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Glinda ottiene il suo spin-off meno di una settimana dopo l’uscita di Wicked: For Good

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Glinda ottiene il suo spin-off meno di una settimana dopo l’uscita di Wicked: For Good

A meno di una settimana dall’uscita nelle sale di Wicked – Parte 2 (Wicked: For Good), Glinda sta per ottenere ufficialmente il suo spin-off. L’amato personaggio è interpretato da Ariana Grande-Butera in Wicked e Wicked – Parte 2 (Wicked: For Good). Il secondo capitolo ha registrato un debutto al botteghino da record, incassando 150 milioni di dollari a livello nazionale e 226 milioni di dollari in tutto il mondo.

Ora, Harper Collins ha annunciato che il 29 settembre 2026 uscirà un romanzo intitolato Galinda: A Charmed Childhood di Gregory Maguire. Come indica il titolo, il libro esplorerà l’infanzia di Galinda prima che frequentasse la Shiz University, prima che la sua vita cambiasse per sempre dopo l’incontro con Elphaba e prima che cambiasse il suo nome in Glinda.

Il romanzo è anche descritto come un “volume gemello” del bestseller Elphie: A Wicked Childhood, un libro sull’infanzia di Elphaba scritto da Maguire e pubblicato il 25 marzo 2025. È ora disponibile un numero limitato di edizioni deluxe di Galinda, con i bordi stampati, le pagine di guardia disegnate e altre caratteristiche. Date un’occhiata al post di annuncio qui sotto:

Uno dei modi in cui Wicked – Parte 2 (Wicked: For Good) cambia il musical di Broadway è che presenta dei flashback sull’infanzia di Glinda, che mostrano come fin da piccola avesse un profondo desiderio di fare magie e abbia sempre voluto impressionare gli altri. Questi flashback saranno ora ampiamente ampliati con un intero libro dedicato alla storia della giovinezza di Glinda, che viene anticipata nella sinossi ufficiale del libro:

 

 

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Chi era Glinda, la strega buona, prima di scendere con la sua bolla per salutare Dorothy? Chi era Glinda prima di diventare la magnetica e popolare compagna di stanza di Elphaba Thropp alla Shiz University?

Beh, prima di allora era Galinda. Con la “ga”.

La più giovane di quattro figli di una famiglia nobile in disgrazia, Galinda è sia coccolata che ignorata. La sua grazia naturale promette di elevarla nelle competizioni di danza del distretto, ma questi sforzi la distraggono dal vedere il crescente risentimento dei commercianti locali che disapprovano le strategie commerciali della sua famiglia. Impantanata nell’autocompiacimento e nelle timidezze senza nome dell’infanzia, Galinda non trova in sé né l’astuzia né la necessità di coltivarla. Tuttavia, mentre suo padre aggira abilmente le trappole e le insidie tese dai suoi concorrenti, Galinda inizia a danzare verso una vita che potrebbe elevarla al di sopra della sua infanzia orgogliosa, anche se difficile.

Galinda rivela la ragazza che si nasconde dietro il cliché effervescente e superficiale, offrendo ai fan di Wicked il loro primo sguardo più approfondito sulla vita di un personaggio amato e iconico.

La storia di Gregory Maguire con Wicked precede il debutto del musical di Broadway nel 2003. Wicked: The Life and Times of the Wicked Witch of the West di Maguire è stato pubblicato nel 1995 ed è diventato l’ispirazione per il musical, con molte differenze di tono e trama tra le due versioni della storia. È importante tenerlo presente con Galinda, poiché esisterà nella continuità delle storie pubblicate da Maguire e non del musical di Broadway o dei film.

Maguire ha poi continuato la storia che aveva iniziato scrivendo i sequel della serie The Wicked Years, tra cui Son of a Witch nel 2005, A Lion Among Men nel 2008 e Out of Oz nel 2011. Questa serie si concentra principalmente sul figlio di Elphaba, Liir, e sulla sua nipote, Rain. Dieci anni dopo, la storia di Rain è stata ulteriormente ampliata nella serie Another Day di Maguire.

Un nuovo film sull’universo di Wicked è in fase di sviluppo, con discussioni già in corso, ma nulla è ancora ufficiale. Detto questo, Galinda: A Charmed Childhood è la prossima storia confermata in questo universo per i fan dopo Wicked: For Good, anche se si svolgerà in una continuità diversa rispetto al musical e ai film.

Far Cry: annunciata la serie tv con Noah Hawley come showrunner

Redazione
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Far Cry: annunciata la serie tv con Noah Hawley come showrunner

Due settimane dopo il rinnovo di Alien – Pianeta Terra, Noah Hawley è stato confermato alla regia di una serie televisiva basata sui videogiochi Far Cry. In precedenza, secondo alcune indiscrezioni, Hawley e Rob Mac, creatore e protagonista di It’s Always Sunny in Philadelphia, precedentemente noto come Rob McElhenney, stavano lavorando a un adattamento televisivo di Far Cry.

FX Networks ha ora annunciato che la serie televisiva Far Cry di Hawley e Mac sta ufficialmente andando avanti. Oltre al suo ruolo dietro le quinte, Mac reciterà nella serie FX, che sarà un’antologia con personaggi, trama e ambientazione diversi in ogni stagione. Hawley e Mac saranno anche i produttori esecutivi della serie.

L’annuncio ufficiale anticipa che “vi aspettano follia, caos e un tocco di ambiguità morale”. Come nel caso di Alien: Pianeta Terra– stagione 1, Far Cry andrà in onda su Hulu negli Stati Uniti e su Disney+ a livello internazionale.

 

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Hawley ha spiegato che la decisione creativa di rendere lo show un’antologia gli consentirà di rimanere fedele alla serie di videogiochi. Lo ha paragonato a Fargo, un’altra serie FX a cui ha lavorato in precedenza, e ha condiviso il suo entusiasmo nel sviluppare l’adattamento insieme a Mac. Di seguito la dichiarazione di Hawley:

Ciò che amo della serie di videogiochi Far Cry è che si tratta di un’antologia. Ogni gioco è una variazione di un tema, proprio come ogni stagione di Fargo è una variazione di un tema. Creare una grande serie d’azione che può cambiare di anno in anno, esplorando sempre la natura dell’umanità attraverso questa lente complessa e caotica, è un sogno che diventa realtà. Sono entusiasta di collaborare con Rob e di portare sullo schermo la nostra sensibilità irriverente e ambiziosa.

Mac ha espresso il proprio entusiasmo per l’opportunità di lavorare con Hawley e di poter adattare un universo videoludico “iconico” come Far Cry.

Lavorare al fianco di Noah Hawley è un sogno che si avvera. Ubisoft è stata straordinariamente generosa, affidandoci uno dei mondi videoludici più iconici mai creati. E in tutto questo, la mia famiglia FX continua a sostenermi con la sua costante fiducia e il suo supporto.

Il presidente di FX Entertainment, Nick Gad, ha espresso la sua fiducia in Hawley e Mac per l’adattamento di Far Cry, sottolineando la loro lunga storia con il network.

FX ha avuto magnifiche collaborazioni con Rob Mac e Noah Hawley per un totale di sei serie e 32 stagioni televisive, e non potremmo essere più entusiasti che stiano collaborando per Far Cry. Non ho alcun dubbio che racconteranno questa storia in modo originale, avvincente e incredibilmente divertente. Vogliamo anche ringraziare i nostri partner di Ubisoft per averci affidato questa amata proprietà”.

Insieme alla notizia del rinnovo di Alien: Pianeta Terra per la seconda stagione, è stato annunciato che Hawley ha firmato un nuovo accordo globale con Disney Entertainment Television. Questo lo porterà a sviluppare altre serie per FX, con Far Cry che ora rappresenta un’importante aggiunta alla sua lista in continua crescita.

Oltre ad Alien: Pianeta Terra e Fargo, Hawley ha creato la serie di successo FX show Legion, insieme a My Generation e The Unusuals. La serie di Mac It’s Always Sunny in Philadelphia è giunta alla sua diciassettesima stagione ed è stato confermato che tornerà per la diciottesima. Mac è anche protagonista e produttore della serie comica sportiva di FX Welcome to Wrexham insieme a Ryan Reynolds.

Con molti giochi Far Cry da cui attingere, Hawley e Mac hanno ampio materiale di riferimento su cui lavorare mentre sviluppano la loro nuova serie per FX. Dopo il successo di The Last of Us della HBO e Fallout di Prime Video, Far Cry ha ora il potenziale per diventare la prossima serie di videogiochi di successo adattata per la televisione.

Scissione – Stagione 3: conferma e tutto quello che sappiamo

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Scissione – Stagione 3: conferma e tutto quello che sappiamo

La serie fantascientifica e misteriosa di Apple TV+ Scissione (Severance) è finalmente tornata dopo una pausa di diversi anni all’inizio del 2025, e Lumon aprirà presto i battenti nella terza stagione. Creata per il piccolo schermo da Dan Erickson, la serie racconta la storia dei dipendenti di una società chiamata Lumon Industries che accettano di sottoporsi a un processo chiamato “severance” in cui i loro ricordi lavorativi e personali vengono separati chirurgicamente. Mark Scout (Adam Scott) è uno di questi dipendenti, ma presto scopre che la sua vita ‘interna’ e quella “esterna” iniziano a sovrapporsi, portandolo a imbattersi in misteri che non avrebbe mai dovuto vedere.

La prima stagione di Severance è stata un vero e proprio successo e, al suo debutto nel 2022, è diventata uno dei programmi originali di maggior successo di Apple TV+. Purtroppo, una serie di eventi reali e vari ritardi nel settore hanno tenuto la serie misteriosa fuori onda per quasi tre anni. Fortunatamente, il programma prodotto da Ben Stiller non ha perso un colpo e ha ripreso Mark nella seconda stagione, mentre lui sprofonda sempre più nei misteri di Lumon e nell’impatto dell’azienda sulla sua vita “outie”. Il destino di Scissione (Severance) non è mai stato davvero in pericolo e Apple TV+ ha deciso di rinnovare lo show per una terza stagione.

Ultime notizie su Scissione (Severance) – Stagione 3

Scissione - Stagione 2, Episodio 8

Lo show è stato rinnovato per la terza stagione

In concomitanza con l’attesissimo finale della seconda stagione, le ultime notizie confermano che Scissione è stato rinnovato per una terza stagione. La decisione non è particolarmente sorprendente, considerando l’enorme successo dell’originale Apple TV+ e il fatto che le discussioni sulla terza stagione erano iniziate non appena la seconda stagione aveva iniziato ad andare in onda all’inizio del 2025. Anche se al momento si sa poco della prossima stagione, i cervelli dietro l’operazione sono tutti pronti a tornare ai loro ruoli.

Il produttore Ben Stiller, la star Adam Scott, il creatore della serie Dan Erickson e il responsabile della programmazione di Apple TV+ Matt Cherniss hanno rilasciato le seguenti dichiarazioni riguardo alla terza stagione:

Stiller: Realizzare “Severance” è stata una delle esperienze più stimolanti dal punto di vista creativo a cui abbia mai partecipato.

Anche se non ne ho alcun ricordo, mi è stato detto che realizzare la terza stagione sarà altrettanto divertente, anche se qualsiasi ricordo di questi eventi futuri sarà per sempre e irrevocabilmente cancellato dalla mia memoria.

Scott: Non potrei essere più entusiasta di tornare a lavorare con Ben, Dan, il cast e la troupe incredibili, Apple e tutto il team di “Severance”. Oh, ehi, non è una cosa importante, ma se vedete il mio ombelico, per favore non ditegli nulla di tutto questo. Grazie.

Erickson: L’idea di poter realizzare altri episodi di “Severance” con il miglior cast e la miglior troupe del mondo mi emoziona più di tutti i giochi con le dita del mondo messi insieme. Non vedo l’ora di continuare a diffondere dolore, allegria, terrore e malizia con queste persone davvero incredibili.

