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DCU: ecco quale sarà il primo progetto ambientato a Gotham City

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DCU: ecco quale sarà il primo progetto ambientato a Gotham City

Gotham City è la casa di criminali come Joker, Poison Ivy, Penguin e Mr. Freeze, così come di eroi come Nightwing, Red Hood, Batgirl, Robin e, naturalmente, Batman. Dopo molta attesa, abbiamo la conferma che la città protetta dal Crociato Incappucciato sarà l’ambientazione di un film in uscita.

Creature Commandos è stato brevemente ambientato a Gotham, con tanto di primo fugace sguardo a Batman. Metropolis è la prossima location iconica da esplorare quando Superman uscirà a luglio di quest’anno, poi probabilmente verrà esplorata ulteriormente in Supergirl: Woman of Tomorrow a giugno 2026. L’11 settembre 2026, Clayface esplorerà il mondo di Gotham City.

Clayface esplorerà il mondo di Gotham City

Il co-CEO di DC Studios Peter Safran ha parlato con The Wrap per rivelare l’ambientazione del film. “Si adatta perfettamente al DCU e ci porta nel mondo di Gotham. Quindi, l’opportunità di realizzare un film horror per la DC è stata una specie di regalo”.

Non sorprende che Gotham City sia la location del primo film horror della DC, soprattutto considerando di chi parla quella storia. Gotham è piena di diversi personaggi terrificanti. Due Facce, Man Bat, The Phantasm, Killer Croc, Spaventapasseri, Professor Pyg e Joker sono solo alcuni dei personaggi spaventosi che vagano regolarmente per le strade di Gotham.

The-Batman-Parte-2-clayface-DCCosa sappiamo di Clayface

Si dice che Clayface sia un horror-thriller-tragedia, con il protagonista che non dovrebbe essere ritratto come il noto cattivo che è conosciuto nel canone di Batman. Il personaggio è stato introdotto dalla DC in Detective Comics #40 nel giugno 1940. In origine, era raffigurato come un attore di discreto successo che, dopo essersi dato al crimine, aveva adottato l’identità di un personaggio che aveva interpretato in un film horror. Ha un corpo apparentemente fatto di argilla ed è apparso nel corso degli anni in vari film, serie, opere d’animazione, videogiochi e altre forme di media.

In base ai commenti di James Gunn, il film sarà ambientato nel DCU, al contrario del “BatVerse” del regista di The Batman Matt Reeves. “Notizie entusiasmanti da [DC] Studios oggi, poiché [Clayface], una storia del DCU da una sceneggiatura di Mike Flanagan, ha ricevuto UFFICIALMENTE il via libera. Clayface debutterà nel 2026″, ha scritto Gunn. Flanagan aveva espresso il suo interesse per la realizzazione di un film autonomo su Clayface già nel 2021, quando scrisse su Twitter di voler affrontare il film come un “horror/thriller/tragedia”.

Il co-CEO di DC Studios Peter Safran ha condiviso alcuni nuovi dettagli sulla sceneggiatura di Flanagan, osservando che Clayface sarà effettivamente un film horror sullo stesso filone di La Mosca di David Cronenberg. THR ha recentemente fornito alcuni aggiornamenti interessanti e sembra che il film trarrà anche più di un po’ di ispirazione dal successo di body horror di Coralie Fargeat, The Substance.

“Clayface, vedi, è una storia horror di Hollywood, secondo le nostre fonti, che usa l’incarnazione più popolare del cattivo: un attore di film di serie B che si inietta una sostanza per mantenersi giovane e rilevante solo per scoprire che può rimodellare il suo viso e la sua forma, diventando un pezzo di argilla ambulante”.

Clayface ha un budget dichiarato di 40 milioni di dollari e dovrebbe essere girato in una varietà di località, tra cui Vancouver, Toronto e New Jersey o Atlanta. Alan Tudyk ha recentemente prestato la voce a Clayface nella serie animata Creature Commandos di James Gunn, il che significa che c’è la possibilità che possa anche interpretare il personaggio in un live-action a un certo punto.

Clayface arriverà nelle sale l’11 settembre 2026.

Avengers: Doomsday potrebbe mescolare attori in carne e ossa con personaggi completamente animati

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I rumors relativi a Avengers: Doomsday e Secret Wars sono moltissimi e sono davvero poche le notizie certe. Tra queste c’è certamente il coinvolgimento alla regia di Joe Russo e Anthony Russo. Ma ci aspettiamo molti altri nomi importanti, data l’introduzione, anche quella certa, del Multiverso.

Deadpool e Wolverine hanno regalato alcuni cameo memorabili, ma Doomsday e Secret Wars dovrebbero essere su un livello completamente diverso. Ci aspettiamo di vedere molti volti del passato e alcuni attori MCU noti in nuovi ruoli insieme all’attore di Iron Man Robert Downey Jr. nei panni di Dottor Destino.

Ora, un nuovo rapporto di The Cosmic Circus rivela che i Marvel Studios stanno valutando come portare personaggi animati in Avengers: Doomsday. Quindi, piuttosto che tradurre un personaggio animato in live-action, manterranno i rispettivi stili di animazione, con risultati simili a Space Jam e Chi ha incastrato Roger Rabbit.

Il sito aggiunge: “Per chiarire, mentre si prevede che Miss Minutes tornerà per Avengers: Doomsday, le informazioni relative a queste scene sono IN AGGIUNTA alle interazioni di Miss Minutes sullo schermo”.

Non sorprende che i personaggi di What If…? siano tra quelli al centro della scena in Doomsday, e questo rapporto suggerisce che The Watcher verrà mostrato insieme agli Exiles: Storm, Byrdie e Kahhori. Nel rapporto, si dice che i personaggi “osserveranno come il multiverso si dissolve nella follia dalla quinta dimensione e cercheranno di aiutare il più possibile”.

Sembra che potrebbe apparire anche il personaggio principale di Il Vostro Amichevole Spider-Man di Quartiere, anche se non è chiaro se questi cameo animati si estenderanno solo ai recenti progetti Marvel Animation o ad altri classici programmi TV.

Vedremo cosa succederà. Il risultato sarà accattivante o fiacco? Avengers: Doomsday film 2026

Tutto quello che sappiamo su Avengers: Doomsday

Avengers: Doomsday arriverà nelle sale il 1° maggio 2026, mentre Avengers: Secret Wars è previsto per il 7 maggio 2027.

Entrambi i film saranno diretti da Joe Russo e Anthony Russo, che faranno anche il loro ritorno nell’MCU dopo aver diretto Captain America: The Winter Soldier, Captain America: Civil War, Avengers: Infinity War e Avengers: Endgame. Al momento non si hanno certezze sugli attori che comporranno il cast del film, né su precisi elementi di trama.

Il ritorno di Downey nel MCU è stato annunciato al Comic-Con dello scorso anno, dove è stato svelato che l’attore interpreterà Victor Von Doom nei prossimi due film dei Vendicatori. A dicembre Deadline ha riportato la notizia che Chris Evans sarebbe tornato nell’universo Marvel in un ruolo ancora da definire. Un altro casting per il prossimo Avengers: Doomsday è quello di Hayley Atwell, che dovrebbe riprendere il suo ruolo di Agente Carter.

Biancaneve: un attore del film crede che Disney avesse “paura” di invitare la stampa alla premiere

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La prima mondiale del film live-action di Biancaneve della Disney si è tenuta nel fine settimana, ma l’evento non ha mobilitato lo sfarzo e il glamour a cui siamo abituati quando la Casa di Topolino di solito proietta un nuovo film per la prima volta. La stampa non è stata invitata a intervistare le star sul red carpet in favore di “un evento pomeridiano più celebrativo e adatto alle famiglie per adattarsi al tono e al pubblico di riferimento del film”.

Si ritiene che il vero motivo sia dovuto almeno in parte alle “controversie” che circondano le protagoniste Rachel Zegler, che è stata una sostenitrice schietta della Palestina e critica del presidente Donald Trump, e Gal Gadot, che è scesa in campo in difesa del suo paese d’origine, Israele. Ci sono state anche segnalazioni secondo cui entrambe le attrici non sono andate molto d’accordo durante le riprese del film (anche se questo è stato contestato).

Martin Klebba, che presta la voce a Brontolo nel nuovo film e funge anche da consigliere per il resto dei Nani, ha espresso i suoi pensieri sulla première durante un’intervista con THR. “Non sarà davvero un red carpet“, afferma Klebba, che sottolinea di essere molto orgoglioso del film e non vede l’ora che il pubblico lo veda. “Sarà all’El Capitan [Theatre], il che è fantastico. Ma sarà fondamentalmente una festa pre-evento, guarderemo il film e basta. Non ci sarà tutto questo clamore di ‘primo [fottuto] film Disney che abbiano mai fatto’. A causa di tutte queste controversie, hanno paura del contraccolpo da parte di persone diverse nella società“.

Tutto quello che sappiamo su Biancaneve

Biancaneve è diretto da Marc Webb, regista di The Amazing Spider-Man, da una sceneggiatura della regista di Barbie, Greta Gerwig e della drammaturga Erin Cressida Wilson. Il film dovrebbe ampliare la storia del classico d’animazione del 1937. Il film conterrà nuove canzoni di Benj Pasek e Justin Paul (La La Land e The Greatest Showman) e vedrà anche la star di Wonder Woman, Gal Gadot nel ruolo della Regina Cattiva. Gli attori per la maggior parte dei sette “nani” non sono stati annunciati, ma sappiamo che Martin Klebba, che ha partecipato a tutti i film dei Pirati dei Caraibi, interpreterà Brontolo.

È stato inoltre confermato che il film includerà una versione più giovane di Biancaneve, il che suggerisce che avremo una sorta di scene di flashback che approfondiranno le origini del personaggio principale.

L’uscita di Biancaneve nelle sale è prevista per il 21 marzo 2025.

James Gunn e Peter Safran hanno in programma di distribuire tre film DC all’anno

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Il DCU verrà inaugurato davvero l’11 luglio, quando Superman volerà nei cinema. Sebbene Creature Commandos, distribuito a dicembre 2024, fosse tecnicamente il primo progetto DCU, il nuovo universo inizierà davvero con Superman, quindi continuerà con progetti seriali come Lanterns on Max, il lungometraggio Supergirl: Woman of Tomorrow, che avrà come co-protagonista Lobo di Jason Momoa, e continuerà con progetti dallo stile molto diverso come Clayface.

James Gunn e Peter Safran hanno recentemente parlato con The Wrap per spiegare nel dettaglio il loro piano per quanto riguarda la frequenza di uscita dei progetti. Il loro obiettivo, almeno per ora, è di distribuire “due film live-action e un film d’animazione all’anno“, afferma Peter Safran. Ha anche detto che vogliono qualcosa di simile per Max, il servizio di streaming della Warner Bros, dove vogliono distribuire due serie live-action e una serie animata all’anno, un obiettivo ambizioso per un nuovo universo che senza dubbio aiuterà ad aumentare i numeri di Max.

Gunn ha anche commentato il motivo per cui alcuni film di Hollywood subiscono un calo di qualità. “Come ho potuto constatare lavorando a Hollywood, la cosa peggiore della qualità dei film di Hollywood è che così tante sceneggiature ottengono il via libera in base a una data o in base al fatto che si tratta di una proprietà intellettuale che vogliamo realizzare, ma non la realizziamo correttamente”.

Questo è in linea con i molti altri commenti di Gunn sulla sua esperienza a Hollywood e su come lui e Safran hanno intenzione di fare le cose alla DC. Gunn ha anche commentato l’idea di creare un universo interconnesso di media che non richieda al pubblico di fare i compiti per ogni singolo progetto, qualcosa di cui molte persone si lamentano riguardo al Marvel Cinematic Universe.

“Restiamo fermi nell’assicurarci che ognuno di questi progetti funzioni come un progetto autonomo, in modo che tu possa andare a vedere ‘Superman’ e puoi guardare ‘Lanterns’ senza doverli vedere entrambi”, ha detto Gunn, aggiungendo anche che “ci saranno cose speciali per le persone che hanno visto entrambi”.

Superman, tutto quello che sappiamo sul film di James Gunn

Superman, scritto e diretto da James Gunn, non sarà un’altra storia sulle origini, ma il Clark Kent che incontriamo per la prima volta qui sarà un “giovane reporter” a Metropolis. Si prevede che abbia già incontrato Lois Lane e, potenzialmente, i suoi compagni eroi (Gunn ha detto che esistono già in questo mondo e che l’Uomo di domani non è il primo metaumano del DCU). Il casting ha portato alla scelta degli attori David Corenswet e Rachel Brosnahan come Clark Kent/Superman e Lois Lane. Nel casta anche Isabela Merced, Edi Gathegi, Anthony Carrigan, Nicholas HoultNathan Fillion.

Il film è stato anche descritto come una “storia delle origini sul posto di lavoro“, suggerendo che una buona parte del film si concentrerà sull’identità civile di Superman, Clark Kent, che è un giornalista del Daily Planet. Secondo quanto riferito, Gunn ha consegnato la prima bozza della sua sceneggiatura prima dello sciopero degli sceneggiatori, ma ciò non significa che la produzione non subirà alcun impatto in futuro.

Con la sua solita cifra stilistica, James Gunn trasporta il supereroe originale nel nuovo immaginario mondo della DC, con una singolare miscela di racconto epico, azione, ironia e sentimenti, consegnandoci un Superman guidato dalla compassione e dall’innato convincimento nel bene del genere umano.

“Superman è il vero fondamento della nostra visione creativa per l’Universo DC. Non solo è una parte iconica della tradizione DC, ma è anche uno dei personaggi preferiti dai lettori di fumetti, dagli spettatori dei film precedenti e dai fan di tutto il mondo”, ha detto Gunn durante l’annuncio della lista DCU. “Non vedo l’ora di presentare la nostra versione di Superman, che il pubblico potrà seguire e conoscere attraverso film, film d’animazione e giochi”. Il film uscirà nelle sale il 10 luglio 2025.

The Electric State contiene un Easter Egg su Scarlet Witch che anticipa Avengers: Doomsday

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The Electric State è arrivato su Netflix questa settimana senza generare grande entusiasmo nella critica. Mentre Joe e Anthony Russo non hanno mai sbagliato un colpo nel MCU, la risposta al loro nuovo film ad alto budget con Millie Bobby Brown e Chris Pratt ha sollevato preoccupazioni su Avengers: Doomsday e Secret Wars.

GamesRadar+ ha scandagliato The Electric State alla ricerca di Easter Egg e ha scoperto un interessante cenno a Scarlet Witch. 

Si tratta di un istante, ma in una scena un robot che legge una copia di West Coast Avengers #56 degli anni ’90. Potrebbe essere semplicemente che i Russo che vogliono rendere omaggio al loro lavoro Marvel, ma la scelta del numero è innegabilmente interessante.

Nel fumetto, Wanda Maximoff diventa cattiva e imprigiona i suoi compagni Vendicatori quando i suoi poteri di Magia del Caos iniziano ad aumentare a un ritmo allarmante. Anni dopo, si sarebbe scoperto che il Dottor Destino aveva manipolato Scarlet Witch dall’ombra nella speranza di rubarle la capacità di alterare la realtà.

The Scarlet Witch Vision QuestCon questo in mente, questo potrebbe essere un indizio di ciò che vedremo in Avengers: Doomsday. Nei fumetti, Destino è diventato “Dio Imperatore Destino” rubando i poteri degli Beyonders e manipolando Molecule Man. Nel MCU, potrebbe essere che abbia preso di mira Loki, Scarlet Witch e Franklin Richards, tre personaggi che abbiamo sentito saranno nel radar del cattivo.

Si vocifera che i prossimi film di Avengers associno Victor Von Doom e Wanda, quindi questo potrebbe essere un riferimento che anticipa i piani di Joe e Anthony. In una recente intervista, i registi hanno rivelato che stanno di nuovo usando immagini simili a figurine da baseball degli attori del MCU per cercare di capire chi possono usare in Doomsday e Secret Wars.

Tutto quello che sappiamo su Avengers: Doomsday

Avengers: Doomsday arriverà nelle sale il 1° maggio 2026, mentre Avengers: Secret Wars è previsto per il 7 maggio 2027.

Entrambi i film saranno diretti da Joe Russo e Anthony Russo, che faranno anche il loro ritorno nell’MCU dopo aver diretto Captain America: The Winter Soldier, Captain America: Civil War, Avengers: Infinity War e Avengers: Endgame. Al momento non si hanno certezze sugli attori che comporranno il cast del film, né su precisi elementi di trama.

Il ritorno di Downey nel MCU è stato annunciato al Comic-Con dello scorso anno, dove è stato svelato che l’attore interpreterà Victor Von Doom nei prossimi due film dei Vendicatori. A dicembre Deadline ha riportato la notizia che Chris Evans sarebbe tornato nell’universo Marvel in un ruolo ancora da definire. Un altro casting per il prossimo Avengers: Doomsday è quello di Hayley Atwell, che dovrebbe riprendere il suo ruolo di Agente Carter.

Everest, la spiegazione del finale del film con Jake Gyllenhaal

Everest, la spiegazione del finale del film con Jake Gyllenhaal

Il finale di Everest vede gli scalatori sopravvissuti riunirsi in lacrime con i loro cari all’aeroporto della Nuova Zelanda, mentre Beck si riunisce con sua moglie Peach. Basato sul disastro del Monte Everest del 1996, Everest (qui la recensione si apre con Rob Hall, una guida di Adventure Consultants, che si prepara a scalare il Monte Everest mentre sua moglie incinta Jan rimane a casa, con Rob che promette di essere lì per la nascita del loro primo figlio. Rob è accompagnato dai clienti Doug Hansen, Yasuko Namba, la seconda donna giapponese a scalare le Sette Vette, Jon Krakauer, scrittore per la rivista Outside, e Beck Weathers. Insieme ai clienti di Rob c’è anche Scott Fischer, un’altra guida alpina, e un

Nonostante il successo del tentativo di raggiungere la vetta, il gruppo viene colpito da un’improvvisa tempesta durante la discesa dall’Everest, che blocca gli scalatori su tutta la montagna e rende quasi impossibile il soccorso a causa delle condizioni. Rob, Doug, Yasuko, Scott, Andy e altri tre perdono la vita sulla montagna a causa di una combinazione di fattori, tra cui l’ipossia e il congelamento. Prima che Rob muoia sulla montagna, lui e Jan decidono di chiamare la loro figlia Sarah. Beck riesce a tornare al campo gravemente congelato e alla fine viene portato via in elicottero, per poi ricongiungersi con sua moglie e i suoi figli in Texas.

Il salvataggio di Beck Weathers sull’Everest (e cosa gli è successo dopo)

Il salvataggio di Beck Weathers (Josh Brolin) è stato uno dei momenti più audaci dell’Everest. Dopo essere stato lasciato indietro dagli altri scalatori, Beck è riuscito a svegliarsi e a scendere al campo, dove è stato scoperto dagli scalatori che erano con la troupe della telecamera IMAX. Con l’aiuto della moglie Peach (Robin Wright), viene organizzato un salvataggio in elicottero tramite l’ambasciata americana. Anche questo salvataggio è stato un azzardo, dato che l’aria era troppo rarefatta per consentire a un elicottero di raggiungere il campo o di partire in sicurezza. Ma grazie a un pilota esperto dell’esercito nepalese, il tenente colonnello Madan (Vijay Lama), Beck viene portato via dall’Everest e portato in ospedale senza problemi.

Essendo uno degli alpinisti più esperti, Beck aveva scalato quasi ovunque, il che gli dava un senso di appartenenza e di avventura. Purtroppo, questo ha avuto un grande impatto sulla sua vita personale, trascurando spesso la sua vita familiare a favore dell’alpinismo (via endorfina). Secondo l’epilogo alla fine di Everest, Beck Weathers alla fine perse il naso e entrambe le mani a causa del grave congelamento che aveva subito durante la tempesta. Al suo ritorno a casa, riuscì anche a fare ammenda con sua moglie Peach, dato che in precedenza aveva dimenticato il loro anniversario di matrimonio.

Perché il gruppo ha abbandonato Beck e Yasuko?

Everest cast

Beck Weathers ha iniziato ad avere difficoltà con la vista a causa delle radiazioni UV e dell’alta quota, grazie alla recente chirurgia della cheratotomia radiale, e Yasuko ha iniziato a lottare contro l’ipotermia durante la discesa dall’Everest. Credendo che sia Yasuko che Beck fossero ormai irrimediabilmente in difficoltà e non sarebbero stati in grado di scendere dalla montagna a causa dell’intensa bufera di neve, entrambi furono lasciati indietro. A causa del numero limitato di provviste, gli altri alpinisti e le guide che cercarono di aiutare Yasuko e Beck volevano utilizzare quelle provviste per aiutare altri.

Con risorse limitate e molti altri alpinisti lasciati sulla montagna, Beck e Yasuko furono lasciati indietro dagli altri alpinisti. Beck alla fine perde conoscenza e Yasuko muore più tardi durante la notte. Come accennato in precedenza, Beck fu alla fine salvato grazie all’aiuto del team IMAX e si riprese in modo notevole. Il corpo di Yasuko fu poi portato giù dalla montagna nel 1997 (tramite Tranquil Kilimanjaro)

Le allucinazioni di Andy sull’Everest e come hanno causato la sua morte

Dopo essere stato inviato dal campo base per consegnare l’ossigeno di riserva, la guida Andy Harris inizia a subire un’emergenza medica dopo aver localizzato Rob. Con Doug caduto e morto e Rob bloccato in alto sull’Everest, Andy Harris si stringe a lui per aspettare che passi la tempesta. Mentre Rob dorme, Andy inizia ad avere allucinazioni e alla fine si spoglia degli strati esterni, scivolando giù dall’Everest verso la morte.

Come spiegato da Caroline all’inizio del film, uno dei sintomi principali dell’ipotermia o dell’ipossia sono le allucinazioni e lo strapparsi i vestiti, perché il cervello interpreta erroneamente il freddo estremo come caldo, una condizione nota come spogliarsi paradossalmente. È una condizione che è stata notata in numerosi casi di ipotermia e ipossia e generalmente indica che una persona è nelle fasi finali prima della morte. Essere rimasto bloccato sulla montagna per troppo tempo senza ossigeno supplementare gli ha causato allucinazioni e l’ha portato a togliersi gli strati esterni, anche se probabilmente era congelato.

