John Williams è uno
dei compositori cinematografici più prolifici e importanti di tutti
i tempi, autore di alcune delle colonne sonore più iconiche degli
ultimi 60 anni, vincitore di cinque Oscar e punto di riferimento
assoluto per i musicisti che compongono musica per il cinema.
Ironia della sorte, però, il maestro 93enne ha recentemente ammesso
la sua indifferenza e critica nei confronti della musica da film
come genere, dichiarando a un biografo: “Non ho mai
particolarmente amato la musica da film”.
In questa intervista del Guardian con l’autore
Tim Grieving sulla sua imminente biografia del
compositore, Williams ha analizzato l’arte a cui ha contribuito
così tanto. “La musica da film, per quanto possa essere buona –
e di solito non lo è, tranne forse per qualche otto minuti qua e
là”, ha detto, “penso semplicemente che la musica non ci
sia”. Ha continuato, liquidando l’apprezzamento per la musica
da film come il prodotto di “un ricordo nostalgico”, prima
di aggiungere: “Penso che l’idea che la musica da film abbia lo
stesso posto nelle sale da concerto della migliore musica classica
sia un concetto errato”.
Inoltre, ha criticato la maggior
parte della musica da film definendola “effimera” e
“frammentaria e, finché qualcuno non la ricostruisce, non è
nulla che possiamo nemmeno considerare come un brano da
concerto”. Una riflessione indubbiamente dura, anche
inaspettata, che spinge però ad una serie di riflessioni, in
particolare sulla frammentarietà della musica da film,
difficilmente estrapolabile dal contesto (il film) per cui è stata
composta.
Parte del motivo per cui le sue
colonne sonore sono così straordinarie è perché prendono
ispirazione da compositori classici e romantici come
Johannes Brahms e Pyotr
Tchaikovsky. Non sorprende che Williams abbia anche
composto musica al di fuori dello schermo, tra cui numerose opere
da concerto, a questo punto da lui considerate superiori alla
musica per il cinema.
I primi due episodi di
The Terminal List: Lupo Nero ci hanno presentato
Massoud Danawi, un fornitore di armi che lavorava con Hamid
Al-Jabouri dell’ISIS a Mosul. Quando Ben Edwards e il suo plotone
sono entrati in città per vedere dove si trovava la sua base
operativa, Danawi ha usato un soldato dell’ISF, Daran Amiri, per
bombardare la struttura di addestramento alleata. Inoltre, la
moglie di Amiri, Marwa, è stata uccisa e i suoi figli, Zaynab e
Afran, sono scomparsi.
Una volta scoperto che sia Hamid
che Danawi si trovavano a Mosul, Edwards ha voluto intervenire per
catturare il primo. Quando gli è stato impedito di farlo, perché
Hamid era un agente della CIA che forniva agli Stati Uniti
informazioni sui collegamenti di Danawi, Edwards e la sua squadra
hanno deciso di disobbedire agli ordini. Il piano era quello di
smascherare Hamid come agente della CIA e lasciare che l’ISIS lo
uccidesse. Tuttavia, quando Edwards vide Zaynab nella casa di
Hamid, non riuscì a trattenersi dal premere il grilletto. Di
conseguenza, Edwards e Raife Hastings furono congedati con
disonore. Detto questo, invece di tornare a casa, sono stati
reclutati dal capo dei servizi segreti della CIA Jed Haverford per
una missione congiunta con gli agenti del Mossad (sì, proprio al
momento giusto) Tal Varon ed Eliza Perash, per dare la caccia a
Danawi a Krems. Edwards e Hastings hanno accettato prontamente
l’offerta e hanno ucciso Danawi. Quali sono state le ripercussioni
di quell’azione? Scopriamolo.
Ritrovo con Farooq e
Landry
L’episodio 3 di
The Terminal List: Lupo Nero si apre con Edwards e
Hastings che si allenano nelle foreste dietro la tenuta che funge
da base operativa a Vienna. Abbiamo una breve scena a Ginevra, dove
è in corso un vertice sull’accordo di stabilità nucleare iraniano,
al quale partecipano i fratelli e diplomatici Cyrus e Vahid Rahimi.
Cyrus è soddisfatto dell’andamento dell’evento, ma Vahid sembra
preoccupato. Perché? Perché a Budapest è sorto un problema dopo la
morte di Danawi a Krems. Sentendo di essere osservati, Cyrus
consiglia a Vahid di spostare la conversazione in un luogo privato,
mentre discute con il ministro i loro piani per la costruzione di
un nuovo Iran.
Poi l’attenzione dell’episodio
torna a Vienna, dove Haverford riunisce il duo con Farooq e Landry
e dà il benvenuto a Ish nella squadra. Una volta che tutti si sono
rinfrescati, Farooq informa Edwards e Hastings che Zaynab e Afran
stanno bene, il che permette a Edwards di tirare un sospiro di
sollievo. Ma dopo questo momento di tregua, si torna al lavoro.
Haverford si rivolge alla squadra e dice loro che sono riusciti a
hackerare il telefono di Danawi e hanno scoperto che avrebbe dovuto
consegnare i cinque milioni di dollari che aveva ricevuto da
Golubev al professor Molnar.
Secondo il dossier, insegna
all’Università di Tecnologia ed Economia di Budapest e avrebbe
dovuto dare qualcosa a Danawi in cambio di quei cinque milioni di
dollari. Con Danawi fuori gioco, l’unico modo per scoprire cosa
valesse cinque milioni di dollari è mandare Farooq al posto di
Danawi, sperando che Molnar non abbia mai incontrato il vero
Danawi, e scoprire la verità. Gli altri terranno d’occhio Farooq
nel caso qualcuno voglia irrompere nell’incontro, rivelando così
l’identità di Farooq. Le cose si complicano un po’ quando ricevono
un messaggio da qualcun altro a Budapest che vuole incontrare
Danawi.
Supponendo che si tratti di
qualcuno che lavora con Danawi, il che significa che sapranno che
Farooq non è chi finge di essere, Haverford dice a Farooq di
recarsi nel luogo in cui Danawi avrebbe dovuto incontrare questa
persona. Una volta inviato un messaggio al contatto di Danawi per
comunicargli che devono rimandare l’appuntamento, torneranno a
casa. Farooq li seguirà in modo da poter uccidere il contatto in
privato prima che questi dia l’allarme sul fatto che il vero Danawi
è stato ucciso. Deve però agire in fretta, perché il tempo a
disposizione per l’incontro con Molnar sta per scadere.
Farooq incontra la figlia di
Danawi
Inizialmente, Farooq è sicuro di
uccidere il contatto di Danawi, ma non appena scopre che si tratta
della figlia di Danawi, gli risulta più difficile premere il
grilletto. Anche se Farooq dice a Ish di aver ucciso la ragazza, in
realtà non l’ha fatto. L’ha lasciata vivere perché, mentre Danawi
poteva essere un individuo malvagio, la ragazza è innocente. La
ragazza sa che Farooq e la sua banda sono responsabili della morte
di suo padre. Probabilmente capisce che suo padre meritava di
morire. Tuttavia, lasciarla vivere significa che c’è una buona
probabilità che, in futuro, lei cercherà di vendicarsi uccidendo
Farooq e la sua banda. Dato che Farooq deve concentrarsi sul suo
incontro con Molnar, mette da parte la questione della figlia di
Danawi e si concentra sull’argomento in questione. Molnar non
riconosce Farooq e presume ciecamente che si tratti di Danawi, il
che è un sollievo per Haverford e la sua banda. Quindi, Farooq
inizia a parlare della transazione commerciale per cui sono lì.
Molnar verifica sottilmente se
Farooq è quello vero parlando di un piccolo dettaglio riguardante
Beirut, ma poiché Haverford è all’orecchio di Farooq, lui supera il
test. Una volta chiarito questo punto, Molnar rivela che i cinque
milioni di dollari di cui si parlava servono per la prova di
fattibilità di una bomba nucleare che l’Iran sta costruendo (sì,
questo non è un programma ben intenzionato; ora posso dirlo con
certezza).
Il prezzo totale per la costruzione
della bomba sarà di cinquanta milioni di dollari. Una volta
ottenuto il consenso per accettare l’accordo, perché la CIA e il
Mossad devono sapere chi altro fa parte di questo accordo
commerciale, Farooq stringe la mano a Molnar e lo paga. Mentre
questo accade, Edwards, Hastings e Ish notano che una “terza parte”
si sta avvicinando a Molnar e Farooq. La squadra di Haverford fa
del suo meglio per impedire loro di raggiungere Farooq e Molnar
prima che la transazione sia completata. Non appena il denaro viene
trasferito, Farooq prende la prova di concetto che Molnar gli ha
dato, se la mette in tasca e scappa dal bar mentre questa “terza
parte” lo insegue.
Ish è morto
Alla fine dell’episodio 3 di
The Terminal List: Lupo Nero, Farooq viene messo alle
strette dai membri di questa “terza parte”, ma viene prelevato da
Landry e portato in un luogo sicuro. Ish insegue uno degli
aggressori nella metropolitana e viene ucciso. Anche se Hastings
dice a Edwards di non inseguire l’aggressore senza il suo aiuto,
dato che il colpevole è salito sul treno, Edwards non riesce ad
aspettare che Hastings lo raggiunga e sale anche lui sul treno.
Quando arriva la fermata successiva, Edwards ha la meglio
sull’aggressore e lo uccide. Scatta una foto al cadavere in modo
che Haverford possa accertare chi stava cercando di intromettersi
nella riunione. La mia ipotesi è che Haverford sia il vero cattivo.
Era associato alla CIA, ma ora non lo è più. Ora sta reclutando
soldati congedati con disonore per infiltrarsi in missioni
internazionali in modo da poter guadagnare rapidamente e andare in
pensione. Quella “terza parte” probabilmente comprendeva membri
ufficiali della CIA, e Haverford ha usato i propri agenti per
ucciderli. Detto questo, ha perso Ish nel processo.
Penso che Haverford fosse vicino a
Ish e lo trattasse come un figlio. Anche se non lo ha dato a
vedere, ne è rimasto colpito. E suppongo che questo lo spingerà ad
accelerare il ritmo del suo potenziale tradimento. Solo un
promemoria: questa è pura speculazione; non so con certezza se
Haverford sia l’antagonista. In realtà non mi interessa nemmeno
tanto conoscere la vera natura di Haverford. Quello che voglio
sapere è come questo filo conduttore si collegherà alla trama di
Edwards nella prima stagione. Come è passato dall’essere un
individuo patriottico a un agente della CIA a pugnalare Reece alle
spalle? Lo scopriremo sicuramente entro la fine di questa stagione
della serie. Tuttavia, spero che gli sceneggiatori non ci
sommergano di informazioni nel finale e ci diano qualche briciola
di informazione nel periodo che precede l’episodio conclusivo.
Comunque, queste sono le mie opinioni sull’episodio 3 di The
Terminal List: Lupo Nero. Qual è la vostra opinione al
riguardo? Fatemi sapere nella sezione commenti qui sotto.
Con il Capitolo 1 della DCU, “Dei
e Mostri”, ora ufficialmente iniziato, uno dei progetti più
importanti in fase di sviluppo presso la DC Studios è il reboot di
Batman per il nuovo universo dei supereroi. Il film The
Brave and the Bold sarà come noto incentrato sul rapporto
padre/figlio che Bruce Wayne instaura con Damian Wayne, alias
Robin, affrontando al contempo la più ampia Bat-Family nella DCU di
James Gunn. Sebbene il casting non sia ancora
iniziato, diversi attori di Hollywood hanno espresso il loro
interesse a interpretare l’iconico ruolo di supereroe per la DC
Studios e a questi si è ora aggiunto Tyler Hoechlin.
All’edizione di quest’anno del FAN
EXPO Canada, Joe Deckelmeier di ScreenRant ha condotto il panel Men
of Steel con gli attori che hanno interpretato Superman e ha chiesto loro se
pensassero che il Batman di Robert Pattinson potesse adattarsi alla DCU di
Gunn. Tuttavia, in quell’occasione l’attore Tyler Hoechlin, che ha interpretato l’ultimo
figlio di Krypton nell’Arrowverse, ha rivelato che vorrebbe
interpretare lui stesso il Cavaliere Oscuro.
“Egoisticamente, direi di
no (alla domanda sull’idoneità del Batman di Pattinson al DCU)
perché vorrei ancora interpretare Batman. Penso e dico che
Robert ha fatto un lavoro fantastico, fantastico e con Matt Reeves
è stato fantastico. Quindi sono felice di lasciarli continuare a
fare il loro lavoro e magari lasciare la porta aperta…”, ha
affermato l’attore. Hoechlin è apparso per la prima volta come
Superman nella seconda stagione di Supergirl, prima di
tornare per numerosi crossover dell’Arrowverse e interpretare il
personaggio in Superman &
Lois fino al 2024.
Cosa significano i commenti di
Tyler Hoechlin su Batman per The Brave and the
Bold
Sebbene ci sia stato molto interesse
nel vedere il Batman di Pattinson nella DCU, la DC Studios ha
chiarito più volte che l’universo di Matt Reeves
rimarrà una proprietà Elseworlds. Come ha affermato lo stesso
Hoechlin, l’universo di Batman funziona meglio come entità a sé
stante, lasciando che il franchise di Gunn proceda con una nuova
interpretazione del personaggio. Dato che il casting di Batman per
la DC Studios non inizierà fino al completamento della
sceneggiatura di The Brave and the Bold, solo il
tempo dirà chi interpreterà effettivamente il famoso supereroe per
la DC Studios.
Resta da vedere anche se Hoechlin
sarà uno dei candidati che Gunn prenderà in considerazione per il
ruolo. Tra i nomi recentemente emersi come i preferiti dei fan vi
sono Jensen
Ackles, Glen
Powelle Alan Ritchson.
AncheJake
Gyllenhaal e Hayden
Christensensono stati suggeriti come ottimi
candidati. Tutti questi attori non si sono tirati indietro dinanzi
alla possibilità di interpretare il ruolo, che è decisamente ora
uno dei più ambiti a Hollywood.
Tutto quello che sappiamo su
The Brave and the Bold
Parlando l’anno scorso dei piani dei
DC Studios per
The Brave and the Bold, James Gunn ha detto: “Questa è
l’introduzione del Batman del DCU. È la storia di
Damian Wayne, il vero figlio di Batman, di cui non conoscevamo
l’esistenza per i primi otto-dieci anni della sua vita. È stato
cresciuto come un piccolo assassino e assassina. È un piccolo
figlio di puttana. È il mio Robin preferito“. “È basato
sulla run di Grant Morrison, che è una delle mie run preferite di
Batman, e la stiamo mettendo insieme proprio in questi
giorni“.
Il co-CEO dei DC Studios, Peter
Safran, ha aggiunto: “Ovviamente si tratta di un lungometraggio
che vedrà la presenza di altri membri della ‘Bat-famiglia’
allargata, proprio perché riteniamo che siano stati lasciati fuori
dalle storie di Batman al cinema per troppo tempo“. Alla
sceneggiatura, oltre a Muschietti, dovrebbe esserci anche
Rodo Sayagues, noto per aver firmato le
sceneggiature di
La casa,
Man in the Dark e Alien:
Romulus.
La seconda stagione di
Daredevil:
Rinascita arriverà su Disney+ il prossimo anno, e
alcune nuove foto dal dietro le quinte rivelano un intrigante
assaggio di ciò che ci aspetta nell’angolo dell’Uomo senza paura
dell’MCU. In uno scatto (lo si può vedere qui) si
vede Bullseye interpretato da Wilson Bethel
(purtroppo il suo costume è coperto), mentre un altro (lo si può vedere qui) ci porta
all’interno della Fogwell’s Gym. Grazie alle foto dal set, sappiamo
che il sindaco Fisk parteciperà a un incontro di boxe di
beneficenza che Daredevil e Dex finiranno per interrompere.