Cheriss: Quello che Ben, Dan, Adam e il talentuoso cast e la troupe dietro “Severance” hanno portato sullo schermo è una magia innegabile. Siamo molto orgogliosi di essere la casa di questa brillante serie e non vediamo l’ora che il pubblico scopra cosa ha in serbo la terza stagione.

La terza stagione di Scissione è confermata

Sebbene Apple TV+ abbia già ottenuto alcuni grandi successi in passato, non c’è dubbio che Severance sia diventata l’immagine televisiva del marchio tecnologico. Per questo motivo, le discussioni sulla terza stagione erano già in corso quando è stata trasmessa la seconda, e sembrava che il rinnovo della serie fosse solo una questione di tempo. L’ordine è finalmente arrivato lo stesso giorno del finale della terza stagione, e Apple TV+ ha ufficialmente rinnovato Severance per una terza stagione. Per ora non si sa quasi nulla della stagione e la tempistica rimane incerta.

Severance – stagione 2 è stata trasmessa per la prima volta il 17 gennaio 2025 e si è conclusa il 21 marzo.

Una cosa quasi certa riguardo alla terza stagione di Severance è che non ci vorrà così tanto tempo prima che arrivi come la sua immediata predecessora. La seconda stagione è stata ritardata dagli scioperi di Hollywood del 2023 e da una serie di eventi che hanno bloccato la produzione per mesi. Non si prevede che la terza stagione dovrà affrontare tali difficoltà e, considerando la popolarità della serie, probabilmente arriverà sullo schermo prima piuttosto che dopo.

Dettagli sul cast della terza stagione di Severance

Chi tornerà al lavoro nella terza stagione?

Sebbene non ci siano conferme riguardo al cast della terza stagione di Severance, la serie ha tracciato un percorso piuttosto chiaro per molti dei personaggi che torneranno. Si presume che Mark Scout (interpretato da Adam Scott) tornerà, poiché è stata la sua discesa personale nei misteri di Lumon a portare avanti la serie fino a questo punto. Si prevede che torneranno anche i suoi colleghi “innies” e “outies”, tra cui Dylan George di Zach Cherry e Helly Riggs di Britt Lower. Inoltre, altri colleghi di Mark come Irving Bailiff (interpretato da John Turturro) torneranno probabilmente insieme a Seth Milchick di Tramell Tillman.

Harmony Cobel, interpretata da Patricia Arquette, è stata licenziata dalla Lumon nella seconda stagione, ma la sua missione di distruggere la Lumon è solo all’inizio. Nel frattempo, Gemma/Ms. Casey (interpretata da Dichen Lachman) si è rivelata una figura chiave per gli obiettivi della Lumon nella seconda stagione e dovrà tornare per concludere la sua storia.

Ammazzare Stanca: guida al cast e ai protagonisti del film

Chiara Guida
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Ammazzare Stanca: guida al cast e ai protagonisti del film

Al cinema dal 4 dicembre distribuito da 01 Distribution, Ammazzare stanca – Autobiografia di un assassino è il nuovo film di Daniele Vicari, liberamente ispirato al libro Ammazzare stanca di Antonio Zagari, edito da Compagnia Editoriale Aliberti.

Il film è la storia di un ragazzo che si ribella al proprio destino criminale. Antonio Zagari, figlio di un boss calabrese trapiantato in Lombardia, capisce di non essere adatto alla malavita: uccidere per lui è fisicamente insostenibile. A poco più di vent’anni, dopo aver ammazzato, rapinato, rapito, finisce in galera. Dove decide di fermare tutto: scrivendo.

A metà degli anni ’70, mentre i suoi coetanei si ribellano nelle fabbriche, nelle università, nelle piazze, Antonio lotta contro il padre, e lo farà con una vendetta peggiore della morte.

Il film è stato presentato nella sezione Spotlight della 82ª Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia.

Ammazzare stancaEcco una guida al cast di Ammazzare Stanca

Gabriel Montesi: attore italiano cresciuto ad Aprilia (LT). La sua passione per la recitazione nasce da adolescente grazie al laboratorio teatrale “Teatro Finestra”; poi si diploma nel 2019 alla Scuola d’Arte Cinematica Gian Maria Volonté.

Al cinema si fa notare con film come Il primo re di Matteo Rovere, e ottiene grande visibilità con Favolacce dei fratelli D’Innocenzo, che gli vale una candidatura ai David di Donatello. Ha recitato anche in serie come Romulus e Speravo de morì prima. Si è fatto notare anche in Christian, serie originale di Sky.

Tra i suoi film recenti figurano Siccità di Paolo Virzì e Esterno notte di Marco Bellocchio. Nel film di Vicari in uscita il 4 dicembre ha finalmente un ruolo da protagonista.

Vinicio Marchioni: attore, regista e scrittore italiano. Ha debuttato sul palco già nel 1995 ed è diventato noto al grande pubblico grazie al ruolo de Il Freddo nella serie televisiva Romanzo Criminale – La serie. Al cinema ha recitato in titoli come 20 sigarette, che gli ha procurato una candidatura ai David di Donatello, Scialla!, To Rome with Love e Tutta colpa di Freud. In anni recenti ha partecipato anche a C’è ancora domani (2023) di Paola Cortellesi in cui è un meccanico vulnerabile, mentre in Un altro Ferragosto (2024) di Paolo Virzì è il coatto Cesare. Nel 2025 è protagonista di L’isola di Andrea di Antonio Capuano, dove offre una riflessione profonda sulla fragilità maschile.

Oltre alla recitazione, è anche scrittore: ha pubblicato il suo primo romanzo, Tre notti, in cui esplora la sua infanzia e la solitudine creativa. Interpreta Giacomo Zagari, boss della ’ndrangheta, nel film Ammazzare Stanca di Daniele Vicari.

Selene Caramazza: attrice italiana emergente, cresciuta a Favara in Sicilia. Dopo il diploma ha iniziato gli studi in giurisprudenza, ma ben presto ha seguito la sua vera passione trasferendosi a Roma per studiare recitazione alla Scuola “Teatro Azione”. Ha esordito in fiction come Catturandi – Nel nome del padre e Squadra antimafia, per poi debuttare al cinema con Cuori Puri di Roberto De Paolis, presentato a Cannes. Per questo ruolo ha ricevuto diversi premi come attrice emergente.

Nel corso della sua carriera ha partecipato anche a serie TV come Il Cacciatore, Il Commissario Montalbano, ma soprattutto The Bad Guy e film come Spaccaossa. Inoltre, è stata premiata come “Working Actress of the Year” all’Ischia Global Film & Music Festival.

Andrea Fuorto: giovane attore italiano, formatosi alla Scuola d’arte cinematografica “Gian Maria Volonté” dopo aver frequentato il liceo classico nella sua città natale. Ha esordito sul grande schermo nel film L’Arminuta (2020) di Giuseppe Bonito, interpretando il ruolo di Vincenzo. In seguito ha recitato in La Prima Regola di Massimiliano D’Epiro, dove interpreta Nicolas, uno studente problematico. Fa parte anche del cast di Maschile Singolare e dell’apprezzato Patagonia.

Fuorto si distingue per la sua capacità di interpretare personaggi complessi e “cattivi fragili”, mescolando sensibilità e tensione emotiva. Di recente è entrato nel cast del film Ammazzare stanca – Autobiografia di un assassino di Daniele Vicari.

Rocco Papaleo: attore, regista, sceneggiatore e musicista italiano, noto per il suo umorismo caldo e la sua sensibilità artistica. Nato in Basilicata e trasferitosi a Roma per gli studi, ha iniziato la sua carriera teatrale negli anni ’80, arrivando presto al piccolo e grande schermo. Ha recitato in film di registi come Leonardo Pieraccioni, Paolo Virzì e Giovanni Veronesi, distinguendosi soprattutto in ruoli comici ma con sfumature poetiche.

Nel 2010 ha esordito come regista con Basilicata Coast to Coast, commedia on the road premiata con il David di Donatello. Nel corso degli anni ha alternato cinema, teatro e musica, pubblicando anche album come “Che non si sappia in giro”. Cantautore raffinato, porta spesso in scena spettacoli che mescolano recitazione, musica e poesia, confermandosi una figura unica nel panorama artistico italiano. Nel film Ammazzare Stanca di Daniele Vicari interpreta il ruolo di Don Peppino Pesce.

Mothers’ Instinct, la spiegazione del finale del film

Redazione
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Mothers’ Instinct, la spiegazione del finale del film

Mothers’ Instinct non è solo una lezione magistrale di recitazione tra le due protagoniste, con Anne Hathaway e Jessica Chastain eccellenti in tutte le scene in cui si confrontano nei panni dei loro personaggi Céline e Alice. È anche un’affascinante esplorazione di come le aspettative sociali nei confronti delle donne, la salute mentale e la maternità possano avere conseguenze disastrose. Un tempo migliori amiche disposte a fare qualsiasi cosa l’una per l’altra, Alice e Céline si spingono a vicenda al limite della sanità mentale a seguito di una tragedia impensabile. Tuttavia, il finale cupo di Mothers’ Instinct ci fa ripensare all’intero film, mettendo in evidenza il gaslighting che era in atto e lasciandoci con sentimenti leggermente irrisolti nei confronti di Céline e delle sue azioni.

Di cosa parla Mothers’ Instinct?

Alice e Céline sono vicine di casa e amiche di famiglia e, sebbene tutto sembri idilliaco tra le due famiglie, fin dall’inizio c’è una tensione in Mothers’ Instinct che ci dice che non tutto va bene. Nonostante viva il tipico sogno americano degli anni ’50, Alice desidera maggiore indipendenza, ma è limitata dal marito Simon (Anders Danielsen Lie), che crede che lei debba stare a casa. L’unica lamentela di Céline riguardo alla sua vita è che non può avere altri figli a causa delle complicazioni avute durante il parto di suo figlio Max (Baylen D. Bielitz). Entrambe le donne hanno reazioni valide e opposte a come la società si aspetta che si comportino. Ciò che hanno in comune, però, è la loro capacità di confidarsi l’una con l’altra e di trovare sostegno nelle difficoltà della vita.

Tuttavia, quell’amicizia va in frantumi in seguito a un tragico incidente in cui Max cade dal tetto e muore. Alice inizia a credere che Céline la incolpi della morte di Max dopo che Céline si avvicina a Theo in situazioni che mettono Alice a disagio, come portare Theo sullo stesso tetto o lasciare fuori dei biscotti a cui lui è allergico. Tuttavia, mentre la paranoia di Alice cresce – portandola a credere che Céline sia responsabile della morte di sua suocera – viene sempre più rimproverata dal marito, che attribuisce le sue illusioni ai suoi problemi di salute mentale del passato. Theo costringe le due donne a fare pace, minacciando di saltare dallo stesso tetto da cui è caduto Max. Nonostante la loro risoluzione, Alice e la sua famiglia decidono di trasferirsi.

Mothers’ Instinct ci regala un colpo di scena che ci catapulta in un finale teso e caotico

Mothers' Instinct film 2023

Nonostante il conflitto sia ormai superato, c’è una tensione latente che trova il suo culmine quando Céline versa del cloroformio nel drink di suo marito Damian (Josh Charles) e gli taglia i polsi per inscenare un suicidio. Céline usa questo stratagemma per ingannare Alice e Simon e convincerli a lasciarla stare con loro quella notte, e mentre lei giace al piano di sopra, Alice va a casa sua per raccogliere alcune cose. Durante queste scene, è uno shock per il pubblico rivedere gli eventi precedenti del film, che Alice era stata indotta a credere non fossero malvagi, con la consapevolezza che lei aveva ragione fin dall’inizio. Siamo costretti a stare a guardare le fatali ripercussioni del rifiuto di Simon di credere ad Alice.

Céline approfitta di questo momento per sedare Simon e Theo, ed è particolarmente angosciante vedere con quanta attenzione si occupa di Theo, perché questo conferma le nostre teorie sulle sue vere motivazioni: lo vuole per sé. Céline è disposta a tutto pur di avere un altro figlio, dato che non può più rimanere incinta, e questo dimostra come essere madre sia l’unica lente attraverso cui percepisce se stessa. Sembra quasi inaccettabile per lei non essere la moglie e la madre perfetta che gestisce il PTA a scuola come faceva all’inizio del film.

