il nuovo film Original Natale senza
Babbo, co-prodotto da Amazon MGM Studios con Gaumont Italia, è
diretto da Stefano Cipani e scritto da Michela Andreozzi con la
collaborazione di Filippo Macchiusi.
Una delle voci
più influenti e rivoluzionarie del cinema contemporaneo – e
vincitore dei più prestigiosi premi cinematografici mondiali, tra
cui due Oscar – Spike Lee parteciperà al
43° Torino Film Festival, in programma dal 21 al
29 novembre 2025. Il regista, sceneggiatore, produttore e attore
statunitense presenterà in anteprima nazionale il suo ultimo
lavoro, Highest 2 Lowest, e riceverà la
Stella della Mole per il suo eccezionale
contributo all’arte cinematografica.
Con uno stile
inconfondibile e una carriera costellata da opere che hanno
ridefinito il linguaggio del cinema stesso, come Fa’ la cosa
giusta, Inside Man e BlacKkKlansman,
Spike Lee ha acceso il dibattito sui più
importanti temi sociali e politici, lasciando un’impronta
indelebile nella storia del cinema internazionale.
Highest 2 Lowest, la sua nuova opera che
segna la quinta collaborazione tra il regista e Denzel Washington, riconferma ancora una volta
la sua capacità di raccontare l’America contemporanea con sguardo
critico, poetico e visivamente potente.
Giulio
Base, Direttore del Torino Film Festival, ha dichiarato:
“Consegnare la Stella della Mole a Spike Lee significa
celebrare un pioniere: il primo grande regista afroamericano ad
aver portato la sua voce radicale e inconfondibile nel cuore del
cinema mainstream mondiale, mantenendone intatta la forza. Nei suoi
film convivono rigore e passione, politica e musica, rabbia e
poesia. Nelle volte in cui l’ho incontrato, dietro l’autore immenso
ho trovato un uomo dalla simpatia luminosa, capace di accoglierti
con una risata franca: un maestro che sa unire profondità e
leggerezza”.
La Stella
della Mole è il riconoscimento cinematografico assegnato a
figure di spicco del cinema internazionale, che hanno dato
contributi significativi al mondo della settima arte. Una
celebrazione del cinema d’autore e della creatività artistica che
onora chi ha lasciato un’impronta indelebile nel panorama
cinematografico mondiale.
Il Torino
Film Festival è realizzato dal Museo Nazionale del
Cinema di Torino e si svolge con il contributo del
Ministero della Cultura – Direzione Generale Cinema e Audiovisivo,
Regione Piemonte, Città di Torino, Fondazione Compagnia di San Paolo, Fondazione
CRT.
Dall’omonimo bestseller
dell’autrice pluripremiata Andrea Mara,
All Her Fault – di cui viene rilasciato
oggi il trailer ufficiale – è la nuova serie Sky Exclusive che
segna il ritorno sul piccolo schermo della
vincitrice di un Emmy e di due Golden Globe AwardsSarah Snook (Succession),
qui protagonista e produttrice del progetto. La serie, un thriller
psicologico in otto episodi, è in arrivo in esclusiva su Sky e in
streaming solo su NOW dal 23 novembre. Co-protagonisti
Dakota Fanning (The Watcher, Ripley)
e Jake Lacy (The White Lotus).
Il romanzo da cui è tratta la
serie, bestseller nel Regno Unito e ancora inedito in Italia, ha
conquistato pubblico e critica per la sua capacità di tenere il
lettore con il fiato sospeso, intrecciando tensione, colpi di scena
e profondi risvolti emotivi.
Prodotta da Carnival
(The Day of the Jackal, Downton
Abbey), All Her Fault vede
dietro le quinte un team tutto al femminile: la scrittrice Andrea
Mara, la creatrice Megan Gallagher (Wolf,
Suspicion), la regista Minkie Spiro (Il problema dei 3
corpi, Downton Abbey) e la stessa Sarah Snook alla produzione.
La trama di All Her Fault
Marissa Irvine è andata a
prendere suo figlio Milo dopo un pomeriggio di gioco con un
compagno della sua nuova scuola. Ma la donna che apre la porta non
è una madre che lei conosce. Non è la tata. Non ha Milo con sé. In
quel momento Marissa inizia a realizzare che suo figlio è
scomparso. All Her Fault è un thriller psicologico mozzafiato che
porta alla luce i segreti più profondi di una comunità, svelando
strati di inganni e tradimenti nascosti dietro vite all’apparenza
perfette.
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Cortesia di Sky
Cortesia di Sky
Cortesia di Sky
Cortesia di Sky
Cortesia di Sky
Cortesia di Sky
La serie è scritta e creata da
Megan Gallagher, produttrice esecutiva insieme a Nigel Marchant,
Gareth Neame e Joanna Strevens per Carnival Films, insieme a Sarah
Snook, Minkie Spiro, Christine Sacani e Jennifer Gabler Rawlings.
Il cast principale include Sarah Snook, Jake Lacy, Dakota Fanning,
Michael Peña, Sophia Lillis, Abby Elliott,
Daniel Monks, Jay Ellis, Thomas Cocquerel, Duke McCloud e Kartiah
Vergara. Nel cast ricorrente troviamo invece Johnny Carr, Linda
Cooper e Melanie Vallejo. Gli episodi 1-4 sono diretti da Minkie
Spiro, mentre gli episodi 5-8 portano la firma di Kate Dennis. La
produzione è curata da Terry Gould.
ALL HER FAULT | Dal 23 novembre in esclusiva su Sky e in
streaming solo su NOW
Presentato in anteprima mondiale il 26 ottobre alla
Festa del Cinema di
Roma 2025, No Place
Like Rome è il nuovo film di Cecilia
Miniucchi, regista italiana trapiantata a Hollywood che
per la prima volta dirige un film in Italia. Ci ha raccontato di
questa avventura insieme a Rhada Mitchell,
co-protagonista del film.
No Place Like
Rome è la commedia romantica scritta e diretta da
Cecilia Miniucchi, regista italiana che ha iniziato tempo fa
e prosegue a Los Angeles una felice collaborazione con Hollywood e
che è tornata a girare nel suo paese d’origine – catturando
i luoghi più nascosti e iconici di Roma e i paesaggi umbri – per
realizzare la nuova commedia romantica americana con un cast
d’eccezione.
Protagonisti principali
sono Stephen Dorff, Cristiana Capotondi e Rhada Mitchell, che già
aveva recitato nel precedente film di Cecilia Miniucchi Life
Upside Down. Nel cast anche Sebastiano Pigazzi, Elisabetta
De Palo, Edoardo Natoli e Martina Iacomelli.
No Place Like
Rome segue le vicende di Connor, rinomato fotografo inviato
a Roma per un incarico proprio all’inizio della stagione natalizia.
