Dopo mesi di preoccupazioni che
l’ultimo capitolo della saga potesse essere cancellato del tutto,
Fast
and Furious 11 sembra finalmente essere sulla buona
strada. La serie principale di film dovrebbe concludersi dopo
l’undicesimo capitolo, che riprenderà dal finale sospeso di
Fast X, in cui Dom e Little B sono rimasti
intrappolati in una delle trappole di Dante, mentre Gisele è
tornata dalla morte per salvare Letty e Cipher, e Hobbs,
interpretato da
Dwayne Johnson, è diventato il nuovo obiettivo di
Dante.
Nonostante il piano in due parti,
però, Fast and Furious 11 ha avuto numerosi
problemi di sviluppo negli ultimi due anni, inizialmente sospeso a
causa degli scioperi della Writers Guild of America e della
SAG-AFTRA, prima di subire un altro ritardo a causa della
riscrittura della sceneggiatura. Più recentemente, sono circolate
voci secondo cui l’ultimo capitolo previsto sarebbe stato
completamente cancellato, poiché il modesto successo al botteghino
di Fast X ha spinto la Universal a cercare un modo
per produrre il prossimo film in modo più economico dopo il budget
di produzione di 378,8 milioni di dollari del decimo film.
Ora, in un nuovo post di Vin Diesel sulla sua pagina Instagram, lo si vede
visitare la sede della Universal Pictures con il Chief Marketing
Officer dello studio, Michael Moses. Il
produttore/protagonista indossa una maglietta con la scritta
“Fast X Part 2 Los Angeles Production 2025” e lo si vede
non solo passeggiare per il backlot e uno dei suoi teatri con
Moses, ma anche il dirigente della Universal affermare che stavano
“pianificando tutto” e “risolvendo la questione”,
indicando che i ritardi nella produzione del film sono stati
appianati.
Sebbene le dichiarazioni di Moses
siano sicuramente motivo di grande sollievo per i fan della serie,
non significano necessariamente che Fast and Furious
11 abbia ottenuto il via libera ufficiale dallo studio.
Solo poche settimane prima della stesura di questo articolo era
stata diffusa la notizia che la Universal voleva ridurre il budget
necessario per la sceneggiatura definitiva del film di ben 50
milioni di dollari, rendendo necessario tagliare alcuni personaggi
e mantenere la produzione nazionale anziché internazionale.
La posizione di rilievo di Moses
all’interno dello studio crea una sorta di incoraggiamento sul
fatto che Diesel e la Universal abbiano finalmente trovato un
accordo per Fast and Furious 11. Dato che lo
studio era già nelle prime fasi di sviluppo di altri titoli
spin-off, tra cui Hobbs & Reyes, il progetto con protagoniste
femminili e una storia autonoma ancora sconosciuta, è possibile che
alcune delle idee narrative per l’undicesimo film siano state
trasferite agli altri film. Con l’obiettivo precedente di un’uscita
nell’aprile 2027, però, l’ultimo Fast & Furious dovrà correre
presto in produzione o rischiare un altro ritardo.
Il finale di È Colpa Nostra?, o Culpa Nuestra di
Prime Video, è così affrettato che
sembra che i realizzatori abbiano voluto racchiudere il resto della
vita di Noah e
Nick in questo unico film per soddisfare i fan. Come avevamo
previsto, Nick si ritrova impegnato a Londra mentre Noah finisce
gli studi e volta pagina dopo un amore che non perdona. Lei
rimpiangerà per sempre quella notte con Michael, ma Nick non le
permetterà mai di dimenticarlo. Nonostante abbia lasciato un
messaggio in cui dice che sarà sempre la sua luce nell’oscurità,
Nick e Noah sono ben lontani dall’essere insieme all’inizio di È
Colpa Nostra?.
Nick ora sta con Sofia, che ha
intenzione di trasferirsi a Londra, mentre Noah incontra un bel
ragazzo sul volo per Ibiza (dove Lion e Jenna si sposano) quattro
anni dopo il finale di È Colpa Nostra?. Noah non è ansiosa
di vedere Nick, ma ovviamente lui è il migliore amico dello sposo,
quindi non c’è modo di evitarsi. Questo porterà a un amore
ritrovato o finiranno per ferirsi di nuovo a vicenda? Scopriamolo
nel finale di È Colpa Nostra?.
Cosa succede al
matrimonio?
Il film inizia con la riunione di
Nick e Noah al matrimonio di Jenna e Lion. Entrambi sono infelici,
ma i loro migliori amici sono desiderosi di tenerli vicini perché
sanno cosa è meglio per loro. Noah non vuole fare da damigella
d’onore, ma non può nemmeno tirarsi indietro, quindi, nonostante lo
stress e il desiderio di stare lontani, finiscono per andare a
letto insieme la notte del matrimonio. Quando Nick si sveglia,
però, è una persona completamente diversa. È notte fonda e dice a
Noah che in realtà non è interessato a tornare insieme. Non l’ha
perdonata per quello che ha fatto con Michael (anche se è stato lui
a baciare Sofia per primo). Così Noah si dedica a lavori
occasionali in attesa di trovare quello giusto, mentre Nick si
impegna a fare lo stronzo nell’ufficio di Londra (scherzo).
Chi è Simon?
È Colpa Nostra? – Cortesia Prime Video
L’azienda non sta andando molto
bene e qualunque cosa Nick stia cercando di fare non funziona. La
gente protesta contro l’azienda e qualcuno cerca persino di
uccidere William, il padre di Nick (e il patrigno di Noah, oops).
Ma Nick è determinato a fare le cose in modo diverso. D’altra
parte, Noah trova finalmente un lavoro interessante in un’azienda
tecnologica guidata nientemeno che dal pilota Simon. Simon non ha
esitato a chiedere a Noah di uscire con lui a Ibiza quando il loro
volo è atterrato. Ma lei allora ha detto di no. Tuttavia, ora che
lavorano insieme e lei deve chiaramente superare la storia con
Nick, decide di dare una possibilità a questo ragazzo, ma con calma
e senza fretta. Allo stesso tempo, per salvare la faccia
dell’azienda, Nick dice a Sofia che dovrebbero annunciare di avere
una relazione “seria”. Ma poi Nick finisce per rilevare l’azienda
di Simon (un’altra strana iniziativa per aiutare a ripulire la loro
immagine?) e quando vede Noah lì, perde un po’ la testa. Non solo è
apertamente detestabile nei confronti di Simon, ma proibisce
persino le relazioni sentimentali in ufficio, sapendo che Simon e
Noah stanno insieme. Ma questo non fa alcuna differenza perché
Simon afferma di essere così innamorato di Noah che non gli importa
della sua azienda (aspetta, cosa?).
Cosa riavvicina Noah e
Nick?
È Colpa Nostra? – Cortesia Prime Video
Ci sono così tante cose casuali che
accadono in questo film che mi sembra di parlare di cose diverse.
Ora, Maggie, la sorella di Nick, dovrebbe andare a trovarlo perché
ha bisogno di passare più tempo con suo padre, ma sia lei che Will
trovano molto difficile farlo. Invece, lei passa la maggior parte
del tempo con Noah, che vomita la torta all’agave che lei mangia.
Comunque, Noah è il migliore con Maggie, e l’ostinazione di Nick
non gli permette di perdonare sua madre o suo padre per il loro
passato, il che significa che non ha modo di aiutare nemmeno
Maggie. Inoltre, veniamo improvvisamente colpiti dalla notizia che
la madre di Nick sta morendo di leucemia, quindi la custodia di
Maggie ora spetta a Will (eh?). Nick dice a Noah che non sa come
fare senza di lei, che è un’abitudine a cui continua a tornare.
Finiscono per andare a letto insieme (di nuovo) perché lui non
vuole stare da solo. Ma subito dopo Noah se ne va. Lei però scopre
con stupore di essere incinta. A quanto pare, è di Nick perché
potrebbe essere successo al matrimonio (non capisco la cronologia
di questo film).
A una festa con Sofia e Simon, Nick
bacia di nuovo Noah, dicendole che non può lasciarla andare. Lei lo
ferma e ha bisogno di riposare, quindi lui la porta a casa,
lasciando Sofia infastidita e Simon troppo ubriaco per
preoccuparsene. Ora Noah è visibilmente incinta, ma in qualche modo
nessuno se ne accorge. Comunque, lei dice a Nick che lui sarà
felice sposando Sofia, e che lei sarà un’ottima madre per i suoi
figli. Lui le dice che lei sarebbe meglio, ma lei risponde che come
può essere la madre dei suoi figli se lui non riesce a perdonarla
(ragazza? Sei già incinta.
Alla fine, è al funerale della
madre di Nick che Noah insegna a Maggie che dovrà accettare Will
come suo padre perché lei ha fatto lo stesso e gli dà persino un
abbraccio davanti a tutti. Maggie la segue. Parla anche di come,
quando succedono cose del genere, di solito non è “colpa” di una
sola persona. D’altra parte, c’è ancora un altro grattacapo da
affrontare. Michael viene licenziato dall’ospedale dove lavora
perché Nick ha detto loro che è andato a letto con una studentessa
mentre era consulente. Ma quando Noah incontra Michael, lui le dice
di stare lontana da lui perché gli ha rovinato la vita. Lei va da
Sofia per chiedere aiuto, e Sofia muove alcune leve, ma alla fine
Michael vuole ancora vendicarsi e sa che Noah è incinta perché ha
messo le mani sulla sua cartella clinica.
È Sofia a dire a Nick che lui non
sa come lasciar andare il risentimento. Gli ricorda che tutti
quelli che lo circondano possono perdonarlo, tranne lui. Gli fa
anche capire che Noah è l’unica persona che è davvero lì per lui, e
che lui è riuscito ad allontanare anche lei. Sofia rimane sola, ma
c’è ancora speranza per lei, e non c’è rancore tra lei e Nick.
Chi è il grande
cattivo?
È Colpa Nostra? – Cortesia Prime Video
Il grande colpo di scena in È Colpa
Nostra? non ha nulla a che vedere con i protagonisti. Si
tratta invece del fatto che Michael è ancora in contatto con Briar,
che ha bisogno dell’aiuto di un medico, ma invece viene curata da
uno psicopatico squilibrato. Ora Michael sta già lavorando su
Briar, ma il suo piano entra in azione in ritardo perché Nick, che
ritrova Noah, il quale ha deciso di andarsene per sempre, viene
colpito dallo stesso uomo che ha cercato di uccidere suo padre
all’inizio del film. Noah e Nick stavano finalmente per tornare
insieme, e lui pensava che il bambino fosse di Simon, ma gli andava
comunque bene (wow, quell’uomo è cresciuto dopo quella
conversazione). Ma ovviamente era felicissimo di sapere che era suo
figlio. Nick si risveglia dal coma dopo la nascita del loro
bambino, e sembra che Nick e Noah stiano finalmente vivendo il loro
lieto fine, ma non è così. Briar si presenta, prende il bambino e
sostiene che dovrebbe tenerlo perché ha perso un bambino a causa di
Nick: occhio per occhio, bambino per bambino, capite? Ne segue una
lotta, e Noah combatte Michael come una vera dura e alla fine
prende a pugni Briar in faccia dopo averle strappato il bambino.
Mamma Noah è piuttosto tosta, eh? Farebbe qualsiasi cosa per i suoi
due ragazzi.
Nel finale di È Colpa
Nostra?, Nick e Noah si sposano e partono verso il paradiso
nella loro auto nuova di zecca, per la quale Noah dovrà pagare il
mutuo per il resto della sua vita (voglio dire, è sposata con Nick,
quindi no). Il film ha un lieto fine e i fratellastri finiscono per
diventare marito e moglie, anche con l’approvazione dei loro
genitori (oops).
L’universo DC di James Gunn è appena agli inizi, ma il pubblico
non dovrebbe aspettarsi di vedere un certo famoso cattivo nel
prossimo futuro. Durante una nuova intervista con New Rockstars, a Gunn è infatti stato chiesto se
Darkseid fosse stato preso in considerazione come
il grande cattivo della serie DCU. Tuttavia, il co-CEO della DC Studios ha
commentato: “Usare Darkseid come grande cattivo ora non è
necessariamente la cosa giusta da fare… perché Zack l’ha fatto in
modo così fantastico a modo suo e a causa di Thanos e della Marvel”.
Come noto, Darkseid compare –
seppur brevemente – in Zack Snyder’s Justice
League del 2021 e dunque per Gunn sarebbe troppo presto
per prendere in considerazione di introdurlo nel DCU. Allo stesso
tempo, avvalersi di un personaggio di quel tipo rischierebbe di
dare una sensazione di già visto, generando ovvi paragoni con il
Thanos del MCU. È dunque probabile che, quando un primo grande
villain del DCU si paleserà, questo rappresenterà una decisa novità
rispetto a ciò che attualmente ci si può aspettare.
Tutto quello che sappiamo su Man of
Tomorrow
Le riprese principali di
Man of Tomorrow dovrebbero iniziare nella primavera
del 2026, con una data di uscita fissata per il 9 luglio
2027. David Corenswet riprenderà il ruolo nel sequel
al fianco di Lex Luthor, interpretato da
Nicholas Hoult, poiché i due si alleeranno contro questo nuovo
nemico, come ha dichiarato il regista.
James
Gunn ha infatti affermato: “È una storia in cui Lex Luthor
e Superman devono collaborare in
una certa misura contro una minaccia molto, molto più grande. È più
complicato di così, ma questa è una parte importante. È tanto un
film su Lex quanto un film su Superman. Mi è piaciuto molto
lavorare con Nicholas Hoult. Purtroppo mi identifico con il
personaggio di Lex. Volevo davvero creare qualcosa di straordinario
con loro due. Adoro la sceneggiatura”.
Gunn annunciato
Man of Tomorrow sui
social media il 3 settembre. Nel suo annuncio, lo sceneggiatore
e regista ha incluso un’immagine tratta dal fumetto in cui Superman
è in piedi accanto a Lex Luthor nella sua Warsuit. Nei fumetti DC,
Lex crea la tuta per eguagliare la forza e le abilità di Superman.
Mentre l’immagine teaser suggeriva che Lex e Superman sarebbero
stati di nuovo in contrasto, ora sembra che Lex userà la sua
Warsuit per poter essere allo stesso livello di Superman per
qualsiasi grande minaccia si presenti loro. Al momento, è
confermata la presenza della Lois Lane di Rachel Brosnahan.
Il film è stato in precedenza
descritto come un secondo capitolo della “Saga di Superman”. Ad
oggi, Gunn ha affermato unicamente che “Superman conduce
direttamente a Peacemaker; va notato che questo è per adulti, non
per bambini, ma Superman conduce a questo show e poi abbiamo
l’ambientazione di tutto il resto della DCU nella seconda stagione
di Peacemaker, è incredibilmente importante”.
Uscito nel 2001 e diretto da Gary Fleder, Don’t Say a Word (Non dire una parola) è un thriller psicologico che
intreccia tensione familiare, trauma e avidità in un racconto che
si muove tra la mente e la colpa.
Interpretato da Michael
Douglas, Brittany Murphy, Sean Bean e
Famke Janssen,
il film segue la storia del dottor Nathan Conrad, uno psichiatra newyorkese
costretto a decifrare la mente di una giovane paziente
traumatizzata per salvare la vita della propria figlia rapita. Il
finale, tanto teso quanto rivelatore, svela il vero significato del
titolo e chiude la storia su un doppio piano: quello della
giustizia e quello della redenzione emotiva.
Il segreto di Elisabeth e la chiave nascosta
Gran parte della tensione del film ruota attorno al personaggio di
Elisabeth
Burrows (Brittany Murphy), una ragazza ricoverata in una
clinica psichiatrica che da anni non parla con nessuno. Nathan,
interpretato da Michael Douglas, viene incaricato di occuparsi del
suo caso, ma presto scopre che dietro il mutismo della giovane si
nasconde un segreto che ha a che fare con una rapina di diamanti
avvenuta dieci anni prima.
I
rapitori della figlia di Nathan, guidati da Patrick Koster (Sean Bean), credono
che Elisabeth sia l’unica a sapere dove è nascosto il diamante
rubato. Il titolo Don’t Say a
Word (“Non dire una parola”) è allo stesso tempo un comando e
un trauma: Elisabeth ha
mantenuto il silenzio per sopravvivere, dopo aver
assistito all’omicidio del padre, uno dei ladri coinvolti nel
colpo.
La rivelazione: il diamante e il trauma infantile
Nella parte finale del film, Nathan riesce a guadagnare la fiducia
di Elisabeth, scoprendo che la chiave del mistero è
letteralmente una
chiave – un oggetto che la ragazza conserva come simbolo
di protezione e che conduce al luogo dove il diamante è
nascosto.
Questo oggetto rappresenta l’unico legame tra la sua infanzia
traumatizzata e il presente.
La svolta arriva quando Elisabeth ricorda il numero di una tomba,
il luogo dove il padre aveva nascosto il diamante prima di essere
ucciso da Koster. Nathan si reca al cimitero, recupera la pietra
preziosa e la usa come merce di scambio per liberare la figlia,
Jessie, tenuta prigioniera in casa sotto gli occhi della madre,
immobilizzata a letto.
Il confronto finale e la caduta di Koster
Il climax del film si consuma nel confronto tra Nathan e Koster. Lo
psichiatra riesce a consegnargli il diamante, ma in un colpo di
scena tipico del thriller anni 2000, Elisabeth stessa decide di
intervenire. Determinata a vendicarsi per la morte del padre, la
ragazza inganna Koster portandolo con sé in un terreno paludoso,
dove lo spinge nel fango e lo lascia annegare.
La scena, girata con toni cupi e quasi onirici, è la
vera chiusura psicologica
del film: Elisabeth rompe il suo silenzio, non più come
vittima ma come soggetto attivo della propria vendetta. “Don’t say
a word” – la frase che l’ha condannata al silenzio – diventa
paradossalmente la chiave della sua liberazione.
