Fin dalla sua presentazione alla Mostra del Cinema di Venezia, Adagio è stato accolto come un film profondamente radicato nella realtà, tanto da sollevare una domanda ricorrente: quanto di ciò che vediamo è tratto da fatti veri? Per rispondere bisogna prima comprendere il modo in cui Stefano Sollima costruisce il proprio cinema. Il regista non lavora quasi mai sull’adattamento diretto di eventi reali, ma su ciò che definisce “un realismo di sistema”: la capacità di raccontare dinamiche, atmosfere e meccanismi di potere che esistono davvero, anche se incarnati da personaggi e situazioni fittizie.

Adagio (la recensione), in questo senso, non è basato su una singola storia vera, ma è composto da tessere reali che riflettono il volto più oscuro della capitale. La trama inventata dialoga costantemente con la cronaca, con le inchieste, con gli scandali di corruzione e con la memoria criminale di Roma, restituendo un racconto che finge la finzione solo per poter dire la verità in modo più profondo.

Criminalità, corruzione e ricatti sessuali: elementi che rimandano a veri casi di cronaca

Una delle domande più frequenti riguarda il ricatto sessuale ai danni di un ministro ripreso in una festa orgiastica. Questo elemento, pur non essendo la ricostruzione di un caso specifico, riflette dinamiche emerse più volte nelle cronache italiane. La presenza di feste private in cui circolano droga, denaro e compromessi è documentata da indagini giudiziarie che negli anni hanno coinvolto imprenditori, politici e figure di potere. Sollima non copia un fatto preciso, ma prende nota di un meccanismo di sfruttamento e ricatto che in Italia – e in particolare a Roma – ha una lunga storia, dall’affaire Marrazzo fino ai casi legati a escort, minori e video amatoriali usati come arma politica o criminale. Anche la figura di Vasco, il maresciallo corrotto del ROS che gestisce materiale compromettente per conto di poteri oscuri, riflette un tipo di deviazione istituzionale non immaginaria. Nella realtà italiana, episodi di corruzione interna, dossieraggio illegale e rapporti opachi tra forze dell’ordine e criminalità organizzata sono stati al centro di commissioni parlamentari, indagini e sentenze. Adagio amplifica queste dinamiche ma non le inventa.

La banda della Magliana e l’eredità criminale: come il film dialoga con la storia di Roma

I personaggi di Daytona, Polniuman e soprattutto del Cammello appartengono dichiaratamente alla “tradizione” criminale della banda della Magliana, anche se non rappresentano individui realmente esistiti. Sollima non vuole rievocare i singoli membri dell’organizzazione, ma evocare un immaginario che la città conosce bene. La Magliana è stata uno snodo cruciale nella storia criminale italiana: un punto di contatto tra criminalità comune, terrorismo nero, servizi deviati, narcotraffico e giochi di potere che hanno attraversato Roma dagli anni ’70 agli anni ’90. Nel film, questi ex gangster diventano simboli di un mondo che sta scomparendo: uomini che hanno perso figli, libertà, salute e identità in una spirale di violenza che non produce né gloria né ascese epiche. Sono figure ispirate ai tanti “cattivi minori” della cronaca giudiziaria, persone schiacciate tra istituzioni deviate e clan criminali. In questo senso Adagio è profondamente realistico: non nel dettaglio biografico, ma nell’atmosfera di decadenza e di disgregazione morale che accompagna la fine di un’epoca criminale romana.

Gli incendi, i blackout e la Roma distorta: perché non sono invenzioni fantascientifiche

Una delle peculiarità del film è l’ambientazione in una Roma soffocata da incendi, roghi tossici e cali di tensione. Molti spettatori hanno pensato a un’operazione quasi distopica, ma Sollima stesso ha chiarito che si tratta di elementi realistici. Negli ultimi anni, Roma è stata colpita da numerosi incendi negli impianti AMA, da roghi nelle periferie, da black-out a catena che hanno messo in ginocchio interi quartieri. L’estetica apocalittica di Adagio nasce proprio da questo: la città è raccontata com’è, solo portata al limite per rendere visibile ciò che normalmente resta sullo sfondo. Non è futuro, non è fantascienza: è la Roma che, nei mesi estivi, si sveglia con l’odore di bruciato, con i palazzi anneriti, con le luci che saltano, con un trasporto pubblico spesso paralizzato. È un realismo spinto, che trasforma fatti diffusi ma quotidiani in un dispositivo narrativo coerente.

