Home Blog Pagina 18

Priscilla, la storia vera: quanto è accurata e cosa cambia il film di Sofia Coppola

Cosa c’è di vero e cosa c’è di falso nel film Priscilla (qui la recensione) di Sofia Coppola? Il film, interpretato da Cailee Spaeny (Priscilla) e Jacob Elordi (Elvis Presley), è ispirato al libro del 1985 “Elvis and Me”, che al momento della sua uscita è diventato un bestseller del New York Times. Tutti conoscevano Elvis come leggenda, ma la sua ex moglie Priscilla voleva rivelare Elvis come uomo. Questo racconto avvincente, dal loro incontro nel 1959 fino alla sua improvvisa morte nel 1977, svela la realtà (spesso cruda) dell’essere sposata con il Re del Rock and Roll.

Tuttavia, anche nei ricordi più bui, Priscilla mantiene un profondo amore per il marito, eccezionalmente complicato e spesso selvaggiamente imprevedibile. “Quando ho letto la storia di Priscilla, sono rimasta molto colpita da quanto fosse insolito l’ambiente in cui viveva, ma lei affronta tutte le cose che tutte le ragazze affrontano crescendo e diventando donne”, ha detto Coppola al Festival del Cinema di Venezia. “Parla con dettagli e franchezza della sua esperienza, del suo primo bacio, del diventare madre, di tutti quei momenti della vita in cui mi riconosco e che ritengo universali”.

Ma in questo contesto molto insolito che siamo così curiosi di conoscere. Elvis e Priscilla erano una coppia leggendaria, ma non sappiamo molto di lei e del suo punto di vista“. Durante le riprese, Coppola ha rivelato di essere stata in contatto con la vera Priscilla, così come Spaeny, che ha lavorato con l’autrice per ricreare la sua vita nel modo più accurato possibile. ”Coppola ha fatto i compiti“, ha poi detto la donna, soddisfatta del risultato. Ma cosa ha preso direttamente dal libro la regista e cosa ha modificato per la sua sceneggiatura?

Jacob Elordi Elvis Presley Priscilla
Jacob Elordi e Cailee Spaeny in una scena di Priscilla

Le differenze tra il film Priscilla e la storia vera

Priscilla ha dormito per due giorni dopo che Elvis le ha dato un sonnifero.

Priscilla è realmente caduta in uno stato di incoscienza dopo che Elvis le ha dato due pillole da 500 mg di Placidyl durante una visita a Graceland. La cosa più spaventosa è che la giovane ha preso queste pillole proprio prima di fare il bagno, ma è riuscita ad arrivare in camera da letto prima che il farmaco facessero pienamente effetto. Come descritto nel film, Elvis aveva a disposizione una scorta costante di stimolanti e sedativi. Ben presto anche Priscilla avrebbe iniziato la sua personale cura a base di pillole. Dopo una lotta con i cuscini particolarmente violenta (che ha portato Priscilla a indossare una benda sull’occhio), ha smesso gradualmente di assumere tutte le pillole e alla fine ha smesso del tutto.

Nonostante la decisione di lei di abbandonare l’abitudine, Elvis aveva una “forte obiezione” a smettere. Spesso teneva un dizionario medico sul comodino per tenersi aggiornato sulle ultime innovazioni e sulle pillole approvate dalla FDA. “Si sarebbe detto che avesse una laurea in farmacologia”, ha scritto Priscilla. “Mi assicurava sempre che non aveva bisogno di pillole, che non avrebbe mai potuto diventarne dipendente. Questa divergenza di opinioni ha portato a molti scontri seri; ho sempre compromesso la mia integrità e ho finito per accettare il suo punto di vista”.

Elvis proibiva a Priscilla di indossare certi colori

Gli piacevo in rosso, blu, turchese, verde smeraldo e bianco e nero, gli stessi colori che indossava lui”, ha scritto Priscilla. Elvis aveva anche un’avversione per il marrone e il verde, perché gli ricordavano il periodo trascorso nell’esercito. Al Re lei piaceva anche con un trucco pesante sugli occhi e i capelli tinti di nero. Il suo stile non era l’unica cosa: Elvis era altrettanto “fanatico” riguardo alla postura. Priscilla doveva stare seduta con la schiena dritta o veniva corretta in tempo reale. Inoltre, ogni volta che alzava lo sguardo, lui le toccava la fronte e le lisciava le rughe, dicendole che doveva alzare lo sguardo con il collo per evitare le pieghe.

Elvis lanciò una sedia a Priscilla

Elvis aveva un carattere instabile. Il suo team e Priscilla erano spesso soggetti ai capricci della sua rabbia, anche quando chiedeva la loro opinione. Come nel film, Elvis una volta lanciò una sedia alla sua allora fidanzata dopo averle chiesto cosa ne pensasse di un disco. Nei suoi scritti, Priscilla lamentava che la loro relazione dipendeva dall’andamento della carriera di lui. Elvis spesso minacciava o pretendeva che Priscilla facesse le valigie e se ne andasse, arrivando persino a chiedere la separazione quando Priscilla era al terzo trimestre di gravidanza di Lisa Marie. “Quando era arrabbiato, era come il rombo di un tuono”, ha scritto Priscilla. “Nessuno poteva sfidare le sue parole taglienti; potevamo solo aspettare che la tempesta passasse”

Cailee Spaeny e Jacob Elordi in Priscilla

Priscilla ed Elvis fecero un trip con l’LSD insieme

Alla ricerca di uno “stato di coscienza superiore”, Elvis si rivolse all’LSD. A differenza di quanto mostrato nel film, però, i due fecero il loro primo (e ultimo) trip con tre amici in una sala conferenze a Graceland. Priscilla descrisse l’esperienza, alimentata dall’arcobaleno, come “straordinaria”, ma non la ripeté mai più perché era troppo pericolosa. Anche nel riportare questa breve parentesi, dunque, il film di Sofia Coppola si dimostra particolarmente attento a rispettare ciò che è accaduto tra Elvis e Priscilla.

Elvis bruciò tutti i suoi libri di “alta cultura”

Elvis lesse le opere di Kahlil Gibran, tra cui “Il profeta”, ‘Siddhartha’ di Hermann Hesse e “La vita impersonale” di Joseph Benner. Spesso distribuiva copie di questi libri (e molti altri) ad amici e colleghi sui set cinematografici. Con l’avanzare dell’età, lo studio della filosofia e il tentativo di decifrare il significato della vita iniziarono a occupare gran parte delle giornate della star. In realtà, per Elvis non era solo importante essere appassionato di questi studi, ma voleva che anche tutti quelli che lo circondavano leggessero queste opere, ma Priscilla non era molto entusiasta di questa sua passione.

Il cantante cercava poi spesso di creare momenti trascendentali nella vita reale. “Elvis and Me” racconta di quando Elvis vagò in un campo da golf di Bel Air, mentre gli irrigatori erano in funzione, alla ricerca di angeli, e di un’altra visita improvvisata all’obitorio locale dopo aver visto il film horror “Diabolique”. Alla fine, il manager di lunga data di Elvis, il colonnello Tom Parker, chiese di porre fine all’esplorazione delle “filosofie esoteriche”. Elvis e Priscilla raccolsero e bruciarono insieme la sua collezione di libri di filosofia nel cuore della notte, come segno di voler lasciarsi tutto alle spalle.

Il cane di Priscilla era un regalo di Elvis al suo arrivo a Graceland

Qui è invece dove il film presenta un elemento di originalità rispetto alla storia vera. Honey era un regalo di Elvis, è vero, ma tecnicamente questo regalo arrivò durante una visita natalizia, molto prima che lei ed Elvis avessero convinto i suoi genitori a lasciarla trasferire a Memphis. Come nel film, però, Priscilla fu accusata da un membro dell’entourage di Elvis di “mettersi in mostra” semplicemente perché stava giocando con Honey troppo vicino ai cancelli di Graceland.

Cailee Spaeny in Priscilla
Cailee Spaeny in Priscilla

Priscilla indossava ciglia finte durante il parto

Anche questo è un elemento tanto bizzarro quanto vero. Proprio come nel film di Coppola, Priscilla si truccò completamente prima di andare in ospedale per dare alla luce la loro figlia Lisa Marie. Nelle sue memorie, ammette di aver dovuto convincere i medici a lasciarle tenere le sue doppie ciglia finte (il suo look distintivo).

Elvis proibì a Priscilla di lavorare

In “Elvis and Me”, Priscilla racconta di aver trovato lavoro come modella in un salone locale, ma quando Elvis venne a sapere della sua decisione, le chiese di licenziarsi. Il suo compagno non era affatto entusiasta delle “ragazze in carriera”, come lui le definiva, e ribadì il suo ideale secondo cui il lavoro di Priscilla era quello di renderlo felice, anche quando lui non era presente. Dio non volesse che lui la chiamasse a caso una sera e lei non fosse in grado di rispondere immediatamente al telefono. Alla fine, Priscilla avrebbe aperto una boutique tutta sua a Beverly Hills chiamata Bis & Beau, anni dopo la loro separazione e la morte di lui. L’autrice avrebbe anche ottenuto diversi ingaggi come conduttrice televisiva.

La vita di Priscilla Presley dopo Elvis

Priscilla ed Elvis mantennero un forte legame anche molto tempo dopo la fine del loro matrimonio. Uno degli ex partner di Priscilla ricorda che Elvis la chiamava a tutte le ore del giorno e della notte. Dopo Elvis, Priscilla ebbe numerose relazioni sentimentali di alto profilo. Dopo la separazione da Mike Stone, Priscilla ebbe relazioni con Rob Kardashian, Julio Iglesias, il modello Michael Edwards e il produttore cinematografico Marco Garibaldi. La relazione di Priscilla con Garibaldi è durata dal 1984 al 2006 e ha dato alla luce un figlio, Navarone. Tragicamente, Lisa Marie Presley è morta all’inizio del 2023 e il nipote di Priscilla, Benjamin Keough, è morto nel 2020. Tuttavia, Priscilla ha ancora tre nipoti da Lisa Marie, tra cui l’attrice Riley Keough.

Negli anni ’80, ha iniziato a intraprendere la carriera di attrice. Dopo aver recitato in un film per la TV, Love is Forever, e in un episodio della serie TV The Fall Guy, ha ottenuto un grande successo con un ruolo importante nella soap opera Dallas, in cui ha interpretato Jenna Wade per sei anni e 143 episodi. La Presley ha continuato a recitare fino agli anni ’90, interpretando in particolare il ruolo della romantica Jane Spencer in tutti e tre i film della serie Una pallottola spuntata, prima di abbandonare la recitazione nel 1999. Tuttavia, recentemente ha co-creato la serie animata Netflix Agent Elvis, in cui doppia se stessa.

Priscilla Presley è poi rimasta coinvolta e in buoni rapporti con i recenti progetti di alto profilo che trattano della sua relazione con Elvis. Nel caso del film Elvis del 2022 con Austin Butler, Priscilla ha dato il suo benestare al film e ha persino sfilato sul tappeto rosso del Met Gala insieme al cast del film. È poi stata fortemente coinvolta nel film Priscilla, tratto appunto dal suo libro di memorie del 1985 Elvis and Me e che la vede come produttrice esecutiva. Il film ha però ricevuto critiche da parte dell’eredità di Elvis, con cui l’ex moglie di Presley è attualmente coinvolta in una battaglia legale sul testamento di Lisa Marie.

LEGGI ANCHE: Elvis, la storia vera: quanto è accurata e cosa cambia il film con Austin Butler

Jude Law è Vladimir Putin nelle nuove foto di The Wizard of the Kremlin

0

Nuove foto dal film The Wizard of the Kremlin rivelano la trasformazione di Jude Law nel presidente russo Vladimir Putin. Il film è il debutto in lingua inglese del regista francese Olivier Assayas e racconterà l’ascesa di Putin sulla scia della dissoluzione dell’Unione Sovietica. Accanto a Law, il film vedrà la partecipazione di Paul Dano nel ruolo di Vadim Baranov, una versione romanzata di Vladislav Sourkov, soprannominato “l’uomo che ha creato Vladimir Putin”, oltre ad Alicia Vikander e Jeffrey Wright.

Oltre a un’intervista con Assayas, Variety ha rivelato una nuova immagine di The Wizard of the Kremlin che mostra Law quasi irriconoscibile nei panni di un Putin, con Baranov interpretato da Dano al suo fianco. Come si vede chiaramente nella foto, Jude Law sembra ha dato il massimo nella sua interpretazione di Vladimir Putin. Particolarmente degni di nota sono la postura rigida, il comportamento austero e la stempiatura che sono i tratti distintivi del leader russo. Anche se Dano interpreta un personaggio romanzato basato su Vladislav Sourkov, è a sua volta simile al suo modello reale.

Jude Law e Paul Dano in The Wizard of the Kremlin
Jude Law e Paul Dano in The Wizard of the Kremlin. Foto di Carole Bethuel

Sebbene la trasformazione non sia così drammatica come quella di Gary Oldman in Winston Churchill per L’ora più buia del 2017, l’interpretazione di Jude Law è un segno della dedizione di Assayas alla precisione. Il regista ha parlato più approfonditamente dell’argomento con Variety, spiegando: “Quando si lavora a un progetto come questo, bisogna fare il lavoro di un giornalista o di uno storico. Non siamo scesi a compromessi sulla veridicità e l’accuratezza perché il film è stato revisionato e convalidato da storici che conoscono molto meglio di me i dettagli di quel periodo”.

Ogni giorno, mentre scrivevamo e preparavamo il film, avevamo mille domande pratiche da porre loro. Uno degli aspetti molto positivi del girare il film in Lettonia è stato quello di poter accedere a conoscenze di prima mano sulla storia, sui personaggi e così via, quindi nulla è stato lasciato al caso“, ha spiegato il regista. “In Lettonia ci sono parecchi rifugiati russi, il che ci ha permesso di avere attori con accento russo e io ho potuto completare le mie ricerche, convalidare la ricostruzione storica, ecc. grazie ai resoconti di prima mano di giornalisti politici e russi emigrati”.

Anche i nostri produttori esecutivi locali in Lettonia avevano un talk show politico. Quindi hanno incontrato Boris Berezovsky e la maggior parte delle figure chiave della politica russa dell’epoca. Ogni volta che avevo una domanda, un dubbio o una richiesta, ovviamente chiamavo prima Giuliano per chiedergli di convalidare una particolare opzione. Perché, ancora una volta, questo è molto simile al modo in cui ho lavorato quando ho realizzato “Carlos”. Vale a dire, credo che quando si ha a che fare con la politica, e in particolare con la politica contemporanea, sia essenziale essere estremamente precisi sui fatti, anche se ci sono modi per raccontare una storia in modo più umano”, ha concluso il regista.

Spider-Man: Brand New Day, nuovi rumor sul ruolo di Punisher, sul numero dei cattivi e altro ancora

0

Sebbene non sia stata diffusa nessuna altra foto dal set da quando la produzione si è trasferita a Londra, sembra che le riprese di Spider-Man: Brand New Day siano ufficialmente riprese nella capitale britannica. Secondo Daniel Richtman, Tom Holland ha preso una pausa dalle riprese mentre la sua controfigura gira una sequenza d’azione che vede l’Uomo Ragno affrontare “Scorpion e altri cattivi”.

Resta da vedere chi siano esattamente questi altri cattivi (si vocifera che personaggi come Tombstone e Tarantula facciano parte del montaggio iniziale), ma lo scooper ribadisce che il film vedrà la presenza di “più cattivi, in modo simile a No Way Home”. Per quanto riguarda The Punisher, Richtman ha sentito dire che, tra gli altri eroi coinvolti, Frank Castle interpretato da Jon Bernthal avrà il ruolo più importante nel film, dopo Spider-Man, ovviamente.

Apparirà anche Bruce Banner/Hulk interpretato da Mark Ruffalo, e – come già riportato – si vocifera anche della presenza di Yelena Belova interpretata da Florence Pugh. Per quanto riguarda il rapporto tra Spider-Man e Castle, sarà controverso, per non dire altro. Anche se si prevede che i due finiranno per allearsi a malincuore nel corso del film, è stato riportato che per la maggior parte della pellicola i due non si piaceranno affatto.

LEGGI ANCHE:

Quello che sappiamo su Spider-Man: Brand New Day

Ad oggi, una sinossi generica di Spider-Man: Brand New Day è emersa all’inizio di quest’anno, anche se non è chiaro quanto sia accurata.

