Arriva l’attesissimo Cosmopolis, ultimo film nato dalla mente di David Cronenberg in collaborazione con Don DeLillo. Infatti il regista de La Mosca si è ispirato proprio al romanzo di DeLillo, portando sulla schermo fedelmente la crisi del capitalismo, quando questa era un utopia, dimostrandosi anticipatore degli eventi attuali.

Il Presidente degli Stati Uniti è in visita a New York, e la città è intasata di traffico. Eric Parker (Robert Pattinson) alto esponente della finanza, giovane miliardario, vuole a tutti i costi farsi “aggiustare il taglio” dal suo barbiere di fiducia, ad Hell’s Kitchen, dall’altro lato della città. Così, pur avendo un brutto presentimento e temendo per la sua vita, entra in una  limousine bianca e attraversa lentamente la città immersa nel caos e nei fumi di una rivolta. Durante le 24 ore che impiega per arrivare dal suo barbiere, Eric incontra molti personaggi che discutono con lui dei grandi temi che collegano umanità, tecnologia, denaro, tempo ed economia.

Cosmopolis, il film

L’ultimo film di David Cronenberg deve necessariamente fare i conti con un presupposto: il romanzo di DeLillo era una storia quasi impossibile da trasporre, eppure il film che ne è uscito è esattamente l’essenza del romanzo stesso. Questo però non vuol dire che sia un film riuscito, dal momento che il cinema non parla la lingua della letteratura e viceversa. Cosmopolis, preso come opera a se stante, presenta in realtà molti punti di domanda e momenti di stasi che non ne contribuiscono la visione e non ne facilitano la comprensione sempre tesa a districarsi tra il miscuglio di concetti più o meno filosofici che si espongono trai personaggi.

Nessuno dei passanti, in qualche modo partecipanti alla vita di Eric, viene approfondito come merita, lasciando tutto su un grado di superficialità che non ci permette assolutamente di partecipare all’inquietudine del protagonista. Inquietudini tra l’altro tutta detta e per nulla mostrata, nella maschera statica che Pattinson mette su per tutto il film.

Cosmopolis, l’adattamento impossibile

Il giovane protagonista della Saga di Twilight si cimenta con un ruolo più grande di lui che, a onor del vero, sarebbe stato difficile da rendere credibile anche per un attore più navigato. Tuttavia sul suo volto sono manifesti la dedizione e l’impegno che Pattinson ha profuso nella sua performance, probabilmente rendendosi conto che per un attore che viene da una serie per teenagers, lavorare con Cronenberg può rappresentare la svolta. Il suo sforzo lo premia nel dialogo finale con Paul Giamatti: nonostante trai due ci sia un divario incolmabile, forse la vicinanza con il grande attore Giamatti ha dato a Pattinson lo stimolo giusto per tirare fuori da sé il meglio.

La sceneggiatura è completamente opera di Cronenberg che come al suo solito sguazza alla grande in paroloni e concetti complicati che si fermano a riflettere sulla natura umana e sulla sua relazione con il mondo in evoluzione. La regia si fregia di interessanti piano sequenza che, non a caso, ci fanno apprezzare l’autore del film e ci ricordano la sua grandezza. Nel complesso Cosmopolis è un’opera incompiuta, o meglio riuscita solo a metà, che non risulta incisiva come avrebbe potuto essere né tantomeno da libero sfogo alla vena poetica di Cronenberg.

Cosimo e Nicole, due cuori e una palafitta, ai piedi di Genova, all’alba degli scontri del G8. Lui, bello e intrepido, lei, una diciassettenne francese, passionale e avventurosa, pronta a seguirlo ovunque in sella alla sua moto.

Un amore nato sotto la pioggia di manganellate dei disordini di Genova, sbocciato nel lampo di uno sguardo e vissuto con ardente passione, prima in Francia, e poi nella terra che li aveva resi teneri amanti, in un paesaggio desolato.

Un film, in cui il regista Francesco Amato – alla sua seconda opera – segue i passi di un amore totalizzante, frenetico e altisonante, con un occhio sempre rivolto alla tragica realtà sociale italiana. Una storia d’amore, quindi, che il regista utilizza come pretesto narrativo per dire la sua sulle annose questioni dell’immigrazione e del lavoro clandestino, la cui cruenta problematicità può forgiare un’amore e ridurlo in pezzi con la stessa veemenza.

