Downton Abbey – Il Gran Finale ha ottenuto
recensioni entusiastiche. Il nuovo film, che da oggi è in sala, è
il terzo capitolo della saga cinematografica che prosegue la serie
storica di ITV, creata da Julian Fellowes e andata
in onda per sei stagioni tra il 2010 e il 2015, e che ha portato a
casa 15 Emmy.
L’imminente Downton Abbey – Il Gran Finale seguirà Lady
Mary Crawley (Michelle
Dockery) coinvolta in uno scandalo nel 1930. Il cast
di ritorno include anche Hugh Bonneville, Jim Carter,
Penelope Wilton, Elizabeth McGovern, Brendan Coyle, Laura
Carmichael, Michael Fox, Paul Copley e Paul
Giamatti, a cui si uniscono nuovi arrivati come
Joely Richardson, Alessandro Nivola e
Simon Russell Beale.
Rotten Tomatoes ha ora raccolto
abbastanza recensioni per il film in uscita da consentirgli di
ottenere un punteggio ufficiale sul Tomatometro. Sebbene
questo punteggio possa variare con l’aggiunta di nuove recensioni,
al momento i critici hanno dato a Downton Abbey – Il Gran Finale un solido
punteggio “Fresh” dell’89%.
Questo segna il miglior punteggio
che il franchise abbia ottenuto dalla sesta stagione di Downton
Abbey del 2015 (91%), superando il film originale del 2019 (84%) e
il suo sequel del 2022, “Una Nuova Era” (86%).
Presentato Fuori Concorso alla 82ª
Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di
Venezia, La valle dei sorrisi di Paolo Strippoli è uno dei titoli più
attesi della stagione horror italiana. Distribuito da
Vision
Distribution e in uscita nelle sale il 17 settembre 2025, il film si
inserisce nella tradizione delle storie ambientate in comunità
apparentemente perfette che celano segreti oscuri. Non è un caso
che la critica lo abbia già accostato a Midsommar di
Ari Aster e al classico Il villaggio dei dannati.
La
trama de La valle dei
sorrisi
Il
film è ambientato a Remis, un paesino nascosto tra le montagne dove
tutti gli abitanti sembrano incredibilmente felici. È qui che
arriva Sergio
Rossetti (Michele
Riondino), un insegnante di educazione fisica
tormentato da un passato doloroso. L’incontro con
Michela
(Romana
Maggiora Vergano), giovane proprietaria della locanda,
gli rivela che dietro l’apparente serenità del villaggio si
nasconde un inquietante rituale: una volta a settimana gli abitanti
si radunano per “abbracciare” Matteo Corbin (l’esordiente Giulio
Feltri), un adolescente dotato di un potere
soprannaturale, capace di assorbire il dolore degli
altri. Ma quando Sergio cerca di salvare il ragazzo, la
comunità rivela il lato più oscuro dell’“angelo di
Remis”.
Come Midsommar,
La valle dei sorrisi
sceglie una comunità isolata, un rituale collettivo e una tensione
che cresce nell’ombra della festa. Se il film di Ari
Aster era un horror solare, improntato al folk horror tra
riti pagani e disfacimento emotivo, Strippoli torna all’horror con
un piglio più oscuro, claustrofobico e sottilmente religioso.
The Contending parla di
“rituali che assomigliano alla comunione” in cui Matteo
assume una carica sacrale; un abbraccio che cura, ma che è carico
di tensione sacrilega.
In
Il villaggio dei
dannati, la stessa innocenza diventa minestrone sensoriale
e controllo psicologico. Qui, Strippoli gioca con l’idea del dolore
come moneta di scambio, del sorriso come arresa, e del sacrificio
non come culminazione, ma come lente di osservazione sul male umano
estratto dal quotidiano. Del resto, come scrive Italy’s New Maestro of Horror,
Strippoli “non affida il climax al gore, ma alla tensione
psicologica e alla distruzione lenta delle apparenze di
normalità”
Accanto a Michele Riondino e al giovane
Giulio Feltri, al suo debutto sul grande schermo,
il cast include Paolo
Pierobon, Romana Maggiora Vergano, Sergio Romano, Anna Bellato,
Sandra Toffolatti e Roberto Citran. La sceneggiatura è
firmata da Milo Tissone,
Jacopo del Giudice e Paolo Strippoli, già vincitore del
Premio Franco
Solinas per il Miglior Soggetto nel 2019.
Il
comparto tecnico vanta nomi di spicco: Cristiano Di Nicola alla fotografia,
Marcello Di
Carlo alla scenografia, Susanna Mastroianni ai costumi,
Federico
Palmerini al montaggio e le musiche di Federico Bisozzi e Davide Tomat. Il
film è prodotto da Domenico Procacci e Laura Paolucci per Fandango e
da Ines Vasiljevic e
Stefano Sardo per Nightswim, in coproduzione con
Spok, con il
sostegno del MIC e delle Film Commission di Lazio e Friuli Venezia
Giulia.
Perché non perderlo al cinema
La valle dei
sorrisi è un horror che unisce atmosfere disturbanti,
allegoria sociale e una messa in scena di respiro internazionale.
Dopo l’anteprima veneziana, la sua uscita nelle sale italiane
prevista per il 17 settembre rappresenta l’occasione di scoprire
un’opera che porta il cinema horror italiano su nuovi livelli di
ambizione e profondità.
Il film non è solo un titolo da genere, ma una proposta
cinematografica che mette al centro la complessità emotiva e
l’orrore come riflessione su comunità, dolore e identità. Chi ama
Midsommar o il cinema folk-horror troverà qui
un parabola originale, profondamente radicata nella psicologia, nel
simbolismo e nell’estetica, capace di avvolgere lo spettatore in un
abbraccio carico di dubbi.
La star
Michelle Dockery ha recentemente condiviso i suoi
pensieri sulla fine di Lady Mary in Downton Abbey – Il Gran Finale e su come sia
stato per il suo personaggio rendere omaggio alla defunta
Dame Maggie Smith. Il film è destinato a segnare
la fine di un’era per la serie drammatica in costume
incredibilmente popolare creata da Julian
Fellowes.
Sebbene Fellowes non abbia ancora
confermato che non rivedremo mai più la tenuta di Downton, è la
fine per questa generazione della famiglia Crawley. Tra questi,
Lady Mary, interpretata da Michelle Dockery, la primogenita dei Crawley e
attuale custode di Downton Abbey. L’arco narrativo di Mary nella
leggendaria storia di Downton ruotava attorno alle sue numerose
relazioni amorose tanto quanto alla sua aspirazione a diventare
l’erede ufficiale del padre e a trovare la propria
indipendenza.
In un’intervista con Vanity
Fair, Dockery ha rivelato che il pubblico probabilmente non
sarà sorpreso dal finale di Mary in Downton Abbey – Il Gran Finale, anche se non è
“definito in modo impeccabile dal punto di vista
romantico”. Dockery ha anche parlato di come il film lasci il
futuro del suo personaggio aperto all’interpretazione, permettendo
alla storia di continuare a vivere oltre questa uscita finale.
“Non credo che il pubblico sarà
sorpreso da come andranno le cose per Mary. Credo che la gente si
sia abituata alla sua indipendenza, e che non sia definita in modo
impeccabile dal punto di vista romantico, e va bene così. Mi ha
fatto molto piacere. Anche se stiamo finendo, sembra che la storia
stia continuando, e che ci sia qualcosa da fare oltre ciò che vi
mostriamo sullo schermo. Per quanto questo sia il gran finale, è un
nuovo inizio. I giovani stanno prendendo il sopravvento. C’è questo
passaggio di testimone in questo film. Ciò significa che la storia
continua in molti modi.”
C’è anche la questione dell’eredità
di Maggie Smith a Downton. Il personaggio di
Smith, Violet, è morto nel precedente film di Downton,
Downton Abbey: Una nuova era. Dopo la scomparsa di
Smith nel 2024, Il Gran Finale ha dovuto capire
come rendere omaggio a un’attrice così leggendaria e a un
personaggio così iconico. Secondo Dockery, la scena finale del
film, che raffigura Mary che onora Violet, è stata difficile da
girare per lei.
“Mi sono emozionata molto mentre
giravo quella scena. In realtà, interpretare quel momento è stata
una vera sfida”, dice. Durante le riprese, il regista
Simon Curtis le ha anche dato un biglietto che ha
fatto piangere Dockery. “Hanno dovuto continuare a ritoccarmi
il trucco, perché Mary rimane sempre stoica”, dice. “Non
sarebbe stato giusto che scoppiasse a piangere in quel momento.
Alla fine, tutto si conclude in modo così brillante. Credo che la
gente dovrà portare i fazzoletti!”
La trama e il cast
di Downton Abbey: Il Gran Finale
Questo nuovo capitolo segue la
famiglia Crawley e il suo personale all’inizio degli anni ’30.
Quando Mary si ritrova al centro di uno scandalo pubblico e la
famiglia deve affrontare difficoltà finanziarie, l’intera famiglia
deve fare i conti con la minaccia del disonore sociale. I Crawley
devono accettare il cambiamento mentre il personale si prepara a un
nuovo capitolo con la prossima generazione che guiderà Downton
Abbey verso il futuro.
Simon Curtis torna
alla regia dell’ultimo capitolo dopo aver diretto Una Nuova Era.
Fellowes ha scritto tutti e tre i film.
Il cast familiare torna anche per
Downton Abbey: Il Grand Finale, che include
Michelle Dockery,Hugh Bonneville, Laura
Carmichael, Jim Carter, Raquel Cassidy, Brendan Coyle, Kevin Doyle,
Michael Fox, Joanne Froggatt,
Paul Giamatti, Harry Hadden-Paton, Robert James-Collier, Allen
Leech, Phyllis Logan, Elizabeth McGovern, Sophie McShera, Lesley
Nicol,
Dominic West, Penelope Wilton, Joely Richardson, Paul
Copley e Douglas Reith.
Nel cast del franchise compaiono
anche Joely Richardson, Alessandro Nivola, Simon Russell Beale e
Arty Froushan. I produttori sono Gareth Neame, Fellowes e Liz
Trubridge. Nigel Marchant è il produttore esecutivo.
Daniel Day-Lewis ha parlato per la prima volta
della sua decisione di porre fine al suo ritiro dalla recitazione
dopo otto anni per recitare in Anemone, un nuovo
film diretto da suo figlio Ronan e che Day-Lewis –
tre volte vincitore dell’Oscar (“Il mio piede sinistro”,
“Il
petroliere”, “Lincoln”)
– ha co-sceneggiato sulla base di un’idea originale che hanno
concepito insieme.
Come si ricorderà, nel giugno 2017,
Day-Lewis aveva annunciato il suo ritiro dalla recitazione dopo
aver girato “Il filo
nascosto” di Paul Thomas Anderson.
All’epoca, un portavoce dell’attore aveva dichiarato: “Daniel
Day-Lewis non lavorerà più come attore. È immensamente grato a
tutti i suoi collaboratori e al pubblico che lo ha seguito in
questi anni. Si tratta di una decisione privata e né lui né i suoi
rappresentanti rilasceranno ulteriori commenti al
riguardo“.
L’annuncio del ritiro non era però
il primo per Day-Lewis. Nel 1997 aveva già preso una lunga pausa
dalla professione per diventare calzolaio in Italia dopo aver
recitato in “The Boxer” di Jim Sheridan. Era poi tornato
nel 2002 per interpretare Bill il Macellaio in “Gangs of New
York” di Martin Scorsese.
Ora, parlando con Rolling Stone per la prima
mondiale di “Anemone” al New York Film Festival,
Daniel Day-Lewis ha detto di essere tornato
dal ritiro perché “avevo una certa tristezza residua perché
sapevo che Ronan avrebbe continuato a fare film e io mi stavo
allontanando da tutto ciò. Ho pensato: ‘Non sarebbe bello se
potessimo fare qualcosa insieme e trovare un modo per contenerlo,
in modo che non fosse necessariamente qualcosa che richiedesse
tutto l’armamentario di una grande produzione?”.
Day-Lewis ha ammesso di aver avuto
“alcune riserve sul tornare di nuovo alla ribalta” quando
stava valutando se recitare in Anemone o
semplicemente scriverlo e affidare uno dei ruoli a un altro attore.
Poi suo figlio Ronan “ha chiarito che non avrebbe realizzato il
film se non l’avessi fatto io”. “Era solo una sorta di
paura di basso livello, un’ansia di rimpegnarmi nel mondo del
cinema”, ha detto Day-Lewis riguardo al suo nervosismo per il
ritorno dal ritiro. “Il lavoro è sempre stato qualcosa che ho
amato. Non ho mai smesso di amare il lavoro. Ma c’erano aspetti
dello stile di vita che ne derivavano con cui non ero mai riuscito
a fare i conti, dal giorno in cui ho iniziato fino ad
oggi.
“C’è qualcosa in quel processo
che alla fine mi ha lasciato un senso di vuoto. Voglio dire, lo
conoscevo bene. Capivo che faceva tutto parte del processo e che
alla fine ci sarebbe stata una rigenerazione. Ed è stato solo
nell’ultima esperienza [la realizzazione di “Il filo nascosto”] che
ho cominciato a sentire fortemente che forse quella rigenerazione
non ci sarebbe più stata.Che probabilmente avrei dovuto
semplicemente starne alla larga, perché non avevo altro da
offrire“. “Ma ripensandoci ora, avrei fatto bene a tenere
la bocca chiusa, questo è certo”, ha continuato.
“Mi sembra solo un discorso
grandioso e senza senso. Non ho mai avuto intenzione di ritirarmi,
davvero. Ho solo smesso di fare quel particolare tipo di lavoro per
poter fare qualcos’altro. Non ho mai, sapete… A quanto pare, sono
stato accusato di essermi ritirato due volte. Non ho mai avuto
intenzione di ritirarmi da nulla! Volevo solo lavorare su
qualcos’altro per un po’. … Man mano che invecchio, mi ci vuole
sempre più tempo per ritrovare la strada che mi riporta al luogo
dove la fornace è di nuovo accesa. Ma lavorando con Ro, quella
fornace si è semplicemente accesa. Ed è stata, dall’inizio alla
fine, una gioia pura trascorrere quel tempo insieme a
lui“.
Di cosa parla Anemone
Anemone vede
Daniel Day-Lewis nei panni di un recluso che
vive nei boschi del nord dell’Inghilterra. La sua vita viene
sconvolta quando suo fratello (Sean
Bean) si presenta e lo costringe a confrontarsi con il
suo misterioso passato. Samuel Bottomley,
Safia Oakley-Green e Samantha
Morton completano il cast. Il film uscirà nelle sale
statunitensi dal 10 ottobre, mentre al momento non è noto quando lo
si potrà vedere in Italia.
Chris Smith ha fatto il suo debutto
dal vivo nel film The Suicide Squad del 2021, con una scena post-credits
che ha poi preparato il terreno per il ritorno del personaggio
nella sua serie TV HBO Max, Peacemaker. Questo ha riscattato l’ex
membro della Task Force X agli occhi dei fan, dimostrando che era
molto di più di un killer doppiogiochista. John Cena ha così ottenuto un ruolo
particolarmente importante che lo vedrà impegnato ancora per
diverso tempo. James Gunn, però, ha rivelato di aver
inizialmente valutato un altro attore per la parte.
Parlando con Howard
Stern, il co-CEO della DC Studios ha confermato di aver
scritto il personaggio di Peacemaker pensando alla
star di Guardiani della GalassiaDave Bautista. “Era Dave Bautista. È un
mio caro amico”, ha rivelato il regista. “Ovviamente,
interpreta Drax in Guardiani della Galassia, e ho scritto il
personaggio di Peacemaker per lui, e gli abbiamo offerto il ruolo,
ma gli sono stati offerti due film, e noi non lo pagavamo molto,
quindi ha dovuto scegliere dove guadagnare di più”.
Si pensa che almeno uno di questi
film sia Army of
the Dead di Zack Snyder. È incredibile
pensare a come sarebbero potute andare diversamente le cose se
Bautista avesse finito per interpretare Peacemaker nella DCU, e si è perso un ruolo importante e
ricorrente rifiutando un ingaggio poco remunerativo in The Suicide Squad. Gunn ha poi dichiarato di essere
“sempre stato un fan” di Cena e di non avere rimpianti
nell’averlo scelto per interpretare Chris Smith.
Tutto quello che sappiamo della
stagione 2 di Peacemaker
“La gente sta capendo che la
seconda stagione di Peacemaker riguarda due dimensioni, e questo è
davvero il cuore della serie”, ha spiegato Gunn durante una
recente intervista con Rolling Stone. “Ma non è che una di
queste sia la vecchia DCEU e l’altra la DCU. La questione viene
affrontata in modo diverso, in modo molto diretto in una stagione
in cui quasi tutto nella prima stagione è canonico e alcune cose
non lo sono. E infatti ho registrato un podcast con gli attori
Steve Agee e Jen Holland“.
“Abbiamo parlato di ogni
episodio di Peacemaker e in quegli episodi ho spiegato cosa è
canonico e cosa non lo è. In pratica ho eliminato alcune piccole
cose della prima stagione di Peacemaker che non sono canoniche,
come Aquaman. Ma la maggior parte delle cose è canonica“.
Stando a queste parole di Gunn, sarà dunque interessante scoprire
cosa la seconda stagione aggiungerà alla storia di Peacemaker e
come lo renderà a tutti gli effetti un personaggio del DC
Universe.
