Il regista Atom Egoyan, che ha fatto il suo ingresso sulla scena cinematografica come parte della Toronto New Wave degli anni ’80, ha una predilezione per i film che sono principalmente studi dei personaggi e che trattano temi psicosessuali. Nel 2009 Egoyan ha così diretto Chloe – Tra seduzione e inganno, un remake del thriller erotico francese Nathalie… che esplora le ansie di una donna sposata più anziana che sospetta che suo marito sia un adultero. Sebbene i due film condividano lo stesso nucleo narrativo, il trattamento del tema da parte di Egoyan prende alcune svolte imprevedibili, culminando in un finale scioccante.

Tutte le relazioni nel film dipendono dalle dinamiche di potere, e Chloe – Tra seduzione e inganno svela queste gerarchie non dette, mantenendo al centro l’autonomia sessuale femminile e la percezione sociale del lavoro sessuale. Sebbene il punto di vista di Catherine influenzi la nostra percezione del suo mondo, è Chloe che ci fa capire una verità più profonda dei colpi di scena scioccanti che cercano di ravvivare il terzo atto. Nei prossimi paragrafi, andiamo dunque ad analizzare il finale e le sue implicazioni.

La trama di Chloe – Tra seduzione e inganno

Cosa si fa quando si sospetta che il proprio coniuge sia infedele? Non ci sono risposte facili, poiché tali situazioni possono essere estremamente delicate. Quando Catherine (Julianne Moore), affermata ginecologa, trova una foto sospetta di suo marito David (Liam Neeson), un professore universitario, con una giovane studentessa della sua classe, il suo mondo si ferma. La tendenza di David a flirtare non aiuta, e Catherine, invece di confrontarsi con lui, punta gli occhi su una prostituta di nome Chloe (Amanda Seyfried) per coglierlo in flagrante.

Sebbene questo possa sembrare un espediente per far avanzare la trama, non è difficile capire la preferenza di Catherine di raccogliere prove dell’apparente infedeltà del marito piuttosto che avere una conversazione onesta con lui. È interessante il modo in cui Catherine vede tutte le altre donne intorno a lei prima di venire a conoscenza di questo presunto tradimento. Una delle sue clienti si sente infelice perché non riesce a raggiungere l’orgasmo, e Catherine minimizza la cosa come una contrazione muscolare, mantenendo un atteggiamento freddo e distaccato, quasi come se volesse comunicare che la soddisfazione sessuale femminile è irrilevante.

Sembra percepire anche le sue amiche come in qualche modo inferiori a lei, mentre le donne che frequentano arbitrariamente gli spazi pubblici, o quelle che, ai suoi occhi, invadono la sua casa (come Anna, la ragazza di suo figlio adolescente Michael), sono guardate con rabbia silenziosa e disprezzo. Tuttavia, Chloe, che Catherine osserva mentre incontra i suoi clienti di lusso in bar esclusivi, emerge come un’anomalia nella sua percezione consolidata delle donne come inferiori a lei o come una minaccia diretta dal punto di vista psicosessuale.

Il bisogno di Catherine di essere vista

La causa principale dell’agonia emotiva di Catherine riguardo all’infedeltà di David è la sua convinzione di essere invisibile agli occhi del marito perché sta invecchiando, ovvero sta diventando “meno attraente”. Si tratta ovviamente di una convinzione dannosa e profondamente radicata, inculcata dagli standard patriarcali di bellezza. Catherine vede gli uomini più anziani come suo marito come persone che diventano sempre più attraenti con l’età, il che è un doppio standard sconcertante che lei non è in grado di analizzare a causa delle sue insicurezze.

Questo senso di autodenigrazione di diventare invisibile nel contesto dello sguardo maschile si estende anche a suo figlio Michael, che è sul punto di esercitare l’autonomia sessuale, cosa che Catherine trova profondamente preoccupante. L’atmosfera onirica che Chloe – Tra seduzione e inganno emana è intenzionale, poiché lei entra ed esce dal film come un’ombra, potente nel possesso della sua sessualità. Questa libertà è un’arma a doppio taglio, poiché la società vede Chloe come un mezzo per raggiungere un fine, al punto che la disumanizzazione è radicata nel lavoro sessuale che lei altrimenti ama.

Innamorata e respinta da tutto ciò che Chloe rappresenta, Catherine va a letto con lei per capriccio, per simulare ciò che prova suo marito quando fa sesso con un’altra donna. Questo atto di sostituzione sessuale, in cui si mette nei panni di David per sentirsi più vicina a lui, è intriso dello stesso tipo di misoginia patriarcale di cui uomini come David si rendono partecipi con leggerezza. Di conseguenza, Catherine dimostra di non essere diversa dagli uomini che trattano Chloe come un oggetto, ricordandole freddamente che la loro notte di passione è stata solo una transazione commerciale. Anche se Catherine si sente “vista” da Chloe quando fanno sesso, non ritiene l’esperienza abbastanza significativa da considerarla importante.

Chloe è innamorata di Catherine

L’atteggiamento sprezzante di Catherine nei confronti di Chloe rivela alcune verità scomode. Anche se potrebbe essere sinceramente attratta da Chloe, Catherine razionalizza freddamente l’esperienza come un incontro sessuale surrogato dal punto di vista di David, piuttosto che dal suo. Anche in un fugace momento di piacere, Catherine non riesce a liberarsi dalla presenza persistente dello sguardo maschile che detta criteri problematici su ciò che conta come piacere femminile. Questo non va bene a Chloe, che è una persona che sa esattamente cosa vuole e che è molto orgogliosa della sua capacità di anticipare i bisogni fisici e psicologici dei suoi clienti.

Tuttavia, l’ossessione di Chloe per Catherine inizia dopo il duro rifiuto post-incontro? La risposta è no. Dopo che Catherine decide di affrontare David per averla tradita con Chloe, si rende conto che suo marito, sebbene adultero, non ha mai incontrato quella donna prima. Le storie erotiche che Chloe aveva raccontato a Catherine sulla sua relazione con David erano tutte inventate, rendendo chiaro che l’ossessione di Chloe era iniziata molto prima che le due sviluppassero la loro, complessa e carica di tensione. Non è difficile capire perché Chloe si sia fissata su una bella donna di mezza età che l’ha assunta per valutare la fedeltà del marito, completamente ignara del fatto che potesse essere desiderabile per un’altra donna.

Mentre Chloe comprende intimamente che la liberazione sessuale e gli impulsi psicosessuali non dovrebbero essere definiti esclusivamente da standard eteronormativi, l’oggetto del suo desiderio, Catherine, rifiuta di separare la sua autostima dal modo in cui viene percepita dagli uomini. Questo crea un conflitto, rendendo Catherine irraggiungibile sotto ogni aspetto e alimentando l’ossessione crescente di Chloe nei suoi confronti. È amore? Beh, è complicato, ma ciò che conta qui è che questi sentimenti intensi sono abbastanza convincenti da spingere Chloe a perseguire Catherine in modi sempre più inquietanti.

