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The King’s Man – Le origini, la spiegazione del finale

The King’s Man – Le origini, la spiegazione del finale

Terzo capitolo della saga Kingsman, The King’s Man – Le origini sconvolge la formula consolidata nei precedenti film. Dopo il successo di Kingsman: The Secret Service del 2014, con Taron Egerton e Colin Firth, e Kingsman: The Golden Circle, il film contiene molti elementi ormai familiari e caratteristici della serie. Tuttavia, anche se i fan troveranno ancora molto da apprezzare, ci sono alcune differenze importanti con il finale di The King’s Man, così come altre caratteristiche chiave.

The King’s Man – Le origini è ambientato all’inizio del 1900, alla vigilia della prima guerra mondiale, dove un aristocratico di nome Orlando Oxford, alias il Duca di Oxford (Ralph Fiennes), viene coinvolto nei piani bellici che stanno prendendo forma in Europa. È un pacifista, avendo perso la moglie mentre lavorava per la Croce Rossa durante la guerra boera nel 1902, e da allora ha deciso di aiutare l’Inghilterra dalla sua posizione di duca per evitare il conflitto. Anni dopo, allo scoppio della prima guerra mondiale, il figlio di Oxford, Conrad (Harris Dickinson), è irremovibile nel suo desiderio di partecipare allo sforzo bellico, mentre Oxford lo trattiene, avendo promesso alla moglie morente che avrebbe tenuto il figlio lontano dal pericolo. Lavorando dietro le quinte, Oxford si consulta con il re Giorgio V (Tom Hollander), il ministro della Guerra britannico Herbert Kitchener (Charles Dance) e il suo aiutante, il capitano Morton (Matthew Goode), per aiutare a scongiurare la minaccia di un conflitto più grave, sperando di porre fine alla guerra coinvolgendo gli Stati Uniti. Nel frattempo, un consiglio segreto si riunisce su una remota scogliera in Scozia, guidato da un misterioso personaggio chiamato The Shepherd, che riunisce tutti i tipi di cattivi storici, da Mata Hari (Valerie Pachner) a Erik Jan Hanussen (Daniel Bruhl) a Grigori Rasputin (Rhys Ifans), che lavorano tutti insieme per influenzare lo sforzo bellico che alla fine porterà all’annientamento della Gran Bretagna.

In definitiva, il finale di The King’s Man – Le origini presenta probabilmente più tragedia rispetto ai due precedenti capitoli della serie. È anche indubbiamente vero che la narrazione gioca in modo spregiudicato con la storia consolidata, affrontandola con ironia e spavalderia. Tuttavia, nonostante il mix tra il tono familiare di Kingsman e una tristezza leggermente insolita, non c’è dubbio che il finale getti efficacemente le basi per il futuro dell’agenzia di spionaggio Kingsman. Ecco cosa succede nel finale di The King’s Man – Le origini e perché.

Cosa succede nel finale di The King’s Man – Le origini

Dopo l’uccisione di Rasputin, Conrad annuncia a suo padre che si arruolerà nell’esercito. Chiede il suo sostegno, ma Oxford rifiuta, poiché ciò violerebbe la promessa fatta alla madre di Conrad di tenerlo al sicuro. Conrad si arruola comunque e Oxford organizza segretamente tutto affinché lui resti al sicuro. Tuttavia, Conrad ha previsto questa eventualità e si scambia di posto con un altro soldato di nome Archie Reid (Aaron Taylor-Johnson), che poco dopo torna alla tenuta di Oxford per consegnare una lettera di Conrad. Mentre si trova in prima linea con la sua nuova identità, Conrad aiuta a intercettare informazioni da un agente britannico caduto, ferito nel caos della terra di nessuno e intrappolato lì. Dopo una battaglia con le truppe d’assalto tedesche, Conrad localizza l’agente e lo riporta nelle trincee. Tuttavia, un altro soldato scopre che Conrad si fa chiamare Archie Reid e lo uccide, pensando che Conrad sia una spia, poiché il soldato dice di conoscere il vero Archie.

La notizia della morte di Conrad sconvolge Oxford, che cade nell’alcol e nell’isolamento, non essendo riuscito a mantenere la promessa fatta alla moglie. In seguito viene incoraggiato da Polly, che gli dice che lo lascerà se non si riprende, ricordandogli la sua missione di usare i suoi privilegi per migliorare il mondo.

Oxford si ripulisce e si reca all’ambasciata americana a Londra, dove ha un breve alterco con Mata Hari, che gli fornisce informazioni sulla posizione del Pastore. Oxford, Shola e Polly si infiltrano nella scogliera in Scozia, affrontando finalmente il Pastore, che si rivela essere il capitano Mortan di Matthew Goode, una spia scozzese che rivela di essere determinato a distruggere l’Inghilterra come vendetta per l’acquisizione delle sue terre ancestrali. Andando contro la sua natura pacifista, Oxford uccide il Pastore e trova un “sex tape” di Mata Hari e del presidente Wilson. Fa consegnare il nastro al presidente, che lo getta nel fuoco, distruggendo le prove della sua infedeltà e spingendo gli Stati Uniti a entrare in guerra, ponendo fine alla prima guerra mondiale.

Chi ha fondato i Kingsman e qual è il significato del nome?

Nei momenti finali del film, Oxford riunisce tutti i protagonisti della missione nella sartoria Kingsman (che funge da luogo di incontro segreto per tutto il film), dove annuncia di aver acquistato il negozio e che questo servirà come luogo di incontro per la loro nuova organizzazione segreta di spionaggio, che il re adotta come braccio armato dei servizi segreti britannici. Oxford annuncia inoltre che ai presenti saranno assegnati nomi in codice legati al re Artù, poiché la leggenda era molto cara al suo defunto figlio Conrad. Oxford è Artù, Polly è Galahad, Shola è Merlino, Archie Reid è Lancillotto, l’ambasciatore degli Stati Uniti (Stanley Tucci) è Bedivere, mentre re Giorgio V prende il nome di Percival.

Il fondatore, a quanto pare, non è altro che il Duca di Oxford interpretato da Fiennes. Oxford diventa il primo “Arthur”, capo de facto dell’organizzazione Kingsman. In Kingsman: Secret Service, Arthur è interpretato da Michael Caine, che in realtà lavora per gli antagonisti del film. Nel sequel, Kingsman: Il cerchio d’oro, il nuovo Arthur è interpretato dal veterano Michael Gambon.

Il significato di The King’s Man – Le origini si riduce al fatto che Oxford è un gentiluomo al servizio del re Giorgio V e, per procura, della Gran Bretagna stessa. Durante tutto il film, Oxford si consulta con il re, aiutando a pianificare e plasmare il destino del paese, in questo caso contribuendo a porre fine alla guerra. Il legame con Re Artù dei soprannomi deriva dal figlio di Oxford, Conrad, che fin da piccolo amava quella storia e chiamava suo padre Arthur. In sostanza, l’uso dei nomi di Re Artù e dei Cavalieri della Tavola Rotonda, fino ai film moderni, è in onore del defunto Conrad. I Cavalieri di Re Artù esistevano per servire il re e la nazione stessa, rendendo The Kingsman una versione metaforica della leggenda arturiana.

Chi era il Pastore e perché voleva distruggere l’Inghilterra?

Il Pastore non era altro che il capitano Morton interpretato da Matthew Goode, aiutante del segretario alla guerra britannico Herbert Kitchener interpretato da Charles Dance. Kitchener era un personaggio storico, ritratto in modo relativamente accurato nel mondo di Kingsman, anche se mancavano molti dettagli. L’ufficiale britannico fu ucciso quando la sua nave, in viaggio verso la Russia per incontrare lo zar Nicola II, fu colpita da una mina tedesca e affondò. In The King’s Man – Le origini, la nave viene affondata da un siluro lanciato da un sottomarino dal Pastore, che era saltato dalla nave in precedenza per fingere la propria morte. Durante tutto il film, il Pastore, nei panni del capitano Morton, viene costantemente sfidato o evitato da Kitchener e Oxford, anche se apparentemente sono in rapporti amichevoli. A loro insaputa, però, Morton è in realtà il Pastore e sta essenzialmente svolgendo il proprio lavoro di spionaggio per ottenere le informazioni necessarie per aiutare a distruggere l’Inghilterra.

La sua motivazione deriva dall’antica rivalità tra Scozia e Inghilterra, che ha combattuto per il controllo del paese per secoli. Il Pastore vuole semplicemente far pagare loro i misfatti commessi nell’acquisizione della Scozia, ma non sembra avere una motivazione diretta per le sue azioni al di là del semplice odio per gli inglesi. La Scozia è entrata a far parte del Regno Unito nel 1700, quindi sembra che le azioni del Pastore siano motivate da ragioni nazionalistiche, più che personali. Come per tutti gli aspetti “storici” in The King’s Man – Le origini, gli eventi sono spesso veri, ma il modo in cui accadono e le circostanze sono modificati per includere personaggi e eventi di fantasia che servono alla narrazione del film, piuttosto che informare lo spettatore sugli eventi storici reali.

The King’s Man – Le origini è in realtà un film contro la guerra

Ciò che The King’s Man – Le origini vuole davvero dire, e la ragione principale per cui l’organizzazione si è costituita in modo ufficiale, è impedire che la guerra abbia mai luogo. Dopo aver perso il suo unico figlio in guerra, Oxford forma l’organizzazione come mezzo per rimediare ai propri fallimenti, sia nei confronti del figlio che del suo Paese. L’approccio pacifista di Oxford alla fine gli è costato tutto. Due guerre diverse in due momenti diversi gli hanno portato via la moglie e il figlio, e anche se ha affrontato quelle situazioni con cura e preoccupazione, la sua incrollabile fede nella non violenza si è rivelata inutile. Per impedire che le guerre scoppiassero, avrebbe dovuto passare all’offensiva, sconfiggendo il loro sorgere da dietro le quinte, come spia, e facendo ciò che era necessario, violento o meno, per il bene superiore.

Oxford predicava anche a Conrad l’importanza di essere civili e gentiluomini, spiegandogli come solo pochi secoli prima tali concetti sarebbero stati considerati segni di debolezza. L’evoluzione dell’uomo, così come i privilegi di alcuni, li spinge verso una vocazione più alta che va oltre la violenza primitiva. Tuttavia, nonostante tutti i suoi insegnamenti, Conrad non riusciva a liberarsi dal desiderio di andare in guerra e combattere per il suo Paese, un’azione che Oxford non poteva approvare. Il termine “Oxfords not Brogues” è stato coniato nei film originali di Kingsman e implica che un Kingsman è più raffinato, intelligente, astuto e civile rispetto alla persona media. In origine, il termine era un paragone con un tipo di scarpe indossate solo con gli abiti eleganti (Oxfords) piuttosto che con scarpe pensate per essere utilizzate in contesti più rurali o informali (Brogues). Ora, con The King’s Man – Le origini, il termine ha una sorta di doppio significato che supporta ancora quello originale, poiché si riferisce al fondatore letterale dei Kingsman e all’essere più simili a lui piuttosto che a tutti gli altri. In sostanza, significa essere un uomo migliore, un uomo civilizzato, che cerca di fermare le guerre prima che accadano, piuttosto che essere la causa del loro inizio. In sostanza, riassume perfettamente la mitologia dei Kingsman.

Il vero significato del finale di The King’s Man – Le origini

Il significato ultimo del finale di The King’s Man è la difficile situazione di essere un genitore, che vuole proteggere i propri figli (e la propria eredità) a tutti i costi, sperando di tenerli lontani da qualsiasi tipo di pericolo o sfida, in modo che possano vivere la vita migliore possibile. Tuttavia, il mondo spesso ha altri piani e i genitori devono accettare con riluttanza (e a malincuore) che i propri figli sceglieranno la propria strada, per quanto pericolosa, e che non c’è nulla che si possa fare per fermarli, nonostante tutti gli sforzi. Nel caso di Oxford, i suoi tentativi di mantenere la promessa fatta a una donna in fin di vita, oltre che di promuovere le proprie convinzioni pacifiste, non sono stati sufficienti a impedire a suo figlio di seguire il proprio desiderio di andare in guerra e combattere. Accettare che i propri figli crescano e scelgano la propria strada è il fardello più grande per un genitore, una lezione che è costata a Oxford un grande dolore e rimorso. Oxford ha scelto di affrontare la sua perdita fondando The Kingsman, un’organizzazione dedicata a fermare la guerra e i conflitti prima che possano iniziare, salvando così la vita di molti figli e figlie che sceglierebbero di marciare verso la loro rovina se quegli eventi raggiungessero la loro porta.

James Gunn ha spiegato come “funziona la morte” nel suo DCU

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James Gunn ha spiegato come “funziona la morte” nel suo DCU

James Gunn ha commentato il funzionamento della morte nel nuovo DCU, sottolineando l’importanza che i personaggi muoiano per una ragione. Sebbene il lato cinematografico del DCU inizi con Superman, il franchise è iniziato con Creature Commandos, che ha visto la morte di numerosi personaggi importanti.

Nonostante ciò, la DC Comics ha una scappatoia collaudata: il Pozzo di Lazzaro. Sono essenzialmente come sorgenti termali dalle sfumature verdi che mantengono giovani e possono riportare in vita le persone, l’esempio più famoso è Jason Todd. Pertanto, il pubblico ha ipotizzato che questa potrebbe non essere l’ultima volta che vedranno questi personaggi DCU defunti.

Su Threads, James Gunn ha risposto a un fan che scherzava sul fatto che “nessuno rimane morto per sempre” nella DC. Il capo dei DC Studios ha affermato senza mezzi termini: “Nel DCU se muori, sei morto”. Un altro fan ha risposto con: “Domanda: da amante della regola della non-resurrezione, mi chiedo se non ti limiti a usare elementi consolidati della tradizione dei fumetti DC come il Pozzo di Lazzaro?”

James Gunn risponde alla percezione che “tutti i fan DC” vogliano vedere il Batman di Robert Pattinson nel DCU

Gunn ha chiarito spiegando di non essere contrario al concetto classico DC: “Beh, non mi dispiacerebbe usare il Pozzo di Lazzaro (e/o la resurrezione) in una storia. Ma dovrebbe essere parte integrante della storia stessa. Non ucciderò personaggi principali solo per rimetterli in vita nel vecchio PL.” Tuttavia, il regista ha chiarito di ritenere che questo espediente narrativo debba essere usato con parsimonia. Ha spiegato: “Ciò che si ritorce di più contro di noi è credere che non ci siano rischi e che la morte non significhi nulla. La morte è morte.”

James Gunn è molto chiaro sulla sua posizione sulla morte nel DCU. A parte una storia in cui il Pozzo di Lazzaro è essenziale, come quella di Jason Todd, non ha alcuna intenzione di resuscitare i personaggi indiscriminatamente. È più probabile che costruisca la trama attorno alla morte e alla resurrezione per mantenere alta la posta in gioco.

È interessante notare che Gunn ha già visto morti di personaggi importanti nei suoi film, seguite da quella che molti scambiano per una resurrezione: Groot in Guardiani della Galassia. Nello stesso thread di cui sopra, il regista stesso ha osservato che il Groot di Guardiani della Galassia Vol. 2 in poi è il figlio del Groot originale. Pertanto, ha già ucciso degli eroi in passato ed è in grado di gestire le conseguenze, l’eredità e soprattutto il significato di questi sacrifici.

A Working Man ha una scena post credits?

A Working Man ha una scena post credits?

A Working Man è un nuovo potenziale franchise per Jason Statham, e questo potrebbe portare a ipotizzare che ci sarà una scena post-crediti che anticipa altri film. Il film d’azione del 2025 vede Statham nei panni di Levon Cade, un ex militare che ora lavora come operaio edile nel tentativo di vivere una vita più semplice. Viene risucchiato nel pericolo per salvare una ragazza rapita e combattere contro chiunque gli sbarri la strada. Il cast di A Working Man include Michael Peña, David Harbour e altri attori che affiancano Levon Cade interpretato da Statham.

Il film, adattamento del libro di Chuck Dixon “Levon’s Trade”, è prodotto da Amazon MGM. È stato diretto da David Ayer e scritto da Sylvester Stallone. La serie di libri ha dato a A Working Man un potenziale franchise, dato che ci sono altri 10 libri che potrebbero essere adattati in futuro. Considerando quanto siano diventati prolifici i franchise d’azione di Jason Statham, c’era sempre stata una forte probabilità che questo film fosse il primo di molti con Levon Cade. Il pubblico potrebbe aspettarsi una scena post-crediti che anticipi cosa potrebbe succedere in futuro.

A Working Man non ha una scena post-crediti

Screen Rant può confermare che non ci sono scene dopo i titoli di coda in A Working Man. I titoli di coda del film scorrono senza interruzioni o sorprese. Chiunque guardi A Working Man al cinema o in streaming è comunque invitato a rimanere fino alla fine dei titoli di coda per vedere i nomi di tutti coloro che hanno lavorato duramente alla realizzazione del film. Tuttavia, non è previsto alcun sequel per un altro film d’azione con Jason Statham, che gli spettatori si perderanno se non rimangono fino alla fine.

A Working Man lascia ancora aperta la porta a un sequel senza una scena dopo i titoli di coda

La verità è che A Working Man non aveva bisogno di una scena dopo i titoli di coda. Le scene tag sono tipicamente utilizzate per mostrare agli spettatori un assaggio di ciò che potrebbe accadere in un sequel. Tuttavia, il finale di A Working Man lo fa da solo. Senza entrare nel merito di spoiler diretti, si può dire con certezza che Jason Statham potrebbe tornare nei panni di Levon Cade per altri film, se il film avrà abbastanza successo da giustificarli.

A Working Man 2 non è ancora stato confermato

Anche non includere una scena dopo i titoli di coda in A Working Man è stata una decisione intelligente. Includerne una avrebbe segnalato al pubblico che era in arrivo un altro film. Sebbene ciò possa benissimo accadere, non è ancora stato confermato che A Working Man 2 sia in fase di sviluppo. È meglio che il film finisca senza una promessa diretta di un sequel, se c’è ancora la possibilità che non ci sia. Quindi, anche se A Working Man potrebbe non avere una scena dopo i titoli di coda, lascia comunque intravedere la possibilità di un sequel in un modo che assicura che tutti lo vedranno.

A Working Man, la spiegazione del finale: cosa è successo nella resa dei conti finale

L’ultima collaborazione tra Jason Statham e David Ayer, A Working Man, prende spunto da altri film con protagonisti un uomo solo contro tutti, come Taken e John Wick, in un divertente adattamento del romanzo di Chuck Dixon del 2014, Levon’s Trade. A Working Man ha debuttato con recensioni positive su Rotten Tomatoes, continuando la serie positiva del protagonista Jason Statham, e anche se non otterrà alcuna nomination agli Oscar, è una versione ben realizzata del tipico film d’azione di Statham. Nel cast figurano anche Michael Peña e David Harbour, mentre Sylvester Stallone ha sviluppato la sceneggiatura con Ayer e ha prodotto il film.