Céline e Alice lottano per Theo in un brutale scontro

Alice scopre che Simon e Theo sono sedati, e assistiamo a un violento e selvaggio scontro tra le due donne prima che Céline riesca a cloroformiare Alice. Ciò che rende la lotta ancora più feroce è l’ambientazione in una casa di periferia così dolce, che mette davvero in risalto quanto sia diventato estremo questo conflitto, con la paranoia e l’inganno che sfociano nella brutalità. Dopo aver portato Theo fuori e aver adagiato Alice sul divano con suo marito, Céline stacca il tubo del gas, inscenando una morte accidentale per i due genitori, e poi adotta Theo con la sua benedizione.

La scena finale, con Céline e Theo sulla spiaggia, è inquietante, poiché entrambi cercano l’uno nell’altro la guarigione, nonostante Céline sia l’unica responsabile del dolore di Theo. Certamente, la tragedia più grande qui è quella di Alice, una donna innocente che è stata manipolata a causa della sua salute mentale e poi uccisa. Tuttavia, il finale di Mothers’ Instincts ritrae anche la complessa simpatia che proviamo per Céline. Sebbene sia stata lei a commettere direttamente i crimini, capiamo come entrambe le donne fossero condizionate a vedere la loro vita attraverso la lente di ciò che ci si aspettava da loro piuttosto che attraverso quella dell’accettazione di sé. Le loro vulnerabilità, la salute mentale di Alice e la percezione che Céline aveva di sé stessa sono state prese di mira fino a quando non sono state spinte oltre il limite di ciò che la società, la vera colpevole, considererebbe civile.

Gangs of New York, la spiegazione del finale del film di Martin Scorsese

Redazione
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Gangs of New York, la spiegazione del finale del film di Martin Scorsese

Il finale di Gangs of New York conclude un film complesso e intenso di Martin Scorsese. Il dramma del 2002 vede Leonardo DiCaprio nel ruolo principale di Amsterdam Vallon, affiancato da Daniel Day-Lewis nei panni del malvagio William “Bill il Macellaio” Cutting. All’inizio del film, Bill uccide il padre di Amsterdam, e questo dà il tono al resto del film. Gangs of New York fa poi un salto in avanti di 16 anni, quando Amsterdam ha un piano per vendicare la morte di suo padre. Lungo la strada, incontra Jenny Everdeane, interpretata da Cameron Diaz, e si innamora di lei nonostante alcuni conflitti iniziali nella loro relazione.

Gangs of New York è vagamente ispirato a una storia vera, che Martin  Scorsese ha scoperto dopo aver letto il libro di Herbert Asbury The Gangs of New York: An Informal History of the Underworld. Il libro copre lo stesso periodo del film di Scorsese, ma gran parte della trama di quest’ultimo è stata romanzata. Tuttavia, molti personaggi sono stati ispirati da persone reali, come Bill (basato su William Poole) e Amsterdam (apparentemente basato su John Morrissey). Il personaggio di DiCaprio sembrava però essere per lo più frutto di fantasia. Indipendentemente da ciò, il film trasmette un messaggio significativo sulla storia, che risplende in modo particolare nel finale di Gangs of New York.

Amsterdam uccide Bill per vendicare la morte di suo padre

Leonardo DiCaprio, Daniel Day-Lewis in Gangs of New York (2002)
© 2002 – Miramax

Amsterdam usa il coltello di suo padre per uccidere Bill

Amsterdam alla fine riesce a raggiungere esattamente l’obiettivo che si era prefissato, anche se le cose non vanno secondo i piani. All’inizio di Gangs of New York, Amsterdam progetta di uccidere Bill perché questi ha assassinato suo padre 16 anni prima. Tuttavia, lungo il percorso, Amsterdam diventa il protetto di Bill e, anche se questo sembra facilitare il suo compito, Bill scopre la verità su Amsterdam e questo manda all’aria i suoi piani.

Johnny capisce chi è Amsterdam quando si incontrano e, più avanti nel film, rivela a Bill la vera identità di Amsterdam e il suo piano di ucciderlo. Tuttavia, durante lo scontro finale alla fine di Gangs of New York, Bill viene ferito da una scheggia, dando ad Amsterdam l’opportunità di sconfiggerlo definitivamente. Amsterdam usa il coltello di suo padre per uccidere Bill in un finale che chiude il cerchio del film.

Perché Amsterdam seppellisce il coltello vicino alle tombe di suo padre e di Bill

Amsterdam ammette di aver compreso ciò che suo padre gli ha insegnato

Dopo aver ucciso Bill alla fine di Gangs of New York, Amsterdam seppellisce il coltello da barba di suo padre vicino alle tombe di suo padre e di Bill. All’inizio del film, il padre di Amsterdam si taglia con il coltello e quando il ragazzo cerca di pulire il sangue, il padre risponde: “No, figliolo. Il sangue resta sulla lama. Un giorno capirai.” Questa è una citazione significativa perché trasmette il messaggio del film di Scorsese.

Amsterdam non ha più nulla per cui lottare.

Non c’è modo di cancellare il passato, quindi pulire il sangue dalla lama non cambierà il fatto che un tempo c’era del sangue su di essa. Seppellendo il coltello, Amsterdam sta assicurando a suo padre che, come gli aveva detto da bambino, ora capisce il significato del suo messaggio. Significa anche che Amsterdam non ha più nulla per cui lottare, quindi sta consegnando l’arma e restituendola a suo padre.

Come il cambiamento dello skyline di New York si collega all’ultima battuta di Amsterdam

Daniel Day-Lewis e Leonardo DiCaprio in Gangs of New York
Leonardo DiCaprio, Daniel Day-Lewis in Gangs of New York (2002)

Questo significa che il mondo andrà avanti

Gangs of New York termina con lo skyline di New York che passa dall’ambientazione del film, gli anni ’60 del XIX secolo, al suo aspetto moderno degli anni 2000. L’ultima battuta del film viene pronunciata mentre questo accade, con Amsterdam che spiega che dopo tutto quello che è successo, nessuno lo ricorderà negli anni a venire. Amsterdam dice: “Per il resto del tempo, sarà come se nessuno avesse mai saputo che siamo stati qui.”

Lo skyline in continua evoluzione esemplifica queste parole. Mentre le tombe si arrugginiscono e poi presto si sgretolano del tutto, lo skyline continua a cambiare. Il mondo continua a evolversi e ad andare avanti mentre il passato si disintegra in una storia di cui non si parla spesso.

Cosa è successo ad Amsterdam e Jenny dopo Gangs of New York?

Daniel Day-Lewis in Gangs of New York
Leonardo DiCaprio, Daniel Day-Lewis in Gangs of New York (2002)

I due potrebbero essersi trasferiti in California

Gangs of New York non offre una risposta chiara su cosa sia successo ad Amsterdam e Jenny, anche se si suggerisce che lui abbia lasciato New York con lei per trasferirsi a San Francisco. All’inizio del film, dopo che Bill ha attaccato Amsterdam, Jenny ha suggerito ad Amsterdam di andare con lei sulla costa occidentale. Tuttavia, Amsterdam è determinato a vendicarsi di Bill, quindi torna a Five Points per farlo. Alla fine del film, però, sembra probabile che si unisca a Jenny nel trasferimento sulla costa occidentale.

Ora che ha finalmente ottenuto la sua vendetta, non c’è più nulla per Amsterdam a New York.

Jenny rimane accanto ad Amsterdam mentre lui seppellisce il coltello, e quando ha finito se ne vanno insieme. I due svaniscono mentre la battuta finale di Amsterdam nel film viene riprodotta in voce fuori campo, suggerendo che rimarranno insieme e molto probabilmente porteranno a termine il piano di Jenny. Non c’è più nulla per Amsterdam a New York ora che ha finalmente ottenuto vendetta per la morte di suo padre. Sarebbe meglio per entrambi se non rimanessero lì, perseguitati dalle tragedie di cui sono stati parte.

Quanti newyorkesi sono morti nella vita reale?

Gangs of New York storia vera
Leonardo DiCaprio, Daniel Day-Lewis in Gangs of New York (2002)

Il numero ufficiale dei morti è 119, ma le stime si avvicinano a 1.200

Sebbene gran parte di Gangs of New York sia romanzata, il film è basato sulla vera violenza delle gang che ha avuto luogo a Five Points, New York, nel XIX secolo. Nel film, le rivolte contro la leva militare scoppiano perché gli uomini sono indignati per essere stati arruolati nella guerra civile e l’unica via d’uscita è pagare una tassa di 300 dollari che la persona media non può permettersi. Questo avviene nello stesso momento in cui le bande si preparano a combattere e Amsterdam uccide Bill.CorrelatiTutti i film di Leonardo DiCaprio classificati dal peggiore al migliore (incluso Don’t Look Up)Da Titanic a The Revenant e oltre, Leonardo DiCaprio è una delle più grandi star del cinema, ma come si classificano i suoi film dal peggiore al migliore?

Nella vita reale, le rivolte della guerra civile portarono alla morte di 119 persone, anche se le stime parlano di circa 1.200 vittime (History.com). Gli afroamericani furono quelli che soffrirono di più durante le rivolte, come mostrato brevemente in Gangs of New York nella scena della morte di Jimmy. Tuttavia, gli effetti reali delle rivolte della guerra civile furono molto più dannosi.

Il vero significato del finale di Gangs of New York

Gangs of New York
Leonardo DiCaprio, Daniel Day-Lewis in Gangs of New York (2002)

Non si può cancellare la storia

Il significato del finale di Gangs of New York potrebbe essere ricondotto alla citazione del padre di Amsterdam. Si può lavare via il sangue, ma non si può cancellare la storia, anche se il mondo intero cerca di dimenticare le tragedie del passato. Il messaggio che Scorsese voleva trasmettere era che la storia si ripete se la società non la riconosce.

Le riprese di Gangs of New York sono terminate prima degli attacchi dell’11 settembre 2001, il che significa che nelle riprese dello skyline di New York City sono visibili le torri gemelle. Questa scena finale è sufficiente a trasmettere il messaggio del film, poiché gli attacchi dell’11 settembre continuano a tormentare la società. Anche se le giovani generazioni sembrano distaccate e hanno cercato di andare avanti come se nulla fosse successo, proprio come le tombe distrutte durante i disordini della Guerra Civile, non c’è modo di sfuggire alla storia.

Come è stato accolto il finale di Gangs of New York

Gangs of New York è un film che è stato certificato fresco su Rotten Tomatoes, ma che nel tempo è sceso al 72% di freschezza, mentre il punteggio del pubblico rimane più alto, all’81%. Tuttavia, non tutti gli spettatori erano soddisfatti, poiché alcuni hanno ritenuto che fosse un ottimo film, ma hanno scritto: “È semplicemente troppo lungo. Ha diversi momenti in cui è un film epico con molto da offrire al pubblico, il migliore dei quali è la performance di Daniel Day Lewis.”

Sebbene gli abbia dato una recensione positiva (3,5 su 4 stelle), Roger Ebert non era sicuro che gli piacessero i personaggi, nemmeno gli eroi, di Gangs of New York:

“I gangster dei suoi film precedenti sono motivati dall’avidità, dall’ego e dal potere; amano le belle auto, le scarpe, gli abiti, le cene, le donne. Uccidono come costo per fare affari. I personaggi di “Gangs of New York” uccidono perché gli piace e perché lo vogliono. Sono assetati di sangue e motivati dall’odio. Penso che a Scorsese piacessero gli eroi di “Goodfellas”, ‘Casino’ e “Mean Streets”, ma non sono sicuro che gli piaccia questa gente”.

Per quanto riguarda le ultime scene del finale di Gangs of New York, c’era un thread su Reddit che lo analizzava. L’autore del post ha scritto: “Quando l’ho visto per la prima volta, mi è sembrato che danneggiasse l’atmosfera che era stata creata e mi ha lasciato l’amaro in bocca quando ho finito di guardarlo… Rivedendolo, la scena mi piace.“ Questo ha portato a una discussione sul significato di quella scena. Mentre una persona ha visto il simbolismo dell’11 settembre, un’altra ha scritto: ”Mostrava il passare del tempo e come nulla duri per sempre.”