“Peacemaker esplora la storia
del personaggio che John
Cena riprende all’indomani del film del 2021 del produttore
esecutivo James
Gunn, Suicide Squad – un uomo irresistibilmente
vanaglorioso che crede nella pace ad ogni costo, non importa quante
persone debba uccidere per ottenerla!”, è stato poi riferito.
I dettagli precisi sulla trama della seconda stagione sono ancora
per lo più nascosti, ma sappiamo che Frank Grillo riprenderà il ruolo di Rick Flag
Sr. e cercherà di vendicarsi per l’uccisione da parte di Peacemaker
di suo figlio Rick Jr. (Joel
Kinnaman) avvenuta in The Suicide Squad.
Dopo 10 anni, Bryan
Fuller, ideatore di Hannibal, spera di riportare in vita la serie
con un’iconica protagonista femminile che interpreti un personaggio
importante. Il due volte candidato agli Emmy ha infatti
recentemente condiviso la sua idea per una quarta stagione, attesa
da tempo, della serie della NBC, andata in onda dal 2013 al 2015,
con Mads Mikkelsen nel ruolo del psichiatra
cannibale protagonista.
“Il mio progetto dei sogni è
realizzare una miniserie di Il silenzio degli innocenti con Mads e
Zendaya nel ruolo di Clarice Starling”, ha detto
Fuller a ScreenRant. “Se potessi
realizzare qualsiasi cosa, realizzerei proprio quella”. Fuller
non si è spinto oltre nelle dichiarazioni, per cui per il momento
il suo sembra essere unicamente un desiderio senza nulla di
concreto in atto. Il progetto potrebbe un giorno effettivamente
prendere vita, ma per il momento non sembrano esserci piani a
riguardo.
Mikkelsen stesso d’altronde, aveva
dichiarato a Deadline nel 2023 che “c’è sempre una
possibilità” che possa riprendere il ruolo di Hannibal,
aggiungendo: “Si tratta solo di trovare una casa per il
progetto”. “Ovviamente, il tempo sta per scadere”, ha
aggiunto Mikkelsen. “Non possiamo aspettare 20 anni, ma nei
prossimi due anni, se qualcuno trova una casa, penso che saremo
tutti pronti a riprenderlo”.
Fuller aveva già espresso il
desiderio di fare qualcosa con il personaggio “fantastico” di
Clarice, spiegando però al Comic-Con nel 2015 che “non abbiamo
i diritti” sul ruolo. “Ci abbiamo provato, ogni anno
tornavamo alla MGM”, ha spiegato. “All’inizio era un secco
‘No’, poi è diventato ‘Chiedeteci più avanti’ e poi ‘Chiedeteci di
nuovo l’anno prossimo’ – sarebbe fantastico [se
accettassero]”.
Fuller apprezzava inoltre l’idea di
Elliot Page per il ruolo, “ma mi piace
anche l’idea di scritturare qualcuno che non sia bianco per quel
ruolo”, aggiungendo: “Avere la razza come fattore
determinante nel background di Clarice, così come la razza è un
fattore determinante nel background di tutti, penso che sarebbe
un’interessante esplorazione del personaggio”.
I commenti dello showrunner di
Hannibal arrivano inoltre dopo che Rebecca
Breeds ha interpretato il ruolo di Starling
nell’adattamento televisivo della CBS del 2021 Clarice,
ambientato dopo gli eventi del libro da cui è stato Il silenzio
degli innocenti. In precedenza, il ruolo era stato
interpretato da Jodie Foster, grazie al quale ha vinto l’Oscar
come migliore attrice, e poi da Julianne Moore, che ha assunto il ruolo in
Hannibal (2001).
Nell’episodio di Alien: Pianeta
Terra (qui
la nostra recensione) di questa settimana, l’inevitabile è
finalmente accaduto: uno dei pericolosi extraterrestri detenuti
sull’isola di Neverland è riuscito a fuggire, causando la prima
vittima significativa della serie. Verso la fine di “La
mosca”, Tootles, alias Isaac, desideroso di compiacere, decide
di avventurarsi nell’unità di contenimento per nutrire gli alieni
da solo, commettendo però l’errore fatale di ignorare le rigide
istruzioni di Kirch (anche se l’intrigante synth non sembra
eccessivamente scioccato da ciò che è accaduto) di stare il più
attento possibile e chiedere aiuto a Curly.
Quando Isaac entra nella cella che
ospita le creature alate con un piatto di gustoso metallo per la
loro cena, la pecora controllata dall’Occhio alieno nella capsula
accanto si lancia contro il vetro, spaventando il povero Isaac che
cade in avanti e rimanendo chiuso nella cella. Quando si rende
conto di quanto sia finito male, è già diventato cibo per mosche.
Certo, gli ibridi sono chiaramente molto più potenti di un essere
umano o (apparentemente) di un normale synth, e probabilmente
possono sopravvivere a danni piuttosto gravi.
Tuttavia, l’attore Kit
Young ha confermato che per Tootles è davvero finita.
“Si gioca sempre con questa cosa complicata… quando si rivela
qualcosa al pubblico, sia sullo schermo che in una performance dal
vivo, non si vuole che il pubblico rimanga indietro, dicendo: ‘Per
favore, mettiti al passo’, perché potrebbe perdersi qualcosa e si
sta cercando di essere eccessivamente complicati”, dice Young
a Collider.
“Devi semplicemente dire come
stanno le cose, ma non vuoi nemmeno che sia il contrario, che il
pubblico capisca tutto in anticipo e quindi non sia coinvolgente.
C’è una linea sottile dove vuoi essere allo stesso livello, ma in
realtà, in questo caso, penso che il pubblico capisca prima di
Isaac”. “Quando la porta si chiude e lui la spinge, perché
in realtà è una ripresa ampia, è solo leggermente irritato. È tipo:
‘Oh cavolo, come faccio a uscire? Devo chiamare qualcuno? Devono
venire giù, la chiave, come funzionerà?’ Non ha ancora capito che è
finita”.
“Quando si gira e vede il cibo
che gli è stato dato, capisce che se fosse in qualsiasi altro
contenitore starebbe bene, ma nel contenitore in cui si trova,
quella creatura mangia proprio ciò di cui è fatto. È davvero il
classico momento horror in cui si alza lo sguardo e si entra nel
panico, ed è solo lì che pensa: ‘Ok, sono nei guai’“. In
un’altra intervista con Decider, lo showrunner
Noah Hawley ha invece spiegato cosa, secondo lui,
rende la scena così inquietante.
“Mi sono seduto e ho scritto
quella che probabilmente è la scena più inquietante che la gente
vedrà in televisione quest’anno, quella con la pecora. Avevo la
pecora, che non è una creatura malvagia per natura, giusto? E c’è
dell’umorismo in questo, no? È come una pecora malvagia. Sai, le
capre, le capiamo. Le capre hanno una storia satanica. L’idea che
la pecora, che non è nota per il suo intelletto, fosse una sorta di
mente criminale mi sembrava irresistibile“.
“Mi piaceva l’idea che
osservasse, capisse la causa e l’effetto, e che alla fine Isaac
fosse ucciso perché la pecora aveva visto un’opportunità e l’aveva
colta”, ha aggiunto. “Cominci a renderti conto che questa
cosa non è solo ‘intelligenza animale’. Questa cosa è forse una
coscienza che ha il potenziale per prendere davvero il
sopravvento”. La morte di Tootles non è però stata la fine del
dramma in questo episodio, poiché Slightly ha approfittato
dell’incidente per tendere una trappola ad Arthur con un attacco
Facehugger, il che anticipa eventi particolarmente violenti per i
prossimi due ultimi episodi di Alien: Pianeta Terra.
Si può dire che il co-CEO dei DC
Studios, James
Gunn, abbia occhio per il casting. Dopotutto, chi
avrebbe mai creduto che la star di Parks and
Recreation, Chris Pratt, sarebbe stato uno Star-Lord
così perfetto in Guardiani della
Galassia?
Il protagonista di Superman,David Corenswet, è stata un’altra scoperta
fenomenale del regista, ma nessuno dei due è il cast di cui
Gunn va più fiero. Lo ha confermato durante una recente
intervista con Howard Stern, in cui ha menzionato la star di
Supergirl,Milly Alcock.
Gunn, che ha scelto la star di
House of the Dragon per
Superman prima che
Craig Gillespie fosse assunto per dirigere
Supergirl,
ha detto al conduttore che “potrebbe essere il miglior casting
che abbia mai fatto in tutta la mia vita. È assolutamente
sbalorditiva nel film”.
Un elogio enorme, che suggerisce che
la prossima estate ci aspetta qualcosa di speciale. Superman non ci
ha dato molto su cui basarci, dato che Alcock si è presentata solo
per un cameo da ubriaca nei panni della Donna di Domani, ma
sicuramente ha l’aspetto giusto.
Supergirl è il
prossimo capitolo della “Saga di Superman” e vedrà l’eroe dirigersi
nel cosmo per combattere Krem delle Colline Gialle e il Lobo di
Jason Momoa. Alcock ha impressionato in
House of the Dragon e da allora ha offerto
un’interpretazione molto apprezzata in Sirens. Con
Gunn chiaramente entusiasta di ciò che l’attrice ha fatto finora
come Supergirl, ci aspettiamo di vederla molto di
più nel DCU in futuro.
Quando Supergirl è stata annunciata
per la prima volta, Gunn ha detto: “Vediamo la differenza tra
Superman, che è stato mandato sulla Terra e cresciuto da genitori
amorevoli fin da quando era un neonato, e
Supergirl, che è stata cresciuta su una roccia,
una scheggia di Krypton”.
“[Lei] ha visto tutti intorno a
lei morire e venire uccisi in modi terribili per i primi 14 anni
della sua vita, e poi è venuta sulla Terra quando era una
ragazzina”, ha aggiunto il regista. “È molto più hardcore,
non è esattamente la Supergirl che siamo abituati a
vedere.”
Oltre a Milly Alcock nei panni della
protagonista, Supergirl vedrà
anche la partecipazione di Eve Ridley (Il
problema dei 3 corpi) nel ruolo di Ruthye Mary Knolle e
Matthias Schoenaerts (The Old Guard) nel
ruolo del malvagio Krem delle Colline Gialle. Più recentemente, la
star di Aquaman,Jason Momoa si è unita al cast nel ruolo di
Lobo. Anche Krypto il Supercane dovrebbe avere un ruolo importante
nella storia. Le ultime aggiunte al cast sono state David
Krumholtz ed Emily Beecham nei ruoli dei
genitori di Kara, Zor-El e Alura.
Questa interpretazione di Kara
Zor-El si dice sia una “versione meno seria e più provocatoria
dell’iconica supereroina”, poiché Gunn cerca di allontanarsi
dalle “precedenti rappresentazioni della Ragazza d’Acciaio, in
particolare dalla longeva serie CBS/CW interpretata da Melissa
Benoist”.
Secondo una breve sinossi, questa
storia seguirà Kara mentre “viaggia attraverso la galassia per
festeggiare il suo 21° compleanno con Krypto il Supercane. Lungo la
strada, incontra una giovane donna di nome Ruthye e finisce per
intraprendere una ricerca omicida di vendetta”. L’attrice e
drammaturga Ana Nogueira sta attualmente lavorando
alla sceneggiatura di Supergirl.
La regia verrà firmata da Craig Gillespie.
La Warner Bros. ha annunciato che la nostra nuova Ragazza
d’Acciaio prenderà il volo nelle sale il 26 giugno
2026.
Prime Video ha condiviso il primo teaser
ufficiale della terza stagione de Il Signore degli Anelli: Gli Anelli del
Potere, le cui riprese sono in corso nel Regno Unito
da qualche mese. Il promo non rivela molto, ma ci offre un primo sguardo al ritorno di Elendil
(Lloyd Owen), mentre brandisce “La Spada dei Fedeli”.
Questa spada è chiaramente Narsil,
la lama che ha tagliato l’Unico Anello dalla mano di Sauron durante
la Guerra dell’Ultima Alleanza, quindi non siamo sicuri se sia
stata rinominata appositamente per la serie (forse per una
questione di diritti?), o se inizialmente verrà chiamata Spada dei
Fedeli, come mezzo per radunare i lealisti Númenóreani dietro
Elendil. Nel finale della seconda stagione, Elendil parte per
l’ovest dopo aver ricevuto la leggendaria spada come regalo di
addio da Míriel.
Secondo una sinossi rilasciata in
precedenza: “Saltando in avanti di diversi anni rispetto agli
eventi della seconda stagione, la terza stagione si svolge al
culmine della Guerra degli Elfi e di Sauron, mentre il Signore
Oscuro cerca di creare l’Unico Anello che gli darà il vantaggio di
cui ha bisogno per vincere la guerra e conquistare finalmente tutta
la Terra di Mezzo.”
James Gunn è apparso al The Howard Stern Show e ha
dichiarato che “inizieremo le riprese” del sequel di
Superman,
intitolato
Man of Tomorrow, intorno all’aprile
2026. La Warner Bros ha invece già fissato la data di
uscita del film tratto dal fumetto per il 9 luglio
2027, ovvero due anni dopo l’uscita di Superman, avvenuta il 9
luglio di quest’estate.
“È una storia in cui Lex Luthor
e Superman devono collaborare in una certa misura contro una
minaccia molto, molto più grande”, ha rivelato Gunn parlando
per la prima volta del sequel. “È più complicato di così, ma
questa è una parte importante. È tanto un film su Lex quanto un
film su Superman. Mi è piaciuto molto lavorare con Nicholas Hoult.
Purtroppo mi identifico con il personaggio di Lex. Volevo davvero
creare qualcosa di straordinario con loro due. Adoro la
sceneggiatura”.
Il regista, lo ricordiamo, ha
annunciato
Man of Tomorrow sui
social media il 3 settembre. Nel suo annuncio, lo sceneggiatore
e regista ha incluso un’immagine tratta dal fumetto in cui Superman
è in piedi accanto a Lex Luthor nella sua Warsuit. Nei fumetti DC,
Lex crea la tuta per eguagliare la forza e le abilità di Superman.
Mentre l’immagine teaser suggeriva che Lex e Superman sarebbero
stati di nuovo in contrasto, ora sembra che Lex userà la sua
Warsuit per poter essere allo stesso livello di Superman per
qualsiasi grande minaccia si presenti loro.
Cosa significano le parole
di James Gunn per Man of
Tomorrow
I nuovi commenti di James
Gunn su
Man of Tomorrow spiegano quindi chiaramente perché Lex
Luthor e Superman sembravano collaborare in due delle immagini
pubblicate quando è stato annunciato il sequel, e perché invece
litigavano nella terza immagine. La collaborazione tra Superman e
Lex significherebbe sempre una tregua riluttante, almeno da parte
di Luthor, dato il suo odio per Superman.
Come si vede alla fine di
Superman, l’Uomo d’Acciaio interpretato da David Corenswet ha visto che c’era del buono
dentro Lex, quindi sarebbe disposto a lavorare con lui. Dopo aver
quasi distrutto Metropolis nel tentativo di sconfiggere Superman e
aver visto il mondo rivoltarglisi contro, Lex Luthor potrebbe
essere più disposto a cambiare posizione se questo significasse
riportare le persone dalla sua parte.
L’accenno di Gunn a una minaccia più
grande che richiede loro di allearsi potrebbe significare che
personaggi come Brainiac, Mongul
o forse anche Darkseid potrebbero entrare nel
nuovo DC
Universe. Tuttavia, dato che quello che sembrava essere il
concept art di Brainiac DCU è stato visto nel featurette
Adventures in the Making of Superman, il cattivo potrebbe
finire per essere la minaccia di Man of
Tomorrow.
L’ultimo film di Ben Affleck, Air – La storia
del grande salto (qui
la recensione), è una storia vera basata sul successo ottenuto
dal venditore Nike Sonny Vaccaro nell’ingaggiare
la superstar allora emergente Michael Jordan.
Interpretato da Matt Damon, Sonny Vaccaro ha lavorato senza
sosta per ottenere la più grande collaborazione che l’industria
sportiva abbia mai visto, rendendo Nike il gigante senza pari che è
oggi. Scritto da Alex Convery, Air – La
storia del grande salto, racconta dunque la storia vera
dietro uno dei contratti più storici mai stipulati nel mondo dello
sport.
Le Air Jordan di Nike continuano ad essere un
bene prezioso grazie agli sforzi di Vaccaro. Il suo piano di creare
una linea di scarpe basata su Jordan è diventato la più grande
scommessa mai fatta nell’industria calzaturiera, ribaltando le
sorti a favore di Nike, che a metà degli anni ’80 stava affrontando
una crisi. La firma ha infine aiutato Nike a superare Adidas e
Converse. Nike offrì a Jordan la cifra incredibile di 500.000
dollari all’anno per ingaggiarlo ancora prima della sua prima
stagione NBA. L’accordo compensò la multa di 5.000 dollari che
Jordan doveva pagare ogni volta che scendeva in campo con le scarpe
firmate.
Prima dell’iconico ingaggio, Converse era la
scarpa preferita dai migliori giocatori di basket dell’NBA, e Sonny
Vaccaro era un uomo con numerose conoscenze nel mondo del basket.
Essendo solito organizzare tornei di basket per ragazzi delle
scuole superiori, Vaccaro aveva stretto utili amicizie con gli
allenatori dell’epoca, tra cui Dean Smith, che
allenava Jordan nella squadra di basket maschile dei Tar Heels
dell’Università della Carolina del Nord. In questo senso, Vaccaro
era un uomo che sapeva come trovarsi al posto giusto al momento
giusto. Come self-made man nel mondo del basket, Vaccaro contattò
Nike con l’idea di una linea di scarpe esclusiva. Sebbene Vaccaro
avesse una certa influenza, non era sufficiente per far pendere
l’opinione di Nike a suo favore.