Cosimo e Nicole

Nel dire la sua, il regista fatica ad armonizzare le sue idee: un film d’amore o un film di denuncia? Cosimo e Nicole è un’opera dall’identità sfocata che, nel portare alla luce riferimenti di cronaca attuali, si pone come l’ennesimo tentativo di denunciare crimini e misfatti made in Italy, senza la giusta convinzione e radicalità. Convince un pò di più la visione romantica e dannata dell’amore tra Cosimo e Nicole, costellata però da qualche cliché di troppo che la correda di retorica e banalità.

I due interpreti protagonisti, Riccardo Scamarcio e Clara Ponsot, si muovono in un universo transitorio, indebolito dall’inconsistenza della sceneggiatura, che in alcuni punti si prende delle libertà narrative, che acuiscono la scarsa credibilità della storia.

La regia cerca di limitare i danni, fregiandola di spunti audaci fatti di eros e live concert, che riescono a evocare un’atmosfera seducente e gagliarda, buia e intensa, grazie ai graffianti brani dei Marlene Kuntz, Afterhours e Verdena che si mescolano alle musiche originali di Francesco Cerasi.

Un film dalla struttura narrativa analettica, che lascia sgorgare la storia dalle parole dei due protagonisti, che si raccontano, afferrando i ricordi e rivivendo il tormento e le intense emozioni di qualche anno prima. Due volti reduci da un deserto emozionale durato due anni, ma riscaldati dalla memoria di un passato ancora vibrante.

Quello di Cosimo e Nicole è un sentimento diventato romanzesco e ruggente grazie al fascino imponderabile dell’avventura on the road, cornice del loro inconsulto vagabondaggio. Un guizzo interessante ma che non riesce comunque a dare vigore ad un racconto monocorde e incolore.

L’ultima fatica di Luc Besson, Cose nostre – Malavita, nelle sale dal 17 ottobre, segna il ritorno dietro la macchina da presa del grande regista e produttore francese che, per l’occasione, raduna un cast stellare, dirigendo i Premi Oscar Robert De Niro e Tommy Lee-Jones, una formidabile Michelle Pfeiffer e la star in erba della serie tv Glee, Dianna Agron.

Tratto dal libro “Malavita” di Tonino Benacquista, la pellicola si fregia di un altro nome importante, quello di Martin Scorsese come produttore esecutivo. Un ex mafioso italo-americano di Brooklyn trapiantato nella bucolica e bigotta Normandia,  costretto a vivere sotto protezione dell’FBI, dopo una scomoda testimonianza. Fin qui nulla di nuovo, un plot all’apparenza incline al consueto scenario filmico malavitoso e alle solite “cattive abitudini” dei criminali brooklynesi. Eppure nulla di più lontano dal quel genere gangster che, pur avendo consegnato alla storia del cinema alcune tra le più toccanti pellicole di sempre, oggi forse ha perso un po’ di smalto.

Cose nostre – Malavita potrebbe essere letto come il personale omaggio di Besson a un certo tipo di cinema, il tentativo di riportare alla luce un’atavica realtà vibrante ma con una salsa originale che combina il noir alla commedia più spassosa.

Un boss mafioso di nome Giovanni Manzoni (Robert De Niro) abituato a cambiare identità ogni volta che le cose si mettono male. Dalle maniere decisamente poco ortodosse ma dall’aspetto bonario e buffo, soprattutto quando impugna una polverosa macchina da scrivere per mettere nero su bianco le sue memorie. La granitica mogliettina dark , Maggie, in cui Michelle Pfeiffer mette un po’ della sua Elisabeth Collins (Dark Shadows). Una madre e moglie un po’ svitata, che appicca fuochi con la stessa facilità e amorevole passione con cui prepara la pasta, soprattutto se offesa nel suo spirito americano.

A completare il quadro, l’avvenente primogenita Belle (Dianna Agron) alla ricerca del suo perduto amore e di un modo per sopravvivere alla follia familiare, e il teppistello di casa Manzoni, Warren (John D’Leo), che tra una scazzottata e l’altra si conquista la fama e il rispetto di baby criminale.

