Gotham City è la
casa di criminali come Joker, Poison Ivy, Penguin e Mr. Freeze,
così come di eroi come Nightwing, Red Hood, Batgirl, Robin e,
naturalmente, Batman. Dopo molta attesa, abbiamo la conferma che la
città protetta dal Crociato Incappucciato sarà l’ambientazione di
un film in uscita.
Il co-CEO di DC Studios
Peter Safran ha parlato con The Wrap per
rivelare l’ambientazione del film. “Si adatta
perfettamente al DCU e ci porta nel mondo di Gotham. Quindi,
l’opportunità di realizzare un film horror per la DC è stata una
specie di regalo”.
Non sorprende che Gotham
City sia la location del primo film horror della DC,
soprattutto considerando di chi parla quella storia. Gotham è piena
di diversi personaggi terrificanti. Due Facce, Man Bat, The
Phantasm, Killer Croc, Spaventapasseri, Professor Pyg e Joker sono
solo alcuni dei personaggi spaventosi che vagano regolarmente per
le strade di Gotham.
Cosa sappiamo di
Clayface
Si dice che Clayface
sia un horror-thriller-tragedia, con il protagonista che non
dovrebbe essere ritratto come il noto cattivo che è conosciuto nel
canone di Batman. Il personaggio è stato introdotto dalla DC in
Detective Comics #40 nel giugno 1940. In origine, era
raffigurato come un attore di discreto successo che, dopo essersi
dato al crimine, aveva adottato l’identità di un personaggio che
aveva interpretato in un film horror. Ha un corpo apparentemente
fatto di argilla ed è apparso nel corso degli anni in vari film,
serie, opere d’animazione, videogiochi e altre forme di media.
In base ai commenti di
James Gunn,
il film sarà ambientato nel DCU, al contrario
del “BatVerse” del regista di The
Batman Matt Reeves. “Notizie entusiasmanti da [DC]
Studios oggi, poiché [Clayface], una storia del DCU da una
sceneggiatura di Mike Flanagan, ha ricevuto UFFICIALMENTE il via
libera. Clayface debutterà nel 2026″, ha scritto Gunn.
Flanagan aveva espresso il suo interesse per la realizzazione di un
film autonomo su Clayface già nel 2021, quando scrisse su Twitter
di voler affrontare il film come un
“horror/thriller/tragedia”.
Il co-CEO di DC Studios
Peter Safran ha condiviso alcuni nuovi dettagli
sulla sceneggiatura di Flanagan, osservando che Clayface
sarà effettivamente un film horror sullo stesso filone di La
Mosca di David Cronenberg. THR ha
recentemente fornito alcuni aggiornamenti interessanti e sembra che
il film trarrà anche più di un po’ di ispirazione dal successo di
body horror di Coralie Fargeat, The
Substance.
“Clayface, vedi, è una storia
horror di Hollywood, secondo le nostre fonti, che usa
l’incarnazione più popolare del cattivo: un attore di film di serie
B che si inietta una sostanza per mantenersi giovane e rilevante
solo per scoprire che può rimodellare il suo viso e la sua forma,
diventando un pezzo di argilla ambulante”.
Clayface
ha un budget dichiarato di 40 milioni di dollari e dovrebbe essere
girato in una varietà di località, tra cui Vancouver, Toronto e New
Jersey o Atlanta. Alan Tudyk ha recentemente
prestato la voce a Clayface
nella serie animata Creature Commandos di
James Gunn,
il che significa che c’è la possibilità che possa anche
interpretare il personaggio in un live-action a un certo punto.
I rumors relativi a Avengers:
Doomsday e Secret
Wars sono moltissimi e sono davvero poche le notizie
certe. Tra queste c’è certamente il coinvolgimento alla regia di
Joe Russo e Anthony Russo. Ma ci aspettiamo
molti altri nomi importanti, data l’introduzione, anche quella
certa, del Multiverso.
Deadpool e
Wolverine hanno regalato alcuni cameo memorabili, ma
Doomsday e Secret Wars dovrebbero essere su un
livello completamente diverso. Ci aspettiamo di vedere molti volti
del passato e alcuni attori MCU noti in nuovi ruoli insieme
all’attore di Iron Man Robert Downey Jr. nei panni
di Dottor Destino.
Ora, un nuovo rapporto di The
Cosmic Circus rivela che i Marvel Studios stanno valutando come portare
personaggi animati in Avengers: Doomsday. Quindi,
piuttosto che tradurre un personaggio animato in live-action,
manterranno i rispettivi stili di animazione, con risultati simili
a Space Jam e Chi ha incastrato Roger
Rabbit.
Il sito aggiunge: “Per chiarire,
mentre si prevede che Miss Minutes tornerà per Avengers: Doomsday,
le informazioni relative a queste scene sono IN AGGIUNTA alle
interazioni di Miss Minutes sullo schermo”.
Non sorprende che i personaggi di
What
If…? siano tra quelli al centro della scena in
Doomsday, e questo rapporto suggerisce che
The Watcher verrà mostrato insieme agli
Exiles: Storm, Byrdie e Kahhori. Nel rapporto, si
dice che i personaggi “osserveranno come il multiverso si
dissolve nella follia dalla quinta dimensione e cercheranno di
aiutare il più possibile”.
Sembra che potrebbe apparire anche
il personaggio principale di Il Vostro Amichevole
Spider-Man di Quartiere, anche se non è chiaro se questi
cameo animati si estenderanno solo ai recenti progetti Marvel Animation o ad altri
classici programmi TV.
Vedremo cosa succederà. Il risultato sarà accattivante o fiacco?
Il ritorno di Downey nel MCU è stato annunciato al Comic-Con
dello scorso anno, dove è stato svelato che l’attore interpreterà
Victor Von Doom nei prossimi due film dei Vendicatori. A dicembre
Deadline ha riportato la notizia che Chris Evans sarebbe tornato nell’universo
Marvel in un ruolo ancora da
definire. Un altro casting per il prossimo Avengers:
Doomsday è quello di Hayley Atwell, che dovrebbe riprendere il suo
ruolo di Agente Carter.
La prima mondiale del film
live-action di Biancaneve della
Disney si è tenuta nel fine settimana, ma l’evento non ha
mobilitato lo sfarzo e il glamour a cui siamo abituati quando la
Casa di Topolino di solito proietta un nuovo film per la prima
volta.
La stampa non è stata invitata a intervistare le star sul red
carpet in favore di “un evento pomeridiano più celebrativo e
adatto alle famiglie per adattarsi al tono e al pubblico di
riferimento del film”.
Si ritiene che il vero motivo sia
dovuto almeno in parte alle “controversie” che circondano le
protagoniste Rachel Zegler, che è stata una sostenitrice
schietta della Palestina e critica del presidente Donald Trump, e
Gal Gadot, che è scesa in campo in difesa del suo
paese d’origine, Israele. Ci sono state anche segnalazioni secondo
cui entrambe le attrici non sono andate molto d’accordo durante le
riprese del film (anche se questo è stato contestato).
Martin Klebba, che
presta la voce a Brontolo nel nuovo film e funge anche da
consigliere per il resto dei Nani, ha espresso i suoi pensieri
sulla première durante un’intervista con THR. “Non sarà
davvero un red carpet“, afferma Klebba, che sottolinea di
essere molto orgoglioso del film e non vede l’ora che il pubblico
lo veda. “Sarà all’El Capitan [Theatre], il che è fantastico.
Ma sarà fondamentalmente una festa pre-evento, guarderemo il film e
basta. Non ci sarà tutto questo clamore di ‘primo [fottuto] film
Disney che abbiano mai fatto’. A causa di tutte queste
controversie, hanno paura del contraccolpo da parte di persone
diverse nella società“.
Tutto quello che sappiamo su
Biancaneve
Biancaneve
è diretto da Marc Webb, regista di The Amazing Spider-Man, da una sceneggiatura
della regista di Barbie,
Greta
Gerwig e della drammaturga Erin Cressida
Wilson. Il film dovrebbe ampliare la storia del classico
d’animazione del 1937. Il film conterrà nuove canzoni di
Benj Pasek e Justin Paul (La La Land e The
Greatest Showman) e vedrà anche la star di
Wonder
Woman,
Gal Gadot nel ruolo della Regina Cattiva. Gli
attori per la maggior parte dei sette “nani” non sono stati
annunciati, ma sappiamo che Martin Klebba, che ha partecipato a
tutti i film dei Pirati dei
Caraibi, interpreterà Brontolo.
È stato inoltre confermato che il
film includerà una versione più giovane di Biancaneve, il che
suggerisce che avremo una sorta di scene di flashback che
approfondiranno le origini del personaggio principale.
L’uscita di Biancaneve nelle
sale è prevista per il 21 marzo 2025.
Il DCU verrà inaugurato davvero l’11 luglio, quando
Superman volerà
nei cinema. Sebbene Creature Commandos,
distribuito a dicembre 2024, fosse tecnicamente il primo progetto
DCU, il nuovo universo inizierà davvero con
Superman, quindi continuerà con progetti seriali
come Lanterns on Max, il lungometraggio
Supergirl: Woman of Tomorrow, che avrà come
co-protagonista Lobo di Jason Momoa, e continuerà
con progetti dallo stile molto diverso come Clayface.
James
Gunn e Peter Safran hanno recentemente parlato con
The Wrap per spiegare nel dettaglio il loro piano per
quanto riguarda la frequenza di uscita dei progetti. Il loro
obiettivo, almeno per ora, è di distribuire “due film
live-action e un film d’animazione all’anno“, afferma
Peter Safran. Ha anche detto che vogliono qualcosa
di simile per Max, il servizio di streaming della Warner Bros, dove
vogliono distribuire due serie live-action e una serie animata
all’anno, un obiettivo ambizioso per un nuovo universo che senza
dubbio aiuterà ad aumentare i numeri di Max.
Gunn ha anche commentato il motivo
per cui alcuni film di Hollywood subiscono un calo di qualità.
“Come ho potuto constatare lavorando a Hollywood, la cosa
peggiore della qualità dei film di Hollywood è che così tante
sceneggiature ottengono il via libera in base a una data o in base
al fatto che si tratta di una proprietà intellettuale che vogliamo
realizzare, ma non la realizziamo correttamente”.
Questo è in linea con i molti altri
commenti di Gunn sulla sua esperienza a Hollywood e su come lui e
Safran hanno intenzione di fare le cose alla DC. Gunn ha anche
commentato l’idea di creare un universo interconnesso di media che
non richieda al pubblico di fare i compiti per ogni singolo
progetto, qualcosa di cui molte persone si lamentano riguardo al
Marvel Cinematic Universe.
“Restiamo fermi nell’assicurarci
che ognuno di questi progetti funzioni come un progetto autonomo,
in modo che tu possa andare a vedere ‘Superman’ e puoi guardare
‘Lanterns’ senza doverli vedere entrambi”, ha detto Gunn,
aggiungendo anche che “ci saranno cose speciali per le persone
che hanno visto entrambi”.
Superman, tutto
quello che sappiamo sul film di James Gunn
Superman,
scritto e diretto da James Gunn, non
sarà un’altra storia sulle origini, ma il Clark Kent che
incontriamo per la prima volta qui sarà un “giovane reporter” a
Metropolis. Si prevede che abbia già incontrato Lois Lane e,
potenzialmente, i suoi compagni eroi (Gunn ha detto che
esistono già in questo mondo e che l’Uomo di domani non è il primo
metaumano del DCU). Il casting ha
portato alla scelta degli attori David Corenswet
e Rachel
Brosnahan come Clark Kent/Superman e Lois Lane. Nel
casta anche Isabela Merced, Edi Gathegi,
Anthony Carrigan,
Nicholas Hoult e Nathan Fillion.
Il film è stato anche descritto come
una “storia
delle origini sul posto di lavoro“, suggerendo che una
buona parte del film si concentrerà sull’identità civile di
Superman, Clark Kent, che è un giornalista del Daily Planet.
Secondo quanto riferito, Gunn ha consegnato la prima bozza della
sua sceneggiatura prima dello sciopero degli sceneggiatori, ma ciò
non significa che la produzione non subirà alcun impatto in
futuro.
Con la sua solita cifra stilistica,
James Gunn
trasporta il supereroe originale nel nuovo immaginario mondo della
DC, con una singolare miscela di racconto epico, azione, ironia e
sentimenti, consegnandoci un Superman guidato dalla compassione e
dall’innato convincimento nel bene del genere umano.
“Superman è il vero fondamento
della nostra visione creativa per l’Universo DC. Non solo è una
parte iconica della tradizione DC, ma è anche uno dei personaggi
preferiti dai lettori di fumetti, dagli spettatori dei film
precedenti e dai fan di tutto il mondo”, ha detto Gunn durante
l’annuncio della lista DCU. “Non vedo
l’ora di presentare la nostra versione di Superman, che il pubblico
potrà seguire e conoscere attraverso film, film d’animazione e
giochi”. Il film uscirà nelle sale il 10 luglio
2025.
GamesRadar+ ha scandagliato
The Electric State alla ricerca di Easter Egg
e ha scoperto un interessante cenno a Scarlet
Witch.
Si tratta di un istante, ma in una
scena un robot che legge una copia di West Coast Avengers #56 degli
anni ’90. Potrebbe essere semplicemente che i Russo che vogliono
rendere omaggio al loro lavoro Marvel, ma la scelta del numero è
innegabilmente interessante.
Nel fumetto, Wanda Maximoff diventa
cattiva e imprigiona i suoi compagni Vendicatori quando i suoi
poteri di Magia del Caos iniziano ad aumentare a un ritmo
allarmante. Anni dopo, si sarebbe scoperto che il Dottor Destino
aveva manipolato Scarlet Witch dall’ombra nella speranza di rubarle
la capacità di alterare la realtà.
Con questo in mente, questo
potrebbe essere un indizio di ciò che vedremo in Avengers:
Doomsday. Nei fumetti, Destino è diventato
“Dio Imperatore Destino” rubando i poteri degli Beyonders
e manipolando Molecule Man. Nel MCU, potrebbe essere che abbia
preso di mira Loki, Scarlet Witch e Franklin Richards, tre
personaggi che abbiamo sentito saranno nel radar del cattivo.
Si vocifera che i prossimi film di
Avengers associno Victor Von Doom e Wanda, quindi questo potrebbe
essere un riferimento che anticipa i piani di Joe e Anthony. In una
recente intervista, i registi hanno rivelato che stanno di nuovo
usando immagini simili a figurine da baseball degli attori del
MCU per cercare di capire chi
possono usare in Doomsdaye Secret
Wars.
Il ritorno di Downey nel MCU è stato annunciato al Comic-Con
dello scorso anno, dove è stato svelato che l’attore interpreterà
Victor Von Doom nei prossimi due film dei Vendicatori. A dicembre
Deadline ha riportato la notizia che Chris Evans sarebbe tornato nell’universo
Marvel in un ruolo ancora da
definire. Un altro casting per il prossimo Avengers:
Doomsday è quello di Hayley Atwell, che dovrebbe riprendere il suo
ruolo di Agente Carter.
Il finale di Everestvede gli scalatori sopravvissuti riunirsi in lacrime
con i loro cari all’aeroporto della Nuova Zelanda, mentre Beck si
riunisce con sua moglie Peach. Basato sul
disastro del Monte Everest del 1996, Everest (qui la
recensione) si apre con Rob Hall, una guida di
Adventure Consultants, che si prepara a scalare il Monte Everest
mentre sua moglie incinta Jan rimane a casa, con Rob che promette
di essere lì per la nascita del loro primo figlio. Rob è
accompagnato dai clienti Doug Hansen, Yasuko Namba, la seconda
donna giapponese a scalare le Sette Vette, Jon Krakauer, scrittore
per la rivista Outside, e Beck Weathers. Insieme ai clienti
di Rob c’è anche Scott Fischer, un’altra guida alpina, e un
Nonostante il successo del
tentativo di raggiungere la vetta, il gruppo viene colpito da
un’improvvisa tempesta durante la discesa dall’Everest, che
blocca gli scalatori su tutta la montagna e rende quasi impossibile
il soccorso a causa delle condizioni. Rob, Doug, Yasuko, Scott,
Andy e altri tre perdono la vita sulla montagna a causa di una
combinazione di fattori, tra cui l’ipossia e il congelamento. Prima
che Rob muoia sulla montagna, lui e Jan decidono di chiamare la
loro figlia Sarah. Beck riesce a tornare al campo gravemente
congelato e alla fine viene portato via in elicottero, per poi
ricongiungersi con sua moglie e i suoi figli in Texas.
Il salvataggio di Beck Weathers
sull’Everest (e cosa gli è successo dopo)
Il salvataggio di Beck Weathers
(Josh
Brolin) è stato uno dei momenti più audaci
dell’Everest. Dopo essere stato lasciato indietro dagli
altri scalatori, Beck è riuscito a svegliarsi e a scendere al
campo, dove è stato scoperto dagli scalatori che erano con la
troupe della telecamera IMAX. Con l’aiuto della moglie Peach
(Robin
Wright), viene organizzato un salvataggio in
elicottero tramite l’ambasciata americana. Anche questo salvataggio
è stato un azzardo, dato che l’aria era troppo rarefatta per
consentire a un elicottero di raggiungere il campo o di partire in
sicurezza. Ma grazie a un pilota esperto dell’esercito nepalese, il
tenente colonnello Madan (Vijay Lama), Beck viene portato via
dall’Everest e portato in ospedale senza problemi.
Essendo uno degli alpinisti più
esperti, Beck aveva scalato quasi ovunque, il che gli dava un senso
di appartenenza e di avventura. Purtroppo, questo ha avuto un
grande impatto sulla sua vita personale, trascurando spesso la sua
vita familiare a favore dell’alpinismo (via
endorfina). Secondo l’epilogo alla fine di Everest, Beck
Weathers alla fine perse il naso e entrambe le mani a causa del
grave congelamento che aveva subito durante la tempesta. Al suo
ritorno a casa, riuscì anche a fare ammenda con sua moglie Peach,
dato che in precedenza aveva dimenticato il loro anniversario di
matrimonio.
Perché il gruppo ha abbandonato
Beck e Yasuko?
Beck Weathers ha iniziato ad avere
difficoltà con la vista a causa delle radiazioni UV e dell’alta
quota, grazie alla recente chirurgia della cheratotomia radiale, e
Yasuko ha iniziato a lottare contro l’ipotermia durante la discesa
dall’Everest. Credendo che sia Yasuko che Beck fossero ormai
irrimediabilmente in difficoltà e non sarebbero stati in grado di
scendere dalla montagna a causa dell’intensa bufera di neve,
entrambi furono lasciati indietro. A causa del numero limitato di
provviste, gli altri alpinisti e le guide che cercarono di aiutare
Yasuko e Beck volevano utilizzare quelle provviste per aiutare
altri.
Con risorse limitate e molti altri
alpinisti lasciati sulla montagna, Beck e Yasuko furono lasciati
indietro dagli altri alpinisti. Beck alla fine perde conoscenza e
Yasuko muore più tardi durante la notte. Come accennato in
precedenza, Beck fu alla fine salvato grazie all’aiuto del team
IMAX e si riprese in modo notevole. Il corpo di Yasuko fu poi
portato giù dalla montagna nel 1997 (tramite
Tranquil Kilimanjaro)
Le allucinazioni di Andy
sull’Everest e come hanno causato la sua morte
Dopo essere stato inviato dal campo
base per consegnare l’ossigeno di riserva, la guida Andy Harris
inizia a subire un’emergenza medica dopo aver localizzato Rob. Con
Doug caduto e morto e Rob bloccato in alto sull’Everest, Andy
Harris si stringe a lui per aspettare che passi la tempesta. Mentre
Rob dorme, Andy inizia ad avere allucinazioni e alla fine si
spoglia degli strati esterni, scivolando giù dall’Everest verso la
morte.
Come spiegato da Caroline
all’inizio del film, uno dei sintomi principali dell’ipotermia o
dell’ipossia sono le allucinazioni e lo strapparsi i vestiti,
perché il cervello interpreta erroneamente il freddo estremo come
caldo, una condizione nota come spogliarsi paradossalmente. È una
condizione che è stata notata in numerosi casi di ipotermia e
ipossia e generalmente indica che una persona è nelle fasi finali
prima della morte. Essere rimasto bloccato sulla montagna per
troppo tempo senza ossigeno supplementare gli ha causato
allucinazioni e l’ha portato a togliersi gli strati esterni, anche
se probabilmente era congelato.
Poiché non si sa cosa sia
successo ad Andy Harris nella vita reale, i registi hanno
dovuto prendere alcune libertà artistiche nel ritrarre la sua
morte. La maggior parte concorda sul fatto che Andy sia tornato in
cima per aiutare gli alpinisti bloccati, poiché in seguito è stata
ritrovata parte della sua attrezzatura da arrampicata. Il corpo di
Andy non fu mai ritrovato e nessuno lo vide morire, quindi la sua
morte fu qualcosa che il film dovette creare. Everest mostra
che Andy era salito sulla vetta sud per salvare Rob e Doug,
probabilmente senza rendersi conto che anche lui stava lottando
contro l’ipotermia (tramite
Tranquil Kilimanjaro).
La causa delle morti
sull’Everest è da imputare all’inesperienza?
Otto persone sono morte nel
disastro dell’Everest e la maggior parte degli scalatori non aveva
abbastanza esperienza per scalare la montagna. Poiché la maggior
parte delle morti sull’Everest sono causate da problemi di salute o
da malfunzionamenti delle attrezzature, gli scalatori vivono
davvero secondo la regola della “sopravvivenza del più forte”. Come
ha detto Rob Hall all’inizio del film, “gli esseri umani
semplicemente non sono fatti per funzionare all’altitudine di
crociera di un 747”. Il Monte Everest non è uno scherzo per
gli scalatori; è una delle montagne più pericolose al mondo e ha un
record di 5-6 morti all’anno (fonte:
Outside Magazine).