Connor si aspetta che il figlio adolescente lo raggiunga per
trascorrere il Natale insieme, dopo un divorzio difficile dal quale
non si è ancora del tutto ripreso. Ma quando i piani cambiano e il
figlio non può più venire, Connor – senza una famiglia ad
attenderlo a casa – decide di restare a Roma, da solo. Mentre si
perde tra le stradine e i cortili nascosti della città, guidato da
Scintilla, la sua vivace e affascinante assistente, Connor inizia a
riscoprire non solo la bellezza di Roma, ma anche qualcosa di
sopito dentro di sé, arrivando a credere che l’amore possa trovarlo
di nuovo. Anche con qualcuno che, fin dall’inizio, gli aveva detto:
“Siamo perfettamente compatibili per non stare insieme.”
No Place Like
Rome è una produzione americana di Euphoria Productions, prodotta da Jeffrey
Coulter, Carl F. Berg e Antoni Stutz, da tempo
collaboratori della regista. Tra i produttori esecutivi figurano
anche Shaun e Yvette Redick, vincitori del Premio Oscar.
Halloween è la notte in cui i mostri escono allo scoperto, le
maschere diventano verità e il cinema trova la sua forma più pura:
quella del gioco, della paura e della liberazione. In questo
spirito, The Toxic Avenger, in arrivo
al cinema dal 30
ottobre con Eagle
Pictures, è la scelta ideale per chi vuole vivere la festa
più folle dell’anno tra ironia, sangue e catarsi radioattiva. Diretto da
Macon Blair e
interpretato da Peter
Dinklage, Kevin Bacon ed
Elijah Wood,
il film rielabora l’iconico cult della Troma Entertainment, riportando sul grande
schermo un eroe deforme e irresistibile, simbolo di una rivincita
sociale che non perde mai il sorriso – anche quando è coperto di
tossine.
Un cult che risorge dalle fogne, come il suo protagonista
Photo courtesy of Yana Blajeva – Legendary Pictures e Eagle
Pictures
Quando nel 1985 Lloyd
Kaufman e Michael Herz fondarono il mito del Vendicatore Tossico, nessuno avrebbe
immaginato che quella pellicola low budget, girata con pochi mezzi
e tanta incoscienza, sarebbe diventata un fenomeno di culto. Il
nuovo The Toxic Avenger
riprende quello spirito, lo aggiorna e lo amplifica.
Peter Dinklage veste i panni di un
uomo comune spinto ai margini, trasformato in mostro dopo un
incidente con rifiuti chimici. La sua metamorfosi è grottesca ma
profondamente simbolica: un outsider che si vendica del sistema
corrotto che lo ha creato. È un ritorno al cinema artigianale e
ribelle, dove il mostro è il riflesso deformato dell’umanità
stessa. E in una notte come Halloween, in cui la diversità diventa
potere, Toxie è l’eroe perfetto da celebrare.
Ironia, sangue e follia: il ritorno del vero cinema Troma
Photo courtesy of Yana Blajeva – Legendary Pictures e Eagle
Pictures
Halloween è sinonimo di eccesso, e The Toxic Avenger abbraccia pienamente questa estetica.
Macon Blair,
alla regia, riesce a rendere omaggio al linguaggio visivo e
narrativo della Troma senza scadere nel semplice omaggio
nostalgico. Il suo film è una commedia horror iperbolica, che alterna
combattimenti splatter, umorismo nero e una satira feroce sulla
società contemporanea. Ciò che lo rende perfetto per Halloween è
proprio questo mix di orrore e divertimento, dove il sangue scorre ma la
risata non manca mai. È il cinema che si guarda con il popcorn in
mano e il sorriso stampato in volto – consapevoli che, dietro ogni
esagerazione, si nasconde una critica precisa: quella verso un
mondo che inquina, consuma e poi si stupisce delle proprie
mutazioni.
Un cast da urlo (e non solo per le urla)
A
rendere il film ancora più intrigante è il suo cast inaspettatamente stellare.
Peter Dinklage
guida il gruppo con un’interpretazione fisica e ironica, capace di
unire fragilità e potenza, mostruosità e umanità. Al suo fianco
Kevin Bacon nel
ruolo del villain – elegante, sadico e irresistibilmente sopra le
righe – ed Elijah Wood, irriconoscibile in una
parte che flirta con l’assurdo. È una scelta coraggiosa e
intelligente: attori di grande spessore che si mettono al servizio
del B-movie, ribaltando le regole del glamour hollywoodiano. Questa
contaminazione tra alto e basso, tra cultura pop e recitazione
d’autore, è una delle chiavi che rende The Toxic Avenger perfetto per Halloween: un
film che celebra l’imperfezione, il caos e il piacere di sporcarsi
le mani – letteralmente.
Il ritorno dello spirito ribelle della Troma
Negli anni ’80, la Troma
Entertainment era la casa madre del cinema indipendente
più radicale. Le sue pellicole, piene di sangue finto, ironia e
provocazione, erano un grido contro l’industria e le sue regole.
The Toxic Avenger non
solo ha riportato la Troma sulla mappa, ma ha creato una mitologia
parallela fatta di outsider e anti-eroi. Oggi, Macon Blair e Lloyd Kaufman (che qui figura come
produttore esecutivo) rievocano quello stesso spirito anarchico,
adattandolo al presente. Il film parla di mutazione ambientale, corruzione e potere,
ma lo fa con la leggerezza del paradosso e la libertà di un autore
che conosce bene i codici del genere. È un omaggio alla cultura
underground, ma anche una riflessione sulla nostra epoca, dove ogni
orrore ha un’origine molto reale.
Un mostro dal cuore tenero: il messaggio dietro la maschera
The Toxic Avenger Cortesia di Eagle Pictures
Sotto gli strati di tossine e deformità, il nuovo Toxie nasconde un
cuore sorprendentemente umano. Il film gioca con i codici del body
horror ma li piega a una morale empatica: il vero mostro non è chi è diverso, ma chi nega la
propria umanità. È una tematica che risuona perfettamente
con Halloween, la festa che celebra il travestimento come
liberazione. Toxie è un simbolo di rivalsa, un antieroe che, pur
nella sua mostruosità, restituisce dignità ai reietti e agli
esclusi. È l’incarnazione di un cinema che ride delle proprie
ferite, trasforma lo schifo in arte e la paura in riscatto.
Un Halloween radioattivo
Con il suo stile eccessivo, il suo umorismo corrosivo e un’estetica
che mescola splatter,
satira e comic book, The Toxic Avenger è il titolo perfetto per la
notte di Halloween. È un film che fa esplodere la tradizione del
mostro gotico e la reinventa in chiave pop, invitando il pubblico a
divertirsi e a riflettere sul caos che abbiamo creato. Dopo tutto,
come ci insegna Toxie, anche il disastro può avere un’anima – basta saperla
riconoscere tra le macerie.
The Toxic Avenger esce
al cinema dal 30
ottobre, distribuito da Eagle Pictures.
La tanto attesa serie ispirata a
Stephen King, It:
Welcome To Derry (qui
la recensione), è finalmente arrivata e il suo primo episodio
non mostra alcuna pietà. Le star e i creatori dello show hanno ora
analizzato la sanguinosa premiere e spiegano perché così pochi sono
riusciti a superare il terrificante episodio pilota. Il primo
episodio ha infatti mostrato la morte cruenta di diversi personaggi
che gli spettatori credevano fossero i protagonisti principali
della serie. La serie si è aperta con la morte di Matty
(Miles Ekhardt), che stava cercando di lasciare la
città in autostop quando ha incontrato It, andando incontro alla
morte.
