La serie NetflixMedusa inizia con il
mistero di un tentato omicidio, ma ben presto si trasforma in
un’indagine sulle complicate dinamiche della famiglia Hidalgo.
Ambientata a Barranquilla, la
storia si concentra sulle complesse relazioni all’interno della
famiglia, dove l’odio domina le azioni e le decisioni più
dell’amore. Questo scrutinio è innescato da un’esplosione su una
barca che ha a bordo Barbara Hidalgo, la nuova amministratrice
delegata della Medusa Corporation, di proprietà della famiglia
Hidalgo. Dopo l’incidente, Barbara cerca di ricostruire i suoi
ricordi perduti e di catturare la persona che ha cercato di
ucciderla. Più scopriamo sulla sua famiglia, più sembra che tutti i
membri della famiglia Hidalgo siano ispirati alla realtà.
La famiglia Hidalgo è una dinastia
puramente immaginaria in Medusa
“Medusa” è una serie televisiva di
fantasia creata da Said Chamie e Claudia Sánchez, e tutti i
personaggi e le organizzazioni descritti nella storia sono
completamente inventati. Chamie e Sánchez hanno creato un intricato
gruppo di personaggi per delineare il dramma e la tossicità che
animano la famiglia Hidalgo e hanno confermato che non si basa su
nessuna dinastia reale. Tuttavia, se si volesse fare un paragone,
l’ispirazione più logica sarebbe la famiglia Char. Una delle
famiglie più ricche della Colombia, i Char sono noti per il loro
dominio sulla zona che si estende tra Barranquilla e Atlantico.
La famiglia possiede aziende in
diversi settori, tra cui banche, catene di supermercati, società di
media e una squadra di calcio. Sono anche uno dei principali
azionisti del più grande porto del paese. Secondo quanto riferito,
hanno il controllo di circa 91 aziende e valgono miliardi di
dollari. Tutta questa ricchezza ha anche aperto le porte alla
famiglia nella struttura politica del Paese. Hanno importanti
connessioni al Congresso, con alcuni membri della famiglia che
hanno persino ricoperto cariche pubbliche come funzionari eletti, e
uno di loro si è persino candidato alla presidenza del Paese.
Con tutto il denaro e l’influenza
di cui dispone, la famiglia Char si è anche trovata più volte nei
guai con la legge. Alcuni membri sono stati accusati di corruzione,
mentre altri hanno procedimenti penali a loro carico. Tenendo conto
di tutto ciò, si potrebbe dire che la loro vita è abbastanza
drammatica da fornire agli sceneggiatori materiale sufficiente per
creare una serie TV. Tuttavia, mentre scrivevano “Medusa”, Chamie e
Sánchez erano più concentrati sul presentare le dinamiche
realistiche di una famiglia in cui le emozioni negative hanno preso
il sopravvento a causa della loro cieca avidità. Sebbene la storia
segua una famiglia ultra-ricca, gli sceneggiatori volevano che
fosse abbastanza realistica da permettere al pubblico di
identificarsi con i personaggi. Attraverso la storia degli Hidalgo
e del loro impero immaginario di Medusa, i creatori della serie
hanno voluto presentare problemi universali vissuti da famiglie di
ogni tipo, ed è questo che rende i personaggi reali, anche se sono
completamente immaginari.
La serie thriller colombiana di
Netflix,
Medusa, racconta la storia della famiglia Hidalgo.
Tutto inizia con un’esplosione su una barca su cui si trova Barbara
Hidalgo, amministratrice delegata dell’azienda. A causa della
gravità dell’esplosione, si crede che sia morta. Tuttavia, quando
ritorna senza memoria, si apre un vaso di Pandora che minaccia di
distruggere l’intera famiglia. Con l’aiuto del detective Danger
Carmelo, Barbara cerca di arrivare alla verità, che porta a molte
rivelazioni inquietanti sulla sua famiglia e su se stessa. Creata
da Said Chamie e Claudia Sánchez, la serie mette in discussione il
concetto di legami familiari e la questione dell’identità, ma c’è
molto di più che la rende realistica.
Gli Hidalgo immaginari vengono
paragonati a una vera dinastia colombiana
“Medusa”
è una serie interamente di fantasia scritta da Said Chamie e
Claudia Sánchez, che hanno chiarito che la serie non è ispirata a
una famiglia reale. L’idea di creare un dramma incentrato sulle
tensioni nella famiglia Hidalgo è nata con l’intenzione di
esplorare le sfaccettature contrastanti della memoria e del potere
e come una persona possa essere manipolata dalla propria percezione
di sé. Tuttavia, sono state individuate alcune somiglianze tra gli
Hidalgo e la famiglia Char, una dinastia reale colombiana con
grandi disponibilità finanziarie e amici altolocati.
Con sede a Barranquilla, la
famiglia Char è una delle più ricche e influenti della Colombia. Le
loro attività sono sparse in tutto il paese e spaziano dalle banche
alle aziende mediatiche, fino alle catene di supermercati. Sono
anche proprietari di un’importante squadra di calcio. Oltre a
questo, la famiglia è anche profondamente coinvolta nella politica
nazionale ed è nota per esercitare una grande influenza sul
Congresso, con alcuni dei suoi membri che hanno ricoperto cariche
pubbliche a diversi livelli. Uno dei membri della famiglia, Alex
Char, si è persino candidato alla presidenza. Le voci secondo cui i
Char sarebbero stati l’ispirazione dietro gli Hidalgo sono state
alimentate anche da un video pubblicato da un avvocato di nome
Abelardo de la Espriella, in cui si schierava contro la serie TV
per aver dipinto i Char in cattiva luce. Si ritiene che il video
possa essere stato una trovata pubblicitaria piuttosto che una vera
e propria denuncia da parte di qualcuno che rappresentava la
famiglia Char.
Nonostante questi paragoni e le
affermazioni di ispirazione, i creatori della serie Netflix hanno negato con veemenza qualsiasi
collegamento tra gli Hidalgo immaginari e i veri Char. Per loro, la
storia vuole rappresentare le complesse dinamiche familiari, un
tema universale che non si limita al conflitto di una sola
famiglia. Attraverso la storia, la loro intenzione è quella di
presentare un racconto realistico che il pubblico possa apprezzare
vedendolo come uno specchio che riflette una parvenza della propria
realtà.
Il conflitto di dualità di Barbara
Hidalgo è completamente inventato
Come il resto della famiglia, anche
il personaggio di Barbara Hidalgo nella serie è fittizio. Per
l’attrice Juana Acosta, l’attrattiva del ruolo era l’opportunità di
interpretare due persone diverse con lo stesso nome. La Barbara
prima dell’esplosione è molto diversa da quella che emerge dopo
l’esplosione. Sebbene abbiano la stessa essenza, si tratta di una
situazione alla Jekyll e Hyde, in cui una è più malvagia mentre
l’altra cerca di redimersi e diventare una persona migliore. Per
rappresentare questo scontro di personalità, l’attrice ha lavorato
con il reparto trucco e costumi per sviluppare un look unico per
entrambi i lati del suo personaggio e mostrare al pubblico il
notevole cambiamento che Barbara ha attraversato.
Un altro aspetto su cui Acosta e i
suoi colleghi hanno lavorato è stato l’accento costiero richiesto
per i residenti di Barranquilla. Quasi tutto il cast ha lavorato
con dei coach per acquisire la musicalità e il ritmo dell’accento e
riprodurlo nel modo più fedele possibile. L’attrice si è anche
concentrata sull’evidenziare i conflitti nella vita personale di
Barbara, in particolare la parte relativa alle relazioni aperte nel
suo matrimonio e il pregiudizio di genere sul posto di lavoro. Ha
trovato la storia ricca di temi come il doppio standard e le
differenze di classe, che danno concretezza alla serie e ai
personaggi, rendendoli più accessibili al pubblico.
La serie NetflixMedusa racconta la storia della famiglia
Hidalgo, una delle più ricche della Colombia grazie alla loro vasta
impresa commerciale chiamata Medusa Corporation. Mentre all’interno
della famiglia infuria una lotta di potere per il controllo
dell’azienda, la neo-nominata amministratrice delegata Barbara
Hidalgo sopravvive a un tentativo di omicidio. Inizialmente
dichiarata morta, quando riappare miracolosamente, le dinamiche
familiari vengono messe a dura prova. Il fatto che soffra di
amnesia e non ricordi gran parte della sua vita prima che la sua
barca esplodesse in mezzo all’oceano la costringe a rivalutare ogni
singola relazione che ha.
Nella sua ricerca della verità,
Barbara è aiutata dal detective Danger Carmelo, tormentato dai suoi
errori passati e desideroso di rimediare. Anche lui sembra troppo
coinvolto nel caso di Barbara, il che rivela un legame
precedentemente sconosciuto tra i due. Nel frattempo, ogni membro
della famiglia viene messo sotto esame. Si tratta di suo padre
Damian, la matrigna Ursula, la sorellastra Vivi, il fratello
Cristian, lo zio Camilo, il cugino Jacobo, la zia Jacqueline e il
marito Esteban. Più Barbara scava nel passato, più si rende conto
che nemmeno lei era una santa e che ogni membro della famiglia
aveva un buon motivo per volerla morta. Alla fine, è il suo
comportamento rozzo a rivelarsi la causa della sua sfortuna.
Tuttavia, il suo assassino non è affatto una delle persone che lei
insegue con tanta tenacia durante tutta la serie. SPOILER IN
ARRIVO.
Chi ha fatto saltare in aria la
barca? Chi voleva uccidere Barbara?
“Medusa” inizia con Barbara Hidalgo
che si sta divertendo sulla sua barca, che improvvisamente esplode.
Ha la fortuna di sopravvivere all’esplosione, ma perde la memoria e
si mette alla ricerca della persona che ha cercato di ucciderla.
All’inizio del suo viaggio, trova un alleato in Gabriel, un
dipendente della Medusa che si presenta come una persona che
lavorava a stretto contatto con Barbara prima del suo incidente.
Lui le dice che lei si fidava completamente di lui e, per
dimostrarlo, le mostra tutto il materiale che lei aveva raccolto
sui suoi fratelli e che aveva affidato a Gabriel nel caso le fosse
successo qualcosa di terribile.
Gli audio e i video che Gabriel le
mostra la aiutano a capire le dinamiche che la legavano ai suoi
familiari, permettendole non solo di capire loro, ma anche se
stessa. Durante le indagini, Gabriel dimostra un immenso sostegno a
Barbara e le ripete più volte che sarà sempre al suo fianco. Quello
che dovrebbe sembrare un gesto dolce diventa un po’ sospetto,
soprattutto dopo aver scoperto che tutte le persone che circondano
Barbara vogliono qualcosa da lei o viceversa. Anche Danger, che
cerca di aiutarla a risolvere il caso e a tenerla al sicuro, si
rivela ossessionato da lei da quando suo marito lo ha assunto per
spiarla.
Poiché l’attenzione è concentrata
sulla famiglia di Barbara, nessuno si ferma a considerare che il
vero colpevole potrebbe essere qualcuno esterno. E poiché Gabriel è
così vicino alle indagini, né Barbara né Danger si fermano a
considerare le sue vere intenzioni dietro il desiderio di aiutarla.
Più tardi, quando un criminale già condannato confessa che è stata
Tatiana, l’amante del marito di Barbara, a pagarlo per piazzare una
bomba sulla barca, il caso viene considerato chiuso; tuttavia, poco
dopo, si scopre che il colpevole era Gabriel fin dall’inizio.
Gabriel era innamorato di Barbara,
ma lei lo aveva deriso quando lui le aveva confessato i suoi
sentimenti. Questo lo aveva ferito profondamente, soprattutto
perché lui le era stato fedele in modo cieco per tutto quel tempo.
Essere stato respinto da lei lo aveva spinto a pensare a una misura
estrema per vendicarsi, così aveva messo la bomba nella sua barca e
aveva cercato di ucciderla. Ma lei era sopravvissuta ed era tornata
con un’amnesia. Per Gabriel, questa era una seconda possibilità per
fingere di aiutare Barbara, guadagnarsi la sua fiducia e farla
innamorare di lui. Ma poi è entrata in scena la detective Danger,
che si è innamorata di lui invece che di Gabriel, costringendo
l’uomo a rapirla.
Chi ha ucciso Gabriel? Cosa
significa il suo messaggio?
La seconda volta che Gabriel si
sente respinto da Barbara, la rapisce e le confessa nuovamente i
suoi sentimenti. Tuttavia, qualunque cosa avesse in mente di fare
con lei viene interrotta da Danger, che non ha mai creduto alla
storia di Tatiana come colpevole. Anche quando un testimone si fa
avanti per implicarla, il detective trova la storia troppo
conveniente, soprattutto perché la colpa ricade su una persona
morta in circostanze misteriose. Ci sono molti altri punti oscuri
nel caso che infastidiscono Danger, ed è una di quelle cose che lo
portano a capire che il colpevole era davanti a loro fin
dall’inizio.
Alla fine, Danger arresta Gabriel,
che viene sbattuto in prigione, dove inizia a sprofondare
ulteriormente nella follia. La sua storia sarebbe finita lì, ma poi
Danger rivela a Barbara che Gabriel è morto in prigione. In
apparenza sembra un suicidio, dato che si è impiccato. Tuttavia,
c’è dell’altro. Prima di morire, ha lasciato un codice criptico
sulla parete della sua cella, che è stato decifrato come: “Se mi
uccidono qui, sarà il demone Hidalgo”. Questo codice mostra
chiaramente che la morte di Gabriel ha qualcosa a che fare con uno
degli Hidalgo, e c’è la possibilità che non si sia suicidato, ma
sia stato ucciso mentre era in custodia. Per qualcuno proveniente
da una famiglia potente come gli Hidalgo, non sarebbe difficile far
uccidere qualcuno in prigione. La domanda ora è: chi potrebbe aver
ucciso Gabriel?
Poiché l’intera stagione è così
incentrata sugli Hidalgo, raramente riusciamo a scoprire qualcosa
di più su Gabriel. Nonostante sia una parte importante
dell’indagine, rimane sempre in secondo piano e nessuno si
preoccupa nemmeno di indagare sulla sua storia personale e
professionale. Tuttavia, è chiaro che lavora alla Medusa da diversi
anni, abbastanza da conoscerne ogni angolo. Considerando quanto
fosse bravo a scavare e a mantenere i segreti, non sarebbe una
sorpresa che abbia scoperto cose sulla famiglia e sulla loro
azienda che nessuno avrebbe voluto venissero alla luce. Forse,
quando Gabriel è stato arrestato, qualcuno si è sentito abbastanza
minacciato da farlo uccidere.
Il messaggio di Gabriel implica
chiaramente un Hidalgo, ma la domanda rimane: chi potrebbe essere?
Per scoprirlo, Barbara e Danger devono capire perché qualcuno
avrebbe voluto uccidere Gabriel. Per la maggior parte del tempo,
l’uomo era rimasto invisibile all’interno dell’azienda, soprattutto
per gli Hidalgo, quindi il fatto che uno di loro lo volesse morto
all’improvviso significherebbe che la vittima aveva fatto una
scoperta abbastanza significativa da sconvolgere l’ordine
all’interno della famiglia e distruggere la Medusa come la
conosciamo. Ora che il dito è stato puntato di nuovo contro la sua
famiglia, Barbara dovrà indagare nuovamente su ogni singolo membro
e portare alla luce altri scheletri nell’armadio. Allo stesso
tempo, anche la vita di Gabriel lontano da Medusa diventerebbe
oggetto di indagine, rivelando chi fosse realmente. Ma tutto questo
verrà svelato nella seconda stagione.
Perché Barbara lascia la
presidenza? Perché nomina Cristian amministratore delegato?