Poiché non si sa cosa sia successo ad Andy Harris nella vita reale, i registi hanno dovuto prendere alcune libertà artistiche nel ritrarre la sua morte. La maggior parte concorda sul fatto che Andy sia tornato in cima per aiutare gli alpinisti bloccati, poiché in seguito è stata ritrovata parte della sua attrezzatura da arrampicata. Il corpo di Andy non fu mai ritrovato e nessuno lo vide morire, quindi la sua morte fu qualcosa che il film dovette creare. Everest mostra che Andy era salito sulla vetta sud per salvare Rob e Doug, probabilmente senza rendersi conto che anche lui stava lottando contro l’ipotermia (tramite Tranquil Kilimanjaro).

La causa delle morti sull’Everest è da imputare all’inesperienza?

Everest film

Otto persone sono morte nel disastro dell’Everest e la maggior parte degli scalatori non aveva abbastanza esperienza per scalare la montagna. Poiché la maggior parte delle morti sull’Everest sono causate da problemi di salute o da malfunzionamenti delle attrezzature, gli scalatori vivono davvero secondo la regola della “sopravvivenza del più forte”. Come ha detto Rob Hall all’inizio del film, “gli esseri umani semplicemente non sono fatti per funzionare all’altitudine di crociera di un 747”. Il Monte Everest non è uno scherzo per gli scalatori; è una delle montagne più pericolose al mondo e ha un record di 5-6 morti all’anno (fonte: Outside Magazine).

Con gli scalatori bloccati su tutto l’Everest senza alcun mezzo per scendere, le guide erano oberate di lavoro per mantenere in vita i loro clienti a tutti i costi. C’era anche la competizione per arrivare in cima il più velocemente possibile e il numero di alpinisti inesperti desiderosi di arrivare in cima significava che le pratiche più sicure venivano messe da parte in favore di arrivare da qualche parte in fretta. Gli alpinisti inesperti probabilmente non avevano familiarità con la loro attrezzatura, che avrebbe potuto aiutarli durante la discesa se non ci fosse stata una bufera di neve. Come mostrato nel film, alcuni dei clienti sull’Everest avevano poca o nessuna esperienza di alpinismo. È una ricetta per il disastro.

Il vero significato del finale di Everest

Keira Knightley in Everest (2015)
Jake Gyllenhaal in Everest (2015)

Il vero significato del finale di Everest è che, sebbene possa essere divertente correre un rischio e fare qualcosa di avventuroso, scalare l’Everest è una sfida fisica, emotiva e mentale. Essendo la montagna più alta del mondo, il Monte Everest è essenzialmente una condanna a morte se il tempo decide di prendere una brutta piega o se uno scalatore non è abbastanza esperto da comprendere i rischi che comporta. Gli scalatori hanno affrontato molte difficoltà scalando l’Everest e hanno rischiato la vita per aiutarsi a scendere in sicurezza, ma alla fine non è stato sufficiente.

Il fatto che l’ultima inquadratura del film sia del corpo di Rob congelato nella neve mostra la realtà di quanto l’Everest possa essere ingannevolmente pericoloso nonostante il suo aspetto tranquillo. La situazione si complica quando Helen torna in Nuova Zelanda e viene accolta da Jan, che ora è vedova. Questo conferisce al film un’impostazione solenne sulla realtà dell’ascesa dell’Everest, invece di un lieto fine idealizzato. Secondo Baltasar Kormákur, regista di Everest, che ha parlato con l’EW, voleva mostrare la dura esperienza del disastro del 1996, invece di farne un film eroico glorificato. Questo è stato fatto anche per onorare i sopravvissuti nella vita reale e le loro famiglie.

Come è stato accolto il finale di Everest

Il finale di Everest è stato al centro dell’attenzione sia della critica che del pubblico, suscitando una serie di reazioni. Il finale di Everest, ispirato ai tragici eventi realmente accaduti nel disastro del 1996 sul Monte Everest, punta all’autenticità e alla risonanza emotiva. Tuttavia, l‘accoglienza è stata mista, con alcuni che ne lodano il realismo e altri che ne criticano il coinvolgimento emotivo.

I critici hanno riconosciuto l’impegno del film nel rappresentare le strazianti realtà affrontate dagli scalatori durante la sfortunata spedizione. Glenn Kenny di Roger Ebert ha osservato che il film “è una rappresentazione dettagliata e realistica degli scalatori – di varie esperienze – che affrontano le peggiori condizioni possibili, ad altezze e climi che sembrano progettati per spegnere un corpo umano”. L’attenzione meticolosa al calvario degli scalatori contribuisce a un finale cupo e contemplativo, che riflette la natura imprevedibile e spesso spietata dell’alpinismo d’alta quota.

Tuttavia, questa aderenza al realismo in Everest è stata anche un punto di contesa. Alcuni critici sostengono che, mentre il film riesce a ritrarre le sfide fisiche e i pericoli dell’Everest, non riesce a trasmettere la profondità emotiva necessaria per coinvolgere pienamente il pubblico. Peter Bradshaw di The Guardian ha descritto Everest come “un film frustrante sotto molti aspetti”, e ha continuato spiegando che la colpa è in parte del finale:

“Nonostante qualche scossone e qualche brivido, non riesce a trasmettere il brivido da batticuore che molti si aspettavano, e tutti quei personaggi moderatamente coinvolgenti fanno sì che non ci sia un personaggio centrale potente: le donne sono sdolcinate e gli uomini non molto meno. La domanda iniziale di Krakauer agli scalatori sul perché lo stiano facendo in primo luogo suscita naturalmente l’esilarante recita di gruppo della secolare risposta: “Perché è lì!” Eppure non c’è altra risposta più interessante. Alla fine del film, il pubblico può avere la sensazione di aver faticosamente raggiunto la vetta e di essere tornato indietro senza aver visto granché.

Il finale di Everest, che rispecchia i tragici esiti degli eventi reali, è stato percepito da alcuni come emotivamente distante. Kenny ha osservato che il film “non mi ha esaltato o spaventato tanto quanto mi ha lasciato tristemente impassibile”, indicando un senso di distacco piuttosto che un’empatia coinvolgente. Sebbene il finale sia fedele agli eventi reali, potrebbe non aver trasmesso pienamente il profondo impatto emotivo della tragedia agli spettatori.

In definitiva, il finale di Everest è stato accolto con un misto di ammirazione per la sua rappresentazione realistica di un evento tragico e di critica per la sua esecuzione emotiva. Anche se il film del 2015 riesce a mettere in evidenza la pericolosità dell’alpinismo d’alta quota, il suo impatto sugli spettatori varia, con alcuni che provano un profondo senso di perdita e altri che sperimentano una risposta emotiva più contenuta. Questa dicotomia sottolinea le sfide che i registi devono affrontare quando cercano di bilanciare l’accuratezza dei fatti con la necessità di una narrazione avvincente che risuoni a livello profondamente personale.

1923 – Stagione 2, episodio 4, la spiegazione del finale: le strade di Spencer e Teonna si incroceranno?

La seconda stagione, episodio 4, di 1923 è stata piena di rivelazioni clamorose sulla storia della famiglia Dutton, e diversi pezzi sembrano pronti a incastrarsi. L’intero cast della seconda stagione del 1923 ha sofferto gli effetti di un inverno molto rigido per tutta la stagione. Ad esempio, Zane Davis (Brian Geraghty) ha scoperto di dover subire un intervento chirurgico al cervello, Elizabeth (Michelle Randolph) è stata morsa da un lupo rabbioso e Alexandra (Julia Schlaepfer) è stata aggredita da un borseggiatore e ha quasi perso il treno. Finora la seconda stagione di 1923 è stata incredibilmente cupa e triste, quindi i momenti di luce dell’episodio 4 sono stati molto apprezzati.

Anche se la quarta puntata della seconda stagione di 1923 è stata più luminosa delle precedenti, non è mancata di momenti bui. L’operazione di Zane è stata snervante, la rapina di Alexandra è stata viscerale e Donald Whitfield (Timothy Dalton) ha continuato la sua controversa storia. Tuttavia, Elizabeth ha anche annunciato la sua gravidanza, l’intervento di Zane ha avuto successo e Teonna Rainwater (Aminah Nieves) e il suo gruppo si sono divertiti un po’ con i cowboy. Sono successe molte cose nella stagione 2, episodio 4, del 1923, e vale la pena ripassarle tutte.

Zane sarà in grado di combattere per il Yellowstone dopo l’intervento al cervello?

Nella stagione 2 di 1923, episodio 3, Zane Davis scoprì di dover subire un intervento al cervello per liberare il sangue dall’interno del cranio, e doveva farlo senza anestesia. Fortunatamente, l’intervento al cervello di Zane ha avuto un enorme successo e, nonostante sia stato un processo doloroso e raccapricciante, dovrebbe riprendersi completamente. Infatti, sembra che Zane si riprenderà molto rapidamente: pochi secondi dopo aver bendato la ferita aperta nel cranio, Zane camminava e parlava normalmente. La ferita potenzialmente letale di Zane sembra essere scomparsa altrettanto rapidamente.

Se Zane continua a riprendersi a un ritmo così sorprendente, potrebbe benissimo tornare a combattere al fianco dei Dutton contro Banner Creighton (Jerome Flynn) e Donald Whitfield (Timothy Dalton). Una delle prime parole pronunciate da Zane è stata chiedere se Jacob (Harrison Ford) avrebbe affrontato loro, quindi sembra che Zane tornerà in sella in men che non si dica. Zane potrebbe anche essere in grado di iniziare a combattere prima che Spencer (Brandon Sklenar) torni in Montana. Jacob ha detto la cosa migliore: una calamità è stata affrontata.

La gravidanza di Elizabeth e la possibilità di John Dutton II spiegate

Subito dopo la miracolosa guarigione di Zane, i Dutton hanno ricevuto un’altra buona notizia. Elizabeth (Michelle Randolph) ha scoperto di essere incinta di Jack (Darren Mann) dopo essersi vaccinata contro la rabbia. La notizia risollevò immediatamente il morale di Elizabeth e potrebbe persino essere sufficiente a convincerla a restare nonostante tutti i problemi che ha avuto con il ranch di Yellowstone e l’inverno. Ci fu anche un momento divertente quando Jacob pensò che la conversazione che aveva avuto con Elizabeth avesse trasformato lei e Jack di nuovo in “cuccioli”, ma poi Cara (Helen Mirren) lo riportò sulla Terra.

La gravidanza di Elizabeth potrebbe anche risolvere un grande mistero di Yellowstone che si trascina dal 1923. John Dutton II, il padre di John III interpretato da Kevin Costner in Yellowstone, deve ancora nascere e non sappiamo ancora se discende da Jack o da Spencer. Il bambino di Elizabeth, tuttavia, sarebbe della generazione e dell’età giuste per essere John II. Il bambino di Spencer e Alexandra (Julia Schlaepfer), d’altra parte, sarebbe di una generazione troppo vecchio perché la maledizione della famiglia Dutton abbia senso. L’unica sfida che devono ancora superare è evitare un altro aborto spontaneo, come quello che hanno avuto nella prima stagione del 1923.

Banner Creighton si rivolterà contro Donald Whitfield o lo aiuterà a conquistare il Yellowstone?

La storia di Banner Creighton ha ricevuto una certa attenzione anche nella seconda stagione, episodio 4, del 1923, anche se ha sollevato più domande che risposte. Creighton e Whitfield continuarono a tramare la rovina dei Dutton e il sequestro del Yellowstone, e Creighton sembrava essere per lo più d’accordo. La moglie di Banner, Ellie (Sarah Randall Hunt), lo incoraggiò persino a lavorare con Whitfield e a condurre una vita agiata per la loro famiglia con la forza. L’incoraggiamento di Ellie e la promessa di ricchezze incalcolabili potrebbero essere sufficienti per convincere Creighton a restare con Whitfield.

La morte depravata di Christy, il fatto di doverla abbandonare come spazzatura e il completo potere di Whitfield su Lindy potrebbero essere stati un passo troppo lungo per Creighton, che potrebbe finire per unirsi ai Dutton.

Tuttavia, si sono anche creati dei problemi tra Creighton e Whitfield. Creighton ha detto di aver paura della capacità di Whitfield di “vedere attraverso le persone” e di trovare opportunità di business all’inizio della stagione del 1923. Inoltre, Lindy (Madison Elise Rogers) ha ucciso accidentalmente Christy (Cailyn Rice) e Whitfield ha costretto Creighton a nascondere il suo corpo nella discarica di Yellowstone. La morte depravata di Christy, il fatto di dover gettare il suo corpo come spazzatura e il completo potere di Whitfield su Lindy potrebbero essere stati un passo troppo lungo per Creighton, che potrebbe finire per unirsi ai Dutton, dopotutto.

Il contrabbando di Spencer e la lotta per la “tassa sul treno” spiegazione della seconda stagione del 1923

Il viaggio apparentemente infinito di Spencer verso il Montana ha riservato altre due grandi sfide nella seconda stagione, episodio 4, del 1923. La prima è arrivata dopo che la polizia che ha sparato a Luca (Andy Dispensa) ha costretto Spencer a consegnare il whisky di contrabbando. La polizia stava essenzialmente usando Spencer per scoprire chi fossero gli acquirenti del whisky, e avevano sempre intenzione di fregarlo. Ecco perché un agente ammanettò Spencer al volante del camion, ed ecco perché Spencer dovette fuggire su un treno di passaggio.

Il viaggio in treno di Spencer fu la sua seconda sfida. C’erano alcuni senzatetto sul treno su cui Spencer saltò e gli chiesero di pagare una “tassa sul treno” per il viaggio. La “tassa sul treno” era solo il modo in cui i senzatetto cercavano di spremere Spencer: avevano visto che aveva delle belle cose e volevano rubargliele per fare un po’ di soldi. Sfortunatamente per loro, Spencer non ha mai voluto stare al gioco e ha finito per sparare a due di loro e mettere la ragazza fuori combattimento.

Spencer Dutton e Teonna Rainwater potrebbero incontrarsi dopo la seconda stagione di 1923, episodio 4?

Il mancato pagamento della tassa sul treno da parte di Spencer potrebbe anche metterlo su una rotta di collisione con Teonna Rainwater (Aminah Nieves) e il suo gruppo nella seconda stagione del 1923. Teonna, Runs His Horse (Michael Spears) e Pete Plenty Clouds (Jeremy Gauna) cavalcavano tutti con i cowboy nel loro ranch e, quando il loro lavoro giornaliero era finito, si sistemavano in un luna park. Alla fiera, Teonna trova alcuni dei manifesti di ricercata che Mamie Fossett (Jennifer Carpenter) aveva fatto di lei, il che significa essenzialmente che saranno di nuovo in fuga. Teonna non può restare con i cowboy: possono essere amichevoli, ma una taglia di 200 dollari potrebbe convincerli a rivoltarsi contro di lei.

Nel frattempo, anche Spencer è in fuga dalla legge. È ricercato per contrabbando dagli stessi poliziotti che hanno cercato di fregarlo e probabilmente sarà ricercato anche per l’omicidio dei due senzatetto sul treno. Dato che Spencer e Teonna sono entrambi in fuga e si trovano nella stessa zona, sembra che la seconda stagione del 1923 stia organizzando un incontro tra loro. Potrebbero anche unire le forze quando Fossett, padre Renaud (Sebastian Roché) e il maresciallo Kent (Jamie McShane) li troveranno. In ogni caso, Teonna potrebbe presto incontrare il suo primo Dutton nella seconda stagione del 1923.

Hinterland: la spiegazione del finale del film

Hinterland: la spiegazione del finale del film

Presentato in anteprima al 74° Festival di Locarno e vincitore del Prix du public, il film del 2022 Hinterland è un pregiato thriller ambientato all’indomani del crollo dell’Impero austro-ungarico, negli anni Venti del Novecento. Diretto da Stefan Ruzowitzky (regista di Anatomy e Patient Zero), il film vanta infatti una grande cura nella messa in scena ed è debitore, nella fotografia, alla tradizione dell’espressionismo tedesco. Al di là di questi aspetti estetici, però, propone un duro racconto sui reduci di guerra e il loro venire completamente abbandonati ad un mondo che non riescono più a comprendere.

Simile, per certi aspetti, al recente The Girl with the Needle – altro film che fa riferimento all’espressionismo e agli orrori della guerra – Hinterland è stato descritto da Ruzowitzky come un “Gabinetto del Dottor Caligari digitale”, dove lo stile visivo oscuro e contorto del film – che riflette perfettamente la follia e il caos che affliggono Vienna – è un chiaro omaggio al film espressionista tedesco per eccellenza, Il Gabinetto del Dottor Caligari (1920) di Robert Wiene. Ma mentre le immagini di quel film erano tutte pratiche, Hinterland si affida ai moderni VFX.

Il risultato è una resa atmosferica della Vienna del 1920, creata con la tecnologia del blue screen, che trasforma la città stessa in un nemico temibile quasi quanto il serial killer che infesta le sue strade. In questo articolo, approfondiamo dunque alcune delle principali curiosità relative a Hinterland e proseguendo nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e alla spiegazione del finale. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

Murathan Muslu in Hinterland
Murathan Muslu in Hinterland

La trama e il cast di Hinterland

Il racconto si svolge a Vienna negli anni ’20 del Novecento. La Prima Guerra Mondiale è finita da poco e l’ispettore Peter Perg (Murathan Muslu), torna nella sua città insieme ai suoi compagni dopo essere stato prigioniero in Russia per sette lunghi anni. L’Impero Austro-Ungarico è crollato e ora la nazione è una Repubblica con un livello di democrazia molto basso, caratterizzata da un alto tasso di disoccupazione e di disagio sociale. In questo tutt’altro che lieto contesto, Perg torna a esercitare la sua professione di investigatore e a fiancheggiarlo c’è la dottoressa Theresa Körner (Liv Lisa Fries), medico forense.

Il primo caso non tarda ad arrivare. La misteriosa morte di un ex soldato tornato dalla guerra con lui, dà il via ad un mistero potenzialmente pericoloso. In breve, questo primo omicidio viene seguito da altri decessi simili, il che dà ufficialmente il via a delle indiagini su un possibile serial killer.  Il caso sembra coinvolgere anche il corpo della polizia austriaca, al centro di possibili scandali e intrighi legati agli inspiegabili omicidi. Perg e Körner si ritroveranno dunque catapultati in una spirale di violenza, inganni e orrore, sapendo di non avere molto tempo per poter scoprire chi si cela dietro quanto sta accadendo.

Liv Lisa Fries in Hinterland
Liv Lisa Fries in Hinterland

La spiegazione del finale di Hinterland

Come anticipato, con  Hinterland si è davanti ad un film che mira a replicare lo stile del cinema espressionista in tutto e per tutto. Il film è però prima di tutto una cruda riflessione sui traumi della guerra e su ciò che essa lascia in chi ha la fortuna (?) di sopravvivervi. Alla fine del film, dopo un’intensa indagine, i due protagonisti riescono infatti a scoprire l’identità dell’assassino che sta brutalmente uccidendo i veterani della Prime Guerra Mondiale. Si tratta di un ex commilitone di Perg, anch’egli segnato profondamente segnato dall’esperienza bellica e dalla successiva emarginazione nella Vienna post-imperiale.

Il paese per il quale ha firmato per combattere con fervore patriottico non esiste più, perciò cosa dovrebbe fare ora? Per cosa dovrebbe combattere ora? Come può mai dimenticare gli orrori a cui ha assistito? Da qui nasce la follia, che porta naturalmente ad un finale amarissimo. Nonostante Perg riesca infatti a fermare il killer, la sua ricerca ricerca di giustizia sembra essere vanificata. Gli omicidi sono stati fermati ma il problema dell’abbandono e il trauma dei reduci rimane irrisolto e con questo caso è stato costretto a prenderne atto. Il mondo che Perg conosceva è dunque crollato e lui è solo un sopravvissuto in un ambiente morente.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

Sfortunatamente il film non è presente su nessuna delle piattaforme streaming attualmente attive in Italia. È però presente nel palinsesto televisivo di mercoledì 7 ottobre alle ore 21:20 sul canale Rai 4. Di conseguenza, per un limitato periodo di tempo sarà presente anche sulla piattaforma Rai Play, dove quindi lo si potrà vedere anche oltre il momento della sua messa in onda. Basterà accedere alla piattaforma, completamente gratuita, per trovare il film e far partire la visione.

The Town: la spiegazione del finale del film di Ben Affleck

The Town: la spiegazione del finale del film di Ben Affleck

The Town è il secondo film diretto da Ben Affleck da una sceneggiatura scritta da Peter Craig, Aaron Stockard e lo stesso Affleck, impreziosito dalle interpretazioni di Affleck, Jon Hamm, Jeremy Renner, Blake Lively, Rebecca Hall e altri. In esso si racconta di una piccola banda di rapinatori di banche e ladri di furgoni blindati di Charlsetown, una zona di Boston nota per la produzione di un gran numero di criminali di vario genere. Nel corso della vicenda, dopo aver rapinato una grande banca, Doug MacRay (Affleck) sviluppa dei sentimenti per un’impiegata presa in ostaggio, Claire (Hall).

Alla luce di ciò, decide di lasciarsi alle spalle il suo stile di vita criminale mentre l’FBI, guidato da Adam Frawley (Hamm), si avvicina sempre di più a lui. Nel frattempo, James Coughlin (Renner), partner di Doug nel crimine e amico d’infanzia, non vede l’ora di fare altri colpi, nonostante le pressioni dell’FBI. Doug è così schiacciato tra queste forze, consapevole che non potrà resistere a lungo a questo peso. Nel finale di The Town, dunque, vediamo il Doug MacRay di Ben Affleck che fugge in Florida per evitare l’FBI, ma esiste anche un finale alternativo che si svolge in modo molto diverso.

Charlestown è davvero piena di rapinatori di banche?

La scena d’apertura di The Town contiene un testo che stabilisce la storia di Charlstown come terreno fertile per i criminali, affermando che il quartiere di Boston ha “prodotto più rapinatori di banche e ladri di furgoni blindati di qualsiasi altra parte del mondo” e che il mestiere è stato tramandato di padre in figlio. Quando il film è stato distribuito, ci sono stati dubbi sulla reale importanza della popolazione di rapinatori di banche di Charlestown, anche se The Town è vagamente basato sul romanzo Prince of Thieves di Chuck Hogan, che è stato ispirato proprio dalla reputazione di Charlston negli anni ’80 e ’90.