Le verità nascoste, la spiegazione del finale del film con Harrison Ford

Redazione
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Le verità nascoste, la spiegazione del finale del film con Harrison Ford

Il film horror del 2000 diretto da Robert Zemeckis, Le verità nascoste, presenta diversi livelli di mistero, ma ecco perché Claire era perseguitata dai fantasmi. Le verità nascoste è stranamente passato un po’ in secondo piano negli ultimi anni, nonostante sia stato diretto da uno dei registi più premiati di Hollywood e abbia visto protagonisti due attori di prim’ordine, entrati nella Hall of Fame. Sebbene le recensioni della critica fossero contrastanti, Le verità nascoste ha avuto un grande successo al botteghino, quasi triplicando il suo budget di 100 milioni di dollari in tutto il mondo.

Sebbene Le verità nascoste sia stato accolto bene sia dal pubblico che dalla critica, è possibile che la trama intricata abbia creato una certa confusione su ciò che è realmente accaduto a Claire (Michelle Pfeiffer) e sul motivo per cui il fantasma la perseguitava. Il film mescolava molti aspetti dell’horror psicologico e soprannaturale, con la verità dietro ciò che stava accadendo nel classico film di fantasmi volutamente lasciata nel vago fino alla fine. Tuttavia, una volta spiegato completamente il finale di Le verità nascoste, la verità dietro ciò che sta accadendo a Clair diventa chiarissima.

Spiegazione del finale di Le verità nascoste

Michelle Pfeiffer in Le verità nascoste (2000)
Harrison Ford e Michelle Pfeiffer in Le verità nascoste (2000)

Il fantasma che perseguitava Claire era l’amante di suo marito

In tutto il film Le verità nascoste, Claire (Pfeiffer) è perseguitata da un fantasma femminile e all’inizio crede che si tratti della sua vicina, che sembra essere scomparsa dopo una lite con il marito. Tuttavia, la vicina alla fine ritorna e si scopre che questa apparizione è molto più personale. Il fantasma è una giovane donna di nome Madison Elizabeth Frank (Amber Valetta), che aveva una relazione con il professore e marito di Claire, Norman (Harrison Ford).

Come spesso accade nei film horror, la brillante esistenza suburbana di Norman e Claire era solo una facciata che nascondeva una realtà oscura, poiché nemmeno un matrimonio apparentemente ideale era bastato a impedire a Norman di tradire sua moglie. Dato che Madison è un fantasma, Claire inizia subito a sospettare che Norman sia coinvolto nella sua morte.

Norman nega, ma le sue scuse sembrano tutt’altro che convincenti, soprattutto dopo che Claire torna a casa e lo trova mentre sembra tentare il suicidio per il senso di colpa dovuto alla relazione. Alla fine di Le verità nascoste diventa chiaro che il marito di Claire è stato tutt’altro che sincero e che la relazione era, semmai, la più innocente delle sue bugie. Norman ha davvero ucciso Madison, gettando il suo corpo in un lago, il che spiega perché gli incidenti inquietanti continuavano a ruotare intorno all’acqua.

Madison, studentessa di Norman, aveva minacciato di raccontare la loro relazione al preside dell’università di Norman. Una volta smascherato, Norman tenta di uccidere anche Claire, ma il suo piano fallisce e la coppia finisce nel lago, portando Madison a vendicarsi del suo assassino. Il film horror vietato ai minori di 13 anni si conclude con Claire che depone una rosa sulla tomba di Madison, con entrambe le donne finalmente libere dall’inganno e dalle tendenze omicide di Norman.

Il vero significato del finale di Le verità nascoste

Harrison Ford ne Le verità nascoste
© 2000 DreamWorks LLC. and Twentieth Century Fox Film Corporation.

L’orrore spettrale era un avvertimento sul pericolo dei segreti mortali

Il finale di Le verità nascoste può sembrare a prima vista una semplice storia di vendetta soprannaturale, ma ha significati tematici più profondi. I momenti finali del film horror del 2000 rafforzano l’idea che i segreti tendono a essere rivelati e i crimini tendono a essere scoperti, e che tentare di seppellirli (a volte letteralmente) porta solo a problemi peggiori per tutte le persone coinvolte. Il passato di Norman torna a perseguitarlo, o meglio, sua moglie, in senso molto letterale.

Tuttavia, il film horror di Robert Zemeckis ribalta anche diversi tropi delle tradizionali storie di fantasmi. Madison, lo spirito che perseguita Claire, sembra essere un’antagonista per gran parte di Le verità nascoste. Questo è in linea con la maggior parte dei film sui fantasmi, poiché i fantasmi e gli spettri sono quasi sempre fonte di terrore e la principale minaccia per i protagonisti. Tuttavia, Le verità nascoste ribalta questa idea, con Norman che diventa la presenza più pericolosa nella vita di Claire. Il fantasma di Madison non è lì per fare del male a Claire, ma per aiutarla, e una volta che Claire capisce la verità, i due diventano alleati contro un mostro molto più sinistro di un semplice spirito con questioni in sospeso.

Tutto sommato, il messaggio centrale di Le verità nascoste si riflette anche nella struttura stessa del film. La rivelazione che Madison non è il male principale nel film horror sovverte le aspettative del genere. Questo è per molti versi un riflesso sottile ed estremamente intelligente della situazione di Claire: Norman, il marito un tempo amorevole che inizialmente cerca di aiutarla quando lei si rende conto di essere perseguitata, si rivela essere la presenza più malvagia della sua vita. Questa profondità tematica è senza dubbio parte di ciò che ha reso Le verità nascoste un tale successo quando è uscito per la prima volta nel 2000, e il motivo per cui rimane un gioiello cult tra i film sui fantasmi e sulle apparizioni anche a distanza di decenni.

Fast & Furious 8: la spiegazione del finale del film

Gianmaria Cataldo
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Fast & Furious 8: la spiegazione del finale del film

Fast & Furious 8 (il cui titolo originale è The Fate of the Furious), uscito nel 2017, rappresenta un punto di svolta nella celebre saga automobilistica iniziata nel 2001. Diretto da F. Gary Gray, il film continua a esplorare l’universo dei corrieri ad alta velocità e delle operazioni criminali internazionali, ma introduce novità significative sia nella narrazione sia nel cast. La trama ruota attorno a Dominic Toretto, che tradisce apparentemente la sua famiglia per unirsi a un misterioso antagonista noto come Cipher, una cyber-terrorista internazionale interpretata da Charlize Theron. Questo tradimento interno aggiunge una nuova dimensione di conflitto emotivo e morale, spostando l’attenzione dal semplice azione-spettacolo a dilemmi personali e dinamiche di fiducia.

Il film amplia ulteriormente la portata globale della saga, ambientando sequenze d’azione in luoghi iconici come Cuba, Islanda e New York, e introduce personaggi nuovi che arricchiscono il gruppo già consolidato: l’agente dell’MI6 Mr. Nobody (Kurt Russell) assume un ruolo chiave nell’operazione per fermare Cipher, mentre la hacker Ramsey (Nathalie Emmanuel) diventa centrale per le sequenze tecnologiche ad alta tensione. La presenza di Cipher come villain con motivazioni complesse segna un cambio di paradigma: non si tratta più solo di corse e rapine, ma di minacce globali e manipolazioni sofisticate.

Tematicamente, Fast & Furious 8 continua a esplorare i valori ricorrenti della saga, come la famiglia, la lealtà e il senso di comunità, ma li arricchisce con questioni di tradimento, controllo e redenzione. La tensione narrativa nasce proprio dal dilemma centrale: come reagire quando il leader del gruppo, il simbolo stesso della fiducia familiare, sembra diventare nemico? Allo stesso tempo, il film anticipa dinamiche e sviluppi che saranno fondamentali nei successivi sequel, preparando il terreno per la lotta contro Cipher e le sfide globali che attendono Dominic e la sua squadra. Nel resto dell’articolo si analizzerà in dettaglio il finale del film, spiegando come chiude questa fase della saga e allo stesso tempo apre le porte ai capitoli successivi.

Fast & Furious 8 cast

La trama di Fast & Furious 8

Con l’uscita di scena di Brian, allontanatosi dall’ambiente per vivere in tranquillità con la propria famiglia, tutti i membri della squadra sembrano aver trovato un nuovo equilibrio. Il letale Deckard Shaw è infatti stato consegnato alla giustizia, e Dominic Toretto può finalmente godersi la sua luna di miele con la ritrovata compagna Letty. La sua pace dura però ben poco, spezzata nel momento in cui riceve la chiamata di quella che si presenta come Chiper, una letale terrorista. Questa avverte Toretto di aver rapito la sua ex fiamma, Elena Neves, e il figlio avuto da lei. Se vuole che vengano rilasciati incolumi, egli deve aiutarla in misterioso e controverso piano.

Toretto si ritrova così a dover tradire il suo gruppo, venendo inevitabilmente accusato di complicità con Chiper. Alle sue calcagna si porranno dunque gli amici di sempre, tra cui l’inarrestabile Luke Hobbs. Ben presto però questi capiscono però che non riusciranno a fermare la terrorista da soli, ed è così che devono rivolgersi al loro acerrimo nemico: Deckard Shaw. Liberato dalla sua prigionia, l’uomo accetta di aiutarli a patto di poter mantenere la propria libertà al termine della missione. Nel frattempo, Toretto si ritrova a dover rubare un pericoloso ordigno nucleare, che Chiper intende usare per scopi che potrebbero porre in serio rischio la pace mondiale. Ancora una volta, salvare il mondo sarà una vera e propria corsa con il tempo.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto di Fast & Furious 8, la tensione raggiunge l’apice quando Dominic Toretto, costretto a collaborare con la cyberterrorista Cipher, deve affrontare la difficile realtà delle sue scelte. Con l’intera squadra all’inseguimento, Dom riesce a sabotare il controllo remoto di Cipher sulle auto della città e a proteggere Ramsey, impedendo che il suo programma di sorveglianza cada nelle mani sbagliate. La minaccia nucleare diventa concreta quando Cipher prende possesso di un sottomarino armato. Nel frattempo, Deckard Shaw, apparentemente morto, riappare e si unisce a Owen e agli altri per salvare il figlio di Dom, rendendo possibile la controffensiva finale.

Il racconto si risolve con un susseguirsi di scontri ad alta tensione: Dom riesce a fermare Rhodes e impedire l’uso del sottomarino da parte di Cipher, mentre la squadra collabora per neutralizzare gli henchmen. L’azione culmina con la distruzione del sottomarino e l’eliminazione delle minacce più immediate, mentre Cipher riesce a sfuggire con un paracadute. La sequenza finale mostra Dom riunito con Letty e il figlio Brian, simbolo della ricomposizione della famiglia, e Deckard che guadagna la fiducia della squadra, suggellando l’unità del gruppo dopo il tradimento e i conflitti.

Fast & Furious 8 sequel

Il finale porta così a compimento i temi centrali del film, in particolare la famiglia e la lealtà, mostrando come la fiducia e il legame tra i membri del gruppo possano superare persino il tradimento più doloroso. La minaccia globale diventa uno strumento per testare la determinazione della squadra e la resilienza morale di Dom. La sua scelta di proteggere il figlio e gli amici dimostra che la famiglia va oltre il sangue e che le responsabilità personali e la dedizione reciproca sono il vero motore delle azioni del protagonista.

Inoltre, la conclusione rafforza il tema della redenzione e della collaborazione: Deckard Shaw, inizialmente antagonista, viene integrato nella famiglia grazie alla fiducia guadagnata, e Cipher, pur rimasta in fuga, rappresenta il ritorno della minaccia che spinge la squadra a unirsi ulteriormente. Il film sottolinea l’equilibrio tra azione spettacolare e dinamiche emotive, mostrando che la risoluzione dei conflitti passa sia attraverso il coraggio individuale sia attraverso la solidarietà collettiva del gruppo.