Una delle cose che definisce gli
Hidalgo è la loro brama di potere. Ogni singolo membro della
famiglia vuole avere il controllo degli affari di famiglia e ognuno
di loro cerca di trovare qualcosa di sporco sugli altri per
controllarli. Barbara sembra essere la peggiore di tutti, poiché
non solo scopre i segreti più oscuri dei suoi familiari, ma sabota
attivamente le loro vite, come quando dà della cocaina alla sua
sorellastra e la trasforma in una tossicodipendente. Tuttavia,
questa era la Barbara prima dell’incidente. Quella che viene
salvata e riportata in vita è una persona molto diversa, che tiene
davvero alla sua famiglia.
Più Barbara scopre del suo passato,
più è disgustata dalla persona che era. Quindi, fa uno sforzo
consapevole per non diventare di nuovo quella persona. Uno dei
motivi principali che l’ha spinta a fare tutte quelle cose brutte
era il suo desiderio di diventare l’amministratore delegato
dell’azienda. Quando torna dall’incidente, scopre che suo fratello
minore, Cristian, è stato nominato amministratore delegato al suo
posto. All’inizio, Barbara chiarisce che cercherà di riottenere la
sua posizione. Ma poi attraversa un incredibile percorso di
apprendimento, durante il quale capisce che rinunciare alla sua
sete di potere è l’unico modo per andare avanti e avere una vita
migliore.
Ecco perché, alla fine, Barbara
decide di rinunciare a qualsiasi desiderio di controllo e sostiene
la candidatura del fratello come capo dell’azienda. Sostenerlo
significa rafforzare non solo l’azienda, ma anche il loro legame
personale, che si è incrinato nel corso degli anni, in gran parte a
causa delle sue stesse azioni. Mentre lei rimane parte integrante
dell’azienda e dirige progetti importanti necessari per il
funzionamento della Medusa, Cristian rimane a capo di tutto. La
situazione potrebbe cambiare in futuro, soprattutto se Barbara
scoprisse che suo fratello ha avuto qualcosa a che fare con la
morte di Gabriel. Per ora, però, tra i fratelli Hidalgo va tutto
bene.
Ci sono diversi personaggi secondari
di recenti film e serie TV dell’MCU che i fan non si aspettano di
rivedere, ma si vocifera che almeno due di loro torneranno in
Avengers: Doomsday. Nel corso
degli anni abbiamo conosciuto molti personaggi dell’Universo
Cinematografico Marvel e, con alcuni eroi e cattivi principali che
sono stati abbandonati, è inevitabile che ne perderemo parecchi
lungo il percorso.
Un utente di X ha condiviso una
lista dei personaggi
“dimenticati” che non si aspetta di vedere o addirittura
sentire menzionare di nuovo nell’MCU, ma lo scooper MTTSH ha
risposto rivelando che almeno uno di loro apparirà in
Avengers: Doomsday.
Siamo stati in grado di confermare
che si tratterà di Katy (Awkwafina)
di Shang-Chi e la Leggenda dei Dieci Anelli, il
che non sorprende visto lo stretto legame del personaggio con
l’eroe interpretato da Simu Liu e dove li avevamo
lasciati nelle scene finali del film.
Inoltre, Alex Perez
riporta che la figlia resuscitata di Gorr il Macellatore di Dei
(India Rose Hemsworth), che ha adottato il nome
Love alla fine di Thor: Love and Thunder,
tornerà anche per il prossimo grande film evento dei Marvel
Studios, e sembra che potrebbe essere fondamentale per la
reintroduzione del Dio del Tuono in MCI.
Nell’ultima sessione di domande e
risposte di Cosmic Circus, Perez ha affermato di credere che Love
sarà “colei che avviserà Thor dell’imminente battaglia, dato
che è connessa all’essere cosmico Eternity, che è minacciato dalla
situazione attuale”.
Con così tante cose in corso e così
tanti personaggi che condividono la scena in Doomsday, non ci
aspetteremmo che questi due abbiano molto da fare nel film, ma
qualcosa ci dice che non saranno gli unici volti noti evidenziati
nel post qui sotto a tornare.
La serie TV Vision
dei Marvel Studios sembra destinata a
riportare in vita diverse IA in forma umana, e un nuovo report
getta luce sulle motivazioni per cui ciò accadrà nel sequel di
WandaVision.
Si sa molto poco sui piani dei
Marvel Studios per la loro prossima serie TV
Vision. Tuttavia, abbiamo buone ragioni per
credere che ruoterà attorno all’incontro tra l’ex Vendicatore e le
versioni “umane” delle IA dell’MCU. Non abbiamo idea di come ciò
accada; la serie potrebbe svolgersi nella mente dell’androide,
oppure potremmo vederlo costruire per tutti loro corpi simili a
quelli umani. In ogni caso, è una premessa intrigante.
A complicare ulteriormente le cose,
ovviamente, è il fatto che non sappiamo esattamente cosa sia questa
Visione Bianca dopo che ha perso la Gemma della Mente e i suoi
ricordi sono stati ripristinati dalla Visione Maledetta. I fan
hanno a lungo ipotizzato che Visione non abbia davvero ucciso
Ultron alla fine di Avengers: Age of Ultron del
2015, quindi potrebbe anche essere lui a orchestrare tutta la
vicenda.
Lo scooper Daniel
Richtman si è dimostrato una fonte affidabile per le
informazioni su Vision e ha appena condiviso
un importante aggiornamento sui piani per il seguito di
WandaVision. Afferma che questi personaggi
AI appariranno in forma umana per la maggior parte di Vision per
risparmiare sui costi degli effetti visivi e per aiutare a far
uscire la serie su Disney+ già all’inizio del
2026. Se fosse vero, sarebbe una decisione intelligente da
parte dei Marvel Studios, anche se speriamo di vedere personaggi
come Ultron e Jocasta vivere momenti memorabili anche nelle loro
forme robotiche.
Il progetto Vision,
ancora senza titolo ufficiale, che potrebbe o meno essere
intitolato Vision Quest, è stato descritto come “la terza parte
di una trilogia iniziata con WandaVision
e che continua con Agatha All
Along“.
Oltre a
Paul Bettany, James Spader di
Avengers: Age of Ultron riprenderà il ruolo di
Ultron (“non è chiaro se Ultron tornerà come robot o in forma
umana”). Non c’è stato alcun accenno al potenziale
coinvolgimento di Elizabeth Olsen, ma la serie sarà
ambientata dopo gli eventi di WandaVision,
“mentre il fantasma di Visione presumibilmente esplora il suo
nuovo scopo nella vita”. T’Nia
Miller è stata confermata per il ruolo di Jocasta.
Kerry Condon apparirà nei panni di
F.R.I.D.A.Y. in forma umana, mentre Emily
Hampshire sarà
E.D.I.T.H.
Il finale di WandaVision ha rivelato
che la Visione con cui avevamo trascorso del tempo nel corso della
stagione era in realtà una delle creature di Wanda, ma la vera
“Visione Bianca” è stata ricostruita dalla S.W.O.R.D. e programmata
per rintracciare e uccidere Scarlet Witch. Questa versione del
personaggio si è allontanata verso luoghi sconosciuti verso la fine
dell’episodio, dopo essersi dichiarata la “vera Visione”.
Per quanto riguarda Wanda, l’ultima
volta che abbiamo visto la potente strega era mentre devastava gli
Illuminati e si faceva crollare una montagna addosso in
Doctor Strange in the Multiverse of Madness.
Anche l’attore di Picard,
Todd Stashwick, è nel cast, nei panni di “un
assassino sulle tracce di un androide e della tecnologia in suo
possesso”.Vision – o Vision
Quest – debutterà su Disney+ nel 2026.
Rosamund Pike, che ha interpretato Moiraine
Sedai nell’adattamento di Prime Video de
La Ruota del Tempo, ha risposto in modo
piuttosto schietto alla decisione di Amazon di cancellare la
serie.
Con le prospettive sempre più
flebili di un ritorno de La Ruota del Tempo su
un’altra piattaforma di streaming, la protagonista della serie
Rosamund Pike ha rotto il silenzio sulla
cancellazione.
In un breve post condiviso tramite
le sue Instagram Stories, visibili solo per 24 ore, Pike
ha espresso un misto di “angoscia e rabbia” per la brusca
fine della serie, rivelando quanto profondamente la decisione
l’abbia colpita.
I commenti di Pike seguono le
recenti dichiarazioni dello showrunner Rafe
Judkins, che si è pronunciato anche lui sulla
cancellazione della serie. Judkins ha espresso preoccupazione per
l’attuale stato della televisione in streaming, criticando la
crescente attenzione del settore ai numeri di spettatori immediati
e agli aumenti di abbonati a breve termine. Ha sostenuto che questo
cambiamento avviene a scapito della narrazione a lungo termine,
lasciando poco spazio alle serie per svilupparsi gradualmente e
trovare il loro pubblico nel tempo.
Rafe ha affermato: “Si è scritto
molto su questa tendenza diffusa in TV verso meno stagioni con meno
episodi e la ricerca di modi più rapidi per acquisire ulteriori
abbonati in streaming. Ma credo sinceramente che questo vada contro
il punto di forza fondamentale della televisione: la narrazione di
lunga durata”.
Dopo l’annuncio della cancellazione
della serie, i fan hanno atteso con ansia di sentire Rosamund Pike.
In quanto protagonista principale della serie, l’adattamento è
stato rimodellato per concentrarsi sul suo personaggio,
Moiraine Damodred, un distacco significativo dal
materiale originale, che seguiva principalmente le avventure di
Rand al’Thor, Mat Cauthon e Perrin Aybara.
Secondo il materiale originale,
Moiraine avrebbe dovuto “incontrare la sua fine” in seguito agli
eventi narrati nella terza stagione. Tuttavia, in un netto distacco
dai libri, sopravvive al suo scontro culminante con Lanfear nel
finale di stagione, lasciando i fan sia sorpresi che incuriositi su
cosa sarebbe potuto accadere in una potenziale quarta stagione.
The Amazing Spider-Man 2 –
Il potere di Electro (2014), diretto da Marc Webb, rappresenta il secondo
capitolo del reboot dell’Uomo Ragno targato Sony, con Andrew Garfield nei panni di Peter Parker.
Rispetto al primo film del 2012, questo sequel espande notevolmente
l’universo narrativo del personaggio, aumentando il numero di
personaggi, di sottotrame e di conflitti emotivi. Se il primo
capitolo aveva il compito di introdurre il nuovo Spider-Man e
riscrivere le sue origini in chiave più moderna, il sequel si
prende il tempo di esplorare la psicologia del protagonista e i
suoi tormenti interiori, con particolare attenzione al peso della
responsabilità e alla fragilità dei legami umani.
Una delle principali novità
introdotte nel film è la presenza di più villain, tra cui spiccano
Electro (Jamie
Foxx), Harry Osborn/Green Goblin
(Dane
DeHaan) e un’apparizione fugace di
Rhino. La figura di Electro, in particolare, offre
uno sguardo sul tema dell’emarginazione e dell’ossessione,
trasformando Max Dillon in una minaccia dalle potenzialità
devastanti. Inoltre, il film inserisce numerosi riferimenti a un
universo più ampio e all’idea di un possibile futuro franchise con
i Sinistri Sei, cosa che testimonia l’intenzione di Sony di
costruire un proprio universo condiviso dedicato ai personaggi
dell’universo di Spider-Man, anticipando tendenze che sarebbero poi
diventate centrali nel cinema di supereroi.
Nonostante l’ambizione narrativa e
visiva, The Amazing Spider-Man 2 è anche noto per
il suo finale estremamente drammatico, che segna un momento
cruciale nella vita di Peter Parker. Senza entrare ancora nei
dettagli, è proprio nel finale che il film trova la sua identità
più tragica e matura, con una sequenza che ha lasciato un’impronta
profonda nei fan e ha influenzato il modo in cui il personaggio
sarebbe stato riproposto negli anni successivi. Nei prossimi
paragrafi, approfondiremo cosa succede nel finale del film, il suo
significato e in che modo ha modificato il destino di Spider-Man al
cinema.
La spiegazione del finale del
film
Il finale di The Amazing
Spider-Man 2 – Il potere di Electro è uno dei più
drammatici e memorabili dell’intera saga cinematografica dedicata
all’Uomo Ragno, non solo per l’intensità emotiva ma anche per il
suo impatto sul personaggio di Peter Parker. Nella sequenza finale,
Peter e Gwen si dirigono insieme verso la centrale elettrica dove
Electro ha preso il controllo, mettendo a rischio l’intera città di
New York. La battaglia che segue è spettacolare e caotica, ma anche
estremamente personale: Peter affronta Electro non solo come eroe,
ma anche come ragazzo che ha disobbedito alla promessa fatta al
padre di Gwen di tenerla lontana dal pericolo. Gwen stessa insiste
per aiutare Peter, dimostrando coraggio e determinazione, e la loro
collaborazione è fondamentale per sconfiggere il nemico.
Dopo aver sovraccaricato i
trasformatori e aver fatto letteralmente esplodere Electro, Peter e
Gwen pensano di aver vinto, ma è a quel punto che entra in scena
Harry Osborn, ormai trasformato nel Green Goblin. Scoprendo
l’identità segreta di Peter e vedendo Gwen al suo fianco, Harry
capisce subito come colpire più duramente l’amico d’infanzia. La
battaglia si sposta nell’orologio della torre, e qui avviene il
momento più tragico del film: Gwen cade nel vuoto durante il
combattimento. Nonostante il disperato tentativo di Peter di
salvarla con la sua ragnatela, la giovane colpisce violentemente il
suolo, morendo all’istante.
La morte di Gwen rappresenta un
punto di svolta definitivo per Peter Parker. Il film mostra come,
nei mesi successivi, Peter si ritiri dal suo ruolo di Spider-Man,
profondamente segnato dal dolore e dalla colpa. La scena al
cimitero, in cui Peter visita la tomba di Gwen, è toccante e
testimonia quanto il trauma abbia influito su di lui. La narrazione
suggerisce che non è solo Gwen a essere morta, ma anche una parte
dell’identità di Peter come eroe. L’idea che nonostante i suoi
poteri, Peter non sia riuscito a salvare la persona che amava, è il
cuore del film e una potente riflessione sul limite
dell’eroismo.
L’epilogo mostra il ritorno di
Spider-Man grazie a un messaggio lasciato da Gwen e all’ispirazione
che lui stesso riesce a trarre dalla memoria della ragazza. In
parallelo, si accenna alla formazione di un team di supercriminali
da parte della Oscorp, con riferimenti espliciti ai Sinistri Sei.
Viene mostrato il Rhino in armatura, pronto a seminare il caos in
città, ma Peter ritorna in azione proprio in quel momento,
lanciandosi nella battaglia come Spider-Man davanti agli occhi di
un bambino vestito da supereroe. Questa sequenza, carica di
speranza, sottolinea la rinascita di Peter come simbolo di speranza
e giustizia.
Tuttavia, il film lascia diverse
domande in sospeso. Chi è l’Uomo Misterioso che parla con Harry nel
carcere di massima sicurezza? Come si sarebbe sviluppata la trama
dei Sinistri Sei? Quali segreti nasconde ancora Oscorp, e quale
sarebbe stato il ruolo del padre di Peter, la cui ricerca è solo
accennata nel corso dei due film? Inoltre, il film suggerisce che
c’erano progetti molto più ampi in cantiere, compreso un
coinvolgimento più profondo con il passato della famiglia Parker e
lo sviluppo di nuove tecnologie legate ai poteri dei villain.