Con gli scalatori bloccati su tutto
l’Everest senza alcun mezzo per scendere, le guide erano oberate di
lavoro per mantenere in vita i loro clienti a tutti i costi. C’era
anche la competizione per arrivare in cima il più velocemente
possibile e il numero di alpinisti inesperti desiderosi di arrivare
in cima significava che le pratiche più sicure venivano messe da
parte in favore di arrivare da qualche parte in fretta. Gli
alpinisti inesperti probabilmente non avevano familiarità con la
loro attrezzatura, che avrebbe potuto aiutarli durante la discesa
se non ci fosse stata una bufera di neve. Come mostrato nel film,
alcuni dei clienti sull’Everest avevano poca o nessuna esperienza
di alpinismo. È una ricetta per il disastro.
Il vero significato del finale
di Everest
Jake Gyllenhaal in Everest (2015)
Il vero significato del finale di
Everest è che, sebbene possa essere divertente correre un
rischio e fare qualcosa di avventuroso, scalare l’Everest è una
sfida fisica, emotiva e mentale. Essendo la montagna più alta del
mondo, il Monte Everest è essenzialmente una condanna a morte se il
tempo decide di prendere una brutta piega o se uno scalatore non è
abbastanza esperto da comprendere i rischi che comporta. Gli
scalatori hanno affrontato molte difficoltà scalando l’Everest e
hanno rischiato la vita per aiutarsi a scendere in sicurezza, ma
alla fine non è stato sufficiente.
Il fatto che l’ultima inquadratura
del film sia del corpo di Rob congelato nella neve mostra la realtà
di quanto l’Everest possa essere ingannevolmente pericoloso
nonostante il suo aspetto tranquillo. La situazione si complica
quando Helen torna in Nuova Zelanda e viene accolta da Jan, che ora
è vedova. Questo conferisce al film un’impostazione solenne sulla
realtà dell’ascesa dell’Everest, invece di un lieto fine
idealizzato. Secondo Baltasar Kormákur, regista di Everest,
che ha parlato con
l’EW, voleva mostrare la dura esperienza del disastro del 1996,
invece di farne un film eroico glorificato. Questo è stato fatto
anche per onorare i sopravvissuti nella vita reale e le loro
famiglie.
Come è stato accolto il finale
di Everest
Il finale di Everest è stato
al centro dell’attenzione sia della critica che del pubblico,
suscitando una serie di reazioni. Il finale di Everest,
ispirato ai tragici eventi realmente accaduti nel disastro del 1996
sul Monte Everest, punta all’autenticità e alla risonanza emotiva.
Tuttavia, l‘accoglienza è stata mista, con alcuni che ne lodano
il realismo e altri che ne criticano il coinvolgimento
emotivo.
I critici hanno riconosciuto
l’impegno del film nel rappresentare le strazianti realtà
affrontate dagli scalatori durante la sfortunata spedizione. Glenn
Kenny di Roger
Ebert ha osservato che il film “è una rappresentazione
dettagliata e realistica degli scalatori – di varie esperienze –
che affrontano le peggiori condizioni possibili, ad altezze e climi
che sembrano progettati per spegnere un corpo umano”.L’attenzione meticolosa al calvario degli scalatori
contribuisce a un finale cupo e contemplativo, che riflette la
natura imprevedibile e spesso spietata dell’alpinismo d’alta
quota.
Tuttavia, questa aderenza al
realismo in Everest è stata anche un punto di contesa.
Alcuni critici sostengono che, mentre il film riesce a ritrarre le
sfide fisiche e i pericoli dell’Everest, non riesce a trasmettere
la profondità emotiva necessaria per coinvolgere pienamente il
pubblico. Peter Bradshaw di The Guardian ha descritto Everest come “un film
frustrante sotto molti aspetti”, e ha continuato spiegando che la
colpa è in parte del finale:
“Nonostante qualche scossone e qualche brivido, non riesce a
trasmettere il brivido da batticuore che molti si aspettavano, e
tutti quei personaggi moderatamente coinvolgenti fanno sì che non
ci sia un personaggio centrale potente: le donne sono sdolcinate e
gli uomini non molto meno. La domanda iniziale di Krakauer agli
scalatori sul perché lo stiano facendo in primo luogo suscita
naturalmente l’esilarante recita di gruppo della secolare
risposta:“Perché è lì!” Eppure non c’è altra risposta più
interessante. Alla fine del film, il pubblico può avere la
sensazione di aver faticosamente raggiunto la vetta e di essere
tornato indietro senza aver visto granché.”
Il finale di Everest, che
rispecchia i tragici esiti degli eventi reali, è stato percepito da
alcuni come emotivamente distante. Kenny ha osservato che il film
“non mi ha esaltato o spaventato tanto quanto mi ha lasciato
tristemente impassibile”, indicando un senso di distacco
piuttosto che un’empatia coinvolgente. Sebbene il finale sia
fedele agli eventi reali, potrebbe non aver trasmesso pienamente il
profondo impatto emotivo della tragedia agli spettatori.
In definitiva, il finale di
Everest è stato accolto con un misto di ammirazione per la
sua rappresentazione realistica di un evento tragico e di critica
per la sua esecuzione emotiva. Anche se il film del 2015 riesce
a mettere in evidenza la pericolosità dell’alpinismo d’alta quota,
il suo impatto sugli spettatori varia, con alcuni che provano un
profondo senso di perdita e altri che sperimentano una risposta
emotiva più contenuta. Questa dicotomia sottolinea le sfide che
i registi devono affrontare quando cercano di bilanciare
l’accuratezza dei fatti con la necessità di una narrazione
avvincente che risuoni a livello profondamente personale.
La seconda stagione, episodio 4, di
1923
è stata piena di rivelazioni clamorose sulla storia della famiglia
Dutton, e diversi pezzi sembrano pronti a incastrarsi. L’intero
cast della seconda stagione del 1923 ha sofferto gli effetti di un inverno molto
rigido per tutta la stagione. Ad esempio, Zane Davis (Brian
Geraghty) ha scoperto di dover subire un intervento chirurgico al
cervello, Elizabeth (Michelle Randolph) è stata morsa da un lupo
rabbioso e Alexandra (Julia Schlaepfer) è stata aggredita da un
borseggiatore e ha quasi perso il treno. Finora la seconda stagione
di 1923 è stata incredibilmente cupa e triste, quindi i
momenti di luce dell’episodio 4 sono stati molto apprezzati.
Anche se la quarta puntata della
seconda stagione di 1923 è stata più luminosa delle
precedenti, non è mancata di momenti bui. L’operazione di Zane è
stata snervante, la rapina di Alexandra è stata viscerale e Donald
Whitfield (Timothy
Dalton) ha continuato la sua controversa storia. Tuttavia,
Elizabeth ha anche annunciato la sua gravidanza, l’intervento di
Zane ha avuto successo e Teonna Rainwater (Aminah Nieves) e il suo
gruppo si sono divertiti un po’ con i cowboy. Sono successe molte
cose nella stagione 2, episodio 4, del 1923, e vale la pena
ripassarle tutte.
Zane sarà in grado di
combattere per il Yellowstone dopo l’intervento al
cervello?
Nella
stagione 2 di 1923, episodio 3, Zane Davis scoprì di
dover subire un intervento al cervello per liberare il sangue
dall’interno del cranio, e doveva farlo senza anestesia.
Fortunatamente, l’intervento al cervello di Zane ha avuto un
enorme successo e, nonostante sia stato un processo doloroso e
raccapricciante, dovrebbe riprendersi completamente. Infatti,
sembra che Zane si riprenderà molto rapidamente: pochi secondi dopo
aver bendato la ferita aperta nel cranio, Zane camminava e parlava
normalmente. La ferita potenzialmente letale di Zane sembra essere
scomparsa altrettanto rapidamente.
Se Zane continua a riprendersi a un
ritmo così sorprendente, potrebbe benissimo tornare a combattere al
fianco dei Dutton contro Banner Creighton (Jerome Flynn) e Donald
Whitfield (Timothy Dalton). Una delle prime parole pronunciate
da Zane è stata chiedere se Jacob (Harrison Ford) avrebbe
affrontato loro, quindi sembra che Zane tornerà in sella in men che
non si dica. Zane potrebbe anche essere in grado di iniziare a
combattere prima che Spencer (Brandon Sklenar) torni in Montana.
Jacob ha detto la cosa migliore: una calamità è stata
affrontata.
La gravidanza di Elizabeth e la
possibilità di John Dutton II spiegate
Subito dopo la miracolosa
guarigione di Zane, i Dutton hanno ricevuto un’altra buona notizia.
Elizabeth (Michelle Randolph) ha scoperto di essere incinta di
Jack (Darren Mann) dopo essersi vaccinata contro la rabbia. La
notizia risollevò immediatamente il morale di Elizabeth e potrebbe
persino essere sufficiente a convincerla a restare nonostante tutti
i problemi che ha avuto con il ranch di Yellowstone e l’inverno. Ci fu anche un momento
divertente quando Jacob pensò che la conversazione che aveva avuto
con Elizabeth avesse trasformato lei e Jack di nuovo in “cuccioli”,
ma poi Cara (Helen Mirren) lo riportò sulla Terra.
La gravidanza di Elizabeth potrebbe
anche risolvere un grande mistero di Yellowstone che si
trascina dal 1923. John Dutton II, il padre di John III
interpretato da
Kevin Costner in Yellowstone, deve ancora nascere e non
sappiamo ancora se discende da Jack o da Spencer. Il bambino di
Elizabeth, tuttavia, sarebbe della generazione e dell’età giuste
per essere John II. Il bambino di Spencer e Alexandra (Julia
Schlaepfer), d’altra parte, sarebbe di una generazione troppo
vecchio perché la maledizione della famiglia Dutton abbia senso.
L’unica sfida che devono ancora superare è evitare un altro aborto
spontaneo, come quello che hanno avuto nella prima stagione del
1923.
Banner Creighton si rivolterà
contro Donald Whitfield o lo aiuterà a conquistare il
Yellowstone?
La storia di Banner Creighton ha
ricevuto una certa attenzione anche nella seconda stagione,
episodio 4, del 1923, anche se ha sollevato più domande che
risposte. Creighton e Whitfield continuarono a tramare la rovina
dei Dutton e il sequestro del Yellowstone, e Creighton sembrava
essere per lo più d’accordo. La moglie di Banner, Ellie (Sarah
Randall Hunt), lo incoraggiò persino a lavorare con Whitfield e a
condurre una vita agiata per la loro famiglia con la forza.
L’incoraggiamento di Ellie e la promessa di ricchezze incalcolabili
potrebbero essere sufficienti per convincere Creighton a restare
con Whitfield.
La morte depravata di
Christy, il fatto di doverla abbandonare come spazzatura e il
completo potere di Whitfield su Lindy potrebbero essere stati un
passo troppo lungo per Creighton, che potrebbe finire per unirsi ai
Dutton.
Tuttavia, si sono anche creati dei
problemi tra Creighton e Whitfield. Creighton ha detto di aver
paura della capacità di Whitfield di “vedere attraverso le persone”
e di trovare opportunità di business all’inizio della stagione
del 1923. Inoltre, Lindy (Madison Elise Rogers) ha ucciso
accidentalmente Christy (Cailyn Rice) e Whitfield ha costretto
Creighton a nascondere il suo corpo nella discarica di
Yellowstone. La morte depravata di Christy, il fatto di
dover gettare il suo corpo come spazzatura e il completo potere di
Whitfield su Lindy potrebbero essere stati un passo troppo lungo
per Creighton, che potrebbe finire per unirsi ai Dutton,
dopotutto.
Il contrabbando di Spencer e la
lotta per la “tassa sul treno” spiegazione della seconda stagione
del 1923
Il viaggio apparentemente infinito
di Spencer verso il Montana ha riservato altre due grandi sfide
nella seconda stagione, episodio 4, del 1923. La prima è
arrivata dopo che la polizia che ha sparato a Luca (Andy Dispensa)
ha costretto Spencer a consegnare il whisky di contrabbando. La
polizia stava essenzialmente usando Spencer per scoprire chi
fossero gli acquirenti del whisky, e avevano sempre intenzione di
fregarlo. Ecco perché un agente ammanettò Spencer al volante
del camion, ed ecco perché Spencer dovette fuggire su un treno di
passaggio.
Il viaggio in treno di Spencer fu
la sua seconda sfida. C’erano alcuni senzatetto sul treno su cui
Spencer saltò e gli chiesero di pagare una “tassa sul treno” per il
viaggio. La “tassa sul treno” era solo il modo in cui i
senzatetto cercavano di spremere Spencer: avevano visto che aveva
delle belle cose e volevano rubargliele per fare un po’ di
soldi. Sfortunatamente per loro, Spencer non ha mai voluto
stare al gioco e ha finito per sparare a due di loro e mettere la
ragazza fuori combattimento.
Spencer Dutton e Teonna
Rainwater potrebbero incontrarsi dopo la seconda stagione di 1923,
episodio 4?
Il mancato pagamento della tassa
sul treno da parte di Spencer potrebbe anche metterlo su una rotta
di collisione con Teonna Rainwater (Aminah Nieves) e il suo gruppo
nella seconda stagione del 1923. Teonna, Runs His Horse
(Michael Spears) e Pete Plenty Clouds (Jeremy Gauna) cavalcavano
tutti con i cowboy nel loro ranch e, quando il loro lavoro
giornaliero era finito, si sistemavano in un luna park. Alla fiera,
Teonna trova alcuni dei manifesti di ricercata che Mamie Fossett
(Jennifer Carpenter) aveva fatto di lei, il che significa
essenzialmente che saranno di nuovo in fuga. Teonna non può
restare con i cowboy: possono essere amichevoli, ma una taglia di
200 dollari potrebbe convincerli a rivoltarsi contro di lei.
Nel frattempo, anche Spencer è in
fuga dalla legge. È ricercato per contrabbando dagli stessi
poliziotti che hanno cercato di fregarlo e probabilmente sarà
ricercato anche per l’omicidio dei due senzatetto sul treno.
Dato che Spencer e Teonna sono entrambi in fuga e si trovano
nella stessa zona, sembra che la seconda stagione del
1923 stia organizzando un incontro tra loro. Potrebbero
anche unire le forze quando Fossett, padre Renaud (Sebastian Roché)
e il maresciallo Kent (Jamie McShane) li troveranno. In ogni caso,
Teonna potrebbe presto incontrare il suo primo Dutton nella seconda
stagione del 1923.
Presentato in anteprima al
74° Festival di Locarno e vincitore del
Prix du public, il film del 2022
Hinterland è un pregiato thriller ambientato
all’indomani del crollo dell’Impero austro-ungarico, negli anni
Venti del Novecento. Diretto da Stefan Ruzowitzky (regista
di Anatomy e Patient Zero), il film vanta infatti
una grande cura nella messa in scena ed è debitore, nella
fotografia, alla tradizione dell’espressionismo tedesco. Al di là
di questi aspetti estetici, però, propone un duro racconto sui
reduci di guerra e il loro venire completamente abbandonati ad un
mondo che non riescono più a comprendere.
Simile, per certi aspetti, al
recente
The Girl with the Needle– altro film che fa
riferimento all’espressionismo e agli orrori della guerra
– Hinterland è stato descritto da
Ruzowitzky come un “Gabinetto del Dottor Caligari
digitale”, dove lo stile visivo oscuro e contorto del film –
che riflette perfettamente la follia e il caos che affliggono
Vienna – è un chiaro omaggio al film espressionista tedesco per
eccellenza, Il Gabinetto del Dottor Caligari (1920) di
Robert Wiene. Ma mentre le immagini di quel film
erano tutte pratiche, Hinterland si affida ai moderni VFX.
Il risultato è una resa atmosferica
della Vienna del 1920, creata con la tecnologia del blue screen,
che trasforma la città stessa in un nemico temibile quasi quanto il
serial killer che infesta le sue strade. In questo articolo,
approfondiamo dunque alcune delle principali curiosità relative a
Hinterland e proseguendo nella lettura sarà
infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla
trama, al cast di attori e alla
spiegazione del finale. Infine, si elencheranno
anche le principali piattaforme streaming
contenenti il film nel proprio catalogo.
Murathan Muslu in Hinterland
La trama e il cast di
Hinterland
Il racconto si svolge a Vienna negli
anni ’20 del Novecento. La Prima Guerra Mondiale è finita da poco e
l’ispettore Peter Perg (Murathan
Muslu), torna nella sua città insieme ai suoi compagni
dopo essere stato prigioniero in Russia per sette lunghi anni.
L’Impero Austro-Ungarico è crollato e ora la nazione è una
Repubblica con un livello di democrazia molto basso, caratterizzata
da un alto tasso di disoccupazione e di disagio sociale. In questo
tutt’altro che lieto contesto, Perg torna a esercitare la sua
professione di investigatore e a fiancheggiarlo c’è la dottoressa
Theresa Körner (Liv Lisa Fries),
medico forense.
Il primo caso non tarda ad arrivare.
La misteriosa morte di un ex soldato tornato dalla guerra con lui,
dà il via ad un mistero potenzialmente pericoloso. In breve, questo
primo omicidio viene seguito da altri decessi simili, il che dà
ufficialmente il via a delle indiagini su un possibile serial
killer. Il caso sembra coinvolgere anche il corpo della
polizia austriaca, al centro di possibili scandali e intrighi
legati agli inspiegabili omicidi. Perg e Körner si ritroveranno
dunque catapultati in una spirale di violenza, inganni e orrore,
sapendo di non avere molto tempo per poter scoprire chi si cela
dietro quanto sta accadendo.
Liv Lisa Fries in Hinterland
La
spiegazione del finale di Hinterland
Come anticipato, con
Hinterland si è davanti ad un film che mira a
replicare lo stile del cinema espressionista in tutto e per tutto.
Il film è però prima di tutto una cruda riflessione sui traumi
della guerra e su ciò che essa lascia in chi ha la fortuna (?) di
sopravvivervi. Alla fine del film, dopo un’intensa indagine, i due
protagonisti riescono infatti a scoprire l’identità dell’assassino
che sta brutalmente uccidendo i veterani della Prime Guerra
Mondiale. Si tratta di un ex commilitone di Perg, anch’egli segnato
profondamente segnato dall’esperienza bellica e dalla successiva
emarginazione nella Vienna post-imperiale.
Il paese per il quale ha firmato per
combattere con fervore patriottico non esiste più, perciò cosa
dovrebbe fare ora? Per cosa dovrebbe combattere ora? Come può mai
dimenticare gli orrori a cui ha assistito? Da qui nasce la follia,
che porta naturalmente ad un finale amarissimo. Nonostante Perg
riesca infatti a fermare il killer, la sua ricerca ricerca di
giustizia sembra essere vanificata. Gli omicidi sono stati fermati
ma il problema dell’abbandono e il trauma dei reduci rimane
irrisolto e con questo caso è stato costretto a prenderne atto. Il
mondo che Perg conosceva è dunque crollato e lui è solo un
sopravvissuto in un ambiente morente.
Il trailer del film e dove vederlo
in streaming e in TV
Sfortunatamente il film non è
presente su nessuna delle piattaforme streaming attualmente attive
in Italia. È però presente nel palinsesto televisivo di mercoledì 7
ottobre alle ore 21:20 sul canale Rai
4. Di conseguenza, per un limitato periodo di tempo sarà
presente anche sulla piattaforma Rai Play, dove
quindi lo si potrà vedere anche oltre il momento della sua messa in
onda. Basterà accedere alla piattaforma, completamente gratuita,
per trovare il film e far partire la visione.
The Town è il
secondo film diretto da Ben Affleck da una sceneggiatura scritta da
Peter Craig, Aaron Stockard e lo
stesso Affleck, impreziosito dalle interpretazioni di Affleck,
Jon Hamm, Jeremy Renner, Blake Lively, Rebecca Hall e altri. In esso si racconta di
una piccola banda di rapinatori di banche e ladri di furgoni
blindati di Charlsetown, una zona di Boston nota per la produzione
di un gran numero di criminali di vario genere. Nel corso della
vicenda, dopo aver rapinato una grande banca, Doug
MacRay (Affleck) sviluppa dei sentimenti per un’impiegata
presa in ostaggio, Claire (Hall).
Alla luce di ciò, decide di
lasciarsi alle spalle il suo stile di vita criminale mentre
l’FBI,
guidato da Adam Frawley (Hamm), si avvicina sempre
di più a lui. Nel frattempo, James Coughlin
(Renner), partner di Doug nel crimine e amico d’infanzia, non vede
l’ora di fare altri colpi, nonostante le pressioni dell’FBI. Doug è
così schiacciato tra queste forze, consapevole che non potrà
resistere a lungo a questo peso. Nel finale di The
Town, dunque, vediamo il Doug MacRay di Ben Affleck che fugge in Florida per evitare
l’FBI, ma esiste anche un finale alternativo che si svolge in modo
molto diverso.
Charlestown è davvero piena di
rapinatori di banche?
La scena d’apertura di The
Town contiene un testo che stabilisce la storia di
Charlstown come terreno fertile per i criminali, affermando che il
quartiere di Boston ha “prodotto più rapinatori di banche e
ladri di furgoni blindati di qualsiasi altra parte del mondo”
e che il mestiere è stato tramandato di padre in figlio. Quando il
film è stato distribuito, ci sono stati dubbi sulla reale
importanza della popolazione di rapinatori di banche di
Charlestown, anche se The Town è vagamente basato
sul romanzo Prince of Thieves di Chuck
Hogan, che è stato ispirato proprio dalla reputazione di
Charlston negli anni ’80 e ’90.
Affleck ha dunque svolto ricerche
approfondite per rendere le rapine e i furti del film il più
accurati possibile, anche se in un’intervista a The Ringer ha
ammesso che la Charleston moderna potrebbe non meritare la stessa
reputazione: “Ho fatto finta che Charlestown fosse ancora come
una volta. Ma in realtà non lo è. Abbiamo preso un periodo di tempo
che era passato e finto che sia ancora una realtà”.