Dopo gli eventi di Doomsday, Peter Parker è determinato a condurre una vita normale e a concentrarsi sul college, allontanandosi dalle sue responsabilità di Spider-Man. Tuttavia, la pace è di breve durata quando emerge una nuova minaccia mortale, che mette in pericolo i suoi amici e costringe Peter a riconsiderare la sua promessa. Con la posta in gioco più alta che mai, Peter torna a malincuore alla sua identità di Spider-Man e si ritrova a dover collaborare con un improbabile alleato per proteggere coloro che ama.

L’improbabile alleato potrebbe dunque essere il The Punisher di Jon Bernthal recentemente annunciato come parte del film – in una situazione già vista in precedenti film Marvel dove gli eroi si vedono inizialmente come antagonisti l’uno dell’altro salvo poi allearsi contro la vera minaccia di turno.

Di certo c’è che il film condivide il titolo con un’epoca narrativa controversa, che ha visto la Marvel Comics dare all’arrampicamuri un nuovo inizio, ponendo però fine al suo matrimonio con Mary Jane Watson e rendendo di nuovo segreta la sua identità. In quel periodo ha dovuto affrontare molti nuovi sinistri nemici ed era circondato da un cast di supporto rinnovato, tra cui un resuscitato Harry Osborn.

Il film è stato recentemente posticipato di una settimana dal 24 luglio 2026 al 31 luglio 2026. Destin Daniel Cretton, regista di Shang-Chi e la Leggenda dei Dieci Anelli, dirigerà il film da una sceneggiatura di Chris McKenna ed Erik Sommers. Tom Holland guida un cast che include anche Zendaya, Mark Ruffalo, Sadie Sink e Liza Colón-Zayas e Jon Bernthal. Michael Mando è stato confermato mentre per ora è solo un rumors il coinvolgimento di Charlie Cox.

Spider-Man: Brand New Day uscirà nelle sale il 31 luglio 2026.

Harry Potter: Matt Smith risponde alle voci sul suo casting come Voldemort

0

La prossima serie TV di Harry Potter è attualmente in fase di riprese nel Regno Unito e la produzione dovrebbe continuare fino alla prossima primavera. Intanto, grazie a Wizarding World Direct, sembra ci siano alcuni nuovi dettagli su questa ultima versione dei romanzi best-seller di J.K. Rowling. Con maggior tempo a disposizione di un film di due ore, si dice che la prima stagione esplorerà anche l’origine della Pietra Filosofale e il motivo per cui è stata trasferita da Gringott a Hogwarts. Si prevede anche una maggiore attenzione alle creature e agli oggetti magici.

Le scene all’interno del Leaky Cauldron saranno girate il mese prossimo e, secondo quanto riferito, Dedalus Diggle apparirà lì per la sua unica scena in questa stagione. Lee Jordan, Dean Thomas e Oliver Wood sono inoltre stati scritturati e presto dovrebbero arrivare notizie su chi li interpreterà. Il mistero più grande, al momento, è chi interpreterà Lord Voldemort. In precedenza era stato riferito che HBO intende mantenere segreto il casting di Voldemort fino alla premiere della prima stagione di Harry Potter.

Matt Smith, protagonista di House of the Dragon e attualmente al cinema con Una scomoda circostanza, è il favorito dai fan per il ruolo, ma ha negato il suo coinvolgimento in una nuova intervista con TODAY. “Qualcuno potrà interpretarlo dopo Ralph [Fiennes]? È stato così bravo”, ha detto Smith. “Ipoteticamente, chi lo sa? Ma seguire le orme del grande Ralph Fiennes è un compito molto difficile per chiunque, quindi buona fortuna a chiunque sarà e di certo non sarò io“.

Nella prima stagione, probabilmente vedremo Voldemort in un flashback della notte in cui i genitori di Harry sono stati uccisi e come volto sul retro della testa del professor Raptor. Tuttavia, sarà solo nella quarta stagione, un adattamento de Il calice di fuoco, che entrerà pienamente in scena. Chi lo interpreterà nella prima stagione potrebbe non essere la stessa persona ad interpretarlo nella quarta, per cui il mistero intorno al ruolo potrebbe durare ancora a lungo.

Cosa sappiamo della serie HBO su Harry Potter

La prima stagione sarà tratta dal romanzo La pietra filosofale e abbiamo già visto alcuni altri momenti chiave del romanzo d’esordio di J.K. Rowling essere trasposti sullo schermo. La prima stagione di Harry Potter dovrebbe essere girata fino alla primavera del 2026, mentre la seconda stagione entrerà in produzione pochi mesi dopo. Ogni libro dovrebbe costituire una singola stagione, il che significa che avremo sette stagioni nell’arco di quasi un decennio.

HBO descrive la serie come un “adattamento fedele” della serie di libri della Rowling. “Esplorando ogni angolo del mondo magico, ogni stagione porterà ‘Harry Potter’ e le sue incredibili avventure a un pubblico nuovo ed esistente”, secondo la descrizione ufficiale. Le riprese dovrebbero avere inizio nel corso dell’estate 2025, per una messa in onda prevista per il 2026.

La serie è scritta e prodotta da Francesca Gardiner, che ricopre anche il ruolo di showrunner. Mark Mylod sarà il produttore esecutivo e dirigerà diversi episodi della serie per HBO in collaborazione con Brontë Film and TV e Warner Bros. Television. La serie è prodotta da Rowling, Neil Blair e Ruth Kenley-Letts di Brontë Film and TV, e David Heyman di Heyday Films.

Come già annunciato, Dominic McLaughlin interpreterà Harry, Arabella Stanton sarà Hermione e Alastair Stout sarà Ron. Il cast principale include John Lithgow nel ruolo di Albus Silente, Janet McTeer nel ruolo di Minerva McGranitt, Paapa Essiedu nel ruolo di Severus Piton, Nick Frost nel ruolo di Rubeus Hagrid, Katherine Parkinson nel ruolo di Molly Weasley, Lox Pratt nel ruolo di Draco Malfoy, Johnny Flynn nel ruolo di Lucius Malfoy, Leo Earley nel ruolo di Seamus Finnigan, Alessia Leoni nel ruolo di Parvati Patil, Sienna Moosah nel ruolo di Lavender Brown, Bertie Carvel nel ruolo di Cornelius Fudge, Bel Powley nel ruolo di Petunia Dursley e Daniel Rigby nel ruolo di Vernon Dursley.

Si avranno poi Rory Wilmot nel ruolo di Neville Paciock, Amos Kitson nel ruolo di Dudley Dursley, Louise Brealey nel ruolo di Madama Rolanda Hooch e Anton Lesser nel ruolo di Garrick Ollivander. Ci sono poi i fratelli di Ron: Tristan Harland interpreterà Fred Weasley, Gabriel Harland George Weasley, Ruari Spooner Percy Weasley e Gracie Cochrane Ginny Weasley.

La serie debutterà nel 2027 su HBO e HBO Max (ove disponibile) ed è guidata dalla showrunner e sceneggiatrice Francesca Gardiner (“Queste oscure materie”, “Killing Eve”) e dal regista Mark Mylod (“Succession”). Gardiner e Mylod sono produttori esecutivi insieme all’autrice della serie J.K. Rowling, Neil Blair e Ruth Kenley-Letts di Brontë Film and TV, e David Heyman di Heyday Films. La serie di “Harry Potter” è prodotta da HBO in collaborazione con Brontë Film and TV e Warner Bros. Television.

The Carpenter’s Son: il teaser trailer del nuovo film con Nicolas Cage

0

Nicolas Cage torna al genere horror con il teaser trailer di The Carpenter’s Son, in uscita nell’autunno 2025. Cage ha recitato in innumerevoli film di vari generi, ma forse il più rilevante per questo prossimo progetto è Longlegs del 2024, dato che l’attore ha fatto scalpore lo scorso anno interpretando il killer in questo horror psicologico.

The Carpenter’s Son, diretto da Lofty Nathan, sarà un horror biblico che reinterpreta l’infanzia di Gesù, seguendo una famiglia nell’Egitto romano. Ispirato al Vangelo apocrifo dell’infanzia di Tommaso, il film descrive un figlio conosciuto come “Il Ragazzo” (Noah Jupe) che dubita del suo tutore, conosciuto come “Il Falegname” (Cage). Il Ragazzo ha un potere proprio e si ribella al Falegname, scatenando altri orrori.

Il film vede anche la partecipazione di FKA twigs nel ruolo di “Madre” e non ha ancora una data di uscita definitiva, ma Magnolia Pictures annuncia che arriverà nelle sale “nell’autunno del 2025 d.C.”. Il breve teaser, della durata di meno di 30 secondi, mostra Il Falegname che guarda il sole che sorge e sembra osservare Il Ragazzo da lontano, il tutto alternato ad immagini di donne in preda al dolore e altri elementi inquietanti.

 

Dopo Longlegs, sarà dunque emozionante vedere l’attore interpretare un altro ruolo horror, soprattutto uno apparentemente multidimensionale e misterioso come questo. Il marketing iniziale mantiene segreta la maggior parte della trama, rendendo la natura di tutti i personaggi della storia estremamente enigmatica.

Pur essendo inquietante e suscitando molte domande, il breve teaser dimostra chiaramente che il conflitto e il tema centrale di The Carpenter’s Son è quello tra le figure del padre e del figlio, poiché il personaggio di Cage sembra cercare di sorvegliare la famiglia, senza però comprendere il potere che attanaglia il Ragazzo.

The Brave and the Bold: James Gunn risponde alla possibilità di Chris Pratt come Batman

0

James Gunn ha parlato della possibilità che Chris Pratt interpreti Batman in The Brave and The Bold come parte dell’universo DC. Dopo il debutto di Superman interpretato da David Corenswet nel 2025, altri eroi della Justice League stanno infatti per essere reinventati per la nuova serie di supereroi di Gunn, con diversi progetti in cantiere per il Capitolo 1: “Dei e Mostri”.

Uno degli eroi che verrà riproposto dalla DC Studios è dunque proprio Batman nel film The Brave and The Bold, uno dei progetti rivelati nel gennaio 2023. Con un ruolo importante come quello di Bruce Wayne in arrivo nell’universo condiviso di Gunn, molti si chiedono chi sarà il prossimo Cavaliere Oscuro sul grande schermo. Al momento non ci sono state novità riguardo al progetto, ma le varie ipotesi di casting continuano ad essere sulla bocca di tutti.

In una nuova intervista con PelucheEn ElEstuche, a Gunn è stato ora chiesto se la sua ex star di Guardiani della Galassia si sarebbe unita alla DCU nei panni di Batman . Secondo Gunn, Pratt, che interpreta Star-Lord nel Marvel Cinematic Universe, non sarà però scelto per interpretare il Cavaliere Oscuro, ma forse per un altro ruolo DC: “Come Batman? No. Come qualcos’altro? Sì“, sono le parole del regista.

Sebbene Pratt sia una delle star più importanti di Gunn dai tempi della trilogia di Guardiani della Galassia, non sorprende che non verrà preso in considerazione per interpretare Batman nella DCU. Finora non è chiaro se il ruolo dell’eroe di Gotham City sarà assegnato a una star di prima grandezza o se si cercherà qualcuno meno conosciuto. Tuttavia, non è invece una sorpresa che Gunn stia tenendo Pratt in considerazione per un personaggio diverso nella timeline DCU, data la loro lunga storia di collaborazione.

Leggi anche:

Tutto quello che sappiamo su The Brave and the Bold

Parlando l’anno scorso dei piani dei DC Studios per The Brave and the Bold, James Gunn ha detto: “Questa è l’introduzione del Batman del DCU. È la storia di Damian Wayne, il vero figlio di Batman, di cui non conoscevamo l’esistenza per i primi otto-dieci anni della sua vita. È stato cresciuto come un piccolo assassino e assassina. È un piccolo figlio di puttana. È il mio Robin preferito“. “È basato sulla run di Grant Morrison, che è una delle mie run preferite di Batman, e la stiamo mettendo insieme proprio in questi giorni“.

Il co-CEO dei DC Studios, Peter Safran, ha aggiunto: “Ovviamente si tratta di un lungometraggio che vedrà la presenza di altri membri della ‘Bat-famiglia’ allargata, proprio perché riteniamo che siano stati lasciati fuori dalle storie di Batman al cinema per troppo tempo“. Alla sceneggiatura, oltre a Muschietti, dovrebbe esserci anche Rodo Sayagues, noto per aver firmato le sceneggiature di La casa, Man in the DarkAlien: Romulus.

Eternals: Chloé Zhao ritiene le “risorse illimitate” della Marvel “piuttosto pericolose”

0

La regista premio Oscar Chloé Zhao è tornata a riflettere sul lavoro svolto per Eternals della Marvel Studios e su come un budget elevato si sia rivelato alla fine “piuttosto pericoloso”. In una nuova intervista per promuovere Hamnet (di cui è da poco stato rilasciato un primo trailer), la regista ha spiegato come il film sui supereroi l’abbia preparata per il suo ultimo film. “Eternals mi ha preparata per Hamnet perché si tratta di world-building. Prima di allora, avevo realizzato solo film ambientati nel mondo reale”.

“Ho anche imparato cosa fare e cosa non fare, cosa è realistico e cosa non lo è”, ha detto Zhao in un’intervista a Vanity Fair. Ha continuato: “Eternals aveva a disposizione una quantità illimitata di denaro e risorse. Qui invece abbiamo solo un angolo di strada che possiamo permetterci, per [sostituire] Stratford… Eternals non aveva molte limitazioni, e questo in realtà è piuttosto pericoloso. Poiché in Hamnet abbiamo solo quell’angolo di strada, improvvisamente tutto ha un significato”.

Eternals, come noto, racconta di un gruppo di eroi immortali costretti a uscire dall’ombra per unirsi contro il più antico nemico dell’umanità, i Devianti. Sebbene non sia stato ben accolto dalla critica e dai fan della Marvel, il film è riuscito a incassare 402 milioni di dollari al botteghino mondiale nel 2021, vantando un cast corale che includeva Angelina Jolie, Salma Hayek, Gemma Chan, Richard Madden, Kumail Nanjiani, Brian Tyree Henry e Barry Keoghan, tra gli altri.

Chloé Zhao tornerà a dirigere Eternals 2?

Data la tiepida accoglienza ottenuta dal film, tuttavia, al momento non sembrano esserci piani per un sequel. Lo stesso Kevin Feige, durante un’intervista rilasciata nel luglio del 2024 aveva affermato: “Non ci sono piani immediati per Eternals 2“, prima di aggiungere. “Ci sono, e penso che abbiate visto forse in un trailer che abbiamo rilasciato di recente, un riconoscimento di alcuni di quegli eventi. Alcune cose giganti sono uscite dall’oceano“. Naturalmente, ciò a cui Feige allude è la presenza della Celeste Tiamut, che attualmente emerge dall’oceano nel MCU e che viene mostrato in Captain America: New World Order.

Venezia 82: oggi è il giorno di Bugonia di Yorgos Lanthimos

Venezia 82: oggi è il giorno di Bugonia di Yorgos Lanthimos

Tra i titoli più attesi della 82ª Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica della Biennale di Venezia c’è Bugonia, il nuovo film di Yorgos Lanthimos, in programma il 28 agosto. Dopo il successo internazionale di Povere Creature!, il regista greco torna con una satira visionaria che mescola humour nero, paranoia e riflessione politica.

La trama di Bugonia

La storia segue due giovani ossessionati dai complotti che rapiscono la potente amministratrice delegata di una grande azienda, convinti che sia in realtà un’aliena intenzionata a distruggere la Terra. Un intreccio surreale e disturbante che rispecchia la cifra stilistica di Lanthimos, da sempre interessato a raccontare l’assurdità dei rapporti di potere e le derive del comportamento umano.

Prodotto dallo stesso Lanthimos insieme a Element Pictures (Ed Guiney, Andrew Lowe), Fruit Tree (Emma Stone), Square Peg (Ari Aster e Lars Knudsen) e CJENM (Miky Lee, Jerry Kyoungboum Ko), Bugonia conferma la vocazione internazionale del progetto, con una durata di 120 minuti e girato in lingua inglese.

Nel cast spiccano Emma Stone, alla sua quinta collaborazione con il regista, affiancata da Jesse Plemons, Aidan Delbis, Stavros Halkias e Alicia Silverstone. La sceneggiatura è firmata da Will Tracy, la fotografia da Robbie Ryan, il montaggio da Yorgos Mavropsaridis e la scenografia da James Price. I costumi portano la firma di Jennifer Johnson, le musiche sono composte da Jerskin Fendrix e il suono è curato da Johnnie Burn.

Con Bugonia, Lanthimos sembra pronto a sorprendere ancora una volta il pubblico della Mostra, offrendo un’opera che unisce inquietudine, ironia e sguardo critico sul presente.