Il messaggio principale che il film lascia è l’importanza dei legami affettivi e della fiducia reciproca, anche di fronte a tradimenti e pericoli apparentemente insormontabili. La famiglia, nel contesto della saga, non è solo un nucleo biologico ma una rete di supporto costruita con rispetto, lealtà e sacrificio. Dom e la sua squadra dimostrano che il senso di responsabilità verso chi si ama e la volontà di proteggere gli altri sono valori imprescindibili, in grado di superare qualsiasi ostacolo, anche in scenari ad alto rischio globale.

I sequel di Fast & Furious 8

Questo finale, inoltre, prepara i sequel della saga, lasciando aperta la minaccia di Cipher e anticipando ulteriori sviluppi con la famiglia Toretto e la sua squadra. La presenza di nuovi membri come Deckard Shaw nella cerchia dei protagonisti amplia le dinamiche narrative future, permettendo l’introduzione di nuove missioni internazionali e conflitti, mentre la continuità dei valori di lealtà e famiglia assicura coerenza nella costruzione della saga nei capitoli successivi: Fast & Furious – Hobbs & Shaw, Fast & Furious 9 – The Fast Saga e Fast X.

Gangs of New York: la storia vera dietro il film

Gianmaria Cataldo
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Gangs of New York: la storia vera dietro il film

Martin Scorsese ha impiegato quasi 30 anni per realizzare Gangs of New York del 2002. Negli anni ’70, Scorsese si imbatté in un libro intitolato “The Gangs of New York: An Informal History of the Underworld” (Le bande di New York: una storia informale della malavita), scritto da Herbert Asbury. Il libro descriveva in dettaglio le bande e i movimenti politici nella New York del XIX secolo, prima del dominio della mafia. Sebbene oggi sia ampiamente considerato un’esagerazione degli eventi dell’epoca, il libro di Asbury ha fortemente ispirato Scorsese.

Italo-americano cresciuto a Little Italy, Scorsese amava la sua città e la sua storia di bande. Era affascinato dalla storia e dalla descrizione della vecchia Five Points di New York descritta nel libro, che oggi ospita Chinatown, Columbus Park e il Manhattan Civic Center. In una vecchia puntata della NPR, Scorsese è citato mentre spiega con parole sue che “Questo film rappresenta in un certo senso le fondamenta su cui si basano tutti i miei altri film. Crea una sorta di mondo in cui si inseriscono quelli che descrivo in Mean Streets, Quei bravi ragazzi e Toro scatenato”, una sorta di antefatto al genere del gangster movie.

Gangs of New York segna inoltre la prima collaborazione tra l’ormai leggendario duo Scorsese-Leonardo DiCaprio. Gran parte del film è finzione, o verità non confermate, come l’esistenza della spaventosa Hellcat Maggie (Cara Seymour). Tuttavia, è stato elogiato per la sua rappresentazione dello storico quartiere Five Points e per aver richiamato l’attenzione sugli eventi storici dell’epoca. Gangs of New York segue Amsterdam Vallon, interpretato da DiCaprio, figlio del prete Vallon (Liam Neeson).

Il film inizia 16 anni prima degli eventi narrati, con uno scontro tra le bande del Five Points, in cui il prete cattolico Vallon viene ucciso da Bill “The Butcher” Cutting (Daniel-Day Lewis). Amsterdam inizia dunque a tramare la sua vendetta contro l’assassino di suo padre, e veniamo trasportati nel 1862, l’epoca in cui è ambientato il film. Gangs of New York è incentrato sulle bande reali della New York della metà del XIX secolo, tra cui The Plug Uglies, The Forty Thieves, The O’Connell Guards, The Shirt Tails, The Chichesters, The Daybreak Boys, The Swamp Angels e molte altre, ma la trama centrale è di fantasia.

Quanto di Gangs of New York è vero?

Guardare Gangs of New York nel 2025 significa ricordare che la storia tende a ripetersi, o che alcune parti della storia non finiscono mai veramente. Uno dei temi principali del film è la tensione tra cattolici, immigrati e “nativi” protestanti nella New York del XIX secolo, in particolare nella Little Italy, all’epoca città natale di Scorsese. Come affermato dalla Khan Academy, molti degli immigrati erano cattolici, mentre molti degli americani nativi erano protestanti. Il film riflette un sentimento di xenofobia nei confronti dell’elevato afflusso di immigrati che alla fine ha portato gran parte della popolazione degli Stati Uniti a diventare cittadini naturalizzati.

Coloro che erano nati negli Stati Uniti e quindi si consideravano “nativi” temevano che la crescente popolazione di immigrati e di americani naturalizzati potesse influenzare negativamente la loro vita sia dal punto di vista politico che economico. Di conseguenza, molti iniziarono a organizzare società politiche la cui missione era quella di sostenere i politici nativi o incoraggiare la candidatura di leader politici nativi, privando al contempo gli immigrati e i cittadini naturalizzati dei diritti civili. Questi gruppi entrarono a far parte del Native American Party, conosciuto colloquialmente come “Know Nothings” (i “Non so nulla”), perché quando ai membri veniva chiesto delle loro organizzazioni, veniva loro insegnato a rispondere: “Non so nulla”.

William “The Butcher” Poole

Un membro famoso dei Know Nothings era William “The Butcher” Poole, che ispirò il personaggio di William Cutting. Come riportato da History Daily, Poole era un macellaio di professione, ma era conosciuto come “The Butcher” per la sua reputazione spietata di pugile che distruggeva fisicamente i suoi avversari. Poole faceva parte della banda dei Bowery Boys che, come la banda di Day-Lewis, era incentrata sulle idee nativiste.

Poole avrebbe incontrato la sua fine in modo simile a Cutting, per mano di un uomo amico di un immigrato irlandese con cui aveva avuto un conflitto in precedenza. Si dice che le sue ultime parole siano state: “Addio ragazzi, muoio da vero americano”, che sono quasi congruenti con le ultime parole di Day-Lewis nei panni di Cutting: “Grazie a Dio. Muoio da vero americano”. I Know-Nothing furono una forza potente con cui fare i conti per un certo periodo, ma furono decimati durante la guerra civile, poiché molti si concentrarono sulla politica della schiavitù.

Daniel Day-Lewis in Gangs of New York

Le rivolte di New York contro la leva militare

La lotta tra Cutting e Amsterdam ebbe luogo durante le rivolte di New York contro la leva militare, che si verificarono nel luglio 1863. I commercianti di New York City non accolsero con favore l’inizio della guerra civile, poiché temevano di perdere il Sud come partner commerciale redditizio. I politici e i periodici contrari alla guerra e alla libertà degli schiavi nel Sud instillarono paura in molti cittadini bianchi della classe operaia, avvertendoli che avrebbero sostituito la manodopera precedentemente fornita dagli schiavi.

Quando fu firmata la Proclamazione di emancipazione, ciò sconvolse la classe operaia e coloro che apprezzavano la conservazione dell’Unione, ma non necessariamente la libertà degli uomini e delle donne di colore nel Sud. Questo tono razzista è presente in tutto il film Gangs of New York. Pertanto, quando fu approvata la legge sulla coscrizione militare della guerra civile del 1863, ciò portò allo scoppio di disordini civili tra i residenti di New York. Gangs of New York menziona anche una norma che consentiva agli uomini di essere esentati dalla coscrizione se potevano pagare una tassa di 300 dollari.

La maggior parte degli uomini non poteva permettersi la tassa, il che aumentava la loro rabbia. Uomini, donne e persino bambini di colore divennero bersaglio di violenze, così come gli abolizionisti, gli edifici governativi e quelli militari. Le rivolte durarono solo pochi giorni, ma causarono migliaia di vittime. Sono ricordate come una delle rivolte più sanguinose della storia americana.

Daniel Day-Lewis e Leonardo DiCaprio in Gangs of New York

I Dead Rabbits e la Five Points Gang

I Dead Rabbits, guidati da Priest Vallon nel film, erano anch’essi una vera banda composta da immigrati irlandesi. Come riportato da History.com, si ritiene che Hellcat Maggie facesse parte della banda dei Dead Rabbits, così come nel film Gangs of New York. I membri dei Dead Rabbits, insieme a diverse altre bande dell’epoca, avrebbero poi formato la Five Points Gang. La Five Points Gang sarebbe sopravvissuta fino agli anni ’10 e avrebbe ospitato due dei membri di bande più famigerati del XX secolo: Al Capone e Lucky Luciano, inaugurando così una nuova generazione di bande a New York.

Mentre dagli altoparlanti risuona “The Hands That Built America” degli U2, il passato si trasforma gradualmente in presente fino a quando vediamo New York City per quella che molti un tempo conoscevano. Il film mostra lo skyline dal ponte di Brooklyn, comprese le Torri Gemelle. Gangs of New York è stato girato prima dell’11 settembre, quindi il World Trade Center rimane nell’ultima inquadratura. In un certo senso, questo sembra profondamente patriottico quando si parla di un film basato sugli anni formativi ma movimentati degli Stati Uniti, in particolare di New York City.

Guardare Gangs of New York oggi ricorda a molti di noi giorni ormai passati, lontani nella periferia della memoria, ma importanti oggi come lo erano allora. Giorni inizialmente segnati dall’incertezza, ma ricordati come giorni in cui una città ha perseverato e è cresciuta. Un simbolo di forza e speranza, come a dire che, a volte, romanticizzare il passato è esattamente ciò di cui abbiamo bisogno, perché non si tratta di vera e propria romanticizzazione. È un ricordo onesto della storia, della sopravvivenza e dello spirito.

Escape Plan – Fuga dall’inferno: la spiegazione del finale del film

Gianmaria Cataldo
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Escape Plan – Fuga dall’inferno: la spiegazione del finale del film

Il finale contorto di Escape Plan – Fuga dall’inferno (qui la recensione) ha spiegato tutto sul personaggio di Arnold Schwarzenegger, Rottmeyer. Questo thriller d’azione del 2013 è uno dei numerosi film con Sylvester Stallone e Schwarzenegger e vede il primo nei panni dello specialista di fughe Ray Breslin. Ray viene mandato in una prigione “inviolabile”, La Tomba, gestita dal crudele direttore Hobbes (Jim Caviezel). Ray stringe presto amicizia con Rottmeyer, che gestisce la sicurezza per un misterioso ladro chiamato Mannheim, che ruba ai ricchi per dare ai poveri. Insieme, i due uomini cercano i punti deboli nella struttura di La Tomba e pianificano attentamente la loro fuga.

Si scopre anche che il socio in affari di Breslin, Clark (Vincent D’Onofrio), è in combutta con Hobbes e vuole che Ray rimanga intrappolato in quell’inferno, che alla fine si rivela essere una nave prigione. Il film Escape Plan – Fuga dall’inferno si conclude però con Breslin e Rottmeyer che mettono in atto il loro piano e, dopo una serie di sparatorie e scazzottate, riescono a fuggire su un elicottero di soccorso. Ray scopre poi che Rottmeyer è in realtà Mannheim, mentre la figlia di quest’ultimo, Jessica (Caitríona Balfe), si era finta un’agente della CIA per far entrare Ray nella Tomba e salvare suo padre.

Perché Victor Mannheim si è travestito da Emil Rottmayer

Sebbene non sia una grande sorpresa, Ray è comunque scioccato nell’apprendere che Rottmeyer era in realtà il benevolo Mannheim. I furti di Mannheim gli hanno procurato molti nemici che faranno di tutto per fermarlo. Quando è stato catturato, Mannheim si è travestito da capo della sua sicurezza per (comprensibilmente) evitare di essere torturato per ottenere informazioni e possibilmente giustiziato. Naturalmente, “Rottmeyer” è stato comunque sottoposto a un interrogatorio brutale, anche se Hobbes lo ha lasciato in gran parte in pace, sperando che alla fine avrebbe ceduto e tradito il suo “capo”.