Come molti dei personaggi interpretati da Statham, Levon Cade intraprende una nuova professione nonostante un passato glorioso come soldato paramilitare d’élite.

In A Working Man, è un caposquadra molto amato che lavora per un uomo d’affari attento alla famiglia (Peña) a cui è fedele e che è a conoscenza del suo passato professionale. Viene chiamato in azione quando la figlia del suo capo viene rapita da trafficanti di esseri umani e inizia a farsi strada a colpi di coltello, pugni e pistola attraverso una setta locale della mafia russa alla ricerca di informazioni.

Tuttavia, mentre manipola e falcia i mafiosi, provoca l’ira della Confraternita, la più grande organizzazione mafiosa che controlla il traffico di esseri umani e di droga che Levon ha interrotto. Questo li spinge a mandare i loro maniaci sicari alle sue calcagna, portando a una resa dei conti tra Levon e la forza combinata dei trafficanti locali e dei sicari nella casa dove è tenuta prigioniera la figlia del suo capo.

Perché la Confraternita ha lasciato vivere Levon

Nonostante abbia ucciso molti scagnozzi, Leon può andarsene con Jenny

Uccidendo indiscriminatamente i mafiosi, Leon ha sconvolto gli affari della setta mafiosa locale. Pur non nascondendo il suo interesse per Jenny Garcia, interpretata da Arianna Rivas, ha ucciso abbastanza scagnozzi di basso e medio livello da attirare l’attenzione dei capi della Confraternita. È stata loro decisione mandare Nestor e Karp, i due assassini in trench, all’inseguimento di Levon; sono loro che rintracciano la sua identità e lo ricollegano alla casa di suo suocero, che bruciano nel tentativo di farlo uscire allo scoperto.

Tuttavia, quando l’ex militare uccide non solo i due sicari nella casa trappola, ma anche tutti gli altri membri della mafia russa, la Confraternita dice a Yuri al telefono di lasciar andare Levon. Ora che aveva salvato la ragazza che cercava, non c’era motivo di dargli la caccia. La vendetta non porta soldi, soprattutto con qualcuno che si è dimostrato pericoloso come Levon, quindi era nell’interesse dell’organizzazione lasciarlo vivere in pace invece di “cancellare tutta la sua stirpe”, come era stato minacciato in passato.

Perché Yuri vuole ancora dare la caccia a Levon

Nel corso della sua furia omicida, Levon riesce a uccidere un numero esorbitante di criminali di vario rango. Molti di quelli che uccide, tra cui il vicecapo che schiaffeggia e annega nella sua piscina (Jason Flemyng) e i due teppisti che uccide nel retro del furgone, erano direttamente collegati a Yuri (suo fratello e i suoi figli, per la precisione). Nelle scene finali di A Working Man, Yuri fa sapere alla leadership della Confraternita che ha ancora intenzione di dare la caccia a Levon per vendicare i suoi familiari uccisi e di uccidere Levon e le persone che ama.

Perché Jenny Garcia è stata rapita?

L’insolito modus operandi dell’organizzazione di traffico di esseri umani di Dimi ha portato al rapimento di Jenny. Viper e Artemis sono responsabili di scattare foto e girare video delle ragazze nel locale dove Jenny e le sue amiche stavano festeggiando, e inviano quelle immagini ai potenziali acquirenti che scelgono le ragazze che desiderano. Da lì, Viper e Artemis eseguono il rapimento in modo silenzioso e le ragazze scompaiono.

Jenny è stata scelta dal trasandato Mr. Broward, che ha notato che gli ricordava una donna che aveva visto in un dipinto. Questo era l’unico motivo: non aveva nulla a che fare con suo padre, i suoi affari o qualsiasi altro legame significativo. Fortunatamente, Jenny è riuscita a respingere Broward nel loro primo incontro mordendogli il viso e sfigurandolo, e Broward è stato ucciso da Levon prima che potesse avere una seconda possibilità di tormentarla.

Come il finale di A Working Man prepara il terreno per un sequel

Il romanzo da cui è tratto A Working Man fa parte della serie di Chuck Dixon che segue le imprese di Levon Cade, non diversamente dalla serie Jack Reacher di Lee Childs. Ci sono molti altri materiali di riferimento su cui lavorare se A Working Man dovesse rivelarsi un successo al botteghino tale da giustificare un sequel. Sebbene questo sia stato il caso del precedente film d’azione di Ayer e Statham, The Beekeeper, resta da vedere se A Working Man avrà lo stesso successo di pubblico.

Il romanzo Levon’s Trade: A Vigilante Justice Thriller, che ha ispirato A Working Man, è il primo di 12 libri della serie di Chuck Dixon.

Fortunatamente, A Working Man ha già gettato le basi per un franchise. Anche se la Confraternita non vuole più avere nulla a che fare con Levon Cade, Yuri è chiaramente ancora assetato di vendetta. Sembra abbastanza ovvio che un sequel diretto di A Working Man si concentrerebbe sulla ricerca di Levon Cade da parte di Yuri. È scontato che cercherà di dare la caccia anche a sua figlia Merry, dato che Levon ha ucciso i suoi figli e suo fratello.

Cosa ha detto il regista sul finale di A Working Man

In un’intervista con ScreenRant, lo sceneggiatore e regista David Ayer ha spiegato in dettaglio cosa distingue A Working Man da altri film d’azione simili. Secondo Ayer, dare a Levon un legame emotivo e familiare con personaggi realistici è ciò che rende speciale l’intero film. Come ha osservato il regista, “… dargli una motivazione emotiva, dargli questa famiglia adottiva che si è presa cura di lui e alla quale lui può poi restituire il favore e prendersi cura a sua volta, insomma, questo è il film per me”.

Ayer ha anche parlato del potenziale futuro del franchise, in particolare del fatto che Levon Cade potrebbe avere “questioni in sospeso”, in chiaro riferimento alla vendetta di Yuri. Ha anche accennato al suo interesse per il personaggio secondario interpretato da David Harbour, Gunny, l’ex compagno di squadra cieco di Levon che funge da suo “sommelier delle armi” in A Working Man. Sebbene non sia stato ancora annunciato nulla, Ayer ha detto che un sequel o un prequel incentrato maggiormente su Gunny potrebbe essere interessante.

Il vero significato di A Working Man

Mentre alcuni film di genere comunicano i temi in modo metaforico, A Working Man è simile ad altri film d’azione in quanto non ha molta profondità. La lealtà verso la propria famiglia è un filo conduttore, così come l’idea che la famiglia possa assumere forme diverse: Levon considera Gunny suo fratello perché hanno servito insieme, mentre considera i Garcia la sua famiglia perché gli hanno dato una possibilità e un modo per guadagnarsi da vivere nonostante il suo passato e i traumi che ne sono derivati. È questo senso di lealtà familiare che guida Levon in A Working Man e che dovrebbe guidare Yuri in un potenziale sequel.

Echo Valley, la spiegazione del finale: Kate perdona Claire?

Echo Valley, la spiegazione del finale: Kate perdona Claire?

Echo Valley, in onda su Apple TV+, è un thriller mozzafiato in cui una madre mette tutto a rischio per proteggere la sua figlia ribelle. Kate Garretson (Julianne Moore) vive da sola in una grande tenuta agricola, affranta dal recente lutto di una persona cara. Tuttavia, sua figlia Claire porta con sé una tempesta di guai quando si presenta a casa sua, sconvolta, spaventata e sporca del sangue di qualcun altro. Di conseguenza, trovandosi a dover occuparsi di un cadavere, la madre si ritrova a ricoprire un ruolo che non avrebbe mai immaginato di dover interpretare. Ma la storia non è solo quello che sembra. Lo stesso diventa evidente quando Jackie (Domhnall Gleeson), una delle amiche più losche di Claire (Sydney Sweeney), entra nella vita di Kate, precipitando il suo mondo in una nuova e pericolosa realtà. Il legame già fragile tra madre e figlia ne risente, portando le due donne su un terreno instabile. SPOILER IN ARRIVO!

Cosa succede in Echo Valley?

Da quando Kate ha perso sua moglie Patty, alzarsi dal letto è diventato un compito difficile. La morte di quest’ultima è arrivata senza alcun preavviso, lasciando la sua compagna ancora più addolorata. A peggiorare le cose, in sua assenza, la vedova non riesce a sopportare l’idea di avere qualcun altro che la aiuti nella fattoria, costringendola a sospendere momentaneamente la sua attività di equitazione. Man mano che la pausa si prolunga da settimane a mesi e il tetto del fienile continua a crollare a causa dei danni, Kate non ha altra scelta che andare dal suo ex marito, Richard, nella speranza di ottenere un assegno. Al ritorno dalla visita spiacevole ma alla fine utile, la proprietaria del fienile torna a casa e trova sua figlia Claire sulla soglia di casa, in visita a sorpresa.

Quando la madre, felicissima di vedere sua figlia, le chiede delle numerose chiamate e messaggi persi, Claire le dice che Ryan, il suo ragazzo, le ha gettato il telefono in mare. Lei insiste che il suo scherzo di gettare un borsone pieno delle sue cose nel fiume era una vendetta appropriata. Tuttavia, ben presto, la sua idea di scherzo torna a perseguitarla quando Ryan si presenta alla porta di Kate, rosso in viso per la rabbia. A quanto pare, il borsone che Claire ha gettato conteneva droga per un valore di migliaia di dollari. Dato che non può pagare il debito, il suo contatto, Jackie, è deciso a dargli la caccia. Peggio ancora, per ripulire il proprio conto, ha detto allo spacciatore che la sua ragazza gli ha rubato la droga e è scappata.

Di conseguenza, Ryan mette Claire in pericolo, soprattutto quando rivela la sua posizione al pericoloso uomo. Ben presto, Jackie le fa visita e la picchia, accettando di andarsene solo dopo l’intervento di Kate. Tuttavia, chiarisce che vuole i suoi soldi a tutti i costi. In seguito, la madre esce di casa per prendere una boccata d’aria, ma quando torna trova sua figlia che è tornata insieme a Ryan. Inoltre, Claire le dice che i due andranno in campeggio per un po’. Questo la porta a chiederle dei soldi, il che, data la sua travagliata storia di tossicodipendenza, fa scattare molti campanelli d’allarme. Inevitabilmente, quando Kate, che è completamente al verde, si rifiuta di darle dei soldi, la giovane donna diventa violentemente maniacale.

Sebbene Kate trovi un po’ di pace e tranquillità in assenza della figlia, questa dura solo fino al ritorno di Claire, che torna presto, questa volta con le lacrime sul viso e il sangue sulla maglietta. A quanto pare, la sua gita in campeggio con Ryan ha preso una brutta piega quando i due hanno litigato. Da cosa nasce cosa, ha finito per uccidere il suo ragazzo con una pietra alla testa. Il suo cadavere ora giace avvolto in un lenzuolo nel bagagliaio della sua auto. Nonostante lo shock causato dalla svolta degli eventi, Kate mantiene il sangue freddo e decide di aiutare Claire a sbarazzarsi del cadavere. Inoltre, usa persino i soldi che ha ricevuto dal suo ex per pagare Jackie. Tuttavia, alla fine, la figlia se ne va di nuovo senza dire una parola. Le cose peggiorano ulteriormente quando la madre la rintraccia e scopre che Ryan è vivo e vegeto.

Di chi è il cadavere che Kate ha gettato nel lago?

Una volta che Kate capisce che Claire ha mentito sulla morte di Ryan, ogni azione di sua figlia viene esaminata con sospetto. Tuttavia, la domanda più preoccupante rimane quella sul cadavere che ha portato a casa. Lo stesso cadavere che sua madre ha gettato sul fondo del lago Marsh. Inizialmente, Kate controlla i messaggi di Claire sul suo iPad e scopre che sua figlia aveva pianificato di ingannare sua madre per farle sbarazzare del cadavere per lei e il suo ragazzo. Tuttavia, solo molto più tardi, quando Jackie si presenta di nuovo a casa sua, Kate scopre tutta la verità. Tutto è iniziato quando Ryan ha contratto un debito enorme con Jackie, lo spacciatore.

Ryan inizia a spacciare droga per ripagare il debito. Tuttavia, non passa molto tempo prima che inizi a perdere la pazienza con il business. Di conseguenza, inizia a tagliare la droga con il fentanil per aumentare la sua scorta originale. Ben presto, questo porta a risultati disastrosi quando un ragazzo di nome Greg va in overdose. Di conseguenza, Ryan e, per associazione, la sua ragazza Claire, iniziano a dare di matto e chiedono aiuto a Jackie. Alla fine, è la giovane donna a trovare una soluzione. Dopo anni e anni passati a truffare sua madre per ottenere soldi e prosciugare i suoi conti bancari in inutili programmi di riabilitazione, Claire sa che Kate farebbe qualsiasi cosa per lei. Pertanto, escogita un piano per mettere in scena una messinscena per sua madre e manipolarla facendola credere che sua figlia ha commesso un omicidio per legittima difesa. Tuttavia, in realtà, il cadavere che Kate nasconde è quello del povero ragazzo morto, Greg.

Perché Claire si presenta a casa di Kate? Sua madre la perdona?

Echo Valley Julianne Moore

Claire ha da tempo causato complicazioni e conseguenze negative nella vita dei suoi genitori. Da anni combatte contro la tossicodipendenza e ha sempre evitato qualsiasi tentativo di riabilitazione. Anche quando Kate e Richard l’hanno inserita in un programma, è semplicemente scappata in un modo o nell’altro. Sebbene suo padre sembri averla abbandonata in una certa misura, sua madre continua a essere una figura affidabile nella sua vita. Ogni volta che si presenta a casa di Kate, pronta a fare i capricci per avere dei soldi, la madre cede prima di ricominciare il ciclo da capo. Tuttavia, anche se Claire la tormenta per avere dei soldi anche in questa occasione, non è la cosa peggiore che le fa.

A differenza delle altre volte, questa volta Claire non va da Kate semplicemente per procurarsi i soldi per la prossima dose. È perché la prima si trova in guai seri dopo aver contribuito inavvertitamente alla morte di un giovane. Di conseguenza, la figlia mette in atto una lunga truffa per convincere Kate a sbarazzarsi del cadavere per lei. Claire non solo è consapevole di poter ottenere qualsiasi cosa da sua madre, ma è anche disposta a sfruttare attivamente questo fatto, anche a discapito di quest’ultima. Non sembra importarle cosa significhi per il suo futuro coinvolgere Kate. Al contrario, le interessa solo ciò che può ottenere da questo accordo. Alla fine, la madre riesce a sistemare tutto, scagionandola e chiudendo definitivamente quel capitolo della sua vita. Tuttavia, non passa molto tempo prima che sua figlia ricompaia alla sua porta.

In precedenza, Claire aveva mandato un messaggio alla madre chiedendole se sarebbe mai riuscita a perdonarla. La mancanza di una risposta da parte di Kate non sembra dissuaderla dal tornare nella sua vita. Le due sembrano avere una dinamica strana. La madre, che ha distrutto la loro famiglia dopo essersi innamorata di Patty, la bracciante, presumibilmente si incolpa per l’instabilità nella vita della figlia. Per lo stesso motivo, il suo amore incondizionato per la bambina cresce a dismisura, rendendole impossibile negarle qualsiasi cosa. Al contrario, la figlia, che prova almeno un po’ di disprezzo verso i suoi genitori, sfrutta questo amore incondizionato a proprio vantaggio ogni volta che ne ha l’occasione. Claire non si preoccupa di mandare la sua vita in rovina perché sa che sua madre la salverà in ogni caso.

Pertanto, anche dopo aver fatto passare a Kate il periodo più brutto e pericoloso della sua vita, la prima torna a casa con una serie di problemi completamente nuovi. Allo stesso modo, quando Kate apre la porta, sa chi c’è dall’altra parte. Dopotutto, Coop, il suo cane, abbaia così solo per una persona. A questo punto, ha due scelte: aiutare Claire o sbatterle la porta in faccia. Il motivo del suo arrivo è quasi irrilevante perché, se la madre si permette di perdonare sua figlia e di farla entrare, sigillerà il suo destino a tempo indeterminato. Alla fine, la storia si conclude senza una risoluzione di questa situazione precaria. Il rapporto di Kate con sua figlia può andare in entrambi i modi, a seconda che lei scelga di perdonarla o di tagliarla fuori dalla sua vita.

Di chi è il corpo trovato nel fienile?

Sebbene l’arrivo di Jackie porti alla luce tutta la storia del tradimento di Claire, promette anche qualcosa di molto peggio per Kate. Lui sa che quest’ultima si è occupata del corpo di Greg per sua figlia. Pertanto, ora desidera sfruttare questa informazione come ricatto per estorcere del denaro al proprietario del fienile. Finora, la morte di Greg sembra essere sfuggita all’attenzione delle autorità. Tuttavia, Jackie minaccia di cambiare le cose segnalando il fatto alla stazione di polizia locale. Pertanto, se Kate vuole mantenere il segreto e proteggere se stessa e sua figlia, deve giocare secondo le regole dello spacciatore. In definitiva, sembra che lui voglia solo una cosa: i soldi.

Anche se Kate non ha liquidità, a causa del deterioramento della sua attività, Jackie vuole comunque che lei trovi una soluzione e paghi il riscatto. Finché non lo farà, lui giura di tenerla in ostaggio nel suo fienile. Alla fine, grazie a una tragedia che ha recentemente colpito uno dei suoi amici, le viene in mente una soluzione. Una conversazione con Les le ha rivelato che il proprietario di un fienile ha recentemente dato fuoco alla sua proprietà nella speranza di incassare il risarcimento dell’assicurazione. Aveva usato un razzo di segnalazione per appiccare il fuoco, che sarebbe stato impossibile da individuare se non fosse stato per un pezzo dell’attrezzo che l’incendiario aveva lasciato sul posto a causa del suo Alzheimer. Ispirata da questa storia, Kate elabora un piano per dare fuoco al suo fienile.

Tuttavia, Kate non ha intenzione di bruciare la sua vita per pagare il riscatto a un uomo che probabilmente continuerà a tormentarla anche dopo. Jackie ha prove incriminanti contro di lei. Per lo stesso motivo, l’unico modo per sbarazzarsi definitivamente di lui è metterlo in prigione. Pertanto, mentre dice allo spacciatore che prenderà il risarcimento dell’assicurazione e lo pagherà a rate, Kate ha in mente un piano diverso. La sera prima che il piano abbia inizio, guida fino al Marsh Lake. Con l’aiuto del suo amico Les, si immerge sott’acqua e recupera il corpo di Greg. Più tardi, mantiene la rotta e lancia il razzo di segnalazione nel fienile davanti a Jackie. Tuttavia, non appena lui se ne va, lei e Les si precipitano dentro per liberare i cavalli e gettare il cadavere nell’appartamento sopra il fienile. Di conseguenza, quando arriva la polizia, trova un pezzo della pistola lanciarazzi e il cadavere, trasformando il fienile in una scena del crimine.

