Il finale della settima stagione ha portato alla conclusione la longeva serie fantasy della ABC Once upon a time (C’era una volta): ecco cosa è successo nell’ultimo episodio. Le prime sei stagioni di Once upon a time (C’era una volta) erano incentrate su Emma Swan e sulla strana e meravigliosa cittadina di Storybrooke, nel Maine, ma la serie ha preso una nuova direzione dopo che la maggior parte dei personaggi ha ottenuto il proprio lieto fine con la rimozione dell’ennesima maledizione nel finale della sesta stagione.
La settima stagione di Once upon a time (C’era una volta) è stata una sorta di soft reboot, con la maggior parte del cast originale che ha lasciato la serie. L’attenzione si è spostata su Henry Mills, ormai adulto, che vive sotto una nuova maledizione nel quartiere Hyperion Heights di Seattle, e sugli sforzi di sua figlia Lucy per aiutarlo a ricordare chi è veramente.
Negli episodi che precedono il finale della settima stagione, è stato rivelato un altro colpo di scena di Once upon a time (C’era una volta): Eloise (alias Madre Gothel) aveva lanciato una maledizione che ha riportato indietro nel tempo i personaggi. Ciò significa che la linea temporale della settima stagione si svolgeva in realtà in concomitanza con gli eventi del primo episodio della settima stagione, in cui il giovane Henry viveva ancora a Storybrooke.
Henry rompe la maledizione e si ricongiunge con Lucy e sua moglie Ella, ma i festeggiamenti durano poco con l’arrivo di Rumplestiltskin dal Regno dei Desideri, che porta via la sua famiglia nel Regno dei Desideri. Nell’episodio finale di Once upon a time (C’era una volta), “Leaving Storybrooke”, viene rivelato che Rumple del Regno dei Desideri intende mandare tutti in regni separati per vivere finali infelici con l’aiuto del giovane Sir Henry, con cui ha stretto un accordo.
Nel frattempo, Henry adulto è bloccato in una prigione a forma di palla di neve con Lucy, Ella, Hook e Weaver, ma vengono liberati con l’aiuto di Robin e Alice. Il vendicativo Sir Henry vuole la testa di Regina, di cui ha bisogno per aiutare Rumple del Regno dei Desideri a condannare i personaggi a un finale infelice. Regina e il giovane Henry si affrontano in un duello con la spada che apre i portali verso i regni separati, ma fortunatamente Regina riesce a convincere Henry che lo ama, riportandolo alla ragione e chiudendo i portali.
In un altro momento del finale di Once upon a time (C’era una volta), Hook salva sua figlia Alice dall’essere risucchiata nel portale, ma l’eroica azione riempie il suo cuore di veleno, con grande gioia di Rumple del Regno dei Desideri, che sfida il suo alter ego Weaver a distruggerlo. Weaver strappa il proprio cuore e lo dà a Hook, riportandolo indietro dall’orlo della morte e distruggendo sia Rumple del Regno dei Desideri che Weaver, che finalmente si ricongiunge con Belle nell’aldilà.
Con il malvagio Rumplestiltskin sconfitto, Regina lancia un’altra maledizione, ma questa volta per amore, che unisce tutti i regni delle fiabe a Storybrooke. Le scene finali del finale della settima stagione di Once upon a time (C’era una volta) sono ambientate qualche tempo dopo e vedono Regina sorpresa da un’incoronazione che rivela che i cittadini dei vari regni hanno deciso di incoronarla Regina Buona dei Regni Uniti, ottenendo finalmente il suo lieto fine.
Aggregate Films e August Night stanno producendo il film di genere crime Evil Genius, con Patricia Arquette eDavid Harbour come protagonisti e Courteney Cox alla regia. Ispirato all’acclamata serie di documentari true crime di Barbara Schroeder e Trey Borzillieri, la sceneggiatura è stata scritta da Courtenay Miles, candidata al WGA.
Il film esplora la vera storia del famigerato caso del “pizza bomber”, che si addentra nella storia più profondamente umana dell’inganno, della disperazione e del confine tra vittima e criminale. Nel cast figurano anche Michael Chernus, Garrett Dillahunt, Danielle MacDonald, Tom McCarthy, Gregory Alan Williams, Ryan Eggold, Owen Teague e Harlow Jane.
August Night finanzierà e produrrà il film con Jason Bateman, Michael Costigan e John Buderwitz con la loro Aggregate Films. Cox è anche produttrice. La produzione è attualmente in corso nel New Jersey.
“Sono rimasto affascinato da Evil Genius fin dalla prima volta che ho visto il documentario”, ha detto Courteney Cox. “È più strano della finzione. A tratti è cupamente divertente, ma allo stesso tempo profondamente emozionante. Una storia d’amore, solitudine, manipolazione e di persone ai margini che vengono trascinate in qualcosa di molto più grande di loro”.
Il regista di Predator: Badlands, Dan Trachtenberg, ha spiegato come il montaggio finale abbia sbalordito James Cameron dopo un’incredibile conversazione tra i due. La storia di Predator: Badlands porta il franchise in una direzione completamente nuova, concentrandosi su un giovane Yautja caduto in disgrazia di nome Dek, alla ricerca di una famosa bestia da uccidere per dimostrare il suo valore alla famiglia.
Il concetto di un Predator come protagonista è unico per il franchise. Ma è un’idea che Trachtenberg è stato incoraggiato da Cameron a perseguire. Parlando con The Hollywood Reporter, il regista ha spiegato come ha contattato Cameron per la sua idea di Predator: Badlands prima dell’inizio dello sviluppo. Il regista più esperto lo incoraggiò a perseguire l’idea, dicendo che pensava potesse funzionare:
“Mi considero incredibilmente fortunato, e probabilmente è in gran parte merito del fatto che entrambi abbiamo girato film con gli stessi collaboratori alla 20th Century Fox. Lui vide Prey e gli piacque molto, quindi eravamo rimasti in contatto. E quando andai in Nuova Zelanda per iniziare a preparare Badlands, mi invitò a vedere cosa stava facendo a Wellington. Così trascorsi un po’ di tempo con lui sul set e in sala montaggio [di Avatar: Fuoco e Cenere]. In sala montaggio, gli raccontai la cosa folle che stavamo facendo, il modo folle in cui la stavamo facendo, e quanto sarebbe stata una novità assoluta per il franchise e una novità per me come regista.
Poi andammo a cena separatamente, e quando entrò e si sedette, disse: “Stavo solo pensando a quello che stai facendo, e penso che funzionerà”. Così, con tutto quel vento in poppa, sono tornato ad Auckland per dirlo alla mia troupe. La benedizione di quell’uomo, che ha affrontato sfide davvero impossibili e le ha portate a termine, è stata assolutamente incredibile.”
Tuttavia, solo quando Trachtenberg ha mostrato il montaggio finale a Cameron, questi ha rivelato di non essere stato molto sicuro del film all’inizio. Ma ha detto a Trachtenberg di “avercela fatta”. Il regista di Predator: Badlands ha paragonato la dichiarazione di Cameron a qualcosa che aveva bisogno di sentirsi dire in quel momento per rendere il film il migliore possibile:
“Poi abbiamo condiviso il montaggio con lui quando non era ancora pronto. C’erano alcune domande specifiche che avevo in mente e volevo vedere se poteva darci qualche suggerimento utile. Così ha visto il film un paio di mesi fa e mi ha detto: “Devo essere onesto con te. Quando ho sentito per la prima volta cosa stavi facendo, non pensavo che avrebbe funzionato. Ma santo cielo, ce l’hai fatta.” O non ricordava quella prima conversazione che per me ha significato molto, oppure sa davvero cosa ha bisogno di sentirsi dire da qualcuno nella mia posizione per ottenere risultati. Credo che sia più quest’ultima ipotesi. Quindi ci ha dato la carica al momento giusto, e ho dovuto assicurarmi di ringraziarlo in modo speciale.”
La storia di Trachtenberg indica che il regista di Avatar: Fuoco e Cenere voleva incoraggiarlo con Predator: Badlands, perseguendo l’idea nonostante il rischio che comportava. Il film è un punto di forza della saga, sia per il personaggio principale Yautja, sia per la sua classificazione PG-13. Affronta anche elementi fantascientifici più intensi rispetto a qualsiasi altro film precedente.
La visione di Trachtenberg per il franchise di Predator lo ha portato in direzioni molto diverse e uniche. Dall’ambientazione di Prey nel 1700 a Predator: Killer of Killers che evidenzia vari momenti storici attraverso un’antologia animata connessa, il regista ha trasformato la serie in un franchise di fantascienza unico. L’incoraggiamento di Cameron per Badlands ha senza dubbio contribuito a questa impresa più ampia.
Con l’uscita di Predator: Badlands ormai alle porte, il sigillo di approvazione di Cameron aumenta l’attesa per un capitolo già di per sé eccezionale del franchise. Dato che Trachtenberg è apparentemente riuscito a sfruttare al meglio le qualità uniche del film, sembra che sarà un capitolo memorabile e adrenalinico della serie di fantascienza. Potrebbe persino aprire le porte a storie più avvincenti e originali in futuro.
Il film Serenity – L’isola dell’inganno spiegava che nulla era come sembrava e si concludeva con un finale a sorpresa diverso da quasi tutti gli altri. Il film di Steven Knight, stroncato dalla critica, sembrava un thriller tradizionale, ma un colpo di scena nell’atto finale sconvolge la struttura narrativa. Serenity – L’isola dell’inganno inizia con un primo piano degli occhi di un ragazzino, e da lì l’attenzione si sposta immediatamente su Matthew McConaughey nei panni di Baker Dill, una guida di pesca. Quando l’ex moglie di Baker, Karen (Anne Hathaway), si presenta, gli fa un’offerta che lui non può rifiutare.
Vuole che Baker uccida il suo marito violento, Frank (Jason Clarke), durante una battuta di pesca programmata. Baker è più interessato a essere un buon padre per suo figlio e a comunicare con lui attraverso mezzi apparentemente telepatici. Dati gli elementi noir di Serenity – L’isola dell’inganno, la narrazione suggerisce che il libero arbitrio di Baker determina in ultima analisi il risultato. Tuttavia, il colpo di scena principale è che Baker è controllato da qualcun altro e che Plymouth Island è una simulazione al computer. In questo mondo, Serenity – L’isola dell’inganno non è solo una barca e Justice non è solo un pesce.
Serenity – L’isola dell’inganno parla di un videogioco di pesca ricodificato per vendetta
Il figlio di Baker ha creato il gioco basandosi sui ricordi di suo padre
In tutto Serenity – L’isola dell’inganno, Baker parla con suo figlio assente, suggerendo che esiste un forte legame tra loro e che alla fine si riuniranno; un’immagine surreale di Baker che incontra un ragazzo sott’acqua si allinea con la sua storia. Nel frattempo, il nemico di Baker, Frank, parla del suo figliastro e di come gli piaccia giocare ai videogiochi, con il film che taglia ripetutamente su un adolescente che crea un codice nella sua stanza (mentre gli adulti litigano nelle vicinanze).
La carta jolly di Serenity – L’isola dell’inganno è il misterioso uomo d’affari interpretato da Strong, Reid Miller. Durante una notte di pioggia battente, raggiunge Baker e, dopo aver bevuto un po’ di alcol, gli rivela un’informazione cruciale. Il suo obiettivo principale è vendere a Baker una nuova attrezzatura da pesca, ma prima gli offre una prova gratuita. Quando Baker insiste con Reid sulle sue intenzioni, lui esclama: “Io sono le regole”. Alla fine, Baker scopre di vivere in un mondo videoludico creato da suo figlio Patrick (Rafael Sayegh).
La compulsione di Baker per la pesca è solo un tratto del suo carattere, un pezzo di codice informatico.
L’obiettivo principale viene modificato. La compulsione di Baker per la pesca è solo un tratto del suo carattere, un pezzo di codice informatico. Patrick decide di cambiare drasticamente “le regole” per realizzare la fantasia di uccidere il suo patrigno violento nella vita reale. Nella simulazione, il protagonista Baker, ora consapevole di sé, è destabilizzato dal codice in continua evoluzione, senza sapere se pescare o uccidere. Una volta che Patrick completa il nuovo codice, Baker esegue il comando.
È in parte aiutato da un nuovo personaggio che sembra essere una versione simulata del creatore del videogioco: Patrick. In Serenity – L’isola dell’inganno, Baker trova Justice e Frank, la versione simulata del patrigno di Patrick, intraprende un viaggio finale verso Justice. Ma questa non è la rivelazione finale di Serenity: l’ispirazione nella vita reale di Baker, il padre di Patrick, è deceduto. È stato ucciso durante il servizio militare in Iraq. Baker rappresenta una versione idealizzata di ciò che avrebbe potuto essere.
Patrick uccide il suo patrigno nella realtà alla fine di Serenity – L’isola dell’inganno
Patrick pugnala l’uomo con un coltello
Per la maggior parte di Serenity – L’isola dell’inganno, Patrick usa il libero arbitrio in un mondo di sua creazione. Agli occhi dello spettatore, può sembrare un ragazzo impotente, costretto a sopportare la violenza che si svolge nella stanza accanto. Come molti bambini in situazioni simili, Patrick si rifugia nella sua “compulsione” personale, trasferendo così la sua energia alla versione simulata del padre defunto. Attraverso Baker, Patrick può vedere sua madre e suo padre riunirsi. Può infondere la sua influenza creativa per manipolare un mondo personalizzato.
Ma quando il cablaggio del cervello di Patrick cambia in Serenity, i suoi concetti creativi diventano una fantasia oscura e contorta. Dare a Baker il libero arbitrio di uccidere Frank non è sufficiente. Patrick trasferisce invece il potere di Baker a se stesso, nel mondo reale, e il creatore del gioco alla fine lascia il suo computer per cercare giustizia nella vita reale. Serenity – L’isola dell’inganno non finisce con la libertà di Patrick nella vita reale, anche se lui sperimenta la salvezza nella sua mente (ne parleremo più avanti).
Il presagio del colpo di scena del videogioco Serenity – L’isola dell’inganno
Il film lo prepara fin dalla prima scena
Fin dall’inizio, Serenity – L’isola dell’inganno preannuncia un mondo simulato. Naturalmente, c’è la scena iniziale, in cui il pubblico viene trasportato nella mente di un ragazzino, Patrick. Quando Baker appare per la prima volta, tuttavia, non c’è alcuna indicazione che ciò che viene presentato sullo schermo non sia reale. Baker sembra essere un altro pescatore scontroso, appassionato del proprio lavoro. In questo senso, l’introduzione di Baker è universalmente riconoscibile, poiché fallisce mentre fa qualcosa che ama; non riesce a catturare il pesce grosso, Justice.
Baker DIll è l’eroe, Duke il compagno, Karen la femme fatale, Frank il cattivo e Constance l’interesse amoroso idealizzato.
C’è qualcosa che non va nelle scene terrestri di Serenity – L’isola dell’inganno. I personaggi non sembrano avere molta profondità; parlano per cliché. Inoltre, il personaggio di McConaughey viene ripetutamente chiamato con il suo nome completo, Baker Dill. Col senno di poi, gli archetipi noir hanno senso perché i personaggi non dovrebbero avere molta profondità; sono solo versioni appena velate degli archetipi del genere: Baker Dill è l’eroe, Duke il compagno, Karen la femme fatale, Frank il cattivo e Constance l’interesse amoroso idealizzato.
Inoltre, Karen fa riferimento al “mondo reale” quando parla di Facebook. A quel punto, Serenity – L’isola dell’inganno suggerisce che questi personaggi vivono in un mondo parallelo, per quanto sottile possa essere. Mentre offre 10 milioni di dollari a Baker, Karen riconosce il motivo per cui è lì: fare un’offerta che il suo ex marito non può rifiutare. Più tardi, un personaggio secondario dice a Baker che è solo nella sua testa, e Duke, l’amico fedele, ribadisce alcune regole che Baker deve seguire.
In questa simulazione, Baker ha davvero un passato legato all’Iraq. E durante un momento di riflessione, afferma di “non essere davvero tornato”. Man mano che Serenity – L’isola dell’inganno procede, diventa evidente che nessuno dovrebbe morire nella simulazione di Patrick, il che spiega la confusione collettiva dei personaggi quando il creatore inizia a lavorare su un nuovo codice, contemplando nel contempo il proprio libero arbitrio.
A completamento delle anticipazioni del dialogo, Serenity – L’isola dell’inganno utilizza motivi visivi per sostenere i tropi di genere, associando i personaggi a colori specifici. Plymouth Island è ricca di rossi, verdi, bianchi e blu intensi, che si abbinano al design della stanza di Patrick. Quando Baker accetta di far parte di una simulazione, chiede a qualcuno la posizione esatta dell’isola nel mondo. Nella successiva scena della telefonata, la combinazione di colori è rosso, bianco e blu, in linea con la posizione geografica di Patrick, gli Stati Uniti.
Cosa significa davvero il finale di Serenity – L’isola dell’inganno
Nella sequenza finale di Serenity – L’isola dell’inganno, il film rende omaggio alle influenze del genere cinematografico, ma allo stesso tempo lancia un messaggio più ampio. Quando Baker parla al telefono con suo figlio, è qui che Serenity si presta a diverse interpretazioni, a seconda delle esperienze personali dello spettatore. Da un certo punto di vista, il finale di Serenity sembra suggerire che Patrick abbia accettato la morte di suo padre, il che a sua volta è correlato a un nuovo inizio e alla vita stessa.