La spiegazione del finale di Chloe – Tra seduzione e inganno

Rendendosi conto che l’unico modo per arrivare a Catherine è andare a letto con suo figlio Michael, Chloe la provoca spingendola a reagire e sostenendo che il ragazzo le “ricorda” Catherine. Questo è sgradevole sotto diversi aspetti e sembra essere il modo di Chloe per vendicarsi di Catherine per il suo rifiuto di riconoscere il loro incontro nella stanza d’albergo per quello che è. Inoltre, il modo in cui Chloe seduce Michael è ripreso in una luce inquietante e surreale, come quella di un vampiro che circonda la sua preda prima di essere invitato a entrare in casa sua, dove colpisce al momento giusto. La reazione di Catherine è comprensibilmente intensa, ma Chloe diventa violenta e la attacca con una forcina dai bordi frastagliati.

La forcina era stata una delle prime cose che Catherine aveva notato di Chloe quando si erano incontrate per la prima volta, e aveva funzionato come rompighiaccio durante la loro prima conversazione. Il fatto che un oggetto di fascino e interesse diventi un’arma che canalizza la rabbia e l’invidia è una metafora significativa che Egoyan utilizza verso la fine. Ne segue una lotta tra le due, e Chloe finisce per rimanere appesa a una delle enormi finestre e poco dopo cade, trovando la morte. Questa parte sembra improvvisa e deludente, soprattutto se si guardano i due finali alternativi del film, che sembrano più cupi di quello cinematografico.

I finali alternativi di Chloe

La questione se Chloe cada accidentalmente o se lasci deliberatamente la cornice della finestra durante il climax può essere compresa meglio se si prendono in considerazione i finali alternativi del film. Nella prima versione alternativa, dopo la sua morte si sente la voce fuori campo di Chloe, che ammette di essere caduta di proposito per diventare parte integrante della vita di Catherine. L’ultima inquadratura della forcina nella versione cinematografica del film, in cui Catherine la indossa durante il funerale di Chloe, rafforza questo sentimento. Tuttavia, questo drammatico sacrificio di sé alimentato dall’ossessione sembra troppo estremo e squilibrato, poiché è innegabilmente sbagliato morire di proposito per legare una donna già angosciata a una vita di senso di colpa.

L’altro finale alternativo, tuttavia, è ancora più cupo: questa versione termina con la voce fuori campo di Catherine, che riflette sul fatto che la morte di Chloe, sebbene vana, le ha concesso una seconda possibilità nella vita. Questo non solo è orripilante, ma anche di pessimo gusto, poiché dipinge Catherine come una persona privilegiata ed egocentrica che riformula la morte raccapricciante di una donna come una seconda possibilità nella vita. Tutto sommato, il finale visto al cinema del film funziona meglio, poiché trasmette la morte di Chloe come uno sfortunato incidente ed è sottilmente ambiguo sul fatto che Catherine abbia voltato pagina.

Karate Kid: Legends è una grande espansione del franchise, con le destinazioni finali del signor Han e Daniel che aprono la strada a potenziali apparizioni future, oltre a un cameo piuttosto importante da parte di Cobra Kai. Karate Kid: Legends è il sesto film della lunga serie, incentrata su un gruppo di giovani di epoche diverse che imparano lezioni di vita attraverso la pratica delle arti marziali e del karate. Il nuovo film funge da ponte tra il mondo dell’originale The Karate Kid e gli spin-off come Cobra Kai e il remake del 2010 con Jackie Chan.

Karate Kid: Legends riunisce entrambe le scuole al servizio di Li Fong, un allievo dotato ma tormentato del signor Han che si trasferisce a New York con la madre dopo la morte del fratello. Il risultato è un film che si sente in debito con i tropi dei film originali, lo stile del remake del 2010 e l’attenzione ai personaggi di Cobra Kai. Ecco come si svolge tutto in Karate Kid: Legends e come lascia la porta aperta a potenziali sequel.

Johnny Lawrence appare nel finale di Karate Kid: Legends come amico di Daniel

Johnny Lawrence appare nell’ultima scena di Karate Kid: Legends

Il cameo di Johnny Lawrence in Karate Kid: Legends consolida il legame tra la serie di film e Cobra Kai. Dopo essere stato reclutato dal signor Han per aiutare ad allenare Li Fong per il torneo Five Boroughs, Daniel LaRusso torna finalmente a casa nel sud della California. La scena finale del film mostra Daniel che riceve una pizza da New York come ringraziamento per il suo aiuto, cosa che Johnny commenta.

I due scherzano, soprattutto quando Johnny sostiene che dovrebbero aprire una pizzeria a tema Mr. Miyagi.

È un cameo divertente, che riprende in modo significativo il finale di Cobra Kai. La serie era incentrata principalmente sull’evoluzione del personaggio di Johnny, che da uomo violento e violento si trasforma in un uomo migliore, mentre la sua rivalità con Daniel si trasforma gradualmente in un’amicizia affettuosa. Questo legame è in primo piano nelle loro interazioni in Karate Kid: Legends, che mette in risalto le battute sarcastiche ma amichevoli che hanno affinato nel corso di Cobra Kai. Anche se Karate Kid: Legends non fa molti riferimenti a Cobra Kai, il ritorno di Johnny è un divertente omaggio per i fan dell’approccio della serie al personaggio.

Perché Li risparmia Conor nella finale del torneo Five Boroughs

La decisione di Li di non ferire gravemente Conor è coerente con la moralità del franchise

Al centro di Karate Kid: Legends c’è il torneo Five Boroughs, una competizione di arti marziali che coinvolge tutta la città. Il premio in denaro per il campionato sarebbe sufficiente per aiutare Victor e Mia a pagare i debiti, cosa a cui Victor stava lavorando prima di finire in ospedale. Li si lancia nel torneo, con Conor come sfidante finale. Il loro duello è molto equilibrato, con Li che riesce a strappare la vittoria ingannando Conor con la tecnica della “trappola della tigre” che ha affinato con il signor Han e Daniel.

Sebbene Li abbia la possibilità di ferire gravemente Conor dopo che questi lo attacca alle spalle, gli risparmia ulteriori lesioni e festeggia la vittoria con i suoi cari. Li lo risparmia grazie all’addestramento ricevuto da Daniel e dal signor Han, che riflette l’approccio generale della serie al combattimento onorevole. La capacità di Li di sconfiggere Conor ma di trattenere la propria rabbia frustrata dimostra quanto il personaggio sia cresciuto rispetto all’inizio del film, quando era stato provocato per affrontare lo studente.

Dove vanno il signor Han e Daniel dopo il torneo

Il finale di Karate Kid: Legends vede tutti i personaggi principali tornare alle loro rispettive case, che siano Pechino, New York City o Los Angeles. Dopo la vittoria di Li, Victor e Mia riescono non solo a salvare la loro pizzeria, ma anche ad aprirne una seconda, con Li che si dedica anima e corpo per aiutare l’attività. Nel frattempo, il signor Han e Daniel tornano entrambi alle loro rispettive case. Per Daniel ha perfettamente senso, dato che ha una famiglia, una carriera e una palestra da gestire nel quartiere di Reseda, a Los Angeles.

Tuttavia, il finale del film suggerisce che il signor Han sarebbe interessato ad aiutare Victor ad espandere la sua attività in Cina…

Per il signor Han, il ritorno a Pechino ha senso. Era venuto a trovare Li solo a causa della sua improvvisa mancanza di comunicazione, che gli aveva fatto capire che qualcosa non andava con il suo allievo. Dopo che Li è riuscito a uscire dalla sua depressione e a vincere il torneo Five Boroughs, Han decide di tornare in Cina per prendersi cura dei suoi altri allievi. Tuttavia, il finale del film suggerisce che il signor Han sarebbe interessato ad aiutare Victor ad espandere la sua attività in Cina, il che gli consentirebbe facilmente di tornare a New York City in futuro.