Il significato del finale: la parola come cura
Nel finale, Nathan riesce a salvare la figlia e a riportare
l’equilibrio nella sua famiglia.
Ma la vera guarigione avviene dentro la mente di Elisabeth, che
finalmente parla. Le sue ultime parole, rivolte a Nathan,
suggellano il tema centrale del film: la parola come strumento di salvezza. Dopo
anni di silenzio, la ragazza può finalmente nominare il proprio
dolore, trasformandolo in ricordo invece che in prigione.
Gary Fleder costruisce qui un epilogo dal tono catartico.
L’inquadratura finale mostra Elisabeth seduta in una stanza
d’ospedale, illuminata da una luce morbida. Il suo volto è sereno,
privo della tensione che lo aveva attraversato per tutto il film.
La parola non è più pericolosa: è diventata terapia.
Giustizia e trauma: due piani paralleli
Il film non si limita a risolvere la trama poliziesca. Il finale
infatti mette in parallelo due percorsi di guarigione: quello
fisico e familiare di Nathan, che recupera la figlia e la serenità
domestica, e quello psicologico di Elisabeth, che riesce a
riappropriarsi della propria identità.
La chiusura del film suggerisce che il trauma, se condiviso e
ascoltato, può trovare una via d’uscita. Nathan, come terapeuta,
non solo decifra il codice di un caso criminale, ma diventa
simbolicamente colui che
restituisce la parola a chi non la possedeva più.
Il messaggio finale: il silenzio non è protezione
Il titolo Don’t Say a
Word assume quindi una doppia valenza: da un lato è la
minaccia imposta dal carnefice, dall’altro il trauma interiorizzato
dalla vittima. Alla fine, rompere il silenzio significa rompere il
potere di chi ha causato la violenza. Il film, pur restando un
thriller di intrattenimento, si muove su un terreno più profondo:
il linguaggio come
salvezza e verità.
L’ultimo sguardo di Elisabeth, rivolto verso la finestra, è
l’immagine della libertà: una giovane donna che ha ritrovato la
voce, e con essa la possibilità di vivere. Nathan, intanto,
osserva la figlia dormire al sicuro — un simbolo di equilibrio
ritrovato, ma anche di un male che, se non affrontato, può sempre
riaffiorare. Così Don’t Say a
Word si chiude non con la vendetta, ma con la
riconquista della
parola: la più semplice, e insieme la più potente, forma
di giustizia.
La nuova versione di Robin Hood –
L’origine della leggenda del regista Otto Bathurst, con
Taron Egerton nel ruolo dell’affascinante ladro
dal cuore d’oro, si conclude con un colpo di scena piuttosto
importante riguardante Will Scarlet (Jamie
Dornan) e lo sceriffo di Nottingham. Dopo che Robin e
Little John (Jamie
Foxx) riescono a uccidere lo sceriffo originale
(Ben
Mendelsohn), impiccandolo in una chiesa, un nuovo
sceriffo assume il suo ruolo. Quello sceriffo non è altro che Will,
uno dei fedeli Merry Men di Robin nelle storie originali, che nel
film di Bathurst diventa suo nemico mortale.
Quando incontriamo Will Scarlet per
la prima volta nel film, entra in scena da sinistra e si avvicina
per baciare Lady Marian (Eve Hewson), che è stata ingannata dallo
sceriffo facendogli credere che Robin fosse morto durante le
Crociate. Robin è naturalmente devastato alla vista di questa scena
e, su richiesta di John, trascorre gran parte del film tenendo
Marian a distanza, senza rivelarle la sua vita segreta come “il
Cappuccio”. Nella battaglia finale del film, tuttavia, Robin e
Marian si riconciliano e si scambiano un bacio appassionato… a cui
Will Scarlet assiste sfortunatamente.
Will, furioso, ferito e sfigurato
durante il combattimento, si rifiuta di fuggire nei boschi con
Robin e gli altri Merry Men. Robin e Marian lo lasciano a
malincuore e se ne vanno con le ricchezze che hanno rubato allo
sceriffo di Nottingham. Tuttavia, proprio quando sembra che tutto
stia per concludersi in modo soddisfacente, Friar Tuck (Tim
Minchin) ritorna in voce fuori campo per rivelare che questo finale
perfetto non è proprio come sembra. Il film passa a Will che ha un
incontro clandestino con il Cardinale (F. Murray Abraham), che
aveva cospirato con lo sceriffo di Nottingham per sabotare lo
sforzo bellico. Con lo sceriffo originale fuori dai giochi, il
Cardinale ha bisogno di un nuovo uomo a Nottingham dalla sua parte,
e Will odia Robin abbastanza da accettare il lavoro.
Si tratta di un bel cambiamento per
Will, che per tutto il film ha fatto da portavoce del popolo,
cercando di guidare i minatori di Nottingham in una pacifica
opposizione alla tirannia dello sceriffo. Si potrebbe obiettare che
è piuttosto inverosimile che Will rinneghi tutte le sue convinzioni
e diventi un cattivo sfregiato solo perché ha visto qualcuno
baciare la sua ragazza.
Tuttavia, si potrebbe anche
sostenere che Robin stesso abbia creato questo mostro convincendo
Will ad abbandonare i suoi piani di ritiro pacifico a favore di un
attacco totale agli uomini dello sceriffo.
Il colpo di scena di Robin Hood –
L’origine della leggenda è ovviamente pensato per
preparare il terreno a un sequel che vedrà Robin contro Will
Scarlet… anche se, dato che Robin Hood dovrebbe incassare solo 15
milioni di dollari nel weekend del Ringraziamento, quel sequel
probabilmente non ci sarà. È davvero un peccato; Dornan non aveva
molto da fare come terzo vertice di un triangolo amoroso, ma
interpretare Will Scarlet non solo come un cattivo, ma come il più
grande nemico di Robin Hood, avrebbe dato una svolta molto
interessante a una storia familiare.
A seguito di precedenti fusioni e
ristrutturazioni, Warner Bros. Discovery è ora
ufficialmente in vendita. Negli ultimi mesi sono apparse diverse
notizie relative all’acquisizione del colosso hollywoodiano, tra
cui
una riguardante un’offerta rifiutata da
Paramount.
“Continuiamo a compiere passi
importanti per posizionare la nostra attività in modo da avere
successo nell’odierno panorama mediatico in continua evoluzione,
portando avanti le nostre iniziative strategiche, riportando i
nostri studi alla leadership del settore e espandendo HBO
Max a livello globale. Abbiamo compiuto il passo coraggioso di
prepararci a separare la Società in due aziende mediatiche distinte
e leader, Warner Bros. e Discovery Global, perché eravamo
fermamente convinti che questa fosse la strada migliore da
seguire”.
David Zaslav ha
sottolineato che “non sorprende che il valore significativo del
portafoglio [della Warner Bros.] stia ricevendo un crescente
riconoscimento da parte degli altri operatori del mercato”. Il
capo dello studio ha confermato che “dopo aver ricevuto
manifestazioni di interesse da più parti, [essi] hanno avviato una
revisione completa delle alternative strategiche per identificare
la strada migliore da seguire per sbloccare il pieno valore delle
[loro] attività”.
Samuel A. Di Piazza
Jr., che ricopre la carica di presidente del consiglio di
amministrazione di WBD, ha ulteriormente spiegato: “La nostra
decisione di avviare questa revisione sottolinea l’impegno del
consiglio di amministrazione a considerare tutte le opportunità per
determinare il miglior valore per i nostri azionisti”. Ciò
avviene solo pochi mesi dopo l’annuncio, il 9 giugno 2025, della
scissione di Warner Bros. e Discovery in due entità
separate.
Di Piazza ha commentato come
continuino a sostenere questa decisione, affermando:
“Continuiamo a credere che la nostra separazione pianificata
per creare due società mediatiche distinte e leader creerà un
valore interessante. Detto questo, abbiamo deciso che intraprendere
queste azioni per ampliare il nostro raggio d’azione è nel miglior
interesse degli azionisti”. La separazione dovrebbe comunque
essere completata entro aprile 2026.
Al momento della stesura di questo
articolo, per quanto riguarda il processo delle alternative
strategiche dell’azienda, non esiste una scadenza fissata o un
“calendario definitivo” per la nuova iniziativa. Warner
Bros. inoltre “non intende fare ulteriori annunci in merito
alla revisione delle alternative strategiche”, ma lo farà solo
quando “il Consiglio approverà una transazione specifica o
determinerà in altro modo che un’ulteriore divulgazione è
appropriata o necessaria”.
Secondo un rapporto di Puck del 19
settembre 2025,
Netflix starebbe valutando la possibilità di presentare
un’offerta per Warner Bros. Discovery.
Tuttavia, Greg Peters, CEO di Netflix, ha fornito un commento molto vago il 9
ottobre riguardo alla possibilità che il popolare servizio di
streaming stia effettivamente valutando tale opzione. Se uno
qualsiasi degli altri grandi colossi di Hollywood dovesse acquisire
lo studio e le attività di Zaslav, potrebbe inaugurarsi una nuova
importante era di proprietà intellettuali riunite sotto lo stesso
tetto. Dopo che l’interesse per la vendita è diventato ufficiale,
il futuro di Warner Bros. Discovery sarà una delle più grandi
storie aziendali nel mondo dell’intrattenimento.
Diretto da Valérie
Donzelli e interpretato da Virginie Efira e Melvil Poupaud, Il coraggio di Blanche (L’amour et les forêts, titolo internazionale
Just the Two of Us) è uno
dei film francesi più intensi e discussi degli ultimi anni,
presentato in anteprima al Festival di Cannes
2023 nella sezione Cannes Première. Tratto dal romanzo omonimo di
Éric Reinhardt, il
film affronta il tema della violenza psicologica e del controllo in
una relazione di coppia con una delicatezza e una lucidità rare nel
cinema contemporaneo.
Il
finale, aperto e sospeso, rappresenta il punto culminante del
percorso interiore della protagonista: non una vittoria, ma una
presa di coscienza. Un epilogo che trasforma Il coraggio di Blanche in un racconto sulla
libertà femminile, sulla ricostruzione di sé e sull’impossibilità
di dimenticare del tutto chi ci ha fatto del male.
Un amore che diventa prigione
All’inizio del film, Blanche (Virginie Efira) incontra
Grégoire
Lamoureux (Melvil Poupaud), un uomo carismatico e
apparentemente premuroso. Innamorata, lo sposa e si trasferisce in
un’altra città, lontano da tutto ciò che conosceva. Ma la passione
iniziale si trasforma presto in un meccanismo di
controllo psicologico e
isolamento: Grégoire diventa geloso, possessivo,
invadente.
La regista mette in scena questa progressiva prigionia con uno
stile sobrio e claustrofobico: le inquadrature si stringono, gli
spazi si chiudono, la luce scompare. Nel corso del film, lo
spettatore assiste a una lenta discesa nell’abuso, resa ancora più
inquietante dall’apparente normalità del quotidiano. Il finale
arriva come un atto di ribellione, ma anche come un momento di
dolorosa consapevolezza.
La fuga e il confronto finale
Negli ultimi minuti, Blanche riesce a fuggire dalla relazione. Con
le sue due figlie si trasferisce in un piccolo appartamento e tenta
di ricostruire la propria vita. Ma il passato non si cancella
facilmente: Grégoire
continua a perseguitarla, inviando messaggi, comparendo
all’improvviso, manipolando ogni tentativo di autonomia.
Quando i due si ritrovano faccia a faccia, il film raggiunge il suo
momento più teso. Non c’è violenza esplicita, ma un silenzio pieno
di significato. Blanche lo guarda con calma, quasi con pietà. È un
gesto semplice, ma rivoluzionario: non ha più paura.
La scena finale — Blanche di spalle che cammina con le figlie lungo
una spiaggia — è insieme un addio e una rinascita. Nessuna colonna
sonora enfatica, nessun lieto fine: solo il silenzio di chi ha trovato la forza di
andare avanti, anche senza aver ottenuto giustizia.
Il significato simbolico del finale
Il titolo Il coraggio di
Blanche racchiude la chiave interpretativa del film. Il
coraggio non è la ribellione clamorosa, ma la capacità di sopravvivere e
ricominciare. La foresta — elemento ricorrente del romanzo
di Reinhardt — diventa la metafora dell’inconscio, il luogo dove
Blanche si perde per poi ritrovarsi. Nel finale, il suo cammino
nella natura o lungo la spiaggia rappresenta il ritorno alla vita,
una purificazione interiore.
Valérie Donzelli trasforma la fuga in un rito di liberazione: non la vittoria sul
carnefice, ma la riappropriazione del proprio corpo, del proprio
sguardo e del proprio nome.
La libertà, nel film, non è assenza di dolore ma riconciliazione
con esso.
La doppia Blanche e il tema dell’identità
Un elemento centrale del racconto è la presenza della
sorella gemella di
Blanche, anch’essa interpretata da Virginie Efira. Le due
donne sono opposte e complementari: una fragile, l’altra decisa;
una vittima, l’altra osservatrice. Nel finale, le due figure
sembrano fondersi, come se la protagonista avesse finalmente
integrato le sue parti più divise: la paura e il coraggio, la
dipendenza e la libertà.
La “seconda Blanche” rappresenta la voce interiore della
protagonista, quella che non ha mai smesso di parlarle anche nei
momenti più bui. Quando Blanche accetta la propria vulnerabilità e
smette di definirsi attraverso lo sguardo dell’altro, le due
identità diventano una sola. È in questo gesto invisibile che
avviene la vera guarigione.
Un finale realistico, non consolatorio
Il film evita il moralismo e il sentimentalismo. Non c’è una
punizione per Grégoire, né una risoluzione totale. Ma Blanche, ora
consapevole, non è più la stessa. La sua camminata verso il mare,
accompagnata dalle figlie, diventa un gesto di resistenza quotidiana: un inno
sommesso ma potente alla vita dopo la violenza.
Valérie Donzelli chiude il film con uno sguardo lucido e
compassionevole, senza enfasi melodrammatica. Come in molte opere
del cinema francese contemporaneo, la salvezza non è un traguardo
ma un percorso: lento, incerto, ma reale.
Il messaggio finale: la libertà come memoria
Il finale di Il coraggio di
Blanche racchiude la sua essenza più intima:
la libertà non è
dimenticare, ma ricordare senza più paura. Blanche porta
con sé il trauma, ma anche la consapevolezza di averlo
attraversato. La spiaggia finale, con la luce che si apre sul mare,
non è una via di fuga ma una soglia — quella tra il passato e la
possibilità di un futuro diverso.
Virginie Efira, in una delle interpretazioni più intense della sua
carriera, riesce a trasformare la sofferenza in forza. Il suo
volto, nell’ultima inquadratura, è quello di una donna che ha perso
tutto ma ha ritrovato sé stessa. E questo, nel cinema come nella
vita, è il vero coraggio.
Uscito nel 2001 e diretto ancora una volta da
Stephen Sommers, La mummia – Il
ritorno riprende le avventure di Rick e Evelyn O’Connell
dopo il grande successo del primo film del 1999. Ambientato quasi
dieci anni dopo gli eventi de La mummia, il sequel espande notevolmente l’universo
narrativo introducendo nuovi personaggi, creature mitologiche e un
respiro ancora più epico. Tra le principali novità spiccano il
figlio della coppia, Alex, e soprattutto la figura del Re
Scorpione, interpretato da
Dwayne “The Rock” Johnson, al suo esordio
cinematografico. Un capitolo più ambizioso, che mescola azione,
mitologia e avventura in un racconto visivamente travolgente.
Come il suo predecessore, La mummia – Il
ritorno si inserisce nel solco dei grandi
film d’avventura hollywoodiani ispirati ai mostri classici
della Universal, ma accentua l’aspetto spettacolare e fantastico,
avvicinandosi al cinema d’azione moderno. Sommers costruisce un
ritmo serrato fatto di inseguimenti, magie e battaglie, sostenuto
da effetti speciali all’avanguardia per l’epoca. Il risultato è un
film che unisce il fascino retrò dei serial anni ’30 con l’energia
dei blockbuster contemporanei, trasformando la leggenda di Imhotep
in una saga più ampia, dal tono mitologico e quasi da epopea.
Tematicamente, il film approfondisce il legame
familiare, la reincarnazione e il destino, contrapponendo l’amore
eterno di Rick ed Evelyn alla brama di potere di Imhotep e
Anck-su-namun. L’avventura si spinge così oltre l’orrore
soprannaturale, per diventare una riflessione sulla vita, la morte
e l’immortalità. Nel resto dell’articolo, ci concentreremo proprio
su questo: la spiegazione del finale de La mummia – Il
ritorno, analizzando il modo in cui conclude la storia e
chiude il cerchio aperto dal primo capitolo.
Dieci anni dopo aver rimandato l’immortale
mummia Imhotep nel mondo dei morti, Rick O’Connell
(Brendan Fraser) e sua moglie Evelyn (Rachel
Weisz) vivono a Londra con il loro figlioletto Alex.
Sempre alla ricerca di reperti del passato, i due durante
un’esplorazione in un antico tempio a Tebe, trovano il misterioso
bracciale di Anubi. Rientrati in patria, la coppia decide però di
abbandonare quella vita pericolosa e restare a Londra. Nel
frattempo, Alex, infilandosi il bracciale all’insaputa dei
genitori, ha una mistica visione dell’oasi di Ahm Sher e subito
dopo un’oscura setta egiziana attacca la famiglia.
La setta cerca il bracciale, che è però
sigillato al polso del bambino. Il culto, guidato dal curatore del
British Museum e da una donna di nome Meela Nais
(Patricia Velasquez), che è la reincarnazione dell’amore di
Imhotep Anck-su-namun, vuole far risorgere
nuovamente l’antica mummia e usare il suo potere per sconfiggere il
Re Scorpione, dandogli il comando dell’esercito di Anubi per
conquistare il mondo. Rick ed Evelyn accompagnati dal pauroso
fratello di lei, Johnatan (John Hannah), e dal
guerriero Medjai, Ardeth Bay devono dunque impedire il
ritorno della mummia e salvare Alex, che nel frattempo è stato
rapito.