Affleck ha dunque svolto ricerche approfondite per rendere le rapine e i furti del film il più accurati possibile, anche se in un’intervista a The Ringer ha ammesso che la Charleston moderna potrebbe non meritare la stessa reputazione: “Ho fatto finta che Charlestown fosse ancora come una volta. Ma in realtà non lo è. Abbiamo preso un periodo di tempo che era passato e finto che sia ancora una realtà”. The Town non è poi basato su nessun criminale in particolare, ma Affleck ha rivelato di essersi ispirato a crimini reali e un rapinatore di banche ha dichiarato che Affleck lo ha preso a modello per Doug MacRay per le rapine che ha commesso quando era più giovane.

The Town film
Ben Affleck in The Town. Foto di Claire Folger – © 2010 Warner Bros. Entertainment Inc. and Legendary Pictures

L’FBI Inizia a sospettare della banda di Doug

Doug, James, Gloansy e Dez eseguono dunque nella scena iniziale del film una rapina in banca quasi impeccabile, quindi come ha fatto Frawley a sospettare di loro? L’agente inizia la sua ricerca arrestando un criminale di basso livello a Charlestown che gli dice che la banda che ha rapinato la banca comprendeva qualcuno che “entra nella scatola di giunzione”, che Frawley scopre essere un’abilità che qualcuno dovrebbe imparare lavorando per la sicurezza di Vericom. Frawley ottiene quindi l’accesso ai file dei dipendenti di Vericom per confrontare i giorni di malattia registrati con le date delle rapine in banca, trovando un notevole schema di assenze con Desmond Elden, alias Dez, che porta ai soci noti Doug, James e Gloansy.

Frawley identifica subito Doug come il capobanda, ma la pista si perde perché non ha prove concrete su cui agire e Doug si accorge subito della sorveglianza dell’FBI e sa che non deve compiere passi falsi. Dopo il furto del camion, Frawley dice quindi alla sua squadra di trovare “qualcosa che assomigli a un’impronta” dal furgone bruciato per la fuga, in modo da giustificare l’interrogatorio di Doug e della sua banda. Naturalmente, Frawley sta facendo uno strappo alla legge, poiché l’FBI non ha un’impronta utilizzabile, altrimenti avrebbe una prova perseguibile. Invece, possono solo interrogare Doug e la sua banda, sperando che uno di loro faccia un passo falso.

Krista rivela della rapina al Fenway Park

Da bambino, dopo che la madre di Doug è scomparsa e il padre Stephen MacRay (Chris Cooper) è stato messo in prigione, i Coughlin lo hanno accolto e lui è cresciuto con James e Krista (Lively) come fratello e sorella acquisiti. Da giovane ha poi avuto una relazione saltuaria con Krista, durante la quale lei è rimasta incinta di Shyna, anche se Doug non crede di essere il padre della bambina perché in quel periodo Krista aveva diversi amanti. Tuttavia, Krista e James pensano che Doug sia inequivocabilmente il padre e si aspettano quindi che rimanga a Charlestown per prendersi cura di Krista e Shyna.

Frawley individua dunque nella donna l’anello debole e sfrutta il suo passato di spacciatrice per fare pressione su di lei affinché fornisca informazioni. Inizialmente la ragazza resiste, ma dopo che Frawley usa Claire e la collana di diamanti che Doug le ha regalato per farla ingelosire, quest’ultima diventa sempre più sconvolta. Krista litiga quindi con Doug per il suo progetto di fuggire con Claire e poi sale in macchina con Shyna sotto l’effetto di droghe e alcol e viene naturalmente arrestata dopo un incidente. Frawley le dice che può costringere lo Stato a toglierle Shyna per questo motivo e poiché Doug ha intenzione di partire comunque, Shyna racconta a Frawley e all’FBI della rapina in programma al Fenway Park.

Rebecca Hall e Jon Hamm in The Town
Rebecca Hall e Jon Hamm in The Town. Foto di Claire Folger – © 2010 Warner Bros. Entertainment Inc. and Legendary Pictures

La conclusione di The Town e il suo finale alternativo

Una volta portato a termine con successo il nuovo colpo, i quattro si ritrovano dunque circondati dalle forze dell’ordine e inizia una sparatoria. Gloansy e Dez muoiono, mentre James e Doug, travestiti da poliziotti, riescono a fuggire. Frawley, però, riconosce James, che si sta allontanando dal luogo della rapina, e gli intima di fermarsi: ne scaturisce uno scontro a fuoco e il criminale, circondato dalla polizia, fa credere di essere ancora armato e minacciando i poliziotti si lascia uccidere (a Doug aveva in precedenza detto che per nessun motivo sarebbe tornato in prigione). Doug, vista la morte dell’amico e abbandonata la scena del crimine, decide di eliminare il fiorista a cui la sua banda fa capo, Fergus “Fergie” Colm (Pete Postlethwaite).

Poi telefona a Claire e la ragazza, in compagnia dei poliziotti, lo invita a passare a casa sua, ma al contempo gli lancia un segnale di avvertimento. Doug, cogliendolo, abbandona la città di Charlestown dirigendosi a Tangerine in Florida, dove potrà finalmente ritirarsi dalla delinquenza. Prima di partire lascia però il bottino dell’ultima rapina nell’orto di Claire, dove lei lo possa ritrovare. Claire userà i soldi lasciati da Doug per costruire una pista da pattinaggio per i ragazzi del quartiere in memoria della madre di Doug, che si chiamava Doris MacRay.

Mentre la versione teatrale di The Town ha dunque un finale aperto e pieno di speranza, Ben Affleck ha rilasciato anche una versione estesa del film con circa 25 minuti di filmati aggiuntivi, tra cui dialoghi aggiuntivi e scene completamente nuove che ampliano o aggiungono sottotrame del film. Una versione dell’extended cut ha lo stesso finale della versione teatrale, ma ce n’è un’altra con un finale alternativo, molto più cupo, in cui Doug viene ucciso da altri criminali di Charlstown che aveva picchiato in precedenza prima di riuscire a raggiungere il treno per fuggire.

Mentre il finale visto al cinema evidenzia come Doug abbia superato la sua vita criminale, scrivendo “devi ancora pagare il prezzo per le cose che hai fatto” nella sua lettera a Claire, il finale alternativo mostra esattamente il contrario. Invece di cavalcare verso il tramonto, Doug subisce le conseguenze della sua vita criminale proprio prima di smettere definitivamente, ironicamente sottolineato dal fatto che alla fine non è l’FBI ad eliminarlo, ma un criminale di basso livello che Doug ha picchiato per motivi non correlati all’inizio del film.

Il risolutore – A Man Apart: la spiegazione del finale del film

Il risolutore – A Man Apart: la spiegazione del finale del film

L’attore Vin Diesel è universalmente noto per la saga di Fast & Furious, che lo ha reso una celebrità nonché uno dei grandi interpreti del cinema d’azione. Nel corso della sua carriera, però, questi si è distinto anche per altri film e ruoli, alcuni dei quali altrettanto famosi e apprezzati. Tra questi si annoverano Pitch Black e i sequel The Chronicles of Riddick e Riddick, ma anche The Last Witch Hunter – L’Ultimo Cacciatore di StregheBloodshotUn altro dei suoi personaggi più noti è quello di Sean Vetter, protagonista di Il risolutore – A Man Apart, thriller d’azione diretto del 2003.

Il film è diretto F. Gary Gray, regista che avrebbe poi nuovamente collaborato con Diesel per Fast & Furious 8. In questo primo film insieme i due danno vita ad un avvincente racconto ambientato nel contesto dei cartelli della droga. Con caratteristiche che lo rendono un vero e proprio revenge movieIl risolutore – A Man Apart presenta diversi elementi affascinanti, tra cui il tema dell’eroe positivo capace di diventare un vendicatore assetato di sangue infinitamente più aggressivo e controverso dei criminali contro cui combatte. A partire da qui il film si configura dunque come un avvincente esplosione di violenza e adrenalina.

Ha inoltre contribuito a consolidare la fama di Diesel come attore di personaggi caratterialmente duri ed estremamente decisi nei loro obiettivi. Per gli amanti del genere e dell’attore, si tratta infatti di una pellicola cult da non lasciarsi sfuggire, che offre un intrattenimento spensierato e ricco di colpi di scena. Prima di intraprendere una visione del film, però, sarà certamente utile approfondire alcune delle principali curiosità relative a questo. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama e alla spiegazione del finale. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

Vin Diesel in Il risolutore - A Man Apart
Vin Diesel in Il risolutore – A Man Apart © 2003 New Line Cinema. All rights reserved.

La trama di Il risolutore – A Man Apart

Protagonisti del film sono i due soci Sean Vetter (Vin Diesel) e Demetrius Hicks (Larenz Tate), un tempo violenti criminali ora entrambi agenti della DEA dopo aver stretto un accordo con il Governo degli Stati Uniti. Provenendo dalla strada, i due si sono infatti da subito rivelati particolarmente dotati come infiltrati per indagini sotto copertura nel mondo del narcotraffico. Da anni pattugliano il confine tra California e Messico, contrastando le organizzazioni criminali che vorrebbero estendere il proprio dominio di illeciti.  La loro attuale missione è quella di combattere il traffico di droga di Memo Lucero (Geno Silva). Dopo una lunga indagine, i due riescono infine a catturare il criminale, consegnandolo alla legge.

Vetter è dunque libero ora di riservare le sue attenzioni alla moglie Stacy (Jacqueline Obradors). Il cartello, ormai senza guida, viene però preso in gestione da El Diablo, un trafficante ancor più pericoloso e spietato. Come prima cosa, egli invia infatti un gruppo di sicari per uccidere Vetter e il suo collega. Durante lo scontro a fuoco, però, a morire è proprio Stacy. Accecato dall’odio, Vetter risveglia il sanguinario criminale che era stato, decidendo di intraprendere una spedizione punitiva del tutto personale. Aiutato da Hicks e da Lucero, egli parte dunque alla ricerca di El Diablo, con l’intenzione di fargli comprendere in malo modo di aver provocato la persona sbagliata.

Il risolutore cast
Vin Diesel and Larenz Tate in Il risolutore – A Man Apart © 2003 New Line Cinema. All rights reserved.

La spiegazione del finale del film

Nelle scene finali del film, Vetter e Hicks si infiltrano nel club attraverso il tunnel nascosto ormai allagato. All’interno Vetter trova Mateo Santos, che sembra essere smascherato come El Diablo, ma egli nega divertito mentre un altro scagnozzo attacca Vetter di nascosto. Hicks osserva quindi gli uomini di Diablo entrare nel club grazie alle telecamere a circuito chiuso e tende loro un’imboscata, fornendo una distrazione sufficiente a Vetter per sopraffare e uccidere il suo assalitore. Vetter insegue poi Santos attraverso il tunne, ma qui Santos gli spara a una gamba e quasi lo annega prima che Vetter riesca a sparargli e ucciderlo. Nel mentre, inizia il trasferimento in carcere di Lucero.

Alcuni uomini armati attaccano però il suo autobus e gli permettono di fuggire. Si scopre così che il personaggio del Diablo era in realtà un espediente di Lucero per consolidare il suo potere. Vetter decide dunque di affrontarlo raggiungendolo nella sua città natale colombiana. Qui il criminale, circondato da guardie del corpo, deride l’inutilità della ricerca di vendetta di Vetter, ma lui ribatte che è venuto solo per arrestarlo. Metà delle guardie del corpo si rivelano agenti della DEA sotto copertura, permettendo così l’arresto del criminal. A questo punto, Vetter e Hicks visitano nuovamente la tomba di Stacy, con Vetter che le dice che, pur essendo ancora in lutto, ha trovato la pace.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire del film grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Il risolutore – A Man Apart è infatti disponibile nei cataloghi di Infinity e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. È bene notare che in caso di noleggio si avrà soltanto un dato limite temporale entro cui guardare il titolo. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di sabato 15 marzo alle ore 21:45 sul canale 20 Mediaset.

Adolescence, spiegazione del finale: Jamie ha davvero ucciso Katie?

SPOILER IMPORTANTI su Adolescence: menziona casi di violenza estrema, bullismo e omicidio.

Il finale della miniserie emotivamente straziante di Netflix Adolescence rivela la verità su chi ha ucciso Katie. Stephen Graham guida il cast di Adolescence nel ruolo di Eddie Miller, il padre devastato di Jamie Miller, un adolescente apparentemente normale che viene accusato di aver accoltellato a morte la sua compagna di classe, Katie. Graham, che ha sviluppato la serie thriller culinaria del 2023 Boiling Point, ha anche co-creato la miniserie in 4 parti con Jack Thorne. Adolescence ha ricevuto un raro punteggio del 100% su Rotten Tomatoes, rendendola una delle nuove serie più acclamate dalla critica del 2025.

Adolescence è realizzata in modo brillante e si svolge come una rappresentazione teatrale, con ogni episodio che si sviluppa in modo straordinario attraverso una singola inquadratura non tagliata. Mentre l’aspetto visivo della serie Netflix è un’impresa a sé stante, la storia di Adolescence rimane la parte più avvincente del dramma psicologico. Dopo che l’episodio 1 porta Jamie attraverso il protocollo della polizia dopo il suo intenso arresto e l’interrogatorio iniziale, l’episodio 2 dà uno sguardo alla scuola che lui e Katie hanno frequentato, mentre l’episodio 3 rivisita il tormentato Jamie mentre entra e esce dal controllo con uno psicologo. L’episodio 4 si svolge 13 mesi dopo che Jamie è accusato dell’omicidio di Katie e si conclude con una tragica nota definitiva su ciò che è realmente accaduto.

La scelta di Jamie di dichiararsi colpevole è la prova che ha ucciso Katie

Jamie confessa finalmente di aver ucciso Katie con la sua dichiarazione di colpevolezza.

L’episodio 4 di Adolescence si svolge nel giorno del 50° compleanno di Eddie, motivo per cui riceve un biglietto di auguri da Jamie, che è stato detenuto per oltre un anno in attesa del processo. L’episodio mostra come la famiglia Miller abbia superato Jamie in alcuni modi e non in altri. Dopo aver avuto a che fare con alcuni punk che vandalizzano il suo furgone, Eddie perde la calma fuori da un negozio di bricolage, creando una scenata. Eddie riceve una chiamata da Jamie, che gli augura buon compleanno e ha delle notizie allarmanti: si dichiara colpevole. Ciò conferma sostanzialmente che Jamie ha effettivamente pugnalato Katie sette volte e l’ha uccisa, come mostrato dalle prove video della CCTV nell’episodio 1.

Perché Eddie non riusciva a credere che Jamie fosse un assassino dopo aver visto le prove video

Eddie era spinto dalla negazione a proteggere suo figlio a tutti i costi.

Uno degli aspetti più affascinanti del personaggio di Jamie era quanto fosse convincente nel mentire e manipolare. Questo viene messo in mostra con il suo terapeuta nell’episodio 3. Anche se Eddie ha visto le innegabili riprese di Jamie che pugnalava e uccideva Katie, non riusciva a crederci completamente.

Dopo aver sentito Jamie confessare finalmente, Eddie si rende conto di essere stato mentito per tutto il tempo e la realtà finalmente affonda per lui e la sua famiglia.

Negli ultimi 13 mesi, sembrava che la famiglia Miller avesse ancora qualche speranza che il figlio non fosse un assassino, probabilmente come misura difensiva perché il dolore di una tale verità sarebbe stato troppo grande. Dopo aver sentito Jamie confessare finalmente, Eddie si rende conto di essere stato mentito per tutto il tempo e la realtà finalmente affonda per lui e la sua famiglia.

La conversazione emozionante di Eddie e Manda su Jamie spiegata

Si sentono in colpa per aver creato un assassino, ma hanno anche cresciuto una figlia fantastica.

Dopo la sconvolgente notizia della decisione di patteggiamento di Jamie, Eddie e Manda hanno una conversazione emozionante e riflessiva sul loro figlio, che sicuramente dovrà affrontare anni di prigione. Ricordano giorni migliori e analizzano anche cosa avrebbero potuto fare diversamente, assumendosi sensi di colpa e responsabilità per averlo “creato”.

Eddie dice di aver provato a farlo appassionare allo sport, ma Jamie non era interessato, mentre Manda ricorda come Jamie tornava a casa da scuola, andava al computer e restava sveglio fino a tardi ogni sera. Mentre Eddie e Manda si assumono la responsabilità di averlo reso un assassino, la loro figlia, Lisa, entra e ricorda loro che sono stati loro a creare anche lei e che non possono incolpare se stessi per l’oscurità di Jamie.

Perché alcuni ragazzi hanno scritto con la vernice spray “Nonse” sul furgone di Eddie

Potrebbe essere circolata una voce secondo cui Eddie avrebbe abusato di Jamie.

L’episodio 4 di Adolescence inizia con Eddie che scopre che il suo furgone da lavoro è stato vandalizzato, con alcuni ragazzi che scrivono “Nonse” con la vernice spray gialla affinché tutti i vicini di Eddie possano vederla. Nello slang britannico, un “nonce” si riferisce a un molestatore sessuale, in particolare se coinvolge bambini. Lisa lo vede e dice a sua madre che è confusa su chi sia il “nonse”, se sia Eddie o Jamie. Jamie ha rivelato nell’episodio 3 di essere stato tentato di toccare Katie in modo inappropriato, ma non l’ha mai fatto. D’altra parte, è impossibile sapere su cosa Jamie stesse dicendo la verità.

L’episodio 4 evidenzia anche il fatto che Eddie sta avendo qualche difficoltà a gestire la situazione di Jamie e le sue continue lotte con la rabbia. Quando Eddie affronta l’adolescente che ha vandalizzato il suo furgone, urla “Non prendermi in giro”, il che potrebbe essere interpretato come una leggera ammissione di colpa, come se sapesse che il “nonse” era destinato a lui. Mentre Lisa non ha idea della questione, Manda potrebbe sapere qualcosa su Eddie.

Il passato di Eddie non necessariamente viene a galla entro la fine di Adolescence. Forse gli adolescenti che hanno scritto “nonse” hanno sentito una voce secondo cui Eddie aveva abusato sessualmente di Jamie. In ogni caso, l’accusa di “nonse” di Eddie o Jamie sembra infondata.

Chi è Jenny e perché Manda continua a menzionarla

Jenny è la terapista di Eddie che lo aiuta a gestire la rabbia.

Manda menziona “Jenny” diverse volte durante la sua discussione con Eddie, ricordandogli cosa ha detto su certi suoi comportamenti. Anche se Jenny non appare nella serie, è lecito supporre che sia la terapista di Eddie e potrebbe persino essere una consulente di coppia per Eddie e Manda.

Eddie è chiaramente imperfetto e il suo problema più ovvio è la rabbia incontrollabile: chiede alla moglie se l’ha “dato” a Manda, che lo nega, quando in realtà è una domanda un po’ impossibile a cui rispondere. Di sicuro, i bambini esposti all’idea che gli uomini esercitino il dominio o il controllo attraverso la rabbia e la violenza potrebbero implementare queste nozioni nella loro personalità e percezione.

Il motivo per cui Jamie ha ucciso Katie spiegato

Adolescence esplora diversi aspetti della mentalità malsana di Jamie.

Jamie lo ha reso ufficiale nell’episodio finale di Adolescence, ma la scrittura era sul muro sin dalla fine del primo episodio. Attraverso l’intuizione giovanile di suo figlio, Bascombe scopre che Jamie è stato vittima di bullismo subliminale da parte di Katie, che ha usato alcune emoji nei commenti sui suoi post di Instagram per insinuare che pensava che lui fosse un “incel”. Si parla anche della “manosfera” e di altri pilastri della mascolinità tossica, perpetuati da personaggi controversi come Andrew Tate, che viene persino menzionato direttamente nella serie.

Questi elementi, uniti alla scuola turbolenta di Jamie, alle bugie patologiche, alla storia familiare di rabbia e all’insicurezza radicata, dipingono un quadro comprensibile del perché qualcuno che è stato rifiutato e bullizzato da una ragazza che gli piaceva avrebbe reagito con la forza bruta, potenzialmente senza rendersi conto della finalità delle sue azioni.

Il vero significato della fine di Adolescence

Un ritratto di fantasia che solleva un dibattito nel mondo reale.

Adolescence fa un lavoro eccezionale non solo nel sollevare le domande che circondano gli accoltellamenti adolescenziali nella vita reale, che hanno ispirato la serie, ma anche nell’offrire alcune circostanze e vie applicabili verso la comprensione. Graham e Thorne presentano l’esperienza dell’adolescenza stessa come enigmatica e spesso irrazionale, sempre più alimentata dal gergo di Internet, dai cosiddetti influencer e da soluzioni alternative al cyberbullismo. Dato il contesto completo della situazione di Jamie, era chiaro che aveva molte lotte sociali e personali che non sapeva come elaborare o esprimere a un adulto di cui si fidava. Gli spettatori di Adolescence decidono quindi a chi dare la colpa.

Jamie non è andato in terapia fino a dopo aver ucciso Katie, il che lo avrebbe almeno aiutato a risolvere alcuni dei suoi sentimenti intensi e violenti in anticipo. Jamie è senza dubbio tragico in un certo senso e solleva ogni sorta di domande e dibattiti, come se fosse stato davvero creato per essere un assassino e, in tal caso, cosa lo ha condizionato: i suoi genitori, i suoi coetanei, il mondo esterno (Internet)? L’ultima apparizione di Eddie sullo schermo, “Avrei dovuto fare di meglio”, mostra il suo dolore naturale, ma l’indagine di Bascombe rivela che c’erano alcune cose fuori dal controllo di Eddie e Manda. Con un argomento così complesso e indescrivibile, Adolescence offre brillantemente una prospettiva empatica mentre avvia un dialogo sociale fondamentale.

Percy Jackson e gli dei dell’Olimpo rinnovato per la terza stagione con largo anticipo

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Percy Jackson e gli dei dell’Olimpo ha recentemente concluso la produzione della sua seconda stagione, il cui debutto è previsto per dicembre. E così sorprende che Disney+ abbia già rinnovato lo show per una terza stagione che si concentrerà sul terzo libro della serie best-seller di Rick Riordan, La maledizione del titano.