Perché Li soffre di PTSD in Karate Kid: Legends

Uno dei fili conduttori emotivi di Karate Kid: Legends è il disturbo da stress post-traumatico di Li. Li alla fine rivela la verità a Victor, raccontandogli di come si era allenato insieme a suo fratello maggiore. Tuttavia, dopo che suo fratello aveva vinto un torneo di arti marziali, erano stati attaccati dal perdente della competizione. Nella rissa che ne seguì, Li si bloccò quando vide estrarre un coltello e non riuscì a impedire che suo fratello venisse pugnalato a morte. Il senso di colpa per questo evento opprime Li, che diventa ancora più forte dopo che si blocca quando Victor viene ferito sul ring.

Il disturbo da stress post-traumatico di Li è la sfida principale che Li deve superare, poiché inizialmente sembra impedirgli di impegnarsi completamente nei combattimenti. Una volta fatto i conti con la tragedia, Li riesce a liberare la mente e a combattere meglio, ottenendo la vittoria su Conor. Questo gioca a favore della morale del film, ma conferisce anche a Li un livello di tragedia personale che gli altri protagonisti della serie di film Karate Kid non riescono a eguagliare.

Come Karate Kid: Legends prepara il terreno per un sequel

Karate Kid: Legends è un film abbastanza autonomo, che si basa sull’eredità della serie per introdurre un nuovo personaggio in grado di collegare i film classici con il remake del 2010. Karate Kid: Legends ha anche preparato silenziosamente il terreno per ulteriori sequel. L’espansione dell’attività di Victor in Cina potrebbe fornire a lui e a Li una facile scusa per visitare la città natale di quest’ultimo, creando numerosi nuovi conflitti o sfide. La natura annuale del torneo Five Boroughs potrebbe anche facilmente guidare la trama di un altro film.

Inizialmente distribuito come remake del film del 1984 The Karate Kid, The Karate Kid del 2010 avrebbe dovuto essere seguito da un altro sequel incentrato sul signor Han e Dre Parker, interpretato da Jaden Smith. Tuttavia, quei piani sono falliti e il franchise si è invece orientato verso Cobra Kai e The Karate Kid: Legends. Il nuovo film colloca The Karate Kid del 2010 nello stesso universo.

La rabbia di Conor per la sconfitta, così come la chiara frustrazione del suo mentore O’Shea, potrebbero tornare a tormentare Li e i suoi cari in un sequel. Il fatto che O’Shea sia uno strozzino non fa che aumentare la pericolosità del personaggio, che si dimostra sempre più disposto a ricorrere a tattiche brutali pur di vendicarsi di Victor e Li dopo la loro vittoria. I film potrebbero esplorare ulteriormente il legame con Cobra Kai, mettendo Li contro alcuni degli allievi di Daniel e Johnny.

Il fatto che il Miyagi Dojo abbia ora connessioni in tutto il mondo potrebbe anche facilmente entrare in gioco in un potenziale sequel. Daniel potrebbe persino chiedere a Li di ricambiare il favore che gli deve per aiutarlo ad affrontare i suoi problemi. Il mondo di Karate Kid è sempre stato sorprendentemente vasto, ma la posta in gioco e i tornei di Karate Kid: Legends aumentano il numero di modi in cui il franchise potrebbe continuare se la serie dovesse andare avanti con altri sequel.

Il vero significato di Karate Kid: Legends

Karate Kid: Legends affronta molti degli stessi temi che hanno caratterizzato il primo Karate Kid, mettendo in evidenza le qualità senza tempo di quella storia. La storia dell’outsider che affronta un campione di combattimento ha funzionato per il franchise in diverse iterazioni, e non è diverso in Karate Kid: Legends. Tuttavia, il nuovo film si orienta verso il concetto di resistenza di fronte alle avversità piuttosto che sulla necessità di sviluppare abilità specifiche, dato che Li è già un combattente esperto quando viene presentato e ha solo bisogno di imparare a concentrarsi completamente.

Questo si ricollega al tema centrale di Karate Kid: Legends, che sottolinea la difficoltà di Li nel perdonarsi per la morte del fratello, non riuscendo a impegnarsi adeguatamente nell’addestrare gli altri o nel combattere per se stesso. È solo quando il signor Han gli ricorda che il kung fu consiste nel rialzarsi che la lezione diventa chiara. Karate Kid: Legends riprende i temi classici della serie e li applica in una storia potente sulla crescita di Li non solo come combattente, ma anche come giovane uomo sicuro di sé.

L’unione delle vivaci luci al neon così tipiche della Hong Kong degli anni ’80, un sottobosco urbano oscuro e cupo costruito con intricati dettagli e un’azione esagerata ma appagante crea forse la combinazione perfetta per l’intrattenimento. Il nuovo thriller d’azione cinese di Hong Kong, Twilight of the Warriors: Walled In, diretto da Soi Cheang, lo dimostra brillantemente, e non c’è da stupirsi che il film sia già diventato il secondo lungometraggio nazionale di maggior incasso nello Stato cinese.

Il racconto ha inizio quando un immigrato clandestino di nome Chan Lok-kwun finisce nella città fortificata di Kowloon, inizia a diventare parte del mondo criminale sotterraneo fino a quando non vengono fatte alcune rivelazioni minacciose sulla sua identità. I dettagli intricati e la grandiosa produzione, una serie di superstar di Hong Kong che appaiono tutte insieme e, naturalmente, le scene d’azione incredibilmente coreografate rendono Twilight of the Warriors: Walled In un film assolutamente da vedere per gli appassionati di film d’azione asiatici.

La trama di Twilight of the Warriors: Walled In

Nelle strade della Hong Kong degli anni ’80, i nightclub e le discoteche sono spesso utilizzati come arene clandestine per scommesse e combattimenti, ed è proprio in una di queste che inizia Twilight of the Warriors: Walled In. Le porte di un nightclub vengono improvvisamente chiuse dall’interno e i presenti piazzano le loro scommesse mentre il locale si trasforma rapidamente in un’arena di gioco d’azzardo illegale. Due giovani vengono messi al centro di quella che solo pochi istanti prima era la pista da ballo e inizia un intenso combattimento tra loro.

Si tratta infatti di un ring di combattimento e le scommesse sono state piazzate proprio su questo evento, poiché è una cosa che accade regolarmente nel locale. Uno dei partecipanti riesce a vincere l’incontro dopo aver usato frammenti di vetro di bottiglie rotte per abbattere il suo avversario, e poi lo si vede avvicinarsi a un uomo che è chiaramente il proprietario del nightclub. Conosciuto come Mr. Big, l’uomo è un pericoloso boss della triade che ha molti investimenti illegali come l’arena di combattimento clandestina.

Quando il vincitore dell’incontro, Chan Lok-kwun, chiede il premio in denaro promesso dopo l’incontro, Mr. Big si rifiuta di pagarlo, volendo invece assumerlo per la sua banda della triade. Sebbene Lok-kwun rifiuti, affermando di aver bisogno dei soldi per acquistare un documento di identità di Hong Kong, poiché è un immigrato clandestino, Mr. Big non cede alla sua richiesta. Si offre di procurare a Lok-kwun un documento falso in pochi giorni, ma quando il protagonista raggiunge la fabbrica del boss mafioso, si scopre che si tratta di una falsa promessa.