L’iniziativa di Vaccaro lo aiutò in qualche
modo, poiché il direttore marketing di Nike, Rob
Strasser, riconobbe le sue conoscenze e lo assunse per
convertire gli allenatori che conosceva in testimonial Nike. Con
un’offerta di 5000 dollari, Vaccaro finì per attirare gli
allenatori come una calamita. Infatti, Vaccaro riuscì persino a far
apparire un giovane giocatore di nome Larry Bird
sulla copertina di Sports Illustrated con un paio di Nike ai piedi.
Anche se Vaccaro non riuscì a realizzare la sua visione di una
linea di scarpe, riuscì comunque a ottenere una certa influenza sui
vertici della Nike. Ma la visione di Vaccaro si riaccese quando
vide un ragazzino di nome Michael Jordan segnare i punti decisivi
per il North Carolina. Vaccaro aveva assistito alla nascita di una
leggenda.
All’epoca, l’allenatore della squadra, Dean
Smith, aveva un accordo con Converse e la squadra indossava quel
marchio durante le partite. Tuttavia, la preferenza personale di
Jordan era per Adidas. D’altra parte, Vaccaro voleva che Jordan
collaborasse con Nike. Presentò ai dirigenti Nike la sua idea di
ingaggiare Jordan e di disegnare una collezione di scarpe ispirata
a lui. Rob Strasser ripose la sua fiducia nella convinzione di
Vaccaro riguardo a Jordan, poiché l’idea era innovativa. Anche se
creare una strategia di marketing attorno a un giocatore che aveva
appena iniziato a farsi notare nel mondo del basket poteva sembrare
assurdo, Rob Strasser andò avanti e decise di incontrare l’agente
di Jordan, David Falk.
Matt Damon e Viola Davis in una scena di Air – La storia del
grande salto.
Nike aveva bisogno di Jordan più di quanto
Jordan volesse Nike
La disperazione di Nike di entrare nel settore
delle scarpe sportive giocò un ruolo efficace nella decisione di
procedere. Dopo la quotazione in borsa nel 1980, le azioni avevano
già toccato il minimo e l’azienda registrò anche una perdita nel
1984. Se c’era un momento in cui Nike aveva bisogno di essere
salvata, era proprio quando Michael Jordan apparve come una
scommessa rischiosa ma in grado di cambiare le carte in tavola. La
personalità e il carisma di Jordan erano in parte responsabili
della redditività che sembrava portare. Durante una riunione
nell’ufficio di Falk, le “Air Jordans” hanno preso forma quando Rob
Strasser e il designer creativo di Nike, Peter
Moore, si sono incontrati per una sessione di
brainstorming.
Secondo la leggenda, Falk aveva suggerito il
nome “Air Jordans” e Moore aveva rapidamente disegnato il logo. Con
l’idea pronta, era importante per la missione di Vaccaro che Jordan
abbandonasse il suo amore per Adidas e si convertisse alla Nike, la
concorrente meno apprezzata all’epoca. Vaccaro incontrò Jordan
tramite il suo amico George Raveling, assistente dell’allenatore
della nazionale Bobby Knight. Ma contrariamente alle aspettative di
Vaccaro, Jordan non accolse la proposta della Nike con il massimo
entusiasmo. Il primo incontro tra Jordan e Vaccaro fu un incubo. Ma
le vere trattative iniziarono dopo il giorno in cui la squadra
statunitense vinse le Olimpiadi di Los Angeles. A Jordan furono
offerti 2,5 milioni di dollari in cinque anni con una royalty del
25% su ogni scarpa venduta da Nike.
Sebbene fosse un’offerta incredibile per
qualsiasi giocatore dell’epoca, il fatto che Jordan dovesse ancora
dimostrare il suo valore non faceva che amplificare il rischio per
Nike. Nike capì anche che per ottenere l’approvazione non sarebbe
bastato il consenso del ventunenne Jordan. Così, Nike portò Jordan
e i suoi genitori in Oregon per assistere a una presentazione
preparata da Strasser e Moore. Di fronte ai suoi genitori, Jordan
non disse molto, ma espresse la sua insoddisfazione per l’assenza
del blu della North Carolina. La madre di Jordan,
Deloris, interpretata da Viola Davis, guidò gran parte della
conversazione per conto di Jordan per assicurarsi che suo figlio
ottenesse il meglio dalla situazione. Strasser aveva già fatto metà
del lavoro quando riuscì a convincere Deloris che Jordan sarebbe
diventato più ricco di qualsiasi altro giocatore di basket.
Le Air Jordan in Air – La storia del grande salto
La proposta di Nike a Jordan era
imbattibile
Sebbene rimase in silenzio durante la prima
presentazione, molto tempo dopo Jordan ammise di essere rimasto
impressionato dalla presentazione iniziale di Strasser. Jordan
cercò comunque di convincere Adidas a proporgli un accordo simile,
ma quando ciò non avvenne, Jordan debuttò con i Chicago Bulls
indossando un paio di Air Jordan 1. Sebbene Adidas e Converse
avrebbero potuto offrire a Jordan un accordo più vantaggioso,
mancavano di una cosa che Nike aveva: la convinzione nelle capacità
di Jordan. Oltre alle sue capacità, Nike era convinta che il
fascino di Jordan lo avrebbe reso più grande del suo gioco.
Il giorno stesso, Nike scoprì che Jordan era
stato multato per non aver indossato un paio di scarpe simili a
quelle dei suoi compagni di squadra, ma alla fine Nike coprì il
costo e questo divenne il più grande canale di marketing per il
produttore di scarpe. Da quel momento in poi, Nike non ha mai
dovuto rimpiangere la sua decisione, poiché nel primo anno sono
state vendute Air Jordan per un valore di 126 milioni di dollari,
contro l’obiettivo di 3 milioni. Oltre alle vendite massicce che ha
ottenuto, Air Jordan è diventata un’icona culturale nel mondo dello
sport.
Oggi si discute su chi sia stato il vero eroe
dietro l’accordo che ha cambiato il futuro di Nike. Secondo
un’intervista rilasciata da Jordan a USA Today, Jordan attribuisce
il merito al suo amico George Raveling, che lo ha
convinto a incontrare Vaccaro. Anche se la collaborazione tra
Strasser e Vaccaro con Nike non si è conclusa in modo positivo,
entrambi hanno contribuito a far sì che la magia avvenisse fuori
dal campo prima che Jordan potesse replicarla nella NBA. Nonostante
i dibattiti su chi meriti il merito, la vera storia dietro la
nascita delle Air Jordan e la lunga collaborazione di Jordan con
Nike è una storia che deve essere raccontata.
Con elementi
fantasy combinati al dramma carcerario nel suo potente finale,
sono molti gli spettatori che ancora cercano una spiegazione per
Il miglio verde. Diretto e scritto da
Frank Darabont, il film racconta la storia
ambientata nel 1935 della guardia carceraria Paul
Edgecomb (Tom
Hanks) che incontra e viene cambiato per sempre dal
mite John Coffey (Michael
Clarke Duncan), un uomo di colore dall’aspetto
imponente condannato a morte per lo stupro e l’omicidio di due
ragazze bianche. Nel corso del film, non solo diventa chiaro che
Coffey è innocente, ma che possiede una serie di abilità
soprannaturali, tra cui quella di guarire persone e animali.
Come molti adattamenti di Stephen
King, Il miglio verde bilancia dunque gli
elementi soprannaturali della trama con temi e idee più profondi.
Dopo un intenso racconto che procede “per episodi”, l finale vede
poi Coffey giustiziato per crimini che non ha commesso. Tuttavia,
prima di morire, trasmette alcune delle sue abilità a Paul,
cambiando per sempre la vita della guardia. È una conclusione
agrodolce, ma lascia anche una o due domande scottanti che
richiedono un’analisi più approfondita.
Perché John Coffey accetta il suo destino in
Il miglio verde
Poiché Il miglio verde rivela
che Coffey è innocente del crimine per cui è stato condannato, la
sua esecuzione costituisce un triste finale per il film del 1999
che ha ancora un impatto a distanza di decenni. Tuttavia,
nonostante i suoi poteri e la sua stazza notevole, Coffey non fa
alcun tentativo reale di resistere al suo destino. Sebbene alcuni
finali di King siano generalmente insoddisfacenti, la conclusione
di questo racconto è tanto commovente quanto straziante, poiché
vede Coffey accettare l’ingiustizia della sua morte.
Un uomo delle dimensioni di Coffey avrebbe senza
dubbio potuto rendere difficile la sua esecuzione alle guardie, e i
suoi poteri avrebbero potuto aiutarlo a fuggire. Tuttavia, decide
di non usare nessuno dei due strumenti a sua disposizione, dicendo
a Paul che è torturato dal male nel mondo e che accoglie con favore
la fuga. Questo rende il suo finale ancora più triste, poiché mette
in evidenza la sua innocenza, ma lui semplicemente non è in grado
di sfruttare la propria forza se questo significa ferire o turbare
gli altri.
Perché John Coffey sorride durante la sua
esecuzione
Coffey non solo permette che la sua ingiusta
esecuzione abbia luogo, ma sorride anche nei suoi ultimi istanti di
vita. Questo rende la sua morte ancora più difficile da guardare,
soprattutto perché Il miglio verde si ispira a
fatti realmente accaduti. Dato che non ha nascosto la sua paura di
morire, è un po’ strano vedere Coffey sorridere un’ultima volta
prima di morire, ma probabilmente non si tratta solo di un uomo
corpulento che cerca di mostrarsi coraggioso.
Si sottintende che Coffey sappia di aver
trasmesso alcune delle sue capacità a Edgecomb, ed è possibile che
il suo sorriso sia dovuto proprio a questa consapevolezza che lo
rassicura. Coffey sa che Edgecomb è un uomo gentile, quindi sa che
i suoi doni saranno messi a frutto dopo la sua morte. È anche
possibile che il sorriso fosse inteso a confortare Paul, che era
altrettanto sconvolto dall’esecuzione di Coffey.
Quanto tempo vivrà ancora Paul Edgecomb e la
sua età è una maledizione?
Capire esattamente come Paul Edgecomb viva così
a lungo richiede alcune stime logiche, poiché il film non rivela
mai completamente la natura o la portata delle capacità curative di
Coffey. Tuttavia, utilizzando il topolino Mr. Jingles come base per
capire in che modo le capacità curative di Coffey influenzano il
processo di invecchiamento, è chiaro che Edgecomb potrebbe vivere
ancora per molto tempo. Nel film, Paul ha 108 anni nelle scene
iniziali, a dimostrazione del fatto che le capacità di Coffey hanno
prolungato la sua vita.
Da una rozza analisi matematica
dell’invecchiamento di Mr. Jingles rispetto a quello di Paul, è
possibile che l’ex guardia vivrà per almeno 600 anni. Tuttavia,
dato che Coffey ha trasmesso il suo potere a Edgecomb, è possibile
che ora questi possieda una forma di immortalità, cosa che lui
considera una punizione per il suo ruolo nella morte di Coffey.
Anche dopo aver già superato in età molte delle persone che ama,
Paul non ha idea di quanto tempo vivrà, ma se Mr. Jingles è un
esempio da seguire, potrebbe vivere ancora per molto, molto
tempo.
Il finale del film è lo stesso nel libro?
Il finale di Il miglio verde è
notoriamente triste, ma il libro originale di King è in realtà
ancora più triste. Uno dei cambiamenti più significativi è che nel
libro Mr. Jingles muore poco prima di Elaine e, sebbene questo sia
più drammatico in un certo senso, offre un’indicazione più chiara
del destino finale di Paul. Altri cambiamenti degni di nota
riguardano le scene che fanno da cornice alla storia: nel libro
Paul sta scrivendo le sue memorie, mentre nel film viene utilizzato
il film Top Hat per collegare il passato di Paul al suo
presente.
Come in molti altri adattamenti di Stephen King,
Il miglio verde esplora alcuni temi più profondi,
ma forse nessuno è più ricorrente del filo conduttore della
vendetta karmica. Coffey fa del suo meglio per aiutare i personaggi
più gentili del film e si assicura che le guardie e i detenuti meno
piacevoli abbiano il destino che meritano. Ironia della sorte,
l’unica persona che sembra non ottenere il finale che merita è
proprio Coffey, che si rassegna alla condanna a morte nonostante la
sua innocenza. Il tema karmico del film e il ruolo di John Coffey
al suo interno sono in realtà un fattore determinante nel
significato reale del finale.
Il vero significato del finale di Il
miglio verde
All’interno della narrazione di Il
miglio verde, John Coffey si inserisce perfettamente nei
comuni tropi messianici. È un personaggio potente, innocente e
incompreso che affronta la persecuzione per qualcosa che non ha
fatto. Frank Darabont, collaboratore abituale di Stephen King, non
evita di appoggiarsi a questo tropo, con Coffey che “giudica”
coloro che lo circondano (utilizzando una forma di telepatia di
basso livello o capacità empatiche) e guarisce coloro che ritiene
degni di essere salvati. Alla fine, Coffey accetta il suo destino
perché non vuole continuare a vivere in un mondo così crudele.
Questo ha delle connotazioni decisamente bibliche che rafforzano lo
status di Coffey come figura messianica.
Ovviamente, nel film c’è anche Mr. Jingles che
torna dalla morte, e le iniziali di John Coffey potrebbero essere
viste come un altro riferimento messianico. Non è chiaro
esattamente quante di queste idee e temi biblici fossero stati
pensati per far parte della storia di Il miglio
verde. Tuttavia, il film fa alcune affermazioni sulla
gentilezza e il pregiudizio, che lo rendono allo stesso tempo
inquietante e profondamente commovente. Lo scopo specifico del
finale del film è quello di far riflettere il pubblico, e il suo
colpo di scena fantastico continua a farlo anche a distanza di
decenni.
Nella vasta filmografia di Jean-Claude Van Damme, Hell – Esplode la furia
occupa una posizione particolare, lontana dai grandi
successi hollywoodiani degli anni ’90 ma comunque significativa per
il percorso dell’attore belga. Uscito nel 2003, il film si
inserisce in una fase in cui Van Damme stava sperimentando
produzioni meno spettacolari rispetto ai blockbuster precedenti,
puntando piuttosto su progetti dal respiro più contenuto e
drammatico, spesso destinati al mercato home video. Questo titolo
mostra un Van Damme diverso, più tormentato e segnato, a metà
strada tra il mito dell’action hero e un interprete che vuole
cimentarsi con ruoli più complessi.
Dal punto di vista del genere, Hell –
Esplode la furia è un action thriller con forti tinte
drammatiche, che alterna sequenze adrenaliniche a momenti di
introspezione. La storia, che ruota intorno a un ex combattente
costretto a confrontarsi con un passato violento e con il desiderio
di riscatto, affronta temi universali come la vendetta, la colpa e
la ricerca di redenzione. Rispetto a molti altri titoli del
periodo, il film cerca di mescolare azione e riflessione, offrendo
a Van Damme la possibilità di interpretare un personaggio più umano
e vulnerabile, pur senza rinunciare alla fisicità che lo ha reso
celebre.
Nonostante non abbia ottenuto un successo
paragonabile ai cult degli anni d’oro dell’attore, il film ha
conquistato una sua nicchia di appassionati, soprattutto tra coloro
che seguivano fedelmente Van Damme anche nei progetti meno
mainstream. La sua ricezione è stata altalenante: da un lato la
critica ha spesso sottolineato i limiti produttivi e narrativi,
dall’altro alcuni spettatori hanno apprezzato il tentativo di dare
maggiore profondità al personaggio principale. Nel resto
dell’articolo ci concentreremo in particolare sul finale di
Hell – Esplode la furia, analizzandone il
significato e cercando di capire quale messaggio lasci allo
spettatore.
Jean-Claude Van Damme in Hell – Esplode la furia
La trama di Hell – Esplode la furia
Il film ha per protagonista Kyle Le Blanc
(Jean-Claude
Van Damme), un ingegnere petrolifero coinvolto in un caso
di omicidio, mandato a scontare la pena nella prigione di Marquezas
in Messico. Qui la vita è molto dura e i carcerati sono costretti a
lavorare in catene nelle paludi selvagge infestate da serpenti
velenosi e alligatori. Uno dei guardiani del carcere, il
Generale Hruschov (Lloyd Battista), per divertirsi e
guadagnare un po’ di soldi extra organizza combattimenti spietati e
all’ultimo sangue tra i carcerati. Nonostante i consigli del
carcerato ‘filosofo’ 451 (Lawrence Taylor) che fa di tutto
per riportare un po’ di umanità all’interno della prigione, anche
Kyle resta coinvolto nella spirale di violenza e corruzione dei
combattimenti.
La spiegazione del finale
Nel terzo atto del film, la vicenda di Kyle
raggiunge il punto di rottura. Dopo la morte di Billy, che con le
sue ultime parole lo aveva esortato a non lasciarsi trasformare dal
sistema carcerario in un mostro, Kyle decide di ribellarsi al
meccanismo di violenza e sopraffazione imposto dal generale
Hruschov. Inizia così a rifiutare le logiche dei combattimenti
forzati, attirandosi punizioni esemplari e la rabbia dei secondini.
La sua ostinata resistenza però ispira gli altri detenuti, che
iniziano a seguirne l’esempio, smettendo di combattere e mostrando
solidarietà reciproca. Questo piccolo atto di ribellione segna
l’inizio di una rivolta più ampia all’interno del carcere.