“Siamo così grati di continuare la storia di Percy Jackson su Disney+. Questa terza stagione sarà un territorio inesplorato per lo schermo, dando vita per la prima volta ai beniamini dei fan come i Cacciatori di Artemide e Nico di Angelo”, ha affermato Rick Riordan in una dichiarazione venerdì. “È un enorme segno di impegno da parte della Disney e la dice lunga sull’entusiasmo con cui il fandom ha accolto la serie TV. Grazie, semidei di tutto il mondo!”

Sebbene si tratti di un rinnovo anticipato, ha senso dato che la Disney probabilmente sta cercando di accelerare le stagioni successive per adattarsi alle età dei suoi protagonisti, Walker Scobell, Leah Sava Jeffries e Aryan Simhadri. Riordan ha già espresso il suo desiderio di raccontare la storia di ogni libro in una stagione televisiva. Tenendo presente ciò, lunghe pause tra le stagioni potrebbero potenzialmente mettere la serie in uno scenario in cui le star sono molto più grandi dei personaggi che interpretano.

La prima stagione di Percy Jackson e gli dei dell’Olimpo ha avuto un andamento piuttosto positivo su Disney+ e, secondo Nielsen, è stata una delle cinque serie originali più viste in streaming nella settimana del lancio.

La seconda stagione di Percy Jackson

La seconda stagione di “Percy Jackson” sarà basata su “Il mare dei mostri“, la seconda installazione della serie di libri di Rick Riordan. Secondo la sinossi ufficiale, Percy “torna al Campo Mezzosangue un anno dopo per scoprire che il suo mondo è capovolto. La sua amicizia con Annabeth sta cambiando, scopre di avere un ciclope come fratello, Grover è scomparso e il campo è sotto assedio da parte delle forze di Crono. Il viaggio di Percy per sistemare le cose lo porterà fuori dalla mappa e nel mortale Mare dei mostri, dove un destino segreto attende il figlio di Poseidone”.

Insieme a Vance e Smart, i nuovi membri del cast che si uniscono alla seconda stagione includono Andra Day nel ruolo di Athena, Daniel Diemer nel ruolo di Tyson e Timothy Simons nel ruolo di Tantalo.

“Non posso dire quanto sono emozionato di unirmi allo straordinario cast di ‘Percy Jackson e gli dei dell’Olimpo!'” ha detto Vance in una dichiarazione. “Ci sono pochi momenti nella carriera di un attore in cui puoi dire onestamente che stai per imbarcarti in una serie che ha una base di fan così devota, piena di personaggi amati in tutto il mondo e che è basata su una serie di libri di grande successo. So che calarmi in questo ruolo di Zeus sarà un’esperienza memorabile e darò a mio fratello, Lance Reddick, che ci ha lasciato troppo presto, un abbraccio celeste”.

ACE Eddie Awards: i vincitori per il miglior montaggio sono Wicked, Emilia Perez e Il Robot Selvaggio

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Wicked, Emilia Pérez, Il Robot Selvaggio, Will & Harper e Road House hanno vinto i premi cinematografici agli ACE Eddie Awards 2025 che erano stati posticipati e che sono stati consegnati venerdì sera alla Royce Hall dell’UCLA. Shōgun, Baby Reindeer, What We Do in the Shadows e Frasier sono stati i vincitori televisivi alla cerimonia del 75° anniversario degli American Cinema Editors.

Ecco di seguito l’elenco completo dei vincitori degli ACE Eddie Awards

Best Edited Feature Film (Drama, Theatrical)
Emilia Pérez, Juliette Welfling

Best Edited Feature Film (Comedy, Theatrical)
Wicked, Myron Kerstein

Best Edited Animated Feature Film
Il Robot Selvaggio, Mary Blee

Best Edited Documentary Feature
Will & Harper, Monique Zavistovski

Best Edited Documentary Series
Chimp Crazy (Episode 102, “Gone Ape”)
Evan Wise
Charles Divak
Adrienne Gits
Doug Abel

Best Edited Multi-Camera Comedy Series
Frasier
(Episode 207, “My Brilliant Sister”)
Russell Griffin

Best Edited Single Camera Comedy Series
What We Do in the Shadows (Episode 603, “Sleep Hypnosis”)
Liza Cardinale
Dane McMaster

Best Edited Drama Series
Shōgun (Episode 110, “A Dream of a Dream”)
Maria Gonzales
Aika Miyake

Best Edited Feature Film (Episode Non-Theatrical)
Road House
Doc Crotzer

Best Edited Limited Series
Baby Reindeer (Episode 104, “Episode 4”)
Peter H. Oliver
Benjamin Gerstein

Best Edited Non-Scripted Series
Welcome to Wrexham (Episode 305, “Temporary”)
Tim Wilsbach
Steve Welch
Michael Brown
Michael Oliver
Tim Roche
Matt Wafaie
Jenny Krochmal
Mohamed el Manasterly

Best Edited Variety Talk/Sketch Show or Special
Last Week Tonight with John Oliver (Episode 1103, “Boeing”)
Anthony Miale

Best Edited Animated Series
X-Men ’97 (Episode 105, “Remember It”)
Michelle McMillan

The White Lotus stagione 3, episodio 4 la spiegazione del finale: chi ha rubato la pistola e perché?

Attenzione! Questo articolo contiene spoiler sull’episodio 4 della terza stagione di The White Lotus

Il finale dell’episodio 4 della stagione 3 di The White Lotus ha visto un ladro sconosciuto rubare una pistola dal centro di sicurezza dell’hotel dove è ambientata la storia. Dato che l’apertura della stagione ha fatto chiaramente intuire un omicidio a colpi di pistola, questo è sicuramente una cattiva notizia per il futuro di qualcuno nello show. Detto questo, al momento non si sa quale dei tanti personaggi di The White Lotus abbia incontrato un destino prematuro nei flashback della première, così come non è chiaro chi abbia rubato la pistola.

Dopo le rivelazioni dell’episodio 3 della stagione 3 di The White Lotus, l’episodio 4 ha solo aumentato ulteriormente la tensione riguardo ai tanti personaggi dello show. Rick si è finalmente aperto con Chelsea in una scena piuttosto dolce su cosa intende veramente fare in Thailandia, mentre i vari membri della famiglia Ratliff sono caduti ulteriormente nella loro spirale di droga, alcol, sesso o, cosa molto più incontrovertibile, allontanamento da casa. Nel frattempo, Greg/Gary di The White Lotus rischia di essere scoperto. La stagione 3, episodio 4 di The White Lotus ha già queste trame prossime al punto di ebollizione, con il furto di una pistola che aggiunge solo benzina sul fuoco.

Timothy apparentemente ha rubato la pistola nella stagione 3 di The White Lotus – Ma è una falsa pista?

Potrebbe essere qualcun altro?

Tayme Thapthimthong in The White Lotus (2025)
Foto di Fabio Lovino/HBO – © HBO

Negli ultimi momenti dell’episodio 4 della stagione 3 di The White Lotus, Gaitok viene mostrato mentre guarda una pistola che gli è stata data per aumentare ulteriormente la sua sicurezza nell’hotel. Gaitok viene distratto da Mook, una collega per cui prova dei sentimenti, e la accompagna all’hotel. Timothy viene poi mostrato al telefono con il suo avvocato in mezzo ai suoi problemi di riciclaggio di denaro, frode e appropriazione indebita prima di riattaccare con rabbia e individuare la pistola che è stata lasciata sul bancone nel piccolo ufficio di Gaitok.

Questa scena è poi seguita dal ritorno di Timothy all’hotel, dove Pam chiede: “Vorresti restituirlo ora?” Timothy chiede nervosamente di cosa sta parlando, con Pam che fa riferimento al suo telefono che ha preso da una cassaforte in precedenza nell’episodio (ricordiamo che la terza persona in inglese è neutra, quindi non possiamo sapere se Timothy si possa essere agitato per il cellulare o per l’eventuale pistola). Timothy obbedisce, ma la natura losca dei suoi movimenti e del suo modo di parlare implica che sia stato lui a rubare la pistola. Durante la sua precedente telefonata, Timothy ha affermato che avrebbe preferito morire piuttosto che affrontare le conseguenze del suo processo, spiegando potenzialmente perché ha rubato la pistola.

Detto questo, questa potrebbe essere una falsa pista. Timothy potrebbe semplicemente essere nervoso per la sua telefonata e leggermente confuso a causa delle pillole da cui è diventato in qualche modo dipendente, il che significa che potrebbe non aver preso affatto la pistola. Invece, Rick potrebbe aver rubato la pistola quando stava lasciando il White Lotus per la Thailandia poiché intende vendicarsi di Jim Hollinger.

Cosa sta pianificando Greg di fare con Belinda dopo l’episodio 4?

Belinda potrebbe essere vittima dei piani malvagi di Greg

Natasha Rothwell in The White Lotus (2025)
Foto di Fabio Lovino/HBO – © HBO

Un’altra sottotrama dell’episodio 4 della stagione 3 di The White Lotus ha visto Belinda scoprire che “Gary” è in realtà Greg, l’ex marito di Tanya dalle stagioni 1 e 2 di The White Lotus. Belinda si rende conto che Greg era ricercato per essere interrogato dalla polizia dopo la morte di Tanya, ma che è scomparso. Evidentemente, Greg sa che Belinda sa chi è, come evidenziato dalla sua ricerca su Instagram alla fine dell’episodio 4 della stagione 3 di The White Lotus.

Questo solleva la questione su cosa stia pianificando Greg. Ovviamente, Greg non è estraneo a piani sinistri dopo aver tentato di far uccidere Tanya nella stagione 2 di The White Lotus per poter ereditare la sua ricchezza. Sebbene il suo piano non abbia funzionato, Tanya è comunque morta, lasciando Greg immensamente ricco. Per proteggere la sua nuova ricchezza ed evitare la prigione, Greg potrebbe pianificare di uccidere Belinda, o almeno di metterla a tacere in un altro modo, come il ricatto, nella stagione 3 di The White Lotus.

Cosa ha fatto Jim al padre di Rick e perché vuole vendetta

Il padre di Rick era alla fine degli affari loschi di Jim

The White Lotus - stagione 3 episodio 2L’ultima grande rivelazione del finale dell’episodio riguardava la ricerca di Jim Hollinger da parte di Rick. Rick ha rivelato che, nonostante non abbia mai conosciuto suo padre, sua madre gli aveva detto che era un brav’uomo. Il padre di Rick apparentemente ha cercato di aiutare alcuni thailandesi locali a non perdere la loro terra a causa di un uomo d’affari americano. Apparentemente, il padre di Rick è scomparso ed è stato dato per morto.

Sua madre ha detto a Rick che l’uomo che ha fatto sparire suo padre era Jim Hollinger, il marito di Sritala e il proprietario del White Lotus. Questo spiega perché Rick vuole trovare Jim, così da poter vendicare suo padre. Mentre Rick non è del tutto sicuro di come si presenti quella vendetta, rivela a Chelsea che vuole semplicemente che Jim sappia cosa gli ha portato via. Rick vede questi elementi del passato come le cose che gli hanno rovinato la vita, il che spiega la sua escursione a Bangkok.

1923 – stagione 2, episodio 3: la spiegazione del finale. Cosa succede?

La seconda stagione di 1923, episodio 3, offre molto materiale inedito da analizzare, includendo alcune delle scene più cupe della serie. Ambientato circa un secolo prima degli eventi di Yellowstone, il prequel western di Taylor Sheridan segue la famiglia Dutton in un momento cruciale della sua storia, mentre numerose minacce incombono sul ranch. I Dutton del Montana affrontano la brutalità dell’inverno e i loro rivali, mentre Spencer Dutton e la sua nuova moglie, Alexandra, intraprendono viaggi altrettanto pericolosi nella speranza di riunirsi in America.

Taylor Sheridan ha costruito la narrazione della seconda stagione di 1923 come una lenta combustione, evitando di gratificare immediatamente il pubblico con la chimica tra Spencer e Alex, elemento che aveva reso la prima stagione così appassionante. Nei rispettivi percorsi verso il Montana, entrambi i protagonisti si trovano ad affrontare conflitti devastanti. Spencer si ritrova coinvolto con la mafia italiana a New York, costretto a recarsi a Fort Worth per una consegna, mentre Alex deve superare le difficoltà dell’implacabile sistema di immigrazione di Ellis Island. Intanto, i Dutton rimasti al ranch lottano contro un inverno spietato.

Il borseggiatore impedirà ad Alex Dutton di raggiungere il Montana?

Alex potrebbe perdere il treno per il Montana, ma il viaggio non finirà qui.

L’episodio 3 della seconda stagione di 1923 si conclude con un grande colpo di scena, realizzando una previsione implicita durante l’episodio. Il viaggio di Alex Dutton la porta finalmente a New York, dove, priva dei documenti necessari per muoversi liberamente, è costretta a sottoporsi al duro e impersonale processo di immigrazione, che offre uno spaccato realistico sulle difficoltà di ingresso negli Stati Uniti in quell’epoca.

Una volta giunta a New York, Alex viene più volte avvertita del pericolo rappresentato dai borseggiatori, ma riesce ad arrivare senza problemi al Grand Central Terminal, dove acquista il biglietto per il Montana. Tuttavia, mentre attende il treno, viene osservata con sospetto da un uomo dall’aria subdola, che la segue fino al bagno delle donne, apparentemente mettendola all’angolo.

Se l’uomo dovesse derubarla del denaro e del biglietto, Alex sarebbe costretta a trovare un percorso alternativo per raggiungere il Montana, complicando ulteriormente il suo viaggio. Considerando quante difficoltà abbia già affrontato, un furto sarebbe un colpo devastante. Tuttavia, potrebbe anche ribellarsi e lottare, dimostrando la crescita del suo carattere rispetto all’inizio della prima stagione. Se anche perdesse il treno, potrebbe comunque prenderne un altro, ma la vera sfida sarebbe continuare il viaggio senza risorse.

La morte di Luca al posto di blocco e il suo significato per Spencer in 1923

La morte di Luca potrebbe aver anticipato il destino di Spencer.

Nell’episodio 2 della seconda stagione di 1923, Spencer Dutton e Luca si ritrovano coinvolti in affari pericolosi con la mafia italiana di New York. Inviati a Fort Worth per una consegna, si imbattono in un posto di blocco armato. Spencer, convinto che si tratti di un’imboscata, decide di ritirarsi, mentre Luca insiste per proseguire, determinato a dimostrare la sua fedeltà alla famiglia. Purtroppo, Spencer aveva ragione: l’ostinazione di Luca gli costa la vita.

Questo tragico evento potrebbe prefigurare un destino simile per Spencer, suggerendo che potrebbe essere chiamato a sacrificarsi per la sua famiglia. Tuttavia, con Alex incinta, potrebbe riuscire a garantire la continuità della dinastia Dutton. Inoltre, il suo percorso futuro potrebbe incrociarsi con quello di Teonna Rainwater, avvicinandolo al conflitto che si sviluppa tra Oklahoma e Texas.

Perché Elizabeth sta lasciando Jack Dutton dopo l’attacco del lupo in 1923

Elizabeth è stanca della dura vita al Dutton Ranch.

Negli ultimi episodi di 1923, Elizabeth Dutton ha affrontato prove estreme: nel primo episodio si è trovata faccia a faccia con un leone di montagna, mentre nel secondo è stata morsa da un lupo rabbioso. Dopo aver ricevuto un’iniezione dal medico, prende la difficile decisione di lasciare il ranch e trasferirsi a Boston, dicendo a Jack che, se la ama, può raggiungerla. Jack, però, insiste sul suo dovere verso la famiglia, creando le premesse per la loro separazione.

Anche se Elizabeth potrebbe cambiare idea, sembra determinata a cercare una vita migliore. Anche se riuscisse a superare questo inverno, ne seguiranno altri, e il desiderio di un futuro meno duro è comprensibile. Jack potrebbe in futuro decidere di seguirla, aprendo la strada a una nuova diramazione della famiglia Dutton e a possibili spin-off di Yellowstone.

Le condizioni di Zane e la “cattiva notizia” spiegate

Zane dovrà affrontare una sfida dolorosa nell’episodio 4 di 1923

Dopo essere quasi morto, Zane riesce a tornare al ranch Dutton, ma i suoi problemi non sono finiti. Il medico, ancora presente dopo aver curato Elizabeth, gli diagnostica un ematoma subdurale che richiede un drenaggio urgente per evitare conseguenze fatali. Tuttavia, la “cattiva notizia” rivelata da Jacob è che l’intervento dovrà essere eseguito senza anestesia, costringendo Zane a sopportare un dolore lancinante.

Cosa succederà a Teonna Rainwater e Renaud?

I Rainwater e i Dutton potrebbero presto incrociare le loro strade.

Teonna Rainwater, probabile antenata di Thomas Rainwater di Yellowstone, continua la sua fuga, attraversando l’Oklahoma per raggiungere il Messico e sfuggire alla legge. In questo episodio, si avvicina al confine con il Texas, inseguita da Renaud e Marshal Kent. Tra i due sembra emergere una frattura ideologica, il che potrebbe portarli a separarsi più avanti nella stagione.

Tuttavia, in un modo o nell’altro, Teonna dovrà tornare in Montana. Con Spencer non troppo lontano da lei, potrebbe esserci un incontro tra i due, portando alla nascita di un’alleanza precaria e gettando le basi per il legame tra i Dutton e i Rainwater nel 1923, un legame che continua ad avere ripercussioni in Yellowstone.

Invincible – stagione 3: la completa spiegazione del finale

Invincible – stagione 3: la completa spiegazione del finale

Attenzione: contiene SPOILER per l’episodio 8 della terza stagione di Invincible!

La terza stagione di Invincible si è conclusa, e in questo articolo analizziamo il finale dell’episodio 8 e il suo significato per il futuro della serie. Questa stagione ha proseguito le trame introdotte nella seconda stagione, ma ha anche aperto nuove direzioni che verranno esplorate nella quarta stagione. La lotta tra Mark e Conquest ha segnato la drammatica conclusione della stagione, completando la caduta di Mark e dando il via alla guerra dei Viltrumiti. Vediamo quindi cosa è successo e cosa potrebbe accadere in futuro.

La battaglia tra Mark e Conquest

L’episodio 7 ha finalmente adattato la tanto attesa trama della guerra di Invincible, con Mark impegnato in scontri estremi contro i malvagi Invincible, spingendosi oltre i suoi limiti. L’arrivo di Conquest, la minaccia più grande che Mark abbia mai affrontato, ha segnato la fine dell’episodio. Nell’episodio 8, la loro battaglia si estende per gran parte della puntata, con intere città distrutte e innumerevoli vittime. Alla fine, Mark riesce a sconfiggere Conquest, ma cade in coma. La stagione si chiude lasciando molte questioni aperte per la quarta stagione.

Il destino di Angstrom Levy e del malvagio Mark Grayson

Angstrom Levy e il malvagio Mark Grayson sono stati due personaggi chiave della stagione, ma il finale ha dato loro poca attenzione. Nel settimo episodio, Angstrom Levy ha esiliato gli ultimi Invincible malvagi in un universo desolato, lo stesso in cui aveva combattuto con Mark nel finale della seconda stagione. Successivamente, torna nel mondo dei Tecnici, i quali accettano di ripararlo solo dopo che avrà aiutato loro.

Nel fumetto, Angstrom Levy torna più avanti nella storia, rapendo Atom Eve e spedendo Mark nell’universo desolato. Lì, Mark scopre che gli Invincible malvagi si sono uccisi e cannibalizzati a vicenda, lasciando solo Sinister Mark e Mohawk Mark come superstiti. Questo evento segna la fine della trama di Angstrom Levy nel fumetto, il che lascia aperte molte domande sul suo futuro nell’adattamento animato.

Atom Eve: più potente che mai, ma a quale costo?

Atom Eve ha sempre avuto grandi poteri, ma nel finale della terza stagione ottiene un’abilità completamente nuova. Durante lo scontro con Conquest, viene quasi uccisa e muore momentaneamente, ma un’esplosione di luce rosa la riporta in vita. Scopre così che il blocco mentale che le impediva di manipolare la materia biologica si annulla in situazioni di pre-morte, rendendola praticamente immortale.

Alla fine dell’episodio, Mark ed Eve stanno per avere un momento intimo, e lei usa i suoi poteri per rimuovere la tuta di Mark. Tuttavia, la tuta si dissolve sul pavimento, suggerendo che qualcosa non va. Nei fumetti, i poteri di Eve iniziano a funzionare male quando rimane incinta, il che potrebbe anticipare una nuova trama per la quarta stagione.

I piani segreti di Cecil con Conquest e gli Invincible morti

Un’importante rivelazione del finale riguarda il destino del cadavere di Conquest. Senza che Mark lo sappia, Cecil ha nascosto il corpo in una prigione sotterranea nel deserto, con l’intenzione di ottenere da lui informazioni sulla prossima invasione Viltrumita.

Ma Conquest non è l’unico corpo conservato da Cecil. Ha anche raccolto i cadaveri dei malvagi Invincible e incaricato D.A. Sinclair di trasformarli in ReAnimen, creando così un esercito di Viltrumiti potenziati al servizio della GDA.

Il ritorno di Battle Beast nella guerra dei Viltrumiti

Nel montaggio finale dell’episodio, vediamo Battle Beast fluttuare nello spazio tra i resti di una guardia carceraria Viltrumita. Un gruppo di alieni lo recupera e, una volta a bordo della loro nave, Battle Beast si risveglia. Nei fumetti, viene poi reclutato dalla Coalizione dei Pianeti per combattere nella guerra Viltrumita, dimostrando di essere uno dei pochi esseri abbastanza forti da sconfiggere un Viltrumita.

La caduta di Mark Grayson e il tema del cambiamento

Uno dei temi principali della stagione è la possibilità che le persone cambino, al centro del conflitto ideologico tra Mark e Cecil. Cecil crede nelle seconde possibilità, collaborando con ex criminali come D.A. Sinclair e Darkwing, mentre Mark è fermamente contrario. Tuttavia, nel finale della stagione, Mark cambia prospettiva: dice a Oliver che non esiterà a uccidere chiunque minacci la sua famiglia. Questo rappresenta un’evoluzione drastica rispetto alla sua regola di non uccidere, segnando la sua discesa in un arco più oscuro.