Tutte queste domande sono rimaste
senza risposta, poiché The Amazing Spider-Man 3 non è mai
stato realizzato. Il fallimento commerciale del secondo film
rispetto alle aspettative, unito alle critiche sulla sua struttura
narrativa frammentaria, spinse Sony a interrompere la saga e a
collaborare con i Marvel Studios per introdurre una nuova versione
di Spider-Man nel Marvel Cinematic Universe. Così, la
storia di Peter Parker interpretato da Andrew Garfield si è chiusa senza un vero
epilogo, lasciando un senso di incompiutezza e molte ipotesi su
cosa sarebbe potuto accadere se la trilogia fosse stata portata a
termine.
Trauma, uscito nel
1993, rappresenta un capitolo particolarmente significativo nella
carriera di Dario Argento, segnando il suo primo
film girato interamente negli Stati Uniti. Dopo aver costruito gran
parte della sua fama internazionale con capolavori italiani del
giallo-horror come Profondo rosso e Suspiria, il regista romano
approda in America con l’intento di esportare la sua poetica visiva
e il suo stile inconfondibile. Trauma è un
tentativo ambizioso di coniugare le atmosfere ossessive del giallo
italiano con le logiche produttive e narrative del thriller
statunitense.
Argento realizza così un film che,
pur restando fedele ad alcune delle sue ossessioni autoriali, si
distingue per una maggiore linearità narrativa e per un approccio
più contenuto rispetto al suo cinema precedente. Se
Trauma conserva elementi tipici del cinema
argentiano — come l’attenzione quasi feticistica per i dettagli, la
presenza ricorrente del trauma infantile, e l’indagine ossessiva
sulla verità nascosta — al tempo stesso introduce una componente
più umana e psicologica, lasciando spazio a una riflessione sulla
malattia mentale, sull’identità e sulla memoria.
Nel corso di questo articolo,
analizzeremo in particolare il finale di Trauma,
cercando di chiarire i nodi della narrazione e di evidenziare come
la conclusione del film si leghi ai temi centrali della storia. La
rivelazione dell’identità dell’assassino, il legame con il passato
e l’impatto che tutto ciò ha sui personaggi principali offrono un
terreno fertile per interpretazioni multiple, che proveremo a
esplorare per fornire una lettura più completa del significato
dell’opera.
La trama di
Trauma
Il film è ambientato in una cupa e
piovosa Minneapolis. La storia segue Aura, una
giovane ragazza anoressica fuggita da un istituto psichiatrico, che
viene soccorsa dal giovane giornalista David. Aura
è profondamente traumatizzata dalla morte dei suoi genitori,
brutalmente decapitati da un misterioso serial killer che sembra
colpire seguendo un preciso rituale. Mentre la polizia brancola nel
buio, David decide di aiutare Aura a scoprire l’identità
dell’assassino, scivolando sempre più in un incubo fatto di ricordi
frammentati, ossessioni e crimini raccapriccianti.
Le indagini conducono i due
protagonisti in un labirinto di segreti e traumi sepolti, dove ogni
indizio sembra svelare solo nuove ambiguità. Il killer continua a
mietere vittime, sempre utilizzando un macabro strumento meccanico
per le decapitazioni. Il legame tra Aura e David si fa più profondo
man mano che emergono verità inquietanti legate al passato della
ragazza, fino al momento in cui l’identità dell’assassino viene
rivelata in un finale dai toni tragici e ambigui.
La spiegazione del finale del
film
Nelle ultime sequenze di
Trauma, il mistero che ha accompagnato l’intero
film giunge finalmente a una risoluzione. Dopo una lunga e
inquietante indagine, Aura e David scoprono che l’assassina è
Adriana, la madre della ragazza, creduta morta
dopo un suicidio. In realtà, Adriana è sopravvissuta e ha messo in
atto una vendetta efferata contro i medici della clinica che, anni
prima, avevano provocato accidentalmente la morte del suo
figlioletto durante una seduta di ipnosi. Il suo modus operandi —
la decapitazione delle vittime con un marchingegno meccanico
artigianale — è tanto simbolico quanto grottesco, richiamando la
frattura insanabile che il trauma ha lasciato nella sua psiche.
Asia Argento e James Russo in Trauma
La rivelazione arriva in un momento
di grande tensione, in cui Aura affronta la madre e riesce, seppur
con dolore, a fermarla. Questo finale, pur offrendo una chiusura
narrativa chiara, non si limita a svelare l’identità del colpevole,
ma invita a riflettere sull’eredità della sofferenza e sulle
dinamiche familiari disfunzionali. Il personaggio di Adriana
incarna una follia che non nasce dal nulla, ma da una ferita
profonda e irrisolta: la perdita di un figlio e l’impunità dei
responsabili. La sua vendetta diventa una forma distorta di
giustizia, un modo per dare senso a un dolore altrimenti
insopportabile. In parallelo, Aura è vittima di un’altra forma di
trauma, quello derivante dall’abbandono, dalla malattia e dalla
violenza psicologica.
Il confronto finale tra madre e
figlia diventa così una metafora del passaggio da una generazione
lacerata a una che cerca la guarigione. L’intero film è costruito
intorno al concetto di trauma — non solo come evento scatenante
della violenza, ma come condizione psicologica permanente. Il
titolo stesso non è casuale: ogni personaggio sembra portare
addosso le cicatrici di un evento che ha alterato in modo
irreversibile il corso della propria vita.
Il finale riflette questa
impostazione tematica, mostrando come il tentativo di affrontare il
passato sia l’unica via per evitare che il dolore si tramandi,
amplificato, alle generazioni successive. In questo senso,
Trauma si discosta da altri film di Argento più
concentrati sull’estetica dell’orrore puro, per assumere una
dimensione più intimista e riflessiva. Il finale non è solo lo
scioglimento di un enigma, ma una resa dei conti emotiva e
simbolica, che tenta di mettere ordine nel caos delle emozioni e
dei ricordi.
7500 (qui
la recensione), film del 2019 diretto da Patrick
Vollrath, si inserisce nel filone del thriller
claustrofobico, con una messa in scena ridotta ma ad altissima
tensione. Ambientato quasi interamente all’interno della cabina di
pilotaggio di un aereo di linea, il film racconta una vicenda di
dirottamento aereo con uno stile asciutto e realistico, facendo
leva più sulla tensione psicologica che sull’azione spettacolare.
Protagonista assoluto è Joseph Gordon-Levitt, nei
panni del primo ufficiale Tobias Ellis, chiamato a
confrontarsi con una situazione estrema e imprevedibile. Il titolo
stesso fa riferimento al codice d’emergenza utilizzato nel settore
dell’aviazione civile per segnalare un atto di pirateria aerea.
Quello che rende
7500 particolarmente interessante è la sua
capacità di ridurre lo spazio narrativo al minimo, concentrandosi
esclusivamente sulle reazioni dei personaggi coinvolti, sulle
dinamiche tra ostaggi e dirottatori, e sulle difficili decisioni
che il protagonista è costretto a prendere in tempo reale. Il film,
infatti, evita volutamente ogni distrazione esterna: non ci sono
salti temporali, flashback o sottotrame secondarie. Tutto si
consuma davanti agli occhi dello spettatore in tempo quasi reale,
amplificando il senso di ansia e impotenza. In questo senso,
7500 si pone come un esempio efficace di cinema
d’urgenza, capace di raccontare una vicenda estrema attraverso la
pura tensione narrativa.
Nel corso dell’articolo,
analizzeremo non solo le scelte stilistiche e narrative che rendono
il film un’esperienza visiva coinvolgente, ma ci soffermeremo anche
sul legame di esso con eventi realmente accaduti. La vicenda
narrata, pur con elementi romanzati, trae infatti ispirazione da
casi reali di dirottamenti aerei avvenuti in Europa negli ultimi
decenni. Sarà dunque interessante approfondire fino a che punto la
trama rispecchi la realtà e quali elementi siano stati modificati
per esigenze cinematografiche.
Joseph Gordon-Levitt in 7500
La trama di
7500
Il film segue la storia di
Tobias Ellis, un giovane e tranquillo pilota
americano che vive in Germania con la sua ragazza turca,
Gökce, che lavora come hostess. I due, un giorno,
si trovano a volare insieme per lavoro su un normale aereo
passeggeri da Berlino a Parigi. Tobias è il secondo comandante
affiancato da Michael, il primo pilota. Tutto
sembra andare bene, fino a quando, poco dopo il decollo,
improvvisamente un gruppo di terroristi tenta di prendere d’assalto
la cabina di volo, ferendo gravemente Michael e il braccio di
Tobias.
Il giovane co-pilota spaventato,
riesce a chiudere la porta e contattare la torre di controllo per
un atterraggio di emergenza. Ma i dirottatori iniziano ad agitarsi,
uccidono un passeggero e ne prendono in ostaggio un altro
minacciando di tagliargli la gola se Tobias non li lascerà entrare
in cabina.
Tobias sarà così costretto ad affrontare una situazione
inimmaginabile per impedire ai terroristi di massacrare tutti i
passeggeri.
La storia vera dietro il film
Tecnicamente, 7500
non è basato su una storia vera. La vicenda narrata nasce dalla
volontà di Vollrath di realizzare un film ambientato all’interno
della cabina di pilotaggio di un aereo, evitando però di rifare la
solita versione del dirottamento che ritrae un tipico eroe d’azione
hollywoodiano che salva la situazione. Egli preferiva infatti
concentrarsi sulla tensione e la claustrofobia di un pilota che
deve prendere decisioni difficili in un ambiente così stressante.
Per prepararsi al film, ha quindi letto rapporti su dirottamenti
realmente avvenuti e ha dovuto mettersi al passo con gli aspetti
tecnici di un aereo e i protocolli richiesti ai piloti.
Joseph Gordon-Levitt e Omid Memar in 7500
Ha ricevuto inoltre un grande aiuto
da Carlo Kitzlinger, l’attore che interpreta il
pilota al fianco del personaggio di Gordon-Levitt. Kitzlinger aveva
lavorato come pilota professionista per Lufthansa e ha aiutato i
realizzatori del film a mantenere il tutto il più vicino possibile
alla realtà. Oltre a realizzare un film che lasciasse il pubblico
senza fiato, Vollrath voleva anche aggiungere più profondità e
dimensioni ai suoi personaggi. Non voleva creare una linea netta
tra il bene e il male e voleva evitare di stereotipare i ruoli.
Concentrandosi sulla pressione affrontata dal pilota, voleva anche
dare un assaggio della paura provata da un giovane che si trova
coinvolto in una situazione che non ha scelto.
In un’intervista con Variety,
Vollrath ha infatti spiegato come è arrivato al personaggio del
dirottatore Vedat. “Nel 2015 c’è stato un
periodo in cui molti ragazzi molto giovani, per lo più europei,
hanno lasciato le loro case e hanno cercato di unirsi all’ISIS. Ho
visto un servizio su un ragazzo di 18 anni che era tornato dopo
essersi unito all’ISIS… completamente disilluso e deradicalizzato…
Ho sentito il desiderio di realizzare un film su un ragazzo che si
deradicalizza nel momento in cui si ritrova con le mani sporche di
sangue. E da lì ho voluto raccontare la storia di un ragazzo che
stava diventando così. Ma lui non è solo una vittima, è anche un
carnefice, o un misto di entrambi. È proprio questa sottile linea
che mi ha interessato”, ha detto.
Ma nell’esplorare questo territorio,
ha anche dovuto riconoscere il bisogno di vendetta che crea una
spirale infinita di violenza. “Mentre stavo scrivendo, sono
avvenuti gli attentati di Parigi e quelli in Germania. Ho smesso di
scrivere e mi sono chiesto: ‘Devo continuare a raccontare una
storia su questa situazione?’. Mi sono detto che dobbiamo cercare
di dare una risposta su come uscire da questa spirale di orrore.
Come rompere questo circolo vizioso di violenza che genera altra
violenza”, ha aggiunto. Pur non avendo basato il film su
precise vicende reali, il regista si è dunque basato sui più
recenti casi di attentati terroristici, anche quelli non avvenuti a
bordo di aerei in volo.
Pesci Piccoli - Stagione 2 -
Cortesia di Prime Video
Dal 13 giugno Prime
Video riapre le porte della Tree of Us,
l’agenzia di comunicazione e marketing in cui Ciro, Fabio, Greta,
Aurora, Gianluca e tanti altri cercano di sopravvivere al mondo e a
loro stessi. Proprio così, Pesci
Piccoli – Un’agenzia. Molte idee. Poco
budget torna con un nuovo ciclo di episodi per una seconda stagione
che porta avanti tutte le particolarità del primo ciclo,
sconfinando nei territori dell’assurdo e del sentimentalismo, senza
perdere la sua natura.
Pesci Piccoli –
Stagione 2: dove eravamo rimasti?
Nella seconda
stagione Greta (Martina
Tinnirello) spinge l’azienda verso sfide su scala
nazionale con la complicità del producer Fabio, che continua a
essere estremamente gentile con lei, nonostante la giovane donna
non sembri meritare queste attenzioni (così pare, all’inizio).
Intanto, Aurora si impegna per superare l’addio di Alessio
all’agenzia, cercando di concentrandosi sull’agenzia e su quello
che sa fare meglio: preoccuparsi per i suoi colleghi/amici.
Intanto, Fru e Ciro affrontano i traumi del loro passato, imparando
sempre più ad accettarsi e a guardarsi in faccia da adulti risolti
(più o meno).
Pesci
Piccoli – Un’agenzia. Molte idee – Stagione
2 è ideata da Francesco
Ebbasta e Alessandro
Grespan, che firmano anche la sceneggiatura con
Alessandro Bosi e
Mary Brugiati, e diretta
da Francesco Ebbasta, Alessandro
Grespan, Danilo
Carlani e Alessio
Dogana. La squadra ha fatto tesoro del successo
della
prima stagione e senza sedersi su quel successo, ha cercato di
spingere oltre i confini di quello che si può fare in quel
microcosmo dell’agenzia, location (quasi) unica della serie, piena
di casi umani disperati, ma anche di tanto cuore e buone
intenzioni.
Pesci Piccoli – Stagione 2 – Cortesia di Prime Video
Profondità emotiva e senso
dell’assurdo
Dopo un paio di episodi
che arrancano, la seconda stagione comincia a entrare nel vivo,
mettendo al centro del racconto le trame orizzontali che portano
avanti lo sviluppo dei personaggi e abbandonando a poco a poco la
struttura episodica verticale che non fa molto bene alla
narrazione. Più che nella
prima stagione, le citazioni abbondano e gli omaggi si
sprecano, in un mondo costruito da millennials che faticano a
lasciarsi alle spalle la loro parte bambina ma che provano a
sopravvivere in un mare di squali.
Come accennato, questo
ciclo spinge l’acceleratore sul piano dell’assurdo, mettendo in
scena situazioni totalmente non plausibili eppure divertenti e che
si inseriscono con armonia nel tessuto del racconto. Basti pensare
ai “funerali in ufficio” oppure all’episodio 4, un viaggio su piani
mentali e temporali che fa impallidire Inception di Nolan e
proietta tutti, letteralmente, nel Fantabosco di Tonio
Cartonio.
Ma Pesci Piccoli
– Stagione 2 non teme la sua stessa crescita riuscendo
anche a ritagliarsi momenti di riflessione, sviluppando i
personaggi che, lungi dall’essere cartonati bidimensionali,
continuano però a corrispondere ai “tipi comici” che il gruppo
creativo napoletano porta avanti da quando è nato. E allora Fabio
sarà quello un po’ più burbero ma adulto e consapevole, Ciro quello
buono a tutti i costi, Aurora la crocerossina sempre un po’ in
difficoltà quando si tratta di prendersi cura di se stessa, Fru
meschino che vota il suo ingegno a futili e spesso distruttivi
fini. Questa tipizzazione viene arricchita da una dimensione più
profonda e emotiva che rende la serie, soprattutto nella seconda
parte, un prodotto valido, decisamente migliore rispetto al primo
“giro di prova”.