Venezia 82: Jay Kelly di Noah Baumbach in concorso

Venezia 82: Jay Kelly di Noah Baumbach in concorso

Il regista Noah Baumbach, già autore di opere come Marriage Story e Rumore bianco, torna in concorso alla Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica della Biennale di Venezia con il suo nuovo film, Jay Kelly. Un titolo che si annuncia come uno dei momenti più attesi del festival, capace di intrecciare introspezione e riflessione sul senso della vita attraverso il racconto del mondo del cinema.

La trama di Jay Kelly

La storia segue il celebre attore Jay Kelly e il suo devoto manager Ron in un viaggio vorticoso attraverso l’Europa, un percorso che si rivela sorprendentemente profondo. Lungo la strada entrambi si trovano a fare i conti con le scelte del passato, con i rapporti familiari e con la consapevolezza di ciò che lasceranno in eredità alle generazioni future.

Nel suo commento, Baumbach sottolinea come Jay Kelly sia un film sull’identità e sul ruolo che ciascuno recita nella propria vita: “Quando è troppo tardi per cambiare il corso della nostra esistenza? Cosa rende speciale una vita? Chi siamo davvero, come genitori, figli, amici, professionisti?”. Domande che il regista affronta con il suo sguardo intimo e universale, ponendo al centro il contrasto tra chi scegliamo di essere e chi, in fondo, siamo davvero.

Prodotto da Heyday Films (David Heyman), Pascal Pictures (Amy Pascal) e NBGG Pictures (lo stesso Baumbach), Jay Kelly ha una durata di 132 minuti ed è girato in lingua inglese. Si tratta di una coproduzione tra Stati Uniti, Regno Unito e Italia.

Il cast è ricchissimo: Adam SandlerGeorge ClooneyLaura Dern, Billy Crudup, Riley Keough, Grace Edwards, Stacy Keach, Jim Broadbent, Patrick Wilson, Eve Hewson, Greta Gerwig, Alba Rohrwacher, Josh Hamilton, Lenny Henry, Emily Mortimer, Nicôle Lecky, Thaddea Graham e Isla Fisher.

La sceneggiatura è firmata da Noah Baumbach ed Emily Mortimer. Alla fotografia troviamo Linus Sandgren, al montaggio Valerio Bonelli e Rachel Durance, alla scenografia Mark Tildesley e ai costumi Jacqueline Durran. La colonna sonora è composta da Nicholas Britell, mentre il suono è curato da Christopher Scarabosio.

Con Jay Kelly, Baumbach prosegue il suo percorso di esplorazione delle fragilità umane e dei rapporti interpersonali, portando a Venezia un’opera che promette emozione, introspezione e dialogo con il pubblico internazionale.

Venezia 82: il red carpet d’apertura accoglie La Grazia di Paolo Sorrentino

Si è aperta ufficialmente la 82ª Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica della Biennale di Venezia e, come da tradizione, il primo grande protagonista è stato il red carpet d’apertura. Tra flash, sorrisi e abiti da sogno, il Lido ha accolto i protagonisti di La Grazia, nuovo film di Paolo Sorrentino scelto come titolo inaugurale di questa edizione.

L’attesa per il ritorno del regista premio Oscar era palpabile. Dopo il Leone d’argento conquistato con È stata la mano di Dio, Sorrentino torna a Venezia con un’opera che promette emozione e riflessione, confermando ancora una volta il legame speciale tra il suo cinema e la Mostra.

A calcare il tappeto rosso, accanto al regista, c’era un cast di grande prestigio. Toni Servillo, attore feticcio di Sorrentino, ha attirato l’attenzione dei fotografi con la sua eleganza sobria, mentre Anna Ferzetti, Orlando Cinque, Massimo Venturiello, Milvia Marigliano, Giuseppe Gaiani, Linda Messerklinger e Vasco Mirandola hanno sfilato regalando al pubblico sorrisi e complicità. Accanto a loro, i membri della troupe, tra cui la direttrice della fotografia Daria D’Antonio, la scenografa Ludovica Ferrario e il costumista Carlo Poggioli, hanno ricordato il valore collettivo della creazione cinematografica.

Il tappeto rosso è stato illuminato anche dalla presenza della madrina del Festival, Emanuela Fanelli, che con ironia ed eleganza ha inaugurato ufficialmente l’edizione. Fanelli ha accompagnato i momenti ufficiali con la leggerezza che la contraddistingue, confermando il suo ruolo centrale nelle cerimonie di apertura e chiusura.

Atmosfera di festa, dunque, ma anche di attesa: La Grazia è un film che porta con sé grandi aspettative, non solo per la firma di Paolo Sorrentino, ma anche perché inaugura un’edizione che si annuncia ricca di titoli d’autore, star internazionali e momenti memorabili.

Il red carpet di apertura della Mostra ha dimostrato ancora una volta la capacità di Venezia di unire glamour e cultura, mondanità e riflessione, aprendo una finestra sul cinema che verrà.

Mother: recensione del film con Noomi Rapace – Venezia 82

Mother: recensione del film con Noomi Rapace – Venezia 82

Apre il concorso ufficiale di Orizzonti a Venezia 82 Mother, con Noomi Rapace nei panni di un’insolita Madre Teresa di Calcutta. Alla regia, la macedone Teona Strugar Mitevska, già autrice di un documentario sulla religiosa albanese naturalizzata indiana e fondatrice della congregazione delle Missionarie della Carità.

Calcutta, agosto 1948. Teresa, Madre Superiora del convento delle Suore di Loreto, attende con ansia la lettera che le permetterà finalmente di lasciare il monastero e fondare il suo nuovo ordine, in risposta alla chiamata ricevuta da Dio. Proprio quando tutto sembra pronto, si trova di fronte a un dilemma che mette in discussione le sue stesse ambizioni e la sua fede, in un momento cruciale della sua vita.

Una Madre Teresa inedita e complessa

L’ispirazione per questo insolito progetto è nata durante la lavorazione del documentario Madre Teresa – La storia mai raccontata, quando la regista ebbe l’occasione di intervistare le ultime quattro sorelle della congregazione che conobbero la futura santa. Da quelle testimonianze emerse una donna complessa, appassionata e determinata, molto distante dall’immagine fragile e sorridente impressa nell’immaginario collettivo. È da lì che prende forma la sua esigenza di restituirne un ritratto più umano, intriso di contraddizioni, ma proprio per questo ancora più potente e universale.

L’idea vincente di Strugar Mitevska è quella di raccontare un lato meno vissuto della storia di Madre Teresa e di rimarcarne la modernità iconografica. Fin dall’inizio, capiamo che la formula narrativa utilizzata da Mother non è strettamente biografica – gli indizi di una sorta di ageografia rock ci sono tutti – piuttosto di un cammino lungo sette giorni che tenterà di tracciare un ritratto più sui generis della religiosa.

Il ritratto in sette giorni tra fede e ambizione

La narrazione è scandita dai sette giorni che porteranno Madre Teresa verso la libertà tanto agognata, ossia il permesso garantito dal Vaticano per fondare il proprio ordine religioso. La sua vita quotidiana guarda continuamente al futuro, in ogni piccola parentesi sono ravvisabili i precetti che avrebbe poi rivendicato “ufficialmente” con l’istituzione delle Missionarie. A partire dal suo totale rifiuto di un attaccamento a spazi e oggetti, viene messo in luce l’animo erratico di Madre Teresa, che vuole stare per le strade e non confinare il suo aiuto alle mura di un convento. Non le importa che si parli del loro vagabondare per i vicoli più malandati di Calcutta, ha già le idee chiare su quelle che saranno le regole chiave del nuovo ordine da lei fondato. Quello che forse non aveva messo in conto, però, con lo sguardo troppo rivolto al domani, è che la prova più dura dovrà affrontarla proprio all’interno di quelle mura.

Noomi Rapace e la forza di un’interpretazione

Noomi Rapace è assolutamente convincente nei panni della religiosa, ha il mordente e la grinta necessari per prefigurare quello che il film non mostra e che il pubblico già sa, ovvero la vita di Madre Teresa come guida spirituale delle Missionarie della Carità. La sua performance trasuda l’aspetto più vincente di Mother ossia, come dicevamo, l’idea di un convento che stringe e confina, ben trainata anche da fotografia e regia. Non vediamo mai l’India nella sua vastità – aspetto che potrebbe essere fuorviante per il pubblico limitato a una conoscenza basilare della figura – perchè non è (ancora) quella che sta vivendo lei.

D’altra parte, il rischio è però quello di limitare troppo il quadro, non dare il tempo di assorbire veramente quello che si vuole raccontare sfruttando la formula del conto alla rovescia e tirando una figura così larger than life fuori dal macrocosmo in cui ha inequivocabilmente voluto vivere. Qui, Madre Teresa non indossa l’inconfondibile sari bianco e blu, ma abiti da monaca più convenzionale; è già in India ma rieccheggiano ancora in maniera preponderante le sue radici.

Libertà e sorellanza al centro del film

Centrale è anche la riflessione sul tema della libertà, affrontata in maniera volutamente contraddittoria. Come racconta la regista, molte delle donne che aderirono alle Missionarie della Carità scelsero la vita religiosa come forma di emancipazione da un destino imposto dalla società. È paradossale, ma dietro la rinuncia agli agi e alle convenzioni borghesi c’era spesso la ricerca di indipendenza e persino di sollievo da obblighi patriarcali. In questo senso, Mother diventa anche un film sulla sorellanza: la complicità tra Teresa, Agnieszka e padre Friedrich alimenta un gioco di forze che rimanda ai grandi dilemmi di potere, fede e identità femminile.

Alien: Pianeta Terra, la spiegazione del finale dell’episodio 4

Alien: Pianeta Terra, la spiegazione del finale dell’episodio 4

Dopo che Wendy ha ucciso uno Xenomorfo adulto nell’episodio precedente di Alien: Pianeta Terra (qui la recensione), Kirsh ha portato i cinque esemplari provenienti dalla nave spaziale Weyland-Yutani precipitata sull’isola segreta di Boy Kavalier, Neverland, dove si svolgono le ricerche di Prodigy. Kirsh ha studiato questi esemplari insieme ad altri ibridi, tra cui Ricciolo e Isaac, così recentemente ribattezzato.

Nel frattempo, cresce la tensione tra due ibridi, Piumino e Nibs, entrambi alle prese con lotte personali e dilemmi morali. Il primo è caduto sempre più nella trappola di Morrow, mettendo in pericolo la sua madre umana. Allo stesso tempo, Nibs mostra livelli spaventosi di instabilità che costringono Dame Sylvia a prendere drastiche misure protettive.

Wendy fa amicizia con un piccolo Xenomorfo per tenere Joe con sé

Uno dei motivi per cui Alien: Pianeta Terra viene definito un capolavoro di fantascienza dopo solo quattro episodi è il forte sviluppo dei personaggi alimentato da questioni filosofiche e da una solida tecnica narrativa. Ciò è evidente alla fine dell’episodio 4, quando Wendy non solo comunica con il piccolo Xenomorfo che viveva nel vecchio polmone di Joe, ma sembra anche fare amicizia con lui.

Wendy ha stretto un accordo con Boy Kavalier per capire come comunicare con uno Xenomorfo in modo che Joe potesse rimanere con lei sull’isola. Boy Kavalier ha già espresso le sue preoccupazioni sul fatto che Joe possa diventare una distrazione, ma Wendy gli promette che non sarà così e lui, sebbene riluttante, decide di tenere Joe con sé per placare Wendy, oltre che per motivi di ricerca e privacy.

C’è un momento alla fine dell’episodio 4 di Alien: Pianeta Terra che fa sembrare che il piccolo Xenomorfo pensi che Wendy possa essere sua madre, permettendole di toccarlo. Si strofina persino il muso contro la sua mano come un comune gatto domestico. Anche se non è certo che Wendy possa effettivamente controllare queste creature, sta sicuramente iniziando a comunicare con loro e scambiare informazioni, il che dovrebbe essere un’indicazione importante di dove sta andando la seconda metà della serie.

Alex Lawther e Sydney Chandler in Alien Pianeta Terra
Alex Lawther e Sydney Chandler in Alien: Pianeta Terra

Kirsh sa che Morrow sta manipolando Slightly

Kirsh non ha impiegato molto a scoprire che Piumino sta comunicando con Morrow attraverso un microfono che gli ha messo sul collo nell’episodio precedente. Uno degli obiettivi principali di Kirsh è quello di sorvegliare tutti gli ibridi, e lui è in grado di guardare le registrazioni retiniche e ascoltare le registrazioni audio del ragazzo che apparentemente parla con nessuno.

Kirsh riporta anche alla memoria il momento in cui Morrow chiede a Slightly: “Quando una macchina non è una macchina?” (leggi qui l’approfondimento a riguardo), prima di ascoltare il piano di Morrow di far entrare di nascosto una persona nel laboratorio Prodigy invece di far uscire di nascosto un uovo Xenomorfo. Piumino rivela il suo nome umano a Morrow, mettendo in pericolo sua madre umana, e la cosa lo motiva ad agire contro Wendy e gli altri ibridi.

Poiché Morrow ha minacciato la madre e i fratelli di Piumino, quest’ultimo deve ora trovare un essere umano da portare nel laboratorio e sembra che Joe sia il suo candidato principale. Sapendo tutto questo, non è chiaro se Kirsh interverrà, ma probabilmente informerà Boy Kavalier, che potrebbe semplicemente lasciare che il ragazzo porti Joe nel laboratorio per motivi di sperimentazione e così da eliminare Joe ed evitare che Wendy si distragga.

Lily Newmark in Alien Pianeta Terra
Lily Newmark in Alien: Pianeta Terra

Nibs è in isolamento dopo aver minacciato Dame Sylvia

Nibs, invece, è stata la più isolata degli ibridi dopo essere stata attaccata dall’alieno “bulbo oculare” nell’episodio 2 (qui la spiegazione del finale). La sua crisi esistenziale ha cominciato a peggiorare nell’episodio 3 fino a raggiungere un punto di rottura psicologica nell’episodio 4, convincendosi di essere sia umana che incinta nonostante la realtà del suo status di ibrido.

Nibs è la prima vera dissidente degli ibridi che dimostra la sua forza contro i suoi creatori. Dopo aver minacciato fisicamente Dame Sylvia, la figura materna per tutti gli ibridi, Nibs viene rinchiusa nella sua stanza e considerata una minaccia di livello 3. Non è chiaro se l’instabilità della ragazza sia il risultato della sua coscienza umana o di qualche tipo di errore computazionale, ma il protocollo “Livello 3” suggerisce che Prodigy abbia un piano per contenere gli ibridi incontrollabili.

La situazione di Nibs probabilmente non migliorerà nella seconda metà di Alien: Pianeta Terra, e lei potrebbe essere proprio il primo ibrido che dovrà essere “eliminato” a causa della minaccia che rappresenta per Prodigy. Inoltre, non sarà qualcuno, o qualcosa, che Prodigy potrà pubblicizzare una volta rivelata Wendy al mondo, quindi è probabile che i giorni di Nibs siano purtroppo contati.

Samuel Blenkin in Alien Pianeta Terra
Samuel Blenkin in Alien: Pianeta Terra

Cosa aspettarsi nell’episodio 5 di Alien: Pianeta Terra 

Wendy continua a ricevere un trattamento speciale da Boy Kavalier, soprattutto ora che è in grado di comunicare con gli Xenomorfi. Questo probabilmente continuerà a infastidire Ricciolo, che è chiaramente gelosa di Wendy e potrebbe decidere di attaccarla in qualche modo. Se Piumino chiederà aiuto a Ricciolo per far entrare Joe nel laboratorio Prodigy, come richiesto da Morrow, la ragazza potrebbe essere incentivata a farlo per il semplice fatto che questo ferirebbe profondamente Wendy.

Dame Sylvia, invece, probabilmente cercherà di aiutare Nibs a regolarizzarsi, ma dovrà tenerla confinata e isolata perché non ci si può più fidare di lei. Una volta che Boy Kavalier lo scoprirà, potrebbe essere molto più veloce di Dame Sylvia nel premere il pulsante di arresto su Nibs. Se la notizia su di lei venisse divulgata, la sua invenzione ibrida da trilioni di dollari sarebbe compromessa e Wendy sarebbe temuta, non celebrata.

L’aspetto più intrigante dell’episodio 5 sarà però Wendy che decifra il linguaggio degli Xenomorfi, il che dovrebbe rispondere alla domanda scottante: “Cosa hanno da dire?” e, cosa ancora più importante, “Cosa vogliono?”. Gli Xenomorfi potrebbero essere umanizzati, come mai prima d’ora nella serie Alien. Inoltre, Yutani dovrebbe iniziare a fare pressione per riavere i suoi esemplari da Prodigy, il che potrebbe creare ogni sorta di combattimento e carneficina nei futuri episodi di Alien: Pianeta Terra.