Mr. Big vuole semplicemente umiliare Lok-kwun per aver rifiutato la triade e per essere stato così audace nei suoi confronti, e si rifiuta di dargli sia la carta d’identità che i soldi per i suoi combattimenti. Ma Lok-kwun non è uno che si arrende facilmente, e riesce a rubare una borsa dalla fabbrica, credendo che sia piena di mazzette di contanti. Mentre i gangster della triade iniziano immediatamente a inseguirlo, è sicuro che la borsa compenserà sicuramente il premio in denaro di cui è stato privato, ma Lok-kwun alla fine scopre che contiene cocaina. Anche se la droga gli frutterebbe molti più soldi, dovrà prima cercare uno spacciatore.

Per proteggersi dai gangster della triade, Chan Lok-kwun si rifugia nella città fortificata di Kowloon, piena di vicoli squallidi, cavi elettrici aerei, tubi del vapore e stradine strette. Qui, il protagonista cerca di vendere la borsa piena di droga, ma viene immediatamente attaccato dagli spacciatori locali per aver cercato di vendere nel loro territorio. Ora inseguito sia dagli scagnozzi di Mr. Big che dagli spacciatori all’interno della città fortificata, Lok-kwun si trova in grave pericolo quando il capo criminale di Kowloon, Cyclone, si offre di proteggerlo. Anche se Lok-kwun deve consegnare la borsa di cocaina al boss, Cyclone gli permette di rimanere all’interno della città fortificata, e il protagonista sembra trovare qui una nuova vita.

Lok-kwun vuole rimanere a Kowloon

Dopo essere entrato a Kowloon e aver trovato rifugio lì, Lok-kwun si rende conto che è molto diverso dal resto di Hong Kong. Infatti, il luogo in Twilight of the Warriors è basato sulla vera città murata di Kowloon, che negli anni ’80 era un centro di ogni tipo di attività illegale e criminale. Quando immigrati clandestini provenienti da varie parti del mondo arrivarono a Hong Kong, le autorità diedero loro rifugio a Kowloon, che naturalmente divenne una località senza legge. Poiché la polizia e l’amministrazione non potevano operare come di consueto in quel luogo, la città murata sviluppò un proprio sistema di governo e regole, tutte dettate da organizzazioni criminali e bande.

La città fortificata di Kowloon in Twilight of the Warriors è leggermente diversa dalla realtà, poiché segue alcuni eventi che si verificano solo nell’opera di finzione. All’inizio del film viene presentata la storia recente della città fortificata, che diventa fondamentale anche per la trama principale. Sebbene il posto sia estremamente malandato e sovraffollato, Lok-kwun inizia a sentirsi a casa tra le mura di Kowloon, e in fondo non è nemmeno così sconcertante. Il protagonista è un orfano senza alcuna famiglia, che in qualche modo è riuscito ad arrivare a Hong Kong in cerca di una vita migliore.

Tuttavia, si è presto reso conto che senza una carta d’identità che lo attestasse come cittadino, non avrebbe avuto alcuna possibilità di andare avanti nella vita, e dato che le abilità di Lok-kwun erano limitate, per lo più a metodi illegali, è finito per entrare a far parte delle triadi. È solo all’interno delle mura di Kowloon che stringe un forte legame con tre uomini della sua stessa età: Shin, il braccio destro di Cyclone; AV, kickboxer ed esperto medico; e Twelfth Master, un fidato combattente armato di katana. Per coincidenza, questi quattro si legano per la prima volta quando decidono individualmente di punire un uomo libidinoso dopo che questi ha estorto denaro e ucciso una donna indifesa.

In breve tempo, tra loro nasce un’amicizia molto profonda, al punto che il Dodicesimo Maestro decide di allearsi con Lok-kwun e difendere Cyclone contro gli ordini del suo capo, Tiger. Insieme a questa amicizia, Lok-kwun inizia anche a sperimentare la guida di Cyclone, che ammira come una figura paterna. Non c’è quindi da stupirsi che Chan Lok-kwun voglia rimanere a Kowloon nonostante tutti i crimini pericolosi e la possibilità che la città venga rasa al suolo.

La vera identità di Chan Lok-kwun

Sebbene Chan Lok-kwun si presenti come un immigrato clandestino a Hong Kong e lui stesso creda che questa sia la sua storia, in realtà la sua identità è molto diversa. Per inciso, è anche direttamente collegata a Kowloon, poiché Lok-kwun è nato proprio in questo luogo. Suo padre era Jim, il fidato scagnozzo del boss mafioso Lui Cheng-tung. Durante il regno di Lui, questi ordinava spesso l’uccisione spietata dei residenti e delle loro famiglie ogni volta che si opponevano a lui, e Jim eseguiva queste esecuzioni. Pertanto, quando Jim stesso fu finalmente ucciso, era certo che anche sua moglie e suo figlio neonato sarebbero stati uccisi dalla mafia vendicativa, quindi furono mandati via da Kowloon e da Hong Kong.

Per inciso, Jim era molto amico di Cyclone nella vita privata, anche se erano nemici sul fronte professionale. Infatti, fu Cyclone a uccidere Jim, poiché quest’ultimo non poteva abbandonare il suo amato capo, eppure Lui doveva essere rovesciato per il bene dei residenti. Ma fu anche Cyclone a salvare la moglie e il figlio dell’uomo e a mandarli via da quel luogo, e così aveva salvato la vita di Lok-kwun molto prima di questo incontro casuale. Tuttavia, uno dei più stretti collaboratori di Cyclone all’epoca, Dik Chau, era stato personalmente colpito dai massacri di Jim, poiché sua moglie e i suoi figli erano stati uccisi senza pietà per ordine di Lui.

Lui fu ucciso prima che Chau potesse essere ferito, e così l’uomo sopravvisse con il ricordo della sua famiglia sterminata davanti ai suoi occhi. Da allora, Chau ha cercato la famiglia di Jim per vendicare la sua perdita, poiché sapeva che lo scagnozzo aveva una moglie e un figlio, anche se erano scomparsi. Lok-kwun non ne sa nulla, però, poiché sua madre è morta quando era molto piccolo e non gli è mai stato detto chi fosse suo padre. È Cyclone il primo a identificare Lok-kwun come il figlio di Jim quando fa la barba al giovane, ma decide di tenerlo segreto a Chau, che è ancora in stretto contatto con Cyclone. Questo perché Cyclone crede sinceramente che i peccati del padre di Lok-kwun non dovrebbero influenzarlo, ma è Mr. Big che tradisce il protagonista a Chau nella speranza di sostituire Cyclone.

La spiegazione di cosa accade a Kowloon City

Scoppia il caos assoluto quando Chau identifica Lok-kwun come il figlio del suo nemico giurato e si schiera con Mr. Big, poiché Cyclone si rifiuta di lasciare che il protagonista venga ferito anche adesso. Mentre Cyclone viene ucciso dal braccio destro di Big, King, Lok-kwun riesce a scappare vivo, ancora una volta con l’aiuto di Cyclone e dei suoi complici. Mentre la struttura di potere di Kowloon viene sconvolta, Mr. Big approfitta del momento e intrappola anche Chau in modo da poter prendere completamente il controllo. Ma l’avidità di potere corrompe ovviamente tutti, e anche Mr. Big viene ucciso dal suo fidato complice, King.