Una famiglia balorda, dalle cattive e strampalate abitudini, dove un uomo ridotto in fin di vita o un incendio appiccato per futili ragioni, sono solo irrilevanti scaramucce, nonché il loro naturale modo di vivere la quotidianità. A cercare di arginare le eccentriche trovate, senza grandi successi, ci sarà l’agente Stansfield (Tommy Lee Jones).

Grottesca e un po’ dark come la famiglia Collins (Dark Shadows), simpatica e sinistra come i coniugi Addams, i Manzoni sono un quadretto familiare che schiva lo stile corleonese (evocato in qualche timido flashback) per rifugiarsi in una villa buia e polverosa, avulsa da ogni dimensione spazio-temporale, che riporta alla mente quella di American Horror Story.

Una pellicola elegantemente confezionata, con un’originale e preziosa ironia che compensa benissimo l’iniziale ritmo blando e qualche forzatura narrativa di troppo.

Proprio dal titolo si potrebbe cominciare: cosa voglio di più? L’elenco sarebbe lungo: un film che racconti una storia, 30 minuti in meno, meno banalità, più ritmo, un montaggio funzionale … e si potrebbe ancora continuare in riferimento al film di Soldini. Cosa voglio di più infatti esula dalla categoria  di film di nicchia, andando a collocarsi in un posto tutto suo, nella sezione dei film che parlano solo a se stessi. E forse è questo l’intento di Soldini che almeno narrativamente continua un percorso sulla crisi economica che diventa crisi dei sentimenti e delle relazioni, cominciato con Giorni e Nuvole, ma che tuttavia si allontano troppo dai suoi lavori migliori, e mi riferisco al ben godibile Pane e Tulipani. 

La quotidianità, il realismo (si potrebbe quasi dire) sono resi perfettamente, aiutati anche da un apparato tecnico (suono e fotografia) davvero eccellenti. Tuttavia molto della storia non si giustifica, fino a metà film si aprono mille trame, molti personaggi che necessitano un approfondimento ma che ovviamente non possono averlo per permettere alla storia, allo spettatore di seguire i protagonisti, accomunati da un forte legame passionale che li proietta in una stanza buia che sembra esaurire tutto il loro mondo.

Cosa voglio di più, il film di Silvio Soldini

E’ pur vero che il film punta molto sull’aspetto emozionale della vicenda, Favino e la Rohrwacher sono imbrigliati nella loro relazione che per nessuno dei due e costruttiva ma che entrambi non riescono a lasciar andare anche se non si percepisce la nascita del forte amore che viene dichiarato. Per quello che riguarda le interpretazioni, brava Alba in un ruolo ancora diverso dal suo curriculum, un po’ meno Favino, che dimostra di essere un bravo attore solo quando storia e sceneggiatura sono brillanti, e non è questo il caso. Menzione speciale al cast di contorno, che come già detto, meriterebbe più spazio a dispetto degli insipidi protagonisti, in particolar modo il personaggio di Giuseppe Battiston, che incarno un compagno così mite da sembrare stupido seppure a modo suo divertente.

Cosa voglio di più è un film che punta a smuovere i sentimenti, e che sicuramente in fase di lavorazione è risultato coinvolgente per gli interpreti principali, se non altro per le numerose scene di intimità, ma che rivolto allo spettatore rischia di smuovere soprattutto una grande noia, causata oltretutto dall’eccessiva lunghezza di una film che senza troppi danni sarebbe potuto durare 40 minuti in meno. Distribuito da Warner Bros, Cosa voglio di più esce in Italia il 30 aprile.

Così si chiude la Festa del Cinema di Roma 2020, con la presentazione del quarto lavoro da regista di Francesco Bruni, Cosa sarà. Sceneggiatore tra gli altri di Paolo Virzì, cui lo lega un lungo sodalizio artistico e umano, Bruni firma in proprio commedie francamente divertenti, ma anche acute e non prive di un certo disincanto, in cui l’elemento fondante attorno a cui ruota tutto sono i rapporti umani, in special modo quelli familiari, tra mariti e mogli e ancor più tra genitori e figli. Non per niente, le sue commedie realistiche, un po’ strampalate e fresche hanno spesso lanciato giovani talenti. È stato così con il suo esordio Scialla!, che lanciò Filippo Scicchitano, come con Tutto quello che vuoi, che fece emergere Andrea Carpenzano. Oggi è la volta di Fotinì Peluso, che interpreta ottimamente Adele, la figlia del protagonista. La sfida è difficile, poiché si tratta di far ridere o sorridere del dramma di un uomo ancora giovane gravemente malato e della sua paura di non farcela.

