Virgin River ha ottenuto un rinnovo record. La serie romantica di Netflix, che ha debuttato nel 2019, è basata sulla serie di romanzi omonima di Robyn Carr e segue le vite degli abitanti di una piccola città nel nord della California. Il cast principale della serie, che è già pronto a continuare con la prossima Virgin River – stagione 6, include Alexandra Breckenridge, Martin Henderson, Colin Lawrence, Annette O’Toole, Tim Matheson e Ben Hollingsworth.
Secondo Deadline, Netflix ha ufficialmente rinnovato Virgin River per una settima stagione di 10 episodi. La notizia arriva quasi due mesi prima della premiere della sesta stagione. Questo rinnovo farà sì che la serie batta il record della piattaforma di streaming per la serie drammatica in lingua inglese più longeva, eguagliando le sette stagioni della commedia Grace and Frankie e della serie drammatica Orange is the New Black.
L’unica altra serie ad aver avuto più stagioni è il teen drama spagnolo Elite, che si è concluso a luglio dopo otto stagioni. Virgin River è ora anche la serie originale più longeva di Netflix.
Cosa significa il rinnovo di Virgin River per Netflix
Le serie future potrebbero avere una possibilità
Una cosa per cui Netflix è diventata famosa è la chiusura delle sue serie dopo poche stagioni. Già nel 2019, THR riportava che molte delle serie della piattaforma, anche quelle con un forte seguito, venivano cancellate alla terza o quarta stagione per una serie di motivi finanziari, tra cui evitare di rinegoziare i contratti dei talenti e non pagare compensi più alti a chi lavora davanti e dietro la telecamera. Questo potrebbe anche essere il motivo che ha portato alla creazione di spin-off di serie cancellate o in fase di conclusione, tra cui lo spin-off di Big Mouth, Human Resources, e il prequel di Money Heist, Berlin.
Alcune delle serie popolari della piattaforma sono riuscite a raggiungere una longevità contro ogni previsione.
Il fatto che sia in fase di sviluppo uno spin-off prequel, incentrato sui genitori di Mel (Breckenridge), avrebbe potuto segnare la fine della serie drammatica. Tuttavia, l’annuncio che il cast di Virgin River si riunirà ancora una volta per una settima stagione continua a sottolineare il fatto che alcune delle serie popolari dello streamer sono in grado di raggiungere una longevità contro ogni previsione.
Dopo l’anteprima internazionale al Festival di Cannes 2024, arriva in sala Parthenope, l’ultimo inafferrabile e affascinante lavoro di Paolo Sorrentino, che dopo E’ stata la mano di Dio, rimane nella sua città per raccontarla da un punto di vista diverso. Nel film precedente, il regista aveva inquadrato la Napoli della sua infanzia, della sua adolescenza, intorno a un racconto molto personale e intimo, qui invece Sorrentino tenta la strada dell’allegoria in cui Parthenope è Napoli e Napoli è Parthenope, una donna splendida e inafferrabile e inconoscibile che si muove trai piani dell’esistenza.
Il film è il racconto della vita di questa donna dal nome rivelatore, nasce nel mare, forse dal mare, ai piedi del Vesuvio e come la città che la vede nascere ha molte facce, molti mondi e desideri. Dalla sua nascita, nel 1950, ai giorni nostri, la donna cresce e progredisce, attraversando l’esistenza e i suoi misteri.
Parthenope è nettamente diviso tra storia e metafora
In una durata importante ma doverosa (e mai fastidiosa), Sorrentino dipana un doppio racconto, scandito da un evento tragico e trasformante e che divide a tutti gli effetti il film in un primo e un secondo tempo, in cui la prima parte è un classico racconto di formazione che cede il passo, nella seconda metà, a una storia frammentata, metaforica, più evocativa e poetica, senza dubbio più interessante ma anche meno comprensibile.
Un film che si trasforma da racconto di formazione in viaggio, strutturato in tappe nelle quali Parthenope incontra tanti aspetti dell’umanità. Fa i conti con la fede, quella popolare e quella politica, con la blasfemia, con la cultura accademica, con il mondo dell’arte e della recitazione, con la mafia addirittura, con il calcio, con l’antropologia. Sospesa, come l’interpretazione della splendida Celeste della Porta, non si fa conoscere né attraversare da nessuno, preferisce la risposta a effetto, la frase fatta e indimenticabile piuttosto che la verità, ma da tutti assorbe conoscenza e sapere, esperienza, e accumula così storia, proprio come Napoli, dai mille colori e sapori e mai comprensibile appieno.
“A tien’ na cos’ a racconta’?”
Paolo Sorrentino sembra dimenticare è il fine ultimo del racconto. In E’ stata la mano di Dio, Antonio Capuano diceva: “A tien’ na cos’ a racconta’?”, ovvero “Hai qualcosa da raccontare?” a un titubante Fabietto. Ebbene questo sembra proprio quello che manca a Sorrentino, in questo film, ovvero “la cosa” da raccontare. E questo problema si avverte principalmente nell’andamento ondivago del film, soprattutto nella seconda parte, meno coesa da un punto di vista narrativo.
Un altro aspetto critico ma interessante di Parthenope è il linguaggio. Sorrentino si ostina a presentare dei personaggi che parlano tutti alla stessa maniera, assertivi e vuoti, per frasi a effetto. Tutti declamano le loro battute in una costante ricerca del tono e della costruzione spettacolare della frase. Se da un punto di vista del fruitore questa caratteristica del film può diventare ridondante, potrebbe anche essere il tentativo di voler raccontare un mondo in cui la teatralità di ciò che si dice è sempre più importante di quello che viene detto. In questo modo si sfugge alla noia, alla verità, alla riflessione interiore che tanto spaventa, come si vede in rare eccezioni, come l’attrice di Luisa Ranieri o il professore di Antropologia di Silvio Orlando. Parthenope è maestra di questo linguaggio spettacolarizzante, ricercando sempre l’uscita geniale, il colpo di teatro, rispetto alla risposta, al contenuto.
La spettacolarizzazione del linguaggio come imitazione della napoletanità
In realtà questo modo così distraente di esprimersi potrebbe anche essere un omaggio di Paolo Sorrentino che prova a mettere in scena in maniera alta e colta l’essenza della “napoletanità”, nel suo film più “territoriale” (fino a questo momento): fare della frase a effetto un modus per affrontare le situazioni, per fingere consapevolmente che i problemi non esistano.
Parthenope non è certo il film più compiuto di Paolo Sorrentino, il quale però allo stesso tempo fa un passo in avanti nella costruzione della sua mitologia cinematografica. Ha raccontato la decadenza, della Capitale, della politica, della società, e ha raccontato una Napoli, location intima della sua infanzia e adolescenza, adesso racconta la Napoli donna/città, un’operazione simile a quella che Fellini aveva fatto con il suo Roma. Al tempo la decisione di immortalare nella memoria collettiva anche Parthenope, così come ha fatto per uno dei capolavori di Fellini.
I thriller polizieschi, se ben fatti, lasciano sempre allo spettatore qualcosa su cui riflettere. Solitamente incentrati sulle vicende tra poliziotti buoni e cattivi, questo genere è noto per affrontare questioni filosofiche elevate quali l’onestà e la giustizia contrapposte alla sopravvivenza e alla sicurezza, che continuano a ronzare nella mente anche dopo la fine del film. L’ultimo film dello sceneggiatore e regista Andrea Di Stefano, L’ultima notte di Amore, dimostra che il regista sa come realizzare un thriller poliziesco per spettatori attenti, senza tralasciare gli elementi emozionanti tipici del genere.
L’ultima notte di Amore racconta la storia di Franco Amore (Pierfrancesco Favino), un poliziotto onesto che, a pochi giorni dalla pensione, decide con esitazione di lavorare come guardia del corpo per un uomo d’affari cinese. Il suo ultimo giorno di lavoro, la sua carriera immacolata viene messa a repentaglio quando un incarico va terribilmente storto.
Cosa succede in L’ultima notte di Amore?
Sono successe molte cose nell’ultimo giorno di lavoro di Franco Amore come agente di polizia. Solo dieci giorni prima aveva salvato la vita a un uomo d’affari cinese, Zhang Zhu, che sarebbe morto per un arresto cardiaco se Franco non fosse arrivato appena in tempo per rianimarlo. Cosimo, cognato di Franco, era in affari con Zhu e pensò che sarebbe stata una buona idea presentargli Franco e chiedergli di fornire un servizio di sicurezza per Zhu.
Franco, che aveva 35 anni di esperienza nelle forze dell’ordine, era il candidato ideale per quel tipo di lavoro. Non aveva l’aspetto minaccioso o duro degli altri agenti, cosa piuttosto insolita considerando che aveva dedicato tutta la sua vita a un lavoro così faticoso. Sua moglie, che ama profondamente, sembra essere la ragione di questo suo atteggiamento. Viviana, allegra e di buon carattere, ha sempre mantenuto viva la casa con la sua presenza. Non era il tipo di donna che lo avrebbe lasciato solo mentre lui era via per risolvere tutti i suoi problemi. Questo a volte irritava Franco, ma il più delle volte avere Viviana come compagna era di grande aiuto. Franco aveva anche una figlia dal precedente matrimonio che studiava all’estero. Presto Franco sarebbe andato in pensione e avrebbe avuto abbastanza tempo da dedicare anche a lei. Questa doveva essere la sua intenzione, ma il destino aveva altri piani.
Aveva salvato la vita a Zhu, lo aveva incontrato mentre era di guardia a Cosimo e aveva accettato di fornire a Zhu lo stesso tipo di servizio che aveva fornito a Cosimo. Aveva però detto al genero di Zhu che aveva delle condizioni che, se non fossero state rispettate, gli avrebbero impedito di fornire il servizio. Gli uomini di Zhu non avrebbero trasportato armi o stupefacenti sotto la sua sorveglianza. L’accordo era stato stipulato con chiarezza da entrambe le parti. Franco era un po’ preoccupato nel vedere alcuni criminali cinesi in cella, ma i soldi extra significavano che non avrebbe dovuto preoccuparsi di sopravvivere solo con la sua misera pensione. Un incarico arrivò proprio il giorno prima del suo pensionamento. Voleva rimandarlo, ma la somma ingente lo spinse ad accettare il lavoro. Franco non avrebbe mai dovuto accettare il lavoro, ma se ne rese conto troppo tardi, causando la morte del suo partner, Dino.
Come è morto Dino?
Pochi giorni prima del pensionamento, Franco parlò a Dino del lavoro. Il denaro sarebbe stato diviso e a Dino non dispiaceva accompagnare Franco. Anche Dino aveva un figlio piccolo e il lavoro non doveva essere pericoloso, o almeno così pensava. Considerando tutti questi fattori, Dino accettò. Il giorno prima del pensionamento di Franco, che era anche il suo compleanno, lui e Dino erano pronti a trasportare una coppia cinese a Zhu. Trasportavano qualcosa di grande valore in una valigetta, ma a Franco non importava. Il suo obiettivo era portare a termine il lavoro e andarsene con i soldi.
L’atmosfera si fece un po’ tesa quando il veicolo ebbe improvvisamente una gomma a terra. La coppia cinese si agitò e sia Franco che Dino fecero fatica a mantenerli calmi. Una macchina della polizia iniziò a seguire Franco, che fu costretto a fermarsi. Pensava di poter gestire la situazione, ma i due agenti dei Carabinieri che lo seguivano non gli diedero ascolto e non si curarono del fatto che fosse un poliziotto locale. La loro insistenza lo ha fatto dubitare delle loro intenzioni, ma prima che potesse decidere cosa fare, il cinese ha sparato a uno degli agenti. Tutto è andato a rotoli e tutti tranne Franco sono morti. Franco ha dato un’occhiata alla valigetta e ha trovato una scorta di diamanti. L’ha gettata su un ponte abbandonato e è scappato.
Perché Franco non si arrende?
Viviana, che aveva organizzato una festa a sorpresa per Franco, riceve la notizia quando Franco la chiama per chiederle di portargli dei vestiti puliti. Franco le racconta che il lavoro è andato male e che Dino è stato ucciso. Voleva andare alla polizia e raccontare tutto del suo legame con Zhang Zhu, ma Viviana lo ha fermato. Secondo lei, potevano scappare e ricominciare una nuova vita altrove. Tutta la sua carriera sarebbe stata rovinata se qualcuno avesse saputo del suo coinvolgimento negli omicidi. Ha cambiato idea e ha deciso di non costituirsi non per le fantasie di Viviana, ma perché aveva ancora la sensazione di poter risolvere il caso e scoprire chi c’era dietro il lavoro mal fatto.
Franco arrivò sulla scena del crimine dopo essersi presentato alla sua festa di compleanno, assicurandosi così un alibi. Lì vide che qualcuno aveva piazzato la pistola del cinese sul corpo di Dino, facendo sembrare che fosse stato lui a uccidere l’agente dei Carabinieri. Prima di morire, l’altro agente dei Carabinieri aveva composto un numero per chiamare i rinforzi. Franco aveva fotografato i tabulati delle chiamate prima di lasciare la scena del crimine, quindi sapeva che l’ultimo numero chiamato doveva essere quello del poliziotto che era arrivato sul posto e aveva piazzato la pistola su Dino. Ha composto il numero e ha scoperto che l’uomo era un altro agente dei Carabinieri che lo aveva visto scappare dalla scena del crimine. Rivelare il suo nome ai superiori avrebbe potuto significare finire in prigione. Franco rimane in silenzio sulla questione fino a quando non gli viene in mente una domanda: chi ha detto a questi poliziotti corrotti dei diamanti?
Spiegazione del finale di L’ultima notte di Amore: Franco è morto?
Dopo aver aiutato Viviana a trovare i diamanti, le disse di prendere Ernesto, il figlio di Dino, e di andare al villaggio di Dino fino al suo arrivo. Aveva finalmente capito chi c’era dietro la rapina. Prima di morire, l’agente dei Carabinieri aveva mostrato grande sorpresa e delusione perché le era stato detto che Franco non aveva sparato, sottintendendo che non si aspettava che lui avrebbe lasciato che il lavoro diventasse violento. Franco aveva sentito lo stesso identico commento da Cosimo, e solo lui sapeva che Franco avrebbe partecipato al lavoro. Franco capì quindi che era stato Cosimo a manipolarlo per farlo lavorare per Zhu, proprio perché pensava che avrebbe lasciato che i diamanti venissero portati via.
Franco va direttamente da Cosimo, lo cattura e lo porta da Zhu per rivelargli tutti i segreti. È qui che Cosimo rivela che è stato il genero di Zhu a ideare l’intero piano e che lui era solo un intermediario, che forniva gli agenti corrotti della Carabinieri con l’aiuto di suo cugino Tito. Franco non era ancora fuori dai guai. Zhu aveva perso i diamanti, che ora erano in possesso di Viviana. Quando gli viene chiesto di restituirli, Franco rifiuta come punizione per aver infranto l’accordo di non permettere a uomini armati di entrare nella sua proprietà. Se il cinese non avesse avuto la pistola, non avrebbe potuto sparare per primo, causando la morte di cinque persone. I diamanti servono anche a Ernesto per sopravvivere. Se l’inchiesta avesse scoperto il suo coinvolgimento nella scena del crimine, Franco avrebbe perso la pensione e Viviana e sua figlia sarebbero rimaste senza mezzi di sussistenza. Spiegando questo motivo per non restituire i diamanti, Franco lascia l’edificio e conclude i suoi 35 anni di servizio, annunciando il suo pensionamento. Si vede un uomo uscire dall’edificio, forse per sparare a Franco.
Si può presumere che Franco sia morto. L’uomo era probabilmente una delle guardie di Zhu inviata per uccidere Franco per la sua audacia nel non restituire i diamanti. Ma l’ultimo giorno gli aveva aperto gli occhi su un mondo completamente diverso. Suo cognato lo aveva tradito ed era furioso. L’intera personalità di Franco ha subito un grave cambiamento negli ultimi giorni. Era considerato un poliziotto onesto ma debole, che aveva paura di sparare, ma era cambiato molto nelle ultime ore. La sua indecisione aveva causato la morte del suo amico Dino e forse non sarebbe mai più stato così indeciso. Quindi, è molto probabile che quando Franco ha visto l’uomo arrivare da lontano, questa nuova versione di sé stesso gli abbia sparato per primo, assicurandosi di poter rivedere la sua famiglia. Ma poi, come suggerisce il titolo del film, quella era la sua “ultima notte”, il che fa pensare che sia morto. Oppure potrebbe significare che era semplicemente il suo ultimo giorno da poliziotto onesto e rispettoso della legge e che da quel momento in poi anche lui avrebbe sparato per primo quando si fosse trovato di fronte a un criminale.
Nell’immediato dopoguerra, il Partito Comunista Italiano avviò un’iniziativa sociale per sostenere le famiglie del Sud, duramente colpite dal conflitto. Erano chiamati i “treni della felicità”, convogli che partivano dalle città devastate del Meridione verso il Nord. I vagoni erano pieni di bambini, accolti temporaneamente da famiglie più agiate che potevano garantire loro cibo e vestiti, in un tentativo di contrastare la povertà e il degrado. Dopo un periodo, infatti, avrebbero fatto ritorno dai loro cari.
Da questa vicenda, che è parte della nostra Storia, Viola Ardone trae ispirazione per il suo romanzo del 2019, Il treno dei bambini. Qualche anno dopo, Cristina Comencini ne presenta l’adattamento cinematografico alla 19esima edizione della Festa del Cinema di Roma, nella sezione Grand Public. La regista firma la sceneggiatura insieme a Furio Andreotti, Camille Dugay e Giulia Calenda, affidando i ruoli principali a un cast di grandi volti italiani: Stefano Accorsi nel ruolo di Amerigo da adulto, Serena Rossi, Barbara Ronchi e il giovane e promettente Christian Cervone. La pellicola, prodotta da Palomar, arriverà su Netflix il 4 dicembre.
Il treno dei bambini, la trama
Amerigo Speranza è un violoncellista famoso. Prima di uno spettacolo a teatro, viene raggiunto da una telefonata nella quale sua madre gli dice che sua madre è morta. Ma come è possibile? Nella scena seguente è il 1946. Amerigo è un bambino povero, che vive scalzo per le strade di Napoli contando le scarpe della gente. Scorrazza insieme al suo amico Tommasino e a volte fa dei lavoretti per portare qualche soldo a casa, dalla madre Antonietta, che cerca di crescerlo come meglio può. Finché non inizia a girar voce che il PCI sta organizzando dei treni per portare i bambini da famiglie più abbienti che se ne possano prendere cura per un periodo. Molte donne del quartiere cominciano a inveire contro l’iniziativa, spaventando tutti: dicono che li spediranno dai russi che li getteranno nel fuoco. La verità, però, è molto più dolce di quella descritta dalle signore e nasconde un atto di puro amore verso un Paese in ginocchio, che ha bisogno di ritrovare l’equilibrio partendo proprio dai bambini, gli uomini del domani. Seppur contrario alla partenza, una volta arrivato a Modena, Amerigo verrà accolto da Derna, che con i bambini proprio non ci sa fare. Amerigo le fa però riscoprire il suo lato materno, e una volta connessi, per i due sarà difficile separarsi.
Cosa definisce una madre?
Guardando Il treno dei bambini, è impossibile non pensare a ciò che sta succedendo nel mondo. I bambini che un tempo cercavano la felicità e la sicurezza sono gli stessi che oggi fuggono dalle guerre in Ucraina, Israele e Palestina. Passato e presente si intrecciano, dialogando tra loro e portandoci a continue riflessioni. Il film di Comencini si radica nel dopoguerra, che funge da scenario – ricordandoci però che la nostra realtà non è così lontana da quella di allora – per raccontare la storia di due madri. Chi è una madre? Cosa la rende tale? Sono domande che trovano risposta nelle figure di Derna e Antonietta, due donne agli antipodi per carattere e mentalità, ma profondamente simili quando si tratta di amare.