Quando i due si incontrano su un molo nell’ultima scena, Patrick indossa una camicia rosso vivo e Baker ora ne indossa una blu vivo. Ciò implica che Patrick non è fuori dai guai, per così dire, ha sicuramente dei problemi legali (il rosso simboleggia i guai). E per Baker c’è un senso di chiarezza, evidenziato da una tonalità di blu intenso. Ma soprattutto, i due sono insieme, circondati da una luce bianca brillante.
Serenity solleva anche interrogativi sulla teoria della simulazione, l’idea che il mondo sia controllato da un potere superiore, un Dio tecnologico. L’autore Chuck Klosterman affronta questo concetto nel suo libro del 2016 But What If We’re Wrong?: Thinking About the Present As If It Were the Past, in cui discute l’idea che la vita come la conosciamo sia semplicemente la creazione di un ragazzo come Patrick di Serenity – L’isola dell’inganno, qualcuno che vive nel futuro e mette in scena varie simulazioni e fantasie. La giustizia assume molte forme e Serenity – L’isola dell’inganno può significare molte cose.
Altri film con finali simulati
Ci sono diversi film in cui l’intera trama ruota attorno a una simulazione al computer. L’esempio più evidente è Matrix. In quel film, non è la fine ad essere una simulazione, ma l’inizio. Tuttavia, con il proseguire della serie, ci si è chiesti cosa fosse reale e cosa fosse simulato. Ci sono persino indizi in Matrix: Resurrections che anche il mondo reale e la ribellione fossero simulazioni al computer per tenere gli umani occupati a pensare di liberarsi mentre i computer rimanevano al comando.
The Truman Show era l’esempio perfetto di un intero film che era una simulazione.
Pur non essendo una “simulazione al computer”, The Truman Show era l’esempio perfetto di un intero film che era una simulazione.
In questo film, Jim Carrey interpreta Truman Burbank, un uomo che vive una vita ideale. Tuttavia, presto si rende conto che qualcosa potrebbe non essere giusto. Alla fine scopre che la sua vita è falsa. Vive in una città dove tutti gli altri sono attori e la sua intera vita è uno dei programmi televisivi più seguiti al mondo. È l’unico a non sapere di vivere in un mondo fantastico.
Duncan Jones ha creato un film che utilizza una simulazione per risolvere un crimine. In Source Code, Jake Gyllenhaal interpreta il capitano dell’esercito americano Colter Steven. Sale su un treno e poi, con suo grande orrore, si rende conto che c’è una bomba. Il treno esplode e lui muore. L’unico problema è che si sveglia e sale di nuovo sul treno. Ben presto, Colt scopre di essere un soldato che è stato quasi ucciso, ha perso gran parte del suo corpo ed è tenuto in vita da macchine per scoprire chi ha piazzato la bomba sul treno. A differenza di Serenity – L’isola dell’inganno, quando Colt capisce cosa sta succedendo, decide di cambiare le cose.
Jennifer Lawrence, Emma Stone e Cole Escola stanno unendo le forze per dare a Miss Piggy il trattamento da star del cinema.
Secondo fonti ben informate, la Disney, che detiene i diritti dei Muppets, sta sviluppando un film sulla capricciosa diva pupazzo. Il personaggio iconico, creato negli anni ’70 da Bonnie Erickson e Frank Oz, non è mai stato protagonista di un lungometraggio. Lawrence e Stone saranno i produttori insieme a Escola, vincitore di un Tony Award per la loro commedia di successo a Broadway “Oh, Mary!”, che scriverà la sceneggiatura.
“Non so se posso annunciarlo, ma lo farò comunque… Emma Stone e io stiamo producendo un film su Miss Piggy e Cole lo sta scrivendo”, ha rivelato Lawrence nel podcast “Las Culturistas”, condotto da Bowen Yang e Matt Rogers. Dopo che i co-conduttori hanno urlato di gioia e chiesto se le amiche di lunga data Stone e Lawrence avrebbero recitato insieme nel film, Lawrence ha scherzato: “Penso di sì. Dobbiamo farlo… È assurdo [che non abbiamo mai fatto un film insieme]”.
Lawrence ha anche raccontato di aver pensato di portare il suo talento a Broadway per “Oh, Mary!” e di aver voluto interpretare il personaggio principale, Mary Todd Lincoln. La commedia gonzo è ambientata nei giorni precedenti l’assassinio di Lincoln e immagina l’ex first lady come un’aspirante star del cabaret alcolizzata. (“L’intera cosa è uno scherzo di cui lei è complice”, ha detto Lawrence. “Mi sentivo come se potessi diventare famosa e stare al gioco”). Tuttavia, ha cambiato idea dopo aver considerato la routine estenuante di otto spettacoli a settimana del Great White Way.
“Non credo che sarei brava [nel teatro]… è tutta una questione di corpo e voce”, ha detto Lawrence, che attualmente sta promuovendo il suo nuovo film “Die My Love”, un dramma psicologico con Robert Pattinson. “L’unica volta che ho voluto fare teatro è stato quando ho voluto fare ‘Oh, Mary!’. Mi hanno detto: ‘Sono otto spettacoli a settimana e sei settimane di prove’. Io ho risposto: ‘Avete un asilo nido lì?’. Non avrebbe funzionato”.
Dame Helen Mirren sarà insignita del prestigioso Cecil B. DeMille Award durante lo speciale in prima serata “Golden Eve”, in onda giovedì 8 gennaio, prima della cerimonia dei Golden Globe di domenica 11 gennaio.
Lo speciale in onore dell’attrice vincitrice di tre Golden Globe e di Oscar, Emmy e Tony Award andrà in onda sulla CBS e sarà trasmesso in streaming su Paramount+.
Mirren è l’ultima di una serie di leggendari vincitori del DeMille Award, che dal 1952 celebra i successi di una vita delle figure più iconiche di Hollywood. La consegna del premio sarà l’evento clou di “Golden Eve”, uno speciale rinnovato che onorerà anche il vincitore del Carol Burnett Award, ancora da annunciare, e darà il via ai festeggiamenti che precedono l’83ª edizione dei Golden Globe Awards.
“Helen Mirren è una forza della natura e la sua carriera è a dir poco straordinaria”, ha dichiarato Helen Hoehne, presidente dei Golden Globe. “Le sue interpretazioni trascendentali e la sua dedizione al mestiere continuano a ispirare generazioni di artisti e di pubblico. È un grande onore consegnarle il Cecil B. DeMille Award”.
La prolifica carriera della Mirren abbraccia oltre sei decenni di cinema, televisione e teatro. Ha vinto il Golden Globe per il suo ruolo in The Queen di Stephen Frears, in cui interpreta la regina Elisabetta II, e per i suoi ruoli televisivi in “Elizabeth I” e “Losing Chase”. La Mirren è una delle poche attrici ad aver conquistato la tripla corona della recitazione: ha vinto un Oscar, un Emmy Award e un Tony Award.
Nel 2003 è stata nominata Dame dell’Impero Britannico per il suo contributo alle arti.
“Golden Eve” amplia il successo dello scorso anno del “Golden Gala”, che ha onorato Viola Davis e Ted Danson. Lo speciale del 2026 promette un’esperienza più coinvolgente e celebrativa, con retrospettive curate, rari filmati d’archivio e tributi personali da parte di amici, collaboratori e colleghi del settore. La trasmissione sarà uno dei momenti salienti della Golden Week, una nuova iniziativa di Paramount e Dick Clark Productions che prevede la messa in onda di programmi ed eventi su diverse piattaforme nei giorni precedenti la cerimonia principale dei Golden Globe.
Il DeMille Award, intitolato al pionieristico regista Cecil B. DeMille, ha premiato 69 dei talenti più longevi del settore, tra cui Meryl Streep, Tom Hanks, Oprah Winfrey, Robert Redford, Sidney Poitier e Barbra Streisand. Anche il Carol Burnett Award, istituito nel 2019 per riconoscere i contributi eccezionali alla televisione, sarà presentato durante la trasmissione “Golden Eve”. Il vincitore del Burnett Award di quest’anno non è ancora stato annunciato.
L’83ª edizione dei Golden Globe Awards, presentata dalla comica e attrice Nikki Glaser, sarà uno dei primi grandi eventi di premiazione della stagione 2026 e continuerà la tradizione dei Globes di premiare il meglio del cinema, della televisione e, per la prima volta, dei podcast. Tra i principali contendenti dell’anno figurano “One Battle After Another” di Paul Thomas Anderson, ‘Hamnet’ di Chloé Zhao, “Sinners” di Ryan Coogler e altri ancora.
Xolo Mariduña salperà nella terza stagione di One Piece. L’attore, noto soprattutto per aver interpretato Miguel Diaz in Cobra Kai e il personaggio principale in Blue Beetle, è stato scritturato per interpretare Portgas D. Ace nella serie fantasy-avventurosa di Netflix dedicata ai pirati.
Il personaggio, noto anche come Fire Fist Ace, era il capitano dei Pirati di Spade prima di essere reclutato dai Pirati di Barbabianca. Spesso lo si vede a torso nudo con un grande cappello in testa e un machete alla cintura.
Si unisce al recentemente annunciato vincitore del Tony Award Cole Escola, che interpreterà l’assassino Bon Clay nella terza stagione di “One Piece”.
One Piece è un adattamento live-action della serie manga di Eiichiro Oda. Segue le vicende di un ragazzo di nome Monkey D. Luffy (Iñaki Godoy), che viaggia attraverso i mari con la sua ciurma di pirati alla ricerca di un mitico tesoro chiamato “One Piece”, che lo incoronerebbe prossimo Re dei Pirati.
La serie vede anche Emily Rudd nel ruolo di Nami, Mackenyu nel ruolo di Roronoa Zoro, Jacob Gibson nel ruolo di Usopp, Taz Skylar nel ruolo di Sanji, Vincent Regan nel ruolo di Monkey D. Garp, Jeff Ward nel ruolo di Buggy il Clown e Morgan Davies nel ruolo di Koby.
La seconda stagione vedrà l’ingresso di Mikaela Hoover come voce del ragazzo-renna dal naso blu Tony Tony Chopper e di Charithra Chandran nel ruolo della misteriosa Miss Wednesday.
One Piece tornerà su Netflix il 10 marzo 2026 con la sua seconda stagione. La serie si è assicurata un rinnovo anticipato da Netflix, poiché la terza stagione entrerà in produzione alla fine di quest’anno a Città del Capo, in Sudafrica.
One Piece è stato creato in collaborazione con Shueisha ed è prodotto da Tomorrow Studios (partner di ITV Studios) e Netflix. Il creatore del manga originale Oda è produttore esecutivo insieme a Marty Adelstein e Becky Clements attraverso Tomorrow Studios, così come Tetsu Fujimura, Chris Symes, Christoph Schrewe e Steven Maeda.
Netflix e Sony hanno finalizzato un accordo per un altro film di KPop Demon Hunters, con l’intenzione di rilasciare il sequel musicale animato nel 2029, come riportato per la prima volta da Bloomberg. I film d’animazione possono richiedere molto tempo per essere realizzati, da qui il potenziale intervallo di quattro anni tra un episodio e l’altro. Naturalmente, i piani relativi alla data di uscita potrebbero cambiare a seconda del programma di produzione del film.
KPop Demon Hunters, un’avventura fantasy su un gruppo femminile K-pop immaginario che protegge il mondo dai demoni con la sua musica, è stato sviluppato e prodotto dalla Sony Pictures Animation. Nell’ambito dell’accordo di licenza tra Sony e Netflix, “KPop Demon Hunters” è approdato direttamente su Netflix ed è diventato il film più popolare di sempre della piattaforma di streaming. Nel frattempo, tre delle sue canzoni originali – “Golden”, “Your Idol” e “Soda Pop” – sono state protagoniste della classifica Hot 100 di Billboard e potrebbero ottenere nomination ai prossimi Grammy Awards.
“KPop Demon Hunters” ha avuto un tale successo che Netflix, solitamente avversa alle sale cinematografiche, ha deciso di portare una versione karaoke del film nei cinema per eventi dedicati ai fan in agosto e ottobre. Durante la prima tornata, “KPop Demon Hunters” ha conquistato il box office con circa 18 milioni di dollari in due giorni. Poi, intorno ad Halloween, il film ha incassato dai 5 ai 6 milioni di dollari, il che è degno di nota considerando che è stato ampiamente disponibile in streaming per mesi.
La co-regista di “KPop Demon Hunters”, Maggie Kang, che ha diretto il film insieme a Chris Appelhans, ha da tempo espresso il desiderio di realizzare un sequel.
“Abbiamo preparato così tante cose per un potenziale retroscena”, ha detto Kang a Variety a luglio. “Ovviamente, ci sono molte domande che rimangono senza risposta e aree che non sono state esplorate. Abbiamo dovuto farlo perché in 85 minuti si può raccontare solo una parte della storia”.
Annabelle 2: Creation (qui la recensione) è un film davvero spaventoso e anche incredibilmente divertente con un finale agghiacciante (e confuso), che vanta anche due scene post-crediti che lo collegano a un mondo molto più grande. L’universo di Conjuring ha vissuto una prima grande espansione con il prequel di Annabelle. Lo spin-off originale è stato un altro successo finanziario per la saga horror ideata da James Wan, ma è stato stroncato dalla critica per la trama banale e gli spaventi vuoti.
Il sequel Annabelle 2: Creation alza invece la posta con David F. Sandberg che approfondisce il passato del giocattolo più inquietante del cinema per offrire un film horror da brivido che spaventa mentre affronta gli effetti delle famiglie distrutte, oltre a inserirsi meravigliosamente nel resto della serie. Il film è ricco di nuova mitologia per Annabelle, collegamenti con i film The Conjuring e anticipa il successivo spin-off The Nun. Esploriamo il significato di quel finale e di quelle scene post-crediti in stile Marvel.
La spiegazione delle origini di Annabelle
Prima di Annabelle 2: Creation, tutto ciò che sapevamo di Annabelle era che era una bambola antica posseduta da uno spirito diabolico noto come Ram. I dettagli di entrambe le storie erano piuttosto vaghi, ma ora, pur avendo ancora domande sull’essere stesso, sappiamo come è stato creato il giocattolo inquietante e come è stato collegato per la prima volta alla possessione. All’inizio del prequel, apprendiamo che “Annabelle” fa parte di una serie esclusiva di bambole della Mullins Toy Company, una piccola azienda gestita da Samuel Mullins negli anni ’40 che era di gran moda nella sua comunità urbana.
Nel film si sottintende che alla bambola, destinata a diventare malvagia, fu assegnato il numero 1 di 100, ma che Mullins non ne realizzò altre a causa di una tragedia personale, rendendola davvero unica nel suo genere. Quella tragedia personale era la morte di sua figlia. Soprannominata Bee – che più tardi scopriremo essere in realtà l’abbreviazione di Annabelle, rivelando la vera origine del nome della bambola – fu investita da un’auto mentre tornava dalla chiesa. La famiglia Mullins cadde in depressione, ma poi trovò conforto in quello che credevano essere il fantasma di Bee.
Lei infestava la loro casa in modo docile, convincendo i genitori in lutto a permetterle di risiedere nella bambola. Dopo averlo fatto, però, scoprirono rapidamente che non si trattava affatto di Bee, ma di un demone che voleva trovare una forma fisica. La bambola era solo il primo passo, ma ora voleva impossessarsi di un essere vivente: Esther Mullins. Attaccò la madre quando era sola, ma lei fu salvata dal marito e la bambola fu rinchiusa in un armadio tappezzato di immagini sacre e bagnato con acqua santa. Tutto sembrava andare bene fino a quando non aprono la loro casa a un orfanotrofio.
Nel film, ambientato nel 1957, lo spirito manipola le ragazze ignare per liberarlo, permettendo al Ram di possedere Janice, affetta da poliomielite. Dopo una serie di scene spaventose in cui lo spirito cerca di reclamare altre anime, Janice fugge e viene adottata dalla famiglia Higgins, che le cambia il nome in modo piuttosto sadico in, ovviamente, Annabelle. A questo punto, lo spirito sembra essere scomparso dalla bambola, che viene portata via dalla polizia. Il film termina 12 anni dopo, nel 1969, quando Annabelle, ormai cresciuta, uccide i suoi genitori adottivi, riportandoci all’inizio del primo film e al ritorno della bambola. Il che solleva un sacco di domande.
L’Annabelle originale, uno spin-off di The Conjuring che spiega come la sua “star” finita nella collezione di oggetti infestati dagli investigatori del paranormale Warren, segue per lo più la neo-mamma Mia, perseguitata dalla bambola infestata che vuole possedere il suo neonato. Questa è stata l’ultima volta che la bambola è apparsa prima che la famiglia la segnalasse ai Warren. Il film inizia proprio dove finisce Annabelle 2: Creation, il giorno in cui Annabelle uccide gli Higgins; Mia riceve la bambola dal marito John, poi quella notte vengono svegliati dai loro vicini che vengono attaccati da due aggressori.