Chi viene arrestato per la morte di Greg?

Il ritrovamento del corpo di Greg nell’incendio del fienile complica le cose su diversi livelli. Per prima cosa, Kate diventa la sospettata principale, dato che il fienile è suo e lui dovrebbe essere l’unico ad avervi accesso. Inoltre, ha un motivo per dare fuoco al posto per incassare l’assicurazione. Tuttavia, anche se è la prima ad essere interrogata dal detective Ballard, sa come ribaltare la situazione a suo favore. Kate interpreta alla perfezione il ruolo della vittima innocente e all’oscuro di tutto. In seguito, dice al detective che aveva recentemente assunto un bracciante, Jackie Lawson, per avere un aiuto in più.

Naturalmente, Jackie nega di aver mai conosciuto Kate o di aver mai messo piede nel suo fienile. Tuttavia, le prove dimostrano il contrario. In precedenza, mentre teneva ancora in ostaggio la proprietaria del fienile nella sua proprietà, lei aveva segretamente mandato un messaggio a una delle sue clienti, Emma, per dirle di passare a prendere la sella del suo cavallo. Quando Emma si è presentata sul posto, Jackie è uscito per salutarla, non volendo lasciare uscire la sua ostaggio dalla casa. Inoltre, si è presentato come il bracciante di Kate dopo che quest’ultima gli aveva suggerito l’idea. Pertanto, durante l’interrogatorio della polizia, Emma conferma la versione secondo cui lo spacciatore lavorava alla Echo Valley Farm.

Meglio ancora, gli estratti conto bancari indicano che Kate aveva pagato Jackie all’inizio del mese, cosa che aveva pianificato in anticipo. Una volta che diventa chiaro che Ballard è destinato a credere al proprietario del fienile, Jackie cerca di ribaltare la situazione a suo favore rivelando la verità. Tuttavia, a quel punto, l’idea che Kate abbia gettato il corpo di Greg nel lago per aiutare la figlia in difficoltà sembra troppo inverosimile e improbabile. Dopotutto, il corpo è stato trovato nell’appartamento che lo spacciatore aveva occupato durante il suo soggiorno al fienile. Così, Jackie viene infine accusato del crimine, mentre Kate se la cava senza alcuna pena. Inavvertitamente, o forse di proposito, questo scagiona anche Claire da qualsiasi responsabilità per la morte di Greg.

The Last Witch Hunter – L’ultimo cacciatore di streghe, la spiegazione del finale

Alla fine di The Last Witch Hunter – L’ultimo cacciatore di streghe, Kaulder deve scegliere se continuare il ciclo o lasciarlo andare. Dopo aver scoperto la verità sulla sua immortalità, si prepara alla battaglia finale contro il nemico, senza sapere quali prove dovrà affrontare lungo il cammino. Il destino del mondo è in gioco in questa grande battaglia tra il bene e il male, con l’esistenza di Kaulder al centro di tutto. Chloe propone una nuova via d’uscita dal suo dilemma, che promette di riparare agli errori del passato e ricominciare da capo. Tuttavia, un mistero continua a covare nel suo cuore, promettendo un’eternità di… SPOILER IN ARRIVO.

Trama di The Last Witch Hunter – L’ultimo cacciatore di streghe

La storia inizia ottocento anni fa, con l’umanità a rischio di essere annientata dalla peste nera evocata dalla Regina Strega. Un gruppo di cavalieri cacciatori di streghe, tra cui il protagonista Kaulder, fa irruzione nel suo covo e lancia un attacco. La Regina usa ogni trucco a sua disposizione, mostrando al protagonista visioni della sua famiglia defunta. Quando si rende conto che si tratta di invenzioni, lui reagisce e trafigge la Regina con la sua spada ricoperta di fuoco. Prima di morire, però, la regina lo condanna all’immortalità e a un’eternità di solitudine. Ai giorni nostri, Kaulder continua a lavorare come cacciatore di streghe invulnerabile per un’organizzazione chiamata Axe and Cross, cercando di riportare l’equilibrio tra umani e streghe.

Dopo aver recuperato alcune pericolose rune meteorologiche da un adolescente dall’aspetto insignificante, incontra il 36° Dolan, un sacerdote dell’Axe and Cross che aiuta il cacciatore di streghe nelle sue missioni. Il 36° annuncia il suo ritiro, avendo già scelto il suo successore, prima di tornare a casa e morire nel sonno. Questo suscita i sospetti di Kaulder che, insieme al nuovo 37° Dolan, ispeziona la casa del 36° e conferma l’uso di stregoneria arcana per mantenere il corpo del 36° in animazione sospesa. Le loro indagini li conducono rapidamente al colpevole, che viene poi processato e imprigionato nella Prigione delle Streghe. Kaulder, tuttavia, rimane convinto che ci siano forze più grandi in gioco. Riconoscendo le maledizioni del nemico come magia precedente al suo tempo da immortale, decide di avventurarsi nel proprio passato alla ricerca di risposte.

La sua ricerca di un incantesimo per estrarre i ricordi lo conduce in un bar di streghe gestito da Chloe e Miranda, dove viene attaccato dal mago che sta dietro le quinte, Belial. Dopo essere sopravvissuta alla sua furia, Chloe si allea con i protagonisti, determinata a fermarlo. Con gli ingredienti rari necessari per l’incantesimo della memoria ormai distrutti, visitano la strega Danique, che invece lancia un altro incantesimo su di lui, con l’intenzione di tenerlo imprigionato nei ricordi. Chloe, tuttavia, entra nella sua mente e lo guida attraverso le allucinazioni, riportandolo infine nel mondo reale. Si scopre che lei è in grado di camminare nei sogni senza incantesimi, ma questo comporta un rischio mortale per chi vi partecipa. Citando l’immortalità, Kaulder la convince a sognare, a camminare con lui, a scoprire la verità e a sconfiggere la Regina Strega.

La Regina Strega è viva o morta?

The Last Witch Hunter

Dopo aver reclutato Chloe per la causa, Kaulder e lei iniziano una missione per dare la caccia alla Regina Strega prima che possa scatenare un’altra piaga sul mondo. I loro sforzi li portano a uno scontro finale contro il nemico giurato di Kaulder, resuscitato da Belial, che Kaulder riesce a sconfiggere con l’aiuto di Chloe. Con il corpo della Regina ridotto in cenere dalla sua spada, il cuore giace esposto. Sebbene desideri distruggerlo insieme a se stesso, Chloe lo impedisce. La ragione di Chloe è la stessa del primo Dolan, ma questa volta, invece di renderlo uno strumento per il bene superiore, gli promette un nuovo futuro, assicurandogli che il cuore non sarà usato per scopi malvagi. Con questo, il protagonista dà alla vita un’altra possibilità. Tuttavia, alla fine di The Last Witch Hunter – L’ultimo cacciatore di streghe, il cuore della Regina Strega può ancora essere sentito battere all’interno della camera delle armi di Kaulder.

Si scopre che la natura dei poteri della Regina è legata al mistero del bizzarro legame di Kaulder con la morte e la resurrezione, che lui riesce a rivivere attraverso il sogno lucido. È qui che scopre che la sua immortalità non è incondizionata. Ottocento anni fa, quando sconfisse la Regina per la prima volta, Kaulder giaceva completamente bruciato ma vivo. I suoi alleati lo trovarono con il cuore della Regina che batteva ancora, creando un legame magico tra i due. I danni al cuore si riflettevano sul suo corpo, indicando che distruggere il cuore della Regina avrebbe portato alla sua morte. Alla luce di ciò, il primo Dolan decide di nascondere il cuore e lasciare Kaulder vivere un’esistenza immortale. Questo atto costituisce le fondamenta dell’Ascia e della Croce, che custodiscono gelosamente questo segreto di generazione in generazione. Belial riesce a scoprire l’ubicazione del cuore torturando apparentemente 36 prima di maledirlo.

Il finale  di The Last Witch Hunter – L’ultimo cacciatore di streghe trasforma la narrazione in un dilemma: l’umanità assumerà l’immortalità per combattere il male, ma il male potrà sempre tornare finché l’umanità sarà viva. Finché il cuore della Regina Strega batterà, il pericolo sarà sempre in agguato, perché la Regina potrà essere riportata in vita dalle forze oscure come Belial. Tuttavia, essa ripone la sua fiducia in Kaulder e nel suo spirito immutabile. Dopo essere sopravvissuto a numerose battute d’arresto e aver sempre trovato la volontà di rialzarsi e combattere, promette di continuare il suo viaggio per estinguere il male e portare la pace nel mondo.

Come fa Kaulder a sconfiggere la Regina Strega?

Mentre Kaulder ricostruisce il suo passato, Belial cattura Max, etichettandolo come un traditore il cui unico valore è quello di sacrificarsi per resuscitare la Regina Strega dopo 800 anni. Quindi inizia un elaborato rituale occulto, usando i suoi poteri per trasformare Max in un totem. Kaulder arriva appena in tempo, interrompendo il processo e ingaggiando immediatamente Belial. I due si scambiano alcuni colpi prima che il protagonista immortale emerga vittorioso. Tuttavia, la loro gioia è di breve durata, poiché la Regina accetta il corpo di Max e inizia a resuscitare attraverso di esso. Afferrando Kaulder, lei rivela che la sua immortalità non è mai stata solo una maledizione; lui era semplicemente il custode dei suoi poteri fino al suo ritorno. Detto questo, lo priva dei suoi poteri, privando i suoi attacchi degli effetti desiderati. Lui può solo stare a guardare mentre la Regina onnipotente fugge nella città.

Dopo una sconfitta straziante, Kaulder torna al 36° Dolan. Lì esprime la sua disperazione, rendendosi conto che imprigionando tutte le temibili streghe e stregoni in un unico luogo, ha regalato alla regina una fonte di potere concentrato, con cui lei intende evocare nuovamente la peste nera. La battaglia finale ha inizio nella Prigione delle Streghe, con Kaulder armato di Hexenbane, la sua spada strega, affiancato da Chloe e dal 37° Dolan. Superano una serie di prove, usando le loro abilità collettive per sconfiggere sia la bestia sentinella della prigione che lo stregone, lanciando l’incantesimo per scatenare la peste. Ne segue una feroce lotta tra Kaulder e la Regina Strega in uno spazio onirico che ricorda le rovine apocalittiche della città. Nonostante le ferite riportate, alla fine Kaulder ha la meglio, incendiando la sua spada e quasi sconfiggendola.

Proprio in quel momento, viene fermato dal 37° Dolan, che tiene Chloe sotto tiro. Mentre spara a Kaulder, viene rivelata la sua vendetta. È il figlio di una strega e di uno stregone e nutre un forte odio nei confronti del cacciatore di streghe per averli uccisi. Poiché non è riuscito a ereditare la magia dei suoi genitori, cerca di ottenere quel potere lavorando per la Regina. Questo piano, tuttavia, non va a buon fine. Dopo essere stato salvato, la Regina ritiene che il 37° sia inutile senza la magia e lo uccide immediatamente. Completa quindi l’incantesimo per la peste, incanalando l’energia di tutte le streghe e gli stregoni contemporaneamente, compresa Chloe. Con la vita che gli scivola via, Kaulder ha delle visioni della sua famiglia, che lo motivano a rialzarsi e continuare a combattere. Con uno spirito rinnovato, evoca i fulmini dalle rune meteorologiche che ha raccolto all’inizio e ricopre la sua spada con essi prima di conficcarla nella Regina, bruciandole il corpo.

Cosa succederà a Kaulder e Chloe?

In qualità di cacciatore di streghe, il protagonista ha vissuto la sua vita immortale in una serie di cicli; ogni giorno uccide il male dopo il male, senza mai vivere una vita per sé stesso. La rivelazione del segreto dietro la sua immortalità e il ruolo di Axe and Cross nell’averglielo nascosto mina non solo la sua libertà d’azione, ma anche la sua fiducia nella pace e nell’ordine. In una discussione con il suo confidente, il 36° Dolan, esprime la sua disillusione e la decisione di divorziare da Axe and Cross per riconquistare una qualche forma di autonomia e libertà. Aggiunge inoltre che non ha alcuna idea di cosa gli riserva il futuro, ma invece di riempirlo di paura, questo lo libera. Il 36° Dolan si limita a ridere, definendo quell’esperienza la vita stessa. Kaulder ha vissuto per secoli senza avere l’opportunità di sentirsi vivo.

Vivendo con un passato dimenticato e agli ordini dell’Ordine di Axe and Cross, l’unico amico di Kaulder, il 36° Dolan, gli è stato assegnato come parte di una tradizione. Con il recupero dei suoi ricordi arriva più dolore per la perdita della famiglia che un tempo aveva. Tutte le sue esperienze di vita sono state di solitudine e dolore. Un cambiamento arriva con l’ingresso di Chloe nella sua vita. Inizialmente, entrambi sono scettici l’uno verso l’altra, poiché Kaulder è un cacciatore di streghe mentre Chloe è una strega. Tuttavia, l’aiuto di Chloe e i loro sforzi congiunti per sconfiggere il male lasciano gradualmente spazio a una relazione che fa rinascere in lui sentimenti di amore e fiducia, guarendolo emotivamente. Entrambi sviluppano un’amicizia e, alla fine, una dinamica di flirt.

Con la minaccia della Regina Strega finalmente eliminata, Kaulder e Chloe guardano con speranza a un futuro in cui potranno contare l’uno sull’altra e continuare la loro relazione sulla base della fiducia e dell’amicizia. Lui ricorda a 36 che ha ancora bisogno di lui, e il vecchio accetta di rimanere al suo servizio, questa volta non solo come Dolan, ma come amico. Tutte le istituzioni che legano Kaulder al suo passato vengono recise, una dopo l’altra, e le sue antiche armi vengono riposte nel profondo del suo caveau, insieme al cuore della Regina. Mentre esce come uomo libero dopo ottocento anni, l’immortale cacciatore di streghe, con 36 e Chloe al suo fianco, intraprende una nuova avventura.

Medusa Corporation è una società reale? Gli Hidalgo sono una vera famiglia colombiana?

La serie Netflix Medusa inizia con il mistero di un tentato omicidio, ma ben presto si trasforma in un’indagine sulle complicate dinamiche della famiglia Hidalgo. Ambientata a Barranquilla, la storia si concentra sulle complesse relazioni all’interno della famiglia, dove l’odio domina le azioni e le decisioni più dell’amore. Questo scrutinio è innescato da un’esplosione su una barca che ha a bordo Barbara Hidalgo, la nuova amministratrice delegata della Medusa Corporation, di proprietà della famiglia Hidalgo. Dopo l’incidente, Barbara cerca di ricostruire i suoi ricordi perduti e di catturare la persona che ha cercato di ucciderla. Più scopriamo sulla sua famiglia, più sembra che tutti i membri della famiglia Hidalgo siano ispirati alla realtà.

La famiglia Hidalgo è una dinastia puramente immaginaria in Medusa

“Medusa” è una serie televisiva di fantasia creata da Said Chamie e Claudia Sánchez, e tutti i personaggi e le organizzazioni descritti nella storia sono completamente inventati. Chamie e Sánchez hanno creato un intricato gruppo di personaggi per delineare il dramma e la tossicità che animano la famiglia Hidalgo e hanno confermato che non si basa su nessuna dinastia reale. Tuttavia, se si volesse fare un paragone, l’ispirazione più logica sarebbe la famiglia Char. Una delle famiglie più ricche della Colombia, i Char sono noti per il loro dominio sulla zona che si estende tra Barranquilla e Atlantico.

La famiglia possiede aziende in diversi settori, tra cui banche, catene di supermercati, società di media e una squadra di calcio. Sono anche uno dei principali azionisti del più grande porto del paese. Secondo quanto riferito, hanno il controllo di circa 91 aziende e valgono miliardi di dollari. Tutta questa ricchezza ha anche aperto le porte alla famiglia nella struttura politica del Paese. Hanno importanti connessioni al Congresso, con alcuni membri della famiglia che hanno persino ricoperto cariche pubbliche come funzionari eletti, e uno di loro si è persino candidato alla presidenza del Paese.

Con tutto il denaro e l’influenza di cui dispone, la famiglia Char si è anche trovata più volte nei guai con la legge. Alcuni membri sono stati accusati di corruzione, mentre altri hanno procedimenti penali a loro carico. Tenendo conto di tutto ciò, si potrebbe dire che la loro vita è abbastanza drammatica da fornire agli sceneggiatori materiale sufficiente per creare una serie TV. Tuttavia, mentre scrivevano “Medusa”, Chamie e Sánchez erano più concentrati sul presentare le dinamiche realistiche di una famiglia in cui le emozioni negative hanno preso il sopravvento a causa della loro cieca avidità. Sebbene la storia segua una famiglia ultra-ricca, gli sceneggiatori volevano che fosse abbastanza realistica da permettere al pubblico di identificarsi con i personaggi. Attraverso la storia degli Hidalgo e del loro impero immaginario di Medusa, i creatori della serie hanno voluto presentare problemi universali vissuti da famiglie di ogni tipo, ed è questo che rende i personaggi reali, anche se sono completamente immaginari.

LEGGI ANCHE: Medusa, la spiegazione del finale: chi ha ucciso Gabriel? cosa significa il suo codice?

Medusa di Netflix è basato su una storia vera? Barbara Hidalgo è stata una vera amministratrice delegata?

La serie thriller colombiana di Netflix, Medusa, racconta la storia della famiglia Hidalgo. Tutto inizia con un’esplosione su una barca su cui si trova Barbara Hidalgo, amministratrice delegata dell’azienda. A causa della gravità dell’esplosione, si crede che sia morta. Tuttavia, quando ritorna senza memoria, si apre un vaso di Pandora che minaccia di distruggere l’intera famiglia. Con l’aiuto del detective Danger Carmelo, Barbara cerca di arrivare alla verità, che porta a molte rivelazioni inquietanti sulla sua famiglia e su se stessa. Creata da Said Chamie e Claudia Sánchez, la serie mette in discussione il concetto di legami familiari e la questione dell’identità, ma c’è molto di più che la rende realistica.

Gli Hidalgo immaginari vengono paragonati a una vera dinastia colombiana

Medusa” è una serie interamente di fantasia scritta da Said Chamie e Claudia Sánchez, che hanno chiarito che la serie non è ispirata a una famiglia reale. L’idea di creare un dramma incentrato sulle tensioni nella famiglia Hidalgo è nata con l’intenzione di esplorare le sfaccettature contrastanti della memoria e del potere e come una persona possa essere manipolata dalla propria percezione di sé. Tuttavia, sono state individuate alcune somiglianze tra gli Hidalgo e la famiglia Char, una dinastia reale colombiana con grandi disponibilità finanziarie e amici altolocati.