La spiegazione del finale del film
Nel terzo atto de La mummia – Il ritorno
i protagonisti arrivano all’oasi di Ahm Shere, luogo mitico in cui
giace il potere di Anubis e dove il Re Scorpione può essere
risvegliato. Dopo una lunga serie di inseguimenti e battaglie, Rick
riesce a salvare il figlio Alex, ma la situazione precipita quando
Evelyn viene uccisa da Anck-su-namun. Mentre Imhotep entra nella
piramide per evocare l’esercito di Anubis, Rick e Jonathan si
uniscono per salvare sia la moglie sia l’umanità intera.
All’interno della piramide, Imhotep perde i suoi poteri, trovandosi
costretto ad affrontare il Re Scorpione in forma mortale. Rick,
guidato dai geroglifici, scopre che il bastone di Jonathan è in
realtà la leggendaria Lancia di Osiride, l’unica arma in grado di
uccidere la creatura.
La battaglia finale si trasforma in un intreccio
di duelli e sacrifici. Evelyn viene riportata in vita grazie al
Libro dei Morti, mentre all’esterno l’esercito dei Medjai affronta
eroicamente le orde infernali di Anubis. Rick affronta il Re
Scorpione in uno scontro violento e spettacolare, riuscendo infine
a trafiggerlo con la lancia e a rimandare il suo esercito negli
inferi. Con la morte del Re Scorpione, la piramide comincia a
crollare, trascinando con sé tutto ciò che resta dell’oasi. Imhotep
e Rick restano sospesi sul bordo di un abisso, ma mentre Evelyn
rischia la vita per salvare il marito, Anck-su-namun fugge
abbandonando Imhotep al suo destino. Devastato dal tradimento, il
sacerdote sceglie di lasciarsi cadere nell’oltretomba, ponendo così
fine alla sua eterna maledizione.
Il finale di La mummia – Il ritorno
completa idealmente l’arco narrativo iniziato nel primo capitolo,
contrapponendo due amori di natura opposta: quello puro e
disinteressato tra Rick ed Evelyn e quello egoista e distruttivo
tra Imhotep e Anck-su-namun. L’eroe e la sua compagna rappresentano
la forza del legame umano, capace di sconfiggere la morte e il
male, mentre la coppia di antagonisti incarna la corruzione
dell’amore quando diventa possesso. La decisione di Evelyn di
rischiare la vita per Rick segna il culmine emotivo del film e
suggella il valore del sacrificio, in netto contrasto con la
codardia di Anck-su-namun, che invece preferisce fuggire piuttosto
che salvare l’uomo che diceva di amare.
Da un punto di vista simbolico, la caduta di
Imhotep è la chiusura perfetta del suo arco tragico. Dopo due film
passati a inseguire l’immortalità e il potere, il suo destino si
compie nella consapevolezza che nulla di eterno può nascere dal
male. Il suo ultimo sguardo verso Rick ed Evelyn suggerisce un
momento di lucidità, quasi un riconoscimento della superiorità
dell’amore sincero su quello ossessivo. La distruzione dell’oasi e
della piramide simboleggia la fine del ciclo della maledizione e la
liberazione delle anime imprigionate da Anubis, restituendo un
equilibrio tra mondo dei vivi e mondo dei morti.
Alla fine, La mummia – Il
ritornoci lascia un messaggio chiaro:
l’amore e la lealtà sono più forti della morte e del
potere. Rick ed Evelyn, sopravvissuti insieme alla furia
degli dei e ai capricci dell’immortalità, incarnano la resilienza
umana di fronte a forze sovrannaturali. L’avventura, pur nel suo
tono spettacolare e mitologico, diventa così una riflessione sulla
natura del legame umano, sul coraggio di affrontare l’ignoto e
sulla necessità di lasciare andare ciò che non può durare in
eterno. Un epilogo avventuroso e romantico che, tra azione e
sentimento, chiude degnamente una delle saghe più amate del cinema
d’avventura moderno.
Il film Il coraggio di
Blanche (qui
la recensione) è una produzione francese del 2023 diretta da
Valérie Donzelli, regista nota per le sue opere che
esplorano con delicatezza profonda le dinamiche emotive e
relazionali. In questo caso, Donzelli affronta un tema tanto
attuale quanto drammatico: la violenza psicologica all’interno
della relazione di coppia. Il racconto porta lo spettatore nel
quotidiano apparentemente tranquillo di Blanche Renard, che
crede di aver trovato l’amore della vita ma si troverà invischiata
in una spirale di controllo, manipolazione e isolamento. È una
vicenda intima che si apre al sociale, un thriller psicologico in
cui l’orrore non viene da mostri sovrannaturali ma da chi appaia
normale.
Il genere del film può essere definito
drammatico/thriller relazionale: non un action, non un horror,
bensì un’analisi cinematografica della fragilità individuale e
della violenza subdola. La regia di Donzelli sceglie uno stile
sobrio, che privilegia sguardi, silenzi, spazi chiusi e
l’isolamento della protagonista, più che colpi di scena e gesti
eclatanti. Virginie Efira interpreta Blanche con intensità e
vulnerabilità, mostrando passo dopo passo il progressivo
logoramento della sua libertà personale e della sua identità. Il
film si distingue per la sua capacità di rendere visibile ciò che
spesso rimane invisibile: il controllo psicologico, la gelosia
insidiosa, la rottura dell’io.
Dal punto di vista dei temi, Il coraggio di
Blanche esplora l’amore tossico, la manipolazione affettiva e
la difficoltà di uscire da una relazione che appare rassicurante
all’inizio ma diventa una prigione. La trama evidenzia come
l’isolamento – fisico e mentale – sia utilizzato come strumento di
dominio e come la protagonista debba trovare in sé il coraggio di
reagire. L’impatto del film è forte: presentato al Festival di Cannes 2023 nella sezione
“Cannes Première”, ha ricevuto riconoscimenti e ha aperto un
dibattito importante sulle dinamiche di abuso che spesso restano
invisibili. Nel resto dell’articolo ci soffermeremo sulla domanda
centrale: il film è tratto da una storia vera o
meno?, per capire in che misura la vicenda di Blanche
rispecchia una realtà documentata.
La trama di Il
coraggio di Blanche
Il film racconta la storia
di Blanche Renard (Virginie
Efira), che dopo aver incontrato Greg
Lamoureux (Melvil Poupaud), è convinta di
aver trovato l’uomo della sua vita. Poco dopo, però, Greg inizierà
a mostrare il suo lato possessivo e pericoloso, tant’è che i due si
trasferiranno lontano dalla famiglia di Blanche. È così la donna si
ritrova coinvolta in una relazione tossica e morbosa, vergognandosi
di rivelare la vera natura del suo nuovo compagno. Quando però
capirà che la sua vita è messa in serio pericolo, dovrà decidere se
rimanere in silenzio per sempre od opporsi all’uomo da cui credeva
di essere amata.
La storia vera dietro il film
Il film Il coraggio di Blanche non è
direttamente tratto da una storia vera, ma si basa sul romanzo
L’amore e le foreste (L’amour et les forêts)
scritto da Éric Reinhardt e pubblicato nel 2014. L’autore,
noto per la sua attenzione ai rapporti di potere e alle nevrosi
della società contemporanea, si è ispirato a testimonianze reali
raccolte nel corso della sua vita, ma senza raccontare un caso
specifico. Il libro nasce dal bisogno di dare voce a quelle donne
che, come la protagonista, vivono relazioni segnate dalla
manipolazione psicologica, dalla perdita di autonomia e da una
violenza che si consuma nell’intimità domestica, lontano dagli
occhi del mondo.
Reinhardt ha raccontato in più interviste che il
personaggio di Blanche è stato ispirato da una lettrice che gli
aveva scritto una lunga lettera dopo la pubblicazione di un suo
romanzo precedente. In quella lettera, la donna gli narrava la
propria storia di matrimonio tossico e di distruzione personale.
Quella testimonianza, unita ad altre simili, ha spinto lo scrittore
a creare un personaggio simbolico più che realistico,
rappresentativo di molte donne intrappolate in relazioni abusanti.
Dunque, L’amore e le foreste non racconta un caso
realmente accaduto, ma è il risultato di un mosaico di esperienze
autentiche e di osservazioni sociali che restituiscono un quadro
estremamente realistico della violenza psicologica.
Nel portare sullo schermo il romanzo, Valérie
Donzelli ha scelto di rimanere fedele allo spirito dell’opera di
Reinhardt, accentuandone però la dimensione visiva e sensoriale. Il
film amplifica la percezione di oppressione attraverso l’uso della
luce, dei silenzi e della messa in scena claustrofobica,
permettendo allo spettatore di vivere dall’interno la lenta discesa
della protagonista in un rapporto distruttivo. Donzelli evita
l’enfasi melodrammatica e privilegia l’autenticità psicologica,
affidandosi alla straordinaria interpretazione di Virginie Efira,
capace di restituire con delicatezza il trauma invisibile di chi è
vittima di coercizione emotiva.
Nel complesso, Il coraggio di Blanche
risulta un film di grande realismo emotivo, anche se non
racconta una storia vera nel senso stretto del termine. La regista
e l’autore condividono l’intento di rendere visibile ciò che spesso
resta nascosto: la violenza che non lascia lividi, ma consuma
dall’interno. Il film mostra con accuratezza la progressione tipica
dell’abuso psicologico — dall’idealizzazione all’isolamento, dalla
colpa alla paura — offrendo uno spaccato credibile e profondamente
umano. Pur non essendo documentaristico, Il coraggio di
Blanche restituisce una verità universale: quella di tante
donne che, come Blanche, trovano la forza di riconoscere la propria
prigionia e di lottare per riappropriarsi di sé stesse.
Oggi Apple
TV ha svelato le prime immagini di Shrinking –
Stagione 3, l’amata comedy, acclamata dalla critica e
nominata agli Emmy, con protagonisti Jason Segel e Harrison Ford insieme agli amati
co-protagonisti Christa Miller, la candidata agli
Emmy Jessica Williams, Luke
Tennie, il candidato agli Emmy Michael
Urie, Lukita Maxwell e Ted
McGinley.
Creata dai vincitori dell’Emmy
Bill Lawrence e Brett Goldstein, insieme a Segel,
Shrinking –
Stagione 3 farà il suo debutto su Apple TV il 28
gennaio 2026 con il primo episodio degli 11 totali, seguito da un
nuovo episodio ogni mercoledì fino all’8 aprile.
“Shrinking” segue le vicende del
terapeuta Jimmy (interpretato da Jason Segel) che inizia a
infrangere le regole col dire ai suoi clienti esattamente quello
che pensa, ignorando così la sua formazione e la sua etica e
ritrovandosi a causare tumultuosi cambiamenti nella vita delle
persone… compresa la sua.
1 di 6
Cortesia di Apple TV
Jessica Williams and Damon
Wayans Jr. in "Shrinking," now streaming on Apple TV+.
Ted McGinley and Christa
Miller in "Shrinking," now streaming on Apple TV+.
Devin Kawaoka and Michael
Urie in "Shrinking," now streaming on Apple TV+.
Ted McGinley and Luke
Tennie in "Shrinking," now streaming on Apple TV+.
Jason Segel and Lukita
Maxwell in "Shrinking," now streaming on Apple TV+.
Oltre al cast storico, la terza
stagione di “Shrinking” vede il ritorno delle guest star Goldstein,
Damon Wayans Jr., Wendie Malick e Cobie Smulders, insieme alle new entry Jeff
Daniels e il pluripremiato attivista Michael J. Fox.
La serie è prodotta per Apple TV+
da Warner Bros. Television, con cui Lawrence e Goldstein hanno un
accordo globale, e dalla Doozer Productions di Lawrence. Lawrence,
Segel, Goldstein, Neil Goldman, James Ponsoldt, Jeff Ingold, Liza
Katzer, Randall Winston, Annie Mebane, Rachna Fruchbom, Brian
Gallivan, Ashley Nicole Black e Bill Posley sono i produttori
esecutivi.
“Shrinking” segna la terza
collaborazione tra Apple, Lawrence e Warner Bros. Television, dopo
la serie di successo e pluripremiata agli Emmy “Ted
Lasso” e “Bad Monkey”, recentemente rinnovata per una seconda
stagione. La serie segna anche l’ultima collaborazione tra Apple TV
e Goldstein dopo il film Apple Original “All of You”, ora
disponibile in streaming su Apple TV. Segel ha già collaborato in
precedenza con Apple TV nel ruolo da protagonista nel film Apple
Original “Il cielo è ovunque”.
Wanted
è lieta di svelare il trailer di Toni, mio
padre, il film diretto da Anna Negri
che è stato presentato in anteprima mondiale alle Giornate degli
autori, sezione autonoma e parallela della Mostra Internazionale
del Cinema di Venezia, all’interno delle
Notti Veneziane in accordo con Isola di Edipo.
Un dialogo intimo tra
una figlia e suo padre, tra memoria privata e Storia collettiva.
Con TONI, MIO PADRE, Anna Negri sceglie di raccontare l’eredità
complessa di suo padre, il filosofo e pensatore Toni Negri, figura
centrale della contestazione degli anni ’70.
Quando Anna aveva
14 anni, Toni Negri fu arrestato con l’accusa di essere il capo
occulto del terrorismo italiano, un’accusa dalla quale verrà poi
prosciolto. Dopo quattro anni di carcere e quindici di esilio,
Negri è divenuto un pensatore di fama mondiale, soprattutto dopo la
pubblicazione del saggio Impero (2000).
Dietro la dimensione
pubblica si nasconde una frattura intima e familiare che il film
porta alla luce con delicatezza e radicalità.
Girato tra Venezia, la
Sardegna e Parigi, TONI, MIO PADRE intreccia materiali
eterogenei – archivi di famiglia interviste, fotografie, Super8 e
repertori televisivi – per dar vita a un racconto stratificato, in
cui biografia e autobiografia, memoria privata e Storia
ufficiale, ideologia e affetti si sovrappongono in un corpo a
corpo emotivo e dialettico.
Anna Negri accompagna il
padre negli ultimi mesi della sua vita: un percorso di
riconciliazione e di scoperta reciproca, in cui si sciolgono
nodi irrisolti e si affrontano temi universali come il rapporto tra
ideali politici e vita quotidiana, tra generazioni, tra etica e
violenza, tra sconfitta e possibilità di riscatto.
“Ho voluto raccontare
una vita attraversata dalla Storia, cercando i tratti essenziali di
una mentalità rivoluzionaria. Ma al centro resta la relazione tra
padre e figlia: un dispositivo narrativo che permette di far
emergere conflitti universali e al tempo stesso intimi.” – Anna
Negri
Dopo l’esordio con In
principio erano le mutande (Forum, Berlino 1999) e il successo
internazionale di Riprendimi (Sundance 2008), fino alle
serie NetflixBaby e Luna Park, Anna Negri
torna al documentario con un’opera che è allo stesso tempo film
politico e racconto intimo, indagine storica e riflessione
personale.
Prodotto da MIR
Cinematografica, Videa Group e Mediaart, in collaborazione con
Home Movies, AAMOD e Lab 80 Film, TONI, MIO PADRE ha
ricevuto il Premio Valentina Pedicini – Premio Solinas 2021,
il Premio FIPADOC al Bio2B Biografilm Festival 2023 e il
Premio Ateliers/MFN 2024 e sarà nelle sale cinematografiche
con Wanted Cinema il 10, l’11 e il 12 novembre.
La trama di TONI, MIO
PADRE
Anna e Toni si
ritrovano a Venezia, dove Anna è nata, dove la sua famiglia viveva
quando era piccola e dove è sepolta sua madre. Sono entrambi di
fronte alla macchina da presa, filmati da un amico. Toni sa che
vede questa città per l’ultima volta, morirà sei mesi dopo, e Anna,
che non ha mai vissuto con lui da quando è stato arrestato, lo
accompagna con emozione, cercando di recuperare il tempo perduto. È
in questa nuova dimensione di viaggio e di reciproca scoperta,
ridotti a pochi gesti e a parole essenziali, che vediamo
sciogliersi gli ultimi nodi, i dubbi, i significati di due vite
tanto complesse.
Il finale di Everything Everywhere All at Once spiegato in
dettaglio rivela il vero significato della commedia
fantascientifica del 2022. Scritto e diretto da Dan Kwan e Daniel
Scheinert (alias i Daniels), il film di maggior incasso della A24
esplora il multiverso con la famiglia apparentemente normale di
Evelyn Wang (Michelle
Yeoh) e suo marito Waymond (Ke
Huy Quan). Il finale di Everything Everywhere All at Once
presenta il multiverso in un modo che fa impallidire il Marvel Cinematic Universe. Oltre al
successo commerciale e alla rilevanza culturale del film, i 7
Oscar Everything Everywhere All At Once ha vinto nel 2023
includono Miglior Film e Miglior Sceneggiatura Originale, cosa che
il suo finale stratificato ha senza dubbio contribuito a
garantire.
In EEAAO, Evelyn Wang è una
stressata proprietaria di una lavanderia a gettoni che sta
affrontando una verifica fiscale. La sua vita sta iniziando a
vacillare, con un divorzio imminente e sua figlia Joy (Stephanie
Hsu) che si sente inaspettatamente tradita dalla madre. Quando
viene catapultata in una battaglia esistenziale per il destino di
tutto il creato
contro Jobu Tupaki, una versione di Joy, deve affrontare tutti
questi problemi per salvare il multiverso. Il finale vede Evelyn
abbracciare ogni versione di se stessa nel multiverso e tirare
fuori sua figlia dall’oscurità. Il finale di Everything
Everywhere All at Once ha molti livelli che spiegano i temi del
film, le regole del multiverso e altro ancora.