Il rapporto padre-figlio e il tema del riscatto: gli unici elementi davvero finzionali

Se molti aspetti del contesto derivano da realtà verificabili, la parte più marcatamente inventata del film è quella che riguarda il rapporto tra Manuel e le tre figure paterne della sua vita. Sollima definisce Adagio come il suo film più intimo, e ciò significa che la struttura emotiva – colpa, protezione, sacrificio, amore tardivo – è meno legata alla cronaca e più vicina a un impianto tragico universale. Il percorso di Manuel non ha un correlativo reale preciso: è la sintesi narrativa di tanti adolescenti cresciuti ai margini, sfruttati da adulti che cercano di manipolarli, e costretti a sopravvivere in un contesto in cui la famiglia biologica, quella scelta e quella criminale si sovrappongono fino a confondersi. In questo senso, la storia vera non è una storia singola, ma un insieme di storie invisibili che alimentano la cronaca nera di Roma e che il film traduce in forma cinematografica.

Adagio non è tratto da una storia vera, ma racconta verità che appartengono alla città

Il film non ricostruisce un caso giudiziario e non mette in scena fatti avvenuti punto per punto. Però racconta esattamente la Roma che chi ci vive conosce: una città dove la criminalità non è più glamour, dove i residui della banda della Magliana convivono con nuove forme di potere corrotto, dove i minori possono essere usati come strumenti di ricatto, e dove le istituzioni non sono sempre un antidoto al male, ma talvolta ne diventano il motore più subdolo. Adagio è una storia inventata che si regge su verità radicate nella cultura, nella memoria e nelle contraddizioni della capitale. Non è un fatto reale: è un fatto verosimile. Ed è proprio questa verosimiglianza a renderlo così disturbante.

Il thriller cult La mano sulla culla è stato rivisitato per un pubblico moderno e termina in modo più stimolante rispetto all’originale. Interpretato da Mary Elizabeth Winstead e Maika Monroe, il film è incentrato sull’avvocato Caitlin Morales che, dopo aver dato alla luce il suo secondo figlio, accoglie nella sua casa Polly Murphy, un’assistente all’infanzia in difficoltà, come nuova baby-sitter, ignara dei suoi piani di distruggere la sua famiglia armoniosa.

Dopo essere inizialmente riuscita a far sembrare Caitlin un pericolo per la famiglia, il finale di La Mano sulla Culla vede la protagonista scoprire finalmente la verità su Polly, il cui padre aveva abusato di Caitlin quando era più giovane. Non essendo riuscito a convincere nessuno, viene bruciato vivo dal personaggio interpretato dalla Winstead, causando anche la morte di tutta la famiglia di Polly. Dopo una lotta in cui Caitlin è stata pugnalata ma ha brevemente sopraffatto Polly, ha tentato di fuggire in auto con la figlia neonata, mentre Polly ha attaccato il parabrezza ed è morta dopo che si sono schiantate contro un’auto che sfrecciava nel quartiere.

Prima dell’uscita del film, Screenrant ha intervistato Maika Monroe, Mary Elizabeth Winstead e Mileiah Vega per discutere di La Mano sulla Culla. Alla domanda sul finale del film, che “sfuma davvero i confini tra vittima e cattivo”, la Winstead ha affermato che il climax “non è affatto trionfante” né per Caitlin né per Polly, cosa che le è piaciuta molto del finale.

Per quanto riguarda il suo personaggio, in particolare, Winstead ha sottolineato che gran parte della vita di Caitlin era stata caratterizzata da “tanti traumi repressi” e che lei stava “cercando intenzionalmente di andare avanti senza guarire davvero”. Pertanto, la personalità che seguiamo nel remake è “una persona completamente nuova” piuttosto che la vera Caitlin di quando era bambina, anche se “è impossibile fuggire da qualcosa del genere”:

Nel film, il rapporto con Polly è stato un fattore scatenante che ha fatto esplodere tutto, ma alla fine Caitlin deve essere se stessa. Non le è rimasto altro che la sua vera identità e, in un certo senso, questo è un sollievo. Tuttavia, c’è una grande tristezza nel fatto che sia finita in questo modo.

Nonostante il film finisca con Caitlin che riesce a scappare e uccide Polly, Winstead non lo vede come “un finale trionfante in cui alla fine si cattura il cattivo”. Al contrario, sente che “c’è sollievo nel fatto che, almeno ora, Caitlin possa essere semplicemente se stessa”, pensando che questo potrebbe “portarla a essere più felice in futuro”.

