I primi lungometraggi di Hirokazu Kore’eda arrivano per la prima volta nelle sale italiane grazie a BiM Distribuzione, che dedica al regista giapponese la rassegna Riflessi dell’invisibile: i primi capolavori di Kore-eda. L’iniziativa, in programma tra il 14 maggio e il 1 luglio, offre l’occasione di riscoprire le origini di una delle voci più riconoscibili del cinema contemporaneo.

La rassegna si articola in quattro appuntamenti che riportano in sala alcuni dei titoli fondamentali della prima fase autoriale del regista.

Si parte con l’opera prima Maborosi – I bagliori dell’anima (1995), in uscita regolare a partire dal 14 maggio, per poi proseguire con Nobody Knows – Come si diventa adulti (2004), ispirato a un fatto di cronaca reale e che sarà al cinema dal 25 al 27 maggio.

Terzo film della rassegna è invece Still Walking – Camminando in un giorno d’estate (2008), che sarà proiettato dal 15 al 17 giugno; infine, Wonderful life – Qual è il tuo ricordo più bello? (1998) chiuderà la retrospettiva il 29, 30 giugno e 1 luglio.

L’iniziativa è stata confermata da BiM Distribuzione, che già in passato ha portato in Italia diverse opere del cineasta. L’operazione non si limita a una semplice retrospettiva, ma si inserisce in un percorso di valorizzazione autoriale preciso: riportare al centro la fase fondativa della poetica di Hirokazu Kore’eda per leggere in controluce le sue opere più recenti. Inoltre, questa riscoperta dei primi film del regista (oggi noto anche per Un affare di famiglia, Le buone stelle – Broker e L’innocenza) arriva proprio nelle settimane attorno al Festival di Cannes, dove sarà presentato in concorso il nuovo film del regista: Sheep in the Box. 

Le origini del cinema di Kore-eda e il ritorno ai temi fondanti dell’identità e della memoria

I film selezionati mettono in evidenza le coordinate principali del cinema di Kore-eda: la famiglia come struttura instabile, la memoria come dispositivo emotivo e la perdita come elemento centrale della crescita personale. Da Nobody Knows, che racconta l’abbandono infantile attraverso una lente quasi documentaristica, fino a Still Walking, che esplora il lutto familiare con una costruzione narrativa minima ma profondamente stratificata, emerge una poetica coerente già nelle prime fasi della sua carriera.

Questa riscoperta assume un significato particolare anche in vista del nuovo progetto del regista, Sheep in the box, selezionato per il concorso di Cannes e destinato alla distribuzione italiana da Lucky Red insieme a BiM. La retrospettiva, in questo senso, non è solo uno sguardo al passato ma una chiave per leggere il presente creativo di Kore-eda, evidenziando come i suoi temi ricorrenti continuino a evolversi senza perdere la loro identità originaria.

Il ritorno in sala di questi titoli consente inoltre di osservare come il cinema giapponese contemporaneo abbia influenzato il linguaggio globale del racconto intimo, rendendo Kore-eda uno degli autori più importanti nel dialogo tra cinema d’autore e pubblico internazionale.

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Prende il via domani martedì 14 aprile, nel quartiere di San Lorenzo a Roma, Ru-mòre – Cinema and Audiovisual Experimentation Festival, dedicato al cinema contemporaneo e alle nuove forme dell’audiovisivo, tra innovazione e sperimentazione. Fino a sabato 18 aprile, saranno protagoniste nuove voci e storie che sfidano il presente: il festival aprirà le sue porte con un programma di proiezioni, incontri e momenti di confronto che uniranno autori, pubblico e comunità locale, dando forma a uno spazio condiviso dove il cinema incontra la sperimentazione.

Per la prima volta il festival è curato dalla nuova organizzazione di 8 Production, con la direzione artistica di Laura Catalano e Giorgio Calogero, e Silvio Giannini in veste di direttore esecutivo: la rassegna – arrivata all’8a edizione – prosegue il percorso avviato dal Varco Film Festival, fondato da Andrea Gatopoulos. Il festival si svolge con il patrocinio del Municipio II del Comune di Roma, e grazie al supporto di Trans Audio Video, Canon, Pigrade. Tutto il programma completo è disponibile sul sito ufficiale: https://www.rumorefestival.com/programma/.