L’uomo viene ucciso dalla polizia, ma la donna, Annabelle Higgins, prende la bambola e si taglia la gola, con una goccia del suo sangue che le entra nell’orbita dell’occhio. In seguito si scopre che i due erano “Discepoli dell’Ariete”, una setta dedita alla resurrezione dello spirito attraverso sacrifici rituali. Si sottintende che gli omicidi iniziali abbiano portato l’Ariete da Annabelle, portando ai suoi successivi tentativi di impossessarsi della figlia di Mia.
La creazione lega così la sua storia, per lo più autonoma, alla mitologia più ampia con la sua scena finale. I fan avranno notato il nome Higgins e come Janice sia diventata l’attrice che ha interpretato la precedente Annabelle, ma il vero colpo di scena arriva con la rivelazione di Mia (interpretata dall’appropriatamente chiamata Annabelle Wallis, la star del film originale). Come la maggior parte dei prequel, è strettamente collegato all’originale. Naturalmente, il prequel ridefinisce in qualche modo ciò che abbiamo visto nel 2014.
Ora sappiamo che Annabelle Higgins è in realtà Janice posseduta, il che significa che invece di cercare semplicemente di resuscitare il Ram, lei e il suo complice stavano tentando qualcos’altro; probabilmente trasferire la sua anima in un altro contenitore, utilizzando prima la bambola come tramite. Il motivo non è spiegato, ma è probabile che si tratti di una questione legata all’età, dato che le conquiste successive dello spirito coinvolgono bambini, le cui anime sono più pure o più facili da conquistare.
Cosa significa questa connessione?
Ciò che questo fa è sollevare la questione del ritorno della bambola. Alla fine della parte di Creation ambientata nel 1957, si sottintende che la bambola sia ora libera da tutte le forze dannose, eppure in qualche modo viene nuovamente coinvolta nella storia del Ram dodici anni dopo, quando riappare magicamente e Annabelle la possiede nuovamente. È una coincidenza enorme che Janice, posseduta da Ram, e la bambola precedentemente posseduta finiscano nello stesso quartiere: come è potuto succedere e, se è solo un contenitore, perché è ancora importante?
Potrebbe trattarsi di un semplice retcon; diversi elementi del film originale, come il fantasma della piccola Annabelle di 7 anni che attacca Mia, sono stati modificati dal colpo di scena, quindi c’è un elemento di canone libero e incerto. Tuttavia, la scena a metà dei titoli di coda potrebbe fornire una spiegazione più approfondita. Innanzitutto, però, vale la pena sottolineare che ci sono altri collegamenti tra Annabelle 2: Creation e la più ampia mitologia di Conjuring: il Ram prende il controllo di Janice vomitandole in bocca una sostanza viscosa e nera, proprio come la madre in The Conjuring era posseduta dal demone del film.
E l’inganno di accogliere uno spirito in un contenitore solo per scoprire che si tratta di una forza oscura è stato un trucco ripetuto dai demoni dell’universo. C’è anche un easter egg incredibilmente interessante nei momenti finali per gli appassionati di fantasmi nella vita reale; la bambola consegnata a Janice/Annabelle quando incontra per la prima volta gli Higgins è una replica della vera bambola Annabelle, un riconoscimento di come tutto questo sia iniziato da una storia “vera” e che evidenzia come la mitologia di Conjuring si sia evoluta da allora. E, a questo proposito, è il momento di esaminare le espansioni fornite dalle due scene post-credits.
Contando la sua breve apparizione in The Conjuring – Il caso Enfield, questo è il quarto film in cui compare Annabelle. Nel corso della serie, i dettagli dei suoi poteri e la natura della sua possessione sono variati (come già discusso, solo in Annabelle 2: Creation abbiamo avuto molti cambiamenti sostanziali), ma c’è stata una costante: non si vede mai la bambola muoversi. Le ragioni di ciò dovrebbero essere ovvie per qualsiasi appassionato di horror. Una bambola inquietante è incredibilmente spaventosa quando se ne sta lì seduta a fissarti con i suoi freddi occhi di vetro ma nel momento in cui inizia a saltellare come una marionetta diventa ridicola.
Come tutti i buoni film horror, questo sembrava far parte di una serie esplicita di regole inquietanti. Il primo Annabelle ha quasi infranto questa regola, facendo levitare la bambola e iniziando a muoverla, ma si è rapidamente rivelato essere un’azione del Ram e nulla di simile a Child’s Play. Creation non ha nemmeno un accenno del genere, mantenendo i movimenti di Annabelle completamente fuori dallo schermo, almeno fino alla fine del film.
La spiegazione della scena a metà dei titoli di coda
La scena a metà dei titoli di coda del film è incredibilmente semplice: uno zoom lento sulla bambola Annabelle mentre la tensione sale prima che… lei si giri di scatto verso la telecamera prima che lo schermo diventi nero. Naturalmente, si tratta molto probabilmente di un finale divertente per spaventare ancora una volta il pubblico, piuttosto che di qualcosa di narrativamente sostanziale; infatti, la bambola sembra trovarsi nell’armadio pieno di bibbie all’inizio del film, piuttosto che nella custodia della polizia dove presumibilmente è finita.
E, a questo proposito, è davvero ottimo, rinunciando a una scena scontata e scontata per qualcosa di più sottile e inquietante (il film era fortunatamente privo di colpi di scena per la maggior parte) che infrange la regola del “nessun movimento” senza essere banale. Tuttavia, questo potrebbe spiegare perché la bambola sia ricomparsa nella storia di Ram nel film originale e suggerire un legame simbiotico più profondo tra i due. Anche se i sacerdoti affermano che la bambola è ormai priva di qualsiasi forza malvagia, nulla suggerisce che ciò sia vero: in tutta la serie la chiesa è stata descritta come imperfetta. Il movimento suggerisce che, mentre il Ram è fuori, c’è un male residuo più profondo in Annabelle che la lega allo spirito oscuro.
Questo conferisce alla bambola inquietante una maggiore autonomia e un ruolo nella narrazione degno della sua importanza iconica. Se questo verrà effettivamente spiegato dipenderà dall’uscita di Annabelle 3 e da ciò che esplorerà, ma si può sicuramente sperare; un terzo film sembra incredibilmente probabile dato il previsto successo al botteghino di Creation e, se così fosse, probabilmente sarebbe un altro prequel esplorativo, dato che lei è ancora nella stanza degli orrori dei Warren. Ma prima di iniziare a pensare al futuro di Annabelle, il prossimo passo è un diverso spin-off di Conjuring. Sì, è ora di parlare di The Nun e di quella scena dopo i titoli di coda.
Se Annabelle era la protagonista assoluta di The Conjuring, la sua naturale erede nel sequel è senza dubbio The Nun. A differenza della bambola, che esisteva più come un ingresso nel mondo dei Warren, questo spirito maligno era essenziale per la trama di The Conjuring – Il caso Enfield; Lorraine Warren la vide per la prima volta in una visione durante una seduta spiritica mentre indagava sull’orrore di Amityville, che la perseguitò ripetutamente con visioni della morte del marito Ed, prima che fosse finalmente rivelata come la causa dell’Enfield Haunting al centro della trama del film.
Lo spirito viene infine sconfitto quando Lorraine lo manda all’inferno pronunciando il suo nome, Valak. Era un mostro piuttosto impressionante, forse anche più inquietante di Annabelle, e così, pochi giorni dopo l’uscita di The Conjuring – Il caso Enfield, è stato annunciato uno spin-off, The Nun. Il film uscirà il 13 luglio 2018 e le riprese sono già terminate, con un trailer presentato al SDCC. Nello spirito dell’espansione dell’universo condiviso, Creation ha pubblicato alcuni teaser molto interessanti su dove stiamo andando. Il primo riguarda suor Charlotte, la suora che si prende cura degli orfani.
All’inizio del film mostra a Mullins una fotografia di lei e di altre tre suore – Maria, Anna e Lucia – in un convento in Romania, ma un cambiamento di luce rivela che c’è una quinta figura nascosta nell’ombra: Valak. Mullins lo fa notare, ma Charlotte dice immediatamente di non ricordarla e passa rapidamente oltre. Più tardi, c’è un altro potenziale avvistamento quando Janice, costretta su una sedia a rotelle, viene spinta nel fienile per essere posseduta dal Ram; viene spostata da qualcosa che indossa abiti da suora, ma con una pelle orribile e segnata da segni neri.
Nel film non è chiaro cosa sia esattamente, ma si presume che si tratti di Valak; le mani chiaramente non sono gli stessi artigli neri dello spirito che possiede il Ram. Grazie alle sue azioni eroiche nell’atto finale, non sembra che suor Charlotte sia affatto una minaccia, ma il fatto che abbia una storia legata alla suora, che ignori rapidamente la sua presenza nell’immagine e che appaia poco dopo aver lasciato Janice, indica una sorta di relazione. Che si tratti di possessione o di una presenza più parassitaria, la spiegazione arriverà sicuramente in The Nun. In ogni caso, Annabelle 2: Creation lega sottilmente la storia di Valak e del Ram, creando una minaccia ancora più grande nell’universo di The Conjuring.
La spiegazione della scena dopo i titoli di coda
La scena dopo i titoli di coda conclude il tutto dandoci un assaggio diretto e appropriato di The Nun. Si tratta di un’unica inquadratura statica che mostra un corridoio illuminato da candele nell’Abbazia di St Carta nel 1952. Le luci lungo il corridoio iniziano lentamente a spegnersi misteriosamente prima che il volto spettrale della suora appaia dall’ombra. Sapevamo già che il film sarebbe stato ambientato in Romania, ma questo ci fornisce il luogo e la data specifici.
Il monastero di Carta è una chiesa reale, il che permette alla serie di giocare con un finto angolo horror reale, anche se è l’anno che più interessa; Annabelle 2: Creation è ambientato nel 1957, solo cinque anni dopo The Nun. Data la connessione preesistente attraverso suor Charlotte, c’è da aspettarsi un collegamento attivo. Nessuna delle suore citate da Charlotte è presente nell’attuale cast dello spin-off, ma è certo che appariranno, e probabilmente tornerà anche Stephanie Sigman, se non altro per farsi fotografare e legare davvero insieme l’universo di Conjuring.
Rovine è un film horror del 2008 tratto dall’omonimo romanzo di Scott Smith, che ne cura anche la sceneggiatura. Il film appartiene a quel filone di survival-horror ambientati lontano dalla civiltà, dove un gruppo di protagonisti giovani e impreparati viene improvvisamente catapultato in una situazione senza via d’uscita. Non è un horror di mostri tradizionali o di fantasmi, ma una storia incentrata sull’orrore biologico e psicologico, dove l’elemento soprannaturale si intreccia con un senso di fatalismo e isolamento totale.
Ciò che distingue Rovine da molti titoli simili è la scelta di un antagonista inusuale e quasi astratto: la natura stessa. Le misteriose rovine maya al centro della vicenda nascondono un orrore che non ha una forma umana, non ha una voce e non concede tregua. La tensione si regge sul corpo, sul dolore, sull’inevitabile degrado e sullo sgretolarsi della fiducia tra i protagonisti. Rispetto a horror più tradizionali come The Conjuring, dove il male ha un’origine demoniaca e riconoscibile, o rispetto a survival come Prey – La grande caccia, che puntano sulla fame e sulla natura predatoria, Rovine esplora una minaccia silenziosa, invisibile e inarrestabile.
Il film affronta temi universali come la paura dell’infezione, l’angoscia del corpo che si ribella e la perdita del controllo, trasformandosi in un racconto sul limite dell’essere umano di fronte a qualcosa che non può né combattere né comprendere. Anche la dinamica di gruppo diventa un elemento fondamentale: il panico, la paranoia e la colpa fanno crollare rapidamente ogni legame, mostrando quanto la sopravvivenza possa diventare una battaglia contro sé stessi. Nel resto dell’articolo approfondiremo trama, cast e soprattutto il controverso finale del film, proponendo una spiegazione dettagliata e le principali interpretazioni.
La trama di Rovine
Il film segue le disavventure di un gruppo di giovani turisti americani in viaggio in Messico. Due coppie di fidanzati – Jeff (Jonathan Tucker), Amy (Jena Malone), Eric (Shawn Ashmore) e Stacy (Laura Ramsey) – si stanno godendo gli ultimi giorni di vacanza nella calda città di Cancun. Tutto procede normalmente, finché i quattro non vengono avvicinati da Mathias (Joe Anderson), un turista tedesco in cerca del fratello Heinrich. Convinti dal nuovo arrivato, il gruppo di amici si dirige assieme a lui nella foresta dello Yucatan.
Qui intendono andare ad ammirare le maestose rovine dell’impero Maya, incastonate nella natura più selvaggia. Entusiasti di vivere una vera e propria avventura, i cinque si addentrano nella giungla più fitta, dove incontrano il greco Dimitri, un amico di Mathias, e alcuni abitanti locali. Tra alberi lussureggianti e reperti archeologici, la lunga traversata alla ricerca di Heinrich si trasforma ben presto in un incubo a occhi aperti.
La spiegazione del finale del film
Nel terzo atto di Rovine la situazione precipita rapidamente: i protagonisti sono ormai allo stremo, incapaci di fermare l’infezione portata dalle piante e isolati dai Mayani che sorvegliano il perimetro. Stacy perde il controllo, convinta che le liane siano penetrate in ogni parte del suo corpo, e in un misto di follia e autodistruzione finisce per ferire Eric in modo mortale. Le piante trascinano via il ragazzo sotto gli occhi degli altri, mentre Stacy implora di essere uccisa per porre fine all’agonia. Jeff si vede costretto a darle una morte rapida, dimostrando quanto la brutalità della situazione abbia ormai annientato ogni residuo di umanità.
Con la speranza ormai ridotta all’osso, Jeff elabora un piano disperato per permettere ad Amy di scappare. Ricoperta del sangue di Stacy per sembrare morta, la ragazza viene trascinata ai piedi della piramide. Jeff affronta i Mayani provocandoli, cercando di attirare la loro attenzione: il sacrificio funziona, ma gli costa la vita. Colpito da frecce e poi finito con un colpo di pistola, muore mentre Amy corre nella giungla inseguita da un intero villaggio. La ragazza riesce a raggiungere la Jeep e fuggire, lasciando dietro di sé il massacro e l’orrore. Nell’ultima scena, due nuovi turisti si avvicinano alle rovine, suggerendo che il ciclo non si fermerà.
Il finale mette in scena la crudezza assoluta del racconto: non c’è un antagonista umano vero e proprio, né una possibilità di negoziare o comprendere. L’orrore è biologico, impersonale, inarrestabile. La fuga di Amy non è un trionfo, ma un atto di sopravvivenza disperato, macchiato di sangue e perdita. Le piante, già viste come una forza incontrollabile, dimostrano di essere l’unica vera forma di potere nell’area, mentre i protagonisti, turisti ignari, vengono inghiottiti da qualcosa molto più grande di loro. La morte di Jeff diventa l’ultimo atto di lucidità in un contesto privo di salvezza.
Tematicamente, questo finale porta a compimento il cuore del film: il confronto tra l’uomo e una natura che, quando decide di aggredire, non lascia scampo. Rovine non mostra creatori del male, non offre spiegazioni rassicuranti e non concede eroi invincibili. Anche Amy, l’unica sopravvissuta, appare traumatizzata, segnata per sempre, e probabilmente portatrice di un trauma che non potrà elaborare. La fuga non risolve nulla: la minaccia resta viva, pronta a colpire chiunque varchi quella soglia proibita. L’orrore non è sconfitto, è semplicemente rimandato.
Il film riflette così su un’idea molto diversa dal tradizionale canone horror: l’essere umano è irrilevante. La violenza non nasce da vendetta, religione o follia, ma da un organismo vegetale che fa ciò per cui è nato: diffondersi, nutrirsi e sopravvivere. Gli stessi Mayani non sono malvagi, ma custodi di un segreto terribile, disposti a uccidere per evitare un contagio inarrestabile. Nel mondo di Rovine l’orrore è naturale, non morale, e questo lo rende ancora più disturbante.
Il messaggio che il film lascia è pessimistico, ma coerente: la natura non è un luogo da conquistare o da romanticizzare, ma un’entità che può diventare ostile e incomprensibile. La curiosità e l’arroganza dei protagonisti li ha portati dove non avrebbero dovuto essere, ignorando segnali e confini. Il finale suggerisce che l’incubo continuerà, che altri turisti arriveranno e faranno lo stesso errore, ripetendo il ciclo di morte. Nessun salvataggio, nessuna morale consolatoria: solo un avvertimento, brutale e definitivo.
Universal ha pubblicato un nuovo trailer diFive Nights at Freddy’s 2, a un mese dall’uscita nelle sale. Diretto da Emma Tammi, il sequel è ambientato un anno dopo, quando Abby (Piper Rubio) cerca di ricongiungersi con i suoi amici animatronici. Le preoccupazioni di Mike (Josh Hutcherson) lo spingono a cercare risposte sulle origini della Freddy Fazbear’s Pizza.
Secondo la Universal, l’ultimo trailer offre una panoramica completa degli animatronici e delle minacce che attendono Mike, Abby e Vanessa (Elizabeth Lail).
Il filmato si apre con Vanessa che si sveglia da un incubo e svela una versione più giovane di lei che scappa e si nasconde da suo padre, William Afton (Matthew Lillard), indicando che il sequel approfondirà la storia delle origini di Springtrap.