In un periodo in cui il concetto di maternità e il suo significato sono sempre più messi in discussione – basta pensare alle recenti leggi italiane – il film lancia un messaggio chiaro: madre è chi ama, indipendentemente dal legame biologico. Madre è colei che vede in un bambino un figlio, un legame che va oltre il sangue. E non esiste necessariamente una sola madre. Per Amerigo, entrambe lo sono, perché entrambe hanno costruito la sua vita, tassello dopo tassello, donandogli qualcosa di indimenticabile. Nel caso di Antonietta si tratta della musica, da cui imparerà ad avere l’orecchio per suonare il violino. Nel caso di Derna è la conoscenza e la possibilità di sognare.
Ronchi e Rossi: due interpreti d’eccezione
L’idea di fondo è potente, così come la storia che si porta sullo schermo. Barbara Ronchi e Serena Rossi dipingono il ritratto di due donne forti e vulnerabili allo stesso tempo, restituendoci la loro determinazione. Sono attrici mature, capaci di comporre le giuste espressioni sul volto per farci cogliere ogni sfumatura emotiva. Visivamente, la fotografia di Italo Petriccione rende bene le due facce del dopoguerra: da un lato la povertà e i colori spenti delle città devastate come la Napoli bombardata, dall’altro le tonalità più calde che avvolgono la tranquillità di Modena.
Comencini si concede spesso a scene di forte sentimentalismo, mirate a far scendere lacrime facili. Anche se a tratti questo può risultare eccessivo, il film riesce a raccontare una storia di vera bellezza, dove l’Italia, divisa ma mai arresa, ha trovato la forza di rialzarsi. E lo ha fatto grazie a molte donne come Antonietta e Derna, tanto diverse quanto unite, che hanno saputo collaborare per costruire il Paese che conosciamo oggi.
Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer – stagione 3 include diversi salti temporali e flashback che confondono la linea temporale, sollevando interrogativi su quanto tempo sia trascorso. Basata sui libri di Michael Connelly, la serie Netflix segue le vicende di un avvocato difensore privato di nome Mickey Haller e del suo team mentre affrontano importanti casi penali. La terza stagione di Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyeradatta The Gods of Guilt, il libro in cui Mickey difende Julian La Cosse, accusato dell’omicidio del suo ex cliente, Glory Days.
Il finale della seconda stagione di Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyerdi Netflix prepara perfettamente questa trama e riprende esattamente da dove si era interrotto l’ultimo episodio. Nella terza stagione, anziché raccontare tutto in modo lineare e costante, la serie fa diversi salti temporali. Può essere difficile tenere traccia di tutto ciò che è accaduto nel corso del tempo, di quanto tempo è passato e di cosa succede durante i salti temporali. Tuttavia, ogni pezzo del puzzle è essenziale per il finale della terza stagione di The Lincoln Lawyer.
Quanto tempo passa nella terza stagione di Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer
L’evento centrale della terza stagione di Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer è il periodo di detenzione e il processo di Julian La Cosse, a partire dal momento in cui Mickey accetta ufficialmente il caso fino a quando non si arriva a un accordo per detenzione illegittima. Nell’episodio 2, viene rivelato che Julian dovrà rimanere in prigione fino al processo perché è accusato di circostanze speciali. Sebbene Mickey preveda che Julian rimanga in carcere per otto mesi, il periodo effettivo finisce per essere leggermente più lungo.
C’è un salto temporale di sei mesi tra l’episodio 2 e l’episodio 3. In quest’ultimo, Izzy dice che il processo non inizierà prima di altri tre mesi. Lorna sostiene anche l’esame di abilitazione e dice che non riceverà i risultati prima di tre mesi. All’inizio dell’episodio 6, Mickey conferma che mancano due mesi al processo. Alla fine dell’episodio 6, il processo di Julian sta iniziando e Lorna sta ricevendo i risultati dell’esame di abilitazione. Considerando tutto ciò, Julian è rimasto in prigione per nove mesi prima della data del processo, invece che otto.
Dopo che le accuse contro Julian vengono ritirate, l’ultimo episodio fa un salto in avanti di quattro mesi rispetto ai nove precedenti, portando il periodo di tempo totale a 13 mesi. Non è la prima volta che la serie condensa lunghi periodi di tempo. Le lacune sono tipicamente una necessità narrativa nel genere dei legal drama, perché i casi giudiziari procedono sempre lentamente, anche nelle circostanze migliori. A differenza di molte serie TV, quasi tutti i salti temporali avvengono fuori dallo schermo.
La serie lascia inoltre agli spettatori il compito di riempire i vuoti e immaginare cosa succede ai personaggi di Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer durante questi intervalli. Il mese che intercorre tra gli episodi 3 e 6 viene mostrato sullo schermo. Il salto temporale durante l’episodio 6 è evidente, con il team di Mickey che continua a prepararsi per il processo. Tuttavia, sono disponibili meno informazioni sui sei mesi tra gli episodi 2 e 3, il che richiede speculazioni basate su indizi contestuali.
Cosa è successo tra gli episodi 2 e 3?
Il primo salto temporale nella terza stagione di Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer avviene tra gli episodi 2 e 3, e in quei sei mesi accadono molte cose. Il cambiamento più evidente è che Andy e Mickey iniziano una relazione romantica e sessuale occasionale. Mickey dice a Lorna, dopo il salto temporale, che in precedenza lei si era allontanata ogni volta che lui aveva cercato di rendere le cose più serie, dando al pubblico un’idea della dinamica della coppia durante quei sei mesi.
Dato che Lorna sostiene l’esame di abilitazione in Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer episodio 3, si presume che abbia terminato la facoltà di legge durante il periodo di sei mesi e si sia concentrata completamente sullo studio. Un altro cambiamento degno di nota tra i due episodi è il comportamento di Eddie. Il giovane appare teso quando inizia a lavorare con Mickey. Tuttavia, nel terzo episodio, interagisce con il resto del team, sembra più felice e prova nuovi cibi. Questo indica che si sente più rilassato e a suo agio nel suo lavoro con Mickey.
Flashback: il primo caso di Mickey contro Neil Bishop
Il flashback nella terza stagione di The Lincoln Lawyer, episodio 1, inizia con Mickey che fa surf la mattina prima dell’udienza. Maggie viene a trovarlo e i due organizzano un appuntamento serale. Dal loro modo di interagire, si capisce che lui e Maggie hanno ancora un rapporto affettuoso e amorevole, a dimostrazione del fatto che i loro conflitti non sono diventati gravi fino a quando lui non ha lasciato l’ufficio del difensore pubblico.
Il flashback continua con Mickey che interroga Neil Bishop, all’epoca detective, sul suo mandato di perquisizione a casa di un sospettato. Neil ha perquisito illegalmente un’auto, trovando prove di un crimine.
Al banco dei testimoni, dichiara che all’epoca si trovava nel garage, ma Mickey dimostra che non può essere vero. Questa scena non solo stabilisce il rancore che Neil Bishop nutre nei confronti di Mickey, ma lo rivela anche come un poliziotto disposto a infrangere le regole per ottenere ciò che vuole.
Il percorso di Neil conferma l’affermazione di Legal Siegal secondo cui i cattivi con il distintivo sono i peggiori, sottolineando un sistema disposto a chiudere un occhio sugli atti dannosi commessi dagli agenti.
Sebbene inizialmente Bishop agisca in nome della giustizia, da un mandato di perquisizione illegale il passo è breve per accettare tangenti e mentire in un caso. È interessante notare che è rimasto detective per almeno cinque anni dopo il mandato di perquisizione illegale. Questo può essere accertato perché era sul posto durante il doppio omicidio dieci anni prima della terza stagione di Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer, quando ha incontrato l’agente De Marco. Il percorso di Neil conferma l’affermazione di Legal Siegal secondo cui i cattivi con il distintivo sono i peggiori, sottolineando un sistema disposto a chiudere un occhio sugli atti dannosi commessi dagli agenti.
Flashback: Mickey incontra Glory Days
Prima della prima stagione di Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer
Quando la serie Netflix introduce Glory Days nella prima stagione, viene rivelato che in passato era una testimone nel caso Jesus Menendez, ma è fuggita prima di poter testimoniare. Il flashback nella seconda puntata della terza stagione di The Lincoln Lawyer mostra il momento in cui Mickey e Glory Days si incontrano per la prima volta. Gli eventi corrispondono alla storia già nota, quindi non aggiungono nulla alla narrazione. Tuttavia, il flashback offre un ampio sviluppo dei personaggi sia della donna deceduta che del suo avvocato.
Mickey ha offerto a Glory molta empatia in una situazione in cui altri l’avrebbero respinta. Credeva a ciò che lei diceva, probabilmente perché anche lui aveva avuto a che fare con la dipendenza. Tuttavia, è anche realista e le spiega che gli altri non accetterebbero le sue dichiarazioni nelle sue condizioni attuali. Per questo motivo, si offre di aiutarla a disintossicarsi dalle sostanze di cui fa uso, in modo che possa trovarsi in uno stato mentale migliore per testimoniare. Si tratta di una rappresentazione molto più morbida e vulnerabile di entrambi i personaggi. Mickey non cerca di essere duro come al solito e Glory non si comporta in modo irremovibile.
Flashback: l’agente De Marco e Neil Bishop si incontrano
Lara Solanki/Netflix
Dieci anni prima della terza stagione di The Lincoln Lawyer
Nell’episodio finale della terza stagione di Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer, un flashback mostra il primo incontro tra Neil Bishop e l’agente De Marco. De Marco ha approfittato delle debolezze di Neil Bishop, corrompendolo per fermare le indagini sul doppio omicidio. In definitiva, questa scena fornisce il contesto su come e perché Bishop è arrivato a essere colpevole dell’omicidio di una donna innocente. In definitiva, questo flashback era necessario anche per spiegare il comportamento ambiguo di Neil Bishop che ha portato al finale della terza stagione di Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer. La sua ostilità nei confronti di Mickey non era solo frutto di rancore, ma anche di ricatto.
Il primo film di Sara Petraglia, L’albero, in concorso alla Festa di Roma nella sezione Progressive Cinema, è un viaggio di formazione assieme duro e poetico, tragico e leggero, un coming of age romano, che prende corpo nelle strade del Pigneto. La regista e sceneggiatrice, figlia di uno dei più noti sceneggiatori italiani, Sandro Petraglia, sceglie una storia di amicizia, amore e dipendenza per il suo esordio sul grande schermo.
La trama de L’albero
Bianca, Tecla Insolia, è una ventenne che si trasferisce a Roma per frequentare l’università. Trova un appartamento al Pigneto assieme alla sua amica Angelica, Carlotta Gamba. Dalla finestra di casa si vede un maestoso albero al di là della ferrovia. Lontane dalle loro famiglie e con quella voglia spregiudicata e adolescenziale di sperimentare tutto senza pensare alle conseguenze, le due ragazze sprofondano nella dipendenza da cocaina. Una gita a Napoli non cambia le cose. Insieme sperimentano amore e morte, finché per ciascuna arriva il momento di scegliere cosa fare della propria vita.
Un modo diverso di raccontare la dipendenza
Raccontare la dipendenza in modo non convenzionale era uno degli obiettivi dichiarati di Sara Petraglia. La regista lo fa innanzitutto senza giudizio, ma solo descrivendo. Non ci sono enfasi ed estremizzazione eccessiva, ma neppure la volontà di edulcorare. Petraglia affida il suo racconto a due “insospettabili”, due ragazze dalla faccia pulita, apparentemente lontane anni luce dal mondo delle sostanze, da chi lo popola, da chi vi gravita attorno. Mai come in questo caso, l’apparenza inganna. Si mettono così in discussione pregiudizi e visioni precostituite. In modo realistico e non immaginifico o fantasioso, il film mostra anche come si possa superare la dipendenza, senza sconti o scorciatoie.
Un film sull’adolescenza e il male di vivere
Tuttavia, L’albero non è, o non è solo, un film sulla dipendenza. Le famiglie delle protagoniste non compaiono mai. C’è solo il gruppo dei pari, amiche e amici. Ventenni come tanti ma, come nota Bianca in una scena emblematica del film, tutti molto tristi. La protagonista per prima si rifugia nell’uso di sostanze, non solo cocaina, per dare spallate a questa tristezza, al dolore che da sempre la accompagna. Quello leopardiano – non per nulla un’immagine del poeta di Recanati campeggia nel salotto di casa – che scaturisce dalla consapevolezza della caducità della vita, della natura effimera della felicità, sempre fugace. Bianca non sopporta tutto ciò e la vita, così com’è le sembra troppo difficile da affrontare.
Preferisce rifugiarsi nei libri e nei diari che lei stessa scrive, nell’immaginazione, anziché vivere la realtà. Sembra quasi che, con l’incoscienza della loro età, le due amiche siano disposte perfino a rinunciare alla vita stessa. La regista le mostra in questo momento di spericolata leggerezza e nel percorso che porterà in particolare Bianca, su cui si sofferma maggiormente lo sguardo di Petraglia, a fare i conti con questa sofferenza, questa sorta di malinconia, che è parte di sé.
L’albero, opera prima semplice ed efficace
L’albero ha una costruzione semplice, con pochi elementi, messi ben a fuoco. La sceneggiatura è lineare e questo consente alla regista, che l’ha curata, di tenere la materia del film efficacemente sotto controllo. Petraglia riesce a tenere insieme nella sua visione disincanto e poesia, affrontando con levità temi intimi e profondi. Una leggerezza che certo non è sinonimo di superficialità. La regista rende anche con vivida immediatezza la vita del quartiere che descrive, sembra conoscerlo bene. Anche nell’inserto napoletano, che sposta l’azione in altro luogo, lo spettatore vede una Napoli insolita per il nostro cinema, né da cartolina, né da cronaca nera. Le sue strade di notte, come l’umanità che le abita, somigliano a quelle del Pigneto, ma potrebbero trovarsi in qualsiasi altra parte del mondo.
Le interpretazioni di Tecla Insolia e Carlotta Gamba
Tecla Insolia – L’arte della gioia – e Carlotta Gamba – Gloria!, Vermiglio, Dostoevski – offrono interpretazioni sentite e coinvolgenti, mai sopra le righe. Così vuole la regista, che le dipinge come due ragazze normalissime, invitando anche lo spettatore a riflettere su quanto il tipo di malessere presente nel film possa essere diffuso. L’albero è un esordio convincente, che mescola un dolore esistenziale profondo all’incoscienza e all’ingenuità dei vent’anni. Un film sulla difficoltà di raggiungere un equilibrio nella vita, per viverla senza farsene rovinosamente travolgere. Questo equilibrio sembra essere come l’albero del titolo: bello, maestoso, ma apparentemente irraggiungibile. Spesso però, basta cambiare strada per arrivarci, magari optando per un percorso meno lineare, meno immediato, forse più lungo, più tortuoso, ma che porta proprio lì.
Presentata alla Festa del Cinema di Roma nella sezione Freestyle, Avetrana – Qui non è Hollywood è la serie tv di Pippo Mezzapesa che ricostruisce in quattro episodi la tragica vicenda di Sarah Scazzi, quindicenne pugliese scomparsa il 26 agosto 2010, il cui corpo senza vita fu ritrovato in un pozzo più di un mese dopo. La serie è tratta dal libro Sarah, la ragazza di Avetrana, di Carmine Gazzanni e Flavia Piccinni.
Avetrana – Qui non è Hollywood, un titolo eloquente
Pippo Mezzapesa – regista pugliese saldamente legato alla sua terra, autore di lavori come Il bene mio e Ti mangio il cuore – intraprende qui un’operazione rischiosa. Il caso di Sarah Scazzi è stato tra quelli che hanno suscitato più clamore ed eco mediatica degli ultimi anni. Eco che ha volte si è trasformata persino in fenomeni di morbosità e fanatismo. La domanda che ci si pone accostandosi alla visione è se e come Mezzapesa intenda evitare il rischio di essere considerato l’ennesimo tentativo di lucrare sulla vicenda. Da questo punto di vista, il qui non è Hollywood del titolo, sembra essere una vera e propria dichiarazione di intenti. La critica all’assalto mediatico scatenatosi nella piccola cittadina pugliese fin dalle prime notizie della scomparsa di Sarah, e poi via via incrementato, fino a diventare quasi una forma di assedio alla città, è evidente fin dall’avvio della serie. Basti citare il riferimento ai veri e propri tour organizzati da provider senza scrupoli sui luoghi della tragedia. Ciò spinge a riflettere sui meccanismi di massa che si innescano da più parti in questi casi. Non sono infatti solo i media a sfruttare al massimo la notizia, ma anche chiunque possa. La gente comune, dal canto suo, sembra cedere spessissimo al richiamo di una curiosità malata. Si può dibattere se sia opportuno trattare o meno di questi fatti di cronaca in una serie tv. Ciò che conta, però, è come viene trattata la vicenda.
Luci, ombre e atmosfere inquietanti in Avetrana – Qui non è Hollywood
In Avetrana – Qui non è Hollywood il regista punta all’essenziale. Il film si muove tra due poli opposti: il sole della provincia tarantina, la pizzica, il mare, l’estate da una parte, i due nuclei familiari protagonisti dall’altra, composti da personalità piene di lati oscuri perfino a sé stesse e che si muovono in ambienti altrettanto oscuri, come il luogo in cui si ritira Michele Misseri. Il film riesce senza dubbio a creare attesa e angoscia nello spettatore, mentre si immerge nell’analisi dei protagonisti.
Mancanza di amore e non accettazione di sé
Mezzapesa vuole entrare nei meccanismi psicologici dei personaggi, nel loro disagio, a partire da quello di Sarah. Le due famiglie protagoniste sono legate da rapporti di dipendenza perversi e distorti. La mancanza di amore domina su tutto. È quella che prova Sarah, Federica Pala, che ha sete di riconoscimento e affetto da parte della madre Concetta, Imma Villa, la quale però appare incapace di soddisfare questo bisogno. Sarah soffre anche la mancanza del fratello, a Milano per lavoro. Ha sete di abbracci, li chiede continuamente. Finisce per trovarli a casa degli zii, Cosima, Vanessa Scalera, e Michele, Paolo De Vita. Anche la loro figlia, Sabrina, la cugina di Sarah, ha sete di amore e riconoscimento. Si sente sbagliata, è in lotta con sé stessa, col suo corpo, non si accetta. Il legame con Sarah è stretto e appare morboso, di odio e amore. Sarah ai suoi occhi sembra rappresentare un modello irraggiungibile, ma al contempo è ancora una “bambina” da manipolare. I coniugi Misseri non sono da meno e tutti insieme compongono il quadro di due famiglie disfunzionali, i cui rapporti malati non possono che sfociare in qualcosa di tragico e indicibile.
Quattro episodi, quattro punti di vista
La narrazione è divisa in quattro episodi, ciascuno dal punto di vista di un personaggio: Sarah, Sabrina, Cosima e Michele. Lo stesso regista cura la sceneggiatura con Antonella Gaeta e Davide Serino, come già per Ti mangio il cuore. Questa organizzazione della materia narrativa permette di entrare ancora più a fondo nella psicologia dei personaggi, che è poi l’elemento realmente inquietante del lavoro. Anche i dialoghi sono molto ben costruiti, realistici e l’uso del dialetto appropriato.