Per quanto riguarda Monroe, ha sentito che “era la cosa più importante per me amare davvero questo personaggio” per permettere a Polly di essere più di una semplice cattiva nel film. Questo non solo ha permesso alla star di “capirla”, ma anche di “non giudicare” le sue azioni e motivazioni, ed ha espresso la sua speranza che “le persone provino simpatia per lei” e che potenzialmente ne traggano “un po’ di comprensione per l’origine della sua rabbia”:

Ho dovuto interpretare il ruolo, ma gran parte di esso era già scritto nella sceneggiatura. Io e la [regista] Michelle [Garza Cevera] abbiamo parlato a lungo della sua infanzia, analizzando le conseguenze di quel trauma.

Tutto quello che abbiamo imparato sul cast di La mano che culla la culla

Maika Monroe: Adoro il genere horror e i film più spaventosi per me non devono necessariamente essere sanguinosi o disgustosi. Sono le cose che sembrano credibili, quelle a cui penso quando vado a dormire la sera. Ecco perché penso che questo film sia davvero realistico, ed è questo che lo rende davvero inquietante e disturbante. Mary

Elizabeth Winstead: Sì, esattamente. Ti affezioni così tanto ai personaggi, che sembrano così reali. Abbiamo cercato di creare questo senso di connessione, di rendere reali questi personaggi, in modo che lo spettatore possa percepire la loro paura e la loro ansia, immedesimarsi in loro e intraprendere questo viaggio terrificante.

Mary Elizabeth Winstead: Michelle è una collaboratrice incredibile, e la cosa che mi è piaciuta di più è stata poter parlare con lei del passato di Caitlin, di chi è e di come si presenta agli altri, scoprendo tutti gli strati intermedi. La cosa che mi piace di più è interpretare un personaggio che nasconde qualcosa, consciamente o inconsciamente, e che non è realmente se stesso. Poco a poco, si arriva a rivelare di cosa si tratta, il che è una sfida incredibile e molto divertente da affrontare come attore. Quando tutti quelli che ti circondano sono super talentuosi, è davvero facile. Si mettono insieme tutti i pezzi prima di iniziare, poi ci si presenta e lo si fa insieme. È il massimo.

Mileiah Vega: Adoro guardare i film thriller, sono così divertenti! Il fatto di poter recitare in uno di essi è fantastico. Questo è il mio primo grande film ed è stato fantastico. In realtà è stato molto divertente perché ho dovuto fare molti provini e richiami, e poi un giorno ero a casa mia a disegnare. Mia madre è entrata nell’ufficio e stava parlando al telefono con la signora Michelle. Mi ha passato il telefono e la signora Michelle mi ha detto: “Mileiah, hai ottenuto la parte!”. Ho iniziato a piangere. È stato fantastico!

Mileiah Vega: La cosa davvero fantastica del lavorare con lei, e del modo in cui mi ha aiutato con quelle scene, è che mi ha dato molti consigli di recitazione. Mi ha dato alcuni spunti su cui riflettere, che mi hanno aiutato molto. Mi ha semplicemente detto che, ogni volta che la scena diventava troppo difficile per me o succedeva qualcosa, potevo sempre chiedere cinque minuti di pausa. Questo mi ha aiutato molto, perché potevo davvero fare una pausa per calmarmi.

Mileiah Vega: È bello cambiare emozioni così rapidamente, ma è stato un po’ difficile perché non abbiamo girato le scene in ordine. Quindi, un giorno ero super felice e il giorno dopo dovevo essere emotiva e super triste. È stata una sfida, ma credo che in realtà mi abbia aiutato a migliorare. La mia insegnante di recitazione, la signora Kimberly, è stata molto gentile. Mi ha aiutato a entrare nella mente del personaggio. Per Emma, ho dovuto pensare molto a come si sente in ogni scena. Quando dicono “cut”, posso semplicemente tornare a essere Mileiah, ma devo ricominciare a entrare nella modalità Emma quando stiamo per girare di nuovo.

Mileiah Vega: Ho cercato di portare il più possibile in Emma perché quando Michelle ed io ci siamo incontrate di persona per uno dei richiami, abbiamo parlato di come rendere Emma più simile a me, in modo che mi sentissi più a mio agio con il ruolo. Mi piace il colore verde, quindi la signora Michelle ha fatto del verde il colore preferito di Emma. Suono il pianoforte, quindi in una delle scene si vede che Emma ha un pianoforte nella sua stanza.