Il nuovo filmato mostra anche il ritorno di Lillard nei panni di Springtrap, anche se questo sembra essere riservato ai flashback a causa del destino del suo personaggio alla fine di Five Nights at Freddy’s.
Dopo che Skeet Ulrich di Scream ha confermato la sua partecipazione a Five Nights at Freddy’s 2, il trailer rivela finalmente la sua prima apparizione, apparentemente nei panni di Henry Emily. Mentre Mike indaga, scopre la verità su ciò che è successo alla sua defunta figlia dopo aver saputo dei cinque bambini scomparsi.
Henry è un personaggio fondamentale ma invisibile nella serie di videogiochi originale, che guida i giocatori tramite cassette che li aiutano a sopravvivere contro gli animatronici. Era un ex migliore amico di William e co-fondatore della Fazbear Entertainment.
Con l’ingresso ufficiale di Ulrich nella serie Five Nights at Freddy’s, si segna la sua reunion con Lillard dopo che entrambi hanno interpretato il Ghostface originale. Mentre erano alleati nella serie slasher, la loro dinamica sembra essere diversa nel sequel di Five Nights at Freddy’s, dato che Henry è un avversario dell’antagonista di Lillard.
Il trailer si conclude con uno sguardo terrificante su una serie di animatronici legati, noti come animatronici Withered, che iniziano a terrorizzare gli abitanti della città e Vanessa.
Poiché il trailer suggerisce che il sequel affronterà il retroscena di Springtrap, ciò significherebbe che essi sono una parte fondamentale della storia. I Withered animontronics erano le versioni preesistenti e, a causa del loro stato, sono stati sostituiti dalle loro controparti attuali in vista di una grande riapertura.
In un’intervista all’inizio di quest’anno, Lillard ha rivelato che il team creativo dietro al sequel “ha imparato la lezione… e ha ascoltato il pubblico” dopo che il film originale ha ricevuto un’accoglienza mista. Ha accennato al fatto che il seguito avrebbe avuto più azione e jump scare.
Il primo film è diventato il film di maggior incasso della Blumhouse, guadagnando 297,1 milioni di dollari nonostante le difficoltà causate dalla pandemia. Si prevede che il sequel avrà lo stesso successo, se non maggiore, continuando la serie positiva dello studio in quello che è stato un anno deludente al botteghino.
Five Nights at Freddy’s 2 uscirà nelle sale il 5 dicembre 2025.
Il finale di The Lost City è felice per Loretta e Alan. Diretto da Aaron e Adam Bee, il film vede protagonisti Sandra Bullock, Channing Tatum e Daniel Radcliffe alla ricerca di un antico manufatto. The Lost City segue Loretta Sage (Bullock), una scrittrice di romanzi rosa di successo che è nel bel mezzo di un tour promozionale quando viene rapita dal miliardario e criminale Abigail Fairfax (Radcliffe), alla ricerca della Tomba di Calaman e del tesoro che contiene: la Corona di Fuoco.
Fairfax crede che Loretta sia l’unica persona in grado di aiutarlo a trovarla, perché ha scritto di questa misteriosa Città Perduta di D nel suo ultimo romanzo. Fairfax sarebbe riuscito nel suo intento, se non fosse stato per Alan (Tatum), il modello di copertina della serie di romanzi rosa di Loretta, che cerca di salvare l’autrice dalle grinfie dell’avido riccone. The Lost City si conclude con Loretta e Alan in vacanza insieme. Con Loretta che ha scritto un nuovo libro ed è più felice che mai, il film porta a termine la storia di lei e Alan.
Perché Alan voleva davvero salvare Loretta
Alan potrebbe aver espresso solo una parte del motivo del suo audace tentativo di salvare Loretta, ma c’è molto di più. Era molto coinvolto con Loretta, e non solo perché era il modello di copertina del suo libro. Alan apprezzava davvero Loretta come persona e voleva che lei capisse che la sua vita poteva essere migliore di quella che era. Lei stava resistendo a malapena e, per molti versi, anche lui. Proprio come Alan voleva essere visto come qualcosa di più di un modello di copertina, voleva che Loretta superasse i propri limiti in modo che entrambi potessero vedersi pienamente per quello che erano realmente dentro.
Pur sapendo quanto fosse imbarazzante per lui posare come modello per una serie di libri romantici, Alan alla fine ha imparato ad accettarlo. Lo stesso vale per Loretta, che ha studiato archeologia e lingue morte prima di diventare scrittrice. Alan vuole che lei accetti quanto i suoi libri rendano felici le persone e che viva la vita al massimo nonostante tutto. Il cuore di Alan era sicuramente nel posto giusto e lui ha fatto del suo meglio per essere audace, ispirato dal suo eroico omologo letterario.
Cos’è il Pozzo delle Lacrime Infinite?
Il Pozzo delle Lacrime Infinite è un indizio tratto dal geroglifico che Loretta è riuscita a tradurre. Inizialmente credeva che fosse una sorta di metafora, ma si è rivelato essere un luogo reale. Il Pozzo delle Lacrime Infinite è il luogo in cui Calaman e sua moglie Taha sono stati sepolti insieme. Il luogo non è una tomba nel senso tradizionale del termine: non si trova in una zona facilmente individuabile o visitabile da molti.
Il Pozzo delle Lacrime Infinite è piuttosto un riferimento letterale. Dopo la morte di Calaman, Taha non smise mai di piangere il suo amato e il luogo della sua tomba non solo è circondato dall’acqua, ma anche da diverse cascate che scorrono verso il basso come lacrime che cadono dagli occhi di Taha. È anche un parallelo diretto con la storia di dolore di Loretta e con quanto amasse suo marito.
La Tomba di Calaman e la Corona di Fuoco sono reali?
La Tomba di Calaman e la Corona di Fuoco non si basano su alcuna leggenda o storia reale. The Lost City si presenta come una versione moderna di Romancing the Stone o Indiana Jones, con un pizzico di Tomb Raider aggiunto per buona misura. Ma, proprio come Indiana Jones, i manufatti antichi e la leggenda della Città Perduta di D sono mitologie create appositamente per il film.
Certo, qualcosa come il Santo Graal si basa su tradizioni reali, ma The Lost City sembra aver inventato tutte le sue leggende. Detto questo, la città perduta di D stessa potrebbe essere modellata sulla città perduta di Atlantide, un’isola immaginaria che, secondo la leggenda, si trovava nel mezzo dell’Oceano Atlantico. In The Lost City, la città del titolo non è mai stata trovata perché era nascosta sotto la lava che l’aveva seppellita.
Ci è voluto un po’ di tempo, ma Loretta e Alan alla fine di The Lost City si sono finalmente messi insieme. Il film si conclude con loro in vacanza dopo che Loretta ha finito un altro libro e, considerando quanto tempo ci è voluto alla coppia per arrivare dove sono alla fine, è probabile che resteranno insieme per un bel po’ di tempo. A questo punto, Loretta ha accettato il fatto che Alan sia il suo modello di copertina, e lui è contento di sapere che il suo lavoro porta molta gioia ai lettori.
Finalmente sulla stessa lunghezza d’onda e a proprio agio l’uno con l’altra, Loretta e Alan sono pronti a continuare a conoscere se stessi insieme e individualmente, magari in un’altra avventura archeologica. Ciò che è chiaro è che la coppia è sicuramente innamorata e, anche se è difficile dire per quanto tempo resteranno insieme, ci si può aspettare che non si tratti di una storia d’amore di breve durata.
Perché Rafi aiutava Fairfax nonostante le sue origini
In The Lost City, Rafi, uno dei principali scagnozzi di Abigail Fairfax, lo aiuta a trovare la tomba di Calaman e la Corona di Fuoco. Si scopre che Rafi è originario dell’isola e che sua nonna gli raccontava storie su ciò che sarebbe accaduto se la tomba fosse stata profanata. Tuttavia, nonostante gli avvertimenti e il disagio che prova, continua a lavorare con Fairfax, lasciando piuttosto oscure le sue motivazioni.
Alla fine abbandona Fairfax, ma è possibile che all’inizio della spedizione Rafi fosse attratto dal denaro di Fairfax. Probabilmente non sapeva fino a che punto Fairfax si sarebbe spinto né quanto i suoi sentimenti e il suo legame con le sue origini gli avrebbero impedito di aiutare il miliardario a realizzare il suo furto su larga scala. Una volta resosi conto della situazione, ha cambiato idea, anche se il film non approfondisce molto i suoi pensieri.
Il vero significato di The Lost City
The Lost City parla della ricerca di ciò che sembra impossibile. Per Alan, si tratta di ottenere l’approvazione di Loretta al di là del suo essere un modello di copertina ottuso; per Loretta, si tratta di scegliere di scrivere la propria storia e continuare a vivere dopo la perdita del marito, oltre che di trovare la tomba di Calaman. Alan è determinato ma terrorizzato all’idea di trovare Loretta da solo, ma lo fa comunque. Nel frattempo, Loretta diventa irremovibile nel voler trovare la tomba di Calaman perché è un’avventura che non avrebbe mai pensato di intraprendere e deve portarla a termine.
All’inizio, il viaggio di entrambi i personaggi sembrava insormontabile, ma man mano che crescono e riconoscono certe cose, diventano più vulnerabili e aperti a farsi vedere. Questo è particolarmente vero per Loretta, che si è chiusa in se stessa e si è isolata dal mondo per cinque anni. Alla fine di The Lost City, si trova in una situazione molto migliore ed è disposta a credere in ciò che sembra irraggiungibile.
Cosa succede nella scena a metà dei titoli di coda di The Lost City
C’è una scena a metà dei titoli di coda che porta un momento scioccante sia per Loretta che per Alan mentre continuano a costruire la loro storia d’amore. Alan aveva reclutato Jack Trainer (Brad Pitt), un ex agente della CIA senza difetti, per aiutare a salvare Loretta. Questo ha funzionato bene fino a quando Jack ha liberato facilmente Loretta e si è preparato a fuggire con lei, quando è stato colpito alla testa dai mercenari di Fairfax, apparentemente uccidendolo. Tuttavia, Jack appare ad Alan e Loretta nella scena a metà dei titoli di coda di The Lost City ed è ancora vivo.
Jack spiega poi ai due che è sopravvissuto perché gli esseri umani usano solo il 10% del loro cervello, quindi quando è stato colpito alla testa, si è semplicemente spostato in un altro 10% del suo cervello che non era stato danneggiato dall’attacco. Si basa sull’idea che il 90% del cervello umano è spesso inutilizzato, e la battuta è che Jack è così perfetto da poter scegliere quale parte del suo cervello utilizzare per sopravvivere. Dato che Jack rimane uno dei personaggi migliori del film, questa battuta che lo mostra vivo è stata un momento clou per concludere The Lost City.
La star di Mortal Kombat 2, Lewis Tan, esalta le vittime a venire, avvertendo il pubblico che i loro beniamini potrebbero non uscirne vivi. Sequel del reboot del 2021, l’imminente adattamento videoludico di Mortal Kombat è destinato a introdurre diversi nuovi personaggi mentre l’Earthrealm affronta la distruzione per mano di Shao Kahn (Martyn Ford).
Tan, che torna nei panni di Cole Young, racconta a ComicBook.com che questa lotta per l’Earthrealm provocherà una serie di vittime scioccanti e raccapriccianti. Secondo la star, nessun personaggio è off limits per la morte in Mortal Kombat 2, e pensa che alcuni spettatori potrebbero arrabbiarsi. Date un’occhiata al suo commento qui sotto:
“Dovrebbero preoccuparsi per tutti, a dire il vero. In diverse versioni della sceneggiatura, sono morte persone diverse. Ho pensato: “Assolutamente no”. Poi hanno cambiato e invertito la sceneggiatura. Alla fine, nessuno è al sicuro. Chiunque potrebbe morire… e ci sono un sacco di morti nel secondo film. Se il tuo personaggio preferito muore, non è la fine. La morte è solo l’inizio. Non essere troppo sconvolto, ma ci sono un sacco di morti. Alcuni saranno felici e altri saranno davvero incazzati.”
Oltre alle morti da spaccaossa, Tan anticipa anche di aver ottenuto una sequenza di combattimento particolarmente importante in una location unica dei giochi di cui era piuttosto orgoglioso. Sebbene l’attore sia attento a non condividere troppi dettagli, enfatizza l’apparizione di alcune mosse di combattimento speciali:
“Ho un combattimento epico in Mortal Kombat 2. Non posso dirti con chi è, ma quando saprai con chi è, capirai perché è così epico. È in una delle mie location preferite dei videogiochi. Sono stato super grato di aver ottenuto quella location perché ha un design davvero fantastico. Ci sono volute circa tre settimane per girarla, il che è un sacco di tempo.”
“Lo stile del combattimento è davvero unico. Vedrete alcune mosse che non avete visto nel primo, alcune mosse speciali dei personaggi. Alla fine del primo film, Cole aveva appena scoperto questi nuovi poteri. Vedrete delle novità davvero fantastiche. È sicuramente uno dei combattimenti preferiti dai fan. Abbiamo girato quel capolavoro in tre settimane.”
Il sequel si sta avvicinando con un certo slancio. Sebbene le recensioni di Mortal Kombat del 2021 siano state contrastanti da parte della critica, il film è stato accolto bene dal pubblico e la Warner Bros. sembra puntare su questo prossimo capitolo, posticipando di recente l’uscita da ottobre 2025 a maggio 2026.
Il commento di Tan suggerisce che il sequel sta alzando la posta in gioco in termini di violenza e vittime dopo il finale di Mortal Kombat. Per quanto riguarda i personaggi che potrebbero essere i prossimi a morire, il sequel dovrebbe presentare grandi ritorni e nuove aggiunte, in particolare Karl Urban nei panni di Johnny Cage, che è stato al centro del marketing del film.
Il cast di Mortal Kombat 2
Mortal Kombat 2 è diretto da Simon McQuoid da una sceneggiatura scritta dallo sceneggiatore di Moon Knight Jeremy Slater. Il sequel vedrà il ritorno di Lewis Tan come Cole Young, Jessica McNamee come Sonya Blade, Josh Lawson come Kano, Tadanobu Asano come Lord Raiden, Mehcad Brooks come Jax, Ludi Lin come Liu Kang, Chin Han come Shang Tsung, Joe Taslim come Bi-Han e Sub-Zero, Hiroyuki Sanada nei panni di Hanzo Hasashi e Scorpion e Max Huang nei panni di Kung Lao.
Il sequel d’azione introdurrà anche una serie di nuovi personaggi oltre al Johnny Cage di Karl Urban, ovvero Adeline Rudolph (Resident Evil) nei panni di Kitana, Tati Gabrielle (You) nei panni di Jade, Martyn Ford (F9) nei panni dell’imperatore Shao Kahn, Damon Herriman di Mindhunter nei panni del demone di Netherrealm Quan Chi, Desmond Chiam (The Falcon and the Winter Soldier) nei panni del Re Edeniano Jerrod e Ana Thu Nguyen (Get Free) nei panni della Regina Sindel. Ulteriori dettagli sulla trama sono ancora tenuti nascosti. Il film è prodotto da James Wan, Michael Clear, Todd Garner e E. Bennet Walsh.
I Jonas Brothers cercano di tornare a casa per Natale nel trailer ufficiale di A Very Jonas Christmas Movie, il film che debutterà il 14 novembre su Disney+ in Italia e su Hulu negli Stati Uniti. Il trailer presenta anche il primo singolo tratto dal film, “Coming Home This Christmas” con Kenny G, ora disponibile su Spotify, Amazon Music, Apple Music e YouTube Music.
La colonna sonora originale di A Very Jonas Christmas Movie, prodotta da Hollywood Records/Republic Records e dall’executive music producer Justin Tranter, è disponibile per il Pre-Add e il Pre-Save e uscirà in formato digitale, su CD e su LP a partire dal 14 novembre.
La colonna sonora contiene sette brani inediti più tre tracce aggiuntive:
“Like It’s Christmas” (Live Version)*
“Best Night”
“Coming Home This Christmas” (feat. Kenny G)
“Home Alone”
“Feel Something”
“Remember When”
“Better Off Alone”
“Time”
“Sucker” (Live Version)*
“Like It’s Christmas” (Studio Version)*
Il film natalizio vanta un cast stellare, tra cui Kevin, Joe e Nick Jonas, che interpretano se stessi, Chloe Bennet (nel ruolo di Lucy), Billie Lourd (in quello di Cassidy), Laverne Cox (nel ruolo di Stacy), KJ Apa (nei panni di Gene), Andrew Barth Feldman (in quelli di Ethan), Andrea Martin (nel ruolo di Deb), Kenny G (in quello di se stesso), Justin Tranter (nel ruolo di se stesso), con Randall Park (nel ruolo di Brad) e Jesse Tyler Ferguson (in quello di Babbo Natale). Nel film anche alcuni camei speciali della famiglia Jonas.
In A Very Jonas Christmas Movie, Kevin, Joe e Nick Jonas affrontano una serie di ostacoli sempre più difficili mentre cercano di viaggiare da Londra a New York in tempo per trascorrere il Natale con le loro famiglie.