La trama di Cosa sarà

Bruno Salvati, Kim Rossi Stuart, è un regista di commedie quasi sconosciuto. Si è separato dalla moglie Anna, Lorenza Indovina. Facendo dei controlli dopo un banale incidente, scopre di avere la leucemia. L’unica speranza di guarigione è un trapianto di cellule staminali. Inizia così il suo percorso da paziente, guidato da una competente e pragmatica ematologa, Raffaella Lebboroni,  alla ricerca di un donatore compatibile. Inizia però, anche un viaggio che lo porterà, ancor prima che tra le corsie dell’ospedale, alla scoperta di un segreto di famiglia e alla ricerca, assieme ai figli Adele, Fotinì Peluso, e Tito, Tancredi Galli e al padre Umberto, Giuseppe Pambieri, di una persona che può essere la sua unica speranza. Questo percorso lo porterà anche a ripensare sé stesso e i suoi rapporti familiari.

Finché c’è vita c’è speranza, e ironia

E’ lo stesso Francesco Bruni a spiegare come in questo film – era già accaduto nei precedenti – vi sia un contenuto autobiografico, opportunamente arricchito e rivisitato. Soggetto e sceneggiatura sono del regista, la seconda in collaborazione con Kim Rossi Stuart. Dunque si tratta di una storia molto personale, dolorosa e delicata. Si percepiva che lo fosse. Ecco forse perché Bruni ha sentito il bisogno di tornare nella Livorno in cui è cresciuto per raccontarne almeno una parte. Per molti versi, dunque, è lui il Bruno Salvati della storia, che parla della malattia che lo ha colpito e dalla quale è guarito – si è salvato, appunto, nomen omen – e di come questa si possa rivelare un’opportunità per ricominciare, per cambiare.

Il film rispetta in pieno lo stile di Bruni riuscendo ad essere al tempo stesso divertente e amaro, poetico e drammatico, doloroso, realistico, ma anche movimentato e perfino buffo. Del tutto assente la retorica, come da sana abitudine del regista. Non si scade mai nel melodramma, ma si stempera, si alleggerisce con la situazione comica. Kim Rossi Stuart è convincente nei diversi registri richiesti dal film, bravissimo nel drammatico, ma non meno efficace nella commedia.

Bruni fa di Salvati un personaggio che, come altri nei suoi film, non è il padre che vorrebbe essere, un uomo anche fragile, che non nasconde la paura, ma che attraverso quest’esperienza trova il coraggio e il modo di cambiare, di scrollarsi di dosso un’immagine di sé che forse non gli corrisponde più e comincia a dare maggiore ascolto a chi gli sta intorno. Il sottofinale è emblematico di questo cambiamento. Il cast ha anche una presenza femminile importante: brave Lorenza Indovina, Barbara Ronchi nel ruolo di Fiorella, Raffaella Lebboroni e la già citata Fotinì Peluso. Scelte perfette sono due brani della colonna sonora: Perfect day, che crea un ossimoro emozionante in uno dei momenti forse più dolorosi del film, e I will survive.

Cosa sarà è anche un sentito omaggio a Mattia Torre, regista e autore di Boris e La linea verticale, prematuramente scomparso. In alcune scene del film, come quella del dibattito mancato, si ritrova proprio un po’ della sua impronta, quell’umorismo graffiante e dissacrante, quel voler far ridere a tutti i costi anche della morte, quel trattare con umorismo qualsiasi cosa succeda nella vita perché comunque, finché si è vivi e lo si può raccontare, se ne può sorridere. In Cosa sarà l’ironia, il riso amaro non esita a trasformarsi in franca risata. Così come il regista non rinuncia a punteggiare il film di una pungente ironia sul mondo del cinema, complice anche un cameo di Ninni Bruschetta (Boris e La linea verticale),  nel ruolo del produttore cinematografico.