LEGGI ANCHE: Alien: Pianeta Terra, dove si colloca nella timeline della saga

I Play Rocky: Anthony Ippolito interpreterà il giovane Sylvester Stallone

0

Anthony Ippolito è stato scelto come protagonista del film I Play Rocky, diretto da Peter Farrelly (Green Book) per Amazon MGM Studios e che arriverà prossimamente nelle sale cinematografiche da una sceneggiatura di Peter Gamble. Come riportato dal The Hollywood Reporter, Ippolito interpreterà proprio il giovane Sylvester Stallone nel film che racconta la vita dell’attore prima che diventasse una mega star. La sua convinzione incrollabile era che non era solo destinato a scrivere Rocky, ma era destinato a essere Rocky Balboa.

Ippolito è noto soprattutto per aver interpretato un altro grande attore in un progetto “making of”, ovvero Al Pacino nella serie limitata della Paramount+ The Offer. È poi apparso anche nel film di successo della Netflix Purple Hearts. The Hollywood Reporter ha inoltre rivelato informazioni incoraggianti sul processo che ha portato Anthony Ippolito a ottenere il ruolo di Stallone. “Dopo aver sentito parlare per la prima volta del progetto”, riporta la pubblicazione, “ha realizzato un video di audizione non richiesto e lo ha inviato direttamente ai produttori”.

Questo approccio è degno di nota perché riecheggia il modo in cui è nata la migliore serie di film di Stallone. Con l’attore che perseguiva il suo sogno di realizzare Rocky con instancabile determinazione, l’approccio di Ippolito suggerisce che il giovane attore ha una grinta e una mentalità perfettamente adatte alle esigenze della storia. Non resta a questo punto che attendere di poterlo vedere assumere i panni dell’icona del cinema per I Play Rock.

Di cosa parlerà I Play Rock

I Play Rocky racconterà di come Stallone concepisce il film Rocky e, pur dopo aver ricevuto numerosi “no”, scommette tutto su se stesso, rimanendo irremovibile nel suo voler interpretare il ruolo principale. Il risultato è la storia di rivalsa di un outsider (Stallone) grazie ad un film sull’outsider per eccellenza (Rocky). Uscito nel 1976, il film ha poi vinto l’Oscar come Miglior film e Stallone è stato invece nominato per il premio come miglior attore e miglior sceneggiatura originale.

La sua interpretazione e la sua visione creativa hanno trasformato Rocky in un punto di riferimento culturale e lo hanno consacrato come una leggenda di Hollywood. Distribuita dalla United Artists e successivamente dalla MGM, Rocky è poi divenuta una delle serie di film sportivi più iconiche e di maggior successo finanziario di tutti i tempi, con cinque film ed un incasso globale di oltre 1,7 miliardi di dollari, compresi i tre spin-off di Creed.

Dual – Il clone: la spiegazione del finale del film

Dual – Il clone: la spiegazione del finale del film

Diretto da Railey Stearns, Dual – Il clone fu un film di fantascienza con un mondo tutto suo. In esso, gli individui non esprimevano le proprie emozioni e i personaggi comunicavano principalmente con un’espressione impassibile. Ogni parola pronunciata era affermata come un dato di fatto. In un mondo che si era quindi evoluto per sostituire gli individui, l’umorismo nero giocava un ruolo centrale. Seguimmo così il viaggio di Sarah (Karen Gillan), che soffriva di una malattia terminale e decise di dar vita a una sua sostituta. La clonazione era una pratica comune in quel mondo e Sarah ricorse proprio ad essa prima di morire. L’unico problema fu che Sarah poi continuò a vivere.

La trama di Dual – Il clone

Dual – Il clone introdusse il concetto di duello all’inizio. Assistemmo a due uomini che lottavano per la vita su un campo mentre il pubblico li guardava con entusiasmo. Dopo aver pugnalato il suo avversario, l’altro emerse come vincitore. Scoprimmo poi che il sopravvissuto era il clone dell’uomo che aveva ucciso. Il conduttore annunciò che non sarebbe più stato un doppio, ma piuttosto l’originale Robert Michael da quel momento in poi. Presto incontrammo Sarah, una donna che non era particolarmente soddisfatta della sua vita. Temeva di confrontarsi con sua madre e per lo più evitava le sue telefonate.

Aveva un fidanzato, Peter, che in quel periodo lavorava a un progetto e viveva lontano. Le videochiamate tra Peter e Sarah divennero sempre più brevi con il passare del tempo. Una mattina Sarah si svegliò con il letto macchiato di sangue. Si rese conto di aver vomitato sangue nel sonno. Dopo aver fatto la doccia, andò dal medico e dopo una serie di analisi scoprì di avere una malattia terminale. Il medico consigliò allora a Sarah di organizzare il suo funerale e anche di valutare la possibilità di trovare un sostituto. Sarah guardò così dei video su come i sosia aiutassero le famiglie dei defunti ad affrontare il dolore della perdita dei loro cari.

Karen Gillan in Dual - Il clone
Karen Gillan in Dual – Il clone

Sarah credette che una sostituzione fosse l’ultima cosa buona che potesse fare per la sua famiglia e il suo amato. Accettò quindi di sottoporsi al processo. In pochi minuti, la sua clone fu davanti a lei. Il tecnico le fece notare che aveva gli occhi blu a causa di un errore di codifica, anche se Sarah ritenne che gli occhi blu la rendessero interessante. Sarah presentò poi alla sua doppia tutte le cose che le piacevano e che odiava. La nuova lei fu curiosa di sapere tutto della sua vita e, allo stesso tempo, pensò a come inserirsi perfettamente in essa.

Mentre guardava la sua vita essere presa in mano dal suo clone, Sarah ricevette però una chiamata dal suo medico, il quale le disse che inaspettatamente aveva superato la sua malattia e che era completamente guarita. Anche se quella notizia la rese felice, seppe di avere ora un grosso problema da affrontare. Solo una Sarah poteva restare in circolazione, quindi o l’originale o la clone doveva essere eliminata. Quando rivelò la sua situazione ed espresse il suo interesse a eliminare la sosia, sua madre e Peter ne parvero feriti. Peter spiegò che ormai era innamorato della sosia e non di lei.

Anche se assomigliava a Sarah, la sosia si impegnò a rendere felice Peter facendo tutto ciò che lui amava. Sarah fu allora combattuta nel rendersi conto che le persone per cui si era iscritta al programma di sostituzione l’avevano sostituita prima ancora che potesse morire. Era stata dimenticata, e questo la rese ancor più disperata nel voler rimuovere il clone dalla sua vita e riprendersi tutto ciò che le spettava di diritto. L’avvocato la informò a questo punto della necessità del duello. Se il doppio desiderava rimanere, lui e l’originale dovevano combattere per stabilire chi avrebbe potuto vivere.

Karen Gillan e Aaron Paul in Dual - Il clone
Karen Gillan e Aaron Paul in Dual – Il clone

Sarah contattò allora un allenatore economico, Trent, il quale la rese determinata a vincere la sfida e le fece guardare video cruenti per aiutarla a superare la sua paura del sangue. Sarah lavorò duramente per mantenere il suo corpo in forma e si addestrò con tutti gli strumenti che sarebbero stati forniti durante il duello. Alla fine, la Sarah originale fu pronta. Purtroppo, subì una battuta d’arresto quando il duello fu rinviato di un mese. Una mattina, mentre continuava ad allenarsi con Trent, notò la sua doppia che la osservava dall’altra parte della strada. Le scagliò una freccia, che non la ferì ma la spaventò. Sarah poi seguì la sua doppia mentre questa scappava.

La trovò nascosta nel parco giochi e le disse che non avrebbe cercato di farle del male. Le due si sedettero insieme e finalmente si confrontarono. Sarah sentì che la doppia le aveva fatto un torto portandole via tutto ciò che costituiva la sua vita. La doppia riconobbe l’odio di Sarah e ritenne che fosse giustificato. La doppia si lamentò di Peter e di sua madre, e di come le stessero gradualmente dando sui nervi. Chiese quindi a Sarah di accompagnarla in un posto: un gruppo di sostegno per duellanti. Sarah ascoltò i racconti di coloro che avevano continuato a vivere dopo il duello, di come stessero soffrendo e di come la vita non fosse così facile come avevano immaginato.

Sarah capì però che la sua doppia stava cercando di dissuaderla dall’ucciderla. Invece di biasimarla per la situazione in cui si trovava, il clone incolpò la società e le sue pratiche. Il duello era semplicemente uno spettacolo per coloro che guardavano mentre due persone lottavano per la sopravvivenza. Questo commosse Sarah. Cominciò a credere che il clone fosse empatico e pensasse a uno schema più ampio delle cose. Entrambe decisero quindi di fuggire dal paese il giorno del duello. Tuttavia, durante la fuga, il clone ingannò Sarah e le diede da bere dell’acqua avvelenata, uccidendola. Durante il finale di Dual – Il clone, la sosia si cambiò poi indossando gli abiti di Sarah e arrivò al luogo del duello zoppicando.

Karen Gillan nel film Dual - Il clone
Karen Gillan nel film Dual – Il clone

Cosa accade nel finale del film

La clone afferma a questo punto di essere la vera Sarah e che la sosia era stata eliminata. La madre e Peter testimoniarono poi a favore della sosia, confermando che era lei la vera Sarah. Il loro piano era sempre stato quello di porre fine alla vita dell’originale, soprattutto dopo che lei aveva incontrato Peter e aveva parlato con sicurezza di come avrebbe sicuramente ucciso il clone. Sapevano che Sarah aveva imparato diverse tecniche di combattimento, quindi usarono l’intelligenza per vincere. Anche se il veleno fu una morte lenta, fu la più facile da nascondere.

Sebbene il clone lottasse per la sua vita, seppe di essere ormai intrappolata in una vita che non aveva mai scelto. In assenza dell’originale, non aveva alcuna battaglia da vincere, ma semplicemente esisteva nel mondo di Sarah che la sopraffaceva in larga misura. Anche se sviluppò un gusto diverso per accontentare le persone nella sua vita, faticò a renderle felici. Proprio come Sarah, ora non riceveva più le telefonate di sua madre e si irritava per le piccole cose che Peter faceva o diceva. Alla fine, fermò la sua auto in mezzo alla strada e pianse a dirotto. Capì di aver combattuto una battaglia inutile.

Distrusse una persona per una vita che neanche le piaceva. L’insensatezza dell’intera situazione fu forse ciò che spinse il clone a fermare l’auto in mezzo alla strada, a significare il caos di cui ora doveva far parte. L’auto era l’unico spazio in cui sia Sarah che la sua doppia potevano esprimere le proprie emozioni. Il mondo intorno a loro non si era mai strappato, quindi fu solo quando erano sole e rinchiuse in uno spazio inaccessibile a chiunque altro che poterono essere sincere con se stesse.

Cosa ci lascia il film Dual – Il clone

Dual – Il clone ci lascia dunque una riflessione amara e inquietante sull’identità, sul valore dell’esistenza e sul desiderio di essere insostituibili agli occhi di chi amiamo. Attraverso il duello tra originale e copia, il film mette in discussione cosa significhi davvero vivere: è il semplice atto di esistere o la capacità di essere riconosciuti come unici? Sarah e la sua doppia mostrano come l’amore e l’accettazione possano trasformarsi in terreno di conflitto. Alla fine, la storia ci invita a interrogarci sulla fragilità delle relazioni e sull’illusione di poter essere davvero irripetibili.

Paradise Beach – Dentro l’incubo: la storia vera dietro il film

Paradise Beach – Dentro l’incubo: la storia vera dietro il film

Uscito nel 2016 e diretto da Jaume Collet-Serra (regista di Orphan L’uomo sul treno), Paradise Beach – Dentro l’incubo (qui la recensione) si inserisce nel filone del survival thriller con protagonista uno squalo assassino, un sottogenere che da decenni esercita un fascino particolare sul pubblico. Il film mescola così tensione claustrofobica e spettacolarità, costruendo una narrazione che si concentra soprattutto sulla lotta istintiva per la sopravvivenza e sulla capacità di resistenza fisica e mentale della protagonista, interpretata da Blake Lively.

L’opera si distingue inoltre per il suo approccio minimalista: pochi personaggi, una sola location principale e un pericolo costante e tangibile che mantiene viva la tensione dall’inizio alla fine. Non solo un survival movie, dunque, ma anche uno di quei film pressoché interamente ambientati in un unico ambiente (sebbene in questo caso all’aria aperta). Temi come la paura della natura incontrollabile, il coraggio di affrontare i propri limiti e la solitudine diventano quindi i cardini di un racconto che trova nello scontro tra uomo e predatore marino la sua massima espressione.

In questo senso, il film richiama alla memoria il classico Lo squalo di Steven Spielberg, ma anche pellicole più recenti come Open Water o 47 Metri. Se da un lato il film si muove all’interno di un genere già ben consolidato, dall’altro riesce a proporre un’esperienza intensa e avvincente, che unisce spettacolarità e tensione psicologica. Nel resto dell’articolo ci concentreremo però proprio su un particolare interrogativo che spesso accompagna film di questo tipo: Paradise Beach – Dentro l’incubo è ispirato a una storia vera o si tratta di pura finzione cinematografica?

Paradise Beach - Dentro L'Incubo

La trama di Paradise Beach – Dentro l’incubo

Il film racconta di Nancy Adams, una studentessa di medicina che cerca disperatamente di superare il lutto per la prematura morte di sua madre. Dopo aver ritrovato vecchie foto della donna, che la ritraggono intenta a fare surf sulle onde dell’idilliaca Paradise Beach, Nancy decide di partire alla volta dell’isolata spiaggia che raggiunge grazie all’aiuto di Carlos. Indossata la muta, Nancy si immerge così nelle acque cristalline del mare. Sebbene stia per calare la notte la ragazza, stizzita per una stressante conversazione telefonica con il padre, decide di rimanere ancora nell’acqua per sciogliere i nervi.

Improvvisamente, Nancy si imbatte nella carcassa di una megattera orribilmente squartata e percepisce nell’acqua la presenza di uno squalo bianco. Cercando di ripararsi sul corpo del cetaceo morente, la giovane studia un piano per allontanarsi dalle fauci del sanguinario animale e trova riparo su un gruppo di scogli. Sfortunatamente l’attacco dello squalo è andato a segno e Nancy si trova completamente sola, con una gamba gravemente ferita che dovrà ricucire come possibile per non morire dissanguata. Consapevole che prima che i soccorsi arrivino potrebbe essere troppo tardi, la ragazza dovrà trovare da sé un modo per salvarsi.

Blake Lively in Paradise Beach - Dentro l'incubo

Il film è tratto da una storia vera?

Partiamo con il dire che no, Paradise Beach – Dentro l’incubo non è tratto da una storia vera. Nasce come opera di pura finzione che si inserisce nel filone del survival thriller con protagonista uno squalo. A differenza di film come Soul Surfer (2011), ispirato alla vera vicenda della surfista Bethany Hamilton, qui la protagonista Nancy e le sue peripezie sono il frutto dell’immaginazione degli sceneggiatori. Nonostante ciò, il film riesce a trasmettere una sensazione di realismo grazie alla messa in scena essenziale e alla performance di Lively, capace di reggere quasi interamente il racconto da sola. La forza della sua interpretazione ha permesso al pubblico di immergersi in una vicenda che, pur essendo lontana da fatti reali, mantiene un forte impatto emotivo.

L’idea alla base della sceneggiatura nasce però dunque da Anthony Jaswinski, che in un’intervista ha raccontato come la fonte d’ispirazione non sia stata una vicenda di cronaca, bensì un mix di suggestioni. Dopo aver guardato lo speciale Shark Week, si rese conto che nel cinema e in TV gli squali avevano perso la loro aura di minaccia, diventando talvolta creature caricaturali come in Sharknado. A quel punto, decise di riportare la paura su un piano più realistico e claustrofobico, immaginando una storia semplice ma densa di tensione: una donna bloccata su una roccia, la terraferma visibile ma irraggiungibile, con uno squalo che la tiene in trappola.