Kevin, Joe e Nick Jonas sono i produttori, insieme agli sceneggiatori Isaac Aptaker ed Elizabeth Berger (I Want You Back, This Is Us, Tuo, Simon), Adam Fishbach, Spencer Berman e Scott Morgan. La regia è di Jessica Yu (Quiz Lady, This Is Us), vincitrice di EmmyⓇ e di un Academy AwardⓇ, con musiche originali dell’executive music producer e candidato al GRAMMYⓇ Justin Tranter. Il film è prodotto da 20th Television, parte di Disney Television Studios.
Apple TV ha svelato le prime immagini e la data di uscita della tanto attesa seconda stagione di “L’ultima cosa che mi ha detto”, con Jennifer Garner nel ruolo di protagonista e produttrice esecutiva, insieme ai membri del cast della prima stagione Angourie Rice, David Morse eNikolaj Coster-Waldau, e alle nuove aggiunte Judy Greer e Rita Wilson. Basata sul sequel dell’acclamato romanzo di Laura Dave, al primo posto nella classifica dei best seller del New York Times e selezionato dal Reese’s Book Club, la seconda stagione di otto episodi farà il suo debutto il 20 febbraio 2026 su Apple TV.
Nella seconda stagione di “L’ultima cosa che mi ha detto”, quando Owen (Coster-Waldau) ricompare dopo cinque anni di latitanza, Hannah (Garner) e la sua figliastra Bailey (Rice) si ritrovano in una corsa contro il tempo per capire come riunire la loro famiglia prima che il passato li raggiunga.
La seconda stagione dà il benvenuto anche a nuovi arrivi e a volti noti come Augusto Aguilera, Josh Hamilton, Nick Hargrove, Michael Galante, John Noble, Michael Hyatt e Luke Kirby.
In vista della premiere della seconda stagione, il pubblico potrà approfondire la storia con il sequel avvincente e commovente scritto da Laura Dave, “The First Time I Saw Him”, disponibile dal 6 gennaio 2026. Da leggere o ascoltare su Apple Books prima di godersi il viaggio mozzafiato di Hannah Hall (Garner) sullo schermo.
“L’ultima cosa che mi ha detto” è prodotto da 20th Television e da Hello Sunshine di Witherspoon, parte di Candle Media. Creato e adattato da Laura Dave, insieme al co-creatore vincitore dell’Oscar® Josh Singer, la serie è stata la prima collaborazione tra i coniugi Dave e Singer, che ricoprono entrambi il ruolo di produttori esecutivi insieme a Garner e a Witherspoon e Neustadter per conto di Hello Sunshine. Il candidato agli Emmy Aaron Zelman si unisce alla seconda stagione come co-showrunner e produttore esecutivo insieme a Singer. Anche Daisy von Scherler Mayer e Merri D. Howard ricoprono il ruolo di produttori esecutivi.
La prima stagione di “L’ultima cosa che mi ha detto” è disponibile in streaming su Apple TV.
Pubblicato per la prima volta in edizione cartacea da Simon & Schuster nel 2021, il romanzo “L’ultima cosa che mi ha detto” è stato selezionato dal Reese’s Book Club, diventando immediatamente il numero 1 nella classifica dei bestseller del New York Times e rimanendo in ranking per più di 80 settimane, con oltre 5 milioni di copie vendute in tutto il mondo. Ha vinto il Goodreads Choice Award per il miglior thriller/giallo del 2021 ed è stato nominato miglior libro dell’anno da Amazon nel 2021 e miglior libro dell’anno da Apple nello stesso anno; inoltre, nel 2022, è stato uno dei libri più diffusi nelle biblioteche di tutta l’America, nonché l’e-book più popolare. Il romanzo è stato accolto con entusiasmo in 39 paesi in tutto il mondo, compreso il Regno Unito, dove è stato selezionato dal Richard and Judy Book Club.
L’Uovo dell’Angelo (Tenshi no Tamago / Angel’s Egg), film d’animazione diretto da Mamoru Oshii (1985), arriva per la prima volta nelle sale italiane come evento speciale di una settimana dal 4 al 10 dicembre.
La nuova versione restaurata in 4K, realizzata a partire dai materiali originali in 35mm, è stata presentata in anteprima internazionale all’ultimo Festival di Cannes, all’interno della sezione Cannes Classics.
Mamoru Oshii, regista e sceneggiatore, indaga nelle sue opere temi esistenziali, spirituali e filosofici attraverso un linguaggio visivo profondamente evocativo. Prima di raggiungere la fama internazionale con Ghost in the Shell (1995), aveva delineato la sua poetica proprio ne L’Uovo dell’Angelo, un’opera onirica e carica di significato.
Diventato un film di culto dell’animazione giapponese, L’Uovo dell’Angelo è caratterizzato da una forte componente simbolica e da un approccio visivo e narrativo sperimentale. Ambientato in un mondo deserto e sospeso, racconta l’incontro tra una giovane ragazza che custodisce un uovo misterioso e un guerriero errante.
La direzione artistica e il character design sono ad opera di Yoshitaka Amano, illustratore e artista di fama internazionale, noto per il suo contributo all’animazione giapponese e al mondo dei videogiochi, in particolare per la saga di Final Fantasy.
La trama di L’Uovo dell’Angelo
Una ragazza custodisce un misterioso uovo in un mondo desolato, ai margini di una città gotica abbandonata. L’incontro con un enigmatico viandante dà inizio a un viaggio simbolico e visionario, fatto di dialoghi accennati, domande spesso senza risposta e riflessioni aperte alle più svariate interpretazioni.
Lionsgate ha anche acquisito i diritti per sviluppare e produrre “tutte le opere derivate, comprese le future produzioni cinematografiche e televisive”, del franchise di The Expendables. Il regista di Sisu, Jalmari Helander, dirigerà John Rambo da una sceneggiatura del duo di sceneggiatori Rory Haines e Sohrab Noshirvani. I dettagli specifici della trama sono ancora segreti, ma, come prevedibile, il film “racconterà la storia delle origini di un giovane John Rambo durante la guerra del Vietnam”.
L’originale First Blood seguiva un tormentato veterano del Vietnam (Sylvester Stallone) che viene preso di mira da uno sceriffo corrotto quando arriva in una piccola città per vedere un vecchio amico. Stallone, che ha interpretato John Rambo in tutti e cinque i film precedenti, si dice sia a conoscenza del prequel e del coinvolgimento di Centineo, ma al momento non è coinvolto nel film.
Il presidente di Millennium Media, Jonathan Yunger, ha dichiarato quanto segue in occasione dell’annuncio del progetto: “Siamo entusiasti di inaugurare un nuovo capitolo della saga di Rambo. Questo progetto è un omaggio a uno dei migliori franchise della storia del cinema, che piacerà sia ai fan di lunga data che a un nuovo pubblico”.
Ha aggiunto: “Con Jalmari Helander al timone, un regista dalla visione e dall’energia eccezionali, abbiamo trovato il regista perfetto per offrire un’esperienza ricca di azione e di concept”.
Helander ha dichiarato: “Sono il più grande fan di Rambo da quando avevo 11 anni. È così surreale trovarmi in una situazione in cui posso davvero realizzare il mio film di Rambo. La catena di eventi che mi ha portato fin qui dà, in modo fantastico, un senso a tutta la mia infanzia. Non vedo l’ora di riportare il più grande eroe d’azione sul grande schermo, dove merita di essere.”
La trama di Rambo
Il veterano del Vietnam e vagabondo John J. Rambo (Sylvester Stallone) vaga in una piccola città dello stato di Washington in cerca di un vecchio amico, ma incontra intolleranza e brutalità da parte dello sceriffo locale, Will Teasle (Brian Dennehy). Quando Teasle e i suoi vice trattengono e radono Rambo, quest’ultimo rivive i suoi tempi da prigioniero di guerra e scatena la sua furia sugli ufficiali. Sfugge per un pelo alla caccia all’uomo, ma ci vorrà il suo ex comandante (Richard Crenna) per salvare i cacciatori dalle prede.
Mentre continuano i cambiamenti all’interno della Paramount, lo studio avrebbe inserito una serie di star nella sua lista nera. Sotto la guida di David Ellison, numerosi cambiamenti sono già entrati in vigore alla Paramount Skydance, inclusi licenziamenti di massa, e si parla di una potenziale fusione con la Warner Bros. Discovery.
Secondo un articolo di Variety, un altro cambiamento è che la Paramount ha ora una lista di attori con cui non lavorerà perché questi individui sono stati definiti “eccessivamente antisemiti”, “xenofobi” o “omofobi”.
A settembre, la Paramount è stata la prima grande casa di produzione a pronunciarsi contro una lettera aperta che chiedeva il boicottaggio delle istituzioni cinematografiche israeliane “coinvolte nel genocidio e nell’apartheid contro il popolo palestinese“.
Una delle ragioni per cui Israele è una questione così importante per la Paramount è che il padre di Ellison e co-fondatore di Oracle, Larry Ellison, sarebbe un caro amico del Primo Ministro israeliano Benjamin Netanyahu. Larry Ellison è anche un importante donatore di Friends of the IDF.
Il cambiamento del clima politico alla Paramount può essere attribuito anche allo stretto rapporto di Larry Ellison con il Presidente Donald Trump. L’amministrazione Trump ha dato il via libera alla fusione tra Paramount e Skydance, e Trump ha dichiarato che Larry e David Ellison lo sostengono.
Un altro fattore in gioco nell’evoluzione della Paramount è stata la sorprendente uscita del prolifico creatore televisivo Taylor Sheridan dopo aver firmato un lucroso accordo con NBCUniversal. L’accordo televisivo di Sheridan con la Paramount rimarrà in vigore fino al 2028, ma la sua imminente uscita rappresenta comunque una grave perdita per lo studio e un significativo impulso per NBCUniversal e il suo servizio di streaming, Peacock. Un report pubblicato dopo la notizia dell’uscita di Taylor Sheridan dalla Paramount ha rivelato che il suo rapporto con la nuova dirigenza della Paramount era già in una fase negativa prima della fusione tra Paramount e Skydance.
Jennifer Lawrence e Emma Stone stanno girando il loro primo film insieme. Sebbene le due star non abbiano mai recitato insieme sullo schermo, hanno avuto percorsi di carriera molto simili. Questo include entrambe le star che hanno ottenuto ruoli di successo in titoli young adult (per Lawrence, i film di Hunger Games, per Stone, Easy A) e hanno vinto un Oscar (Lawrence ne ha vinto uno per Il lato positivo e la Stone ne ha vinti due, per La La Land e Povere Creature).
Il 5 novembre, Jennifer Lawrence è stata ospite del nuovo episodio del podcast Las Culturistas con Matt Rogers e Bowen Yang. Durante la sua conversazione con i due conduttori, l’argomento si è spostato sul successo di Broadway Oh, Mary! e Lawrence ha rivelato che “Emma Stone e io stiamo producendo un film su Miss Piggy”, la cui sceneggiatura è stata affidata all’autore e protagonista dell’opera, Cole Escola. Quando le è stato chiesto se lei e Stone avrebbero recitato insieme nel film, ha risposto: “Penso di sì… Dobbiamo farlo“.
Cole Escola non ha ancora scritto sceneggiature per film ufficialmente usciti, ma il vincitore del Tony Award ha avuto la sua buona dose di ruoli da sceneggiatore sul piccolo schermo. Escola ha scritto episodi per diverse serie televisive, tra cui The Other Two, At Home with Amy Sedaris e Ziwe.
Il loro umorismo irriverente e la capacità di creare narrazioni avvincenti attorno a figure femminili iconiche potrebbero essere perfetti per una storia incentrata su Miss Piggy, uno dei personaggi più iconici della longeva saga dei Muppet.
Miss Piggy, una maialina che è una diva glamour e romanticamente ossessionata da Kermit la Rana, è apparsa per la prima volta nello speciale del 1974 “Herb Alpert and the TJB” prima di essere sviluppata in un personaggio più importante in “The Muppet Show”. Da allora, è apparsa in una vasta gamma di progetti dei Muppet ed è diventata uno dei personaggi più noti del franchise di pupazzi, insieme a Kermit, Fozzie Bear, Gonzo e Animal.
Non si sa quali ruoli Lawrence e Stone potrebbero interpretare al fianco di Miss Piggy, ma i film dei Muppet in genere presentano diverse figure umane che recitano accanto agli iconici pupazzi, oltre a una nutrita serie di cameo di celebrità.
Sebbene il finale della seconda stagione di Dark Winds fosse intricato e complicato, la cupa serie thriller ha finalmente fatto luce sulla cospirazione dietro l’esplosione che anni prima aveva ucciso il figlio di Joe Leaphorn. Basata sui romanzi Leaphorn and Chee dello scrittore Tony Hillerman, Dark Winds è una serie neo-noir incentrata su due agenti di polizia navajo. Il più anziano Joe Leaphorn ha perso suo figlio anni prima dell’inizio della serie, mentre il più giovane Jim Chee ha iniziato come agente sotto copertura dell’FBI lavorando come vice di Leaphorn nella polizia tribale. La seconda stagione di Dark Winds è stata adattata dal romanzo di Hillerman del 1980 People of Darkness.
Ambientata nel Navajo Country durante gli anni ’70, la seconda stagione di Dark Winds racconta la storia degli uomini dietro la morte del figlio di Joe. Il periodo storico in cui è ambientataDark Winds ha fatto sì che i suoi antieroi non potessero fare affidamento sulla tecnologia moderna nelle loro indagini, dando vita a una serie poliziesca più cruda e realistica. Leaphorn ha trascorso gran parte della stagione 2 seguendo le tracce di Colton Wolf, un attentatore dinamitardo che ha ucciso Emerson, malato terminale di cancro, fuori da un ospedale. L’attentato è stato fatto sembrare una fuga di gas accidentale, il che ha attirato l’attenzione di Joe poiché suo figlio era morto in un’esplosione “accidentale” simile.
Joe Leaphorn ha ucciso Vines nella seconda stagione di Dark Winds?
Joe ha lasciato Vines a morire
Sebbene Colton Wolf fosse colui che ha bombardato l’ospedale e ucciso Emerson, non era il vero cattivo della seconda stagione di Dark Winds. L’assassino che ha fabbricato la bomba seguiva gli ordini di un ricco benefattore che è rimasto anonimo fino agli episodi finali. Alla fine, questa figura oscura si è rivelata essere l’uomo d’affari locale BJ Vines, proprietario del sito di trivellazione dove anni prima era morto il figlio di Joe. Vines aveva orchestrato tutti gli eventi della stagione per arricchirsi, compresa l’esplosione che ha ucciso il figlio di Joe. Tuttavia, poiché Wolf ha commesso tutti i crimini, era impossibile incolpare Vines.
Questo era uno specchio oscuro del modo in cui Vines aveva ordinato a Colton di bombardare il suo sito di trivellazione, causando la morte del figlio di Joe.
Nel finale della seconda stagione di Dark Winds, Joe si rende conto che la “giustizia bianca” avrebbe lasciato Vines libero grazie alla sua ricchezza e alle sue conoscenze. Dopo aver scoperto che il ricco magnate del petrolio era stato rilasciato su cauzione nonostante i suoi crimini, Joe ha rapito Vines, lo ha portato in mezzo al nulla e se n’è andato. Vines è morto assiderato durante la notte, ma Joe tecnicamente non lo ha ucciso. Questo è stato un oscuro riflesso del modo in cui Vines ha ordinato a Colton di bombardare il suo sito di trivellazione, causando la morte del figlio di Joe. Sebbene Vines non potesse essere accusato di omicidio, Joe ha ottenuto giustizia al di fuori del sistema legale corrotto e parziale.
Spiegazione del colpo di scena sulla madre di Colton nella seconda stagione di Dark Winds
La ricerca di Colton per trovare sua madre è finita
Durante tutta la seconda stagione di Dark Winds, Colton Wolf ha assunto numerosi investigatori privati per localizzare la madre da cui era separato e li ha uccisi tutti quando hanno fallito. Pertanto, è stata una grande sorpresa quando il finale ha rivelato che Colton stesso aveva ucciso sua madre quando era ancora solo un bambino, poco dopo che lei aveva assassinato suo padre e sua sorella maggiore.
Dato che le sue ultime parole sono state il nome di sua madre, è lecito supporre che Colton, sconvolto, non si fosse reso conto di aver ucciso sua madre per legittima difesa e, di conseguenza, la stesse cercando nel tentativo destinato al fallimento di sistemare la sua vita criminale e tornare a una parvenza di innocenza infantile. Bloccare gli eventi traumatici è un meccanismo psicologico di difesa, quindi non è difficile razionalizzarlo.
BJ Vines ha assunto Colton Wolf in Dark Winds
Il pubblico non si aspettava questo colpo di scena
In un finale a sorpresa dal quale è difficile riprendersi, l’ultima puntata della seconda stagione di Dark Winds ha rivelato che Wolf non agiva da solo né era motivato dalla follia. Era invece il già citato BJ Vines ad averlo assunto per bombardare il sito di trivellazione, assassinare Emerson in fin di vita e successivamente uccidere il figlio di Emerson.
In qualità di proprietario del sito di trivellazione, Vines ha scoperto che sotto il sito c’era dell’uranio non sfruttato e ha pagato Colton per farlo saltare in aria in modo che il suo valore diminuisse e lui potesse acquistare il sito a un prezzo stracciato. Nel processo, Vines ha ucciso indirettamente numerosi lavoratori, tra cui il figlio di Joe. Quando Emerson si è sentito in colpa per questo, Vines ha riassunto Colton per ucciderlo.