Spiegazione dell’Alphaverse e
del Verse-Jumping
Everything Everywhere All At
Once ha una visione unica del multiverso
Il finale di Everything
Everywhere All at Once porta il concetto di multiverso
all’estremo, esplorando i vari mondi infiniti che si basano su ogni
decisione umana mai presa. Per ogni scelta, viene creato un nuovo
universo, che si ramifica nella propria versione della realtà. La
cosa interessante della versione del multiverso di Everything
Everywhere All At Once è che ogni universo non sembra essere
stato creato simultaneamente. Piuttosto, gli universi che si
diramano sono determinati dalla decisione di un individuo e da come
questa influisce sul suo percorso di vita. L’Alphaverse, come
suggerisce il nome, è al vertice della catena multiversale perché è
stato il primo a scoprire l’esistenza del multiverso.
Gli abitanti dell’Alphaverse sono
stati in grado di capire come è nato ogni universo e le decisioni
che ogni persona ha preso per arrivare al proprio posto attuale
nella vita. L’Alphaverse è anche l’unico ad aver creato una
tecnologia per comunicare con altre parti del
multiverso Everything Everywhere All at Once, compreso
il salto tra i versi, che consiste nell’attingere a un’altra
versione di sé stessi per prendere in prestito le loro abilità o
abitare la loro mente per un po’. Evelyn e Alphaverse-Waymond sono
in grado di separare le loro coscienze facendo qualcosa di strano;
per Evelyn, questo comporta cambiare le scarpe da un piede
all’altro.
Tuttavia, Alphaverse-Waymond ha
anche un altro asso nella manica. Per abitare completamente il
marito di Evelyn, Waymond, nel suo universo, la versione Alphaverse
deve fare qualcosa di completamente bizzarro prima di premere le
cuffie BlueTooth per essere trasportato nella coscienza di un
altro. Questo potrebbe essere qualsiasi cosa, dall’infilarsi un
oggetto appuntito nel sedere a Evelyn che dichiara il suo amore per
Deirdre, l’agente del fisco che lei odia. Più è scandaloso, più
è facile saltare da un universo all’altro.
Perché Evelyn era la scelta
perfetta per salvare il multiverso
La realtà di Evelyn rifletteva
la natura del multiverso
Nel finale di Everything
Everywhere All at Once, i doppelgänger di Evelyn nel multiverso
erano tutti abbastanza realizzati in un modo o nell’altro. Come
minimo, avevano scelto una strada e l’avevano seguita, mentre la
vita di Evelyn era incerta e spesso poco chiara.
Fondamentalmente, la vita di Evelyn è caotica proprio come gli
eventi del multiverso, perché ha tutto questo potenziale
inespresso. Mentre tutte le altre Evelyn si sono sistemate
nella loro vita, la Evelyn principale del film è piena di rimpianti
per le decisioni che non ha preso.
Conduce una vita che non aveva
necessariamente immaginato per sé stessa e i suoi sentimenti di
inadeguatezza – di non essere all’altezza delle aspettative di suo
padre – continuano a tormentarla, influenzando le relazioni di
Evelyn con Waymond e Joy. Alpha-Waymond sceglie Evelyn per salvare
il multiverso perché è “così incapace in tutto” da essere
“capace di tutto”.
Nessun’altra Evelyn poteva capire
cosa stesse passando il cattivo Jobu Tapaki di Everything
Everywhere All at Once, perché i loro sentimenti di desolazione non
erano così forti.
Inoltre, l’Evelyn di Jobu Tupaki
era molto severa con sua figlia, cosa che Evelyn può capire perché
lei stessa si è comportata allo stesso modo con Joy. Porta anche il
trauma di essere stata ripudiata dal proprio padre dopo aver
sposato Waymond, ed è proprio grazie a queste emozioni che riesce
ad affrontare Jobu Tupaki su un piano di parità. Bastava credere
che Evelyn fosse in grado di fare qualcosa di straordinario – cosa
che Alpha-Waymond ha fatto, vedendo oltre ciò che lei vedeva in se
stessa – per renderla la scelta perfetta per aiutare il multiverso
e riportare l’equilibrio perduto.
Perché Jobu Tupaki ha creato il
bagel “Everything”
Il bagel è una metafora
nichilista della modernità
Tra tutti i personaggi di
Everything Everywhere All At Once, Jobu Tupaki è il più
tragico. È la versione Alphaverse di Joy, la cui madre, anch’essa
Evelyn, l’ha spinta troppo a fondo per attingere al multiverso. Ha
saltato così tanto da versetto che qualcosa nella sua mente si è
frantumato, con Jobu Tupaki che ha sperimentato l’intero multiverso
contemporaneamente. Questo ha portato Jobu Tupaki a essere in grado
di incarnare qualsiasi versione di Joy senza dover eseguire nessuno
dei trucchi Alphaverse che gli altri dovevano fare per saltare da
un versetto all’altro.
Questa è una metafora diretta
della natura opprimente della società moderna, dove così tante
cose – eventi globali, social media, questioni sociali e difficoltà
della vita personale – richiedono attenzione. La mente di Jobu
Tupaki è divisa in questo modo, tirata in così tante direzioni
diverse al punto da diventare troppo. Jobu Tupaki non aveva nulla
da perdere dopo quello, sentendo il peso del multiverso che la
opprimeva, così decise di vedere cosa sarebbe successo se avesse
gettato esperienze, pensieri e praticamente tutto ciò che le veniva
in mente su un bagel.
Jobu Tupaki voleva scoprire cosa
sarebbe successo se tutto il caos fosse stato in un unico posto,
soprattutto perché avrebbe potuto sperimentarlo tutto in una volta.
Ciò che Jobu Tupkai ha scoperto alla fine è che, nonostante
l’intero multiverso e tutto ciò che conteneva, niente aveva
davvero importanza. È per questo che voleva soccombere al
potere del bagel “everything”, che la attirava verso il suo vuoto.
Una parte importante del viaggio di Jobu Tapaki è stata imparare
che c’è ancora speranza e che, anche se nulla ha importanza, ci
sono alcune cose, come il rapporto madre-figlia, per cui vale
ancora la pena lottare.
Il vero significato del finale
di Everything Everywhere All At Once
Il finale di EEAAO riguarda le
relazioni umane che danno uno scopo alla vita
Il finale di Everything
Everywhere All at Once vede Evelyn cercare di fare ammenda con
Joy, che è stanca di cercare di compiacere sua madre. Evelyn ha
vissuto un momento importante quando ha affrontato suo padre
riguardo alla relazione di Joy con la sua ragazza, ma è stato un
momento nato dal bisogno di Evelyn di sfidare suo padre. Joy,
sentendosi incapace di soddisfare le aspettative di sua madre,
crolla, ed è solo allora che Evelyn si rende conto che, se non
altro, il rapporto che ha con sua figlia, per quanto teso e
complicato possa essere, conta più di ogni altra cosa. Il
multiverso di Everything Everywhere All at Once si basa
sulla dinamica stratificata tra un genitore e il proprio
figlio.
Evelyn e Joy provano molto
dolore a causa dei loro rapporti familiari, ma provano anche molto
amore. Quando Evelyn rivela di voler stare sempre con Joy,
indipendentemente da dove si trovino, è l’inizio di un processo di
guarigione per entrambi i personaggi dal dolore inflitto in
precedenza. Questa è la chiave per superare i traumi di entrambi e
rompere il ciclo generazionale che causa una frattura tra genitori
e figli. Al centro del film c’è il messaggio che la famiglia è
importante, purché si sia disposti ad ascoltare e ad affrontare le
cose con cuore aperto.
Oltre ad affrontare il trauma
familiare, il film esplora come una persona possa essere
intrappolata tra tante aspettative, percezioni e il costante
bombardamento di cose nella vita che richiedono tanta attenzione. È
anche una riflessione sulla società e su quanto l’era digitale
abbia cambiato il modo in cui le persone consumano praticamente
tutto.
Jobu Tupaki ha accesso a
innumerevoli versioni di se stessa e al multiverso in generale, e
l’afflusso di informazioni era così intenso e faticoso per la mente
che non riusciva più a sopportarlo.
Come suggerisce il finale di
Everything Everywhere All at Once, si può iniziare a
pensare che nulla abbia davvero importanza. Joy ed Evelyn
avevano bisogno di allontanarsi dalle pressioni del mondo e
rendersi conto che entrambe, nonostante tutti gli ostacoli, alla
fine ne valevano la pena. Nei momenti di difficoltà e oscurità, si
può ancora trovare la speranza.
Come Evelyn è cambiata grazie
al finale di EEAAO — Secondo Michelle Yeoh
L’attrice che ha interpretato
Evelyn ha portato tutta la sua esperienza di vita nel
ruolo
Le recensioni positive del finale
di Everything Everywhere All at Once sono dovute al fatto
che è ricco di sfaccettature e significati — e l’attrice Michelle
Yeoh lo ha affrontato senza sforzo. Infatti, la performance
della Yeoh nei panni della stanca Evelyn è stata così forte da
valerle il Golden Globe come Miglior Attrice (categoria
Musical/Commedia) e un rivoluzionario Oscar come Miglior Attrice
nel 2023. Ciò è particolarmente impressionante dato che la Yeoh
non interpretava un solo ruolo, ma tutte le versioni di Evelyn nel
multiverso dei Daniels. Affrontare qualcosa di così complesso non è
un’impresa facile, e la performance della Yeoh è stata allo stesso
tempo accattivante in tutti i suoi difetti e stimolante di fronte
alle sue difficoltà.
Ci vuole una figura forte per poter
incarnare un personaggio che deve esplorare e abbracciare ogni
intricato dettaglio di sé stesso e delle proprie scelte, e la Yeoh
ovviamente lo ha fatto alla perfezione. Senza dubbio uno dei motivi
del successo record al botteghino di Everything Everywhere All
at Once, l’attrice Michelle Yeoh si è aperta in un’intervista
(tramiteVanity Fair) sul ruolo e sui temi generali del
film. Fin dall’inizio, Yeoh ammette: “Credo che i miei 40 anni
di esperienza siano stati come una lunga prova generale per questo
film”. Yeoh ha studiato a fondo il personaggio prima di
affrontare il film, cambiando persino il modo di camminare di
Evelyn per esprimere esternamente i suoi sentimenti sulla vita.
L’attrice ha anche riflettuto molto
sull’aspetto di Evelyn, cercando di mostrare al meglio aspetti come
il fatto che il personaggio vive alla giornata o aggiungendo
ciocche grigie ai capelli per rappresentare visivamente lo stress
familiare e finanziario a cui Evelyn è chiaramente sottoposta.
Detto questo, al centro del film c’è la discussione sul trauma
generazionale e sul rapporto madre-figlia. Everything
Everywhere All at Once non è la prima volta che Michelle Yeoh
interpreta una madre disapprovante, dato che ha già interpretato il
ruolo di Eleanor Young in Crazy Rich Asians.
In particolare, il successo al
botteghino di Crazy Rich Asians e Everything Everywhere All At Once parla da sé. Detto
questo, a differenza di Crazy Rich Asians, i temi che
circondano il rapporto madre-figlia presenti in Everything
Everywhere All at Once, come discute Yeoh con Vanity
Fair, sono problemi che sfidano i confini culturali (ed
economici) e possono essere identificabili da chiunque.
Sebbene il finale di Everything
Everywhere All at Once non risolva in modo definitivo il rapporto
tra Joy ed Evelyn, c’è un pezzo del puzzle che è chiaro a Yeoh: “È
come se dovessimo fare un passo indietro e dire: ‘Vogliamo esserci
l’una per l’altra. Non sappiamo ancora come esprimerlo, ma non
rinunciamo l’una all’altra’”.
Il finale di
Everything Everywhere All At Once non chiarisce
in modo esplicito cosa succede a Jobu Tupaki, né se la figlia di
Evelyn sia davvero tornata ad essere semplicemente Joy.
Interpretando i rispettivi ruoli di ogni versione di Evelyn e Joy
Wang nel multiverso, Michelle Yeoh e Stephanie Hsu sono state
entrambe nominate agli Oscar, con il film che ha ottenuto un totale
di 11 nomination. Il meritato riconoscimento riflette il modo in
cui il cast e la troupe di Everything Everywhere All At Once
sono riusciti a realizzare questa storia unica, fantascientifica e
assurda sulla famiglia, l’amore e il significato della vita,
lasciando comunque al pubblico domande e misteri su cui
riflettere.
Tra questi c’è il destino di
Everything Everywhere All At Once villain Jobu Tupaki, la
versione Alpha-Verse della figlia di Evelyn, Joy. Dopo che Evelyn e
Joy hanno risolto i loro problemi attraverso un confronto tra tutte
le versioni di se stesse nel multiverso, Jobu Tupaki è stata vista
per l’ultima volta mentre Evelyn le impediva di eseguire il suo
piano per porre fine all’insignificanza di tutta l’esistenza.
Tuttavia, dopo che Evelyn e la
famiglia di Joy si sono completamente riconciliate, non è chiaro
cosa succeda a Jobu Tupaki. Ecco tutto ciò che gli spettatori
devono sapere sul destino di Jobu Tupaki
nel finale di Everything Everywhere All At Once.
Prime Joy e Jobu Tupaki
potrebbero essersi fusi
Durante uno dei primi scontri tra
Evelyn e Jobu Tupaki, la cattiva mostra il suo potere e dice di
essere ogni versione di Joy, sottintendendo che non c’è una
differenza sostanziale tra Joy e Jobu Tupaki. In effetti, durante
tutto il film viene suggerito che lo stesso vale per ogni persona,
anche per i residenti dell’Alpha-Verse di Everything Everywhere All At Once. Ciò è anche coerente
con il funzionamento del salto tra i versi. Come spiegato dalla
versione Alpha-Verse del marito di Evelyn, Waymond (Ke Huy Quan),
non importa quanto potente sia una persona, in qualsiasi universo
alternativo può accedere solo alla propria coscienza.
In realtà, è proprio l’assoluta
insignificanza dell’essere Everything Everywhere All At Once
che spinge Jobu Tupaki a cercare di distruggere
il multiverso con il bagel tutto in primo luogo. Il film non
mostra cosa sia successo a Jobu Tupaki dopo lo scontro finale tra
Evelyn e Joy perché non era necessario.
Mentre coloro che provengono
dall’Alpha-Verse sono considerati il meglio del meglio, Joy è
un’estensione di Jobu Tupaki tanto quanto il cattivo lo è di Joy.
Alla fine, è ragionevole supporre che si siano completamente fusi,
soprattutto dopo che Evelyn ha aiutato Joy a trovare un po’ di
catarsi e pace mentale per ogni versione di se stessa.
Everything Everywhere All At
Once suggerisce il ritorno di Prime Joy
Non più armata del bagel né
vestita in modo elegante come Jobu Tupaki, Prime Universe Joy
sembra essere tornata completamente se stessa nel finale, senza
tracce visibili dell’influenza del cattivo. Oltre a vestirsi più
come una normale adolescente, altri indizi rivelatori del ritorno
di Prime Joy includono non solo la presenza della sua ragazza, ma
anche il fatto che la loro relazione sia stata apertamente
accettata dal nonno Gong Gong Wang (James Hong), sebbene attraverso
l’intervento inizialmente sgradito di Evelyn. Alla fine, Joy aiuta
persino l’intera famiglia a risolvere i propri problemi fiscali e
incontra Deirdre Beaubeirdra (Jamie Lee Curtis) nel mezzo.
Jobu Tupaki non si abbasserebbe mai
a trovare soddisfazione nella banalità della vita normale, quindi
tutti gli indizi indicano che Prime Joy ha il pieno controllo di sé
stessa. Everything Everywhere All At Once termina con Joy che si
riconcilia non solo con Evelyn, ma con tutta la sua famiglia, il
che è una prova più che sufficiente per concludere che nelle scene
finali del film è Prime Joy e non Jobu Tupaki. Vedendo la saggezza
nella visione di Evelyn di
trovare un significato nella totale insignificanza del
multiverso, Joy è contenta di essere semplicemente se stessa,
almeno per ora.
Infatti, anche se Prime Joy
potrebbe essere tornata, la realtà è che Jobu Tupaki può riprendere
il controllo in qualsiasi momento in futuro. Questo a causa della
natura e dello scopo narrativo della relazione tra Joy e Jobu
Tupaki nel film. Inoltre, ciò sottolinea anche il significato più
profondo dietro le motivazioni dei personaggi che provengono
dall’Alpha-Verse.
Se Prime Joy ritorna, dov’è
Jobu Tupaki?
Come suggerisce il titolo, Jobu
Tupaki, come Joy, rimane Everything Everywhere All At Once.
È importante capire che le Everything Everywhere All At
Once‘s assurde battute, gli elementi fantascientifici e
l’intenso dramma multiversale sono allegorie volte a svelare le
complesse relazioni tra Evelyn, Joy, Waymond e Gong Gong e il modo
in cui la loro famiglia elabora il trauma intergenerazionale.
Mentre Waymond dell’Alpha-Verse
rappresenta la potenziale competenza e saggezza che si possono
acquisire vivendo una vita piena e senza rimpianti, Joy
dell’Alpha-Verse o Jobu Tupaki è l’altra faccia della medaglia: i
pericoli di soccombere al nichilismo dopo aver raggiunto ogni
possibile obiettivo personale.
Senza Jobu Tupaki, l’Alpha-Verse o
gli elementi multiversali di Everything Everywhere All At
Once, la storia della famiglia Wang sarebbe un racconto
autonomo di amore, guarigione e accettazione. In combinazione con
questi elementi simbolici che rivelano ulteriormente i conflitti
interni di ciascun personaggio, i loro rimpianti di una vita, le
loro speranze e i loro sogni, gli spettatori possono vedere molto
di più e comprendere meglio perché la famiglia Wang è così com’è.