A influenzare ulteriormente il progetto fu anche la visione di Duel (1971), sempre di Steven Spielberg, che mostrava come un antagonista apparentemente semplice potesse generare terrore costante. Jaswinski pensò di applicare la stessa dinamica alla figura dello squalo, costruendolo non solo come un predatore, ma come un “vecchio guerriero” temprato dalle battaglie, impegnato in un duello all’ultimo respiro con la protagonista. Da questa miscela di suggestioni cinematografiche e televisive nacque così la trama di Paradise Beach – Dentro l’incubo, confermando che non si tratta di un racconto tratto da fatti reali, ma di un thriller pensato per restituire al pubblico il brivido della lotta per la sopravvivenza.

Everest: la spiegazione del finale del film

Everest: la spiegazione del finale del film

Il finale di Everest (qui la recensione) vede gli scalatori sopravvissuti ricongiungersi in lacrime con i propri cari all’aeroporto della Nuova Zelanda, mentre Beck si ricongiunge con sua moglie Peach. Basato sul reale disastro del 1996 sul Monte Everest, Everest si apre con Rob Hall, una guida della Adventure Consultants, che si prepara a scalare il Monte Everest mentre sua moglie Jan, incinta, rimane a casa, con Rob che promette di essere presente per la nascita del loro primo figlio. Rob è accompagnato dai clienti Doug Hansen, Yasuko Namba, la seconda donna giapponese a scalare le Sette Cime, Jon Krakauer, scrittore della rivista Outside, e Beck Weathers. Insieme ai clienti di Rob c’è anche Scott Fischer, un’altra guida alpina.

Nonostante il successo nella scalata, il gruppo viene colpito da un’improvvisa tempesta durante la discesa dall’Everest, che blocca gli scalatori su tutta la montagna e rende quasi impossibili i tentativi di soccorso a causa delle condizioni meteorologiche. Rob, Doug, Yasuko, Scott, Andy e altri tre perdono la vita sulla montagna a causa di una combinazione di fattori, tra cui l’ipossia e il congelamento. Prima di morire sulla montagna, Rob e Jan decidono di chiamare la loro figlia Sarah. Beck riesce poi a tornare al campo gravemente congelato e alla fine viene trasportato in elicottero, ricongiungendosi in seguito con la moglie e i figli in Texas.

Il salvataggio di Beck Weathers sull’Everest (e cosa gli è successo dopo)

Il salvataggio di Beck Weathers (Josh Brolin) è stato uno dei momenti più audaci di Everest. Dopo essere stato abbandonato dagli altri alpinisti, Beck è riuscito a svegliarsi e a raggiungere il campo, dove è stato scoperto dagli alpinisti che erano con la troupe della IMAX. Con l’aiuto di sua moglie Peach (Robin Wright), viene organizzato un salvataggio in elicottero tramite l’ambasciata americana. Questo salvataggio era anche un azzardo, dato che l’aria era troppo rarefatta per consentire all’elicottero di raggiungere il campo o di ripartire in sicurezza. Ma grazie a un pilota esperto dell’esercito nepalese, il tenente colonnello Madan (Vijay Lama), Beck viene portato via dall’Everest e trasportato in ospedale senza problemi.

Essendo uno degli alpinisti più esperti, Beck aveva scalato quasi ovunque, il che gli dava un senso di appartenenza e di avventura. Purtroppo, questo ha avuto un forte impatto sulla sua vita personale, poiché spesso trascurava la sua famiglia a favore dell’alpinismo. Secondo l’epilogo alla fine di Everest, Beck Weathers alla fine ha perso il naso e entrambe le mani a causa del grave congelamento subito durante la tempesta. Al suo ritorno a casa, è anche riuscito a fare ammenda con sua moglie Peach, dato che in precedenza aveva dimenticato il loro anniversario di matrimonio.

LEGGI ANCHE: Everest: la vera storia dietro al film con Jake Gyllenhaal

Everest film

Perché il gruppo ha abbandonato Beck e Yasuko?

Beck Weathers ha iniziato ad avere problemi alla vista a causa dei raggi UV e dell’alta quota, dovuti a un recente intervento di cheratotomia radiale, mentre Yasuko ha iniziato a soffrire di ipotermia durante la discesa dall’Everest. Ritenendo che sia Yasuko che Beck fossero ormai irrecuperabili e non sarebbero riusciti a scendere dalla montagna a causa dell’intensa bufera di neve, entrambi furono lasciati indietro. Beck alla fine perse conoscenza mentre Yasuko morì durante la notte. Come accennato in precedenza, Beck fu infine soccorso grazie all’aiuto del team IMAX e fece una straordinaria guarigione. Il corpo di Yasuko fu poi portato giù dalla montagna nel 1997.

Le allucinazioni di Andy sull’Everest e come hanno causato la sua morte

Dopo essere stato inviato dal campo base per consegnare ossigeno di riserva, la guida Andy Harris inizia ad avere un’emergenza medica dopo aver localizzato Rob. Con Doug caduto e morto e Rob bloccato in alto sull’Everest, Andy Harris si rannicchia con lui per aspettare che passi la tempesta. Mentre Rob dorme, Andy inizia ad avere allucinazioni e alla fine si spoglia dei suoi strati esterni, scivolando giù dall’Everest verso la morte.

Come spiegato da Caroline all’inizio del film, uno dei sintomi principali dell’ipotermia o dell’ipossia sono le allucinazioni e lo spogliarsi dei vestiti a causa dell’errata interpretazione da parte del cervello del freddo estremo come sensazione di calore, una condizione nota come spogliarsi paradossale. Si tratta di una condizione che è stata osservata in numerosi casi di ipotermia e ipossia e che generalmente indica che una persona si trova nelle fasi finali prima della morte. Essere rimasto bloccato sulla montagna per troppo tempo senza ossigeno supplementare gli ha causato allucinazioni e lo ha portato a togliersi gli strati esterni, anche se probabilmente era congelato.

Poiché non si sa cosa sia successo realmente ad Andy Harris, i realizzatori del film hanno dovuto prendersi alcune libertà artistiche nel descrivere la sua morte. La maggior parte delle persone concorda sul fatto che Andy sia tornato sulla vetta per aiutare gli alpinisti in difficoltà, poiché in seguito è stata ritrovata parte della sua attrezzatura da arrampicata. Il corpo di Andy non è mai stato recuperato e nessuno lo ha visto morire, quindi la sua morte è stata qualcosa che il film ha dovuto inventare. Everest mostra che Andy era salito sulla vetta sud per soccorrere Rob e Doug, probabilmente senza rendersi conto che in quel momento anche lui stava lottando contro l’ipotermia.

Everest cast

L’inesperienza è stata la causa delle morti sull’Everest

Otto persone sono morte nel disastro dell’Everest e la maggior parte degli alpinisti non aveva abbastanza esperienza per scalare la montagna. Poiché la maggior parte delle morti sull’Everest sono causate da problemi di salute o da malfunzionamenti dell’attrezzatura, gli alpinisti vivono davvero secondo la regola della “sopravvivenza del più forte”. Come afferma Rob Hall all’inizio del film, “gli esseri umani semplicemente non sono fatti per funzionare all’altitudine di crociera di un 747”. Il Monte Everest non è uno scherzo per gli alpinisti: è una delle montagne più pericolose al mondo e registra da 5 a 6 morti all’anno.

Con gli scalatori bloccati su tutto l’Everest senza alcun mezzo per scendere, le guide erano oberate dal compito di mantenere in vita i loro clienti a tutti i costi. C’era anche la competizione per arrivare in cima il più velocemente possibile e il numero di scalatori inesperti desiderosi di raggiungere la vetta significava che le pratiche più sicure venivano messe da parte a favore della rapidità. Probabilmente gli scalatori inesperti non avevano familiarità con la loro attrezzatura, che avrebbe potuto aiutarli durante la discesa se non ci fosse stata una bufera di neve. Come descritto nel film, alcuni dei clienti sull’Everest avevano poca o nessuna esperienza di alpinismo. È una ricetta per il disastro.

Il vero significato del finale di Everest

Il vero significato del finale di Everest è che, sebbene possa essere divertente correre dei rischi e fare qualcosa di avventuroso, scalare l’Everest è una sfida fisica, emotiva e mentale. Essendo la montagna più alta del mondo, l’Everest è essenzialmente una condanna a morte se il tempo decide di peggiorare o se uno scalatore non è abbastanza esperto da comprendere i rischi che comporta. Gli scalatori hanno affrontato molte difficoltà durante la scalata dell’Everest e hanno rischiato la propria vita per aiutarsi a vicenda a scendere in sicurezza, ma alla fine non è stato sufficiente.

Il fatto che l’ultima scena del film sia quella del corpo di Rob congelato nella neve mostra la realtà di quanto l’Everest possa essere ingannevolmente pericoloso nonostante il suo aspetto tranquillo. Questo è accentuato quando Helen torna in Nuova Zelanda e incontra Jan, che ora è vedova. Ciò conferisce al film un’attenzione solenne alla realtà della scalata dell’Everest invece che a un finale felice e glamour. Secondo EW, il regista di Everest, Baltasar Kormákur, voleva mostrare la vera esperienza cruda del disastro del 1996 invece di renderlo un film eroico glorificato. Questo è stato fatto anche per onorare i sopravvissuti nella vita reale e le loro famiglie.

La Grazia: recensione del film di Paolo Sorrentino – Venezia 82

0
La Grazia: recensione del film di Paolo Sorrentino – Venezia 82

Cos’è la grazia? Terrence Malick in The Tree of Life la intendeva come una condizione spirituale che si contrapponeva alla legge dura dell’uomo, i giuristi invece parlano di “grazia” in caso di “un atto di clemenza individuale concesso dal Presidente della Repubblica”, per Paolo Sorrentino, potrebbe essere una via di mezzo tra uno stato di leggerezza e compiutezza emotiva e la capacità altrui di mettere fine alla sofferenza di un altro. La Grazia è l’ultimo film di Paolo Sorrentino che apre Venezia 82 e ne inaugura anche il Concorso.

Con Toni Servillo a servire ancora una volta da protagonista, il regista napoletano trova una rotondità di racconto e di esposizione di pensiero per immagini che aveva smarrito con il suo recente Parthenope, tornando finalmente a fuoco sulla rappresentazione di un’età particolare, in cui la passione per la vita si spegne, mentre la vita continua.

Cosa racconta La Grazia?

Toni Servillo in La grazia (2025)
Foto di Andrea Pirrello

La storia è quello di Mariano De Santis, irreprensibile e stimato giurista, divenuto Presidente della Repubblica Italiana. Il film lo accompagna negli ultimi sei mesi del suo mandato, mentre fa i conti da una parte con un dubbio che lo attanaglia da 40 anni e che riguarda la defunta e amatissima moglie Aurora, e con sua figlia, anche lei giurista e sua collaboratrice, che cerca di scuoterlo dal suo torpore, e dall’altra con la firma di una legge in favore dell’eutanasia e con una decisione da prendere in merito a due richieste di Grazia.

Paolo Sorrentino parte con cautela, proprio come il suo protagonista, per poi spingere a fondo: nella prima parte scalda i motori e olia gli ingranaggi, basandosi su una scrittura molto presente, formale, didascalica, a tratti invadente, che influisce anche sulla recitazione quasi salmodiante dei suoi attori. Questa esigenza di porre i pezzi sulla scacchiera appesantisce il ritmo del film che però nella seconda parte si scioglie, si apre a un Sorrentino molto autentico e schietto, profondamente emotivo, quando il suo protagonista si mette sulle tracce di una leggerezza perduta (forse mai posseduta per davvero).

Non c’è spazio per il mistero

Anna Ferzetti in La grazia (2025)
Foto di Andrea Pirrello

La riflessione nel film si concentra sulla ricerca della verità quando i punti di vista sono diversi e tutti con una loro ragione. Nella scrittura e nell’esposizione, il film abbraccia la complessità della sua premessa, avventurandosi solo nel finale liberatorio alla lusinga di una risoluzione. Il mistero, l’insoluto non trovano spazio nel film e forse questo sguardo così nitido lo ha reso un po’ meno affascinante, ma va bene così, il Sorrentino a fuoco, legato alla narrazione, con il suo sguardo privilegiato sulle persone e sui luoghi, l’eleganza della messa in scena e la bellezza nitida e splendente delle sue immagini, è quello che preferiamo.

Il film di Sorrentino è una commedia piena di momenti esilaranti, di interpretazioni deliziose (su tutte la splendida Cocò di Milvia Marigliano, ma anche Anna Ferzetti al suo migliore ruolo in carriera), di freddure e di momenti che stemperano la tragicità della vita con cruda verità e grande acume.

L’acquisizione di senso nella perdita di gravità

Ma La Grazia è anche un dramma senile, che si crogiola nella densità delle sue parole, offrendo una riflessione attenta sull’acquisizione di senso nella perdita di gravità, sia letterale che figurata, una corsa verso il raggiungimento della leggerezza. È questa “la grazia” del titolo? Una condizione di leggerezza che Mariano acquisisce nonostante la sua natura radicata alla ricerca della verità, così fondamentale eppure così complicata da ottenere. Oppure è la capacità di sollevare qualcuno da uno stato di sofferenza e attesa? Lo strumento del Presidente della Repubblica per porre fine al periodo di detenzione o il potere di “staccare la spina” a chi vive una vita che più vita non è?

Il regista sceglie di dare una risposta precisa nella splendida inquadratura conclusiva, in cui un Mariano De Santis ritrova se stesso e il senso delle cose, una nuova consapevolezza di sé e della percezione del suo corpo in uno spazio vuoto eppure pieno di possibilità.

Avengers: Doomsday, un rumor suggerisce sorprendenti dinamiche di squadra

0

C’è molta curiosità intorno ad Avengers: Doomsday, soprattutto perché si è visto poco in termini di anticipazioni sul film originariamente intitolato Avengers: The Kang Dynasty. Certo, si sono avute alcune storie multiversali nella “Saga del Multiverso”, ma solo le scene post-credits di Captain America: Brave New World, Thunderbolts* e I Fantastici Quattro: Gli Inizi hanno davvero preparato il terreno per il Dottor Destino interpretato da Robert Downey Jr. come nuovo grande cattivo dell’MCU.

Thunderbolts* ha stabilito che i New Avengers e la squadra degli Avengers di Sam Wilson sono in conflitto per un marchio registrato e, secondo Alex Perez di The Cosmic Circus, questa divisione sarà un punto importante della trama di Avengers: Doomsday. “Il destino dell’intero multiverso è in bilico”, ha scritto lo scooper su X, “e due delle squadre principali sono in tensione tra loro perché i leader stanno ancora cercando di risolvere la questione del ‘mantello’. E poi aggiungete gli OG al mix...”

L’“OG” è probabilmente un riferimento agli originali Avengers: Capitan America, Iron Man, Thor, Hulk, Black Widow e Occhio di Falco. Secondo quanto riportato dai media, la Marvel Studios avrebbe infatti deciso di riunire gli interpreti di questi iconici personaggi per i prossimi due film degli Avengers, al fine di aumentare l’interesse. Diversi addetti ai lavori hanno affermato che si avrà un gruppo multiversale di “Avengers” guidato da Destino, anche se al momento tutto ciò rimane un rumor in attesa di maggiori conferme.

Cosa sappiamo di Avengers: Doomsday

Avengers: Doomsday e Avengers: Secret Wars arriveranno in sala rispettivamente il 18 dicembre 2026, e il 17 dicembre 2027. Entrambi i film saranno diretti da Joe e Anthony Russo, che tornano anche nel MCU dopo aver diretto Captain America: The Winter Soldier, Captain America: Civil War, Avengers: Infinity War e Avengers: Endgame.

Sono confermati nel cast del film (per ora): Paul Rudd (Ant-Man), Simu Liu (Shang-Chi), Tom Hiddleston (Loki), Lewis Pullman (Bob/Sentry), Florence Pugh (Yelena), Danny Ramirez (Falcon), Ian McKellen (Magneto), Sebastian Stan (Bucky), Winston Duke (M’Baku), Chris Hemsworth (Thor), Kelsey Grammer Bestia), James Marsden (Ciclope), Channing Tatum (Gambit), Wyatt Russell (U.S. Agent), Vanessa Kirby (Sue Storm), Rebecca Romijn (Mystica), Patrick Stewart (Professor X), Alan Cumming (Nightcrawler), Letitia Wright (Black Panther), Tenoch Huerta Mejia (Namor), Pedro Pascal (Reed Richards), Hannah John-Kamen (Ghost), Joseph Quinn (Johnny Storm), David Harbour (Red Guardian), Robert Downey Jr. (Dottor Destino), Ebon Moss-Bachrach (La Cosa), Anthony Mackie (Captain America).