Quattro anni dopo, i conoscenti di
Matty, Lilly (Clara Stack), Phil (Jack
Molloy Legault), Teddy (Mikkal
Karim-Fidler), Ronnie (Amanda Christine)
e Susie (Matilda Legault), uniscono le forze per
risolvere il mistero dietro la sua scomparsa. Tuttavia, con grande
shock del pubblico, tre dei cinque ragazzi vengono uccisi nel corso
del pilot. I cinque bambini hanno avuto un ruolo molto importante
nella promozione di It: Welcome To Derry. Quindi, è
stata ovviamente una sorpresa quando Phil, Teddy e Susie sono morti
così rapidamente.
In un’intervista con Entertainment
Weekly, uno dei creatori dello show, Andy
Muschietti, ha ammesso di aver giocato con le emozioni
degli spettatori. Ha detto che l’idea dietro l’inganno dei fan in
un falso senso di sicurezza è quella di ricordare loro che tutto
può succedere. Nessuno ha la garanzia di sopravvivere alla
serie.
“Si tratta di un evento
strategicamente devastante per trasmettere al pubblico la
sensazione che “niente è sicuro in questo mondo”. In un certo senso
inganniamo il pubblico facendogli credere che questi siano i nuovi
Losers. Beh, indovinate un po’? Credo che siano tutti morti”.Barbara Muschietti, co-autrice
della serie, ha aggiunto di essere orgogliosa del bagno di sangue
che hanno creato. Ha persino paragonato il pilot a un famigerato
episodio di Il Trono di Spade: “Lo adoriamo. È
il nostro Red Wedding”.
I fratelli Muschietti hanno
rivelato che all’inizio erano preoccupati. Credevano che ci fosse
una possibilità molto concreta che HBO potesse rifiutare il loro
episodio pilota perché troppo violento. Tuttavia, con loro grande
sorpresa, lo studio era completamente d’accordo e non ha battuto
ciglio davanti alle loro idee. “Siamo entrati pensando che
sarebbe stata una lotta per noi, che avremmo dovuto lottare per
continuare a spingere sull’horror e sugli spaventi improvvisi. È
stato il contrario”.
Christine, che interpreta una delle
uniche sopravvissute dell’episodio, ha ricordato la sua iniziale
eccitazione quando ha letto la sceneggiatura per la prima volta. Ha
spiegato come lei e il resto del cast fossero tutti molto
entusiasti e felici del materiale, nonostante sapessero che molti
di loro non sarebbero sopravvissuti al pilot. “Eravamo tutti
tipo: “Wow! È così che finisce? Ok, diamoci dentro!”. Quindi è
stato davvero divertente immedesimarmi nel mio personaggio, essendo
la prima volta che vedevo Pennywise e sentivo davvero la sua
presenza. Quella scena finale è stata semplicemente iconica. È
scioccante”.
Il cast di IT: Welcome to Derry
La serie, prodotta dalla Warner
Bros. Television e sviluppata per la televisione dai registi
Andy Muschietti e Barbara
Muschietti(IT,
The
Flash) e Jason Fuchs (Wonder
Woman), debutterà su HBO e sarà disponibile in streaming in
Italia grazie a Sky. Muschietti dirigerà quattro episodi della
serie di nove episodi. Bill Skarsgård ha descritto IT:
Welcome to Derry come “piuttosto hardcore” e ha
ammesso di aver avuto qualche esitazione nel riprendere quello che
è diventato forse il suo ruolo più iconico.
Ambientata nell’universo di
IT di Stephen King, la serie è
basato sul romanzo e amplia la visione creata dal regista
Andy Muschietti nei film
IT – Parte 1 e IT – Parte
2. Il cast è guidato da Taylour Paige,
Jovan Adepo, Chris Chalk,
James Remar, Stephen Rider,
Madeleine Stowe, Rudy Mancuso e
Bill Skarsgård. È stato anche confermato che
IT: Welcome to Derry sarà trasmesso per la prima
volta questo ottobre, il che significa che dovremmo tornare a Derry
in tempo per Halloween.ù
Taylor Sheridan
lascia ufficialmente la Paramount. L’ideatore di
Yellowstone
passerà a un altro studio subito dopo la scadenza del suo
contratto. Da tempo circolavano voci secondo cui Sheridan fosse
sempre più insoddisfatto della Paramount. E ora queste osservazioni
sono state confermate dopo che l’icona televisiva ha concluso un
accordo con uno dei maggiori concorrenti della sua ex casa di
produzione, la NBC Universal. Sebbene il suo
contratto cinematografico di otto anni, che avrà inizio nel marzo
2026, sia già di per sé molto importante, è il suo contratto
televisivo quinquennale, che inizierà nel gennaio 2029, che
potrebbe rivelarsi davvero rivoluzionario.
Pubblicato per la prima volta da
Puck, il suo attuale accordo con
la Paramount durerà fino al 2028. Una volta terminati i suoi
obblighi nei confronti dello studio, inizierà a creare programmi
per piattaforme come NBC e Peacock. Anche la 101 Studios di David
Glasser, la società dietro la serie di Sheridan, passerà alla
Universal.
Sebbene Sheridan dovrà lasciarsi
alle spalle alcuni dei suoi franchise più importanti (Tulsa
King, Landman,
Operazione Speciale: Lioness e Mayor of Kingstown) poiché di proprietà della
Paramount, questo nuovo accordo alla fine gli porterà comunque dei
vantaggi e gli consentirà di guadagnare più di quanto perderà.
L’autore probabilmente godrà di molta più libertà con il suo nuovo
contratto, che gli consentirà di creare una nuova serie di
programmi e film.
L’addio di Sheridan sarà anche una
grande perdita per la Paramount. Nel corso degli anni, le serie che
ha creato per lo studio sono state tra le più apprezzate e famose.
Inoltre, i suoi progetti continuano ad attirare nuovo pubblico.
Senza Sheridan al timone, la Paramount potrebbe trovarsi ad
affrontare molte sfide, tra cui quella di mantenere l’interesse
degli spettatori dopo la sua partenza.
Uno dei capitoli fondamentali della
serie di supereroi del franchise DCEU è stato Batman v Superman: Dawn of Justice di
Zack Snyder, che ha rappresentato un tassello
fondamentale per la Justice League. Per la timeline dei
film DCEU, Ben Affleck è stato scelto come attore per
portare il Cavaliere Oscuro sul grande schermo.
Mentre la serie si è conclusa nel
2023 con Aquaman e il Regno Perduto, Snyder ha pubblicato su
Instagram una foto inedita di Affleck durante la sua prima prova
costume da Batman per il film del 2016. Il regista ha aggiunto nel suo post:
“Una Polaroid in bianco e nero 4×5 che ho scattato a Ben
durante la prova costume, la prima volta che ha indossato il
costume. Tutto come speravo che fosse. #Batman“
Dal Batman di Ben Affleck a quello del DC Universe
Questo avviene poco dopo che Snyder
ha condiviso una nuova foto di Henry Cavill nei panni di Superman il 17 ottobre 2025.