Un’altra foto (la si può vedere qui)
dall’atmosfera cupa ci porta però all’interno di una chiesa; la
terza stagione di Netflix di Daredevil ha preso in
prestito elementi da “Guardian Devil”, la storia di
Kevin Smith e Joe Quesada in cui
Bullseye uccide Karen Page con uno dei manganelli dell’eroe, quindi
dovremo aspettare e vedere cosa succederà qui. Se non altro, questo
potrebbe essere un indizio che il vigilante riscoprirà la sua fede
e forse si riunirà anche con sua madre, suor Maggie.
Ci sarà una Stagione 3 di Daredevil:
Rinascita?
Recentemente, Nexus Point News ha
riportato che “la Marvel Studios ha già iniziato a prepararsi
per un potenziale rinnovo e punta a iniziare la produzione della
terza stagione nel marzo 2026 e a girare durante l’estate, in modo
simile al programma di produzione della seconda stagione. I
contratti di [Charlie] Cox e [Vincent] D’Onofrio indicano che
entrambi hanno firmato per tre stagioni“. Questo dopo che Cox
ha detto che
la seconda stagione non è prevista come l’ultima, quindi il
futuro sembra roseo per il Daredevil dell’MCU. Sfortunatamente, al
momento non sembra che il personaggio apparirà in Spider-Man: Brand New
Day.
In Daredevil:
Rinascita della Marvel Television, Matt Murdock
(Charlie
Cox), un avvocato cieco con capacità straordinarie,
lotta per ottenere giustizia nel suo vivace studio legale, mentre
l’ex boss mafioso Wilson Fisk (Vincent
D’Onofrio) persegue le sue iniziative politiche a New
York. Quando le loro identità passate iniziano a emergere, entrambi
gli uomini si ritrovano inevitabilmente su una rotta di collisione.
Entrambi torneranno nella Stagione 2.
La serie vede la partecipazione
anche di Margarita Levieva, Deborah Ann Woll, Elden Henson,
Zabryna Guevara, Nikki James, Genneya Walton, Arty Froushan, Clark
Johnson, Michael Gandolfini, con Ayelet
Zurer e Jon Bernthal. Dario
Scardapane è lo showrunner.
Denzel Washington ha partecipato a
un’intervista video per GQ con Spike Lee, regista di Highest 2
Lowest, e il suo co-protagonista A$AP
Rocky, rivelando di non guardare più film. Il due volte
vincitore dell’Oscar ha ammesso che forse è perché ne ha girati
troppi. Washington ha ad oggi all’attivo oltre 40 film dopo aver
iniziato la sua carriera nel 1981 con “Carbon Copy”.
“Non guardo più film, amico. Davvero”, ha detto
Washington. “Sono solo sincero con te! Non guardo film! Non
vado al cinema. Non guardo film. … Sono stanco dei film”.
Quando Lee ha chiesto a Washington
quanti film ha girato, l’attore ha risposto: “Troppi. Credo
50!”. Il più recente è appunto Highest 2
Lowest, che segna la quinta collaborazione tra Washington
e Lee dopo Mo’ Better Blues (1990), Malcolm X
(1992), He Got Game (1998) e Inside Man (2006). Washington è stato nominato
all’Oscar come miglior attore per Malcolm X, un premio che
secondo Lee avrebbe dovuto vincere. Non che Washington miri ai
premi.
All’inizio dell’estate è infatti
diventato virale per aver
affermato che nessuna delle sue scelte recitative nella sua
carriera ha a che fare con la vittoria di premi. “Non lo faccio
per gli Oscar. Non mi interessano queste cose”, ha detto
Washington nel podcast Jake’s Takes. “Faccio questo lavoro da
molto tempo e ci sono state volte in cui ho vinto e non avrei
dovuto vincere, e altre in cui non ho vinto e avrei dovuto vincere.
L’uomo assegna il premio. Dio assegna la ricompensa”.
Washington ha continuato: “Non
mi interessano molto gli Oscar. La gente mi chiede: ‘Dove lo
conservi?’. Beh, accanto all’altro. Non mi sto vantando! Ti sto
solo dicendo come la penso. Il mio ultimo giorno, gli Oscar non mi
serviranno a nulla”. Date le sue recenti interpretazioni, non
solo in Highest 2
Lowest ma anche in Il gladiatore
IIe Macbeth,
c’è da augurarsi che la noia di Denzel Washington nei confronti del vedere
film non lo porti ad allontanarsi dalla recitazione, arte a cui
continua a donare molto.
Prime Video e Gina
Matthews stanno ufficialmente sviluppando
Dorothy, una serie descritta come una
“rivisitazione contemporanea e musicale” de Il Mago di
Oz, basata sui libri di L. Frank Baum, che
utilizzerà la Strada di Mattoni Gialli come metafora delle sfide e
delle scelte che devono affrontare i giovani adulti di oggi. Come
riportato da Deadline, tra i produttori
esecutivi non sceneggiatori del progetto figurano Gwen
Stefani, Blake Shelton e Lee
Metzger della Lucky Horseshoe, Grant
Scharbo della Little Engine e Patrick
Moran.
“Sono innamorata dei libri del
Mago di Oz fin da quando ero bambina”, dice Matthews. “La
storia ci ricorda le qualità di cui abbiamo bisogno per superare i
momenti difficili, e Dorothy è un simbolo di forza che ci mostra
che con un po’ di gentilezza – e molta grinta – non solo possiamo
realizzare grandi cose, ma anche sollevare chi ci circonda. Sono
entusiasta di portare questo messaggio al mondo, ora più che
mai”.
“Sono davvero entusiasta di
lavorare con questo team creativo”, afferma Moran. “Sono
un grande fan di tutti coloro che sono coinvolti e non potrei
chiedere una collaborazione più entusiasmante per reinventare
questa amata proprietà intellettuale”. Scharbo aggiunge:
“Siamo entusiasti di intraprendere questo viaggio con Amazon e
crediamo che Dorothy incanterà una nuova generazione di
spettatori”.
“Siamo davvero entusiasti di
tutte le possibilità che questo show offre e sono molto grato a
Gina per aver condiviso l’idea con me e Lee”, ha invece detto
Shelton. “Ho capito subito che era qualcosa con cui Gwen
avrebbe potuto identificarsi. La sua creatività e la sua
prospettiva sono perfette per questo progetto”. “È una
versione creativa e moderna di un classico, e far parte di qualcosa
che unisce musica, emozioni e il personaggio di Dorothy è fonte di
ispirazione per me”, ha concluso Stefani.
Stefani, ricordiamo, è una
vincitrice di tre Grammy e artista multi-platino, nota anche come
coach di lunga data nel programma The Voice della
NBC. Shelton è invece un artista country nove volte candidato
ai Grammy e disco di platino che ha prodotto la serie di film
natalizi della Hallmark Time for … to Come Home for
Christmas e Barmageddon della USA. È stato anche lui
coach di lunga data del programma The Voice dal suo inizio
nel 2011 fino alla 23ª stagione nel 2023.
Tenoch Huerta è
pronto a riprendere il ruolo di Namor da Black
Panther: Wakanda Forever nel prossimo film della
MarvelAvengers:
Doomsday. In una nuova intervista, l’attore ha infatti
raccontato com’è stato girare l’ultimo film sul team di supereroi e
come ha scoperto che sarebbe tornato nel Marvel Cinematic Universe
(MCU). “Stavamo aspettando il via libera dalla Marvel e i miei
agenti negli Stati Uniti non erano sicuri della notizia del mio
ritorno”, ha detto Huerta domenica durante il programma
televisivo in seconda serata La Resolana Con El Capi di TV
Azteca.
“Ce l’hanno detto praticamente a
mezzanotte, e alle 5:30 del mattino è iniziato il livestream per
rivelare il cast, e ci hanno detto: ‘Ehi, la notizia sta per essere
diffusa’. È stata una sorpresa ed è stato fantastico”.
Riguardo al ritorno nell’MCU, Huerta ha detto che questa volta
“la dinamica è stata diversa”, aggiungendo: “Ci sono
una ventina di personaggi coinvolti nella storia, il che significa
che ognuno di noi avrà un ruolo minore perché c’è bisogno di spazio
per tutti i personaggi e tutti gli universi. Questo rende il ruolo
molto più semplice, in termini di tempo ed energia necessari per
realizzare un film come questo”.
KPOP Demon Hunters
è ufficialmente diventato ufficialmente il film più popolare di
sempre su Netflix. Il musical animato prodotto dalla
Sony Pictures Animation ha registrato altri 25,4 milioni di
visualizzazioni dal 18 al 24 agosto, portando il totale dal suo
debutto il 20 giugno a 236 milioni di visualizzazioni. Come
previsto, ha superato Red
Notice conquistando il primo posto nella classifica dei
film in lingua inglese più popolari.
Ciò che è ancora più impressionante
è che questo non sembra essere nemmeno lontanamente la fine del
percorso di successo del titolo. La scorsa settimana ha segnato la
terza settimana consecutiva in cui il film ha registrato un calo di
audience quasi pari allo 0%, dopo due intervalli consecutivi di 26
milioni di visualizzazioni. Grazie ora al lancio di KPOP
Demon Hunters The Sing-Along Event, il film dovrebbe
registrare un altro grande aumento delle visualizzazioni nel corso
di questa settimana.
Deadline ha appreso che Netflix
intende combinare gli spettatori del sing-along e del film
originale, anche se si tratta di titoli separati sulla piattaforma,
quindi ci si aspetta numeri piuttosto elevati nel prossimo
rapporto, dato che il pubblico si sintonizzerà su questa nuova
versione. Il sing-along è stato distribuito anche in alcune sale
statunitensi questo fine settimana, regalando una grande vittoria a
Netflix, dato che il film ha battuto Weapons
al primo posto al botteghino con 19 milioni di dollari.
KPOP Demon Hunters
ha ancora 24 giorni a disposizione nella sua finestra di anteprima
di 91 giorni per continuare ad accumulare visualizzazioni e
aumentare il distacco dal secondo classificato Red
Notice (che ha totalizzato 230 milioni di visualizzazioni
in 91 giorni). Un successo tale che, come riporta il The Hollywood Reporter, Sony e
Netflix sarebbero ora ufficialmente in trattative per
realizzare un sequel di questo grande
successo.
Sarà
Mother
della regista macedone Teona Strugar Mitevska ad aprire la sezione
Orizzonti della 82ª
Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia. Un
film che promette di far discutere, capace di affrontare con
coraggio e complessità la figura di Madre Teresa prima che
diventasse la donna conosciuta in tutto il mondo.
La
trama di Mother
Ambientato a Calcutta nell’agosto del 1948, il film segue Teresa,
madre superiora del convento delle suore di Loreto, mentre attende
con ansia la lettera che le consentirà di lasciare il monastero per
fondare un nuovo ordine. Proprio quando tutto sembra pronto, la
donna si ritrova davanti a un dilemma che metterà alla prova la sua
fede e le sue ambizioni, in un momento cruciale della sua vita.
La
regista racconta di aver impiegato venticinque anni per arrivare a
realizzare questo progetto, che definisce “audace, coraggioso e
libero”. Nel suo commento, sottolinea come la scelta sia stata
quella di rappresentare una Madre Teresa trentasettenne, alle prese
con dubbi e ostacoli, presentata quasi come “l’amministratrice
delegata di una multinazionale”, instancabile e ambiziosa. Non una
santa irraggiungibile, ma una donna straordinaria, severa e
materna, imperfetta eppure capace di segnare il destino di milioni
di persone.
Prodotto da Entre Chien
et Loup, Sisters and Brother Mitevski, Rainy Days Productions, Frau
Film, SCCA/pro.ba e Raging Films, Mother è interpretato da Noomi
Rapace, affiancata da Sylvia Hoeks e Nikola
Ristanovski. La sceneggiatura è firmata da Goce Smilevski, Teona
Strugar Mitevska ed Elma Tataragić, con la fotografia di Virginie
Saint Martin e il montaggio di Per K. Kirkegaard.
Con una durata di 104 minuti e realizzato in lingua inglese, il
film porta sul grande schermo una rilettura originale della
santità, della femminilità e della sorellanza, confermando
l’approccio radicale e visionario di una delle registe più
interessanti del panorama europeo.
Sarà
La Grazia, il nuovo attesissimo film di
Paolo Sorrentino,
ad aprire l’82.
Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica della
Biennale di Venezia. Un ritorno in grande stile per il regista
premio Oscar, che dopo È stata
la mano di Dio porta al Lido una nuova opera intrisa della sua
poetica, tra visione autoriale e narrazione profondamente
italiana.
Prodotto da Fremantle (Andrea Scrosati), The Apartment (Annamaria Morelli) e
Numero10 (lo
stesso Sorrentino), il film ha una durata di 133 minuti e sarà
presentato in lingua italiana.
Nel
cast spiccano Toni Servillo, attore feticcio del
regista, affiancato da Anna Ferzetti, Orlando Cinque, Massimo
Venturiello, Milvia Marigliano, Giuseppe Gaiani, Linda
Messerklinger e Vasco Mirandola.
La
sceneggiatura è firmata dallo stesso Sorrentino, con la fotografia
di Daria
D’Antonio, il montaggio di Cristiano Travaglioli e la scenografia di
Ludovica
Ferrario. I costumi portano la firma di
Carlo Poggioli,
il suono è curato da Emanuele Cecere e Mirko Perri, mentre gli effetti visivi
sono realizzati da Rodolfo Migliari.
Con La Grazia, la
Biennale di Venezia conferma ancora una volta il suo legame
privilegiato con il cinema di Sorrentino, offrendo al pubblico
internazionale l’occasione di scoprire in anteprima una delle opere
più attese della stagione.
I Puffi – Il filmarriva nelle sale il 27 agosto 2025.
La nuova avventura animata, diretta daChris Miller– già coregista diShrek
Terzoe del primoIl
gatto con gli stivali– segna il
ritorno sul grande schermo dei celebri personaggi creati da
Peyo nel 1958 e resi immortali dalla serie animata
di Hanna & Barbera negli anni Ottanta.
Scritto daPam Brady, collaboratrice storica diParker &
StonesuSouth
Parke più di recente
cosceneggiatrice diRuby GillmanperDreamWorks, il film porta la firma diParamount
PictureseParamount
Animation, con l’animazione
curata dallo studio ingleseCinesite. Lo stile visivo mantiene il gusto moderno del
3D senza rinunciare alla freschezza bidimensionale delle
espressioni originali dei Puffi.
Il
film vanta un cast vocale internazionale conRihanna,John
Goodman,Nick
OffermaneJ. P.
Karliak, mentre nella versione
italiana le voci principali sono affidate aPaolo
BonoliseLuca
Laurenti. Distribuito daEagle Pictures, il film
unisce animazione e musica in un viaggio di 92 minuti pensato per
conquistare nuove generazioni e accendere la nostalgia di chi è
cresciuto con i piccoli eroi blu.
La trama di I Puffi – Il film
Il
tranquillo villaggio dei Puffi viene sconvolto quando il Grande
Puffo cade vittima di un inganno e viene rapito dai perfidi
stregoni Gargamella e Razamella. Puffetta, determinata a riportare
a casa il suo mentore, prende in mano la situazione e guida i suoi
amici oltre i confini del loro magico regno. Qui incontrano Ken, il
fratello di Grande Puffo, assieme al quale partono per un’avventura
che li conduce ben oltre quanto potessero immaginare. Lungo il
cammino, i Puffi stringono nuove alleanze, come quella con la
premurosa Mamma Poot e i suoi piccoli, e si trovano ad affrontare
prove sempre più ardue. Tra magie oscure, trabocchetti e battaglie
di astuzia, i piccoli eroi blu scopriranno dentro di sé una forza
inattesa. Solo unendo la loro amicizia e il coraggio di Puffetta
potranno contrastare il piano degli stregoni e salvare non solo il
Grande Puffo, ma il destino stesso del loro universo.