Pedro Pascal potrebbe sostituire Joaquin Phoenix nel controverso film di Todd Haynes

0

Il film romantico gay apparentemente intitolato De Noche di Todd Haynes, interrotto circa un anno fa, sembra stia per essere tirato fuori dall’oblio, con Pedro Pascal potenzialmente pronto ad entrare nel cast. Come riportato da Deadline secondo alcune fonti, il progetto dovrebbe infatti ripartire nel nuovo anno a Guadalajara, in Messico, e gran parte del lavoro è incentrato sul fitto calendario dell’attore, candidato a quattro Emmy, da qui al 2026.

Si tratta di un’ottima notizia per una produzione che era stata a lungo considerata fallita dopo che il premio Oscar Joaquin Phoenix aveva lasciato la produzione, secondo quanto riferito, per non essersi presentato sul set per due settimane prima della sua chiusura. La produttrice Christine Vachon ha dichiarato pubblicamente che Phoenix ha portato il progetto alla Killer Films, che vanta una lunga tradizione nella realizzazione di film LGBTQ. Non si è però mai saputo esattamente perché Phoenix abbia lasciato De Noche.

Vachon ha smentito le voci durante il Festival del Cinema di San Sebastian dello scorso anno e ha definito una “tragedia” il fallimento del film di Haynes. Se Pedro Pascal venisse confermato, si unirà a Danny Ramirez, che era originariamente legato al progetto. Interpreteranno due uomini innamorati che lasciano Los Angeles per il Messico, in un film ambientato negli anni ’30. La produzione è affidata alla Killer Films di Christine Vachon e Pamela Koffler.

CORRELATE:

Harry Potter: Chris Columbus, regista dei primi film, critica la serie HBO

0

Uno dei registi della saga cinematografica di Harry Potter ha criticato l’aspetto di Rubeus Hagrid nel reboot della serie TV – e in senso più ampio l’intero progetto – attualmente in fase di riprese. Il personaggio, interpretato al cinema da Robbie Coltrane e ora nelle mani di Nick Frost, è stato protagonista di alcune foto trapelate dal set. Proprio dopo aver visto queste immagini, Chris Columbus, che ha diretto i primi due film di Harry Potter prima di passare il testimone ad Alfonso Cuarón, è stato intervistato nel podcast The Rest Is Entertainment e ha parlato candidamente del reboot della HBO, in particolare delle sue opinioni sull’aspetto di Hagrid.

Columbus ha quindi criticato l’Hagrid di Frost perché, secondo il regista, la nuova versione è identica a quella interpretata da Coltrane. Egli pensava che il reboot sarebbe stato completamente diverso dai film, invece di riproporre lo stesso aspetto. Tuttavia, nonostante la sua perplessità sul motivo per cui il reboot esista, Columbus ha ammesso di essere lusingato dalla situazione, poiché l’Hagrid di Frost è chiaramente basato sul design che lui stesso ha creato per i film.

Quindi, vedo queste fotografie… e lui indossa esattamente lo stesso costume che abbiamo disegnato per Hagrid. Una parte di me pensava: che senso ha? Pensavo che sarebbe stato tutto diverso, invece è più o meno lo stesso. Sarà tutto uguale. È molto lusinghiero per me, perché penso: è esattamente il costume di Hagrid che abbiamo disegnato noi. Quindi, da un lato è davvero emozionante, quindi sono entusiasta di vedere cosa ne faranno. Dall’altro lato è una sorta di déjà vu”, ha affermato il regista.

Cosa sappiamo della serie HBO su Harry Potter

La prima stagione sarà tratta dal romanzo La pietra filosofale e abbiamo già visto alcuni altri momenti chiave del romanzo d’esordio di J.K. Rowling essere trasposti sullo schermo. La prima stagione di Harry Potter dovrebbe essere girata fino alla primavera del 2026, mentre la seconda stagione entrerà in produzione pochi mesi dopo. Ogni libro dovrebbe costituire una singola stagione, il che significa che avremo sette stagioni nell’arco di quasi un decennio.

HBO descrive la serie come un “adattamento fedele” della serie di libri della Rowling. “Esplorando ogni angolo del mondo magico, ogni stagione porterà ‘Harry Potter’ e le sue incredibili avventure a un pubblico nuovo ed esistente”, secondo la descrizione ufficiale. Le riprese dovrebbero avere inizio nel corso dell’estate 2025, per una messa in onda prevista per il 2026.

La serie è scritta e prodotta da Francesca Gardiner, che ricopre anche il ruolo di showrunner. Mark Mylod sarà il produttore esecutivo e dirigerà diversi episodi della serie per HBO in collaborazione con Brontë Film and TV e Warner Bros. Television. La serie è prodotta da Rowling, Neil Blair e Ruth Kenley-Letts di Brontë Film and TV, e David Heyman di Heyday Films.

Come già annunciato, Dominic McLaughlin interpreterà Harry, Arabella Stanton sarà Hermione e Alastair Stout sarà Ron. Il cast principale include John Lithgow nel ruolo di Albus Silente, Janet McTeer nel ruolo di Minerva McGranitt, Paapa Essiedu nel ruolo di Severus Piton, Nick Frost nel ruolo di Rubeus Hagrid, Katherine Parkinson nel ruolo di Molly Weasley, Lox Pratt nel ruolo di Draco Malfoy, Johnny Flynn nel ruolo di Lucius Malfoy, Leo Earley nel ruolo di Seamus Finnigan, Alessia Leoni nel ruolo di Parvati Patil, Sienna Moosah nel ruolo di Lavender Brown, Bertie Carvel nel ruolo di Cornelius Fudge, Bel Powley nel ruolo di Petunia Dursley e Daniel Rigby nel ruolo di Vernon Dursley.

Si avranno poi Rory Wilmot nel ruolo di Neville Paciock, Amos Kitson nel ruolo di Dudley Dursley, Louise Brealey nel ruolo di Madama Rolanda Hooch e Anton Lesser nel ruolo di Garrick Ollivander. Ci sono poi i fratelli di Ron: Tristan Harland interpreterà Fred Weasley, Gabriel Harland George Weasley, Ruari Spooner Percy Weasley e Gracie Cochrane Ginny Weasley.

La serie debutterà nel 2027 su HBO e HBO Max (ove disponibile) ed è guidata dalla showrunner e sceneggiatrice Francesca Gardiner (“Queste oscure materie”, “Killing Eve”) e dal regista Mark Mylod (“Succession”). Gardiner e Mylod sono produttori esecutivi insieme all’autrice della serie J.K. Rowling, Neil Blair e Ruth Kenley-Letts di Brontë Film and TV, e David Heyman di Heyday Films. La serie di “Harry Potter” è prodotta da HBO in collaborazione con Brontë Film and TV e Warner Bros. Television.

Gen V – Stagione 2: la serie eviterà un errore comune con i crossover

0

La seconda stagione di Gen V sta per debuttare, ma i suoi crossover con The Boys eviteranno un approccio alla Star Wars. Lo spin-off ambientato al college tornerà infatti a partire dal 17 settembre su Prime Video, riprendendo dal finale della prima stagione di Gen V, che si è concluso con due dei personaggi principali che abbracciano il lato oscuro. Il finale ha visto anche Homelander (Antony Starr) arrivare in volo e aiutare la sinistra corporazione Vought a sedare una scena caotica.

La seconda stagione di Gen V dovrebbe dunque includere alcuni cameo e apparizioni di attori di The Boys. Tuttavia, secondo il produttore esecutivo Eric Kripke, la serie principale non prenderà il sopravvento sullo spin-off. Parlando con Entertainment Weekly, Kripke minimizza infatti la possibilità di uno scontro tra Homelander e la protagonista di Gen V Marie Moreau (interpretata da Jaz Sinclair).

Sono molto sensibile al fatto che Gen V dovrebbe riguardare principalmente i personaggi di Gen V e The Boys dovrebbe riguardare principalmente i personaggi di The Boys. Anche se ci possono essere crossover, assist e aiuti, è un po’ come tirare il tappeto da sotto i piedi e non è un granché quando ti sei impegnato a guardare, diciamo, Boba Fett, e poi per due episodi di Boba Fett c’è solo il Mandaloriano. Non voglio farlo. Abbiamo storie da raccontare in ciascuno di essi“.

Cosa significa questo per la seconda stagione di Gen V

La seconda stagione di Gen V dovrà probabilmente affrontare in ogni caso il finale della quarta stagione di The Boys. In un colpo di scena che cambia le carte in tavola, personaggi come Starlight (Erin Moriarty) e Hughie (Jack Quaid) sono più sconfitti che mai. I loro amici sono stati catturati, e questo in parte grazie alle straordinarie abilità di Cate Dunlap (Maddie Phillips) e Sam Riordan (Asa Germann).

Questi sono i due personaggi che hanno preso una brutta piega nella prima stagione di Gen V, fungendo da collegamento tra i due drammi. Ma, stando alle dichiarazioni di Kripke, è l’ultima conferma che lo spin-off continuerà a concentrarsi sui giovani adulti dotati di superpoteri che gli spettatori hanno conosciuto nella prima stagione. Questa è una buona notizia, dato che Gen V ha molto altro da affrontare.

I prossimi episodi dovranno infatti rendere omaggio a Chance Perdomo, poiché il personaggio di Andre verrà eliminato dalla serie dopo la tragica morte dell’attore in un incidente motociclistico nel marzo 2024. Lo spin-off darà poi il benvenuto a nuovi membri del cast, tra cui, in particolare, Hamish Linklater nel ruolo del rettore della Godolkin University. Ha dunque un buon motivo per evitare il paragone con Star Wars che ha lasciato molti spettatori insoddisfatti.

GUARDA ANCHE: Gen V – Stagione 2: ecco il trailer itiano della seconda stagione

Monster – La storia di Ed Gein: prime immagini e la data di uscita della serie

0

La serie antologica di Ryan Murphy, Monster, offre un primo assaggio della prossima stagione con nuove immagini. La controversa serie, che ha drammatizzato le storie di assassini reali, tra cui Jeffrey Dahmer e i fratelli Menendez, è pronta a tornare con una terza stagione che vedrà Charlie Hunnam nei panni del famigerato serial killer Ed Gein.

I crimini di Gein furono commessi tra il 1947 e il 1957. È confermato che il Macellaio di Plainfield uccise due donne, ma è sospettato di numerosi altri omicidi. Gein era anche un ladro di tombe che utilizzava parti di corpi per creare oggetti inquietanti come maschere fatte di pelle umana e una cintura realizzata con capezzoli femminili.

Ora, Netflix ha pubblicato tre nuovi poster di Hunnam nei panni di Gein (li si può vedere qui). Le tre immagini si ispirano a film che a loro volta sono stati in parte ispirati dagli omicidi di Gein. Quest’ultimo ha acquisito ulteriore notorietà nella cultura popolare ispirando i personaggi di Norman Bates in Psycho, Leatherface in Non aprite quella porta e Buffalo Bill in Il silenzio degli innocenti. Viene infine riportato che la nuova stagione di Monster – La storia di Ed Gein sarà disponibile su Netflix dal 3 ottobre.

Dato che Gein è l’ispirazione per diversi film horror, la terza stagione di Monster sembra concentrarsi molto su quella parte della sua storia. Gein è stato processato solo per l’omicidio di Bernice Worden, proprietaria di un negozio di ferramenta che ha ucciso a colpi di pistola. Il suo corpo è stato trovato nella sua fattoria, dove l’aveva decapitata e mutilata dopo la morte. Gein ha anche ammesso di aver ucciso Mary Hogan, proprietaria di una taverna. È stato ricoverato in un ospedale psichiatrico, dove è morto all’età di 77 anni.

Ogni Maledetto Fantacalcio: recensione del film di Alessio Maria Federici

0

Cosa accadrebbe se la passione per il Fantacalcio, quel rito domenicale che da anni divide e unisce milioni di italiani, diventasse il motore di un giallo comico? Ogni Maledetto Fantacalcio, diretto da Alessio Maria Federici, prova a rispondere a questa domanda con un film che mescola ironia, parodia e mistero. L’assunto di partenza è tanto semplice quanto geniale: un gruppo di amici storici, uniti dalla stessa lega fantacalcistica chiamata “Mai una gioia”, si trova improvvisamente sconvolto dalla sparizione del campione in carica, Gianni, proprio nel giorno del suo matrimonio e dell’ultima giornata di campionato. Da qui si scatena una catena di equivoci, accuse e sospetti che trasformano un passatempo in un’indagine dai toni tragicomici.

Un cast corale tra sarcasmo e follia

Il film poggia molto sulla forza del suo cast. Giacomo Ferrara, nei panni di Simone, incarna con leggerezza e autoironia lo stereotipo del trentenne creativo, brillante ma inconcludente, che si ritrova suo malgrado nel ruolo del principale indiziato. Caterina Guzzanti, nel ruolo della giudice, rappresenta la vera colonna comica della pellicola: con il suo sarcasmo tagliente e un ritmo di battute sempre preciso, riesce a dare un tono unico agli interrogatori, trasformandoli in veri sketch. Silvia D’Amico, nei panni di Andrea, aggiunge un tocco di mistero e ambiguità, bilanciando la leggerezza con una tensione narrativa che tiene viva la curiosità dello spettatore. Intorno a loro ruota una galleria di personaggi grotteschi, amici tanto assurdi quanto credibili, che ricordano le tipiche comitive viste in commedie come Una notte da leoni.

Ogni Maledetto Fantacalcio Netflix

Citazioni e rimandi cinematografici

Una delle cifre stilistiche più divertenti di Ogni Maledetto Fantacalcio è la sua natura citazionista. La sceneggiatura di Giulio Carrieri e Michele Bertini Malgarini costruisce un gioco di specchi che richiama vari classici del cinema. Le dinamiche di gruppo, l’assurdità delle situazioni e i tentativi maldestri di ricostruire la verità evocano chiaramente Una notte da leoni. Allo stesso tempo, la struttura a indagine, con sospetti che si alternano e verità nascoste che emergono a poco a poco, strizza l’occhio a I Soliti Sospetti. Ma non si tratta di un semplice collage: il film riesce a piegare queste suggestioni al proprio contesto, quello del Fantacalcio, un universo che per molti italiani è familiare e quasi sacro.

La forza della commedia contemporanea

Ciò che rende la pellicola coinvolgente è la sua capacità di ridere non solo dei personaggi, ma anche delle dinamiche sociali che il Fantacalcio innesca nella vita reale. La chat di gruppo della lega diventa un microcosmo di isterie collettive, amicizie messe alla prova, rancori esplosivi e schermate compromettenti. Chiunque abbia partecipato almeno una volta a un torneo amatoriale – che sia di calcio, di carte o di videogiochi – riconoscerà i toni esasperati, le minacce esagerate e la competitività che sfocia nel paradossale. In questo senso, il film non parla solo agli appassionati di calcio, ma a chiunque abbia sperimentato quella sottile linea tra gioco e ossessione.

Camei e sorprese per i fan

A rendere il tutto ancora più gustoso sono i cameo. Diletta Leotta, Leonardo Pavoletti, Pierluigi Pardo e Daniele Orsato compaiono con ironia, trasformando la vicenda in un divertente cortocircuito tra finzione e realtà. La presenza di volti noti del mondo sportivo e televisivo arricchisce il film di momenti metacinematografici che strappano un sorriso anche a chi non segue da vicino il Fantacalcio.

Tra leggerezza e riflessione

Pur mantenendo un tono leggero e spensierato, Ogni Maledetto Fantacalcio invita a una riflessione: quanto siamo disposti a sacrificare in nome di una vittoria che, in fondo, esiste solo su una piattaforma online? L’ossessione per la competizione, l’ego che si gonfia per un bonus o per un malus, diventano qui la lente con cui osservare i rapporti di amicizia e le contraddizioni della nostra quotidianità. Il film non si prende mai troppo sul serio, ma lascia un retrogusto amaro che accompagna lo spettatore dopo i titoli di coda.

Ogni Maledetto Fantacalcio è una commedia gialla che riesce a intrattenere con intelligenza, mescolando citazioni cinematografiche, satira sociale e situazioni paradossali. Non sarà un film destinato a rivoluzionare il genere, ma sa cogliere un fenomeno popolare e portarlo sul grande schermo con freschezza e ironia. Per chi ama il calcio, per chi ha litigato almeno una volta con gli amici per una sostituzione sbagliata, e per chi apprezza una commedia che gioca con i generi, questo film rappresenta un appuntamento da non perdere.