Il quarto lavoro da regista di Francesco Bruni è dunque una sorta di lungo flirt con la morte, al termine del quale non si esce incupiti o avviliti o tristi, ma col sorriso sulle labbra di chi dice: è andata bene! Il funambolo che cammina sulla ringhiera del balcone è Salvati, ma è anche il regista, che pur non cadendo per fortuna, né in questa vicenda umana, né registicamente, riuscendo a tenere il film in equilibrio tra commedia e dramma, ha ben presente però che c’è chi cade. Restituisce però anche la consapevolezza che il funambolo può essere ciascuno di noi, in qualsiasi momento, e che non sempre va tutto bene.

Cosa sarà avrebbe dovuto iniziare il suo percorso in sala dal 24 ottobre. La nuova chiusura imposta dall’ultimo Dpcm costringe ora a trovare altre strade di fruizione, che si spera non penalizzino troppo un lavoro che merita la visione.

In Cosa piove dal cielo? Roberto (Ricardo Darín, Il segreto dei suoi occhi), introverso proprietario di un negozio di ferramenta, vive da vent’anni quasi senza contatti col mondo dopo un dramma che l’ha profondamente segnato. Per caso conosce Jun (Huang Sheng Huang), un cinese appena arrivato in Argentina senza conoscere una parola di spagnolo, in cerca dell’unico parente ancora vivo, uno zio. Incapace di abbandonarlo, Roberto lo accoglie in casa: attraverso la loro singolare e silenziosa convivenza, Roberto troverà il modo di comunicare con Jun, muto eppure tenerissimo, svelandola banalità della vita e delle coincidenze, o forse semplicemente che il caso non esiste e per ognuno di noi c’è un destino.

Cosa piove dal cielo?, il film

Cosa piove dal cielo? comincia in maniera silenziosa, e poi, a poco a poco, con un misto di ironia e malinconia, si addentra nella mente dello spettatore che guarda interessato e divertito l’avvicendarsi di sentimenti e situazioni in una storia quasi impossibile da gestire a livello semplicemente logistico ma anche a livello emozionale, che coinvolge un mezzo misantropo e un giovane spaventato e ferito dal mondo. Le due realtà non fanno altro che collidere generando un big bang che si risolverà con la nascita di una cosa nuova, una profonda amicizia e la speranza di una vita serena per entrambi.

Quello che incanta in questo piccolo film Cosa piove dal cielo? è la scelta dei toni, non lugubri e tristi, ma allegri, spiritosi e seriamente divertenti attraverso i quali i due personaggi, uno più timido dell’altro, riescono a trovare una via di comunicazione decisamente personale e che alla fine riuscirà a metterli in contatto anche con se stessi. Il tema di fondo, ovvero lo scontro tra due culture diverse, passa in secondo piano e l’ostacolo della lingua diventa da principio insormontabile prima di tutto perché manca la disposizione all’apertura, al dialogo, allo scambio con l’altro. Con il tempo Roberto però scoprirà suo malgrado di aver bisogno di Jun, e il giovane giapponese riuscirà contemporaneamente a mettersi in connessione con i suo gentile salvatore. L’intercessione linguistica giusta arriverà nel momento opportuno, quando i due saranno pronti a condividere le anche a parole vite, sofferenze e segreti.

Cosa piove dal cielo? riesce quindi, attraverso linguaggio allegro e immagini luminose, a raccontare la storia di due solitudini che si incontrano e in modi inaspettati si fanno compagnia.

Amore, fede e musica, sono questi gli ingredienti principali di Cosa mi lasci di te (titolo originale I still believe) che sarebbe dovuto arrivare nelle sale italiane il 19 marzo, ma vista l’emergenza sanitaria, è disponibile direttamente in streaming su Prime Video, dal 17 aprile.

Cosa mi lasci di te: l’ispirazione del film

Il lavoro racconta la vera storia del musicista Jeremy Camp, icona americana della musica cristiana, che a suon di ballate dalle influenze rock professa la propria fede e la diffonde nel mondo. La sua vita è contraddistinta da un incontro e da una storia d’amore che lo hanno segnato per sempre, tanto che l’ha voluta raccontare in un libro – Cosa mi lasci di te, edito in Italia da Fabbri Editori. La storia poi è approdata sul grande schermo grazie ai fratelli Andrew e Jon Erwin, che l’hanno diretta, scegliendo KJ Apa (Riverdale) per interpretare il ruolo del protagonista.