Affleck ha invece poi interpretato l’icona DC in Suicide Squad, Justice
League del 2017 e nella versione originale di
Zack Snyder’s Justice
League, per la quale ha persino girato del nuovo
materiale in vista della sua uscita nel 2021 su HBO Max.
La star di Hollywood ha concluso la
sua carriera tornando un’ultima volta nel film The
Flash nel 2023, indossando il costume per l’ultima
volta. Affleck era anche inizialmente previsto come protagonista,
regista e sceneggiatore del suo film solista, intitolato
The
Batman, fino a quando non è stato trasformato in un
reboot per Robert Pattinson, con il regista
Matt Reeves alla guida.
Il Cavaliere Oscuro sarà ora
reimmaginato anche in un nuovo franchise DC interconnesso, poiché
la DC Studios sta lavorando a un film su Batman nell’universo DC,
diretto da Andy Muschietti. Il progetto è ancora
in fase di scrittura e non è stata ancora fissata una data di
uscita per il reboot. La versione DCU dell’eroe di Gotham è apparsa nella serie
animata Creature Commandos, dove è
apparso in un flashback, così come nella visione futura di
Circe.
È poi in arrivo un film su
Clayface ambientato nel franchise di
James Gunn, poiché l’episodio dell’11
settembre 2026 darà ulteriori scorci della città del Cavaliere
Oscuro. Tuttavia, il film The Brave and The Bold
non sarà l’unico progetto con Bruce Wayne nei prossimi anni, dato
che Reeves dirigerà The Batman – Parte 2, la cui
uscita nelle sale è prevista per il 1° ottobre 2027. Le riprese
principali dovrebbero iniziare nel 2026, con Pattinson che
riprenderà il ruolo del protagonista.
Mentre l’intelligenza artificiale
continua a rimodellare la società moderna, il leggendario regista
Guillermo del Toro esprime chiaramente la sua
posizione. Nel promuovere la sua ultima uscita, Frankenstein (qui
la recensione), il vincitore dell’Oscar paragona la tecnologia
emergente alla spinta dello scienziato protagonista a sfidare la
morte.
In un’intervista alla NPR, del Toro ha affermato che
la sua “preoccupazione non è l’intelligenza artificiale, ma la
stupidità naturale”, che secondo lui “è ciò che alimenta
la maggior parte degli aspetti peggiori del mondo”. È
interessante notare che il regista ha canalizzato questa follia
scientifica nella sua versione di Victor Frankenstein.
“Volevo che l’arroganza di
Victor fosse in qualche modo simile a quella dei tech bro”, ha
detto del Toro. “È un po’ cieco, crea qualcosa senza
considerare le conseguenze, e penso che dovremmo fermarci un attimo
e riflettere su dove stiamo andando”. Cambiando argomento, del
Toro ha spiegato perché l’avvertimento lanciato nella storia di
Frankenstein è così rilevante al giorno d’oggi,
condividendo il suo disprezzo per l’intelligenza artificiale e il
suo utilizzo nei film.
Il regista ha infatti dichiarato:
“L’intelligenza artificiale, in particolare quella generativa,
non mi interessa e non mi interesserà mai. Ho 61 anni e spero di
poter rimanere disinteressato al suo utilizzo fino alla
morte“. Del Toro ha poi rincarato la dose aggiungendo: L’altro
giorno qualcuno mi ha scritto un’e-mail chiedendomi: “Qual è la
tua posizione sull’intelligenza artificiale?”. La mia risposta è
stata molto breve. Ho detto: “Preferisco morire”.
Del Toro è da tempo un paladino
della creatività nel cinema, con le sue opere caratterizzate da
un’inimitabile stranezza. Secondo il regista, ciò risale al suo
amore per l’adattamento cinematografico di
Frankenstein del 1931. “Ho visto la resurrezione della
carne, l’immacolata concezione, l’estasi, le stigmate. Tutto aveva
senso“, ha detto del Toro in un’altra parte dell’intervista.
”Ho capito meglio la mia fede o i miei dogmi attraverso
Frankenstein che attraverso la messa domenicale“.
Il suo affetto per il classico del
cinema ha cambiato il corso della sua vita e spiega ulteriormente
perché l’uso dell’IA nel cinema potrebbe non piacergli. I commenti
di del Toro arrivano però in un momento in cui l’IA ha già iniziato
a rivoluzionare l’industria cinematografica. Importanti figure del
settore come Joe e Anthony Russo
hanno abbracciato pienamente l’uso dell’IA nei loro film, e
l’attrice IA Tilly Norwood ha scatenato un’ampia
controversia tra attori e pubblico.
Le preoccupazioni di Del Toro
stanno diventando sempre più rilevanti man mano che l’uso dell’IA
diventa mainstream, sollevando un pensiero interessante: forse
dovremmo prestare attenzione agli avvertimenti di Mary Shelley
sull’ambizione scientifica. In ogni caso, possiamo stare certi che
guardando un film di del Toro non troveremo mai neanche un elemento
realizzato attraverso l’utilizzo di questa tecnologia e che anzi il
regista continuerà a preferire l’indiscutibile bellezza
dell’artigianalità cinematografica.
Guarda la nostra video recensione
di Frankenstein di Guillermo del
Toro
Dopo aver realizzato per il terzo
anno consecutivo un altro film degno di un premio con Emma Stone, Yorgos Lanthimos
ha bisogno di un po’ di riposo e relax. Il regista, candidato
cinque volte all’Oscar, ha recentemente ammesso di aver bisogno di
“una piccola pausa” dopo l’uscita del suo ultimo film
Bugonia,
nonostante avesse già intenzione di prendersi una pausa dopo i suoi
due titoli precedenti, Povere creature! (2023) e Kinds of
Kindness (2024).
“Beh, non posso continuare a
farlo. Questo è quello che sappiamo per certo in questo
momento”, ha detto a Collider, aggiungendo: “È un
grosso errore. Penso di aver bisogno di una pausa. L’ho già detto
tra l’uno e l’altro dei tre film precedenti, ma ora sono serio.
Potete credermi. Mi prenderò una piccola pausa”. La pausa di
Lanthimos arriva dunque dopo che Povere creature! gli è valso le nomination agli Oscar
per il miglior film e il miglior regista, mentre Stone ha vinto il
premio come migliore attrice.
I due hanno anche realizzato
Kinds of
Kindness mentre lui completava la post-produzione di
Povere creature! (i due film hanno infatti pressoché lo
stesso cast). “Decido quale film realizzare ogni volta che una
sceneggiatura è pronta, quindi quando è pronta, e abbiamo lavorato
a qualcosa per così tanto tempo, mi sembra un peccato lasciarla lì
e aspettare”, ha spiegato. “Quindi, mi sono quasi
costretto a cercare di trovare il tempo per farlo subito dopo aver
finito qualcosa”.