Alla fine, è King a prendere il controllo di Kowloon City, ma non per molto, poiché Lok-kwun si riprende e torna per vendicare la morte di Cyclone. Incontra Tiger e scopre che Shin, AV e il Dodicesimo Maestro sono ancora vivi; così, ha luogo anche una riunione. Nel finale di Twilight of the Warriors: Walled In, Chan Lok-kwun riesce a sconfiggere King, nonostante quest’ultimo sia quasi invulnerabile grazie ai suoi poteri soprannaturali. Curiosamente, nemmeno King sa cosa possa privarlo dei suoi poteri, e così, quando in modo spavaldo ingoia un frammento di spada, la sua forza soprannaturale svanisce e lui torna ad essere mortale.

È in questo momento che Lok-kwun uccide King e ripristina la pace a Kowloon City, salvando anche Chau insieme a Shin. Sebbene Lok-kwun e i suoi amici riescano a salvare la loro città dai criminali, non sono in grado di proteggerla dalle autorità, poiché Kowloon Walled City viene infine demolita nel settembre 1993.

John Wick 4 (qui la recensione) ha un significato molto profondo per la storia del suo personaggio principale. In questo quarto capitolo della saga, il leggendario assassino interpretato da Keanu Reeves sta lottando per sfuggire definitivamente alla morsa della Gran Tavola e si ritrova coinvolto nella guerra più straziante che abbia mai combattuto. Con il suo vecchio amico Caine (Donnie Yen) costretto a dare la caccia a John per salvare sua figlia, John viene a sapere da Winston (Ian McShane) che potrebbe riuscire a sconfiggere definitivamente la Gran Tavola e il loro rappresentante designato, il Marchese de Gramont (Bill Skarsgård), attraverso un duello.

Il finale di John Wick 4 prende però una piega inaspettata quando John muore dopo il duello con Caine, ma c’è molto di più di quanto sembri. Al di là delle acrobazie mozzafiato e delle sequenze d’azione, questo quarto film racconta l’obiettivo finale di John di definire la propria eredità. Come già accaduto in precedenza nella saga di John Wick, anche questo film è molto più complesso di quanto sembri a prima vista. In questo approfondimento, andiamo dunque ad esplorare il significato dietro gli eventi che lo caratterizzano.

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John Wick 4 riguarda il costruire da sé la propria storia

All’inizio di John Wick 4, John è già una leggenda nella cultura degli assassini come il mitico Baba Yaga, ma ha trascorso gli eventi degli ultimi tre film essenzialmente in una battaglia costante. Con nemici da tutte le parti e i suoi sforzi per ritirarsi continuamente rovinati, John ha dovuto fare i conti con la sua vita e la sua eredità dopo la morte di sua moglie Helen e del cane che lei gli ha lasciato, Daisy. L’arco narrativo di John in questo quarto film riguarda quindi la sua decisione di prendere il controllo della sua eredità e definirla per se stesso, piuttosto che lasciare che sia determinata dalla Gran Tavola.

Il marchese de Gramont, al contrario, vede l’eredità di John come un mezzo per elevare la propria. Come molti assassini che lo hanno preceduto, la gloria di essere l’uomo che finalmente ucciderà Baba Yaga è ciò che motiva il marchese de Gramont. Vuole anche rendere il risultato il più grandioso possibile ed estende la sua missione alla distruzione del New York Continental e all’uccisione di Charon (Lance Reddick) per inviare un messaggio che l’intera eredità di John, compresi i suoi amici e alleati, verrà eliminata.

Come l’arte e l’architettura in John Wick 4 rivelano il loro vero significato

L’enfasi che John Wick 4 pone sull’eredità e sulla storia è evidente anche nelle ambientazioni del film. Il film utilizza infatti opere d’arte classiche ed edifici ricchi di storia come sfondo, spesso riadattandoli per inserirli nel mondo dell’universo di John Wick. La Torre Eiffel ne è un esempio lampante, poiché ospita una stazione radiofonica da cui viene annunciata la taglia sempre più alta sulla testa di John agli assassini che lo inseguono.

L’incontro tra John e Caine prima del duello in una cattedrale è un altro esempio: i due uomini ricordano le loro vite e la loro amicizia poche ore prima di affrontare un duello da cui solo uno dei due potrà uscire vivo. Con altre ambientazioni come l’Arco di Trionfo e il Sacré-Cœur di Parigi come scenari chiave per le scene d’azione, John Wick 4 utilizza la grande storicità dei suoi ambienti per evidenziare la storia di John stesso che raggiunge il suo apice tanto atteso. Questo obiettivo è ancora più profondo con i rispettivi ruoli di John e Caine nella storia.

Il film 4 sottolinea l’importanza della scelta nella propria mitologia

Quando John e Caine si incontrano per il loro duello al Sacré-Cœur, John ha preso una decisione cruciale sulla propria vita e sulla propria eredità. Dopo essere stato ferito a morte da Caine, John spara e uccide il marchese de Gramont, che stava tentando di “dare il colpo di grazia”. Dopo aver scambiato alcune ultime parole con Caine e Winston, John muore sui gradini, avendo scelto di farlo per consolidare la sua eredità secondo i suoi termini. John sa che Caine si trova in una posizione terribile e essenzialmente si sacrifica per aiutarlo, cogliendo anche l’occasione per eliminare il marchese de Gramont al fine di riparare alla corruzione della Gran Tavola.

John non è l’unico a fare scelte così importanti, dato che il cieco Caine rivela di aver volontariamente donato i suoi occhi alla Gran Tavola, indicando di avere una prospettiva simile a quella di John nel mantenere la propria voce in capitolo sulla sua eredità (e prefigurando il finale di John Wick 4). Inoltre, dopo aver ucciso Shimazu Koji (Hiroyuki Sanada) nella loro battaglia con la spada per arrivare a John, Caine è pienamente consapevole che sua figlia Akira (Rina Sawayama) verrà a vendicarsi di lui, dimostrando di comprendere che la sua scelta di combattere Koji avrebbe avuto delle conseguenze.

La lapide di John Wick completa il percorso del personaggio

Quando Winston e il Bowery King (Laurence Fishburne) visitano la tomba di John nella scena finale del film, la lapide di lui la dice lunga sull’eredità che ha lasciato. Questa infatti recita “John Wick, marito amorevole”, secondo la richiesta che aveva fatto a Winston all’inizio del film. John era riuscito ad assaporare una vita normale con Helen nei cinque anni del suo pensionamento, e quella vita è ciò che ha cercato di riconquistare sin dall’inizio della serie. Nella scena finale di John Wick 4, dunque, finalmente ci riesce.

Piuttosto che essere ricordato per la sua vita come Baba Yaga, John vuole essere ricordato come un uomo normale che ha amato sua moglie prima della sua morte. Sepolto accanto a Helen, John riesce finalmente a liberarsi dalla sua vita di assassino e ad essere ricordato per la vita che ha cercato e che ha potuto vivere per alcuni anni. Tutto questo chiarisce il motivo per cui questo quarto film termina in questo modo.

Perché John Wick doveva morire nel finale di John Wick 4

Il film e l’intera serie di John Wick mostrano che John ha dovuto affrontare a lungo ostacoli insormontabili, con un mare infinito di nemici che lo perseguitavano. John stesso ha fatto i conti con questa situazione in John Wick 4 e sta combattendo una battaglia molto più esoterica. Per John, negare il potere della Gran Tavola su di lui e lasciare la sua eredità come uomo che ha abbandonato il mondo degli assassini per diventare un marito amorevole è il suo vero obiettivo. Con la vita della figlia di Caine in pericolo e i suoi amici che diventano bersagli tanto quanto lui, John sa che deve compiere il sacrificio estremo, ma non lo vede come una sconfitta.