I Puffi – Il film: il
reboot firmato Miller
È a
suo modo una prima volta questoI Puffi – il
film. Almeno per lo
statunitenseChris Miller. Non perché rappresenti il personale esordio
dietro alla macchina da presa del cineasta; bensì perché il
progetto, di fatto, segna una prima “escursione” dell’animatore dai
fatati lidi del mondoDreamWorks– che, tra il 2007 e il 2011, lo ha visto
coordinare i fortunatiShrek TerzoeIl gatto con gli
stivali. Dai due lungometraggi in
questioneMillerrecupera senza alcun dubbio una certa vocazione
al rimaneggiamento di materiale preesistente (suddiviso in questo
caso tra grande e piccolo schermo). Eppure,I Puffi – il
filmregala al regista anche una
certa libertà d’azione. Dal momento che, come accennavamo in
precedenza, l’opera targataParamountè stata pensata come terzo reboot
cinematografico della serie dedicata agli amatissimi personaggi del
belga Peyo.
Orientato a sfruttare dinamiche da road movie e
pregno della volontà del suo autore di sfruttare buona parte della
mitologia del brand – visibile specialmente dal punto di vista del
numero di personaggi selezionati – il film diMillercostruisce così un mondo variegato e
particolarmente affollato, approfittando delle possibilità
creatrici tipiche del franchise per ampliare un universo già di per
sé malleabile.
I Puffi – Il film: una cartina al tornasole
Al di
là dei confini della coloratissima avventura proposta, che,
beninteso, potrà senz’altro soddisfare il palato dei più giovani
grazie alla varietà delle situazioni e dei paesaggi/set
offerti,I Puffi – Il filmè però forse più utile come cartina al tornasole
di una certa tendenza dell’animazione contemporanea. Che, specie in
alcune sue frange, sembra talvolta quasi accontentarsi del
raggiungimento di un unico target: il pubblico dei bambini. Fatta
eccezione per un paio di garbate soluzioni (si pensi ai tempi
comici ben studiati di Puffo Effetti Speciali e alla citazione
colta aMonsters & Co.riscontrabile nel finale), il
progetto diMillersembra infatti limitarsi a interloquire con i
più piccoli, associandosi in qualche modo al brandMe
contro Te(per citare l’esempio
più illustre di tale meccanismo) e dissociandosi con forza da
quelle che, ancora oggi, sono le principali linee guida delle
grandi case di produzione animate – che il regista, tra l’altro,
ben conosce.
Il
problema, come già analizzato – seppur sotto una luce diversa – in
occasione dell’uscita diKung Fu Panda
4, non risiede tanto nel
settorializzare determinati prodotti perché rispondano a esigenze
specifiche (così come, in occasione della distribuzione del film
diMike MitchelleStephanie Ma Stine, la “denuncia” di un preoccupante abuso nella
produzione di sequel non voleva essere un attacco alla singola
operazione presa a sé stante). Quel che preoccupa, semmai, è
constatare quanto, vista e considerata una progressiva perdita di
originalità dell’universo animato tutto, una scelta di questo tipo
sia in realtà una scelta di comodo, dettata da mancanza di idee o,
forse ancora peggio, dal disinteresse nel pensare a prodotti
intelligenti che possano attecchire su diverse fasce
d’età.
Un
vuoto creativo che, nei minuti precedenti la proiezione del film
per la stampa, è stato involontariamente ingigantito dalla scelta
di mostrare un corto muto ambientato nell’universo diSpongebob. Questo sì un
prodotto che, grazie ad un misto tra comicità slapstick,
caratterizzazioni intriganti e perfino demenzialità, ha mantenuto
negli anni una freschezza invidiabile e paradossalmente adulta. E
che, pur somministrata senza dialoghi e con minutaggio ristretto,
ha contribuito a far luce sulla differenza lampante tra modalità
diverse di concepire l’animazione.
Dopo il successo di Coco avant
Chanel: l’amore prima del mito, la regista Anne
Fontaine (Agnus
Dei) da vita a una nuova pellicola biografica narrante la
storia di un’altra figura di vanto della cultura francese.
Bolero racconta la vita del compositore
Maurice
Ravel e il percorso che lo ha portato alla
realizzazione della sua opera più celebre, il Bolero. Il film è
stato presentato al International Film Festival Rotterdam nel
gennaio 2024, per poi essere distribuito nelle sale francesi nel
marzo dello stesso anno. Nel cast ritroviamo figure già note nel
panorama cinematografico nazionale e internazionale:
Raphaël Personnaz (Anna
Karenina) interpreta il tormentato compositore, mentre Doria
Tiller è nel ruolo di Misia, amata di Ravel. Vincent
Perez (Il corvo 2) e Jeanne
Balibar sono nei panni rispettivamente di Cipa e di Ida
Rubinstein.
Bolero: la creazione di un
capolavoro
Maurice Ravel è un giovane musicista
e compositore, con tante nuove melodie che ronzano nella sua testa
ma ancora incapace di catturarle in tutta la loro pienezza. In
gioventù il mondo stesso della musica sembra respingerlo: viene
espulso dal conservatorio di Parigi, prova per ben cinque volte a
vincere il Prix de Rome senza alcun successo e la Grande Guerra lo
allontana ancora di più dalla sua arte.
Al ritorno dal campo di battaglia le
sue prime opere lo portano ad essere riconosciuto nel suo settore,
tanto da essere richiesto dalla ballerina Ida Rubinstein per la creazione della
musica per un suo nuovo balletto. La composizione del
Bolero sarà un compito tutt’altro che semplice per
Ravel, unendo insieme i ritmi frenetici di una società che cambia e
le vecchie melodie popolari.
Il Bolero, nella
sua unicità, porterà Ravel al massimo della sua notorietà, ma la
vita finisce per essere crudele con il compositore: tra amori
mancati e memorie che si confondono, la musica sta per volgere al
suo gran finale.
Photo Credits Pascal Chantier
La musica, la danza, la
fabbrica
Il Bolero è
descritto dallo stesso Ravel come un inno alla modernità, una
melodia che si ripete per ben 17 volte in modo ipnotico e sensuale.
Tutti questi elementi vengono richiamati nel film in tutto il
periodo antecedente alla creazione effettiva dell’opera: Ravel
percepisce ogni singolo suono, dal ticchettio dell’orologio al
suono frusciante suono dei guanti indossati dalla sua amata Misia
e, nel rielaborarli, da vita al suo grande capolavoro.
La presenza delle fabbriche si
percepisce anche in diverse scene in cui vengono mostrati e uditi i
meccanismi e gli sbuffi di fumo delle macchine. Ravel, dedicando
tutto il suo cuore e la sua mente alla musica, non riesce
immediatamente a percepire che nel suo Bolero ci sia più di un
ipnotico richiamo alla nuova società industriale. La vera
sensualità di questa melodia viene sviluppata proprio attraverso la
danza, con una coreografia e scenografia che sembra richiamare
proprio un bordello.
Storie di amori mancati
Un elemento che rende
Bolero molto interessante come pellicola è proprio
l’unione del processo creativo che porta alla realizzazione del
capolavoro di Ravel con le vicende di vita del compositore. A
dominare la scena è certamente l’amore proibito con Misia, sorella
dell’amico di Ravel; per quanto il sentimento sia ricambiato e
un’unione tra i due sarebbe stata approvata da tutti, Ravel decide
di dedicare la sua intera vita alla musica, privandosi
deliberatamente di ogni relazione romantica. Lui dedica tutto il
suo amore alla composizione, e questo finisce per renderlo più
tormentato, tanto da cercare la compagnia di prostitute, ma solo
per tenere vivo il proprio amore per Misia.
Bolero: la musica che trascende il
tempo
Altro elemento che viene evidenziato
nel film è proprio la natura immanente di un brano come il
Bolero: molto all’avanguardia per i suoi tempi, è
stato riarrangiato e riadattato innumerevoli volte. Anche la stessa
coreografia originale è stata nel tempo modificata, curvandosi a
tratti più verso il contemporaneo o il moderno.
Questa natura così cangiante del
Bolero è presentata nei titoli di testa, in cui
vengono mostrate varie coreografie e adattamenti della stessa
melodia, e nella scena finale, dove viene mostrato lo stesso Ravel
a dirigere l’orchestra, mentre un ballerino contemporaneo danza
sulle note del Bolero.
Bolero porta sul
grande schermo tutto il processo creativo che precede la
realizzazione di un capolavoro. Con i suoi ritmi lenti e la sua
attenzione ai dettagli, la pellicola riesce nel suo intento di
rappresentare Raval in tutte le sue sfaccettature.
Accolta dai flash dei fotografi e dall’entusiasmo del pubblico, la
conduttrice è sbarcata in laguna a bordo del tradizionale
taxi-boat, regalando sorrisi e saluti ai fan. Le prime immagini
mostrano un look sobrio e raffinato, capace di unire la naturalezza
che l’ha resa popolare al glamour richiesto da un palcoscenico
internazionale come Venezia.
Con la sua presenza, la Mostra segna anche una piccola svolta
simbolica: Fanelli è la prima a essere presentata ufficialmente
come “conduttrice” e non più come “madrina”, una scelta che
riflette il desiderio di aggiornare il linguaggio e la
rappresentazione all’interno della kermesse.
Emanuela Fanelli si prepara così a guidare due momenti centrali
della manifestazione, confermando il suo ruolo di protagonista in
un’edizione che si preannuncia ricca di cinema, emozioni e
riflessioni sul presente.
È disponibili il
teasertrailer di Io
Sono Rosa Ricci di Lyda Patitucci con
Maria Esposito, Andrea Arcangeli e con
Raiz.
Io Sono Rosa Ricci è prodotto da
Picomedia con Rai Cinema in
collaborazione con Netflix e uscirà nelle sale il 30
ottobre distribuito da 01 Distribution. L’opera è stata
realizzata con il contributo del Fondo per lo sviluppo degli
investimenti nel cinema e nell’audiovisivo del Ministero della
Cultura.
La trama di Io Sono Rosa Ricci
Napoli, 2020. Rosa Ricci ha
quindici anni e un’eredità ingombrante: è figlia di uno dei boss
più temuti della città. È una ragazzina schiva, che vive in una
gabbia dorata protetta da Don Salvatore e del suo clan. Quando
viene rapita da un narcotrafficante intenzionato a colpire suo
padre, Rosa si ritrova prigioniera su un’isola remota. Minacciata e
costantemente in pericolo, durante la sua prigionia, intraprende
però un percorso di crescita e stringe un legame profondo che le
darà forza e una nuova consapevolezza.Mentre il padre scatena una
guerra per salvarla, Rosa non aspetta di essere salvata: progetta
la sua fuga. Quando finalmente torna a Napoli, non è più la ragazza
di prima: ora è pronta a riprendersi la sua vita. E a scegliere, da
sola, il suo destino. Anche se questo significa trovare
vendetta.
Il soggetto e la sceneggiatura sono
firmati da Maurizio Careddu e Luca
Infascelli. La fotografia è a cura di Valerio
Azzali, il montaggio di Valeria Sapienza,
la scenografia di Carmine Guarino e i costumi di
Rossella Aprea.
Apple
TV+ ha presentato il trailer di Profilo
privato (The Savant), la nuova serie limitata con
protagonista e produttrice esecutiva Jessica Chastain, attrice premio
Oscar e vincitrice di SAG Award, Golden Globe e Critics Choice
Award (“Gli occhi di Tammy Faye”, “The Good Nurse”, “George &
Tammy,” “A Doll’s House” a Broadway). La serie, un thriller ricco
di suspense e colpi di scena, farà il suo debutto su Apple TV+ il
26 settembre con i primi due episodi degli otto totali, seguiti da
nuovi episodi ogni venerdì fino al 7 novembre.
La trama di Profilo privato
Profilo privato
segue le vicende di un’investigatrice sotto copertura conosciuta
come “La mente” (The Savant), interpretata da Chastain, che si
infiltra in gruppi di haters online nel tentativo di fermarne gli
estremisti interni prima che agiscano. Il cast è completato da
Nnamdi Asomugha, Cole Doman, Jordana Spiro, Trinity Lee Shirley,
Toussaint Francois Battiste, insieme alla guest star Pablo
Schreiber.
Prodotta dalla FIFTH SEASON,
Profilo privato è prodotta da Chastain e Kelly
Carmichael per Freckle Films, dal vincitore dell’Emmy Alan Poul
(“Six Feet Under”, “Tokyo Vice”), dalla candidata all’Emmy Melissa
James Gibson (“Anatomia di uno scandalo”, “House of Cards – Gli
intrighi del potere”, “The Americans”) e il sei volte vincitore
dell’Emmy e due volte vincitore del DGA Matthew Heineman (“A
Private War”, “Retrograde”, “Cartel Land”). David Levine e Garrett
Kemble sono i produttori esecutivi per Anonymous Content. Andrea
Stanley, autrice dell’articolo originale di Cosmopolitan, è
consulente.
Prime Video ha diffuso il trailer di
Play Dirty – Triplo gioco, thriller adrenalinico
firmato dal regista Shane Black.
In Play Dirty – Triplo
gioco, thriller adrenalinico firmato dal regista Shane Black,
un ladro professionista mette a segno il colpo più grande della sua
vita. Parker (Mark Wahlberg), Grofield (LaKeith Stanfield), Zen
(Rosa Salazar) e un’abile squadra s’imbattono in un colpo
che li metterà contro la mafia newyorkese, in questo heist
movie crudo e intelligente.
Il film è diretto da
Shane Black e
vanta un cast corale guidato da Mark Wahlberg,
affiancato da LaKeith
Stanfield, Rosa
Salazar, Keegan-Michael Key, Chukwudi Iwuji e Nat Wolff, con la partecipazione di
Thomas Jane e
Tony Shalhoub. La
sceneggiatura è firmata da Shane Black insieme a
Charles Mondry e
Anthony Bagarozzi,
ed è basata sulla celebre serie di romanzi “Parker” di
Richard Stark.
Alla produzione figurano Jules Daly, Marc Toberoff e James W. Skotchdopole, mentre tra i produttori
esecutivi spiccano Susan
Downey, Robert Downey Jr., Charles Mondry
e Anthony Bagarozzi.
Il giovane attore George
MacKay ha in pochi anni partecipato ad alcuni celebri
film, che gli hanno permesso di dimostrare la sua versatilità e le
sue doti attoriali. Apprezzato da critica e pubblico, MacKay è ad
oggi uno dei nomi su cui puntare per il futuro dell’industria,
capace di regalare interpretazioni commoventi e di grande
intensità. Per i suoi ruoli, inoltre, ha ricevuto importanti
candidature a prestigiosi premi, il che conferma l’attenzione
rivolta nei suoi confronti da parte degli esperti del settore.
Ecco 10 cose che non sai di
George MacKay.
George MacKay: i suoi film
1. Ha recitato in celebri
lungometraggi. George MacKay debutta al cinema nel 2003
con Peter Pan di P. J.
Hogan, dove interpreta il piccolo Curly. Dopo alcune esperienze
minori, si afferma con Defiance
– I giorni del coraggio (2008) e soprattutto con
Ragazzi miei (2009),
accanto a Clive
Owen. Negli anni successivi alterna cinema indipendente e
produzioni di respiro internazionale, recitando in Come vivo ora (2013), Sunshine on Leith (2013), Pride (2014), Captain Fantastic
(2016) e El Secreto de
Marrowbone (2017).
Nel 2018 prende parte a Ophelia e Where
Hands Touch, ma la consacrazione definitiva arriva con
1917 (2019) di Sam
Mendes, film candidato a dieci premi Oscar, in cui interpreta il
giovane soldato Schofield in una delle prove più intense della sua
carriera. Nello stesso anno recita in True History of the Kelly Gang.
Negli anni successivi conferma la sua versatilità con film come
Munich: The Edge of War
(2021), I Came By (2022)
e Femme (2023). Nel 2025
è tra i protagonisti di Broken English di Jane Pollard e Iain Forsyth,
presentato a Venezia, che lo vede recitare al fianco di Tilda Swinton.
2. Ha recitato in una
popolare mini serie TV. Parallelamente alla carriera
cinematografica, MacKay è apparso in diverse serie televisive. Ha
recitato in Johnny and the
Bomb (2006), Tsunami –
Il giorno dopo (2006) e The Outcast (2015). La popolarità televisiva arriva nel
2016 grazie a 22.11.63, miniserie
tratta dal romanzo di Stephen King, in cui interpreta Bill Turcotte
accanto a James Franco.