Lanthimos ha continuato:
“Abbiamo girato Kinds of Kindness durante quel lunghissimo
periodo di effetti speciali su Povere creature!, quindi sentivo il
bisogno di fare qualcosa in quel periodo. Poi, Bugonia, l’avevo
letto tre anni prima e abbiamo lavorato un po’ sulla sceneggiatura
con Will [Tracy], quindi mi sembrava pronto e volevamo solo andare
avanti e realizzarlo. Quindi, trovi la volontà e la forza, ma a un
certo punto si esauriscono. Siamo a quel punto“.
In Bugonia,
ora al cinema, due teorici della cospirazione (Jesse
Plemons e Aidan Delbis) rapiscono una
potente amministratrice delegata (Stone), convinti che sia
un’aliena intenzionata a distruggere la Terra.
Da quando è tornato nel franchise
Marvel con Spider-Man:
No Way Home, si è riaccesa la speranza che il Peter Parker
interpretato da Tobey Maguire possa avere un altro film da
solista. L’attore è stato il primo a interpretare l’icona Marvel
sul grande schermo, protagonista della trilogia di Spider-Man
diretta da Sam Raimi. Tuttavia, non sono solo gli
spettatori a voler vedere Spider-Man 4 con la
coppia, ma anche i membri di Hollywood. Il co-sceneggiatore di
The
Batman e The Batman – Part II, Mattson
Tomlin, ha recentemente risposto a un utente su
X riguardo ai progressi nel suo tentativo di realizzare il
quarto capitolo.
Lo sceneggiatore ha sottolineato
che “chi va piano va sano e va lontano. Non ci sarà nulla da
dire al riguardo per molto tempo (se mai ci sarà!), perché
coinvolge molte persone, questioni politiche e cose che devono
andare per il verso giusto che non hanno nulla a che fare con
me”. Tuttavia, Tomlin ha aggiunto: “Ma non ho ancora
ricevuto un ‘no’!”. Lo sceneggiatore della serie Batman ha
sostenuto l’idea di scrivere una storia per il personaggio
interpretato da Maguire in cui questi “si destreggia tra il
ruolo di marito e quello di padre”, come ha condiviso su X il 30 luglio
2025.
Vedremo
mai Spider-Man 4 di Sam
Raimi con Tobey Maguire?
Il film Spider-Man
4, poi cancellato, era inizialmente previsto per maggio
2011, poiché Raimi e Maguire erano pronti a continuare il mondo che
era stato costruito nei primi tre film. Tuttavia, a seguito di
molteplici divergenze creative dietro le quinte, la Sony ha posto
fine al franchise e ha rilanciato la proprietà sotto la guida di
Marc Webb con The Amazing Spider-Man nel
2012, interpretato da Andrew Garfield.
Raimi ha chiarito che è disposto a
rivisitare il suo universo di Spider-Man, dopo l’enorme successo
dell’episodio del 2021 con Tom Holland, Maguire e Garfield. In
un’intervista con Moviepilot il 28 aprile 2022, ha dichiarato:
“Non pensavo fosse possibile, ma dopo essere tornato nel
multiverso ho capito che, proprio come Doctor Strange, ora tutto è
possibile. Quindi sono completamente aperto a questa
possibilità“.
Anche Maguire ha dichiarato
pubblicamente di essere disposto a vestire nuovamente i panni
dell’Uomo Ragno della Marvel, come ha espresso nel libro
Spider-Man No Way Home: The Official Movie Special,
pubblicato il 28 febbraio 2023, dove ha dichiarato: “Adoro
questi film e adoro tutte le diverse serie. Se questi ragazzi mi
chiamassero e mi dicessero: “Ti va di uscire stasera per divertirci
un po’?” o “Ti va di partecipare a questo film, leggere una scena o
fare qualcosa con Spider-Man?”, la mia risposta sarebbe “sì!”.
Perché non dovrei volerlo fare?”.
Anche Kirsten Dunst, che ha interpretato Mary-Jane
Watson nella trilogia, si è detta disponibile a tornare per un
possibile ritorno in Spider-Man 4, affermando il 3
ottobre 2025 che le piacerebbe esplorare i personaggi di lei e
Maguire come genitori. L’attrice ha dichiarato: “Penso che
sarebbe un film interessante, no? Io e Tobey che lo rifacciamo… con
dei bambini”.
Per quanto riguarda il ritorno nel
Marvel Cinematic Universe, Garfield ha dichiarato in un’intervista
a GQ il 9 ottobre 2025 che lui e Maguire non saranno in
Avengers: Doomsday. Anche se
Spider-Man 4 per il veterano non è in programma,
Sony Pictures e Marvel Studios hanno Spider-Man: Brand New
Day in arrivo il 31 luglio 2026.
L’universo DC sta già entrando nel
vivo della saga di Batman in vista del prossimo reboot della DC
Studios dedicato al Cavaliere Oscuro. Mentre James Gunn deve ancora scegliere il nuovo
Bruce Wayne per il suo reboot del supereroe nel film The
Brave and The Bold, uno dei suoi nemici più famosi farà il
suo debutto sul grande schermo nel 2026. Attualmente è infatti in
produzione il film Clayface, che darà vita a Matt Hagen in un
live-action, interpretato da Tom Rhys Harries.
Gunn ha ora utilizzato X per
celebrare l’anniversario del personaggio nei fumetti, stuzzicando
al contempo il pubblico della DCU su ciò che potrà aspettarsi dal film del
2026. Il co-CEO della DC Studios ha infatti commentato: “Buon
anniversario al cattivo perennemente incompreso, Clayface”. Ha
concluso il post aggiungendo che “non vede l’ora che voi
possiate vedere @TomRhysHarries dargli vita sul grande
schermo!”. La copertina raffigura la prima apparizione di Matt
nei fumetti, mentre l’anniversario è dedicato a Clayface nel suo
complesso.
La maggior parte delle iterazioni
di Clayface hanno tradizionalmente raffigurato il famoso nemico
come un pericoloso mutaforma, dato che il personaggio è apparso in
diversi progetti animati DC. Tuttavia, alcune delle
rappresentazioni più famose hanno affrontato il cattivo di Batman
come una figura tragica, un attore che viene sfigurato e usa metodi
estremi per cercare di salvare la sua carriera, il che lo trasforma
nell’antagonista di Gotham. Dalle parole di Gunn, potrebbe essere
proprio quest’ultima la direzione presa dal film in
lavorazione.
Al momento sono stati rivelati
pochi dettagli sulla trama, ma abbiamo appreso che Matt Hagen sarà
al centro dell’attenzione. Nei fumetti, era il secondo
Clayface, un avventuriero che si è trasformato in
un mostro dopo aver incontrato una pozza radioattiva di
protoplasma. Questo è cambiato in Batman: The Animated
Series, dove è stato ritratto come un attore che usava una
crema anti-età per sembrare più giovane. Dopo essersi scontrato con
il suo creatore, Roland Daggett, Hagen viene immerso in una vasca
di quella sostanza e diventa il “classico” Clayface che tutti
conoscete dai fumetti.