Interpretando versioni multiple e alternative di se stessi, il cast
di Everything Everywhere All At Once è in grado di rivelare
più facilmente gli aspetti rilevanti e le motivazioni dei
rispettivi personaggi nella trama principale o nell’universo
primario.
Il fatto che Everything Everywhere
All At Once finisca con Joy al comando non significa che Jobu
Tupaki sia scomparsa: lei rimane un aspetto di Joy che può emergere
in qualsiasi momento, il che non è necessariamente una cosa
negativa. Jobu Tupaki è un monito contro l’indulgenza nei confronti
degli impulsi nichilisti e, in ultima analisi, egoistici e
autodistruttivi, ma è anche il lato più esperto, creativo e ben
vestito di Joy. In effetti, Jobu Tupaki e Joy sono la stessa
persona, e sta a loro decidere se continuare a usare i loro doni
per la creazione o per la distruzione totale della loro famiglia e
del multiverso, sottolineando il
vero significato di Everything Everywhere All At
Once.
Il multiverso di Everything Everywhere All at Once spicca in
qualche modo in un’epoca in cui i multiversi sono diventati fin
troppo comuni. Scritto e diretto da Dan Kwan e Daniel Scheinert
(noti collettivamente come i Daniels), il film approfondisce il
concetto di multiverso, scatenando il caos sulla sua ignara
protagonista e sconvolgendo il suo mondo. L’avventura
fantascientifica è stata elogiata dalla critica per la sua trama, i
suoi personaggi e la sua rappresentazione visiva di come potrebbero
essere i multiversi. Infatti, Michelle Yeoh ha vinto il Golden
Globe 2023 come migliore attrice in un film commedia o musicale per
il suo ruolo da protagonista come Evelyn Wang in Everything
Everywhere All At Once, mentre Ke Huy Quan ha ottenuto la sua prima
nomination come migliore attore in un film.
Everything Everywhere All at
Once ha vinto due premi ai
Golden Globe 2023 ed è stato nominato per molti altri, a
sottolineare l’efficacia e l’unicità con cui affronta il
multiverso, un concetto che è stato trattato in una miriade di
media. Il concetto stesso si basa su un’ipotesi: che esistano più
universi contemporaneamente, ciascuno dei quali è composto dagli
stessi elementi che compongono il nostro mondo.
La teoria del multiverso ha messo
radici nelle opere di fantascienza, con film, serie TV e fumetti
che attingono al concetto per creare le proprie regole e variazioni
sui multiversi immaginari. Everything Everywhere All at
Once pone il multiverso al centro della sua storia su Evelyn
Wang, una donna cinese-americana che viene scelta per salvare il
multiverso dalla potenziale distruzione grazie alla doppelgänger di
sua figlia,
Jobu Tupaki (Stephanie Hsu). La versione del multiverso del
film ha molte regole proprie e introduce alcuni modi affascinanti
per consentire ai suoi personaggi di spostarsi da un piano
dell’esistenza all’altro.
Spiegazione dell’Alpha-Verse di
Everything Everywhere All At Once
Nel multiverso di Everything
Everywhere All at Once, l’Alpha-Verse è il fiore all’occhiello.
Gli abitanti dell’Alpha-Verse sono quelli che conoscono meglio il
multiverso, le sue regole e come attingere a ciascuno di essi,
perché sono stati i primi a scoprirne l’esistenza.
Fondamentalmente, l’Alpha-Verse è stato il primo a sviluppare la
tecnologia per tracciare la direzione degli altri universi, nonché
la capacità di attingere mentalmente alle altre parti del
multiverso. È possibile che l’Alpha-Verse fosse l’universo
originale prima che avvenissero tutte le altre divisioni, in modo
simile alla Sacred Timeline dell’MCU. Dopotutto, ogni universo
parallelo viene creato dopo che qualcuno ha preso una decisione che
poi si ramifica, quindi è probabile che l’Alpha-Verse sia uno degli
universi più antichi.
La loro tecnologia è stata creata,
tuttavia, per tracciare, osservare e conoscere il multiverso senza
interferire con il suo equilibrio. L’origine dell’Alpha-Verse in
Everything Everywhere All at Once offre una spiegazione
migliore del perché sia l’universo principale tra i tanti. Nei
fumetti Marvel e DC, invece, il sistema multiverso è numerato e non
viene fornita alcuna motivazione sul perché gli universi
principali, come Earth-Prime della DC, siano quelli primari. In
effetti, i Daniels hanno realizzato un film che permette al
pubblico di comprendere il processo mentale alla base
dell’Alpha-Verse e perché è considerato l’universo primario. Questo
è uno dei motivi per cui Everything Everywhere All At Once è
considerato uno dei migliori film di fantascienza del 2022.
Come funziona il multiverso di
Everything Everywhere All At Once
Il multiverso di Everything
Everywhere All At Once, come in ogni buona avventura
fantascientifica, è governato da regole particolari. Everything
Everywhere All at Once può avere un multiverso esteso, ma i
personaggi non possono fare tutto ciò che vogliono a loro
piacimento. Con l’uso della tecnologia Alpha-Verse, le persone sono
in grado di saltare da un universo all’altro, ma non è esattamente
come sembra. Waymond di Alpha-Verse, ad esempio, non può
semplicemente saltare da un universo all’altro tramite
teletrasporto, né può fisicamente passare da un multiverso
all’altro a suo piacimento. Piuttosto, il salto tra i versi è la
capacità di attingere alla coscienza di un doppelgänger proveniente
da un altro universo parallelo e di assumerne il controllo per un
breve periodo di tempo. Questo avviene senza che l’altra persona se
ne renda conto, motivo per cui Waymond non ricorda nulla dopo che
la sua controparte Alpha-Verse ha abbandonato la sua coscienza ed è
tornata nella propria.
Questo è simile al dreamwalking di
Scarlet Witch e Doctor Strange in varianti di altri
universi e, proprio come il dreamwalking, il salto tra i versi nel
multiverso di Everything Everywhere All At Once richiede un
certo sforzo. I saltatori di versi devono trovare un modo per
lanciare la loro mente attraverso il multiverso e nella coscienza
di cui hanno bisogno in quel momento. La tecnologia
dell’Alpha-Verse calcola con precisione ciò che è necessario; di
solito, il saltatore di versi deve fare qualcosa di abbastanza
strano e ridicolo per riuscirci. Dichiarare il proprio amore al
nemico o infilarsi un oggetto appuntito nel sedere sono solo alcune
delle strane situazioni in cui si trovano i personaggi. Inoltre,
Evelyn, Alpha-Verse Waymond, Everything Everywhere All At Once il cattivo Jobu
Tupaki, così come altri personaggi, devono aspettare che i loro
dispositivi per il salto tra i versi, simili a cuffie, diventino
verdi prima di poter saltare, per garantire un ingresso completo e
sicuro nella coscienza del doppelgänger. Altrimenti, come Evelyn ha
capito rapidamente, il salto tra i versi sconvolgerà la sua mente e
confonderà i confini tra ogni salto.
Perché Joy ed Evelyn sono state
in grado di accedere a così tanti universi
Alpha-Verse Joy è la prima a poter
accedere al multiverso a piacimento perché Alpha-Verse Evelyn ha
spinto sua figlia a sperimentare il salto tra i versi. Quando la
situazione è diventata insostenibile, la mente di Alpha-Verse Joy
(o Jobu Tapaki) non è riuscita a guarire tra un salto e l’altro e
ha diviso la sua coscienza nel multiverso, permettendole di saltare
tra i versi a piacimento e di attingere contemporaneamente alle
menti dei suoi doppelgänger. La mente di Evelyn è tornata alla
normalità alla
fine di Everything Everywhere All At Once. Dopo aver
saltato così spesso da un universo all’altro, senza essere
completamente pronta e senza permettere alla sua mente di
riprendersi dai salti precedenti, anche la coscienza di Evelyn si è
divisa mentre attingeva a tutte le versioni di se stessa nel
multiverso.
Come il multiverso di
Everything Everywhere All At Once si confronta con quello di Marvel
e DC
Il multiverso è un concetto che è
stato esplorato in diversi media, tra cui fumetti, programmi
televisivi e altri film. La serie animata Rick and Morty ha
affrontato il tema del multiverso, mostrando i suoi personaggi
principali interagire con diverse versioni di se stessi. Anche
Spider-Man: Into the
Spider-Verse ha esplorato con successo un piano
multiversale che ha visto il suo protagonista, Miles Morales,
interagire con varie iterazioni del suo alter ego supereroistico.
Più recentemente, Spider-Man: No Way Home ha aperto
le porte al multiverso dopo che l’incantesimo di Doctor Strange è andato storto, portando diversi
cattivi che conoscevano l’identità di Spider-Man. Nel mondo dei
fumetti, come tipicamente accade anche nelle loro controparti
live-action, non tutti gli universi hanno una serie di
doppelgänger. Un’altra terra potrebbe essere proprio questo,
un’altra terra, con persone diverse e un’estetica diversa, ma tutte
esistenti all’interno della stessa bolla.
Ciò che distingue il multiverso di
Everything Everywhere All at Once dai tipici film di
supereroi/fantascienza è la spiegazione alla base della sua
esistenza. Il mondo nel film è principalmente causa ed effetto.
Ogni mondo parallelo è uguale sotto molti aspetti, ma ogni volta
che qualcuno fa una scelta che devia da una certa traiettoria si
forma un nuovo universo. Kung Fu Evelyn è diventata un’attrice
perché ha scelto di non lasciare i suoi genitori per sposare
Waymond; l’universo degli hot dog esiste a causa di un cambiamento
evolutivo nel passato dell’umanità. Questo è uno dei motivi
principali per cui il multiverso di Everything Everywhere All At
Once è senza dubbio migliore sia dell’MCU che del DCEU. Non è
che i vari mondi del multiverso esistano separatamente o siano
specchi esatti, ma sono tutti nati in connessione con un mondo
precedente. Inoltre continua a crescere, come un albero e i suoi
rami, collegati tra loro dalle radici. Questo conferisce a
Everything Everywhere All at Once una visione unica, poiché
guarda al multiverso e alle sue molteplici sfaccettature con occhi
nuovi.
Everything Everywhere All At
Once era solo una parodia della fantascienza popolare?
Anche se a prima vista potrebbe
sembrare che il multiverso di Everything Everywhere All at
Once sia una satira dell’ossessione della fantascienza e del
fantasy popolari per l’idea dei multiversi, in realtà non è inteso
come una parodia. Insieme a Rick and Morty, The
Witcher, e ai film Marvel e DC, Everything Everywhere
All At Once fa parte di un’ondata di media contemporanei che
utilizzano il concetto di multiverso come espediente narrativo.
Tuttavia, rispetto a tutti questi altri film e serie TV, Everything Everywhere All At Once ha un significato più
profondo perché è un film girato in un’unica ripresa e a basso
budget che riesce in qualche modo a realizzare l’esplorazione più
avvincente del multiverso nella storia recente.
Sebbene l’umorismo alla base del
film lo faccia sembrare una parodia, Everything Everywhere All
At Once è un film serio sulla ricerca di un significato nella
vasta insignificanza delle infinite possibilità del multiverso. In
definitiva, il film si distingue nella fantascienza/fantasy
contemporanea perché utilizza abilmente l’idea dei multiversi per
creare una storia divertente ma sincera che arriva al cuore del
motivo per cui scienziati e filosofi hanno concepito l’idea del
multiverso in primo luogo: la ricerca infinita dell’umanità del
significato della vita. In effetti, Everything Everywhere All
At Once non è una parodia del multiverso/linee temporali
alternative dell’MCU o di qualsiasi altra popolare storia
multiversale mainstream, ma i generi supereroistico e
fantascientifico possono sicuramente imparare qualcosa dal modo in
cui i Daniels hanno utilizzato il multiverso per raccontare una
storia in cui ogni famiglia può identificarsi.
Dopo
A silence, Joachim Lafosse ritorna alla
festa del cinema di Roma con
Six Jours ce printemps-là, un dramma che affronta
i temi delle disparità economiche e dei disagi familiari. Il film
ha avuto la sua premiere alla 73esima edizione del San Sebastián
Film Festival lo scorso settembre, dove ha vinto due premi come
miglior regia e miglior sceneggiatura, per poi essere presentato
all’Odesa International Film Festival e alla Festa del cinema di
Roma. Il cast è formato principalmente da figure note
prevalentemente nel panorama cinematografico nazionale: Eye
Haïdara (Patriot)
qui interpreta Sana, una madre divorziata che cerca di conciliare
la propria vita privata con la necessità di crescere e mantenere al
meglio i suoi due figli. Al suo fianco ritroviamo Jules
Waring (Colonia) nei panni
di Jules, nuovo compagno di Sana ed ex allenatore di calcio dei
suoi due bambini.
Six jours ce printemps-là: delle
vacanze felici
Il film ha inizio in un tetro e
squallido appartamento di città: qui vivono Sana con i suoi due
figli. Sana è una madre single, e fa due lavori per poter far
quadrare tutto, un lavoro da ufficio durante il giorno e la
cameriera la sera. Sono in arrivo però le vacanze e l’idea è
proprio di riposarsi insieme a Jules, nuovo compagno ancora segreto
di Sana.
Non potendosi permettere un albergo
e non potendo stare da Jules, tutti e quattro si recano a
Saint-Tropez: qui entrano in una magnifica villa, appartenente ai
nonni dei due bambini, dal lato paterno. Sana, avendo divorziato
dal marito, non potrebbe più recarsi in tale casa, ma lo fa
ugualmente, pur rischiando una denuncia e soprattutto la perdita
della custodia dei figli. Tutto pur di regalare dei meritati
momenti di gioia e spensieratezza ai bambini e a sé stessa.
Sana e i suoi figli, insieme a
Jules, trascorrono degli splendidi giorni al mare, ma, nonostante
tutte le precauzioni prese da Sana, la loro presenza non passerà
totalmente indisturbata.
Six jours ce printemps-là: le
ingiustizie economiche
Tema focale di Six jours ce
printemps-là è certamente la disparità economica che pone
a confronto, da un lato, Sana, e dall’altro l’ex marito e la sua
famiglia. Mentre Sana ha difficoltà a garantire il minimo
indispensabile per sé stessa e i propri figli, i suoceri vivono nel
lusso più sfrenato; ed è proprio perché anche lei sente propria
questa ingiustizia, che è disposta a rischiare anche tanto pur di
permettere ai bambini di avere le vacanze che meritano.
I motivi per cui la donna si
addossa un tale rischio sono quindi principalmente per l’amore dei
figli e, certamente, per un sentimento di risentimento nei
confronti dei suoceri che l’hanno totalmente tagliata fuori dalla
propria famiglia nel momento della separazione dall’ex marito.
Un divorzio silenzioso
Altro elemento interessante in
Six jours ce printemps-là è proprio il fatto che
non vengono spiegate in alcun modo le ragioni o le dinamiche della
separazione tra Sana e l’ex marito. Anzi, è interessante notare
come le informazioni sul legame tra la donna, i bambini e la
lussuosa vita di Saint-Tropez si rivelino pian piano allo
spettatore.
Molto però è lasciato in
Six jours ce printemps-là alla libera
interpretazione del pubblico: è probabile che l’unione tra Sana e
l’ex marito sia stata osteggiata dalla famiglia di lui, proprio
perché chiaramente la donna non proveniva da una condizione sociale
ed economica agiata come la loro. È oltretutto possibile che la
separazione sia stata burrascosa per motivi legati a tradimenti:
Sana potrebbe aver intrapreso una relazione con Jules già prima di
lasciare il marito. Tutto sembra poter essere possibile; ciò che
però è chiaro nel finale è un forte classismo e risentimento che
anima i suoceri, tanto da dare un finale drammatico e ingiusto a
questa storia.
Non è neanche possibile se oltre
all’elemento del classismo vi sia anche una forma di razzismo, in
quanto l’ex marito e i suoceri non sono mai propriamente mostrati
nel film: restano delle persistenti voci da fuori campo.
Six jours ce
printemps-là è un dramma abbastanza potente, che
sottolinea l’importanza per tutti di un po’ di meritata
spensieratezza, nonostante le difficoltà della vita quotidiana.
Amore, sesso e potere nelle
relazioni talvolta si confondono, creando un intreccio poi
difficile da districare. Dreams, nuova pellicola
scritta e diretta da Michel Franco, porta sul grande
schermo della Festa del cinema di Roma proprio
questa tematica. Il film è stato presentato in anteprima mondiale
al Festival internazionale del cinema di Berlino lo scorso
febbraio, dove era in lizza per l’Orso d’oro. Il ruolo dei due
protagonisti viene affidato a Jessica Chastain (Interstellar,
The help), la quale aveva già collaborato con Franco in
Memory nel 2023, e al ballerino messicano Isaac
Hernandez (Qualcuno deve morire). Altre figure frequenti
in Dreams sono interpretate da Rupert Friend
(Orgoglio e pregiudizio,
La trama fenicia) e Marshall Bell (Stand
by me- Ricordo di un’estate, Nessuno di speciale).
Dreams: l’amore oltre i
confini
Jennifer McCarthy proviene da una
ricca famiglia filantropica di San Francisco: dedica la propria
vita a gestire la McCarthy Foundation a nome del padre. Tra le attività
intraprese dalla fondazione c’è un’accademia di danza in Messico: è
qui che Jennifer incontra Fernando, un talentuoso e affascinante
ballerino classico. I due intraprendono una relazione appassionata,
contrastata dall’impossibilità di lui di potersi stabilire
legalmente negli Stati Uniti.
Così, il giovane intraprende
un’estenuante e pericoloso viaggio nascosto in un camion per
oltrepassare il confine e poter tornare dalla propria amata.