Con sede a Barranquilla, la famiglia Char è una delle più ricche e influenti della Colombia. Le loro attività sono sparse in tutto il paese e spaziano dalle banche alle aziende mediatiche, fino alle catene di supermercati. Sono anche proprietari di un’importante squadra di calcio. Oltre a questo, la famiglia è anche profondamente coinvolta nella politica nazionale ed è nota per esercitare una grande influenza sul Congresso, con alcuni dei suoi membri che hanno ricoperto cariche pubbliche a diversi livelli. Uno dei membri della famiglia, Alex Char, si è persino candidato alla presidenza. Le voci secondo cui i Char sarebbero stati l’ispirazione dietro gli Hidalgo sono state alimentate anche da un video pubblicato da un avvocato di nome Abelardo de la Espriella, in cui si schierava contro la serie TV per aver dipinto i Char in cattiva luce. Si ritiene che il video possa essere stato una trovata pubblicitaria piuttosto che una vera e propria denuncia da parte di qualcuno che rappresentava la famiglia Char.

Nonostante questi paragoni e le affermazioni di ispirazione, i creatori della serie Netflix hanno negato con veemenza qualsiasi collegamento tra gli Hidalgo immaginari e i veri Char. Per loro, la storia vuole rappresentare le complesse dinamiche familiari, un tema universale che non si limita al conflitto di una sola famiglia. Attraverso la storia, la loro intenzione è quella di presentare un racconto realistico che il pubblico possa apprezzare vedendolo come uno specchio che riflette una parvenza della propria realtà.

Il conflitto di dualità di Barbara Hidalgo è completamente inventato

Come il resto della famiglia, anche il personaggio di Barbara Hidalgo nella serie è fittizio. Per l’attrice Juana Acosta, l’attrattiva del ruolo era l’opportunità di interpretare due persone diverse con lo stesso nome. La Barbara prima dell’esplosione è molto diversa da quella che emerge dopo l’esplosione. Sebbene abbiano la stessa essenza, si tratta di una situazione alla Jekyll e Hyde, in cui una è più malvagia mentre l’altra cerca di redimersi e diventare una persona migliore. Per rappresentare questo scontro di personalità, l’attrice ha lavorato con il reparto trucco e costumi per sviluppare un look unico per entrambi i lati del suo personaggio e mostrare al pubblico il notevole cambiamento che Barbara ha attraversato.

Un altro aspetto su cui Acosta e i suoi colleghi hanno lavorato è stato l’accento costiero richiesto per i residenti di Barranquilla. Quasi tutto il cast ha lavorato con dei coach per acquisire la musicalità e il ritmo dell’accento e riprodurlo nel modo più fedele possibile. L’attrice si è anche concentrata sull’evidenziare i conflitti nella vita personale di Barbara, in particolare la parte relativa alle relazioni aperte nel suo matrimonio e il pregiudizio di genere sul posto di lavoro. Ha trovato la storia ricca di temi come il doppio standard e le differenze di classe, che danno concretezza alla serie e ai personaggi, rendendoli più accessibili al pubblico.

Medusa, la spiegazione del finale: chi ha ucciso Gabriel? cosa significa il suo codice?

La serie Netflix Medusa racconta la storia della famiglia Hidalgo, una delle più ricche della Colombia grazie alla loro vasta impresa commerciale chiamata Medusa Corporation. Mentre all’interno della famiglia infuria una lotta di potere per il controllo dell’azienda, la neo-nominata amministratrice delegata Barbara Hidalgo sopravvive a un tentativo di omicidio. Inizialmente dichiarata morta, quando riappare miracolosamente, le dinamiche familiari vengono messe a dura prova. Il fatto che soffra di amnesia e non ricordi gran parte della sua vita prima che la sua barca esplodesse in mezzo all’oceano la costringe a rivalutare ogni singola relazione che ha.

Nella sua ricerca della verità, Barbara è aiutata dal detective Danger Carmelo, tormentato dai suoi errori passati e desideroso di rimediare. Anche lui sembra troppo coinvolto nel caso di Barbara, il che rivela un legame precedentemente sconosciuto tra i due. Nel frattempo, ogni membro della famiglia viene messo sotto esame. Si tratta di suo padre Damian, la matrigna Ursula, la sorellastra Vivi, il fratello Cristian, lo zio Camilo, il cugino Jacobo, la zia Jacqueline e il marito Esteban. Più Barbara scava nel passato, più si rende conto che nemmeno lei era una santa e che ogni membro della famiglia aveva un buon motivo per volerla morta. Alla fine, è il suo comportamento rozzo a rivelarsi la causa della sua sfortuna. Tuttavia, il suo assassino non è affatto una delle persone che lei insegue con tanta tenacia durante tutta la serie. SPOILER IN ARRIVO.

Chi ha fatto saltare in aria la barca? Chi voleva uccidere Barbara?

“Medusa” inizia con Barbara Hidalgo che si sta divertendo sulla sua barca, che improvvisamente esplode. Ha la fortuna di sopravvivere all’esplosione, ma perde la memoria e si mette alla ricerca della persona che ha cercato di ucciderla. All’inizio del suo viaggio, trova un alleato in Gabriel, un dipendente della Medusa che si presenta come una persona che lavorava a stretto contatto con Barbara prima del suo incidente. Lui le dice che lei si fidava completamente di lui e, per dimostrarlo, le mostra tutto il materiale che lei aveva raccolto sui suoi fratelli e che aveva affidato a Gabriel nel caso le fosse successo qualcosa di terribile.

Gli audio e i video che Gabriel le mostra la aiutano a capire le dinamiche che la legavano ai suoi familiari, permettendole non solo di capire loro, ma anche se stessa. Durante le indagini, Gabriel dimostra un immenso sostegno a Barbara e le ripete più volte che sarà sempre al suo fianco. Quello che dovrebbe sembrare un gesto dolce diventa un po’ sospetto, soprattutto dopo aver scoperto che tutte le persone che circondano Barbara vogliono qualcosa da lei o viceversa. Anche Danger, che cerca di aiutarla a risolvere il caso e a tenerla al sicuro, si rivela ossessionato da lei da quando suo marito lo ha assunto per spiarla.

Poiché l’attenzione è concentrata sulla famiglia di Barbara, nessuno si ferma a considerare che il vero colpevole potrebbe essere qualcuno esterno. E poiché Gabriel è così vicino alle indagini, né Barbara né Danger si fermano a considerare le sue vere intenzioni dietro il desiderio di aiutarla. Più tardi, quando un criminale già condannato confessa che è stata Tatiana, l’amante del marito di Barbara, a pagarlo per piazzare una bomba sulla barca, il caso viene considerato chiuso; tuttavia, poco dopo, si scopre che il colpevole era Gabriel fin dall’inizio.

Gabriel era innamorato di Barbara, ma lei lo aveva deriso quando lui le aveva confessato i suoi sentimenti. Questo lo aveva ferito profondamente, soprattutto perché lui le era stato fedele in modo cieco per tutto quel tempo. Essere stato respinto da lei lo aveva spinto a pensare a una misura estrema per vendicarsi, così aveva messo la bomba nella sua barca e aveva cercato di ucciderla. Ma lei era sopravvissuta ed era tornata con un’amnesia. Per Gabriel, questa era una seconda possibilità per fingere di aiutare Barbara, guadagnarsi la sua fiducia e farla innamorare di lui. Ma poi è entrata in scena la detective Danger, che si è innamorata di lui invece che di Gabriel, costringendo l’uomo a rapirla.

Chi ha ucciso Gabriel? Cosa significa il suo messaggio?

La seconda volta che Gabriel si sente respinto da Barbara, la rapisce e le confessa nuovamente i suoi sentimenti. Tuttavia, qualunque cosa avesse in mente di fare con lei viene interrotta da Danger, che non ha mai creduto alla storia di Tatiana come colpevole. Anche quando un testimone si fa avanti per implicarla, il detective trova la storia troppo conveniente, soprattutto perché la colpa ricade su una persona morta in circostanze misteriose. Ci sono molti altri punti oscuri nel caso che infastidiscono Danger, ed è una di quelle cose che lo portano a capire che il colpevole era davanti a loro fin dall’inizio.

Alla fine, Danger arresta Gabriel, che viene sbattuto in prigione, dove inizia a sprofondare ulteriormente nella follia. La sua storia sarebbe finita lì, ma poi Danger rivela a Barbara che Gabriel è morto in prigione. In apparenza sembra un suicidio, dato che si è impiccato. Tuttavia, c’è dell’altro. Prima di morire, ha lasciato un codice criptico sulla parete della sua cella, che è stato decifrato come: “Se mi uccidono qui, sarà il demone Hidalgo”. Questo codice mostra chiaramente che la morte di Gabriel ha qualcosa a che fare con uno degli Hidalgo, e c’è la possibilità che non si sia suicidato, ma sia stato ucciso mentre era in custodia. Per qualcuno proveniente da una famiglia potente come gli Hidalgo, non sarebbe difficile far uccidere qualcuno in prigione. La domanda ora è: chi potrebbe aver ucciso Gabriel?

Poiché l’intera stagione è così incentrata sugli Hidalgo, raramente riusciamo a scoprire qualcosa di più su Gabriel. Nonostante sia una parte importante dell’indagine, rimane sempre in secondo piano e nessuno si preoccupa nemmeno di indagare sulla sua storia personale e professionale. Tuttavia, è chiaro che lavora alla Medusa da diversi anni, abbastanza da conoscerne ogni angolo. Considerando quanto fosse bravo a scavare e a mantenere i segreti, non sarebbe una sorpresa che abbia scoperto cose sulla famiglia e sulla loro azienda che nessuno avrebbe voluto venissero alla luce. Forse, quando Gabriel è stato arrestato, qualcuno si è sentito abbastanza minacciato da farlo uccidere.

Il messaggio di Gabriel implica chiaramente un Hidalgo, ma la domanda rimane: chi potrebbe essere? Per scoprirlo, Barbara e Danger devono capire perché qualcuno avrebbe voluto uccidere Gabriel. Per la maggior parte del tempo, l’uomo era rimasto invisibile all’interno dell’azienda, soprattutto per gli Hidalgo, quindi il fatto che uno di loro lo volesse morto all’improvviso significherebbe che la vittima aveva fatto una scoperta abbastanza significativa da sconvolgere l’ordine all’interno della famiglia e distruggere la Medusa come la conosciamo. Ora che il dito è stato puntato di nuovo contro la sua famiglia, Barbara dovrà indagare nuovamente su ogni singolo membro e portare alla luce altri scheletri nell’armadio. Allo stesso tempo, anche la vita di Gabriel lontano da Medusa diventerebbe oggetto di indagine, rivelando chi fosse realmente. Ma tutto questo verrà svelato nella seconda stagione.

Perché Barbara lascia la presidenza? Perché nomina Cristian amministratore delegato?

Una delle cose che definisce gli Hidalgo è la loro brama di potere. Ogni singolo membro della famiglia vuole avere il controllo degli affari di famiglia e ognuno di loro cerca di trovare qualcosa di sporco sugli altri per controllarli. Barbara sembra essere la peggiore di tutti, poiché non solo scopre i segreti più oscuri dei suoi familiari, ma sabota attivamente le loro vite, come quando dà della cocaina alla sua sorellastra e la trasforma in una tossicodipendente. Tuttavia, questa era la Barbara prima dell’incidente. Quella che viene salvata e riportata in vita è una persona molto diversa, che tiene davvero alla sua famiglia.

Più Barbara scopre del suo passato, più è disgustata dalla persona che era. Quindi, fa uno sforzo consapevole per non diventare di nuovo quella persona. Uno dei motivi principali che l’ha spinta a fare tutte quelle cose brutte era il suo desiderio di diventare l’amministratore delegato dell’azienda. Quando torna dall’incidente, scopre che suo fratello minore, Cristian, è stato nominato amministratore delegato al suo posto. All’inizio, Barbara chiarisce che cercherà di riottenere la sua posizione. Ma poi attraversa un incredibile percorso di apprendimento, durante il quale capisce che rinunciare alla sua sete di potere è l’unico modo per andare avanti e avere una vita migliore.

Ecco perché, alla fine, Barbara decide di rinunciare a qualsiasi desiderio di controllo e sostiene la candidatura del fratello come capo dell’azienda. Sostenerlo significa rafforzare non solo l’azienda, ma anche il loro legame personale, che si è incrinato nel corso degli anni, in gran parte a causa delle sue stesse azioni. Mentre lei rimane parte integrante dell’azienda e dirige progetti importanti necessari per il funzionamento della Medusa, Cristian rimane a capo di tutto. La situazione potrebbe cambiare in futuro, soprattutto se Barbara scoprisse che suo fratello ha avuto qualcosa a che fare con la morte di Gabriel. Per ora, però, tra i fratelli Hidalgo va tutto bene.

Avengers: Doomsday, un personaggio secondario a lungo dimenticato sarà nel film

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Ci sono diversi personaggi secondari di recenti film e serie TV dell’MCU che i fan non si aspettano di rivedere, ma si vocifera che almeno due di loro torneranno in Avengers: Doomsday. Nel corso degli anni abbiamo conosciuto molti personaggi dell’Universo Cinematografico Marvel e, con alcuni eroi e cattivi principali che sono stati abbandonati, è inevitabile che ne perderemo parecchi lungo il percorso.

Un utente di X ha condiviso una lista dei personaggi “dimenticati” che non si aspetta di vedere o addirittura sentire menzionare di nuovo nell’MCU, ma lo scooper MTTSH ha risposto rivelando che almeno uno di loro apparirà in Avengers: Doomsday.

Siamo stati in grado di confermare che si tratterà di Katy (Awkwafina) di Shang-Chi e la Leggenda dei Dieci Anelli, il che non sorprende visto lo stretto legame del personaggio con l’eroe interpretato da Simu Liu e dove li avevamo lasciati nelle scene finali del film.

Inoltre, Alex Perez riporta che la figlia resuscitata di Gorr il Macellatore di Dei (India Rose Hemsworth), che ha adottato il nome Love alla fine di Thor: Love and Thunder, tornerà anche per il prossimo grande film evento dei Marvel Studios, e sembra che potrebbe essere fondamentale per la reintroduzione del Dio del Tuono in MCI.

Nell’ultima sessione di domande e risposte di Cosmic Circus, Perez ha affermato di credere che Love sarà “colei che avviserà Thor dell’imminente battaglia, dato che è connessa all’essere cosmico Eternity, che è minacciato dalla situazione attuale”.

Con così tante cose in corso e così tanti personaggi che condividono la scena in Doomsday, non ci aspetteremmo che questi due abbiano molto da fare nel film, ma qualcosa ci dice che non saranno gli unici volti noti evidenziati nel post qui sotto a tornare.

Cosa sappiamo di Avengers: Doomsday

Avengers: Doomsday e Avengers: Secret Wars arriveranno in sala rispettivamente il 18 dicembre 2026, e il 17 dicembre 2027. Entrambi i film saranno diretti da Joe e Anthony Russo, che tornano anche nel MCU dopo aver diretto Captain America: The Winter Soldier, Captain America: Civil War, Avengers: Infinity War e Avengers: Endgame.

Sono confermati nel cast del film (per ora): Paul Rudd / Ant-Man, Simu Liu / Shang-Chi, Tom Hiddleston / Loki, Lewis Pullman / Bob-Sentry, Florence Pugh / Yelena, Danny Ramirez / Falcon, Ian McKellen / Magneto, Sebastian Stan / Bucky, Winston Duke / M’Baku, Chris Hemsworth / Thor, Kelsey Grammer / Beast, James Marsden / Cyclops, Channing Tatum / Gambit, Wyatt Russell / U.S. Agent, Vanessa Kirby / Sue Storm, Rebecca Romijn / Mystique, Patrick Stewart / Professor X, Alan Cumming / Nightcrawler, Letitia Wright / Black Panther, Tenoch Huerta Mejia / Namor, Pedro Pascal / Reed Richards, Hannah John-Kamen / Ghost, Joseph Quinn / Johnny Storm, David Harbour / Red Guardian, Robert Downey Jr. / Doctor Doom, Ebon Moss-Bachrach / La Cosa, Anthony Mackie / Captain America.

Vision: ecco perché la serie userà la versione umana delle AI del MCU

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La serie TV Vision dei Marvel Studios sembra destinata a riportare in vita diverse IA in forma umana, e un nuovo report getta luce sulle motivazioni per cui ciò accadrà nel sequel di WandaVision.

Si sa molto poco sui piani dei Marvel Studios per la loro prossima serie TV Vision. Tuttavia, abbiamo buone ragioni per credere che ruoterà attorno all’incontro tra l’ex Vendicatore e le versioni “umane” delle IA dell’MCU. Non abbiamo idea di come ciò accada; la serie potrebbe svolgersi nella mente dell’androide, oppure potremmo vederlo costruire per tutti loro corpi simili a quelli umani. In ogni caso, è una premessa intrigante.

A complicare ulteriormente le cose, ovviamente, è il fatto che non sappiamo esattamente cosa sia questa Visione Bianca dopo che ha perso la Gemma della Mente e i suoi ricordi sono stati ripristinati dalla Visione Maledetta. I fan hanno a lungo ipotizzato che Visione non abbia davvero ucciso Ultron alla fine di Avengers: Age of Ultron del 2015, quindi potrebbe anche essere lui a orchestrare tutta la vicenda.

Lo scooper Daniel Richtman si è dimostrato una fonte affidabile per le informazioni su Vision e ha appena condiviso un importante aggiornamento sui piani per il seguito di WandaVision. Afferma che questi personaggi AI appariranno in forma umana per la maggior parte di Vision per risparmiare sui costi degli effetti visivi e per aiutare a far uscire la serie su Disney+ già all’inizio del 2026. Se fosse vero, sarebbe una decisione intelligente da parte dei Marvel Studios, anche se speriamo di vedere personaggi come Ultron e Jocasta vivere momenti memorabili anche nelle loro forme robotiche.

Il progetto Vision, ancora senza titolo ufficiale, che potrebbe o meno essere intitolato Vision Quest, è stato descritto come “la terza parte di una trilogia iniziata con WandaVision e che continua con Agatha All Along“.

Oltre a Paul Bettany, James Spader di Avengers: Age of Ultron riprenderà il ruolo di Ultron (“non è chiaro se Ultron tornerà come robot o in forma umana”). Non c’è stato alcun accenno al potenziale coinvolgimento di Elizabeth Olsen, ma la serie sarà ambientata dopo gli eventi di WandaVision, “mentre il fantasma di Visione presumibilmente esplora il suo nuovo scopo nella vita”. T’Nia Miller è stata confermata per il ruolo di Jocasta. Kerry Condon apparirà nei panni di F.R.I.D.A.Y. in forma umana, mentre Emily Hampshire sarà E.D.I.T.H.

Il finale di WandaVision ha rivelato che la Visione con cui avevamo trascorso del tempo nel corso della stagione era in realtà una delle creature di Wanda, ma la vera “Visione Bianca” è stata ricostruita dalla S.W.O.R.D. e programmata per rintracciare e uccidere Scarlet Witch. Questa versione del personaggio si è allontanata verso luoghi sconosciuti verso la fine dell’episodio, dopo essersi dichiarata la “vera Visione”.