Pesci Piccoli – Stagione 2 – Cortesia di Prime Video
I pesci piccoli sono cresciuti
I “pesci piccoli” della
serie però non sono più così tanto piccoli e infatti fanno gola a
molte Guest che popolano gli otto episodi con frequenza e costanza.
Dal Maestro Peppe Vessicchio, a Maurizio
Merluzzo, passando per Stefano Rapone e
Danilo Bertazzi, fino addirittura a Paolo
Calabresi, gli ospiti illustri di questa stagione sono
tantissimi, tutti perfettamente collocati in flussi di racconto che
amalgamano perfettamente senso della comicità e dell’assurdo.
Una terza stagione, che
molto plausibilmente arriverà tra un paio di anni, dovrà fare i
conti con un fatto inequivocabile: questi Pesci Piccoli
sono decisamente cresciuti e dovranno (e dovremo) tutti tenerne
conto.
I biglietti per Superman sono
stati messi in vendita all’inizio di questa settimana e sembra che
i DC Studios stiano facendo il possibile per aumentare la
visibilità del primo film del DCU. Ovviamente non è una brutta cosa, e Warner
Bros. Discovery sembra appoggiare pienamente il reboot.
Questo fine settimana è la Festa del
Papà negli USA e un nuovo promo di Superman celebra
l’occasione con un toccante scambio di battute tra Clark Kent e suo
padre, Jonathan (Pruitt Taylor Vince). Questo
potrebbe essere un momento cruciale del film e potenzialmente si
collega a un’importante rivelazione su Jor-El.
Superman
probabilmente umanizzerà Kal-El in un modo che altri film recenti
con il personaggio non hanno fatto. In quest’ottica, mettere in
primo piano il suo rapporto con i genitori adottivi ha molto senso,
e sembrano essere una parte fondamentale del viaggio dell’eroe in
questo film.
“Nel corso degli anni, le storie
che ho raccontato sono diventate più… come dire… meno
sfacciate”, ha recentemente dichiarato il regista James
Gunn a proposito del suo approccio a Superman. “Volevo
raccontare la storia di qualcuno che era veramente buono in un
mondo che non apprezza la bontà, in un mondo che prende in giro la
gentilezza di base e i valori umani fondamentali”. Ha
aggiunto: “Il fatto che possa volare, sollevare edifici e
sparare raggi laser dagli occhi era davvero secondario rispetto a
chi fosse come persona e a ciò in cui credeva”.
James Gunn sta dicendo tutte le cose giuste e si
spera che il film sia all’altezza delle sue promesse. I fan si
aspettano che Superman offra l’interpretazione di questo
personaggio che aspettavano di rivedere sullo schermo da quando
Christopher Reeve indossò per la prima volta il
mantello nel 1978.
Guarda l’ultimo promo di Superman
nel post Instagram qui sotto.
Nel cast anche
Rachel Brosnahan,
Nicholas Hoult, Edi Gathegi, Anthony Carrigan,
Nathan Fillion, Isabela Merced, Skyler Gisondo, Sara Sampaio,
María Gabriela de Faría, Wendell Pierce, Alan Tudyk, Pruitt Taylor
Vince e Neva Howell. Il film sarà al
cinema dal 9 luglio distribuito da Warner Bros. Pictures.
“Superman”, il primo film dei DC Studios
in arrivo sul grande schermo, è pronto a volare nei cinema di tutto
il mondo quest’estate, distribuito da Warner Bros. Pictures. Con il
suo stile inconfondibile, James Gunn trasporta il supereroe
originale nel nuovo universo DC reinventato, con una miscela unica
di racconto epico, azione, ironia e sentimenti, consegnandoci un
Superman guidato dalla compassione e da una profonda fiducia nella
bontà del genere umano.
Produttori esecutivi di
“Superman” sono Nikolas Korda, Chantal
Nong Vo e Lars Winther. Dietro la macchina da presa, Gunn si è
avvalso del lavoro di suoi collaboratori fidati, tra cui il
direttore della fotografia Henry Braham, la scenografa Beth Mickle,
la costumista Judianna Makovsky e il compositore John Murphy, oltre
al compositore David Fleming (“The Last of Us”), ai montatori William Hoy
(“The Batman”) e Craig Alpert (“Deadpool 2”, “Blue Beetle”).
All’inizio di questa settimana, il regista di
Balle Spaziali, Mel Brooks, ha
annunciato che il sequel dell’amata parodia di Star
Wars di cui abbiamo sentito parlare per la prima volta
l’anno scorso aveva fissato la data di uscita ufficiale per il 2027
con un esilarante primo teaser. Abbiamo anche saputo che Brooks
sarebbe tornato nei panni di Yogurt, al fianco di Rick
Moranis – che tornerà dal ritiro per il film – nei panni
di Lord Casco Nero e di Bill Pullman in quelli di
Stella Solitaria.
Ora abbiamo altre importanti novità
sul cast, poiché THR riporta che la star di Thunderbolts*,
Lewis Pullman, affiancherà suo padre nel
sequel nei panni del figlio di Stella Solitaria e della Principessa
Vespa, Starburst. È stato confermato anche il
ritorno di Daphne Zuniga nei panni della
Principessa.
L’annuncio rivela che Keke
Palmer interpreterà un personaggio di nome Destiny e sarà
la protagonista del film insieme a Pullman Jr. e Josh
Gad, che potrebbe interpretare o meno il figlio di Barf
(il defunto John Candy).
I dettagli della trama sono ancora
segreti, ma Amazon ha condiviso una sinossi scherzosa: “Sebbene
il titolo, i dettagli della trama e il resto del cast siano ancora
segreti, il film è stato descritto da coloro che non hanno ancora
letto la sceneggiatura come ‘Un sequel non prequel e non reboot,
parte due’, ma con elementi di espansione del franchise
Reboot”.
Distribuito dalla MGM nel 1987,
Balle Spaziali è una parodia iconica del genere
fantascientifico, che trae ispirazione dal franchise di Star Wars e
da altri classici. La trama ruota attorno al malvagio Casco Nero
(Rick Moranis) e al Presidente Skrocco
(Mel Brooks), che tentano di rubare l’atmosfera
del pacifico pianeta Druidia, solo per essere ostacolati dall’eroe
Stella Solitaria (Pullman), dal suo aiutante Barf (John
Candy) e dalla principessa druisca Vespa (Daphne
Zuniga). Tra gli altri attori del cast figurano Joan
Rivers e Dick Van Patten. Il film ha incassato poco più di 38,1
milioni di dollari in tutto il mondo, ma è rimasto negli anni un
classico di culto.
Nonostante il recente ritardo, si
prevede che il sequel di The
Batman di Matt Reeves inizi la
produzione all’inizio del prossimo anno, con la nuova data di
uscita fissata al 1° ottobre 2027. Robert Pattinson tornerà nei panni di Bruce
Wayne/Batman, ma molti fan sperano ancora di vedere l’attore di
Mickey 17 nei panni del Cavaliere Oscuro del
DCU per il film in programma The Brave
and the Bold e oltre.
Integrare il Batverse nel DCU
potrebbe essere la soluzione più sensata, se non altro per evitare
di avere due franchise di Batman separati che si svolgono
parallelamente. Quando The
Batman – Parte 2 arriverà effettivamente nei cinema
nel 2027, ci saranno sicuramente stati almeno alcuni progressi su
The Brave and The Bold.
Ciononostante, Reeves,
James
Gunn e il suo co-CEO dei DC Studios, Peter
Safran, rimangono tutti irremovibili sul fatto che verrà
introdotta una nuova versione del Crociato Incappucciato.
“Quello che sta facendo Matt è
ancora molto importante, nonostante tutte le storie
contrarie”, ha dichiarato il regista di Superman in una
recente intervista con EW. “Dovremmo vedere quella
sceneggiatura a breve, e non vedo l’ora.” Ci sono chiaramente
molti fan che vogliono che Pattinson riprenda il ruolo nel DCU, ma
ce ne sono anche molti altri che non vedono l’ora di vedere un
nuovo attore indossare mantello e cappuccio in un’ambientazione più
fantastica.
Un fan ha chiesto a James
Gunn di dare un’occhiata a un articolo che illustra i
vantaggi dell’integrazione del Batman di Pattinson nel DCU,
aggiungendo: “Per favore, dai un’occhiata a questo articolo,
James. Internet è in fermento per questo argomento! Tutti noi fan
della DC lo vogliamo. (E penso anche tu)”.
James Gunn ha
ragione. Anche se mantenere Pattinson come Batman del DCU
renderebbe ovviamente felici molte persone, è davvero corretto dire
che è quello che la maggioranza dei fan desidera? Vale la pena
notare che James Gunn non ha completamente
scartato l’idea, e ha indicato che è un argomento di discussione
all’interno dello studio.
Dean DeBlois,
regista sia della versione animata che di quella live-action del
2025 di Dragon Trainer, spiega perché al
membro del cast originale David Tennant non è
stato offerto di riprendere il suo ruolo nel nuovo film. L’attore
ha prestato la voce a Stizzabifolco, un vichingo alto e
muscoloso, guerriero della tribù dei Teppisti Pelosi, e papà di
Moccicoso. Tuttavia, non è tornato per la versione live-action di
Dragon Trainer, ora nelle sale. Il personaggio è
interpretato da Peter Serafinowicz.
In un’intervista con The Hollywood
Reporter, a DeBlois è stato chiesto se ha preso in considerazione
altri membri del cast originale, oltre a Gerard Butler, per ruoli nel remake
live-action del 2025. Il regista si è complimentato con Tennant e
si è “sentito in imbarazzo” per il fatto che non siano riusciti a
trovare un “ruolo abbastanza importante” per lui. Ha inoltre
spiegato che Tennant non poteva riprendere il suo ruolo vocale nel
nuovo film perché, fisicamente, l’attore non è
adatto. Tuttavia, il regista è aperto alla possibilità di
far apparire Tennant in futuro se ci sarà un ruolo “perfetto”.
Leggi il suo commento qui sotto:
“David Tennant è un attore di
grande talento e mi sono sentito in imbarazzo per non aver avuto un
ruolo abbastanza importante per lui nei film d’animazione. Ma il
personaggio che interpretava, Stizzabifolco, il padre di Moccicoso,
è una persona così grande, muscolosa e imponente che non pensavo
che David sarebbe stato fisicamente adatto a lui. Forse in futuro
troveremo il ruolo perfetto per lui, ma è un attore così ingegnoso.
Per quanto riguarda Gerard, non era nemmeno disponibile quando
abbiamo iniziato a fare il casting per il film. Aveva progetti
consecutivi che lo avrebbero reso inaccessibile durante il nostro
programma di riprese. Quindi è stato in realtà lo sciopero degli
attori del 2023 a cambiare alcuni di quei progetti e,
all’improvviso, si è aperta una finestra in cui avremmo potuto
prenderlo.”
Mark Hamill ha chiarito le
sue recenti dichiarazioni sul ritiro da Star
Wars, insistendo sul suo entusiasmo per il futuro del
franchise. L’ultima apparizione di Mark Hamill
nella serie risale a “Il libro di Boba
Fett“, sebbene la tecnologia di ringiovanimento lo
abbia inserito nella parte della linea temporale di Star Wars che
fa riferimento alla Nuova Repubblica. Per quanto riguarda i film di
Star Wars, l’ultima apparizione di Hamill risale a Star
Wars: L’ascesa di Skywalker del 2019, in cui il suo
Fantasma di Forza ha trasmesso il nome Skywalker a Rey,
interpretata da Daisy Ridley. Dopo aver commentato
il suo ritiro dal franchise, Hamill ha però chiarito alcune
cose.
In un’intervista con
TODAY,Mark Hamill è stato interrogato sulle sue
recenti dichiarazioni sulla sua conclusione con Star Wars. Hamill
ha ribadito che i suoi commenti derivavano dal fatto che la sua
storia in L’Ascesa di Skywalker“sembrava una
conclusione. Il mio personaggio aveva una conclusione completa;
sono morto… e una volta terminata la trilogia degli Skywalker, per
loro [Lucasfilm] è iniziata un’era completamente nuova”.
Hamill ha poi aggiunto:
“George ha dato loro questa
fantastica tela, l’intera galassia, possono fare western, gialli,
commedie, qualsiasi cosa all’interno del regno di Star Wars, e
stanno andando così bene… Ho avuto il mio tempo. Sono davvero
grato, ma guardo al futuro per tutti questi nuovi progetti. Ho
visto titoli: ‘Mark Hamill lascia Star Wars’. Beh, lasciatemelo
dire, non me l’hanno chiesto. Non è che mi abbiano detto: ‘Per
favore, torna’. Quanto si può fare con un Fantasma di Forza? Vorrei
un film ambientato interamente nel regno dei Fantasmi di Forza.
Potrei conversare con Alec Guinness… Dalle tue labbra alle orecchie
di Dio.”
Sebbene Hamill ammetta che la porta
rimanga in qualche modo aperta, data la sua idea per un film sui
Fantasmi di Forza, è chiaro che ritiene che Luke Skywalker abbia
fatto il suo corso in una galassia lontana, lontana.
Mark Hamill sente che la sua storia
di Star Wars è finita
Come già accennato, i commenti di
Hamill sono nati semplicemente da una riflessione sul suo passato
in Star Wars. Come sottolinea giustamente, Luke Skywalker è morto
in Star Wars: Gli Ultimi Jedi dopo essere
diventato tutt’uno con la Forza. La sua apparizione come Fantasma
di Forza di Star Wars ne L’Ascesa di Skywalker ha
portato un senso di chiusura, con Luke e Leia che tramandano
l’eredità della loro famiglia a una nuova generazione. Da questa
prospettiva, è difficile non essere d’accordo con Hamill quando
afferma che la storia di Luke Skywalker è finita.
Toy Story
5 è in arrivo e la Disney ha finalmente rivelato
perché
Woody tornerà nel prossimo sequel Pixar. La collocazione di
Woody è stato uno dei più grandi interrogativi durante lo sviluppo
di Toy Story 5, poiché il personaggio di
Tom Hanks ha lasciato la banda alla fine di
Toy Story
4.
Nell’ambito di una presentazione a
New York City, la Disney ha fornito un’anteprima dei prossimi film
Pixar. Toy Story 5 è stato un argomento
importante, con la condivisione di alcuni dettagli della trama. Il
prossimo film parlerà di giocattoli contro tecnologia, con Bonnie
che riceve un Lily Pad che funge da antagonista del film. Il Lily
Pad vuole separare Bonnie dai suoi giocattoli, rendendola più
socievole. Jesse, che ora si occupa dei giocattoli di Bonnie,
decide che hanno bisogno di aiuto, e questo la porta a chiedere a
Woody di tornare. La Pixar ha anche condiviso un concept art, che
potete vedere qui sotto.
Il ritorno di Woody in Toy
Story 5 è un evento importante, poiché significa che Jesse
pensa che solo lui possa risolvere i problemi che l’oggetto
tecnologico sta creando. La conoscenza che Woody ha di Bonnie o
semplicemente la sua storia da leader dei giocattoli potrebbero
contribuire a questo pensiero. L’anteprima ha anche rivelato che è
passato un po’ di tempo dall’ultima volta che Woody ha visto il
resto dei giocattoli. Al suo ritorno, Woody si scontra di nuovo con
Buzz Lightyear, sotto gli occhi di Ham, Rex, Slinky e Mr. Potato
Head.