Le interpretazioni in Avetrana – Qui non è Hollywood
Le interpretazioni dei protagonisti sono tutte a fuoco, forse quella con meno guizzi è proprio quella di Sarah, Federica Pala, mentre davvero efficace e di forte impatto è quella di Sabrina, anche la più complessa. A darle corpo, con una sorprendente trasformazione, è Giulia Perulli, che attraversa un arco emotivo notevole, risultando sempre credibile e trasmettendo allo spettatore angoscia e inquietudine profonde, non senza momenti in cui affiora il desiderio di spensieratezza che una giovane donna può avere. Parimenti disturbanti, ma più minimaliste, le interpretazioni di Cosima Serrano, madre di Sabrina, una straordinaria Vanessa Scalera, e Michele Misseri, il marito, zio di Sarah, interpretato da Paolo De Vita. Nel cast anche Anna Ferzetti, la giornalista, Giancarlo Commare, Ivano, il ragazzo conteso tra Sarah e Sabrina, Antonio Gerardi, il maresciallo. Avetrana – Qui non è Hollywood è un’operazione che può piacere o meno, ma che riesce nell’intento di essere scomoda e disturbante sia per come dipinge i protagonisti, sia perché mette bene in luce i meccanismi di certi fenomeni di massa.
Il finale della seconda stagione di From ha spiegato alcuni misteri cruciali sulla città centrale, concludendosi con un cliffhanger. Dopo il finale scioccante dell’episodio 9 della seconda stagione di From, la serie riprende con Julie, Randall e Marielle in uno stato simile al coma, in cui subiscono torture intermittenti da parte di entità invisibili. Nel frattempo, Tabitha e Jade si avventurano nella pericolosa foresta nel tentativo di trovare risposte sui bambini e sui simboli che appaiono nelle loro visioni. Mentre Boyd corre per “fermare la melodia”, il finale della seconda stagione di From porta diversi personaggi al culmine della loro lotta contro le forze sinistre della città.
Alla fine, Boyd distrugge il carillon e libera Randall, Julie e Marielle dal destino che la inquietante filastrocca di From aveva loro riservato. Jade incontra il simbolo nei tunnel e ha delle visioni di bambini distesi sulle rocce che ripetono “anghkooey”, il che si ricollega alle visioni di Tabitha sui bambini che l’hanno condotta al faro. Gli ultimi momenti del finale della seconda stagione di From vedono Tabitha spinta fuori dal faro e risvegliarsi in un ospedale fuori città, il che conferma una via di fuga per i residenti e crea un viaggio complesso per Tabitha per ricongiungersi con la sua famiglia intrappolata.
Il destino di Tabitha nel finale della seconda stagione di From spiegato
Come è riuscita a tornare a casa
In un colpo di scena dell’ultimo minuto nel finale della seconda stagione di From, Tabitha riesce a tornare a casa dopo essere andata al faro. Una volta salita le scale della torre del faro e arrivata in cima, Tabitha viene accolta dal Ragazzo in Bianco, che si scusa prima di spingerla fuori dalla finestra di vetro. Tabitha si risveglia poi con dei graffi sul viso in un ospedale fuori città, dove i medici le rivelano che era in coma dopo essere stata trovata su un sentiero escursionistico.
Una teoria su From è che tutti gli abitanti della città siano in coma a seguito di un incidente stradale.
Sebbene non sia chiaro se la caduta di Tabitha dal faro significhi che è morta in città ma al sicuro fuori, questo significa che i personaggi di From possono riuscire a trovare la strada di casa. Il risveglio di Tabitha dal coma potrebbe essere visto come una conferma delle bizzarre teorie della seconda stagione di From secondo cui i personaggi della città sono in realtà in coma dopo incidenti stradali.
Questa interpretazione significherebbe che tutti i personaggi della seconda stagione di From sono in coma fuori dalla città, ma devono “morire” per risvegliarsi dall’altra parte. Tuttavia, questo è altamente improbabile, dato che Tabitha è stata trovata da alcuni escursionisti su un sentiero senza nessuno della sua famiglia o il camper nelle vicinanze. Pertanto, è stata la caduta di Tabitha dal faro a mandarla a casa da sola, con i graffi sul viso causati dal vetro della finestra piuttosto che dall’incidente con il camper.
Il faro è un portale per tornare a casa?
Perché il ragazzo in bianco ha spinto Tabitha
In From stagione 2, flashback dell’episodio 8 sull’infanzia di Victor, viene rivelato che sua madre andò al faro per cercare di trovare un modo per tornare a casa, e Tabitha ripeté questa tattica 40 anni dopo. Sebbene sembri che la madre di Victor sia morta prima di arrivare al faro, era stata chiamata lì dai bambini per trovare un portale verso il mondo esterno. I bambini sembrano sapere che il faro è un portale verso casa, con il Ragazzo in Bianco che è il misterioso leader che guida i residenti intrappolati verso la salvezza e la speranza.
Il finale della seconda stagione di From suggerisce che il Ragazzo in Bianco abbia già spinto altri personaggi fuori dal faro in passato.
Prima di spingere Tabitha fuori dalla finestra del faro, il Ragazzo in Bianco le dice che gli dispiace, ma che è “l’unico modo”.
Il finale della seconda stagione di From suggerisce che il Ragazzo in Bianco abbia già spinto altri personaggi fuori dal faro in passato, scegliendo apparentemente Tabitha e la madre di Victor per il loro istinto materno. Il Ragazzo in Bianco ha già salvato o aiutato Victor, Ethan, Sara e Boyd, fungendo apparentemente da angelo custode della città.
Dato che Tabitha ha avuto delle visioni dei bambini e del faro durante tutta la seconda stagione di From, il Ragazzo in Bianco potrebbe credere che lei sia la persona migliore da mandare a casa e chiedere aiuto per salvare il resto degli abitanti della città.
Il Bottle Tree e il suo legame con il faro spiegati
Potrebbe esserci un custode che consegna messaggi lì
Dopo essere apparsi per la prima volta alla fine della stagione 1 di From, i personaggi tornano all’albero delle bottiglie nel finale della stagione 2 di From, mentre Victor ne spiega il vero scopo. Victor dice a Tabitha che l’albero delle bottiglie è un albero speciale e lontano, ma invece di mandare le persone in luoghi casuali, trasporta solo coloro che vi entrano al faro. Non è ancora chiaro quale funzione abbia il faro stesso per “Fromville”, considerando che la comunità non è in grado di vederlo dalla città, ma sembra essere l’unico collegamento con il mondo esterno.
Il finale della seconda stagione di From non spiega cosa ci sia all’interno delle bottiglie appese all’albero o perché proprio quell’albero specifico sia il mezzo di trasporto del faro, ma potrebbe essere collegato a coloro che possono viaggiare fuori dalla città. Poiché le bottiglie sono presumibilmente piene di messaggi destinati al mondo esterno o a coloro che sono intrappolati all’interno della città, potrebbe esserci un “guardiano del faro” che mette i messaggi sull’albero affinché gli abitanti li trovino.
Simile ad alcune tradizioni della vita reale, l’albero delle bottiglie potrebbe essere lì per intrappolare gli spiriti maligni e gli incubi. Le bottiglie potrebbero impedire agli incubi di raggiungere il faro e potenzialmente proteggere il mondo esterno dai misteriosi mostri di From.
Cosa significa la frase “Anghkooey” di From
Potrebbe essere stata inventata dalla serie o ispirata da una figura della mitologia celtica
I bambini nelle visioni di Tabitha hanno ripetuto spesso la parola “anghkooey”, che pronunciano anche quando lei sale le scale del faro e quando appaiono a Jade nei tunnel. Sfortunatamente, questa parola non ha una traduzione esatta, il che significa che probabilmente deriva da varie parole messe insieme o potrebbe essere un titolo di fantasia. È stato teorizzato che “anghkooey” sia in parte ispirato ad Ankou, una figura della mitologia celtica che personifica la morte e manda gli spiriti dei morti all’inferno.
“Anghkooey” potrebbe essere il nome di uno spirito o di una forza che sorveglia la città di From.
Ciò sarebbe certamente appropriato per i temi della morte e del male trattati in From, ma è più probabile che “anghkooey” abbia un significato originale legato alla storia inquietante della serie. Ad esempio, “Anghkooey” potrebbe essere il nome di uno spirito o di una forza che sorveglia la città di From. La parola potrebbe anche provenire da una lingua unica della serie, forse traducibile come qualcuno in grado di avere visioni, come Tabitha e Jade.
Poiché la parola viene detta a Tabitha mentre cerca di salvare i bambini e trovare un modo per tornare a casa, è anche possibile che “anghkooey” significhi salvatore, o sia una persona profetizzata per aiutare la città e distruggere qualsiasi maledizione o male che tiene intrappolate le persone. Poiché la parola è ora detta anche dai bambini in riferimento al simbolo, “anghkooey” è un altro mistero che la terza stagione di From deve risolvere.
La visione di Jade del simbolo e il legame con i bambini spiegati
Potrebbe essere un ricordo o parte di un rituale
Dopo aver continuato a vedere il simbolo nei suoi sogni e aver capito che ha spinto un ex residente a compiere azioni orribili, Jade finalmente va nei tunnel per scoprirne il significato nel finale della seconda stagione di From. Mentre viaggia nei tunnel, Jade trova una strana radura con lastre di roccia e una luce che le illumina. Pochi istanti dopo, Jade vede i bambini delle visioni di Tabitha sdraiati sulle rocce, che indicano il cielo e ripetono la parola “anghkooey”.
I bambini deformi visti sulle rocce suggeriscono che potrebbero essere stati sottoposti a crudeli esperimenti o rituali.
Jade alza lo sguardo e vede il simbolo formato da gigantesche radici di alberi all’ingresso di una grotta, ma il simbolo e i bambini scompaiono quando si volta. Ciò potrebbe significare che la luce illumina il simbolo e lo proietta sulle rocce sottostanti, forse per qualche tipo di pratica rituale. I bambini deformi sulle rocce suggeriscono che potrebbero essere stati sottoposti a crudeli esperimenti o rituali nella foresta, collegati sia al faro che al simbolo nei tunnel.
È possibile che la visione di Jade del simbolo e dei bambini nel tunnel sia un ricordo del passato, simile a quando ha visto i soldati arrabbiati della Guerra Civile. Poiché il finale della seconda stagione di From non mostra Jade che lascia il tunnel, il vero significato del simbolo e della sua allucinazione non sarà svelato fino alla prossima stagione.
Il vero significato dell’avvertimento di Abby a Boyd
“La speranza alimenta la foresta”
Quando Boyd sta cercando di salvare Julie, Randall e Marielle dal loro stato di trance, appare una visione della sua defunta moglie Abby che gli dice che distruggere il carillon non porrà fine alle loro sofferenze. Piuttosto, il fantasma di Abby afferma che i personaggi moriranno comunque urlando e che la distruzione del carillon non farà altro che ritardare le loro sofferenze. Abby riferisce che “Esso” sa che Boyd non ascolterà perché ha speranza, che è ciò che “alimenta la foresta”, non la paura.
L’avvertimento di Abby suggerisce che la speranza che i residenti un giorno
La speranza è ciò che fa sì che i personaggi sopportino le loro sofferenze e continuino ad andare avanti invece di sottomettersi ai mali della foresta, quindi produce più incubi per combattere questa sensazione. L’avvertimento di Abby suggerisce che la speranza che gli abitanti tornino a casa un giorno è ciò che rende più forti le forze della città, quindi lui dovrebbe semplicemente sottomettersi ai mali di From.
Le visioni di Abby sembrano essere tattiche delle forze soprannaturali per convincere Boyd a morire, poiché lui è una delle maggiori fonti di speranza che i personaggi hanno. Abby rappresenta anche i conflitti interiori di Boyd, che vuole essere l’eroe, vuole impedire la sofferenza e vuole redimersi, cosa che riesce a fare infondendo speranza negli altri. La speranza può essere ciò che rende i personaggi disposti a soffrire nella città, ma è anche ciò che li libererà, come dimostra il finale della seconda stagione di Tabitha in From.
Cosa è successo a Julie, Randall e Marielle nella stagione 2, episodio 10
Sono stati torturati
Julie, Randall e Marielle erano sotto il terrificante possesso dei poteri soprannaturali della foresta, con i personaggi torturati mentre erano intrappolati nell’oscurità. Mentre i loro occhi diventano vuoti e muoiono lentamente in uno stato quasi catatonico, Boyd trova i loro corpi incatenati nell’edificio all’inizio della stagione. Boyd usa una torcia per riportare la radura nella caverna, anche se i suoi sforzi sono quasi vanificati dall’attacco di Reggie e dalle sue visioni di Abby.
Boyd si rifiuta di ascoltare, distruggendo invece il carillon e liberando Julie, Randall e Marielle. I tre personaggi sopravvivono alla fine della stagione 2 di From dopo che Boyd si redime e abbraccia la speranza contro cui Abby lo mette in guardia.
Cosa succederà nella terza stagione di From?
Come si prepara il finale della seconda stagione di From
MGM+ ha rinnovato la terza stagione di From grazie alla sua accoglienza positiva. La notizia migliore è che la terza stagione di Fear arriverà presto, con una data di uscita fissata per il 22 settembre 2024. C’era anche un trailer presentato al San Diego Comic-Com. Mostra che ci saranno molte tragedie, dato che Boyd porta i cadaveri in città e gli viene detto che ha perso. Nel frattempo, Tabitha si sveglia a casa in un ospedale, senza avere idea di come salvare la sua famiglia.
Quando la gente inizia a dire che le cose stanno peggiorando, gli abitanti di Fromville iniziano a disperarsi. Nel frattempo, Tabitha cerca delle risposte e scopre che alcune persone potrebbero sapere più di quanto dicono. Per quanto le prime due stagioni fossero spaventose, il trailer fa sembrare questa ancora peggiore. Come ha detto qualcuno, morire non è la cosa peggiore che possa succedere. Il cast è rimasto quasi intatto (a parte i morti) e tutto sembra più intenso nei nuovi episodi.
Come è stato accolto il finale della seconda stagione di From
I critici e il pubblico hanno amato From
Il punteggio complessivo della critica per le prime due stagioni di From è un impressionante 94% su Rotten Tomatoes. Anche il punteggio del pubblico è simile, con l’86%. Sebbene la seconda stagione abbia registrato un leggero calo, dal 96% al 92% da parte della critica, ha comunque mantenuto un punteggio elevato, rendendo la terza stagione molto attesa dai fan e dalla critica. Parlando della seconda stagione, il critico di Slate David Whelan ha apprezzato il fatto che le risposte fossero limitate e che i problemi continuassero ad accumularsi.
“Ogni giorno c’è una nuova crisi da aggiungere alla lista; ogni giorno sembra che tutto questo sia già successo e continuerà a succedere… C’è sempre qualcosa di peggio in arrivo. Non è molto diverso dalla situazione in cui si trovano gli abitanti di Fromville. Se il realismo è uno specchio che riflette il momento attuale dell’umanità, allora From si avvicina abbastanza alla realtà”.
La reazione del pubblico è stata ancora più forte, soprattutto per i colpi di scena nel finale della seconda stagione. Su Rotten Tomatoes, le reazioni includevano commenti di spettatori che dicevano: “L’ultimo episodio mi ha lasciato con la voglia di vedere altro, non vedo l’ora”, “Ti tiene con il fiato sospeso e svela pezzi del grande puzzle in ogni episodio” e “Che serie misteriosa e sbalorditiva, fantastica quanto la prima stagione.” Sembra che quando From tornerà con la terza stagione, molti fan saranno pronti a seguire nuovamente la serie.
È affidato ad Andrea Segre con il suo Berlinguer – La grande ambizione l’onore e l’onere di aprire la sezione Concorso Progressive Cinema della 19esima edizione della Festa del Cinema di Roma. Tante figure di politici italiani il nostro cinema ha raccontato, provando a immaginare il privato al di là del personaggio pubblico, portando agli spettatori la vicenda umana assieme all’agire politico. De Gasperi, Moro, Andreotti, Craxi, solo per citarne alcuni tra i più rappresentati dalla settima arte. Mancava però un film di finzione, incentrato sulla figura dello storico leader del PCI, Enrico Berlinguer (c’era stato invece, nel 2014, il documentario di Walter Veltroni Quando c’era Berlinguer).
Una figura, quella del segretario, amatissima dalla gente e portatrice di una visione politica che – dalla via italiana al socialismo al compromesso storico con la Democrazia Cristiana – cercava con incrollabile determinazione di coniugare il sogno e l’utopia con il realismo politico. Il timore da parte del mondo del cinema era forse, legittimamente, quello di togliere qualcosa, di non riuscire a rendere efficacemente sullo schermo le molteplici sfaccettature del politico e dell’uomo Berlinguer. Tenta l’impresa però oggi, a quarant’anni dalla morte del Segretario del PCI, avvenuta l’11 giugno 1984 a Padova, proprio il regista Andrea Segre, autore di film e documentari – Io sono Li, L’ordine delle cose, Welcome Venice.
Pochi ma intensi anni nella vita di Enrico Berlinguer
Berlinguer – La grande ambizione prende in esame una manciata di anni: dall’elezione di Allende in Cile, seguita dal golpe di Pinochet nel 1973, all’uccisione di Moro nel 1978. L’evento che decretò di fatto la fine del compromesso storico, così come Berlinguer e Moro stesso lo avevano pensato. Sono gli anni in cui il Pci guidato da Enrico Berlinguer raggiunge l’acme dei consensi. Il film racconta la determinazione e la fatica del segretario per affermare la possibilità di una via democratica al socialismo, distaccandosi dall’influenza sovietica e dalle sue derive autoritarie. Mostra poi come la sua visione politica, condivisa con Aldo Moro per dar vita al compromesso storico, venga pagata a caro prezzo fin da subito. Da Berlinguer con l’attentato subíto a Sofia nel 1973 e più tardi da Moro con la vita. Sono anni di lotte e di successi per il Pci, culminati con quello elettorale del 1976. Poi il clima cambia. Il compromesso storico divide la politica e la cittadinanza e il terrorismo inizia a mietere vittime, fino al rapimento e all’uccisione di Moro, che gela le speranze del PCI al governo e di un possibile patto con la Democrazia Cristiana.
Berlinguer e le sue parole
Il regista parte dal presupposto che un racconto di Berlinguer non si possa fare senza le sue parole. I suoi discorsi in pubblico la fanno da padroni nel film, il suo linguaggio. Questo accade soprattutto nella prima parte del lavoro e sembra essere un limite. Sebbene si tratti di un linguaggio chiaro e comprensibile a tutti, ma non semplicistico, nato dall’esigenza di portare concetti complessi alla portata del più vasto uditorio possibile, un approccio così legato alla parola appesantisce e a tratti rallenta la narrazione.
Berlinguer e il rapporto con la gente
A fare da contrappeso all’elemento verbale, vi sono le immagini. Quelle di repertorio restituiscono momenti vividi e di grande partecipazione popolare, di forte impatto emotivo, specie in un’epoca come la attuale, in cui si misura tutta la distanza che si è consumata tra i cittadini e la politica. I volti della gente ai comizi, le manifestazioni. Le immagini di finzione mostrano momenti di incontro ravvicinato con i lavoratori. Incontri in cui Berlinguer si mette a disposizione di un confronto alla pari in maniera del tutto naturale. È anche per questo che la gente, che non gli risparmia critiche e richieste, lo percepisce vicino.
Berlinguer privato
Vi è poi il Berlinguer marito e padre, la condivisione in famiglia degli ideali e delle lotte politiche, la capacità di spiegare ai figli l’essenza della sua visione, comunista e socialista, in modo semplice ed efficace, senza eccessi, ma con passione. Ma ci sono anche l’amata Sardegna e le gite in barca con la famiglia. Si pone poi l’attenzione su piccoli elementi, gesti quotidiani, abitudini, che fanno emergere l’umanità del personaggio. Ciò contribuisce a comporre un quadro che pian piano, con garbo, delicatezza e coi suoi tempi, riesce a coinvolge il pubblico.