George MacKay non è su
Instagram
3. Non ha un account
personale. L’attore non possiede un profilo sul social
network Instagram, preferendo mantenere la propria vita privata
lontana dai riflettori che questo inevitabilmente porta con sé. È
possibile tuttavia trovare diverse fan page dedicate all’attore,
dove è possibile trovare le sue ultime foto e aggiornamenti
riguardo i suoi progetti da interprete.
George MacKay e Saoirse Ronan
4. Ha avuto una relazione
con la celebre attrice. Nel 2013 MacKay conosce l’attrice
Saoirse
Ronan sul set del film Come vivo ora, dove
interpretano due giovani innamorati. I due attori finiscono infine
con l’instaurare una vera relazione sentimentale, confermata poi
anche dal regista del film, il quale fu entusiasta della cosa
poiché ciò portava ulteriore verità al loro rapporto nel film.
Successivamente la loro relazione terminò, ma i due rimasero in
buoni rapporti.
George MacKay in Peter Pan
5. Ha ricevuto una lunga
preparazione. Nel suo film d’esordio, Peter Pan,
l’attore interpreta uno dei celebri bimbi sperduti, per la
precisione Ricciolino. Per essere pronto al ruolo MacKay, insieme
ai suoi compagni di set, ha ricevuto un lungo addestramento nel
combattimento con le spade e in particolare su come dar vita nel
miglior modo possibile alle numerose coreografie delle scene di
battaglia.
6. Ha continuato gli studi
durante le riprese. Al momento delle riprese del film
MacKay aveva solo dieci anni. Per questo motivo, mentre recitava
nel film, l’attore ha continuato a ricevere un’istruzione, così da
non rimanere indietro con i programmi scolastici. Allo stesso
tempo, poiché le riprese si svolgevano in Australia, MacKay ebbe la
possibilità durante le pause di prendere lezioni di nuoto per
vedere dal vivo la Grande Barriera Corallina.
George MacKay in 1917
7. Ha ricevuto importanti
riconoscimenti. Per il suo ruolo del soldato Schofield nel
film candidato agli Oscar 1917, MacKay è stato nominato come
miglior attore ai Satellite Awards, e ha inoltre ricevuto premi al
Festival di Santa Barbara e dal London Critics Circle Film
Awards.
8. Si è dovuto sottoporre a
diversi mesi di prove. Per poter realizzare il film con
una serie di lunghi piani sequenza, il regista Sam
Mendes ha richiesto agli attori dei lunghi periodi di
prova. In quanto protagonista, MacKay ha così partecipato ad oltre
sei mesi di prove, al fine di imparare perfettamente ogni
dettaglio, battuta o movimento richiesto ai fini della riuscita
delle riprese.
George MacKay in Captain
Fantastic
9. Si è preparato
fisicamente per il ruolo. Nel film Captain
Fantastic, l’attore ricopre il ruolo di Bodevan, figlio
maggiore del protagonista. Questi è solito fare esercizi di yoga, e
per comprendere e riuscire al meglio in tale pratica l’attore si è
sottoposto ad esercizi a riguardo per circa quattro ore al
giorno.
George MacKay: età e altezza
10. George MacKay è nato a
Londra, in Inghilterra, il 13 marzo 1992. L’attore è alto
complessivamente 183 centimetri.
Apprezzata per il suo talento
multiforme, l’attrice Tilda Swinton si è distinta
per le scelte fatte durante la sua carriere, che l’hanno portata a
dar vita ad un parallelo tra film mainstream hollywoodiani e film
d’autore all’avanguardia. Per il suo aspetto androgino, inoltre, la
Swinton ha negli anni potuto ricoprire ogni più diverso ruolo,
sfoggiando una versatilità che l’ha resa sempre più celebre e
richiesta all’interno del panorama cinematografico.
Ecco 10 cose che non sai di
Tilda Swinton.
Tilda Swinton: i suoi film
1. Ha recitato in celebri
lungometraggi. Tilda Swinton debutta al cinema con
Caravaggio (1986) di Derek
Jarman e ottiene notorietà internazionale con Edoardo II (1991), che le vale la Coppa Volpi a
Venezia. Il successo si consolida con Orlando (1992), adattamento dal romanzo di
Virginia Woolf che diventa uno dei suoi ruoli più iconici. Negli
anni successivi prende parte a titoli come Perversioni femminili (1996), The Beach (2000), Vanilla Sky (2001),
Il ladro di orchidee
(2002) e Constantine
(2005). Nel 2005 veste i panni della Strega Bianca in
Le cronache di Narnia – Il
leone, la strega e l’armadio, mentre con Michael Clayton (2007) conquista l’Oscar come
miglior attrice non protagonista.
La
sua carriera prosegue con ruoli intensi in Synecdoche, New York (2007), Burn After Reading (2008), Il curioso caso di Benjamin
Button (2008), … e ora parliamo di
Kevin (2011), Snowpiercer (2013),
Ave, Cesare! (2016),
Doctor Strange
(2016), Okja (2017),
La vita straordinaria di
David Copperfield (2019) e Memoria (2021) di Apichatpong Weerasethakul, premiato a
Cannes. Di recente ha lavorato con George Miller in Three Thousand Years of Longing (2022),
è apparsa in The Killer
(2023) di David Fincher e nel 2025 torna a Venezia con
Broken English di Jane
Pollard e Iain Forsyth.
Tilda Swinton: musa di grandi
registi
2. Nel corso della
sua carriera, Swinton è diventata una delle interpreti predilette
di tre grandi registi. Con Wes Anderson ha partecipato a Moonrise
Kingdom (2012), Grand Budapest Hotel (2014), L’isola dei
cani (2018), The French Dispatch (2020) e Asteroid City (2023). Con Luca Guadagnino ha costruito una
collaborazione altrettanto importante, che va da The Protagonist (1999) e
Io sono l’amore (2009)
fino a A Bigger Splash
(2015) e Suspiria (2018). Infine,
con Jim Jarmusch
ha recitato in Broken
Flowers (2005), The
Limits of Control (2009), Solo gli amanti
sopravvivono (2013) e I morti non
muoiono (2019). Queste collaborazioni hanno
contribuito a consolidare la sua immagine di attrice sperimentale e
versatile, capace di attraversare generi e linguaggi molto
diversi.
Tilda Swinton: produttrice e
sostenitrice del cinema indipendente
3. Si è distinta come
produttrice. Accanto alla carriera di attrice, Swinton si
è distinta anche come produttrice, soprattutto di progetti
indipendenti. Ha sostenuto film che l’hanno vista anche
protagonista, come Io sono
l’amore (2009) di Luca Guadagnino, … e ora parliamo di Kevin (2011) e
Okja (2017). In più
occasioni ha messo la sua influenza al servizio di opere
sperimentali e di registi emergenti, confermando il suo impegno a
favore di un cinema libero e anticonvenzionale.
Tilda Swinton: i suoi figli
4. Ha avuto due
gemelli. Nel 1997 l’attrice dà alla luce due gemelli,
avuti dalla sua relazione con il pittore e commediografo scozzese
John Byrne. Nel 2003, tuttavia, la coppia si separa, e la Swinton
si trasferisce a vivere insieme ai figli con l’artista tedesco
Sandro Kopp, con cui ha una relazione dal 2004.
Tilda Swinton e David Bowie
5. Potrebbe interpretare il
noto artista. Numerosi fan dall’attrice vorrebbero che
fosse lei ad interpretare il celebre David Bowie
in un biopic dedicato all’artista. Per il suo aspetto androgino,
non sarebbe poi la prima volta che la Swinton ricopre un ruolo
maschile. Questa aveva inoltre collaborato con lo stesso Bowie per
il videoclip del brano The Stars (Are Out Tonight).
Tilda Swinton in Le cronache di
Narnia
6. Non conosceva il
romanzo. L’attrice è stata la prima scelta per il ruolo
della malvagia Jadis, la strega bianca del film Le cronache di
Narnia – Il leone, la strega e l’armadio. Tuttavia la Swinton
ha affermato che quando le fu proposto il personaggio non conosceva
il romanzo e che solo a quel punto lo lesse per avere un’idea più
chiara del progetto.
Tilda Swinton in Suspiria
7. Ha interpretato più
ruoli. Nel film Suspiria, remake della
celebre opera di Dario Argento, l’attrice ricopre
diversi ruoli, il più dei quali sotto un pesante trucco che rende
impossibile riconoscerla. Il principale personaggio da lei
interpretato è quello di madame Viva Blanc, severa insegnante di
danza, ma è possibile ritrovare la Swinton anche nei panni della
malvagia strega Helena Markos e nel dottor Jozef Klemperer,
sopravvissuto ai campi di concentramento tedeschi.
Tilda Swinton in Doctor
Strange
8. Ha ricevuto critiche per
la sua scelta. Quando fu reso noto che l’attrice era stata
scelta per il ruolo dell’Antico nel film Doctor Strange,
questa e la produzione ricevettero critiche per l’ennesimo caso di
un attore caucasico che interpreta un personaggio orientale. La
scelta fu tuttavia spiegata con motivi politici, avvalorata dal
fatto che la particolare fisionomia dell’attrice la rende quanto
più neutra nella rappresentazione etnica del personaggio.
Tilda Swinton è Orlando
9. È la protagonista del
film tratto dall’opera della Woolf. Nel 1992 l’attrice
ricopre il ruolo di Orlando, aspirante poeta, il quale dall’epoca
elisabettiana viaggia attraverso i secoli fino ai primi del ‘900
senza mai invecchiare. La Swinton si è detta particolarmente
affezionata a questo romanzo di Virginia Woolf, tanto da volerne
realizzare una trasposizione cinematografica. Con il suo ritratto
del protagonista l’attrice dà vita ad una delle più celebri
interpretazioni androgine del cinema, consacrandosi come interprete
delle diversità.
Tilda Swinton: età e altezza
10. Tilda Swinton è nata a
Londra, Inghilterra, il 5 novembre 1960. L’attrice è alta
complessivamente 179 centimetri.
La separazione è un dolce dolore
nel primo trailer di Hamnet – Nel
Nome del Figlio di Chloe Zhao.
Basato sul romanzo di Maggie O’Farrell del 2020,
il film racconta la storia di William Shakespeare
e sua moglie Agnes, mentre piangono la perdita del
loro figlio undicenne, Hamnet. Il film segue
quindi la coppia mentre cerca di venire a patti con la perdita del
figlio e racconta come Shakespeare abbia iniziato a scrivere il suo
amato classico, “Amleto”.
Paul Mescal e Jessie Buckley
interpretano rispettivamente William e Agnes Shakespeare, mentre
Joe Alwyn è Bartholomew. Jacobi
Jupe interpreta Hamnet insieme a un cast di supporto che
include Emily Watson, Jack
Shalloo e David Wilmot. Zhao ha scritto
la sceneggiatura insieme a O’Farrell. Zhao, Steven Spielberg, Sam Mendes,
Liza Marshall, Pippa Harris,
Nicolas Gonda, Kristie Macosko
Krieger e Laurie Borg sono tutti
produttori del film.
Il film sarà distribuito da Focus
Features a livello nazionale e da Universal Pictures a livello
internazionale e uscirà in sala in edizione limitata il 27
novembre, prima di arrivare nelle sale statunitensi il 12 dicembre.
Presumibilmente, nello stesso periodo arriverà anche in Italia.
Hamnet è inoltre
il primo film di Zhao dopo Eternals della
Marvel. Zhao è però meglio nota per
essere stata la seconda donna in assoluto a vincere l’Oscar come
miglior regista grazie al suo acclamato film Nomadland.
Il film ha vinto anche il premio per il miglior film e quello per
la miglior attrice per Frances McDormand. Tra i
precedenti film di Zhao figurano Songs My Brothers Taught
Me e The Rider.
Uscito nel 2000, Pitch
Black è diretto da David Twohy ed è
il primo capitolo della saga di Riddick. Il film
vede protagonisti Vin Diesel, Radha Mitchell e
Cole Hauser. Si tratta di un film d’azione horror
fantascientifico che utilizza la classica trama della sopravvivenza
di gruppo per raccontare il viaggio di un antieroe. Ambientato in
un mondo in cui i viaggi nello spazio sono la norma, Pitch
Black segue la storia di un’astronave commerciale con a
bordo un prigioniero pericoloso, Riddick. Dopo che alcune
interferenze spaziali impreviste fanno precipitare la nave su un
pianeta desertico, solo una manciata di passeggeri sopravvive.
Non avendo altre opzioni, il gruppo
si allea con Riddick nella ricerca della sopravvivenza e della fuga
dal pianeta condannato. Il film utilizza un interessante cast di
personaggi e dinamiche per mantenere la storia coinvolgente. Data
la natura basata sulla sopravvivenza della sua premessa, offre
immediatamente al pubblico domande sul destino dei personaggi fin
dall’inizio e allo stesso tempo getta anche le basi per i futuri
capitoli. Ecco quindi tutto quello che c’è da sapere sul finale di
Pitch Black.
La trama di Pitch
Black
Carolyn Fry, una
pilota, si sveglia dal sonno criogenico prima del previsto quando
la sua nave da trasporto Hunter-Gratzner viene sbalzata fuori rotta
su un pianeta dopo essere stata colpita da una sorta di detrito
spaziale. Trovando il capitano della nave morto, Fry e
Owens cercano di impedire che la nave si schianti
sul pianeta. Fry si rende conto che deve liberarsi di parte del
peso morto della nave, ma viene fermata da Owens quando cerca di
sbarazzarsi dei passeggeri.
La nave riesce a malapena a evitare
un incidente completo e l’atterraggio violento provoca la morte di
numerosi passeggeri, tra cui Owens. Tra i sopravvissuti c’è una
coppia di nemici composta da William J. Johns e il
suo prigioniero, Riddick, un detenuto evaso. Johns
e Fry assumono il comando del gruppo di sopravvissuti, tra cui un
prete musulmano chiamato Imam e i suoi
giovani compagni di pellegrinaggio, Shazza e il
suo compagno Zeke, un ragazzino di nome
Jack e un appassionato di antiquariato,
Pitch Black.
Mentre il gruppo si divide per
cercare acqua e riparare la nave e cercare Riddick, ben presto si
imbattono in un vecchio insediamento geologico abbandonato e vi
trovano una nave funzionante. Tuttavia, la loro vittoria è di breve
durata quando una misteriosa creatura uccide spietatamente Zeke.
Dopo aver scoperto l’esistenza di pericolosi alieni notturni sul
pianeta, Johns decide allora di stringere un accordo con Riddick.
Mentre il gruppo si prepara alla fuga, fa presto una scoperta
inquietante.
Ogni 22 anni, un’eclissi totale e
completa oscura il pianeta quando tutti e tre i suoi soli vengono
bloccati da un altro pianeta. L’ultima eclissi di questo tipo aveva
lasciato l’intera colonia di geologi immersa nell’oscurità,
portando alla fine alla loro morte per mano degli alieni. E la
prossima eclissi è solo a poche ore di distanza. Costretti a fare
affidamento su Riddick e sulla sua capacità di vedere al buio, il
gruppo deve ora trovare un modo per fuggire da questo pianeta da
incubo con la vita ancora intatta.
Come fa Riddick a vedere al
buio?
Una delle caratteristiche più
memorabili di Riddick, che alla fine lo aiuta anche a sopravvivere
fino alla fine del film, è la sua capacità di vedere al buio.
Riddick indossa spesso un paio di occhiali scuri, ma quando i suoi
occhi sono visibili, si nota che le iridi hanno una lucentezza
metallica innaturale. I suoi occhi gli permettono di vedere al buio
e, allo stesso tempo, hanno una maggiore sensibilità alla luce. Ciò
è dovuto al fatto che ha subito un intervento chirurgico agli
occhi.