Il grande colpo di scena di Escape Plan – Fuga dall’inferno rivela anche che il nome Rottmeyer è un codice che ha avvisato sua figlia del suo arresto. Lei si è quindi finta un’agente della CIA durante l’incontro con Breslin, Clark e la loro squadra, riferendosi alla Tomba come alla prova definitiva delle abilità di Ray. Nonostante le bugie e gli inganni, Mannheim e Breslin si separano in modo amichevole; nonostante ciò, Schwarzenegger non è tornato per Escape Plan 2 – Ritorno all’inferno né per il terzo film. Al suo posto, Dave Bautista si è unito al franchise nei panni di un nuovo personaggio chiamato DeRosa.

Escape Plan - Fuga dall'inferno trama film
Sylvester Stallone in Escape Plan – Fuga dall’inferno. Foto di Alan Markfield – © 2013 Summit Entertainment, LLC. All rights reserved.

Il vero piano di fuga di Breslin

Una volta imprigionato, il grande compito di Ray è capire dove si trova La Tomba. Ray è sbalordito nell’apprendere che la prigione è contenuta all’interno di un’enorme nave, il che rende naturalmente più difficile la fuga. Nonostante ciò, si mette a riflettere e, durante il finale, inganna Hobbes facendogli credere che organizzerà una rivolta in un certo blocco di celle. Il direttore della prigione invia la maggior parte della sua squadra di sicurezza in quella zona, ma Ray e Rottmeyer organizzano una rivolta nella zona centrale mentre solo una manciata di guardie è in servizio.

Da lì, è essenzialmente una corsa disperata verso la cima della nave per arrivare in tempo all’elicottero. Lungo la strada, Breslin trova il tempo di uccidere la brutale guardia Drake (Vinnie Jones) e alla fine fa saltare in aria anche Hobbes. Va detto che il piano di fuga di Breslin è piuttosto rudimentale e improvvisato e non sembra adatto a un presunto genio della fuga. La sua fuga iniziale è molto più creativa e originale, mentre quella finale in Escape Plan sembra improvvisata.

Chi ha costruito la prigione La Tomba e perché?

La Tomba è stata costruita per “far sparire” alcune persone scomode senza un regolare processo. I detenuti di alto valore possono anche essere torturati da Hobbes e dal suo staff per ottenere informazioni, come nel caso di Rottmeyer, con il direttore e Clark assunti da banche di tutto il mondo per trovare Mannheim prima della sua prossima rapina. La prigione di massima sicurezza di Escape Plan – Fuga dall’inferno è un’operazione a scopo di lucro gestita da misteriosi finanziatori, che rimangono tali fino alla fine del film.

Il gruppo si rivela in seguito essere il gestore della prigione HADES nel primo sequel. Sembra che anche loro abbiano una vendetta personale contro Breslin, presumibilmente a causa della fuga di Ray da La Tomba. Il finale sospeso di Escape Plan 2 – Ritorno all’inferno lasciava intendere che un terzo film avrebbe visto Ray dare la caccia a questa oscura cricca, ma Escape Plan 3 – L’ultima sfida ha completamente ignorato questa trama quando è uscito l’anno successivo.

Escape Plan - Fuga dall'inferno location
Arnold Schwarzenegger in Escape Plan – Fuga dall’inferno. Foto di Alan Markfield – © 2013 Summit Entertainment, LLC. All rights reserved.

La spiegazione del tragico passato di Ray Breslin

Gli eroi di Escape Plan – Fuga dall’inferno passano da alleati riluttanti a compagni, con Ray che in seguito rivela le ragioni che lo spingono a svolgere un lavoro così strano. Si scopre che nella sua vita precedente era un procuratore con una moglie e un figlio, ma la sua famiglia è stata poi aggredita e uccisa da un detenuto che Ray aveva perseguito, il quale ha promesso a Breslin che avrebbe ottenuto la sua vendetta.

Questo detenuto ha trascorso anni determinato a mantenere la sua promessa prima di evadere dal carcere per compiere la sua vendetta. Dopo che la sua famiglia è stata uccisa, Ray ha dedicato la sua vita a garantire che i potenziali difetti di progettazione nelle prigioni di massima sicurezza fossero individuati ed eliminati. Breslin ha letteralmente scritto il libro su come progettare prigioni a prova di errore. Ciò risulta ironico, poiché Hobbes informa in seguito Breslin che il suo libro è stato fondamentale per la progettazione della Tomba.

Perché Clark ha tradito il suo socio Ray

Clark è il socio in affari di Ray, che viene attirato dalla CIA con l’offerta del doppio della tariffa abituale di Breslin per testare La Tomba. A metà film, si rivela che Clark non solo lavora per le persone dietro La Tomba, ma che vuole che Ray rimanga lì per sempre per dimostrare che la prigione è davvero inespugnabile. Non c’è altra motivazione dietro le azioni di Clark se non l’avidità, ed è molto ben pagato dai finanziatori di La Tomba per tradire il suo socio.

Dopo che Ray è riuscito a fuggire da La Tomba, il finale di Escape Plan – Fuga dall’inferno vede Clark che cerca di scappare. Viene presto intercettato dal tecnico di Breslin, Hush (50 Cent), e più tardi lo si vede rinchiuso in un container su una nave da carico, mentre viene portato in un luogo sconosciuto.

Escape Plan - Fuga dall'inferno Sylvester Stallone Arnold Schwarzenegger
Arnold Schwarzenegger e Sylvester Stallone in Escape Plan – Fuga dall’inferno. Foto di Alan Markfield – © 2013 Summit Entertainment, LLC. All rights reserved.

Il figlio di Clark cerca vendetta contro Ray in Escape Plan 3

Mentre Escape Plan 2 – Ritorno all’inferno non ha rivelato il destino di Clark, Escape Plan 3 – L’ultima sfida ha confermato che è morto in quel container. Questo porta suo figlio Lester Clark Jr. (Devon Sawa) a intraprendere una missione di vendetta contro Ray, durante la quale rapisce la fidanzata di Ray, Abigail (Jaime King), oltre alla figlia di un ricco uomo d’affari cinese, per chiedere un riscatto. In una svolta rispetto alla formula, Ray e la sua squadra devono irrompere in una prigione soprannominata “Devil’s Station” per salvare Abby e gli altri ostaggi.

Il terzo film della trilogia si conclude però con una nota cupa: mentre gli altri ostaggi vengono liberati, Abigail viene uccisa, mentre Ray picchia selvaggiamente Clark Jr prima di tagliargli la gola. Ray aveva intenzione di ritirarsi dopo questo episodio e, dato che non sono previsti nuovi film, ha mantenuto la parola data.

Il vero significato del finale di Escape Plan – Fuga dall’inferno

Il significato generale del finale di Escape Plan – Fuga dall’inferno è quello di superare le grandi imprese, che spesso cercano di opprimere e distruggere i poveri. Mannheim era in prigione perché era un ladro alla Robin Hood, che rubava ai ricchi per dare ai poveri. Tuttavia, non era in una prigione vera e propria, ma in una prigione segreta nascosta dove le persone venivano rinchiuse senza che nessuno lo sapesse. Questo ci porta a Ray, il cui intero libro sulla costruzione di prigioni inespugnabili è stato utilizzato per progettare questa, rendendo Ray un uomo molto ricco.

Tuttavia, Ray non ha contribuito a influenzare questo perché voleva diventare ricco. Lo stava facendo per assicurarsi che ciò che era successo alla sua famiglia non accadesse mai a nessun altro. D’altra parte, il suo socio, Clark, era interessato solo al denaro. Ecco perché aveva rinchiuso Ray nella prigione segreta con l’intenzione di assicurarsi che rimanesse lì, permettendo a Clark di prendere il controllo dell’azienda e diventare ancora più ricco grazie ai suoi contatti con la società che gestiva la prigione. Con Mannheim interessato ad aiutare i poveri e Ray a proteggere gli innocenti, Escape Plan – Fuga dall’inferno mette in scena la battaglia perfetta contro l’élite.

Norman Reedus annuncia la fine di un’era per The Walking Dead

Redazione
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Norman Reedus annuncia la fine di un’era per The Walking Dead

Norman Reedus ha annunciato la fine di un’era per The Walking Dead, mentre l’ultimo capitolo della saga sugli zombie si avvicina all’orizzonte. Reedus ha interpretato Daryl nella serie sin dalla prima stagione dello show originale, assumendo il ruolo nel 2010. Da allora, è stato un pilastro della saga fino al finale della serie The Walking Dead.

Dopo la fine della serie originale, ha ripreso il suo ruolo in The Walking Dead: Daryl Dixon, che vede il suo personaggio protagonista sia in Francia che in Spagna, mentre cerca di tornare a casa in America. La serie è stata ben accolta dalla critica e dal pubblico. Tuttavia, all’inizio di quest’anno è stato annunciato che la quarta stagione di Daryl Dixon porrà fine allo spin-off.

Ora, Reedus ha confermato su X che le riprese della quarta stagione di The Walking Dead: Daryl Dixon sono giunte al termine. L’attore ha espresso gratitudine per aver potuto interpretare Daryl per così tanto tempo, ringraziando i fan della serie per il loro continuo sostegno. Ecco cosa ha detto Reedus sulla conclusione delle riprese:

È stato confermato che la quarta stagione concluderà questo capitolo della storia di Daryl, insieme a Carol (Melissa McBride), che lo ha accompagnato nei suoi viaggi a partire dalla seconda stagione. Daryl Dixon La terza stagione si è conclusa con l’esplosione della barca della coppia da parte di Fede (Óscar Jaenada), che li ha lasciati ancora una volta bloccati in Spagna. Tuttavia, Codron (Romain Levi) ha assistito all’esplosione, segnalando un imminente ricongiungimento.

Finora non è chiaro se la quarta stagione sarà l’ultima per Daryl e Carol nell’universo di The Walking Dead. Il direttore dei contenuti Scott Gimple ha già espresso interesse a riunire i sopravvissuti principali delle serie sequel. Anche se un crossover non è stato confermato, sembra probabile che Daryl non scomparirà definitivamente dal franchise.

Quando lo spin-off finirà, però, Dead City – stagione 3 sarà l’unica altra stagione in arrivo del franchise. Al momento della stesura di questo articolo, l’unico altro show annunciato è More Tales from The Walking Dead Universe, anche se non ci sono stati aggiornamenti sullo sviluppo dal 2023. Questo rende Daryl Dixon uno degli ultimi due bastioni della serie originale.

L’annuncio di Reedus potrebbe porre fine a un’era di The Walking Dead, ma segna anche l’inizio di un nuovo capitolo della serie. Non è ancora chiaro se Daryl e Carol faranno parte di quel futuro. Tuttavia, con la serie spin-off che sta finalmente volgendo al termine, anche il loro viaggio oltreoceano giungerà al termine, ponendo fine alle loro difficoltà nel tornare a casa.

The Walking Dead: Daryl Dixon stagione 4 arriverà su AMC e AMC+ nel 2026.

Ben Stiller promuove la nuova serie fantascientifica di Apple TV che ha battuto tutti i record, in vista della terza stagione di Severance

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Ben Stiller promuove la nuova serie fantascientifica di Apple TV che ha battuto tutti i record, in vista della terza stagione di Severance

Ben Stiller elogia brevemente ma con entusiasmo Pluribus mentre continuano i lavori sulla terza stagione di Severance. Creata da Vince Gilligan, la nuova serie fantascientifica di Apple TV è stata trasmessa per la prima volta il 7 novembre e ha avuto subito un grande impatto.

Pluribus è ora alla quarta puntata della sua prima stagione e Stiller ha pubblicato un semplice messaggio su X, ex Twitter, rivelando le sue opinioni sulla serie dal ritmo lento. Cita il nome dello show e aggiunge un’emoji con le mani alzate, chiarendo che gli piace molto. Dai un’occhiata al post di Stiller qui sotto:

Stiller non è l’unico ad elogiare la nuova serie di Gilligan, che segna il seguito di progetti come Breaking Bad e Better Call Saul. Pluribus ha ricevuto recensioni entusiastiche da parte della critica e la serie vanta un incredibile 99% su Rotten Tomatoes su 108 recensioni.