Agli occhi di John Wick, la Gran Tavola non poteva esercitare il suo potere su di lui come Baba Yaga, né poteva cancellare l’amore che aveva provato con Helen. John Wick può morire in pace sapendo di averli tenuti entrambi lontani da loro. Tutto questo rende John Wick 4 uno dei capitoli più importanti, se non il più importante, del franchise di John Wick. È un film che parla di eredità, storia e controllo di entrambe per se stessi, con John che afferma per sempre che essere stato un marito amorevole è molto più importante per lui di quanto lo sia mai stato il suo status leggendario di Baba Yaga.

I franchise cinematografici vengono rivisitati continuamente. Che si tratti di reboot, remake, prequel o sequel tradizionali, nessun film classico è al sicuro dalla resurrezione. Il più delle volte si ottiene il cinico ampliamento del marchio, ma ci sono invece momenti in cui un regista prende le redini di una serie amata, rivelandosi meno interessato a rivisitarla per semplice nostalgia che a esaminarla e ricontestualizzarla, producendo così un nuovo classico. Non c’è esempio migliore del film del 2015 Creed – Nato per combattere, sequel della serie Rocky.

Si tratta di un film che affronta in modo intimo i temi del dolore, dell’eredità, della perseveranza e dell’identità. Il regista Ryan Coogler (Black Panther, I peccatori) ha portato l’immediatezza viscerale e il naturalismo (e la star) del suo debutto a basso budget del 2013 Prossima fermata: Fruitvale Station in una serie hollywoodiana molto amata che era in gran parte finita. Rocky Balboa del 2006 è stata una conclusione tardiva della storia del personaggio principale, realizzata in gran parte perché lo sceneggiatore, regista e protagonista Sylvester Stallone non aveva apprezzato Rocky V del 1990, che originariamente aveva un finale più tragico. Non c’era più molto da raccontare sul personaggio, soprattutto secondo la visione di Stallone.

Il punto di vista esterno di Coogler era quindi necessario e rivelatore. Invece di continuare a ripetere i ritmi narrativi familiari della serie, ha trovato nuove strade per aggirarne le convenzioni. Il cambiamento più grande del film è stato mettere da parte Rocky (Stallone) a favore di Adonis Johnson (Michael B. Jordan), il figlio illegittimo del defunto amico di Rocky, Apollo Creed (Carl Weathers). Il secondo cambiamento più grande è stato quello di riportare la serie alle sue origini.

Le origini di Creed

È difficile immaginare un film di Rocky che superi l’inizio originale con il tono di Creed – Nato per combattere. Un centro di detenzione minorile nella Los Angeles degli anni ’90, pieno di ragazzi che sono finiti dalla parte sbagliata della legge. Quelle prime scene raccontano una storia a sé stante. Quando uno dei ragazzi si rivela essere Adonis “Donnie” Johnson, figlio di Apollo Creed, è difficile non pensare a quanto facilmente avrebbe potuto finire nel baratro. Se non fosse stato il figlio di un pugile estremamente ricco e famoso, probabilmente sarebbe successo.

Invece, viene accolto dalla moglie di Apollo, Mary Anne (Phylicia Rashad), che lo cresce nel lusso. Passano 17 anni, lasciando il loro rapporto in gran parte inesplorato, ma vediamo abbastanza per capire la profondità del loro affetto reciproco. Vediamo anche che lei odia la boxe, un hobby che Donnie da adulto abbraccia invece con entusiasmo, volando a Tijuana nei fine settimana e lavorando in un ufficio durante la settimana. La sua passione è travolgente: lo vediamo fare shadowboxing guardando filmati del padre e lo vediamo lasciare il lavoro per perseguire ciò che desidera davvero: combattere.

Il naturalismo low-key del film è ben lontano dalla grandiosità che ha caratterizzato la serie Rocky. In Rocky IV, Apollo Creed muore mentre affronta un pugile russo apparentemente sovrumano di nome Ivan Drago (Dolph Lundgren), in uno dei capitoli più ridicoli della serie, anche se Stallone ha cercato di renderlo autentico. Creed – Nato per combattere non parla però tanto delle relazioni internazionali al culmine della Guerra Fredda, quanto dell’uomo al centro della storia, il padre che non ha mai conosciuto e la figura paterna che troverà.

Nuova vita a Philadelfia

Quando la sua palestra locale lo rifiuta, Donnie lascia dunque Los Angeles per le strade di Philadelfia, sperando di ricongiungersi con il rivale e amico del suo defunto padre, Rocky. Quest’ultimo si è ritirato dopo gli eventi del film del 2006. Come la palestra che Donnie aveva cercato in precedenza, anche Rocky rifiuta l’invito ad allenare Donnie. È solo quando il ragazzo gli chiede di un incontro non ufficiale tra Apollo e Rocky, avvenuto alla fine di Rocky III, che il vecchio si interessa a lui.

Così Donnie si allena, chiamando Rocky “Unc” per tutto il tempo, e il film si assesta su un ritmo rilassato familiare ai fan di “Rocky”. Invece di trovare modi tradizionali per allenarsi, Donnie cattura polli e aiuta a rifornire il ristorante di Rocky. Sta anche migliorando nella boxe. Lontano dalle tragiche circostanze della sua infanzia e dalla sua adolescenza più protetta nell’alta società, ha la possibilità di trovare se stesso, abbracciando per la prima volta i rigori dell’allenamento e la gioia di seguire le orme di suo padre.

Donnie ha anche l’opportunità di innamorarsi di una musicista locale di nome Bianca (Tessa Thompson) che, come Adriana (Talia Shire) nei primi due film di Rocky, è un personaggio a tutto tondo, più che un semplice interesse amoroso che ha un rapporto complicato con la boxe. La sua passione per la musica e la sua rapida perdita dell’udito si riflettono in modo unico anche su Rocky e Donnie.

Costruire un’eredità

Donnie non si fa però chiamare Adonis Creed. Si fa chiamare Adonis Johnson, sperando di forgiare la propria identità al di fuori di ciò che ha realizzato suo padre, famoso in tutto il mondo. Ma man mano che la sua fama cresce nella comunità della boxe, diventa sempre più difficile. La sua vittoria contro Leo “The Lion” Sporino (Gabriel Rosado), raccontata in un’unica ripresa avvincente e mozzafiato, lo ha portato sotto i riflettori. Quando il suo nome viene divulgato alla stampa, il suo senso di realizzazione personale viene compromesso, poiché viene considerato semplicemente il figlio illegittimo di suo padre.

Ecco perché diventa il bersaglio principale del pugile di Liverpool “Pretty” Ricky Conlan (Tony Bellew), campione mondiale dei pesi massimi leggeri, che sta per andare in prigione e spera di ottenere una facile vittoria contro un pugile famoso prima di entrare in carcere. La sua unica condizione è che Donnie cambi il suo cognome in Creed. Poiché il film si sforza così tanto di mostrare semplicemente i suoi personaggi mentre vivono, questi momenti sono ancora più dolorosi.