The Town non è poi basato su nessun criminale in
particolare, ma Affleck ha rivelato di essersi ispirato a crimini
reali e un rapinatore di banche ha dichiarato che Affleck lo ha
preso a modello per Doug MacRay per le rapine che ha commesso
quando era più giovane.
Doug,
James, Gloansy e
Dez eseguono dunque nella scena iniziale del film
una rapina in banca quasi impeccabile, quindi come ha fatto Frawley
a sospettare di loro? L’agente inizia la sua ricerca arrestando un
criminale di basso livello a Charlestown che gli dice che la banda
che ha rapinato la banca comprendeva qualcuno che “entra nella
scatola di giunzione”, che Frawley scopre essere un’abilità
che qualcuno dovrebbe imparare lavorando per la sicurezza di
Vericom. Frawley ottiene quindi l’accesso ai file dei dipendenti di
Vericom per confrontare i giorni di malattia registrati con le date
delle rapine in banca, trovando un notevole schema di assenze con
Desmond Elden, alias Dez, che porta ai soci noti
Doug, James e Gloansy.
Frawley identifica subito Doug come
il capobanda, ma la pista si perde perché non ha prove concrete su
cui agire e Doug si accorge subito della sorveglianza dell’FBI e sa
che non deve compiere passi falsi. Dopo il furto del camion,
Frawley dice quindi alla sua squadra di trovare “qualcosa che
assomigli a un’impronta” dal furgone bruciato per la fuga, in
modo da giustificare l’interrogatorio di Doug e della sua banda.
Naturalmente, Frawley sta facendo uno strappo alla legge, poiché
l’FBI non ha un’impronta utilizzabile, altrimenti avrebbe una prova
perseguibile. Invece, possono solo interrogare Doug e la sua banda,
sperando che uno di loro faccia un passo falso.
Krista rivela della rapina al
Fenway Park
Da bambino, dopo che la madre di
Doug è scomparsa e il padre Stephen MacRay
(Chris Cooper) è stato messo in prigione, i
Coughlin lo hanno accolto e lui è cresciuto con James e
Krista (Lively) come fratello e sorella acquisiti.
Da giovane ha poi avuto una relazione saltuaria con Krista, durante
la quale lei è rimasta incinta di Shyna, anche se
Doug non crede di essere il padre della bambina perché in quel
periodo Krista aveva diversi amanti. Tuttavia, Krista e James
pensano che Doug sia inequivocabilmente il padre e si aspettano
quindi che rimanga a Charlestown per prendersi cura di Krista e
Shyna.
Frawley individua dunque nella donna
l’anello debole e sfrutta il suo passato di spacciatrice per fare
pressione su di lei affinché fornisca informazioni. Inizialmente la
ragazza resiste, ma dopo che Frawley usa Claire e la collana di
diamanti che Doug le ha regalato per farla ingelosire, quest’ultima
diventa sempre più sconvolta. Krista litiga quindi con Doug per il
suo progetto di fuggire con Claire e poi sale in macchina con Shyna
sotto l’effetto di droghe e alcol e viene naturalmente arrestata
dopo un incidente. Frawley le dice che può costringere lo Stato a
toglierle Shyna per questo motivo e poiché Doug ha intenzione di
partire comunque, Shyna racconta a Frawley e all’FBI della rapina
in programma al Fenway Park.
La conclusione di The
Town e il suo finale alternativo
Una volta portato a termine con
successo il nuovo colpo, i quattro si ritrovano dunque circondati
dalle forze dell’ordine e inizia una sparatoria. Gloansy e Dez
muoiono, mentre James e Doug, travestiti da poliziotti, riescono a
fuggire. Frawley, però, riconosce James, che si sta allontanando
dal luogo della rapina, e gli intima di fermarsi: ne scaturisce uno
scontro a fuoco e il criminale, circondato dalla polizia, fa
credere di essere ancora armato e minacciando i poliziotti si
lascia uccidere (a Doug aveva in precedenza detto che per nessun
motivo sarebbe tornato in prigione). Doug, vista la morte
dell’amico e abbandonata la scena del crimine, decide di eliminare
il fiorista a cui la sua banda fa capo, Fergus “Fergie” Colm
(Pete Postlethwaite).
Poi telefona a Claire e la ragazza,
in compagnia dei poliziotti, lo invita a passare a casa sua, ma al
contempo gli lancia un segnale di avvertimento. Doug, cogliendolo,
abbandona la città di Charlestown dirigendosi a Tangerine in
Florida, dove potrà finalmente ritirarsi dalla delinquenza. Prima
di partire lascia però il bottino dell’ultima rapina nell’orto di
Claire, dove lei lo possa ritrovare. Claire userà i soldi lasciati
da Doug per costruire una pista da pattinaggio per i ragazzi del
quartiere in memoria della madre di Doug, che si chiamava Doris
MacRay.
Mentre la versione teatrale di
The Town ha dunque un finale aperto e pieno di
speranza, Ben Affleck ha rilasciato anche una versione
estesa del film con circa 25 minuti di filmati aggiuntivi, tra cui
dialoghi aggiuntivi e scene completamente nuove che ampliano o
aggiungono sottotrame del film. Una versione dell’extended cut ha
lo stesso finale della versione teatrale, ma ce n’è un’altra con un
finale alternativo, molto più cupo, in cui Doug viene ucciso da
altri criminali di Charlstown che aveva picchiato in precedenza
prima di riuscire a raggiungere il treno per fuggire.
Mentre il finale visto al cinema
evidenzia come Doug abbia superato la sua vita criminale, scrivendo
“devi ancora pagare il prezzo per le cose che hai fatto”
nella sua lettera a Claire, il finale alternativo mostra
esattamente il contrario. Invece di cavalcare verso il tramonto,
Doug subisce le conseguenze della sua vita criminale proprio prima
di smettere definitivamente, ironicamente sottolineato dal fatto
che alla fine non è l’FBI ad eliminarlo, ma un criminale di basso
livello che Doug ha picchiato per motivi non correlati all’inizio
del film.
L’attore Vin Diesel è universalmente noto per la
saga di Fast & Furious, che lo ha reso una celebrità
nonché uno dei grandi interpreti del cinema d’azione. Nel corso
della sua carriera, però, questi si è distinto anche per altri film
e ruoli, alcuni dei quali altrettanto famosi e apprezzati. Tra
questi si annoverano Pitch Black e i sequel The Chronicles of
Riddick e Riddick, ma anche
The Last Witch Hunter – L’Ultimo Cacciatore di
Streghe e Bloodshot. Un altro dei suoi
personaggi più noti è quello di Sean Vetter,
protagonista di Il risolutore– A Man
Apart, thriller d’azione diretto del 2003.
Il film è diretto F. Gary Gray, regista
che avrebbe poi nuovamente collaborato con Diesel per Fast & Furious 8. In
questo primo film insieme i due danno vita ad un avvincente
racconto ambientato nel contesto dei cartelli della droga. Con
caratteristiche che lo rendono un vero e proprio revenge
movie, Il risolutore– A Man
Apart presenta diversi elementi affascinanti, tra cui il
tema dell’eroe positivo capace di diventare un vendicatore assetato
di sangue infinitamente più aggressivo e controverso dei criminali
contro cui combatte. A partire da qui il film si configura dunque
come un avvincente esplosione di violenza e adrenalina.
Ha inoltre contribuito a consolidare
la fama di Diesel come attore di personaggi caratterialmente duri
ed estremamente decisi nei loro obiettivi. Per gli amanti del
genere e dell’attore, si tratta infatti di una pellicola cult da
non lasciarsi sfuggire, che offre un intrattenimento spensierato e
ricco di colpi di scena. Prima di intraprendere una visione del
film, però, sarà certamente utile approfondire alcune delle
principali curiosità relative a questo. Proseguendo qui nella
lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli
relativi alla trama e alla spiegazione del
finale. Infine, si elencheranno anche le principali
piattaforme streaming contenenti il film nel
proprio catalogo.
Protagonisti del film sono i due
soci Sean Vetter (Vin Diesel) e
Demetrius Hicks (Larenz Tate), un
tempo violenti criminali ora entrambi agenti della DEA dopo aver
stretto un accordo con il Governo degli Stati Uniti. Provenendo
dalla strada, i due si sono infatti da subito rivelati
particolarmente dotati come infiltrati per indagini sotto copertura
nel mondo del narcotraffico. Da anni pattugliano il confine tra
California e Messico, contrastando le organizzazioni criminali che
vorrebbero estendere il proprio dominio di illeciti. La loro
attuale missione è quella di combattere il traffico di droga di
Memo Lucero (Geno Silva). Dopo
una lunga indagine, i due riescono infine a catturare il criminale,
consegnandolo alla legge.
Vetter è dunque libero ora di
riservare le sue attenzioni alla moglie Stacy
(Jacqueline Obradors). Il cartello, ormai senza
guida, viene però preso in gestione da El Diablo,
un trafficante ancor più pericoloso e spietato. Come prima cosa,
egli invia infatti un gruppo di sicari per uccidere Vetter e il suo
collega. Durante lo scontro a fuoco, però, a morire è proprio
Stacy. Accecato dall’odio, Vetter risveglia il sanguinario
criminale che era stato, decidendo di intraprendere una spedizione
punitiva del tutto personale. Aiutato da Hicks e da Lucero, egli
parte dunque alla ricerca di El Diablo, con l’intenzione di fargli
comprendere in malo modo di aver provocato la persona
sbagliata.
Nelle scene finali del film,
Vetter e Hicks si infiltrano nel
club attraverso il tunnel nascosto ormai allagato. All’interno
Vetter trova MateoSantos, che
sembra essere smascherato come El Diablo, ma egli nega divertito
mentre un altro scagnozzo attacca Vetter di nascosto. Hicks osserva
quindi gli uomini di Diablo entrare nel club grazie alle telecamere
a circuito chiuso e tende loro un’imboscata, fornendo una
distrazione sufficiente a Vetter per sopraffare e uccidere il suo
assalitore. Vetter insegue poi Santos attraverso il tunne, ma qui
Santos gli spara a una gamba e quasi lo annega prima che Vetter
riesca a sparargli e ucciderlo. Nel mentre, inizia il trasferimento
in carcere di Lucero.
Alcuni uomini armati attaccano però
il suo autobus e gli permettono di fuggire. Si scopre così che il
personaggio del Diablo era in realtà un espediente di Lucero per
consolidare il suo potere. Vetter decide dunque di affrontarlo
raggiungendolo nella sua città natale colombiana. Qui il criminale,
circondato da guardie del corpo, deride l’inutilità della ricerca
di vendetta di Vetter, ma lui ribatte che è venuto solo per
arrestarlo. Metà delle guardie del corpo si rivelano agenti della
DEA sotto copertura, permettendo così l’arresto del criminal. A
questo punto, Vetter e Hicks visitano nuovamente la tomba di Stacy,
con Vetter che le dice che, pur essendo ancora in lutto, ha trovato
la pace.
Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV
È possibile fruire del film grazie
alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme
streaming presenti oggi in rete. Il risolutore – A Man
Apart è infatti disponibile nei cataloghi di
Infinity e Prime
Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di
riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un
abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale
comodità e al meglio della qualità video. È bene notare che in caso
di noleggio si avrà soltanto un dato limite temporale entro cui
guardare il titolo. Il film è inoltre presente nel palinsesto
televisivo di sabato 15 marzo alle ore
21:45 sul canale 20
Mediaset.
SPOILER
IMPORTANTI su Adolescence: menziona casi di
violenza estrema, bullismo e omicidio.
Il finale della miniserie
emotivamente straziante di NetflixAdolescence rivela la
verità su chi ha ucciso Katie. Stephen Graham
guida il cast di Adolescence nel ruolo di Eddie Miller, il
padre devastato di Jamie Miller, un adolescente apparentemente
normale che viene accusato di aver accoltellato a morte la sua
compagna di classe, Katie. Graham, che ha sviluppato la serie
thriller culinaria del 2023 Boiling Point, ha anche
co-creato la miniserie in 4 parti con Jack Thorne.
Adolescence ha ricevuto un raro punteggio del 100% su
Rotten Tomatoes, rendendola una delle nuove serie più
acclamate dalla critica del 2025.
Adolescence è realizzata
in modo brillante e si svolge come una rappresentazione teatrale,
con ogni episodio che si sviluppa in modo straordinario attraverso
una singola inquadratura non tagliata. Mentre l’aspetto visivo
della serie Netflix è un’impresa a sé stante, la storia di
Adolescence rimane la parte più avvincente del dramma
psicologico. Dopo che l’episodio 1 porta Jamie attraverso il
protocollo della polizia dopo il suo intenso arresto e
l’interrogatorio iniziale, l’episodio 2 dà uno sguardo alla scuola
che lui e Katie hanno frequentato, mentre l’episodio 3 rivisita il
tormentato Jamie mentre entra e esce dal controllo con uno
psicologo. L’episodio 4 si svolge 13 mesi dopo che Jamie è accusato
dell’omicidio di Katie e si conclude con una tragica nota
definitiva su ciò che è realmente accaduto.
La scelta di Jamie di dichiararsi
colpevole è la prova che ha ucciso Katie
Jamie confessa finalmente di aver
ucciso Katie con la sua dichiarazione di colpevolezza.
L’episodio 4 di
Adolescence si svolge nel giorno del 50° compleanno di
Eddie, motivo per cui riceve un biglietto di auguri da Jamie, che è
stato detenuto per oltre un anno in attesa del processo. L’episodio
mostra come la famiglia Miller abbia superato Jamie in alcuni modi
e non in altri. Dopo aver avuto a che fare con alcuni punk che
vandalizzano il suo furgone, Eddie perde la calma fuori da un
negozio di bricolage, creando una scenata. Eddie riceve una
chiamata da Jamie, che gli augura buon compleanno e ha delle
notizie allarmanti: si dichiara colpevole. Ciò conferma
sostanzialmente che Jamie ha effettivamente pugnalato Katie sette
volte e l’ha uccisa, come mostrato dalle prove video della CCTV
nell’episodio 1.
Perché Eddie non riusciva a
credere che Jamie fosse un assassino dopo aver visto le prove
video
Eddie era spinto dalla negazione a
proteggere suo figlio a tutti i costi.
Uno degli aspetti più
affascinanti del personaggio di Jamie era quanto fosse convincente
nel mentire e manipolare. Questo viene messo in mostra con il suo
terapeuta nell’episodio 3. Anche se Eddie ha visto le innegabili
riprese di Jamie che pugnalava e uccideva Katie, non riusciva a
crederci completamente.
Dopo aver sentito Jamie confessare
finalmente, Eddie si rende conto di essere stato mentito per tutto
il tempo e la realtà finalmente affonda per lui e la sua
famiglia.
Negli ultimi 13 mesi, sembrava che
la famiglia Miller avesse ancora qualche speranza che il figlio non
fosse un assassino, probabilmente come misura difensiva perché il
dolore di una tale verità sarebbe stato troppo grande. Dopo aver
sentito Jamie confessare finalmente, Eddie si rende conto di essere
stato mentito per tutto il tempo e la realtà finalmente affonda per
lui e la sua famiglia.
La conversazione emozionante di
Eddie e Manda su Jamie spiegata
Si sentono in colpa per aver
creato un assassino, ma hanno anche cresciuto una figlia
fantastica.
Dopo la sconvolgente notizia della
decisione di patteggiamento di Jamie, Eddie e Manda hanno una
conversazione emozionante e riflessiva sul loro figlio, che
sicuramente dovrà affrontare anni di prigione. Ricordano giorni
migliori e analizzano anche cosa avrebbero potuto fare
diversamente, assumendosi sensi di colpa e responsabilità per
averlo “creato”.
Eddie dice di aver provato a farlo
appassionare allo sport, ma Jamie non era interessato, mentre Manda
ricorda come Jamie tornava a casa da scuola, andava al computer e
restava sveglio fino a tardi ogni sera. Mentre Eddie e Manda si
assumono la responsabilità di averlo reso un assassino, la loro
figlia, Lisa, entra e ricorda loro che sono stati loro a creare
anche lei e che non possono incolpare se stessi per l’oscurità di
Jamie.
Perché alcuni ragazzi hanno
scritto con la vernice spray “Nonse” sul furgone di Eddie
Potrebbe essere circolata una voce
secondo cui Eddie avrebbe abusato di Jamie.
L’episodio 4 di
Adolescence inizia con Eddie che scopre che il suo furgone
da lavoro è stato vandalizzato, con alcuni ragazzi che scrivono
“Nonse” con la vernice spray gialla affinché tutti i vicini di
Eddie possano vederla. Nello slang britannico, un “nonce” si
riferisce a un molestatore sessuale, in particolare se coinvolge
bambini. Lisa lo vede e dice a sua madre che è confusa su chi sia
il “nonse”, se sia Eddie o Jamie. Jamie ha rivelato nell’episodio 3
di essere stato tentato di toccare Katie in modo inappropriato, ma
non l’ha mai fatto. D’altra parte, è impossibile sapere su cosa
Jamie stesse dicendo la verità.
L’episodio 4 evidenzia anche il
fatto che Eddie sta avendo qualche difficoltà a gestire la
situazione di Jamie e le sue continue lotte con la rabbia. Quando
Eddie affronta l’adolescente che ha vandalizzato il suo furgone,
urla “Non prendermi in giro”, il che potrebbe essere interpretato
come una leggera ammissione di colpa, come se sapesse che il
“nonse” era destinato a lui. Mentre Lisa non ha idea della
questione, Manda potrebbe sapere qualcosa su Eddie.
Il passato di Eddie non
necessariamente viene a galla entro la fine di
Adolescence. Forse gli adolescenti che hanno scritto
“nonse” hanno sentito una voce secondo cui Eddie aveva abusato
sessualmente di Jamie. In ogni caso, l’accusa di “nonse” di Eddie o
Jamie sembra infondata.
Chi è Jenny e perché Manda
continua a menzionarla
Jenny è la terapista di Eddie che
lo aiuta a gestire la rabbia.
Manda menziona “Jenny”
diverse volte durante la sua discussione con Eddie, ricordandogli
cosa ha detto su certi suoi comportamenti. Anche se Jenny non
appare nella serie, è lecito supporre che sia la terapista di Eddie
e potrebbe persino essere una consulente di coppia per Eddie e
Manda.
Eddie è chiaramente imperfetto e il
suo problema più ovvio è la rabbia incontrollabile: chiede alla
moglie se l’ha “dato” a Manda, che lo nega, quando in realtà è una
domanda un po’ impossibile a cui rispondere. Di sicuro, i bambini
esposti all’idea che gli uomini esercitino il dominio o il
controllo attraverso la rabbia e la violenza potrebbero
implementare queste nozioni nella loro personalità e
percezione.
Il motivo per cui Jamie ha ucciso
Katie spiegato
Adolescence esplora
diversi aspetti della mentalità malsana di Jamie.
Jamie lo ha reso ufficiale
nell’episodio finale di Adolescence, ma la scrittura era
sul muro sin dalla fine del primo episodio. Attraverso l’intuizione
giovanile di suo figlio, Bascombe scopre che Jamie è stato vittima
di bullismo subliminale da parte di Katie, che ha usato alcune
emoji nei commenti sui suoi post di Instagram per insinuare che
pensava che lui fosse un “incel”. Si parla anche della “manosfera”
e di altri pilastri della mascolinità tossica, perpetuati da
personaggi controversi come Andrew Tate, che viene persino
menzionato direttamente nella serie.
Questi elementi, uniti alla scuola
turbolenta di Jamie, alle bugie patologiche, alla storia familiare
di rabbia e all’insicurezza radicata, dipingono un quadro
comprensibile del perché qualcuno che è stato rifiutato e
bullizzato da una ragazza che gli piaceva avrebbe reagito con la
forza bruta, potenzialmente senza rendersi conto della finalità
delle sue azioni.
Il vero significato della fine di
Adolescence
Un ritratto di fantasia che
solleva un dibattito nel mondo reale.
Adolescence fa un
lavoro eccezionale non solo nel sollevare le domande che circondano
gli accoltellamenti adolescenziali nella vita reale, che hanno
ispirato la serie, ma anche nell’offrire alcune circostanze e vie
applicabili verso la comprensione. Graham e Thorne presentano
l’esperienza dell’adolescenza stessa come enigmatica e spesso
irrazionale, sempre più alimentata dal gergo di Internet, dai
cosiddetti influencer e da soluzioni alternative al cyberbullismo.
Dato il contesto completo della situazione di Jamie, era chiaro che
aveva molte lotte sociali e personali che non sapeva come elaborare
o esprimere a un adulto di cui si fidava. Gli spettatori di
Adolescence decidono quindi a chi dare la colpa.
Jamie non è andato in terapia fino
a dopo aver ucciso Katie, il che lo avrebbe almeno aiutato a
risolvere alcuni dei suoi sentimenti intensi e violenti in
anticipo. Jamie è senza dubbio tragico in un certo senso e solleva
ogni sorta di domande e dibattiti, come se fosse stato davvero
creato per essere un assassino e, in tal caso, cosa lo ha
condizionato: i suoi genitori, i suoi coetanei, il mondo esterno
(Internet)? L’ultima apparizione di Eddie sullo schermo, “Avrei
dovuto fare di meglio”, mostra il suo dolore naturale, ma
l’indagine di Bascombe rivela che c’erano alcune cose fuori dal
controllo di Eddie e Manda. Con un argomento così complesso e
indescrivibile, Adolescence offre brillantemente una
prospettiva empatica mentre avvia un dialogo sociale
fondamentale.
Percy Jackson e gli dei dell’Olimpo ha
recentemente concluso la produzione della sua seconda stagione, il
cui debutto è previsto per dicembre. E così sorprende che Disney+ abbia già rinnovato lo show per
una terza stagione che si concentrerà sul terzo libro della serie
best-seller di Rick Riordan, La maledizione
del titano.
“Siamo così grati di continuare
la storia di Percy Jackson su Disney+. Questa terza stagione sarà un
territorio inesplorato per lo schermo, dando vita per la prima
volta ai beniamini dei fan come i Cacciatori di Artemide e Nico di
Angelo”, ha affermato Rick Riordan in una
dichiarazione venerdì. “È un enorme segno di impegno da parte
della Disney e la dice lunga sull’entusiasmo con cui il fandom ha
accolto la serie TV. Grazie, semidei di tutto il mondo!”