Con protagonista Rhea Seehorn di Better Call Saul, la serie segue la triste autrice Carol Sturka che diventa l’ultima speranza per l’umanità dopo che una misteriosa ondata di felicità forzata travolge il pianeta. Karolina Wydra, Carlos-Manuel Vesga e Miriam Shor compaiono anche nella prima stagione di nove episodi della serie.

Uno dei punti di forza di Pluribus è la sua acuta capacità di osservare la natura umana e la cultura moderna, anche sulla scia di un reset mondiale della coscienza. Attinge al bisogno viscerale degli esseri umani di proteggersi dalle minacce percepite, anche quelle concettuali come il cambiamento (nel bene e nel male).

Anche il pubblico generale sembra apprezzare Pluribus. Il punteggio Popcornmeter su Rotten Tomatoes è un rispettabile 78%, ma ovviamente è inferiore al 99% ottenuto dalla critica.

Tuttavia, la risposta positiva è un segnale promettente per Pluribus stagione 2, che arriverà come parte dell’ordine di due stagioni dello show. Se la serie continuerà oltre questo punto dipenderà apparentemente dal numero di spettatori, ma il palcoscenico è pronto per ulteriori stagioni su Apple TV.

Con la terza stagione di Scissione (Severance) in lavorazione e il probabile arrivo nel 2027, lo streamer potrebbe ritrovarsi con due successi fantascientifici di lento consumo. La serie di Stiller segue Pluribus su Rotten Tomatoes, con un punteggio della critica del 95%. Queste serie si aggiungono a serie come Foundation, Silo, Monarch: Legacy of Monsters e Dark Matter, tutte molto popolari su Apple TV.

Resta da vedere come evolverà l’accoglienza riservata a Pluribus con l’uscita dei restanti episodi della prima stagione, ma le lodi di Stiller potrebbero dare una spinta alla serie, vista la forte reputazione di Severance e l’attesa per la prossima stagione.

Tracker – Stagione 3: confermato il ritorno del membro dimenticato del team Colter Shaw

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Tracker – Stagione 3: confermato il ritorno del membro dimenticato del team Colter Shaw

La CBS riporta in scena un membro dimenticato della squadra di Colter Shaw nella terza stagione di Tracker. Mantenendo il suo posto come programma non sportivo più visto nel ciclo televisivo 2025-2026, la serie procedurale con Justin Hartley nei panni del survivalista continua a registrare risultati impressionanti. Ciò che permette a Tracker di continuare la sua serie di successi come progetto sceneggiato numero uno sulla TV generalista è il fatto che, prima della terza stagione, ha subito alcuni cambiamenti importanti che sono stati percepiti come rischiosi.

Con una mossa inaspettata, è stato annunciato che Abby McEnany ed Eric Graise non sarebbero tornati nei panni di Velma e Bobby nella terza stagione di Tracker.  Presumibilmente, la loro partenza era dovuta al desiderio dello show di dare una scossa alla serie man mano che questa evolveva. Anche se Colter opera sul campo di solito da solo, fa sicuramente affidamento sull’aiuto a distanza della sua squadra non ufficiale, rendendo le sue missioni successive un po’ più complicate.

Fortunatamente, la CBS ha confermato che Colter si riunirà con uno dei suoi alleati più fidati nella terza stagione di Tracker: Keaton, interpretato da Brent Saxton. Introdotto nella seconda stagione, il survivalista ha incontrato per caso il personaggio di Brent Saxton durante una missione. Alla fine hanno collaborato per risolvere il caso di Gina Picket che ha tormentato l’eroe di Hartley per un decennio.

Nella terza stagione di Tracker, episodio 9, “Good Trouble”, è il turno di Keaton di chiedere aiuto a Colter. Secondo la sinossi ufficiale, Keaton contatta il protagonista della serie per rintracciare il suo ex partner. Durante la loro missione, scoprono inaspettatamente una scia di cadaveri legata a una cospirazione selvaggia. L’episodio andrà in onda il 14 dicembre e potrebbe essere il finale di metà stagione della terza stagione di Tracker.

Considerando quanto Keaton e Colter abbiano lavorato bene insieme nella seconda stagione di Tracker, è bello vederli di nuovo insieme. Data la natura della serie, è difficile riportare personaggi non regolari, poiché la storia si svolge ogni settimana in una parte diversa del paese. Tuttavia, la CBS è riuscita a trovare un’apertura narrativa che permette a Colter di andare da Keaton, il che è fantastico sotto questo aspetto.

Keaton è uno dei pochissimi alleati ricorrenti che Colter ha nella serie procedurale. Russell di Jensen Ackles è già tornato nella premiere della terza stagione di Tracker, mentre Reenie e Randy sono stati una presenza costante nella serie, anche se non sempre accompagnano il personaggio di Hartley sul campo. La domanda ora è se riportare questi alleati ricorrenti più frequentemente sarà la norma in futuro.

Oltre a questo, il ritorno di Colter solleva anche la questione della possibilità di rivedere Bobby, Velma e persino Teddi. La loro perdita ha segnato la fine di un’era per Tracker, ma grazie al modo in cui la CBS li ha eliminati, tutti possono ancora tornare nella serie come ospiti.

From – Stagione 4 rivela ufficialmente un importante traguardo produttivo

Redazione
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From – Stagione 4 rivela ufficialmente un importante traguardo produttivo

From – Stagione 4 ha raggiunto un importante traguardo produttivo, anche se rimane irrisolto un grande mistero sul ritorno della serie. Il finale di From – stagione 3 è stato pubblicato il 24 novembre 2024, con un episodio rivoluzionario che ha risposto a molte delle domande più importanti della serie, lasciando però i fan alle prese con numerosi colpi di scena.

Ora, a un anno dal finale della terza stagione, le riprese della quarta stagione di From sono ufficialmente terminate. Un video dietro le quinte mostra i membri del cast che festeggiano il traguardo e, sebbene la didascalia annunci che la nuova stagione arriverà presto su MGM+, non è stata ancora comunicata la data di uscita. Guarda il video dell’annuncio qui sotto:

La conferma della fine delle riprese arriva pochi giorni dopo che Simon Webster, Elizabeth Saunders e altri membri del cast di From hanno confermato sui social media di aver completato le riprese della quarta stagione. Quando l’attore Harold Perrineau, che interpreta lo sceriffo Boyd Stevens, ha ricondiviso il video lo stesso giorno in cui è stato pubblicato, ha detto: “Abbiamo appena finito oggi”.

La quarta stagione di From aveva una finestra di uscita prevista per il 2026, che la serie dovrebbe rispettare dato che le riprese sono terminate alla fine del 2025. Anche se non è stata ancora comunicata una data di uscita precisa, ora che la produzione è terminata, le probabilità che la nuova stagione venga rilasciata nella prima metà del 2026 sono aumentate.

La stagione 1 ha debuttato il 20 febbraio 2022, la stagione 2 è stata trasmessa per la prima volta il 23 aprile 2023 e la stagione 3 è iniziata il 22 settembre 2024. Con le riprese appena terminate, febbraio è troppo presto per l’inizio della stagione 4 su MGM+, ma un’uscita nell’aprile 2026 o più vicina a quel periodo dell’anno sembra possibile.

From segue un gruppo di personaggi che si ritrovano intrappolati in una misteriosa cittadina. Ogni notte compaiono mostri letali, che sono solo una delle numerose forze soprannaturali che tormentano i personaggi. Mentre alcuni di loro fanno semplicemente del loro meglio per sopravvivere, altri sono determinati a risolvere i misteri più profondi della città per fuggire e tornare alla civiltà.

Insieme ai membri del cast che tornano, Julia Doyle è stata scelta come nuova protagonista della quarta stagione. Secondo quanto riferito, interpreterà un personaggio di nome Sophia, la figlia vulnerabile e protetta di un pastore. Resta da vedere se avrà qualche legame con padre Khatri (Shaun Majumder).

I fan sono ora più vicini che mai a scoprire chi interpreterà Doyle nella quarta stagione di From, oltre a scoprire cosa succederà dopo la morte di un personaggio importante e le numerose rivelazioni scioccanti nel finale della terza stagione. La serie è stata uno dei più grandi successi di MGM+ e questo trend è destinato a continuare quando tornerà.

Fallout – Stagione 2: data di uscita, cast, trama e tutto quello che sappiamo

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Fallout – Stagione 2: data di uscita, cast, trama e tutto quello che sappiamo

La prima stagione di Fallout di Prime Video ha impressionato sia la critica che il pubblico, e la seconda stagione sarà presto disponibile. Forse la differenza più grande tra la serie e altri adattamenti di videogiochi è stata la timeline e l’ambientazione. La serie live-action è stata costruita per adattarsi alla continuità della serie di videogiochi, piuttosto che come adattamento diretto di una storia esistente.

Questo ha reso Fallout assolutamente unico, poiché ha funzionato sia come storia autonoma per chi non conosceva la serie di videogiochi, sia per i fan dei precedenti capitoli. Alla fine della prima stagione di Fallout, questo è diventato ancora più chiaro grazie al grande successo riscosso dalla serie.

Essendo uno degli show che ha dimostrato che siamo decisamente nell’epoca d’oro degli adattamenti dei videogiochi, Fallout è diventato un grande successo per Prime Video. L’impressionante record di audience di Fallout lo ha confermato, portando molti ad attendere con impazienza una seconda stagione. Fortunatamente, la seconda stagione di Fallout è stata confermata molto rapidamente, promettendo altre avventure televisive nella zona contaminata.

Data di uscita della seconda stagione di Fallout

Poco dopo l’uscita della prima stagione di Fallout, Prime Video ha confermato il seguito. È stato poi rivelato che Fallout – stagione 2 uscirà nel dicembre 2025. A differenza della prima stagione, che è stata rilasciata nella sua interezza il 10 aprile 2024, la seconda stagione di Fallout seguirà un formato di uscita settimanale.

Il primo episodio della stagione 2 di Fallout sarà disponibile su Prime Video il 17 dicembre 2025, mentre gli episodi successivi saranno pubblicati settimanalmente. La stagione 2 di Fallout durerà otto settimane, consentendo al pubblico di immergersi nel mondo post-apocalittico per un periodo molto più lungo rispetto alla stagione 1. Il finale della stagione 2 di Fallout andrà in onda il 4 febbraio 2026.

Dettagli sul cast della seconda stagione di Fallout

Il cast della seconda stagione di Fallout sarà in gran parte lo stesso della prima stagione, con solo alcune aggiunte degne di nota. Ella Purnell tornerà nei panni di una delle protagoniste della serie, Lucy MacLean, insieme a Walton Goggins nel ruolo di Cooper Howard/The Ghoul. Entrambi hanno parlato candidamente del futuro dei rispettivi personaggi, e il trailer della seconda stagione di Fallout offre un primo assaggio dei loro viaggi.

Tornerà anche Aaron Moten nei panni di Maximus, un cavaliere della Confraternita d’Acciaio, che ha stretto un forte legame con Lucy nella prima stagione di Fallout. Altri membri del cast che torneranno sono Kyle MacLachlan nei panni del padre di Lucy, Hank, Moisés Arias nei panni di Norm, il fratello di Lucy, e Xelia Mendes-Jones nei panni di Dane, un alleato della Confraternita di Maximus.

Altri membri del cast che riprendono i loro ruoli dalla prima stagione includono:

  • Leslie Uggams nel ruolo di Betty Pearson
  • Johnny Pemberton nel ruolo di Thaddeus
  • Leer Leary nel ruolo di Davey
  • Frances Turner nel ruolo di Barb Howard
  • Teagan Meredith nel ruolo di Janey Howard
  • Michael Cristofer nel ruolo dell’anziano chierico Quintu
  • Jon Daly nel ruolo del venditore di olio di serpente

Tra i nuovi membri del cast confermati per la seconda stagione di Fallout c’è Macaulay Culkin in un ruolo ricorrente ancora senza nome. Anche Justin Theroux avrà un ruolo importante, quello di Robert House, un personaggio dei videogiochi che ha avuto un ruolo fondamentale nella preparazione della guerra nucleare che ha decimato il mondo.