L’interpretazione di Elio Germano
Per questa interpretazione, Elio Germano sceglie una chiave minimalista, che si adatta al carattere schivo del leader politico in questione. La somiglianza fisica non ne è il punto di forza e l’accento sardo non è impeccabile. Da apprezzare invece la capacità di tratteggiare con piccoli cenni la parte emotiva: dall’aspetto ironico alla passione politica stessa, che non è urlata, né platealmente esibita, ma emerge ugualmente con forza. Berlinguer – La grande ambizione restituisce l’immagine di un uomo di grande rigore, innanzitutto con sé stesso, ancora prima che nel dettare la linea del partito, e al tempo stesso aperto e dialogante in modo autentico.
Il cast di Berlinguer – La grande ambizione
Un cast di tutto rispetto vede impegnati, accanto a Elio Germano, Elena Radonicich nel ruolo della moglie Letizia,Roberto Citran, che interpreta Aldo Moro, Francesco Acquaroli, Pietro Ingrao, Paolo Pierobon, Andreotti, Fabrizia Sacchi, Nilde Iotti, senza dimenticare Paolo Calabresi, Giorgio Tirabassi, Andrea Pennacchi. Berlinguer – La grande ambizione no riesce forse a pieno a far ritrovare al pubblico Enrico Berlinguer, ma riporta sullo schermo lo spirito dell’uomo e soprattutto la potenza di quel rapporto con la gente che forse nessun altro come lui ha saputo creare.
I Pogues sono tornati in Outer Banks 4 la Stagione 4, Parte 1, dà il via a un’altra avventura selvaggia per i ragazzi, reduci dalla loro ultima missione (RIP Ward e Big John). Continuate a leggere per scoprire i momenti più importanti dei primi cinqe episodi, compreso lo scioccante cliffhanger che nessuno avrebbe potuto prevedere.
Nella quarta stagione, i Pogues tornano a casa con l’oro scoperto a El Dorado. Dopo averlo scambiato con 1,1 milioni di dollari, usano il denaro per aprire un negozio di esche, attrezzature e tour charter sul terreno che hanno acquistato, chiamandolo “Poguelandia 2.0”. Ma, alla maniera di JJ, scommette l’ultima pepita d’oro dell’equipaggio in una gara contro Rafe e Topper, che alla fine perde.
Fortunatamente per i Pogues, gli archeologi scavarono El Dorado sei mesi dopo la loro scoperta e i ragazzi furono onorati dalla città in una cerimonia mostrata alla fine della terza stagione. Gli spettatori ricorderanno che un uomo di nome Wes Genrette (David Jensen) si è avvicinato al gruppo, chiedendo aiuto per trovare il tesoro di Barbanera. Nonostante siano spaventati dalle maledizioni della sua famiglia, i Pogues accettano di aiutarlo per ripagare i loro debiti.
Tuttavia, i Pogue scoprono subito di non essere gli unici a cercare il tesoro, che comprende un amuleto di valore inestimabile e una corona blu. Un uomo sconosciuto inizia a seguirli, rivelandosi poi un mercenario di nome Lightner, che quasi uccide Kiara e JJ e infine rapisce Cleo. In una svolta drammatica, il vecchio amico e figura paterna di Cleo, Terrance, sacrifica la sua vita per salvare la sua alla fine dell’episodio 4.
Cosa succede in Outer Banks 4, Episodio 5?
Mentre JJ e Kiara rimangono a Kildare Island, il resto della squadra si reca a Charleston per continuare la ricerca della corona blu. Ma anche Lighter e il suo capo, Dalia, sono lì e riescono a entrare in una cripta sotto una vecchia chiesa prima dei Pogues.
Pope e Sarah si offrono volontari per scendere nelle catacombe, ma rimangono intrappolati sottoterra quando si imbattono in Lighter e Dalia. I due si nascondono da Lighter, che fugge dalla tomba con una pergamena recuperata da una sepoltura.
Cleo vede Lightner e Dalia emergere dal sottosuolo e progetta di vendicarsi per la morte di Terrance, ma prima che possa agire, Lightner le piomba alle spalle. Dalia interviene dicendogli che non vale la pena ucciderla. Nel frattempo, John B segue Lightner, pronto a sparare, ma esita quando ha un flashback della terza stagione, ricordando come il suo defunto padre, Big John, sparò ad alcuni uomini di Singh proprio davanti a lui.
“C’è molta esitazione in John B quando si tratta di perseguire qualcosa orientato al tesoro, ed è perché sta combattendo con il fatto che non ha avuto il tempo che voleva con suo padre”, ha detto Stokes a Tudum di Netflix. “E il ricordo di suo padre è ora racchiuso in questa grande vittoria gigantesca di trovare El Dorado. Ma ha capito che suo padre era una persona di merda. [E non vuole seguire quella strada”.
Mentre Pope e Sarah cercano un’uscita, si scatena un forte temporale che allaga le catacombe. Notano dei cirripedi che raggiungono il soffitto, il che significa che presto lo spazio sarà completamente sott’acqua e questa è l’ultima volta che li vediamo nella prima parte.
Gli attori hanno dichiarato a The Hollywood Reporter di aver dato di matto nella vita reale, proprio come i loro personaggi. “Era esattamente come sembra. Maddie era lì dentro. Non era felice. L’acqua, anche quando si atterra all’interno, è come se gocciolasse, quindi è gelida”, ha detto Jonathan Daviss. “È stato divertente perché mi sembrava di girare un film di Indiana Jones o qualcosa del genere. Mi sono detto: ‘Ecco cosa si prova a stare su quel tipo di set’”.
Come finisce la prima parte della quarta stagione di Outer Banks?
Alla fine di Outer Banks Stagione 4, Parte 1, JJ è con suo padre, Luke, che finalmente rivela uno scioccante segreto di famiglia. Prima della morte di Wes Genrette nell’episodio 2, aveva lasciato una lettera indirizzata al “Maestro JJ Maybank” nel caso fosse successo qualcosa, che lo spingeva a chiedere al padre il significato di “Albatross”.
Dopo un po’ di convincimento, Luke dice a JJ che “Albatross” era il nome della barca su cui Larissa Genrette è morta anni prima. Poi lancia un’altra notizia bomba, dicendo a JJ che lui non è il suo padre biologico e che la donna che JJ credeva essere sua madre era solo una delle ex fidanzate di Luke.
Chi è il vero padre di JJ?
Luke rivela a JJ che Larissa è in realtà la sua vera madre, rendendo Wes suo nonno e Chandler Groff il suo padre biologico: ciò significa che JJ potrebbe avere sangue Kook.
“Era la cosa più estrema a cui potessimo pensare: Che JJ sia in realtà un Kook”, ha dichiarato Shannon Burke, co-creatrice di Outer Banks, a Tudum di Netflix.
Allora, cosa sappiamo del nuovo padre di JJ, Groff? Gli spettatori lo hanno visto interrogato dalla polizia sulla morte del suocero. Fa anche un’apparizione alla fine dell’episodio 5 con Hollis Robinson, l’agente immobiliare locale che per tutta la stagione ha tramato per mettere le mani sul terreno di Genrette, coinvolgendo anche Rafe Cameron per aiutare nell’affare di sviluppo.
Il finale di Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer – Stagione 2 – Parte 2 porta a termine il processo di Lisa Trammell, ma dopo il gran finale rimangono ancora molti misteri irrisolti. Nonostante le circostanze sembrino giocare a loro sfavore, Mickey e gli altri personaggi del suo team in Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer riescono a ottenere un verdetto di “non colpevolezza” per Lisa Trammell. Questo non significa però che il personaggio sia innocente di tutto. Anche se è stata dichiarata innocente dell’omicidio di Mitchell Bondurant, Mickey inizia a sospettare che Lisa abbia altri scheletri nell’armadio. Inoltre, l’uso di Alex Grant nella difesa di Lisa sembra che possa finire per avere conseguenze mortali per Mickey. Tuttavia, il colpo di scena più grande arriva alla fine dell’episodio, anticipando il prossimo grande caso di Mickey nella terza stagione di Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer.
Alla fine, il finale della seconda parte della seconda stagione è ricco di sorprese che hanno un impatto drastico sui personaggi e sulla trama, creando grandi aspettative per la prossima stagione.
Chi ha ucciso Mitchell Bondurant nella seconda stagione di Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer
Uno dei momenti più importanti alla fine della seconda parte della seconda stagione di Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer è stato quando Lisa Trammell è stata dichiarata non colpevole nel suo processo. Ma se non è stata lei a uccidere Mitchell Bondurant, chi è stato? Al termine del processo, Andrea Freeman ha rivelato a Mickey che Walter Kim, socio di Grant, è stato trovato con il sangue di Bondurant sulle scarpe. Questo suggeriva che Kim fosse l’assassino, anche se non era chiaro se avesse agito di propria iniziativa o se fosse stato incaricato da qualcun altro di uccidere Bondurant.
Secondo Lorna, Walter potrebbe non aver agito da solo. Al ricevimento di nozze suo e Cisco, Lorna ha condiviso con Izzy la sua teoria secondo cui Lisa era in realtà dietro l’aggressione di Grant contro Mickey alla fine della seconda stagione di The Lincoln Lawyer, parte 1. Se la teoria di Lorna è vera, significa che Lisa conosceva sia Alex Grant che la mafia. Se così fosse, Lisa sarebbe potenzialmente la mente che ha orchestrato il coinvolgimento di Grant e Kim nell’omicidio di Bondurant, nonostante il verdetto di non colpevolezza.
Il ruolo di Alex Grant nell’omicidio di Mitchell Bondurant spiegato
Durante il processo per l’omicidio di Lisa, Mickey ha usato Alex Grant come prestanome, costruendo una teoria alternativa per l’omicidio di Mitchell Bondurant, ma sembra che Grant potrebbe essere più rilevante per l’omicidio di quanto sembrasse. Il livello esatto del coinvolgimento di Grant non è chiaro alla fine della seconda stagione di Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer, ma era sicuramente coinvolto in qualche modo. Dato che è noto che Grant e Walter Kim erano soci, è altamente probabile che sia stato Grant a ordinare a Walter di uccidere Bondurant. Tuttavia, la serie Netflix non conferma se sia stato Grant la mente dietro l’omicidio di Bondurant o se sia stata Lisa, come suggerisce la teoria di Lorna.
Gli uomini di Alex Grant hanno cercato di uccidere Mickey?
Alla fine del finale della seconda stagione di Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer, Mickey è stato quasi investito da un’auto dopo aver cenato con la sua figura paterna, David “Legal” Siegel. La velocità dell’auto sembrava suggerire che non si trattasse di un incidente, ma di un tentativo calcolato di uccidere Mickey. Durante la cena, la serie ha rivelato che Alex Grant ha perso il contratto con il Villaggio Olimpico a causa del processo. Siegel ha suggerito che, per questo motivo, Grant potrebbe voler vendicarsi di Mickey. L’auto corrispondeva anche alla descrizione di Izzy del veicolo di Grant, quindi, anche se non è stato confermato che Grant fosse dietro il tentato omicidio, alcuni indizi indicano che potrebbe aver cercato di uccidere Mickey.
Cosa è successo a Walter Kim?
Dopo la scomparsa di Walter Kim, l’investigatore di Mickey, Cisco, lo ha rintracciato e ha scoperto che la polizia aveva trovato la sua auto abbandonata. Sebbene il corpo di Walter non fosse nell’auto, Cisco sospettò il peggio, ipotizzando che Alex Grant potesse aver cercato di zittire Walter, in modo che non venisse fuori che Grant lo aveva pagato per corromperlo. Sebbene questa teoria non sia mai stata provata in modo esplicito, la rivelazione finale da parte del procuratore Andrea Freeman che Walter è presumibilmente morto sembra suggerire che Cisco avesse ragione nelle sue supposizioni sul destino di Walter.
Perché Lisa ha ucciso suo marito Jeff Trammell
Verso la fine del finale di stagione, Mickey ha finalmente capito che, anche se Lisa era innocente dell’omicidio di Mitchell Bondurant, era colpevole dell’omicidio di suo marito Jeff in Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer. Una volta fatta questa scoperta, Mickey è andato a casa di Lisa per confrontarsi con lei riguardo al suo sospetto, e la risposta aggressiva di Lisa alle accuse di Mickey ha sostanzialmente confermato la veridicità della teoria. Sebbene Lisa abbia cercato di difendere le sue azioni dicendo che Jeff la maltrattava, Mickey credeva che avesse un motivo più egoistico per uccidere Jeff.
Quando Lisa e Jeff Trammell stavano divorziando, lui voleva prendersi metà della loro casa e della loro attività come parte dell’accordo. Lisa non riusciva ad accettare l’idea di perdere il suo amato ristorante e la sua casa in quel quartiere, quindi, per impedire a Jeff di prenderseli con il divorzio, lo ha ucciso prima che la separazione potesse essere effettivamente finalizzata. Per coprire l’accaduto, Lisa seppellì Jeff nel suo giardino, piantando sopra di lui il coriandolo che lui odiava tanto, e inventò la storia della sua fuga in Messico per spiegare la sua assenza. Lo stratagemma funzionò fino a quando Mickey non riuscì finalmente a mettere insieme i pezzi, scoprendo il tragico destino di Jeff.
Come Mickey capì che Lisa era colpevole di omicidio
La sorte di Jeff Trammell è rimasta un mistero per tutta la seconda stagione di Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer, ma Mickey ha finalmente scoperto cosa è successo a Jeff mentre era a Venice Beach con Hayley. Mickey ha sentito diversi rumori che ha riconosciuto come quelli in sottofondo nella telefonata di Jeff, smascherando così la copertura che lo voleva in Messico. Dopo questo, Mickey e Cisco hanno indagato sul divorzio di Jeff e Lisa Trammell e hanno fatto alcune scoperte scioccanti. Cisco ha scoperto che il divorzio di Jeff e Lisa non era mai stato effettivamente finalizzato, mentre Mickey ha scoperto che l’uomo che aveva incontrato e che sosteneva di essere Jeff era in realtà un attore ed ex dipendente di Lisa.
L’atteggiamento difensivo di Lisa mentre discuteva la teoria di Mickey sembrava essere una conferma sufficiente, ma il colpo di grazia è arrivato quando Mickey ha collegato Jeff e il coriandolo.
Dopo aver trovato tutte queste incongruenze nelle storie di Lisa su Jeff e le esperienze personali di Mickey con l’ex marito di Lisa, Mickey ha costruito la sua teoria sull’omicidio di Jeff. L’atteggiamento difensivo di Lisa mentre discuteva la teoria di Mickey sembrava essere una conferma sufficiente, ma il colpo di grazia è arrivato quando Mickey ha collegato Jeff al coriandolo. Con i segreti che Mickey e Cisco hanno scoperto su Jeff e Lisa, oltre al giardino di Lisa, è diventato chiaro che, indipendentemente dal fatto che Lisa abbia ucciso Mitchell Bondurant, ha sicuramente ucciso Jeff.
Cosa succederà a Lisa ora che la morte di Jeff è stata rivelata?
Ora che l’omicidio di Jeff è stato scoperto da Mickey, il destino di Lisa rimane in bilico. Tuttavia, una telefonata di Lorna sembra confermare che Lisa sarà comunque assicurata alla giustizia. Mentre Mickey affrontava Lisa, Lorna ha deciso di fidarsi del suo istinto e ha chiamato preventivamente il detective Griggs riguardo al sospetto omicidio, che ha portato con sé altri agenti. Nel libro The Fifth Witness, la polizia scava nel giardino di Lisa sulla base di questa soffiata anonima e scopre il corpo di Jeff. Supponendo che questo sarà anche il risultato delle indagini della polizia in Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer di Netflix, Lisa sarà arrestata per l’omicidio di Jeff.
Izzy lascerà il team di Mickey? Cosa succederà al personaggio di The Lincoln LawyerAvvocato di difesa – The Lincoln Lawyer
Durante tutta la seconda stagione di Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer, Izzy ha cercato di dare una svolta alla sua carriera aprendo una scuola di danza tutta sua. Anche se sembrava che il suo sogno non potesse realizzarsi quando l’edificio che aveva scelto ha aumentato i prezzi, alla fine Izzy riesce a realizzare il suo sogno. Izzy ospita persino il ricevimento di nozze di Cisco e Lorna nel suo studio, dove restituisce con un po’ di amarezza le chiavi della Lincoln di Mickey. Anche se Izzy non sarà più l’autista di Mickey, non scomparirà da Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer. Izzy rimarrà nello studio di Mickey part-time mentre Lorna e Cisco saranno in luna di miele.
Come la morte in Glory Days prepara la terza stagione di Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer
L’omicidio in Glory Days sarà il mistero centrale della terza stagione
Con il processo di Lisa Trammell concluso alla fine della seconda stagione di Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer, l’adattamento Netflix ha anticipato la trama della terza stagione, che si preannuncia come una delle più tragiche della serie. Alla fine dell’episodio, Mickey viene chiamato a lavorare al caso dell’omicidio di una donna di nome “Giselle Dallinger”, dove dovrà difendere l’imputato. Quando Mickey va a indagare sui dettagli dell’omicidio e a identificare il corpo della donna, fa la sconvolgente scoperta che la vittima è in realtà una sua cliente abituale, Glory Days.
Sebbene la serie non abbia ancora rivelato esattamente cosa sia successo a Glory Days in The Lincoln Lawyer, i libri possono colmare le lacune per ora. Nei libri, Glory è rimasta a Los Angeles invece di andare alle Hawaii come aveva detto, e ha continuato a prostituirsi. Dopo una sessione sfortunata, lei e il suo manager hanno litigato e il giorno dopo Glory è stata trovata morta nel suo appartamento. Si spera che la terza stagione di Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyerfaccia luce sulle circostanze della morte di Glory Days.
Chi è Julian Lacosse?
Mentre tornava a casa dopo una cena con David “Legal” Siegel, dopo il potenziale attentato alla sua vita, Mickey viene informato da Izzy che ha un nuovo cliente, Julian Lacosse. Quando Mickey lo incontra in prigione, Julian gli spiega che l’avvocato gli è stato raccomandato dalla sua amica Giselle Dallinger. Julian disse di essere stato accusato di averla uccisa, ma affermò la sua innocenza. Anche se non si sa ancora molto su Julian nella serie Netflix Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer, il nuovo cliente di Mickey sarà probabilmente uno dei protagonisti della terza stagione.
Perché Glory Days usava il nome Giselle Dallinger?
Dopo l’incontro con Julian Lacosse, Mickey scopre che “Giselle Dallinger” era in realtà Glory Days. Tuttavia, rimane un mistero il motivo per cui Glory abbia iniziato a usare quel nome. Il nuovo nome era probabilmente per la sicurezza di Glory, soprattutto dopo la sua esperienza di morte sfiorata con Russell durante la prima parte della seconda stagione di Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer. Il tentativo di omicidio di Russell ha messo Glory faccia a faccia con i potenziali pericoli del suo lavoro, il che probabilmente ha accelerato la sua decisione di scegliere un nuovo nome. Sfortunatamente per Glory, il nome Giselle Dallinger non le ha portato protezione. Ma si spera che Mickey riesca a ottenere giustizia per lei nella prossima stagione di Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer.