Perché Colton ha ucciso Emerson e i suoi figli?
Era stato assunto per ucciderli
Emerson lavorava con Vines. Dopo aver ricevuto una diagnosi di cancro terminale, decise di confessare tutto riguardo all’attentato dinamitardo. Suo figlio rubò una cassetta di sicurezza contenente il rilevamento geografico che rivelava la presenza di uranio nel sito, quindi Vines assunse Colton per ucciderli entrambi. Colton riuscì a uccidere Emerson e uno dei suoi figli, ma conservò la cassetta di sicurezza contenente il rilevamento.
Questa cassetta di sicurezza conteneva anche una fibbia di cintura di proprietà del figlio di Joe e, quando Joe raggiunse Colton, ricostruì il collegamento tra gli attentati. In un finale degno dei migliori film western, Vines affrontò Colton prima che Leaphorn affrontasse Vines.
Perché Vines uccise Colton Wolf (e non Joe)
Vines doveva sistemare le questioni in sospeso
Per gran parte della seconda stagione di Dark Winds, sembrava che Leaphorn avrebbe inevitabilmente finito per uccidere Colton. Tuttavia, Colton è stato invece ucciso da BJ Vines per sistemare le questioni in sospeso. Con un colpo di scena particolarmente crudele, Vines ha consegnato al criminale abbastanza denaro per iniziare una nuova vita prima di mandarlo per la sua strada, illudendo così Colton con un falso senso di sicurezza.
Vines sembrava aver assicurato il suo successo, con l’unico collegamento vivente tra lui e gli attentati ora morto.
Non appena Colton gli ha voltato le spalle, Vines lo ha ucciso. Questo è stato il momento in cui Colton, mentre giaceva morente, ha pronunciato il nome di sua madre. Vines sembrava aver assicurato il suo successo, con l’unico collegamento vivente tra lui e gli attentati ora morto.
Il significato dietro la trasformazione della fibbia della cintura in una piuma da parte di Joe
È un simbolo di accettazione
Sebbene Leaphorn sapesse che la legge non lo avrebbe aiutato, poteva comunque catturare Vines da solo. Così, Leaphorn rapì il magnate del petrolio e lo lasciò morire, assicurandosi che fosse fatta giustizia. Questo portò indirettamente Bernadette Manuelito a lasciare la polizia tribale e intraprendere una carriera nella polizia di frontiera, poiché pensava che Vines avesse lasciato la città e quindi fosse sfuggito alla giustizia. Sebbene Leaphorn non avesse rivelato a Manuelito il vero destino del cattivo, le lasciò un regalo d’addio. Questo regalo, una piuma di metallo, aveva un grande significato simbolico per entrambi i personaggi.
Joe era finalmente in pace con la morte di suo figlio e in grado di andare avanti.
Joe ha fuso la fibbia della cintura del figlio defunto e l’ha trasformata in una piuma di metallo come regalo per Bernadette. Questo significava che Joe era in pace con la morte di suo figlio e in grado di andare avanti, e dimostrava che Joe si considerava una sorta di figura paterna per la più giovane e ingenua Bernadette. Lasciando andare la fibbia della cintura dopo aver ucciso Vines, Joe ha accettato che suo figlio non sarebbe tornato. Dando la piuma a Bernadette, poteva ancora essere un genitore surrogato nonostante le prove che aveva affrontato durante la sua dura vita.
Come è stato accolto il finale della seconda stagione di The Dark Winds
Il finale ha diviso il pubblico
Sebbene la seconda stagione di Dark Winds nel suo complesso sia stata ben accolta dai fan e dalla critica (ha ottenuto il 100% sul sito di recensioni Rotten Tomatoes), gli eventi del finale di stagione hanno diviso il pubblico. Ciò è in parte dovuto al fatto che si discostano dal libro da cui la storia è tratta. C’era anche la sensazione che uccidere Colton così presto nel finale fosse un po’ deludente.
Il consenso tra i fan e i critici è che, nonostante ciò, il finale della seconda stagione di Dark Winds sia stato soddisfacente. Nel thread di Reddit che discuteva gli eventi del finale, molti fan hanno concordato sul fatto che l’episodio in realtà “sembrava il finale di una serie”. Si è ipotizzato che, poiché la serie era in produzione proprio prima dello sciopero degli sceneggiatori e degli attori, il finale della seconda stagione fosse stato concepito come finale di serie nel caso in cui la serie non potesse tornare per una terza stagione, ma Dark Winds è stata rinnovata per una terza stagione, così come per una quarta.
Per alcuni fan, la possibilità che Vines potesse sopravvivere al suo periodo nel deserto era una domanda che rimaneva in sospeso dopo la fine della seconda stagione, in vista della terza. Secondo il produttore esecutivo Chris Eyre, la decisione di lasciare Vines vivo nel deserto non era originariamente prevista nella sceneggiatura (via TV Line). L’idea era invece quella di farlo uccidere. L’attore Zahn McClarnon è stato colui che ha insistito affinché il suo personaggio lasciasse Vines in balia degli elementi. Ha spiegato:
Zahn è stato geniale nel dire: “Beh, Leaphorn non lo farebbe”. Non sarebbe riuscito a premere il grilletto. Quindi Zahn ci ha salvati da noi stessi, o almeno ha salvato me da me stesso. Era scritto che Leaphorn avrebbe vendicato, ma lui è la bussola morale della storia, lo zio, il padre, il nonno che tutti vorrebbero avere, ed è stato giusto che non lo facesse.
Come la fine della seconda stagione di Dark Winds prepara la terza stagione
Le conseguenze della decisione di Leaphorn e la nuova storia di Bernadette
Dark Winds stagione 3 riprende sei mesi dopo la fine della stagione 2, con Joe Leaphorn e Jim Chee che indagano sulla scomparsa di due ragazzini senza praticamente alcuna prova che li aiuti. Considerando dove si è interrotta la storia di Joe Leaphorn, è probabile che la terza stagione esplorerà le possibili conseguenze della sua decisione di lasciare Vines nel deserto a morire, anche se si è trattato di un atto catartico riguardante la morte di suo figlio, la cui morte continua ad essere esplorata nella terza stagione.
Oltre al conflitto morale con cui Leaphorn dovrà confrontarsi, Bernadette, interpretata da Jessica Matten, rimane al centro della scena nella terza stagione, poiché nella seconda stagione di Dark Winds il personaggio ha deciso di lasciare la polizia della tribù Navajo e di accettare un lavoro presso la polizia di frontiera degli Stati Uniti, un cambiamento significativo per il personaggio che avrà ripercussioni durature sull’intera serie.
Dark Winds stagione 3 è stata trasmessa per la prima volta il 9 marzo 2025 e la serie è già stata rinnovata per la stagione 4.
Ritorno al Futuro è una delle saghe di fantascienza più amate di sempre, nonostante presenti diversi buchi di trama dovuti al suo stesso espediente narrativo: i viaggi nel tempo.
Il film ha come protagonista Michael J. Fox nei panni di Marty McFly, un adolescente che viene catapultato indietro nel tempo a bordo di una DeLorean modificata dal geniale scienziato Doc Brown (Christopher Lloyd). I due sequel hanno poi moltiplicato i viaggi nel tempo… e con essi le domande e i dubbi logici.
Il regista di Ritorno al Futuro: “Il viaggio nel tempo è fantasia”
Sul sito ufficiale di Back to the Future esiste una sezione intitolata “FAQS”, dove il regista Robert Zemeckis e lo sceneggiatore/produttore Bob Gale rispondono alle domande più frequenti dei fan sul celebre film.
I due autori spiegano di ricevere ogni tipo di quesito — intelligenti, ingenui e perfino assurdi — e di voler chiarire i dubbi più comuni. Molte delle domande, dicono, riguardano i “misteri del continuum spazio-temporale”. Ed è proprio qui che arriva la loro risposta più importante, capace di spiegare quasi tutti i problemi e le contraddizioni legati ai viaggi nel tempo:
“Diciamolo chiaramente: il viaggio nel tempo è fantasia, quindi non esiste un modo per dimostrare nulla. Come cineasti, cerchiamo solo di creare un insieme di regole per le nostre storie, rispettarle e mantenere la coerenza all’interno del piccolo ‘universo’ che abbiamo costruito.”
In altre parole, per Zemeckis e Gale le spiegazioni scientifiche non sono rilevanti per la trama: ciò che conta è che la storia rispetti le sue stesse regole interne. Tra queste, anche l’idea dell’esistenza di Terre alternative, concetto oggi familiare ai fan del Marvel Cinematic Universe.
Nel primo film, quando Marty McFly viaggia indietro nel tempo, rischia di cancellare la propria esistenza impedendo ai suoi genitori di incontrarsi. La famosa fotografia che inizia a sbiadire rappresenta proprio questa minaccia. Alla fine, però, Marty cambia la linea temporale… ma in meglio.
Nei sequel, Doc Brown parla apertamente di 1985-A, spiegando che ogni alterazione temporale crea una nuova versione della Terra. In una scena poi tagliata dal montaggio, si mostra addirittura Biff cancellato dall’esistenza dopo aver consegnato al sé giovane l’Almanacco Sportivo e fatto ritorno al 2015.
Doc spiega anche che non possono tornare al 1985-A, perché è “il futuro sbagliato”. Marty, Doc e Jennifer devono quindi evitare che Biff modifichi ulteriormente il passato. Tutto questo intreccio era volutamente lasciato all’interpretazione del pubblico: Zemeckis e Gale non volevano appesantire la trama con spiegazioni troppo precise, preferendo lasciare un certo margine di mistero.
Il paradosso temporale in Ritorno al Futuro
Il sito ufficiale del film affronta anche la questione dei paradossi temporali. Un paradosso del tempo, si legge, “è una situazione in cui l’effetto di un evento contraddice o elimina la causa dello stesso evento”.
Un esempio classico: se un uomo di 40 anni tornasse indietro nel tempo e uccidesse sé stesso bambino, il bambino non potrebbe crescere per diventare quell’uomo, quindi l’omicidio non potrebbe mai avvenire, perché l’assassino non esisterebbe.
Questo tipo di logica si ritrova anche nel film stesso. Cosa sarebbe successo, ad esempio, se Jennifer avesse visto sé stessa tornare indietro nel tempo e fosse svenuta, battendo la testa e morendo? In tal caso non sarebbe mai cresciuta per sposare Marty e avere figli, e quindi Doc non avrebbe mai avuto motivo di portarli nel futuro.
La conclusione è che, secondo la maggior parte degli scienziati, il viaggio nel tempo non può esistere perché genererebbe inevitabilmente paradossi. Nella saga, però, gli autori inventano un meccanismo di auto-conservazione dell’universo per evitarli — da cui la scelta di far svenire entrambe le Jennifer, impedendo così conseguenze catastrofiche.
Il paradosso che ha creato un buco di trama
Nonostante la cura nel costruire le regole del viaggio temporale, esiste un paradosso che ha effettivamente creato un buco di trama in Ritorno al Futuro Parte II. Zemeckis e Gale lo ammettono apertamente nelle FAQ del sito ufficiale. Quando Doc Brown porta Marty e Jennifer nel futuro, la loro scomparsa dal 1985 avrebbe dovuto cancellarli anche dal futuro stesso.
“Questo, in effetti, è il paradosso definitivo di Ritorno al Futuro Parte II. Ci abbiamo riflettuto a lungo.”
I due raccontano che quasi rinunciarono a quella trama proprio per questo motivo, ma ormai avevano anticipato l’idea alla fine del primo film, e temevano che i fan si sentissero delusi se non avessero mostrato il futuro e i figli di Marty e Jennifer. Per risolvere il problema, decisero di presumere che Marty e Jennifer sarebbero comunque tornati nel 1985, mantenendo così la coerenza del futuro mostrato.
Tuttavia, il paradosso rimane: Doc Brown afferma chiaramente nel film che “il futuro non è ancora scritto”. Se è così, perché esisterebbe un futuro già determinato con Marty, Jennifer e i loro figli? La risposta degli autori è che il futuro a cui si viaggia rappresenta sempre la proiezione di ciò che accadrà nella linea temporale del viaggiatore, in base alle sue scelte fino a quel momento.
Ma anche questa spiegazione non risolve tutto. Come dice Doc nel finale della trilogia: “Il vostro futuro è quello che voi stessi vi create.”
Proprio questa frase riassume il paradosso irrisolvibile di Ritorno al Futuro: il film afferma che il futuro è aperto, e allo stesso tempo ne mostra uno già scritto. È un’incongruenza che non può essere spiegata, ma che non toglie nulla al fascino della saga.
In fondo, come ricordano Zemeckis e Gale, “il viaggio nel tempo è fantasia”. E se lo si guarda per ciò che è — una straordinaria avventura cinematografica — Ritorno al Futuro resta ancora oggi uno dei migliori esempi del genere, capace di far sognare intere generazioni nonostante i suoi inevitabili paradossi.
È stato rivelato il cattivo del prossimo film di Batman, il che permette alla DC di correggere un errore di un film precedente. Batman è uno degli eroi con il maggior numero di film live-action, e molti dei suoi più grandi cattivi tratti dai fumetti sono già stati adattati in qualche forma. Alcuni di loro sono apparsi anche in diversi film live-action.
Uno di questi personaggi è particolarmente interessante, in quanto sarà il cattivo principale del prossimo film di Batman della DC. Prima delle nuove avventure del Bruce Wayne con il volto di Robert Pattinson per The Batman 2e del Cavaliere Oscuro dell’Universo DC di James Gunn inThe Brave and The Bold, nel 2026 una saga cinematografica animata inizierà. Batman affronterà un cattivo formidabile.
Il prossimo film di Batman della DC ha rivelato il suo cattivo
La DC ha annunciato che l’iconico evento Batman: Knightfall tratto dai fumetti riceverà un adattamento cinematografico in 4 parti. Il primo film d’animazione si intitola Batman: Knightfall Parte 1: Knightfall e la sua uscita è prevista per il 2026. Jeff Wamester, che ha diretto diversi film del franchise animato Tomorrowverse della DC, tornerà al colosso dei fumetti per dirigere il prossimo film di Batman della DC.
Oltre alla presentazione del nuovo franchise animato, la DC ha anche pubblicato la sinossi del primo film di Knightfall. Come nei fumetti, la storia ruoterà attorno a Bane che spezza Batman sia fisicamente che mentalmente. A tal fine, la DC ha confermato che “Bane libera l’intera Galleria dei Rogue di Batman dall’Arkham Asylum”. Nei fumetti, questo era un tentativo di stancare Batman.
Quando Batman e Bane si scontrano, Bruce è troppo debole per sconfiggere il cattivo, che notoriamente gli spezza la schiena, dando inizio al viaggio del Cavaliere Oscuro per tornare al suo vecchio io, mentre Azrael ha la meglio di Batman e perde lentamente il controllo, diventando violento. Seguendo i fumetti, il prossimo film di Batman della DC renderà Bane il suo principale antagonista, nonostante la presenza di altri personaggi.
Batman: Knightfall può risolvere la controversia su Bane ne Il Cavaliere Oscuro – Il Ritorno
L’ultima volta che Bane è stato il principale antagonista di un film del franchise di Batman è stato ne Il Cavaliere Oscuro – Il Ritorno del 2012, dove era interpretato da Tom Hardy. Sebbene abbia particolarmente apprezzato l’interpretazione di Hardy e il modo in cui ha reso Bane fisicamente imponente, aspetto di cui il personaggio ha assolutamente bisogno, non si può negare che l’accento britannico di Bane sia diventato una scelta controversa.
Dato che Bane proviene dall’isola di Santa Prisca, nei Caraibi, nei fumetti, l’accento britannico non ha molto senso per lui. Bane è cresciuto scontando l’ergastolo del padre su un’isola di lingua spagnola, lontano da tutto il resto. Pertanto, non dovrebbe parlare come il Bane di Tom Hardy ne Il Cavaliere Oscuro – Il Ritorno.
Ora, la DC ha la possibilità di correggere quell’errore, eliminando l’accento britannico che ha portato a diverse lamentele quando è uscito l’ultimo film di Batman di Christopher Nolan. Finora, nessun attore è stato annunciato per dare la voce a Bane nel prossimo film di Batman della DC. Tuttavia, la porta è aperta per un adattamento più fedele del personaggio, rendendo Knightfall ancora più vicino ai fumetti.
La quarta stagione di The Witcher è arrivata nel 2025, ma non con i risultati che Netflix si aspettava. Da quando Henry Cavill ha lasciato The Witcher, molti si sono chiesti come la sua assenza avrebbe influenzato la serie fantasy nella sua quarta stagione.
In un rapporto ufficiale di Tudum, sono finalmente arrivati i dati relativi alla quarta stagione di The Witcher, che è tornata su Netflix il 30 ottobre 2025. L’ultima stagione si è classificata al secondo posto nella classifica di Netflix, con 7,4 milioni di visualizzazioni.