Jennifer, nella paura che lui possa essere nuovamente deportato e
dell’opinione pubblica, tende a nascondere Fernando. Quando
quest’ultimo cercherà di trovare da solo la propria strada,
entrando in un’altra compagnia di ballo, gli equilibri di potere si
romperanno tra i due e le verità nascoste non tarderanno a venire a
galla. La passione così focosa tra i due non potrà che portarli ad
un finale burrascoso e quasi sadico, denso di vendetta.
Dreams: un amore di sacrifici
Fin dalle prime scene del film, è
visibile in Dreams come Fernando sia
effettivamente disposto a sacrificare molto per poter vivere negli
Stati Uniti con Jennifer: intraprende un pericoloso e sicuramente
costoso viaggio per oltrepassare illegalmente la frontiera con il
Messico, percorrendo lunghi tratti a piedi senza cibo ne acqua.
Questo mostra certamente un certo attaccamento alla giovane
americana: se lui è disposto a sacrificare così tanto, lo stesso
non sembra valere per lei.
Crediti Teorema
Jennifer, infatti, sente da subito
la difficoltà di mantenere la propria relazione con Fernando, la
quale, pur regalandole tanti momenti felici e di passione, è
comunque per lei motivo di vergogna, considerando la sua posizione
sia economica che sociale. Anche quando Fernando fa ritorno in
Messico, lei non riesce propriamente ad abbandonare tutto, o almeno
qualcosa, per vivere li con lui.
Passione e potere
Tema focale di
Dreams è certamente il rapporto di forte passione
che lega Fernando e Jennifer. Sarebbe facile pensare che si tratti
di amore: magari nella prima parte del film, osservando i sacrifici
di uno e il forte attaccamento dell’altra, il sentimento che lega i
due potrebbe essere considerato amore, ma chiaramente non lo è. Ciò
è molto più chiaro col decorrere degli eventi: ciò che lega i due è
certamente una forte passione, un’irresistibile tensione sessuale e
forse qualcosa in più.
Quello che emerge nell’ultima parte
del film è un rapporto di potere, dove Jennifer cerca di
controllare le condizioni della sua relazione con Fernando,
tenendolo all’oscuro delle sue azioni. Allo stesso modo Fernando
cercherà, in una maniera quasi sadica, di imporsi su Jennifer, in
un miscuglio di sete di potere e di vendetta nei confronti della
donna.
A rimarcare maggiormente questi
rapporti di potere, prima che questi vengano esplicitati nel
finale, il regista colloca anche diverse scene con intensi e lunghi
sguardi. Un esempio è la scena in cui Jennifer porta a Fernando i
biglietti per un balletto: i due si incontrano pubblicamente nel
bar in cui lui lavora e, non potendo propriamente interagire, si
fissano per un lasso di tempo che sembra infinito, come se nessuno
dei due volesse distogliere lo sguardo per primo.
Il balletto che unisce e
divide
La danza è ciò che ha unito in
prima battuta Jennifer e Fernando, portandoli a conoscersi e
innamorarsi. Durante tutto Dreams il balletto
sembra essere un personaggio latente, un qualcosa in più che crea
la giusta atmosfera di passione, finendo però per non essere
sviluppato magari a pieno.
Da elemento di unione, la danza
diverrà poi nell’ultima scena proprio il definitivo elemento di
frattura tra i due.
Dreams, pur
mantenendo un intreccio semplice, racchiude in sé una perfetta
rappresentazione di passione e mostra cosa l’essere umano è
disposto a fare per essa.
La star hollywoodiana Jennifer Lawrence ha illuminato il red carpet
della Festa del Cinema
di Roma 2025 lunedì 20 ottobre, in occasione della première di
Die, My Love. Sul tappeto all’Auditorium Parco della
Musica, l’attrice ha fatto un ingresso elegante e raffinato,
conquistando l’attenzione tra i fotografi e la folla di fan in
attesa.
Lawrence, ambasciatrice da lungo
tempo della maison Dior, ha indossato un outfit della collezione
Primavera/Estate 2026 firmata dal direttore creativo Jonathan
Anderson: un mix sorprendente tra casual e couture, con un maglione
color sabbia dal taglio rilassato abbinato a una maxi-gonna in
tulle bianco a pois con volume balloon. Scarpe nere a punta,
cinturino sottile e dettagli dallo stile aristocratico hanno
completato il look perfettamente calibrato tra tradizione e
modernità.
La scelta dell’abito segna anche un
momento significativo nel percorso dell’attrice: uscita da un
periodo di riflessione e attesa, Jennifer Lawrence torna sotto i riflettori
in un contesto che unisce glamour, cinema d’autore e stile. La
pellicola “Die, My Love” è stata presentata con grande attesa, e il
red carpet di Roma è stato il palcoscenico perfetto per segnare
questo ritorno in grande stile.
Paola Malanga, Jennifer
Lawrence, President of Fondazione Cinema per Roma Salvatore Nastasi
e Justine Ciarrocchi
Look, atmosfera e messaggi
L’atmosfera dell’evento era
elettrizzante: fan in fila ore prima, flash incessanti, e l’attrice
che ha sorriso con disinvoltura affrontando l’attenzione
mediatica.
Il contrasto nel suo outfit —
maglione sportivo e gonna couture — è stato interpretato come una
dichiarazione di stile, che riflette la dualità dell’attrice tra
star globale e interprete impegnata.
Il film che presenta, “Die, My
Love”, diretto da Lynne Ramsay e tratto da un romanzo di Ariana
Harwicz, affronta temi complessi come la maternità e la perdita:
una scelta di carriera che combina impegno e figura pubblica.
La presenza di Jennifer Lawrence alla Festa del Cinema di Roma non
è stata solo un momento di promozione, ma una vera e propria
celebrazione del suo stile e della sua evoluzione professionale.
Tra glamour internazionale e cinema d’autore, l’attrice ha saputo
trasformare un red carpet in una dichiarazione di intenti.
Presentato in concorso nella
sezione Progressive Cinema alla
Festa del Cinema
di Roma 2025, Re-Creation segna il ritorno di
Jim Sheridan, sei volte candidato all’Oscar, autore di
capolavori come Nel nome del padre e In America.
Questa volta il regista irlandese, insieme al co-regista
Merriman, si confronta con una storia vera –
l’omicidio di Sophie Toscan du Plantier, avvenuto nel 1996 nella
contea di Cork – e con l’enigma che per quasi trent’anni ha diviso
l’opinione pubblica: la colpevolezza o l’innocenza del giornalista
Ian Bailey, accusato in Francia ma mai estradato dall’Irlanda.
Sheridan e Merriman immaginano un
processo che nella realtà non è mai avvenuto: dodici giurati si
riuniscono per discutere il caso, riesaminando prove, testimonianze
e contraddizioni. Sheridan stesso interpreta il giurato numero 1,
trasformando la finzione giudiziaria in un esperimento morale,
quasi teatrale, dove la verità si misura attraverso le coscienze
dei personaggi più che con i documenti.
Re-Creation: la giuria come
specchio dell’animo umano
Al centro del film si impone
Vicky Krieps, giurato numero 8, unica voce dissonante nella
prima votazione: quando tutti dichiarano Bailey colpevole, lei
sussurra “I have a gut feeling”, un presentimento, una
sensazione di pancia che incrina la certezza collettiva. È l’inizio
di un percorso di confronto, in cui il dubbio diventa strumento di
indagine e di empatia. Dall’altra parte del tavolo, il giurato
numero 3, interpretato da John Connors, incarna la rigidità del
pregiudizio: convinto della colpevolezza dell’imputato, si aggrappa
ai fatti con ostinazione, incapace di separare il giudizio
oggettivo dal proprio vissuto.
Attraverso il confronto tra i
dodici, Sheridan e Merriman costruiscono una narrazione corale in
cui ogni giurato, scavando nel caso, finisce per confrontarsi con i
propri traumi, le proprie mancanze, le colpe irrisolte della
propria vita. La ricostruzione del delitto si intreccia così con la
ricostruzione dell’interiorità dei personaggi: giudicare Bailey
diventa un modo per giudicare se stessi.
Crediti Rich Gilligan
Dalla cronaca alla riflessione
etica
Re-Creation prende le mosse
da un fatto di cronaca, ma la sua forza è nel trasformare il caso
giudiziario in una riflessione sulla giustizia e sulla percezione
della verità. Sheridan e Merriman mescolano linguaggio
documentaristico e introspezione psicologica: le vere prove del
caso – filmati, testimonianze, fotografie – vengono integrate nel
racconto come materiale d’archivio, ma è l’umanità dei giurati a
guidare la narrazione.
L’idea del “ricreare” non è solo un
artificio narrativo, ma un atto di responsabilità civile: il
tentativo di dare alla vittima, Sophie Toscan du Plantier, il
processo che non ha mai avuto in Irlanda. In un’epoca in cui la
giustizia sembra spesso piegata alle logiche mediatiche,
Re-Creation riporta l’attenzione sul dubbio come fondamento
della verità, mostrando come ogni sentenza sia anche un riflesso
del nostro modo di vedere il mondo.
Co-regia e stile narrativo in
Re-Creation
L’apporto di David Merriman come
co-regista e co-sceneggiatore non è solo formale: insieme a
Sheridan costruisce un linguaggio visivo che fonde teatro, cinema
di camera e documentario. Lo spazio principale è la sala riunioni
della giuria – poche scenografie, inquadrature concentrate sui
volti, poca mobilità di macchina. Una claustrofobia controllata che
restituisce il ritmo intenso delle deliberazioni. La scelta di
co-direzione permette un equilibrio tra la voce autorale
tradizionale di Sheridan e un tono più contemporaneo, quasi
sperimentale, di Merriman: attori che portano la propria storia
(come John Connors), momenti in cui la finzione si ferma e lascia
posto alla testimonianza.
Questo mix si riflette anche nella
struttura del film: la sequenza iniziale funge da “briefing” dei
fatti, poi l’atto centrale è il dibattito – più teatrale che
cinematografico – e finalizza con momenti di confessione, dubbi e
decisioni che restano in sospeso. Il risultato è un film che più
che raccontare mostra: mette lo spettatore al centro della stanza,
lo invita a giudicare insieme ai giurati.
Crediti Rich Gilligan
Re-creation: una riflessione
sulla colpa e sull’identità
Dietro l’apparato giudiziario,
Re-Creation è un film profondamente umano. Ogni giurato
porta con sé una ferita: la perdita, la violenza, il rimorso. Le
discussioni diventano confessioni, e il processo si trasforma in un
percorso di consapevolezza. Re-Creation suggerisce che la
giustizia non è mai solo istituzionale, ma personale – un atto che
richiede ascolto, empatia e il coraggio di cambiare idea.
Il personaggio di Ian Bailey
(interpretato da
Colm Meaney), mostrato poche volte e senza battute, rimane
volutamente ambiguo. Era un giornalista ossessionato dal caso che
lo rese celebre? Un manipolatore? O semplicemente un uomo travolto
da un sistema incapace di distinguere la verità dal sospetto?
Sheridan e Merriman lasciano la domanda aperta, ricordando che la
giustizia, come il cinema, non è mai neutra.
Un ritorno maturo per Jim
Sheridan
Con Re-Creation, Jim
Sheridan firma uno dei suoi lavori più personali e ambiziosi. Dopo
anni di silenzio, il regista torna alle sue radici: raccontare
l’Irlanda, le sue ferite, le sue verità taciute. La presenza di
Vicky Krieps aggiunge grazia e profondità a un film che vive di
parole, di pause e di sguardi.
Re-Creation non è un film di
certezze, ma di domande: sulla giustizia, sulla memoria,
sull’essere umano. Sheridan e Merriman ricreano un processo, ma in
realtà mettono sotto processo tutti noi – spettatori, giudici e
testimoni di un mondo dove la verità, troppo spesso, resta un
verdetto sospeso.
Netflix e Chernin
Entertainment hanno annunciato la nuova serie drammatica
Kennedy, che esplorerà i trionfi e le tragedie
della famiglia Kennedy. Michael Fassbender (The
Agency, Black Bag) è stato scelto per interpretare il
patriarca Joe Kennedy Sr.
Kennedy è basata
sul libro di Fredrik LogevallJFK: Coming of
Age in the American Century, 1917-1956, e sarà prodotta da
Sam Shaw (Manhattan, Masters of Sex) e
diretta da Thomas Vinterberg (Festen, Un altro
giro), con tutti e tre nel ruolo di produttori esecutivi.
Secondo la trama ufficiale, la
serie di otto episodi rivelerà “le vite intime, gli amori, le
rivalità e le tragedie che hanno plasmato la dinastia più iconica
della storia moderna e contribuito a creare il mondo in cui viviamo
oggi. A partire dagli anni ’30, la prima stagione racconta
l’improbabile ascesa di Joe e Rose Kennedy e dei loro nove figli,
tra cui il ribelle secondogenito Jack, che lotta per sfuggire
all’ombra del fratello maggiore, ragazzo d’oro”.
Kennedy Sr. guidò la dinastia
politica dei Kennedy insieme alla moglie Rose, genitori del
presidente John F. Kennedy, del senatore Robert F. Kennedy e del
senatore Edward “Ted” Kennedy, tra un totale di nove figli. Pur
essendo fortemente impegnati nel mondo della politica, la loro vita
professionale e personale si intrecciò con quella di Hollywood per
diverse generazioni. Prima di aiutare i suoi tre figli a lanciare
la loro carriera politica, Joe Kennedy ebbe una carriera
governativa di alto profilo. Fu nominato dal presidente Franklin D.
Roosevelt primo presidente della SEC (1934-35), primo direttore
della Commissione marittima degli Stati Uniti (1936-38) e
ambasciatore degli Stati Uniti nel Regno Unito (1938-40) durante i
primi anni della seconda guerra mondiale.
L’annuncio della serie sui Kennedy
segue il successo di Netflix con la serie drammatica storica
The
Crown, l’acclamata serie in sei stagioni che racconta il
regno della regina Elisabetta II. La serie ha ricevuto 24 Emmy
Awards su un totale di 87 nomination, tra cui quello per la
migliore serie drammatica per la stagione 4 nel 2021, e numerosi
premi per la recitazione. Inoltre, la piattaforma di streaming ha
esplorato la vita dell’imperatrice Elisabetta d’Austria nella serie
tedesca The Empress nel 2022. Con Devrim
Lingnau nel ruolo principale, il cast ha iniziato a
lavorare alla terza stagione della serie all’inizio di questo
autunno.
Oltre a Shaw, Vinterberg e
Logevall, i produttori esecutivi sono Peter Chernin, Jenno Topping
e Kaitlin Dahill per Chernin Entertainment, Eric Roth, Lila Byock,
Anya Epstein, Dustin Thomason e Anna O’Malley. Fassbender è invece
attualmente protagonista della serie Showtime The Agency
nel ruolo di Brandon Colby. Prossimamente lo vedremo in
Hope, il film scritto, diretto e prodotto da Na
Hong-jin in cui recita al fianco della moglie
Alicia Vikander, in uscita il
prossimo anno.
Spider-Man: Brand New Day
onora la tradizione della precedente trilogia Marvel Cinematic Universe di
Tom Holland, poiché un Avenger prenderà parte
al quarto capitolo. Dopo essere stato assente dalla timeline MCU
dalla fine del 2021, l’Uomo Ragno è a meno di un anno dal suo
ritorno sul grande schermo.
Con le riprese ancora in corso,
@UnBoxPHD ha rivelato la prima immagine di Mark Ruffalo (la si può vedere qui) nei panni di Bruce Banner
dal set di Spider-Man: Brand New Day. Durante una
pausa delle riprese, il veterano dell’MCU è stato avvistato con
indosso un cappotto verde, in piedi accanto a diversi membri della
troupe.
Quello che sappiamo
su Spider-Man: Brand New Day
Ad oggi, una sinossi generica di
Spider-Man: Brand New Day è emersa all’inizio di
quest’anno, anche se non è chiaro quanto sia accurata.
Dopo gli eventi di Doomsday,
Peter Parker è determinato a condurre una vita normale e a
concentrarsi sul college, allontanandosi dalle sue responsabilità
di Spider-Man. Tuttavia, la pace è di breve durata quando emerge
una nuova minaccia mortale, che mette in pericolo i suoi amici e
costringe Peter a riconsiderare la sua promessa. Con la posta in
gioco più alta che mai, Peter torna a malincuore alla sua identità
di Spider-Man e si ritrova a dover collaborare con un improbabile
alleato per proteggere coloro che ama.
L’improbabile alleato potrebbe
dunque essere il The Punisher di Jon Bernthal –
recentemente annunciato come parte del film – in una situazione
già vista in precedenti film Marvel dove gli eroi si vedono
inizialmente come antagonisti l’uno dell’altro salvo poi allearsi
contro la vera minaccia di turno.
Di certo c’è che il film condivide
il titolo con un’epoca narrativa controversa, che ha visto la
Marvel Comics dare all’arrampicamuri un nuovo
inizio, ponendo però fine al suo matrimonio con Mary Jane Watson e
rendendo di nuovo segreta la sua identità. In quel periodo ha
dovuto affrontare molti nuovi sinistri nemici ed era circondato da
un cast di supporto rinnovato, tra cui un resuscitato Harry
Osborn.
Il film è stato recentemente
posticipato di una settimana dal 24 luglio 2026 al 31 luglio 2026.
Destin Daniel Cretton, regista di Shang-Chi e la Leggenda dei Dieci Anelli, dirigerà il
film da una sceneggiatura di Chris McKenna ed Erik Sommers.
Tom Holland guida un cast che include
anche Zendaya, Jacob Batalon,Mark Ruffalo, Sadie Sink e Liza Colón-Zayas
e Jon Bernthal. Michael Mando è
stato confermato mentre per ora è solo un rumors il coinvolgimento
di
Charlie Cox.