Il ritorno di Woody rivela anche
l’interessante fatto che Jesse ha preso il suo posto. Molti fan di
Toy Story davano per scontato che Buzz sarebbe stato il naturale
prossimo leader dei giocattoli. Tuttavia, è intervenuta Jesse, che
è stata la prima a decidere di riportare indietro Woody. Sebbene
non sia ancora stato rivelato il motivo per cui Jesse, invece che
Buzz, abbia preso le redini da Woody, questo verrà sicuramente
spiegato quando Toy Story 5 uscirà.
Ci si aspetta che Hugh Jackman torni a vestire i panni di
Wolverine in Avengers: Doomsday, e un nuovo
post sui social media del suo storico stuntman ha gettato ulteriore
benzina sul fuoco.
Come potete immaginare, questo ha
portato a un’altra ondata di entusiastici post sui social da parte
dei fan, ora più convinti che mai che Jackman sia pronto a
riprendere il suo ruolo di Deadpool &
Wolverine nel prossimo blockbuster. Dopotutto, è
difficile immaginare che abbia sfoderato gli artigli per l’ultima
volta dopo il ritorno di enorme successo dell’anno scorso, e la
tempistica del post di Stevens è decisamente casuale.
Tuttavia, vale la pena sottolineare
che Stevens ha lavorato nel reparto stunt di molti film
dell’MCU. Questo lo ha portato a fare la
controfigura di Chris Pratt (Star-Lord),
Robert Downey Jr. (Iron Man) e
Chris Hemsworth (Thor), tra gli
altri.
È stata confermata la loro
apparizione in Avengers: Doomsday, quindi è
probabile che non sia a Londra per fare la controfigura del
Wolverine di Jackman. A meno che non ci sia. In ogni caso, siamo un
giorno più vicini a scoprirlo il prossimo dicembre. È anche
difficile immaginare gli X-Men senza il mutante artigliato.
Robert Downey Jr. sarà Dottor Destino in Avengers: Doomsday.
Gentile Concessione Disney – (Photo by Jesse Grant/Getty Images for
Disney)
Alien: Pianeta
Terra di FX e Noah Hawley debutterà
il 13 agosto, e un nuovissimo spot televisivo è appena uscito, con
nuove immagini incentrate sul personaggio di Sydney
Chandler, Wendy. Nota per i suoi ruoli in Don’t
Worry Darling e Pistol, Chandler
interpreta il ruolo di una nuova, rivoluzionaria Sintetica, la
prima a fondere la coscienza umana con un corpo robotico.
Ma il teaser accenna a un
colpo di scena più oscuro. Mentre la trasformazione di
Wendy segna un grande passo avanti nella tecnologia, il filmato
suggerisce in modo criptico che tale evoluzione non sarà priva di
conseguenze.
Ambientata nell’anno 2120, appena
due anni prima degli eventi dell’Alien originale
di Ridley Scott, la prossima serie TV
Alien:
Pianeta Terra porta l’orrore sulla Terra per la prima
volta nella storia del franchise. La storia si svolge in un futuro
noto come “Corporate Era”, in cui cinque mega-corporazioni,
Prodigy, Weyland-Yutani, Lynch, Dynamic e Threshold, esercitano la
loro influenza su scala globale, funzionando più come nazioni
sovrane che come aziende.
In questo mondo dominato dalla
tecnologia avanzata, sintetici e cyborg sono parte integrante della
vita quotidiana. Ma ora è arrivato un nuovo balzo evolutivo: gli
ibridi, esseri che fondono la coscienza umana con la forma
robotica. Wendy, la prima della sua specie, è al centro di questa
trasformazione.
La tensione esplode in Alien: Pianeta
Terra quando una misteriosa nave da ricerca spaziale,
la USCSS Maginot, ritenuta legata alla Weyland-Yutani Corporation,
atterra inaspettatamente sulla Terra.
Wendy, una sintetica rivoluzionaria
interpretata da Sydney Chandler, viene schierata
insieme a una squadra tattica eterogenea per indagare. Quella che
inizia come una normale operazione di recupero si trasforma
rapidamente in un incubo, quando l’equipaggio scopre il mortale
carico della nave: terrificanti forme di vita aliene, tra cui i
famigerati Xenomorfi. Improvvisamente, la missione si trasforma in
una disperata lotta per la sopravvivenza, mentre una nuova ondata
di orrore emerge, questa volta sulla Terra stessa.
La serie di otto episodi debutterà
il 13 agosto su FX, con Noah Hawley come
showrunner.
A Chandler si uniscono nel cast
Timothy Olyphant nel ruolo di Kirsh,
Alex Lawther nel ruolo di CJ “Hermit”,
Essie Davis nel ruolo di Dame Silvia,
Samuel Blenkin nel ruolo di Boy Kavalier,
Adarsh Gourav nel ruolo di Slightly, Kit
Young nel ruolo di Tootles, David Rysdahl
nel ruolo di Arthur e Babou Ceesay nel ruolo di
Morrow.
Una domanda fondamentale sul
prossimo Tron:
Ares continua a riproporsi nel fandom: Garrett Hedlund riprenderà il ruolo di Sam
Flynn, figlio di Kevin Flynn (Jeff
Bridges)? Con Garrett Hedlund nei
panni di Sam Flynn e Olivia Wilde in quelli di Quorra,
Tron: Legacy si è giustamente guadagnato il suo
posto nel cuore dei fan, crescendo nella loro considerazione in
particolare con l’uscita in home video. Le sue immagini mozzafiato
e la colonna sonora iconica hanno persino ispirato una nuova
emozionante attrazione al Magic Kingdom di Disney World.
Ora, l’universo di Tron si espande
con l’attesissimo Tron:
Ares. Questo nuovo film sposta l’attenzione dai
personaggi principali di Legacy, e si basa direttamente su un’idea
entusiasmante del climax del film precedente: Quorra, un “algoritmo
isomorfo”, che esce dalla griglia digitale ed entra nel mondo
reale.
Tron:
Ares esplorerà questo concetto rivoluzionario su una
scala molto più ampia, con Jared Leto a capo del cast nei panni dell’Ares
del titolo. La trama principale ruota attorno a un evento senza
precedenti: algoritmi sempre più avanzati stanno compiendo il
salto dalla Griglia ed entrando nella realtà fisica. Questo solleva
una domanda monumentale: come reagirà l’umanità all’apparizione di
esseri senzienti con intelligenza artificiale nel nostro
mondo?
I fan si chiedono naturalmente se
Garrett Hedlund tornerà nei panni di Sam Flynn in
Ares. A una recente domanda, Hedlund ha dato una risposta molto
criptica, dicendo: “Sai, lasciamo che quell’ambiguità riposi
nell’etere”.
Nonostante la
risposta timida, Hedlund ha espresso il suo entusiasmo per il film,
riconoscendo l’immenso sforzo profuso nella sua creazione.
“Sono molto emozionato di vedere cosa hanno fatto con
Ares”, ha dichiarato. Hanno lavorato duramente per realizzare
questo film. Hanno affrontato gli ostacoli del COVID, lo sciopero,
e sono comunque riusciti ad arrivare dall’altra parte. Sono
emozionato, e questo diffonde l’amore e la popolarità per The Grid.
È incredibile quanto tempo sia passato da Legacy. Ma sono
emozionato che il pubblico riceva un’altra iniezione di Tron, dei
programmi, del disco, di The Grid e un po’ di brio di Bridges.
Il regista Joachim Rønning ha fatto luce sul
personaggio di Jared Leto in un’intervista con
Empire, paragonando Ares a una storia familiare. “Per
non essere troppo banale”, ha spiegato Rønning, “ma l’ho
sempre pensato un po’ come Pinocchio. Ares vuole essere un bambino
vero.” Ha spiegato che “Ares è come un neonato, e il film
mira a raccontare la storia dal suo punto di vista, concentrandosi
sulle piccole cose che diamo per scontate o che non vediamo più.
Questo era importante. E poi un tema più ampio del film è cosa
significhi essere umani. Soprattutto in questo caso, perché lui è
un programma per computer.”
Cosa sappiamo su Tron: Ares?
Interpretato da Jared Leto, Tron:
Ares segue un programma altamente sofisticato, Ares,
che viene inviato dal mondo digitale a quello reale per una
missione pericolosa, segnando il primo incontro dell’umanità con
esseri A.I.. Alla regia di Tron:
Ares c’è Joachim Rønning, che ha
diretto sia Pirati dei Caraibi – La vendetta di
Salazar che Maleficent
– Signora del male per la Disney dopo il suo
successo con Kon-Tiki del 2012.
Jared Leto,
Evan Peters, Jodie Turner-Smith e Greta
Lee completano il cast del film scritto da Jesse
Wigutow e Jack Thorne, la cui produzione
dovrebbe iniziare ad agosto (dipendentemente dallo sciopero degli
attori SAG-AFTRA). Emma Ludbrook, Jeffrey Springer
e Leto produrranno, con Russell
Allen come produttore esecutivo.
Jesse Wigutow e Jack
Thorne hanno scritto la sceneggiatura di Tron:
Ares, mentre Sean Bailey, Jeffrey Silver, Justin
Springer, Leto, Emma Ludbrook e Steven Lisberger hanno prodotto
insieme al produttore esecutivo Russell Allen. L’uscita del film è
prevista per il 2025.
Il franchise di
Tron è stato lanciato con l’omonimo film del 1982 con
Jeff Bridges nei panni del creatore di
videogiochi Kevin Flynn, che è stato lodato per i suoi
effetti visivi e ha sviluppato un classico di culto dopo una
difficile uscita nelle sale. A questo ha fatto seguito il sequel
Tron: Legacy del 2010, che ha introdotto nel cast
Garrett Hedlund e
Olivia Wilde e che ha ottenuto poco più di 400 milioni
di dollari al suo debutto durante le festività natalizie.
Alan Cumming torna
nei panni di Nightcrawler in Avengers:
Doomsday e, in una nuova intervista, l’attore spiega
perché questa possibilità si sta rivelando un momento di guarigione
dopo l’esperienza negativa delle riprese di X-Men
2.
La rivelazione del cast di
Avengers:
Doomsday ha visto Patrick Stewart
(Professor X), Ian McKellen (Magneto),
Alan Cumming (Nightcrawler), Rebecca
Romijn (Mystica), James Marsden
(Ciclope), Kelsey Grammer (Bestia) e
Channing Tatum (Gambit) di Deadpool &
Wolverine entrare a far parte del film.
Personaggi come Jean Grey
(Famke Janssen), Tempesta (Halle
Berry) e Rogue (Anna Paquin) sono tutti
assenti, così come il Wolverine di Hugh Jackman
(anche
se ieri abbiamo ricevuto un aggiornamento potenzialmente positivo
su questo fronte). Ci aspettiamo di vedere una squadra di
X-Men più numerosa di quella annunciata, forse con
l’aggiunta di qualche nuova Variante Multiversale per buona
misura.
Tornando a quelli confermati per
Avengers:
Doomsday, il Nightcrawler di Cumming rimane uno dei
personaggi più amati del franchise degli X-Men,
nonostante sia apparso solo in X-Men 2 del
2003.
L’attacco del teleporter alla Casa
Bianca è giustamente considerato iconico, quindi la ripresa del
ruolo in Avengers:
Doomsday è incredibilmente emozionante (siamo sicuri
che i fratelli Russo tenteranno qualcosa che almeno tenti di
eguagliare la sequenza classica).
Come mai il franchise degli
X-Men non è stato una collaborazione più prolifica per Alan
Cumming? In precedenza aveva parlato di esperienze
“pericolose” e “violente” sul set, insinuando che non gli fosse
piaciuto lavorare con il regista Bryan Singer.
Ricordiamo che in precedenza era stato riportato che uno dei
produttori aveva quasi bloccato il film a causa del presunto
comportamento imprevedibile del regista.
Parlando con The Hollywood Reporter,
Alan Cumming ha riflettuto ulteriormente sul
perché abbia odiato girare X-Men 2 e ha condiviso
il suo entusiasmo all’idea di interpretare di nuovo Nightcrawler,
anche se questa volta per i Marvel Studios.
“No [non mi aspettavo che la
chiamata]. C’era già una versione più giovane del mio personaggio,
interpretata da Kodi Smit-McPhee. Mi è successo diverse volte,
quando c’è un remake di qualcosa che ho fatto con qualcuno più
giovane. È un po’ irritante. Ma quando mi è stato chiesto di
incontrare la Marvel, nessuno sapeva se si trattasse effettivamente
di Nightcrawler o di qualche altro ruolo. È interessante perché
quello è stato uno dei film che non è stata una grande esperienza
da realizzare, ma che alla fine si è rivelato un film davvero
fantastico.”
“Ho passato momenti orribili nel
realizzarlo. Tutti noi. Non è stato bello. [La Marvel] ne era ben
consapevole. Non è ancora finito, ma è rigenerante tornare a
qualcosa che non è stata un’esperienza grandiosa e divertirsi.
Quando ho scritto il mio libro, Baggage, mi sono reso conto che
dopo X-Men avevo smesso di fare quel genere di film più grandi, da
blockbuster. Non facevo niente del genere da anni. Mi sono
allontanato di proposito da quella grande macchina perché non
volevo essere un ingranaggio infelice. Tornare a un’atmosfera
diversa è davvero bello.”
Marvel Television ha pubblicato un
nuovo speciale per la prossima serie Disney+ ambientata nell’MCU, Ironheart,
e oltre ad alcune clip dietro le quinte e interviste con coloro che
hanno contribuito alla realizzazione della serie, ci sono anche
alcuni brevi scene inedite dalla serie.
Non c’è molto che non fosse già presente nel
primo trailer, ma diamo un primo sguardo a quella che si
ritiene essere l’armatura finale di Riri Williams, che sarà
alimentata da una combinazione di tecnologia avanzata e
magia. Sembra anche esserci una rapida occhiata a un
personaggio misterioso che potrebbe rivelarsi Eziekel
Stane.
Inoltre, MTTSH ha rivelato la
sinossi del primo episodio. “Dopo essere stata espulsa dal
MIT e privata della sua tecnologia, la geniale adolescente Riri
Williams torna a Chicago. Un incontro fortuito la porta nell’orbita
di un equipaggio pericoloso e, quando usa un dispositivo di
mappatura cerebrale per riparare la sua armatura rotta, riporta
accidentalmente in vita un ologramma dell’IA della sua migliore
amica morta.”
Quello che sappiamo di Ironheart
Ambientata dopo gli eventi di
Black
Panther: Wakanda Forever, la serie Ironheart
di Marvel Television mette a confronto la tecnologia con la magia
quando Riri Williams (Dominique
Thorne), una giovane e geniale inventrice determinata
a lasciare il segno nel mondo, torna nella sua città natale,
Chicago.
La sua innovativa interpretazione
della costruzione di armature di ferro è brillante, ma nel
perseguire le sue ambizioni, si ritrova coinvolta con il misterioso
ma affascinante Parker Robbins, alias “The Hood” (Anthony
Ramos).
La serie vede la partecipazione
anche di Lyric Ross, Alden Ehrenreich, Regan Aliyah, Manny
Montana, Matthew Elam e Anji White.
Chinaka Hodge è la sceneggiatrice e produttrice
esecutiva; gli episodi sono diretti da Sam Bailey
e Angela Barnes.
I primi tre episodi di Ironheart debutteranno
su Disney+ il 24 giugno 2025.
Svelato questa notte il
trailer
ufficiale della terza e ultima stagione di “SQUID GAME”.
L’attesissima stagione finale della serie da record vede
protagonisti Gi-hun (Lee Jung-jae) e il Front Man (Lee Byung-hun),
sarà disponibile solo su Netflix dal 27 giugno.
La serie è stata
celebrata con una premiere lo scorso 12 giugno al Barbican Centre
di Londra, alla presenza del cast e del regista, insieme a numerosi
ospiti dal mondo dell’intrattenimento e dei social media.