Di fronte alla sfida di un campione del mondo, Donnie sta per perdere anche il suo allenatore: la diagnosi di un tumore di Rocky lo spinge sull’orlo della disperazione. Il regista Ryan Coogler ha spesso citato la diagnosi di cancro di suo padre come fonte di ispirazione per Creed – Nato per combattere, solo uno degli elementi che rendono il film così personale per lui. “Questa è la storia che volevo raccontare”, ha detto al Philadelphia Inquirer, una storia di come il dolore e la paura possano diventare un potente carburante, di come la preoccupazione per il futuro non debba impedirti di lottare.

Andare fino in fondo

Il film vola quindi verso il suo incontro culminante mentre Rocky affronta il dolore della chemioterapia e Donnie l’ansia di dimostrare il proprio valore. Anche Mary Anne e Bianca sono preoccupate, spaventate da ciò che attende Donnie, come è giusto che sia. L’incontro finale lega insieme le storie di Rocky e Donnie, con il vecchio che esprime gratitudine per l’ambizione e la determinazione del suo allievo, che a sua volta hanno contagiato lui. Quando l’incontro volge a favore di Conlan, Donnie crolla a terra, risvegliandosi solo all’immagine mentale di suo padre all’apice della sua potenza.

Rocky si sente in colpa per aver aiutato Donnie a partecipare, sempre più preoccupato per la sua incolumità. Ma Donnie continua, perché ha bisogno di dimostrare, in definitiva, che lui “non è un errore”. È una scena emozionante. Se non spettacolare come la sequenza girata in un unico piano sequenza all’inizio del film, è molto più coinvolgente dal punto di vista drammatico, alternando clip della trasmissione HBO dell’incontro e l’incontro stesso, dove ogni colpo diventa una minaccia sempre più grande.

Donnie va fino in fondo, accettando finalmente il nome Creed. Perde l’incontro, ma riesce a dimostrare di essere un pugile affermato a pieno titolo. Non solo un nome, e non solo l’eco della leggenda di suo padre. L’epilogo del film è delicato come il resto, con Donnie e Rocky, abbattuti ma non sconfitti, che salgono i familiari gradini di pietra del Philadelphia Museum of Art. Nel primo film, quell’immagine simboleggiava la determinazione e la volontà del protagonista di scalare la vetta. Qui, diventa un riflesso dell’interpretazione del film sul tema dell’eredità, una metanarrativa sul significato di rivisitare un vecchio franchise e un omaggio all’amato Rocky.

Lady Bloodfight è il film d’azione del 2016 diretto da Chris Nahon, regista francese noto per il suo lavoro su Kiss of the Dragon. Ambientato principalmente a Hong Kong, il film si colloca nel solco dei classici tornei di arti marziali del cinema anni ’80 e ’90, aggiornando però la formula con una protagonista femminile e un cast quasi interamente composto da donne combattenti. La pellicola è caratterizzata da uno stile visivo dinamico, un montaggio serrato e coreografie marziali spettacolari che pongono al centro la fisicità e la potenza delle sue interpreti. In particolare, si distingue la performance di Amy Johnston nel ruolo di Jane, una giovane americana coinvolta in un torneo clandestino di combattimenti all’ultimo sangue noto come il Kumite.

Il film è dunque, a tutti gli effetti, un omaggio ai grandi classici delle arti marziali come Bloodsport e Mortal Kombat, ma riletto in chiave contemporanea e femminile. Il regista imposta la narrazione su binari semplici ma efficaci: l’allenamento, l’ascesa della protagonista, il confronto con un sistema brutale e corrotto. A fare la differenza è però proprio la centralità delle donne in un genere solitamente dominato da eroi maschili. Lady Bloodfight sfrutta questo ribaltamento per offrire una riflessione sui temi del potere, del riscatto personale e della determinazione.

Il viaggio di Jane, da giovane disorientata a lottatrice consapevole, si carica così di un valore simbolico che va oltre il semplice intrattenimento. Tra scontri violenti, legami di sorellanza e vendette incrociate, il film mette in scena un microcosmo in cui la forza fisica è l’unica legge. Tuttavia, sotto la superficie del combattimento, emergono tematiche legate all’identità, alla resilienza e all’affermazione del sé. Nei prossimi paragrafi esploreremo in dettaglio il finale del film, soffermandoci sul significato della scelta narrativa conclusiva e su come essa chiuda coerentemente il percorso evolutivo della protagonista.

La trama di Lady Bloodfight 

Protagonista del film è Jane Jones, una giovane donna dal passato tormentato con un talento innato per il combattimento e un forte senso di giustizia. In viaggio per Hong Kong alla ricerca del padre scomparso, si ritrova coinvolta in un mondo oscuro e brutale: un torneo clandestino di arti marziali tutto al femminile noto come Kumite. Segreto e leggendario, il Kumite vede sfidarsi le più temibili lottatrici del mondo in combattimenti all’ultimo sangue, dove sono in palio gloria, rispetto e denaro. Le regole sono poche, la violenza è estrema, e solo le più forti sopravvivono. Per sopravvivere in questo contesto, Jane viene allenata da Shu, ex campionessa e maestra di arti marziali, che vede in lei un potenziale straordinario.

Ma dall’altra parte del ring c’è proprio la rivale di Shu, Wai, che allena una combattente altrettanto talentuosa e determinata, l’agguerrita Ling. Mentre il Kumite si avvicina tra combattimenti, rivalità e allenamenti estremi, Jane e Ling si trovano al centro di un conflitto più grande. Oscure trame legate alla criminalità organizzata e a un giro internazionale di scommesse illegali minacciano di travolgerle entrambe, e le due ragazze, destinate a scontrarsi, scopriranno di dover unire le forze per sopravvivere e cambiare le regole di un gioco mortale.

La spiegazione del finale del film

Nel finale di Lady Bloodfight, Jane si ritrova dunque nell’incontro decisivo del Kumite contro Ling, la campionessa imbattuta e allieva della sua ex-maestra Shu. Lo scontro è carico di tensione, non solo per la posta in gioco – la sopravvivenza e l’onore – ma anche per i legami personali e i conflitti irrisolti tra le due combattenti e le rispettive mentori. Il combattimento è intenso, coreografato con uno stile visivo che esalta la fisicità delle due protagoniste. Entrambe si spingono al limite, mostrando non solo abilità tecniche ma anche una profonda determinazione interiore. In un momento cruciale, Jane ha l’opportunità di uccidere Ling ma sceglie di risparmiarla, rompendo così il ciclo di violenza cieca su cui si fonda il torneo.

Questa scelta si rivela fondamentale. In un ambiente dominato dalla brutalità e dalla legge del più forte, Jane dimostra che la vera forza risiede nella compassione e nel controllo. Il gesto di pietà verso Ling rappresenta una presa di distanza dalla logica del Kumite, che trasforma le donne in macchine da guerra per il divertimento di un’élite corrotta. Jane, pur avendo vinto secondo le regole del torneo, ridefinisce il significato della vittoria stessa, opponendosi alla logica distruttiva del sistema. In questo senso, il finale assume una connotazione etica che eleva il film oltre il puro action.

Subito dopo la vittoria, il torneo viene interrotto e disgregato grazie anche all’intervento delle autorità, segno che l’equilibrio di potere sta cambiando. Jane riesce a liberarsi non solo fisicamente, ma anche simbolicamente: ha conquistato il rispetto delle altre combattenti, ha mantenuto la propria integrità e ha aperto una breccia in un mondo che sembrava impenetrabile. Il rapporto con Shu, inoltre, si conclude con una nota di riconciliazione: la maestra comprende il valore della scelta della sua allieva e la rispetta, pur rimanendo legata alla sua filosofia più dura.