Mentre D.A. Sinclair e Darkwing dimostrano che le persone possono cambiare in meglio, Mark dimostra che possono anche cambiare in peggio.

Le anticipazioni della stagione 4: Sequid e Damien Darkblood

Nel montaggio finale, vediamo anche il ritorno dei Sequid, che hanno iniziato a proliferare nelle fogne. Nei fumetti, ciò porta a un nuovo tentativo di conquista della Terra, con Mark e i Guardiani del Globo impegnati a fermarli.

Infine, la scena post-crediti mostra il ritorno di Damien Darkblood, assente dalla prima stagione. Nei fumetti, dopo essere stato mandato all’Inferno da Cecil, non riappare più. Tuttavia, il suo ritorno nell’anime suggerisce che la quarta stagione potrebbe includere una trama originale su di lui, un’aggiunta interessante in una serie che finora è rimasta piuttosto fedele al materiale originale.

Con questi sviluppi, la quarta stagione di Invincible si preannuncia ricca di colpi di scena, con numerose trame pronte a esplodere. Resta da vedere come la serie adatterà gli eventi del fumetto e quali nuove sorprese riserverà ai fan.

The Lodge, la spiegazione del finale: cosa è successo davvero a Grace

Il film horror psicologico The Lodge, che ha fatto rabbrividire il pubblico nel 2020, ha un finale che potrebbe lasciare molti spettatori a bocca aperta. Ecco cosa significa veramente. La maggior parte degli appassionati di horror apprezza un buon film spaventoso ogni tanto, con tanto di spaventi, suoni forti e momenti comici. Non c’è niente di sbagliato in questo stile, ma a volte ciò che un particolare fan vuole vedere è molto più oscuro, inquietante ed emotivamente sconvolgente. Per questo tipo di fan dell’horror, qualcosa come The Lodge (la nostra recensione), diretto dal duo Veronika Franz e Severin Fiala, è perfetto, e il finale a sorpresa è una delle ragioni principali.

Il film horror del 2019 The Lodge è implacabilmente cupo e tetro, passa molto tempo a confrontarsi con il mostro della vita reale che è il dolore, e non perde mai l’occasione di affondare il coltello un po’ più a fondo sia nei personaggi che nel pubblico. È un esercizio di tensione e (a volte) di confusione, ma per chi ama l’horror che fa confusione nella mente, è esattamente quello che dovrebbe fare il film. A volte The Lodge sembra andare in una direzione con la sua storia, solo per poi gettare una sorpresa nel mix. Ecco una carrellata di ciò che è realmente accaduto a Grace alla fine di The Lodge, e di ciò che era semplicemente un trucco mentale.

Cosa succede alla fine di The Lodge

Mentre The Lodge giunge al suo agghiacciante finale, Grace (Riley Keough) soccombe completamente al tormento psicologico inflittole da Aidan (Jaeden Martell) e Mia (Lia McHugh). I fratelli, ancora in lutto per il suicidio della madre, orchestrano una complessa bufala per convincere Grace che sono tutti morti e intrappolati nel purgatorio. Nascondono le sue medicine, inscenano la propria morte e la manipolano facendogli credere che il suo trauma passato, il suicidio di massa della sua comunità religiosa simile a una setta, sia tornato alla normalità.

Senza più alcun contatto con la realtà, Grace fa sedere i bambini terrorizzati a tavola, mettendo del nastro adesivo con la scritta “PECCATO” sulle loro bocche, in un’eco inquietante del suicidio rituale della sua setta passata.

Privata dei suoi farmaci antipsicotici e illuminata incessantemente con lampade a gas, Grace entra in uno stato delirante alla fine di The Ldoge. Mentre si convince sempre più che siano tutti morti, mette in scena gli estremi rituali di penitenza della sua infanzia, camminando a piedi nudi nella neve e bruciando i suoi averi nel tentativo di purificarsi. Aidan e Mia, rendendosi conto troppo tardi che il loro scherzo crudele è andato troppo oltre, cercano di rivelare la verità, ma ormai Grace è completamente slegata dalla realtà.

Quando Richard (Richard Armitage) finalmente arriva al rifugio, sperando di porre fine al calvario, Grace, ormai pienamente convinta che tutti debbano abbracciare la morte per andare avanti, gli spara mortalmente. Senza più alcun contatto con la realtà, Grace fa sedere i bambini terrorizzati a tavola, mettendo del nastro adesivo con la scritta “PECCATO” sulle loro bocche, in un’eco inquietante del suicidio rituale della sua setta passata. Mentre The Lodge sfuma nel nero, il destino di Aidan e Mia rimane ambiguo, ma il comportamento inquietante e calmo di Grace suggerisce che abbia già deciso come debba finire la loro storia.

Cosa è successo veramente a Grace in The Lodge

Jaeden Martell e Lia McHugh in La Loggia (2019)
Foto di Bertrand Calmeau/Bertrand Calmeau – © 2018 The Lodge

Quanto Grace creda sia rimasto incerto

A metà di The Lodge, Grace e i suoi futuri figliastri Aidan e Mia si addormentano in salotto. La mattina dopo, tutti i loro effetti personali sono spariti, così come le scorte di cibo. Anche il generatore che alimenta i loro telefoni è morto e il cane di Grace è scomparso. Tutti sembrano sconcertati, finché Aidan non presenta la teoria secondo cui sono morti tutti la notte prima a causa di un riscaldatore a gas difettoso nella stanza mentre dormivano. Aidan e Mia riescono alla fine a convincere Grace che sono morti tutti e sono intrappolati nel purgatorio. Grace scoppia e ora crede che tutti debbano pentirsi in qualche modo per arrivare in paradiso.

The Lodge si conclude con Grace che ha legato i bambini come quelli sacrificati nella sua precedente setta, con segni che indicano che li ha uccisi e poi si è suicidata.

Naturalmente, niente di tutto ciò è reale. Aidan e Mia hanno orchestrato l’intera faccenda, drogando Grace in quella fatidica notte e nascondendo tutto in un compartimento nascosto nel seminterrato. Quando Grace trova il suo cane morto congelato nella neve, i bambini finalmente confessano e ammettono il loro complotto contro di lei. All’inizio del film, entrambi la incolpano del suicidio della madre, dopo che il padre ha lasciato la madre per Grace. Una volta che vengono a sapere della sua infanzia trascorsa in una setta religiosa suicida, trovano l’ispirazione di cui hanno bisogno per torturarla, apparentemente sperando che lei crolli e che il padre non la voglia più.

Alla fine di The Lodge, il padre arriva, ma Grace gli spara, pensando che non si farà male, visto che sono tutti morti. Viene ucciso dal colpo e The Lodge finisce con Grace che lega i bambini come quelli sacrificati nella sua ex setta, con segni che indicano che li ha uccisi e poi si è suicidata. Un aspetto che rimane poco chiaro, però, è se Grace si renda conto che non sono in purgatorio dopo aver ucciso il suo amante, ma sia così pazza e sconvolta da prendere comunque la decisione consapevole di uccidere il resto di loro.

Il vero significato del finale di The Lodge

Riley Keough, Jaeden Martell e Lia McHugh in The Lodge (2019)
Foto di Bertrand Calmeau/Bertrand Calmeau – © 2018 The Lodge

Il film horror ha molto da dire sul dolore

In sostanza, il finale di The Lodge parla di dolore, trauma e dell’inevitabile ciclo del danno psicologico. Gli ultimi momenti rafforzano l’idea che le ferite del passato, se non curate, possono degenerare in qualcosa di distruttivo. Grace, sopravvissuta a un’infanzia trascorsa in una setta religiosa, è segnata in modo permanente dall’esperienza. Anche se all’esterno sembra funzionare, il suo trauma non è mai stato veramente curato. Togliendole le medicine, isolandola e alimentando le sue paure profonde di punizione divina, Aidan e Mia ricreano inconsapevolmente le condizioni esatte che hanno portato al suo esaurimento nervoso iniziale, costringendola a regredire nell’unica realtà che abbia mai conosciuto.

Il finale di The Lodge esplora anche le conseguenze della crudeltà mascherata da dolore. Aidan e Mia credono di punire Grace per aver sostituito la loro madre, ma il loro tormento psicologico va ben oltre le loro intenzioni. Il loro scherzo, pensato per farla soffrire, alla fine li condanna. Nella sequenza finale, quando Grace si mette metodicamente un nastro adesivo con la scritta “PECCATO” sulla bocca, una inquietante riproduzione del rituale suicida della sua setta, diventa chiaro che ora li vede come parte del ciclo della dannazione. Che intendessero o meno fare del male, le loro azioni li hanno inseriti nella sua distorta narrativa religiosa, in cui la sofferenza deve essere espiata attraverso la morte.

Il cupo finale di The Lodge suggerisce anche una visione fatalistica del trauma. Anche se Aidan e Mia rivelano la verità a Grace, lei è ormai troppo distante per accettarla. Il danno è irreversibile. Questo riflette un tema più ampio dell’horror: una volta che qualcosa è rotto, non può sempre essere riparato. La discesa di Grace nella follia non è semplicemente una reazione alla loro crudeltà, ma una tragica inevitabilità causata da anni di cicatrici psicologiche non affrontate.

Come è stato accolto il finale di The Lodge

Il viaggio lento verso un finale esplosivo è stato un successo

Il finale cupo e ambiguo di The Lodge ha diviso sia la critica che il pubblico, con alcuni che ne hanno elogiato la profondità psicologica e altri frustrati dal suo tono nichilista. Molti critici hanno riconosciuto l’orrore a fuoco lento del film e la conclusione scioccante come efficaci, anche se inquietanti. David Day di Horror Movie Talk ha descritto l’esperienza visiva come:

“L’atmosfera era per lo più triste e stranamente pericolosa, con la storia che faceva costantemente penzolare il pericolo alla periferia della visione del pubblico, ma senza mai lasciarlo venire completamente alla luce. Proprio quando pensi di avere una buona padronanza di ciò che sta accadendo, ti viene tolto il tappeto da sotto i piedi, cosa che accade più volte in The Lodge”.

L’elogio per il colpo di scena finale in The Lodge ha avuto eco anche in molte altre risposte. Ad esempio, nella sua recensione per The Guardian, Benjamin Lee non ha avuto che elogi per la trama di The Lodge e il suo finale inaspettato:

“The Lodge è un film molto più riuscito [di Goodnight Mommy di Veronika Franz e Severin Fiala]: pungente, pungente e provocatorio, mentre lancia potenziali colpi di scena prima di stabilirsi su quello più devastante di tutti. Non è una rivelazione del tutto imprevedibile, ma è un modo intelligente, consapevole e sgradevole di procedere, portando il film in un luogo che è allo stesso tempo incredibilmente cupo e irrimediabilmente triste”.

Tuttavia, mentre le lodi sono state per lo più positive, alcuni critici e spettatori hanno contestato il modo in cui il finale di The Lodge sposta l’attenzione dalla crudeltà dei bambini alla salute mentale di Grace. Nonostante ciò, The Lodge è rimasta un argomento di discussione negli ambienti horror, con il suo finale spesso citato come uno dei più inquietanti a memoria d’uomo. Mentre alcuni lo hanno visto come un magistrale esercizio di terrore, altri lo hanno ritenuto troppo nichilista per essere pienamente soddisfacente. Indipendentemente dall’opinione, è un finale che si rifiuta di essere facilmente dimenticato.

Lights Out – Terrore nel buio: la spiegazione del finale del film

Non c’erano molte avvisaglie che indicassero che Lights Out – Terrore nel buio (qui la nostra recensione) sarebbe stato il successo al botteghino che è poi diventato. Il film è l’ennesimo horror che ruota attorno a uno spirito che si aggira nella casa d’infanzia della protagonista, Rebecca (Teresa Palmer), del fratellastro minore Martin (Gabriel Bateman) e della loro madre Sophie (Maria Bello), disagiata e con problemi psicologici. In tempi recenti si sono visti molti film di questo sottogenere e alcuni sono stati realizzati con grande cura, come The Conjuring, Sinister.

Qualcosa nel film basato sull’omonimo cortometraggio del regista David F. Sandberg ha a sua volta colpito il pubblico e il film è diventato un successo a sorpresa, guadagnando quasi 150 milioni di dollari con un budget di soli 5 milioni. Rivedendo il film, sono comprensibili i motivi per cui Lights Out – Terrore nel buio ha fatto una tale impressione, dato che i brividi e gli spaventi a catena si susseguono in rapida successione. Ma Sandberg riesce anche a sfruttare al meglio i prolungati momenti di tensione trascorsi negli angoli bui e ombrosi dove si annida qualcosa di malvagio, con il tutto che si conclude poi in modo scioccante.

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La trama di Lights Out – Terrore nel buio

Rebecca ha una vita apparentemente normale. Vive in un appartamento vicino alla casa del fratello minore e della madre, e ha una relazione non impegnativa con il bonario Bret (Alex DiPersia). Ma c’è qualcosa che non va nella casa in cui ha vissuto ed è cresciuta. Sembra che le ombre siano vive. Come se nella vecchia e scricchiolante dimora ci fosse qualcosa che aspetta qualcosa, o qualcuno, nei suoi angoli più bui. Sophie e Martin, madre e figlio che vivono insieme in quella casa, sono entrambi estremamente vulnerabili. Sophie, in particolare, soffre di depressione clinica e in passato ha visto cose che in realtà non esistono.

così quando Rebecca scopre che la madre ha parlato al fratello minore di un’entità nota come Diana che potrebbe abitare la loro casa, ritiene che Martin sia a rischio vivendo con lei e lo porta con sé a casa sua. Quella notte, però, Rebecca ha uno strano e inquietante incontro con una sagoma d’ombra quando spegne la luce. L’immagine appare solo come la sagoma di una vecchia donna miserabile e decrepita, con capelli lunghi e ispidi, e può essere vista solo se catturata alla luce molto limitata della luna, quando tutte le luci più luminose e le lampade vicine sono spente.

Lights Out cast
Teresa Palmer e Gabriel Bateman in Lights Out – Terrore nel buio. Courtesy of Warner Bros. Picture – © 2016 Warner Bros. Entertainment Inc. All Rights Reserved.

Chi è Diana?

Dopo l’esperienza nella sua camera da letto, Rebecca inizia a pensare che forse il racconto di sua madre su uno spirito malvagio che abita le tenebre sia più di una delle sue folli manifestazioni o di un’allucinazione. Inizia quindi a fare delle ricerche per scoprire tutto il possibile sulla misteriosa “Diana” e scopre che lei e sua madre sono state entrambe pazienti dell’ospedale psichiatrico di Mulberry Hill nello stesso periodo, quando erano giovani ragazze. Scopre anche che Diana era malata di mente in un modo molto nefasto e psicopatico, e che avrebbe fatto di tutto per assicurarsi che Sophie rimanesse malata in modo che le due potessero stare insieme per sempre.

A distanza di decenni, sembra che Sophie e Diana stiano ancora insieme. È quasi come se fossero inesorabilmente legate, come se una non potesse esistere senza l’altra. Rebecca racconta poi a Martin i tragici retroscena di Diana, che non solo era malvagia ma aveva anche la capacità di abitare la mente di persone con la psiche fragile o distrutta dopo la sua morte. I due formano una teoria secondo la quale, quando la madre è particolarmente in difficoltà a causa della sua depressione, Diana diventa più presente con l’intento di proteggere Sophie ad ogni costo. Diana è, infatti, una manifestazione della ragazza morta che Sophie ha incontrato al Mulberry Hill Hospital.

Una volta stabilito che Diana è un’entità reale e presente che ucciderà chiunque cerchi di controllare una Sophie gravemente depressa che ha appena perso il marito Paul (Billy Burke) per mano di Diana nella sequenza iniziale del film, spetta a Rebecca e al precoce Martin elaborare un piano per estrarre la manifestazione di Diana dalla loro casa senza mettere in pericolo la madre. Alex, da bravo ragazzo, offre la sua assistenza e il trio attende nervosamente il prossimo terrificante incontro con Diana. La notte seguente, tutti decidono di rimanere nella casa buia e di cercare stupidamente di dormire un po’.

Proprio nel momento in cui si sdraiano, la corrente salta, creando una stagione di caccia virtuale in cui Diana può inseguire le sue prede. Con una torcia elettrica, Rebecca si dirige cautamente verso il seminterrato e la scatola dei circuiti. Non ha però fortuna nel riparare il problema. Martin porta con sé una piccola candela e a questo punto sono tutti bersagli facili. In qualche modo, Rebecca e Martin si ritrovano al sicuro nel seminterrato, dove si rendono conto di essere stati ingannati da Diana, che sbatte la porta in cima alla tromba delle scale intrappolandoli. Questo lascia Bret da solo ad affrontare lo spirito maligno, riuscendo a sopravvivere in qualche modo e chiamare il 911.

Lights Out sequel
Teresa Palmer in Lights Out – Terrore nel buio. Courtesy of Warner Bros. Picture – © 2016 Warner Bros. Entertainment Inc. All Rights Reserved.

La spiegazione del finale di Lights Out – Terrore nel buio

Quando Rebecca riesce finalmente a orientarsi nel seminterrato grazie a una luce nera che ha scoperto, scopre che è l’arma perfetta contro un predatore coperto dalle tenebre. Vede ogni sorta di incisioni malvagie e bizzarre lungo le pareti che sono illuminate solo dalla sua luce nera. E lo stesso vale per Diana. Finché hanno la luce nera, hanno una possibilità. Alla fine, due agenti della polizia di Los Angeles rispondono alla chiamata al 911 fatta da Bret e fanno una lenta perlustrazione della casa buia. Armata di luce nera e torcia, Rebecca sale al piano di sopra per controllare la madre. Viene però intercettata dalla vendicativa Diana, che può esistere solo finché Sophie la fa esistere attraverso la sua mente depressa.

All’improvviso, però, Sophie entra nella stanza armata di una pistola. Rebecca e Diana si girano per affrontare la madre armata che dapprima tenta di sparare a Diana, ma i proiettili non possono danneggiare un’apparizione nell’oscurità. La mossa successiva di Sophie, più per un istinto di mamma orsa che per una scelta consapevole, è quella di puntare la pistola contro se stessa. Compie così il sacrificio estremo e si spara alla testa, distruggendo Diana. Sophie continuava a dire a Diana: “Non fare mai del male ai miei figli!” e lei è rimasta fedele al suo amore materno più della sua stessa sanità mentale e della sua vita.

Ha così portato Diana nelle loro vite e alla fine l’ha fatta fuori. Dopo quella lunga notte,  l’incubo sembra finito e Bret conforta Martin e Rebecca in un’ambulanza fuori casa. Improvvisamente, una luce tremola all’interno dell’ambulanza, ma Bret assicura loro che Diana è davvero svanita. In realtà, non può saperlo per certo e così il film ci lascia con il dubbio che lo spirito maligno potrebbe aver trovato il modo di sopravvivere alla morte di Sophie, continuando a tormentare quanti a lei legati e ai suoi occhi colpevoli di avergliela portata via. Nonostante questo finale, però, non è stato realizzato alcun sequel di Lights Out – Terrore nel buio.

Oceania 2 (Moana 2), spiegazione del finale: cosa succede a Vaiana e come ci prepara a Oceania 3 (Moana 3)

Il finale di Oceania 2 (Moana 2) è un grande finale esplosivo che cambia radicalmente l’eroe e pone le basi per una futura Oceania 3 (Moana 3). Dopo il successo di Moana del 2016, Oceania 2 (Moana 2) lancia la protagonista in un nuovo viaggio attraverso l’oceano. Incaricata di ripristinare un’isola perduta e di sciogliere un’enorme maledizione che mette in pericolo la sua tribù, Moana si imbarca in una missione insieme a un gruppo di leali abitanti del villaggio e al ritorno di Maui. Tuttavia, il loro cammino li porta direttamente nelle macchinazioni del malvagio dio Nalo, che ha lanciato la maledizione.

Oceania 2 (Moana 2) è destinato a diventare un successo al botteghino, il che potrebbe spiegare perché il film si conclude con una chiara allusione alle direzioni future di altri possibili sequel. In particolare, Oceania 2 (Moana 2) si conclude con un enorme cambiamento per Moana e il suo mondo, ampliando la portata del suo mondo e amplificando Moana in modo inaspettato. Ecco come il finale di Oceania 2 (Moana 2) eleva il personaggio e prepara ulteriori avventure.

Moana muore e diventa semidio

L’esperienza di quasi morte di Moana finisce per darle più forza che mai

Tuttavia, grazie all’oceano, gli spiriti degli antenati di Moana (tra cui sua nonna e Tautai Vasa) sono in grado di riportarla in vita. Questo trasforma Moana in un semidio come Maui, conferendole potenzialmente lo stesso tipo di immortalità che ha permesso a Maui di vivere per oltre mille anni e di sopportare ferite altrimenti fatali.

Nello stesso modo in cui i poteri più evidenti di Maui sono incanalati attraverso il suo potente amo, il remo di Moana assume un nuovo significato come arma spirituale. Il remo è ora ornato da una scritta dorata e sembra essere un’estensione delle nuove capacità di Moana. Sebbene sia probabile che anche lei, come Maui, benefici di nuovi attributi fisici da semidio, il remo è la fonte dei suoi poteri soprannaturali più evidenti. Questo rende il remo un accessorio ancora più importante per l’eroina in futuro.

I nuovi poteri di Moana

I nuovi poteri di Moana sono probabilmente simili alla capacità di Maui di trasformarsi grazie all’uso del suo amo. Nel primo Moana, la separazione dall’amo ha fatto sì che Maui perdesse l’accesso alle sue capacità di trasformazione, pur mantenendo il suo corpo senza età e la sua impressionante resistenza. Il remo di Moana, invece, non le permette di trasformarsi. Invece, grazie alla luce dorata che emette, Moana può usare il remo per modellare le maree e creare percorsi nell’oceano. Queste abilità saranno probabilmente fondamentali per la futura esplorazione dell’oceano.

I tatuaggi di Moana

Con questa ascesa, Moana ottiene anche alcuni tatuaggi. Sembrano raffigurare persone che festeggiano sull’isola di Motufetu, facendo riferimento agli eventi del film come a una grande azione da parte di Moana. Questo è simile al modo in cui i numerosi tatuaggi di Maui sono stati rivelati in Moana come riferimenti ai suoi successi come semidio. È probabile che, man mano che Moana andrà avanti nella vita e raggiungerà altri traguardi, possa ottenere altri tatuaggi. Potrebbero anche essere vivi come il Mini Maui, creando una Mini Moana che apparirà in future storie sul personaggio.