Per quanto riguarda Wanda, l’ultima volta che abbiamo visto la potente strega era mentre devastava gli Illuminati e si faceva crollare una montagna addosso in Doctor Strange in the Multiverse of Madness.

Anche l’attore di Picard, Todd Stashwick, è nel cast, nei panni di “un assassino sulle tracce di un androide e della tecnologia in suo possesso”. Vision – o Vision Quest – debutterà su Disney+ nel 2026.

La Ruota del Tempo: Rosamund Pike commenta la cancellazione

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La Ruota del Tempo: Rosamund Pike commenta la cancellazione

Rosamund Pike, che ha interpretato Moiraine Sedai nell’adattamento di Prime Video de La Ruota del Tempo, ha risposto in modo piuttosto schietto alla decisione di Amazon di cancellare la serie.

Con le prospettive sempre più flebili di un ritorno de La Ruota del Tempo su un’altra piattaforma di streaming, la protagonista della serie Rosamund Pike ha rotto il silenzio sulla cancellazione.

In un breve post condiviso tramite le sue Instagram Stories, visibili solo per 24 ore, Pike ha espresso un misto di “angoscia e rabbia” per la brusca fine della serie, rivelando quanto profondamente la decisione l’abbia colpita.

I commenti di Pike seguono le recenti dichiarazioni dello showrunner Rafe Judkins, che si è pronunciato anche lui sulla cancellazione della serie. Judkins ha espresso preoccupazione per l’attuale stato della televisione in streaming, criticando la crescente attenzione del settore ai numeri di spettatori immediati e agli aumenti di abbonati a breve termine. Ha sostenuto che questo cambiamento avviene a scapito della narrazione a lungo termine, lasciando poco spazio alle serie per svilupparsi gradualmente e trovare il loro pubblico nel tempo.

Rafe ha affermato: “Si è scritto molto su questa tendenza diffusa in TV verso meno stagioni con meno episodi e la ricerca di modi più rapidi per acquisire ulteriori abbonati in streaming. Ma credo sinceramente che questo vada contro il punto di forza fondamentale della televisione: la narrazione di lunga durata”.

Dopo l’annuncio della cancellazione della serie, i fan hanno atteso con ansia di sentire Rosamund Pike. In quanto protagonista principale della serie, l’adattamento è stato rimodellato per concentrarsi sul suo personaggio, Moiraine Damodred, un distacco significativo dal materiale originale, che seguiva principalmente le avventure di Rand al’Thor, Mat Cauthon e Perrin Aybara.

Secondo il materiale originale, Moiraine avrebbe dovuto “incontrare la sua fine” in seguito agli eventi narrati nella terza stagione. Tuttavia, in un netto distacco dai libri, sopravvive al suo scontro culminante con Lanfear nel finale di stagione, lasciando i fan sia sorpresi che incuriositi su cosa sarebbe potuto accadere in una potenziale quarta stagione.

The Amazing Spider-Man 2 – Il potere di Electro: la spiegazione del finale del film

The Amazing Spider-Man 2 – Il potere di Electro (2014), diretto da Marc Webb, rappresenta il secondo capitolo del reboot dell’Uomo Ragno targato Sony, con Andrew Garfield nei panni di Peter Parker. Rispetto al primo film del 2012, questo sequel espande notevolmente l’universo narrativo del personaggio, aumentando il numero di personaggi, di sottotrame e di conflitti emotivi. Se il primo capitolo aveva il compito di introdurre il nuovo Spider-Man e riscrivere le sue origini in chiave più moderna, il sequel si prende il tempo di esplorare la psicologia del protagonista e i suoi tormenti interiori, con particolare attenzione al peso della responsabilità e alla fragilità dei legami umani.

Una delle principali novità introdotte nel film è la presenza di più villain, tra cui spiccano Electro (Jamie Foxx), Harry Osborn/Green Goblin (Dane DeHaan) e un’apparizione fugace di Rhino. La figura di Electro, in particolare, offre uno sguardo sul tema dell’emarginazione e dell’ossessione, trasformando Max Dillon in una minaccia dalle potenzialità devastanti. Inoltre, il film inserisce numerosi riferimenti a un universo più ampio e all’idea di un possibile futuro franchise con i Sinistri Sei, cosa che testimonia l’intenzione di Sony di costruire un proprio universo condiviso dedicato ai personaggi dell’universo di Spider-Man, anticipando tendenze che sarebbero poi diventate centrali nel cinema di supereroi.

Nonostante l’ambizione narrativa e visiva, The Amazing Spider-Man 2 è anche noto per il suo finale estremamente drammatico, che segna un momento cruciale nella vita di Peter Parker. Senza entrare ancora nei dettagli, è proprio nel finale che il film trova la sua identità più tragica e matura, con una sequenza che ha lasciato un’impronta profonda nei fan e ha influenzato il modo in cui il personaggio sarebbe stato riproposto negli anni successivi. Nei prossimi paragrafi, approfondiremo cosa succede nel finale del film, il suo significato e in che modo ha modificato il destino di Spider-Man al cinema.

the amazing spider-man 3

La spiegazione del finale del film

Il finale di The Amazing Spider-Man 2 – Il potere di Electro è uno dei più drammatici e memorabili dell’intera saga cinematografica dedicata all’Uomo Ragno, non solo per l’intensità emotiva ma anche per il suo impatto sul personaggio di Peter Parker. Nella sequenza finale, Peter e Gwen si dirigono insieme verso la centrale elettrica dove Electro ha preso il controllo, mettendo a rischio l’intera città di New York. La battaglia che segue è spettacolare e caotica, ma anche estremamente personale: Peter affronta Electro non solo come eroe, ma anche come ragazzo che ha disobbedito alla promessa fatta al padre di Gwen di tenerla lontana dal pericolo. Gwen stessa insiste per aiutare Peter, dimostrando coraggio e determinazione, e la loro collaborazione è fondamentale per sconfiggere il nemico.

Dopo aver sovraccaricato i trasformatori e aver fatto letteralmente esplodere Electro, Peter e Gwen pensano di aver vinto, ma è a quel punto che entra in scena Harry Osborn, ormai trasformato nel Green Goblin. Scoprendo l’identità segreta di Peter e vedendo Gwen al suo fianco, Harry capisce subito come colpire più duramente l’amico d’infanzia. La battaglia si sposta nell’orologio della torre, e qui avviene il momento più tragico del film: Gwen cade nel vuoto durante il combattimento. Nonostante il disperato tentativo di Peter di salvarla con la sua ragnatela, la giovane colpisce violentemente il suolo, morendo all’istante.

La morte di Gwen rappresenta un punto di svolta definitivo per Peter Parker. Il film mostra come, nei mesi successivi, Peter si ritiri dal suo ruolo di Spider-Man, profondamente segnato dal dolore e dalla colpa. La scena al cimitero, in cui Peter visita la tomba di Gwen, è toccante e testimonia quanto il trauma abbia influito su di lui. La narrazione suggerisce che non è solo Gwen a essere morta, ma anche una parte dell’identità di Peter come eroe. L’idea che nonostante i suoi poteri, Peter non sia riuscito a salvare la persona che amava, è il cuore del film e una potente riflessione sul limite dell’eroismo.

L’epilogo mostra il ritorno di Spider-Man grazie a un messaggio lasciato da Gwen e all’ispirazione che lui stesso riesce a trarre dalla memoria della ragazza. In parallelo, si accenna alla formazione di un team di supercriminali da parte della Oscorp, con riferimenti espliciti ai Sinistri Sei. Viene mostrato il Rhino in armatura, pronto a seminare il caos in città, ma Peter ritorna in azione proprio in quel momento, lanciandosi nella battaglia come Spider-Man davanti agli occhi di un bambino vestito da supereroe. Questa sequenza, carica di speranza, sottolinea la rinascita di Peter come simbolo di speranza e giustizia.

Tuttavia, il film lascia diverse domande in sospeso. Chi è l’Uomo Misterioso che parla con Harry nel carcere di massima sicurezza? Come si sarebbe sviluppata la trama dei Sinistri Sei? Quali segreti nasconde ancora Oscorp, e quale sarebbe stato il ruolo del padre di Peter, la cui ricerca è solo accennata nel corso dei due film? Inoltre, il film suggerisce che c’erano progetti molto più ampi in cantiere, compreso un coinvolgimento più profondo con il passato della famiglia Parker e lo sviluppo di nuove tecnologie legate ai poteri dei villain.

Tutte queste domande sono rimaste senza risposta, poiché The Amazing Spider-Man 3 non è mai stato realizzato. Il fallimento commerciale del secondo film rispetto alle aspettative, unito alle critiche sulla sua struttura narrativa frammentaria, spinse Sony a interrompere la saga e a collaborare con i Marvel Studios per introdurre una nuova versione di Spider-Man nel Marvel Cinematic Universe. Così, la storia di Peter Parker interpretato da Andrew Garfield si è chiusa senza un vero epilogo, lasciando un senso di incompiutezza e molte ipotesi su cosa sarebbe potuto accadere se la trilogia fosse stata portata a termine.

Trauma: la spiegazione del finale del film di Dario Argento

Trauma: la spiegazione del finale del film di Dario Argento

Trauma, uscito nel 1993, rappresenta un capitolo particolarmente significativo nella carriera di Dario Argento, segnando il suo primo film girato interamente negli Stati Uniti. Dopo aver costruito gran parte della sua fama internazionale con capolavori italiani del giallo-horror come Profondo rosso e Suspiria, il regista romano approda in America con l’intento di esportare la sua poetica visiva e il suo stile inconfondibile. Trauma è un tentativo ambizioso di coniugare le atmosfere ossessive del giallo italiano con le logiche produttive e narrative del thriller statunitense.

Argento realizza così un film che, pur restando fedele ad alcune delle sue ossessioni autoriali, si distingue per una maggiore linearità narrativa e per un approccio più contenuto rispetto al suo cinema precedente. Se Trauma conserva elementi tipici del cinema argentiano — come l’attenzione quasi feticistica per i dettagli, la presenza ricorrente del trauma infantile, e l’indagine ossessiva sulla verità nascosta — al tempo stesso introduce una componente più umana e psicologica, lasciando spazio a una riflessione sulla malattia mentale, sull’identità e sulla memoria.

Nel corso di questo articolo, analizzeremo in particolare il finale di Trauma, cercando di chiarire i nodi della narrazione e di evidenziare come la conclusione del film si leghi ai temi centrali della storia. La rivelazione dell’identità dell’assassino, il legame con il passato e l’impatto che tutto ciò ha sui personaggi principali offrono un terreno fertile per interpretazioni multiple, che proveremo a esplorare per fornire una lettura più completa del significato dell’opera.

Asia Argento in Trauma

La trama di Trauma

Il film è ambientato in una cupa e piovosa Minneapolis. La storia segue Aura, una giovane ragazza anoressica fuggita da un istituto psichiatrico, che viene soccorsa dal giovane giornalista David. Aura è profondamente traumatizzata dalla morte dei suoi genitori, brutalmente decapitati da un misterioso serial killer che sembra colpire seguendo un preciso rituale. Mentre la polizia brancola nel buio, David decide di aiutare Aura a scoprire l’identità dell’assassino, scivolando sempre più in un incubo fatto di ricordi frammentati, ossessioni e crimini raccapriccianti.

Le indagini conducono i due protagonisti in un labirinto di segreti e traumi sepolti, dove ogni indizio sembra svelare solo nuove ambiguità. Il killer continua a mietere vittime, sempre utilizzando un macabro strumento meccanico per le decapitazioni. Il legame tra Aura e David si fa più profondo man mano che emergono verità inquietanti legate al passato della ragazza, fino al momento in cui l’identità dell’assassino viene rivelata in un finale dai toni tragici e ambigui.

La spiegazione del finale del film

Nelle ultime sequenze di Trauma, il mistero che ha accompagnato l’intero film giunge finalmente a una risoluzione. Dopo una lunga e inquietante indagine, Aura e David scoprono che l’assassina è Adriana, la madre della ragazza, creduta morta dopo un suicidio. In realtà, Adriana è sopravvissuta e ha messo in atto una vendetta efferata contro i medici della clinica che, anni prima, avevano provocato accidentalmente la morte del suo figlioletto durante una seduta di ipnosi. Il suo modus operandi — la decapitazione delle vittime con un marchingegno meccanico artigianale — è tanto simbolico quanto grottesco, richiamando la frattura insanabile che il trauma ha lasciato nella sua psiche.

Asia Argento e James Russo in Trauma
Asia Argento e James Russo in Trauma

La rivelazione arriva in un momento di grande tensione, in cui Aura affronta la madre e riesce, seppur con dolore, a fermarla. Questo finale, pur offrendo una chiusura narrativa chiara, non si limita a svelare l’identità del colpevole, ma invita a riflettere sull’eredità della sofferenza e sulle dinamiche familiari disfunzionali. Il personaggio di Adriana incarna una follia che non nasce dal nulla, ma da una ferita profonda e irrisolta: la perdita di un figlio e l’impunità dei responsabili. La sua vendetta diventa una forma distorta di giustizia, un modo per dare senso a un dolore altrimenti insopportabile. In parallelo, Aura è vittima di un’altra forma di trauma, quello derivante dall’abbandono, dalla malattia e dalla violenza psicologica.

Il confronto finale tra madre e figlia diventa così una metafora del passaggio da una generazione lacerata a una che cerca la guarigione. L’intero film è costruito intorno al concetto di trauma — non solo come evento scatenante della violenza, ma come condizione psicologica permanente. Il titolo stesso non è casuale: ogni personaggio sembra portare addosso le cicatrici di un evento che ha alterato in modo irreversibile il corso della propria vita.

Il finale riflette questa impostazione tematica, mostrando come il tentativo di affrontare il passato sia l’unica via per evitare che il dolore si tramandi, amplificato, alle generazioni successive. In questo senso, Trauma si discosta da altri film di Argento più concentrati sull’estetica dell’orrore puro, per assumere una dimensione più intimista e riflessiva. Il finale non è solo lo scioglimento di un enigma, ma una resa dei conti emotiva e simbolica, che tenta di mettere ordine nel caos delle emozioni e dei ricordi.

7500: la storia vera dietro il film

7500: la storia vera dietro il film

7500 (qui la recensione), film del 2019 diretto da Patrick Vollrath, si inserisce nel filone del thriller claustrofobico, con una messa in scena ridotta ma ad altissima tensione. Ambientato quasi interamente all’interno della cabina di pilotaggio di un aereo di linea, il film racconta una vicenda di dirottamento aereo con uno stile asciutto e realistico, facendo leva più sulla tensione psicologica che sull’azione spettacolare. Protagonista assoluto è Joseph Gordon-Levitt, nei panni del primo ufficiale Tobias Ellis, chiamato a confrontarsi con una situazione estrema e imprevedibile. Il titolo stesso fa riferimento al codice d’emergenza utilizzato nel settore dell’aviazione civile per segnalare un atto di pirateria aerea.

Quello che rende 7500 particolarmente interessante è la sua capacità di ridurre lo spazio narrativo al minimo, concentrandosi esclusivamente sulle reazioni dei personaggi coinvolti, sulle dinamiche tra ostaggi e dirottatori, e sulle difficili decisioni che il protagonista è costretto a prendere in tempo reale. Il film, infatti, evita volutamente ogni distrazione esterna: non ci sono salti temporali, flashback o sottotrame secondarie. Tutto si consuma davanti agli occhi dello spettatore in tempo quasi reale, amplificando il senso di ansia e impotenza. In questo senso, 7500 si pone come un esempio efficace di cinema d’urgenza, capace di raccontare una vicenda estrema attraverso la pura tensione narrativa.

Nel corso dell’articolo, analizzeremo non solo le scelte stilistiche e narrative che rendono il film un’esperienza visiva coinvolgente, ma ci soffermeremo anche sul legame di esso con eventi realmente accaduti. La vicenda narrata, pur con elementi romanzati, trae infatti ispirazione da casi reali di dirottamenti aerei avvenuti in Europa negli ultimi decenni. Sarà dunque interessante approfondire fino a che punto la trama rispecchi la realtà e quali elementi siano stati modificati per esigenze cinematografiche.

Joseph Gordon-Levitt in 7500
Joseph Gordon-Levitt in 7500

La trama di 7500

Il film segue la storia di Tobias Ellis, un giovane e tranquillo pilota americano che vive in Germania con la sua ragazza turca, Gökce, che lavora come hostess. I due, un giorno, si trovano a volare insieme per lavoro su un normale aereo passeggeri da Berlino a Parigi. Tobias è il secondo comandante affiancato da Michael, il primo pilota. Tutto sembra andare bene, fino a quando, poco dopo il decollo, improvvisamente un gruppo di terroristi tenta di prendere d’assalto la cabina di volo, ferendo gravemente Michael e il braccio di Tobias.

Il giovane co-pilota spaventato, riesce a chiudere la porta e contattare la torre di controllo per un atterraggio di emergenza. Ma i dirottatori iniziano ad agitarsi, uccidono un passeggero e ne prendono in ostaggio un altro minacciando di tagliargli la gola se Tobias non li lascerà entrare in cabina.
Tobias sarà così costretto ad affrontare una situazione inimmaginabile per impedire ai terroristi di massacrare tutti i passeggeri.

La storia vera dietro il film

Tecnicamente, 7500 non è basato su una storia vera. La vicenda narrata nasce dalla volontà di Vollrath di realizzare un film ambientato all’interno della cabina di pilotaggio di un aereo, evitando però di rifare la solita versione del dirottamento che ritrae un tipico eroe d’azione hollywoodiano che salva la situazione. Egli preferiva infatti concentrarsi sulla tensione e la claustrofobia di un pilota che deve prendere decisioni difficili in un ambiente così stressante. Per prepararsi al film, ha quindi letto rapporti su dirottamenti realmente avvenuti e ha dovuto mettersi al passo con gli aspetti tecnici di un aereo e i protocolli richiesti ai piloti.

Joseph Gordon-Levitt e Omid Memar in 7500
Joseph Gordon-Levitt e Omid Memar in 7500

Ha ricevuto inoltre un grande aiuto da Carlo Kitzlinger, l’attore che interpreta il pilota al fianco del personaggio di Gordon-Levitt. Kitzlinger aveva lavorato come pilota professionista per Lufthansa e ha aiutato i realizzatori del film a mantenere il tutto il più vicino possibile alla realtà. Oltre a realizzare un film che lasciasse il pubblico senza fiato, Vollrath voleva anche aggiungere più profondità e dimensioni ai suoi personaggi. Non voleva creare una linea netta tra il bene e il male e voleva evitare di stereotipare i ruoli. Concentrandosi sulla pressione affrontata dal pilota, voleva anche dare un assaggio della paura provata da un giovane che si trova coinvolto in una situazione che non ha scelto.