Benedict Cumberbatch: 10 cose che forse non sai sull’attore

Benedict Cumberbatch: 10 cose che forse non sai sull’attore

Benedict Cumberbatch è uno degli attori più versatili e riconoscibili della sua generazione, capace di muoversi con naturalezza tra cinema d’autore, blockbuster hollywoodiani e televisione. Ciò che lo distingue è la capacità di calarsi in personaggi complessi, unendo rigore tecnico e intensità emotiva. Dotato di una voce unica e di una presenza scenica magnetica, riesce a trasmettere al pubblico tanto il carisma quanto le fragilità dei suoi ruoli. Dalla brillante intelligenza di Sherlock Holmes alla spiritualità tormentata di Doctor Strange, la sua carriera riflette un percorso eclettico che continua a sorprendere e affascinare spettatori in tutto il mondo.

I film e i programmi TV di Benedict Cumberbatch

1. Ha recitato in celebri film. Cumberbatch debutta al cinema con Uccidere il re (2003), ma la notorietà arriva con i film Espiazione (2007), L’altra donna del re (2008), La talpa (2011), War Horse (2011) e Lo Hobbit – Un viaggio inaspettato (2012). Ha poi recitato in Into Darkness – Star Trek (2013), 12 anni schiavo (2013), Il quinto potere (2013), I segreti di Osage County (2013), Lo Hobbit – La desolazione di Smaug (2013), The Imitation Game (2014), Lo Hobbit – La battaglia delle cinque armate (2014), Black Mass – L’ultimo gangster (2015), Zoolander 2 (2016), Doctor Strange (2016), Edison – L’uomo che illuminò il mondo (2017), Avengers: Infinity War (2018), Avengers: Endgame (2019) e 1917 (2019).

I film di oggi di Benedict Cumberbatch

Dal 2020 ad oggi Cumberbatch non ha ridotto la sua attività lavorativa, recitando in L’ombra delle spie (2020), The Mauritanian (2021), Il potere del cane (2021), Il visionario mondo di Louis Wain (2021), Spider-Man: No Way Home (2021), Doctor Strange nel Multiverso della Follia (2022), La trama fenicia (2025) e I Roses (2025), dove divide la scena con Olivia Colman.

Olivia Colman e Benedict Cumberbatch in I Roses

2. Ha recitato anche in noti progetti televisivi. Dopo diversi progetti televisivi, Cumberbatch ottiene grande popolarità sul piccolo schermo grazie alla serie Sherlock (2010-2017), dove recita accanto a Martin Freeman. Successivamente è tornato a recitare in serie come Parade’s End (2012), Patrick Melrose (2018) e la miniserie Netflix Eric (2024). Al di là delle serie, per la televisione Cumberbatch ha interpretato Stephen Hawking nel film televisivo Hawking (2004), tra i primi progetti a conferirgli una certa popolarità, e poi nei film Van Gogh: Painted with Word (2010), Bambini nel tempo (2017) e Brexit: The Uncivil War (2019).

Benedict Cumberbatch ha interpretato Sherlock Holmes

3. Ha avuto dubbi prima di accettare la parte. Sherlock Holmes in Sherlock è il ruolo che ha reso l’attore una star internazionale, ma Cumberbatch ha raccontato di avere avuto dei dubbi sull’accettare o meno la parte. Durante un evento ai BAFTA del 2014, infatti, ha raccontato di aver esitato un po’: “Quando ne ho sentito parlare, mi è sembrata un’idea fatta per ricreare un franchise con l’obiettivo di fare soldi” ha detto, “Avrebbe potuto essere di poco valore e un po’ melenso. Poi ho scoperto chi era coinvolto e mi sono reso sonto che non sarebbe stato così”.

Benedict Cumberbatch ha interpretato il drago Smaug in Lo Hobbit

4. Ha lavorato con la motion capture. In Lo Hobbit, Benedict Cumberbatch interpretò il drago Smaug, dando vita a uno dei personaggi più iconici della trilogia di Peter Jackson. Per prepararsi al ruolo, l’attore si immerse completamente nella tecnologia della motion capture, lavorando con sensori su tutto il corpo e studiando attentamente i movimenti e le espressioni facciali che avrebbero reso credibile il drago. Inoltre, Cumberbatch registrò anche la voce del personaggio in varie tonalità, cercando di combinare minaccia, sarcasmo e intelligenza, creando così un Smaug tridimensionale, vivo e spietatamente affascinante.

Benedict Cumberbatch è Doctor Strange

5. Ha allenato mente e fisico per il ruolo. Per recitare in Doctor Strange Cumberbatch ha rivelato in un’intervista a JoBlo che ha praticato meditazione, studiato fumetti e approfondito la spiritualità orientale. Inoltre, ha trascorso del tempo con monaci tibetani a Darjeeling, in India, un’esperienza che ha definito “profondamente formativa”. Per quanto riguarda l’allenamento fisico, Cumberbatch ha seguito un regime intenso che includeva yoga, arti marziali e coreografie per le scene di combattimento. Ha anche adottato una dieta rigorosa, consumando cinque pasti al giorno e spuntini ad alto contenuto proteico.

Benedict Cumberbatch ha lavorato con Wes Anderson

6. Ha lavorato in due occasioni con il noto regista. Benedict Cumberbatch e Wes Anderson hanno collaborato in due progetti distinti. Il primo è La meravigliosa storia di Henry Sugar (2023), un cortometraggio tratto da un racconto di Roald Dahl, in cui Cumberbatch interpreta il protagonista Henry Sugar. Questo progetto ha ricevuto riconoscimenti significativi, tra cui un Oscar come miglior cortometraggio. Successivamente, Cumberbatch ha partecipato a La trama fenicia (2025), un film corale diretto da Anderson, in cui interpreta lo zio Nubar, un personaggio che si inserisce nel contesto di un’avventura familiare e criminale.

Benedict Cumberbatch e le polemiche per Zoolander 2

7. Ha chiesto scusa per la sua interpretazione. In Zoolander 2, Cumberbatch interpretò il personaggio di All, un modello non binario. La sua performance suscitò polemiche per la rappresentazione stereotipata e caricaturale della comunità LGBTQ+, portando a una petizione di boicottaggio del film. In un’intervista del 2025, Cumberbatch espresse il suo rammarico, affermando di aver “infastidito le persone” e riconoscendo che oggi il ruolo dovrebbe essere affidato a un attore trans. Ammise che il suo intento era criticare l’ignoranza dei personaggi di Derek Zoolander e Hansel, ma riconobbe che l’approccio non fu efficace.

Benedict Cumberbatch

Benedict Cumberbatch non è su Instagram

8. Non è presente sul social network. Benedict Cumberbatch non ha account personali né su Twitter né su Instagram: a riguardo, lui ha detto che sarebbe “un disastro” sui social media. “Non posso venire coinvolto dai social, perché come sapranno, sarei un disastro. Non posso twittare per salvarmi la vita. (…) Mi consumerebbe e trovo l’intera cosa in fin dei conti davvero tossica. Preferisco spendere le mie energie facendo quello che ha attirato l’attenzione (dei fan), ovvero il mio lavoro“.

La moglie e i figli di Benedict Cumberbatch e Sophie Hunter

9. È sposato e ha tre figli. Cumberbatch è sposato con la regista teatrale Sophie Hunter. La coppia si è unita in matrimonio il 14 febbraio 2015 sull’isola di Wight, dopo aver annunciato la gravidanza del loro primo figlio. Hanno tre figli: Christopher Carlton (nato nel 2015), Hal Auden (nato nel 2017) e Finn (nato nel 2019). Cumberbatch è noto per mantenere la sua vita privata lontana dai riflettori, evitando di condividere dettagli sulla sua famiglia sui social media e nelle interviste. Tuttavia, ha dichiarato che la paternità ha profondamente cambiato le sue priorità, rendendolo più consapevole del valore del tempo e della mortalità.

L’età e l’altezza di Benedict Cumberbatch

10. Benedict Cumberbatch è nato il 19 luglio 1976 a Londra, Regno Unito. L’attore è alto complessivamente 1,83 metri.

Fonti: IMDb, Mrs. Kathy King, People, Telegraph

Julia Roberts: 10 cose che non sai sull’attrice

0
Julia Roberts: 10 cose che non sai sull’attrice

Julia Roberts è una di quelle attrici che non sembra aver alcun tipo di difetto. Il suo sorriso smagliante rallegra in un istante tutto ciò che la circonda e contagia tutte le persone che gli stanno intorno, continuando a far innamorare il suo pubblico. La sua carriera ha avuto una gavetta che le ha consentito di poter rischiare e di dare poi vita a personaggi memorabili che il pubblico e la storia del cinema non potrà mai dimenticare.

Ecco, allora, dieci cose che non sapete su Julia Roberts.

Julia Roberts: i suoi film e le serie TV

1. Ha recitato in celebri film. Julia Roberts debutta al cinema nel 1987 con Scuola di pompieri e l’anno successivo in Femmine sfrenate. La svolta arriva nel 1988 con Mystic Pizza, che le apre le porte di Hollywood. Due anni più tardi conquista fama mondiale con Pretty Woman (1990), al fianco di Richard Gere, film che la consacra come nuova regina delle commedie romantiche.

Negli anni Novanta continua la sua ascesa con A letto con il nemico (1991), Hook – Capitan Uncino (1991), Il rapporto Pelican (1993), Michael Collins (1996), Tutti dicono I Love You (1996), Il matrimonio del mio migliore amico (1997), Notting Hill (1999) e Se scappi, ti sposo (1999). Il 2000 segna un traguardo decisivo: con Erin Brockovich – Forte come la verità vince l’Oscar come miglior attrice protagonista.

Tra i suoi titoli successivi si ricordano Ocean’s Eleven (2001), Confessioni di una mente pericolosa (2002), Mona Lisa Smile (2003), La guerra di Charlie Wilson (2007), Mangia prega ama (2010), L’amore all’improvviso – Larry Crowne (2011), Biancaneve (2012), I segreti di Osage County (2013), Money Monster (2016), Wonder (2017) e Ben is Back (2018).

Negli ultimi anni, Roberts è tornata sotto i riflettori con Ticket to Paradise (2022), commedia romantica che l’ha vista nuovamente accanto a George Clooney, e con Leave the World Behind (2023) di Sam Esmail, distribuito da Netflix. Nel 2025 è protagonista di After the Hunt di Luca Guadagnino, presentato in concorso a Venezia, confermando ancora una volta la sua capacità di spaziare tra generi diversi e di restare un volto di riferimento del cinema contemporaneo.

2. Julia Roberts ha lavorato in alcune serie tv e ha fatto anche la doppiatrice. Nel corso della sua carriera trentennale, l’attrice americana ha partecipato anche a diverse serie tv, soprattutto agli inizi, come Crime Story (1987), Miami Vice (1988), Friends (1996) e Law & Order – I due volti della giustizia (1999). In anni recenti ha invece recitato nel film TV The Normal Heart (2014) e nelle serie Homecoming (2018) e Gaslit (2021). Ma non solo: la Roberts ha partecipato anche al doppiaggio di film d’animazione come Ant Bully – Una vita da formica (2006), La tela di Carlotta (2006) e I Puffi – Viaggio della foresta segreta (2017).

Julia Roberts in Friends

Julia Roberts in Friends

3. Ha avuto un cameo nella celebre sit-com. Nel tredicesimo episodio della seconda stagione di Friends la Roberts compare nei panni di Susie Moss, un’ex compagna di scuola di Chandler Bing. Convincerla a partecipare, però, sembra non essere stato affatto semplice. L’attrice pare aver infatti risposto alla richiesta di Matthew Perry, uno dei protagonisti, affermando che avrebbe partecipato solo se lui le avesse scritto un articolo sulla fisica quantistica. L’attore senza esitazione si gettò nell’impresa, riuscendo a conquistare l’attrice e il suo cameo.

Julia Roberts in Notting Hill

Julia Roberts Notting Hill

4. Era la prima scelta per il ruolo. Nella celebre commedia romantica del 1999, la Roberts interpreta Anna Scott, una celebrità che si innamora di William Thacker, proprietario di una libreria nel quartiere di Notting Hill. Julia Roberts è stata l’unica e unica scelta per il ruolo, anche se gli autori non si aspettavano che lei accettasse. Il suo agente, però, le disse che era “la migliore commedia romantica che avesse mai letto“. A quel punto la Roberts dopo aver letto la sceneggiatura ha deciso che avrebbe partecipato al film senza alcun dubbio.

5. Ha avuto un “diverbio” con il suo co-protagonista. Nei panni di William Thacker vi è Hugh Grant, il quale durante le riprese si lasciò sfuggire il proprio nervosismo riguardo al dover baciare la Roberts. L’attore, infatti, affermò di provare timore nei confronti della bocca di lei, giudicata troppo grande. Sul momento la cosa sembrò generare un certo attrito tra i due, che in seguito si sono però chiariti e riappacificati.

Julia Roberts è su Instagram

6. Ha un profilo sul celebre social. Pur se notoriamente riservata circa la sua vita privata, l’attrice non ha detto no ad una sua presenza sul social network Instagram. Su questo si può infatti ritrovare un suo profilo seguito da ben 9,3 milioni di followers. Con oltre duecento post l’attrice è solita condividere novità sui suoi lavori, curiosità dal dietro le quinte dei progetti in cui recita ma anche momenti di svago quotidiano insieme ad amici e famigliari. Seguendola si può dunque rimanere aggiornati su tutte le sue novità.

Julia Roberts: il marito, i figli e Herny Daniel Moder

7. Julia Roberts è sposata dal 2002. L’attrice americana si è sposata il 4 luglio del 2002 con il cameraman Daniel Moder. Sebbene abbia sempre mantenuto privata la sua vita familiare e sentimentale, di recente si aperta molto e ha dichiarato di essere innamoratissima del marito e di essere fortunata ad avere lui al suo fianco. Insomma, dopo un periodo sentimentale turbolento (il primo matrimonio con il cantante country Lyle Lovett, naufragato quasi prima di subito, la relazione interrotta con Kiefer Sutherland pochi giorni prima delle nozze e la relazione di quattro anni con l’attore Benjamin Bratt), l’attrice ha trovato la pace che meritava.

8. Julia Roberts ha tre figli. Con Daniel Moder l’attrice ha inoltre esaudito il desiderio di diventare madre. Infatti, nel 2004 sono nati i gemelli Hazel Patricia e Phinnaeus Walter, nati il 28 novembre, mentre il terzogenito, Henry, è nato il 18 giugno 2007.

9. Julia Roberts ha cresciuto i figli senza dirgli di essere famosa. Tempo fa, la Roberts rivelò di non aver detto ai figli di essere una celebrità e di essere famosa, senza sapere di preciso cosa essa facesse per vivere. Questo solo per poterli crescere bene e per far sì che fosse solo la loro mamma e non in primis l’attrice famosa. La Roberts è infatti sempre stata molto protettiva nei loro confronti e sono pochissime le foto che la ritraggono insieme ai figli.

Julia Roberts: età e altezza dell’attrice oggi

10. Julia Roberts è una splendida cinquantenne. L’attrice americana è nata il 28 ottobre del 1967 a Smyrna, in Georgia,, da Walter Grady Roberts e Betty Lou Bredemus, ed è la sorella minore degli attori Eric e Lisa e zia di Emma Roberts. L’attrice è alta complessivamente 1.75 metri.

Fonti: IMDb, biography

Gaia Girace: 10 cose che non sai sull’attrice

Gaia Girace: 10 cose che non sai sull’attrice

Negli ultimi anni, sono poche purtroppo le serie tv italiane che sono riuscite a distinguersi dalla massa e a lasciare il segno. Una di queste è senza dubbio L’Amica Geniale, divenuta un vero e proprio fenomeno mediatico. Grazie a questa serie abbiamo potuto conoscere alcuni dei talenti italiani emergenti della recitazione come Gaia Girace, piccola grande interprete di una delle due protagoniste.

Gaia Girace: i suoi film e le serie TV

1. Ha recitato in note serie TV. Gaia Girace debutta sul piccolo schermo nel 2018 con L’amica geniale, dove interpreta Lila Cerullo, uno dei personaggi più complessi della tetralogia di Elena Ferrante. L’attrice ha vestito i panni di Lila dal 2018 al 2022, prendendo parte a 22 episodi e ottenendo grande notorietà internazionale. Nel 2022 recita nella miniserie francese Diane de Poitiers, mentre nel 2023 entra nel cast della serie Disney+ The Good Mothers, diretta da Julian Jarrold ed Elisa Amoruso, accanto a Micaela Ramazzotti e Valentina Bellè.

Negli ultimi anni ha continuato a muoversi tra Italia ed estero, consolidando la sua immagine di giovane talento europeo. Nel 2024 ha partecipato a progetti ancora inediti al cinema e in televisione, confermandosi una delle attrici italiane più promettenti della sua generazione.