Come Moana riconnette il popolo dell’oceano

Oceania 2 film 2024

Il motivo per cui Moana si mette alla ricerca di Motufetu è una visione di Tautai Vasa, che la informa che l’isola affondata e superata da Nalo ha di fatto isolato l’angolo di mare di Moana dal resto dell’umanità. Se rimarranno isolati troppo a lungo, i popoli dell’oceano (compresa la tribù di Moana e i Kakamora) si estingueranno. Questo rafforza gli sforzi di Moana per trovare altre tribù, dando il via all’avventura del film. Risollevando Motufetu e spezzando la maledizione di Nalo, Moana ripristina le linee di collegamento dell’oceano.

L’impegno si rivela subito proficuo: altri esploratori provenienti da tutto il mondo approdano rapidamente su Motufetu. Moana li riporta sulla sua isola natale, dove i vari Wayfinder di diverse tribù vengono mostrati mentre parlano con Tui e probabilmente creano alleanze. Si tratta di una conclusione promettente per il film, in quanto apre la strada a molti nuovi angoli del mondo da esplorare. Potrebbe anche creare un potenziale dramma, dato che l’esistenza di altre tribù significa anche che c’è spazio per possibili conflitti in futuro.

Cosa succede a Matangi in Oceania 2 (Moana 2)

A prima vista, in Oceania 2 (Moana 2) Matangi si presenta come un pericoloso cattivo. Capace di sopraffare e catturare Maui con relativa facilità, Matangi all’inizio fa intendere di avere piani più grandi per lui e Moana. Tuttavia, si scopre che Matangi è in realtà una serva involontaria di Nalo ed è rimasta intrappolata nella vongola grande come un’isola per anni. Sperando che rompere la maledizione che Nalo ha lanciato sull’oceano la liberi dalla sua morsa, Matangi dà a Moana alcuni consigli fondamentali e la aiuta (insieme a Maui e al resto dell’equipaggio di Moana) ad avventurarsi sull’isola.

In questo modo Matangi diventa un avversario potenzialmente riluttante per Moana, che segue i comandi di Nalo anche se desidera liberarsi di lui. Tuttavia, una Moana potenziata potrebbe trovare un modo per liberarla, trasformando Matangi in un alleato.

La vendetta di Nalo e come ci prepara a Moana 3

moana 2

Nalo è il vero cattivo di Oceania 2 (Moana 2), anche se i Nalo cerca attivamente di uccidere Moana e il suo equipaggio, inviando enormi serpenti marini e saette luminose contro il gruppo quando si avvicinano all’isola. Anche dopo essere stato sconfitto, l’apparizione della divinità nella scena dei titoli di coda di Oceania 2 (Moana 2) rivela un dio furioso e intenzionato a vendicarsi.

Tutto ciò pone le basi per un epico Moana 3, soprattutto in considerazione dell’importante aumento di potenza di Moana.

Come il finale di Oceania 2 (Moana 2) si basa sul finale del primo film

Oceania (Moana)

In Moana, la maledizione causata da Maui che ha preso il Cuore di Te Fiti stava lentamente uccidendo tutta la vita biologica del mondo. Allo stesso modo, Moana parte per la sua avventura con la consapevolezza che l’incapacità di espandere l’oceano al suo vero potenziale porterà alla scomparsa del suo popolo.

Oceania 2 (Moana 2) si concentra in definitiva sull’importanza di abbracciare il nuovo e di avere il coraggio di rischiare tutto per l’esplorazione. Tutti i personaggi di Oceania 2 (Moana 2) sono costretti ad abbracciare nuove strade pericolose, con la nonna di Moana che nel primo atto comunica a Moana di aver compreso il costo potenziale delle sue avventure. La tribù deve letteralmente espandersi attraverso l’oceano, altrimenti si estinguerà. I membri dell’equipaggio di Moana crescono attraverso l’accettazione del cambiamento, che si tratti dell’abbraccio di Loto alla sperimentazione costante, di Moni che supera le sue paure o di Kele che si adatta all’oceano.

Anche Moana e Maui affrontano questa sfida: entrambi sono costretti ad accettare percorsi difficili a cui sono naturalmente contrari. Gli sforzi di Maui per proteggere Moana dal pericolo non fanno altro che prolungare la missione a Motufetu, e i due vincono quando accettano di potersela cavare da soli. Al contrario, Moana deve imparare ad abbracciare un percorso diverso, accettando la guida di Matangi di “perdersi”, tracciando una strada diversa da quella che le è congeniale per poter continuare ad andare avanti. È una morale interessante da esplorare, soprattutto in relazione alla svolta di Moana su Te Fiti.

Quanti film su Moana ci saranno?

Moana 3 non è stato confermato, ma il remake in live action arriverà presto

Al momento in cui scriviamo, non c’è stata alcuna conferma di Moana 3. Dato che ci sono voluti otto anni prima che Oceania 2 (Moana 2) continuasse la storia dell’Indomita, potrebbe passare un po’ di tempo prima che il pubblico abbia la conferma, in un senso o nell’altro, se vedrà ancora la giovane donna avventurosa. Tuttavia, l’atteso successo al botteghino di Oceania 2 (Moana 2), insieme al palese richiamo al sequel nella scena a metà dei titoli di coda, potrebbe dare alla Walt Disney Animation un motivo in più per riportare il personaggio per altre avventure.

Un eventuale Oceania 3 (Moana 3) potrebbe addirittura seguire la traiettoria di altri sequel animati Disney confermati, come Frozen, di cui è già stata confermata la presenza di due sequel in fase di pre-produzione. I fan di Moana avranno anche un remake live-action nel 2026, con Catherine Laga’aia nel ruolo di Moana e Dwayne Johnson che riprenderà il ruolo di Maui. Questo assicura che, anche dopo Oceania 2 (Moana 2), ci saranno altre occasioni per vedere la giovane eroina nelle sale cinematografiche.

Chief Of Station – Verità a tutti i costi: la spiegazione del finale del film

Il film del 2024 Chief of Station – Verità a tutti i costi, interpretato da Aaron Eckhart, è passato grossomodo in sordina, ma non mancherà di entusiasmare i fan degli action con forti sfumature da thriller complottistico. Diretto da Jesse V. Johnson (regista anche di White Elephant: Codice criminale e The Debt Collector – Il ritorno) e scritto da George Mahaffey, questo spy-thriller ci porta infatti in più territori per una vicenda da spie dove non ci si può fidare di nessuno e anche le persone più vicine possono rivelarsi il nemico che si sta cercando. In questo articolo, esploriamo in particolare ciò che avviene nel finale, con la risoluzione dell’enigma alla base del film.

La trama di Chief of Station – Verità a tutti i costi

La giornata inizia normalmente per il capo della CIA Ben Malloy (Aaron Eckhart), mentre la sua squadra intercetta un importante pacco da consegnare ai russi a Budapest. Il vice di Ben, John Branca (Alex Pettyfer), svolge un ruolo fondamentale nel fermare gli agenti russi guidati da Evgeny (Nick Moran). Dopo aver portato a termine con successo la missione, Ben incontra sua moglie, Farrah (Laëtitia Eïdo), anche lei agente CIA e a sua volta a Budapest. La cena di anniversario di Ben e Farrah si trasforma però in una catastrofe: l’esplosione di una bomba nel ristorante provoca molte vittime, tra cui la stessa Farrah.

Il tempo passa e un Ben devastato lotta per affrontare la perdita. Anche il rapporto con il figlio Nick (Chris Petrovski) si deteriora. In seguito, mentre cerca di rientrare in contatto con il figlio che intanto è partito per attraversa l’Europa con lo zaino in spalla, Ben si rende conto che la CIA sta indagando sulla morte di Farrah. E non pensano che Farrah sia morta in modo onorevole. Il pensiero che Farrah fosse un agente doppiogiochista è insopportabile per Ben, che per placare le proprie paure e per riabilitare il nome della moglie, Ben decide di recarsi a Budapest. Ma prima di ciò, si rivolge a uno dei fidati collaboratori di Farrah, Desmond (Jonathan Ajayi).

Aaron Eckhart e Laëtitia Eïdo in Chief of Station - Verità a tutti i costi
Aaron Eckhart e Laëtitia Eïdo in Chief of Station – Verità a tutti i costi

Le competenze informatiche di Desmond rivelano l’identità di uno dei bersagli potenzialmente pericolosi di Farrah, Kharon Taramov (Daniel Bernhardt). Il motivo per cui Farrah ha organizzato l’incontro con Kharon in quel fatidico giorno è un mistero per Ben. Arrivato a Budapest, incontra il suo ex protetto, l’attuale capo della stazione, Branca. Ben utilizza la sua vecchia rete per contattare gli agenti dei servizi segreti di altri Paesi e con l’aiuto di uno di questi agenti, capisce che deve trovare Evgeny per saperne di più sull’attacco a Farrah. Anche se sa che Evgeny non ricorrerebbe a un atto così efferato.

Successivamente, la ricerca di Evgeny lo porta in un casinò non autorizzato. Attraverso il gioco d’azzardo e le inutili risse, Ben ed Evgeny riescono finalmente a parlarsi. Evgeny nega con forza l’accusa di avere a che fare con Kharon, ma prima che possa dire altro, viene attaccato da uomini armati non identificati. Ben fugge dalla scena e chiama Branca per salvarlo. Con sua grande sorpresa, Branca lo soccorre rapidamente e lo porta su una barca che assomiglia a un quartier generale. Prima che Ben possa capire, rimane scioccato nel vedere il suo vice e Kharon insieme.

Dopo aver visto Kharon con Branca, diventa chiaro che Branca ha tradito Ben fin dall’inizio. Ogni dubbio sulle intenzioni dell’ex collega viene fugato quando inizia a torturare Ben, cercando di scoprire cosa gli ha lasciato Farrah. Ben, che non ha idea di cosa Branca stia cercando, continua a subire la punizione facendo finta di niente. Proprio quando sembra che non ce la possa fare più, gli viene data una mano. Un assassino mascherato appare e passa in rassegna gli uomini di Branca e Kharon. Con questo aiuto, Ben riesce a superare l’entourage di Branca.

Aaron Eckhart e Olga Kurylenko in Chief of Station - Verità a tutti i costi
Aaron Eckhart e Olga Kurylenko in Chief of Station – Verità a tutti i costi

L’aiuto mascherato è Krystyna (Olga Kurylenko). Ben la conosce come una delle più vecchie amiche e collaboratrici di Farrah. Con il suo aiuto, Ben sfugge così alla morsa di Branca. Tuttavia, mentre Ben e Krystyna scappano, Nick e la sua ragazza ricevono la visita di un gruppo di mercenari armati. Il ragazzo si rende conto che non c’è tempo per reagire, quindi acconsente e va con gli uomini armati. La sua ragazza viene invece risparmiata. Nick fa però un altro tentativo di fuga, ma il suo tentativo viene sventato. Si rende conto che non ha altra scelta se non quella di sperare che suo padre abbia un asso nella manica.

Perché Farrah è stata uccisa?

Il mistero che si cela dietro la morte di Farrah e il motivo per cui tutti sembrano pensare che abbia dato qualcosa a Ben da custodire, risiede in una cena che Farrah e Ben hanno avuto alcuni anni prima. Durante quella cena, Farrah regalò a Ben un medaglione. All’epoca, dichiarò che si trattava di un cimelio di famiglia. Da quel momento Ben lo conservò con amore, ma non sapeva che era la chiave dei segreti di Farrah. La donna non ha tradito l’America, ma ha anche agito per conto suo. Ha contattato altri agenti, in particolare dalla Russia, si è tenuta in contatto con Evgeny, e così facendo ha scoperto che molti agenti della CIA erano corrotti.

Queste informazioni segnarono il destino di Farrah. Branca, uno degli agenti corrotti, lo venne a sapere e pianificò con il suo superiore di sbarazzarsi della donna. E qui sta l’informazione bomba che Farrah aveva nel suo portatile. Lo stesso vicedirettore Austin Williams è corrotto. Così, diventa chiaro a Ben che è stato il suo stesso capo, il disonesto direttore della CIA, a uccidere Farrah. Utilizzando la chiave fornita da Farrah e l’indirizzo conosciuto da Krystyna, Ben trova tutte le prove di questa corruzione, ma si rende conto che questo è il prezzo da pagare se vuole salvare la vita di suo figlio.

Alex Pettyfer in Chief of Station - Verità a tutti i costi
Alex Pettyfer in Chief of Station – Verità a tutti i costi

La spiegazione del finale del film

Ben chiama quindi Branca e chiede un incontro. Si tratta di scambiare le prove di Farrah con Nick. Krystyna, però, si posiziona sul tetto più vicino con un cecchino per dare manforte a Ben. È chiaro a entrambi che sia Branca che Kharon cercheranno di ucciderli tutti una volta ottenuto ciò che vogliono, cosa che si rivela poi corretta. Krystyna e il suo collega cecchino permettono quindi a Ben e Nick di fuggire con le prove di Farrah al momento opportuno. Ma Branca e Kharon li inseguono in auto, inseguimento durante il quale Kharon viene ucciso. Questo lascia Ben a occuparsi di Branca faccia a faccia, riuscnedo infine e a vendicarsi e a sopraffare l’avversario.

A quel punto, mette gli occhi sul colpevole principale: il vicedirettore Williams. Per smascherare e catturare Williams, si avvale di un aiuto non convenzionale. Desmond si assicura che tutti i filmati incriminanti di Williams siano al loro posto. Li proietta poi sul grande schermo in una convention presieduta da Williams. Per concludere l’affare, un Evgeny ancora vivo viene a corroborare i filmati e a confermare che Williams è in combutta con le forze avversarie per denaro. La clip audio in cui Williams ordina a Branca di uccidere Ben è il chiodo finale per arrestarlo. Dopo di che, l’unica cosa che resta da fare per Ben è incontrare la fidanzata del figlio e cenare a Parigi. Krystyna chiede anche a Ben di tenersi in contatto e così si conclude la vicenda.

Yellowjackets – Stagione 3, episodio 6, la spiegazione del finale: da dove vengono i nuovi abitanti della foresta?

Yellowjackets introduce uno dei suoi colpi di scena più scioccanti quando i sopravvissuti adolescenti incontrano nuovi personaggi nella natura selvaggia. Prima di questo finale che cambia le carte in tavola, la linea temporale passata di Yellowjackets continua a essere dominata dal tormento continuo del coach Ben Scott (Steven Krueger). Lottie Matthews (Courtney Eaton) e la maggior parte degli altri adolescenti insistono che il coach Ben debba rimanere in vita dopo la visione che ha avuto Akilah (Nia Sondaya) durante il finale della terza stagione di Yellowjackets, episodio 5, che li porta a credere che lui sia il “ponte” verso la loro casa.

Natalie Scatorccio (Sophie Thatcher) non riesce a sopportare le continue sofferenze di Coach Ben, che peggiorano sempre di più man mano che lui implora la morte. Alla fine, Natalie prende in mano la situazione e uccide Coach Ben. Shauna Shipman (Sophie Nélisse) e il resto del gruppo puniscono Natalie per aver portato via la loro speranza facendola squartare il corpo e preparare un banchetto. Durante il banchetto, i sopravvissuti mangiano e iniziano a urlare e a ballare, ma vengono interrotti dai nuovi membri del cast di Yellowjackets.

Chi sono i nuovi personaggi di Wilderness?

I nuovi personaggi sono un uomo e una donna, interpretati da Nelson Franklin e Ashley Sutton. Si avvicinano ai sopravvissuti con espressioni preoccupate. L’uomo alza la mano per salutare e dice: “Ciao”. Poi indietreggia e esclama: “Ma che c***o?” quando nota la testa mozzata di Coach Ben, messa da parte durante il banchetto in cui il resto del suo corpo viene servito e consumato dai giovani sopravvissuti. Finora sono passati solo pochi secondi sullo schermo, quindi si sa poco di chi siano i nuovi personaggi e perché si trovino nella natura selvaggia.

Il loro aspetto e il loro abbigliamento non suggeriscono che siano rimasti bloccati a lungo. Sembrano invece essere rimasti nella natura selvaggia solo per un breve periodo di tempo e non aver dovuto ricorrere a misure estreme per sopravvivere. Ciò è ulteriormente confermato dalla reazione allarmata dell’uomo alla testa dell’allenatore Ben. I nuovi personaggi potrebbero essere andati in campeggio o in escursione nella natura selvaggia, solo per perdersi e avere la sfortuna di imbattersi in questo gruppo di adolescenti cannibali.

La spiegazione delle urla e delle danze di Lottie e degli altri sopravvissuti

Prima dell’arrivo dei nuovi personaggi, Lottie inizia a urlare perché ha di nuovo delle visioni. Le visioni di Lottie si erano interrotte in precedenza, motivo per cui si era affidata a Travis Martinez (Kevin Alves) e Akilah per avere visioni al suo posto. Questa nuova visione fa credere a Lottie che lei e gli altri sopravvissuti non stiano conducendo la loro festa come dovrebbero e che debbano essere più animaleschi per connettersi completamente alla natura selvaggia.

Le vespe avevano già mangiato Jackie Taylor (Ella Purnell) e Javi Martinez (Luciano Leroux).

La natura emette il suo misterioso e terrificante stridio in risposta alle urla di Lottie. Per Lottie, urlare, cantare e ballare serve a legare con la natura. Tuttavia, per molti altri sopravvissuti, è più un’opportunità per liberare le emozioni che hanno represso. Sotto la guida di Natalie, il gruppo ha stabilito un senso di normalità, ma sono ancora consumati da molta rabbia, tristezza, frustrazione e dolore. Il rituale di Lottie diventa un’opportunità per liberare tutti quei sentimenti, soprattutto dopo la situazione straziante con Coach Ben.

Perché Tai ha bisogno dell’aiuto di Van

Al giorno d’oggi, Van Palmer (Lauren Ambrose) sta cercando informazioni sui nastri DAT sul suo telefono quando Taissa Turner (Tawny Cypress) si alza di scatto. Tai sembra come se stesse ansimando e dice: “Van! Per favore. Devi aiutarmi.“ Il suo corpo si rilassa e chiede con calma perché Van è ancora sveglia, come se non avesse appena gridato aiuto qualche secondo prima. Questa scena inquietante suggerisce che l’”altra Tai” abbia quasi preso il controllo completo di lei, ma la Tai normale si è liberata per un momento per chiedere l’aiuto di Van.

L’altro Tai che ha il controllo coincide con la visione di Sammy (Aiden Stoxx) nell’episodio 5, che sembra pensare che non sia la sua vera madre a venire a trovarlo. Nell’episodio 6, Van immagina che Tai la chiami e la supplichi di aiutarla. Sembra che l’altro Tai abbia il controllo praticamente sempre, tranne che per un breve momento durante il sonno, il che è ironico dato che prima usciva solo quando Tai era sonnambula. La Tai normale ora ha bisogno dell’aiuto di Van per non essere sepolta per sempre sotto il suo alter ego.

Perché Tai ha incontrato Lottie il giorno in cui è morta

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Misty Quigley (Christina Ricci) incontra uno degli ex membri della setta di Lottie, Lisa (Nicole Maines), all’inizio dell’episodio. Lisa dice a Misty che Tai ha incontrato Lottie fuori da un bar il giorno in cui è morta. Nella terza stagione di Yellowjackets, episodio 4, Tai e Van si separano per un’ora prima di incontrarsi in città. Dopo aver appreso della morte di Lottie nell’episodio 5, Van chiede a Tai dove sia andata in quel periodo, e Tai nega di aver incontrato Lottie in quel periodo. Supponendo che Lisa abbia detto la verità a Misty, Tai ha incontrato Lottie e ha mentito a Van al riguardo.

All’inizio dell’episodio 4, Tai chiama Lottie per discutere di ciò che ha detto sul fatto che la natura è stata soddisfatta dal sacrificio di Natalie (Juliette Lewis) durante il finale della seconda stagione di Yellowjackets. Tai non ha ottenuto una risposta prima che Lottie riattaccasse il telefono. Potrebbe essere andata a incontrare Lottie per ottenere una risposta più precisa. È già stato dimostrato che Tai è disposta a lasciar morire gli altri se questo significa che la natura selvaggia permetterà a Van di vivere più a lungo, e forse voleva vedere se Lottie la pensava allo stesso modo.

Se “l’altra Tai” aveva già il controllo, è possibile che sia andata a incontrare Lottie con l’intenzione di ucciderla. “L’altra Tai” potrebbe aver visto l’uccisione di Lottie come il sacrificio necessario per salvare Van. Un’altra possibilità è che la Tai normale sia andata a incontrare Lottie, le cose si siano surriscaldate e lei l’abbia uccisa accidentalmente. Da allora, “l’altra Tai” potrebbe aver preso il sopravvento come un modo per affrontare l’orrore di ciò che aveva fatto. Indipendentemente dalla verità, l’indagine di Misty ora la porterà a indagare su Tai mentre la terza stagione di Yellowjackets continua.

Ghost Rider – Spirito di vendetta: dal cast al sequel, tutte le curiosità sul film

Negli anni la Marvel ha abituato i suoi spettatori alle trasposizioni cinematografiche dei suoi supereroi più noti. Tra questi, pur non facendo parte del Marvel Cinematic Universe, uno dei più affascinanti rimane certamente Ghost Rider, il motociclista maledetto in lotta contro il male. Particolarmente controverso per i suoi metodi, il personaggio ha ottenuto un primo film a lui dedicato nel 2007. Nel 2012 è invece stato realizzato un sequel dal titolo Ghost Rider – Spirito di vendetta (qui la recensione), diretto da Mark Neveldine e Brian Taylor, con una sceneggiatura firmata tra gli altri da David S. Goyer, già celebre per la trilogia su Blade e Il cavaliere oscuro.

Pur essendo considerato un seguito del primo film, questo presenta in realtà un cast totalmente differente ad eccezione del protagonista, nonché un’ambientazione diversa e alcune incongruenze rispetto alla trama del precedente capitolo. A causa dei non entusiasmanti incassi di questo, infatti, i produttori decisero di puntare nuovamente sul personaggio, rielaborando però quanto fino a quel momento realizzato. Rispetto alla precedente ambientazione australiana, infatti, si decise di dar luogo alle riprese in Romania, paese scelto per via delle sue forti implicazioni religiose e teologiche, utili ai fini del film.