Casa del festival sarà il Cinema Tibur, con l’inizio delle proiezioni dedicate al concorso cortometraggi. Ogni giorno due appuntamenti in sala, dalle 19 alle 21 e dalle 21.30 alle 23, con una selezione di cortometraggi in concorso – nazionale, internazionale, documentari e animazione: 40 le opere in gara. Le proiezioni saranno accompagnate da momenti di dialogo con autori e autrici in sala. Con titoli da tutto il mondo – dal Canada ad Haiti, da Cuba al Messico, dal Giappone alla Cina, passando per Iran, Marocco, Filippine – ianti i lavori da scoprire, con autori da ritrovare o firme che si affacciano per la prima volta sullo schermo, tra tutti la curiosità di vedere da vicino il lavoro candidato all’Oscar al miglior cortometraggio d’animazione 2026, “Papillon” della celebre animatrice francese Florence Miailhe. Sullo schermo storie che riflettono sulle trasformazioni del presente, tra identità, relazioni familiari, migrazioni, conflitti sociali e tensioni ambientali, con linguaggi che spaziano dalla narrazione classica alla sperimentazione visiva.

Parallelamente, prende forma il carattere diffuso della manifestazione nel quartiere di San Lorenzo, che sin dal primo giorno si configura come spazio di incontro tra professionisti del settore, artisti e spettatori. Sarà l’occasione per conoscere da vicino la realtà virtuale, nella sezione dedicata – vera novità del festival: da Lembi saranno visibili le opere in Concorso VR – con 5 titoli in gara – e Showcase XR, con progetti immersivi a 360°. Tra le opere fuori concorso, ci sarà la partecipazione del duo cinematografico francese Caroline Poggi e Jonathan Vinel, che presenta un ritratto urgente della condizione della gioventù oggi in crisi (“The Exploding Girl”), dopo la partecipazione negli ultimi anni alla Berlinale e a Cannes, o la simulazione che porta in scena “Anamnesis” di Petr Salaba dove lo spettatore deve fare i conti con un chatbot “sofferente”, provando ad approcciarsi all’IA con empatia.

Nell’ambito del programma PerChiCrea, con il sostegno di MiC e SIAE, Ru-mòre propone anche un percorso diffuso che intreccia arte visiva, performance e formazione. Sotto il nome di “LOUD”, saranno presentate installazioni artistiche e performance dal vivo, come “Anzi parla” di Eloise Fornelies al Mercato di San Lorenzo, il progetto di Miltos Manetas “#SaintFrancis accordingtoManetas: CIIM – Chiesa Immagine in Movimento” presso Alessandro Calizza Studio; un programma di Video Screening che offrirà al pubblico i lavori di affermati artisti nazionali ed internazionali presso la Galleria delle Arti; non ultimo, il laboratorio “Mappe di sguardi”, realizzato in collaborazione con FROOIT, che coinvolgerà bambini e famiglie in un percorso educativo di esplorazione urbana attraverso il racconto per immagini, al Mercato di San Lorenzo.

Appuntamento finale sabato 18 aprile, nella serata al Cinema Tibur, con la cerimonia di chiusura e di premiazione: le opere in concorso potranno aggiudicarsi i seguenti premi: Miglior Corto, Miglior Regia, Premio Nuovi Linguaggi, Miglior Sceneggiatura, Miglior Colonna Sonora, Miglior Produttore/Produttrice, Premio Distribuzione.

Dopo oltre trent’anni di carriera, Scarlett Johansson riflette su come Hollywood abbia a lungo incasellato le attrici in ruoli stereotipati, soprattutto nei primi anni 2000. L’attrice ha sottolineato come, all’inizio della sua carriera, le opportunità fossero fortemente condizionate dall’aspetto fisico, un sistema che oggi appare superato ma che ha segnato profondamente un’intera generazione di interpreti.

In un’intervista a CBS Sunday Morning, Johansson ha spiegato: “Era davvero un altro tempo. Crescere nell’industria, ed essere una donna sui vent’anni nei primi anni 2000 sotto i riflettori, era un periodo davvero difficile. Le donne venivano analizzate e smontate per il loro aspetto in un modo che all’epoca era socialmente accettabile”. L’attrice ha aggiunto: “Era difficile. Si dava enorme importanza all’aspetto fisico. I ruoli disponibili per le donne della mia età erano molto più limitati rispetto a oggi”.