Cosa ha detto il cast di Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer sul finale della seconda stagione
Considerati i colpi di scena della seconda stagione di Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer, gli spettatori potrebbero non sapere cosa pensare. La serie lascia molte domande senza risposta e non c’è alcuna garanzia che la terza stagione ne risolverà alcune. Tuttavia, il cast e la troupe di Avvocato di difesa – The Lincoln Lawyer hanno espresso le loro opinioni sul finale in un’intervista con Tudum. Ad esempio, la serie propone due possibili spiegazioni per l’omicidio del marito da parte di Lisa. Lana Parilla, che interpreta Lisa, suggerisce che la spiegazione dell’abuso sia la verità. Ha detto questo:
“È una donna. Penso che questo accada spesso alle persone che vivono situazioni violente e abusive, e se compiono un’azione per proteggersi e questa diventa illegale e omicida, immediatamente giudichiamo la persona che ha commesso l’atto sbagliato”.
Il co-showrunner Ted Humphrey ha discusso delle difficoltà di Mickey riguardo all’innocenza o alla colpevolezza di Lisa nel caso. Nonostante affermi che non importa se la sua cliente è innocente o meno, Mickey vuole davvero credere nell’innocenza di Lisa. Dice: “Sa che se lo è, la sua montagna da scalare sarà ancora più alta. Perché non può lasciarla andare per qualcosa che non ha fatto, non importa quanto sembri grave”. Alla fine, le sue difficoltà contribuiscono al finale, in cui riesce a far assolvere Lisa perché innocente dell’omicidio di Mitchell Bondurant, ma poi la affronta riguardo al suo primo marito.
Il produttore esecutivo Ross Fineman ha parlato del finale di Glory Days e di cosa possono aspettarsi gli spettatori da Mickey nella terza stagione. Ha descritto il caso imminente come “il caso più difficile che abbia mai avuto, sia dal punto di vista professionale che personale”. Mickey teneva davvero a Glory Days e voleva il meglio per lei, il che rende ancora più sconvolgente la sua morte.
Purtroppo, Fineman lascia intendere che Mickey potrebbe dover affrontare emozioni complesse nella terza stagione di The Lincoln Lawyer riguardo a quanto accaduto. Dice: “C’è la fastidiosa sensazione che lui possa essere in qualche modo responsabile”. In definitiva, i pensieri del cast e della troupe sul finale della seconda stagione di The Lincoln Lawyer dimostrano che sono altrettanto appassionati alla storia e si immedesimano nei personaggi proprio come il pubblico.
Durante un’intervista al podcast Happy Sad Confused, l’attore Andrew Garfield ha ricordato il periodo trascorso con Heath Ledgersul set di Parnassus – L’uomo che voleva ingannare il diavolo del 2009. Garfield ha infatti raccontato di aver lavorato con Ledger dopo che questi aveva terminato le riprese de Il cavaliere oscuro e, prima che il film di Christopher Nolan venisse presentato in anteprima. A quanto raccontato dall’amato interprete di Spider-Man, l’attore australiano sapeva già che quel film sarebbe stato un successo.
“Aveva appena fatto il Joker, aveva appena finito di fare Il cavaliere oscuro, ed era così compiaciuto”, ha detto Garfield. “Gli ho chiesto: “Com’è andata?” e lui mi ha risposto: “Alla grande””. Garfield ha inoltre ricordato quando Ledger ha criticato la copertina di una rivista per cui aveva posato in vista della sua interpretazione del cattivo della DC Comics, il Joker. “Ricordo che uscì la copertina della rivista Empire e lui disse: ‘Oh, hanno usato una foto di merda’”, ha raccontato Garfield.
“E io gli ho detto: ‘Mi stai prendendo in giro, amico, è incredibile’. E lui: “No, la posa è sbagliata, sembra una versione convenzionale di quello che un attore… vedrai”. E, beh, poi l’ho visto”, afferma Garfield in riferimento al valore dell’interpretazione del collega. Come noto, Heath Ledger è poi stato trovato morto nel gennaio 2008, mesi prima dell’uscita de Il cavaliere oscuro nel luglio dello stesso anno. Il film della DC divenne un successo al botteghino e Ledger vinse persino un Oscar postumo per la sua interpretazione del Joker.
Garfield ha imparato molto da Heath Ledger mentre lavorava con lui: “Era una specie di faro, era come un animale selvaggio. Era così libero, così selvaggio e così pericoloso sul set, in un modo che era di ispirazione e spontaneo. Prima di ogni ripresa, o di una ripresa per ogni scena, diceva: ‘Divertiamoci un po’ con questa’”. E ha continuato: “Ho ancora molti suoi ricordi. Ricordo che il primo giorno che l’ho incontrato indossava questi fantastici occhiali da sole Ray Ban mimetici e io gli ho detto: ‘Oh, ehi, che occhiali da sole fighi’. E il giorno dopo erano nel mio camerino, me li aveva lasciati. Era uno spirito molto generoso, bello e creativo”.
Netflix ha rinnovato la commedia romanticaNobody Wants This(qui la recensione), con protagonisti Kristen Bell e Adam Brody, per una seconda stagione. Il rinnovo, però, avviene con un cambio di showrunner, con l’ideatrice Erin Foster che rimarrà però voce creativa della serie. Al suo posto, gli ex allievi di Girls, Jenni Konner e Bruce Eric Kaplan, sono saliti a bordo come produttori esecutivi e showrunner per la seconda stagione, guidando una writers room aperta da un paio di settimane. A loro si aggiungono Nora Silver, presidente della Jenni Konner Productions, che sarà produttrice esecutiva insieme al duo.
Gli accordi con Konner, Kaplan e Silver – come riportati da Deadline – sono stati stipulati prima dell’uscita della commedia il 26 settembre, uno dei lanci più forti di sempre per una serie comica originale Netflix. Debuttando al n. 2 nel weekend di apertura, Nobody Wants This è salita al n. 1 nella sua prima settimana completa, ottenendo ben 26,2 milioni di visualizzazioni nei suoi primi 11 giorni di uscita e cogliendo lo zeitgeist e innescando una conversazione.
“Aver ideato Nobody Wants This sarà per sempre un punto di forza della mia carriera”, ha dichiarato la Foster, che per la serie ha tratto ispirazione dalla sua esperienza personale. “L’incredibile cast, la troupe, i produttori e i dirigenti hanno fatto sì che questo show diventasse quello che è oggi, e sperimentare le reazioni degli spettatori a questa serie ora che è uscita nel mondo è stato più di quanto potessi sognare. Sono così fortunata a poter continuare questa storia e a farlo al fianco di Jenni Konner e Bruce Eric Kaplan, di cui sono una grande fan dai tempi di Girls… Giustizia per le relazioni sane che sono anche le più romantiche!”
“È un sogno lavorare a Nobody Wants This”, ha dichiarato invece Konner. “Erin è la rara creatrice con una voce cristallina e uno spirito genuinamente collaborativo. Sono una vera fan dello show di Erin e mi sento anche molto fortunata a tornare in una stanza con due dei miei preferiti, Bruce Kaplan e [la scrittrice] Sarah Heyward di Girls”. Kaplan ha aggiunto: “Sono entusiasta oltre ogni dire di far parte della seconda stagione di Nobody Wants This, creata dalla divertentissima Erin Foster. È uno show così unico e bello e mi sto già divertendo moltissimo a lavorarci”.
L’attore Stephen Graham ha dichiarato a Deadline di essere tra i protagonisti del prossimo film di NetflixPeaky Blinders. La star di Line of Duty ha confermato la cosa sul red carpet del London Film Festival (LFF) di ieri sera che il film sarà il suo prossimo progetto, prima di interpretare il padre di Bruce Springsteen nel biopic Deliver Me from Nowhere. Graham ha aggiunto che “non vede l’ora di rivedere i ragazzi” del cast della serie. L’attore non ha specificato il suo ruolo, ma avendo interpretato Hayden Stagg nella sesta e ultima stagione della serie di successo della BBC di Steven Knight è lecito pensare che riprenderà proprio quel ruolo.
Tutto quello che sappiamo sul film Peaky Blinders
Il premio Oscar Cillian Murphy tornerà nel ruolo iconico di Tommy Shelby, leader dell’omonima famiglia di gangster di Birmingham. La produzione del film inizierà entro la fine dell’anno.
I dettagli sul film non sono ancora stati resi noti. Tuttavia, in un’intervista a Esquire, l’ideatore StevenKnight ha lasciato intendere di avere un’idea generale della trama, che ruoterà intorno a due storie. Preferisce lasciare che sia il film stesso a guidare la direzione narrativa. Si prevede che il film esplorerà la nuova generazione di personaggi pur rimanendo legato agli Shelby, con Thomas Shelby che avrà un ruolo centrale. Ecco cosa ha detto sulla regia del film:
“Il film so esattamente di cosa parla.E so quali sono le due storie che racconterà.Come si svolgerà la storia, non lo so.Quello che succederà dopo, voglio che dipenda dal film.Per quanto ne sappiamo, qualcuno salterà fuori – credo di sapere chi sarà.Nella sesta serie stiamo introducendo la nuova generazione, che farà parte di ciò che accadrà nel film.Credo che si tratti di trovare quegli attori che, quando li guardi, pensi: “Ecco, questo è il futuro””.Ecco il futuro”.
Restate sintonizzati per ulteriori aggiornamenti su Peaky Blinders, la cui produzione inizierà il mese prossimo. Tutte le stagioni di Peaky Blinders sono disponibili su Netflix.
Il film del DCEU Shazam! (qui la recensione) ha offerto generose dosi di divertimento ma anche tanta azione ed epicità. Il film, diretto da David F. Sandberg e interpretato da Zachary Levinel ruolo del supereroe titolare, ha dunque proposto un lungometraggio diverso nel tono rispetto ai precedenti progetti, comeL’uomo d’acciaioo Batman v Superman, molto più cupi e seriosi. Allo stesso tempo, però il film ha anche proposto una serie di scenari potenzialmente inquientanti, seguiti da misteri non del tutto risolti che contribuiscono ad una certa curiosità nei confronti di questo racconto. Qui di seguito, dunque, andiamo ad esplorare il finale del film e i suoi significati nascosti.
La trama e il cast di Shazam!
Protagonista del film è Billy Batson (Asher Angel) è un quindicenne rimasto orfano che vive a Philadelphia con la famiglia Vasquez. Un giorno, scappando da alcuni bulli, viene teletrasportato in un’altra dimensione, un luogo magico chiamato Roccia dell’Eternità, dove incontra un mago, Shazam, che gli dona i suoi poteri al fine di sconfiggere il cattivo Dr. Thaddeus Sivana (Mark Strong) a capo dei Sette Peccati Capitali. Da quel momento, Billy si scopre dotato di un incredibile potere: gli basta pronunciare Shazam! per trasformarsi in un supereroe adulto (Zachary Levi) con abilità straordinarie. Come sempre, da questo grande potere deriveranno ben presto grandi responsabilità.
Cosa rendeva Thaddeus Sivana indegno da bambino?
Una delle rivelazioni più interessanti di Shazam! avviene proprio nei momenti iniziali del film. È un prologo ambientato a nord di New York nel 1974, e il giovane Thaddeus Sivana (Ethan Pugiotto) sta giocando con una Magic 8-Ball nel retro della sua auto, quando viene magicamente trasportato alla Roccia dell’Eternità in una dimensione alternativa. Lì, viene sfidato dal mago (Djimon Hounsou) in una prova di purezza, che fallisce dopo essere stato influenzato dai Sette Peccati Capitali, e viene scacciato – portando all’ossessione di trovare di nuovo la Roccia dell’Eternità e di ottenerne i poteri con ogni mezzo necessario.
È chiaro che il mago ha standard estremamente elevati nella sua ricerca di un nuovo campione a cui conferire i suoi poteri, poiché vediamo una serie di persone che hanno fallito la valutazione nel corso degli anni. Ma non è mai del tutto chiaro perché il giovane Thaddeus fallisca. Sembra un po’ troppo severo, visto che all’epoca era un ragazzino, e questo atto di rifiuto si rivela eccessivo per un giovane che sembra già essere stato respinto dal padre e dal fratello. Non c’è da stupirsi che il bambino sia poi diventato un malvagio megalomane e abbia cercato l’aiuto dei mostri dei Sette Peccati Capitali.
Zachary Levi e Jack Dylan Grazer in Shazam! Cortesia di Warner Bros.
La nascita della Famiglia Shazam!
Da adulto, Sivana ritrova così la strada per la Roccia dell’Eternità, sputa in faccia al Mago e intraprende la missione dei sette peccati capitali. Essi si impossessano del suo corpo conferendogli una forza paragonabile a quella di Shazam! e Philadelphia diventa il loro campo di battaglia. Ma un solo ragazzo non è in grado di difendere il pianeta dalle sette personificazioni del peccato, sono necessari i rinforzi. Billy decide così di condividere il proprio potere con i suoi fratelli e sorelle adottivi. Insieme invocano la parola magica e si trasformano nella Famiglia Shazam.
Insieme si occupano rapidamente di Sivana e dei suoi peccati. Usando la loro vanità contro di loro, Billy estrae ogni peccato dal contenitore di Sivana. L’invidia richiede un po’ di lavoro in più, ma la presa in giro delle sue dimensioni accende il fuoco appropriato. Libero dalla loro influenza, Sivana è ora un debole. Billy gli strappa pertanto l’occhio peccaminoso dal cranio, lasciandolo impotente e riportando i sette mortali alla loro prigione di pietra nella Roccia dell’Eternità. Philadelphia celebra così la Famiglia Shazam come eroi dal cuore puro.
Il film si conclude con Billy che definisce l’ultima casa che gli è stata affidata una vera casa. Impara che il rifiuto porta solo alla solitudine e che l’accettazione premia con la famiglia. Aiuta un fratello quando appare in forma di campione durante l’ora di pranzo a scuola di Freddy e, nel caso in cui la novità si sia esaurita, porta con sé un amico: Superman. Quando e come abbia trovato il tempo di diventare amico dell’Uomo d’Acciaio è una storia che non conosciamo ancora.
Mark Strong e Zachary Levi in Shazam! Cortesia di Warner Bros.
Le scene post-credits del film
Nella prima sequenza di mid-credits, torniamo a Sivana che perde la testa nella sua cella. Sta scarabocchiando freneticamente i simboli magici che lo hanno originariamente portato alla Roccia dell’Eternità. Mentre cerca disperatamente di scoprire una nuova sequenza, una voce robotica riecheggia dall’angolo della sua stanza. Incontriamo così Mister Mind, il piccolo verme visto in precedenza intrappolato in una cupola di vetro nella Tana del Mago. Parlando attraverso un dispositivo meccanico sul suo corpo, la piccola creatura dice: “Oh, quanto ci divertiremo insieme! I Sette Regni stanno per essere nostri”.
Questo piccolo verme si tratta di un cattivo della vecchia scuola e nessuno pensava che la Warner Bros. lo avrebbe preso sul serio. Tuttavia, chi ha seguito la recente serie di fumetti di Shazam! sa già che lo scrittore e produttore esecutivo del DCEU Geoff Johns è determinato a mantenere il canone di questo inquietante personaggio. Mister Mind si basa su abilità telecinetiche per controllare gli altri e da quanto afferma sembra intenzionato a prendere il controllo dei sette regni della realtà, uno dei quali è quello della Terra.
Il sequel Shazam! Furia degli Dei
Nel 2023 è poi arrivato al cinema Shazam! Furia degli Dei (qui la recensione), che ha posto il protagonista contro le tre figlie di Atlante desiderose di riprendersi i poteri ora in possesso di Shazam! Il film, come noto, è stato un flop al botteghino e data anche la cancellazione del DCUE sappiamo che non ci sarà un terzo film dedicato al supereroe. Ad ogni modo, come si può intuire, il film non ha avuto tra i suoi villain né Sivana né Mister Mind, i quali compaiono però nuovamente in una scena post-credits dove il secondo dice al primo che il suo piano è sempre più prossimo all’attuarsi. Sappiamo però ora che ciò non avverrà mai.
Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV
È possibile fruire di Shazam! grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Apple TV, Tim Vision, Netflix e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di giovedì 10 ottobre alle ore 21:00 sul canale 20 Mediaset.
Non solo Terminator! La carriera di Arnold Schwarzenegger è costellata da numerosi lungometraggi d’azione che tra gli anni Ottanta e Novanta lo hanno reso un’icona assoluta di questo genere. Titoli come Yado, Commando, Predator, Atto di forza, Last Action Heroo L’eliminatore – Eraser, sono solo alcuni esempi a riguardo. Un altro titolo da aggiungere a questo elenco è Codice Magnum, diretto nel 1986 da John Irvin, regista di cui Schwarzenegger si disse estremamente soddisfatto, ritenendosi un attore migliore dopo aver lavorato con lui.
Durante la produzione e le riprese il film doveva chiamarsi Triple Identity (Tripla Identità) – un riferimento al fatto che il personaggio di Schwarzenegger passa dall’essere agente dell’FBI, a poliziotto locale e poi ad agente sotto copertura. Esistono diverse sceneggiature del film con questo titolo in prima pagina, che è poi stato cambiato in Raw Deal (questo il titolo originale), scelto per far sembrare il film più simile a un normale lungometraggio d’azione.
Lo scarso successo ottenuto dal film lo fa essere oggi tra i meno noti della carriera di Schwarzenegger, ma per i fan dell’attore è senz’altro un titolo avvincente da recuperare assolutamente. In questo articolo, approfondiamo dunque alcune delle principali curiosità relative a Codice Magnum. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e . Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.
Arnold Schwarzenegger in Codice Magnum. Cortesia di De Laurentiis Entertainment Group
La trama di Codice Magnum
Il testimone chiave, che assicurerà l’arresto del pericoloso boss mafioso Luigi Patrovita, si trova al sicuro in un nascondiglio segreto dell’FBI. Con lui un manipolo di agenti di scorta, tra cui l’intraprendente Blair Shannon. Il malavitoso di Chicago, tuttavia, ha molti informatori e scopre dove si trova il traditore sterminando lui e la sua scorta. Il padre di Blair, Harry Shannon, sopraggiunge troppo tardi. L’uomo giura di vendicare suo figlio e chiede l’aiuto dell’amico di vecchia data Mark Kaminsky, un ex agente dal passato burrascoso.
Sotto mentite spoglie, Kaminsky si reca dunque a Chicago e si conquista la fiducia del boss, danneggiando gli affari del rivale Martin Lamanski. Nonostante i successi riportati, il tirapiedi di Patrovita, Max Keller, sospetta che Kaminsky sia un infiltrato. Per averne certezza, coinvolgerà Mark in quella che si rivelerà ben presto essere una trapoola. Per l’ex agente, avrà dunque inizio una lotta contro il tempo per cercare di consegnare Patrovita alla giustizia prima che la sua copertura salti e la sua vita venga posta seriamente in pericolo.
Il finale del film
Nel finale del film, l’identità di Mark viene naturalmente scoperta e pertanto decide di passare alle maniere forti. Armatosi fino ai denti, affronta Patrovita, Paul Rocca e Marvin Baxter, compiendo una vera e propria strage anche per vendicare l’amico Harry Shannon, precedentemente rimasto ferito durante una sparatoria. Infine, tempo dopo, Mark è tornato con l’FBI e con sua moglie, mentre Shannon si lascia andare allo sconforto non tentando neanche la riabilitazione. Kaminski riesce però a scuoterlo affidandogli il compito di fare da padrino al figlio che la moglie attende, riuscendo poi a fargli fare due passi.
Arnold Schwarzenegger in Codice Magnum. Cortesia di De Laurentiis Entertainment Group
Il cast di attori
Come anticipato, Arnold Schwarzenegger interpreta Mark Kaminsky. In un’intervista per promuovere il film, Schwarzenegger ha detto che questo è stato il primo lungometraggio dove ha avuto modo di indossare un guardaroba elaborato e moderno. Ha infatti aggiunto che, prima di questo, il costo del suo guardaroba per un suo film si aggirava sui 10 dollari. L’attore austriaco ha inolter rivelato di aver recitato in questo film a patto di rescindere per sempre il contratto che lo legava alle produzioni di Dino De Laurentiis.