Una volta arrivato in sala, il film riuscì ad affermarsi come un buon successo commerciale. Grazie ad un budget dimezzato rispetto al precedente film, ora attestato intorno alla cifra di 57 milioni di dollari, Ghost Rider – Spirito di vendetta arrivò ad un incasso globale di circa 132 milioni. Tale risultato lasciò aperte le porte per un potenziale terzo capitolo, di cui ancora oggi si parla. Prima di vedere questo secondo, però, può essere utile conoscere alcune delle principali curiosità legate al titolo, molte delle quali relative proprio al cast di attori protagonisti.

Ghost Rider - Spirito di vendetta cast
Nicolas Cage e Idris Elba in Ghost Rider – Spirito di vendetta. Foto di Egon Endrenyi – © 2011 Columbia Pictures Industries, Inc. All Rights Reserved.

La trama di Ghost Rider – Spirito di vendetta

In seguito agli eventi del primo film, Johnny Driver decide di ritirarsi a vita privata per poter imparare a controllare i suoi nuovi poteri da Ghost Rider. Ritrovatosi in Europa, questi viene però contattato dal monaco Moreau, il quale gli chiede di salvare la misteriosa Nadya e suo figlio Danny. Se accetterà, il monaco si offrirà di liberarlo dalla maledizione che lo attanaglia. Pur se inizialmente reticente, egli finisce con l’accettare il patto, e intraprende la sua ricerca della donna, ignaro di cosa si nasconda dietro. Ciò che il supereroe non sa, infatti, è che sulle tracce di madre e figlio vi è anche il mercenario Ray Carrigan, al servizio dello spietato Roarke. Questi si dimostra particolarmente interessato al bambino per una ragione particolare, di cui però nessuno è a conoscenza.

Ghost Rider si trova così a dover sventare gli agguati nei confronti di Nadya e Danny, tentando di portarli in salvo e tenerli lontani dai malvagi che vorrebbe catturarli. Ben presto, però, anche l’infernale motociclista verrà a conoscenza della verità riguardo il bambino, comprendendo il terribile piano orchestrato da Roarke. Per fermarlo, egli capisce dunque di non poter rinunciare ai propri superpoteri, e di dover quanto prima imparare a gestirli del tutto per acquisire il massimo del suo potenziale. Nel corso della battaglia, Ghost Rider sarà dunque chiamato a trasformarsi da “spirito di vendetta” in “spirito di giustizia”, difendendo chi ne ha bisogno.

Il cast del film

Come già anticipato in apertura, rispetto al primo film il cast di attori è cambiato totalmente. Non riprendono dunque i loro ruoli gli attori Eva Mendes, Peter Fonda e Sam Elliott, qui totalmente assenti. L’unica eccezione è proprio quella del protagonista Nicolas Cage, che torna a vestire il ruolo di Ghost Rider. L’attore ha raccontato di come rispetto al precedente capitolo il personaggio sia ora più sarcastico e ironico, ma non meno perfido. Per prepararsi al ruolo l’attore ha condotto molte ricerche, sia sulle caratteristiche del personaggio che sul contesto religioso in cui il film è ambientato. Il suo obiettivo è stato quello di rendere il supereroe il più sinistro possibile, evidenziando i suoi aspetti più controversi.

Accanto a lui, nel ruolo di Nadya, si ritrova l’attrice italiana Violante Placido. L’attrice ha raccontato di aver accettato il ruolo specialmente per la possibilità di dar vita ad un personaggio e sequenze particolarmente spericolate. Il piccolo Danny è invece interpretato da Fergus Riordan, mentre il noto attore Idris Elba nei panni del monaco alcolizzato Moreau. Ad interpretare il villain Roarke è invece l’attore irlandese Ciaran Hinds, noto per aver partecipato a numerosi film di grande successo. Johnny Whitworth è invece il mercenario Ray Carrigan. Questi raccontò di aver costruito il personaggio su proprie improvvisazioni, basandosi sul corrispettivo dei fumetti solo per l’aspetto. Il noto Christopher Lambert, infine, interpreta Methodius, capo della confraternita di monaci. Per il ruolo, l’attore dovette allenarsi per tre mesi nell’utilizzo della spada.

Johnny Whitworth in Ghost Rider - Spirito di vendetta
Johnny Whitworth in Ghost Rider – Spirito di vendetta. Foto di Jasin Boland – © 2011 Columbia Pictures Industries, Inc. All Rights Reserved.

Il sequel di Ghost Rider – Spirito di vendetta

In seguito all’uscita del film, nel maggio del 2013 i diritti di Ghost Rider sono infine ritornati ai Marvel Studios, i quali hanno poi annunciato l’intenzione di introdurre in futuro il personaggio nell’universo cinematografico da loro costruito. Gli stessi registi di Ghost Rider – Spirito di vendetta si sono dichiarati disposti a dirigere un nuovo film incentrato sull’infernale motociclista, mentre Cage ha invece rivelato di non avere interesse a riprendere il ruolo. In attesa di un futuro ritorno del personaggio sul grande schermo, questo ha tuttavia fatto una significativa comparsa nella serie Agente of S.H.I.E.L.D.S., interpretato da con Gabriel Luna, precisamente nell’episodio 6 della quarta stagione, intitolato The Good Samaritan, dove si narrano le sue origini.

Ad oggi, però, i fan ancora aspettano l’introduzione del personaggio nel Marvel Cinematic Universe. Per via della sua natura controversa, tuttavia, risulta difficile immaginare in che modo tale personaggio potrebbe essere inserito nel franchise. Alcuni rumor, tuttavia, parlano di un nuovo film in sviluppo sul personaggio presso i Marvel Studios. I recenti scioperi degli attori e degli sceneggiatori avrebbero però rallentato lo sviluppo di tale progetto, su cui dunque ad oggi non ci sono certezze. Secondo alcuni, potrebbe essere proprio Cage a riprendere il ruolo, mentre stando ad altre teorie i Marvel Studios potrebbero più logicamente cercare un nuovo interprete.

Il trailer di Ghost Rider – Spirito di vendetta e dove vedere il film in streaming e in TV

In attesa dei futuri sviluppi, per gli appassionati del film è possibile fruire di Ghost Rider – Spirito di vendetta grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Il film è infatti disponibile nel catalogo di Apple TV+, Infinity+, Tim Vision e Now. Per vederlo, basterà sottoscrivere un abbonamento generale o noleggiare il singolo film. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film sarà inoltre trasmesso in televisione il giorno venerdì 14 marzo alle ore 21:00 sul canale 20 Mediaset.

Scissione (Severance) – Stagione 2, episodio 9, la spiegazione del finale

L’episodio 9 della seconda stagione di Scissione (Severance) prepara perfettamente il terreno per il finale, dando un’idea di come potrebbe concludersi la storia di ogni personaggio principale. Nei primi momenti, l’episodio 9 della seconda stagione rivela come James Eagan abbia grandi aspettative nei confronti di Helena. Tuttavia, qualunque cosa faccia, lui sembra deluso e addirittura odia che lei non mangi le uova crude come Kier. Dopo aver mostrato come Helena sia schiacciata dalle aspettative del padre e dall’eredità della sua famiglia, l’episodio 9 di Scissione  – stagione 2 fa immedesimare gli spettatori con Huang accennando al suo futuro a Lumon.

Anche l’innie di Dylan attraversa una delle fasi più difficili della sua vita quando incontra di nuovo la moglie del suo outie. Nel frattempo, gli outie di Burt e Irving parlano finalmente della relazione dei loro innies e provano una serie complessa di emozioni prima di separarsi. L’episodio 2 della stagione di Scissione si conclude con Cobel, Mark e Devon che arrivano al Damona Birthing Retreat, dove Cobel spera di poter parlare con l’innie di Mark.

Perché Cobel vuole parlare con l’innie di Mark? Nel finale dell’episodio 9 della stagione 2 di Scissione

Per quasi tutto l’episodio 9 della seconda stagione di Scissione , Mark non può fare a meno di sospettare che Cobel voglia aiutarli. Il suo sospetto ha senso, dato che Cobel è stato cresciuto da Lumon. Tuttavia, Mark alla fine cede quando Cobel rivela che Gemma potrebbe essere ancora viva se il suo innie non avesse finito di elaborare il file Cold Harbor. Rendendosi conto che solo un ex insider come Cobel può aiutarli a salvare Gemma, Mark accetta di seguire il suo consiglio.

Nell’ultima scena dell’episodio 9 della seconda stagione di Scissione , Mark entra in una cabina del Ramona Birthing Retreat e passa al suo alter ego. Con sua sorpresa, trova Cobel che lo sta aspettando, suggerendogli che cercherà di convincerlo ad aiutarli a far uscire Gemma da Lumon. Dopo essere stato tradito e abbandonato da Lumon, Cobel sembra aver finalmente capito che alla società non importa molto del benessere delle persone. Tuttavia, dato che non può più entrare nell’edificio di Lumon, non può fare molto per aiutare direttamente Mark. Quindi, sembra che speri di convincere l’innie di Mark ad aiutarli a salvare Gemma.

Il futuro della signorina Huang a Lumon: perché Milchick le chiede di interrompere il suo gioco

Scissione (Severance) 2

Milchick annuncia il completamento della borsa di studio Wintertide della signorina Huang, che avrebbe dovuto determinare il suo futuro a Lumon. Proprio come Cobel è diventata una lavoratrice a tempo pieno di Lumon dopo aver completato la sua borsa di studio con Lumon, apparentemente anche Huang può fare lo stesso. Milchick conferma che sarà trasferita al Gunnel Eagan Empathy Center, dove continuerà a lavorare per Lumon. Anche se la signorina Huang lavora sodo per completare il suo tirocinio, è triste per il trasferimento perché significa che dovrà allontanarsi dai suoi genitori.

Il suo tragico futuro in Lumon mette in luce come l’azienda costringa molti minori a lavorare mascherando il lavoro minorile come un’opportunità di crescita professionale. Anche Cobel ha vissuto qualcosa di simile quando era molto più giovane. Milchick le fa anche capire la gravità del suo ruolo in Lumon facendola distruggere il suo amato gioco. Il processo di distruzione del totem non serve solo come simbolo per segnare la fine dell’infanzia di Huang, ma fa anche parte del processo di indottrinamento di Lumon per spogliare la propria identità e renderli parte del culto di Kier.

Cosa intende dire James Eagan quando dice di vedere Kier in Helly

Tramell Tillman in Scissione
Tramell Tillman in Scissione

Nell’arco finale dell’episodio 9 della seconda stagione di Scissione, James Eagan si intrufola nel piano reciso di Lumon e sembra cercare di confrontarsi con Helly. Tuttavia, più parla con lei, più diventa evidente che vorrebbe che sua figlia fosse più simile a lei. Afferma di aver visto una volta Kier in Helly, ma ora fatica a vedere la stessa cosa. La sua insoddisfazione nei confronti della figlia si manifesta anche nei primi momenti dell’episodio, quando la guarda con disappunto e afferma che vorrebbe che mangiasse le uova crude come Kier.

La ribellione di Helly e la sua volontà di crearsi un percorso e una propria identità sembrano ricordare a James Eagan Kier, suggerendogli che preferirebbe avere lei come erede invece di Helena. Dato che Helena è già gelosa della sua sorellina, diventerà ancora più invidiosa di Helly se scoprirà come la vede suo padre. Questo potrebbe non solo esacerbare ulteriormente il rapporto già teso tra Helena e suo padre, ma anche complicare il rapporto di Helly con Mark.

Perché il destino di Gemma dipende dal completamento di Cold Harbor

Cobel dice a Mark che i numeri dei file MDR sono quelli di sua moglie, suggerendo che il destino di Gemma è sempre dipeso dal lavoro MDR di Mark. Questo ha senso, dato che la settima puntata della seconda stagione di Scissione  ha stabilito che il nome di ogni stanza del piano di collaudo corrispondeva al nome di un file su cui Mark aveva precedentemente lavorato. Gli sviluppi della storia dalla settima puntata hanno apparentemente stabilito che Mark stava “creando i” singoli innies di Gemma lavorando sui file nel reparto MDR.

Finora, Scissione ha rivelato i nomi delle seguenti stanze del piano di collaudo:

  • Allentown
  • Dranesville
  • Siena
  • Lucknow
  • Loveland
  • Wellington
  • St. Pierre
  • Zurigo
  • Cold Harbor

Per questo motivo, è difficile non credere che il completamento di Cold Harbor creerà un altro innie per Gemma, che verrà attivato dopo che Gemma entrerà nella stanza Cold Harbor al piano di prova. Cobel continua a insinuare che Gemma sarebbe viva solo se l’innie di Mark non avesse completato il file Cold Harbor. Potrebbe significare che una volta che Lumon avrà testato l’ultima stanza su Gemma, la uccideranno invece di liberarla? Il finale della seconda stagione di Scissione probabilmente fornirà ulteriori risposte.

Perché Burt fa lasciare a Irving la città di Kier

Burt si apre sulla sua storia con la Lumon nell’episodio 9 della seconda stagione di Scissione, rivelando di non aver mai fatto del male a nessuno. Ha solo portato le persone alla Lumon, ma ha sempre saputo che l’azienda stava facendo qualcosa di sbagliato. Si sente in colpa perché ha contribuito alle malefatte della Lumon. Come spiega, è entrato alla Lumon come dipendente licenziato perché credeva che gli avrebbe dato l’opportunità di trovare una parvenza di redenzione.

Irving si immedesima in lui e non lo giudica per il suo passato. Si rende anche conto che raccontandogli della sua passata collaborazione con Lumon, Burt sta rischiando la vita. Irv spera di esplorare il suo rapporto con Burt nel mondo esterno, credendo che potenzialmente possano condividere lo stesso rapporto dei loro antenati. Tuttavia, con suo sgomento, Burt lo incoraggia ad andarsene, rendendosi conto che Lumon è a conoscenza della sua operazione segreta contro di loro. Anche se Irv cerca di convincerlo a lasciare la città di Kier con lui, Burt rifiuta l’offerta di rimanere con il suo partner, Fields.

La spiegazione dell decisione di Dylan di dimettersi 

Come altri lavoratori della MDR, Dylan era stato inizialmente spinto soprattutto dai vantaggi che Lumon offriva a tutti i dipendenti con prestazioni elevate. Tuttavia, il suo mondo è andato in frantumi quando l’incidente di Overtime Contingency gli ha fatto capire di avere una famiglia al di fuori dell’ufficio Lumon. Per mantenere viva la sua motivazione, Milchick capì che avrebbe dovuto fargli incontrare sua moglie, Gretchen. Poco dopo aver incontrato la moglie del suo outie, Dylan trovò un nuovo scopo per rimanere fedele a Lumon. I suoi incontri occasionali con Gretchen divennero il momento clou della sua vita, mentre lui gradualmente si innamorava di lei.

Anche Gretchen lo faceva sentire speranzoso quando lo baciava. Sfortunatamente, l’outie di Dylan non fu contento quando Gretchen gli disse che aveva baciato il suo innie. Di conseguenza, Gretchen decise di interrompere gli incontri. Con questo, l’unica cosa che spingeva Dylan a lavorare per Lumon dopo gli eventi della prima stagione di Scissione gli fu tolta. Decise quindi di porre fine alla sua esistenza scrivendo una lettera di dimissioni. Se le sue dimissioni saranno accettate nel finale della seconda stagione di Scissione dipenderà interamente dal suo outie.

The Electric State, la spiegazione del finale: cosa significa il colpo finale?

The Electric State sembra inizialmente concludere la storia di Michelle con una nota agrodolce, ma la scena finale del film lascia agli spettatori qualche speranza sul destino di un personaggio. Nei suoi primi momenti, The Electric State dei fratelli Russo presenta un’esposizione che rivela come, dopo aver sperimentato una crescente minaccia da parte dei robot ribelli, gli esseri umani siano riusciti a superarla uccidendo molti robot e convincendone altri a vivere in una zona separata e recintata. Nella linea temporale attuale del film, i robot sono illegali al di fuori della zona di esclusione loro assegnata, ma uno di loro arriva in qualche modo a casa di Michelle e afferma di essere controllato da suo fratello.

Dopo aver pianto la morte di suo fratello per diversi anni, Michelle spera che possa essere ancora vivo. Di conseguenza, parte con il suo nuovo robot per scoprire la verità sul destino di suo fratello. Lungo il percorso, incrocia Keats e i suoi amici robot, che accettano di aiutare Michelle a trovare suo fratello. Nel finale di The Electric State, Keats e Michelle convincono tutti i robot della zona di esclusione a combattere con loro, scatenando una guerra tra umani e robot.

Chris è ancora vivo? Il significato dell’ultima inquadratura di The Electric State

L’ultimo arco narrativo di The Electric State suggerisce che Michelle stacchi la spina a Chris per salvare il mondo da Skate. Tuttavia, nell’ultima inquadratura, il robot, Cosmo, che Chris utilizzava in precedenza per comunicare con Michelle, si rialza. Questo suggerisce che Cosmo si sia trasformato in un normale robot Cosmo o sia riuscito in qualche modo a conservare parte della coscienza di Chris. Se fosse vero, Michelle potrebbe finalmente riunirsi a suo fratello. Anche se non è con lei in carne e ossa, stare con Cosmo potrebbe aiutarla a superare il suo dolore.

In un precedente arco narrativo, The Electric State aveva stabilito che Chris non era un bambino normale. Era molto più intelligente di un essere umano normale, ed è uno dei motivi per cui è stato preso di mira da Ethan Skate.

Per questo motivo, sembra possibile che abbia trovato un modo per far sì che la sua coscienza continui a esistere anche dopo che Michelle ha deciso di lasciarlo andare. Se Netflix decidesse di ampliare la trama del film, il ritorno di Chris nel finale di The Electric State potrebbe essere il trampolino di lancio perfetto per la narrazione di un sequel.

Perché Michelle stacca la spina a Chris nel finale di The Electric State

The Electric State. In foto Michelle (Millie Bobby Brown) e Cosmo (doppiato nella versione originale da Alan Tudyk). ™© 2024 Netflix. Used with permission.
The Electric State. In foto Michelle (Millie Bobby Brown) e Cosmo (doppiato nella versione originale da Alan Tudyk). ™© 2024 Netflix. Used with permission.

Quando Michelle incontra Chris nel mondo virtuale attraverso il neurocastore, Chris le dice che il Sentre potrebbe farlo esistere in questo modo per almeno i prossimi cento anni. Le rivela che il suo cervello condivide una relazione simbiotica con il Sentre, sottintendendo che se gli succede qualcosa, anche tutti i droni e i neurocastori collegati al Sentre cesseranno di esistere. Allo stesso modo, la distruzione del Sentre porterà anche alla sua morte. Michelle si rifiuta di lasciarlo andare, ma alla fine decide di staccare la spina quando si rende conto che i robot possono vincere contro gli umani solo quando i droni smettono di funzionare….

Per quanto desideri trascorrere più tempo con Chris, serve il bene superiore staccando la spina.

Capisce anche quanto i neurocasters siano stati distruttivi per l’umanità e si rende conto che lasciar andare suo fratello libererà anche l’umanità dalla tecnologia che crea dipendenza. Quindi, per quanto desideri passare più tempo con Chris, serve il bene superiore scollegandolo. Fortunatamente per lei, il finale di The Electric State suggerisce che Cosmo in qualche modo conserva la coscienza di Chris.

Come The Electric State di Netflix cambia il finale del romanzo originale

The Electric State
The Electric State Chris Pratt Millie Bobby Brown – Netflix Copyright © 2025 Netflix, Inc.

Come nel film, il materiale originale mantiene il finale ambiguo. Nei momenti finali del romanzo grafico originale, il neurocastello viene rimosso dal fratello di Michelle, con la speranza che possa sopravvivere senza. Il libro presenta anche un’immagine in cui il neurocastello e il drone usati dal fratello vengono visti gettati in mare. Mentre il film di Netflix suggerisce che Chris potrebbe essere ancora vivo, il libro lascia il destino del fratello di Michelle all’immaginazione del lettore. La sequenza finale suggerisce che Michelle sia fuggita con suo fratello per sempre o abbia affrontato la triste realtà del suo tragico destino.

Le conseguenze della chiusura di Sentre

Tutti i droni cadono a terra dopo che la morte di Chris ha portato alla chiusura di Sentre. Anche gli umani che erano dipendenti dai loro neurocasters sono finalmente liberi da una tecnologia distruttiva, e possono tornare a vivere nel mondo reale. In seguito, umani e robot formano un’alleanza pacifica mentre Skate tenta di fuggire dopo che la sua sperimentazione su Chris è stata rivelata al mondo. Alla fine, anche Skate viene catturato e arrestato per i suoi crimini, il che gli impedisce di costruire altre tecnologie distruttive.

I motivi di Ethan Skate in The Electric State spiegati: perché ha rapito Chris

The Electric State

Skate sostiene che i neurocasters consentono agli esseri umani di evolversi e vivere in uno stato di costante piacere, invece di essere oppressi dalle tragedie dell’esistenza. Tuttavia, in fondo, sembra che gli importi poco del progresso generale dell’umanità e spera solo di usare i neurocasters per avere il controllo completo sul mondo. Quando la rete di neurocasters era in fase di sviluppo, Skate ha faticato a trovare un modo per alimentarla in modo efficiente.

Tuttavia, in seguito trovò Christopher, che era stato portato al Sentre dopo un incidente d’auto. Il dottor Amherst aiutò Skate a scoprire che Chris aveva un’energia cerebrale insolita che poteva alimentare l’intero sistema neurocaster. Pertanto, Chris fu tenuto in vita in modo non etico in uno stato comatoso per garantire che la vasta rete neurocaster rimanesse online.

Perché Bradbury ha cambiato idea sui robot

Nell’arco narrativo iniziale di The Electric State, Bradbury vive secondo un unico credo: “Non si può essere senza cuore con le cose che non hanno cuore”. È fermamente convinto che, poiché i robot non hanno un cuore, non meritano l’empatia umana. Per questo motivo, indipendentemente da quanto sembrino consapevoli e umani, Bradbury si rifiuta di mostrare pietà nei loro confronti. Tuttavia, verso la fine del film di fantascienza di Netflix, Bradbury scopre cosa Skate ha fatto a Christopher.