Egli ha trascorso molto tempo in
prigione e il tipo di prigione in cui era stato rinchiuso era priva
di luce solare. Proprio come il pianeta quando subisce un’eclissi,
anche Riddick è stato costretto a vivere nell’oscurità per molto
tempo. Per assicurarsi che nessuno potesse avvicinarsi di soppiatto
e fargli del male in prigione, Riddick aveva quindi corrotto un
medico affinché aggiungesse una lucentezza chirurgica ai suoi
occhi. Grazie a questa lucentezza, Riddick è ora in grado di vedere
al buio ma deve usare occhiali protettivi per proteggere gli occhi
dalla luce.
Cosa accade nel finale di
Pitch Black
Riddick, fin dall’inizio, è dipinto
come una figura quasi selvaggia e animalesca. È un assassino
condannato che sembra non provare alcun rimorso per le sue azioni.
Infatti, all’inizio, non è difficile pensare che la trama si
svolgerà in stile thriller slasher con Riddick come antagonista.
Tuttavia, quando una minaccia più grande si presenta ai personaggi,
questi ultimi vedono Riddick sotto una luce diversa. Carolyn,
simile a Riddick, viene inizialmente presentata con una morale
ambigua e un carattere egoista. Carolyn è la prima persona disposta
a dare a Riddick una vera seconda possibilità.
Tuttavia, Johns, l’unica persona a
conoscenza di Riddick e dei dettagli dei suoi crimini, cerca di
influenzare la fiducia di Carolyn nel criminale. Le racconta di
come Riddick fosse già fuggito uccidendo un pilota e rubando la sua
nave. Johns sembra pensare che egli abbia intenzione di fare
qualcosa di simile anche questa volta. Pertanto, quando il gruppo
capisce come far funzionare nuovamente un’astronave abbandonata,
Johns li convince a riparare tutto il resto prima di tornare alla
loro nave precipitata per recuperare le batterie.
Tuttavia, una volta tornati, il
tempo è ormai scaduto e i soli iniziano a eclissarsi, intrappolando
tutti all’interno dei resti della loro vecchia astronave. Mentre il
gruppo viene eliminato uno ad uno dagli alieni assassini, alla fine
giunge a due conclusioni. Uno: la luce non è solo sgradevole per
gli alieni notturni, ma anche decisamente dannosa. E due: la loro
unica possibilità di sopravvivenza è tornare all’insediamento con
le ingombranti batterie. Guidati ora completamente da Riddick, il
gruppo attraversa un deserto buio con una luce appena sufficiente
per procedere e sciami di alieni letali alle calcagna.
Dopo alcuni scontri con alcuni
alieni e un alterco tra Riddick e Johns, il gruppo si riduce alla
fine a Carolyn, l’Imam, Jack e Riddick. Le cose iniziano a mettersi
male per loro quando gli alieni iniziano a divorarsi tra loro,
creando caos e sangue intorno al gruppo. Presto inizia a piovere.
Con le torce quasi spente, Riddick guida Carolyn, l’Imam e Jack in
un piccolo angolo tra le rocce. Ma Riddick non si unisce a loro e
invece chiude l’imboccatura della pseudo-grotta e se ne va da solo
verso la nave. Tuttavia, non riesce a fuggire dal pianeta da
solo.
Carolyn, dopo aver trovato alcuni
insetti luminosi nella grotta, segue Riddick. All’inizio, egli
cerca di convincerla a lasciare il pianeta con lui e, nel
frattempo, ad abbandonare l’Imam e Jack. Carolyn è combattuta tra
ciò che è giusto e ciò che è sicuro, ma è anche oppressa dal senso
di colpa per le sue azioni precedenti dall’inizio della storia. Si
rende conto che non può lasciare gli altri a morire e riesce a
convincere Riddick a tornare indietro per salvarli. Alla fine, lui
salva dunque gli altri, ma perde Carolyn durante il viaggio di
ritorno.
Riddick ha pugnalato Carolyn?
Il finale del thriller
fantascientifico Pitch Black è ricco di suspense, non solo per la
presenza dei terrificanti bioraptor, ma anche perché i due
sopravvissuti, Riddick e Carolyn, non riescono a fidarsi
completamente l’uno dell’altra, alimentando una teoria secondo cui
Riddick avrebbe pugnalato Carolyn di nascosto proprio prima che lei
venisse catturata da una delle creature. Gli ultimi momenti prima
che Riddick salga a bordo della nave con le celle energetiche
vitali sono infatti un confuso miscuglio di montaggi veloci, luci
ambientali e, a volte, oscurità quasi totale.
Mentre Carolyn e Riddick corrono
verso la nave, vengono attaccati da un bioraptor e, mentre Riddick
lo combatte con il suo coltello, viene ferito, rendendo necessario
l’intervento di Carolyn, ma quando lei cerca di aiutarlo, la
creatura le si avvicina di soppiatto alle spalle e la trafigge.
Riddick e Carolyn condividono un momento di prolungato contatto
visivo, comunicando rimorso e shock, prima che lei venga trascinata
nell’oscurità. Riddick corre quindi verso la nave per raggiungere
Jack e Imam, uccidendo diversi bioraptor mentre questi accendono i
motori e si lanciano nello spazio.
Fino a quel momento, Carolyn e
Riddick avevano raggiunto una tregua instabile sul loro
comportamento come persone; lei aveva scelto di vedere il buono
nelle persone e sembrava pensare che lui fosse capace di cambiare.
Il suo altruismo contrapposto al cinismo di lui ha creato una
tensione drammatica, ma ha anche servito a sottolineare la teoria
secondo cui, date prospettive diverse, la natura di una persona può
cambiare in situazioni di vita o di morte. Anche se si mostra duro
all’esterno, Riddick sa che, in fondo, nessuno dovrebbe dare la
vita per lui perché lui non farebbe lo stesso, e sarebbe un
sacrificio inutile.
La frase “Non per me” di
Riddick rende più probabile l’accoltellamento
Dopo che Carolyn viene risucchiata
nell’oscurità e presumibilmente divorata dai bioraptor, Riddick
urla: “Non per me!”, riferendosi a un giuramento
precedente in cui lei aveva promesso che sarebbe morta per gli
altri. Riddick le ha chiarito che non avrebbe mai dovuto
sacrificare la propria vita per lui, e anche se si sentiva in colpa
per le sue azioni, pugnalando Carolyn – o volendo credere che lo
abbia fatto – ha fatto in modo che lei mantenesse il suo giuramento
e lo salvasse. È anche un modo per dimostrarle che, alla fine, non
dovrebbe fidarsi ciecamente delle persone, perché gli esseri umani
sono intrinsecamente insensibili ed egoisti, e lui sarebbe sempre
stato così.
Riddick è sempre stato un lupo
solitario che preferisce non legarsi a nessuno, per non offrire ai
suoi nemici un punto debole. Il fatto che il suo personaggio
rimanga un criminale egocentrico che pensa solo ai propri interessi
non rivela molto in termini di sviluppo del personaggio, ma è anche
più realistico. Volendo credere che abbia accoltellato Carolyn,
rimarrebbe fedele alla sua natura di sopravvissuto e stratega,
dando ai bioraptor qualcosa che li distragga mentre lui fugge e
dimostrandole che non era redimibile.
Come l’accoltellamento di Carolyn
da parte di Riddick cambia il suo personaggio
Riddick poteva sembrare assumere un
ruolo di leadership per aiutare i sopravvissuti a lasciare il
pianeta, ma come ha cercato di ricordare a Carolyn, lui pensava
sempre a se stesso, e che Johns aveva ragione: lui l’avrebbe
“abbandonata non appena ne avesse avuto l’occasione”. Riddick
sapeva che Carolyn era troppo altruista per lasciarlo lì, quindi ha
concluso che pugnalarla e consegnarla ai bioraptor era l’unico modo
per far uscire la maggior parte di loro dal pianeta, ma allo stesso
tempo questo gesto cambia significativamente il suo
personaggio.
Se è Riddick a pugnalare Carolyn, la
percezione del suo personaggio cambia drasticamente. Se fosse stata
la creatura ad ucciderla dopo che Riddick era stato ferito, allora
la frase di Riddick “Non per me!” avrebbe segnalato il suo
senso di colpa per il fatto che lei fosse morta per lui perché lui
non era riuscito ad aiutarla a sconfiggere la creatura, soprattutto
perché lui non avrebbe fatto lo stesso per lei. Questo è ciò che lo
spinge ad assumere un carattere più nobile negli altri film della
serie dopo Pitch Black.
Thunderbolts* ha faticato a trovare un
pubblico quando è uscito nelle sale lo scorso aprile, ma è stato
comunque acclamato come uno dei migliori film dell’MCU. Tenendo presente questo, è
facile capire perché la notizia che il regista Jake
Schreier dirigerà il reboot degli X-Men
della Marvel Studios sia stata accolta così positivamente. Ci si
aspetta di vedere il film nelle sale prima del 2028, quando
probabilmente inaugurerà una nuova era narrativa per l’MCU, post
Avengers:
Secret Wars.
In un’intervista a Empire Online, Schreier ha ora
confermato di aver ufficialmente iniziato a lavorare al reboot.
“Non posso dire nulla al riguardo, ma abbiamo iniziato a
lavorare su X-Men, e questo è ovviamente molto, molto
emozionante”, ha rivelato. “Ci sono così tante cose che
non sapevo prima di iniziare Thunderbolts*”, ha aggiunto il
regista, spiegando che ora la sua precedente esperienza nell’MCU
andrà a beneficio del tanto atteso debutto della squadra di mutanti
nel franchise.
Schreier ha continuato: “La cosa
più importante che ho imparato è stata la proporzione tra le scene
d’azione e quelle più emotive, incentrate sui personaggi, e come,
anche se ci sono più giorni di riprese di quanti ne abbia mai
avuti, questi vengano consumati abbastanza rapidamente dalle scene
d’azione. Quando siamo arrivati alla fine, mi sono detto: ‘Oh, ora
mi sembra di capire un po’ meglio come fare’”.
Questo dopo aver affermato che
l’“idea centrale” di X-Men è la “complessità”,
descrivendo il film come “un’incredibile opportunità con
personaggi super interessanti e [molti] conflitti interni. Questi
personaggi sono alle prese con la loro identità e il loro posto nel
mondo: è un materiale intrinsecamente interessante e
complesso”. Con i lavori di pre-produzione ora iniziati, non
resta che attendere i primi annunci sul cast che comporrà il
film.
Secondo quanto riferito, il casting
ufficiale dovrebbe iniziare molto presto (se non è già iniziato) e
personaggi del calibro di Harris Dickinson,
Margaret Qualley,
Elle Fanning e Julia Butters
sarebbero nel mirino dello studio (secondo quanto riferito, erano
in lizza per interpretare Cyclope, Rogue e Kitty Pryde, ma non
sappiamo se sia ancora così), insieme alla star di Alien: RomulusDavid
Jonsson e Trinity Bliss, che potrebbero
essere in lizza per interpretare Jubilee. Altri nomi che sono
emersi nelle voci di corridoio includono Hunter Schafer (Mystica), Ayo Edebiri (Tempesta) e Javier Bardem (Mr. Sinister).
Riguardo al progetto Kevin Feige ha dichiarato di avere un “piano
decennale” per la saga dei mutanti. “Penso che lo vedrete
continuare nei nostri prossimi film con alcuni personaggi degli
X-Men che potreste riconoscere. Subito dopo, l’intera storia di
Secret Wars ci condurrà davvero in una nuova era dei mutanti Ancora
una volta, è uno di quei sogni che diventano realtà. Finalmente
abbiamo di nuovo gli X-Men“.
Il finale di Babylon
(qui la nostra recensione) spiega
che Hollywood ha i suoi lati positivi e negativi, ma nel caso delle
persone che hanno contribuito a costruirla, ne vale la pena. Il
cast vede Brad Pitt, Margot Robbie e Diego Calva
nei panni di personaggi dell’era del cinema muto che affrontano gli
alti e bassi di un’industria in continua evoluzione. Gli alti della
vecchia Hollywood sono rappresentati dalle performance di giovani
star emergenti e dalle feste elaborate di icone affermate, mentre i
bassi dell’industria sono evidenziati dal declino delle carriere,
dall’eccessiva indulgenza e dai comportamenti distruttivi con
l’avvento dei film sonori.
La fine del film rivela che il corpo
di Nellie (Robbie) viene trovato poco dopo aver
lasciato Manny (Calva), Jack
(Pitt) muore suicida, Sidney Palmer lascia
Hollywood ed Elinor St. John alla fine muore.
Tuttavia, il film si conclude con una nota piuttosto speranzosa,
con Manny che torna a Los Angeles con la sua famiglia e guarda in
lacrime Singin’ in the Rain, intervallato da un montaggio
di importanti film del secolo scorso. L’industria cinematografica
intrattiene così la prossima generazione di spettatori in modi
nuovi, mentre Babylon mostra il prezzo che
Hollywood fa pagare a coloro che lavorano duramente per mantenere a
galla la propria carriera.
I momenti finali di
Babylon includono dunque un montaggio di film
della storia di Hollywood, tra cui il primo filmato, Horse in
Motion, e il film di successo del 2009 di James Cameron, Avatar.
Il finale del film mostra Hollywood come un luogo oscuro e
pericoloso, ma anche come un luogo che ha costruito sogni per il
mondo intero, cosa che Damien Chazelle esprime
attraverso il montaggio del film. Anche se questo ha lo scopo di
celebrare la storia del cinema, con tutto ciò che è venuto prima e
dopo gli eventi di Babylon, la sequenza è
diventata piuttosto controversa tra i critici e il pubblico.
La controversia deriva dall’idea che
il finale del film sorvoli sulle tragedie disseminate nel film,
come il destino di Jack e Nellie. Tuttavia, nonostante ciò, quello
che accade nel finale è che celebra la storia e la gloria del
cinema. Babylon non parla solo della depravazione
di Hollywood e di come distrugge le vite, ma anche di come in
qualche modo ne sia valsa la pena per creare la magia del cinema.
Gli spettatori vedono persone morire e carriere distrutte, ma Manny
sorride e può gioire del progresso cinematografico.
Perché sono stati scelti quei film
per il montaggio finale
I film scelti da Chazelle per il
montaggio finale di Babylon hanno tutti avuto un
ruolo importante nel cambiamento di Hollywood e sono stati
fondamentali per far passare l’industria da una fase all’altra. I
primi film erano i più vecchi e hanno insegnato alla gente cosa
fosse il cinema in generale. Horse in Motion era
semplicemente un cortometraggio che mostrava un cavallo che
camminava, cosa che all’epoca era sorprendente. L’arrivo del
treno dei Lumiere è noto come un film che spaventava il
pubblico, che non aveva idea di cosa stesse succedendo mentre il
treno si avvicinava allo schermo.
Viaggio sulla luna è stato
il primo film di fantascienza in assoluto a utilizzare effetti
speciali all’avanguardia per l’epoca, realizzato dal rivoluzionario
regista George Méliès. Questo è il film a cui
tutti i film di fantascienza devono la loro esistenza. La
grande rapina al treno fece lo stesso per i western, con il
finale in cui il bandito punta la pistola verso lo schermo e spara,
creando un altro momento scioccante per gli spettatori.
Intolerance fu il primo grande film di gangster, e questi
tre film posero le basi per i successivi due decenni di cinema.
Passando a Il cantante di jazz, Chazelle ha reso omaggio
al film che ha portato i film sonori alla ribalta di Hollywood, un
momento che il film stesso ha mostrato.
Il mago di Oz è stato il
primo film a mostrare davvero l’importanza del colore in una
storia, un altro momento rivoluzionario per la storia del cinema,
poiché ha lentamente spinto la produzione cinematografica in bianco
e nero a diventare semplicemente un’opzione di nicchia negli anni a
venire. Ben-Hur è stato un film che ha contribuito a
inaugurare lo stile cinematografico epico. Un Chien
Andalou è stato un film che ha influenzato notevolmente
registi d’essai come David Lynch.
Psycho ha dimostrato che il
marketing era importante quanto la narrazione quando si trattava di
vendere un film al grande pubblico. 2001: Odissea nello
spazio di Stanley Kubrick ha cambiato ciò
che tutti sanno sulla fantascienza intelligente. I predatori dell’arca perduta ha portato i classici
film d’avventura a una nuova generazione. Tron ha
reinventato la fantascienza d’azione e Terminator 2 ha alzato ulteriormente l’asticella.