Si tratta dei numeri più bassi mai registrati dalla serie, dato che The Witcher – stagione 3 nel 2023, durante la sua prima settimana (dal 26 giugno al 2 luglio 2023), ha avuto 15,2 milioni di visualizzazioni e 73 ore di visione. La stagione 2 ha avuto un rendimento migliore rispetto alla stagione 4, con 142,3 ore di visione. Le stagioni 1 e 2 hanno ottenuto buoni risultati in termini di audience, ma da allora la serie ha registrato un calo.
Dopo l’uscita di Cavill, Liam Hemsworth ha assunto il ruolo di Geralt di Rivia, la cui scelta ha suscitato reazioni estremamente contrastanti o negative. Tuttavia, su Rotten Tomatoes, la stagione 4 ha ottenuto il 75% dei voti della critica e il 46% del pubblico.
L’ultima stagione è descritta da Netflix come segue: Dopo gli eventi della terza stagione che hanno cambiato il continente, Geralt, Yennefer e Ciri si ritrovano separati da una guerra furiosa e da innumerevoli nemici. Mentre le loro strade si dividono e i loro obiettivi si affinano, si imbattono in alleati inaspettati desiderosi di unirsi al loro viaggio. E se riusciranno ad accettare queste nuove famiglie, potrebbero avere la possibilità di riunirsi per sempre…
Nonostante l’accoglienza contrastante riservata alla quarta stagione, The Witcher – stagione 5 è già stata approvata, poiché è destinata a essere l’ultima stagione della serie TV. Le riprese della prossima stagione sono già terminate, poiché il cast e la troupe hanno concluso il lavoro nell’ottobre 2025.
The Witcher stagione 4 è ora disponibile in streaming su Netflix, mentre la piattaforma non ha ancora fissato una data di uscita per la stagione 5.
Negli ultimi anni, le prestazioni di The Witcher sono andate peggiorando. La serie Netflix, partita nel 2019 con un enorme successo e diventata subito un fenomeno culturale, ha iniziato a perdere slancio già con la seconda stagione. Il colpo di grazia è arrivato quando Henry Cavill ha annunciato l’addio al ruolo di Geralt di Rivia, poi affidato a Liam Hemsworth.
Sebbene la quarta stagione non sia stata un disastro e Hemsworth si sia rivelato un degno sostituto, l’immagine complessiva dello show resta segnata da problemi di produzione, incoerenze narrative e un calo di fiducia del pubblico. The Witcher ha avuto momenti brillanti, ma per ogni cosa che ha fatto bene, esiste un’altra serie fantasy che l’ha fatta meglio.
Buffy l’ammazzavampiri
Anche se Buffy the Vampire Slayer ha un tono completamente diverso, questa serie cult ha definito il modello del “mostro della settimana”. Ogni episodio presentava una nuova creatura o minaccia da affrontare, e questa formula episodica le dava un ritmo irresistibile.
In teoria, The Witcher, con il suo protagonista cacciatore di mostri, avrebbe dovuto seguire la stessa formula, magari in modo più sofisticato. La prima stagione ci è andata vicino, ma dalle successive in poi questo elemento è stato accantonato. Nonostante i tentativi di recuperarlo nelle stagioni 3 e 4, Buffy resta imbattuta per capacità di intrecciare mostri, ironia e umanità.
The Magicians
Un altro titolo fantasy interessante è The Magicians, una serie piena di toni ironici e surreali, ma con un grande successo di critica: tutte e cinque le stagioni sono “Certified Fresh” su Rotten Tomatoes.
The Witcher ha reso bene l’aspetto magico dei romanzi di Andrzej Sapkowski, evitando eccessi visivi o effetti ridicoli. Tuttavia, non è bastato. The Magicians dimostra che una trama coerente e costante vale più di effetti spettacolari o combattimenti ben coreografati. La dedizione alla storia, più che alla forma, fa la differenza.
Arcane
Le trasposizioni da videogiochi al cinema o in TV sono spesso rischiose, ma Arcane, ispirata all’universo di League of Legends, è stata un successo totale. La serie animata vanta un rarissimo 100% su Rotten Tomatoes, superando di gran lunga The Witcher.
Curiosamente, anche The Witcher è una saga videoludica oltre che letteraria. Tuttavia, mentre Arcane è riuscita a conquistare anche i fan più esigenti del gioco, la serie Netflix non ha mai pienamente soddisfatto questa fetta di pubblico, che l’ha trovata incoerente rispetto al materiale originale.
His Dark Materials
Basata sulla trilogia Queste oscure materie di Philip Pullman, questa serie è un altro adattamento letterario di successo. Il suo percorso è stato inverso a quello di The Witcher: una partenza discreta con la prima stagione, seguita da un costante miglioramento nei capitoli successivi.
The Witcher, invece, ha mostrato l’andamento opposto: forte debutto, poi un calo di qualità e di consenso sia da parte dei fan che della critica. Chi cerca una serie fantasy che cresce stagione dopo stagione, troverà in His Dark Materials la risposta ideale.
Merlin
Nel panorama fantasy televisivo mancano spesso storie di high fantasy puro, ambientate in epoche mitiche. Merlin, che rilegge le leggende arturiane, è un esempio perfetto del genere. Anche se talvolta un po’ ingenua, ha guadagnato sempre più consensi con il passare delle stagioni.
The Witcher appartiene allo stesso sottogenere, ma Netflix ha tentato di modernizzarne eccessivamente l’estetica e la cultura del Continente. Se nella prima stagione questo equilibrio funzionava, col tempo l’effetto si è perso. Merlin dimostra che, a volte, conservare un’atmosfera antica e autentica è la scelta migliore.
The Sandman
Per chi ama il lato più oscuro e maturo del fantasy, The Sandman è un’ottima alternativa. Basata sull’omonimo fumetto di Neil Gaiman, la serie mescola mitologia, filosofia e oscurità gotica, mantenendo un eccellente 82% su Rotten Tomatoes.
Anche The Sandman ha vissuto turbolenze dietro le quinte, ma i suoi autori hanno saputo concludere la storia in modo dignitoso e coerente. È una lezione che The Witcher avrebbe dovuto imparare: meglio chiudere in bellezza che trascinare una trama logora e disordinata.
Castlevania
Se si cerca un’alternativa più vicina al cuore di The Witcher, la risposta è Castlevania. Anche qui troviamo un cacciatore di mostri, un’ambientazione gotica e toni da dark fantasy. Ma la differenza sta nella qualità: Castlevania ha ottenuto valutazioni altissime, con punte del 100% su Rotten Tomatoes.
La serie animata, tratta da un videogioco, ha saputo migliorarsi stagione dopo stagione, a differenza di The Witcher, che ha perso coesione nel tempo. È la prova che una buona scrittura può rendere grande anche un prodotto di genere.
Good Omens
Per chi apprezza l’umorismo intelligente e il tono ironico che caratterizzava in parte The Witcher, Good Omens è un piccolo gioiello. Anche qui troviamo la mano di Neil Gaiman, ma in una chiave più brillante e surreale.
Il segreto del suo successo risiede nella straordinaria alchimia tra Michael Sheen e David Tennant, che interpretano un angelo e un demone costretti a collaborare per salvare il mondo. Se uno dei due fosse stato sostituito, la serie avrebbe perso il suo cuore — proprio come accaduto a The Witcher con l’uscita di Cavill.
Game of Thrones
Infine, nessun elenco di grandi serie fantasy sarebbe completo senza Game of Thrones. Nonostante i suoi difetti, resta il punto di riferimento del genere.
In particolare, Game of Thrones ha saputo gestire la complessità politica del suo mondo in modo chiaro e coinvolgente, cosa che The Witcher non è riuscita a fare. Le trame politiche della serie Netflix, adattate dai romanzi, si sono rivelate confuse e poco interessanti, mentre Game of Thrones ha mantenuto lo spettatore attento e partecipe.
Se The Witcher ha perso la sua magia lungo il cammino, non mancano alternative in grado di riportare lo spettatore nel cuore del fantasy televisivo — da Buffy a Arcane, da Merlin a Game of Thrones — dimostrando che il genere è più vivo che mai, anche senza Geralt di Rivia.
Netflix ha svelato le prime immagini della nuova serie poliziesca Agatha Christie’s Seven Dials. Basata sull’omonimo romanzo del 1929, la serie sarà interpretata da Mia McKenna-Bruce, che vestirà i panni della giovane protagonista Lady Eileen “Bundle” Brent.
Netflix ha pubblicato un teaser trailer della nuova serie di Agatha Christie, svelando le prime immagini della detective interpretata da Bruce. Il primo sguardo mette in evidenza star che hanno un background familiare nel genere giallo, tra cui Martin Freeman di Sherlock e Helena Bonham Carter di Enola Holmes.
Ambientata nel 1925, la storia segue una festa in casa, dove uno scherzo finisce terribilmente male con un omicidio. Spetterà alla giovane e curiosa detective Bundle indagare sul caso di omicidio, che finirà per cambiare la sua vita.
Chris Chibnall (Broadchurch, Doctor Who) è lo sceneggiatore e produttore esecutivo della serie misteriosa in tre parti, che uscirà il 15 gennaio. Anche il pronipote di Christie, James Prichard, sarà produttore esecutivo della serie attraverso la Agatha Christie Limited.
Foto Simon Ridgway/Netflix
Seven Dials di Netflix è solo il secondo adattamento in assoluto del romanzo giallo di Christie. Il primo tentativo fu il film TV del 1981, diretto da Tony Wharmby. Cheryl Campbell interpretava Blundle, mentre il resto del cast includeva John Gielgud, Harry Andrews, James Warwick e Lucy Gutteridge.
Christie è considerata una delle scrittrici più prolifiche del genere giallo, che le è valso persino i titoli di “Regina del mistero” e “Regina del crimine”. Molte delle sue opere sono state adattate per il grande e il piccolo schermo, tra cui i famosi film di Hercule Poirot di Kenneth Branagh.
Sebbene Poirot e Miss Marple siano alcuni dei personaggi più popolari della Christie, non sorprende che Seven Dials sia stato adattato solo due volte. Il romanzo del 1929 non ricevette recensioni entusiastiche al momento della sua pubblicazione, con molti che espressero il loro disappunto per il cambiamento di stile rispetto alle opere tipiche della Christie.
Foto Simon Ridgway/Netflix
Il personaggio di Bundle è stato introdotto per la prima volta in un romanzo precedente della Christie, The Secret of Chimneys, pubblicato nel 1925. La giovane mondana è descritta come una “it girl” che brama avventure ed emozioni forti, cosa non convenzionale per le donne del suo tempo.
Agatha Christie’s Seven Dials sarà disponibile su Netflix dal 15 gennaio.
Dopo il successo di Alien: Romulus(qui la nostra recensione) nel 2024, era quasi inevitabile che la saga di Alien proseguisse. Il film di Fede Álvarez, che ha riportato in auge il celebre universo creato da Ridley Scott, ha conquistato pubblico e critica grazie al suo ritorno all’horror claustrofobico e viscerale delle origini. Ora, i fan possono esultare: Alien: Romulus 2 è ufficialmente in cantiere.
Álvarez, che ha scritto anche parte della sceneggiatura del seguito, non tornerà però dietro la macchina da presa, lasciando il posto a un nuovo regista ancora da annunciare. Tutto lascia intendere che il secondo capitolo continuerà la storia di Rain e Andy, i due protagonisti sopravvissuti al massacro del primo film, interpretati rispettivamente da Cailee Spaeny e David Jonsson. La loro sopravvivenza era già un chiaro indizio che la saga avrebbe avuto un seguito, e la loro popolarità ha reso naturale costruire il nuovo film intorno a loro.
Ma se Alien: Romulus 2 promette di ampliare il racconto, non può evitare di confrontarsi con un problema che aleggia da anni sul franchise: l’incompiuta storia dei prequel di Ridley Scott, ovvero Prometheus (2012) e Alien: Covenant (2017).
Quando Scott decise di tornare nel mondo che aveva creato nel 1979, lo fece con un approccio ambizioso e atipico. Prometheus non voleva semplicemente raccontare un’altra storia di mostri nello spazio, ma indagare le origini stesse della vita e dell’umanità, toccando temi filosofici e religiosi. Il film, pur ambientato nello stesso universo di Alien, sembrava quasi un’altra cosa: più misterioso, più astratto, e volutamente distante dai codici horror che avevano reso la saga famosa.
Con Alien: Covenant, Scott cercò un equilibrio, riportando gli xenomorfi sullo schermo ma senza abbandonare del tutto le domande metafisiche aperte da Prometheus. Il risultato fu un film che mescolava azione e riflessione, ma che non riuscì a soddisfare tutti. Molti spettatori si sentirono disorientati: troppo diverso per essere un Alien tradizionale, troppo legato ai simbolismi di Scott per essere puro intrattenimento.
Col tempo, però, entrambi i film sono stati rivalutati. Oggi molti fan li considerano opere imperfette ma affascinanti, capaci di espandere la mitologia della saga in direzioni nuove. Eppure, resta un fatto: quella storia non è mai stata completata.
Il finale di Alien: Covenant lasciava aperti innumerevoli interrogativi. Chi sono veramente gli Ingegneri, la razza che avrebbe creato l’umanità e che, per motivi misteriosi, voleva poi distruggerla? Da dove provengono? Qual è il loro legame con gli xenomorfi? E perché hanno abbandonato i loro piani? Le risposte sembravano a portata di mano, ma non sono mai arrivate.
Al centro di tutto c’è David, l’androide interpretato da Michael Fassbender, uno dei personaggi più inquietanti e complessi del franchise. Alla fine di Covenant, si capisce che il suo obiettivo è creare una razza perfetta di xenomorfi, di cui essere il dio e il padrone. Ma il film si interrompe proprio quando il suo progetto sembra cominciare, lasciando intendere che ci sarebbe stato un capitolo successivo in cui il suo piano avrebbe raggiunto l’apice. Quel film, però, non è mai stato realizzato.
Anche l’origine stessa degli xenomorfi è rimasta confusa. Prometheus e Covenant suggeriscono che le creature siano frutto di una lunga catena di esperimenti biologici, manipolazioni genetiche e incidenti evolutivi, ma i dettagli restano oscuri. Scott aveva promesso altri due o tre prequel per completare il quadro e collegarsi direttamente al Alien del 1979, ma il tiepido successo di Covenant fece sfumare i progetti.
Quando poi la Disney acquistò la 20th Century Fox, la direzione cambiò: invece di concludere la visione di Scott, lo studio preferì tornare a un film più tradizionale, più vicino all’horror originale. Così nacque Alien: Romulus.
Credit 20th Century Studios
La mitologia costruita da Scott è troppo importante per essere ignorata
Ridley Scott, nel frattempo, ha espresso opinioni contraddittorie. In alcune interviste ha detto di aver “già dato abbastanza” alla saga, in altre ha lasciato intendere che tornerebbe a dirigerne un altro prequel se trovasse “l’idea giusta”. Questa incertezza ha lasciato il franchise in una sorta di limbo creativo: la mitologia costruita da Scott è troppo importante per essere ignorata, ma al tempo stesso troppo incompleta per integrarsi del tutto con i nuovi film.
Non si può dire che questa mancanza renda Alien: Romulus un film peggiore, ma è innegabile che pesi sulla sua ricezione. Guardando il film, è difficile non pensare a tutto ciò che Prometheus e Covenant hanno lasciato in sospeso: gli Ingegneri, David, il mistero delle origini. Álvarez ha inserito piccoli riferimenti, come la famosa “sostanza nera” di Prometheus, ma è chiaro che quella non era la sua storia da raccontare.
E adesso Alien: Romulus 2 eredita lo stesso problema. I fan, naturalmente, cercano di “collegare i puntini”, di trovare un senso unitario tra vecchi e nuovi film. Ma finché Scott non concluderà la sua trilogia dei prequel, ogni nuovo capitolo porterà con sé questo peso narrativo. È come avere un facehugger invisibile nella stanza: anche se non lo si vede, tutti sanno che è lì, pronto a ricordare che la storia di Alien non è ancora completa.
Le nuove immagini di The Night Manager rivelano il ritorno di Tom Hiddlestondopo nove anni. A lungo in fase di sviluppo, la seconda stagione di The Night Managerriprenderà con Jonathan Pine, interpretato da Hiddleston, che assumerà una nuova identità e incontrerà un mix di volti familiari e nuovi. Il tanto atteso revival vedrà anche l’attrice premio Oscar Olivia Colman riprendere il ruolo di Angela Burr.
Vanity Fairha svelato le prime foto di Hiddleston e Colman mentre si girano per The Night Manager. La galleria, inclusa qui sotto, punta i riflettori su una coppia di membri del cast, come Diego Calva, star di Babylon e On Swift Horses, e Camila Morrone, attrice di Daisy Jones & The Six, nominata agli Emmy.
In programma sulla BBC e BBC iPlayer nel Regno Unito e in streaming su Prime Video negli Stati Uniti, la nuova stagione non ha ancora annunciato una data di uscita. Ma una serie di nuove foto offre un assaggio di ciò che ci si può aspettare dal thriller di spionaggio. È un mix di brivido e urgenza, poiché la spia interpretata da Hiddleston si ritrova in acque pericolose e deve bilanciare alleanze instabili.
La seconda stagione di The Night Manager è composta da sei episodi. Vedrà Jonathan Pine vivere come Alex Goodwin. Goodwin, un ufficiale di basso livello dell’MI6, gestisce una tranquilla unità di sorveglianza a Londra. Tuttavia, l’incontro con un vecchio mercenario al servizio di Roper (Hugh Laurie) catapulta il personaggio di Hiddleston in una nuova e pericolosa missione.