Gli era infatti rimasto solo un film da realizzare con il produttore e si era detto era molto interessato affinché questo fosse Atto di forza, ma De Laurentiis si oppose, ritenendo che non fosse adatto al ruolo principale di Quaid. Tuttavia, l’insuccesso economico di Codice Magnum ha portato al fallimento di De Laurentiis e alla vendita dei diritti di Atto di forza, che Schwarzenegger è poi riuscito ad inserire nella sua filmografia nel 1990 interpretando proprio il ruolo del protagonista.
Accanto a lui, nel film, recita l’attrice Kathryn Harrold nel ruolo di Monique, donna che lavora per il luogotenente di Rocca, Max Keller. Quest’ultimo è interpretato da Robert Davi, mentre Sam Wanamaker è Luigi Patrovita. Con il suo personaggio, Patrovita condivide l’appartenenza alla città di Chicago. Completano il cast Paul Shenar nel ruolo di Paulo Rocca, Steven Hill in quello di Martin Lamanski, Darren McGavin nel ruolo del Comandante Harry Shannon e Joe Regalbuto in quello di Marvin Baxter.
Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV
Sfortunatamente il film non è presente su nessuna delle piattaforme streaming attualmente attive in Italia. È però presente nel palinsesto televisivo di giovedì 10 ottobre alle ore 21:00 sul canale Iris. Di conseguenza, per un limitato periodo di tempo sarà presente anche sulla piattaforma Mediaset Infinity, dove quindi lo si potrà vedere anche oltre il momento della sua messa in onda. Basterà accedere alla piattaforma, completamente gratuita, per trovare il film e far partire la visione.
Uscito in sala nel 1982, il film La cosa di John Carpenter è oggi ricordato come uno dei maggiori capolavori del celebre regista, ma anche come uno dei più importanti film di fantascienza horror. Il senso di paranoia e tensione suscitati da quel lungometraggio sono forti ancora oggi come quando venne proiettato per la prima volta in sala. Sono poi tanti i misteri che il film lascia in sospeso, come quello dell’origine dell’alieno con cui i protagonisti si devono confrontare. È proprio tentando di rispondere, almeno in parte, a questa domanda che i produttori Marc Abraham ed Eric Newman iniziarono a sviluppare l’idea di un prequel del film di Carpenter.
I due convinsero la Universal a realizzare un prequel invece di un remake, poiché ritenevano che rifare il film di Carpenter sarebbe stato come “dipingere i baffi sulla Monna Lisa“. Newman, in particolare, ha spiegato che: “Sono il primo a dire che nessuno dovrebbe mai provare a rifare Lo squalo e di certo non vorrei che qualcuno facesse un remake de L’esorcista… E ci siamo sentiti davvero allo stesso modo per La cosa. È un grande film. Ma quando abbiamo capito che c’era una nuova storia da raccontare, con gli stessi personaggi e lo stesso mondo, ma da un punto di vista molto diverso, l’abbiamo presa come una sfida. È la storia dei ragazzi che nel film di Carpenter sono solo fantasmi, sono già morti“.
Si è dunque deciso di raccontare una storia simile ma diversa, traendo ispirazione non solo dal film di Carpenter ma anche da titoli come Alien e Rosemary’s Baby. Purtroppo, questo prequel – diretto dall’olandese Matthijs van Heijningen Jr. – fu segnato da numerosi problemi produttivi, che lo portarono ad essere un insuccesso. Per i fan del titolo del 1982, si tratta però di un titolo senz’altro da recuperare. In questo articolo, approfondiamo alcune delle principali curiosità relative a La cosa. Proseguendo qui nella lettura sarà possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e alla spiegazione del finale. Infine, si elencheranno le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.
Protagonista del film è Kate Lloyd, una giovane una ricercatrice paleontologa che si unisce ad una spedizione norvegese in Antartide per indagare sulla scoperta di una nave spaziale intrappolata nei ghiacci. Dopo aver dato un primo sguardo all’astronave, Kate, il dottor Sander Halvorson e il suo assistente Adam sono informati che, sepolto nel permafrost, è stato rinvenuto anche il corpo di un alieno. Iniziano dunque a studiare quella sconosciuta forma di vita, ma quando questa si risveglia e sfugge al controllo umano, morte e panico verranno seminati nella base e Kate sarà costretta a fare squadra con il pilota di elicotteri Sam per lottare per la sopravvivenza.
Ad interpretare la ricercatrice Kate Lloyd vi è l’attrice Mary Elizabeth Winstead, la quale ha rivelato di come per il suo personaggio ci si sia ispirati alla Ellen Ripley di Sigourney Weaver della saga di Alien. Nel ruolo del pilota Sam Carter vi è invece l’attore Joel Edgerton, noto per i film Warriore Loving. Ulrich Thomsen interpreta il dr. Sander Halvorson, anche se inizialmente il ruolo era stato affidato all’attore Dennis Storhoi, licenziato dopo una settimana di riprese per via del suo alcolismo. Eric Christian Olsen interpreta Adam Finch, mentre gli attori AdewaleAkinnuoye-Agbaje, Trond Espen Seim e Jørgen Langhelle interpretano Derek Jameson, Edvard Wolner e Lars.
Alec Gillis e Tom Woodruff Jr. di Amalgamated Dynamics (ADI) hanno creato gli effetti pratici della creatura per il film, ricreando anche l’aspetto dell’alieno nel blocco di ghiaccio portato alla luce. Anche se inizialmente doveva essere mostrato solo come una silhouette, il regista apprezzò i loro progetti e li incoraggiò a realizzare in toto la creatura, che fu ottenuta con una tuta da mostro che Woodruff indossò. Per emulare gli effetti della creatura del primo film, anche in questo caso si decise di utilizzare, per quando possibile, effetti pratici tradizionali. Tuttavia, in post-produzione, lo studios insistette per sostituire tali effetti con la CGI, cosa di cui il regista si è poi pentito.
Nel finale del film, dopo che Kate ha lasciato la base credendo di essere l’unica superstite e di essere riuscita ad eliminare la creatura aliena, una nuova scena ci riporta sul luogo in cui si sono svolti gli orrori. Qui Matias, l’elicotterista del recupero, si aggira spaesato chiedendo se ci sia qualcuno. Lars, miracolosamente ancora vivo, esce allo scoperto. Mentre gli sta per spiegare che cosa è accaduto, un cane Husky, come quello ucciso per primo dalla Cosa, esce dalla base e fugge nella neve. Capendo immediatamente che quel cane è il realtà la Cosa ancora viva, Lars fa salire Matias sul velivolo per dare la caccia al cane, cominciando a sparargli dall’elicottero in volo e agganciandosi così all’inizio del film del 1982.
Il film, dunque, si conclude cronologicamente poco prima di dove inizia il lungometraggio di Carpenter. Nelle scene iniziali di questo, infatti, la quiete della base scientifica statunitense U.S. Outpost #31 viene interrotta dall’arrivo dell’elicottero partito dalla remota stazione di ricerca norvegese, che sta inseguendo un cane di razza siberian husky, per ucciderlo a fucilate. Sfortunatamente, i due norvegesi non riescono a portare a termine il compito e rimangono entrambi uccisi. Il cane, invece, viene accolto nella base statunitense, cosa che permette alla Cosa di scatenarsi nuovamente e seminare nuovamente la morte.
Tornando al finale di La cosa del 2011, invece, van Heijningen Jr. ha affermato che i reshoots del film includevano la realizzazione di un finale completamente diverso. In quello originale, Kate doveva scoprire che i piloti originali dell’astronave erano stati tutti uccisi dalla Cosa, che era un esemplare fuggito che avevano raccolto da un altro pianeta, il che implicava che l’astronave era stata fatta precipitare nel tentativo di uccidere il mostro. Tale scoperta avrebbe dunque impostato l’esistenza di quello che il regista ha descritto come un “campo norvegese nello spazio“, ovvero un ulteriore “prima” rispetto alla vicenda narrata.
Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV
È possibile fruire di La cosa grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Tim Vision, Apple iTunes e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di giovedì 10 ottobre alle ore 21:15 sul canale Italia 2.
Attenzione! Questo articolo contiene SPOILER per l’episodio 5 di Agatha All Along
L’episodio 5 di Agatha All Along presenta un’impressionante raccolta di emozionanti Easter egg e riferimenti, tra cui una grande novità per l’MCU. Con la terza prova della congrega sulla Strada delle Streghe, che riguarda nientemeno che Agatha stessa (Kathryn Hahn).
Finora, la nuova congrega di Agatha Harkness ha affrontato due prove nel corso dello show, una progettata per Jennifer Hale (Sasheer Zamata) e l’altra per Alice Wu-Gulliver (Ali Ahn). Ora, Agatha è costretta a comunicare con i morti, mentre i Sette di Salem si stanno avvicinando. Ecco i più grandi Easter egg e rivelazioni nell’episodio 5 di Agatha All Along.
Dopo essere stati anticipati negli episodi precedenti, i Sette di Salem vengono inizialmente mostrati in forma animale, mentre sono sulla Strada delle Streghe, prima di trasformarsi in streghe vestite di nero. Tra queste ci sono una volpe, un corvo, un serpente e altro ancora.
La capacità di cambiare forma e trasformarsi in varie creature era un potere consolidato dei Sette di Salem nei fumetti Marvel. Viene anche rivelato che i Sette di Salem del MCU sono i figli vendicativi della congrega originale di Agatha che hanno formato la loro “congrega con una mente alveare” e cercano vendetta nei confronti di Agatha stessa. Non sono dunque i figli di Nicholas Scratch come nei fumetti.
Con i Sette di Salem che si avvicinano da ogni parte, Teen suggerisce un “hexenbesen” che si rivela essere un incantesimo della scopa delle streghe, che consente alla congrega di volare temporaneamente sopra la Strada delle streghe. Il termine “hexenbesen” è un’antica parola tedesca che sta proprio per “scopa delle streghe”, ed è esilarante vedere la congrega resistere alla pratica cliché e come sia stata “cooptata dal complesso industriale delle feste” secondo Lilia di Patti LuPone.
Detto questo, segue poi una scena meravigliosamente inquietante della congrega che vola di fronte a una luna di sangue, immagine che riporta alla mente le classiche rappresentazioni delle streghe e, in ambito Disney, Hocus Pocus.
Purtroppo, il volo della scopa dura poco, prima che la Strada delle Streghe costringa la congrega a precipitare di nuovo. Mentre tutte le consorelle urlano agitate, Rio di Aubrey Plaza emette una classica risata da strega, godendosi davvero il brivido mentre precipitano tutti a terra.
Chiaramente, Rio non sembra temere la morte (il che è probabilmente indicativo della vera identità ampiamente teorizzata del personaggio come Lady Death in persona). Essendo il personaggio più anticonvenzionale e bizzarro, ha senso che sia lei a omaggiare un luogo comune così iconico sulle streghe.
Nascondendosi in una baita che contiene la loro prova successiva, Agatha e la sua congrega si ritrovano trasformati ancora una volta, proprio come nei precedenti episodi della serie. Tuttavia, questa volta le vibrazioni sono da “film horror da campeggio estivo”.
Non solo ci sono un sacco di scrunchies e fasce per capelli in giro, ma Jennifer Kale di Zamata indossa persino un apparecchio odontoiatrico per completare totalmente l’estetica.
Il look di Teen ricorda quello di Wiccan/Billy Kaplan
I nuovi vestiti per “Teen” di Joe Locke sono particolarmente interessanti, come si era già notato quando le sequenze di questo episodio sono state presentate per la prima volta nei trailer di Agatha All Along. Dal momento che indossa una maglietta rossa e una fascia blu, l’abbinamento di colori riprendere esattamente Wiccan di Billy Kaplan come lo vediamo nei fumetti e ovviamente sono intenzionali.
L’accostamento cromatico riprende anche il giovane Billy Maximoff in WandaVision che indossava colori simili e una fascia per capelli per il suo costume di Halloween. Il che non fa altro che anticipare ciò che avverrà di lì a poco.
Nell’episodio 5 di Agatha All Along, la congrega usa una tavola Ouija in modo che Agatha possa comunicare con i morti per la terza prova della congrega. Tuttavia, Harkness inizialmente finge di essere posseduto dal fantasma della signora Hart.
Sebbene l’imitazione sia buona, è piuttosto irrispettosa considerando che la signora Hart, alias Sharon Davis, è morta di recente sulla Strada, come si vede nell’episodio 3 di Agatha All Along.
Usando davvero la tavola Ouija, il nome “Morte” appare davanti alla congrega con l’ordine che Agatha deve essere punita. È interessante notare che è più che probabile che la Morte stessa fosse davvero con la congrega, supponendo che le teorie siano corrette e che Rio Vidal di Aubrey Plaza sia davvero Lady Death in persona.
Ci sono stati sicuramente abbastanza indizi e suggerimenti negli episodi precedenti di Agatha All Along, fino a questo momento, a sostegno di questa teoria.
Non molto tempo dopo aver usato la tavola Ouija e dopo che la congrega ha sostenuto un breve dibattito sul fatto che Agatha debba essere punita o meno, la stessa Harkness viene posseduta da uno spirito aggressivo.
Per mettere in scena la sua possessione, i Marvel Studios hanno scelto di omaggiare il film per eccellenza in argomento: L’Esorcista. Il trucco è molto simile, così come il modo in cui si muove e striscia Agatha nella baita, mentre cerca di uccidere le sue compagne streghe.
Alla fine, viene rivelato che Agatha è stata posseduta dal fantasma di sua madre, Evanora Harkness. Come si è visto nelle sequenze di flashback di WandaVision, Agatha ha ucciso sua madre e le sue compagne streghe che formavano la sua congrega originale, assorbendo tutto il loro potere per sé.
Ora, viene rivelato che il fantasma di Evanora ha affari in sospeso, e desidera vendetta su sua figlia. In questa circostanza, possiamo anche ufficializzare la presenza e l’esistenza dei fantasmi all’interno del MCU.
“Posso essere buona”
Stessa citazione dal flashback di WandaVision di Agatha
Non volendo che la sua nuova congrega la lasci con il fantasma di sua madre, Agatha dice alle streghe che “può essere buona” prima che Evanora la possieda di nuovo. Questa è la stessa frase che Agatha ha usato per convincere la sua vecchia carceriera a non ucciderla prima che in effetti uccidesse tutte le consorelle e rubasse il loro potere.
In quanto tale, è un punto molto oscuro di simmetria tra le congreghe, soprattutto considerando come l’episodio si conclude almeno con la morte di Alice (se non di più).
Nell’episodio 5 di Agatha All Along, è Teen a rendersi conto che lo spirito del figlio defunto di Agatha è presente nella baita. Ciò conferma che Agatha All Along del MCU è effettivamente morto, piuttosto che essere un agente di Mefisto come ipotizzato nell’episodio 3 di Agatha All Along.
Inoltre, conferma anche che Teen stesso non è il figlio di Agatha, come inizialmente teorizzato, ma è comunque il figlio di una strega famosa…
Fante di Bastoni
Lilia fa riferimento a un’altra carta dei tarocchi
Quando Alice interviene con la sua magia protettiva per cercare di salvare Agatha dalla possessione del fantasma di Evanora, Lilia pronuncia ad alta voce le parole “Fante di Bastoni”. Si tratta di una delle poche carte dei tarocchi che la strega della divinazione ha menzionato da quando Agatha All Along ha iniziato, come la “Grande Sacerdotessa” quando Lilia ha incontrato per la prima volta Jennifer Hale o il “Tre di Spade” quando Teen era in fin di vita dopo la fine della seconda prova della congrega.
Pertanto, sarà interessante scoprire quale potrebbe essere il significato più grande di questo tarocco man mano che lo show prosegue, così come quali altre carte potrebbero essere menzionate da Lilia in futuro.
“Così simile a tua madre”
Billy Maximoff confermato?
Dopo aver prosciugato Alice del suo potere quando ha cercato di porre fine alla sua possessione, la strega della protezione rimane uccisa in maniera raccapricciante alla fine dell’episodio 5 (proprio come ha ucciso la sua vecchia congrega e sua madre).
Teen in particolare affronta Agatha alla fine dell’episodio, dicendole che se essere una strega significa uccidere le persone per i propri scopi, allora non vuole esserlo. Agatha risponde che è molto simile a sua madre, riferendosi al fatto che Agatha ha sempre saputo chi è, ovvero Wiccan, il figlio di Scarlet Witch.
In un colpo di scena importante, Teen mostra la sua magia blu brillante. Prendendo possesso sia di Lilia che di Jennifer, Teen fa buttare Agatha fuori dalla Strada delle Streghe e nel fango prima di spingere anche le altre due streghe fuori dalla Strada.
Inoltre, l’episodio 5 di Agatha All Along si conclude con Teen che indossa la sua corona, che assomiglia molto alla tiara di Scarlet Witch. Come tale, sembra proprio che Agatha All Along abbia finalmente confermato che Teen è davvero il Wiccan di Billy Kaplan, il figlio reincarnato di Scarlet Witch.
“You Should See Me In A Crown” – Billie Eilish
Una conclusione da manuale
L’ultima inquadratura dell’episodio 5 di Agatha All Alongè di Teen che indossa la sua corona. Come tale, l’episodio si conclude con una canzone epica per i titoli di coda, “You Should See Me In A Crown” di Billie Eilish.
È davvero la canzone perfetta considerando la rivelazione finale dell’episodio con Teen e il suo più che probabile ruolo di Wiccan, corona e tutto.
Sebbene sia sopravvissuto a decenni di orde di non morti nel franchise di La casa, la leggenda dell’horror Bruce Campbell – noto appunto per il ruolo dell’improbabile eroe Ash Williams nella serie La casa di Sam Raimi – ha rivelato in quale franchise Disney avrebbe voluto trascorrere più tempo prima che il suo personaggio incontrasse la fine. Nonostante la sua carriera nell’horror, tuttavia, Campbell ha infatti fatto diverse apparizioni in film più adatti alle famiglie, come doppiatore di personaggi in film d’animazione o brevi ma memorabili camei in alcuni dei più noti film di supereroi degli anni 2000.
Poiché Campbell è noto per le sue numerose battute, Variety ha chiesto all’attore se fosse in grado di individuare quali battute provenissero da ogni specifica voce della sua filmografia nel suo ultimo video su YouTube. Per quanto riguarda la terza citazione, Campbell si è inizialmente confuso su quale dei suoi numerosi personaggi con molte battute fosse, per poi scoprire che si trattava del suo breve cameo nel ruolo di Rod “Torque” Redline in Cars 2.
“Ora stai iniziando a… Stai andando oltre i “golden mouldies”. “Stavo solo indossando un travestimento. Voi siete bloccati con questo aspetto”. È una battuta tipica che direi, devi aiutarmi in questo caso… È stato un piccolo cameo, non ho nemmeno cambiato la storia con quello”, ha affermato l’attore. Bruce Campbell ha così rivelato che avrebbe voluto avere un ruolo più ampio proprio nel sequel animato della Pixar. L’attore ha scherzato sul fatto che ciò è dovuto principalmente al potenziale lucrativo che si può ricavare dai diritti residuali che si ottengono con le ripetizioni del film.