Sebbene si tratti di un rinnovo
anticipato, ha senso dato che la Disney probabilmente sta cercando
di accelerare le stagioni successive per adattarsi alle età dei
suoi protagonisti, Walker Scobell, Leah Sava Jeffries e Aryan
Simhadri. Riordan ha già espresso il suo desiderio di
raccontare la storia di ogni libro in una stagione televisiva.
Tenendo presente ciò, lunghe pause tra le stagioni potrebbero
potenzialmente mettere la serie in uno scenario in cui le star sono
molto più grandi dei personaggi che interpretano.
La prima stagione di Percy Jackson e gli dei dell’Olimpo ha avuto un
andamento piuttosto positivo su Disney+ e, secondo Nielsen, è
stata una delle cinque serie originali più viste in streaming nella
settimana del lancio.
La seconda stagione di
Percy Jackson
La
seconda stagione di “Percy Jackson” sarà
basata su “Il mare dei mostri“, la seconda
installazione della serie di libri di Rick
Riordan. Secondo la sinossi ufficiale, Percy “torna al
Campo Mezzosangue un anno dopo per scoprire che il suo mondo è
capovolto. La sua amicizia con Annabeth sta cambiando, scopre di
avere un ciclope come fratello, Grover è scomparso e il campo è
sotto assedio da parte delle forze di Crono. Il viaggio di Percy
per sistemare le cose lo porterà fuori dalla mappa e nel mortale
Mare dei mostri, dove un destino segreto attende il figlio di
Poseidone”.
Insieme a Vance e Smart, i nuovi
membri del cast che si uniscono alla seconda stagione includono
Andra Day nel ruolo di Athena, Daniel
Diemer
nel ruolo di Tyson e Timothy Simons nel ruolo
di Tantalo.
“Non posso dire quanto sono
emozionato di unirmi allo straordinario cast di ‘Percy Jackson e
gli dei dell’Olimpo!'” ha detto Vance in una dichiarazione.
“Ci sono pochi momenti nella carriera di un attore in cui puoi
dire onestamente che stai per imbarcarti in una serie che ha una
base di fan così devota, piena di personaggi amati in tutto il
mondo e che è basata su una serie di libri di grande successo. So
che calarmi in questo ruolo di Zeus sarà un’esperienza memorabile e
darò a mio fratello, Lance Reddick, che ci ha lasciato troppo
presto, un abbraccio celeste”.
Wicked,
Emilia
Pérez, Il
Robot Selvaggio, Will & Harper e Road House hanno
vinto i premi cinematografici agli ACE Eddie Awards
2025 che erano stati posticipati e che sono stati
consegnati venerdì sera alla Royce Hall dell’UCLA. Shōgun, Baby
Reindeer, What We Do in the Shadows e Frasier sono stati i
vincitori televisivi alla cerimonia del 75° anniversario degli
American Cinema Editors.
Ecco di seguito l’elenco completo dei vincitori degli
ACE Eddie Awards
Best
Edited Feature Film (Drama, Theatrical) Emilia
Pérez, Juliette Welfling
Best
Edited Feature Film (Comedy, Theatrical) Wicked,
Myron Kerstein
Best
Edited Documentary Feature Will & Harper, Monique Zavistovski
Best
Edited Documentary Series Chimp Crazy (Episode 102, “Gone Ape”)
Evan Wise
Charles Divak
Adrienne Gits
Doug Abel
Best
Edited Multi-Camera Comedy Series
Frasier (Episode 207, “My Brilliant Sister”)
Russell Griffin
Best
Edited Single Camera Comedy Series What We Do in the Shadows (Episode 603, “Sleep
Hypnosis”)
Liza Cardinale
Dane McMaster
Best
Edited Drama Series Shōgun(Episode 110, “A Dream of a
Dream”)
Maria Gonzales
Aika Miyake
Best
Edited Feature Film (Episode Non-Theatrical)
Road House
Doc Crotzer
Best
Edited Limited Series Baby Reindeer (Episode 104, “Episode 4”)
Peter H. Oliver
Benjamin Gerstein
Best
Edited Non-Scripted Series Welcome to Wrexham (Episode 305, “Temporary”)
Tim Wilsbach
Steve Welch
Michael Brown
Michael Oliver
Tim Roche
Matt Wafaie
Jenny Krochmal
Mohamed el Manasterly
Best
Edited Variety Talk/Sketch Show or Special Last Week Tonight with John Oliver (Episode 1103,
“Boeing”)
Anthony Miale
Best
Edited Animated Series X-Men ’97 (Episode 105, “Remember It”)
Michelle McMillan
Attenzione! Questo articolo
contiene spoiler sull’episodio 4 della terza stagione di The White
Lotus
Il finale dell’episodio 4
della stagione 3 di The
White Lotus ha visto un ladro sconosciuto
rubare una pistola dal centro di sicurezza dell’hotel dove è
ambientata la storia. Dato che l’apertura della stagione ha fatto
chiaramente intuire un omicidio a colpi di pistola, questo è
sicuramente una cattiva notizia per il futuro di qualcuno nello
show. Detto questo, al momento non si sa quale dei tanti personaggi
di The White Lotus abbia incontrato un
destino prematuro nei flashback della première, così come non è
chiaro chi abbia rubato la pistola.
Dopo le rivelazioni
dell’episodio 3 della stagione 3 di The White
Lotus, l’episodio 4 ha solo aumentato ulteriormente la
tensione riguardo ai tanti personaggi dello show. Rick si è
finalmente aperto con Chelsea in una scena piuttosto dolce su cosa
intende veramente fare in Thailandia, mentre i vari membri della
famiglia Ratliff sono caduti ulteriormente nella loro spirale di
droga, alcol, sesso o, cosa molto più incontrovertibile,
allontanamento da casa. Nel frattempo, Greg/Gary di The White
Lotus rischia di essere scoperto. La stagione 3, episodio 4 di
The White Lotus ha già queste trame prossime al punto di
ebollizione, con il furto di una pistola che aggiunge solo benzina
sul fuoco.
Timothy apparentemente ha rubato la
pistola nella stagione 3 di The White Lotus – Ma è una falsa
pista?
Negli ultimi momenti
dell’episodio 4 della stagione 3 di The White
Lotus, Gaitok viene mostrato mentre guarda una pistola che
gli è stata data per aumentare ulteriormente la sua sicurezza
nell’hotel. Gaitok viene distratto da Mook, una collega per cui
prova dei sentimenti, e la accompagna all’hotel. Timothy viene poi
mostrato al telefono con il suo avvocato in mezzo ai suoi problemi
di riciclaggio di denaro, frode e appropriazione indebita prima di
riattaccare con rabbia e individuare la pistola che è stata
lasciata sul bancone nel piccolo ufficio di Gaitok.
Questa scena è poi seguita dal
ritorno di Timothy all’hotel, dove Pam chiede: “Vorresti
restituirlo ora?” Timothy chiede nervosamente di cosa sta parlando,
con Pam che fa riferimento al suo telefono che ha preso da una
cassaforte in precedenza nell’episodio (ricordiamo che la terza
persona in inglese è neutra, quindi non possiamo sapere se Timothy
si possa essere agitato per il cellulare o per l’eventuale
pistola). Timothy obbedisce, ma la natura losca dei suoi movimenti
e del suo modo di parlare implica che sia stato lui a rubare la
pistola. Durante la sua precedente telefonata, Timothy ha affermato
che avrebbe preferito morire piuttosto che affrontare le
conseguenze del suo processo, spiegando potenzialmente perché ha
rubato la pistola.
Detto questo, questa
potrebbe essere una falsa pista. Timothy potrebbe
semplicemente essere nervoso per la sua telefonata e leggermente
confuso a causa delle pillole da cui è diventato in qualche modo
dipendente, il che significa che potrebbe non aver preso affatto la
pistola. Invece, Rick potrebbe aver rubato la pistola quando stava
lasciando il White Lotus per la Thailandia poiché intende
vendicarsi di Jim Hollinger.
Cosa sta pianificando Greg di fare
con Belinda dopo l’episodio 4?
Belinda potrebbe essere vittima dei
piani malvagi di Greg
Un’altra sottotrama
dell’episodio 4 della stagione 3 di The White
Lotus ha visto Belinda scoprire che “Gary” è in realtà
Greg, l’ex marito di Tanya dalle stagioni 1 e 2 di The White Lotus.
Belinda si rende conto che Greg era ricercato per essere
interrogato dalla polizia dopo la morte di Tanya, ma che è
scomparso. Evidentemente, Greg sa che Belinda sa chi è, come
evidenziato dalla sua ricerca su Instagram alla fine
dell’episodio 4 della stagione 3 di The White
Lotus.
Questo solleva la questione su cosa
stia pianificando Greg. Ovviamente, Greg non è estraneo a piani
sinistri dopo aver tentato di far uccidere Tanya nella stagione 2
di The White Lotus per poter ereditare la sua ricchezza. Sebbene il
suo piano non abbia funzionato, Tanya è comunque morta, lasciando
Greg immensamente ricco. Per proteggere la sua nuova ricchezza ed
evitare la prigione, Greg potrebbe pianificare di uccidere Belinda,
o almeno di metterla a tacere in un altro modo, come il ricatto,
nella stagione 3 di The White Lotus.
Cosa ha fatto Jim al padre di Rick
e perché vuole vendetta
Il padre di Rick era alla fine
degli affari loschi di Jim
L’ultima grande
rivelazione del finale dell’episodio riguardava la ricerca di Jim
Hollinger da parte di Rick. Rick ha rivelato che, nonostante non
abbia mai conosciuto suo padre, sua madre gli aveva detto che era
un brav’uomo. Il padre di Rick apparentemente ha cercato di aiutare
alcuni thailandesi locali a non perdere la loro terra a causa di un
uomo d’affari americano. Apparentemente, il padre di Rick è
scomparso ed è stato dato per morto.
Sua madre ha detto a Rick che l’uomo
che ha fatto sparire suo padre era Jim Hollinger, il marito di
Sritala e il proprietario del White Lotus. Questo spiega perché
Rick vuole trovare Jim, così da poter vendicare suo padre. Mentre
Rick non è del tutto sicuro di come si presenti quella vendetta,
rivela a Chelsea che vuole semplicemente che Jim sappia cosa gli ha
portato via. Rick vede questi elementi del passato come le cose che
gli hanno rovinato la vita, il che spiega la sua escursione a
Bangkok.
La seconda stagione di
1923, episodio 3, offre molto materiale inedito
da analizzare, includendo alcune delle scene più cupe della serie.
Ambientato circa un secolo prima degli eventi di Yellowstone,
il prequel western di Taylor Sheridan segue la
famiglia Dutton in un momento cruciale della sua storia, mentre
numerose minacce incombono sul ranch. I Dutton del Montana
affrontano la brutalità dell’inverno e i loro rivali, mentre
Spencer Dutton e la sua nuova moglie, Alexandra, intraprendono
viaggi altrettanto pericolosi nella speranza di riunirsi in
America.
Taylor Sheridan ha
costruito la narrazione della seconda stagione di 1923
come una lenta combustione, evitando di gratificare immediatamente
il pubblico con la chimica tra Spencer e Alex, elemento che aveva
reso la prima stagione così appassionante. Nei rispettivi percorsi
verso il Montana, entrambi i protagonisti si trovano ad affrontare
conflitti devastanti. Spencer si ritrova coinvolto con la mafia
italiana a New York, costretto a recarsi a Fort Worth per una
consegna, mentre Alex deve superare le difficoltà dell’implacabile
sistema di immigrazione di Ellis Island. Intanto, i Dutton rimasti
al ranch lottano contro un inverno spietato.
Il borseggiatore impedirà ad Alex
Dutton di raggiungere il Montana?
Alex potrebbe perdere il treno per
il Montana, ma il viaggio non finirà qui.
L’episodio 3 della
seconda stagione di 1923 si conclude con un grande colpo
di scena, realizzando una previsione implicita durante l’episodio.
Il viaggio di Alex Dutton la porta finalmente a New York, dove,
priva dei documenti necessari per muoversi liberamente, è costretta
a sottoporsi al duro e impersonale processo di immigrazione, che
offre uno spaccato realistico sulle difficoltà di ingresso negli
Stati Uniti in quell’epoca.
Una volta giunta a New York, Alex
viene più volte avvertita del pericolo rappresentato dai
borseggiatori, ma riesce ad arrivare senza problemi al Grand
Central Terminal, dove acquista il biglietto per il Montana.
Tuttavia, mentre attende il treno, viene osservata con sospetto da
un uomo dall’aria subdola, che la segue fino al bagno delle donne,
apparentemente mettendola all’angolo.
Se l’uomo dovesse derubarla del
denaro e del biglietto, Alex sarebbe costretta a trovare un
percorso alternativo per raggiungere il Montana, complicando
ulteriormente il suo viaggio. Considerando quante difficoltà abbia
già affrontato, un furto sarebbe un colpo devastante. Tuttavia,
potrebbe anche ribellarsi e lottare, dimostrando la crescita del
suo carattere rispetto all’inizio della prima stagione. Se anche
perdesse il treno, potrebbe comunque prenderne un altro, ma la vera
sfida sarebbe continuare il viaggio senza risorse.
La morte di Luca al posto di blocco
e il suo significato per Spencer in 1923
La morte di Luca potrebbe aver
anticipato il destino di Spencer.
Nell’episodio 2 della
seconda stagione di 1923, Spencer Dutton e Luca si
ritrovano coinvolti in affari pericolosi con la mafia italiana di
New York. Inviati a Fort Worth per una consegna, si imbattono in un
posto di blocco armato. Spencer, convinto che si tratti di
un’imboscata, decide di ritirarsi, mentre Luca insiste per
proseguire, determinato a dimostrare la sua fedeltà alla famiglia.
Purtroppo, Spencer aveva ragione: l’ostinazione di Luca gli costa
la vita.
Questo tragico evento potrebbe
prefigurare un destino simile per Spencer, suggerendo che potrebbe
essere chiamato a sacrificarsi per la sua famiglia. Tuttavia, con
Alex incinta, potrebbe riuscire a garantire la continuità della
dinastia Dutton. Inoltre, il suo percorso futuro potrebbe
incrociarsi con quello di Teonna Rainwater, avvicinandolo al
conflitto che si sviluppa tra Oklahoma e Texas.
Perché Elizabeth sta lasciando Jack
Dutton dopo l’attacco del lupo in 1923
Elizabeth è stanca della dura vita
al Dutton Ranch.
Negli ultimi episodi di
1923, Elizabeth Dutton ha affrontato prove estreme: nel
primo episodio si è trovata faccia a faccia con un leone di
montagna, mentre nel secondo è stata morsa da un lupo rabbioso.
Dopo aver ricevuto un’iniezione dal medico, prende la difficile
decisione di lasciare il ranch e trasferirsi a Boston, dicendo a
Jack che, se la ama, può raggiungerla. Jack, però, insiste sul suo
dovere verso la famiglia, creando le premesse per la loro
separazione.
Anche se Elizabeth potrebbe cambiare
idea, sembra determinata a cercare una vita migliore. Anche se
riuscisse a superare questo inverno, ne seguiranno altri, e il
desiderio di un futuro meno duro è comprensibile. Jack potrebbe in
futuro decidere di seguirla, aprendo la strada a una nuova
diramazione della famiglia Dutton e a possibili spin-off di
Yellowstone.
Le condizioni di Zane e la “cattiva
notizia” spiegate
Zane dovrà affrontare una sfida
dolorosa nell’episodio 4 di 1923
Dopo essere quasi morto,
Zane riesce a tornare al ranch Dutton, ma i suoi problemi non sono
finiti. Il medico, ancora presente dopo aver curato Elizabeth, gli
diagnostica un ematoma subdurale che richiede un drenaggio urgente
per evitare conseguenze fatali. Tuttavia, la “cattiva notizia”
rivelata da Jacob è che l’intervento dovrà essere eseguito senza
anestesia, costringendo Zane a sopportare un dolore lancinante.
Cosa succederà a Teonna Rainwater e
Renaud?
I Rainwater e i Dutton potrebbero
presto incrociare le loro strade.
Teonna Rainwater, probabile antenata
di Thomas Rainwater di Yellowstone, continua la sua fuga,
attraversando l’Oklahoma per raggiungere il Messico e sfuggire alla
legge. In questo episodio, si avvicina al confine con il Texas,
inseguita da Renaud e Marshal Kent. Tra i due sembra emergere una
frattura ideologica, il che potrebbe portarli a separarsi più
avanti nella stagione.
Tuttavia, in un modo o nell’altro,
Teonna dovrà tornare in Montana. Con Spencer non troppo lontano da
lei, potrebbe esserci un incontro tra i due, portando alla nascita
di un’alleanza precaria e gettando le basi per il legame tra i
Dutton e i Rainwater nel 1923, un legame che continua ad avere
ripercussioni in Yellowstone.
Attenzione: contiene SPOILER per
l’episodio 8 della terza stagione di
Invincible!
La
terza stagione di Invincible si è conclusa, e in
questo articolo analizziamo il finale dell’episodio 8 e il suo
significato per il futuro della serie. Questa stagione ha
proseguito le trame introdotte nella seconda stagione, ma ha anche
aperto nuove direzioni che verranno esplorate nella quarta
stagione. La lotta tra Mark e Conquest ha segnato la drammatica
conclusione della stagione, completando la caduta di Mark e dando
il via alla guerra dei Viltrumiti. Vediamo quindi cosa è successo e
cosa potrebbe accadere in futuro.
La battaglia tra Mark e
Conquest
L’episodio 7 ha
finalmente adattato la tanto attesa trama della guerra di
Invincible, con Mark impegnato in scontri estremi contro i
malvagi Invincible, spingendosi oltre i suoi limiti.
L’arrivo di Conquest, la minaccia più grande che Mark abbia mai
affrontato, ha segnato la fine dell’episodio. Nell’episodio 8, la
loro battaglia si estende per gran parte della puntata, con intere
città distrutte e innumerevoli vittime. Alla fine, Mark riesce a
sconfiggere Conquest, ma cade in coma. La stagione si chiude
lasciando molte questioni aperte per la quarta stagione.
Il destino di Angstrom Levy e del
malvagio Mark Grayson
Angstrom Levy e il malvagio Mark
Grayson sono stati due personaggi chiave della stagione, ma il
finale ha dato loro poca attenzione. Nel settimo episodio, Angstrom
Levy ha esiliato gli ultimi Invincible malvagi in un
universo desolato, lo stesso in cui aveva combattuto con Mark nel
finale della seconda stagione. Successivamente, torna nel mondo dei
Tecnici, i quali accettano di ripararlo solo dopo che avrà aiutato
loro.
Nel fumetto, Angstrom Levy torna più
avanti nella storia, rapendo Atom Eve e spedendo Mark nell’universo
desolato. Lì, Mark scopre che gli Invincible malvagi si
sono uccisi e cannibalizzati a vicenda, lasciando solo Sinister
Mark e Mohawk Mark come superstiti. Questo evento segna la fine
della trama di Angstrom Levy nel fumetto, il che lascia aperte
molte domande sul suo futuro nell’adattamento animato.
Atom Eve: più potente che mai, ma a
quale costo?
Atom Eve ha sempre avuto
grandi poteri, ma nel finale della terza stagione ottiene
un’abilità completamente nuova. Durante lo scontro con Conquest,
viene quasi uccisa e muore momentaneamente, ma un’esplosione di
luce rosa la riporta in vita. Scopre così che il blocco mentale che
le impediva di manipolare la materia biologica si annulla in
situazioni di pre-morte, rendendola praticamente immortale.
Alla fine dell’episodio, Mark ed Eve
stanno per avere un momento intimo, e lei usa i suoi poteri per
rimuovere la tuta di Mark. Tuttavia, la tuta si dissolve sul
pavimento, suggerendo che qualcosa non va. Nei fumetti, i poteri di
Eve iniziano a funzionare male quando rimane incinta, il che
potrebbe anticipare una nuova trama per la quarta stagione.
I piani segreti di Cecil con
Conquest e gli Invincible morti
Un’importante rivelazione
del finale riguarda il destino del cadavere di Conquest. Senza che
Mark lo sappia, Cecil ha nascosto il corpo in una prigione
sotterranea nel deserto, con l’intenzione di ottenere da lui
informazioni sulla prossima invasione Viltrumita.
Ma Conquest non è l’unico corpo
conservato da Cecil. Ha anche raccolto i cadaveri dei malvagi
Invincible e incaricato D.A. Sinclair di trasformarli in
ReAnimen, creando così un esercito di Viltrumiti potenziati al
servizio della GDA.
Il ritorno di Battle Beast nella
guerra dei Viltrumiti
Nel montaggio finale
dell’episodio, vediamo Battle Beast fluttuare nello spazio tra i
resti di una guardia carceraria Viltrumita. Un gruppo di alieni lo
recupera e, una volta a bordo della loro nave, Battle Beast si
risveglia. Nei fumetti, viene poi reclutato dalla Coalizione dei
Pianeti per combattere nella guerra Viltrumita, dimostrando di
essere uno dei pochi esseri abbastanza forti da sconfiggere un
Viltrumita.
La caduta di Mark Grayson e il tema
del cambiamento
Uno dei temi principali
della stagione è la possibilità che le persone cambino, al centro
del conflitto ideologico tra Mark e Cecil. Cecil crede nelle
seconde possibilità, collaborando con ex criminali come D.A.
Sinclair e Darkwing, mentre Mark è fermamente contrario. Tuttavia,
nel finale della stagione, Mark cambia prospettiva: dice a Oliver
che non esiterà a uccidere chiunque minacci la sua famiglia. Questo
rappresenta un’evoluzione drastica rispetto alla sua regola di non
uccidere, segnando la sua discesa in un arco più oscuro.