Il finale di Lady Bloodfight chiude così un arco narrativo coerente con i temi del film: l’emancipazione femminile, il superamento dei limiti imposti dalla società e il rifiuto della violenza come unico linguaggio possibile. Jane emerge non solo come vincitrice del Kumite, ma anche come simbolo di una nuova via, in cui la forza è al servizio della dignità e non della distruzione. Per raggiungere questo status ha ovviamente dovuto attraversare prove durissime e grandi dolori, tra cui la scomparsa del padre, ma è riuscita a non farsi sottomettere da tutto ciò e anzi a reagire con il cuore alle leggi della violenza.

Ogni maledetta domenica è l’epico film sportivo del 1999 diretto da Oliver Stone (regista di film come Platoon, Wall Street, Nato il quattro luglio o il più recente Snowden), che racconta la storia della squadra di football americano Miami Sharks nel suo percorso per riconquistare la gloria perduta. Ad allenare la squadra è Tony D’Amato, un allenatore veterano stanco del mondo, il cui atteggiamento ribelle gli è costato la fiducia del giovane proprietario della squadra.

Il film segue dunque la squadra nella sua corsa verùso i playoff dell’Associated Football Franchises of America, con un cast stellare che vede protagonisti Al Pacino, Jamie Foxx e Cameron Diaz. Il film ha in qualche modo polarizzato la critica e dati alcuni precisi eventi e situazioni di Ogni maledetta domenica, ci si potrebbe chiedere quanto della storia sia basato su eventi reali. In questo articolo andiamo proprio alla scoperta di questo aspetto, tra gli elementi di verità presenti nel film e fino alle fonti di ispirazione per il celebre discorso del protagonista.

Ogni maledetta domenica non è direttamente basato su una storia vera

La risposta più rapida è che no, Ogni maledetta domenica non è basato su una storia vera. Tuttavia, Oliver Stone ha infuso un po’ di verità nel racconto, intrecciando la finzione con episodi di vita reale. Per realizzare il film, Stone ha infatti approfondito la storia del football professionistico. La prima versione della storia era una sceneggiatura intitolata “Monday Night”. L’ex tight end Jamie Williams e il giornalista sportivo Richard Wiener avevano collaborato alla stesura della sceneggiatura. Per la maggior parte delle informazioni, Stone si è poi avvalso dell’aiuto del libro “You’re Okay, It’s Just a Bruise: A Doctor’s Sideline Secrets” di Rob Huizenga.

Huizenga era un medico tirocinante dei Los Angeles Raiders negli anni ’80. In quel periodo, i Raiders stavano vivendo un periodo d’oro. Hanno partecipato ai playoff della NFL per quattro anni consecutivi, dal 1982 al 1985. Ha lavorato sotto la guida del medico veterano Dr. Robert T. Rosenfeld, e il titolo si ispira alla sua abitudine di liquidare le lesioni dei giocatori con un “Stai bene. È solo un livido”. Di conseguenza, il personaggio immaginario James Wood diventa l’immagine speculare del medico reale. Inoltre, l’infortunio al collo e il rischio di morte del linebacker centrale Luther “Shark” Lavay rispecchiano un incidente realmente accaduto a Mike Harden.

Stone acquisì anche “On Any Given Sunday”, una sceneggiatura separata di John Logan, che in seguito scrisse “Il gladiatore”. Nel frattempo, Stone incorporò anche una terza sceneggiatura nel mix, “Playing Hurt” di Daniel Pyne, e la storia iniziò gradualmente a prendere forma. Tuttavia, il regista sembra aver fatto di tutto per rendere il film il più autentico possibile in termini di realismo. Voleva persino acquisire i diritti per utilizzare i loghi originali delle squadre, ma ciò non si è concretizzato. Secondo il regista, la NFL ha attivamente scoraggiato i giocatori reali dal partecipare al progetto. Tuttavia, diversi giocatori hanno fatto il provino per vari ruoli secondari nel film.

Allo stesso tempo, è possibile identificare alcuni atleti leggendari dalle loro apparizioni cameo. Il wide receiver dei San Francisco Terrell Owens ha infatti accettato di partecipare. L’atleta nella vita reale è apparso in un cameo, segnando due touchdown per la squadra. D’altra parte, il quarterback dei Miami Dolphin Dan Marino non ha onorato il film della sua presenza. Tuttavia, ha permesso alla troupe di girare nella sua casa. La casa di Cap Rooney, infatti, era di proprietà di Dan nella vita reale. Molti giocatori dell’Arena Football League, un campionato di football indoor che è stato interrotto nel 2019, partecipano poi al film.

Inoltre, tra le star che compaiono in cameo ci sono alcuni nomi di peso: Dick Butkus, Y. A. Tittle, Warren Moon, Johnny Unitas, Ricky Watters e persino l’allenatore professionista Barry Switzer. Stone ha anche ottenuto l’autorizzazione a girare in alcuni grandi stadi, dall’Orange Bowl Stadium di Miami all’iconico Hard Rock Stadium, sede dei Miami Dolphins. Il regista voleva anche che la sua squadra immaginaria mostrasse un vero spirito atletico. Ha quindi chiamato degli esperti di football per addestrare i membri del cast. Sean Combs, che il regista aveva inizialmente scelto per il ruolo di Willie Beaman prima che fosse assegnato a Jamie Foxx, non ha potuto partecipare a causa di un conflitto di impegni.

La vera storia dietro il discorso di Al Pacino

In ultimo, ci si potrebbe chiedere quale sia stata l’ispirazione dietro l’ardente discorso dell’ultimo minuto di Tony D’Amato prima della partita dei playoff. Anche quello è basato su un discorso motivazionale reale. Il discorso del coach della NFL Marty Schottenheimer alla sua squadra, i Cleveland Browns, durante la partita del campionato AFC del 1989 ha costituito la base del discorso. Il monologo di D’Amato inizia con tono stanco, dicendo ai giocatori: “Siamo all’inferno, signori”. Eppure riesce a descrivere le gravi difficoltà in un modo che ti fa venire voglia di sfidarle:

“Perché in entrambi i giochi, nella vita e nel football, il margine di errore è così piccolo: basta mezzo passo in ritardo o in anticipo e non ce la fai. Mezzo secondo di ritardo o di anticipo e non riesci a prenderla. I centimetri che ci servono sono ovunque intorno a noi… E o ci rialziamo, ora, come squadra! … o moriremo come individui. Questo è il football, ragazzi. Tutto qui“.

In seguito, Stone ha affermato che la tesi del discorso, che traccia un parallelo tra le difficoltà incontrate nel gioco che si è scelto e la vita stessa, è stata ripresa da un discorso che aveva tenuto agli studenti di cinema. Il regista ha raccontato: “Si basava su un discorso che stavo tenendo agli studenti durante i miei tour nei college, in cui parlavo di ciò che mi era successo in Vietnam e di ciò che accade nei film. Ricordo di aver fatto l’analogia dei sei pollici davanti al mio viso, questa combinazione di guerra e strategia, esperienza personale e istinto. Volevo inserire tutto questo nel football. È un omaggio alla differenza tra tirare avanti e avere davvero successo, tra vincere e perdere”.