“È stata una sfortuna che io sia morto, perché sono fantastici per i residui, quindi vuoi davvero vivere in un film d’animazione. Perché i bambini guarderanno un film d’animazione migliaia di volte. Ti pagano 12 dollari per registrarlo. Non lo fai per quello, lo fai per i sette anni di diritti residui che otterrai dal piccolo Billy che dice: “Devo guardarlo di nuovo! Posso guardarlo questa settimana?”. Grazie alla sua lunga lista di precedenti ruoli da doppiatore in film, televisione e videogiochi, non sorprende che Bruce Campbell abbia una grande familiarità con i dettagli dell’industria del doppiaggio.
Campbell avrebbe persino ripreso il ruolo di Redline nel videogioco collegato a Cars 2. Nonostante ciò, è improbabile che Redline avrebbe avuto un ruolo più ampio nel sequel Pixar. Nel film, è l’auto che trascina Cricchetto (Larry the Cable Guy) nel complotto di spionaggio e diventa lo sfortunato esempio della reazione chimica mortale del film al carburante Allinol. Come tale, Redline svolge e conclude il suo ruolo all’interno della narrazione del singolo film.
Sarà Cristiana Capotondi la Madrina del 42° Torino Film Festival, che si svolgerà dal 22 al 30 novembre 2024 a Torino.
L’attrice affiancherà il Direttore Artistico Giulio Base nella conduzione della serata di apertura, che avrà luogo la sera del 22 novembre nella splendida cornice del Teatro Regio di Torino.
Considerata una delle attrici più amate della sua generazione, Cristiana Capotondi è anche regista, doppiatrice, dirigente sportiva, attivista ambientale, imprenditrice culturale, sempre attenta alle tematiche del femminile. Come interprete, vanta una carriera di enorme successo, con oltre cinquanta film all’attivo, diretta da registi di calibro internazionale come Ferzan Özpetek, Roberto Faenza, Pupi Avati, Paolo Genovese, Carlo Mazzacurati, Michele Placido e Terry Gilliam.
Oltre a essere la Madrina del 42TFF, Cristiana Capotondi avrà una sua Carte Blanche dove incontrerà il pubblico per presentare e introdurre un film che ha segnato particolarmente la sua vita personale e professionale.
Cristiana Capotondi madrina del 42° Torino Film Festival
“Sono contento di avere Cristiana Capotondi come madrina al mio primo TFF da Direttore Artistico – dice Giulio Base – la conosco bene, è un’attrice capace di coniugare bellezza, eleganza, talento e impegno. Sono certo che aggiungerà alle serate del festival a cui parteciperà quel tocco di raffinata distinzione che contraddistingue la sua carriera”.
Il Torino Film Festival è realizzato dal Museo Nazionale del Cinema di Torino e si svolge con il contributo del Ministero della Cultura – Direzione Generale Cinema e Audiovisivo, Regione Piemonte, Città di Torino, Fondazione Compagnia di San Paolo, Fondazione CRT.
Secondo Deadline, Daniel Ezra, noto per la serie All American, si è infatti unito al cast del remake The Running Man, tratto dal romanzo diStephen King pubblicato per la prima volta nel 1982 con lo pseudonimo di Richard Bachman. Il libro è stato originariamente adattato in un film del 1987 con Arnold Schwarzenegger nei panni di un uomo che partecipa a un pericoloso reality show in cui i concorrenti sono braccati da assassini mortali, ambientato in un’America distopica del 2025. Come noto, è ora in fase di realizzazione un remake diretto ora da Edgar Wright, è interpretato da Glen Powell e Katy O’Brian, segnando una reunion per i due dopo Twisters.
Non si sa chi Daniel Ezra interpreterà nel remake di The Running Man, ma considerando il suo ruolo di giocatore di football in All American e la sua corporatura atletica, è probabile che interpreti uno dei concorrenti incaricati di sfuggire ai sicari che cercano di ucciderli. È anche appropriato che, dopo aver eluso per anni i placcatori in All American e aver lasciato la serie dopo sei stagioni, il primo ruolo dell’attore nel remake di The Running Man lo vedrà probabilmente impegnato in una sfida simile, ma molto più letale.
In ogni caso, con Daniel EzraThe Running Man ha aggiunto un altro emergente al suo cast, dimostrando di voler continuare ad assicurarsi alcuni degli astri nascenti più interessanti e promettenti del momento. Oltre ad Ezra, Powell si è infatti distinto nel corso del 2024 per i film Tutti tranne te, Hit Mane Twister, mentre O’Brian è stata vista in The Mandalorian, Love Lies Bleeding e nel citato Twister. Nel film ci sarà anche l’attore Karl Glusman, visto nei film The Bikeriders e Civil War.
Keanu Reeves e Sandra Bullock sono ancora amici, ed è un piacere vederlo. I fan desiderano ardentemente che la coppia si riunisca sullo schermo dopo il successo di Speed e La casa sul lago. In occasione di un evento per celebrare il 30° anniversario del primo film – come riportato da Collider – la coppia si è riunita con il regista Jan de Bont, nell’ambito del Beyond Fest, e i fan hanno avuto la possibilità di chiedere a tutte le parti in causa le prospettive di una terza uscita.
La Bullock è stata tristemente protagonista di Speed 2: Senza limiti, a cui Keanu Reeves ha saggiamente rinunciato, ma la possibilità di riunire i tre per un altro giro è estremamente allettante. Il blockbuster del 1994 segue l’agente di polizia di Los Angeles Jack Traven (Reeves) mentre corre contro il tempo per fermare l’esplosione di un autobus urbano imbottito di bombe. Tra i passeggeri c’è Annie (Bullock), una civile sveglia che diventa un’alleata inaspettata. La bomba, piazzata da un vendicativo estorsore di nome Howard Payne (interpretato dal compianto Dennis Hopper), minaccia di esplodere se l’autobus rallenta al di sotto delle 50 miglia orarie.
La Bullock ha scherzato sul fatto che il film sarebbe “la versione geriatrica” e che “non sarebbe veloce”, mentre Reeves ha aggiunto che dovrebbe parlare di “pensione”. De Bont ha ammesso che il film sarebbe stato molto diverso, ma che gli sarebbe piaciuto lavorare di nuovo con la coppia. La Bullock, da parte sua, ha ammesso che le possibilità che il film arrivi sullo schermo non sono favorevoli a causa del clima che si respira a Hollywood in questo momento, chiedendosi se saranno in grado di realizzarlo, e ha ammesso che Jan de Bont sarebbe l’unico in grado di farlo. La Bullock ha però aggiunto di non essere sicura che nemmeno a de Bont sarebbe stato permesso di girare il film.
“Tutte queste cose sono successe a causa di quel pazzo con la giacca verdastra laggiù. Oggi è così tenero e gentile e io penso: non è l’uomo che ricordo. Ma è l’uomo che ha messo insieme l’energia e l’idea, sapeva cosa voleva il pubblico e lo ha richiesto a tutti, e tutti si sono messi all’altezza. Quindi quale sarebbe il film che renderebbe felice il cervello e la genialità di Jan? Richiederebbe molto da tutti. Non so se siamo ancora in un’industria disposta a tollerarlo e ad avere il coraggio di farlo. Forse mi sbaglio. Non so cosa potremmo fare che sia abbastanza buono per il pubblico”.
Cosa possiamo dedurre da questo? Beh, non è un no. È chiaro che tutte le parti sono estremamente affezionate al film e al ruolo che ha avuto nel forgiare le loro carriere. Keanu Reeves e Sandra Bullock hanno entrambi raggiunto lo status di superstar a Hollywood, mentre de Bont ha girato film come Twister e Tomb Raider: La culla della vita. Al momento non ci sono piani per uno Speed 3, ma chissà che l’effetto nostalgia non porti al riaccendersi delle conversazioni a riguardo.
Dopo essere stato premiato con la prestigiosa Palma d’Oro all’ultimo Festival di Cannes, arriva nei cinema italiani dal 7 novembre il nuovo film diretto dal regista Sean Baker (Un sogno chiamato Florida, Red Rocket) intitolato ANORA.
Anora detta Ani – interpretata dalla brillante Mikey Madison, già apparsa in Once Upon a Time in Hollywood – è una ballerina erotica americana di origine russa esperta in lap dance che porta i clienti nei privé offrendo loro servizi extra a pagamento. Un giorno nel locale dove lavora arriva Ivan(Mark Eydelshteyn), un ragazzo russo che pare entusiasta di lei e dei suoi molti talenti. Il giorno dopo Ivan la invita a casa sua, e Ani scopre con meraviglia che il ragazzo vive in una lussuosa villa ed è figlio unico di un oligarca multimiliardario. Le cose fra i due ragazzi vanno così bene che Ivan porta Ani a Las Vegas e là le chiede di sposarlo. Ma i genitori di lui non sono affatto d’accordo e mandano una piccola “squadra di intervento” a recuperare il figlio dissennato. Ani vivrà una rocambolesca e scatenata avventura ricca di sorprese e colpi di scena, alla ricerca di quello che crede essere il suo vero amore e intenzionata a non lasciarsi sfuggire il suo lieto fine, l’occasione che potrebbe dare una svolta alla sua vita.
La storia di Anora
Anora, una giovane lavoratrice del sesso di Brooklyn, si imbatte nella possibilità di vivere la fiaba di Cenerentola, dopo aver incontrato e sposato, senza grandi dubbi, il figlio di un oligarca. Una volta che la notizia arriva in Russia, l’esperienza da sogno è minacciata dall’arrivo a New York dei suoceri, intenzionati a far annullare il matrimonio.
Oltre alla talentuosa Mikey Madison e a Mark Eydelshteyn, nel cast di ANORA spiccano il veterano attore armeno Karren Karaguilian (nei panni di Toros, il padrino di Ivan) e il russo Yura Borisov (il “gopnik” Igor), già apprezzato inScompartimento n. 6e inCaptain Volkogonov escaped.
ANORA sarà presentato il 23 ottobre in anteprima alla Festa del Cinema di Roma 2024, per poi arrivare nei cinema italiani dal 7 novembre distribuito da Universal Pictures International Italy.
Anora poster film (2024) Cortesia di Universal Pictures Italia
Attenzione! Questo articolo contiene spoiler per l’episodio 5 di Agatha All Along.
Il finale dell’episodio 5 di Agatha All Along rivela l’identità di Teen (Joe Locke), la morte confermata di un personaggio principale e l’apparente omicidio della congrega di Agatha. Dopo la fine dell’episodio 4 di Agatha All Along, le domande principali erano ancora incentrate su Teen, con Rio che aveva insistito non essere il figlio di Agatha.
Nel frattempo, le altre streghe della congrega di Agatha stavano ancora affrontando i loro problemi. Alice Wu-Gulliver ha rimosso la maledizione sulla sua famiglia, sollevando la questione su quale membro della congrega si sarebbe concentrato nell’episodio 5 di Agatha All Along. Come si è scoperto, la nuova prova della Strada delle Streghe è stata a sorpresa dedicata a Agatha stessa.
La rivelazione dell’identità di Teen nell’episodio 5 di Agatha All Along spiegata
Teen è finalmente confermato come un personaggio a lungo teorizzato
Da quando è iniziato Agatha All Along, la domanda più grande dello show è stata evidente: chi è il personaggio Marvel di Joe Locke? Il sigillo posto su Teen ha fatto sì che questa risposta fosse tenuta nascosta per un po’, ma il finale dell’episodio 5 di Agatha All Along fornisce finalmente la risposta. Mentre Teen esplode di rabbia verso Agatha per la morte di Alice, la strega titolare dice a Teen che lui è proprio come sua madre. Teen quindi scatena il suo potere magico prendendo il controllo dei corpi di Jen e Lilia, e apparentemente uccidendole insieme a Agatha, tutte e tre affondate nel fando della Strada delle Streghe.
La telecamera poi si allontana, rivelando che Teen indossa una corona blu. Questa corona è molto simile a quella di Scarlet Witch, confermando l’identità di Billy Kaplan. Nei fumetti Marvel, Billy Kaplan è la reincarnazione del figlio di Wanda Maximoff, Billy, e in seguito diventa Wiccan, un giovane vendicatore. Con l’apparizione della corona simile a quella di Scarlet Witch, il commento di Agatha sul fatto che Teen è simile a sua madre, i suoi poteri e le prove precedenti, è ora chiaro chi sia Teen.
Come ha fatto Agatha a scoprire l’identità di Teen?
La battuta di Agatha “Sei così simile a tua madre” spiegata
Una delle domande scottanti che emergono dal finale dell’episodio 5 è come Agatha abbia scoperto che Teen era Billy. È chiaro che l’ha fatto, in base al suo commento secondo cui Teen è così simile a sua madre, poco prima che lui la attaccasse. Ciò implica che sapesse da un po’ che la madre di Billy era Wanda, ma non viene spiegato come lo abbia scoperto, nonostante siano stati rivelati altri misteri come la connessione di Agatha con i Sette di Salem.
Innanzitutto, probabilmente ha iniziato a sospettare quando ha visto il sigillo sulla bocca di Teen nella première di Agatha All Along. Mentre nell’episodio 4 Agatha ha confermato che i sigilli funzionano anche contro coloro che li lanciano, probabilmente sospettava che fosse stata Wanda a lanciare l’incantesimo per proteggere suo figlio dalle altre streghe. Ciò è stato probabilmente ribadito nel finale dell’episodio 4 di Agatha All Along, quando Rio ha dichiarato che Teen non è il figlio di Agatha. Con la conferma che non è Nicholas Scratch, Agatha probabilmente ha dedotto che fosse Billy.
Infine, il commento su Billy che è così simile a sua madre accenna anche a come Agatha abbia scoperto la sua identità. Questo commento voleva essere una provocazione, Billy che apparentemente finge di essere una strega gentile che si preoccupa degli altri prima di usare la sua magia per uccidere (?) Agatha, Jen e Lilia. In WandaVision, Agatha sapeva che Scarlet Witch era così: un’utilizzatrice di magia che si crede buona ma è capace di grandi atti oscuri, da qui il commento su Billy.
Alice Wu-Gulliver è davvero morta? Il suo destino spiegato
Agatha apparentemente ha ucciso Alice prosciugandone i poteri
La prova lungo la Strada delle Streghe nel finale dell’episodio 5 di Agatha All Along ha visto il fantasma della madre di Agatha, Evanora, apparire per vendicarsi della figlia per averla uccisa durante i Processi alle Streghe di Salem. Questo evento è stato mostrato in WandaVision e ha portato Agatha a essere posseduta dalla madre nell’episodio 5. Nel tentativo di salvarla, Alice ha colpito Agatha con il suo potere magico per esorcizzare il fantasma di Evanora. Nonostante i tentativi di Alice di aiutare, le ombre oscure di Agatha mostrate nel finale culminante di WandaVision sono riemerse.
Come anticipato nella première, Agatha ha iniziato a prosciugare il potere di Alice dopo essere stata colpita da lei. Sebbene la strega titolare abbia in seguito affermato che non era intenzionale, il potere di Alice è stato comunque prosciugato da Agatha, apparentemente uccidendo la strega della protezione. Ciò solleva la questione se Alice rimarrà morta, come ha fatto Sharon Davis. È una comune teoria della serie che la congrega sia destinata a morire, elemento dopo elemento, e l’apparente morte di Alice sembra supportare questa idea.
Teen ha davvero appena ucciso Agatha, Jen e Lilia?
I poteri di Teen hanno lasciato incerti i destini di tre streghe
Uno degli elementi più scioccanti della rivelazione che Teen è effettivamente Billy è stato il suo attacco contro Agatha, Jen e Lilia. Dopo che Agatha ha provocato Teen affermando che era come sua madre, il giovane mago ha preso il controllo dei corpi di Lilia e Jen. Le due hanno preso Agatha e l’hanno gettata nelle sabbie mobili ai lati della Strada delle Streghe prima che Teen/Billy gettasse anche loro due nel fango. Mentre tutte e tre affondavano, Billy viene mostrato con una corona come quella di Scarlet Witch, ma blu.
Mentre Jen e Lilia potrebbero anche morire, è improbabile che Agatha l’abbia fatto. Il personaggio di Rio è ancora un jolly ed è stato evidentemente assente nella scena finale dell’episodio 5, il che significa che potrebbe salvare tutte e tre le streghe o, più probabilmente, solo Agatha. Indipendentemente da ciò, Agatha troverà probabilmente una via d’uscita dalla sua situazione difficile, ma non possiamo essere altrettanto sicuri per quello che riguarda Jen e Lilia. Con Sharon e ora Alice morte lungo la Strada delle Streghe, potrebbe essere la fine per uno o entrambi questi personaggi.
Il finale dell’episodio 5 di Agatha All Along fornisce un altro indizio sull’identità di Rio Vidal
L’assenza di Rio Vidal suggerisce che una comune teoria dell’MCU potrebbe essere vera
Aubrey Plaza è Rio Vidal in Agatha All Along – Disney
Dall’introduzione del personaggio nella première di Agatha All Along, una teoria comune è che Rio Vidal sia Lady Death dell’MCU. Dal commento su Rio che ottiene i suoi corpi se Agatha uccide la congrega ad Agatha che supplica Rio di non prendere Teen nel finale dell’episodio 4, ci sono diversi indizi che Rio sia l’incarnazione della morte stessa nel franchise. È interessante notare che un altro indizio è stato seminato nel finale dell’episodio 5 di Agatha All Along, quando Teen/Billy ha eliminato Agatha, Jen e Lilia.
Mentre Billy fronteggiava le altre tre streghe, Rio non si vedeva da nessuna parte. Questo è un altro indizio sulla vera identità di Lady Death, poiché probabilmente stava avendo a che fare con il corpo e lo spirito appena morti di Alice Wu-Gulliver. Rio è stata mostrata mentre lanciava occhiate al corpo di Alice dopo la sua morte, quindi, se la teoria è vera, è suo compito occuparsi dei morti. Questo spiegherebbe perché era assente dalla scena finale, poiché senza dubbio avrebbe cercato di salvare Agatha da Teen solo per ucciderla lei stessa in seguito.
Teen/Billy è il cattivo principale di Agatha All Along?
Cosa significano le azioni di Billy per gli episodi rimanenti
Con Teen rivelato come Billy che apparentemente che uccide Agatha, Jen e Lilia, la domanda su cosa significhi per la storia della serie è d’obbligo. Molti si chiederanno se Billy sarà ora il cattivo principale della serie, al posto del Rio Vidal o dei Salem Seven precedentemente teorizzati. Tuttavia, Billy avrebbe sicuramente senso come antagonista di Agatha, dato il cattivo sangue tra quest’ultima e la madre di Billy. Detto questo, Billy alla fine diventa Wiccan, uno dei membri dei Giovani Vendicatori, il che significa che la sua rappresentazione come cattivo ha poco senso.
Detto questo, la serie potrebbe essere capovolta grazie alla rivelazione di Billy. Finora, Agatha è stata la protagonista della serie, ma la storia non ha avuto paura di mostrare le sue tendenze più oscure. Ciò potrebbe significare che andando avanti, Billy è il protagonista di Agatha All Along e Agatha diventa la sua cattiva. Ciò permetterebbe a Billy/Wiccan di essere mostrato in una luce più eroica e di mantenere Agatha come una cattiva nell’MCU, come è stata in precedenza. Soprattutto, ciò dimostrerebbe che, opportunamente, la cattiva della serie è sempre stata Agatha.
Anche se la torcia di James Bond non è ancora stata passata, sembra che il franchise dovrà “morire un altro giorno”. Jennifer Salke, responsabile globale degli Amazon MGM Studios, ha recentemente fornito un aggiornamento sul franchise dopo che Daniel Craig ha fatto il suo ultimo inchino come 007 in No Time to Die (2021), mentre la britannica EON Productions continua a mantenere la maggior parte del controllo creativo.