Jurassic Park ha introdotto la CGI in sostituzione
degli effetti pratici nella realizzazione dei film e Matrix ha mostrato quanto i registi potessero fare di
più con essa.
L’ultimo film, Persona,
chiude il cerchio. Si tratta di un film di Ingmar
Bergman del 1966 che punta sulla narrazione piuttosto che
sui progressi tecnologici, dimostrando che possono ancora esistere
storie cinematografiche degne di nota senza tutti i fronzoli.
Ciascuno dei film scelti da Chazelle ha svolto un ruolo chiave nel
cambiamento del cinema, creando momenti che hanno costretto
Hollywood ad accettare i cambiamenti e ad andare avanti.
Diego Calva in Babylon
Perché Manny piange guardando
Singing In The Rain
Il finale di
Babylon vede dunque Manny bandito da Hollywood e
Los Angeles per sfuggire alla furia omicida di James McKay.
Tuttavia, dopo diversi anni, torna per mostrare alla sua famiglia
dove aveva lavorato e trascorso i suoi primi anni di vita. Era
ancora una città che conservava grandi ricordi e importanza per
lui; era anche fonte di orgoglio e nostalgia per ciò che avrebbe
potuto essere impresso nel suo cuore e nella sua mente.
Manny si unisce a un pubblico
eterogeneo che guarda Singin’ in the Rain del 1952, un
film musicale che romanticizza il passaggio di Hollywood dall’era
del cinema muto a quella del cinema sonoro. Tuttavia, il ritorno “a
casa” per Manny era offuscato da quello che doveva essere un
ricordo roseo, poiché la sua carriera era iniziata pulendo i
pasticci delle star e poi era proseguita guardando i suoi amici
morire per eccessi. Tuttavia, dopo essere stato espulso
dall’industria e aver assistito a tutta la tragica distruzione che
essa poteva causare, Manny pianse di gioia guardando Singin’ in
the Rain.
Tutte le meraviglie e la nostalgia
del film confermarono che il suo più grande desiderio si era
avverato: nonostante tutte le difficoltà, Manny aveva lasciato
un’impronta indelebile nell’industria cinematografica. Hollywood
andò avanti con il sonoro e il glamour, e persone di ogni ceto
sociale ora si riuniscono per divertirsi con le versioni romantiche
dell’industria che lui ha contribuito nel suo piccolo a
costruire.
Nellie e Lady Fay si sono messe
ufficialmente insieme?
Babylon allude alla
relazione tra Nellie e Lady Fay iniziata dopo che
si sono baciate durante l’incidente del morso di serpente.
Tuttavia, come per altre storie di vita reale accennate in Babylon,
solo una rubrica di gossip suggerisce che Nellie e Lady Fay Zhu
stiano insieme, e la loro relazione romantica non viene mai
rappresentata sullo schermo. Probabilmente le due hanno avuto una
relazione per un po’, mantenendo un profilo basso. È possibile che
si siano lasciate perché le voci hanno influenzato la carriera di
Nellie come attrice.
Nellie stava cercando di cambiare la
sua immagine agli occhi del pubblico e una relazione con una donna
nella Hollywood degli anni ’20 avrebbe potuto mettere a rischio la
sua carriera. Inoltre, Lady Fay fu licenziata dal suo lavoro di
sceneggiatrice del film, allontanandola ulteriormente
dall’industria cinematografica e dalla vita di Nellie. Il dissenso
pubblico causato dalla loro relazione dimostrò che l’immagine era
tutto a Hollywood e che una relazione lesbica era considerata
indecente e immorale in quell’epoca, con il potenziale di
influenzare negativamente l’ascesa di Nellie alla celebrità.
Margot Robbie e Diego Calva in Babylon
Come è morta Nellie LaRoy nel
finale di Babylon
Il personaggio di Margot
Robbie in Babylon, Nellie LaRoy, sognava
di diventare una star del cinema, cosa che riuscì a realizzare per
un breve periodo. Tuttavia, il finale del film include un ritaglio
di giornale che passa inosservato se non si presta attenzione e che
rivela il tragico destino di Nellie poco dopo aver lasciato Manny.
Secondo la notizia, Nellie LaRoy morì all’età di 34 anni per quella
che fu “probabilmente una dose eccessiva accidentale”.
L’articolo riporta che “Nellie LaRoy… è stata trovata morta in
un fatiscente appartamento di Hollywood” nel 1938, senza che
la polizia sospettasse alcun reato. Non è chiaro se Nellie avesse
recitato in altri film con la Kinoscope prima della sua sospetta
overdose.
Nellie LaRoy, che aveva molti debiti
a causa del gioco d’azzardo e della tossicodipendenza, sapeva che
James McKay non avrebbe mai smesso di cercarla.
Manny, invece, poteva scappare, soprattutto perché il debito non
era suo. Si rese conto che non avrebbe mai potuto placare il senso
di colpa per aver trascinato Manny con sé in quell’incubo, né
avrebbe potuto vivere davvero felice e contenta con lui scappando.
Per un po’ c’era stato un barlume di speranza, ma Nellie, in un
atto di autodistruzione, non riusciva a rinunciare alla sua
carriera e alla fama che si era guadagnata.
La fine di Babylon
mostra dunque che lei poteva liberare Manny da Hollywood, ma non
poteva liberare se stessa, quindi ha permesso all’industria di
inghiottirla completamente. Nellie è apparsa per la prima volta nel
film di Chazelle come una persona in grado di comandare e
intrattenere una sala, piangere a comando e sapere di essere
destinata a diventare una star, anche se non aveva ancora raggiunto
quel livello. Quando finalmente ci è riuscita, la maschera di
Hollywood e della sua gloria è crollata. Nellie fugge dalla sua
vita precedente e dalla sua infanzia travagliata, ma non riesce a
liberarsene completamente. Alla fine, questo la distrugge.
Perché Jack Conrad si è tolto la
vita
Il personaggio interpretato da
Brad
Pitt in Babylon, Jack
Conrad, aveva molto da offrire a Hollywood come star del
cinema muto carismatica, amata e di successo. Sfortunatamente, il
suo momento di gloria stava volgendo al termine, la sua reputazione
era in caduta libera e la sua fama ne risentiva. Jack ha negato la
realtà per un po’, ma il monologo di Elinor St. John lo ha
costretto ad ammettere che non era più la star del cinema molto
ricercata di un tempo.
Jack era la star più grande di
Hollywood, ma voleva recitare solo in film di successo e
pluripremiati. Il problema era che Hollywood stava passando al
cinema sonoro, mentre Jack era una star del cinema muto. Ci sono
molte storie di star del cinema muto che non sono riuscite a
sfondare nella nuova Hollywood, e Jack è stato uno di questi casi
tragici. Insieme al suicidio del suo amico George, Jack non voleva
più recitare in film mediocri e non riusciva ad affrontare la
realtà che lo attendeva riguardo alla fine della sua carriera di
attore, il che lo ha portato alla tragica morte per suicidio.
Brad Pitt in Babylon
Cosa succede a Sidney Palmer dopo
il finale di Babylon
Nel finale di
Babylon, si scopre infine che Sidney
Palmer ha lasciato Hollywood a causa del razzismo palese
che ha dovuto affrontare. In un’epoca in cui Hollywood celebrava
film problematici come Via col vento, Palmer ne aveva
abbastanza delle assurdità dietro le quinte. A differenza del resto
dei personaggi di Babylon, la carriera di Sidney
non è andata in fumo, anche se i suoi sogni e le sue aspirazioni
hollywoodiane sono stati comunque distrutti.
Poiché non era considerato
“abbastanza nero”, doveva usare la blackface, e alla fine si è
stancato dell’umiliazione. Anche se Sidney probabilmente non è mai
tornato a suonare la tromba nei film, avrebbe potuto passare a
dirigere una jazz band, espandendosi oltre i club di Los Angeles.
Sidney avrebbe anche potuto insegnare alla prossima generazione di
trombettisti jazz, che forse in seguito avrebbero suonato nei film,
consolidando ulteriormente la sua influenza sul settore. Qualunque
fosse la scelta, almeno è riuscito a uscire vivo da Hollywood.
Il vero significato del finale di
Babylon
Il finale di
Babylon esamina dunque la carriera e la morte di
coloro che lavorano nell’industria cinematografica, celebrando al
contempo la longevità del cinema e la sua influenza,
indipendentemente dai cambiamenti che deve affrontare, compreso il
passaggio dal cinema muto a quello sonoro. Il film è allo stesso
tempo una lettera d’amore all’era del cinema muto e una critica
all’industria cinematografica. Damien Chazelle
affronta la fine dell’influenza di una persona a Hollywood e
l’amarezza che ne deriva. Il film è anche nostalgico di un’epoca
che è stata dimenticata dal tempo.
Babylon
approfondisce anche i cambiamenti all’interno dell’industria
cinematografica e il modo in cui questi influenzano attori,
produttori e musicisti. Mentre le cose cambiano nel tempo, le
transizioni interne scuotono lo status quo, ponendo fine alle
carriere. Come il film La La
Land (sempre di Chazelle), Babylon mostra
il lato oscuro dietro le luci del cinema. Le cose cambiano
all’improvviso e nessuno è al sicuro in un’industria in continua
evoluzione, anche se alcune cose positive vengono lasciate
indietro. Il film ribadisce così l’idea che Hollywood non fa
prigionieri e che chi viene travolto dalla corrente ha tutto da
perdere.
I fan di Quentin Tarantino non devono mai cercare
lontano per trovare film eccellenti e, per la maggior parte delle
persone, questo non potrebbe essere più vero per Kill Bill
– Vol. 1. Il classico del 2003 ha stabilito un nuovo
standard per i film di arti marziali americani e il talento
artistico di Tarantino ha reso l’esperienza ancora più
indimenticabile. Con Uma Thurman nel ruolo della Sposa, il film è
solo una parte di una storia molto più ampia che aspetta di essere
svelata.
Classica storia di vendetta,
Kill Bill – Vol. 1 inizia con scene d’azione
spettacolari e la violenza non giunge al termine finché La Sposa
non ha portato a termine gran parte della sua missione. Con scontro
finale tra Thurman e Lucy Liu divenuto ormai un classico del
cinema, tutti i fan di Tarantino che si sono persi questo
capolavoro farebbero bene a recuperarlo il prima possibile. Lo
stesso regista, d’altronde, lo ha definito la summa di tutte le sue
passioni e influenze cinematografiche.
Raccontandolo in ordine cronologico,
Kill Bill – Vol. 1 inizia con l’assassinio de La
Sposa per mano di Bill e della sua Deadly
Viper Assassination Squad. Tutto ciò che si sa prima che
lei venga colpita e finisca in coma è che la Sposa era
presumibilmente incinta del bambino di Bill. Mentre i Deadly Vipers
intendono uccidere la Sposa, Bill annulla l’omicidio, chiarendo che
uccidere un bersaglio indifeso è disonorevole. Quattro anni dopo,
però, la Sposa si sveglia, elimina alcuni squallidi delinquenti in
ospedale, ruba la loro auto e parte alla ricerca di vendetta contro
le persone che hanno cercato di ucciderla.
La Sposa prende quindi di mira
Vernita Green, una delle assassine che da allora
ha intrapreso una vita molto più mondana. Quando arriva a casa sua,
le due ingaggiano una lotta che lascia il soggiorno in rovina prima
che la figlia di Vernita entri in casa, causando una breve pausa
nell’azione. Avendo sempre un piano di riserva, Vernita cerca di
indurre la Sposa in un falso senso di sicurezza, tentando di
spararle con una pistola nascosta, ma la Sposa riesce a conficcarle
un coltello nel petto, uccidendola all’istante. Con quell’obiettivo
eliminato, la Sposa cancella il suo nome dalla lista e continua la
sua ricerca di O-Ren Ishii.
Michael Madsen e Lucy Liu in Kill Bill – Vol 1
Come ci si potrebbe aspettare da
Tarantino, la storia di O-Ren Ishii è raccontata in modo drammatico
ed elegante tramite una memorabile sequenza animata. La sua vita è
tragica: ha assistito alla morte della sua famiglia in giovane età
ed è stata spinta alla follia dal desiderio di vendetta. Riuscirà a
vendicarsi poco dopo, all’età di undici anni, e diventerà poi una
delle assassine più pericolose al mondo all’età di vent’anni. Tutto
questo retroscena mostra quanto O-Ren Ishii sia abile molto prima
che lei e la Sposa arrivino alle mani.
Prima di affrontare uno dei membri
più importanti delle Deadly Vipers, la Sposa va però a cercare una
spada forgiata da Hattori Hanzo. Nonostante egli
si rifiuti di forgiare una lama, Hanzo alla fine lo fa quando la
Sposa chiarisce che il suo obiettivo è uccidere l’enigmatico Bill.
Con tutto ciò di cui ha bisogno per affrontare O-Ren Ishii, la
Sposa può quindi ora andare ad uccidere la donna che è diventata la
leader di un gruppo di Yakuza a Tokyo. Ovviamente, entrare nel
territorio della Yakuza e tentare di assassinare il loro leader non
è affatto facile, il che rende evidente che la Sposa ha davanti a
sé una battaglia ricca di ostacoli ad attenderla.
Il finale di Kill Bill –
Vol. 1
Dopo alcune ricerche, la Sposa
riesce a rintracciare O-Ren Ishii grazie alla sua notorietà come
leader della Yakuza. Arrivata in un ristorante pieno di membri
della Yakuza, la Sposa rende note le sue intenzioni di uccidere
O-Ren Ishii, anche se le forze personali della leader non avevano
alcuna intenzione di permettere che il loro capo venisse ucciso. La
Sposa è costretta a combattere contro decine di abili sicari della
Yakuza, riportando alcune ferite, ma lasciando tutti quelli che le
si sono opposti in condizioni ben peggiori.
Una volta sistemati i sicari della
Yakuza, La Sposa rivolge nuovamente la sua attenzione a O-Ren Ishii
per un duello sulla neve. Le due donne si scambiano frecciatine
prima di sguainare le loro lame e attaccarsi immediatamente a
vicenda. Stanca e ferita, la Sposa sembra aver intrapreso
un’impresa troppo ardua affrontando tutti gli Yakuza e O-Ren Ishii,
ma dopo aver spezzato il fodero di Ishii, la Sposa acquista
maggiore fiducia. Un singolo errore permette a Ishii di sferrare un
colpo violento sulla schiena della Sposa, ma la ferita non è
abbastanza grave da ucciderla.
Dopo alcune provocazioni, La Sposa
si rialza e le due si scambiano dei colpi, ma questa volta La Sposa
riesce a sferrare un colpo decisivo. Con entrambe le donne stanche
e ferite, la Sposa riesce finalmente a sconfiggere Ishii,
tagliandole la parte superiore del cranio. Con O-Ren Ishii
finalmente uccisa, la Sposa cancella un altro assassino dalla sua
lista e si prepara a continuare la sua vendetta, un viaggio che
alla fine la porterà dall’uomo responsabile dell’attentato alla sua
vita, Bill.
Mentre Kill Bill – Vol.
1 finisce qui, la seconda parte della storia, Kill
Bill – Vol. 2, riprende immediatamente dopo gli eventi del
primo film per continuare il percorso di vendetta della Sposa. Con
molti più retroscena approfonditi e un incontro con l’enigmatico
Bill, la seconda parte della storia è imperdibile per chi vuole
affrontare Kill Bill Vol. 1, specialmente perché se il primo film è
principalmente un film di arti marziali e samurai, il secondo ha
invece influenze western, regalando un’esperienza cinematografica
completamente nuova.
Cosa ci lascia Kill Bill – Vol.