In un’intervista con Variety, Vollrath ha infatti spiegato come è arrivato al personaggio del dirottatore Vedat. “Nel 2015 c’è stato un periodo in cui molti ragazzi molto giovani, per lo più europei, hanno lasciato le loro case e hanno cercato di unirsi all’ISIS. Ho visto un servizio su un ragazzo di 18 anni che era tornato dopo essersi unito all’ISIS… completamente disilluso e deradicalizzato… Ho sentito il desiderio di realizzare un film su un ragazzo che si deradicalizza nel momento in cui si ritrova con le mani sporche di sangue. E da lì ho voluto raccontare la storia di un ragazzo che stava diventando così. Ma lui non è solo una vittima, è anche un carnefice, o un misto di entrambi. È proprio questa sottile linea che mi ha interessato”, ha detto.

Ma nell’esplorare questo territorio, ha anche dovuto riconoscere il bisogno di vendetta che crea una spirale infinita di violenza. “Mentre stavo scrivendo, sono avvenuti gli attentati di Parigi e quelli in Germania. Ho smesso di scrivere e mi sono chiesto: ‘Devo continuare a raccontare una storia su questa situazione?’. Mi sono detto che dobbiamo cercare di dare una risposta su come uscire da questa spirale di orrore. Come rompere questo circolo vizioso di violenza che genera altra violenza”, ha aggiunto. Pur non avendo basato il film su precise vicende reali, il regista si è dunque basato sui più recenti casi di attentati terroristici, anche quelli non avvenuti a bordo di aerei in volo.

Pesci Piccoli – Stagione 2: recensione della serie di The Jackal

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Pesci Piccoli – Stagione 2: recensione della serie di The Jackal

Dal 13 giugno Prime Video riapre le porte della Tree of Us, l’agenzia di comunicazione e marketing in cui Ciro, Fabio, Greta, Aurora, Gianluca e tanti altri cercano di sopravvivere al mondo e a loro stessi. Proprio così, Pesci Piccoli – Un’agenzia. Molte idee. Poco budget torna con un nuovo ciclo di episodi per una seconda stagione che porta avanti tutte le particolarità del primo ciclo, sconfinando nei territori dell’assurdo e del sentimentalismo, senza perdere la sua natura.

Pesci Piccoli – Stagione 2: dove eravamo rimasti?

Nella seconda stagione Greta (Martina Tinnirello) spinge l’azienda verso sfide su scala nazionale con la complicità del producer Fabio, che continua a essere estremamente gentile con lei, nonostante la giovane donna non sembri meritare queste attenzioni (così pare, all’inizio). Intanto, Aurora si impegna per superare l’addio di Alessio all’agenzia, cercando di concentrandosi sull’agenzia e su quello che sa fare meglio: preoccuparsi per i suoi colleghi/amici. Intanto, Fru e Ciro affrontano i traumi del loro passato, imparando sempre più ad accettarsi e a guardarsi in faccia da adulti risolti (più o meno).

Pesci Piccoli – Un’agenzia. Molte idee – Stagione 2 è ideata da Francesco Ebbasta e Alessandro Grespan, che firmano anche la sceneggiatura con Alessandro Bosi e Mary Brugiati, e diretta da Francesco Ebbasta, Alessandro Grespan, Danilo Carlani e Alessio Dogana. La squadra ha fatto tesoro del successo della prima stagione e senza sedersi su quel successo, ha cercato di spingere oltre i confini di quello che si può fare in quel microcosmo dell’agenzia, location (quasi) unica della serie, piena di casi umani disperati, ma anche di tanto cuore e buone intenzioni.

Pesci Piccoli – Stagione 2 – Cortesia di Prime Video

Profondità emotiva e senso dell’assurdo

Dopo un paio di episodi che arrancano, la seconda stagione comincia a entrare nel vivo, mettendo al centro del racconto le trame orizzontali che portano avanti lo sviluppo dei personaggi e abbandonando a poco a poco la struttura episodica verticale che non fa molto bene alla narrazione. Più che nella prima stagione, le citazioni abbondano e gli omaggi si sprecano, in un mondo costruito da millennials che faticano a lasciarsi alle spalle la loro parte bambina ma che provano a sopravvivere in un mare di squali.

Come accennato, questo ciclo spinge l’acceleratore sul piano dell’assurdo, mettendo in scena situazioni totalmente non plausibili eppure divertenti e che si inseriscono con armonia nel tessuto del racconto. Basti pensare ai “funerali in ufficio” oppure all’episodio 4, un viaggio su piani mentali e temporali che fa impallidire Inception di Nolan e proietta tutti, letteralmente, nel Fantabosco di Tonio Cartonio.

Ma Pesci Piccoli – Stagione 2 non teme la sua stessa crescita riuscendo anche a ritagliarsi momenti di riflessione, sviluppando i personaggi che, lungi dall’essere cartonati bidimensionali, continuano però a corrispondere ai “tipi comici” che il gruppo creativo napoletano porta avanti da quando è nato. E allora Fabio sarà quello un po’ più burbero ma adulto e consapevole, Ciro quello buono a tutti i costi, Aurora la crocerossina sempre un po’ in difficoltà quando si tratta di prendersi cura di se stessa, Fru meschino che vota il suo ingegno a futili e spesso distruttivi fini. Questa tipizzazione viene arricchita da una dimensione più profonda e emotiva che rende la serie, soprattutto nella seconda parte, un prodotto valido, decisamente migliore rispetto al primo “giro di prova”.

Pesci Piccoli – Stagione 2 – Cortesia di Prime Video

I pesci piccoli sono cresciuti

I “pesci piccoli” della serie però non sono più così tanto piccoli e infatti fanno gola a molte Guest che popolano gli otto episodi con frequenza e costanza. Dal Maestro Peppe Vessicchio, a Maurizio Merluzzo, passando per Stefano Rapone e Danilo Bertazzi, fino addirittura a Paolo Calabresi, gli ospiti illustri di questa stagione sono tantissimi, tutti perfettamente collocati in flussi di racconto che amalgamano perfettamente senso della comicità e dell’assurdo.

Una terza stagione, che molto plausibilmente arriverà tra un paio di anni, dovrà fare i conti con un fatto inequivocabile: questi Pesci Piccoli sono decisamente cresciuti e dovranno (e dovremo) tutti tenerne conto.

Superman: un toccante tributo a Pa Kent nel nuovo spot

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Superman: un toccante tributo a Pa Kent nel nuovo spot

I biglietti per Superman sono stati messi in vendita all’inizio di questa settimana e sembra che i DC Studios stiano facendo il possibile per aumentare la visibilità del primo film del DCU. Ovviamente non è una brutta cosa, e Warner Bros. Discovery sembra appoggiare pienamente il reboot.

Questo fine settimana è la Festa del Papà negli USA e un nuovo promo di Superman celebra l’occasione con un toccante scambio di battute tra Clark Kent e suo padre, Jonathan (Pruitt Taylor Vince). Questo potrebbe essere un momento cruciale del film e potenzialmente si collega a un’importante rivelazione su Jor-El.

Superman probabilmente umanizzerà Kal-El in un modo che altri film recenti con il personaggio non hanno fatto. In quest’ottica, mettere in primo piano il suo rapporto con i genitori adottivi ha molto senso, e sembrano essere una parte fondamentale del viaggio dell’eroe in questo film.

“Nel corso degli anni, le storie che ho raccontato sono diventate più… come dire… meno sfacciate”, ha recentemente dichiarato il regista James Gunn a proposito del suo approccio a Superman. “Volevo raccontare la storia di qualcuno che era veramente buono in un mondo che non apprezza la bontà, in un mondo che prende in giro la gentilezza di base e i valori umani fondamentali”. Ha aggiunto: “Il fatto che possa volare, sollevare edifici e sparare raggi laser dagli occhi era davvero secondario rispetto a chi fosse come persona e a ciò in cui credeva”.

James Gunn sta dicendo tutte le cose giuste e si spera che il film sia all’altezza delle sue promesse. I fan si aspettano che Superman offra l’interpretazione di questo personaggio che aspettavano di rivedere sullo schermo da quando Christopher Reeve indossò per la prima volta il mantello nel 1978.

Guarda l’ultimo promo di Superman nel post Instagram qui sotto.

Il cast di Superman

Superman è il primo film dei DC Studios scritto e diretto da James Gunn, con David Corenswet nei panni di Superman/Clark Kent.

Nel cast anche Rachel Brosnahan, Nicholas Hoult, Edi Gathegi, Anthony Carrigan, Nathan Fillion, Isabela Merced, Skyler Gisondo, Sara Sampaio, María Gabriela de Faría, Wendell Pierce, Alan Tudyk, Pruitt Taylor Vince e Neva Howell. Il film sarà al cinema dal 9 luglio distribuito da Warner Bros. Pictures.

Superman”, il primo film dei DC Studios in arrivo sul grande schermo, è pronto a volare nei cinema di tutto il mondo quest’estate, distribuito da Warner Bros. Pictures. Con il suo stile inconfondibile, James Gunn trasporta il supereroe originale nel nuovo universo DC reinventato, con una miscela unica di racconto epico, azione, ironia e sentimenti, consegnandoci un Superman guidato dalla compassione e da una profonda fiducia nella bontà del genere umano.

Produttori esecutivi di “Superman” sono Nikolas Korda, Chantal Nong Vo e Lars Winther. Dietro la macchina da presa, Gunn si è avvalso del lavoro di suoi collaboratori fidati, tra cui il direttore della fotografia Henry Braham, la scenografa Beth Mickle, la costumista Judianna Makovsky e il compositore John Murphy, oltre al compositore David Fleming (“The Last of Us”), ai montatori William Hoy (“The Batman”) e Craig Alpert (“Deadpool 2”, “Blue Beetle”).

Lewis Pullman si unisce al cast di Balle Spaziali 2, torna anche Daphne Zuniga

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All’inizio di questa settimana, il regista di Balle Spaziali, Mel Brooks, ha annunciato che il sequel dell’amata parodia di Star Wars di cui abbiamo sentito parlare per la prima volta l’anno scorso aveva fissato la data di uscita ufficiale per il 2027 con un esilarante primo teaser. Abbiamo anche saputo che Brooks sarebbe tornato nei panni di Yogurt, al fianco di Rick Moranis – che tornerà dal ritiro per il film – nei panni di Lord Casco Nero e di Bill Pullman in quelli di Stella Solitaria.

Ora abbiamo altre importanti novità sul cast, poiché THR riporta che la star di Thunderbolts*, Lewis Pullman, affiancherà suo padre nel sequel nei panni del figlio di Stella Solitaria e della Principessa Vespa, Starburst. È stato confermato anche il ritorno di Daphne Zuniga nei panni della Principessa.

L’annuncio rivela che Keke Palmer interpreterà un personaggio di nome Destiny e sarà la protagonista del film insieme a Pullman Jr. e Josh Gad, che potrebbe interpretare o meno il figlio di Barf (il defunto John Candy).

I dettagli della trama sono ancora segreti, ma Amazon ha condiviso una sinossi scherzosa: “Sebbene il titolo, i dettagli della trama e il resto del cast siano ancora segreti, il film è stato descritto da coloro che non hanno ancora letto la sceneggiatura come ‘Un sequel non prequel e non reboot, parte due’, ma con elementi di espansione del franchise Reboot”.

Distribuito dalla MGM nel 1987, Balle Spaziali è una parodia iconica del genere fantascientifico, che trae ispirazione dal franchise di Star Wars e da altri classici. La trama ruota attorno al malvagio Casco Nero (Rick Moranis) e al Presidente Skrocco (Mel Brooks), che tentano di rubare l’atmosfera del pacifico pianeta Druidia, solo per essere ostacolati dall’eroe Stella Solitaria (Pullman), dal suo aiutante Barf (John Candy) e dalla principessa druisca Vespa (Daphne Zuniga). Tra gli altri attori del cast figurano Joan Rivers e Dick Van Patten. Il film ha incassato poco più di 38,1 milioni di dollari in tutto il mondo, ma è rimasto negli anni un classico di culto.

James Gunn risponde alla percezione che “tutti i fan DC” vogliano vedere il Batman di Robert Pattinson nel DCU

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Nonostante il recente ritardo, si prevede che il sequel di The Batman di Matt Reeves inizi la produzione all’inizio del prossimo anno, con la nuova data di uscita fissata al 1° ottobre 2027. Robert Pattinson tornerà nei panni di Bruce Wayne/Batman, ma molti fan sperano ancora di vedere l’attore di Mickey 17 nei panni del Cavaliere Oscuro del DCU per il film in programma The Brave and the Bold e oltre.

Integrare il Batverse nel DCU potrebbe essere la soluzione più sensata, se non altro per evitare di avere due franchise di Batman separati che si svolgono parallelamente. Quando The Batman – Parte 2 arriverà effettivamente nei cinema nel 2027, ci saranno sicuramente stati almeno alcuni progressi su The Brave and The Bold.

Ciononostante, Reeves, James Gunn e il suo co-CEO dei DC Studios, Peter Safran, rimangono tutti irremovibili sul fatto che verrà introdotta una nuova versione del Crociato Incappucciato.

“Quello che sta facendo Matt è ancora molto importante, nonostante tutte le storie contrarie”, ha dichiarato il regista di Superman in una recente intervista con EW. “Dovremmo vedere quella sceneggiatura a breve, e non vedo l’ora.” Ci sono chiaramente molti fan che vogliono che Pattinson riprenda il ruolo nel DCU, ma ce ne sono anche molti altri che non vedono l’ora di vedere un nuovo attore indossare mantello e cappuccio in un’ambientazione più fantastica.

Un fan ha chiesto a James Gunn di dare un’occhiata a un articolo che illustra i vantaggi dell’integrazione del Batman di Pattinson nel DCU, aggiungendo: “Per favore, dai un’occhiata a questo articolo, James. Internet è in fermento per questo argomento! Tutti noi fan della DC lo vogliamo. (E penso anche tu)”.

James Gunn ha ragione. Anche se mantenere Pattinson come Batman del DCU renderebbe ovviamente felici molte persone, è davvero corretto dire che è quello che la maggioranza dei fan desidera? Vale la pena notare che James Gunn non ha completamente scartato l’idea, e ha indicato che è un argomento di discussione all’interno dello studio.

Dragon Trainer: come mai David Tennant non è tornato per il live action?

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Dean DeBlois, regista sia della versione animata che di quella live-action del 2025 di Dragon Trainer, spiega perché al membro del cast originale David Tennant non è stato offerto di riprendere il suo ruolo nel nuovo film. L’attore ha prestato la voce a Stizzabifolco, un vichingo alto e muscoloso, guerriero della tribù dei Teppisti Pelosi, e papà di Moccicoso. Tuttavia, non è tornato per la versione live-action di Dragon Trainer, ora nelle sale. Il personaggio è interpretato da Peter Serafinowicz.

In un’intervista con The Hollywood Reporter, a DeBlois è stato chiesto se ha preso in considerazione altri membri del cast originale, oltre a Gerard Butler, per ruoli nel remake live-action del 2025. Il regista si è complimentato con Tennant e si è “sentito in imbarazzo” per il fatto che non siano riusciti a trovare un “ruolo abbastanza importante” per lui. Ha inoltre spiegato che Tennant non poteva riprendere il suo ruolo vocale nel nuovo film perché, fisicamente, l’attore non è adatto. Tuttavia, il regista è aperto alla possibilità di far apparire Tennant in futuro se ci sarà un ruolo “perfetto”. Leggi il suo commento qui sotto:

“David Tennant è un attore di grande talento e mi sono sentito in imbarazzo per non aver avuto un ruolo abbastanza importante per lui nei film d’animazione. Ma il personaggio che interpretava, Stizzabifolco, il padre di Moccicoso, è una persona così grande, muscolosa e imponente che non pensavo che David sarebbe stato fisicamente adatto a lui. Forse in futuro troveremo il ruolo perfetto per lui, ma è un attore così ingegnoso. Per quanto riguarda Gerard, non era nemmeno disponibile quando abbiamo iniziato a fare il casting per il film. Aveva progetti consecutivi che lo avrebbero reso inaccessibile durante il nostro programma di riprese. Quindi è stato in realtà lo sciopero degli attori del 2023 a cambiare alcuni di quei progetti e, all’improvviso, si è aperta una finestra in cui avremmo potuto prenderlo.”

Leggi la nostra recensione di Dragon Trainer

“Quanto si può fare con un Fantasma di Forza?” Mark Hamill chiarisce il suo ritiro dal franchise di Star Wars

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Mark Hamill ha chiarito le sue recenti dichiarazioni sul ritiro da Star Wars, insistendo sul suo entusiasmo per il futuro del franchise. L’ultima apparizione di Mark Hamill nella serie risale a “Il libro di Boba Fett“, sebbene la tecnologia di ringiovanimento lo abbia inserito nella parte della linea temporale di Star Wars che fa riferimento alla Nuova Repubblica. Per quanto riguarda i film di Star Wars, l’ultima apparizione di Hamill risale a Star Wars: L’ascesa di Skywalker del 2019, in cui il suo Fantasma di Forza ha trasmesso il nome Skywalker a Rey, interpretata da Daisy Ridley. Dopo aver commentato il suo ritiro dal franchise, Hamill ha però chiarito alcune cose.

In un’intervista con TODAY, Mark Hamill è stato interrogato sulle sue recenti dichiarazioni sulla sua conclusione con Star Wars. Hamill ha ribadito che i suoi commenti derivavano dal fatto che la sua storia in L’Ascesa di Skywalker “sembrava una conclusione. Il mio personaggio aveva una conclusione completa; sono morto… e una volta terminata la trilogia degli Skywalker, per loro [Lucasfilm] è iniziata un’era completamente nuova”. Hamill ha poi aggiunto:

“George ha dato loro questa fantastica tela, l’intera galassia, possono fare western, gialli, commedie, qualsiasi cosa all’interno del regno di Star Wars, e stanno andando così bene… Ho avuto il mio tempo. Sono davvero grato, ma guardo al futuro per tutti questi nuovi progetti. Ho visto titoli: ‘Mark Hamill lascia Star Wars’. Beh, lasciatemelo dire, non me l’hanno chiesto. Non è che mi abbiano detto: ‘Per favore, torna’. Quanto si può fare con un Fantasma di Forza? Vorrei un film ambientato interamente nel regno dei Fantasmi di Forza. Potrei conversare con Alec Guinness… Dalle tue labbra alle orecchie di Dio.”

Sebbene Hamill ammetta che la porta rimanga in qualche modo aperta, data la sua idea per un film sui Fantasmi di Forza, è chiaro che ritiene che Luke Skywalker abbia fatto il suo corso in una galassia lontana, lontana.

Mark Hamill sente che la sua storia di Star Wars è finita

Come già accennato, i commenti di Hamill sono nati semplicemente da una riflessione sul suo passato in Star Wars. Come sottolinea giustamente, Luke Skywalker è morto in Star Wars: Gli Ultimi Jedi dopo essere diventato tutt’uno con la Forza. La sua apparizione come Fantasma di Forza di Star Wars ne L’Ascesa di Skywalker ha portato un senso di chiusura, con Luke e Leia che tramandano l’eredità della loro famiglia a una nuova generazione. Da questa prospettiva, è difficile non essere d’accordo con Hamill quando afferma che la storia di Luke Skywalker è finita.