“Ci sono molte idee [su potenziali attori] che sono saltate fuori e che ho ritenuto interessanti”, ha detto al Guardian. “Penso che ci siano molte strade diverse che possiamo percorrere. Abbiamo un rapporto buono e stretto con la Eon, Barbara [Broccoli] e Michael [G. Wilson]. Non vogliamo stravolgere il modo in cui vengono realizzati quei meravigliosi film. Per quanto ci riguarda, stiamo seguendo il loro esempio”.
Salke ha aggiunto: “Il pubblico globale saprà essere paziente. Non vogliamo che passi troppo tempo tra un film e l’altro, ma a questo punto non siamo preoccupati”. Dopo che Amazon e MGM hanno chiuso la loro fusione da 8,5 miliardi di dollari nel maggio 2022, che Salke ha dichiarato essere “decisamente acque inesplorate per me”, ha anche accennato alle notizie di un potenziale adattamento della serie 007.
“Quando si guarda a una proprietà intellettuale iconica come questa, si guarda a quello che potrebbe essere l’intero futuro a lungo termine. Ovviamente si guarda a ogni aspetto”, ha detto. Nel 2022, Broccoli ha dichiarato a Deadline che la produzione della prossima fase del franchise è prevista per “almeno due anni”, in quanto si sta pianificando “una reinvenzione di James Bond”.
“Nessuno è in corsa”, ha detto a proposito del casting di James Bond. “Stiamo lavorando per capire dove andare con lui, ne stiamo parlando. Non c’è una sceneggiatura e non possiamo proporla finché non decidiamo come affrontare il prossimo film perché, in realtà, si tratta di una reinvenzione di Bond. Stiamo reinventando chi è e questo richiede tempo. Direi che mancano almeno due anni alle riprese”.
A quasi 60 anni dal suo debutto alla regia, Martin Scorsese sente di avere ancora qualche film da realizzare. Il regista premio Oscar ha recentemente messo a tacere le speculazioni secondo cui starebbe pensando di ritirarsi dalla sua storica carriera dietro le quinte, mentre veniva premiato al Museo Nazionale del Cinema di Torino, in Italia. “Non ho alcuna intenzione di ritirarmi”, ha dichiarato Scorsese, secondo quanto riportato da World of Reel. “Il film su Frank Sinatra è solo rimandato, mentre a quello su Gesù sto lavorando. Spero che Dio mi dia la forza e i soldi per finirli”.
Mentre incontrava Papa Francesco in Vaticano lo scorso maggio, Scorsese aveva infatti rivelato di essere stato ispirato a fare “un film su Gesù”, un nuovo progetto a lui dedicato dopo il celebre L’ultima passione di Cristo. A febbraio ha dato un aggiornamento sul progetto al Festival di Berlino. “Ci sto pensando proprio ora”, ha detto Scorsese. “Non so bene che tipo di film sia, ma voglio fare qualcosa di unico e diverso che possa far riflettere e spero anche divertire. Non so ancora bene come procedere”.
E ha aggiunto: “Forse dormirò un po’ e poi mi sveglierò e avrò un’idea nuova di come farlo. Le possibilità di fare un film, il concetto di Gesù, l’idea di Gesù deriva davvero dal mio background cresciuto nel Lower East Side, dal mio interesse per il cattolicesimo, per il sacerdozio, che ha davvero portato, credo, alla fine al film Silence”. Nel frattempo, Scorsese ha pianificato di dirigere Sinatra, un biopic sul cantante-attore, da quando i diritti sulla vita e sulla musica sono stati acquisiti dalla Frank Sinatra Enterprises 15 anni fa.
Chi è coinvolto nel biopic di Martin Scorsese su Frank Sinatra?
L’altro prossimo film di Scorsese, invece, il biopic su Frank Sinatra, sarebbe stato realizzato poco più avanti rispetto a The Life of Jesus. Leonardo DiCaprio era in lizza per interpretare il leggendario cantante, mentre Jennifer Lawrence avrebbe interpretato la seconda moglie di Sinatra, Ava Gardner. Secondo il rapporto, “gli artigiani e gli altri attori chiave che avevano firmato per il progetto Sinatra sono stati informati a metà agosto che la data di inizio di novembre era stata cancellata, senza che fosse prevista una nuova data”.
Non è noto se Scorsese abbia ottenuto l’approvazione della proprietà di Sinatra, gestita dalla figlia Tina. L’approvazione della famiglia, fino ad oggi dichiaratasi contraria al progetto, potrebbe essere il motivo che blocca il film. Nessuno studio importante è al momento legato al biopic di Scorsese su Sinatra. Tuttavia, Apple e Sony sono state collegate al progetto. Si attendono dunque ulteriori novità riguardanti questi due progetti, tanto diversi quanto attesi.
Noir in Festival presenta la sua immagine ufficiale della 34ma edizione, che si terrà a Milano dal 2 al 7 dicembre 2024 con il sostegno della Direzione Cinema del MiC, il patrocinio del Comune di Milano, la collaborazione di IULM, Cineteca Italiana, Casa Manzoni, Libreria Rizzoli. È con un segno forte, nella linea italiana delle ultime edizioni che comincia il viaggio del festival di quest’anno, già ricco di sorprese e anticipazioni che verranno comunicate prossimamente.
Dopo una serie di grandi firme del fumetto e dell’illustrazione come Gigi Cavenago, Lorenzo De Felicis, Mario Alberti, Marco Galli, Paolo Bacilieri, Manuele Fior, i direttori Giorgio Gosetti e Marina Fabbri hanno deciso di puntare affidare il segno inconfondibile dell’immagine dell’anno alla Signora del fumetto italiano: Vanna Vinci.
Eclettica artista nata nella fenicio-punica Cagliari, alla fine degli anni ottanta entra nel mondo del fumetto italiano pubblicando il suo primo libro con Granata Press. Da allora, non ha mai smesso di raccontare e disegnare, collaborando con editori importanti, sia italiani che stranieri, tra cui Sergio Bonelli, Feltrinelli, Rizzoli, Dargaud, Planeta e Hachette.
Il suo universo spazia dalle storie a tematica quotidiana e intimista, con derive nel fantastico, al personaggio umoristico della Bambina Filosofica, fino alle biografie a fumetti di figure femminili iconiche e strabilianti come Luisa Casati, Tamara de Lempicka, Frida Kahlo, Maria Callas e le grandi cortigiane della Parigi della fine dell’ottocento. Attualmente, sta lavorando a una miniserie intitolata “Viaggio notturno” per la Sergio Bonelli Editore, un racconto dalle atmosfere perturbanti e oniriche. È stata insignita di numerosi premi, ultimo tra questi: il prestigioso Romics d’Oro nel 2024.
Il poster del Noir in Festival 2024 firmato da Vanna Vinci
Entusiasta di salire a bordo nell’edizione più rosa & noir degli ultimi anni, che vede anche il Premio Chandler nelle mani di una donna, l’ineguagliabile Joyce Carol Oates, Vanna Vinci non ha avuto alcun dubbio sul tema dell’illustrazione: “Quando mi è stato proposto di creare l’immagine per il Noir in Festival, mi è subito venuto in mente uno dei miei film preferiti: Double Indemnity di Billy Wilder, con la sceneggiatura scritta a quattro mani da Wilder e Raymond Chandler. Mi si è palesata immediatamente la protagonista, la biondissima e cattivissima femme fatale Phyllis Dietrichson, interpretata da una strepitosa Barbara Stanwyck. E così l’ho ritratta, algida, con lo sguardo coperto dagli occhiali scuri e la sigaretta nella mano guantata. Per l’ambientazione ho usato uno scorcio di uno dei fotogrammi del film. Si tratta di una città americana, forse Los Angeles, negli anni quaranta, ma poteva sembrare anche Milano di notte. Per l’atmosfera, non volevo evocare solo l’eleganza geometrica delle spalline anni quaranta, ma volevo che ci fosse anche un’idea della Milano negli anni ottanta. Perciò ho utilizzato solo colori puri e primari, cyan, giallo e magenta, tipici della grafica di quel periodo. Sono felice che la mia Phyllis Dietrichson rappresenti quest’anno un universo denso e pieno, come è il cinema Noir.”
Vanna Vinci sarà anche protagonista di un incontro alla IULM nell’ambito di una serie di eventi che andrà ad avvicinare ancora di più il Noir in Festival con l’arte del fumetto “a doppia mandata”.
“Spero solo che la mia morte abbia più senso della mia vita”, scrive Arthur Fleck (Joaquin Phoenix) nel suo diario in Joker, il film del 2019 diretto daTodd Phillips. Un solitario autodefinito mentalmente malato che lavora come clown mentre persegue una carriera da cabarettista, il Joker di Arthur ispira inavvertitamente un movimento dopo aver ucciso tre dipendenti della Wayne in metropolitana. “Se fossi io a morire sul marciapiede, mi passeresti sopra. Vi passo davanti ogni giorno e non vi accorgete di me”, si lamenta Joker poco prima di sparare e uccidere il conduttore di tarda serata Murray Franklin (Robert De Niro) in diretta televisiva, scatenando una rivolta che culmina con la morte di Martha e Thomas Wayne per le strade di Gotham City.
Alla fine del primo film, Arthur si rallegra dell’anarchia e della distruzione portata avanti dalla folla di clown mascherati che abbracciano Joker come simbolo di coloro che sono stati “ignorati dal sistema”. InJoker: Folie à Deux (qui la nostra recensione), questo include la collega di Arthur ad Arkham Harleen “Lee” Quinzel (Lady Gaga), che si istituzionalizza per diventare la sua principessa clown. Nel finale del film (qui la spiegazione), però, delusa dal rifiuto di Arthur della sua identità di Joker – Lee lo rifiuta. Dopo essere tornato all’Arkham State Hospital, Arthur viene a quel punto pugnalato a morte da un detenuto che idolatrava Joker. Facendo uno scherzo mortale, se così si può dire, il detenuto ridendo gli incide un sorriso sul volto. E Joker vive.
“Si è reso conto che tutto è così corrotto, che non cambierà mai e che l’unico modo per sistemarlo è bruciare tutto”, ha spiegato il regista Todd Phillips a Entertainment Weekly. “Quando le guardie uccidono il ragazzo nell’ospedale, si rende conto che truccarsi, indossare questa cosa, non cambia nulla. In un certo senso, ha accettato il fatto di essere sempre stato Arthur Fleck; non è mai stato questa cosa che gli è stata messa addosso, questa idea che la gente di Gotham gli ha messo addosso, che lui rappresenta. È un’icona inconsapevole”, ha continuato Phillips. “Questa cosa gli è stata messa addosso, e lui non vuole più vivere come un falso – vuole essere chi è”. Chi vuole essere è, dunque, Arthur Fleck.
La morte di Ricky (Jacob Lofland) e la testimonianza di Puddles sono un doppio colpo fatale per Arthur, che perde i suoi unici amici. “La cosa triste è che lui è Arthur e a nessuno importa di Arthur”, ha detto Phillips, compresa Lee. “[Lei] si rende conto che sono in un viaggio completamente diverso, amico, non puoi essere quello che volevo che fossi”. La sequenza della rottura tra Arthur e Lee sulle scale è “realmente accaduta”, ha aggiunto Todd Phillips, e non nella testa di Arthur. Il regista ha così spiegato le motivazioni dietro la scelta del protagonista di tornare sui suoi passi, con tutto quello che però ne consegue inevitabilmente.
Dopo il grande successo internazionale di Citadel, i Fratelli Russo e Prime Video portano alla luce la prima serie “figlia” del loro ambiziosissimo progetto globale: Citadel: Diana arriva sulla piattaforma a partire dal 10 ottobre con 6 episodi carichi di azione e con una Matilda De Angelis che non fa prigionieri, non solo perché la sua Diana è letale, ma anche perché in questo ruolo con quel taglio asimmetrico che è già iconico, l’interprete bolognese è irresistibile. Diretta da Arnaldo Catinari, sviluppata daAlessandro Fabbri, scritta da Alessandro Fabbri, Ilaria Bernardini, Gianluca Bernardini, Laura Colella e Giordana Mari con Gina Gardini in veste di showrunner e executive producer, Citadel: Diana è un piccolo gioiello di televisione di genere, una dimostrazione di alta professionalità e capacità tecnica e artistica di una squadra di talenti italiani che vanno a braccetto con le grandi produzioni statunitensi raggiungendo risultati anche migliori. Al centro dell’azione e dell’attenzione c’è, come detto, Matilda De Angelis, eroina action che il mondo ci invidierà.
La storia di Citadel: Diana
Edo Zani (Lorenzo Cervasio) e Ettore Zani (Maurizio Lombardi) in Citadel: Diana – Foto Credits Marco Ghidelli
Milano, 2030: otto anni fa l’agenzia indipendente di spionaggio Citadel è stata distrutta da una potente organizzazione rivale, Manticore. Da allora, Diana Cavalieri (Matilda De Angelis), spia di Citadel sotto copertura, è rimasta sola, intrappolata tra le linee nemiche come infiltrata in Manticore. Quando finalmente le si presenta l’occasione di uscirne e sparire per sempre, l’unico modo per farlo è fidarsi del più inaspettato degli alleati, Edo Zani (Lorenzo Cervasio), l’erede di Manticore Italia e figlio del capo dell’organizzazione, Ettore Zani (Maurizio Lombardi), in lotta per la supremazia contro le altre famiglie europee.
Diana, la spia che amava
La serie diretta da Arnaldo Catinari è un prodotto action/crime assolutamente credibile, una spy story che si regge sui colpi di scena e i voltafaccia, sfruttando a pieno ogni tropo del genere e declinandolo in base alla circostanza per dare vita a una storia solida e coesa, guidata con fierezza dalla sua protagonista. Diana, una donna forte e risoluta, allenata a esserlo, certo, ma anche mossa da una volontà di ferro che la guida con perseveranza lungo il sentiero della ricerca della verità. L’aspetto veramente vincente del personaggio, reso con grande versatilità e delicatezza da De Angelis, è proprio la ricchezza di aspetti che presenta: imperscrutabile eppure gonfia di emozione, delicata e gentile, e allo stesso tempo letale, indipendente e bisognosa di aiuto, solitaria ma alla continua ricerca degli affetti familiari, allontanati dalle sue scelte di vita.
Davvero è lei il cuore della serie, protagonista magnetica e bilancia etica di un mondo in cui la morale trova sempre poco spazio rispetto all’ambizione e alla sete di potere. È il perfetto contraltare per il malvagio e affascinante Ettore Zani ed è assolutamente ovvio e prevedibile che Edo Zani invece si trovi incline a collaborare con lei, lui che per Manticore vorrebbe un futuro molto diverso rispetto alla situazione presente.
Uno spin off molto indipendente dalla serie madre
Da un punto di vista dell’inserimento di Diana nell’universo di Citadel, i riferimenti alla serie madre si riducono a pochi easter egg e probabilmente una maggiore compenetrazione delle due storie e realtà, anche se sicuramente più difficile da coordinare, avrebbe potuto rendere ancora più interessante questo mondo. Oltre a questo aspetto narrativo, sembra degna di nota la scelta di Prime Video di rendere disponibili contemporaneamente tutti e sei gli episodi il 10 ottobre, nonostante le puntate siano strutturate evidentemente (cominciano con il classico “nelle puntate precedenti” e finiscono con un “prossimamente”) per la messa in onda settimanale. Questa scelta avrebbe consentito alla serie di mantenere lo spettatore nel mondo di Citadel fino all’arrivo dello spin off indiano, Citadel: Honey Bunny, atteso per dicembre. Una scelta che avrà alla base una strategia precisa, che però al momento non riusciamo a spiegarci.
Matilda De Angelis e Filippo Nigro in Citadel: Diana – Foto Credits Marco Ghidelli
Una spy story all’italiana
Si potrebbe definire Citadel: Diana una riuscita spy story “all’italiana” nella misura in cui la serie abbraccia i canoni del genere pur mantenendo una componente soapoperistica che rende i personaggi emotivamente aperti e interessanti anche per un pubblico non esattamente avvezzo alle storie di spie a là James Bond. Diana è un’eroina, una spia, un’assassina, una sorella/figlia, una donna alla ricerca della verità, una persona mossa dall’amore e proprio la sua ricchezza la rende comunicativa e accessibile.
Secondo quanto riferito da Deadline, Tom Hardy (Inception, RocknRolla), Helen Mirren (1923) e Pierce Brosnan (Mamma Mia!) sono nelle trattative finali per recitare nella serie Paramount+The Associate (titolo provvisorio) di Guy Ritchie.
The Associate di Guy Ritchie racconterà le fortune e la reputazione della famiglia più importante d’Europa a rischio, strane alleanze e tradimenti inaspettati; e mentre la famiglia potrebbe essere la più elitaria di Londra oggi, la natura della loro attività significa che non c’è garanzia di cosa riserva il futuro.
Il dramma di un’ora di Showtime/MTV Studios e 101 Studios segue due generazioni di gangster, le attività che gestiscono, le complesse relazioni che intrecciano e l’uomo a cui si rivolgono per risolvere i loro problemi.
Hardy è candidato per il ruolo di Harry, il faccendiere, un uomo tanto pericoloso quanto bello. Mirren e Brosnan interpreterebbero rispettivamente la matriarca e il patriarca della famiglia criminale, a quanto si dice.
Tom Hardy è pronto a riunirsi con il suo regista di RocknRolla Ritchie in questo nuovo progetto. Per Mirren, The Associate di Guy Ritchie arriva subito dopo 1923 di Taylor Sheridan, le cui riprese della sua seconda e ultima stagione sono recentemente terminate; entrambi gli show provengono da 101 Studios e MTV Studios. Mirren e Brosnan hanno recitato insieme in The Thursday Murder Club di Netflix, le cui riprese sono terminate all’inizio del mese scorso.
Ritchie, che dirigerà The Associate, è anche produttore esecutivo con lo sceneggiatore della serie Ronan Bennett, David C. Glasser, Ron Burkle, Bob Yari, David Hutkin e Ivan Atkinson.
Dopo aver prosciugato Alice del suo potere quando ha cercato di porre fine alla sua possessione, la strega della protezione rimane uccisa in maniera raccapricciante alla fine dell’episodio 5 (proprio come ha ucciso la sua vecchia congrega e sua madre).
Entusiasta di salire a bordo nell’edizione più rosa & noir degli ultimi anni, che vede anche il Premio Chandler nelle mani di una donna, l’ineguagliabile Joyce Carol Oates, Vanna Vinci non ha avuto alcun dubbio sul tema dell’illustrazione: “Quando mi è stato proposto di creare l’immagine per il Noir in Festival, mi è subito venuto in mente uno dei miei film preferiti: Double Indemnity di Billy Wilder, con la sceneggiatura scritta a quattro mani da Wilder e Raymond Chandler. Mi si è palesata immediatamente la protagonista, la biondissima e cattivissima femme fatale Phyllis Dietrichson, interpretata da una strepitosa Barbara Stanwyck. E così l’ho ritratta, algida, con lo sguardo coperto dagli occhiali scuri e la sigaretta nella mano guantata. Per l’ambientazione ho usato uno scorcio di uno dei fotogrammi del film. Si tratta di una città americana, forse Los Angeles, negli anni quaranta, ma poteva sembrare anche Milano di notte. Per l’atmosfera, non volevo evocare solo l’eleganza geometrica delle spalline anni quaranta, ma volevo che ci fosse anche un’idea della Milano negli anni ottanta. Perciò ho utilizzato solo colori puri e primari, cyan, giallo e magenta, tipici della grafica di quel periodo. Sono felice che la mia Phyllis Dietrichson rappresenti quest’anno un universo denso e pieno, come è il cinema Noir.”