Questo gli fa capire che alcuni umani sono molto più spietati dei robot apparentemente “senza emozioni”. Comincia a rendersi conto che il semplice fatto di avere funzioni corporee umane non è sufficiente a definire la vera umanità di una persona. Di conseguenza, cambia schieramento e si ritira dalla guerra contro i robot togliendosi il neurocastello, comprendendo che non tutti i robot meritano di essere sterminati.

Chi muore nel finale di The Electric State

The Electric State

I robot rischiano la vita per assicurarsi che Michelle salvi suo fratello. Durante la battaglia finale tra droni guidati da esseri umani e robot, molti robot perdono la vita. Dato che i robot non sono esseri umani, ci si potrebbe chiedere se “morire” sia la parola giusta per descrivere il loro destino. Tuttavia, nonostante la mancanza di mortalità tradizionale, il sacrificio dei robot e la loro capacità di combattere insieme dimostra che sono più senzienti della maggior parte degli esseri umani là fuori.

Anche Herman, il compagno robot di Keats, rimane gravemente ferito durante la battaglia. Subito dopo che Keats gli dice che gli vuole bene, il robot chiude gli occhi e muore. Tuttavia, con sorpresa di Keats, una versione più piccola di Herman emerge dalla testa del robot, rivelando che è sempre esistito all’interno del robot più grande. Con questo, tutto finisce bene per Keats che si riunisce al suo amico robot dopo averlo quasi perso. Oltre a diversi robot, anche il dottor Amherst di Ke Huy Quan muore quando Skate lo uccide dopo aver impersonato un drone.

Cosa significa veramente il finale di The Electric State

Michelle (Millie Bobby Brown), Cosmo (con la voce di Alan Tudyk nella versione originale), Keats (Chris Pratt) and Herman (doppiato da Anthony Mackie). Photo Credit Paul Abell, Netflix ©2024.
Michelle (Millie Bobby Brown), Cosmo (con la voce di Alan Tudyk nella versione originale), Keats (Chris Pratt) and Herman (doppiato da Anthony Mackie). Photo Credit Paul Abell, Netflix ©2024.

Invece di limitarsi a criticare la crescita dell’IA e la sempre maggiore dipendenza dell’umanità dalla tecnologia, The Electric State mostra come la tecnologia da sola non possa portare alla rovina dell’umanità. Attraverso la narrazione di Skate, mette in evidenza come la tecnologia potrebbe diventare un canale per gli esseri umani corrotti per stabilire il controllo sulle masse e manipolare il mondo a loro favore. In un certo senso, i neurocasters possono essere visti come metafore visive dei social media che agganciano un utente promettendo un flusso costante di dopamina.

Mostrano come si tenda sempre ad affezionarsi così tanto al mondo virtuale attraverso i social media da iniziare a perdere il contatto con la realtà, dando priorità al regno digitale rispetto alle connessioni significative del mondo reale. Come afferma Michelle nel suo discorso finale in The Electric State, le tecnologie progettate per sfruttare il cervello e la coscienza umana sono dannose sia per l’umanità che per la società nel suo complesso. Pertanto, nella ricerca del progresso e dell’evoluzione, gli esseri umani devono procedere con cautela ed evitare di essere troppo ambiziosi come Ethan Skate.

Jenna Ortega e Taylor Russell in trattative per il remake di “Single White Female

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Nel 1992 uscì al cinema il thriller Single White Female, un classico della suspense squinternata che vedeva Bridget Fonda nei panni di una single di Manhattan che ha la sfortuna di scegliere una donna appiccicosa e impacciata (Jennifer Jason Leigh) come coinquilina mentre si riprende dalla rottura con il suo partner. Scoprirà a sue spese che c’è qualcosa di molto strano nella persona che ha deciso di trasferirsi nel suo appartamento. Proprio quel film, divenuto nel tempo un cult, si appresta a ricevere un rifacimento. Come riportato da Variety, la Sony e la 3000 Pictures di Elizabeth Gabler sono pronti a realizzare un remake con Jenna Ortega e Taylor Russell in trattative come protagoniste.

Non si sa chi dirigerà il film (l’originale è stato diretto da Barbet Schroeder) e al momento non si hanno ulteriori dettagli su questo progetto. L’originale del 1992 è stato un autentico successo al botteghino quando è uscito, guadagnando 84,1 milioni di dollari a fronte di un budget di 16 milioni. Prima di Variety, The InSneider aveva riportato per la prima volta che Ortega e Russell erano in trattative per il nuovo film, cosa ora dunque confermata. Non resta che attendere di scoprire se il tutto andrà in porto.

Il momento d’oro di Jenna Ortega e Taylor Russell

Jenna Ortega è nota soprattutto per aver recitato in Mercoledì di Netflix. Ha poi rafforzato il suo peso al botteghino apparendo in Beetlejuice Beetlejuice del 2024. Il prossimo film è Death of a Unicorn, una commedia horror presentata in anteprima al SXSW e che uscirà prossimamente nelle sale, ma anche Hurry Up Tomorrow, un thriller con The Weeknd e Barry Keoghan. L’attrice sarà inoltre protagonista dell’adattamento di Taika Waititi del romanzo di Kazuo Ishiguro Klara and the Sun, insieme ad Amy Adams.

L’attrice Taylor Russell, invece, ha invece ottenuto critiche entusiastiche per le sue interpretazioni in Waves di Trey Edward Schults e, soprattutto, Bones and All di Luca Guadagnino. È apparsa anche nel remake di Netflix di Lost in Space, mentre tra i suoi prossimi ruoli figurano Hope, un thriller fantascientifico, e il remake di The Thomas Crown Affair con Michael B. Jordan.

The Last Of Us: la seconda stagione includerà una retcon del gioco

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Gli showrunner di The Last of Us, Craig Mazin e Neil Druckmann, hanno rivelato che la seconda stagione includerà un gioco retcon, spiegando quale sarà la nuova modifica. The Last of Us – stagione 2 prende elementi dal gioco sequel, The Last of Us Part II, introducendo nuovi personaggi, luoghi ed eventi che saranno familiari a coloro che hanno giocato al materiale originale. Tuttavia, sono state apportate alcune modifiche all’adattamento televisivo, tra cui il modo in cui il virus Cordyceps si diffonde e come si comporta per coloro che sono stati infettati.

Parlando al SXSW, Mazin e Druckmann hanno confermato che The Last of Us stagione 2 introdurrà le spore nell’universo televisivo. Al minuto 33:22, tra una battuta e l’altra sugli episodi musicali, Mazin ha spiegato l’importanza di aumentare la posta in gioco quando si tratta di quanto siano pericolosi gli infetti. Lui e Druckmann hanno avuto un breve scambio di battute confermando che le spore sarebbero state introdotte nella seconda stagione, rettificando la loro mancanza nella prima. Tuttavia, hanno anche confermato una “drammatica ragione” per la loro inclusione. Guarda cosa hanno detto Mazin e Druckmann qui sotto:

Craig Mazin: Escalation. Sempre. Tematicamente, molto di ciò che accade nella stagione è evoluzione e cambiamento. Ellie sta crescendo e sta cambiando. Questa città di Jackson sta crescendo. Si sta espandendo.

Craig Mazin: Escalation. Sempre. Tematicamente, molto di ciò che accade nella stagione è evoluzione e cambiamento. Ellie sta crescendo e sta cambiando. Questa città di Jackson sta crescendo. Si sta espandendo

Craig Mazin: Escalation. Sempre. Tematicamente, molto di ciò che accade nella stagione è evoluzione e cambiamento. Ellie sta crescendo e sta cambiando. Questa città di Jackson sta crescendo. Si sta espandendo. Sta accogliendo rifugiati. Sta cambiando. E mentre il loro mondo sta cambiando, anche l’esterno sta cambiando un po’. Quindi per noi era importante far sempre avanzare la palla con gli infetti. Non si tratta solo di aumentare, ma di qualcos’altro. Qualcosa che abbia un significato in quello che sta succedendo, in modo che non diventino solo NPC. Quindi sicuramente, sicuramente un’escalation. Stiamo attenti a questo. Perché sappiamo anche che abbiamo ancora spazio per i due episodi musicali [ride]. Quindi vogliamo assicurarci di avere, sai, qualche asso nella manica. Ma sì, c’è un’escalation, senza dubbio.

Neil Druckmann: Sì, c’è un aumento del numero e dei tipi di infetti. Ma anche, come si vede nel trailer, un aumento del vettore di diffusione di questa cosa. Nella stagione 1, avevamo questa cosa nuova che non c’era nel gioco, come questi viticci che si diffondono. E questa era una forma. E poi questa scena che vedete in questo trailer, ci sono cose nell’aria.

Craig Mazin: S’mores.

Neil Druckmann: Fa rima con.

Craig Mazin: Spore. Sì. Sono tornate.

Neil Druckmann: Sono tornate.

Craig Mazin: Le spore sono tornate. Spore sparse, fan! Prendete!

Neil Druckmann: E il motivo, volevamo davvero capirlo. E ancora, tutto deve essere drammatico. Doveva esserci un motivo drammatico per introdurlo ora. E c’è.

Il trailer della seconda stagione di The Last of Us ha accennato brevemente alla possibilità che le spore tornino, con i commenti di Mazin e Druckmann che fungono da conferma.

Cosa significano le spore per la seconda stagione di The Last of Us

The Last Of Us - Stagione 2 infetti

I personaggi di The Last of Us stagione 2 saranno più in pericolo che mai ora che le spore sono state aggiunte al loro mondo. Nei giochi, le spore erano il principale mezzo attraverso il quale il Codyceps si diffondeva, con i morti infetti che facevano crescere il fungo che spargeva spore nell’aria. Questo è il motivo per cui gli infetti sono diventati così importanti così rapidamente nei giochi, con le spore che erano uno dei modi più fruttuosi in cui il fungo era in grado di diffondersi a così tante persone.

Le spore sono state inizialmente evitate nella prima stagione, sostituite da tentacoli che avevano gli infetti collegati tra loro attraverso una mente alveare. Anche se non sembra che questo nuovo concetto verrà abbandonato, l‘aggiunta delle spore significa che si verificheranno situazioni più pericolose con gli infetti. Ciò significa che alcune scene che coinvolgono le spore dei giochi potrebbero finalmente essere adattate alla serie TV, potenzialmente remixate quando i personaggi le scoprono per la prima volta. Non è chiaro se questo significhi che anche altri elementi del gioco The Last of Us verranno introdotti, come ad esempio infetti più frequenti.

Il film sugli Oasis verrà girato durante il tour di reunion del duo dal creatore di Peaky Blinders

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Gli Oasis ha annunciato che verrà prodotto un film nel corso del tour di reunion quest’anno, un progetto creato e prodotto da Steven Knight (“Peaky Blinders“, “Locke“) e diretto da Dylan Southern e Will Lovelace (“Meet Me in the Bathroom“).

Non sono state fornite informazioni sulla natura del film, ma il fatto che Southern e Lovelace abbiano diretto un documentario/film concerto per LCD Soundsystem, “Shut Up and Play the Hits“, potrebbe indicare un formato ibrido simile per il film sugli Oasis.

Il progetto sugli Oasis sarà prodotto da Magna Studios, con Sam Bridger e Guy Heeley come produttori e Marisa Clifford e Kate Shepherd come produttori esecutivi. Sarà distribuito da Sony Music Vision, con Krista Wegener di Sony Music Vision a capo delle vendite globali.

Peaky Blinders: ecco tutto quello che sappiamo sul seguito di Netflix

Non è stata fissata una data di uscita per il film e non ci saranno ulteriori informazioni sulla sua uscita per l’immediato futuro. Oltre a produrre e creare “Peaky Blinders“, Knight ha anche scritto il recente film biografico su Maria Callas “Maria” con Angelina Jolie, “Eastern Promises” di David Cronenberg e “Dirty Pretty Things” di Stephen Frears e ha prodotto, diretto e scritto “Locke”, con Tom Hardy.

Il tour degli Oasis inizierà il 4 luglio a Cardiff e dovrebbe durare fino a novembre.

Grey’s Anatomy: lo showrunner parla del successo di Pitt e della concorrenza nei medical drama

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La showrunner di Grey’s Anatomy Meg Marinis ha parlato del successo della serie rivale The Pitt e ha espresso la sua opinione sulla concorrenza tra i due drammi medici di successo. La stagione 21 di Grey’s Anatomy è attualmente in onda, ma la serie campione di ascolti della ABC non sembra destinata a rallentare presto. Al contrario, The Pitt ha appena concluso la sua stagione di debutto su Max, ed è stata acclamata dalla critica, oltre ad aver ottenuto il rinnovo per la seconda stagione. È possibile tracciare dei paragoni tra le due serie, in particolare per quanto riguarda la narrazione drammatica e il buffet di personaggi interessanti.

In un’intervista con il LA Times, Marinis discute i suoi piani per il futuro di Grey’s Anatomy, oltre a parlare del successo di The Pitt e dell’eventuale rivalità tra le serie. Rivelando che è naturale interrogarsi su alcune delle trame che The Pitt sta esplorando e su come si confrontano con Grey’s Anatomy, prima di dichiarare di non aver ancora guardato la serie rivale perché non vuole che influenzi la sua scrittura, ma che ha intenzione di farlo. Ecco i commenti della Marinis:

“Grey’s” ha resistito mentre altri nel genere sono andati e venuti. Quando vedi qualcosa come “The Pitt” diventare questo dramma che fa parlare la gente, cosa ne deduci in questa fase della corsa di “Grey’s”?

Ci sono un paio di cose: non puoi fare a meno di pensare: “Oh, che tipo di storie stanno raccontando? Raccontano storie più interessanti delle nostre? Voglio davvero guardare The Pitt, sto aspettando la pausa perché adoro i programmi medici, ma cerco di non guardarli quando scrivo, per rimanere completamente concentrata su Grey’s. Non voglio competere o fare paragoni. Sono tutti diversi. Questo interesse dimostra che alla gente piacciono ancora i programmi medici. Sono ancora rilevanti.

Cosa significano questi commenti per Grey’s Anatomy in futuro

The Pitt serie tv

The Pitt, con il suo realismo crudo e il suo approccio fresco e unico (12 episodi che coprono ciascuno 1 ora di un turno di 12 ore al pronto soccorso), ha una struttura narrativa avvincente. Tuttavia, ciò che ha sempre reso Grey’s Anatomy così popolare è la vita personale dei suoi personaggi e il modo in cui questa si insinua e influisce sulla loro vita professionale e sull’ambiente di lavoro. Anche se c’è sempre la tentazione di cambiare approccio, soprattutto dopo così tante stagioni, si ha la sensazione che Grey’s debba attenersi alla sua formula di successo.

Anche se è improbabile che Grey’s Anatomy cerchi di cambiare il suo formato per competere con una serie più recente, il successo di The Pitt servirà almeno a tenere Marinis e il resto del team di Grey’s Anatomy all’erta.

I commenti di Marinis suggeriscono che lei è d’accordo con questo sentimento e che è completamente concentrata nel lasciare che Grey’s Anatomy sia Grey’s Anatomy, senza cercare di copiare altre cose. Il pubblico dello show esiste per un motivo, e cercare di apportare cambiamenti drastici in questa fase non sarebbe adatto dal punto di vista narrativo o tonale. Tuttavia, una volta che Marinis avrà visto The Pitt, potrebbe essere ispirata a introdurre alcuni nuovi archi nelle trame di Grey’s Anatomy, e questo non sarebbe necessariamente visto come una cosa negativa.

Yellowstone: un nuovo spin-off sarebbe in fase di sviluppo, mentre lo show di Beth e Rip viene aggiornato sulle riprese

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Secondo quanto riferito, è in fase di sviluppo un nuovo spinoff di Yellowstone, mentre lo show di Beth e Rip riceve un aggiornamento delle riprese, con l’universo della serie che continua ad espandersi. Il prossimo spinoff di Beth e Rip di Yellowstone vedrà Kelly Reilly e Cole Hauser riprendere i loro ruoli dalla serie originale, con le loro storie che continuano dopo la fine del western di punta. Poiché il ranch originale è stato rivenduto alla riserva di Broken Rock alla fine della serie, la nuova serie della coppia li vedrà costruire una nuova vita insieme al di fuori del patrimonio della famiglia Dutton.

Ora, un rapporto di Puck TV afferma che un nuovo spin-off di Yellowstone è attualmente in fase di sviluppo da parte del creatore Taylor Sheridan, anche se al momento della stesura non sono stati rivelati dettagli sulla trama. Anche le riprese della serie incentrata su Beth e Rip dovrebbero iniziare quest’estate, e la serie sta cercando anche un attore per un ruolo simile a quello di John Dutton, interpretato da Kevin Costner. Il rapporto sottolinea anche il numero di idee per nuove stagioni di serie in corso, insieme alle idee per nuove serie che Sheridan ha, sia all’interno che all’esterno dell’universo condiviso dal western.

Cosa significano gli aggiornamenti sullo spinoff di Yellowstone per il franchise

Alla fine di Yellowstone, Beth, Rip e Carter vanno a Dillon, nel Montana, per avviare un nuovo ranch, lasciandosi alle spalle la loro vecchia vita per esplorare le nuove sfide che li attendono. Le riprese della serie in programma per quest’estate faranno sì che non ci vorrà molto prima che arrivino notizie più concrete su cosa aspettarsi dalla serie. Si unirà a serie come 1883 e 1923, nonché agli spin-off in arrivo The Madison, 1944 e 6666. Questi piani espansivi per la serie sembrano essere solo l’inizio, tuttavia, con un’altra serie senza titolo attualmente in lavorazione.

Poiché non si sa nulla dell’imminente spin-off di Yellowstone, la nuova serie potrebbe svolgersi nel passato, nel presente o nel futuro.

Potrebbe essere una serie aggiuntiva che documenta la storia della famiglia Dutton, simile a quella in corso del 1923. Un‘altra opzione è uno show incentrato su Kayce dopo gli eventi dello show originale, poiché non è confermato se apparirà di nuovo nel franchise. Potrebbe anche essere come la storia di The Madison, seguendo un nuovo gruppo di personaggi che non sono direttamente collegati a nessun’altra trama del franchise.

Ted Lasso: la location della quarta stagione sarebbe stata rivelata

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Ted Lasso torna ufficialmente. La serie comica di punta di Apple TV+, sviluppata da Jason Sudeikis, Bill Lawrence, Brendan Hunt e Joe Kelly, vede Sudeikis nel ruolo del protagonista, un allenatore di calcio che viene reclutato per allenare la squadra di calcio AFC Richmond nel Regno Unito. Sebbene i membri del cast Hannah Waddingham, Brett Goldstein e Jeremy Swift siano stati ingaggiati per far parte della quarta stagione di Ted Lasso a partire da agosto 2024, il rinnovo ufficiale per la nuova stagione della serie vincitrice di 13 Emmy è stato lento ad arrivare dopo la messa in onda del finale della terza stagione il 31 maggio 2023.

Apple TV+ ha ora confermato ufficialmente che la quarta stagione di Ted Lasso ha ricevuto il via libera. La notizia arriva poche ore dopo che Jason Sudeikis ha confermato il suo ritorno sia come protagonista che come produttore esecutivo. Anche Jack Burditt di 30 Rock si unirà alla nuova stagione come produttore esecutivo, entrando a far parte di un team che comprende già Brendan Hunt, Joe Kelly, Jane Becker, Jamie Lee, Bill Wrubel, Jeff Ingold, Liza Katzer e Bill Lawrence.

Leanne Bowen e Brett Goldstein scriveranno e saranno produttori esecutivi, mentre Sara Walker e Phoebe Walsh scriveranno e produrranno, Sasha Garron sarà coproduttrice, Julia Lindon scriverà e Dylan Marron sarà story editor. Di seguito, i commenti di Sudeikis e del responsabile della programmazione di Apple TV+, Matt Cherniss, sul rinnovo:

Jason Sudeikis: Mentre continuiamo a vivere in un mondo in cui tanti fattori ci hanno condizionato a “guardare prima di saltare”, nella quarta stagione, i ragazzi dell’AFC Richmond imparano a SALTARE PRIMA DI GUARDARE, scoprendo che ovunque atterrano, è esattamente dove devono essere.

Matt Cherniss: Ted Lasso è stato a dir poco un colosso, ha ispirato un appassionato gruppo di fan in tutto il mondo e ha regalato gioia e risate infinite, il tutto diffondendo gentilezza, compassione e una fede incrollabile. Tutti noi di Apple siamo entusiasti di continuare la nostra collaborazione con Jason e le brillanti menti creative dietro questo show.

Deadline ha anche riferito che le riprese dovrebbero iniziare in Kansas a luglio, per poi tornare nel Regno Unito, dove è ambientata la serie, e che il casting per altri ruoli è in fase di avvio. Secondo quanto riferito, anche Juno Temple sarebbe in trattative per riprendere il ruolo di Keeley.

Cosa significa per la quarta stagione di Ted Lasso

Anche se questa notizia non è stata ancora confermata ufficialmente da Apple TV+, è logico che la stagione inizi in Kansas, poiché è qui che il protagonista della terza stagione di Ted Lasso ha lasciato, dopo essere tornato a casa e aver iniziato ad allenare la squadra di calcio di suo figlio. Tuttavia, dato che gli altri personaggi sono ancora nel Regno Unito e che Sudeikis ha confermato che l’AFC Richmond farà parte della nuova stagione, questa location dovrebbe apparire solo nel primo episodio.

Le scene del Kansas alla fine della terza stagione di Ted Lasso sono state girate in California.

Le scene del Kansas alla fine della terza stagione di Ted Lasso sono state girate in California.

Le scene del Kansas alla fine della terza stagione di Ted Lasso sono state girate in California.

Al momento non si sa quanto tempo sarà passato tra le stagioni, ma se la serie riprende con il Ted Lasso cast quasi esattamente da dove si era interrotta, molto probabilmente l’AFC Richmond avrà un aspetto molto diverso al ritorno dell’allenatore. Poiché Rebecca, il personaggio di Keeley e Waddingham, ha unito le forze per fondare una squadra femminile, potrebbe esserci un enorme afflusso di nuove personalità intorno ai personaggi di ritorno.

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