2Ha preso parte ad altri importanti progetti. Oltre alle serie TV, la Girace ha lavorato anche nel cinema e nei cortometraggi. Nel 2021 è stata protagonista de I santi e di A Future Together, diretto dal premio Oscar Wim Wenders. Nel 2023 ha esordito al cinema come protagonista di Girasoli, in cui interpreta Lucia, una giovane rinchiusa nel manicomio di Aversa, che stringe un legame intenso con un’infermiera. Il film ha confermato la sua capacità di affrontare ruoli drammatici e sfaccettati.

Dopo questa esperienza, Girace è stata scelta per nuovi progetti destinati ai festival internazionali, espandendo ulteriormente la sua carriera oltre i confini italiani. Al 2025, il suo percorso appare in costante ascesa, con ruoli sempre più centrali e una forte attenzione da parte della critica.

Gaia Girace in L’amica Geniale

3. Era determinata ad ottenere il ruolo. Riguardo al suo provino per la serie, la Girace ha dichiarato: “Anche se quello era il mio primo provino, fare l’attrice era il mio sogno: ci tenevo tantissimo, volevo essere scelta […] Ho letto il primo libro dopo essere stata presa. La scrittura della Ferrante mi ha dato emozioni fortissime per l’originalità della storia, per lo stile, la cura dei dettagli. In una parola: magia”. Il desiderio di ottenere quel ruolo si è dunque concretizzato, dando alla Girace l’occasione di portare avanti una carriera da attrice.

Gaia-Girace-Margherita-Mazzucco

4. La seconda stagione è stata molto difficile per lei. Le riprese della seconda stagione de L’Amica Geniale sono state piuttosto dure per l’attrice. A sconvolgere gli equilibri creatisi, c’è infatti stato l’ingresso di una nuova regista, Alice Rohrwacher – sorella di Alba Rohrwacher, voce narrante della serie – che ha sostituito a fasi alterne Saverio Costanzo dietro la macchina da presa. Inizialmente pare che Gaia non riuscisse ad adattarsi bene al cambio di regia e stile. Alla fine, però, ha saputo allinearsi con la regista e trovare insieme a lei il modo di proseguire il racconto del suo personaggio.

Gaia Girace e Margherita Mazzucco

5. Sono diventate grandi amiche. Passando tante ore insieme sul set di L’amica geniale, come spesso accade, le piccole Lenù e Lila sono diventate grandi amiche anche nella vita reale. Le attrici Gaia Girace e Margherita Mazzucco si sono infatti conosciute sul set e tra loro pare sia stato un colpo di fulmine da cui si è poi consolidata un’autentica amicizia. Eppure il loro incontro è stato puramente casuale. Mentre Gaia, decisa a ottenere una parte nella serie, è stata subito scelta per interpretare Lila, Margherita, invece, si è presentata al penultimo giorno di casting ed è stata chiamata circa un mese più tardi.

Gaia Girace in The Good Mothers

6. Ha interpretato un personaggio importante nella serie. In The Good Mothers, serie adattamento dell’omonimo romanzo di Alex Perry e basato su fatti realmente accaduti, l’attrice interpreta Denise Cosco, figlia di Lea Garofalo, testimone di giustizia e vittima della ‘ndrangheta. Un personaggio delicato da interpretare quello di Denise, ancor di più perché ispirato ad una persona realmente esistente. La Girace tuttavia non ha avuto modo di incontrare tale persona, dovendosi dunque basare per la propria interpretazione unicamente su articoli e interviste.

Gaia Girace è Caterina de Medici

7. Ha interpretato la celebre nobildonna. Un’altro ruolo per cui la Girace si è distinta è quello di Caterina de Medici, da lei interpretata nella miniserie francese Diane de Poitiers, dedicata all’omonima una donna vissuta nel XVI secolo, che fu l’amante ufficiale del re Enrico II di Francia. In mezzo ad un cast composto prevalentemente da attori francesi, l’attrice ha dunque avuto modo di interpretare un personaggio italiano, cimentandosi con una nuova prova attoriale particolarmente importante.

Gaia-Girace-The-Good-Mothers

Gaia Girace ha un fidanzato?

8. È single. Come da lei dichiarato in alcune interviste, l’attrice è attualmente single. Ad ogni modo, è questo un aspetto della propria vita che la Girace intende comprensibilmente mantenere il più privato possibile, dunque anche quando avrà una relazione di questo tipo, non ci saranno messaggi particolari che lo renderanno noto.

Gaia Girace è su Instagram

9. È presente sul social network. L’attrice è presente sul social network Instagram, con un proprio profilo verificato seguito da ben 210 mila persone e dove attualmente si possono ritrovare circa 80 post. Questi sono principalmente immagini relative a suoi lavori da attrice e da modella, inerenti il dietro le quinte di tali progetti o promozionali nei loro confronti. Ma non mancano anche curiosità, momenti di svago, eventi a cui ha preso parte e altre situazioni ancora. Seguendola, si può dunque rimanere aggiornati su tutte le sue novità.

 

 

Visualizza questo post su Instagram

 

Un post condiviso da Gaia Girace (@gaiagirace)

Gaia Girace: età e altezza

10. Gaia Girace è nata a Vico Equense, Campania, il 21 ottobre 2003. L’attrice è alta complessivamente 1,70 metri.

Fonti: IMDb, Instagram

Ewan McGregor e il rimpianto di non essere in Andor: “C’è sempre una possibilità”

0

Ewan McGregor ha rivelato che il suo grande rimpianto riguardo a Star Wars è quello di non essere apparso in Andor. McGregor, come noto, ha interpretato il personaggio principale nella serie Obi-Wan Kenobi e nella trilogia prequel di Star Wars. Andor, invece, è un prequel di Rogue One: A Star Wars Story che racconta la storia di Cassian Andor, che da ladro diventa un antieroe che combatte e infrange le regole per la Ribellione.

Oltre ad aver ricevuto recensioni entusiastiche, la serie Disney+ è ampiamente considerata come la migliore di Star Wars degli ultimi anni. Di conseguenza, molti fan sono tristi che ora sia finita, dopo aver concluso con una seconda stagione stellare. La cosa dispiace anche a McGregor, che durante un panel al Fan Expo di Toronto ha rivelato di aver visto la serie solo di recente con suo figlio e di averla apprezzato così tanto da guardarla tutto d’un fiato.

Me lo sono perso quando è uscito. Non so, arrivo sempre in ritardo. Sono fatto così. Se tutti parlano di qualcosa, io dico: ‘Sì, lo vedrò più tardi’. E poi, quando lo guardo, un anno dopo, penso: ‘È davvero bello’. Ed era come: ‘Sì, è quello che dicevamo tutti un anno fa’”, ha spiegato l’attore. “Ma l’ho fatto. Ho guardato Andor e ho guardato il primo episodio a casa con mio figlio, e poi ho capito di cosa parlavano tutti. E poi ho guardato tutta la prima stagione e tutta la seconda stagione da solo, senza di lui, perché non vedevo l’ora di finirlo. Lui ne ha guardato alcuni pezzi con me, ma io l’ho trovato fantastico. Mi è piaciuto molto“.

Sempre durante l’evento, McGregor ha rivelato quanto desiderasse far parte di Andor dopo averlo apprezzato così tanto. Tuttavia, ha descritto di aver capito di aver perso la sua occasione poiché era terminato con la seconda stagione. McGregor ha quindi incoraggiato la Disney a riportare in vita Andor con commenti che sembravano per metà seri e per metà scherzosi. “E poi mi sono davvero emozionato. Pensavo: ‘Credo di essere in questa linea temporale. Potrei essere nella terza stagione!”.

“Ero super eccitato, e poi ho capito: ‘Oh no’. Comunque, forse se ci fosse stata, avrei potuto inserirmi, se solo… C’è sempre la possibilità che ci sia una storia che si svolge nello stesso periodo e che in qualche modo si intreccia. Quindi c’è sempre una possibilità, se la Disney sta ascoltando… ipoteticamente, ipoteticamente. Dai, Disney. Cosa stiamo aspettando? Andiamo! Cosa stiamo facendo?“, ha concluso l’attore.

Ewan McGregor potrebbe ancora far parte di Andor?

Considerando i commenti di Ewan McGregor su Andor e la reazione del pubblico nei confronti della serie, ci sono due conclusioni principali da trarre per lo show. Innanzitutto, è innegabile che ci sia un desiderio appassionato di vedere Cassian tornare. Dopotutto, il pubblico è letteralmente esploso quando McGregor ha esclamato: “Dai, Disney”. Il secondo punto da sottolineare delle osservazioni di McGregor è che l’attore sembra sinceramente desiderare di far parte della serie. Considerando il potere mediatico di McGregor, il fatto che sia così interessato a far parte di Andor da discuterne pubblicamente la dice lunga sulla serie.

Woody Allen difende la sua presenza a Mosca: “Interrompere il dialogo artistico non è mai la soluzione giusta”

0

Woody Allen è attualmente oggetto di pesanti critiche dopo la sua partecipazione alla Settimana Internazionale del Cinema di Mosca. Il Ministero degli Esteri ucraino ha definito il regista una “vergogna”, accusandolo di chiudere un occhio sulle “atrocità” commesse dalla Russia nella guerra in Ucraina. Allen, intervenendo in videoconferenza all’evento – moderato dal regista russo e alleato di Putin, Fyodor Bondarchuk – ha elogiato il cinema russo e ha persino accennato alla possibilità di girare un film nel Paese.

Le polemiche si sono diffuse a tal punto che Allen ha dovuto difendere la sua partecipazione e presentare delle scuse parziali in una dichiarazione inviata all’Associated Press e alla CNN. “Per quanto riguarda il conflitto in Ucraina, credo fermamente che Vladimir Putin abbia completamente torto. La guerra che ha causato è spaventosa“, ha detto Allen. ”Ma, qualunque cosa abbiano fatto i politici, non credo che interrompere il dialogo artistico sia mai un buon modo per aiutare“.

Woody Allen, come noto, è stato in gran parte emarginato da Hollywood da quando sono riemerse le accuse di violenza sessuale durante l’era #MeToo, ma continua a girare film in Europa, tra cui Francia e Spagna. Il suo progetto più recente è infatti Un colpo di fortuna – Coup de Chance, girato in lingua francese e presentato Fuori Concorso al Festival di Venezia nel 2023. Il film era anche stato ben accolto dalla critica, con Allen stesso presente al festival per raccontare quella sua nuova fatica cinematografica.

LEGGI ANCHE: Coup de Chance, Woody Allen: “Quando ero giovane i film che più mi colpivano erano francesi e italiani”

A questo punto, dunque, Allen non sembra avere nulla da perdere. Emarginato negli Stati Uniti, sembra intenzionato ad accettare tutti gli inviti che gli vengono proposti, sfruttandoli per rimanere in contatto con il pubblico e continuare a fare ciò che ama: parlare di cinema. Il suo progetto più recente, che avrebbe dovuto essere girato a Barcellona quest’estate, è fallito a causa dei problemi di finanziamento e al momento non ci sono novità riguardo ad un suo nuovo lungometraggio.

Avengers: Doomsday, chiarimenti sul vociferato scontro tra Robert Downey Jr. e Ryan Reynolds

0

Questa settimana si è parlato molto di un presunto scontro tra Robert Downey Jr. e Ryan Reynolds sul set di Avengers: Doomsday. La voce risale ai commenti di Jeff Sneider e John Rocha, anche se nessuno dei due ha affermato che fossero stati proprio Downey e Reynolds a litigare. Le chiacchiere sui social media hanno ricevuto così tanta attenzione online che TMZ ha ora deciso di smentirle.

Notando che “la sottocultura di Internet dedicata alle congetture sulla Marvel ha inventato una storia secondo cui ci sarebbe stata una lite verbale” sul set di Avengers: Doomsday, il sito di gossip ha spiegato perché è impossibile che gli attori che interpretano Dottor Destino e Deadpool fossero coinvolti.

Una fonte ben informata ha riferito a TMZ che Ryan e Robert si conoscono, certo, ma ecco il problema con l’indiscrezione”, osserva il sito, “non si sono mai incontrati di persona!”. Spiegando che hanno un rapporto “amichevole” e che hanno persino discusso della possibilità che Downey faccia un cameo in Deadpool & Wolverine, si dice che “Ryan nutre solo rispetto e ammirazione per RDJ”.

Era abbastanza ovvio che la storia fosse di un loro litigio fosse un falso, quindi questo aggiornamento non è una grande sorpresa. Gli attori litigano continuamente sul set, e già in precedenza era stato riferito che, nonostante le discussioni sulla separazione della coppia senza nome, alla fine avevano messo da parte le loro divergenze e avevano rapidamente voltato pagina.

Ci sono molte affermazioni bizzarre su Avengers: Doomsday che circolano attualmente, tra cui storie su Downey che ha rigirato tutte le sue scene nei panni di Dottor Destino dopo che erano state originariamente realizzate con una controfigura. Si tratta però di un’affermazione molto specifica, visto che nessun dettaglio della trama è trapelato online. Al momento, data anche la riservatezza con cui si stanno svolgendo le riprese, ciò che emerge online è da prendere come rumor senza alcuna conferma ufficiale.

Cosa sappiamo di Avengers: Doomsday

Avengers: Doomsday e Avengers: Secret Wars arriveranno in sala rispettivamente il 18 dicembre 2026, e il 17 dicembre 2027. Entrambi i film saranno diretti da Joe e Anthony Russo, che tornano anche nel MCU dopo aver diretto Captain America: The Winter Soldier, Captain America: Civil War, Avengers: Infinity War e Avengers: Endgame.

Sono confermati nel cast del film (per ora): Paul Rudd (Ant-Man), Simu Liu (Shang-Chi), Tom Hiddleston (Loki), Lewis Pullman (Bob/Sentry), Florence Pugh (Yelena), Danny Ramirez (Falcon), Ian McKellen (Magneto), Sebastian Stan (Bucky), Winston Duke (M’Baku), Chris Hemsworth (Thor), Kelsey Grammer Bestia), James Marsden (Ciclope), Channing Tatum (Gambit), Wyatt Russell (U.S. Agent), Vanessa Kirby (Sue Storm), Rebecca Romijn (Mystica), Patrick Stewart (Professor X), Alan Cumming (Nightcrawler), Letitia Wright (Black Panther), Tenoch Huerta Mejia (Namor), Pedro Pascal (Reed Richards), Hannah John-Kamen (Ghost), Joseph Quinn (Johnny Storm), David Harbour (Red Guardian), Robert Downey Jr. (Dottor Destino), Ebon Moss-Bachrach (La Cosa), Anthony Mackie (Captain America).

James Wan e Patrick Wilson rivelano se hanno incontrato James Gunn per un progetto DC

0

Aquaman ha incassato oltre 1,1 miliardi di dollari nel 2018, spingendo la Warner Bros. ad ingaggiare rapidamente il regista James Wan per dirigere il sequel Aquaman e il Regno Perduto, poi finalmente approdato nelle sale alla fine del 2023. A quel punto, sia i fan che gli spettatori avevano perso gran parte dell’interesse per il DCEU, ma nonostante le recensioni largamente sfavorevoli, il sequel è comunque riuscito a incassare 440 milioni di dollari in tutto il mondo.

In questi film Wan ha collaborato l’attore Patrick Wilson, interprete di Ocean Master, già protagonista dei lungometraggi della saga di The Conjuring, prodotta da Wan. I due, durante un’intervista per promuovere il recente The Conjuring – Il rito finale, hanno parlato anche di una possibile collaborazione con la DC Studios nel nuovo DCU.

No, non l’ho mai incontrato”, ha detto Wilson, che non è nuovo al mondo dei fumetti dopo aver recitato anche in Watchmen, riferendosi a James Gunn. “Quindi non ho alcun rapporto con lui. Ovviamente, Peter, il suo partner, è il nostro produttore, quindi conosco Peter da sempre. Insomma, abbiamo detto quello che dovevamo dire con Orm, quindi sì, adoro quel ragazzo, adoro il personaggio”. Anche Wan, dal canto suo, non sembra intenzionato a tornare alla DC.

Non proprio. Peter e io abbiamo solo scambiato qualche parola, ma in realtà ho appena preso una pausa dalla regia per dedicarmi alla mia salute mentale, perché dirigere un film richiede un impegno enorme dal punto di vista fisico, mentale ed emotivo”. “E quindi, chi lo sa? Mai dire mai. Ma per ora sto lentamente tornando in pista. Ti dirò cosa mi piacerebbe fare: mi piace l’idea di tornare al genere horror”, ha concluso Wan, lasciando intendere di voler tornare alle sue origini o forse mostrando interesse per un film tratto da un fumetto a tema horror.