Lo scontro culmina in una ribellione aperta,
alimentata dal coraggio di Kyle e dal sacrificio di Miloc, il
prigioniero gigante che perde la vita proteggendolo. Grazie
all’aiuto del compagno 451, Kyle riesce a sopravvivere agli
attacchi delle guardie e a organizzare una fuga. Lo scontro finale
con Valya si rivela decisivo: Kyle ha la meglio e trasforma il
combattimento in un momento di giustizia personale, punendo
l’aguzzino per la morte di Billy. Dopo una rocambolesca sequenza,
Kyle riesce a evadere dal carcere, mentre 451 resta indietro per
vendicare gli abusi perpetrati dal generale Hruschov. Il film si
chiude con Kyle che ritorna negli Stati Uniti, portando con sé le
prove della corruzione e consentendo la chiusura definitiva della
prigione.
Jean-Claude Van Damme in Hell – Esplode la furia
Il finale evidenzia la parabola di
trasformazione interiore di Kyle. All’inizio del film, dominato
dall’ira e dalla sete di vendetta, era precipitato in un baratro di
violenza senza fine. Nel carcere, però, il contatto con figure come
Billy e 451 lo spinge a guardarsi dentro e a non perdere la propria
umanità. Il suo rifiuto di continuare a combattere non è solo un
gesto di resistenza fisica, ma soprattutto morale: un’affermazione
del sé originario, quello che non vuole essere ridotto a mero
strumento di intrattenimento in un sistema marcio. Il suo percorso
diventa così il racconto di una rinascita interiore, conquistata a
caro prezzo.
Il film, attraverso questo finale, lascia lo
spettatore con l’idea che la vera lotta di Kyle non sia contro i
compagni di prigionia, ma contro la disumanizzazione. La ribellione
non rappresenta solo la rottura con l’oppressione del carcere, ma
anche un atto di riconquista della dignità, un messaggio condiviso
dagli altri detenuti che trovano il coraggio di smettere di farsi
strumento di spettacolo per i corrotti. Anche la vendetta di 451
assume un significato simbolico: non è un gesto di cieca violenza,
ma l’eliminazione di un’autorità oppressiva che incarnava un
sistema intero di abusi.
In conclusione, Hell – Esplode la
furia non è soltanto un action movie costruito attorno a
combattimenti crudi e sequenze ad alta tensione, ma un racconto
sulla possibilità di riscatto e sulla forza della resistenza
interiore. Il messaggio che rimane allo spettatore è che la
violenza genera solo altra violenza, ma la capacità di restare
fedeli a se stessi, anche in condizioni estreme, può rappresentare
la vera vittoria. Kyle, attraverso la sua fuga e la denuncia del
sistema, non solo ritrova la propria identità, ma riesce anche a
trasformare il suo dolore in uno strumento di giustizia
collettiva.
Scopri anche il finale di altri film
di Jean-Claude Van Damme
L’avventura animata di Disney e
Pixar, Elio, arriverà su
Disney+ il 17 settembre. La storia spaziale di Elio Solís
arriva sugli schermi terrestri di tutto il mondo, invitando le
famiglie a entrare nel Comuniverso ogni qual volta cerchino un
po’ di meraviglia. Il pubblico potrà viaggiare con Elio, un bambino
con una fervida immaginazione e un’ossessione per gli alieni,
che entra in contatto per la prima volta con degli
extraterrestri e viene scambiato per il leader della Terra, e
condividere la sua gioia nel vedere realizzarsi il sogno di una
vita.
L’ultimo capitolo della tradizione
di storytelling di Disney e Pixar raggiunge i regni interstellari e
invita gli spettatori ad ampliare i propri orizzonti, imparando
anche ad apprezzare i legami che hanno a casa, senza bisogno di
viaggi interplanetari. Certified Fresh e Verified Hot su Rotten
Tomatoes®, questo film commovente sarà finalmente disponibile in
streaming.
Elio, un fanatico dello spazio con
una fervida immaginazione, si ritrova coinvolto in una disavventura
cosmica in cui dovrà stringere nuovi legami con eccentriche forme
di vita aliene, superare una crisi di proporzioni intergalattiche e
scoprire in qualche modo chi è veramente destinato a essere.
Dopo anni trascorsi in bilico,
l’attesissima versione live-action di My Hero Academia sta finalmente prendendo
forma. Netflix e Legendary stanno sviluppando il
progetto da diversi anni, ma con l’arrivo dello sceneggiatore
Jason Fuchs ha compiuto un passo avanti
significativo.
Fuchs non è estraneo a progetti ad
alto budget, avendo lavorato a Wonder Woman, e
annovera tra i suoi crediti anche Argylle,
Pan, L’era glaciale 4: Continenti alla
deriva, Baby Boss e l’imminente serie TV
IT: Welcome to Derry. Lo sceneggiatore non è
estraneo nemmeno alla recitazione, avendo recitato in La La
Land, The Good Wife e sarà presto
protagonista della serie prequel di Venerdì 13 di
A24 e Peacock, Crystal Lake. Il regista
Shinsuke Sato, noto per i suoi numerosi
adattamenti manga, tra cui Bleach e Kingdom, è ancora in lizza per
la regia del film.
My Hero Academia è una serie manga giapponese
scritta e illustrata da Kōhei Horikoshi. Ha
iniziato la serializzazione sulla rivista Weekly Shōnen Jump di
Shueisha nel luglio 2014, dopo un one-shot del 2008.
Ispirata ai fumetti di supereroi, la
storia è ambientata in un mondo in cui l’80% delle persone possiede
dei superpoteri chiamati “Quirk”. La storia segue Izuku
Midoriya, un ragazzo senza Quirk, che eredita i poteri del
più grande eroe del mondo, All Might, e si iscrive alla U.A. High
School per diventare un eroe professionista.
A partire da quest’anno, il manga ha
oltre 100 milioni di copie in circolazione, con 44 volumi
pubblicati prima della conclusione nell’agosto 2024. L’anime,
prossimo all’ottava stagione, continua ad ampliare la storia.
Gli anime si sono dimostrati
un’enorme attrazione per Netflix, quindi
l’aggiunta di Fuchs è un’indicazione che la piattaforma di
streaming sta prendendo sul serio i suoi piani per un adattamento
live-action della proprietà. Al momento non si sa nulla sul
casting e i fan di My Hero Academia probabilmente sperano
che questo film raggiunga le stesse vette di un altro popolare
adattamento manga di Netflix, One Piece.
Prima che Eternals uscisse
nelle sale nel 2021, l’entusiasmo per il film era alle stelle. Il
film aveva al timone la vincitrice dell’Oscar Chloé
Zhao e sembrava destinato ad aggiungere un nuovo team di
supereroi all’MCU, con un cast ancora più ricco
di quello di The Avengers.
Quando però sono arrivate le
recensioni, il film è stato considerato il primo “Rotten” dei
Marvel Studios su Rotten Tomatoes. Se a ciò si aggiunge il fatto
che è uscito durante gli ultimi mesi della pandemia, il blockbuster
ha faticato a lasciare il segno al botteghino, incassando solo 402
milioni di dollari in tutto il mondo.
Sebbene non si possa negare che
fosse un po’ troppo ricco, Eternals aveva
molti aspetti che funzionavano. Eppure, quattro anni dopo, i Marvel
Studios non hanno ancora annunciato piani per risolvere il
cliffhanger del film (e non c’è nulla che suggerisca che rivedremo
questi personaggi da nessuna parte).
Parlando con The Hollywood
Reporter, Chloé Zhao ha spiegato perché si è
presa una pausa di quattro anni dopo Eternals. “Avevo bisogno di una pausa
dopo Eternals e Nomadland perché questi due film sono stati molto
intensi”, ha detto la regista ridendo. “[Li ho girati] uno
dopo l’altro, e sono usciti subito. Quindi penso che sia stato il
risultato di un decennio di lavoro senza sosta.”
Alla domanda se fosse preoccupata
per la reazione della critica al suo ultimo film, Hamnet, dopo che Nomadland ha
ricevuto recensioni entusiastiche e Eternals
è stato stroncato, ha spiegato: “Penso che sia come quando hai
un figlio. Fai tutto il possibile per crescerlo, e probabilmente
hai commesso degli errori lungo il percorso, [cose] che avresti
voluto fare meglio.”
“Parlo degli ultimi due film che
ho girato e che sono usciti contemporaneamente [Nomadland ed
Eternals] – poi li mandi nel mondo, e il mondo avrà reazioni
inaspettate nei loro confronti, su cui non hai alcun
controllo”, ha continuato Zhao. “Devi imparare ad amare
l’imperfezione dei tuoi figli, perché questo significa amare
l’imperfezione in te stesso. E non è stato un processo facile per
me l’ultima volta.”
La regista di Eternals
non è rimasta con le mani in mano a compiangersi durante quei
quattro anni, mentre sviluppava Hamnet ed è
strettamente coinvolta nel prossimo reboot di Buffy l’ammazzavampiri con Sarah
Michelle Gellar e Ryan Kiera Armstrong.
“Beh, non credo sia un segreto [dire] che sto lavorando a Buffy
l’ammazzavampiri”, ha detto alla redazione, osservando:
“Sta andando bene.”
Lulu Wang dirigerà
un adattamento cinematografico live-action del romanzo di
Katie Kitamura “Audition”, con Lucy Liu e Charles Melton
come protagonisti. Wang sta scrivendo il film insieme a
Martyna Majok. La Higher Ground Productions di
Barack e Michelle Obama ha stretto una partnership
con Laika per la produzione. Questo è uno dei primi di molti film
live-action in cantiere per Laika, lo studio di Portland, Oregon,
produttore di “Coraline” e noto per
l’animazione in stop motion.
Il thriller di Kitamura segue una
famosa attrice il cui elegante stile di vita newyorkese viene
sconvolto dall’apparizione di un giovane che afferma di essere suo
figlio perduto da tempo. Anikah McLaren,
responsabile del settore cinematografico di Higher Ground, ha
dichiarato: “‘Audition’ di Katie Kitamura è un thriller
psicologico magistralmente realizzato che esplora i complessi
strati dell’identità e della performance”. Ha aggiunto:
“Siamo entusiasti di collaborare con Laika e Lulu, una regista
incredibilmente talentuosa e toccante, per adattare questa
avvincente storia sulla famiglia, l’inganno e la scoperta di
sé”.
Matt Levin,
presidente della divisione film e serie live action di Laika, ha
dichiarato: “Siamo sempre alla ricerca di storie audaci,
emozionanti e creative, e ‘Audition’ di Katie Kitamura è
esattamente questo. Lulu Wang è una regista brillante e audace che
ammiriamo da tempo, e la sua visione unica e l’impegno di Higher
Ground per una narrazione potente li rendono i partner perfetti per
portare sullo schermo questo straordinario romanzo”.
Vinnie Malhotra e Anikah McLaren di
Higher Ground, Travis Knight e Levin di Laika, e Wang sono i
produttori. Liu, Kitamura e Jeremy Kipp Walker di Laika sono i
produttori esecutivi.
Lulu Wang ha
dichiarato: “Portare ‘Audition’ di Katie Kitamura sullo schermo
è una sfida entusiasmante. Ciò che rende tutto ciò possibile ed
elettrizzante è la collaborazione con Lucy Liu e Charles Melton.
Sono entrambi interpreti magnetici e non riesco a immaginare
collaboratori migliori con cui affrontare questa storia”.
Countdown
di Prime Video è una serie thriller
poliziesca in cui una task force interdipartimentale affronta
questioni delicate di sicurezza nazionale. Dopo aver sventato la
minaccia terroristica rappresentata da Volchek, Blythe e la sua
squadra hanno solo un breve momento di tregua prima di essere
nuovamente chiamati ad affrontare un’altra minaccia. Questa volta,
il loro obiettivo sembra essere un abile cecchino che sta
preparando un attentato contro il governatore Shelby, mettendo in
pericolo la sua vita e, di conseguenza, quella del presidente.
A peggiorare le cose,
l’inafferrabile John Doe, soprannominato Todd dalla squadra, ha la
capacità di rimanere sempre un passo avanti ai nostri eroi.
Tuttavia, nell’episodio 13, intitolato “Your People are in Danger”,
Blythe e gli altri scoprono una serie di prove promettenti che
potrebbero portare alla caduta del cecchino. Tuttavia, a loro
insaputa, l’inganno continua a covare all’orizzonte, mettendo in
pericolo di morte la vita di uno dei loro agenti. SPOILER IN
ARRIVO!
La task force ottiene finalmente
una pista favorevole sul cecchino
Finora, ogni volta che Blythe e la
sua squadra sono riusciti a ottenere qualche informazione su Todd,
il cecchino, si è rivelata un’esca meticolosamente piazzata per
servire gli scopi di quest’ultimo. Pertanto, le speranze sono alte
quando Shepard scopre un indizio subliminale in un ritrovamento
precedente. Dopo aver studiato il manifesto del cecchino e averlo
sottoposto ad alcuni algoritmi, riesce a trovare un punto di
connessione tra il vocabolario dell’autore e un talk show
radiofonico della California meridionale. In questo modo, il raggio
delle indagini si restringe e una nuova fascia demografica entra
nella ricerca dei sospetti. Alla luce della scoperta, Meachum e
Oliveras fanno visita al conduttore del talk show, nella speranza
di scovare eventuali fan ossessivi del suo programma.
Fortunatamente per loro, Randy
Mankin di Truth to Power Hour ha già una lista di controllo di
sicurezza dei suoi fan più accaniti. Tuttavia, una volta esaminata
la lista, diventa evidente che non saranno in grado di trovare il
cecchino. Blythe ha comunque fiducia nella pista, il che lo spinge
a richiedere una ricerca più ampia del gruppo di fanatici
Powerheads. Alla fine, le cose si sistemano quando la squadra
riceve un nuovo indizio dal proprio obiettivo: un furgone con un
tag bruciato in un campo da golf vicino a Beverly Hills. Mentre
questo si svela, Blythe scopre che un agente dell’FBI di nome Seth
Lewis ha cercato di accedere alle informazioni sulla sua task
force. Inoltre, il nome ricompare in relazione al modello del
furgone e al programma di Randy Mankin. Pertanto, la squadra si
rende conto di avere tra le mani un sospettato davvero
promettente.
Oliveras dubita della sua
relazione con Julio
Fin dall’inizio, Oliveras e Meachum
hanno avuto una relazione altalenante che si è rafforzata solo
quando la missione Volchek è giunta al termine. L’agente della DEA
riesce a convincere il detective della polizia di Los Angeles a
cercare finalmente ulteriore aiuto per la sua diagnosi di cancro,
che alla fine allunga notevolmente la sua aspettativa di vita. I
due decidono di aspettare fino alla fine del trattamento di Meachum
per dare una possibilità sincera alla loro relazione. Tuttavia, nei
mesi successivi, finiscono in qualche modo per allontanarsi l’uno
dall’altra. Nel frattempo, Oliveras finisce per intraprendere una
relazione con Julio, suo amico d’infanzia e, per coincidenza,
oncologo di Meachum.
Di conseguenza, quando i due
tornano a lavorare insieme nella task force, la loro relazione
sviluppa inevitabilmente un’attrito più imbarazzante. Tuttavia,
alla fine, la fiducia di Oliveras nella sua relazione inizia a
vacillare. Anche se le piace la normalità e la tranquillità della
sua vita con Julio, non può fare a meno di sentire una distanza tra
le loro esperienze. Inoltre, una conversazione con Meachum, in cui
quest’ultimo esprime sentimenti sinceri sulla loro intrinseca
compatibilità, finisce per aprire una serie di dubbi nella mente
dell’agente sulla sua relazione preesistente. Tuttavia, tutto
questo finisce per passare in secondo piano rispetto alla
narrazione di Oliveras quando una mattina, mentre si reca al
lavoro, diventa vittima di un rapimento.
Conclusione del conto alla
rovescia: Oliveras muore?
Verso la fine della stagione,
Oliveras si trova in una posizione particolarmente singolare.
Finora, il cecchino Todd ha preso di mira solo il governatore
Shelby e la sua squadra come prede. Tuttavia, ora sembra aver
puntato gli occhi sull’agente della DEA, che aveva individuato in
precedenza durante la missione fallita a Raising Bane. Peggio
ancora, mentre la task force nota la sua assenza, arrivando persino
a rintracciare il suo telefono, la sua insolita scomparsa non viene
considerata prioritaria nella loro agenda. Di conseguenza, mentre
continuano a seguire il loro intuito su Seth Lewis, Todd riesce ad
allontanare Oliveras dalla città. Così, l’agente si ritrova sul
sedile posteriore di un’auto, legata e bendata. Alla fine, arriva
in un luogo agghiacciante: un campo vuoto con il cecchino armato
alle sue spalle.
Questo rappresenta un momento
familiare nella storia. In precedenza, quando si approfondiva il
passato di Todd, la storia mostrava il modo negativo in cui aveva
affrontato il tradimento di sua moglie e del suo migliore amico.
Dopo aver trovato i due a letto insieme, rapisce il cane di sua
moglie, Precious, portando l’animale nello stesso luogo. In
seguito, spinge il cane a scappare, puntandogli contro la pistola
da lontano. Ora, Todd mette in scena lo stesso spettacolo con
Oliveras, spingendola a correre in un contorto tentativo di darle
la caccia con le sue superiori abilità di cecchino. Tuttavia,
proprio come Precious, anche il destino di Oliveras rimane ambiguo,
con la stagione che termina prima che Todd possa sparare. Sebbene
tutti gli indizi indichino la possibilità molto reale che il
cecchino riesca a uccidere l’agente, non è ancora possibile trarre
conclusioni definitive, lasciando la sua fine sospesa nel vuoto
narrativo.