Spider-Man: Brand New
Day uscirà nelle sale il 31 luglio 2026.
Un’immagine tratta da I
Play Rocky rivela per la prima volta ufficialmente
l’incredibile attore che interpreta Sylvester Stallone in una scena iconica.
Diretto da Peter Farrelly (Green Book),
il film di prossima uscita racconta la tumultuosa realizzazione del
classico film del 1976, Rocky, con Anthony
Ippolito nel ruolo del giovane Stallone.
L’immagine (la si può vedere qui) mostra Stallone,
interpretato da Ippolito, che corre sulla spiaggia con il suo cane
Butkus, il bull mastiff di Stallone che ha recitato in
Rocky. L’immagine riprende una scena iconica di Rocky III (1982), in cui il pugile protagonista corre
sulla spiaggia con il suo ex rivale diventato allenatore, Apollo
Creed (Carl
Weathers). Tuttavia, lo Stallone di Ippolito indossa la
tuta da corsa grigia del personaggio dell’originale Rocky.
Su Instagram, la foto è stata
accompagnata dalla didascalia: “È in corso la produzione di I
PLAY ROCKY, con Anthony Ippolito. Il film racconta la vera storia
di Sylvester Stallone e della sua
incrollabile convinzione di non essere destinato solo a scrivere
Rocky, ma di essere destinato a essere Rocky Balboa”.
Cosa c’è da sapere sul film I Play
Rocky
La prima immagine ufficiale arriva
pochi giorni dopo la pubblicazione online delle prime foto dal set
di I Play Rocky, che mostrano la trasformazione di
Anthony Ippolito in Sylvester Stallone. Oltre a
Ippolito, il cast include Stephan James nel ruolo
di Carl Weathers, AnnaSophia Robb nel ruolo della
prima moglie di Stallone, Sasha Czack, e Matt Dillon nel ruolo del padre di Stallone,
Frank Stallone Sr.
Nel cast figurano anche
P.J. Byrne nel ruolo del produttore di
RockyIrwin Winkler, Toby
Kebbell nel ruolo del produttore Robert
Chartoff e Jay Duplass nel ruolo del
regista John G. Avildsen.Sandy
Letts interpreta anche un personaggio che riunisce le
caratteristiche di diversi dirigenti degli studi hollywoodiani.
Con una sceneggiatura scritta da
Peter Gamble, I Play Rocky
esplorerà la storia di come Stallone, un attore ventinovenne in
difficoltà, scrisse la sceneggiatura di Rocky in tre
giorni e mezzo, ma si rifiutò di venderla a meno che non fosse
stato scritturato anche come protagonista. Dopo aver rifiutato
diverse offerte a sei cifre, riuscì a produrre il film con meno di
un milione di dollari.
I Play Rocky
esplorerà dunque la storia dell’outsider che è riuscito a diventare
il film di maggior incasso dell’anno e ad essere nominato per 10
premi Oscar, tra cui quello per il miglior film. Il film ha avuto
un impatto enorme su Hollywood e ha portato a cinque sequel e alla
serie spin-off Creed, che hanno incassato un totale di 1,9
miliardi di dollari.
Dopo che Black
Phone 2 ha conquistato il primo posto al botteghino nel
weekend di apertura, ponendo fine al calo di incassi della
Blumhouse, non sorprende che si stia già parlando di un terzo film
della serie horror. Tuttavia, il regista della serie Scott
Derrickson ha posto una condizione fondamentale per decidere se
Black Phone 3 vedrà la luce.
In un’intervista con Variety avvenuta prima dell’uscita di Black Phone
2 nelle sale cinematografiche il 17 ottobre, a Derrickson è
stato chiesto cosa potrebbe riservare il futuro al Grabber
(interpretato da Ethan Hawke) in un terzo film. La chiave per
Derrickson è che non vuole che un potenziale terzo film sia un
“rifacimento” di ciò che la serie ha già fatto. Ha
aggiunto:
Quello che posso dire è
che il mio atteggiamento nei confronti di un sequel è che non c’è
davvero alcuna giustificazione per realizzarne uno, a meno che non
si stia sinceramente cercando di realizzare un film migliore del
primo. Se si vuole realizzare un terzo film, questo deve essere
migliore del secondo, che a sua volta deve essere migliore del
primo. Pochissimi film riescono in questo intento.
L’originale The Black
Phone, uscito nel 2022, seguiva un giovane adolescente di nome
Finney (Mason Thames), rapito da un serial killer chiamato Grabber.
Mentre è tenuto prigioniero, Finney scopre di poter sentire le voci
delle vittime passate di Grabber attraverso un telefono scollegato.
Con questo e l’aiuto di sua sorella, Gwen (Madeleine McGraw),
Finney riesce a uccidere Grabber.
In
Black Phone 2, tuttavia, Finney e Gwen continuano a essere
tormentati dal Grabber, che torna dalla morte e ha una serie di
nuovi poteri che lo rendono ancora più spaventoso.
Alcuni indicatori potrebbero
mettere in dubbio che Derrickson abbia soddisfatto la sua stessa
condizione con Black Phone 2: il sequel è “Certified Fresh” su
Rotten
Tomatoes, ma è inferiore a The Black Phone sia nella
valutazione della critica che in quella del pubblico;.
Derrickson ammette quanto sia
difficile realizzare con successo una trilogia che migliori
progressivamente. Nell’intervista, afferma che la trilogia Evil
Dead di Sam Raimi e la trilogia Night of the Living Dead di George
Romero sono gli unici due esempi nella storia del cinema di
trilogie in cui tutti e tre i film sono ottimi e migliorano
progressivamente.
Resta da vedere se Black Phone
3 avrà la possibilità di entrare in quella lista. È ancora
troppo presto per avere un quadro completo degli incassi al
botteghino, ma Black Phone 2 ha superato il suo predecessore nel
weekend di apertura, con 42,01 milioni di dollari contro i
35,89 milioni di dollari in tutto il mondo. Al momento, però, non
c’è alcuna conferma che verrà realizzato un terzo film della serie
Black Phone.
Mentre il tanto atteso sequel
continua a faticare a decollare nelle sue prime settimane, i
guadagni finanziari di Tron:
Ares sembrano molto più scarsi. Il franchise di
fantascienza, incentrato sul conflitto tra l’umanità e i programmi
simili a gladiatori in una realtà virtuale conosciuta come Grid, si
è dimostrato uno dei più famigerati nella storia di Hollywood,
sempre elogiato per i suoi effetti visivi, ma sempre criticato per
la sua trama.
Lo sviluppo di Tron:
Ares è stato anche uno dei più travagliati di
Hollywood, con il flop al botteghino di Legacy e alcune
altre delusioni della Disney, che hanno portato lo studio a
ordinare numerose riscritture prima di essere finalmente messo in
pausa e rimodellato per non essere un seguito diretto del sequel
del 2010. Con Jared
Leto come protagonista, Ares ha avuto un inizio
difficile sia con la critica che al botteghino, rimanendo ben al di
sotto delle previsioni iniziali.
Ora, secondo un nuovo rapporto di
Deadline, Tron: Ares dovrebbe causare una perdita di
circa 132,7 milioni di dollari alla Disney. Fonti indicano che il
budget per il sequel di fantascienza è in realtà molto più alto dei
170 milioni di dollari precedentemente riportati, con un costo
attuale pari a 220 milioni di dollari al netto dei costi. Tuttavia,
si nota anche che la cifra della perdita deriva da un incasso
finale previsto di 160 milioni di dollari in tutto il mondo per il
film.
Per chi ha familiarità con il
franchise di Tron, potrebbe non essere una grande sorpresa
che Ares stia avendo così tante difficoltà al botteghino.
Nessuno dei primi due film è stato tecnicamente un flop, ma sono
stati considerati dalla Disney come deludenti in generale,
soprattutto se abbinati alle recensioni. Invece, negli anni
successivi alla loro uscita, l’originale e Legacy sono
diventati più noti come classici di culto, accumulando una base di
fan appassionati attraverso i media domestici.
Per quanto riguarda Tron:
Ares, però, i problemi al botteghino erano già prevedibili
prima dell’uscita del film. Tanto per cominciare, Jared
Leto non ha dimostrato di essere più l’attrazione di un
tempo, soprattutto quando si tratta di progetti di successo, dato
che la sua partecipazione al DC
Extended Universe e la sua famigerata interpretazione in
Morbius lo hanno rapidamente reso più un meme che
un attore amato.
Uno degli altri grandi ostacoli che
Ares ha dovuto affrontare nella sua distribuzione nelle sale
è stato il fatto che fosse completamente scollegato da Tron:
Legacy. A parte il ritorno di Jeff Bridges nel ruolo del protagonista
originale Kevin Flynn e le foto d’archivio di Sam (Garrett Hedlund) e Quorra (Olivia Wilde), il film è praticamente un’opera a
sé stante, allontanando così i fan del film del 2010 che speravano
di vedere il proseguimento della trama.
Dato che il film è solo alla sua
terza settimana e attualmente deve competere solo con il già uscito
Black Phone 2 e il prossimo Springsteen: Deliver Me from
Nowhere, c’è ancora una possibilità che Tron:
Ares possa ribaltare la situazione. Tuttavia, dato che
sembra essere un’altra grande perdita per la Disney, il desiderio
dello studio di tornare a produrre film di franchise potrebbe
spingerlo a cercare una proprietà con una storia migliore.
Qualche giorno dopo la diffusione
della notizia secondo cui Scarlett Johansson era in
trattative per entrare nel cast del remake live-action di
Rapunzel, la star del cinema ha finalmente rotto il
silenzio sulle speculazioni. Il remake ha incontrato notevoli
ostacoli nel suo percorso verso il grande schermo.
Secondo quanto riferito, la Disney
avrebbe messo in pausa Rapunzel dopo lo scarso successo al
botteghino del live-action Biancaneve.
Tuttavia, il progetto è stato
ripreso dopo che un altro remake, Lilo & Stitch, ha riscosso un
grande successo tra il pubblico.
Durante un’intervista con ET, alla Johansson è stato chiesto se ci fossero buone
possibilità che interpretasse Madre Gothel nel film live-action
Rapunzel. Lei ha ammesso che “tutto è possibile”,
aggiungendo che l’opportunità di lavorare con il regista Michael
Gracey è ciò che la entusiasma di più.
La Johansson ha poi descritto
Gracey come uno “straordinario visionario” e ha affermato
che qualsiasi attore “adorerebbe” collaborare con lui a
Rapunzel o a qualsiasi altro progetto.
C’è una possibilità
concreta? Penso che tutto sia possibile.Ciò che mi
entusiasma è l’opportunità di lavorare con Michael Gracey, che è
stato scelto per dirigere il film, perché è assolutamente un
visionario straordinario e qualsiasi attore vorrebbe collaborare
con lui.
Gracey ha iniziato la sua carriera
nell’industria dell’intrattenimento lavorando a video musicali ed
effetti visivi. È noto soprattutto per aver diretto il film
musicale di grande successo The Greatest Showman.
Gracey ha anche sfruttato la sua
esperienza nei video musicali per dirigere il documentario di Pink
All I Know So Far e il film biografico su Robbie Williams Better Man, oltre ad aver ricoperto il ruolo di
produttore esecutivo nel film biografico su Elton John Rocket
Man.
Se Johansson finisse per firmare il
contratto per interpretare Madre Gothel, sarebbe la prima star ad
unirsi al remake live-action di Rapunzel. Diverse voci online hanno
indicato celebrità come Sabrina Carpenter, Florence Pugh e Gigi Hadid, tra le altre,
per il progetto, ma finora non ci sono altri attori a bordo di
Rapunzel.
La Johansson è nota soprattutto per
aver interpretato Black Widow nei film del Marvel Cinematic Universe come
The Avengers, Captain America: The Winter
Soldier e Black Widow. Al di fuori dell’MCU, ha recitato
in film come Lost in Translation, Vicky Cristina Barcelona e Her.
Ha ottenuto nomination agli Oscar per i suoi ruoli in Marriage
Story e Jojo Rabbit.
Secondo quanto riferito, l’ingresso
di Johannson nel cast di Tangled segna un importante passo avanti
per il remake, basato sull’omonimo film d’animazione del 2010 con
Mandy Moore nel ruolo di Rapunzel,
Zachary Levi in quello di Flynn Rider e
Donna Murphy in quello di Madre Gothel. Tra gli
altri doppiatori figuravano Brad Garrett, Ron Perlman,
Jeffrey Tambor, Richard Kiel, M. C. Gainey e Paul F.
Tompkins.
Tangled è basato sulla classica
fiaba Rapunzel, che era matura per un remake live-action dopo che
la Disney aveva fatto lo stesso per diversi altri film, tra cui
Cenerentola, Maleficent (basato su La bella addormentata nel
bosco), Il libro della giungla, La bella e la bestia, Aladdin e
La
sirenetta. Tuttavia, alcuni dei più recenti film live-action
Disney non sono stati accolti altrettanto bene, con Biancaneve che
ha ottenuto risultati inferiori alle aspettative.
Il successo del live-action Lilo &
Stitch ha invertito questa tendenza al ribasso, spingendo i
dirigenti a riconsiderare Rapunzel, uno dei film d’animazione
preferiti dai fan della Disney.
L’ex attore di Grey’s
Anatomy,
Eric Dane, ottiene un ruolo da guest star in un’altra
serie televisiva di argomento medico, Brilliant Minds
della NBC. Il suo personaggio nella serie riceve la stessa diagnosi
che ha ricevuto nella vita reale.
Dane ha rivelato nell’aprile 2025
di essere affetto da SLA (sclerosi laterale amiotrofica). Nella
serie, interpreterà Matthew, un pompiere che non sa come
dire alla sua famiglia della sua malattia e chiede aiuto al dottor
Oliver Wolf (Zachary
Quinto). L’attore apparirà nella seconda stagione di
Brilliant Minds, nell’episodio 9, in onda il 24 novembre
2025.
Dane è stato molto aperto riguardo
alla sua battaglia contro la SLA. Continua a esprimere la sua
gratitudine per le risorse a cui ha accesso e che molti altri
pazienti non hanno. In una precedente dichiarazione ha anche
spiegato di sentirsi molto fortunato di poter ancora lavorare e di
essere entusiasta di tornare per la prossima stagione di Euphoria.
Mi sento fortunato di poter
continuare a lavorare e non vedo l’ora di tornare sul set di
Euphoria la prossima settimana. Chiedo gentilmente di rispettare la
privacy mia e della mia famiglia in questo momento.
L’attore è anche portavoce di
un’organizzazione no profit chiamata I Am ALS, fondata da Brian
Wallach, a cui è stata diagnosticata la malattia nel 2017, e da sua
moglie, Sandra Abrevaya. Oltre al suo lavoro filantropico, ha anche
parlato del suo desiderio di utilizzare la sua grande piattaforma
per aiutare le persone.
In un’intervista al
Washington Post, Dane ha spiegato quante persone lo hanno
avvicinato e gli hanno parlato della perdita di familiari e amici a
causa della SLA. Tuttavia, nonostante le tragiche circostanze che
lui e innumerevoli altre persone stanno vivendo a causa della SLA,
è ancora in grado di vedere le piccole gioie che la vita ha da
offrire e come può trascorrere il resto della sua vita aiutando le
persone ad affrontare la malattia. “Non per essere
eccessivamente morboso, ma sapete, se devo andarmene, lo farò
aiutando qualcuno“.
Brilliant Minds è
una serie televisiva di genere medico basata su due libri dello
scrittore Oliver Sacks, L’uomo che scambiò sua moglie per un
cappello e Un antropologo su Marte, che segue le vicende del
neurologo Dr. Wolf e del suo team. La serie si concentra sia sulla
loro vita personale che su quella professionale.
Mentre vari eroi del Marvel Cinematic Universe stanno
comparendo in Spider-Man: Brand New Day,
ci sono state molte domande sul fatto che Daredevil, interpretato
da Charlie Cox, apparirà o meno. Dopo aver fatto
parte del cast di Spider-Man: No Way Home, c’è
stato ancora più interesse nel vedere Matt Murdock collaborare
pienamente con l’iconico uomo ragno.
In una nuova intervista al podcast
Phase
Hero, Cox ha ora affrontato le teorie secondo cui sarebbe
pronto ad apparire in Spider-Man: Brand New Day, a
causa del suo programma di riprese a Londra. Tuttavia, il veterano
dell’MCU ha sottolineato: “So che tutti pensano che io sia in
Spider-Man perché sto girando qualcosa a Londra, ma non è così, non
sono in Spider-Man”.
In Spider-Man: No Way
Home, Cox è apparso nei panni dell’iconico avvocato Marvel
per aiutare Peter Parker, interpretato da Tom
Holland, più di tre anni dopo che la terza stagione di
Daredevil aveva portato alla fine della serie Netflix. Nello stesso anno, prima dell’uscita del
film, il co-protagonista di Cox, Vincent D’Onofrio, è tornato nella
timeline dell’MCU nei panni di Kingpin nella serie TV
Hawkeye.
Quello che sappiamo
su Spider-Man: Brand New Day
Ad oggi, una sinossi generica di
Spider-Man: Brand New Day è emersa all’inizio di
quest’anno, anche se non è chiaro quanto sia accurata.
Dopo gli eventi di Doomsday,
Peter Parker è determinato a condurre una vita normale e a
concentrarsi sul college, allontanandosi dalle sue responsabilità
di Spider-Man. Tuttavia, la pace è di breve durata quando emerge
una nuova minaccia mortale, che mette in pericolo i suoi amici e
costringe Peter a riconsiderare la sua promessa. Con la posta in
gioco più alta che mai, Peter torna a malincuore alla sua identità
di Spider-Man e si ritrova a dover collaborare con un improbabile
alleato per proteggere coloro che ama.