Toy Story 5: svelati nuovi dettagli sul ritorno di Woody

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Toy Story 5: svelati nuovi dettagli sul ritorno di Woody

Toy Story 5 è in arrivo e la Disney ha finalmente rivelato perché Woody tornerà nel prossimo sequel Pixar. La collocazione di Woody è stato uno dei più grandi interrogativi durante lo sviluppo di Toy Story 5, poiché il personaggio di Tom Hanks ha lasciato la banda alla fine di Toy Story 4.

Nell’ambito di una presentazione a New York City, la Disney ha fornito un’anteprima dei prossimi film Pixar. Toy Story 5 è stato un argomento importante, con la condivisione di alcuni dettagli della trama. Il prossimo film parlerà di giocattoli contro tecnologia, con Bonnie che riceve un Lily Pad che funge da antagonista del film. Il Lily Pad vuole separare Bonnie dai suoi giocattoli, rendendola più socievole. Jesse, che ora si occupa dei giocattoli di Bonnie, decide che hanno bisogno di aiuto, e questo la porta a chiedere a Woody di tornare. La Pixar ha anche condiviso un concept art, che potete vedere qui sotto.

Il ritorno di Woody in Toy Story 5 è un evento importante, poiché significa che Jesse pensa che solo lui possa risolvere i problemi che l’oggetto tecnologico sta creando. La conoscenza che Woody ha di Bonnie o semplicemente la sua storia da leader dei giocattoli potrebbero contribuire a questo pensiero. L’anteprima ha anche rivelato che è passato un po’ di tempo dall’ultima volta che Woody ha visto il resto dei giocattoli. Al suo ritorno, Woody si scontra di nuovo con Buzz Lightyear, sotto gli occhi di Ham, Rex, Slinky e Mr. Potato Head.

Il ritorno di Woody rivela anche l’interessante fatto che Jesse ha preso il suo posto. Molti fan di Toy Story davano per scontato che Buzz sarebbe stato il naturale prossimo leader dei giocattoli. Tuttavia, è intervenuta Jesse, che è stata la prima a decidere di riportare indietro Woody. Sebbene non sia ancora stato rivelato il motivo per cui Jesse, invece che Buzz, abbia preso le redini da Woody, questo verrà sicuramente spiegato quando Toy Story 5 uscirà.

Avengers: Doomsday, continuano le speculazioni riguardo a Hugh Jackman sul set

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Ci si aspetta che Hugh Jackman torni a vestire i panni di Wolverine in Avengers: Doomsday, e un nuovo post sui social media del suo storico stuntman ha gettato ulteriore benzina sul fuoco.

Oggi abbiamo condiviso un video dall’account Instagram di Hugh Jackman, che mostrava l’attore mentre si allenava per il suo presunto ritorno nei panni di Wolverine in Avengers: Doomsday.

Ora, lo stuntman Daniel Stevens (che ha trascorso gran parte della sua carriera a fare gli stunt di Logan per il candidato australiano all’Oscar) ha confermato di stare lavorando a un progetto presso i Pinewood Studios di Londra… dove attualmente si sta girando Avengers: Doomsday.

Come potete immaginare, questo ha portato a un’altra ondata di entusiastici post sui social da parte dei fan, ora più convinti che mai che Jackman sia pronto a riprendere il suo ruolo di Deadpool & Wolverine nel prossimo blockbuster. Dopotutto, è difficile immaginare che abbia sfoderato gli artigli per l’ultima volta dopo il ritorno di enorme successo dell’anno scorso, e la tempistica del post di Stevens è decisamente casuale.

Tuttavia, vale la pena sottolineare che Stevens ha lavorato nel reparto stunt di molti film dell’MCU. Questo lo ha portato a fare la controfigura di Chris Pratt (Star-Lord), Robert Downey Jr. (Iron Man) e Chris Hemsworth (Thor), tra gli altri.

È stata confermata la loro apparizione in Avengers: Doomsday, quindi è probabile che non sia a Londra per fare la controfigura del Wolverine di Jackman. A meno che non ci sia. In ogni caso, siamo un giorno più vicini a scoprirlo il prossimo dicembre. È anche difficile immaginare gli X-Men senza il mutante artigliato.

Robert Downey Jr.
Robert Downey Jr. sarà Dottor Destino in Avengers: Doomsday. Gentile Concessione Disney – (Photo by Jesse Grant/Getty Images for Disney)

Cosa sappiamo di Avengers: Doomsday

Avengers: Doomsday e Avengers: Secret Wars arriveranno in sala rispettivamente il 18 dicembre 2026, e il 17 dicembre 2027. Entrambi i film saranno diretti da Joe e Anthony Russo, che tornano anche nel MCU dopo aver diretto Captain America: The Winter Soldier, Captain America: Civil War, Avengers: Infinity War e Avengers: Endgame.

Sono confermati nel cast del film (per ora): Paul Rudd / Ant-Man, Simu Liu / Shang-Chi, Tom Hiddleston / Loki, Lewis Pullman / Bob-Sentry, Florence Pugh / Yelena, Danny Ramirez / Falcon, Ian McKellen / Magneto, Sebastian Stan / Bucky, Winston Duke / M’Baku, Chris Hemsworth / Thor, Kelsey Grammer / Beast, James Marsden / Cyclops, Channing Tatum / Gambit, Wyatt Russell / U.S. Agent, Vanessa Kirby / Sue Storm, Rebecca Romijn / Mystique, Patrick Stewart / Professor X, Alan Cumming / Nightcrawler, Letitia Wright / Black Panther, Tenoch Huerta Mejia / Namor, Pedro Pascal / Reed Richards, Hannah John-Kamen / Ghost, Joseph Quinn / Johnny Storm, David Harbour / Red Guardian, Robert Downey Jr. / Doctor Doom, Ebon Moss-Bachrach / La Cosa, Anthony Mackie / Captain America.

Alien: Pianeta Terra, un nuovo, terrificante spot televisivo che chiede qual è il prezzo per essere più che umani

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Alien: Pianeta Terra di FX e Noah Hawley debutterà il 13 agosto, e un nuovissimo spot televisivo è appena uscito, con nuove immagini incentrate sul personaggio di Sydney Chandler, Wendy. Nota per i suoi ruoli in Don’t Worry Darling e Pistol, Chandler interpreta il ruolo di una nuova, rivoluzionaria Sintetica, la prima a fondere la coscienza umana con un corpo robotico.

Ma il teaser accenna a un colpo di scena più oscuro. Mentre la trasformazione di Wendy segna un grande passo avanti nella tecnologia, il filmato suggerisce in modo criptico che tale evoluzione non sarà priva di conseguenze.

Ambientata nell’anno 2120, appena due anni prima degli eventi dell’Alien originale di Ridley Scott, la prossima serie TV Alien: Pianeta Terra porta l’orrore sulla Terra per la prima volta nella storia del franchise. La storia si svolge in un futuro noto come “Corporate Era”, in cui cinque mega-corporazioni, Prodigy, Weyland-Yutani, Lynch, Dynamic e Threshold, esercitano la loro influenza su scala globale, funzionando più come nazioni sovrane che come aziende.

In questo mondo dominato dalla tecnologia avanzata, sintetici e cyborg sono parte integrante della vita quotidiana. Ma ora è arrivato un nuovo balzo evolutivo: gli ibridi, esseri che fondono la coscienza umana con la forma robotica. Wendy, la prima della sua specie, è al centro di questa trasformazione.

La tensione esplode in Alien: Pianeta Terra quando una misteriosa nave da ricerca spaziale, la USCSS Maginot, ritenuta legata alla Weyland-Yutani Corporation, atterra inaspettatamente sulla Terra.

Wendy, una sintetica rivoluzionaria interpretata da Sydney Chandler, viene schierata insieme a una squadra tattica eterogenea per indagare. Quella che inizia come una normale operazione di recupero si trasforma rapidamente in un incubo, quando l’equipaggio scopre il mortale carico della nave: terrificanti forme di vita aliene, tra cui i famigerati Xenomorfi. Improvvisamente, la missione si trasforma in una disperata lotta per la sopravvivenza, mentre una nuova ondata di orrore emerge, questa volta sulla Terra stessa.

La serie di otto episodi debutterà il 13 agosto su FX, con Noah Hawley come showrunner.

A Chandler si uniscono nel cast Timothy Olyphant nel ruolo di Kirsh, Alex Lawther nel ruolo di CJ “Hermit”, Essie Davis nel ruolo di Dame Silvia, Samuel Blenkin nel ruolo di Boy Kavalier, Adarsh ​​Gourav nel ruolo di Slightly, Kit Young nel ruolo di Tootles, David Rysdahl nel ruolo di Arthur e Babou Ceesay nel ruolo di Morrow.

Tron: Ares, Sam Flynn tornerà? La risposta criptica di Garrett Hedlund

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Una domanda fondamentale sul prossimo Tron: Ares continua a riproporsi nel fandom: Garrett Hedlund riprenderà il ruolo di Sam Flynn, figlio di Kevin Flynn (Jeff Bridges)? Con Garrett Hedlund nei panni di Sam Flynn e Olivia Wilde in quelli di Quorra, Tron: Legacy si è giustamente guadagnato il suo posto nel cuore dei fan, crescendo nella loro considerazione in particolare con l’uscita in home video. Le sue immagini mozzafiato e la colonna sonora iconica hanno persino ispirato una nuova emozionante attrazione al Magic Kingdom di Disney World.

Ora, l’universo di Tron si espande con l’attesissimo Tron: Ares. Questo nuovo film sposta l’attenzione dai personaggi principali di Legacy, e si basa direttamente su un’idea entusiasmante del climax del film precedente: Quorra, un “algoritmo isomorfo”, che esce dalla griglia digitale ed entra nel mondo reale.

Tron: Ares esplorerà questo concetto rivoluzionario su una scala molto più ampia, con Jared Leto a capo del cast nei panni dell’Ares del titolo. La trama principale ruota attorno a un evento senza precedenti: algoritmi sempre più avanzati stanno compiendo il salto dalla Griglia ed entrando nella realtà fisica. Questo solleva una domanda monumentale: come reagirà l’umanità all’apparizione di esseri senzienti con intelligenza artificiale nel nostro mondo?

I fan si chiedono naturalmente se Garrett Hedlund tornerà nei panni di Sam Flynn in Ares. A una recente domanda, Hedlund ha dato una risposta molto criptica, dicendo: “Sai, lasciamo che quell’ambiguità riposi nell’etere”.

Nonostante la risposta timida, Hedlund ha espresso il suo entusiasmo per il film, riconoscendo l’immenso sforzo profuso nella sua creazione. “Sono molto emozionato di vedere cosa hanno fatto con Ares”, ha dichiarato. Hanno lavorato duramente per realizzare questo film. Hanno affrontato gli ostacoli del COVID, lo sciopero, e sono comunque riusciti ad arrivare dall’altra parte. Sono emozionato, e questo diffonde l’amore e la popolarità per The Grid. È incredibile quanto tempo sia passato da Legacy. Ma sono emozionato che il pubblico riceva un’altra iniezione di Tron, dei programmi, del disco, di The Grid e un po’ di brio di Bridges.

Il regista Joachim Rønning ha fatto luce sul personaggio di Jared Leto in un’intervista con Empire, paragonando Ares a una storia familiare. “Per non essere troppo banale”, ha spiegato Rønning, “ma l’ho sempre pensato un po’ come Pinocchio. Ares vuole essere un bambino vero.” Ha spiegato che “Ares è come un neonato, e il film mira a raccontare la storia dal suo punto di vista, concentrandosi sulle piccole cose che diamo per scontate o che non vediamo più. Questo era importante. E poi un tema più ampio del film è cosa significhi essere umani. Soprattutto in questo caso, perché lui è un programma per computer.”

Cosa sappiamo su Tron: Ares?

Interpretato da Jared Leto, Tron: Ares segue un programma altamente sofisticato, Ares, che viene inviato dal mondo digitale a quello reale per una missione pericolosa, segnando il primo incontro dell’umanità con esseri A.I.. Alla regia di Tron: Ares c’è Joachim Rønning, che ha diretto sia Pirati dei Caraibi – La vendetta di Salazar che Maleficent – Signora del male per la Disney dopo il suo successo con Kon-Tiki del 2012.

Jared Leto, Evan Peters, Jodie Turner-Smith e Greta Lee completano il cast del film scritto da Jesse Wigutow e Jack Thorne, la cui produzione dovrebbe iniziare ad agosto (dipendentemente dallo sciopero degli attori SAG-AFTRA). Emma Ludbrook, Jeffrey Springer e Leto produrranno, con Russell Allen come produttore esecutivo.

Jesse Wigutow e Jack Thorne hanno scritto la sceneggiatura di Tron: Ares, mentre Sean Bailey, Jeffrey Silver, Justin Springer, Leto, Emma Ludbrook e Steven Lisberger hanno prodotto insieme al produttore esecutivo Russell Allen. L’uscita del film è prevista per il 2025.

Il franchise di Tron è stato lanciato con l’omonimo film del 1982 con Jeff Bridges nei panni del creatore di videogiochi Kevin Flynn, che è stato lodato per i suoi effetti visivi e ha sviluppato un classico di culto dopo una difficile uscita nelle sale. A questo ha fatto seguito il sequel Tron: Legacy del 2010, che ha introdotto nel cast Garrett Hedlund e Olivia Wilde e che ha ottenuto poco più di 400 milioni di dollari al suo debutto durante le festività natalizie.

Alan Cumming dice che il suo ritorno a Nightcrawler è terapeutico dopo l’incubo di X-Men 2

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Alan Cumming torna nei panni di Nightcrawler in Avengers: Doomsday e, in una nuova intervista, l’attore spiega perché questa possibilità si sta rivelando un momento di guarigione dopo l’esperienza negativa delle riprese di X-Men 2.

La rivelazione del cast di Avengers: Doomsday ha visto Patrick Stewart (Professor X), Ian McKellen (Magneto), Alan Cumming (Nightcrawler), Rebecca Romijn (Mystica), James Marsden (Ciclope), Kelsey Grammer (Bestia) e Channing Tatum (Gambit) di Deadpool & Wolverine entrare a far parte del film.

Personaggi come Jean Grey (Famke Janssen), Tempesta (Halle Berry) e Rogue (Anna Paquin) sono tutti assenti, così come il Wolverine di Hugh Jackman (anche se ieri abbiamo ricevuto un aggiornamento potenzialmente positivo su questo fronte). Ci aspettiamo di vedere una squadra di X-Men più numerosa di quella annunciata, forse con l’aggiunta di qualche nuova Variante Multiversale per buona misura.

Tornando a quelli confermati per Avengers: Doomsday, il Nightcrawler di Cumming rimane uno dei personaggi più amati del franchise degli X-Men, nonostante sia apparso solo in X-Men 2 del 2003.

L’attacco del teleporter alla Casa Bianca è giustamente considerato iconico, quindi la ripresa del ruolo in Avengers: Doomsday è incredibilmente emozionante (siamo sicuri che i fratelli Russo tenteranno qualcosa che almeno tenti di eguagliare la sequenza classica).

Come mai il franchise degli X-Men non è stato una collaborazione più prolifica per Alan Cumming? In precedenza aveva parlato di esperienze “pericolose” e “violente” sul set, insinuando che non gli fosse piaciuto lavorare con il regista Bryan Singer. Ricordiamo che in precedenza era stato riportato che uno dei produttori aveva quasi bloccato il film a causa del presunto comportamento imprevedibile del regista.

Parlando con The Hollywood Reporter, Alan Cumming ha riflettuto ulteriormente sul perché abbia odiato girare X-Men 2 e ha condiviso il suo entusiasmo all’idea di interpretare di nuovo Nightcrawler, anche se questa volta per i Marvel Studios.

“No [non mi aspettavo che la chiamata]. C’era già una versione più giovane del mio personaggio, interpretata da Kodi Smit-McPhee. Mi è successo diverse volte, quando c’è un remake di qualcosa che ho fatto con qualcuno più giovane. È un po’ irritante. Ma quando mi è stato chiesto di incontrare la Marvel, nessuno sapeva se si trattasse effettivamente di Nightcrawler o di qualche altro ruolo. È interessante perché quello è stato uno dei film che non è stata una grande esperienza da realizzare, ma che alla fine si è rivelato un film davvero fantastico.”

“Ho passato momenti orribili nel realizzarlo. Tutti noi. Non è stato bello. [La Marvel] ne era ben consapevole. Non è ancora finito, ma è rigenerante tornare a qualcosa che non è stata un’esperienza grandiosa e divertirsi. Quando ho scritto il mio libro, Baggage, mi sono reso conto che dopo X-Men avevo smesso di fare quel genere di film più grandi, da blockbuster. Non facevo niente del genere da anni. Mi sono allontanato di proposito da quella grande macchina perché non volevo essere un ingranaggio infelice. Tornare a un’atmosfera diversa è davvero bello.”

Cosa sappiamo di Avengers: Doomsday

Avengers: Doomsday e Avengers: Secret Wars arriveranno in sala rispettivamente il 18 dicembre 2026, e il 17 dicembre 2027. Entrambi i film saranno diretti da Joe e Anthony Russo, che tornano anche nel MCU dopo aver diretto Captain America: The Winter Soldier, Captain America: Civil War, Avengers: Infinity War e Avengers: Endgame.

Sono confermati nel cast del film (per ora): Paul Rudd / Ant-Man, Simu Liu / Shang-Chi, Tom Hiddleston / Loki, Lewis Pullman / Bob-Sentry, Florence Pugh / Yelena, Danny Ramirez / Falcon, Ian McKellen / Magneto, Sebastian Stan / Bucky, Winston Duke / M’Baku, Chris Hemsworth / Thor, Kelsey Grammer / Beast, James Marsden / Cyclops, Channing Tatum / Gambit, Wyatt Russell / U.S. Agent, Vanessa Kirby / Sue Storm, Rebecca Romijn / Mystique, Patrick Stewart / Professor X, Alan Cumming / Nightcrawler, Letitia Wright / Black Panther, Tenoch Huerta Mejia / Namor, Pedro Pascal / Reed Richards, Hannah John-Kamen / Ghost, Joseph Quinn / Johnny Storm, David Harbour / Red Guardian, Robert Downey Jr. / Doctor Doom, Ebon Moss-Bachrach / La Cosa, Anthony Mackie / Captain America.

Ironheart: la prima occhiata all’armatura magica di Riri

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Ironheart: la prima occhiata all’armatura magica di Riri

Marvel Television ha pubblicato un nuovo speciale per la prossima serie Disney+ ambientata nell’MCU, Ironheart, e oltre ad alcune clip dietro le quinte e interviste con coloro che hanno contribuito alla realizzazione della serie, ci sono anche alcuni brevi scene inedite dalla serie.