Mentre D.A. Sinclair e Darkwing
dimostrano che le persone possono cambiare in meglio, Mark dimostra
che possono anche cambiare in peggio.
Le anticipazioni della
stagione 4: Sequid e Damien Darkblood
Nel montaggio finale,
vediamo anche il ritorno dei Sequid, che hanno iniziato a
proliferare nelle fogne. Nei fumetti, ciò porta a un nuovo
tentativo di conquista della Terra, con Mark e i Guardiani del
Globo impegnati a fermarli.
Infine, la scena post-crediti mostra
il ritorno di Damien Darkblood, assente dalla prima stagione. Nei
fumetti, dopo essere stato mandato all’Inferno da Cecil, non
riappare più. Tuttavia, il suo ritorno nell’anime suggerisce che la
quarta stagione potrebbe includere una trama originale su di lui,
un’aggiunta interessante in una serie che finora è rimasta
piuttosto fedele al materiale originale.
Con questi sviluppi, la quarta
stagione di Invincible si preannuncia ricca di colpi di
scena, con numerose trame pronte a esplodere. Resta da vedere come
la serie adatterà gli eventi del fumetto e quali nuove sorprese
riserverà ai fan.
Il film horror psicologico
The Lodge, che ha fatto rabbrividire il pubblico nel
2020, ha un finale che potrebbe lasciare molti spettatori a bocca
aperta. Ecco cosa significa veramente. La maggior parte degli
appassionati di horror apprezza un buon film spaventoso ogni tanto,
con tanto di spaventi, suoni forti e momenti comici. Non c’è niente
di sbagliato in questo stile, ma a volte ciò che un particolare fan
vuole vedere è molto più oscuro, inquietante ed emotivamente
sconvolgente. Per questo tipo di fan dell’horror, qualcosa come
The Lodge (la
nostra recensione), diretto dal duo Veronika Franz e
Severin Fiala, è perfetto, e il finale a sorpresa è una delle
ragioni principali.
Il film horror del 2019The Lodge è implacabilmente cupo
e tetro, passa molto tempo a confrontarsi con il mostro della vita
reale che è il dolore, e non perde mai l’occasione di affondare il
coltello un po’ più a fondo sia nei personaggi che nel pubblico. È
un esercizio di tensione e (a volte) di confusione, ma per chi ama
l’horror che fa confusione nella mente, è esattamente quello che
dovrebbe fare il film. A volte The Lodge sembra andare in
una direzione con la sua storia, solo per poi gettare una sorpresa
nel mix. Ecco una carrellata di ciò che è realmente accaduto a
Grace alla fine di The Lodge, e di ciò che era semplicemente
un trucco mentale.
Cosa succede alla fine di The
Lodge
Mentre The Lodge giunge al
suo agghiacciante finale, Grace (Riley Keough) soccombe
completamente al tormento psicologico inflittole da Aidan (Jaeden
Martell) e Mia (Lia McHugh). I fratelli, ancora in lutto per il
suicidio della madre, orchestrano una complessa bufala per
convincere Grace che sono tutti morti e intrappolati nel
purgatorio. Nascondono le sue medicine, inscenano la propria morte
e la manipolano facendogli credere che il suo trauma passato, il
suicidio di massa della sua comunità religiosa simile a una setta,
sia tornato alla normalità.
Senza più alcun contatto con
la realtà, Grace fa sedere i bambini terrorizzati a tavola,
mettendo del nastro adesivo con la scritta “PECCATO” sulle loro
bocche, in un’eco inquietante del suicidio rituale della sua setta
passata.
Privata dei suoi farmaci
antipsicotici e illuminata incessantemente con lampade a gas, Grace
entra in uno stato delirante alla fine di The Ldoge.
Mentre si convince sempre più che siano tutti morti, mette in
scena gli estremi rituali di penitenza della sua infanzia,
camminando a piedi nudi nella neve e bruciando i suoi averi nel
tentativo di purificarsi. Aidan e Mia, rendendosi conto troppo
tardi che il loro scherzo crudele è andato troppo oltre, cercano di
rivelare la verità, ma ormai Grace è completamente slegata dalla
realtà.
Quando Richard (Richard Armitage)
finalmente arriva al rifugio, sperando di porre fine al calvario,
Grace, ormai pienamente convinta che tutti debbano abbracciare la
morte per andare avanti, gli spara mortalmente. Senza più alcun
contatto con la realtà, Grace fa sedere i bambini terrorizzati a
tavola, mettendo del nastro adesivo con la scritta “PECCATO” sulle
loro bocche, in un’eco inquietante del suicidio rituale della sua
setta passata. Mentre The Lodge sfuma nel nero, il
destino di Aidan e Mia rimane ambiguo, ma il comportamento
inquietante e calmo di Grace suggerisce che abbia già deciso come
debba finire la loro storia.
A metà di The Lodge, Grace e
i suoi futuri figliastri Aidan e Mia si addormentano in salotto. La
mattina dopo, tutti i loro effetti personali sono spariti, così
come le scorte di cibo. Anche il generatore che alimenta i loro
telefoni è morto e il cane di Grace è scomparso. Tutti sembrano
sconcertati, finché Aidan non presenta la teoria secondo cui sono
morti tutti la notte prima a causa di un riscaldatore a gas
difettoso nella stanza mentre dormivano. Aidan e Mia riescono
alla fine a convincere Grace che sono morti tutti e sono
intrappolati nel purgatorio. Grace scoppia e ora crede che
tutti debbano pentirsi in qualche modo per arrivare in
paradiso.
The Lodge si conclude con
Grace che ha legato i bambini come quelli sacrificati nella sua
precedente setta, con segni che indicano che li ha uccisi e poi si
è suicidata.
Naturalmente, niente di tutto ciò è
reale. Aidan e Mia hanno orchestrato l’intera faccenda, drogando
Grace in quella fatidica notte e nascondendo tutto in un
compartimento nascosto nel seminterrato. Quando Grace trova il suo
cane morto congelato nella neve, i bambini finalmente confessano e
ammettono il loro complotto contro di lei. All’inizio del film,
entrambi la incolpano del suicidio della madre, dopo che il padre
ha lasciato la madre per Grace. Una volta che vengono a sapere
della sua infanzia trascorsa in una setta religiosa suicida,
trovano l’ispirazione di cui hanno bisogno per torturarla,
apparentemente sperando che lei crolli e che il padre non la voglia
più.
Alla fine di The Lodge, il
padre arriva, ma Grace gli spara, pensando che non si farà male,
visto che sono tutti morti. Viene ucciso dal colpo e The
Lodge finisce con Grace che lega i bambini come quelli
sacrificati nella sua ex setta, con segni che indicano che li ha
uccisi e poi si è suicidata. Un aspetto che rimane poco chiaro,
però, è se Grace si renda conto che non sono in purgatorio dopo
aver ucciso il suo amante, ma sia così pazza e sconvolta da
prendere comunque la decisione consapevole di uccidere il resto di
loro.
In sostanza, il finale di The
Lodge parla di dolore, trauma e dell’inevitabile ciclo del
danno psicologico. Gli ultimi momenti rafforzano l’idea che le
ferite del passato, se non curate, possono degenerare in qualcosa
di distruttivo. Grace, sopravvissuta a un’infanzia trascorsa in una
setta religiosa, è segnata in modo permanente dall’esperienza.
Anche se all’esterno sembra funzionare, il suo trauma non è mai
stato veramente curato. Togliendole le medicine, isolandola e
alimentando le sue paure profonde di punizione divina, Aidan e Mia
ricreano inconsapevolmente le condizioni esatte che hanno portato
al suo esaurimento nervoso iniziale, costringendola a regredire
nell’unica realtà che abbia mai conosciuto.
Il finale di The Lodge
esplora anche le conseguenze della crudeltà mascherata da
dolore. Aidan e Mia credono di punire Grace per aver sostituito
la loro madre, ma il loro tormento psicologico va ben oltre le loro
intenzioni. Il loro scherzo, pensato per farla soffrire, alla fine
li condanna. Nella sequenza finale, quando Grace si mette
metodicamente un nastro adesivo con la scritta “PECCATO” sulla
bocca, una inquietante riproduzione del rituale suicida della sua
setta, diventa chiaro che ora li vede come parte del ciclo della
dannazione. Che intendessero o meno fare del male, le loro azioni
li hanno inseriti nella sua distorta narrativa religiosa, in cui la
sofferenza deve essere espiata attraverso la morte.
Il cupo finale di The
Lodge suggerisce anche una visione fatalistica del trauma.
Anche se Aidan e Mia rivelano la verità a Grace, lei è ormai troppo
distante per accettarla. Il danno è irreversibile. Questo riflette
un tema più ampio dell’horror: una volta che qualcosa è rotto, non
può sempre essere riparato. La discesa di Grace nella follia non è
semplicemente una reazione alla loro crudeltà, ma una tragica
inevitabilità causata da anni di cicatrici psicologiche non
affrontate.
Come è stato accolto il finale
di The Lodge
Il viaggio lento verso un
finale esplosivo è stato un successo
Il finale cupo e ambiguo di The
Lodge ha diviso sia la critica che il pubblico, con alcuni che
ne hanno elogiato la profondità psicologica e altri frustrati dal
suo tono nichilista. Molti critici hanno riconosciuto l’orrore a
fuoco lento del film e la conclusione scioccante come efficaci,
anche se inquietanti. David Day di Horror Movie Talk ha descritto l’esperienza visiva
come:
“L’atmosfera era per lo più
triste e stranamente pericolosa, con la storia che faceva
costantemente penzolare il pericolo alla periferia della visione
del pubblico, ma senza mai lasciarlo venire completamente alla
luce. Proprio quando pensi di avere una buona padronanza di ciò che
sta accadendo, ti viene tolto il tappeto da sotto i piedi, cosa che
accade più volte in The Lodge”.
L’elogio per il colpo di scena
finale in The Lodge ha avuto eco anche in molte altre
risposte. Ad esempio, nella sua recensione per The Guardian, Benjamin Lee non ha avuto che elogi per la
trama di The Lodge e il suo finale inaspettato:
“The Lodge è un film molto più
riuscito [di Goodnight Mommy di Veronika Franz e Severin Fiala]:
pungente, pungente e provocatorio, mentre lancia potenziali colpi
di scena prima di stabilirsi su quello più devastante di tutti. Non
è una rivelazione del tutto imprevedibile, ma è un modo
intelligente, consapevole e sgradevole di procedere, portando il
film in un luogo che è allo stesso tempo incredibilmente cupo e
irrimediabilmente triste”.
Tuttavia, mentre le lodi sono state
per lo più positive, alcuni critici e spettatori hanno contestato
il modo in cui il finale di The Lodge sposta l’attenzione
dalla crudeltà dei bambini alla salute mentale di Grace. Nonostante
ciò, The Lodge è rimasta un argomento di discussione
negli ambienti horror, con il suo finale spesso citato come uno dei
più inquietanti a memoria d’uomo. Mentre alcuni lo hanno visto come
un magistrale esercizio di terrore, altri lo hanno ritenuto troppo
nichilista per essere pienamente soddisfacente. Indipendentemente
dall’opinione, è un finale che si rifiuta di essere facilmente
dimenticato.
Non c’erano molte avvisaglie che
indicassero che Lights Out – Terrore nel
buio (qui
la nostra recensione) sarebbe stato il successo al botteghino
che è poi diventato. Il film è l’ennesimo horror che ruota attorno
a uno spirito che si aggira nella casa d’infanzia della
protagonista, Rebecca (Teresa
Palmer), del fratellastro minore
Martin (Gabriel Bateman) e della
loro madre Sophie (Maria Bello),
disagiata e con problemi psicologici. In tempi recenti si sono
visti molti film di questo sottogenere e alcuni sono stati
realizzati con grande cura, come The
Conjuring, Sinister.
Qualcosa nel film basato
sull’omonimo cortometraggio del regista David F. Sandberg ha a
sua volta colpito il pubblico e il film è diventato un successo a
sorpresa, guadagnando quasi 150 milioni di dollari con un budget di
soli 5 milioni. Rivedendo il film, sono comprensibili i motivi per
cui Lights Out – Terrore nel buio ha fatto una
tale impressione, dato che i brividi e gli spaventi a catena si
susseguono in rapida successione. Ma Sandberg riesce anche a
sfruttare al meglio i prolungati momenti di tensione trascorsi
negli angoli bui e ombrosi dove si annida qualcosa di malvagio, con
il tutto che si conclude poi in modo scioccante.
Rebecca ha una vita
apparentemente normale. Vive in un appartamento vicino alla casa
del fratello minore e della madre, e ha una relazione non
impegnativa con il bonario Bret (Alex
DiPersia). Ma c’è qualcosa che non va nella casa in cui ha
vissuto ed è cresciuta. Sembra che le ombre siano vive. Come se
nella vecchia e scricchiolante dimora ci fosse qualcosa che aspetta
qualcosa, o qualcuno, nei suoi angoli più bui. Sophie e Martin,
madre e figlio che vivono insieme in quella casa, sono entrambi
estremamente vulnerabili. Sophie, in particolare, soffre di
depressione clinica e in passato ha visto cose che in realtà non
esistono.
così quando Rebecca scopre che la
madre ha parlato al fratello minore di un’entità nota come
Diana che potrebbe abitare la loro casa, ritiene
che Martin sia a rischio vivendo con lei e lo porta con sé a casa
sua. Quella notte, però, Rebecca ha uno strano e inquietante
incontro con una sagoma d’ombra quando spegne la luce. L’immagine
appare solo come la sagoma di una vecchia donna miserabile e
decrepita, con capelli lunghi e ispidi, e può essere vista solo se
catturata alla luce molto limitata della luna, quando tutte le luci
più luminose e le lampade vicine sono spente.
Dopo l’esperienza nella sua camera
da letto, Rebecca inizia a pensare che forse il racconto di sua
madre su uno spirito malvagio che abita le tenebre sia più di una
delle sue folli manifestazioni o di un’allucinazione. Inizia quindi
a fare delle ricerche per scoprire tutto il possibile sulla
misteriosa “Diana” e scopre che lei e sua madre sono state entrambe
pazienti dell’ospedale psichiatrico di Mulberry Hill nello stesso
periodo, quando erano giovani ragazze. Scopre anche che Diana era
malata di mente in un modo molto nefasto e psicopatico, e che
avrebbe fatto di tutto per assicurarsi che Sophie rimanesse malata
in modo che le due potessero stare insieme per sempre.
A distanza di decenni, sembra che
Sophie e Diana stiano ancora insieme. È quasi come se fossero
inesorabilmente legate, come se una non potesse esistere senza
l’altra. Rebecca racconta poi a Martin i tragici retroscena di
Diana, che non solo era malvagia ma aveva anche la capacità di
abitare la mente di persone con la psiche fragile o distrutta dopo
la sua morte. I due formano una teoria secondo la quale, quando la
madre è particolarmente in difficoltà a causa della sua
depressione, Diana diventa più presente con l’intento di proteggere
Sophie ad ogni costo. Diana è, infatti, una manifestazione della
ragazza morta che Sophie ha incontrato al Mulberry Hill
Hospital.
Una volta stabilito che Diana è
un’entità reale e presente che ucciderà chiunque cerchi di
controllare una Sophie gravemente depressa che ha appena perso il
marito Paul (Billy Burke) per
mano di Diana nella sequenza iniziale del film, spetta a Rebecca e
al precoce Martin elaborare un piano per estrarre la manifestazione
di Diana dalla loro casa senza mettere in pericolo la madre. Alex,
da bravo ragazzo, offre la sua assistenza e il trio attende
nervosamente il prossimo terrificante incontro con Diana. La notte
seguente, tutti decidono di rimanere nella casa buia e di cercare
stupidamente di dormire un po’.
Proprio nel momento in cui si
sdraiano, la corrente salta, creando una stagione di caccia
virtuale in cui Diana può inseguire le sue prede. Con una torcia
elettrica, Rebecca si dirige cautamente verso il seminterrato e la
scatola dei circuiti. Non ha però fortuna nel riparare il problema.
Martin porta con sé una piccola candela e a questo punto sono tutti
bersagli facili. In qualche modo, Rebecca e Martin si ritrovano al
sicuro nel seminterrato, dove si rendono conto di essere stati
ingannati da Diana, che sbatte la porta in cima alla tromba delle
scale intrappolandoli. Questo lascia Bret da solo ad affrontare lo
spirito maligno, riuscendo a sopravvivere in qualche modo e
chiamare il 911.
La spiegazione del finale di
Lights Out – Terrore nel buio
Quando Rebecca riesce finalmente a
orientarsi nel seminterrato grazie a una luce nera che ha scoperto,
scopre che è l’arma perfetta contro un predatore coperto dalle
tenebre. Vede ogni sorta di incisioni malvagie e bizzarre lungo le
pareti che sono illuminate solo dalla sua luce nera. E lo stesso
vale per Diana. Finché hanno la luce nera, hanno una possibilità.
Alla fine, due agenti della polizia di Los Angeles rispondono alla
chiamata al 911 fatta da Bret e fanno una lenta perlustrazione
della casa buia. Armata di luce nera e torcia, Rebecca sale al
piano di sopra per controllare la madre. Viene però intercettata
dalla vendicativa Diana, che può esistere solo finché Sophie la fa
esistere attraverso la sua mente depressa.
All’improvviso, però, Sophie entra
nella stanza armata di una pistola. Rebecca e Diana si girano per
affrontare la madre armata che dapprima tenta di sparare a Diana,
ma i proiettili non possono danneggiare un’apparizione
nell’oscurità. La mossa successiva di Sophie, più per un istinto di
mamma orsa che per una scelta consapevole, è quella di puntare la
pistola contro se stessa. Compie così il sacrificio estremo e si
spara alla testa, distruggendo Diana. Sophie continuava a dire a
Diana: “Non fare mai del male ai miei figli!” e lei è
rimasta fedele al suo amore materno più della sua stessa sanità
mentale e della sua vita.
Ha così portato Diana nelle loro
vite e alla fine l’ha fatta fuori. Dopo quella lunga notte,
l’incubo sembra finito e Bret conforta Martin e Rebecca in
un’ambulanza fuori casa. Improvvisamente, una luce tremola
all’interno dell’ambulanza, ma Bret assicura loro che Diana è
davvero svanita. In realtà, non può saperlo per certo e così il
film ci lascia con il dubbio che lo spirito maligno potrebbe aver
trovato il modo di sopravvivere alla morte di Sophie, continuando a
tormentare quanti a lei legati e ai suoi occhi colpevoli di
avergliela portata via. Nonostante questo finale, però, non è stato
realizzato alcun sequel di Lights Out – Terrore nel
buio.
Il finale di Oceania 2 (Moana
2) è un grande finale esplosivo che cambia radicalmente l’eroe
e pone le basi per una futura Oceania 3 (Moana 3). Dopo il
successo di Moana del 2016, Oceania 2
(Moana 2) lancia la protagonista in un nuovo viaggio
attraverso l’oceano. Incaricata di ripristinare un’isola perduta e
di sciogliere un’enorme maledizione che mette in pericolo la sua
tribù, Moana si imbarca in una missione insieme a un gruppo di
leali abitanti del villaggio e al ritorno di Maui. Tuttavia, il
loro cammino li porta direttamente nelle macchinazioni del malvagio
dio Nalo, che ha lanciato la maledizione.
Oceania 2 (Moana 2) è
destinato a diventare un successo al botteghino, il che potrebbe
spiegare perché il film si conclude con una chiara allusione alle
direzioni future di altri possibili sequel. In particolare,
Oceania 2 (Moana 2) si conclude con un enorme
cambiamento per Moana e il suo mondo, ampliando la portata del suo
mondo e amplificando Moana in modo inaspettato. Ecco come il finale
di Oceania 2 (Moana 2) eleva il personaggio e prepara
ulteriori avventure.
Moana muore e diventa semidio
L’esperienza di quasi morte di
Moana finisce per darle più forza che mai
Tuttavia, grazie all’oceano, gli
spiriti degli antenati di Moana (tra cui sua nonna e Tautai Vasa)
sono in grado di riportarla in vita. Questo trasforma Moana in un
semidio come Maui, conferendole potenzialmente lo stesso tipo di
immortalità che ha permesso a Maui di vivere per oltre mille anni e
di sopportare ferite altrimenti fatali.
Nello stesso modo in cui i poteri
più evidenti di Maui sono incanalati attraverso il suo potente amo,
il remo di Moana assume un nuovo significato come arma spirituale.
Il remo è ora ornato da una scritta dorata e sembra essere
un’estensione delle nuove capacità di Moana. Sebbene sia probabile
che anche lei, come Maui, benefici di nuovi attributi fisici da
semidio, il remo è la fonte dei suoi poteri soprannaturali più
evidenti. Questo rende il remo un accessorio ancora più importante
per l’eroina in futuro.
I nuovi poteri di Moana
I nuovi poteri di Moana sono
probabilmente simili alla capacità di Maui di trasformarsi grazie
all’uso del suo amo. Nel primo Moana, la separazione dall’amo ha
fatto sì che Maui perdesse l’accesso alle sue capacità di
trasformazione, pur mantenendo il suo corpo senza età e la sua
impressionante resistenza. Il remo di Moana, invece, non le
permette di trasformarsi. Invece, grazie alla luce dorata che
emette, Moana può usare il remo per modellare le maree e creare
percorsi nell’oceano. Queste abilità saranno probabilmente
fondamentali per la futura esplorazione dell’oceano.
I tatuaggi di Moana
Con questa ascesa, Moana ottiene
anche alcuni tatuaggi. Sembrano raffigurare persone che festeggiano
sull’isola di Motufetu, facendo riferimento agli eventi del film
come a una grande azione da parte di Moana. Questo è simile al modo
in cui i numerosi tatuaggi di Maui sono stati rivelati in Moana
come riferimenti ai suoi successi come semidio. È probabile che,
man mano che Moana andrà avanti nella vita e raggiungerà altri
traguardi, possa ottenere altri tatuaggi. Potrebbero anche essere
vivi come il Mini Maui, creando una Mini Moana che apparirà in
future storie sul personaggio.