Seth Lewis è il cecchino?
Mentre Oliveras lotta per la sua
vita, Blythe e il resto della squadra seguono una pista diversa.
Questa volta, le prove che hanno sono molto più promettenti di
qualsiasi altra cosa abbiano incontrato in precedenza. Diverse
piste delle loro indagini hanno portato all’agente dell’FBI Seth
Lewis. L’uomo sembra essere un avido ascoltatore e persino un fan
del podcast di Randy Mankin, il che lo collega al manifesto.
Inoltre, i controlli sui suoi precedenti lo collegano al fucile e
al modello di pick-up che sono stati direttamente collegati al
cecchino. Il fatto che Blythe e gli altri abbiano concluso che il
loro obiettivo deve avere un qualche tipo di background nelle forze
dell’ordine aggiunge ulteriore peso alla teoria.
Di conseguenza, mentre le stelle si
allineano, la task force decide di non perdere altro tempo e si
dirige verso la residenza di Lewis. Per un attimo, sembra che la
squadra abbia finalmente trovato il colpevole quando la moglie del
cecchino apre la porta. Tuttavia, le cose prendono una piega
diversa quando Seth Lewis, l’agente dell’FBI all’interno della
casa, si rivela essere il migliore amico del cecchino. Sebbene gli
spettatori siano a conoscenza del fatto che Blythe e gli altri
hanno arrestato la persona sbagliata, gli agenti non hanno motivo
di non arrestare Lewis come principale sospettato nelle loro
indagini. Tuttavia, poiché i fan sono a conoscenza della vera
storia del cecchino e del ruolo che Lewis vi svolge, è evidente che
l’intera operazione è solo un’altra montatura. Alla fine, però,
quest’ultimo viene incastrato e arrestato con l’accusa di
cospirazione contro i leader politici. Nel frattempo, il vero
cecchino sfugge ancora una volta alle mani della task force.
Le vite del presidente e del
governatore sono davvero in pericolo?
All’indomani dell’arresto di Seth
Lewis, non si può fare a meno di chiedersi quale sia la vera
motivazione dietro i piani del cecchino. Inizialmente, sembra che
il cospiratore possa essere un fanatico delle armi
anti-establishment che si è assunto personalmente la responsabilità
di liberare il Paese dai politici che ritiene corrotti. Tuttavia,
la rivelazione che ha organizzato il domino in modo tale da
provocare l’arresto di Lewis introduce una nuova prospettiva.
Finora, sappiamo poco della vita personale del cecchino. In realtà,
non conosciamo nemmeno il vero nome dell’antagonista. Tuttavia, la
narrazione sottolinea il suo passato pieno di tradimenti, in cui
viene tradito dalla moglie con il suo migliore amico. In seguito,
Todd viene visto vendicarsi in qualche modo sul cane della moglie.
Ma cosa succederebbe se il suo piano di vendetta andasse oltre
questo atto orribile?
Se il rapimento e il possibile
omicidio di Precious fossero serviti come vendetta nei confronti
della moglie, resta ancora da sistemare la questione dell’amico
Lewis. L’apparente piano del cecchino di uccidere il governatore e
mettere in pericolo la vita del presidente è un complotto elaborato
in cui ogni indizio è stato meticolosamente posizionato per puntare
verso un finale prestabilito. Il finale rivela che la conclusione
prevista prevede di incastrare Lewis per l’intera cospirazione,
portando al suo arresto. Di conseguenza, si può sostenere che
l’intera debacle sia stata fin dall’inizio uno stratagemma per
vendicarsi, senza alcuna reale intenzione di mettere a rischio la
vita di alcun politico. Tuttavia, il fatto che Todd faccia di tutto
per mettere in pericolo la vita di Oliveras aggiunge un altro
livello alla storia. Pertanto, in definitiva, mentre questa
stagione introduce un pezzo del puzzle, il quadro generale rimane
ancora incerto e ambiguo. Per lo stesso motivo, i fan possono solo
speculare sui veri motivi dei cecchini fino alle potenziali
stagioni future.
La serie NetflixDue tombe(Two
Graves), originariamente intitolata “Dos tumbas”, racconta la
storia della misteriosa scomparsa di Verónica e Marta. La nonna
della prima, Isabel Luque, è la persona più colpita dall’accaduto e
si rifiuta di arrendersi, nonostante le difficoltà delle indagini.
Quando il caso rischia di diventare irrisolvibile, capisce che
l’unica strada da seguire è quella di ricorrere a mezzi non
convenzionali. Inizia così la sua odissea nel mondo del crimine, che scatena
alleanze pericolose e svela molti segreti. Quella che inizia come
una ricerca di risposte si trasforma in un viaggio alla ricerca di
vendetta, con molte ideologie diverse che vengono alla ribalta. Il
secondo episodio della serie si conclude con la rivelazione che la
storia di Verónica potrebbe non essere ancora finita, e il finale
porta questa trama alla sua naturale conclusione. SPOILER IN
ARRIVO.
Riepilogo del finale di Due
tombe
Il finale torna alla notte in cui
Verónica e Marta sono scomparse e inizia con loro nell’auto di
Jonas Herrera. In seguito, incontrano Beltrán, che le conduce
direttamente allo Chalet, dove le élite sono impegnate in una festa
senza limiti. In poco tempo, i tre assumono droghe e iniziano a
perdersi nel flusso. Sebbene abbiano messo gli occhi su Carlos Jaen
come potenziale cliente, Marta si sente male e finisce per rimanere
sola. Jamila, una prostituta presente alla festa, cerca di
aiutarla, ma Carlos interviene e promette di prendersi cura di lei.
Tuttavia, si tratta di una bugia, poiché Carlos procede ad
aggredire sessualmente Marta. La scena poi fa un salto in avanti,
con Verónica coperta di sangue che sveglia suo padre. Inizialmente
allarmato dalla vista, Antonio raggiunge rapidamente sua figlia nel
bosco e rimane sorpreso nel trovare Marta morta. Rendendosi conto
di quanto siano limitate le sue opzioni, decide di proteggere
Verónica e di sbarazzarsi del corpo.
Nel presente, Isabel è sgomenta nel
sentire la verità, ma presto si trova ad affrontare una nuova serie
di sfide. Rafael ha già localizzato Jamila e ha in programma di
incontrarla a mezzogiorno. Con la verità che sta per venire a
galla, la protagonista incarica Antonio di informare la polizia del
coinvolgimento di Rafael nell’omicidio di Carlos, nella speranza di
guadagnare tempo. Anche se il piano quasi funziona, l’avvocato del
capo della banda lo fa uscire con la motivazione di prove
insufficienti. Peggio ancora, il sangue sul pavimento di Isabel
viene confermato essere quello di Beltrán, e Zaera non perde tempo
e si reca a casa sua. Tuttavia, lei è già partita da tempo, diretta
ad Almería per sistemare l’ultimo dettaglio di tutta la rete. Una
volta lì, individua rapidamente Jamila e avvia una conversazione
che la porta a casa sua. Isabel poi versa di nascosto qualcosa nel
drink della ragazza e, una volta che fa effetto, si prepara
all’omicidio.
Tuttavia, pochi istanti prima
dell’atto, lo sguardo di Isabel cade sulla bacheca appesa al muro,
con le foto recenti di Jamila e Verónica, proprio loro. Con grande
sorpresa della protagonista, sua nipote ha vissuto segretamente in
questa città per tutto questo tempo e ha una relazione con Jamila.
Con questo, le dinamiche cambiano ancora una volta e la priorità di
Isabel diventa quella di mettere al sicuro Verónica e la sua
compagna. Sebbene Rafael riesca ad arrivare sul posto, è troppo
tardi, poiché il trio è già fuggito in un piccolo villaggio, dove
vive un ex collega di Isabel. Il giorno seguente, Isabel decide di
sistemare le cose una volta per tutte e progetta di portare Rafael
da Jamila. La crescente sfiducia tra Rafael e la protagonista
raggiunge il culmine durante il viaggio in auto, e lui inizia a
fare domande a cui lei non è ancora pronta a rispondere.
Chi ha ucciso Marta?
Perché Verónica è scomparsa?
Con una svolta scioccante, si
scopre che l’assassina di Marta non è altro che Verónica, la sua
migliore amica. La rivelazione avviene durante il viaggio verso il
nascondiglio di Jamila, quando Isabel confessa a Rafael tutti i
segreti che ha tenuto nascosti. Il più straziante sembra riguardare
la fatidica notte della scomparsa delle adolescenti. Un flashback
conferma che Marta è stata aggredita sessualmente da Carlos Jaen,
spingendola ad andarsene presto dalla festa. Verónica e Jamila la
seguono, ma diventano ansiose quando la loro amica propone di
andare alla polizia. Tuttavia, Marta si rende subito conto della
disperazione della sua situazione e sta per togliersi la vita.
Mentre Verónica cerca di salvarla, Marta la ferisce
involontariamente con un pezzo di vetro. In cambio, Verónica la
spinge indietro, facendo perdere l’equilibrio a Marta. Cadendo
all’indietro, l’adolescente finisce per sbattere la testa sul
cemento, il che alla fine si rivela fatale.
Sebbene la morte di Marta sia
tecnicamente un incidente, Verónica è sopraffatta dal senso di
colpa e sembra pronta a costituirsi. Tuttavia, Antonio, suo padre,
le ricorda che Rafael non lascerà nulla di intentato per
assicurarsi che lei condivida il destino di Marta. Ironia della
sorte, la sua empatia verso Rafael come padre spinge Antonio a
compiere un passo drastico. Manda Verónica a nascondersi in Marocco
e, nel frattempo, partecipa attivamente al processo di lutto della
sua famiglia, tenendo il segreto anche a sua madre. Si rende anche
conto che il suo piano è stato avventato e, senza alcuna
possibilità che sua figlia torni, si prepara a trasferire tutta la
sua famiglia in Marocco, con la speranza di lasciarsi il passato
alle spalle. Tuttavia, le cose non vanno secondo i piani, poiché
Verónica fugge dalla casa del suo amico entro un mese e parte da
sola.
Nei due anni successivi
all’incidente, Verónica e Antonio sono rimasti in contatto tramite
telefonate settimanali. A parte questo, però, l’adolescente conduce
una vita relativamente indipendente e il suo incontro con Isabel
avviene solo per caso. Si scopre che Verónica non è sola: vive con
la sua compagna, Jamila, e si è sistemata comodamente in questa
nuova vita. Sebbene gli errori del suo passato abbiano lasciato
cicatrici indelebili nella sua psiche, lei affronta questa sfida a
testa alta e, quando le viene suggerito di fuggire ancora una
volta, rifiuta. L’adolescente esprime il suo desiderio di una vita
senza catene, e questo non può avvenire senza affrontare il suo
passato. Nonostante sia un sentimento bellissimo, ci sono alcuni
problemi pratici da affrontare, il più grande dei quali è la sete
di vendetta di Rafael.
Isabel e Rafael sono morti?
Come?
Quando Rafael scopre la verità su
ciò che è successo a sua figlia, la rabbia prende il sopravvento e
chiede dove si trovano Antonio e Verónica, presumibilmente per
vendicarsi. Mentre Isabel cerca disperatamente di fare pace con
lui, si rende subito conto che si tratta di una battaglia in
salita. Di conseguenza, decide di fare l’impensabile e guida la sua
auto giù dalla scogliera. Il veicolo viene quindi lanciato in aria
e alla fine finisce in mare. Mentre l’auto affonda sul fondo del
mare, una pozza di sangue sgorga da Rafael e Isabel sorride. La
scena finale dello spettacolo suggerisce fortemente la loro morte
e, con essa, un peso viene definitivamente tolto dalle spalle di
Verónica. L’atto di sacrificio della protagonista non solo protegge
sua nipote, ma chiude anche il cerchio della sua storia.
In una precedente conversazione con
Isabel, Verónica ha sottolineato la natura egoista di sua nonna e
come lei abbia contribuito alla famiglia solo quando ne aveva
voglia. Questo sentimento è ribadito da Antonio, che la rimprovera
per averlo abbandonato durante gli anni cruciali della sua
infanzia. Mentre lui nutre chiaramente del rancore, Verónica è
diversa e sceglie invece di empatizzare. Tuttavia, entrambi questi
eventi servono da campanello d’allarme per la protagonista, che nei
suoi ultimi momenti sceglie di redimersi. Mettendo gli interessi
della sua famiglia davanti ai propri, Isabel dimostra fino a che
punto è disposta a spingersi per il loro bene. Rafael non è diverso
come genitore, e questo aggiunge un ulteriore livello di sfumature
alla narrazione, con il suo arco narrativo che mostra una possibile
strada che il viaggio di Isabel avrebbe potuto prendere.
La sequenza finale dello show
contestualizza anche il titolo, che deriva da una citazione di
Confucio: “Prima di intraprendere un viaggio di vendetta, scava due
tombe”. La dinamica tra Isabel e Rafael incarna lo spirito di
questa citazione, poiché il loro desiderio di vendetta li conduce
in un luogo oscuro che incoraggia solo ulteriori spargimenti di
sangue. Alla fine, non solo entrambi uccidono per arrivare alla
verità, ma muoiono anche insieme, a simboleggiare come la ricerca
della vendetta porti uguale danno a entrambe le parti coinvolte.
Nel corso di tre episodi, Isabel si trasforma in una persona capace
di uccidere a sangue freddo, e solo dopo aver appreso la matura
visione della vita di sua nipote riesce finalmente a fare chiarezza
sulle sue azioni. Rafael, invece, non è così fortunato e muore
consumato dal desiderio di vendetta, completando il cerchio
narrativo.
Verónica e Jamila riescono a
fuggire?
Con Rafael fuori dai giochi,
Veronica e Jamila possono finalmente immaginare una vita di libertà
insieme. A tal fine, i loro addii si rivelano più brevi del
previsto ed è probabile che si rivedranno. Anche se Verónica dovrà
ora portare il peso di due morti strazianti, ha imparato una
lezione unica da entrambe e è pronta a condurre una vita molto
migliore. Jamila spicca nella storia come forse l’unica persona che
è alla pari con Verónica, e la loro storia d’amore funge anche da
forma di ribellione contro gli abusi che hanno subito. Questo
ricontestualizza anche la fuga di quest’ultima dallo spazio vitale
designato dal padre, poiché anche quello era una forma di
imposizione. Le fotografie a casa di Jamila mostrano che le due
hanno una vita piena e felice, il che fa presagire un futuro ancora
più luminoso da qui in avanti.
Sebbene Verónica e Jamila abbiano
la possibilità di tornare a casa, alla fine potrebbero decidere di
non farlo. Dati i ricordi traumatici che possono essere associati a
quel luogo, le due amanti potrebbero ritenere più salutare
ricominciare da zero, in un ambiente diverso. Inoltre, c’è anche la
possibilità che la polizia scopra i loro crimini, minacciando di
vanificare anni di duro lavoro per la famiglia. Tuttavia,
quest’ultima eventualità è improbabile, poiché le azioni di Rafael
e Isabel possono essere riassunte nella morte di Carlos Jaen.
Ciononostante, l’attenzione sui riflettori per la scomparsa di
Verónica significa che lei avrà difficoltà a riabituarsi al suo
vecchio stile di vita. A tal fine, un nuovo inizio si adatta meglio
alla sua storia e aggiunge un ulteriore angolo ciclico alla trama.
Proprio come sua nonna, l’adolescente ha imparato a vivere solo
secondo le proprie regole, e la morte di Isabel non fa che
rafforzare questa determinazione.
The Girlfriend – La fidanzata di Prime Video è un thriller fortemente
edipico che precipita verso un finale drammatico che svela i
segreti di Cherry e una morte scioccante. La storia ha tre
personaggi principali: Laura (Robin Wright), Cherry (Olivia
Cooke) e Daniel (Laurie Davidson). Daniel, un ricco
mascalzone, diventa cliente dell’agenzia immobiliare di Cherry,
sperando di incontrarla.
Dopo che Daniel e Cherry iniziano a
frequentarsi, lei cerca di nascondere le sue umili origini. Quando
incontra i genitori di Daniel, si appoggia alla bugia sulla sua
infanzia. Sfortunatamente, la madre di Daniel, Laura, è possessiva
nei confronti del figlio, che tratta più come un fidanzato che come
un figlio. Anche se cerca di essere aperta con Cherry, diventa
rapidamente gelosa, come mostrato nel trailer di – La fidanzata. La sua gelosia la porta a
scoprire le bugie di Cherry.
Dopo che un incidente durante
un’arrampicata manda Daniel in ospedale, Laura mente a Cherry,
dicendole che suo figlio è morto. Inoltre, mente anche a Daniel,
convincendolo che Cherry lo ha abbandonato a causa del suo
incidente. Quando la verità viene scoperta, questo porta a un
finale drammatico, che mette Laura e Cherry l’una contro l’altra in
una competizione per vedere chi è più squilibrata.
Come muore Laura in The
Girlfriend – La fidanzata
Il dialogo nella criptica prima
scena di The Girlfriend – La fidanzata porta a credere che
Laura ucciderà Cherry alla fine dello spettacolo. Tuttavia, il
finale ribalta questa dinamica. Laura ha davvero intenzione di
uccidere la ragazza di suo figlio. Prima cerca di pugnalare Cherry,
poi tenta di annegarla. Alla fine, però, è Laura a morire, non
Cherry.