1
Quello
che Kill Bill – Vol. 1 ci lascia, oltre alla
spettacolare messa in scena dell’azione, è un racconto che fonde
generi e stili in maniera unica. Tarantino costruisce un’opera che
è al tempo stesso omaggio e reinvenzione: arti marziali, cinema di
samurai, spaghetti western e anime giapponesi convivono in un
flusso narrativo che non smette mai di sorprendere. Il tema della
vendetta diventa il filo conduttore che tiene insieme queste
influenze, trasformando la storia della Sposa in un viaggio epico e
violento, dove ogni incontro è un passo verso la catarsi
personale.
Il
film, però, non è soltanto un esercizio di stile. Attraverso
l’eccesso visivo, il sangue e le coreografie iperboliche, Tarantino
parla di identità, resilienza e memoria. La violenza non è mai fine
a sé stessa, ma uno strumento narrativo che esalta la
determinazione della protagonista e mette in scena il suo percorso
interiore tanto quanto quello fisico. Kill Bill – Vol.
1 rimane così un’opera che non solo ha ridefinito il
cinema d’azione occidentale, ma che continua a risuonare come
manifesto delle passioni cinefile del regista e come riflessione
sul potere salvifico – e distruttivo – della vendetta.
Divenuto negli anni una delle
celebrità più influenti di Hollywood, George
Clooney è oggi ampiamente riconosciuto e apprezzato come
interprete, regista e produttore, distintosi con eccellenza in
ognuno dei campi da lui affrontati. Grazie ai tanti film di
successo a cui ha partecipato, ha potuto consolidare il suo status,
affermandosi per il suo carisma e la sua grande versatilità. Sono
infatti molti i generi in cui l’attore si è cimentato, ottenendo
sempre il favore di critica e pubblico.
Ecco 10 cose che non sai su
George Clooney.
George Clooney: i suoi film e le
serie TV
1. Ha recitato in celebri
lungometraggi. George Clooney ottiene la sua prima
grande occasione al cinema con Dal tramonto all’alba (1996) di Robert Rodriguez, che lo
impone come volto carismatico di Hollywood. Seguono commedie e
blockbuster come Un giorno… per
caso (1996), Batman &
Robin (1997), La sottile linea rossa (1998) e Three Kings (1999). Negli anni Duemila si afferma
definitivamente grazie a Fratello, dove sei? (2000) dei fratelli Coen e
soprattutto con la saga di Ocean’s Eleven (2001), diretta da Steven Soderbergh, a
cui seguiranno Ocean’s Twelve (2004) e Ocean’s Thirteen (2007).
Tra i suoi titoli più apprezzati figurano Solaris (2002), Prima ti sposo poi ti rovino (2003), Syriana (2005), che gli vale l’Oscar come
miglior attore non protagonista, Michael Clayton (2007), Burn After Reading (2008), Tra le
nuvole (2009), The
American (2010), Paradiso amaro (2011), Gravity (2013),
Tomorrowland
(2015), Ave,
Cesare (2016) e Money
Monster (2016). Negli ultimi anni è tornato a
recitare accanto a Julia Roberts in Ticket to Paradise (2022) e ha affiancato
Brad
Pitt in Wolfs – Lupi
solitari (2024). Nel 2025 è atteso a Venezia con
Jay Kelly di Noah Baumbach, dove
recita accanto ad Adam Sandler e Laura
Dern.
2. Ha preso parte a note
serie televisive. Prima di diventare una star del
cinema, Clooney si fa le ossa in televisione, recitando in serie
come P/S – Pronto
Soccorso (1984-1985), L’albero delle mele (1985-1987), Pappa e ciccia (1988-1991), Bodies of Evidence (1992-1993) e
Sisters (1993-1994). La
svolta arriva con il ruolo del pediatra Doug Ross in
E.R. – Medici in prima
linea, dove recita dal 1994 al 1999 accanto a Julianna
Margulies, conquistando il pubblico e la critica.
Diventato ormai una star
internazionale, Clooney si dedica quasi esclusivamente al cinema,
tornando in televisione soltanto nel 2019 con Catch-22, serie tratta dal
romanzo di Joseph Heller, che interpreta e dirige.
3. È anche regista,
sceneggiatore e produttore. Oltre che attore, Clooney
si è distinto come regista, sceneggiatore e produttore, firmando
alcuni tra i titoli più apprezzati del cinema americano
contemporaneo. Ha esordito dietro la macchina da presa con
Confessioni di una mente
pericolosa (2002), seguito da Good Night, and Good Luck (2005), candidato a sei premi
Oscar, In amore niente
regole (2007), Le idi di
marzo (2011), Monuments Men (2014), Suburbicon (2017),
The Midnight Sky (2020),
Il bar delle grandi
speranze (2021) e The Boys
in the Boat (2023).
Come produttore ha sostenuto numerosi film, tra cui Lontano dal paradiso (2002),
A Scanner Darkly (2006),
The Informant! (2009),
Argo (2012) di
Ben
Affleck — vincitore dell’Oscar come miglior film — e
I segreti di Osage
County (2013). Il suo impegno dietro le quinte
conferma una carriera poliedrica, capace di unire talento
interpretativo e visione autoriale.
George Clooney è stato Batman
4. Si vergogna del
film. Che il film Batman & Robin sia stato un
grande insuccesso di critica e pubblico è cosa ormai nota, ma
l’attore continua ancora oggi a chiedere scusa per la sua
esistenza. Clooney ha infatti più volte affermato di
vergognarsi profondamente per il film, considerandolo un grande
spreco di soldi. In particolare, l’attore è stato critico nei
confronti della sceneggiatura, come anche di molte delle
scenografie realizzate e della sua stessa interpretazione. Al
termine delle riprese, affermò che con questo nuovo capitolo
avevano ucciso la serie, ed è inoltre noto che risarcì molte delle
persone che lo videro.
George Clooney e Brad Pitt, i loro film insieme
5. Hanno recitato insieme
in diverse occasioni. Una delle coppie cinematografiche
più amate è quella composta da Clooney e Brad Pitt. I due hanno recitato insieme per la
prima volta in Ocean’s Eleven – dove fu Clooney a chiedere a
Pitt di unirsi al cast – e nei successivi due sequel. Hanno poi
condiviso una scena del film Burn After Reading, mentre sono ora di nuovo
protagonisti insieme a tutti gli effetti di Wolfs – Lupi
solitari, la commedia thriller presentata alla Mostra del
Cinema di Venezia.
George Clooney e l’Italia
6. È molto legato
all’Italia. L’amore per l’Italia di Clooney è da sempre
noto. L’attore, infatti, possedeva una villa sul lago di Como, si è
poi sposato a Venezia e da anni sceglie da anni il Bel Paese come
meta per le sue vacanze estive. Nel 2020 – ad esempio – la sua meta
è stata la Puglia, regione da lui ancora mai visitata e presso la
quale ha così soggiornato per esplorarne le bellezze. Anno dopo
anno, dunque, Clooney continua a ribadire la propria passione per
la penisola e le sue terre.
7. Era considerato lo
scapolo d’oro di Hollywood. Clooney è noto per aver avuto
diverse relazioni con donne dello spettacolo, tra
cui Lisa Snowdon, dal 2000 al 2005,
Elisabetta Canalis, dal 2009 al 2011, e
Stacy Keibler, dal 2011 al 2013. Tuttavia, dopo
essere stato sposato una prima volta dal 1989 al 1993 con l’attrice
Talia Balsam, dichiarò non si sarebbe mai più
sposato, irritato dalla pratica di divorzio. Per anni è stato così
definito “lo scapolo d’oro” di Hollywood.6
8. Ha sposato un
avvocatessa. L’attore ha tuttavia infranto la sua promessa
nel momento in cui ha annunciato il matrimonio con l’avvocatessa
Amal Alamuddin, con la quale si frequentava dal
2013. La coppia si unisce in matrimonio a Venezia il 29 settembre
del 2014, con una cerimonia celebrata nella sede comunale di Ca’
Farsetti. Nel giugno del 2017, poi, l’attore è divenuto padre dei
suoi primi due figli, i gemelli Ella e Alexander. Con la moglie è
stato poi impegnato in numerose cause umanitarie, di cui entrambi
sono da sempre attivi sostenitori.
George Clooney: il suo
patrimonio
9. È una delle personalità
più ricche di Hollywood. La carriera di Clooney è
costellata di grandi successi cinematografici, che hanno portato
l’attore a diventare una delle principali star dell’industria.
Grazie alla sua prolifica attività di interprete e regista, come
anche quella di produttore, Clooney ha potuto negli anni dar vita
ad un patrimonio stimato di circa 500 milioni di dollari, cosa che
fa di lui una delle personalità più ricche di tutta Hollywood.
George Clooney: età e altezza
10. George Clooney è nato a
Lexington, nel Kentucky, Stati Uniti, il 6 maggio del
1961. L’attore è alto complessivamente 180 centimetri.
Chi non ama Emma
Stone? È una delle star con più talento, più umorismo, più
fascino di Hollywood. Dalla voce particolare e dagli occhi immensi,
è impegnatissima, intelligente e ha una presenza naturale. Ha solo
28 anni, ma ha già recitato in parecchi film, è una delle star più
pagate di questa generazione, e ha già vinto un Oscar. Ma non
solo.
Cosa non sapete su Emma
Stone? Ecco dieci curiosità sull’attrice.
Emma Stone: i suoi film e le serie
TV
1. Emma Stone ha recitato
in celebri film. Emma Stone ha esordito al cinema con la
commedia Suxbad – Tre metri
sopra il pelo (2007), che le ha dato grande visibilità. Da lì
in poi ha collezionato una serie di ruoli che l’hanno imposta come
una delle attrici più amate della sua generazione: La coniglietta di casa (2008),
La rivolta delle ex
(2009), Benvenuti a
Zombieland (2009), Easy girl (2010) e
Amici di letto (2011).
Il
2011 è un anno cruciale, con Crazy, Stupid, Love e soprattutto The Help, che le ha aperto le porte del cinema
drammatico. Nel 2012 e 2014 ha interpretato Gwen Stacy nei due film
The Amazing Spider-Man.
Sono seguiti titoli come Gangster Squad (2013), il film d’animazione
I Croods (2013),
Magic in the Moonlight
(2014) e Birdman di Alejandro
González Iñárritu (2014), che ha vinto l’Oscar come miglior
film.
Nel 2016 è arrivata la consacrazione definitiva con La La Land, per il quale ha vinto
l’Oscar come miglior attrice protagonista. Successivamente ha
recitato in La battaglia dei sessi
(2017), La favorita (2018) —
che le è valsa una nuova candidatura agli Oscar —, Zombieland – Doppio
colpo (2019) e Crudelia (2021), dove
ha dato vita a una nuova versione della celebre villain Disney.
Negli ultimi anni ha ritrovato il regista Yorgos Lanthimos in
Povere Creature!
(Poor Things, 2023),
Leone d’Oro a Venezia, che le ha regalato un nuovo Oscar come
miglior attrice. Con Lanthimos ha continuato a collaborare nei
progetti successivi, Kinds of Kindness (2024) e Bugonia (2025),
confermandosi interprete versatile e di livello internazionale.
2. Ha recitato anche in
alcune serie televisive. Oltre al cinema, l’attrice ha
recitato anche in televisione. Nei primi anni di carriera è apparsa
in episodi di Medium
(2005), Malcolm (2006),
Zack & Cody al Grand
Hotel (2006) e iCarly (2012). Nel 2018 è stata protagonista accanto a
Jonah Hill della miniserie Maniac, distribuita da Netflix.
Di recente è tornata sul piccolo schermo con The Curse
(2023-2024), serie firmata da Nathan Fielder e Benny Safdie, dove
ha interpretato uno dei ruoli più complessi della sua carriera,
confermando ancora una volta il suo talento anche in ambito
televisivo.
Emma Stone è Crudelia DeMon
3. Ha trovato alcune
difficoltà con il personaggio. Per dar vita alla celebre
Crudelia, tra i personaggi più noti e amati dell’universo Disney,
nonostante il suo essere un’antagonista, l’attrice si è preparata
ricercando la giusta caratterizzazione. Tra costumi, trucco, modo
di camminare e di parlare, l’attrice ha dato vita alla sua
personale visione di quell’eccentrica donna. Per la Stone,
tuttavia, un elemento mancante di non poco conto sono state le
celebri sigarette che il personaggio è noto fumare. La Disney,
infatti, ha bandito il fumo dai suoi film a partire dal 2007 e non
ha concesso alcuna eccezione.
4. È confermata anche per
il sequel. Dato il grande successo del film
Crudelia, la Disney ha confermato la realizzazione di un
sequel, che permetterà di approfondire ulteriormente le vicende di
Crudelia DeMon. In seguito anche la Stone ha confermato il suo
coinvolgimento nel film, nel quale riprenderà dunque i panni del
personaggio. L’attrice ha infatti affermato di essere rimasta
troppo affascinata da questo per non rivestirne ancora una volta i
panni e raccontare nuovi aspetti di lei.
5. Ryan Gosling e Emma Stone sono
stati fidanzati al cinema per ben tre volte (ma nella vita sono
solo ottimi amici). La prima apparizione insieme l’hanno fatta
nel 2011, in Crazy, Stupid, Love: nel quale la chimica tra
di loro era già alle stelle. In seguito, nel 2013, Ryan Gosling e Emma Stone sono stati insieme
nella Los Angeles degli anni Quaranta di Gangster Squad. Il
più grande successo della coppia è ovviamente La La Land. I
due non sono mai stati insieme nella vita reale (deludendo
moltissimi, moltissimi fan), ma sul grande schermo sono diventati
una delle coppie migliori di sempre.
Emma Stone è hot
6. Emma Stone è una bionda
naturale. Una delle caratteristiche di Emma Stone che
risaltano di più sono i suo bellissimi capelli rossi. Hanno un
aspetto molto naturale, ma non lo sono: Emma Stone è infatti
bionda. Inizialmente, il suo primo manager aveva l’intenzione di
caratterizzarla come il tipo da cheerleader, ma non era il tipo di
personaggio che interessava all’attrice, la quale ottenne il primo
ruolo al cinema (Suxbad) poco dopo essersi tinta i capelli
di marrone scuro.
Emma Stone e Andrew Garfield in
Spider-Man
7. Ha avuto una relazione con il
noto attore. La vita privata di Emma è rimasta piuttosto
nascosta, anche con l’arrivo delle fama. Ma sappiamo che è stata
davvero la fidanzata di Spider-Man. Emma Stone e Andrew Garfield
si sono infatti conosciuti nel 2011 sul set di The
Amazing Spider-Man e, dopo poco, cominciarono ad essere
avvistati insieme anche fuori. I dettagli non furono mai divulgati,
ma i due vennero visti più volte mano nella mano, per circa quattro
anni. Nel 2015, poi, la coppia si prese una pausa, e si diffusero
voci di continui litigi tra i due. Ad aprile dello stesso anno
confermarono la fine della loro storia, per poi rimettersi insieme
per qualche mese. Ma, infine, i due si lasciarono di nuovo,
definitivamente.
Emma Stone, il marito e la figlia
8. Si è sposata e ha avuto
una figlia. Molto riservata circa la propria vita privata,
la Stone non è però riuscita a nascondere il suo aver intrapreso,
nel 2017, una frequentazione con Dave McCary,
regista e sceneggiatore del Saturday Night Live. I due si
sono poi fidanzati ufficialmente nel 2019, sposandosi l’anno
seguente. Il 13 marzo 2021, infine, l’attrice ha dato alla luce la
loro prima figlia, Louise Jean McCary.
Emma Stone è su Instagram?
9. Emma Stone non ha
Instagram. Sono tantissime le celebrità che non fanno alcun uso
dei social media: Jennifer Lawrence, Brad
Pitt, Scarlett Johansson, George Clooney, Mila Kunis, e tantissimi
altri. In questo elenco si colloca anche la Stone, la quale
parlando con il Los Angeles Times, infatti, ha espresso il
proprio pensiero a riguardo: “è quel bisogno di essere visti, e
di essere approvati, in un certo senso, da qualcuno che non
conosci. E così le persone fanno domande sulla fama, o di come ci
si senta, e sembra che tutti sappiano com’è essere famosi. Sembra
che tutti coltivino le loro vite su Instagram o sui diversi social
media”.