Non c’è molto che non fosse già presente nel primo trailer, ma diamo un primo sguardo a quella che si ritiene essere l’armatura finale di Riri Williams, che sarà alimentata da una combinazione di tecnologia avanzata e magia. Sembra anche esserci una rapida occhiata a un personaggio misterioso che potrebbe rivelarsi Eziekel Stane.

Inoltre, MTTSH ha rivelato la sinossi del primo episodio. “Dopo essere stata espulsa dal MIT e privata della sua tecnologia, la geniale adolescente Riri Williams torna a Chicago. Un incontro fortuito la porta nell’orbita di un equipaggio pericoloso e, quando usa un dispositivo di mappatura cerebrale per riparare la sua armatura rotta, riporta accidentalmente in vita un ologramma dell’IA della sua migliore amica morta.”

Quello che sappiamo di Ironheart

Ambientata dopo gli eventi di Black Panther: Wakanda Forever, la serie Ironheart di Marvel Television mette a confronto la tecnologia con la magia quando Riri Williams (Dominique Thorne), una giovane e geniale inventrice determinata a lasciare il segno nel mondo, torna nella sua città natale, Chicago.

La sua innovativa interpretazione della costruzione di armature di ferro è brillante, ma nel perseguire le sue ambizioni, si ritrova coinvolta con il misterioso ma affascinante Parker Robbins, alias “The Hood” (Anthony Ramos).

La serie vede la partecipazione anche di Lyric Ross, Alden Ehrenreich, Regan Aliyah, Manny Montana, Matthew Elam e Anji White. Chinaka Hodge è la sceneggiatrice e produttrice esecutiva; gli episodi sono diretti da Sam Bailey e Angela Barnes.

I primi tre episodi di Ironheart debutteranno su Disney+ il 24 giugno 2025.

Squid Game – stagione 3: trailer ufficiale del gran finale in arrivo su Netflix

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Svelato questa notte il trailer ufficiale della terza e ultima stagione di “SQUID GAME”. L’attesissima stagione finale della serie da record vede protagonisti Gi-hun (Lee Jung-jae) e il Front Man (Lee Byung-hun), sarà disponibile solo su Netflix dal 27 giugno.

La serie è stata celebrata con una premiere lo scorso 12 giugno al Barbican Centre di Londra, alla presenza del cast e del regista, insieme a numerosi ospiti dal mondo dell’intrattenimento e dei social media.

La trama di Squid Game – stagione 3

Nella terza e ultima stagione di Squid Game, ritroviamo Gi-hun (Lee Jung-jae) dopo che ha perso il suo miglior amico nel gioco ed è stato portato alla completa disperazione dal Front Man (Lee Byung-hun), che ha nascosto la sua vera identità per infiltrarsi nel gioco. Gi-hun non demorde nel suo obiettivo di porre fine ai giochi, mentre il Front Man prosegue con la sua prossima mossa e le scelte dei giocatori sopravvissuti causano gravi conseguenze a ogni round. Il mondo attende con ansia di vedere l’incredibile finale scritto e diretto da Hwang Dong-hyuk, che ha promesso di portare la storia alla sua meritata conclusione. Ci sarà un barlume di speranza per l’umanità sullo sfondo della realtà più crudele? I fan di tutto il mondo stanno contando i giorni prima di ricevere la risposta finale.

Il regista Hwang Dong-hyuk, che ha fatto la storia alla 74a edizione dei Primetime Emmy diventando il primo asiatico a vincere il premio come Miglior regia di una serie drammatica, è ancora una volta al timone della serie come regista, sceneggiatore e produttore. Nel cast della terza stagione troviamo Lee Jung-jae, Lee Byung-hun, Yim Si-wan, Kang Ha-neul, Wi Ha-jun, Park Gyu-young, Park Sung-hoon, Yang Dong-geun, Kang Ae-sim, Jo Yu-ri, Chae Kuk-hee, Lee David, Roh Jae-won, e Jun Suk-ho, con la partecipazione speciale di Park Hee-soon.

Nine Perfect Strangers – Stagione 2: data di uscita, cast, trama, trailer e tutto quello che sappiamo

La seconda stagione di Nine Perfect Strangers arriverà presto e riunirà un altro cast stellare per nuove avventure all’insegna del benessere. La prima stagione è un adattamento dell’omonimo romanzo di Lianne Moriarity, autrice anche di Big Little Lies, anch’esso adattato dallo showrunner David E. Kelly e interpretato da Nicole Kidman nel ruolo principale. La trama della prima stagione seguiva un gruppo di sconosciuti in fuga dalle loro vite che cercavano di trovare la pace interiore alla Tranquilliam House, un centro benessere non convenzionale gestito da una fondatrice altrettanto non convenzionale, Masha (interpretata dalla Nicole Kidman).

All’epoca, Nine Perfect Strangers si rivelò un successo tra il pubblico, con la sua prima che entrò nella storia come una delle serie originali più viste di sempre su Hulu e il suo cast che ricevette molti elogi. Sebbene la prima stagione di Nine Perfect Strangers sia stata un enorme successo per la piattaforma di streaming, il destino della serie dopo la sua prima uscita non è mai stato certo. Dato che aveva tutte le caratteristiche di una miniserie, Nine Perfect Strangers avrebbe potuto facilmente concludersi. Tuttavia, una seconda stagione è stata rapidamente messa in produzione.

Ultime notizie su Nine Perfect Strangers – Stagione 2

Non molto tempo dopo l’annuncio della seconda stagione, le ultime notizie rivelano la data di uscita e il trailer di Nine Perfect Strangers – stagione 2. La serie originale di Hulu sarà disponibile dal 21 maggio 2025, con i primi due episodi in anteprima, seguiti da un episodio a settimana per il resto della stagione.

Il trailer prepara il terreno per ulteriori macchinazioni di Masha, mentre i nove protagonisti arrivano in un’elegante villa sulle Alpi. Ad eccezione di una coppia, il gruppo è composto da perfetti sconosciuti, ma man mano che iniziano il loro percorso di benessere, scoprono che potrebbe esserci un legame tra loro. Masha stessa sembra crollare dietro le quinte e la sua spirale discendente minaccia di trascinare con sé anche i suoi clienti. Ciascuno dei clienti di Masha dovrebbe esaminare il proprio passato oscuro, ma lei potrebbe usare i loro traumi per i propri scopi.

Data di uscita della seconda stagione di Nine Perfect Strangers

Nine Perfect Strangers stagione 2 si fa attendere da tempo e ci sarà un intervallo di quasi quattro anni tra la prima e la seconda puntata. Hulu ha programmato la premiere della seconda stagione per il 21 maggio 2025, e la premiere consisterà nei primi due episodi della seconda stagione. Nine Perfect Strangers passerà poi a una programmazione settimanale per il resto della stagione.

Nine Perfect Strangers stagione 1 si è conclusa il 22 settembre 2021.

Iscriviti a Prime Video per guardare Nine Perfect Strangers e molto altro. Dove vuoi, quando vuoi.

Cast di Nine Perfect Strangers – Stagione 2

Ancora una volta di ritorno per guidare il cast, Nicole Kidman riprenderà il ruolo di Masha Dmitrichenko nella seconda stagione di Nine Perfect Strangers. Oltre alla Kidman, non sono stati annunciati altri personaggi di ritorno, anche se sono stati aggiunti una serie di nuovi arrivati. Il vincitore dell’Emmy Murray Bartlett (The White Lotus) apparirà nel ruolo di Brian, un ex conduttore di programmi per bambini che porta ancora con sé il suo pupazzo.

La pluripremiata Christine Baranski (The Gilded Age) sarà anche lei nella prossima stagione nel ruolo di Victoria.

Annie Murphy (Black Mirror) interpreterà Imogen, mentre Mark Strong (The Catcher Was a Spy) sarà David. Henry Golding (Crazy Rich Asians) apparirà come Peter, mentre il ruolo di Helena sarà interpretato da Lena Olin (Chocolat). Con l’uscita del trailer, è stato confermato che la maggior parte del cast sarà composto dai clienti di Masha, che la raggiungeranno in una villa sulle Alpi per un ritiro benessere.

L’elenco dei nomi annunciati per il cast della seconda stagione include:

Dettagli sulla trama della seconda stagione di Nine Perfect Strangers

Oltre a colpi di scena, traumi e brutte sorprese, i personaggi non possono aspettarsi altro che il peggio per raggiungere ciò che si sono prefissati.

Nine Perfect Strangers stagione 2 sarà ambientata nelle Alpi austriache, con Masha che ospiterà un altro gruppo di cittadini in fuga dalla realtà in un ritiro di 10 giorni all’insegna della purificazione e della pace. Oltre a colpi di scena, traumi e brutte sorprese, i personaggi non possono aspettarsi altro che il peggio per raggiungere i loro obiettivi. Sarà anche interessante vedere come gli sceneggiatori gestiranno il ritorno di Masha, che è stata vista l’ultima volta mentre veniva scortata dalla polizia fuori dalla struttura nel finale di stagione.

Al momento si conoscono pochi dettagli sui clienti di Masha, ma il trailer suggerisce che sono tutti collegati in qualche modo. Naturalmente, la guru del benessere ha i suoi segreti che minacciano di distruggerla dietro le quinte. Il mistero è uno degli aspetti migliori della storia della serie, quindi molti dettagli sulla seconda stagione non saranno noti fino alla messa in onda degli episodi.

Trailer della seconda stagione di Nine Perfect Strangers

Guarda il trailer completo qui sotto

Per promuovere il ritorno di Nine Perfect Strangers, Hulu ha pubblicato un trailer della seconda stagione alla fine di aprile 2025. Il trailer presenta la premessa di base della serie con i nove personaggi che arrivano nella misteriosa villa sulle Alpi e non perde tempo ad addentrarsi nel dramma interpersonale.

Da parte sua, Masha riesce a malapena a tenere insieme la facciata, ma quando non è con i suoi clienti cominciano ad affiorare le prime crepe. Il trailer mostra i clienti che scavano nel loro passato oscuro e si intuisce che Masha ha dei piani. Si suggerisce anche che gli sconosciuti potrebbero essere collegati in qualche modo e che questo potrebbe essere il segreto dei piani di Masha.

Nine Perfect Strangers, la spiegazione del finale della prima stagione

Il finale di Nine Perfect Strangers rimane fedele al tono misterioso del resto della serie. Seguendo le storie di nove persone tormentate, ognuna alle prese con un trauma personale, la serie racconta il loro trattamento in un losco centro benessere chiamato Tranquillum. Tuttavia, nel drammatico climax della serie, è chiaro che ognuno degli ospiti ha ottenuto più di quanto si aspettasse dalle mani dell’eccentrica direttrice del resort, Masha Dmitrichenko.

Masha garantisce a ciascuno dei nove ospiti che le sue cure li aiuteranno a guarire entro la fine del loro soggiorno. Tuttavia, le cure di Masha si rivelano più poco ortodosse di quanto gli ospiti si aspettassero quando lei confessa di aver aggiunto segretamente tracce di droghe psichedeliche nei loro pasti. Il finale di Nine Perfect Strangers vede il Tranquillum gettato nel caos quando molti degli ospiti sperimentano effetti collaterali dovuti a una droga chiamata psilocibina (funghi allucinogeni), che Masha (interpretata dalla star Nicole Kidman) ha somministrato loro in dosi sempre più elevate. Per impedire che mettano in pericolo se stessi, Masha mette tutti gli ospiti sotto chiave, ad eccezione della famiglia Marconi, Napoleon, Heather e la loro figlia ventenne Zoe. I tre vengono convinti da Masha che l’uso di sostanze psichedeliche in combinazione con la meditazione permetterà loro di parlare un’ultima volta con il figlio defunto Zach, in modo da poter fare pace con la sua morte. La meditazione ha successo quando i Marconi hanno l’opportunità di comunicare con Zach un’ultima volta.

L’ultimo episodio di Nine Perfect Strangers si concentra sul mostrare come ogni ospite sia stato cambiato dalle proprie esperienze al Tranquillum, ma la presentazione delle scene finali ha un tono ambiguo. Il futuro di ogni personaggio dopo la visita al resort di Masha è lasciato all’interpretazione dello spettatore. Sebbene non ci sia una conclusione definitiva sul significato del finale, ecco alcune spiegazioni per alcuni dei dettagli più importanti.

Il legame segreto di Carmel con Masha in Nine Perfect Strangers

Quando gli ospiti arrivano, Masha spiega loro che l’evento che l’ha spinta a creare il Tranquillum è stato un’esperienza di pre-morte dopo essere stata colpita da uno sconosciuto. Il passato torna a tormentarla quando lo sconosciuto si rivela essere uno dei suoi nuovi ospiti, una donna di nome Carmel. La maggior parte dei protagonisti di Nine Perfect Strangers arriva al Tranquillum con un certo timore, ma Carmel si distingue dal gruppo per la sua ammirazione aperta nei confronti di Masha. Il suo sincero rispetto per Masha suscita confusione sul motivo per cui dovrebbe provare risentimento nei suoi confronti, ma la ragione di Carmel diventa chiara quando si scopre che è la sua insicurezza a generare la sua rabbia.

Sebbene Carmel desideri con tutto il cuore diventare la versione migliore di sé stessa, è costantemente sopraffatta dai dubbi. Per lei, Masha rappresenta un ideale irraggiungibile di spiritualità, bellezza e autocontrollo. La consapevolezza della propria invidia spinge Carmel a toccare il fondo quando si rende conto del danno che la sua rabbia può causare a sé stessa e a chi le sta intorno, ma non riesce comunque a reprimere le sue emozioni negative. È solo quando il falso velo di positività di Carmel cade che lei è in grado di riconoscere pienamente il motivo della sua sofferenza.

L’interesse di Masha per la famiglia Marconi

Nicole Kidman in Nine Perfect Strangers

Tra tutti gli ospiti, Masha è quella più incuriosita dalla famiglia Marconi. I Marconi si recano al Tranquillum perché stanno piangendo il suicidio del figlio adolescente Zach, la cui perdita ha distrutto la famiglia. Il padre, Napoleon, cerca di rimanere ottimista sul futuro nonostante non capisca perché Zach si sia tolto la vita, ma questo ottimismo allontana sua moglie Heather e sua figlia Zoe (interpretata da Grace Van Patten). Masha mostra un interesse particolare per i Marconi, non solo perché crede che abbiano un disperato bisogno di aiuto, ma anche perché ha vissuto lei stessa la perdita di un figlio.

I flashback rivelano che Masha aveva una figlia di nome Tatiana, morta in un incidente stradale. Nel finale di Nine Perfect Strangers, Masha si unisce personalmente ai Marconi nella meditazione perché anche lei sente il bisogno di guarire dalla perdita di un figlio. Masha ha una rivelazione quando si rende conto che riesce a ricordare Tatiana meglio mentre medita con i Marconi. Questa sequenza mostra Masha alle prese con un doloroso conflitto interiore, nonostante gli episodi precedenti la mostrassero come una persona padrona di sé e generalmente positiva.

Tranquillum dopo l’arresto di Masha in Nine Perfect Strangers

Nine Perfect Strangers

La meditazione di Masha si rivela efficace quando si ricongiunge emotivamente con Tatiana. Nonostante questa svolta, la polizia arriva presto al Tranquillum dopo essere stata informata da uno degli assistenti della struttura dell’uso di droghe psichedeliche da parte di Masha. Masha permette con calma agli agenti di arrestarla senza opporre resistenza. Sembra imperturbabile di fronte all’imminente chiusura del Tranquillum, ancora in pace dopo la sua commovente esperienza con il ricordo di Tatiana.

Cosa succede agli ospiti in Nine Perfect Strangers?

Dopo l’arresto di Masha, gli ospiti vengono immediatamente interrogati dalla polizia sugli eventi del loro soggiorno. Tutti confermano che nel trattamento di Tranquillum sono state utilizzate droghe, ma nessuno accusa espressamente Masha di aver fatto qualcosa di sbagliato. Uno degli ospiti, un giornalista investigativo di nome Lars, era venuto al Tranquillum per raccogliere prove di presunte operazioni non etiche, ma ha scelto di non divulgare le riprese incriminanti che aveva documentato con il suo smartphone. L’episodio finale di Nine Perfect Strangers dà l’impressione che tutti gli ospiti abbiano sentito di aver vissuto un evento che ha cambiato la loro vita, anche se diverso da quello che avevano immaginato inizialmente.

I finali di Nine Perfect Strangers sono falsi?

L’aspetto più controverso di Nine Perfect Strangers riguarda i diversi finali del finale. Poco dopo che tutti gli ospiti hanno lasciato Tranquillum, il pubblico intravede ogni personaggio tornare alla propria vita con una visione più positiva rispetto a prima del trattamento. Tuttavia, la presentazione di queste scene solleva il sospetto che i finali non siano realmente reali, poiché vengono mostrati dopo che uno degli ospiti, una scrittrice di nome Frances, inizia a prendere appunti su un foglio di carta. Considerando quanto i personaggi di Nine Perfect Strangers mettano in discussione la realtà della loro esperienza, è appropriato che la serie si concluda con un finale ambiguo.

Dato che Frances ha voluto conoscere tutti gli altri ospiti, è logico che sia in grado di intuire come cambieranno le loro vite una volta tornati a casa. Alcuni finali sembrano il logico passo successivo nella vita dei protagonisti, come la famiglia Marconi che impara a guarire dopo la morte di Zach o Carmel che crea un piccolo gruppo di terapia per aiutare se stessa e altre persone con idee affini a migliorare se stesse. Allo stesso tempo, altri finali sembrano più inaspettati, soprattutto perché due degli ospiti più giovani, Jessica e Ben, sembrano prendere il controllo di Tranquillum dopo l’arresto di Masha. Il finale più sorprendente è riservato alla fine, quando Masha viene mostrata mentre guida lungo un’autostrada, lontana da Tranquillum e apparentemente senza una destinazione precisa. Spetta essenzialmente allo spettatore decidere se i finali siano reali o meno.

La rilevanza della realtà dei finali di Nine Perfect Strangers

L’ambiguità delle scene finali contribuisce al tono psichedelico di Nine Perfect Strangers, ma ha anche una rilevanza tematica per quanto riguarda i protagonisti. I finali sono suggeriti come possibilità che Frances concepisce dopo aver trascorso del tempo con gli altri ospiti. Quando viene presentata, Frances mostra una visione cinica del mondo, derivata da una generale sfiducia nei confronti delle altre persone. La sua prospettiva sulla vita è che il mondo non ha finali felici. Per rendere ancora più ambigua la realtà dei finali, Frances considera gli scrittori come lei dei bugiardi che creano visioni impossibilmente positive del mondo.

Frances si rende conto che, anche se la sua vita non è perfetta, può comunque lottare per essere felice. Il finale di Nine Perfect Strangers trasmette l’idea che la felicità è una possibilità piuttosto che una garanzia, per cui vale la pena lottare anche se sembra irraggiungibile. La serie riconosce che i protagonisti sono liberi di scegliere il proprio percorso nella vita e di cercare un futuro che alla fine garantisca loro la pace interiore.