Come Moana riconnette il popolo
dell’oceano
Il motivo per cui Moana si mette
alla ricerca di Motufetu è una visione di Tautai Vasa, che la
informa che l’isola affondata e superata da Nalo ha di fatto
isolato l’angolo di mare di Moana dal resto dell’umanità. Se
rimarranno isolati troppo a lungo, i popoli dell’oceano (compresa
la tribù di Moana e i Kakamora) si estingueranno. Questo rafforza
gli sforzi di Moana per trovare altre tribù, dando il via
all’avventura del film. Risollevando Motufetu e spezzando la
maledizione di Nalo, Moana ripristina le linee di collegamento
dell’oceano.
L’impegno si rivela subito
proficuo: altri esploratori provenienti da tutto il mondo approdano
rapidamente su Motufetu. Moana li riporta sulla sua isola natale,
dove i vari Wayfinder di diverse tribù vengono mostrati mentre
parlano con Tui e probabilmente creano alleanze. Si tratta di una
conclusione promettente per il film, in quanto apre la strada a
molti nuovi angoli del mondo da esplorare. Potrebbe anche creare un
potenziale dramma, dato che l’esistenza di altre tribù significa
anche che c’è spazio per possibili conflitti in futuro.
Cosa succede a Matangi in Oceania
2 (Moana 2)
A prima vista, in Oceania 2
(Moana 2) Matangi si presenta come un pericoloso cattivo.
Capace di sopraffare e catturare Maui con relativa facilità,
Matangi all’inizio fa intendere di avere piani più grandi per lui e
Moana. Tuttavia, si scopre che Matangi è in realtà una serva
involontaria di Nalo ed è rimasta intrappolata nella vongola grande
come un’isola per anni. Sperando che rompere la maledizione che
Nalo ha lanciato sull’oceano la liberi dalla sua morsa, Matangi dà
a Moana alcuni consigli fondamentali e la aiuta (insieme a Maui e
al resto dell’equipaggio di Moana) ad avventurarsi sull’isola.
In questo modo Matangi diventa un
avversario potenzialmente riluttante per Moana, che segue i comandi
di Nalo anche se desidera liberarsi di lui. Tuttavia, una Moana
potenziata potrebbe trovare un modo per liberarla, trasformando
Matangi in un alleato.
La vendetta di Nalo e come ci
prepara a Moana 3
Nalo è il vero cattivo di
Oceania 2 (Moana 2), anche se i Nalo cerca attivamente di
uccidere Moana e il suo equipaggio, inviando enormi serpenti marini
e saette luminose contro il gruppo quando si avvicinano all’isola.
Anche dopo essere stato sconfitto, l’apparizione della divinità
nella scena dei titoli di coda di Oceania 2 (Moana 2) rivela
un dio furioso e intenzionato a vendicarsi.
Tutto ciò pone le basi per un epico
Moana 3, soprattutto in considerazione dell’importante aumento di
potenza di Moana.
Come il finale di Oceania 2
(Moana 2) si basa sul finale del primo film
In
Moana, la maledizione causata da Maui che ha preso il Cuore di
Te Fiti stava lentamente uccidendo tutta la vita biologica del
mondo. Allo stesso modo, Moana parte per la sua avventura con la
consapevolezza che l’incapacità di espandere l’oceano al suo vero
potenziale porterà alla scomparsa del suo popolo.
Oceania 2 (Moana 2) si
concentra in definitiva sull’importanza di abbracciare il nuovo e
di avere il coraggio di rischiare tutto per l’esplorazione. Tutti i
personaggi di Oceania 2 (Moana 2) sono costretti ad
abbracciare nuove strade pericolose, con la nonna di Moana che nel
primo atto comunica a Moana di aver compreso il costo potenziale
delle sue avventure. La tribù deve letteralmente espandersi
attraverso l’oceano, altrimenti si estinguerà. I membri
dell’equipaggio di Moana crescono attraverso l’accettazione del
cambiamento, che si tratti dell’abbraccio di Loto alla
sperimentazione costante, di Moni che supera le sue paure o di Kele
che si adatta all’oceano.
Anche Moana e Maui affrontano
questa sfida: entrambi sono costretti ad accettare percorsi
difficili a cui sono naturalmente contrari. Gli sforzi di Maui per
proteggere Moana dal pericolo non fanno altro che prolungare la
missione a Motufetu, e i due vincono quando accettano di potersela
cavare da soli. Al contrario, Moana deve imparare ad abbracciare un
percorso diverso, accettando la guida di Matangi di “perdersi”,
tracciando una strada diversa da quella che le è congeniale per
poter continuare ad andare avanti. È una morale interessante da
esplorare, soprattutto in relazione alla svolta di Moana su Te
Fiti.
Quanti film su Moana ci
saranno?
Moana 3 non è stato confermato, ma
il remake in live action arriverà presto
Al momento in cui scriviamo, non
c’è stata alcuna conferma di Moana 3. Dato che ci sono voluti otto
anni prima che Oceania 2 (Moana 2) continuasse la storia
dell’Indomita, potrebbe passare un po’ di tempo prima che il
pubblico abbia la conferma, in un senso o nell’altro, se vedrà
ancora la giovane donna avventurosa. Tuttavia, l’atteso successo al
botteghino di Oceania 2 (Moana 2), insieme al palese
richiamo al sequel nella scena a metà dei titoli di coda, potrebbe
dare alla Walt Disney Animation un motivo in più per riportare il
personaggio per altre avventure.
Un eventuale Oceania 3 (Moana 3)
potrebbe addirittura seguire la traiettoria di altri
sequel animati Disney confermati, come
Frozen, di cui è già stata confermata la presenza di due sequel
in fase di pre-produzione. I fan di Moana avranno anche un remake
live-action nel 2026, con Catherine Laga’aia nel ruolo di Moana
e Dwayne
Johnson che riprenderà il ruolo di Maui. Questo assicura che,
anche dopo Oceania 2 (Moana 2), ci saranno altre occasioni
per vedere la giovane eroina nelle sale cinematografiche.
Il film del 2024 Chief of
Station – Verità a tutti i costi, interpretato da Aaron Eckhart, è passato grossomodo in
sordina, ma non mancherà di entusiasmare i fan degli action con
forti sfumature da thriller complottistico. Diretto da Jesse V. Johnson
(regista anche di White Elephant: Codice criminale e
The Debt Collector – Il ritorno) e scritto
da George Mahaffey, questo spy-thriller ci porta
infatti in più territori per una vicenda da spie dove non ci si può
fidare di nessuno e anche le persone più vicine possono rivelarsi
il nemico che si sta cercando. In questo articolo, esploriamo in
particolare ciò che avviene nel finale, con la risoluzione
dell’enigma alla base del film.
La trama di Chief of
Station– Verità a tutti i costi
La giornata inizia normalmente per
il capo della CIA Ben Malloy (Aaron
Eckhart), mentre la sua squadra intercetta un importante
pacco da consegnare ai russi a Budapest. Il vice di Ben,
John Branca (Alex
Pettyfer), svolge un ruolo fondamentale nel fermare
gli agenti russi guidati da Evgeny (Nick
Moran). Dopo aver portato a termine con successo la
missione, Ben incontra sua moglie, Farrah
(Laëtitia Eïdo), anche lei agente CIA e a sua
volta a Budapest. La cena di anniversario di Ben e Farrah si
trasforma però in una catastrofe: l’esplosione di una bomba nel
ristorante provoca molte vittime, tra cui la stessa Farrah.
Il tempo passa e un Ben devastato
lotta per affrontare la perdita. Anche il rapporto con il figlio
Nick (Chris Petrovski) si
deteriora. In seguito, mentre cerca di rientrare in contatto con il
figlio che intanto è partito per attraversa l’Europa con lo zaino
in spalla, Ben si rende conto che la CIA sta indagando sulla morte
di Farrah. E non pensano che Farrah sia morta in modo onorevole. Il
pensiero che Farrah fosse un agente doppiogiochista è
insopportabile per Ben, che per placare le proprie paure e per
riabilitare il nome della moglie, Ben decide di recarsi a Budapest.
Ma prima di ciò, si rivolge a uno dei fidati collaboratori di
Farrah, Desmond (Jonathan
Ajayi).
Aaron Eckhart e Laëtitia Eïdo in Chief of Station – Verità a tutti
i costi
Le competenze informatiche di
Desmond rivelano l’identità di uno dei bersagli potenzialmente
pericolosi di Farrah, Kharon Taramov
(Daniel Bernhardt). Il motivo per cui Farrah ha
organizzato l’incontro con Kharon in quel fatidico giorno è un
mistero per Ben. Arrivato a Budapest, incontra il suo ex protetto,
l’attuale capo della stazione, Branca. Ben utilizza la sua vecchia
rete per contattare gli agenti dei servizi segreti di altri Paesi e
con l’aiuto di uno di questi agenti, capisce che deve trovare
Evgeny per saperne di più sull’attacco a Farrah. Anche se sa che
Evgeny non ricorrerebbe a un atto così efferato.
Successivamente, la ricerca di
Evgeny lo porta in un casinò non autorizzato. Attraverso il gioco
d’azzardo e le inutili risse, Ben ed Evgeny riescono finalmente a
parlarsi. Evgeny nega con forza l’accusa di avere a che fare con
Kharon, ma prima che possa dire altro, viene attaccato da uomini
armati non identificati. Ben fugge dalla scena e chiama Branca per
salvarlo. Con sua grande sorpresa, Branca lo soccorre rapidamente e
lo porta su una barca che assomiglia a un quartier generale. Prima
che Ben possa capire, rimane scioccato nel vedere il suo vice e
Kharon insieme.
Dopo aver visto Kharon con Branca,
diventa chiaro che Branca ha tradito Ben fin dall’inizio. Ogni
dubbio sulle intenzioni dell’ex collega viene fugato quando inizia
a torturare Ben, cercando di scoprire cosa gli ha lasciato Farrah.
Ben, che non ha idea di cosa Branca stia cercando, continua a
subire la punizione facendo finta di niente. Proprio quando sembra
che non ce la possa fare più, gli viene data una mano. Un assassino
mascherato appare e passa in rassegna gli uomini di Branca e
Kharon. Con questo aiuto, Ben riesce a superare l’entourage di
Branca.
Aaron Eckhart e Olga Kurylenko in Chief of Station – Verità a tutti
i costi
L’aiuto mascherato è
Krystyna (Olga
Kurylenko). Ben la conosce come una delle più vecchie
amiche e collaboratrici di Farrah. Con il suo aiuto, Ben sfugge
così alla morsa di Branca. Tuttavia, mentre Ben e Krystyna
scappano, Nick e la sua ragazza ricevono la visita di un gruppo di
mercenari armati. Il ragazzo si rende conto che non c’è tempo per
reagire, quindi acconsente e va con gli uomini armati. La sua
ragazza viene invece risparmiata. Nick fa però un altro tentativo
di fuga, ma il suo tentativo viene sventato. Si rende conto che non
ha altra scelta se non quella di sperare che suo padre abbia un
asso nella manica.
Perché Farrah è stata uccisa?
Il mistero che si cela dietro la
morte di Farrah e il motivo per cui tutti sembrano pensare che
abbia dato qualcosa a Ben da custodire, risiede in una cena che
Farrah e Ben hanno avuto alcuni anni prima. Durante quella cena,
Farrah regalò a Ben un medaglione. All’epoca, dichiarò che si
trattava di un cimelio di famiglia. Da quel momento Ben lo conservò
con amore, ma non sapeva che era la chiave dei segreti di Farrah.
La donna non ha tradito l’America, ma ha anche agito per conto suo.
Ha contattato altri agenti, in particolare dalla Russia, si è
tenuta in contatto con Evgeny, e così facendo ha scoperto che molti
agenti della CIA erano corrotti.
Queste informazioni segnarono il
destino di Farrah. Branca, uno degli agenti corrotti, lo venne a
sapere e pianificò con il suo superiore di sbarazzarsi della donna.
E qui sta l’informazione bomba che Farrah aveva nel suo portatile.
Lo stesso vicedirettore Austin Williams è corrotto. Così, diventa
chiaro a Ben che è stato il suo stesso capo, il disonesto direttore
della CIA, a uccidere Farrah. Utilizzando la chiave fornita da
Farrah e l’indirizzo conosciuto da Krystyna, Ben trova tutte le
prove di questa corruzione, ma si rende conto che questo è il
prezzo da pagare se vuole salvare la vita di suo figlio.
Alex Pettyfer in Chief of Station – Verità a tutti i
costi
La spiegazione del finale del film
Ben chiama quindi Branca e chiede un
incontro. Si tratta di scambiare le prove di Farrah con Nick.
Krystyna, però, si posiziona sul tetto più vicino con un cecchino
per dare manforte a Ben. È chiaro a entrambi che sia Branca che
Kharon cercheranno di ucciderli tutti una volta ottenuto ciò che
vogliono, cosa che si rivela poi corretta. Krystyna e il suo
collega cecchino permettono quindi a Ben e Nick di fuggire con le
prove di Farrah al momento opportuno. Ma Branca e Kharon li
inseguono in auto, inseguimento durante il quale Kharon viene
ucciso. Questo lascia Ben a occuparsi di Branca faccia a faccia,
riuscnedo infine e a vendicarsi e a sopraffare l’avversario.
A quel punto, mette gli occhi sul
colpevole principale: il vicedirettore Williams. Per smascherare e
catturare Williams, si avvale di un aiuto non convenzionale.
Desmond si assicura che tutti i filmati incriminanti di Williams
siano al loro posto. Li proietta poi sul grande schermo in una
convention presieduta da Williams. Per concludere l’affare, un
Evgeny ancora vivo viene a corroborare i filmati e a confermare che
Williams è in combutta con le forze avversarie per denaro. La clip
audio in cui Williams ordina a Branca di uccidere Ben è il chiodo
finale per arrestarlo. Dopo di che, l’unica cosa che resta da fare
per Ben è incontrare la fidanzata del figlio e cenare a Parigi.
Krystyna chiede anche a Ben di tenersi in contatto e così si
conclude la vicenda.
Yellowjackets
introduce uno dei suoi colpi di scena più scioccanti quando i
sopravvissuti adolescenti incontrano nuovi personaggi nella natura
selvaggia. Prima di questo finale che cambia le carte in tavola, la
linea temporale passata di Yellowjackets
continua a essere dominata dal tormento continuo del coach Ben
Scott (Steven Krueger). Lottie Matthews (Courtney Eaton) e la
maggior parte degli altri adolescenti insistono che il coach Ben
debba rimanere in vita dopo la visione che ha avuto Akilah (Nia
Sondaya) durante il finale della
terza stagione di Yellowjackets, episodio 5, che li
porta a credere che lui sia il “ponte” verso la loro
casa.
Natalie Scatorccio (Sophie
Thatcher) non riesce a sopportare le continue sofferenze di Coach
Ben, che peggiorano sempre di più man mano che lui implora la
morte. Alla fine, Natalie prende in mano la situazione e uccide
Coach Ben. Shauna Shipman (Sophie Nélisse) e il resto del
gruppo puniscono Natalie per aver portato via la loro speranza
facendola squartare il corpo e preparare un banchetto. Durante il
banchetto, i sopravvissuti mangiano e iniziano a urlare e a
ballare, ma vengono interrotti dai nuovi membri del cast di
Yellowjackets.
Chi sono i nuovi personaggi di
Wilderness?
I nuovi personaggi sono un uomo e
una donna, interpretati da Nelson Franklin e Ashley Sutton.
Si avvicinano ai sopravvissuti con espressioni preoccupate. L’uomo
alza la mano per salutare e dice: “Ciao”. Poi indietreggia e
esclama: “Ma che c***o?” quando nota la testa mozzata di
Coach Ben, messa da parte durante il banchetto in cui il resto del
suo corpo viene servito e consumato dai giovani sopravvissuti.
Finora sono passati solo pochi secondi sullo schermo, quindi si sa
poco di chi siano i nuovi personaggi e perché si trovino nella
natura selvaggia.
Il loro aspetto e il loro
abbigliamento non suggeriscono che siano rimasti bloccati a lungo.
Sembrano invece essere rimasti nella natura selvaggia solo per un
breve periodo di tempo e non aver dovuto ricorrere a misure estreme
per sopravvivere. Ciò è ulteriormente confermato dalla reazione
allarmata dell’uomo alla testa dell’allenatore Ben. I nuovi
personaggi potrebbero essere andati in campeggio o in escursione
nella natura selvaggia, solo per perdersi e avere la sfortuna di
imbattersi in questo gruppo di adolescenti cannibali.
La spiegazione delle urla e
delle danze di Lottie e degli altri sopravvissuti
Prima dell’arrivo dei nuovi
personaggi, Lottie inizia a urlare perché ha di nuovo delle
visioni. Le visioni di Lottie si erano interrotte in
precedenza, motivo per cui si era affidata a Travis Martinez (Kevin
Alves) e Akilah per avere visioni al suo posto. Questa nuova
visione fa credere a Lottie che lei e gli altri sopravvissuti non
stiano conducendo la loro festa come dovrebbero e che debbano
essere più animaleschi per connettersi completamente alla natura
selvaggia.
Le vespe avevano già mangiato
Jackie Taylor (Ella Purnell) e Javi Martinez (Luciano Leroux).
La natura emette il suo misterioso
e terrificante stridio in risposta alle urla di Lottie. Per Lottie,
urlare, cantare e ballare serve a legare con la natura. Tuttavia,
per molti altri sopravvissuti, è più un’opportunità per liberare le
emozioni che hanno represso. Sotto la guida di Natalie, il gruppo
ha stabilito un senso di normalità, ma sono ancora consumati da
molta rabbia, tristezza, frustrazione e dolore. Il rituale di
Lottie diventa un’opportunità per liberare tutti quei sentimenti,
soprattutto dopo la situazione straziante con Coach Ben.
Perché Tai ha bisogno
dell’aiuto di Van
Al giorno d’oggi, Van Palmer
(Lauren Ambrose) sta cercando informazioni sui nastri DAT sul suo
telefono quando Taissa Turner (Tawny Cypress) si alza di scatto.
Tai sembra come se stesse ansimando e dice: “Van!Per
favore. Devi aiutarmi.“ Il suo corpo si rilassa e chiede con
calma perché Van è ancora sveglia, come se non avesse appena
gridato aiuto qualche secondo prima. Questa scena inquietante
suggerisce che l’”altra Tai” abbia quasi preso il controllo
completo di lei, ma la Tai normale si è liberata per un momento per
chiedere l’aiuto di Van.
L’altro Tai che ha il controllo
coincide con la visione di Sammy (Aiden Stoxx) nell’episodio 5, che
sembra pensare che non sia la sua vera madre a venire a trovarlo.
Nell’episodio 6, Van immagina che Tai la chiami e la supplichi di
aiutarla. Sembra che l’altro Tai abbia il controllo praticamente
sempre, tranne che per un breve momento durante il sonno, il
che è ironico dato che prima usciva solo quando Tai era sonnambula.
La Tai normale ora ha bisogno dell’aiuto di Van per non essere
sepolta per sempre sotto il suo alter ego.
Perché Tai ha incontrato Lottie
il giorno in cui è morta
Misty Quigley (Christina Ricci)
incontra uno degli ex membri della setta di Lottie, Lisa (Nicole
Maines), all’inizio dell’episodio. Lisa dice a Misty che Tai ha
incontrato Lottie fuori da un bar il giorno in cui è morta. Nella
terza stagione di Yellowjackets, episodio 4, Tai e Van si separano per
un’ora prima di incontrarsi in città. Dopo aver appreso della morte
di Lottie nell’episodio 5, Van chiede a Tai dove sia andata in quel
periodo, e Tai nega di aver incontrato Lottie in quel periodo.
Supponendo che Lisa abbia detto la verità a Misty, Tai ha
incontrato Lottie e ha mentito a Van al riguardo.
All’inizio dell’episodio 4, Tai
chiama Lottie per discutere di ciò che ha detto sul fatto che la
natura è stata soddisfatta dal sacrificio di Natalie (Juliette
Lewis) durante il finale della
seconda stagione di Yellowjackets. Tai non ha ottenuto
una risposta prima che Lottie riattaccasse il telefono. Potrebbe
essere andata a incontrare Lottie per ottenere una risposta più
precisa. È già stato dimostrato che Tai è disposta a lasciar morire
gli altri se questo significa che la natura selvaggia permetterà a
Van di vivere più a lungo, e forse voleva vedere se Lottie la
pensava allo stesso modo.
Se “l’altra Tai” aveva già il
controllo, è possibile che sia andata a incontrare Lottie con
l’intenzione di ucciderla. “L’altra Tai” potrebbe aver visto
l’uccisione di Lottie come il sacrificio necessario per salvare
Van. Un’altra possibilità è che la Tai normale sia andata a
incontrare Lottie, le cose si siano surriscaldate e lei l’abbia
uccisa accidentalmente. Da allora, “l’altra Tai” potrebbe aver
preso il sopravvento come un modo per affrontare l’orrore di ciò
che aveva fatto. Indipendentemente dalla verità, l’indagine di
Misty ora la porterà a indagare su Tai mentre la terza stagione di
Yellowjackets continua.
Negli anni la Marvel ha abituato i suoi
spettatori alle trasposizioni cinematografiche dei suoi supereroi
più noti. Tra questi, pur non facendo parte del Marvel Cinematic Universe, uno dei
più affascinanti rimane certamente Ghost Rider, il motociclista
maledetto in lotta contro il male. Particolarmente controverso per
i suoi metodi, il personaggio ha ottenuto un primo film a lui
dedicato nel 2007. Nel 2012 è invece stato realizzato un sequel dal
titolo Ghost Rider – Spirito divendetta (qui la recensione), diretto da
Mark Neveldine
e Brian Taylor, con una sceneggiatura firmata tra
gli altri da David S. Goyer, già celebre per la
trilogia su Blade e Il cavaliere oscuro.