La parte interessante è che ciò non
avviene per mano della persona che ci si aspetterebbe. Invece, in
vero stile Edipo Re, Daniel uccide inconsapevolmente uno dei suoi
genitori. Tranne che, in un colpo di scena rispetto alla favola,
uccide la madre che adora più di ogni altra cosa. In uno stato di
confusione dovuto ai farmaci, Daniel barcolla fino al seminterrato
e vede Laura che sta affogando Cherry.
L’istinto protettivo di Daniel
entra in azione e lui è costretto a scegliere una delle due donne.
Invece di stare dalla parte di sua madre, è lui a causarne la
rovina. Separa le donne spingendo Laura sott’acqua. Mentre
controlla Cherry, Daniel non si rende conto di aver tenuto la testa
di Laura sott’acqua troppo a lungo, uccidendola.
In definitiva, la morte di Laura è
tragica per diversi motivi. Daniel dovrà convivere con il senso di
colpa per aver ucciso sua madre, che aveva una relazione incestuosa
con lui. Inoltre, è costretto a convivere con Cherry, che senza
dubbio finirà per detestare. Infine, indipendentemente dalla sua
scelta, Daniel sarebbe rimasto con una donna manipolatrice e
pericolosa.
La spiegazione del passato
segreto di Cherry in The Girlfriend – La
fidanzata
Verso la fine di The Girlfriend
– La fidanzata, la serie rivela che Cherry ha avuto un ruolo
nell’incidente di suo padre, che analizzeremo nella prossima
sezione. Tuttavia, la rivelazione più inquietante arriva nei
momenti finali della serie. Quando Daniel trova il telefono di sua
madre, vede il video che Laura ha registrato della sua
conversazione con la madre di Cherry.
Nell’audio, la madre di Cherry
afferma che l’aggressione al padre di Cherry non è stato un evento
isolato. Al contrario, rivela che Cherry ha fatto di peggio che
“romperle il viso con un bicchiere” quando ha avuto a che fare con
i bambini a scuola che le hanno preso i giocattoli e con il ragazzo
che le ha dato buca al ballo del college. Si sottintende che
potrebbe aver ucciso quest’ultimo.
Infine, la madre di Cherry avverte
Daniel di stare attento a Cherry perché, alla fine, lei troverà un
modo per “sbarazzarsi di lui” quando lui non le darà ciò che vuole.
Questo è in linea con il suo comportamento nei confronti di Laura,
con cui Cherry è amichevole fino a quando Laura smette di
comportarsi come lei vuole.
Cosa è successo davvero al
padre di Cherry
Quando Cherry va a trovare suo
padre, lui ha una reazione molto drammatica alla sua presenza,
quindi lei se ne va. Questo è il primo indizio che lei sia
responsabile delle sue condizioni. Più tardi, si scopre che Cherry
ha cercato suo padre per affrontarlo riguardo al fatto che lui ha
lasciato lei e sua madre. Alla fine, lei lo spinge, facendolo
cadere.
In base al modo in cui affronta
l’incidente nell’episodio finale, sembra che Cherry lo abbia fatto
apposta per rabbia, piuttosto che agire d’impulso e pentirsene.
Questo dimostra che le sue precedenti azioni drastiche, come
colpirsi la testa con un bicchiere e vandalizzare l’opera d’arte,
non sono state compiute per impulso emotivo. Probabilmente si è
trattato invece di una mossa calcolata.
Cherry è interessata ai soldi
di Daniel?
The Girlfriend – La
fidanzata oscilla tra il punto di vista di Cherry e quello di
Laura, che descrivono la storia in modo drasticamente diverso. Il
punto di vista di Laura mostra Cherry come una donna che sta con
Daniel solo per i suoi soldi.
Nel libro di Michelle Frances, ci
sono argomenti molto più convincenti a sostegno di questa tesi.
Tuttavia, non sembra essere questo il caso nella serie originale
Prime Video.
Cherry non è contraria a usare i
soldi di Daniel per alcune cose, ma non lo fa spesso. Anche quando
prende i soldi in più dal volo, compra vestiti appositamente
pensati per impressionare la famiglia di Daniel, in modo da
integrarsi con loro. Non si tratta tanto di lei stessa, quanto
piuttosto di fare una buona impressione sulla famiglia dell’uomo
che ama.
Più spesso, si indebita per fare
colpo su Daniel, senza mai dirgli quanto ha speso. Sta cercando di
avere successo sul lavoro con le sue sole forze, nonostante la sua
educazione la metta in una posizione di svantaggio. Inoltre, è
preoccupata di uscire con Daniel perché è ricco e “un
coglione”. Pertanto, è più probabile che abbia scelto Daniel in
base alla sua personalità.
Laura è innamorata di suo
figlio?
Mentre Laura trascorre la serie
convinta che Cherry sia interessata ai soldi di Daniel, Cherry
trascorre la serie convinta che Laura sia essenzialmente innamorata
di suo figlio. È facile respingere la prima ipotesi, ma la seconda
purtroppo non è del tutto infondata. Anche se potrebbe non essere
innamorata di lui in senso stretto, Laura ha una relazione emotiva
incestuosa con suo figlio.
Si aspetta che lui soddisfi i suoi
bisogni emotivi come farebbe un partner. A lui non è permesso
anteporre i propri desideri a quelli della madre, anche se è un
adulto. Inoltre, i due sono così coinvolti che lui mente sul
comportamento scorretto di Laura per proteggere la sua reputazione
e si sente in colpa quando lei è turbata.
Lei è anche molto affettuosa con
suo figlio, al punto che ho esclamato “accidenti” più volte durante
la visione di The Girlfriend – La fidanzata. A un certo
punto, si baciano persino sulle labbra. Per questi motivi, e anche
di più, questa storia è allo stesso tempo edipica, ovvero quando un
figlio è innamorato di sua madre, e ocastale, ovvero quando i ruoli
sono invertiti.
La relazione aperta di Howard e
Laura spiegata
In tutto il libro The
Girlfriend – La fidanzata, Howard cerca disperatamente di
compiacere sua moglie Laura. All’inizio, questo significa aprire il
loro matrimonio. Trova una ragazza di nome Mariane, pensando che
sia quello che sua moglie desidera. Poi, quando lei gli chiede di
chiudere il matrimonio, lui accetta e rompe con Marianne.
Sfortunatamente, nulla di ciò che
Howard fa sembra mai essere abbastanza per Laura. Lei continua a
dedicare tutto il suo tempo e le sue attenzioni al figlio, a
scapito del marito. L’unica persona, a parte suo figlio, che sembra
davvero renderla felice è la sua ex ragazza, Lilith.
Tuttavia, non è chiaro se sia
davvero felice con Lilith o se trovi conforto in lei perché l’ex
fidanzata le permette di mantenere il suo rapporto tossico con il
figlio. Potrebbe esserci un po’ di entrambi, dato che c’è una vera
intesa tra le due donne. In ogni caso, è comprensibile il motivo
per cui Howard si schieri così rapidamente dalla parte di Cherry,
che conferma i suoi sentimenti, e di Daniel.
Il significato della canzone
“Everybody Supports Women” in The Girlfriend – La
fidanzata
La canzone “Everybody Supports
Women” di Sophia Isella viene riprodotta più volte in The
Girlfriend, il che è particolarmente degno di nota dato che la
serie, che si può guardare tutta d’un fiato, è composta solo da sei
episodi. In definitiva, il testo è direttamente collegato al
conflitto centrale di questo thriller volgare.
Per quanto si tratti del terribile
rapporto tra una fidanzata e una madre, la situazione diventa
rapidamente più simile a un triangolo amoroso, a causa delle
sfumature edipiche. Sebbene amino sinceramente Daniel, la
competizione si trasforma rapidamente in una battaglia tra due
donne che si odiano, nonostante apparentemente sostengano le altre
donne nella loro vita quotidiana.
Come dice la canzone di Isella,
“Tutti sostengono le donne finché una donna non ha più successo
di te”. Cherry odia Laura perché è più ricca e ha l’ammirazione
di Daniel. Laura odia Cherry perché è più bella e ha l’amore di
Daniel. Alla fine si tratta di una battaglia su chi riesce a
manipolare Daniel in modo più efficace.
Come il finale di The
Girlfriend – La fidanzata prepara la seconda stagione
The Girlfriend – La
fidanzata non ha necessariamente bisogno di una seconda
stagione, poiché sembra completa così com’è. Daniel scopre di
essere intrappolato in un matrimonio con una donna pericolosa e
squilibrata, senza una via d’uscita facile. Tuttavia, un aspetto
del finale prepara una trama per una possibile seconda
stagione.
Nella scena finale, Cherry è
incinta e sembra che stia per partorire da un giorno all’altro. Ora
che Daniel conosce il passato segreto di Cherry e il suo
comportamento manipolatorio, la seconda stagione di The
Girlfriend – La fidanzata potrebbe approfondire il modo in cui
Daniel affronta queste informazioni ora che stanno per diventare
genitori.
Inoltre, il figlio di Cherry e
Daniel potrebbe causare un conflitto che porterebbe Cherry a
perseguire il marito nella seconda stagione di The Girlfriend –
La fidanzata. Lei potrebbe diventare sempre più ostile e
controllante mentre lui cerca di andarsene con il loro bambino.
Lo studio MAPPA svela il trailer
ufficiale di Chainsaw Man – Il Film: La
Storia di Reze. Il lungometraggio adatta l’arco di Reze
del manga di Tatsuki Fujimoto e mostra immagini inedite ricche di
azione e tensione.
La trama di Chainsaw Man – Il
Film: La Storia di Rez
Tratto dalla storia originale
“Chainsaw Man” di Tatsuki Fujimoto (pubblicata in serie su Shonen
Jump+ di Shueisha), è ambientato in un mondo in cui i demoni
nascono dalle paure umane e racconta la storia di Denji, un ragazzo
che lavora come cacciatore di demoni insieme al fedele cane
“Diavolo Motosega” Pochita. La sua vita scorre segnata dalle
difficoltà e dal peso del debito ereditato dai genitori, finché un
giorno viene tradito e ucciso. Sul punto di perdere conoscenza,
Denji stringe un patto con Pochita e rinasce come Chainsaw Man, un
essere metà uomo e metà demone, destinato a combattere in una
guerra senza tregua tra cacciatori e creature infernali. Chainsaw
Man – Il Film: La Storia Di Reze sarà al cinema dal 23 ottobre
distribuito da Eagle Pictures.
Rilasciati il teaser
trailer, il teaser poster e le prime immagini di The Rip – Non ti
fidare, il film di Joe Carnahan con
Matt Damon,
Ben Affleck,
Steven Yeun, Teyana Taylor, Sasha Calle,
Catalina Sandino Moreno, con Scott
Adkins, e Kyle Chandler e disponibile dal
16 gennaio solo su Netflix.
Dopo aver scoperto milioni
in contanti in un covo abbandonato, la fiducia tra una squadra di
poliziotti di Miami inizia a vacillare. Quando forze esterne
vengono a conoscenza dell’entità del sequestro, tutto viene messo
in discussione, incluso di chi ci si possa fidare.
1 di 6
The Rip - Non ti fidare -
Il Poster - Credits Netflix
La fidanzata di
Prime Video è un thriller fortemente
edipico che precipita verso un finale drammatico svelando i segreti
di Cherry e una morte scioccante. La storia ha tre
personaggi principali: Laura (Robin
Wright), Cherry (Olivia
Cooke) e Daniel (Laurie Davidson).
Daniel, un ricco mascalzone, diventa cliente dell’agenzia
immobiliare di Cherry, sperando di incontrarla. Dopo che i due
iniziano a frequentarsi, lei cerca di nascondere le sue umili
origini. Quando incontra i genitori di Daniel, continua quindi a
mentire sulla sua infanzia. Sfortunatamente, la madre di Daniel,
Laura, è possessiva nei confronti del figlio, che tratta più come
un fidanzato che come un figlio.
Anche se cerca di essere aperta con
Cherry, diventa presto gelosa, come mostra già il trailer. La sua
gelosia la porta a scoprire le bugie di Cherry. Dopo che un
incidente durante un’arrampicata manda Daniel in ospedale, Laura
mente a Cherry, dicendole che suo figlio è morto. Inoltre, mente
anche a Daniel, convincendolo che Cherry lo ha abbandonato a causa
del suo incidente. Quando la verità viene scoperta, questo porta a
un finale drammatico, che mette Laura e Cherry l’una contro l’altra
in una competizione per stabilire chi delle due sia più
squilibrata.
Il dialogo nella criptica prima
scena di La fidanzata porta a credere che Laura
ucciderà Cherry alla fine dello spettacolo. Tuttavia, il finale
ribalta questa dinamica. Laura ha davvero intenzione di uccidere la
ragazza di suo figlio. Prima cerca di pugnalare Cherry, poi tenta
di annegarla. Alla fine, però, è Laura a morire, non Cherry. La
parte interessante è che ciò non avviene per mano della persona che
ci si aspetterebbe. Invece, in vero stile Edipo Re, Daniel uccide
inconsapevolmente uno dei suoi genitori. Tranne che, in un colpo di
scena rispetto alla favola, uccide la madre che adora più di ogni
altra cosa. In uno stato di confusione causato dai farmaci, Daniel
barcolla fino al seminterrato e vede Laura che sta annegando
Cherry.
L’istinto protettivo di Daniel entra
in azione e lui è costretto a scegliere una delle due donne. Invece
di stare dalla parte di sua madre, è lui a causarne la rovina.
Separa le donne spingendo Laura sott’acqua. Mentre controlla
Cherry, Daniel non si rende conto di aver tenuto la testa di Laura
sott’acqua troppo a lungo, uccidendola. In definitiva, la morte di
Laura è tragica per diversi motivi. Daniel dovrà convivere con il
senso di colpa per aver ucciso sua madre, che aveva intrapreso una
relazione incestuosa con lui. Inoltre, è costretto a convivere con
Cherry, verso la quale senza dubbio finirà per provare
risentimento. Indipendentemente dalla sua scelta, Daniel sarebbe
comunque rimasto in ogni caso con una donna manipolatrice e
pericolosa.
Il passato segreto di Cherry
Verso la fine di La
fidanzata, la serie rivela che Cherry ha avuto un ruolo
nell’incidente di suo padre, che analizzeremo nella prossima
sezione. Tuttavia, la rivelazione più inquietante arriva nei
momenti finali della serie. Quando Daniel trova il telefono di sua
madre, vede il video che Laura ha registrato della sua
conversazione con la madre di Cherry. Nell’audio, la madre di
Cherry afferma che l’aggressione al padre di Cherry non è stato un
evento isolato. Al contrario, rivela che Cherry ha fatto di peggio
che “romperle il viso con un bicchiere”.
Fa infatti riferimento a quando ha
avuto a che fare con i bambini a scuola che le hanno preso i
giocattoli e con il ragazzo che le ha dato buca al ballo del
college. Si sottintende che potrebbe aver ucciso quest’ultimo.
Infine, la madre di Cherry avverte Daniel di stare attento a Cherry
perché, alla fine, lei troverà un modo per “sbarazzarsi di lui”
quando lui non le darà ciò che vuole. Questo è in linea con il suo
comportamento nei confronti di Laura, con cui Cherry è amichevole
fino a quando Laura smette di comportarsi come lei vuole.
Quando Cherry va a trovare suo
padre, lui ha una reazione molto drammatica alla sua presenza,
quindi lei se ne va. Questo è il primo indizio che lei sia
responsabile delle sue condizioni. Più tardi, si scopre che Cherry
ha cercato suo padre per affrontarlo riguardo al fatto che lui ha
lasciato lei e sua madre. Alla fine, lei lo spinge, facendolo
cadere. Dal modo in cui affronta l’incidente nell’episodio finale,
sembra che Cherry lo abbia fatto apposta per rabbia, piuttosto che
agire d’impulso e pentirsene. Questo dimostra che le sue precedenti
azioni drastiche non sono state compiute per impulso emotivo.
Probabilmente si è trattato invece di una mossa calcolata.
Cherry è interessata solo ai soldi
di Daniel?
La fidanzata
oscilla tra il punto di vista di Cherry e quello di Laura, che
descrivono la storia in modo completamente diverso. Secondo Laura,
Cherry è una donna che sta con Daniel solo per i suoi soldi. Nel
libro di Michelle Frances, ci sono argomenti molto
più convincenti a sostegno di questa tesi. Tuttavia, nella serie
originale di Prime Video non sembra proprio essere così. Cherry non
è contraria a usare i soldi di Daniel per alcune cose, ma non lo fa
spesso. Anche quando prende i soldi in più dal volo, compra vestiti
appositamente pensati per impressionare la famiglia di Daniel, in
modo da integrarsi con loro.
Non si tratta tanto di lei stessa,
quanto piuttosto di fare una buona impressione sulla famiglia
dell’uomo che ama. Più spesso, si indebita per fare colpo su
Daniel, senza mai dirgli quanto ha speso. Sta cercando di avere
successo sul lavoro con le sue sole forze, nonostante la sua
educazione la metta in una posizione di svantaggio. Inoltre, è
preoccupata di uscire con Daniel perché è ricco e “un coglione”.
Pertanto, è più probabile che abbia scelto Daniel per la sua
personalità.
Mentre Laura trascorre la serie
convinta che Cherry sia interessata ai soldi di Daniel, Cherry
trascorre la serie convinta che Laura sia essenzialmente innamorata
di suo figlio. È facile respingere la prima ipotesi, ma la seconda
purtroppo non è del tutto infondata. Anche se potrebbe non essere
innamorata di lui in senso stretto, Laura ha una relazione emotiva
incestuosa con suo figlio. Si aspetta che lui soddisfi i suoi
bisogni emotivi come farebbe un partner. Non gli è permesso
anteporre i propri desideri a quelli di sua madre, anche se è un
adulto.