La trama di Squid Game – stagione
3
Nella terza e ultima
stagione di Squid
Game, ritroviamo Gi-hun (Lee Jung-jae) dopo che ha perso il suo
miglior amico nel gioco ed è stato portato alla completa
disperazione dal Front Man (Lee Byung-hun), che ha nascosto la sua
vera identità per infiltrarsi nel gioco. Gi-hun non demorde nel suo
obiettivo di porre fine ai giochi, mentre il Front Man prosegue con
la sua prossima mossa e le scelte dei giocatori sopravvissuti
causano gravi conseguenze a ogni round. Il mondo attende con ansia
di vedere l’incredibile finale scritto e diretto da Hwang
Dong-hyuk, che ha promesso di portare la storia alla sua meritata
conclusione. Ci sarà un barlume di speranza per l’umanità sullo
sfondo della realtà più crudele? I fan di tutto il mondo stanno
contando i giorni prima di ricevere la risposta finale.
Il regista Hwang
Dong-hyuk, che ha fatto la storia alla 74a edizione dei Primetime
Emmy diventando il primo asiatico a vincere il premio come Miglior
regia di una serie drammatica, è ancora una volta al timone della
serie come regista, sceneggiatore e produttore. Nel cast della
terza stagione troviamo Lee Jung-jae, Lee Byung-hun, Yim Si-wan,
Kang Ha-neul, Wi Ha-jun, Park Gyu-young, Park Sung-hoon, Yang
Dong-geun, Kang Ae-sim, Jo Yu-ri, Chae Kuk-hee, Lee David, Roh
Jae-won, e Jun Suk-ho, con la partecipazione speciale di Park
Hee-soon.
La seconda stagione di Nine
Perfect Strangers arriverà presto e riunirà un altro
cast stellare per nuove avventure all’insegna del benessere. La
prima stagione è un adattamento dell’omonimo romanzo di Lianne
Moriarity, autrice anche di Big Little Lies, anch’esso adattato dallo showrunner
David E. Kelly e interpretato da
Nicole Kidman nel ruolo principale. La trama della prima
stagione seguiva un gruppo di sconosciuti in fuga dalle loro vite
che cercavano di trovare la pace interiore alla Tranquilliam House,
un centro benessere non convenzionale gestito da una fondatrice
altrettanto non convenzionale, Masha (interpretata dalla Nicole Kidman).
All’epoca, Nine Perfect Strangers si rivelò
un successo tra il pubblico, con la sua prima che entrò nella
storia come una delle serie originali più viste di sempre su Hulu e
il suo cast che ricevette molti elogi. Sebbene la prima stagione di
Nine Perfect Strangers sia stata un enorme successo per la
piattaforma di streaming, il destino della serie dopo la sua prima
uscita non è mai stato certo. Dato che aveva tutte le
caratteristiche di una miniserie, Nine Perfect Strangers
avrebbe potuto facilmente concludersi. Tuttavia, una seconda
stagione è stata rapidamente messa in produzione.
Ultime notizie suNine
Perfect Strangers – Stagione 2
Non molto tempo dopo l’annuncio
della seconda stagione, le ultime notizie rivelano
la data di uscita e il trailer di Nine Perfect Strangers –
stagione 2. La serie originale di Hulu sarà disponibile dal 21
maggio 2025, con i primi due episodi in anteprima, seguiti da un
episodio a settimana per il resto della stagione.
Il trailer prepara il terreno per
ulteriori macchinazioni di Masha, mentre i nove protagonisti
arrivano in un’elegante villa sulle Alpi. Ad eccezione di una
coppia, il gruppo è composto da perfetti sconosciuti, ma man mano
che iniziano il loro percorso di benessere, scoprono che potrebbe
esserci un legame tra loro. Masha stessa sembra crollare dietro
le quinte e la sua spirale discendente minaccia di trascinare
con sé anche i suoi clienti. Ciascuno dei clienti di Masha dovrebbe
esaminare il proprio passato oscuro, ma lei potrebbe usare i loro
traumi per i propri scopi.
Data di uscita della seconda
stagione di Nine Perfect Strangers
Nine Perfect Strangers
stagione 2 si fa attendere da tempo e ci sarà un intervallo di
quasi quattro anni tra la prima e la seconda puntata. Hulu ha
programmato la premiere della seconda stagione per il 21 maggio
2025, e la premiere consisterà nei primi due episodi della
seconda stagione. Nine Perfect Strangers passerà poi a una
programmazione settimanale per il resto della stagione.
Nine Perfect Strangers
stagione 1 si è conclusa il 22 settembre 2021.
Ancora una volta di ritorno per
guidare il cast, Nicole Kidman riprenderà il ruolo di Masha
Dmitrichenko nella seconda stagione di Nine Perfect
Strangers. Oltre alla Kidman, non sono stati annunciati altri
personaggi di ritorno, anche se sono stati aggiunti una serie di
nuovi arrivati. Il vincitore dell’Emmy Murray Bartlett (The
White Lotus) apparirà nel ruolo di Brian, un ex conduttore di
programmi per bambini che porta ancora con sé il suo pupazzo.
La pluripremiata Christine Baranski
(The Gilded Age) sarà anche lei nella prossima
stagione nel ruolo di Victoria.
Annie Murphy (Black Mirror)
interpreterà Imogen, mentre
Mark Strong (The Catcher Was a Spy) sarà David. Henry
Golding (Crazy Rich Asians) apparirà come Peter, mentre il
ruolo di Helena sarà interpretato da Lena Olin (Chocolat).
Con l’uscita del trailer, è stato confermato che la maggior parte
del cast sarà composto dai clienti di Masha, che la raggiungeranno
in una villa sulle Alpi per un ritiro benessere.
L’elenco dei nomi annunciati per il
cast della seconda stagione include:
Dettagli sulla trama della
seconda stagione di Nine Perfect Strangers
Oltre a colpi di scena,
traumi e brutte sorprese, i personaggi non possono aspettarsi altro
che il peggio per raggiungere ciò che si sono
prefissati.
Nine Perfect Strangers
stagione 2 sarà ambientata nelle Alpi austriache, con Masha che
ospiterà un altro gruppo di cittadini in fuga dalla realtà in un
ritiro di 10 giorni all’insegna della purificazione e della pace.
Oltre a colpi di scena, traumi e brutte sorprese, i personaggi non
possono aspettarsi altro che il peggio per raggiungere i loro
obiettivi. Sarà anche interessante vedere come gli sceneggiatori
gestiranno il ritorno di Masha, che è stata vista l’ultima volta
mentre veniva scortata dalla polizia fuori dalla struttura nel
finale di stagione.
Al momento si conoscono pochi
dettagli sui clienti di Masha, ma il trailer suggerisce che sono
tutti collegati in qualche modo. Naturalmente, la guru del
benessere ha i suoi segreti che minacciano di distruggerla dietro
le quinte. Il mistero è uno degli aspetti migliori della storia
della serie, quindi molti dettagli sulla seconda stagione non
saranno noti fino alla messa in onda degli episodi.
Trailer della seconda stagione
di Nine Perfect Strangers
Guarda il trailer completo qui
sotto
Per promuovere il ritorno di
Nine Perfect Strangers, Hulu ha pubblicato un trailer
della seconda stagione alla fine di aprile 2025. Il trailer
presenta la premessa di base della serie con i nove personaggi che
arrivano nella misteriosa villa sulle Alpi e non perde tempo ad
addentrarsi nel dramma interpersonale.
Da parte sua, Masha riesce a
malapena a tenere insieme la facciata, ma quando non è con i suoi
clienti cominciano ad affiorare le prime crepe. Il trailer mostra i
clienti che scavano nel loro passato oscuro e si intuisce che Masha
ha dei piani. Si suggerisce anche che gli sconosciuti potrebbero
essere collegati in qualche modo e che questo potrebbe essere il
segreto dei piani di Masha.
Il finale di Nine Perfect Strangers rimane fedele al tono
misterioso del resto della serie. Seguendo le storie di nove
persone tormentate, ognuna alle prese con un trauma personale, la
serie racconta il loro trattamento in un losco centro benessere
chiamato Tranquillum. Tuttavia, nel drammatico climax della serie,
è chiaro che ognuno degli ospiti ha ottenuto più di quanto si
aspettasse dalle mani dell’eccentrica direttrice del resort, Masha
Dmitrichenko.
Masha garantisce a ciascuno dei
nove ospiti che le sue cure li aiuteranno a guarire entro la fine
del loro soggiorno. Tuttavia, le cure di Masha si rivelano più poco
ortodosse di quanto gli ospiti si aspettassero quando lei confessa
di aver aggiunto segretamente tracce di droghe psichedeliche nei
loro pasti. Il finale di Nine
Perfect Strangers vede il Tranquillum gettato nel caos
quando molti degli ospiti sperimentano effetti collaterali dovuti a
una droga chiamata psilocibina (funghi allucinogeni), che Masha
(interpretata dalla star Nicole Kidman) ha somministrato loro in dosi
sempre più elevate. Per impedire che mettano in pericolo se stessi,
Masha mette tutti gli ospiti sotto chiave, ad eccezione della
famiglia Marconi, Napoleon, Heather e la loro figlia ventenne Zoe.
I tre vengono convinti da Masha che l’uso di sostanze psichedeliche
in combinazione con la meditazione permetterà loro di parlare
un’ultima volta con il figlio defunto Zach, in modo da poter fare
pace con la sua morte. La meditazione ha successo quando i Marconi
hanno l’opportunità di comunicare con Zach un’ultima volta.
L’ultimo episodio di Nine
Perfect Strangers si concentra sul mostrare come
ogni ospite sia stato cambiato dalle proprie esperienze al
Tranquillum, ma la presentazione delle scene finali ha un tono
ambiguo. Il futuro di ogni personaggio dopo la visita al resort di
Masha è lasciato all’interpretazione dello spettatore. Sebbene non
ci sia una conclusione definitiva sul significato del finale, ecco
alcune spiegazioni per alcuni dei dettagli più importanti.
Il legame segreto di
Carmel con Masha in Nine Perfect Strangers
Quando gli ospiti arrivano, Masha
spiega loro che l’evento che l’ha spinta a creare il Tranquillum è
stato un’esperienza di pre-morte dopo essere stata colpita da uno
sconosciuto. Il passato torna a tormentarla quando lo sconosciuto
si rivela essere uno dei suoi nuovi ospiti, una donna di nome
Carmel. La maggior parte dei protagonisti di Nine Perfect Strangers arriva al
Tranquillum con un certo timore, ma Carmel si distingue dal gruppo
per la sua ammirazione aperta nei confronti di Masha. Il suo
sincero rispetto per Masha suscita confusione sul motivo per cui
dovrebbe provare risentimento nei suoi confronti, ma la ragione di
Carmel diventa chiara quando si scopre che è la sua insicurezza a
generare la sua rabbia.
Sebbene Carmel desideri con tutto
il cuore diventare la versione migliore di sé stessa, è
costantemente sopraffatta dai dubbi. Per lei, Masha rappresenta un
ideale irraggiungibile di spiritualità, bellezza e autocontrollo.
La consapevolezza della propria invidia spinge Carmel a toccare il
fondo quando si rende conto del danno che la sua rabbia può causare
a sé stessa e a chi le sta intorno, ma non riesce comunque a
reprimere le sue emozioni negative. È solo quando il falso velo di
positività di Carmel cade che lei è in grado di riconoscere
pienamente il motivo della sua sofferenza.
L’interesse di Masha per la
famiglia Marconi
Tra tutti gli ospiti, Masha è
quella più incuriosita dalla famiglia Marconi. I Marconi si recano
al Tranquillum perché stanno piangendo il suicidio del figlio
adolescente Zach, la cui perdita ha distrutto la famiglia. Il
padre, Napoleon, cerca di rimanere ottimista sul futuro nonostante
non capisca perché Zach si sia tolto la vita, ma questo ottimismo
allontana sua moglie Heather e sua figlia Zoe (interpretata da
Grace Van Patten). Masha mostra un interesse particolare per i
Marconi, non solo perché crede che abbiano un disperato bisogno di
aiuto, ma anche perché ha vissuto lei stessa la perdita di un
figlio.
I flashback rivelano che Masha
aveva una figlia di nome Tatiana, morta in un incidente stradale.
Nel finale di Nine Perfect Strangers, Masha si unisce
personalmente ai Marconi nella meditazione perché anche lei sente
il bisogno di guarire dalla perdita di un figlio. Masha ha una
rivelazione quando si rende conto che riesce a ricordare Tatiana
meglio mentre medita con i Marconi. Questa sequenza mostra Masha
alle prese con un doloroso conflitto interiore, nonostante gli
episodi precedenti la mostrassero come una persona padrona di sé e
generalmente positiva.
Tranquillum dopo l’arresto di
Masha in Nine Perfect Strangers
La meditazione di Masha si rivela
efficace quando si ricongiunge emotivamente con Tatiana. Nonostante
questa svolta, la polizia arriva presto al Tranquillum dopo essere
stata informata da uno degli assistenti della struttura
dell’uso
di droghe psichedeliche da parte di Masha. Masha permette con
calma agli agenti di arrestarla senza opporre resistenza. Sembra
imperturbabile di fronte all’imminente chiusura del Tranquillum,
ancora in pace dopo la sua commovente esperienza con il ricordo di
Tatiana.
Cosa succede agli
ospiti in Nine Perfect Strangers?
Dopo l’arresto di Masha, gli ospiti
vengono immediatamente interrogati dalla polizia sugli eventi del
loro soggiorno. Tutti confermano che nel trattamento di Tranquillum
sono state utilizzate droghe, ma nessuno accusa espressamente Masha
di aver fatto qualcosa di sbagliato. Uno degli ospiti, un
giornalista investigativo di nome Lars, era venuto al Tranquillum
per raccogliere prove di presunte operazioni non etiche, ma ha
scelto di non divulgare le riprese incriminanti che aveva
documentato con il suo smartphone. L’episodio finale di Nine
Perfect Strangers dà l’impressione che tutti gli ospiti abbiano
sentito di aver vissuto un evento che ha cambiato la loro vita,
anche se diverso da quello che avevano immaginato inizialmente.
I finali di Nine Perfect
Strangers sono falsi?
L’aspetto più controverso di
Nine Perfect Strangers riguarda i diversi finali del finale.
Poco dopo che tutti gli ospiti hanno lasciato Tranquillum, il
pubblico intravede ogni personaggio tornare alla propria vita con
una visione più positiva rispetto a prima del trattamento.
Tuttavia, la presentazione di queste scene solleva il sospetto che
i finali non siano realmente reali, poiché vengono mostrati dopo
che uno degli ospiti, una scrittrice di nome Frances, inizia a
prendere appunti su un foglio di carta. Considerando quanto i
personaggi di Nine Perfect Strangers mettano in discussione
la realtà della loro esperienza, è appropriato che la serie si
concluda con un finale ambiguo.
Dato che Frances ha voluto
conoscere tutti gli altri ospiti, è logico che sia in grado di
intuire come cambieranno le loro vite una volta tornati a casa.
Alcuni finali sembrano il logico passo successivo nella vita dei
protagonisti, come la famiglia Marconi che impara a guarire dopo la
morte di Zach o Carmel che crea un piccolo gruppo di terapia per
aiutare se stessa e altre persone con idee affini a migliorare se
stesse. Allo stesso tempo, altri finali sembrano più inaspettati,
soprattutto perché due degli ospiti più giovani, Jessica e Ben,
sembrano prendere il controllo di Tranquillum dopo l’arresto di
Masha. Il finale più sorprendente è riservato alla fine, quando
Masha viene mostrata mentre guida lungo un’autostrada, lontana da
Tranquillum e apparentemente senza una destinazione precisa. Spetta
essenzialmente allo spettatore decidere se i finali siano reali o
meno.