Emma Stone: età e altezza dell’attrice
10.Emma
Stone è nata il 6 Novembre 1988 a Scottsdale, in Arizona, Stati
Uniti. L’attrice è alta complessivamente 1.68
metri.
A quasi tre anni dal lancio della DC
Studios, molti fan non possono fare a meno di esprimere
frustrazione per la mancanza di progressi su
The Brave and the Bold. Batman rimane il personaggio
più popolare della DC e, in apparenza, una storia su Batman e Robin
non dovrebbe essere così difficile da realizzare. C’è già un certo
scetticismo intorno al progetto a causa della decisione di
affidarne la regia al regista di The
Flash, Andy Muschietti.
James Gunn ha definito quello uno dei migliori film di
supereroi mai realizzati, decidendo dunque di affidare a Muschietti
la regia del prossimo film sul Cavaliere Oscuro.
Da allora Muschietti ha però
lasciato intendere di non essere sicuro dello stato di The
Brave and the Bold, mentre Gunn ha parlato candidamente
delle difficoltà della DC Studios nel trovare un approccio al
Cavaliere Oscuro che non sia una ripetizione di ciò che abbiamo già
visto. Probabilmente non aiutano i piani della Warner Bros. e di
Matt Reeves per “Elseworlds” The Batman –
Parte II.
Parlando con Screen Rant, Gunn ha ora detto: “Dovremo vedere
cosa faremo con Batman e [capirlo]. Ovviamente conosciamo alcune
nozioni di base su dove sta andando Batman, ma stiamo anche
cercando di capire alcune cose, quindi tutto è fluido”.
Sebbene il regista sia stato incredibilmente impegnato con
Creature Commandos, Superman e la stagione 2
di Peacemaker, essere a tre anni dall’inizio
della DCU senza che The Brave and the
Bold abbia una sceneggiatura finita inizia a farsi
sentire.
Quando il film è stato annunciato,
l’intenzione era quella di adattare la serie Batman di
Grant Morrison, in cui Bruce Wayne scopre di avere
un figlio, Damian, che cerca di addestrare come suo nuovo Robin. Il
ritardo è stato dovuto anche all’impegno di Muschietti con la
serie IT:
Welcome to Derry, ma ora che il progettò è in dirittura
d’arrivo, la speranza è che il regista possa concentrarsi sul film
DC e che lo studio possa definire come introdurre a tutti gli
effetti il personaggio nel DC Universe.
Tutto quello che sappiamo su
The Brave and the Bold
Parlando l’anno scorso dei piani dei
DC Studios per
The Brave and the Bold, James Gunn ha detto: “Questa è
l’introduzione del Batman del DCU. È la storia di
Damian Wayne, il vero figlio di Batman, di cui non conoscevamo
l’esistenza per i primi otto-dieci anni della sua vita. È stato
cresciuto come un piccolo assassino e assassina. È un piccolo
figlio di puttana. È il mio Robin preferito“. “È basato
sulla run di Grant Morrison, che è una delle mie run preferite di
Batman, e la stiamo mettendo insieme proprio in questi
giorni“.
Il co-CEO dei DC Studios, Peter
Safran, ha aggiunto: “Ovviamente si tratta di un lungometraggio
che vedrà la presenza di altri membri della ‘Bat-famiglia’
allargata, proprio perché riteniamo che siano stati lasciati fuori
dalle storie di Batman al cinema per troppo tempo“. Alla
sceneggiatura, oltre a Muschietti, dovrebbe esserci anche
Rodo Sayagues, noto per aver firmato le
sceneggiature di
La casa,
Man in the Dark e Alien:
Romulus.
È stato pubblicato il primo trailer
di Is
This Thing On?, il nuovo film del regista Bradley Cooper su un comico stand-up. Oggi
Searchlight Pictures ha pubblicato il primo teaser trailer
ufficiale. La commedia drammatica di Bradley Cooper sarà poi presentata in
anteprima mondiale al New York Film Festival, dove
sarà il film di chiusura il 10 ottobre all’Alice Tully Hall del
Lincoln Center.
Ispirato alla vita del comico
britannico John Bishop, il film racconta la storia
della separazione di una coppia sposata, interpretata da
Will Arnett e Laura Dern, che sta crescendo due figli. Il
marito, Alex, decide di dare una svolta radicale alla sua carriera
per diventare un comico professionista nel West Village di New York
City.
Searchlight
Pictures si occupa della distribuzione del film, che
arriverà nelle sale statunitensi dal 19 dicembre. Idealmente, nello
stesso periodo arriverà anche nei cinema italiani. Sappiamo però
che Andra Day, Christine
Ebersole, Ciarán Hinds, Sean
Hayes, Peyton Manning e Amy
Sedaris completano il cast del film.
Is
This Thing On? è il terzo film diretto da Cooper,
dopo il biopic Maestro del 2023 e il suo debutto A Star Is Born del 2018. “Questo film non parla
della crisi di mezza età, ma della catarsi di mezza età”, ha
dichiarato Cooper a Vanity Fair. “A volte ti rendi conto che
stai andando alla deriva e che hai perso il timone e la tua stella
polare nella vita, e questo ha un impatto negativo su chiunque ti
circondi”.
Sebbene non fossero stati inclusi
nel primo annuncio del cast, sia Chris Evans che Hayley Atwell dovrebbero riprendere i
rispettivi ruoli di Steve Rogers e Peggy
Carter in Avengers:
Doomsday, e lo scooper Daniel Richtman riferisce ora che
avrebbero già iniziato a girare le loro scene. Le possibilità di
intravedere gli attori nelle foto dal set sembrano scarse, dato che
non si è più girato in esterni da quando quelle prime immagini
della X-Mansion e di un Sentinel abbattuto sono finite online a
maggio.
Sebbene i dettagli della trama siano
ancora segreti, si vocifera che il Dottor Destino (Robert
Downey Jr.) prenderà di mira Rogers per il suo ruolo
nel causare le incursioni multiversali quando è tornato al passato
in Avengers: Endgame per vivere la sua vita con
Peggy. La teoria prevalente è che queste incursioni abbiano in
qualche modo portato a una perdita devastante per Victor Von Doom,
che ora è deciso a vendicarsi.
Dal canto suo, Evans ha recentemente
affermato di essere “felicemente in pensione” per quanto riguarda
il Marvel Cinematic Universe e di non
avere alcuna intenzione di riprendere il suo ruolo più famoso.
Durante un’intervista con Screen Rant, l’attore ha ribadito con
fermezza che non tornerà, pur ammettendo di essere “triste non
essere di nuovo con la banda, ma sono sicuro che stanno facendo
qualcosa di incredibile, e sono sicuro che sarà ancora più
difficile quando uscirà e ti sentirai come se non fossi stato
invitato alla festa”.
Prima dell’uscita di Avengers: Infinity War, c’erano molte speculazioni sul
fatto che Rogers avrebbe abbandonato il personaggio di Capitan
America per vestire i panni di Nomad, e anche se alla fine ha
abbracciato lo spirito del vigilante errante nel film, non ha mai
assunto ufficialmente quel ruolo. È però stato suggerito che Rogers
assumerà il ruolo di Nomad in Avengers:
Doomsday… forse dopo la morte di Peggy per mano di
Doom? Ovviamente sarebbe una svolta piuttosto cupa per la storia,
ma darebbe alla versione più giovane di Rogers una scusa per
riprendere lo scudo e creare un conflitto con il villain.
Netflix ha diffuso il primo trailer del
film La donna della cabina numero 10, tratto
dall’omonimo romanzo di Ruth Ware. Il film,
diretto da Simon Stone, che ha co-sceneggiato
il film con Joe Shrapnel e Anna
Waterhouse, ha per protagonisti Keira
Knightleye Guy
Pearce.
La sinossi recita: “Mentre si
trova a bordo di uno yacht di lusso per un incarico di lavoro, la
giornalista Laura “Lo” Blacklock (Keira
Knightley) assiste al momento in cui una passeggera è gettata
in mare a tarda notte, solo per sentirsi dire che non è successo,
poiché tutti i passeggeri e l’equipaggio sono presenti. Nonostante
nessuno le creda, continua a cercare risposte, mettendo in pericolo
la sua stessa vita”.
Riguardo all’adattamento del suo
libro, Ware ha dichiarato: “In sostanza, il film parla di una
donna che vive un’esperienza negativa, la denuncia in modo
veritiero e non viene presa sul serio a causa di chi è. Troppe
persone sanno come ci si sente e penso che desideriamo vendicarci
tanto quanto Lo”.
Sebbene sia ancora famosa per la sua
interpretazione nella serie di successo Pirati dei
Caraibi, Knightley ha recitato in diversi film storici
acclamati dalla critica e ha ottenuto nomination agli Oscar per le
sue interpretazioni in Orgoglio e pregiudizio e The
Imitation Game. Guy Pearce è invece stato nominato lo
scorso anno come miglior attore non protagonista per la sua
interpretazione in The Brutalist.
Accanto a Knightley e Pearce
recitano Gugu Mbatha-Raw, Kaya
Scodelario, David Ajala, Art
Malik, David Morrissey, Daniel
Ings e Hannah Waddingham. La
donna della cabina numero 10 sarà disponibile su Netflix
dal 10 ottobre.
Cosa aspettarsi da La donna
della cabina numero 10
Di recente, la serie thriller
Black Doves, con protagonista anche Knightley, ha
riscosso un enorme successo su Netflix. Alla luce
di ciò, la piattaforma di streaming sembra avere in serbo un altro
progetto di successo con la star. A questo si aggiungono diversi
altri attori promettenti che hanno recentemente ottenuto un grande
successo e che appaiono anche in La donna della cabina
numero 10, riuniti per un thriller avvincente e un horror
tratto dalla vita reale.
Il trailer dipinge un quadro
terrificante di Lo completamente sicura di sé – lei sa cosa ha
visto – e dell’estrema manipolazione psicologica che ha luogo per
permettere alla crociera di continuare normalmente. Come spiega
l’autore, è una storia estremamente attuale, e la precedente
collaborazione di successo di Netflix con la Knightley in questo
genere dovrebbe contribuire ad attirare maggiore attenzione.
Olivia Colman è una
delle attrici britanniche che negli ultimi anni ha avuto una
notevole popolarità. Unica e fuori dagli schemi, si è fatta
conoscere per aver partecipato a diverse serie tv, come The Night Manager e Broadchurch, ma anche
grazie a diversi film come
La favorita,A
Royal Weekend e Assassinio sull’Orient Express. Le sue doti recitative
sono pazzesche e nonostante la sua ascesa continui da diversi anni,
la Colman è sempre rimasta una persona umile, conscia del proprio
lavoro, delle proprie responsabili nell’interpretare personaggi di
rilievo, riuscendo a farsi amare dal pubblico di tutto il
mondo.
2. È nota per alcune serie
TV. L’attrice è però nota anche per il suo ruolo in
televisione. Ha iniziato recitando in serie come Peep
Show (2003), Green Wing (2004-2006)
e Doctor Who (2010) ed ha poi trovato notorietà
grazie a The Night
Manager (2016), Fleabag (2016-2019), Broadchurch (2013-2017), I
miserabili (2018-2019) e The
Crown(2019-2023). In seguito ha recitato
in Landscapers – Un crimine quasi
perfetto (2021), Heartstopper (2022-2025), Grandi
speranze (2023), Secret
Invasion(2023) e The
Bear (2023-2024).
Olivia Colman è una premio Oscar
3. Ha vinto l’ambito
premio. Olivia Colman ha vinto il premio Oscar come
miglior attrice protagonista alla sua prima nomination per il ruolo
di regina Anna in La
favorita (2018). La vittoria ha rappresentato un trionfo
straordinario, considerando la concorrenza composta da attrici del
calibro di Glenn Close (The Wife), Lady Gaga (A Star Is Born), Melissa McCarthy (Copia
originale) e Yalitza Aparicio
(Roma). Colman è poi stata
candidata anche nel 2021 per The Father – Nulla è come sembra e nel 2022 per
La figlia oscura.
4. Ha lavorato a lungo sulla
fisicità del personaggio. In
La favorita (2018), Olivia Colman interpreta la
regina Anna d’Inghilterra, un personaggio complesso e fragile,
oscillante tra potere e vulnerabilità. Per prepararsi al ruolo,
Colman ha studiato a lungo la vita della regina e le cronache del
periodo, consultando storici e osservando dipinti e ritratti
dell’epoca per cogliere posture e gestualità autentiche. Ha inoltre
lavorato con un coach di movimento per riprodurre i piccoli tic e
le difficoltà fisiche della regina, riuscendo a rendere sullo
schermo una figura storica credibile e piena di sfumature
psicologiche.
Olivia Colman in The Crown
5. Ha interpretato un’altra
regina. Dopo
La favorita, in The
Crown (stagioni 3 e 4), Colman ha interpretato la regina
Elisabetta II, portando sullo schermo una versione più matura e
complessa della monarca britannica. La sua interpretazione è stata
ampiamente acclamata dalla critica, tanto da valergli un Emmy
Awards come miglior attrice protagonista in una serie drammatica.
Colman ha studiato attentamente gesti, postura e inflessioni vocali
della sovrana, lavorando con coach di movimento e dizione per
rendere autentico il personaggio.
Olivia Colman nella serie Marvel Secret
Invasion
6. Avrebbe voluto avere dei
superpoteri. In
Secret Invasion, Colman
interpreta Sonya Falsworth, un’agente di alto rango dell’MI6, amica
di Nick Fury (Samuel
L. Jackson).
Il personaggio si distingue per il suo approccio pragmatico e
talvolta spietato nella lotta contro gli Skrull, specie quelli
guidati da Gravik.
Colman ha dichiarato di essere rimasta delusa dal fatto di non
avere poteri sovrumani, ma ha apprezzato l’opportunità di
interpretare una figura di potere nel contesto del Marvel Cinematic
Universe.
Olivia Colman in Wonka
7. Si è trasformata per il
ruolo. In Wonka (2023), Colman interpreta
Mrs. Scrubbit, una locandiera astuta e manipolatrice che mette alla
prova il giovane Willy Wonka. Per rendere il personaggio più
realistico, Colman ha subito una significativa trasformazione
fisica, indossando costumi voluminosi, denti ingialliti e una
parrucca color tabacco. Ha raccontato di essersi divertita a
interpretare una “cattiva”, esplorando tratti insoliti e sopra le
righe che normalmente non mostrerebbe. La sua performance ha così
unito umorismo e follia.
8. Ha studiato come
chef.
In I Roses (qui
la recensione), Colman interpreta Ivy Rose, una chef di
successo la cui carriera decolla mentre quella del marito Theo
(Benedict Cumberbatch) crolla, scatenando un conflitto
matrimoniale.
Colman ha dichiarato di aver trovato stimolante interpretare un
personaggio che evolve da donna di successo a figura più complessa
e vulnerabile.
Per prepararsi al ruolo, ha studiato il comportamento di chef reali
e ha partecipato a sessioni di cucina per rendere la sua
interpretazione più autentica. Aveva comunque già avuto modo di
farlo per la serie The
Bear.
Il marito e i figli di Olivia Colman
9. È sposata con uno
sceneggiatore e produttore. Olivia
Colman è sposata con Ed Sinclair, sceneggiatore e
produttore britannico, dal 2001.
La coppia si è incontrata durante gli anni universitari a
Cambridge, dove entrambi erano coinvolti nel teatro.
Hanno tre figli: due maschi, Finn e
Hal, e una figlia di cui non hanno mai rivelato il
nome.
Nonostante la fama internazionale di Olivia, la famiglia vive
lontano dai riflettori, a sud di Londra, e mantiene una vita
privata molto riservata.
Colman ha dichiarato che il segreto del loro matrimonio duraturo è
la loro amicizia e la capacità di ridere insieme
L’età e l’altezza di Olivia Colman
10. Olivia Colman è nata il
30 gennaio 1974 a Norwich, Regno Unito. L’attrice è alta
complessivamente
I Puffi – Il film: il
reboot firmato Miller