Stando ad alcuni rumor emersi
online, la storia di Clayface sarà incentrata su
un attore in ascesa il cui volto è sfigurato da un gangster. Come
ultima risorsa, il divo si rivolge a uno scienziato eccentrico per
poter ottenere nuovamente il suo fascino. All’inizio l’esperimento
ha successo, ma le cose prenderanno presto una piega
inaspettata.
Poiché Clayface
sarà ambientato nell’universo DC, i fan dovrebbero aspettarsi molti
collegamenti con l’universo più ampio, e saremmo molto sorpresi se
Batman apparisse o fosse anche solo menzionato. Il produttore
Peter Safran ha condiviso alcuni nuovi dettagli
sulla sceneggiatura di Flanagan, sottolineando che il film sarà
effettivamente un film horror in piena regola, sulla scia di La
mosca di David Cronenberg, ma si dice
trarrà anche ispirazione dal successo horror di Coralie
Fargeat, The
Substance.
“Clayface, vedete, è una storia
horror hollywoodiana, secondo le nostre fonti, che utilizza
l’incarnazione più popolare del cattivo: un attore di film di serie
B che si inietta una sostanza per rimanere rilevante, solo per
scoprire che può rimodellare il proprio viso e la propria forma,
diventando un pezzo di argilla ambulante”, ha dichiarato
Safran.
Tom Rhys Harries interpreterà il personaggio
principale di Clayface,
il film dei DC Studios. Il film vedrà anche la partecipazione di
Max Minghella nel ruolo di John, un detective di
Gotham City che inizia a nutrire sospetti sulla relazione tra la
sua fidanzata Caitlin e Matt Hagen. Naomi Ackie
interpreta invece proprio Caitlin Bates, amministratrice delegata
di un’azienda biotecnologica che cura Matt dopo che questi è stato
sfigurato.
Il film è basato su una storia di
Mike Flanagan, attore di La caduta della casa
degli Usher (l’ultima bozza è stata firmata da Hossein
Amini, sceneggiatore di Drive), con James
Watkins, regista di
Speak No Evil, alla regia.
Clayface è attualmente previsto per l’arrivo
nelle sale l’11 settembre 2026.
Presentato come film di
chiusura nella sezione Panorama di Alice nella Città, Una Famiglia
Sottosopra segna il ritorno alla regia di Alessandro
Genovesi, autore che conosce bene i meccanismi della commedia
italiana contemporanea. Prodotto da Sonia Rovai per
Wildside (società del gruppo Fremantle) in coproduzione con
Sony Pictures International Productions, e distribuito da
Eagle Pictures, il film arriverà nelle sale italiane il 6
novembre 2025.
Con un cast che riunisce
Luca Argentero, Valentina Lodovini, Licia Maglietta, Chiara
Pasquali, Carlo Alberto Matterazzo e Martina
Bernocchi, Una Famiglia Sottosopra sceglie di affrontare
il tema – ormai classico – dello scambio di corpi, ma lo fa con un
tono leggero, ritmato e con una coralità che riesce a dare nuova
linfa a un meccanismo narrativo già conosciuto.
Un risveglio che
cambia tutto
Valentina Lodovini, Licia Maglietta,
Chiara Pasquali, Luca Argentero, Martina Bernocchi e Carlo
Alberto Matterazzo @ANDREA PIRRELLO
La storia ruota attorno
ad Alessandro Moretti (Luca Argentero), un uomo deluso dalla
vita: non lavora da anni, il rapporto con la moglie
Margherita (Valentina Lodovini) è sempre più distante, e i
suoi tre figli sono fonte costante di frustrazione. Dopo aver
trascorso una giornata al parco divertimenti di Gardaland
per festeggiare il compleanno della figlia più piccola, la famiglia
– suocera compresa – decide di passare la notte in uno degli hotel
del parco.
Al mattino seguente,
però, accade l’impossibile: ognuno si risveglia nel corpo di un
altro. Da quel momento, la routine quotidiana si trasforma in
un vortice di situazioni assurde e spassose, dove i ruoli si
ribaltano e la famiglia deve imparare, letteralmente, a mettersi
nei panni dell’altro.
L’idea, pur non
innovativa, funziona perché Genovesi e Giulio Carrieri
(co-autore della sceneggiatura) costruiscono una coralità vivace:
più personaggi coinvolti significano più intrecci, più
fraintendimenti e, soprattutto, un potenziale comico che viene
sfruttato in modo intelligente.
Tra leggerezza e
riflessione: un equilibrio riuscito
Una Famiglia
Sottosopra non si limita alla gag o alla comicità slapstick. Il
film trova il suo ritmo nel contrasto tra il caos delle situazioni
e la necessità, per ciascun personaggio, di confrontarsi con le
fragilità altrui. Nel corpo di qualcun altro, ogni membro della
famiglia scopre quanto sia difficile – ma anche necessario –
comprendere i bisogni e le fatiche degli altri.
Luca Argentero dà
solidità al suo Alessandro, sospeso tra rabbia e redenzione, mentre
Valentina Lodovini riesce a infondere al personaggio di Margherita
una tenerezza misurata e mai stucchevole. Licia Maglietta, nei
panni della suocera, aggiunge una nota di ironia più matura che
bilancia bene il tono generale. I giovani interpreti, Carlo Alberto
Matterazzo e Martina Bernocchi, completano un quadro familiare
credibile e ben diretto. Ma su tutti spicca Chiara Pasquali, per
motivi chiarissimi, una volta visto il film, la sua è una
interpretazione difficile eppure spassosa e matura, forse il vero
cuore del film.
Girato tra Gardaland
e Roma, il film sfrutta la cornice colorata del parco come
simbolo di un caos controllato, dove la famiglia – costretta a
vivere un’avventura fuori dall’ordinario – ritrova, quasi per caso,
la propria unità.
Un progetto troppo
semplice, sicuramente sincero
Licia Maglietta, Valentina Lodovini, Carlo Alberto Matterazzo,
Martina Bernocchi e Chiara Pasquali @ANDREA PIRRELLO
Nonostante la buona
energia del cast e la regia vivace di Genovesi, Una Famiglia
Sottosopra resta, nel complesso, una commedia piuttosto
prevedibile. Le dinamiche dello scambio di persona seguono
schemi collaudati: l’imbarazzo iniziale, il crescendo di equivoci,
il momento di crisi e la riconciliazione finale. Tuttavia, ciò che
poteva trasformarsi in una serie di cliché ripetitivi viene gestito
con misura e un tocco di leggerezza che impedisce al film di
appesantirsi.
Genovesi non pretende di
rivoluzionare il genere: preferisce raccontare una storia familiare
con ritmo, ironia e un pizzico di malinconia. È proprio nel
finale, sorprendentemente sobrio e coerente, che il film
trova la sua verità emotiva. Senza grandi colpi di scena, ma con un
sorriso sincero, riesce a restituire un messaggio universale e
semplice: per capire davvero chi ci sta accanto, a volte serve solo
cambiare prospettiva.
Il regista Justin
Wu insieme a Siena Agudong e al tiktoker
ora attore Noah Beck hanno presentato a Roma, in
occasione della
XXIII edizione di Alice nella CittàThe Bad Boy and Me. Ecco la nostra intervista.