La rilevanza della
realtà dei finali di Nine Perfect Strangers
L’ambiguità delle scene finali
contribuisce al tono psichedelico di Nine Perfect Strangers,
ma ha anche una rilevanza tematica per quanto riguarda i
protagonisti. I finali sono suggeriti come possibilità che Frances
concepisce dopo aver trascorso del tempo con gli altri ospiti.
Quando viene presentata, Frances mostra una visione cinica del
mondo, derivata da una generale sfiducia nei confronti delle altre
persone. La sua prospettiva sulla vita è che il mondo non ha finali
felici. Per rendere ancora più ambigua la realtà dei finali,
Frances considera gli scrittori come lei dei bugiardi che creano
visioni impossibilmente positive del mondo.
Frances si rende conto che, anche
se la sua vita non è perfetta, può comunque lottare per essere
felice. Il finale di Nine Perfect Strangers trasmette
l’idea che la felicità è una possibilità piuttosto che una
garanzia, per cui vale la pena lottare anche se sembra
irraggiungibile. La serie riconosce che i protagonisti sono liberi
di scegliere il proprio percorso nella vita e di cercare un futuro
che alla fine garantisca loro la pace interiore.
L’episodio 4 di Nine
Perfect Strangers ha rivelato che Masha ha
somministrato microdosi di psilocibina agli ospiti del Tranquilum,
ma funziona davvero come lei sostiene? Come è consuetudine di Hulu,
i primi tre episodi sono stati pubblicati tutti insieme sulla
piattaforma di streaming, mentre gli episodi successivi sono stati
pubblicati uno alla settimana. Finora, la strategia sembra
funzionare: Nine Perfect Strangers è stata la
serie più vista di sempre su Hulu. Il pubblico è stato attratto
dall’atmosfera pulp e thriller che ha riscosso tanto successo negli
ultimi anni per HBO.
Nine Perfect Strangers segue
nove ospiti del resort Tranquilum, gestito da Masha Dmitrichenko,
interpretata da Nicole Kidman, una guru del benessere russa con un
passato oscuro che nasconde un segreto agli ospiti: ha fatto
somministrare al suo staff microdosi di psilocibina alla maggior
parte degli ospiti a loro insaputa. È una scommessa pericolosa.
Ogni ospite è stato scelto per un motivo specifico e sta
affrontando problemi profondamente radicati, tra cui ansia,
depressione, problemi di gestione della rabbia, dipendenza, traumi,
lutti e altro ancora. Il suo staff esprime riserve sul trattare in
questo modo un gruppo così instabile, ma sembra che il metodo di
cura non ortodosso e poco etico di Masha stia funzionando, almeno
per ora. Il gruppo inizia ad accedere alle emozioni represse e alle
verità che sta nascondendo.
Tuttavia, gli ospiti di Nine Perfect Stranger scoprono che Masha li ha drogati e
la affrontano. Masha ammette di aver somministrato loro microdosi
di psilocibina, nota anche come funghi allucinogeni, ma è convinta
di non avere nulla di cui pentirsi. Afferma che la psilocibina
“cura la dipendenza, può trattare malattie mentali, PTSD,
schizofrenia, demenza. Può farti mangiare meglio, dormire meglio,
scopare meglio e ha la capacità di cambiare il mondo”. A difesa di
Masha, non ha del tutto torto. L’interesse psichiatrico per le
sostanze psichedeliche non è esattamente una novità; gli anni ’60 e
’70 hanno visto numerosi esperimenti, alcuni discutibili, che
prevedevano l’uso di LSD e altre sostanze psichedeliche, tra cui il
progetto MKUltra della CIA, segreto ed estremamente immorale. Più
recentemente, alcune ricerche hanno suggerito che il microdosaggio
con psilocibina, l’approccio di Masha, può avere alcuni benefici,
poiché sembra aiutare ad alleviare alcuni sintomi di ansia,
depressione e altri disturbi dell’umore. Si pensa anche che il
microdosaggio possa aiutare a combattere l’infiammazione nel corpo,
responsabile di numerose malattie e disturbi. [via
Harvard]
Detto questo, Masha sta correndo
troppo in Nine Perfect Strangers. La ricerca dedicata agli
effetti del microdosaggio di sostanze psichedeliche è ancora agli
inizi, essendo diventata un argomento di studio solo negli ultimi
anni. La ricerca sugli effetti di qualsiasi farmaco richiede anni,
se non decenni, per raccogliere prove reali e concrete sufficienti
a giungere a una conclusione definitiva. Sebbene le prime ricerche
abbiano dato risultati iniziali piuttosto promettenti, ci sono
ancora poche prove per escludere che gli effetti positivi del
microdosaggio di psilocibina siano qualcosa di più dell’effetto
placebo, e alcuni studi suggeriscono che potrebbe essere proprio
così. [via
New Scientist]
Inoltre, non è chiaro quanto sia
sicuro. Proprio come ci sono prove che suggeriscono che possa
aiutare alcune persone, ci sono anche prove raccolte in questi
primi studi di ricerca che indicano che alcune persone sono molto
più sensibili agli effetti collaterali negativi della psilocibina,
tra cui l’insorgenza di episodi psicotici. Altre ricerche indicano
che per altre persone il microdosaggio di psilocibina può
esacerbare proprio quei sintomi che dovrebbe alleviare, tra cui
ansia, difficoltà a dormire, emicrania e disagio fisico.
Masha e lo staff del Tranquilum,
compreso Yao (interpretato da Manny Jacinto), hanno adottato
misure precauzionali per garantire che chiunque sia predisposto ad
avere una reazione negativa al microdosaggio di psilocibina non
riceva il farmaco, effettuando regolarmente esami del sangue e
analisi del sangue dei loro ospiti. Tuttavia, non è chiaro se
qualcuno dello staff del Tranquilum sia effettivamente addestrato
per gestire questo tipo di analisi del sangue e flebotomia.
Yao ha una formazione medica, ma
sembra essere un paramedico, una professione nobile, ma che non
include il tipo di formazione specializzata necessaria per gestire
un mini-laboratorio. Con così tante incognite sugli effetti del
microdosaggio di psilocibina, ciò che Masha e il suo staff del
Tranquilum stanno facendo in Nine Perfect Strangers è pericoloso,
immorale e illegale.
Creata da Tony Ayres, la
serie
Netflix Ombre nell’acqua (The
Survivors) racconta la storia di
Keiran Elliott, un ragazzo la cui vita viene sconvolta da una
terribile tragedia che porta alla morte di tre persone a lui molto
care. Quindici anni dopo il traumatico evento, Keiran torna nella
sua città natale, Evelyn Bay, in Tasmania, Australia, solo per
rendersi conto che il suo passato continua a perseguitarlo e a
seguirlo ovunque. Mentre cerca di riprendere la sua vita con la
fidanzata Mia e la loro bambina Audrey, le loro vite vengono
nuovamente sconvolte dall’omicidio di una ragazzina che sconvolge
il quartiere. Di conseguenza, il protagonista e i suoi cari devono
affrontare il mistero che circonda la morte della ragazza, scavando
nel passato di ciascuno di loro, che potrebbe avere un collegamento
con l’ultima tragedia. A tal fine, la serie drammatica serve come
autentico promemoria degli effetti complessi del dolore, dei
segreti comuni e delle famiglie disfunzionali.
Ombre nell’acqua è tratto da
un romanzo giallo
Nonostante approfondisca una serie
di temi difficili che risuonano con situazioni del mondo reale,
Ombre nell’acqua è una storia di fantasia scritta dal
creatore della serie, Tony Ayres. L’ispirazione originale per il
progetto è venuta dall’omonimo romanzo di Jane Harper del 2020, che
ruota attorno alla stessa premessa della serie, descrivendo una
storia piena di dinamiche familiari complicate e un misterioso
omicidio. L’autrice ha trascorso molto tempo a sviluppare il giusto
mix di dramma, azione e intrigo per alimentare la sua opera.
Tuttavia, è stata anche spinta dal desiderio di esplorare “gli
effetti a catena” di un evento terribile su una comunità nel suo
complesso. Per lei, un misterioso omicidio era “il catalizzatore”
per addentrarsi nelle idee più grandi e significative al centro
della storia, che nel caso di “The Survivors” sono i residenti che
cercano di andare avanti con la loro vita dopo che una terribile
tragedia ha distrutto ogni parvenza di normalità.
La ricerca condotta da Harper è
stata approfondita, poiché voleva che ogni singolo aspetto della
storia fosse il più realistico possibile, nonostante la maggior
parte dei personaggi, degli eventi e dei luoghi fossero frutto
della sua immaginazione. La città di Evelyn Bay, ad esempio, è
stata sviluppata come ambientazione principale dopo che l’autrice
ha trascorso un po’ di tempo nella provincia della Tasmania. Per
alcuni aspetti familiari della storia, tra cui la nuova vita del
protagonista Keiran come giovane padre, ha attinto alle sue
esperienze di madre. Nel frattempo, ha anche contattato un medico
per rappresentare in modo autentico la salute degenerativa del
padre di Keiran. La scrittrice non si è fermata qui, riconoscendo
l’importanza della sua carriera di giornalista nel documentarsi su
una storia in cui la vita delle persone è determinata da eventi che
hanno un impatto duraturo sulle loro scelte future.
Ombre nell’acqua esplora
il dolore e il trauma attraverso la lente di un complotto
omicida
Sebbene la serie sia fedele al
materiale originale, cerca anche di mettere in risalto le parti
migliori attraverso una lente più mirata. Questo perché il tema
ricorrente nella narrazione è il doppio volto che le persone
indossano per affrontare il dolore o altre mancanze. Poiché la
comunità gioca un ruolo importante, spesso vediamo i personaggi
cercare di comportarsi bene anche se, nel profondo, sono stanchi di
mantenere una facciata falsa. Nessuno è disposto ad ammettere che
il proprio modo di pensare è sbagliato perché, se lo facesse, tutta
la sua vita potrebbe andare in pezzi. A tal fine, ci viene concesso
uno sguardo crudo su individui che agiscono in modo davvero
vulnerabile, rendendoli umani fino all’eccesso. La serie ruota
attorno all’idea che le intenzioni, buone o cattive che siano,
possono essere mascherate dalle azioni che si compiono all’esterno
e dai risultati che si ottengono.
In un’intervista con Netflix, il creatore Tony Ayres ha detto: “Descrivo
spesso la serie come un cavallo di Troia. È un melodramma familiare
mascherato da giallo. Perché le cose che stanno davvero al centro
sono cose come un figlio che vuole l’amore di sua madre e la madre
che non può permettersi di darglielo perché tutto il suo mondo
potrebbe crollare”. Man mano che ci addentriamo nella storia,
diventa evidente che piuttosto che concentrarsi direttamente sulla
reazione di qualcuno alla perdita, è più importante mostrare ciò
che pensa di sé stesso quando viene colpito da un trauma. Pertanto,
finché qualcuno è in grado di giustificare le proprie decisioni,
può trovare la forza d’animo per andare avanti, anche se la
determinazione proviene da un luogo instabile. Questo mette in
evidenza le dinamiche uniche che governano le persone e le società
in generale, che lo radicano in uno strato di realtà nonostante la
trama fittizia.
Sue Pendlebury è una detective
immaginaria
Come investigatrice capo in
Ombre nell’acqua, Sue Pendlebury è una detective di spicco
che svolge un ruolo fondamentale nel scuotere le acque a Evelyn
Bay, mentre cerca di ottenere risposte chiare dai suoi riservati
abitanti. È un personaggio immaginario creato dalla scrittrice Jane
Harper. Nella serie Netflix, interpreta il ruolo di una persona
dirompente e determinata a mettere le mani sul colpevole, anche se
il suo approccio è misurato e calcolatore. Come la sua controparte
nella serie, anche nella versione letteraria Pendlebury è
un’ispettore che arriva sulla costa della Tasmania da Hobart per
risolvere l’omicidio di Bronte Laidler. Il suo arrivo è segno che
la situazione viene presa sul serio, ma non fa altro che seminare
zizzania tra gli abitanti della città.
Uno degli effetti più notevoli del
coinvolgimento di Pendlebury nella narrazione è il modo in cui lei,
senza volerlo, riporta a galla segreti sepolti da tempo e passati
che ancora vivono nella mente di molti abitanti di Evelyn Bay. In
particolare, si rende conto che un vecchio caso che gli
investigatori dell’epoca avevano archiviato potrebbe avere qualche
collegamento con l’omicidio di Bronte, dimostrando la sua
competenza e capacità di analizzare le cose in poco tempo. Per
temperamento, è adatta al suo ruolo di agente di polizia perché usa
molto più la testa che il cuore, evitando così che la sua
insensibilità traspaia dalle sue azioni. Con il passare del tempo,
smantella la rete di bugie, inganni e misteri che si nasconde sotto
le fondamenta di Evelyn Bay, fornendo le risposte che tutti
vogliono sapere. Pertanto, anche se è frutto dell’immaginazione
dello scrittore, svolge un ruolo molto importante nella
narrazione.
Creata da Tony Ayres, la serie
Netflix Ombre nell’acqua racconta la storia di Keiran
Elliott, un ragazzo la cui vita viene sconvolta da una terribile
tragedia che porta alla morte di tre persone a lui care. Quindici
anni dopo il traumatico evento, Keiran torna nella sua città
natale, Evelyn Bay, in Tasmania, Australia, solo per rendersi conto
che il suo passato lo perseguita e lo segue ovunque. Mentre cerca
di riprendere la sua vita con la fidanzata Mia e la loro bambina
Audrey, le loro vite vengono nuovamente sconvolte quando l’omicidio
di una ragazzina sconvolge il quartiere. Di conseguenza, il
protagonista e i suoi cari devono affrontare il mistero dietro la
morte della ragazza, scavando anche nel passato di ciascuno di
loro, che potrebbe avere un collegamento con l’ultima tragedia. A
tal fine, la serie drammatica serve come autentico promemoria degli
effetti complessi del dolore, dei segreti comuni e delle famiglie
disfunzionali.
Ombre nell’acqua è tratto
da un romanzo giallo
Nonostante approfondisca una serie
di temi difficili che risuonano con situazioni del mondo reale,
Ombre nell’acqua è una storia di fantasia scritta dal
creatore della serie, Tony Ayres. L’ispirazione originale per il
progetto è venuta dall’omonimo romanzo di Jane Harper del 2020, che
ruota attorno alla stessa premessa della serie, descrivendo una
storia piena di dinamiche familiari complicate e un misterioso
omicidio. L’autrice ha trascorso molto tempo a sviluppare il giusto
mix di dramma, azione e intrigo per alimentare la sua opera.
Tuttavia, è stata anche spinta dal desiderio di esplorare “gli
effetti a catena” di un evento terribile su una comunità nel suo
complesso. Per lei, un misterioso omicidio era “il catalizzatore”
per addentrarsi nelle idee più grandi e importanti al centro della
storia, che nel caso di “The Survivors” sono i residenti che
cercano di andare avanti con la loro vita dopo che una terribile
tragedia ha distrutto ogni parvenza di normalità.
La ricerca condotta da Harper è
stata approfondita, poiché voleva rendere ogni singolo aspetto
della storia il più realistico possibile, nonostante la maggior
parte dei personaggi, degli eventi e dei luoghi fossero frutto
della sua immaginazione. La città di Evelyn Bay, ad esempio, è
stata sviluppata come ambientazione principale dopo che l’autrice
ha trascorso un po’ di tempo nella provincia della Tasmania. Per
alcuni aspetti familiari della storia, tra cui la nuova vita del
protagonista Keiran come giovane padre, ha attinto alle proprie
esperienze di madre. Nel frattempo, ha anche contattato un medico
per rappresentare in modo autentico la salute degenerativa del
padre di Keiran. La scrittrice non si è fermata qui, riconoscendo
l’importanza della sua carriera di giornalista nel documentarsi su
una storia in cui la vita delle persone è determinata da eventi che
hanno un impatto duraturo sulle loro scelte future.