Pur essendo considerato un seguito
del primo film, questo presenta in realtà un cast totalmente
differente ad eccezione del protagonista, nonché un’ambientazione
diversa e alcune incongruenze rispetto alla trama del precedente
capitolo. A causa dei non entusiasmanti incassi di questo, infatti,
i produttori decisero di puntare nuovamente sul personaggio,
rielaborando però quanto fino a quel momento realizzato. Rispetto
alla precedente ambientazione australiana, infatti, si decise di
dar luogo alle riprese in Romania, paese scelto per via delle sue
forti implicazioni religiose e teologiche, utili ai fini del
film.
Una volta arrivato in sala, il film
riuscì ad affermarsi come un buon successo commerciale. Grazie ad
un budget dimezzato rispetto al precedente film, ora attestato
intorno alla cifra di 57 milioni di dollari, Ghost Rider –
Spirito di vendetta arrivò ad un incasso globale di circa
132 milioni. Tale risultato lasciò aperte le porte per un
potenziale terzo capitolo, di cui ancora oggi si parla. Prima di
vedere questo secondo, però, può essere utile conoscere alcune
delle principali curiosità legate al titolo, molte delle quali
relative proprio al cast di attori protagonisti.
In seguito agli eventi del primo
film, Johnny Driver decide di ritirarsi a vita
privata per poter imparare a controllare i suoi nuovi poteri da
Ghost Rider. Ritrovatosi in Europa, questi viene
però contattato dal monaco Moreau, il quale gli
chiede di salvare la misteriosa Nadya e suo figlio
Danny. Se accetterà, il monaco si offrirà di
liberarlo dalla maledizione che lo attanaglia. Pur se inizialmente
reticente, egli finisce con l’accettare il patto, e intraprende la
sua ricerca della donna, ignaro di cosa si nasconda dietro. Ciò che
il supereroe non sa, infatti, è che sulle tracce di madre e figlio
vi è anche il mercenario Ray Carrigan, al servizio
dello spietato Roarke. Questi si dimostra
particolarmente interessato al bambino per una ragione particolare,
di cui però nessuno è a conoscenza.
Ghost Rider si trova così a dover
sventare gli agguati nei confronti di Nadya e Danny, tentando di
portarli in salvo e tenerli lontani dai malvagi che vorrebbe
catturarli. Ben presto, però, anche l’infernale motociclista verrà
a conoscenza della verità riguardo il bambino, comprendendo il
terribile piano orchestrato da Roarke. Per fermarlo, egli capisce
dunque di non poter rinunciare ai propri superpoteri, e di dover
quanto prima imparare a gestirli del tutto per acquisire il massimo
del suo potenziale. Nel corso della battaglia, Ghost Rider sarà
dunque chiamato a trasformarsi da “spirito di vendetta” in “spirito
di giustizia”, difendendo chi ne ha bisogno.
Il cast del film
Come già anticipato in apertura,
rispetto al primo film il cast di attori è cambiato totalmente. Non
riprendono dunque i loro ruoli gli attori Eva Mendes, Peter
Fonda e Sam
Elliott, qui totalmente assenti. L’unica eccezione è
proprio quella del protagonista Nicolas
Cage, che torna a vestire il ruolo di Ghost Rider.
L’attore ha raccontato di come rispetto al precedente capitolo il
personaggio sia ora più sarcastico e ironico, ma non meno perfido.
Per prepararsi al ruolo l’attore ha condotto molte ricerche, sia
sulle caratteristiche del personaggio che sul contesto religioso in
cui il film è ambientato. Il suo obiettivo è stato quello di
rendere il supereroe il più sinistro possibile, evidenziando i suoi
aspetti più controversi.
Accanto a lui, nel ruolo di Nadya,
si ritrova l’attrice italiana Violante
Placido. L’attrice ha raccontato di aver accettato il
ruolo specialmente per la possibilità di dar vita ad un personaggio
e sequenze particolarmente spericolate. Il piccolo Danny è invece
interpretato da Fergus Riordan, mentre il
noto attore Idris
Elba nei panni del monaco alcolizzato Moreau. Ad
interpretare il villain Roarke è invece l’attore irlandese
Ciaran Hinds, noto per aver partecipato a numerosi
film di grande successo. Johnny Whitworth è invece
il mercenario Ray Carrigan. Questi raccontò di aver costruito il
personaggio su proprie improvvisazioni, basandosi sul corrispettivo
dei fumetti solo per l’aspetto. Il noto Christopher
Lambert, infine, interpreta Methodius, capo della
confraternita di monaci. Per il ruolo, l’attore dovette allenarsi
per tre mesi nell’utilizzo della spada.
In seguito all’uscita del film, nel
maggio del 2013 i diritti di Ghost Rider sono infine ritornati ai
Marvel Studios, i quali hanno poi annunciato
l’intenzione di introdurre in futuro il personaggio nell’universo
cinematografico da loro costruito. Gli stessi registi di Ghost
Rider – Spirito di vendetta si sono dichiarati disposti a
dirigere un nuovo film incentrato sull’infernale motociclista,
mentre Cage ha invece rivelato di non avere interesse a riprendere
il ruolo. In attesa di un futuro ritorno del personaggio sul grande
schermo, questo ha tuttavia fatto una significativa comparsa nella
serie Agente of S.H.I.E.L.D.S., interpretato da con
Gabriel Luna,
precisamente nell’episodio 6 della quarta stagione, intitolato
The Good Samaritan, dove si narrano le sue origini.
Ad oggi, però, i fan ancora
aspettano l’introduzione del personaggio nel Marvel Cinematic Universe. Per via
della sua natura controversa, tuttavia, risulta difficile
immaginare in che modo tale personaggio potrebbe essere inserito
nel franchise. Alcuni rumor, tuttavia, parlano di un nuovo film in sviluppo sul
personaggio presso i Marvel Studios. I recenti scioperi degli
attori e degli sceneggiatori avrebbero però rallentato lo sviluppo
di tale progetto, su cui dunque ad oggi non ci sono certezze.
Secondo alcuni, potrebbe essere proprio Cage a riprendere il ruolo,
mentre stando ad altre teorie i Marvel Studios potrebbero più
logicamente cercare un nuovo interprete.
Il trailer di Ghost
Rider – Spirito di vendetta e dove vedere il film in
streaming e in TV
In attesa dei futuri sviluppi, per
gli appassionati del film è possibile fruire di Ghost
Rider – Spirito di vendetta grazie alla sua presenza
su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in
rete. Il film è infatti disponibile nel catalogo di
Apple
TV+, Infinity+, Tim Vision e Now. Per vederlo, basterà
sottoscrivere un abbonamento generale o noleggiare il singolo film.
Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della
qualità video. Il film sarà inoltre trasmesso in televisione il
giorno venerdì 14marzo alle ore
21:00 sul canale 20 Mediaset.
L’episodio 9 della seconda stagione
di Scissione
(Severance) prepara perfettamente il terreno per il
finale, dando un’idea di come potrebbe concludersi la storia di
ogni personaggio principale. Nei primi momenti, l’episodio 9 della
seconda stagione rivela come James Eagan abbia grandi aspettative
nei confronti di Helena. Tuttavia, qualunque cosa faccia, lui
sembra deluso e addirittura odia che lei non mangi le uova crude
come Kier. Dopo aver mostrato come Helena sia schiacciata dalle
aspettative del padre e dall’eredità della sua famiglia, l’episodio
9 di Scissione – stagione 2 fa immedesimare
gli spettatori con Huang accennando al suo futuro a Lumon.
Anche l’innie di Dylan attraversa
una delle fasi più difficili della sua vita quando incontra di
nuovo la moglie del suo outie. Nel frattempo, gli outie di Burt e
Irving parlano finalmente della relazione dei loro innies e provano
una serie complessa di emozioni prima di separarsi. L’episodio
2 della stagione di Scissione si conclude con
Cobel, Mark e Devon che arrivano al Damona Birthing Retreat, dove
Cobel spera di poter parlare con l’innie di Mark.
Perché Cobel vuole parlare con
l’innie di Mark? Nel finale dell’episodio 9 della stagione 2 di
Scissione
Per quasi tutto l’episodio 9 della
seconda stagione di Scissione , Mark non può fare a meno di
sospettare che Cobel voglia aiutarli. Il suo sospetto ha senso,
dato che Cobel è stato cresciuto da Lumon. Tuttavia, Mark alla fine
cede quando Cobel rivela che Gemma potrebbe essere ancora viva se
il suo innie non avesse finito di elaborare il file Cold Harbor.
Rendendosi conto che solo un ex insider come Cobel può aiutarli a
salvare Gemma, Mark accetta di seguire il suo consiglio.
Nell’ultima scena dell’episodio 9
della seconda stagione di Scissione , Mark entra in una
cabina del Ramona Birthing Retreat e passa al suo alter ego. Con
sua sorpresa, trova Cobel che lo sta aspettando, suggerendogli che
cercherà di convincerlo ad aiutarli a far uscire Gemma da Lumon.
Dopo essere stato tradito e abbandonato da Lumon, Cobel sembra
aver finalmente capito che alla società non importa molto del
benessere delle persone. Tuttavia, dato che non può più entrare
nell’edificio di Lumon, non può fare molto per aiutare direttamente
Mark. Quindi, sembra che speri di convincere l’innie di Mark ad
aiutarli a salvare Gemma.
Il futuro della signorina Huang
a Lumon: perché Milchick le chiede di interrompere il suo
gioco
Milchick annuncia il completamento
della borsa di studio Wintertide della signorina Huang, che avrebbe
dovuto determinare il suo futuro a Lumon. Proprio come Cobel è
diventata una lavoratrice a tempo pieno di Lumon dopo aver
completato la sua borsa di studio con Lumon, apparentemente anche
Huang può fare lo stesso. Milchick conferma che sarà trasferita
al Gunnel Eagan Empathy Center, dove continuerà a lavorare per
Lumon. Anche se la signorina Huang lavora sodo per completare
il suo tirocinio, è triste per il trasferimento perché significa
che dovrà allontanarsi dai suoi genitori.
Il suo tragico futuro in Lumon
mette in luce come l’azienda costringa molti minori a lavorare
mascherando il lavoro minorile come un’opportunità di crescita
professionale. Anche Cobel ha vissuto qualcosa di simile quando era
molto più giovane. Milchick le fa anche capire la gravità del suo
ruolo in Lumon facendola distruggere il suo amato gioco. Il
processo di distruzione del totem non serve solo come simbolo per
segnare la fine dell’infanzia di Huang, ma fa anche parte del
processo di indottrinamento di Lumon per spogliare la propria
identità e renderli parte del culto di Kier.
Cosa intende dire James Eagan
quando dice di vedere Kier in Helly
Tramell Tillman in Scissione
Nell’arco finale dell’episodio 9
della seconda stagione di Scissione, James Eagan si intrufola nel
piano reciso di Lumon e sembra cercare di confrontarsi con Helly.
Tuttavia, più parla con lei, più diventa evidente che vorrebbe che
sua figlia fosse più simile a lei. Afferma di aver visto una volta
Kier in Helly, ma ora fatica a vedere la stessa cosa. La sua
insoddisfazione nei confronti della figlia si manifesta anche nei
primi momenti dell’episodio, quando la guarda con disappunto e
afferma che vorrebbe che mangiasse le uova crude come Kier.
La ribellione di Helly e la sua
volontà di crearsi un percorso e una propria identità sembrano
ricordare a James Eagan Kier, suggerendogli che preferirebbe
avere lei come erede invece di Helena. Dato che Helena è già gelosa
della sua sorellina, diventerà ancora più invidiosa di Helly se
scoprirà come la vede suo padre. Questo potrebbe non solo
esacerbare ulteriormente il rapporto già teso tra Helena e suo
padre, ma anche complicare il rapporto di Helly con Mark.
Perché il destino di Gemma
dipende dal completamento di Cold Harbor
Cobel dice a Mark che i numeri dei
file MDR sono quelli di sua moglie, suggerendo che il destino di
Gemma è sempre dipeso dal lavoro MDR di Mark. Questo ha senso, dato
che la settima puntata della seconda stagione di Scissione
ha stabilito che il nome di ogni stanza del piano di collaudo
corrispondeva al nome di un file su cui Mark aveva precedentemente
lavorato. Gli sviluppi della storia dalla settima puntata hanno
apparentemente stabilito che Mark stava “creando i” singoli
innies di Gemma lavorando sui file nel reparto MDR.
Finora, Scissione ha rivelato i
nomi delle seguenti stanze del piano di collaudo:
Allentown
Dranesville
Siena
Lucknow
Loveland
Wellington
St. Pierre
Zurigo
Cold Harbor
Per questo motivo, è difficile non
credere che il completamento di Cold Harbor creerà un altro
innie per Gemma, che verrà attivato dopo che Gemma entrerà
nella stanza Cold Harbor al piano di prova. Cobel continua a
insinuare che Gemma sarebbe viva solo se l’innie di Mark non avesse
completato il file Cold Harbor. Potrebbe significare che una volta
che Lumon avrà testato l’ultima stanza su Gemma, la uccideranno
invece di liberarla? Il finale della seconda stagione di
Scissione probabilmente fornirà ulteriori
risposte.
Perché Burt fa lasciare a
Irving la città di Kier
Burt si apre sulla sua storia con
la Lumon nell’episodio 9 della seconda stagione di
Scissione, rivelando di non aver mai fatto del male a
nessuno. Ha solo portato le persone alla Lumon, ma ha sempre saputo
che l’azienda stava facendo qualcosa di sbagliato. Si sente in
colpa perché ha contribuito alle malefatte della Lumon. Come
spiega, è entrato alla Lumon come dipendente licenziato perché
credeva che gli avrebbe dato l’opportunità di trovare una parvenza
di redenzione.
Irving si immedesima in lui e non
lo giudica per il suo passato. Si rende anche conto che
raccontandogli della sua passata collaborazione con Lumon, Burt sta
rischiando la vita. Irv spera di esplorare il suo rapporto con Burt
nel mondo esterno, credendo che potenzialmente possano
condividere lo stesso rapporto dei loro antenati. Tuttavia, con
suo sgomento, Burt lo incoraggia ad andarsene, rendendosi conto che
Lumon è a conoscenza della sua operazione segreta contro di loro.
Anche se Irv cerca di convincerlo a lasciare la città di Kier con
lui, Burt rifiuta l’offerta di rimanere con il suo partner,
Fields.
La spiegazione dell decisione
di Dylan di dimettersi
Come altri lavoratori della MDR,
Dylan era stato inizialmente spinto soprattutto dai vantaggi che
Lumon offriva a tutti i dipendenti con prestazioni elevate.
Tuttavia, il suo mondo è andato in frantumi quando l’incidente di
Overtime Contingency gli ha fatto capire di avere una famiglia al
di fuori dell’ufficio Lumon. Per mantenere viva la sua motivazione,
Milchick capì che avrebbe dovuto fargli incontrare sua moglie,
Gretchen. Poco dopo aver incontrato la moglie del suo outie, Dylan
trovò un nuovo scopo per rimanere fedele a Lumon. I suoi incontri
occasionali con Gretchen divennero il momento clou della sua vita,
mentre lui gradualmente si innamorava di lei.
Anche Gretchen lo faceva sentire
speranzoso quando lo baciava. Sfortunatamente, l’outie di Dylan non
fu contento quando Gretchen gli disse che aveva baciato il suo
innie. Di conseguenza, Gretchen decise di interrompere gli
incontri. Con questo, l’unica cosa che spingeva Dylan a lavorare
per Lumon dopogli eventi della prima stagione diScissione gli fu tolta. Decise
quindi di porre fine alla sua esistenza scrivendo una lettera di
dimissioni. Se le sue dimissioni saranno accettate nel finale della
seconda stagione di Scissione dipenderà interamente
dal suo outie.
The
Electric State sembra inizialmente concludere la storia
di Michelle con una nota agrodolce, ma la scena finale del film
lascia agli spettatori qualche speranza sul destino di un
personaggio. Nei suoi primi momenti,
The Electric State dei fratelli Russo presenta
un’esposizione che rivela come, dopo aver sperimentato una
crescente minaccia da parte dei robot ribelli, gli esseri umani
siano riusciti a superarla uccidendo molti robot e convincendone
altri a vivere in una zona separata e recintata. Nella linea
temporale attuale del film, i robot sono illegali al di fuori della
zona di esclusione loro assegnata, ma uno di loro arriva in qualche
modo a casa di Michelle e afferma di essere controllato da suo
fratello.
Dopo aver pianto la morte di suo
fratello per diversi anni, Michelle spera che possa essere ancora
vivo. Di conseguenza, parte con il suo nuovo robot per scoprire la
verità sul destino di suo fratello. Lungo il percorso, incrocia
Keats e i suoi amici robot, che accettano di aiutare Michelle a
trovare suo fratello. Nel finale di The Electric State,
Keats e Michelle convincono tutti i robot della zona di esclusione
a combattere con loro, scatenando una guerra tra umani e robot.
Chris è ancora vivo? Il
significato dell’ultima inquadratura di The Electric State
L’ultimo arco narrativo di The
Electric State suggerisce che Michelle stacchi la spina a Chris
per salvare il mondo da Skate. Tuttavia, nell’ultima inquadratura,
il robot, Cosmo, che Chris utilizzava in precedenza per comunicare
con Michelle, si rialza. Questo suggerisce che Cosmo si sia
trasformato in un normale robot Cosmo o sia riuscito in qualche
modo a conservare parte della coscienza di Chris. Se fosse
vero, Michelle potrebbe finalmente riunirsi a suo fratello. Anche
se non è con lei in carne e ossa, stare con Cosmo potrebbe aiutarla
a superare il suo dolore.
In un precedente arco narrativo,
The Electric State aveva stabilito che Chris non era un
bambino normale. Era molto più intelligente di un essere umano
normale, ed è uno dei motivi per cui è stato preso di mira da Ethan
Skate.
Per questo motivo, sembra possibile
che abbia trovato un modo per far sì che la sua coscienza continui
a esistere anche dopo che Michelle ha deciso di lasciarlo andare.
Se Netflix decidesse di ampliare la trama del film, il
ritorno di Chris nel finale di The Electric State potrebbe
essere il trampolino di lancio perfetto per la narrazione di un
sequel.
Perché Michelle stacca la spina
a Chris nel finale di The Electric State
Quando Michelle incontra Chris nel
mondo virtuale attraverso il neurocastore, Chris le dice che il
Sentre potrebbe farlo esistere in questo modo per almeno i prossimi
cento anni. Le rivela che il suo cervello condivide una
relazione simbiotica con il Sentre, sottintendendo che se gli
succede qualcosa, anche tutti i droni e i neurocastori collegati al
Sentre cesseranno di esistere. Allo stesso modo, la distruzione del
Sentre porterà anche alla sua morte. Michelle si rifiuta di
lasciarlo andare, ma alla fine decide di staccare la spina quando
si rende conto che i robot possono vincere contro gli umani solo
quando i droni smettono di funzionare….
Per quanto desideri
trascorrere più tempo con Chris, serve il bene superiore staccando
la spina.
Capisce anche quanto i neurocasters
siano stati distruttivi per l’umanità e si rende conto che lasciar
andare suo fratello libererà anche l’umanità dalla tecnologia che
crea dipendenza. Quindi, per quanto desideri passare più tempo con
Chris, serve il bene superiore scollegandolo. Fortunatamente per
lei, il finale di The Electric State suggerisce che Cosmo in
qualche modo conserva la coscienza di Chris.
Come The Electric State di
Netflix cambia il finale del romanzo originale
Come nel film, il materiale
originale mantiene il finale ambiguo. Nei momenti finali del
romanzo grafico originale, il neurocastello viene rimosso dal
fratello di Michelle, con la speranza che possa sopravvivere senza.
Il libro presenta anche un’immagine in cui il neurocastello e il
drone usati dal fratello vengono visti gettati in mare. Mentre il
film di Netflix suggerisce che Chris potrebbe essere ancora vivo,
il libro lascia il destino del fratello di Michelle
all’immaginazione del lettore. La sequenza finale suggerisce che
Michelle sia fuggita con suo fratello per sempre o abbia affrontato
la triste realtà del suo tragico destino.
Le conseguenze della chiusura
di Sentre
Tutti i droni cadono a terra dopo
che la morte di Chris ha portato alla chiusura di Sentre. Anche gli
umani che erano dipendenti dai loro neurocasters sono finalmente
liberi da una tecnologia distruttiva, e possono tornare a vivere
nel mondo reale. In seguito, umani e robot formano un’alleanza
pacifica mentre Skate tenta di fuggire dopo che la sua
sperimentazione su Chris è stata rivelata al mondo. Alla fine,
anche Skate viene catturato e arrestato per i suoi crimini,
il che gli impedisce di costruire altre tecnologie distruttive.
I motivi di Ethan Skate in The
Electric State spiegati: perché ha rapito Chris
Skate sostiene che i neurocasters
consentono agli esseri umani di evolversi e vivere in uno stato di
costante piacere, invece di essere oppressi dalle tragedie
dell’esistenza. Tuttavia, in fondo, sembra che gli importi poco del
progresso generale dell’umanità e spera solo di usare i
neurocasters per avere il controllo completo sul mondo. Quando la
rete di neurocasters era in fase di sviluppo, Skate ha faticato a
trovare un modo per alimentarla in modo efficiente.
Tuttavia, in seguito trovò
Christopher, che era stato portato al Sentre dopo un incidente
d’auto. Il dottor Amherst aiutò Skate a scoprire che Chris aveva
un’energia cerebrale insolita che poteva alimentare l’intero
sistema neurocaster. Pertanto, Chris fu tenuto in vita in modo
non etico in uno stato comatoso per garantire che la vasta rete
neurocaster rimanesse online.
Perché Bradbury ha cambiato
idea sui robot
Nell’arco narrativo iniziale di
The Electric State, Bradbury vive secondo un unico credo:
“Non si può essere senza cuore con le cose che non hanno
cuore”. È fermamente convinto che, poiché i robot non hanno un
cuore, non meritano l’empatia umana. Per questo motivo,
indipendentemente da quanto sembrino consapevoli e umani, Bradbury
si rifiuta di mostrare pietà nei loro confronti. Tuttavia, verso la
fine del
film di fantascienza di Netflix, Bradbury scopre cosa Skate ha
fatto a Christopher.