Tale missione metterà Goodwin in contatto con l’uomo d’affari colombiano Teddy Dos Santos (interpretato da Calva) e Roxana Bolaños (Morrone), una donna d’affari che aiuta Goodwin contro Teddy con riluttanza.
The Night Manager è basato sull’omonimo romanzo del 1993 di John le Carré.
Il thriller di spionaggio adattato è già stato rinnovato per la terza stagione, con la seconda in fase di riprese nel Regno Unito, in Colombia, in Spagna e in Francia. Tra gli attori che tornano ci sono Noah Jupe, protagonista di A Quiet Place, nel ruolo di Danny Roper, ormai cresciuto dopo quello che è successo a suo padre alla fine della prima stagione di The Night Manager, oltre ad Alistair Petrie nel ruolo di Alexander “Sandy” Langbourne, Douglas Hodge nel ruolo di Rex Mayhew e Michael Nardone nel ruolo di Frisky.
Con un cast che include Indira Varma, Paul Chahidi e Hayley Squires, e il creatore della serie David Carr che torna come produttore esecutivo, The Night Manager ha il potenziale per diventare una delle migliori serie su Prime Video. Si basa sulle opere di uno degli scrittori di thriller più influenti, ma offre un tocco unico per un ritorno molto atteso.
Ibelin, una storia vera e stimolante legata a World of Warcraft, ha scelto i primi sei attori protagonisti. Il film racconta la vita del giocatore Mats Steen, il cui avatar nel popolare gioco si chiamava Ibelin Redmoore.
Steen era affetto da una malattia muscolare degenerativa nota come distrofia muscolare di Duchenne. Nonostante le difficoltà che questo comportava, ha trascorso gran parte della sua vita giocando a World of Warcraft, dove è diventato un personaggio famoso e parte di una comunità più ampia. È scomparso all’età di 25 anni nel 2014.
Il film Ibelin, di prossima uscita, ha ora scritturato Charlie Plummer (The Long Walk), Stephen Graham (Adolescence), Toni Collette (Hereditary), Isabela Merced(The Last of Us), Maisy Stella (My Old Ass) e Anthony Hopkins (Il silenzio degli innocenti).
Ibelin è diretto da Morten Tyldum, che ha ricevuto una nomination all’Oscar come miglior regista per il suo lavoro in The Imitation Game (2014). Ha anche diretto il film romantico di fantascienza Passengers (2016) con Jennifer Lawrence e Chris Pratt.
La sceneggiatura di Ibelin sarà scritta da Ilaria Bernardini (Citadel: Diana) e Hossein Amini (The Wings of the Dove). Amini ha ottenuto una nomination all’Oscar come miglior sceneggiatura non originale per Le ali dell’amore, mentre Bernardini ha ricevuto una nomination ai BAFTA per il cortometraggio Chalk del 2012.
Oltre a descrivere la vita di Steen, Ibelin sarà basato sul blog Musings of Life del giocatore norvegese, dove ha scritto della sua vita sia dentro che fuori dal gioco. Il film includerà anche la storia dei compagni di gioco con cui ha stretto amicizia e della sua amorevole famiglia. Le riprese dovrebbero iniziare in Europa nella primavera o nell’estate del 2026.
Non è la prima volta che la storia di Steen viene raccontata, poiché è già stata immortalata in un documentario presentato in anteprima al Sundance Film Festival del 2024. Le recensioni di The Remarkable Life of Ibelin sono state incredibilmente positive, con critici e pubblico commossi dalla straordinaria storia. Il documentario candidato agli Emmy Award, disponibile su Netflix, esplora come i genitori di Steen pensassero che il figlio vivesse una vita isolata, solo per poi ricevere messaggi da tutto il mondo che lo piangevano.
Ibelin avrà sicuramente un successo maggiore rispetto a Warcraft(2016), il film tratto dal videogioco che ha ricevuto un punteggio critico del 29% su Rotten Tomatoes. Invece di adattare un universo immaginario, Ibelin racconta una storia completamente diversa e reale su un individuo la cui vita è stata cambiata per sempre dal gioco e dalla comunità che ha trovato al suo interno.
Secondo le recenti indiscrezioni, Martin Scorsese avrebbe scelto il suo prossimo progetto: un adattamento del romanzo “Cose che succedono la notte” di Francis Steegmuller, con Leonardo DiCaprio e Jennifer Lawrence nel cast. La conferma non è ancora ufficiale, anche in considerazione dei numerosi progetti che il regista ha sviluppato negli ultimi anni e che non hanno raggiunto la fase produttiva. Tuttavia, durante il tour promozionale del film Die My Love di Lynne Ramsay, Lawrence ha lasciato intendere che il progetto sia effettivamente in via di definizione, come riportato da IndieWire.
L’attrice ha indicato una possibile partenza delle riprese tra gennaio e febbraio, pur ammettendo che il calendario potrebbe subire variazioni. Altre fonti suggeriscono che l’inizio della produzione potrebbe essere posticipato, considerando il probabile coinvolgimento di DiCaprio nella campagna Oscar per la sua interpretazione in Una battaglia dopo l’altra. In tal caso, le riprese potrebbero slittare alla primavera.
Di cosa parla Cose che succedono la notte?
Cose che succedono la notte segue la storia di una coppia americana che si reca in una cittadina europea coperta di neve per adottare un bambino. Una volta arrivati, soggiornano in un grande hotel quasi deserto, popolato da figure enigmatiche: un cantante eccentrico, un uomo d’affari corrotto e una guaritrice dal forte carisma. Mentre la coppia tenta di riportare il bambino a casa, la situazione comincia a deteriorarsi e la realtà attorno a loro — così come il loro rapporto — inizia a sgretolarsi.
DiCaprio ha raccontato nel podcast The Big Picture che Scorsese gli avrebbe consigliato di rivedere “La donna che visse due volte” di Alfred Hitchcock come punto di riferimento per l’atmosfera del film. Il collegamento appare coerente con le tematiche del romanzo, che esplora una dimensione sospesa tra sogno e realtà e il tema dell’ossessione.
Al momento non sono disponibili ulteriori dettagli sulla produzione o sulla durata prevista del film. Cose che succedono la nottesi prospetta come un progetto differente rispetto alle recenti opere di Scorsese, dopo titoli di ampio respiro come The Irishmane Killers of the Flower Moon. Qualsiasi aggiornamento ufficiale su cast, calendario e distribuzione sarà annunciato dai canali di produzione nelle prossime settimane.
Il creatore di SupernaturalEric Kripke ha rivelato che inizialmente aveva in mente un finale molto diverso per il Supernaturalfinale della quinta stagione, completamente diverso da quello che abbiamo visto alla fine nella quinta o nella quindicesima stagione. I fan di Supernatural sanno che il finale della quinta stagione era il finale originale di Supernatural, ma che la serie è poi continuata per altre 10 stagioni.
Per questo motivo, la serie ha tecnicamente due finali: il finale della quinta stagione, “Swan Song”, che è ampiamente considerato uno degli episodi capolavoro di Supernatural, e il finale di Supernatural nella quindicesima stagione (la vera conclusione della serie). Ogni finale ha sicuramente i suoi pro e i suoi contro, e il dibattito su quale finale fosse migliore rimane aperto.
Tuttavia, sembra che ci fosse una terza opzione che non ha mai visto la luce, o che apparentemente non era nemmeno nota, che avrebbe significato un finale completamente diverso per Sam e Dean Winchester, e tutti dovrebbero essere molto sollevati che non sia mai successo.
Il finale originale della quinta stagione di Eric Kripke significava che la storia si sarebbe ripetuta
L’attore Rob Benedict, che interpreta Dio/Chuck, e l’attore Richard Speight Jr., che interpreta Loki/Gabriel/Trickster, conducono insieme un podcast di rivisitazione di Supernatural, Supernatural Then and Now, in cui parlano con gli attori, gli sceneggiatori e i creatori della serie, insieme a vari altri professionisti che hanno lavorato alla serie.
In un episodio di inizio anno, intitolato “Swan Song Part 2: Kripke Reloaded”, Benedict e Speight Jr. hanno incontrato il creatore di Supernatural Eric Kripke, che ha rivelato che c’era un altro finale alternativo per la serie. Kripke ha spiegato:
“Sam va all’inferno, Dean si fa il culo per cercare di tirarlo fuori in un montaggio, un po’ simile a quello che c’è lì, ma alla fine non ci riesce perché il grande cambiamento emotivo di Dean era che doveva imparare a lasciar andare suo fratello, giusto? … Quindi, penso che fosse più qualcosa del tipo: ‘Oh, dove è andato? Ma lo lascerò andare’”.
Ma questo era ben lontano dall’essere la fine della storia di Dean in questo finale alternativo. Kripke ha invece rivelato che il finale della quinta stagione avrebbe mostrato la storia che si ripete per Dean Winchester in un modo davvero terrificante. Kripke ha spiegato:
“Poi Dean torna da [Lisa] e hanno un bambino, una bambina, che lui chiama Samantha. E poi l’immagine finale sarebbe stata lui con Samantha, che bacia Samantha e poi bacia, sapete, [Lisa], e mette la bambina nella culla, poi se ne vanno, spengono la luce, e poi una figura oscura si avvicina alla culla, e si torna al teaser di Supernatural, quindi c’è una figura oscura, e poi è come un blackout totale, e la forte implicazione è che tutto ricomincerà da capo. Quindi, Dean diventerà John, Samantha sarà la nuova cacciatrice di demoni, sua moglie sarà sul soffitto e Sam ovviamente tornerà dentro.
Questo finale avrebbe cambiato drasticamente la conclusione di Supernatural in molti modi. Per prima cosa, ovviamente, Dean avrebbe avuto un bambino, cosa che non è mai successa nella serie. In realtà, il vero finale di Supernatural ha essenzialmente ribaltato questa narrazione, con Sam che è quello che ha un figlio e gli dà il nome di Dean.
Oltre a questo significativo cambiamento, però, questa conclusione non avrebbe visto la storia di Dean e Sam andare avanti; invece, tutto sarebbe ricominciato da capo, trascinando con sé una nuova generazione. È vero che il finale effettivo di Supernatural è stato controverso, ma questo sarebbe stato un finale ancora peggiore per la serie.
Questo finale sarebbe stato completamente insoddisfacente
Vedere la storia ripetersi sarebbe stato un finale del tutto insoddisfacente. Forse l’aspetto più frustrante di questo arco narrativo sarebbe stato vedere Dean diventare come suo padre. I fan sono molto divisi quando si tratta di esprimere opinioni su John Winchester. Alcuni spettatori provano empatia per lui e credono che abbia fatto del suo meglio, mentre altri pensano che fosse un padre terribile.
Anche le star di Supernatural hanno fatto riferimento alla paternità di John e, nella serie stessa, è un argomento con cui i fratelli devono confrontarsi. Tuttavia, è lecito supporre che la maggior parte degli spettatori avrebbe avuto dei problemi con il fatto che Dean diventasse suo padre. Dopotutto, una delle cose che definiva il rapporto di Dean con Sam era il modo diverso in cui lo trattava.
Per molti versi, Dean era la vera figura paterna di Sam, poiché si prendeva sempre cura di lui; John, al contrario, sembrava mettere sempre la caccia al primo posto. Vedere questo accadere a Dean, che era sempre stato così contrario al comportamento di suo padre, sarebbe stato davvero straziante e avrebbe tradito la caratterizzazione di Dean che era stata costruita nel corso di cinque stagioni.
Inoltre, sapere che i fratelli alla fine non erano davvero sfuggiti a nulla ed erano destinati a entrare nello stesso ciclo brutale e tragico sarebbe stato più che deprimente. In un certo senso, questo avrebbe dato l’impressione che tutto ciò che avevano fatto fosse stato inutile. Anche Eric Kripke sembra esserne consapevole, come ha detto a Benedict e Speight Jr.:
“Quello era il finale, era pieno di punti interrogativi e non era un lieto fine. Era come se fosse un film horror, sapete, con Jason che alla fine salta fuori dall’acqua”.
I fan rimangono divisi sul fatto che Supernatural abbia concluso bene la serie – e ammetto di avere anch’io qualche problema con il finale della stagione 15 – ma se questo finale alternativo fosse stato davvero la conclusione della serie, sarebbe stato molto peggiore del finale che abbiamo avuto nella stagione 5 o nella stagione 15.
Sia il finale della stagione 5 che quello della stagione 15 sono migliori di questo finale
Molti considerano “Swan Song” uno dei migliori episodi di Supernatural, e a ragione. Anche se a suo modo è stato straziante, questo episodio ha chiuso il cerchio della storia di Sam e Dean, e sembrava il vero culmine di tutto ciò che era successo fino a quel momento nella serie.
In realtà, la storia non è mai stata così coerente come in quell’arco narrativo di cinque stagioni, in cui Sam e Dean sono rimasti coinvolti nell’epico scontro tra Lucifero e Michele. Ciononostante, molti erano felici di avere più tempo con Dean e Sam, che alla fine si è tradotto in un intero decennio in più contenente alcune delle storie e dei personaggi più amati di Supernatural.
Tuttavia, soprattutto a causa del modo in cui Dean è morto nel finale della serie, la conclusione della stagione 15 si è rivelata molto meno popolare come finale. Molti sono rimasti scontenti nel vedere Dean morire combattendo un comune vampiro piuttosto che in modo eroico ed epico, e sapere che Sam ha vissuto decenni senza suo fratello è stato come versare sale sulla ferita.
Per quanto alcuni possano trovare deludente questa conclusione, tuttavia, il piano originale di Eric Kripke sarebbe stato il peggiore dei tre finali. Sì, la morte di Dean è stata devastante (e frustrante sotto molti aspetti), ma almeno non ha compromesso la serie. Si può dire che abbia fatto il contrario, uccidendo Dean nel modo in cui lui aveva sempre immaginato di morire.
Premere il pulsante di reset sulla storia di Sam e Dean, ora con una nuova generazione soggetta agli stessi orrori che hanno vissuto loro, sarebbe stato come uno schiaffo in faccia ai fan, quindi sono davvero incredibilmente felice che il finale originale di Supernatural di Eric Kripke non sia mai stato realizzato.
Tuttavia, solo quando Trachtenberg ha mostrato il montaggio finale a Cameron, questi ha rivelato di non essere stato molto sicuro del film all’inizio. Ma ha detto a Trachtenberg di “avercela fatta”. Il regista di Predator: Badlands ha paragonato la dichiarazione di Cameron a qualcosa che aveva bisogno di sentirsi dire in quel momento per rendere il film il migliore possibile:
Dopo che Skeet Ulrich di Scream ha confermato la sua partecipazione a Five Nights at Freddy’s 2, il trailer rivela finalmente la sua prima apparizione, apparentemente nei panni di Henry Emily. Mentre Mike indaga, scopre la verità su ciò che è successo alla sua defunta figlia dopo aver saputo dei cinque bambini scomparsi.
Anche se Buffy the Vampire Slayer ha un tono completamente diverso, questa serie cult ha definito il modello del “mostro della settimana”. Ogni episodio presentava una nuova creatura o minaccia da affrontare, e questa formula episodica le dava un ritmo irresistibile.
Un altro titolo fantasy interessante è The Magicians, una serie piena di toni ironici e surreali, ma con un grande successo di critica: tutte e cinque le stagioni sono “Certified Fresh” su Rotten Tomatoes.
Le trasposizioni da videogiochi al cinema o in TV sono spesso rischiose, ma Arcane, ispirata all’universo di League of Legends, è stata un successo totale. La serie animata vanta un rarissimo 100% su Rotten Tomatoes, superando di gran lunga The Witcher.
Basata sulla trilogia Queste oscure materie di Philip Pullman, questa serie è un altro adattamento letterario di successo. Il suo percorso è stato inverso a quello di The Witcher: una partenza discreta con la prima stagione, seguita da un costante miglioramento nei capitoli successivi.
Nel panorama fantasy televisivo mancano spesso storie di high fantasy puro, ambientate in epoche mitiche. Merlin, che rilegge le leggende arturiane, è un esempio perfetto del genere. Anche se talvolta un po’ ingenua, ha guadagnato sempre più consensi con il passare delle stagioni.
Per chi ama il lato più oscuro e maturo del fantasy, The Sandman è un’ottima alternativa. Basata sull’omonimo fumetto di Neil Gaiman, la serie mescola mitologia, filosofia e oscurità gotica, mantenendo un eccellente 82% su Rotten Tomatoes.
Se si cerca un’alternativa più vicina al cuore di The Witcher, la risposta è Castlevania. Anche qui troviamo un cacciatore di mostri, un’ambientazione gotica e toni da dark fantasy. Ma la differenza sta nella qualità: Castlevania ha ottenuto valutazioni altissime, con punte del 100% su Rotten Tomatoes.
Per chi apprezza l’umorismo intelligente e il tono ironico che caratterizzava in parte The Witcher, Good Omens è un piccolo gioiello. Anche qui troviamo la mano di Neil Gaiman, ma in una chiave più brillante e surreale.
Infine, nessun elenco di grandi serie fantasy sarebbe completo senza 