La trama

Jeremy (KJ Apa) arriva all’università con la sua chitarra e il sogno di diventare un musicista. Mentre questo inizia a realizzarsi, incontra Melissa (Britt Robertson), se ne innamora e decide di sposarla. Nonostante entrambi siano giovanissimi e lei sia affetta da un male incurabile. Lui compone le sue canzoni, deciso a starle accanto in qualsiasi circostanza, ma lei rischia di non arrivare neppure al matrimonio a causa dell’aggravarsi della malattia. Tuttavia, un evento che ha del miracoloso regala ai due ragazzi un altro scampolo di vita insieme, consentendo loro di vivere un intenso, anche se breve, sogno d’amore e felicità, prima dell’inevitabile epilogo. Senza Melissa Jeremy avrà ancora la forza di credere e di cantare?

Il romanticismo in Cosa mi lasci di te

Al netto di una pesante cappa di retorica – quella per intenderci che fa sì che il padre, interpretato da Gary Sinise, si rivolga al figlio chiamandolo “figliolo” con frasi del tipo: “Vai e scrivi la tua storia”, o “la vita non è piena nonostante le delusioni, ma grazie ad esse” – condita dal patriottismo di bandiere a stelle e strisce che sventolano dai portici, il film è l’emblema dell’amore romantico, una storia per teenager sull’amore che supera i confini del tempo e dello spazio ed è in grado di superare anche il confine estremo, la morte. Per dare corpo a questa vicenda – e riescono a farlo in maniera convincente –  i registi hanno scelto il giovane KJ Apa, noto per essere stato il protagonista della serie tv Riverdale, e Britt Robertson, interprete di serie come Life unexpected e film quale il fantasy Disney Tomorrowland. Due attori amati dai teenager, che si ritrovano insieme dopo Qua la zampa! di Lasse Hallström.

Tuttavia, il film non è solo un prodotto per adolescenti innamorati dell’idea stessa dell’amore, specie se eterno, da tenere incollati allo schermo con una storia che sembra una favola, anche se non proprio dal lieto fine, con una congrua scorta di fazzolettini a portata di mano.

Religione e fede in Cosa mi lasci di te

Perché trarre un libro e poi un film da una storia così personale, così intima? Inequivocabilmente, oltre che una storia d’amore, il film è un elogio e una professione di fede cristiana inattaccabile, che vacilla, ma non crolla neanche sotto i colpi della prova più dura. Centrale è l’idea che questa storia possa essere d’esempio per altri, che possa cambiare la vita di qualcuno, anche solo di una persona, magari facendola avvicinare alla fede.

Quello che accade alla protagonista Melissa è una sorta di miracolo. L’altro “miracolo”,poi, consiste nel vedere tutta la California unita in preghiera a Jeremy Camp per aiutare Melissa a superare la malattia. Anche la fama di cantante d iCamp, oltre che essere dovuta al suo talento musicale, sembra indissolubilmente legata a questa vicenda personale che pare aver appassionato l’America. Quello stesso talento, il successo, sono presentati come frutto della fede e strumento di essa. A suggello di tutto questo, alcune immagini finali del vero Jeremy Camp e delle sue esibizioni. I still believe e Walk by faith, tratte dall’album Still, hanno ottenuto un enorme successo negli Usa. Il cantante  ha vinto molti premi e venduto più di 5 milioni di album.

Una visione di questo tipo ha l’evidente limite di risultare poco coinvolgente per quanti non ne condividano i presupposti, sebbene ponga di fronte a interrogativi universali. Su tutti, come è possibile affrontare la morte? Come ci si prepara? Se c’è qualcosa che questo lavoro lascia anche a chi ha superato l’adolescenza e non è a suo agio col concetto di fede, è proprio che si può in qualche maniera trovare il coraggio di affrontare anche la morte – la prova più difficile, più estrema che un essere umano possa affrontare – se non si è soli, grazie all’amore o all’affetto incondizionato delle persone care.

Prodotto da Kingdom Studios e distribuito in Italia da Notorious e Prime Video, il film è visibile in streaming su questa piattaforma dal 17 aprile.