L’improbabile alleato potrebbe
dunque essere il The Punisher di Jon Bernthal –
recentemente annunciato come parte del film – in una situazione
già vista in precedenti film Marvel dove gli eroi si vedono
inizialmente come antagonisti l’uno dell’altro salvo poi allearsi
contro la vera minaccia di turno.
Di certo c’è che il film condivide
il titolo con un’epoca narrativa controversa, che ha visto la
Marvel Comics dare all’arrampicamuri un nuovo
inizio, ponendo però fine al suo matrimonio con Mary Jane Watson e
rendendo di nuovo segreta la sua identità. In quel periodo ha
dovuto affrontare molti nuovi sinistri nemici ed era circondato da
un cast di supporto rinnovato, tra cui un resuscitato Harry
Osborn.
Il film è stato recentemente
posticipato di una settimana dal 24 luglio 2026 al 31 luglio 2026.
Destin Daniel Cretton, regista di Shang-Chi e la Leggenda dei Dieci Anelli, dirigerà il
film da una sceneggiatura di Chris McKenna ed Erik Sommers.
Tom Holland guida un cast che include
anche Zendaya, Jacob Batalon,Mark Ruffalo, Sadie Sink e Liza Colón-Zayas
e Jon Bernthal. Michael Mando è
stato confermato mentre per ora è solo un rumors il coinvolgimento
di
Charlie Cox.
Spider-Man: Brand New
Day uscirà nelle sale il 31 luglio 2026.
Colman Domingo è stato scelto per dare la voce
al Leone Codardo in Wicked – Parte 2. L’annuncio è
stato dato lunedì sull’account Instagram di “Wicked”,
con Domingo che si è nascosto dietro un peluche a forma di leone
prima di rivelarsi e dire: “Ci vediamo a Oz!“.
Il regista Jon M.
Chu ha recentemente anticipato che i fan sarebbero stati
entusiasti di scoprire di chi si trattasse. “Aspettate il red
carpet, quando l’attore che ci ha dato la voce del Leone Codardo ci
metterà piede. Sarà pazzesco”, ha detto.
Il Leone Codardo era uno dei
personaggi principali del classico del 1939 “Il Mago di Oz”. In
“Wicked”, è il giovane cucciolo che Elphaba (Cynthia Erivo) e Fiyero
(Jonathan
Bailey) salvano dopo che il Dottor Dillamond è stato
portato via e un nuovo professore porta un leone in gabbia in
classe. L’insegnante spiega che, essendo imprigionato, il cucciolo
non imparerà mai a parlare. Mentre Elphaba si arrabbia, i suoi
poteri creano un momento in cui lei e Fiyero possono afferrare il
cucciolo e correre nella foresta per liberarlo.
In Wicked – Parte
2 il cucciolo è ormai adulto e si trasforma nel Leone
Codardo, che incolpa Elphaba della sua situazione. Con il sequel
che si sovrappone alle linee temporali de “Il Mago di Oz”, il leone
viene visto con Dorothy, l’Uomo di Latta e lo Spaventapasseri
mentre percorrono la Strada di Mattoni Gialli per incontrare il
Mago (Jeff
Goldblum). Lo si vede anche durante il numero musicale
“La Marcia dei Cacciatori di Streghe”. Tuttavia, come nel musical
di Broadway, il personaggio non ha una parte importante.
Il cast di Wicked
– Parte Due comprende anche i candidati all’Emmy
Bowen Yang e Bronwyn James nei panni degli assistenti di Glinda,
Pfannee e ShenShen, e la candidata ai BAFTA e ai Grammy Sharon D.
Clarke (Caroline, or Change) come voce della tata di Elphaba,
Dulcibear.
Il film è prodotto da Marc Platt,
già vincitore di Tony ed Emmy, e da David Stone, più volte
vincitore di Tony. I produttori esecutivi sono Stephen Schwartz,
David Nicksay, Jared LeBoff, Winnie Holzman e Dana Fox. Il primo
film, Wicked, uscito nel novembre 2024, ha ottenuto 10 nomination
agli Oscar®, tra cui quella per il miglior film, vincendo gli
Oscar® per Migliori Costumi e per la Migliore Scenografia. Ad oggi,
il film ha incassato 750 milioni di dollari in tutto il mondo.
Wicked
– Parte Due è basato sul musical che ha
segnato una generazione, con le musiche e i testi del leggendario
compositore e paroliere Stephen Schwartz, vincitore di Grammy e
Oscar®, e sul libro di Winnie Holzman, tratto dal romanzo
bestseller di Gregory Maguire. La sceneggiatura è di Winnie Holzman
e Winnie Holzman & Dana Fox. La colonna sonora del film è di John
Powell & Stephen Schwartz, con musiche e testi di Stephen
Schwartz.
Secondo Adam Driver, che ha interpretato Kylo Ren,
alias Ben Solo, una volta ha proposto un sequel di Star
Wars. Il potenziale film avrebbe seguito Solo, ma
sfortunatamente la Disney ha rifiutato l’opportunità. In
un’intervista con Jake Coyle dell’Associated Press, Driver ha
spiegato di essere sempre stato interessato a lavorare ad altri
film della saga. L’idea ha cominciato a prendere forma nel 2021
dopo che Kathleen Kennedy, presidente della
Lucasfilm, lo ha contattato. L’attore ha rivelato che, purché ci
sia un buon team creativo dietro al progetto, lui sarebbe stato
pronto in un batter d’occhio.
“Era dal 2021 che parlavo di
farne un altro. Kathleen (Kennedy) mi aveva contattato. Ho sempre
detto: con un grande regista e una grande storia, sarei pronto in
un secondo. Amavo quel personaggio e amavo interpretarlo”.
Driver ha spiegato che il film
riprenderebbe dopo gli eventi di L’ascesa di Skywalker, l’ultimo film della
trilogia sequel. Voleva che il film esplorasse ulteriormente l’arco
di redenzione di Kylo. L’attore riteneva che la storia del suo
personaggio fosse incompleta e voleva dare a Ren la conclusione che
meritava. Driver ha ricordato di aver portato il suo film (che si
sarebbe intitolato The Hunt for Ben Solo) al regista
Steven Soderbergh e poi di averlo presentato a
Kennedy, al vicepresidente della Lucasfilm Cary
Beck e al direttore creativo Dave Filoni.
A quanto pare, tutti e tre hanno apprezzato l’idea. Erano così
entusiasti che hanno persino coinvolto Scott Z.
Burns per scrivere la sceneggiatura.
Tuttavia, una volta presentata a
Bob Iger (amministratore delegato della Walt
Disney Company) e Alan Bergman (co-presidente
della Disney Entertainment), l’idea è stata immediatamente
bocciata. I due non riuscivano a superare la morte di Ren e hanno
semplicemente affermato che il film non avrebbe avuto alcun
senso.
“Abbiamo presentato la
sceneggiatura alla Lucasfilm. L’idea è piaciuta molto. Hanno capito
perfettamente il nostro punto di vista e il motivo per cui lo
stavamo facendo. L’abbiamo portata a Bob Iger e Alan Bergman e loro
hanno detto di no. Non riuscivano a capire come Ben Solo potesse
essere vivo. E così è finita lì.”, ha affermato Driver.
Anche Soderbergh ha rilasciato una
dichiarazione. Il regista ha rivelato di essersi divertito molto a
immaginare il film nella sua testa ed era deluso dal fatto che i
fan di Star Wars non avrebbero mai potuto vederlo. Sebbene The
Hunt for Ben Solo di Driver e Soderbergh non sia mai stato
realizzato, ci sono molti altri progetti di Star Wars in uscita che
i fan possono attendere con ansia. Tra questi ci sono The Mandalorian and Grogu
(2026), Star Wars: Starfighter (2027) e
un progetto senza titolo di Dave Filoni.
Gavin Bain (Séamus McLean
Ross) e Billy Boyd (Samuel
Bottomley, visto anche in Anemone) sono due giovani rapper di Dundee con
un talento indiscutibile, ma schiacciati da un pregiudizio
culturale. Nel Regno Unito dei primi anni Duemila, il loro accento
scozzese è motivo di derisione: nessuna etichetta vuole credere che
possano avere successo. Così, per sopravvivere e farsi ascoltare,
inventano un’altra vita – diventano Silibil N’ Brains, due
musicisti californiani dal passato immaginario e dall’accento
“perfettamente” costruito.
Da quel momento, la loro esistenza
diventa una performance continua: tour, interviste, contratti
discografici e puntate su MTV. Il film si apre con la scritta
“A true story based on a lie” (Una storia vera basate sulle
bugie), sintesi perfetta di una trama in cui la menzogna
diventa atto di ribellione e desiderio di riconoscimento.
James McAvoy, per la prima volta regista, invita lo
spettatore a seguire i due protagonisti lungo il confine fragile
tra sogno e inganno, successo e perdita di sé.
California Schemin’:
l’industria musicale come specchio distorto
Sotto la superficie brillante della
commedia musicale, California Schemin’ nasconde un’analisi
affilata del sistema discografico. McAvoy racconta
un mondo in cui l’immagine vale più del contenuto, e dove la
provenienza geografica – più ancora del talento – decide chi merita
di essere ascoltato.
Il cambio di accento diventa un
gesto politico e psicologico insieme: fingendo di essere americani,
Gavin e Billy riescono a realizzare i loro sogni, ma a costo di
smarrire la propria identità. Il regista (anche lui attore, nel
ruolo del discografico) ritrae l’industria come un teatro
dell’assurdo, popolato da agenti, produttori e giornalisti che si
muovono come caricature di un sistema malato di apparenza. L’ironia
corrosiva ricorda i toni di The Social Network e Tonya,
ma con una leggerezza tutta britannica, che trasforma la critica
sociale in uno specchio amaro del mondo contemporaneo.
Tra commedia e
malinconia
McAvoy dirige con equilibrio raro,
alternando il ritmo elettrico delle sequenze musicali alla quiete
fragile dei momenti più intimi. I concerti, le interviste, i party
mondani esplodono di energia, ma dietro la frenesia si avverte la
solitudine dei due protagonisti, costretti a vivere dentro una
maschera. Il risultato è un film che vibra di sincerità, anche
quando racconta la finzione.
La commedia non cancella la
malinconia, ma la amplifica. Più i due ragazzi conquistano il
successo, più la loro verità si sgretola e la bugia assume i tratti
di un ricatto emotivo.
Due volti della stessa
illusione in California Schemin’
Le interpretazioni di Séamus McLean
Ross e Samuel Bottomley sono il cuore emotivo del film. Ross
restituisce la vulnerabilità di Gavin, il suo oscillare tra
entusiasmo e colpa; Bottomley incarna l’energia impulsiva e
autodistruttiva di Billy, la parte più selvaggia e incosciente del
duo. Insieme creano un’alchimia autentica, fatta di amicizia,
complicità e disillusione.
McAvoy, al suo esordio dietro la
macchina da presa, dimostra una sensibilità notevole nel dirigere
gli attori. Il suo sguardo è intimo e partecipe, osserva i
personaggi cogliendone la complessità, il loro bisogno di essere
“qualcuno” nel mondo musicale. La regia privilegia il dettaglio –
un gesto, una pausa, un cambio di sguardo – più che la
spettacolarità, e proprio in questa misura trova la sua forza.
Identità e metamorfosi
Uno dei temi più riusciti è la
trasformazione linguistica come metafora esistenziale: cambiare
accento significa cambiare pelle. Il film suggerisce che l’identità
non è una condizione stabile, ma un processo continuo di
adattamento – e che la menzogna, a volte, è solo una forma di
sopravvivenza.
In questo senso, California
Schemin’ è anche un film profondamente politico: racconta
il razzismo culturale (o, come afferma il personaggio di Gavin,
“scozzismo”) con leggerezza, denunciando la logica di un’industria
che premia l’imitazione e punisce l’autenticità. Il talento viene
sottoposto alla provenienza, facendo luce a un processo che, si
immagina, prosegue tuttora.
California Schemin’: un esordio
che convince
Basato sul memoir di Gavin Bain,
California Schemin’ racchiude un tocco di verità:
i filmati originali girati dai veri Silibil N’ Brains. È un
gesto di restituzione, che dissolve la distanza tra finzione e
realtà e lascia emergere tutta la malinconia della storia.
James McAvoy firma un debutto
sorprendentemente solido: ironico ma mai superficiale, energico ma
attraversato da una malinconia autentica. La sua regia è al
servizio dei personaggi, non del virtuosismo; e nel racconto di due
giovani che fingono per essere ascoltati, emerge un discorso più
ampio sull’arte, l’identità e la società dell’immagine.
California
Schemin’ è, in fondo, la storia di due bugiardi sinceri —
e di un regista che, nel raccontarli, trova la sua verità.
Ambientato nella Patagonia
argentina, Miss Carbon porta sullo schermo la
storia vera di Carla Antonella Rodriguez
(interpretata da
Lux Pascal, sorella di Pedro), una ragazza transgender cresciuta in
un contesto tanto ostile quanto realistico. Nata Carlos, Carla
affronta fin da giovanissima l’esclusione familiare e sociale: la
famiglia non la accetta più in casa, la comunità la emargina, e il
gelo della Patagonia diventa metafora del suo isolamento
interiore.
Prima ancora di desiderare di
essere donna, racconta alle amiche transgender, sognava di fare la
“minera”, di lavorare in miniera come gli uomini della sua città.
Ma una superstizione locale vieta alle donne di entrare in miniera,
con l’eccezione del giorno in cui si festeggia la “Regina del
Carbone”. È un divieto simbolico che disegna i confini di un mondo
dove il genere stabilisce il posto che ti è concesso nella
società.
L’identità come lavoro
quotidiano
Miss Carbon segue
Carla nel suo percorso di affermazione personale e di ricerca di un
posto nel mondo. La regista Agustina Macri
racconta la transizione non come un evento isolato, ma come un
cammino complesso, fatto di ostacoli e piccoli gesti di resistenza
quotidiana.
Il film attraversa gli anni che
precedono il 2012, quando in Argentina viene approvata la legge che
riconosce il diritto all’identità di genere. Per Carla questo
momento rappresenta una svolta: può finalmente vedersi riconosciuta
dallo Stato e, formalmente, essere ciò che è sempre stata.
Eppure, quella che sembra
una conquista si trasforma in una nuova esclusione. Nel mondo del
lavoro, dove aveva trovato un raro equilibrio, la sua
trasformazione la relega dietro una scrivania, tra colleghe
diffidenti. Prima, quando non era ancora legalmente donna, le era
permesso lavorare in miniera perché formalmente ancora uomo. Dopo,
quando finalmente la burocrazia la riconosce in qualità di entità
femminile, viene allontanata.
Il paradosso è evidente e doloroso:
prima non riconosciuta, ma accettata nel lavoro maschile; poi
riconosciuta, ma esclusa da ciò che amava fare. È qui che si
concentra il cuore politico e umano del film: il riconoscimento
formale non basta, se la cultura e il pensiero collettivo restano
fermi.
La forza del lavoro e il peso
del genere
Macri costruisce un racconto sobrio
e intenso, privo di retorica. La messa in scena si muove tra primi
piani e silenzi sospesi, restituendo un realismo quasi
documentaristico che valorizza il corpo e lo sguardo della
protagonista. Le mani annerite dal carbone, i rumori della miniera,
il contrasto tra luce e polvere creano una dimensione fisica e
sensoriale che accompagna la metamorfosi di Carla.
Attraverso di lei, Miss
Carbon racconta la doppia discriminazione di una donna
transgender in un mondo che non sa accettare né la diversità né la
femminilità come forza. L’amore con un ingegnere, breve e fragile,
e la morte violenta di un’amica trans riportano la narrazione alla
realtà più cruda, dove la normalità resta un privilegio negato.
Lux Pascal, con
una prova misurata e profonda, dà vita a una protagonista complessa
senza mai scivolare nel melodramma. La sua Carla è vulnerabile ma
determinata, lucida e sognatrice. In lei convivono la dignità del
lavoro e la dolcezza di chi ha imparato a vivere controvento. Non
cerca privilegi, ma giustizia. Vuole solo poter amare, lavorare,
esistere.
Miss Carbon e il diritto di
essere accettati
Carla ottiene finalmente il
riconoscimento legale del proprio nome, ma scopre che la vera
battaglia è un’altra: essere accolta per ciò che è, non per ciò che
rappresenta. La sua vittoria non apre le porte, le chiude: viene
allontanata proprio da quel mestiere che le aveva dato forza e
senso di sé.
È questa la contraddizione più
potente del film, che si trasforma in una riflessione universale
sul prezzo dell’autenticità. Quanto costa essere se stessi in un
mondo che definisce i ruoli prima ancora delle persone?
Miss Carbon non offre risposte, ma lascia emergere
domande profonde sull’inclusione, sull’uguaglianza e sulla libertà
di esistere senza dover giustificare la propria presenza.
Miss Carbon è un
film che scava, come la sua protagonista, nella miniera più
profonda: quella dell’animo umano. Un’opera necessaria, che parla
di coraggio, dignità e del bisogno di essere parte di un mondo che,
troppo spesso, non sa ancora accogliere.
Eppure, quella che sembra
una conquista si trasforma in una nuova esclusione. Nel mondo del
lavoro, dove aveva trovato un raro equilibrio, la sua
trasformazione la relega dietro una scrivania, tra colleghe
diffidenti. Prima, quando non era ancora legalmente donna, le era
permesso lavorare in miniera perché formalmente ancora uomo. Dopo,
quando finalmente la burocrazia la riconosce in qualità di entità
femminile, viene allontanata.
Lux Pascal, con
una prova misurata e profonda, dà vita a una protagonista complessa
senza mai scivolare nel melodramma. La sua Carla è vulnerabile ma
determinata, lucida e sognatrice. In lei convivono la dignità del
lavoro e la dolcezza di chi ha imparato a vivere controvento. Non
cerca privilegi, ma giustizia. Vuole solo poter amare, lavorare,
esistere.