Inoltre, i due sono così legati che
lui mente sul comportamento scorretto di Laura per proteggere la
sua reputazione e si sente in colpa quando lei è turbata. Lei è
anche molto affettuosa con suo figlio, al punto che ho esclamato
“accidenti” più volte durante la lettura di La
fidanzata. A un certo punto, si baciano persino sulle
labbra. Per questi motivi, e anche per altri, questa storia è allo
stesso tempo edipica, ovvero quando un figlio è innamorato di sua
madre, e giocastale, ovvero quando i ruoli sono invertiti.
La relazione aperta di Howard e
Laura spiegata
Durante tutto il film La
fidanzata, Howard cerca disperatamente di compiacere sua
moglie Laura. All’inizio, questo significa aprire il loro
matrimonio. Trova una ragazza di nome Mariane, pensando che sia
quello che sua moglie vuole. Poi, quando lei gli chiede di chiudere
il matrimonio, lui accetta e rompe con Marianne. Sfortunatamente,
nulla di ciò che Howard fa sembra mai essere abbastanza per Laura.
Lei continua a dedicare tutto il suo tempo e le sue attenzioni al
figlio, sacrificando il marito.
L’unica persona, a parte suo figlio,
che sembra davvero renderla felice è la sua ex fidanzata, Lilith.
Tuttavia, non è chiaro se sia veramente felice con Lilith o se
trovi conforto in lei perché l’ex fidanzata le permette di
mantenere il suo rapporto tossico con il figlio. Potrebbe esserci
un po’ di entrambi, dato che c’è una vera intesa tra le due donne.
In ogni caso, è comprensibile il motivo per cui Howard si schieri
così rapidamente dalla parte di Cherry, che conferma i suoi
sentimenti, e di Daniel.
Il significato della canzone
“Everybody Supports Women”
La canzone “Everybody Supports
Women” di Sophia Isella viene riprodotta più
volte in La fidanzata, il che è particolarmente
degno di nota dato che la serie, che si può guardare tutta d’un
fiato, è composta solo da sei episodi. In definitiva, il testo è
direttamente collegato al conflitto centrale di questo thriller
volgare. Per quanto si tratti del terribile rapporto tra una
fidanzata e una madre, la serie diventa rapidamente più simile a un
triangolo amoroso, a causa dei sottintesi edipici.
Sebbene entrambe amino sinceramente
Daniel, la competizione si trasforma rapidamente in una battaglia
tra due donne che si odiano, nonostante apparentemente sostengano
le altre donne nella loro vita quotidiana. Come dice la canzone di
Isella, “Tutti sostengono le donne finché una donna non sta
meglio di te”. Cherry odia Laura perché è più ricca e ha
l’ammirazione di Daniel. Laura odia Cherry perché è più bella e ha
l’amore di Daniel. Alla fine si tratta di una battaglia per vedere
chi riesce a manipolare Daniel in modo più efficace.
Come il finale di La
fidanzata prepara la seconda stagione
La fidanzata non ha
necessariamente bisogno di una seconda stagione, poiché sembra
completo così com’è. Daniel scopre di essere intrappolato in un
matrimonio con una donna pericolosa e squilibrata, senza una via
d’uscita facile. Tuttavia, un aspetto del finale prepara una trama
per una possibile seconda stagione. Nella scena finale, Cherry è in
avanzato stato di gravidanza e sembra che possa partorire da un
giorno all’altro. Daniel, invece, conosce il passato segreto di
Cherry e il suo comportamento manipolatorio.
La seconda stagione di La
fidanzata potrebbe quindi approfondire il modo in cui
Daniel affronta queste informazioni ora che stanno per diventare
genitori. Inoltre, il figlio di Cherry e Daniel potrebbe causare un
conflitto che porterebbe Cherry a perseguire il marito nella
seconda stagione di La fidanzata. Lei potrebbe
diventare sempre più ostile e controllante mentre lui cerca di
andarsene con il loro bambino.
Il regista di The
Conjuring – Il rito finale Michael Chaves spiega
perché nel finale del film non compare Sister Irene, personaggio di
The Nun. L’ultimo capitolo della
saga The Conjuring Universe segue Ed e Lorraine Warren
mentre affrontano un altro terrificante caso paranormale. Il cast
di Il Rito Finale include Patrick Wilson, Vera Farmiga, Mia Tomlinson, Elliot Cowan,
Rebecca Calder e Ben Hardy.
Nei momenti finali di Il Rito
Finale, Judy Warren si sposa e la sua cerimonia emozionante
include cameo di Lili Taylor di The
Conjuring, Frances O’Connor di The Conjuring 2 e altri. Tuttavia, Taissa Farmiga, che
ha interpretato Sister Irene nei film The Nun, è
notevolmente assente.
Durante un’intervista con Entertainment Weekly, Chaves ha rivelato che problemi
di programmazione hanno impedito la partecipazione di Farmiga.
Come ha spiegato Chaves, Taissa e Vera non sono apparse sullo
schermo contemporaneamente e “è stato straziante per tutti”
perdere questa opportunità. Il regista ha anche aggiunto che
inserire Taissa dopo le riprese avrebbe potuto essere
un’alternativa. Leggi alcuni dei suoi commenti qui sotto:
Lei voleva
farlo. Morivo dalla voglia di vedere le sorelle Farmiga insieme
sullo schermo. Penso che l’unica volta in cui sono apparse insieme
sullo schermo sia stato nel film di Vera Higher Ground, che è un
film fantastico. Vera lo ha diretto. In realtà non sono insieme
sullo schermo, ma [Taissa] interpreta la Vera più giovane.
Probabilmente avrei dovuto inserirla digitalmente, riprenderla
su uno schermo blu e inserirla in un secondo momento, perché
avrebbe funzionato.
Chaves ha rivelato chela presenza di Taissa avrebbe potuto confondere il
pubblico. Ha spiegato che suor Irene poteva sembrare
“troppo giovane”, considerando che Last Rites è ambientato negli
anni ’80. Ecco altri commenti di Chaves:
Penso che la
gente avrebbe detto: “Aspetta! Sembra troppo giovane per gli anni
’80. Se fosse negli anni ’50, non invecchia? È una vampira?‘ Questo
avrebbe potuto confondere un po’ le idee alla gente.
Cosa significa questo per
The Conjuring: Il Rito Finale
Il casting di Taissa
Farmiga nella serie The Conjuring ha entusiasmato il
pubblico per il ricco potenziale dinamico familiare tra lei e Vera.
Da quando è apparsa in The Nun, sono circolate voci su Sister Irene
e sul fatto che potesse diventare un personaggio importante nella
serie principale.
Da quanto rivelato dai film,
sorella Irene possiede alcune capacità chiaroveggenti, il che ha
portato a teorie su una possibile connessione con Lorraine. The
Nun presenta anche vari collegamenti diretti con The Conjuring,
come quando viene mostrato un anziano Frenchie controllato dal
demone e quando Lorraine spiega finalmente di aver avuto delle
visioni di Valak.
La comparsa di suor Irene verso
la fine di Last Rites avrebbe potuto essere un momento
importante per la popolare serie horror. Tuttavia, le osservazioni
di Chaves sull’età hanno senso. E, considerando che Irene non è
basata su un personaggio reale, a differenza di Lorraine e di altri
personaggi, la sua inclusione avrebbe potuto sollevare ancora
più domande.
Il finale dell’episodio 6 di
Alien: Pianeta Terra (Alien:
Earth), intitolato “The Fly”, suggerisce che la società di Boy
Kavalier, Prodigy, potrebbe trovarsi su una rotta di collisione
disastrosa con Morrow, Yutani e diversi personaggi chiave
dell’isola di Neverland, tra cui Wendy.
“The Fly” è un intelligente
richiamo all’amato episodio della terza stagione di Breaking
Bad con lo stesso titolo, in cui Walt e Jesse cercavano
instancabilmente di uccidere una mosca nel loro laboratorio di
metanfetamine. In Alien: Pianeta Terra, la posta in gioco
è molto più alta che rovinare un lotto di droga, poiché la quinta
creatura aliena simile a uno scarafaggio in Alien: Pianeta
Terra viene finalmente rivelata e distrugge uno degli
ibridi Lost Boy, Tootles.
Inoltre, a sole tre settimane dalla
loro presentazione al mondo, si profilano guai per quasi tutti gli
ibridi Prodigy. Dopo aver minacciato di usare la violenza contro
Dame Sylvia, Atom Enis ha ordinato che Nibs fosse sottoposta a un
riallineamento interno che interferisce con la sua personalità
organica e cancella alcuni dei suoi ricordi più oscuri.
Nel frattempo, Wendy è convinta che
lo Xenomorfo di cui è diventata amica sia “buono”, Slightly attira
Arthur in una tragica trappola e Joe è determinato a portare Marcy
via dall’isola di Neverland per sempre, convinto che lei sia ancora
sua sorella. Boy Kavalier costringe Yutani a un lucroso accordo
arbitrale, ma probabilmente non ha intenzione di restituirle i suoi
esemplari.
Wendy diffida di Sylvia dopo
quello che è successo a Nibs
Una delle scene più cruciali
dell’episodio 6 di Alien: Earth è quella in cui Wendy
affronta Dame Sylvia riguardo all’alterazione della personalità e
della memoria di Nibs. Dame Sylvia cerca di presentare i
cambiamenti come miglioramenti olistici, sostenendo di essere un
medico e di averle solo somministrato delle medicine, ma Wendy
accusa Dame Sylvia (e Prodigy) di essere corrotta.
Wendy fa riferimento alla visione
di Kirsh dell’umanità come intrinsecamente egoista ed
eccessivamente romantica, ma continua a chiedere di essere chiamata
con il suo nome umano, Marcy. Questo conflitto interiore di Wendy
sta covando sotto la cenere, mentre lei sembra aver stretto
amicizia con lo Xenomorfo in rapida crescita nato alla fine
dell’episodio
4 di Alien: Pianeta Terra.
Ora che conosciamo la verità sul
perché il Maginot si è schiantato su Prodigy City, grazie al
flashback esteso dell’episodio
5 di Alien: Pianeta Terra, è chiaro che Boy
Kavalier potrebbe avere in programma di rivelare questi esemplari,
insieme agli ibridi, nel finale di stagione. Questo, se riuscirà a
tenere tutti gli alieni confinati sull’isola di Neverland.
Slightly ha incastrato Arthur
per portare uno Xenomorfo a Morrow
L’arco narrativo del cattivo
Slightly raggiunge il culmine nell’episodio 6 di Alien:
Earth, quando rinchiude Arthur nel laboratorio di sicurezza con
un facehugger appena nato. Inizialmente ha cercato di attirare Joe
nel laboratorio, ma ha fallito a causa della sua proposta poco
convincente e strana. Ha fatto centro quando Arthur si è
precipitato nel laboratorio di sicurezza per controllare Tootles,
solo per trovare il suo corpo mutilato dagli alieni simili a
mosche.
Morrow ha minacciato di fare del
male alla famiglia umana di Slightly, motivo per cui ha incastrato
Arthur. Aveva bisogno di un facehugger che si agganciasse solo a un
ospite umano da consegnare a Morrow, determinato a riportare tutti
gli esemplari a Yutani. Slightly inizia a trascinare il corpo di
Arthur, con il facehugger attaccato, attraverso una presa d’aria. È
interessante notare che gli ibridi non sono immuni dall’attrazione
degli alieni simili a mosche come lo sono dagli Xenomorfi.
La cosa più interessante, tuttavia,
è che Kirsh assiste alla trappola tesa da Slightly ad Arthur,
permettendo che venga catturato da un facehugger nel laboratorio di
sicurezza, e non dice nulla a Boy Kavalier. I fan della serie
Alien sanno già che non bisogna mai fidarsi di un synth, e
la segretezza di Kirsh non può che essere dannosa per Boy Kavalier
e Prodigy.
Si sta preparando una rivolta
contro Boy Kavalier e Prodigy
Quasi tutto è andato secondo i
piani di Boy Kavalier nei primi sei episodi di Alien: Earth. Ha
lanciato Wendy e i suoi ibridi, la sua cospirazione per far
schiantare il Maginot su Prodigy City per acquisire gli alieni ha
funzionato, ed è più ricco di oltre 50 miliardi di dollari dopo
aver stretto un accordo con Yutani, sapendo che lei si piegherà
alla sua volontà.
Detto questo, l’impero di Prodigy
sembra andare in pezzi sotto ogni punto di vista. La sfiducia di
Wendy nei confronti di Sylvia finirà per mettere a dura prova la
sua fiducia in Prodigy nel suo complesso. Slightly ha già agito
contro gli interessi di Prodigy contrabbandando uno Xenomorfo fuori
dal laboratorio. Sylvia sarà sicuramente devastata dalla morte di
Arthur e potrebbe dimettersi di conseguenza.
Il silenzio di Kirsh potrebbe
essere solo per evitare che Boy Kavalier abbia una crisi di nervi
durante il volo di ritorno, ma è molto più probabile che in qualche
modo userà il tradimento di Slightly a suo vantaggio. Oltre a tutto
questo, Morrow sta andando a Neverland per prendere Arthur e lo
Xenomorfo in fase embrionale da Slightly e quasi certamente porterà
con sé una sorta di esercito finanziato dalla Weyland-Yutani.
Boy Kavalier e la sua compagnia
sono destinati al fallimento a causa della sua avidità e della sua
immensa capacità di corruzione. Ha illuso Wendy con idee
altisonanti e senza mai dire di no a nulla, il che alla fine sarà
sicuramente il suo tallone d’Achille. Joe potrebbe non dover
convincere Wendy/Marcy a lasciare l’isola e, in modo simile a
Westworld, potrebbe esserci una rischiosa strategia di fuga
in atto nei futuri episodi di Alien: Pianeta Terra.
Per molti, le truffe romantiche non
sono solo un titolo da prima pagina, ma una realtà devastante.
Love Con Revenge di Netflix svela il mondo delle truffe
romantiche online, mostrando come i truffatori riescano a creare
relazioni false per manipolare persone innocenti e sottrarre loro
ingenti somme di denaro. La serie segue la conduttrice Cecilie
Fjellhøy, lei stessa ex vittima del famigerato “Tinder
Swindler”, e la veterana investigatrice privata Brianne Joseph
mentre aiutano queste vittime a reagire. In molti di questi casi,
ottenere giustizia non è facile e Love Con Revenge rivela
sia la devastazione emotiva e finanziaria che ne deriva, sia i
numerosi ostacoli che le vittime devono affrontare per assicurare i
presunti responsabili alla giustizia.
Tuttavia, Cecilie e Brianne sperano
che la serie incoraggi gli spettatori che hanno subito frodi
sentimentali a parlare e che aiuti gli altri a rendersi conto di
quanto siano diffuse le truffe sentimentali. “Incontrerete queste
persone di persona. Non è solo una storia folle. Purtroppo, però,
questo accade ogni singolo giorno. E dobbiamo solo esserne
consapevoli”, dice Cecilie a Tudum.
Di seguito, Cecilie e Brianne
analizzano i casi e l’impatto duraturo di queste truffe e
riflettono sulle domande che gli spettatori si pongono dopo aver
visto Love Con Revenge.
Cosa succede in Love Con
Revenge?
In ogni episodio, Cecilie e Brianne
indagano su una diversa truffa sentimentale, svelando le elaborate
tattiche utilizzate – come professioni false, tragedie inventate e
opportunità di investimento fasulle – per sfruttare le vittime. La
serie rivela anche le sfide uniche che le vittime devono
affrontare, dalla riluttanza delle forze dell’ordine ad agire al
forte senso di vergogna che può indurre le vittime a tacere.
Le origini dello show, dicono le
conduttrici, affondano le radici in un senso di scopo condiviso.
Dopo essere stata sommersa da richieste di aiuto in seguito a
The Tinder Swindler, Cecilie ha capito che aveva bisogno di
una partner investigativa. “Io [potevo] fornire il supporto
psicologico”, dice, “ma avevo bisogno di qualcuno come Brianne per
andare più a fondo”.
“Condividevamo un obiettivo comune,
ovvero ottenere giustizia per le persone che avevano bisogno di
aiuto”, dice Brianne.
Quali sono state le truffe
romantiche più scioccanti?
Cecilie e Brianne sono rimaste
colpite dalla portata e dalla complessità di tutte le truffe che
hanno indagato, ma Cecilie indica il caso presentato nell’episodio
2, “Fallen Soldier”, come particolarmente grave. Bridget è stata
manipolata per anni da Ricky, un ex soldato dell’esercito
statunitense che ha inventato storie di traumi di guerra per
guadagnarsi la sua fiducia. L’ha convinta a separarsi da migliaia
di dollari, sostenendo che gran parte di essi erano destinati alla
famiglia di un compagno caduto che, in realtà, conosceva a
malapena. (Ha anche prelevato altre migliaia di dollari dal suo
conto bancario). Sentendosi tradita e sopraffatta, Bridget si è
rivolta a Cecilie e Brianne per chiedere aiuto.
“Usare l’eredità e la memoria di un
uomo morto per prendere i soldi di qualcuno e ottenere quella
empatia è orribile”, dice Cecilie.