Queste dichiarazioni mettono in luce una trasformazione concreta dell’industria: se negli anni ’90 e 2000 dominavano archetipi come la “femme fatale” o la “spalla sexy”, oggi si registra una maggiore varietà e profondità nei ruoli femminili. Tuttavia, il cambiamento non è solo quantitativo ma anche culturale, segnalando un’evoluzione nella rappresentazione delle donne sullo schermo e nel modo in cui vengono percepite dall’industria e dal pubblico.

Dalla “bombshell” ai ruoli complessi: l’evoluzione della rappresentazione femminile a Hollywood

Johansson ha descritto chiaramente il tipo di ruoli che le venivano proposti agli inizi: “Venivi incasellata e ti offrivano sempre gli stessi ruoli. Era la ‘seconda donna’, la ‘amante’, la ‘bomba sexy’. Quello era l’archetipo dominante quando avevo quell’età”. Questo schema rifletteva una visione limitante del personaggio femminile, spesso ridotto a funzione narrativa piuttosto che protagonista attiva.

Oggi, invece, l’attrice riconosce un cambiamento significativo, con “molti più ruoli empowering” rispetto al passato. Questo passaggio è evidente anche nella sua carriera recente, che l’ha vista debuttare alla regia con Eleanor the Great e prepararsi a nuovi progetti come Paper Tiger insieme ad Adam Driver.

Il percorso di Johansson diventa così emblematico di una trasformazione più ampia: Hollywood sta lentamente abbandonando modelli rigidi per abbracciare narrazioni più complesse e inclusive. Resta però aperta la questione se questo cambiamento sia strutturale o ancora legato a singole eccezioni, soprattutto per le nuove generazioni di attrici.

I continui rinvii di La fine di Oak Street, il nuovo film di fantascienza con Anne Hathaway, hanno finalmente una spiegazione concreta. Il progetto, prodotto dalla Bad Robot di J. J. Abrams, ha subito diversi slittamenti a causa di problemi produttivi e organizzativi che hanno rallentato la fase di post-produzione.

Secondo quanto emerso da un’analisi industriale, uno dei principali ostacoli è stato l’addio della responsabile della divisione film della Bad Robot, sostituzione mai avvenuta, che ha lasciato il progetto senza una guida chiara in una fase cruciale. A questo si è aggiunta la necessità di ulteriori riprese, rese impossibili dalla contemporanea indisponibilità della Hathaway, impegnata sul set di Odissea di Christopher Nolan. Il risultato è stato uno stop di circa sei mesi che ha inevitabilmente fatto slittare l’uscita.

Questa situazione racconta molto più di un semplice ritardo. La fine di Oak Street diventa il simbolo di quanto anche produzioni importanti possano essere fragili, soprattutto quando dipendono da incastri produttivi complessi. Non è solo una questione di calendario: è il segnale di un’industria sempre più esposta a dinamiche interne che possono rallentare anche progetti ad alto potenziale.

Tra dinosauri e realtà alterata: cosa aspettarsi dal film sci-fi con Anne Hathaway e perché può ancora sorprendere

Nonostante le difficoltà produttive, La fine di Oak Street resta un progetto particolarmente interessante. Diretto da David Robert Mitchell, autore di It Follows, il film sembra muoversi su un terreno ibrido tra fantascienza e mistero.

La storia segue una famiglia — interpretata da Anne Hathaway e Ewan McGregor — la cui casa viene improvvisamente trasportata in una dimensione sconosciuta, dove realtà e incubo si sovrappongono, con elementi sorprendenti come la presenza di creature preistoriche. È un concept che punta più sull’inquietudine e sulla destabilizzazione che sull’action puro.

Il nuovo posizionamento in uscita, previsto per agosto, potrebbe rivelarsi strategico: lontano dai grandi blockbuster estivi, il film potrebbe ritagliarsi uno spazio proprio e trasformarsi in una sorpresa. Se riuscirà a trasformare le difficoltà produttive in un’opera coerente e originale, The End of Oak Street potrebbe emergere come uno dei titoli sci-fi più interessanti dell’anno.

Il progetto Robopocalypse, adattamento del romanzo bestseller di Daniel H. Wilson, è stato ufficialmente abbandonato da Steven Spielberg dopo oltre un decennio di sviluppo. Il regista ha chiarito che il film era diventato troppo rischioso dal punto di vista economico, arrivando a definirlo senza mezzi termini “un progetto che avrebbe potuto mandare in crisi uno studio”.