Questo gli fa capire che alcuni
umani sono molto più spietati dei robot apparentemente “senza
emozioni”. Comincia a rendersi conto che il semplice fatto di avere
funzioni corporee umane non è sufficiente a definire la vera
umanità di una persona. Di conseguenza, cambia schieramento e si
ritira dalla guerra contro i robot togliendosi il neurocastello,
comprendendo che non tutti i robot meritano di essere
sterminati.
Chi muore nel finale di The
Electric State
I robot rischiano la vita per
assicurarsi che Michelle salvi suo fratello. Durante la battaglia
finale tra droni guidati da esseri umani e robot, molti robot
perdono la vita. Dato che i robot non sono esseri umani, ci si
potrebbe chiedere se “morire” sia la parola giusta per
descrivere il loro destino. Tuttavia, nonostante la mancanza di
mortalità tradizionale, il sacrificio dei robot e la loro
capacità di combattere insieme dimostra che sono più senzienti
della maggior parte degli esseri umani là fuori.
Anche Herman, il compagno robot di
Keats, rimane gravemente ferito durante la battaglia. Subito dopo
che Keats gli dice che gli vuole bene, il robot chiude gli occhi e
muore. Tuttavia, con sorpresa di Keats, una versione più piccola di
Herman emerge dalla testa del robot, rivelando che è sempre
esistito all’interno del robot più grande. Con questo, tutto
finisce bene per Keats che si riunisce al suo amico robot dopo
averlo quasi perso. Oltre a diversi robot, anche il dottor Amherst
di Ke Huy Quan muore quando Skate lo uccide dopo aver impersonato
un drone.
Cosa significa veramente il
finale di The Electric State
Invece di limitarsi a criticare la
crescita dell’IA e la sempre maggiore dipendenza dell’umanità dalla
tecnologia, The Electric State mostra come la tecnologia da
sola non possa portare alla rovina dell’umanità. Attraverso la
narrazione di Skate, mette in evidenza come la tecnologia potrebbe
diventare un canale per gli esseri umani corrotti per stabilire il
controllo sulle masse e manipolare il mondo a loro favore. In un
certo senso, i neurocasters possono essere visti come metafore
visive dei social media che agganciano un utente promettendo un
flusso costante di dopamina.
Mostrano come si tenda sempre ad
affezionarsi così tanto al mondo virtuale attraverso i social media
da iniziare a perdere il contatto con la realtà, dando priorità al
regno digitale rispetto alle connessioni significative del mondo
reale. Come afferma Michelle nel suo discorso finale in The
Electric State, le tecnologie progettate per sfruttare il
cervello e la coscienza umana sono dannose sia per l’umanità che
per la società nel suo complesso. Pertanto, nella ricerca del
progresso e dell’evoluzione, gli esseri umani devono procedere con
cautela ed evitare di essere troppo ambiziosi come Ethan Skate.
Nel 1992 uscì al cinema il thriller
Single White Female, un classico della suspense
squinternata che vedeva Bridget Fonda nei panni di
una single di Manhattan che ha la sfortuna di scegliere una donna
appiccicosa e impacciata (Jennifer Jason Leigh)
come coinquilina mentre si riprende dalla rottura con il suo
partner. Scoprirà a sue spese che c’è qualcosa di molto strano
nella persona che ha deciso di trasferirsi nel suo appartamento.
Proprio quel film, divenuto nel tempo un cult, si appresta a
ricevere un rifacimento. Come riportato da Variety, la Sony e la 3000
Pictures di Elizabeth Gabler sono pronti a realizzare un remake con
Jenna Ortega e Taylor Russell
in trattative come protagoniste.
Non si sa chi dirigerà il film
(l’originale è stato diretto da Barbet Schroeder)
e al momento non si hanno ulteriori dettagli su questo progetto.
L’originale del 1992 è stato un autentico successo al botteghino
quando è uscito, guadagnando 84,1 milioni di dollari a fronte di un
budget di 16 milioni. Prima di Variety, The InSneider aveva
riportato per la prima volta che Ortega e Russell erano in
trattative per il nuovo film, cosa ora dunque confermata. Non resta
che attendere di scoprire se il tutto andrà in porto.
Il momento d’oro di Jenna Ortega e Taylor Russell
Jenna Ortega è nota soprattutto per aver
recitato in Mercoledì
di Netflix. Ha poi rafforzato il suo peso al botteghino
apparendo in Beetlejuice
Beetlejuice del 2024. Il prossimo film è Death
of a Unicorn, una commedia horror presentata in anteprima
al SXSW e che uscirà prossimamente nelle sale, ma anche Hurry
Up Tomorrow, un thriller con The Weeknd e
Barry Keoghan. L’attrice sarà inoltre
protagonista dell’adattamento di Taika Waititi del romanzo di Kazuo Ishiguro
Klara and the Sun, insieme ad Amy Adams.
L’attrice Taylor
Russell, invece, ha invece ottenuto critiche entusiastiche
per le sue interpretazioni in Waves di Trey Edward Schults e,
soprattutto, Bones and
All di Luca Guadagnino. È apparsa anche
nel remake di Netflix di Lost in Space, mentre tra i suoi
prossimi ruoli figurano Hope, un thriller
fantascientifico, e il remake di The Thomas Crown Affair
con Michael B. Jordan.
Gli showrunner di The Last
of Us, Craig Mazin e Neil Druckmann, hanno rivelato che
la seconda stagione includerà un gioco retcon, spiegando quale sarà
la nuova modifica. The Last of Us – stagione 2 prende elementi dal gioco
sequel, The Last of Us Part II, introducendo nuovi personaggi,
luoghi ed eventi che saranno familiari a coloro che hanno giocato
al materiale originale. Tuttavia, sono state apportate alcune
modifiche all’adattamento televisivo, tra cui il modo in cui il
virus Cordyceps si diffonde e come si comporta per coloro
che sono stati infettati.
Parlando al SXSW,
Mazin e Druckmann hanno confermato che The Last of Us – stagione 2 introdurrà le
spore nell’universo televisivo. Al minuto 33:22, tra una
battuta e l’altra sugli episodi musicali, Mazin ha spiegato
l’importanza di aumentare la posta in gioco quando si tratta di
quanto siano pericolosi gli infetti. Lui e Druckmann hanno avuto un
breve scambio di battute confermando che le spore sarebbero state
introdotte nella seconda stagione, rettificando la loro mancanza
nella prima. Tuttavia, hanno anche confermato una “drammatica
ragione” per la loro inclusione. Guarda cosa hanno detto Mazin
e Druckmann qui sotto:
Craig Mazin: Escalation. Sempre.
Tematicamente, molto di ciò che accade nella stagione è evoluzione
e cambiamento. Ellie sta crescendo e sta cambiando. Questa città di
Jackson sta crescendo. Si sta espandendo.
Craig Mazin: Escalation. Sempre.
Tematicamente, molto di ciò che accade nella stagione è evoluzione
e cambiamento. Ellie sta crescendo e sta cambiando. Questa città di
Jackson sta crescendo. Si sta espandendo
Craig Mazin: Escalation. Sempre.
Tematicamente, molto di ciò che accade nella stagione è evoluzione
e cambiamento. Ellie sta crescendo e sta cambiando. Questa città di
Jackson sta crescendo. Si sta espandendo. Sta accogliendo
rifugiati. Sta cambiando. E mentre il loro mondo sta cambiando,
anche l’esterno sta cambiando un po’. Quindi per noi era importante
far sempre avanzare la palla con gli infetti.Non si tratta
solo di aumentare, ma di qualcos’altro. Qualcosa che abbia un
significato in quello che sta succedendo, in modo che non diventino
solo NPC. Quindi sicuramente, sicuramente un’escalation. Stiamo
attenti a questo. Perché sappiamo anche che abbiamo ancora spazio
per i due episodi musicali [ride]. Quindi vogliamo assicurarci di
avere, sai, qualche asso nella manica. Ma sì, c’è un’escalation,
senza dubbio.
Neil Druckmann: Sì, c’è un
aumento del numero e dei tipi di infetti. Ma anche, come si vede
nel trailer, un aumento del vettore di diffusione di questa cosa.
Nella stagione 1, avevamo questa cosa nuova che non c’era nel
gioco, come questi viticci che si diffondono. E questa era una
forma. E poi questa scena che vedete in questo trailer, ci sono
cose nell’aria.
Craig Mazin: S’mores.
Neil Druckmann: Fa rima
con.
Craig Mazin: Spore. Sì. Sono
tornate.
Neil Druckmann: Sono
tornate.
Craig Mazin: Le spore sono
tornate. Spore sparse, fan! Prendete!
Neil Druckmann: E il motivo,
volevamo davvero capirlo. E ancora, tutto deve essere drammatico.
Doveva esserci un motivo drammatico per introdurlo ora. E
c’è.
Il trailer della seconda stagione
di The Last of Us ha accennato brevemente alla possibilità
che le spore tornino, con i commenti di Mazin e Druckmann che
fungono da conferma.
Cosa significano le spore per
la seconda stagione di The Last of Us
I
personaggi di The Last of Us stagione 2 saranno più in
pericolo che mai ora che le spore sono state aggiunte al loro
mondo. Nei giochi, le spore erano il principale mezzo attraverso
il quale il Codyceps si diffondeva, con i morti infetti
che facevano crescere il fungo che spargeva spore nell’aria. Questo
è il motivo per cui gli infetti sono diventati così importanti così
rapidamente nei giochi, con le spore che erano uno dei modi più
fruttuosi in cui il fungo era in grado di diffondersi a così tante
persone.
Le spore sono state inizialmente
evitate nella prima stagione, sostituite da tentacoli che avevano
gli infetti collegati tra loro attraverso una mente alveare. Anche
se non sembra che questo nuovo concetto verrà abbandonato,
l‘aggiunta delle spore significa che si verificheranno
situazioni più pericolose con gli infetti. Ciò significa che
alcune scene che coinvolgono le spore dei giochi potrebbero
finalmente essere adattate alla serie TV, potenzialmente remixate
quando i personaggi le scoprono per la prima volta. Non è chiaro se
questo significhi che anche altri elementi del gioco The Last of
Us verranno introdotti, come ad esempio infetti più
frequenti.
Gli Oasis ha
annunciato che verrà prodotto un film nel corso del tour di reunion
quest’anno, un progetto creato e prodotto da Steven
Knight (“Peaky
Blinders“, “Locke“) e diretto da Dylan
Southern e Will Lovelace (“Meet
Me in the Bathroom“).
Non sono state fornite informazioni
sulla natura del film, ma il fatto che Southern e Lovelace abbiano
diretto un documentario/film concerto per LCD
Soundsystem, “Shut Up and Play the Hits“,
potrebbe indicare un formato ibrido simile per il film sugli
Oasis.
Il progetto sugli Oasis sarà
prodotto da Magna Studios, con Sam Bridger e Guy Heeley come
produttori e Marisa Clifford e Kate Shepherd come produttori
esecutivi. Sarà distribuito da Sony Music Vision, con Krista
Wegener di Sony Music Vision a capo delle vendite globali.
Non è stata fissata una data di
uscita per il film e non ci saranno ulteriori informazioni sulla
sua uscita per l’immediato futuro. Oltre a produrre e creare
“Peaky Blinders“, Knight ha anche scritto il
recente film biografico su Maria Callas “Maria” con Angelina Jolie,
“Eastern Promises” di David Cronenberg e “Dirty Pretty Things” di
Stephen Frears e ha prodotto, diretto e scritto “Locke”, con Tom
Hardy.
Il tour degli Oasis inizierà il 4
luglio a Cardiff e dovrebbe durare fino a novembre.
La showrunner di Grey’s Anatomy Meg Marinis ha parlato
del successo della serie rivale The Pitt e ha espresso la
sua opinione sulla concorrenza tra i due drammi medici di successo.
La
stagione 21 di Grey’s
Anatomy è attualmente in onda, ma la serie campione di
ascolti della ABC non sembra destinata a rallentare presto. Al
contrario, The Pitt ha appena concluso la sua stagione di
debutto su Max, ed è stata acclamata dalla critica, oltre ad aver
ottenuto il rinnovo per la seconda stagione. È possibile tracciare
dei paragoni tra le due serie, in particolare per quanto riguarda
la narrazione drammatica e il buffet di personaggi
interessanti.
In un’intervista con il LA Times, Marinis discute i suoi piani per il futuro di
Grey’s Anatomy, oltre a parlare del successo di The
Pitt e dell’eventuale rivalità tra le serie. Rivelando che è
naturale interrogarsi su alcune delle trame che The
Pitt sta esplorando e su come si confrontano con
Grey’s Anatomy, prima di dichiarare di non aver ancora
guardato la serie rivale perché non vuole che influenzi la sua
scrittura, ma che ha intenzione di farlo. Ecco i commenti della
Marinis:
“Grey’s” ha resistito mentre altri nel genere sono
andati e venuti. Quando vedi qualcosa come “The Pitt” diventare
questo dramma che fa parlare la gente, cosa ne deduci in questa
fase della corsa di “Grey’s”?
Ci sono un paio di cose: non puoi fare a meno di pensare:
“Oh, che tipo di storie stanno raccontando?Raccontano
storie più interessanti delle nostre? Voglio davvero guardare The
Pitt, sto aspettando la pausa perché adoro i programmi medici, ma
cerco di non guardarli quando scrivo, per rimanere completamente
concentrata su Grey’s. Non voglio competere o fare paragoni. Sono
tutti diversi. Questo interesse dimostra che alla gente piacciono
ancora i programmi medici. Sono ancora rilevanti.
Cosa significano questi
commenti per Grey’s Anatomy in futuro
The Pitt,
con il suo realismo crudo e il suo approccio fresco e unico (12
episodi che coprono ciascuno 1 ora di un turno di 12 ore al pronto
soccorso), ha una struttura narrativa avvincente. Tuttavia, ciò
che ha sempre reso Grey’s Anatomy così popolare è la vita
personale dei suoi personaggi e il modo in cui questa si
insinua e influisce sulla loro vita professionale e sull’ambiente
di lavoro. Anche se c’è sempre la tentazione di cambiare approccio,
soprattutto dopo così tante stagioni, si ha la sensazione che
Grey’s debba attenersi alla sua formula di successo.
Anche se è improbabile che
Grey’s Anatomy cerchi di cambiare il suo formato per competere con
una serie più recente, il successo di The Pitt servirà almeno a
tenere Marinis e il resto del team di Grey’s Anatomy
all’erta.
I commenti di Marinis suggeriscono
che lei è d’accordo con questo sentimento e che è completamente
concentrata nel lasciare che Grey’s Anatomy sia Grey’s
Anatomy, senza cercare di copiare altre cose. Il pubblico dello
show esiste per un motivo, e cercare di apportare cambiamenti
drastici in questa fase non sarebbe adatto dal punto di vista
narrativo o tonale. Tuttavia, una volta che Marinis avrà visto
The Pitt, potrebbe essere ispirata a introdurre alcuni nuovi
archi nelle trame di Grey’s Anatomy, e questo non
sarebbe necessariamente visto come una cosa negativa.
Secondo quanto riferito, è in fase
di sviluppo un nuovo spinoff di Yellowstone,
mentre lo show di Beth e Rip riceve un aggiornamento delle riprese,
con l’universo della serie che continua ad espandersi. Il
prossimo spinoff di Beth e Rip di Yellowstone vedràKelly Reilly e Cole Hauser riprendere i loro ruoli
dalla serie originale, con le loro storie che continuano dopo la
fine del western di punta. Poiché il ranch originale è stato
rivenduto alla riserva di Broken Rock alla fine della serie, la
nuova serie della coppia li vedrà costruire una nuova vita insieme
al di fuori del patrimonio della famiglia Dutton.
Ora, un rapporto di Puck TV afferma che un nuovo spin-off di
Yellowstone è attualmente in fase di sviluppo
da parte del creatore Taylor Sheridan, anche se al momento
della stesura non sono stati rivelati dettagli sulla trama. Anche
le riprese della serie incentrata su Beth e Rip dovrebbero iniziare
quest’estate, e la serie sta cercando anche un attore per un ruolo
simile a quello di John Dutton, interpretato da Kevin Costner. Il
rapporto sottolinea anche il numero di idee per nuove stagioni di
serie in corso, insieme alle idee per nuove serie che Sheridan ha,
sia all’interno che all’esterno dell’universo condiviso dal
western.
Cosa significano gli
aggiornamenti sullo spinoff di Yellowstone per il
franchise
Alla
fine di Yellowstone,Beth, Rip e Carter vanno a
Dillon, nel Montana, per avviare un nuovo ranch, lasciandosi
alle spalle la loro vecchia vita per esplorare le nuove sfide che
li attendono. Le riprese della serie in programma per quest’estate
faranno sì che non ci vorrà molto prima che arrivino notizie più
concrete su cosa aspettarsi dalla serie. Si unirà a serie come
1883 e 1923, nonché agli spin-off in arrivo The
Madison, 1944 e 6666. Questi piani espansivi per
la serie sembrano essere solo l’inizio, tuttavia, con un’altra
serie senza titolo attualmente in lavorazione.
Poiché non si sa nulla
dell’imminente spin-off di Yellowstone, la nuova serie
potrebbe svolgersi nel passato, nel presente o nel futuro.
Potrebbe essere una serie
aggiuntiva che documenta la storia della famiglia Dutton, simile a
quella in corso del 1923. Un‘altra opzione è uno show
incentrato su Kayce dopo gli eventi dello show originale,
poiché non è confermato se apparirà di nuovo nel franchise.
Potrebbe anche essere come la storia di The Madison, seguendo un nuovo gruppo di personaggi che
non sono direttamente collegati a nessun’altra trama del
franchise.
Ted
Lasso torna ufficialmente. La serie comica di punta di
Apple
TV+, sviluppata da Jason Sudeikis, Bill Lawrence, Brendan Hunt
e Joe Kelly, vede Sudeikis nel ruolo del protagonista, un
allenatore di calcio che viene reclutato per allenare la squadra di
calcio AFC Richmond nel Regno Unito. Sebbene i membri del cast
Hannah Waddingham, Brett Goldstein e Jeremy Swift siano stati
ingaggiati per far parte della quarta stagione di Ted
Lasso a partire da agosto 2024, il rinnovo ufficiale
per la nuova stagione della serie vincitrice di 13 Emmy è stato
lento ad arrivare dopo la messa in onda del finale della terza
stagione il 31 maggio 2023.
Apple TV+ ha ora confermato ufficialmente che la
quarta stagione di Ted Lasso ha ricevuto il via
libera. La notizia arriva poche ore dopo che Jason
Sudeikis ha confermato il suo ritorno sia come
protagonista che come produttore esecutivo. Anche Jack Burditt di
30 Rock si unirà alla nuova stagione come produttore
esecutivo, entrando a far parte di un team che comprende già
Brendan Hunt, Joe Kelly, Jane Becker, Jamie Lee, Bill Wrubel, Jeff
Ingold, Liza Katzer e Bill Lawrence.
Leanne Bowen e Brett Goldstein
scriveranno e saranno produttori esecutivi, mentre Sara Walker
e Phoebe Walsh scriveranno e produrranno, Sasha Garron sarà
coproduttrice, Julia Lindon scriverà e Dylan Marron sarà story
editor. Di seguito, i commenti di Sudeikis e del responsabile della
programmazione di Apple TV+, Matt Cherniss, sul rinnovo:
Jason Sudeikis:Mentre continuiamo a vivere in un mondo in cui tanti fattori ci
hanno condizionato a “guardare prima di saltare”, nella quarta
stagione, i ragazzi dell’AFC Richmond imparano a SALTARE PRIMA DI
GUARDARE, scoprendo che ovunque atterrano, è esattamente dove
devono essere.
Matt Cherniss:Ted
Lasso è stato a dir poco un colosso, ha ispirato un appassionato
gruppo di fan in tutto il mondo e ha regalato gioia e risate
infinite, il tutto diffondendo gentilezza, compassione e una fede
incrollabile. Tutti noi di Apple siamo entusiasti di continuare la
nostra collaborazione con Jason e le brillanti menti creative
dietro questo show.
Deadlineha anche riferito che le riprese
dovrebbero iniziare in Kansas a luglio, per poi tornare nel
Regno Unito, dove è ambientata la serie, e che il casting per altri
ruoli è in fase di avvio. Secondo quanto riferito, anche Juno
Temple sarebbe in trattative per riprendere il ruolo di Keeley.
Cosa significa per la quarta
stagione di Ted Lasso
Anche se questa notizia non è stata
ancora confermata ufficialmente da Apple TV+, è logico che la
stagione inizi in Kansas, poiché è qui che il protagonista
della terza stagione di Ted Lasso ha lasciato, dopo essere
tornato a casa e aver iniziato ad allenare la squadra di calcio di
suo figlio. Tuttavia, dato che gli altri personaggi sono ancora nel
Regno Unito e che Sudeikis ha confermato che l’AFC Richmond farà
parte della nuova stagione, questa location dovrebbe apparire solo
nel primo episodio.
Le scene del Kansas alla fine della
terza stagione di Ted Lasso sono state girate in California.
Le scene del Kansas alla fine della
terza stagione di Ted Lasso sono state girate in California.
Le scene del Kansas alla fine della
terza stagione di Ted Lasso sono state girate in
California.
Al momento non si sa quanto tempo
sarà passato tra le stagioni, ma se la serie riprende con il Ted
Lasso cast quasi esattamente da dove si era interrotta, molto
probabilmente l’AFC Richmond avrà un aspetto molto diverso al
ritorno dell’allenatore. Poiché Rebecca, il personaggio di Keeley e
Waddingham, ha unito le forze per fondare una squadra femminile,
potrebbe esserci un enorme afflusso di nuove personalità intorno
ai personaggi di ritorno.