The Bad Boy and Me è già un successo
internazionale
Tratto dal
romanzo più letto di sempre su Wattpad. Dallas Bryan è una
cheerleader determinata, con l’obiettivo di ottenere una borsa di
studio di danza al CalArts. Drayton Lahey è il quarterback ribelle,
proveniente da una famiglia leggendaria nel football, ed è tutto
ciò che Dallas non dovrebbe volere; almeno, questo è quello che lei
continua a ripetersi. Ma quando Dallas e Dray si trovano vicini, le
scintille scattano in ogni direzione. Più lei cerca di convincersi
di non aver bisogno di lui, più capisce che forse è arrivato il
momento di smettere di pensare a ciò di cui ha bisogno e andare
incontro a ciò che desidera davvero. Questa divertente e giovanile
storia d’amore ha superato i 31 milioni di letture sulla
piattaforma ed è il secondo libro cartaceo più venduto di Wattpad
Books.
Il film Panama di
Mark Neveldine si apre con una voce fuori campo eroica che afferma
che “non c’è niente di più rock and roll che eliminare i cattivi
per il bene della patria”. Questo chiarisce il tono dei novanta
minuti successivi, in cui il film presenta due marines statunitensi
a Panama che cercano di stringere un accordo segreto e rovesciare
il governo del Paese. Tuttavia, non è questa narrazione
spudoratamente parziale e unilaterale a rovinare il film, ma
piuttosto il modo in cui è raccontata. Il film vede Cole
Hauser e
Mel Gibson nei ruoli principali. La sceneggiatura poco
brillante, la fotografia costantemente frenetica e una trama
terribilmente superficiale e prevedibile lo rendono piuttosto
sgradevole da guardare.
Cosa succede in
Panama
Nel 1989, James Becker era un ex
marine che viveva in condizioni di totale miseria, anche un anno
dopo la tragica morte di sua moglie. Incolpandosi per la sua
scomparsa, avvenuta probabilmente mentre lui era lontano da casa,
Becker continua a bere, trascorrendo le sue giornate per lo più
svenuto vicino alla tomba della moglie nel giardino di casa. Una
mattina, mentre si trova in questo stato, viene avvicinato da un
membro dei marines e da un appaltatore della difesa, Stark, che
sembra aver lavorato in precedenza con Becker. Stark gli dice che
ha bisogno di lui per una missione speciale e segreta e, sebbene
Becker inizialmente non sia d’accordo, viene presto convinto.
Quando arriva alla base governativa
nel giorno previsto, Stark lo sta già aspettando insieme a un altro
agente, Burns. Quest’altro agente è inizialmente molto scettico nei
confronti di Becker, soprattutto per la sua mancanza di disciplina
e la sua natura arrogante, che potrebbero indurlo a ribellarsi
durante la missione. Una volta fatte le presentazioni, i due
informano Becker della missione, che consiste nel portare a termine
con successo un accordo per la vendita di armi.
In quel periodo la CIA stava
cercando attivamente di aiutare le forze ribelli in Nicaragua per
rovesciare il governo e creare un soft power, e Panama era una
posizione geografica importante per questo scopo. Tuttavia, il
coinvolgimento diretto della CIA nel governo di altri paesi fu
presto ritenuto illegale, e così iniziarono a cercare modi
indiretti e indiretti per fare lo stesso. Inoltre, gli Stati Uniti
stavano diventando sempre più diffidenti nei confronti del
dittatore Manuel Noriega, che all’epoca era il leader de facto di
Panama, e stavano cercando di pensare a modi per eliminarlo.
In questo scenario politico,
Noriega offrì di vendere un elicottero russo in cambio di dieci
milioni di dollari da trasferire sul suo conto bancario svizzero.
D’altra parte, le forze ribelli sostenute dagli Stati Uniti,
chiamate Contras, cercavano di procurarsi un elicottero russo per
portare a termine la loro missione di assassinare Noriega. Gli
Stati Uniti accettarono di acquistare l’elicottero da Noriega e di
darlo ai Contras, in modo da poter avere entrambe le cose. Becker
sarebbe stato inviato a Panama come consulente per la gestione dei
casinò nel Paese, il che gli avrebbe permesso di stabilirsi lì per
un certo periodo e portare a termine l’affare dell’acquisto
dell’elicottero da Noriega.
Fino a che punto si spinge
Becker con l’affare?
Una volta arrivato a Panama, Becker
incontra il mediatore dell’affare, Enrique Rodriguez.
Enrique è un uomo che ha studiato
ad Harvard e ha contatti da entrambe le parti: il colonnello Marcos
Justines, il capo dell’esercito, che detiene il vero potere
autoritario a Panama, è il suo padrino, mentre suo zio, Billy Ford,
è un politico che si oppone a Noriega nelle elezioni.
Enrique vive una vita movimentata,
piena di champagne e alcol, con una grave dipendenza dalla cocaina
e un gruppo di donne che lo accompagnano, ognuna delle quali
presenta come sua fidanzata. Mentre Becker cerca di parlargli
dell’accordo sugli elicotteri, per il quale la CIA ha già versato
un anticipo di un milione di dollari a Enrique, l’uomo cerca di
temporeggiare, chiedendo a Becker di ambientarsi prima nel Paese e
nel suo lavoro al Casinò Nazionale.
Una volta arrivato al casinò, viene
avvicinato da un uomo di nome Brooklyn Rivera, che è venuto per
portarlo a incontrare il leader dei Contras, Steadman Muller.
Volano a Miami, dove Becker e Muller si siedono per concludere un
accordo per scambiare apparecchiature di comunicazione sovietiche
con un elicottero sovietico. Il giorno dopo, si recano al campo
profughi dei Contras in Honduras, dove Becker viene a conoscenza
delle atrocità e delle violenze che la popolazione comune subisce
dal governo della giunta sandinista del Nicaragua.
Accompagnati da un piccolo esercito
ribelle, si addentrano nella foresta e uccidono tutti i membri di
un campo della milizia governativa nemica. Dopo aver trascorso il
fine settimana in questo modo, Becker torna a Panama, dove incontra
l’agente della DEA Cynthia Benitez, che gli promette di aiutarlo in
situazioni difficili se lui sarà in grado di aiutare la CIA e la
DEA nel suo Paese. Nel frattempo, Enrique incontra Justines e
promette di spillare più soldi ai gringos americani, che poi
terranno come profitto personale. Enrique visita il casinò di
Becker per cercare di avvicinarsi a lui e anche per dare soldi al
proprietario del casinò, Cordoza. Quella notte, Becker incontra
Camila, una giovane donna da cui è immediatamente attratto, e
nonostante gli avvertimenti di Enrique sul fatto che lei sia
collegata a persone pericolose, vuole avvicinarsi a lei. I due
trascorrono una notte sensuale insieme e sembrano piacersi al di là
della semplice fisicità.