Ombre nell’acqua esplora il dolore
e il trauma attraverso la lente di un complotto omicida
Sebbene la serie sia fedele al
materiale originale, cerca anche di mettere in risalto gli aspetti
migliori attraverso una lente più mirata. Questo perché il tema
ricorrente nella narrazione è il doppio volto che le persone
indossano per affrontare il dolore o altre mancanze. Poiché la
comunità gioca un ruolo importante, spesso vediamo i personaggi
cercare di comportarsi bene anche se, nel profondo, sono stanchi di
mantenere una facciata falsa. Nessuno è disposto ad ammettere che
il proprio modo di pensare è sbagliato perché, se ammettesse il
proprio fallimento, tutta la sua vita potrebbe andare in pezzi. A
tal fine, ci viene concesso uno sguardo crudo su individui che
agiscono in modo veramente vulnerabile, rendendoli umani fino
all’eccesso. La serie ruota attorno all’idea che le intenzioni,
buone o cattive che siano, possono essere mascherate dalle azioni
che si compiono esteriormente e dai risultati che si ottengono.
In un’intervista con Netflix, il
creatore Tony Ayres ha detto: “Descrivo spesso la serie come un
cavallo di Troia. È un melodramma familiare mascherato da giallo.
Perché le cose che stanno davvero al centro sono cose come un
figlio che vuole l’amore di sua madre e la madre che non può
permettersi di darglielo perché tutto il suo mondo potrebbe
crollare”. Man mano che ci addentriamo nella storia, diventa
evidente che piuttosto che concentrarsi direttamente sulla reazione
di qualcuno alla perdita, è più importante mostrare ciò che pensa
di sé stesso quando viene colpito da un trauma. Pertanto, finché
una persona è in grado di giustificare le proprie decisioni, può
trovare la forza d’animo per andare avanti, anche se la sua
determinazione proviene da un luogo instabile. Questo mette in
evidenza le dinamiche uniche che governano le persone e le società
in generale, che lo radicano in uno strato di realtà nonostante la
trama fittizia.
Sue Pendlebury è una detective
immaginaria
Come investigatrice capo in
Ombre nell’acqua, Sue Pendlebury è una detective di spicco
che svolge un ruolo fondamentale nel scuotere le acque a Evelyn
Bay, mentre cerca di ottenere risposte chiare dai suoi riservati
abitanti. È un personaggio immaginario creato dalla scrittrice Jane
Harper. Nella serie Netflix, interpreta il ruolo di una persona
dirompente e determinata a mettere le mani sul colpevole, anche se
il suo approccio è misurato e calcolatore. Come la sua controparte
nella serie, anche nella versione letteraria Pendlebury è
un’ispettore che arriva sulla costa della Tasmania da Hobart per
risolvere l’omicidio di Bronte Laidler. Il suo arrivo è segno che
la situazione viene presa sul serio, ma non fa altro che seminare
zizzania tra gli abitanti della città.
Uno degli effetti più notevoli del
coinvolgimento di Pendlebury nella narrazione è il modo in cui lei,
inavvertitamente, porta alla luce segreti sepolti da tempo e
passati che ancora risiedono e vivono nelle menti di molti abitanti
di Evelyn Bay. In particolare, si rende conto che un vecchio caso
che gli investigatori avevano accantonato all’epoca potrebbe avere
qualche collegamento con l’omicidio di Bronte, dimostrando la sua
competenza e capacità di analizzare le cose con rapidità. Per
temperamento, è adatta al suo ruolo di agente di polizia perché usa
molto più la testa che il cuore, evitando così che la sua
insensibilità traspaia dalle sue azioni. Con il passare del tempo,
smantella la rete di bugie, inganni e misteri che si nasconde sotto
le fondamenta di Evelyn Bay, fornendo le risposte che tutti
vogliono sapere. Pertanto, anche se è frutto dell’immaginazione
dell’autore, svolge un ruolo molto importante nella narrazione.
Diretto da Antoine Blossier,
“K.O.” segue le vicende di Bastien, un ex
lottatore di MMA la cui carriera è finita bruscamente dopo aver
accidentalmente ucciso un avversario durante un incontro sul ring.
Tormentato dal senso di colpa, Bastien cerca di fare ammenda con la
famiglia dell’avversario morto, in particolare con sua moglie Emma
e suo figlio Leo, ma riceve solo odio da loro, che lo incolpano di
avergli portato via la persona amata. Anni dopo, Bastien, ormai
recluso, viene incaricato di trovare Leo dopo che il ragazzo è
finito coinvolto in affari loschi che mettono in pericolo la sua
vita. Bastien intraprende così un viaggio per espiare i peccati del
passato e assicurarsi che le conseguenze delle sue azioni non
ricadano sulle spalle di un ragazzino. Il film d’azione
Netflix riprende la formula collaudata della
narrazione di redenzione e la ambienta in un mondo fatto di sangue,
caos e combattimenti letali.
K.O. esplora il trauma di una
morte nel mondo dello sport
Per la maggior parte, “K.O.” è una
storia di fantasia scritta e diretta da Antoine Blossier, che
approfondisce la realtà cruda di una vita dedicata alla violenza e
al crimine. Il film lo fa attraverso gli occhi di un combattente di
MMA pentito, Bastien, che ha visto e contribuito a spargimenti di
sangue che hanno cambiato la sua mentalità. Nelle scene iniziali,
vediamo il protagonista lottare con le unghie e con i denti per la
vittoria contro un avversario di nome Enzo Prince all’interno della
gabbia. Le cose vanno male quando, nella sua ricerca della
vittoria, Bastien esagera con le mosse e finisce per uccidere Enzo
sul ring, sotto gli occhi di sua moglie e suo figlio, che alla fine
pagano il prezzo della morte di Enzo. Tuttavia, la storia si
concentra sul senso di colpa che rimane nell’anima di Bastien per
il mostruoso atto di aver ucciso qualcuno.
Sebbene il film descriva una
narrazione fittizia, il suo contesto ricorda molti casi reali di
morti tragiche nel campo dello sport. Ad esempio, l’industria delle
MMA ha registrato oltre una dozzina di decessi durante incontri
autorizzati. La probabilità è molto maggiore nelle arti marziali
miste perché, a differenza di altri sport da combattimento, le
lesioni al collo e alla testa sono frequenti e possono complicare
gravemente la situazione della vittima. Nel 2023, il giocatore di
hockey su ghiaccio Adam Johnson, che giocava per i Nottingham
Panthers,
è deceduto dopo che il suo collo è stato reciso durante uno
scontro con Matt Petgrave, un difensore della squadra degli
Sheffield Steelers. L’incidente ha causato un enorme effetto a
catena in tutto il settore dell’hockey su ghiaccio e anche in altri
sport in generale, mettendo in evidenza i rischi associati agli
sport di alto livello.
Anche se le azioni di Bastien sono
frutto di fantasia, casi come quello di Adam Johnson evidenziano il
confine sottile tra la vita e la morte e come questo possa avere
conseguenze enormi e involontarie per chi è vicino alla tragedia.
Come concetto, lo sport ha lo scopo di incoraggiare la competizione
tra individui altamente qualificati e motivati per mettersi alla
prova sul palcoscenico più importante. Ma “K.O.” pone una domanda:
cosa succede quando il desiderio e l’ambizione vanno troppo oltre e
finiscono per costarti caro? In questo caso, la vittima non è solo
colui che ha perso la vita, ma anche colui che ha causato la morte
in modo accidentale. Bastien fa della sua missione di vita quella
di rimediare ai propri errori salvando il figlio del suo avversario
morto. Questo lo rende umano e vulnerabile, rendendo la narrazione
fittizia autentica.
Bastien: un lottatore di MMA
vagamente radicato nella realtà
Il protagonista di “K.O.” è senza
dubbio Bastien, il risoluto protagonista che cerca di rimediare a
un terribile incidente. Sebbene sia descritto come un ex lottatore
di MMA al culmine della carriera, Bastien non esiste nella realtà,
il che recide la maggior parte dei suoi legami con persone reali.
Tuttavia, Ciryl Gane, che interpreta Bastien, è un lottatore di MMA
francese che ha illuminato il ring con la sua atleticità, la sua
abilità tecnica e tattica e i suoi colpi potenti. È quindi
altamente plausibile che lo sceneggiatore e regista Antoine
Blossier abbia modellato il suo protagonista su Gane, rendendolo
perfetto per interpretare il personaggio sullo schermo. Ciò è
particolarmente vantaggioso quando si tratta delle complesse
coreografie di combattimento sparse in tutto il film, che
consentono a Gane di mostrare le sue abilità contro orde di
nemici.
Uno degli aspetti degni di nota di
“K.O.” è il modo in cui cerca di includere momenti di debolezza e
stanchezza nelle lunghe scene di combattimento che coinvolgono
Bastien. Durante questi combattimenti, spesso si prende il tempo di
riprendere fiato prima di affrontare il prossimo gruppo di nemici,
il che sembra realistico e ricorda molto progetti come “Daredevil”
di Netflix. Gane, che ha una vasta esperienza nei combattimenti
MMA, tra cui alcune gare nell’UFC (Ultimate Fighting Championship),
potrebbe anche aver dato il suo contributo durante queste
impegnative routine di combattimento create per il film,
influenzando ulteriormente i movimenti di Bastien e ricalcando i
propri. Pertanto, il protagonista ha un potenziale legame generale
con i combattenti MMA della vita reale attraverso la performance di
Gane, che lo rende in parte basato sulla realtà.
Guy Gardner, Hawkgirl e Mister
Terrific in Superman
L’uscita di Superman è alle porte
e il regista
James Gunn e la Warner Bros. stanno iniziando
a intensificare la campagna marketing del film.
Gunn ha rivelato un nuovo dietro le
quinte con Guy Gardner, Mister Terrific, Hawkgirl e Metamorpho.
Anche se sembra che Rex Maxon inizi come prigioniero di Lex Luthor
in Superman, quali sono le probabilità che si unisca alla Justice
Gang entro la fine del film?
Nel cast anche
Rachel Brosnahan,
Nicholas Hoult, Edi Gathegi, Anthony Carrigan,
Nathan Fillion, Isabela Merced, Skyler Gisondo, Sara Sampaio,
María Gabriela de Faría, Wendell Pierce, Alan Tudyk, Pruitt Taylor
Vince e Neva Howell. Il film sarà al cinema dal 9 luglio
distribuito da Warner Bros. Pictures.
“Superman”, il primo film dei DC Studios
in arrivo sul grande schermo, è pronto a volare nei cinema di tutto
il mondo quest’estate, distribuito da Warner Bros. Pictures. Con il
suo stile inconfondibile, James
Gunn trasporta il supereroe originale nel nuovo universo DC
reinventato, con una miscela unica di racconto epico, azione,
ironia e sentimenti, consegnandoci un Superman guidato dalla
compassione e da una profonda fiducia nella bontà del genere
umano.
Produttori esecutivi di
“Superman” sono Nikolas Korda, Chantal
Nong Vo e Lars Winther. Dietro la macchina da presa, Gunn si è
avvalso del lavoro di suoi collaboratori fidati, tra cui il
direttore della fotografia Henry Braham, la scenografa Beth Mickle,
la costumista Judianna Makovsky e il compositore John Murphy, oltre
al compositore David Fleming (“The Last of Us”), ai montatori William Hoy
(“The Batman”) e Craig Alpert (“Deadpool 2”, “Blue Beetle”).
Le riprese del film Clayface dei DC Studios inizieranno presto
(si ritiene che le location includeranno Vancouver, Toronto e il
New Jersey o Atlanta) e il titolo provvisorio del progetto è stato
ora rivelato. Secondo FeatureFirst.net, Clayface
sarà conosciuto come “Corinthians” nel corso delle
riprese.
Sebbene i titoli provvisori non
abbiano sempre molto a che fare con la trama del film in sé, di
solito vengono scelti per qualche motivo.
Si è ipotizzato che Corinthians
possa avere a che fare con il personaggio di The
Sandman di Neil Gaiman, ma è molto più
probabile che si riferisca a Corinto, alla Grecia, all’ordine
architettonico corinzio o ai corrispondenti versetti biblici.
Abbiamo recentemente avuto la conferma che George
MacKay (1917, The Beast), Tom Blythe
(Hunger Games: The Ballad of Songbirds and Snakes), Jack
O’Connell (Sinners, Starred Up) e Leo
Woodall (One Day, The White Lotus) si stanno candidando
per il ruolo principale di (presumibilmente) Basil Karlo.
In seguito abbiamo appreso che uno
di questi attori non era più in lizza e, sebbene la notizia non sia
ancora stata confermata, abbiamo sentito dire che Woodall si è
ritirato e che ora la scelta è tra Blythe, MacKay e O’Connell.
Il regista di Speak No
Evil, James Watkins, dirigerà il
progetto, mentre Gunn sarà il produttore insieme a Peter
Safran e al regista di The Batman,
Matt Reeves, con Lynn Harris e Chantal Nong come
produttori esecutivi.
Mike Flanagan ha
scritto la sceneggiatura, ma a quanto pare non era disponibile per
la regia a causa dei suoi impegni con una serie TV su
Carrie e il nuovo film
sull’Esorcista. La data di uscita ufficiale del
progetto è l’11 settembre 2026.
La prima stagione di
Daredevil:
Rinascita si è conclusa con l’Uomo Senza Paura
pronto a schierare i suoi pochi alleati per sconfiggere il sindaco
Wilson Fisk e liberare New York. Tuttavia, avrà bisogno di più di
Karen Page e di qualche poliziotto onesto per riuscirci.
Il mese scorso, abbiamo appreso che
Krysten Ritter riprenderà il ruolo di Jessica
Jones nella seconda stagione. Non la vedevamo interpretare il
personaggio da quando Jessica Jones si è conclusa con la terza
serie di episodi su Netflix nel 2019, quindi diventa la seconda del
gruppo dei Difensori a unirsi all’MCU.
Oggi è stato rivelato un nuovo sguardo a Ritter nei panni
dell’investigatrice privata più intraprendente, ed è come se non
fosse invecchiata di un giorno. Si prevede che l’attrice avrà un
ruolo importante come Jessica in Daredevil:
Rinascita – Stagione 2 e, come il Punitore di
Jon Bernthal, ci sono buone probabilità che abbia
uno spin-off in futuro.
Considerando gli sviluppi attuali,
la squadra di vigilanti di Daredevil sarà probabilmente composta da
lui, Jessica Jones, The Punisher, White Tiger e
forse persino Swordsman. Potrebbero esserci anche
delle sorprese.
In Daredevil:
Rinascita della Marvel Television, Matt Murdock
(Charlie
Cox), un avvocato cieco con capacità straordinarie,
lotta per ottenere giustizia nel suo vivace studio legale, mentre
l’ex boss mafioso Wilson Fisk (Vincent
D’Onofrio) persegue le sue iniziative politiche a New
York. Quando le loro identità passate iniziano a emergere, entrambi
gli uomini si ritrovano inevitabilmente su una rotta di collisione.
Entrambi torneranno nella Stagione 2.
La serie vede la partecipazione
anche di Margarita Levieva, Deborah Ann Woll, Elden Henson,
Zabryna Guevara, Nikki James, Genneya Walton, Arty Froushan, Clark
Johnson, Michael Gandolfini, con Ayelet
Zurer e Jon Bernthal. Dario
Scardapane è lo showrunner.