Secondo la serie, Ricky è stato
infine processato per tre reati di frode e furto ai danni di
Bridget, è stato riconosciuto colpevole di tutti i capi d’accusa e
ora è in attesa di sentenza. E mentre vedere giustizia fatta in
tribunale ha emozionato Cecilie, è stato il recupero della
determinazione di Bridget – e la sua capacità di ricostruire la sua
vita – che le è rimasto più impresso.
“Vedere [Bridget] rifiorire e
uscirne vincitrice è stato davvero commovente per me, perché lei è
una vera combattente”, afferma.
Per Brianne, uno dei casi più
sconcertanti è stato quello dell’episodio 3, “Il truffatore in
famiglia”. Qui, Dorian ha sposato Shareza, fingendo di essere un
medico, e avrebbe manipolato lei e le sue figlie in un piano che ha
comportato una frode di circa 2 milioni di dollari.
“È incredibile fino a che punto
questo tizio si sia spinto per creare questa falsa identità
semplicemente per frodare qualcuno”, dice Brianne. “Ha permesso ai
bambini di prendere il suo cognome per creare quell’identità e li
ha completamente devastati”.
Cosa è successo alle vittime e
ai truffatori dopo Love Con Revenge?
Come mostra la serie, quando le
vittime si fanno avanti e condividono le loro storie, possono
davvero fare la differenza. Todd, il “truffatore dei selfie”
dell’episodio 1, è stato dichiarato fallito e costretto a vendere
la sua attività, Sanjara, per pagare i debiti. Otto donne, tra cui
Jill, la cui storia è raccontata nell’episodio, si sono fatte
avanti denunciando la frode. Le vittime continuano a cercare
giustizia, anche se Todd nega tutte le accuse.
In alcuni casi, la giustizia ha
fatto passi avanti in modo drammatico. Da quando le riprese sono
terminate, uno dei casi trattati ha persino portato a
un’incriminazione federale: a luglio, Christopher, il cosiddetto
“truffatore della Major League” degli episodi 5 e 6, è stato arrestato con 14 capi d’accusa per aver
utilizzato app di incontri per frodare le vittime, tra cui le
sopravvissute Lindsay e Lauren, per oltre 2 milioni di dollari. Se
condannato, potrebbe rischiare decenni di carcere. (Christopher
nega le accuse a suo carico).
“Quando l’FBI si occupa di un caso,
significa che è una cosa seria”, dice Cecilie. “Ero alle udienze
per il fallimento con [Christopher]… solo per vederlo contorcersi e
vedere l’FBI lì, capivi che stava succedendo qualcosa”.
Altri casi rimangono irrisolti o
hanno avuto esiti contrastanti. Dorian, dell’episodio 3, ha
affermato che il suo titolo di “Dr” si riferiva a un dottorato di
ricerca e non è stato accusato di alcun reato, mentre Shareza ora
deve affrontare una denuncia per aver presentato una falsa denuncia
alla polizia; entrambe le parti hanno ritirato le loro cause
civili. Sabrina, la truffatrice al centro dell’episodio 4 “Geek
Girl Con”, si è dichiarata colpevole di aver rubato oltre 600.000
dollari a conoscenti tramite frode telematica. Tuttavia, la vittima
Aaron non ha potuto recuperare le sue perdite da Sabrina a causa di
un termine di prescrizione di cinque anni.
Cosa è successo quando le
vittime hanno affrontato i loro truffatori?
In alcuni dei momenti più intensi
della serie, Cecilie e Brianne hanno aiutato le vittime a
confrontarsi con i loro truffatori in pubblico e davanti alle
telecamere, ma solo se lo desideravano. Anche se confrontarsi con
il proprio truffatore è stato un modo per riprendere il controllo
della propria vita e della propria narrativa, “non è una cosa che
tutti possono fare”, dice Cecilie. “Deve essere una scelta della
vittima, e deve avvenire nel contesto giusto e al momento giusto. …
Lo fai per te stessa, per poter dire le cose che avresti voluto
dire prima“.
Brianne aggiunge che questi
confronti non sono uno spettacolo, ma servono ad aiutare le vittime
a ritrovare il loro senso di autonomia e a chiudere con il passato.
”Non volevamo che fosse caotico, né che fosse un momento
pericoloso”, dice. “Non si tratta di urlare e gridare e cercare di
avere un momento di gloria. Si trattava semplicemente di restituire
loro la voce… per esprimere la frustrazione e il dolore”.
Il film Il miglio verde, tratto da
un romanzo di Stephen King, trae ispirazione dalle ingiustizie
realmente subite dagli afroamericani nel XX secolo.
Sebbene non sia una storia vera,
il film mette in luce le lacune del sistema giudiziario nei casi di
discriminazione razziale durante la Grande Depressione.
Il caso di George Stinney, un
ragazzo innocente di 14 anni giustiziato, presenta inquietanti
somiglianze con la trama di John Coffey in Il miglio verde.
Se Il miglio
verde sia basato su una storia vera è una questione
complessa, poiché la storia dell’incarcerazione e dell’esecuzione
di John Coffey, interpretato da
Michael Clarke Duncan, presenta chiari elementi di fantasia, ma
è anche in qualche modo radicata nella realtà. Il miglio
verde è raccontato dal punto di vista di Paul Edgecomb
(Tom
Hanks), una guardia che lavora nel braccio della morte
di un penitenziario della Louisiana, soprannominato “Il miglio
verde”, quando arriva un detenuto di nome John Coffey. Sebbene
innocente, Coffey era un uomo di colore che era stato condannato
per lo stupro e l’omicidio di due giovani ragazze bianche.
Poiché Il miglio verde,
basato su un
libro di Stephen King, è ambientato nel sud degli Stati Uniti
durante la Grande Depressione, è immediatamente chiaro che John
Coffey non aveva alcuna possibilità di riconquistare la libertà.
Molti elementi de Il miglio verde sono chiaramente fittizi,
come la miracolosa capacità di guarigione di Coffey. Tuttavia, gli
elementi più realistici sembrano stranamente reali. Anche se Il
miglio verdenon è una storia vera, il romanzo di
Stephen King si ispira alla vita reale. Stephen King non si
cimenta spesso in opere biografiche, ma ci sono prove sufficienti
per suggerire che un particolare individuo abbia ispirato
The
Green Miles story.
La storia de Il miglio verde è
vera? L’ispirazione nella vita reale di John Coffey
Ci sono diversi parallelismi
con il caso di George Stinney
Poiché questo tipo di tragico e
ingiusto deragliamento e privazione della vita è stato documentato
in gran numero nel corso degli anni, sorge spontanea la domanda se
Il miglio verde sia basato su una storia vera o meno.
Tecnicamente, la risposta è “no”. Il film è un adattamento
del romanzo di Stephen King del 1996Il miglio verde.
Detto questo, ci sono certamente forti parallelismi con il caso
reale di George Stinney.
George Stinney era un ragazzo
di 14 anni condannato per l’omicidio e la possibile violenza
sessuale di due ragazze nel 1944.
George Stinney era un ragazzo di 14
anni condannato per l’omicidio e la possibile violenza sessuale di
due ragazze nel 1944. Nonostante fosse minorenne, Stinney fu
giustiziato sulla sedia elettrica lo stesso anno del suo arresto e
processo, e la sua innocenza fu messa in discussione solo dopo
troppi anni. Le circostanze dell’incarcerazione di Stinney sono
incredibilmente simili alle ragioni per cui John Coffey è stato
arrestato in Il miglio verde, ed entrambi, il personaggio
di Stephen King e il minorenne realmente esistito, sono stati
accusati ingiustamente e, tragicamente, giustiziati per crimini che
non avevano commesso.
Ci sono ovviamente delle differenze
tra John Coffey in Il miglio verde e George Stinney. La
differenza più evidente è che John Coffey era un adulto, mentre
George Stinney aveva solo 14 anni, un fatto che rende il suo caso
ancora più straziante da considerare. Stinney era originario della
Carolina del Sud invece che della Louisiana, e la trama del film è
ambientata un decennio prima degli eventi del suo caso. Ma ci sono
altre somiglianze tra lui e John Coffey.
Come nella storia di Il
miglio verde, Stinney sembra essere stato innocente dei crimini di
cui era accusato.
Come nella storia di John Coffey
Il miglio verde, Stinney sembra essere stato innocente dei
crimini di cui era accusato. Nel 2014, un giudice della corte
d’appello della Carolina del Sud ha annullato la sua condanna
passata, rendendo nullo il precedente verdetto di colpevolezza. È
stato stabilito che i diritti di Stinney sanciti dal Sesto
Emendamento erano stati violati e il giudice ha ritenuto probabile
che la confessione del ragazzo fosse stata estorta, il che avrebbe
dovuto renderla inammissibile in tribunale. Come John Coffey in
Il miglio verde, George Stinney non ha mai avuto alcuna
possibilità: una giuria composta esclusivamente da bianchi ha
deciso il suo destino e il suo cosiddetto avvocato difensore non
gli ha fornito quasi alcuna difesa.
Il miglio verde è basato su un
libro di Stephen King ispirato a una storia vera
Il romanzo Il miglio verde non
è una biografia, ma si ispira alla vita reale
Pur non essendo una storia vera, Il
miglio verde è basato sull’omonimo romanzo di Stephen King. Il
cuore e la trama del libro rimangono intatti nell’adattamento
cinematografico. Tuttavia, sono state apportate alcune modifiche
per evitare che il film risultasse “troppo triste” (se così si può
dire). Il finale del libro Il miglio verdeè
in realtà più deprimente. Dopo la morte di Elaine, i
lettori vengono a conoscenza del fatto che la moglie di Paul, Jan,
è morta tra le sue braccia dopo un tragico incidente d’autobus.
Questo colpo finale non è presente nel film, poiché avrebbe solo
provocato più lacrime del necessario.
Il film punta il dito contro
i sistemi legali nei casi di discriminazione razziale di quel
periodo, fornendo un’istantanea delle numerose ingiustizie subite
dagli afroamericani durante il XX secolo e, purtroppo, ancora
oggi.
Un altro personaggio che muore nel
libro (di nuovo)
è il topolino Mr. Jingles, che muore poco prima di Elaine.
Infine, uno dei cattivi più efferati del romanzo non compare
nell’adattamento cinematografico di The Green
Mile. Il personaggio di Brad Dolan è un assistente della
casa di cura, che condivide molte caratteristiche con la guardia
Percy. Si scaglia spesso contro l’anziano Paul e, per fortuna, è
stato tagliato dal film.
Sebbene Il miglio
verde non sia basato su una storia vera, sia il
libro che il film raccontano un piccolo frammento delle ben
documentate mancanze delle forze dell’ordine statunitensi. Inoltre,
punta il dito contro i sistemi legali nei casi di discriminazione
razziale durante questo periodo, dando un assaggio delle molte
ingiustizie subite dai neri americani durante il XX secolo e,
purtroppo, ancora oggi.
Durante la promozione del suo nuovo
film Frankenstein, Oscar Isaac ha parlato della possibilità di
una reunion con il suo co-protagonista di Drive
(2011) Ryan Gosling, qualora tornasse nel
franchise di Star
Wars. Gosling sarà il protagonista del nuovo capitolo, Star
Wars: Starfighter, mentre uno dei ruoli più importanti
di Isaac è quello di Poe Dameron nella trilogia sequel di
Star Wars.
In un’intervista con
Entertainment Weekly al Toronto International Film
Festival, Oscar Isaac ha generalmente espresso un
interesse positivo per il ritorno a Star Wars, con Starfighter come
punto principale della discussione. ET ha chiesto: “Vogliamo
rivederti, di nuovo con Ryan Gosling. Accadrà presto per Star
Wars?” Isaac ha risposto con commenti come “Star Wars,
giusto! Vedremo, insomma sì!” e “Sono pronto. Fammi sapere
quando.”
Cosa sappiamo di Star Wars:
Starfighter
Il prossimo film
di Star Wars è descritto come un capitolo
autonomo dell’iconica saga fantascientifica che si svolgerà cinque
anni dopo gli eventi di L’ascesa di Skywalker del 2019. Oltre a Ryan Goslingnel cast
ritroviamo Amy Adams, Aaron Pierre,
Flynn Gray, Simon Bird,
Jamael Westman e Daniel Ings. Gli
attori Matt Smith e Mia Goth interpreteranno invece due
antagonisti nel film.
Finora, la trama del prossimo film
di Star Wars è rimasta segreta. Tuttavia, l’immagine condivisa nel
post dell’annuncio sembra suggerire che il personaggio di Ryan
Gosling sarà in qualche modo una figura protettrice o mentore del
personaggio interpretato da Flynn Gray. Questo evocherebbe una
relazione adulto-bambino che è comune in tutta la saga di Star
Wars ed è stata al centro di episodi come The
Mandalorian, Obi-Wan
Kenobi, Skeleton
Crew e La minaccia fantasma.
Una misteriosa
tecnologia che potrebbe distruggere il mondo, una donna geniale in
grado di risolvere l’enigma e una cospirazione internazionale che
le dà la caccia. Sky svela oggi il teaser italiano di The
Iris Affair, la nuova serie Sky Original inglese creata e
diretta da Neil Cross, la mente dietro il successo
dell’acclamata “Luther”, vincitrice del Golden Globe. La serie, che
sarà disponibile da ottobre in esclusiva su Sky e in
streaming solo su NOW, vede protagonisti Niamh Algar
(Mary & George, The Virtues) nel ruolo di Iris
Nixon e il candidato all’Emmy Tom Hollander (The White
Lotus, Feud: Capote vs. The Swans) in quello di
Cameron Beck, e vede anche la partecipazione di Maya Sansa
(Buongiorno, notte, Bella addormentata).
In otto episodi
diretti da Terry McDonough (Breaking Bad, Better Call
Saul) e Sarah O’Gorman (Un gentiluomo a Mosca,
The Witcher), The Iris Affair è un
tesissimo tech thriller dal production value assolutamente
cinematografico, che vede due brillanti menti l’una contro l’altra,
mentre si inseguono in un gioco mortale attraverso l’Italia e i
suoi soleggiati paesaggi mozzafiato.
La trama di The Iris
Affair
Quando l’enigmatica
e geniale Iris Nixon (Algar) risolve una serie di complessi enigmi
online, viene condotta in una piazza di Firenze dove incontra il
carismatico imprenditore Cameron Beck (Hollander), che la invita a
lavorare per lui per sbloccare una potentissima tecnologia
top-secret. Incuriosita, la ragazza accetta. Ma quando Iris scopre
il suo pericoloso potenziale, ruba il diario contenente la sequenza
di attivazione del dispositivo e scompare.
Quello che segue è
un inseguimento senza sosta da una remota baita in Sardegna fino
alle affollate strade di Roma, mentre Cameron corre alla ricerca di
Iris in un gioco ad alta posta in cui fidarsi è pericoloso, e
fallire potrebbe portare a conseguenze catastrofiche.
Il cast comprende
anche Kristofer Hivju (Il Trono di Spade, Forza
maggiore), Harry Lloyd (Arcane,
Marcella), Meréana Tomlinson (The
Trials), Sacha Dhawan(The Great,
Doctor Who), Maya Sansa (Buongiorno,
notte, Bella addormentata), Peter
Sullivan (Poldark, I Borgia),
Debi Mazar (Younger, Entourage),
Marco Leonardi (Nuovo Cinema Paradiso,
Anime Nere), Angela Bruce (Silver
Haze, Doctor Who) e Lorenzo De Moor
(Un altro piccolo favore, Dolce Fine
Giornata).
THE IRIS
AFFAIR è una coproduzione Sky Studios e Fremantle.
Wildside, una società di Fremantle, ha fornito i servizi di
produzione in Italia. La serie è diretta da Terry McDonough e Sarah
O’Gorman, mentre il produttore esecutivo della serie è Tim
Bricknell (The Power, Taboo). Susan E. Connolly e
Ian Scott McCullough alla sceneggiatura degli episodi. I produttori
esecutivi sono Adrian Sturges per Sky Studios, Neil Cross e Terry
McDonough, Jenni Sherwood e Dante Di Loreto per Fremantle.
Fremantle si occupa delle vendite internazionali della serie.
Si è tenuta ieri alla 50ª edizione
del Toronto International Film Festival,
la premiere del film Swiped, alla
presenza delle star e dei filmmaker. Tra i membri del cast presenti
c’erano
Lily James, Jackson White, Ben Schnetzer e
Myha’la. A loro si sono uniti la regista e
sceneggiatrice Rachel Lee Goldenberg, i produttori Jennifer Gibgot
e Andrew Panay e l’executive producer Gala Gordon.
Per l’occasione, sono stati diffusi
un nuovo trailer e un nuovo poster. Swiped debutterà il 19
settembre su Disney+ in Italia e su Hulu negli Stati
Uniti.
La trama di Swiped
Ispirato alla storia vera e
provocatoria della visionaria fondatrice della piattaforma di
incontri online Bumble, Swiped segue la neolaureata
Whitney Wolfe, interpretata da Lily James, che con straordinaria
determinazione e ingegnosità riesce a farsi strada nel settore
tecnologico dominato dagli uomini e a lanciare un’innovativa app di
incontri (due, in realtà) acclamata a livello mondiale, ponendo le
basi per diventare la più giovane miliardaria che si è fatta da
sola. Swiped è diretto da Rachel Lee Goldenberg e scritto
da Bill Parker, Rachel Lee Goldenberg e Kim Caramele. Il film è
interpretato anche da Jackson White, Myha’la, Ben
Schnetzer, Pierson Fodé, Clea DuVall, Pedro Correa, Ian Colleti,
Coral Peña e Dan Stevens. Jennifer Gibgot, Andrew
Panay e Lily James sono i produttori.