La mattina dopo, Enrique porta
Becker in una zona della giungla per una gara di motocross; la
scommessa di Enrique è che se Becker vince, allora concluderanno
l’affare per l’elicottero, ma se perde, allora cercherà di venderlo
a qualcun altro. Enrique ovviamente vince, poiché tutto questo
faceva parte dei suoi piani preconcetti per cercare di ottenere più
soldi, e anche se Becker all’inizio non prende sul serio la
scommessa, viene presto informato che il broker sta per vendere
l’elicottero a un altro acquirente. È comprensibilmente furioso per
la situazione e riesce a riprendersi il milione di dollari pagato
come anticipo, che il broker aveva nascosto all’interno di un
altoparlante musicale.
Nelle settimane successive, la
situazione a Panama peggiora con la crescente possibilità di
un’invasione americana. Justines ordina a Enrique di recuperare il
milione di dollari da Becker con le buone o con le cattive, e
assume un gruppo di assassini per eliminare tutti coloro che sono
stati in stretto contatto con Becker. Nel frattempo, Becker si era
avvicinato a Camila, e i due ora si abbandonano spesso a
appassionati rapporti sessuali. Una notte, nella residenza di
Camila, lei lascia sospettosamente la stanza, fingendo di preparare
un drink. Becker si veste rapidamente quando sente sussurri e passi
fuori dalla stanza e riesce a uccidere i sicari assoldati.
Chiamando Cynthia, Becker si rende
conto che Camila potrebbe essere parte dell’intero piano e si reca
immediatamente nella sua altra casa. Ma una volta lì, scopre che
Camila è stata costretta a farlo e i due tornano insieme. Scopre
anche che è stato Enrique a organizzare l’omicidio e presto gli fa
visita. Il broker è costretto a rivelare la verità, ovvero che è
stato Justines a ordinargli di farlo. Tornato a casa, Becker trova
Camila uccisa da due uomini, ma riesce a ucciderli e a vendicare la
sua morte.
D’altra parte, Justines viene a
sapere che Enrique ha spifferato tutto a Becker e lo avvelena a
morte per aver cercato di tradirlo. Alla fine, Becker va a uccidere
Justines per porre fine a tutto, ma riceve un enorme shock quando
viene rivelato che anche l’agente Burns è collegato ai piani di
Justines per recuperare il denaro e che anche lui vuole eliminare
Becker.
Spiegazione del finale di
Panama: cosa è successo a Becker e alla situazione a
Panama?
Burns era quello che teneva i
contatti con Justines per conto della CIA e, nel frattempo, aveva
sviluppato un rapporto personale con Justines ed era ora avido di
denaro e potere. Prende in ostaggio la cognata di Becker, Tatyana,
con cui aveva mantenuto stretti contatti dopo la morte di sua
moglie. Becker contatta Stark e i due uomini effettuano uno scambio
con Justines e Burns, in cui Tatyana viene scambiata con una
valigetta piena di soldi. Ora che la donna è fuori pericolo, Becker
torna a casa di Burns a Panama per riprendersi i soldi. Segue
l’ordine del suo superiore di non fare del male a Burns e lo lascia
andare quando Burns improvvisamente estrae la pistola per cercare
di sparargli. Becker lo abbatte rapidamente con un colpo al petto.
Non danno la caccia a Justines, lasciando che sia la DEA a regolare
i conti, e invece consegnano l’elicottero a un Muller
esultante.
In una narrazione fuori campo,
Stark spiega che il leader ribelle non ha ucciso Noriega con
l’elicottero, ma ha invece scelto di salvare 200 famiglie dai guai.
Mentre Becker si gode una vacanza da solo, la stessa voce fuori
campo ci racconta della cattura definitiva di Noriega per mano
dell’esercito statunitense, che a quel punto aveva invaso
Panama.
Il film, ovviamente, ha ben poco a
che vedere con la storia reale di quel periodo e di quel luogo,
essendo veritieri solo l’ambientazione e lo sfondo. Neveldine si
propone di raccontare una storia a favore della discutibile pratica
americana di interferire nei paesi poveri e devastati dalla guerra,
cosa che ha fatto categoricamente durante la seconda metà del
secolo scorso.
Intorno agli anni ’80, gli Stati
Uniti avevano gli occhi puntati sulla demolizione del governo
marxista della giunta sandinista del Nicaragua, sostenuto
direttamente da Manuel Noriega, egli stesso comunista. Il governo
statunitense, guidato dall’icona della destra Ronald Reagan,
dovette intervenire e vide l’opportunità di portare a termine
entrambi i compiti con i Contras, le forze ribelli dell’America
Latina pagate per fare il lavoro sporco dello Zio Sam. È
storicamente provato che i Contras abbiano commesso atrocità su
larga scala durante questo periodo, con il forte sostegno e
appoggio del governo statunitense, ma il film non ne fa alcuna
menzione. Al contrario, dipinge i Contras in una luce comprensiva
mentre Becker visita il loro campo profughi e incontra innocenti
abitanti del villaggio che sono stati perseguitati dal governo
della giunta.
Come sempre durante qualsiasi
conflitto politico, ci sono atrocità e vittime da entrambe le
parti, ma questo viene ignorato ciecamente in “Panama”. Tuttavia,
il film è al suo peggio quando si tratta del modo in cui presenta
questa narrazione. Le scene del ribelle Muller che spara con la sua
pistola nel profondo della giungla, come se stesse strimpellando
gli accordi di una chitarra mentre suona musica rock ad alto
volume, non creano alcun eroismo, ma sembrano piuttosto
ridicolmente buffe. Nessuno dei personaggi ha alcuna profondità e
nemmeno le brevi apparizioni di Mel
Gibson all’inizio e alla fine del film riescono a salvarlo. La
telecamera continua a spostarsi e a muoversi, con pochissime soste
o pause, il che rende il film a volte visivamente fastidioso. Nel
complesso, “Panama” è un pasticcio che cerca di salvarsi ma che
ogni volta crea un pasticcio ancora più grande, e il film è meglio
evitarlo.
Le morti di Jayson e
Perry
Kripke ha poi anticipato
quanto sarà difficile la battaglia finale contro
Homelander, nonostante i molti alleati che i protagonisti
riusciranno a raccogliere:
Parallelamente, anche
Eileen è un personaggio tragico. La sua forza e il suo intelletto
la rendono rispettata, ma la sua vita è minata da
insicurezze, dipendenze e solitudine. Pur avendo
conquistato uno spazio nel mondo accademico, Eileen non trova la
felicità: è intrappolata tra il desiderio di stabilità e il peso
del passato con Hedda. Le due donne sono legate da un amore
represso che si trasforma in odio e competizione. Nessuna riesce a
essere sincera con l’altra o con sé stessa; i loro incontri sono
costellati di provocazioni e ferite emotive reciproche, fino al
punto di rottura.
A peggiorare la situazione,
il giudice Brack minaccia di svelare le manipolazioni di
Hedda, lasciandola senza via d’uscita. In preda al panico
e alla vergogna, Hedda fugge verso il lago, dove sembra voler porre
fine alla propria vita. Tuttavia, un ultimo barlume di speranza si
accende quando apprende che Eileen è
sopravvissuta: la possibilità di un riscatto, seppur
tenue, lascia il finale aperto a un’interpretazione più
sfumata.
Un’estetica da Z-Movie
contro l’America reaganiana