In un’intervista recente, Spielberg ha spiegato che il budget previsto — stimato intorno ai 200 milioni di dollari — era fuori scala anche per una produzione importante come DreamWorks. Il problema non era solo il costo, ma l’incertezza sul ritorno commerciale: il regista non si sentiva di garantire che il pubblico avrebbe risposto a un film così ambizioso e complesso, nonostante il coinvolgimento di nomi importanti come Chris Hemsworth e Anne Hathaway.

La cancellazione segna la fine di uno dei progetti più discussi del cosiddetto “development hell” hollywoodiano. Ma soprattutto racconta qualcosa di più interessante: anche un autore come Spielberg, storicamente legato ai grandi blockbuster, oggi è costretto a fare i conti con un’industria molto più prudente, dove il rischio economico può fermare anche le idee più spettacolari.

Perché Robopocalypse non si farà: costi, rischio e il nuovo equilibrio del cinema blockbuster

Il caso di Robopocalypse è emblematico del momento che sta attraversando Hollywood. Il film, che raccontava una rivolta globale dell’intelligenza artificiale guidata da un sistema chiamato Archo, aveva tutte le caratteristiche del grande spettacolo: scala epica, tema attuale e potenziale franchise. Eppure, non è bastato.

La decisione di Steven Spielberg riflette un cambiamento profondo: oggi nemmeno i nomi più forti possono garantire il successo al box office. I risultati altalenanti di alcuni suoi film recenti, come The Fabelmans e West Side Story, dimostrano quanto sia diventato difficile sostenere produzioni ad alto costo senza certezze di pubblico.

In questo scenario, anche un progetto potenzialmente attuale come Robopocalypse — con al centro il tema dell’intelligenza artificiale — non è riuscito a superare la soglia del rischio accettabile. Il risultato è una rinuncia che dice molto del presente: Hollywood continua a puntare sui grandi titoli, ma lo fa con una cautela crescente, dove ogni investimento deve essere giustificato non solo artisticamente, ma soprattutto economicamente.

Una nuova teoria sul cameo di Fox McCloud in Super Mario Galaxy – Il Film sta facendo discutere, suggerendo che la presenza del personaggio non sia solo fan service, ma parte di una strategia più ampia legata ai diritti e allo sfruttamento delle proprietà Nintendo. A rilanciarla è l’ex dirigente Nintendo Kit Ellis, che parla apertamente di una possibile logica di “IP landgrab”.

Secondo questa interpretazione, lo studio Illumination avrebbe spinto per includere Fox — personaggio della saga Star Fox — per assicurarsi un controllo più ampio su eventuali sviluppi futuri, soprattutto dopo aver perso l’occasione di lavorare su The Legend of Zelda, attualmente in fase di adattamento live-action con altri studi. L’idea, dunque, non sarebbe solo narrativa, ma profondamente industriale: inserire personaggi oggi per costruire franchise domani.

Questa lettura cambia il peso del cameo. Se confermata, non si tratterebbe più di un semplice omaggio ai fan, ma di un segnale chiaro di come Hollywood — e sempre più anche Nintendo — stia ragionando in termini di universi condivisi e controllo delle IP. È una logica già vista nel cinema dei supereroi, ma che ora sembra estendersi anche al mondo dei videogiochi.

Il cameo di Fox McCloud e il possibile futuro di un universo Nintendo condiviso al cinema

La presenza di Fox McCloud in Super Mario Galaxy – Il Film potrebbe essere il primo passo verso qualcosa di molto più grande. Nintendo, storicamente cauta nel mescolare le proprie proprietà, sembra ora più aperta a contaminazioni tra franchise, soprattutto dopo il successo delle trasposizioni cinematografiche.

Questo scenario apre a diverse possibilità: uno spin-off dedicato a Star Fox, oppure — ipotesi ancora più ambiziosa — la costruzione di un universo condiviso sul modello di Super Smash Bros., dove personaggi provenienti da mondi diversi convivono nello stesso racconto. Il fatto che lo stesso Shigeru Miyamoto abbia sostenuto l’inserimento del personaggio rafforza l’idea che si tratti di una scelta strategica e non casuale.

Se questa direzione verrà confermata nei prossimi progetti, il cinema tratto dai videogiochi potrebbe entrare in una nuova fase, meno episodica e più strutturata. E il cameo di Fox, apparentemente marginale, potrebbe rivelarsi uno dei tasselli iniziali di questa trasformazione.