Dettagli sulla trama della seconda stagione di Fallout

Sulla base del finale della prima stagione di Fallout e degli indizi forniti dal trailer della seconda stagione, la trama del prossimo seguito diventa chiara. L’ultima scena della prima stagione di Fallout ha visto il padre di Lucy, smascherato per il suo ruolo di dipendente della Vault-Tec che ha aiutato la sua azienda a organizzare la guerra nucleare nel tentativo di ottenere il controllo, fuggire a New Vegas.

New Vegas è una delle principali ambientazioni del gioco Fallout, con il già citato Robert House di Theroux come leader. Il trailer della seconda stagione di Fallout mostra dei flashback prebellici degli incontri di Cooper Howard con Robert House, il che significa che quest’ultimo potrebbe essere collegato alla ricerca della sua famiglia da parte del primo.

Tutto questo si ricollega anche a Hank e alla Vault-Tec, spiegando perché Lucy e Cooper, ora noto come The Ghoul, hanno collaborato per la seconda stagione di Fallout. Poi c’è Maximus, ora acclamato come un eroe nella Confraternita d’Acciaio, che dovrà destreggiarsi nella politica della sua fazione mentre cerca di trovare un modo per tornare da Lucy.

La trama della seconda stagione di Fallout approfondirà anche gli eventi che si svolgono nel Vault 33, la casa di Lucy. Nella prima stagione, Norm ha scoperto la oscura verità che i Vault 33 e 32 erano controllati dai dipendenti della Vault-Tec, che erano stati criogenicamente congelati prima della guerra e regolarmente scongelati per fungere da amministratori dei Vault.

Nell’episodio finale della prima stagione di Fallout, Norm è rimasto intrappolato all’interno del Vault 31, il luogo che ospita queste capsule criogeniche. Pertanto, la seconda stagione di Fallout approfondirà i suoi tentativi di scoprire questa cospirazione, che è legata più di quanto lui sappia alle scoperte di Lucy sul loro padre, Hank.

Ultime notizie su Fallout – stagione 2

Fallout – stagione 2 è una delle serie più attese nella storia recente della televisione, soprattutto vista l’immensa reazione alla stagione 1. Pertanto, qualsiasi notizia è molto gradita. Le riprese di Fallout stagione 2 sono iniziate nel novembre 2024 e sono proseguite fino a maggio 2025.

Durante le riprese, Walton Goggins ha anticipato cosa ci aspetta nella seconda stagione di Fallout: “Ora che le persone capiscono com’è il mondo, questa storia raggiunge un livello completamente nuovo. Sono nel settore da molto tempo e di solito, in una serie che attira il pubblico, con quella licenza, la seconda stagione è quella che dà il meglio, giusto? È allora che può accadere qualcosa di davvero magico”.

Oltre ad altri dettagli sul cast, la notizia più importante è stata il primo trailer ufficiale della seconda stagione di Fallout. Il trailer è stato pubblicato nell’agosto 2025 in occasione di un evento della Gamescom, ricollegandosi alle origini videoludiche del franchise. Successivamente è stato accompagnato da un articolo sulla seconda stagione di Fallout pubblicato da Empire Magazine.

Durante questo articolo, Ella Purnell ha anticipato l’evoluzione del personaggio di Lucy, nonché lo sviluppo della relazione tra Lucy e The Ghoul nella seconda stagione di Fallout. Purnell ha affermato che “A volte è come se fossero in viaggio insieme”, prima di insistere sul fatto che questo può cambiare in un attimo, al punto che i due finiscono per essere in contrasto tra loro.

Purnell ha poi continuato parlando di come i due personaggi finiscano per influenzarsi a vicenda. Purnell si chiede scherzosamente se The Ghoul diventerà buono o se Lucy diventerà cattiva, o se entrambi finiranno da qualche parte nel mezzo. Man mano che l’attesa per la seconda stagione di Fallout si fa più breve, ci si aspettano altre notizie come questa, così come altri trailer e sguardi dietro le quinte.

The Office: il nuovo remake debutterà ufficialmente il prossimo anno

Redazione
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The Office: il nuovo remake debutterà ufficialmente il prossimo anno

Data la popolarità travolgente di The Office, non sorprende che numerose reti televisive abbiano cercato di sfruttarne il successo dopo la messa in onda dell’ultima stagione nel 2013. In effetti, il fatto che The Office sia esso stesso un remake viene spesso trascurato. La serie originale era andata in onda nel Regno Unito quattro anni prima e vedeva Ricky Gervais nel ruolo di protagonista.

Steve Carell ha preso il suo posto nel 2005 ed è entrato nella storia quando il remake americano di The Office è stato acclamato come una delle migliori sitcom di tutti i tempi. Ora, Dunder Mifflin sta cercando di aprire ancora più filiali. The Paper è uno spin-off diretto della serie americana, un remake australiano andato in onda nel 2025, e le voci di una reunion americana non hanno smesso di circolare negli ultimi 12 anni.

Ora, un altro remake di The Office è all’orizzonte. Die Kantoor, un remake sudafricano ambientato alla Deluxe Processed Meats invece che alla Dunder Mifflin, sarà trasmesso in anteprima su Showmax il 20 gennaio 2026 (via Variety). Rispecchiando lo stile mockumentary delle versioni precedenti, Deluxe Processed Meats è un produttore di polony, un tipo di carne che lo scrittore e regista Bennie Fourie descrive come l’ultima cosa di cui qualcuno vorrebbe dire di essere appassionato.

La variante di Die Kantoor di David Brent/Michael Scott sarà Flip, interpretato da Albert Pretorius. Come i precedenti protagonisti di The Office, Flip nutre manie di grandezza, poiché si aspetta che la troupe del documentario all’interno dell’universo catturi la sua “ascesa alla grandezza” dopo essere stato promosso a manager.

Sembra proprio che tutti gli ingredienti principali di The Office siano presenti e corretti: troupe cinematografica fittizia, capo imbarazzante, settore industriale poco stimolante. Il passaggio da azienda cartiera a produttore di carne è una scelta interessante, ma uno dei trucchi migliori della versione americana di The Office è stato quello di soddisfare il pubblico americano piuttosto che attenersi fedelmente alla versione britannica. Die Kantoor sta seguendo intelligentemente l’esempio per il pubblico sudafricano.

Allo stesso tempo, abbiamo visto diversi adattamenti di The Office riscuotere vari gradi di successo. The Paper è stato un successo di pubblico e di critica ed è stato rinnovato per la seconda stagione, mentre il remake australiano di The Office è stato cancellato dopo una sola stagione.

La storia è simile con altri remake internazionali. Le Bureau (la versione francese) è durato solo sei episodi, mentre Stromberg (tedesco) è andato in onda per cinque stagioni e ha ottenuto recensioni discrete. In termini di longevità e impatto culturale, nessuna versione di The Office ha eguagliato quella di Michael Scott, ma Die Kantoor potrebbe essere uno di quei rari remake che risuonano nel pubblico tanto quanto lo show americano ha fatto per gli americani tra il 2005 e il 2013.

Fallout – Stagione 2 risponderà ufficialmente a un mistero di New Vegas che dura da 15 anni

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Fallout – Stagione 2 risponderà ufficialmente a un mistero di New Vegas che dura da 15 anni

La seconda stagione di Fallout è in arrivo a New Vegas e, così facendo, prenderà una decisione importante per il franchise, rispondendo a una domanda che era stata posta per la prima volta 15 anni fa con l’uscita del videogioco Fallout: New Vegas. Mentre la prima stagione ha introdotto nuovi personaggi e ambientazioni, molti volti e luoghi familiari sono già stati anticipati nel trailer della seconda stagione.

La stagione 1 ha seguito Lucy, abitante del Vault, Maximus, scudiero della Confraternita d’Acciaio diventato cavaliere, e il Ghoul, mentre le loro strade si intrecciavano lungo il viaggio di Lucy alla ricerca del padre rapito, Hank. Lucy stringe amicizia con Maximus, che ha fatto carriera nella Confraternita rubando l’identità del cavaliere che avrebbe dovuto servire. In seguito si prende il merito di aver ucciso Moldaver, diventando cavaliere a pieno titolo.

Lucy e il Ghoul formano una riluttante alleanza quando il Ghoul capisce che Hank potrebbe avere delle risposte sulla sua famiglia perduta da tempo. Quando Lucy trova – e poi perde – Hank, le luci di New Vegas si vedono in lontananza. I due decidono di andarci insieme, il che rivelerà anche lo stato di New Vegas dopo gli eventi del videogioco.

La seconda stagione di Fallout renderà canonico il finale di un gioco

In Fallout: New Vegas, il giocatore interagisce con diverse fazioni e compie scelte che avranno un impatto su New Vegas per gli anni a venire. Il giocatore, un Corriere che è stato dissotterrato nella piccola città di Goodsprings dopo un tentativo di omicidio per il suo pacco (una fiche da poker), viene mandato in missione a Las Vegas per affrontare il suo potenziale assassino, Benny.

Lungo il percorso, il Corriere entra in contatto con le tre principali fazioni che si contendono il controllo di Las Vegas e della Mojave Wasteland: la Legione di Cesare, una società imperialista schiavista, la Nuova Repubblica Californiana, che ricorda l’esercito e il governo statunitensi prebellici, e Mr. House, un miliardario prebellico che ha conservato il proprio corpo, ha trasferito il proprio cervello in un computer e governa la Strip con un esercito di robot.

Alla fine, il Corriere deve scegliere di aiutare uno di questi tre gruppi a ottenere il controllo del Mojave (in alternativa, il Corriere può uccidere Mr. House e prendere il controllo del suo esercito di robot). Nella scena finale del gioco, viene svelato il futuro di New Vegas, fortemente influenzato dalle numerose scelte del Corriere.

Fallout: New Vegas è ambientato nell’anno 2281, mentre la serie TV Fallout è ambientata nell’anno 2296. Ciò significa che le linee temporali di New Vegas e della stagione 2 sono collegate, e Lucy e il Ghoul entreranno in una città che sta ancora affrontando gli effetti delle scelte fatte in New Vegas. In effetti, la serie sta per rendere canonico uno dei finali del gioco.

Quale finale di Fallout: New Vegas dovrebbe diventare canonico nella seconda stagione

Il finale della Legione è oggettivamente la scelta sbagliata, anche se alcuni giocatori hanno usato la forza della Legione per giustificare il loro sostegno a Cesare. Mentre la NCR ha dei punti deboli e fatica a mantenere il suo potere, la Legione di Cesare ha saccheggiato l’intera città di Nipton, usando un sistema di lotteria per determinare chi nella città sarebbe stato ucciso, crocifisso o ridotto in schiavitù.

Nonostante il brutale sistema di schiavitù della Legione, coloro che sono sotto il dominio di Cesare saranno al sicuro da qualsiasi altra minaccia nella Zona Contaminata. Tuttavia, la società di Cesare è una ricostruzione autoproclamata dell’Impero Romano, una grave battuta d’arresto per la società moderna.

Oltre ad essere desolante, questo sarebbe anche il futuro meno interessante per il Mojave. Data la semplicità e la forza della Legione di Cesare, Las Vegas e le aree circostanti diventerebbero uno stato schiavista dittatoriale con poche minacce esterne o opportunità di cambiamento.

Il finale della NCR, d’altra parte, offre più sfumature e libertà. Con questo percorso, il Corriere aiuta la Repubblica a mettere in sicurezza la diga di Hoover, consentendole di ottenere il controllo dell’intera area. Ciò aumenta la prosperità e il commercio in tutto il Mojave, ma porta anche la New Vegas Strip sotto il controllo della NCR dopo anni di indipendenza sotto Mr. House.

Sebbene il finale della NCR offra in definitiva un senso di ordine e comunità, i punti deboli nella protezione della NCR rimarranno se il Corriere non sarà accurato nell’eliminare le minacce esterne durante il gioco. Sembra anche una scelta disfattista, poiché la NCR è l’opzione che più si avvicina alla società che ha portato alla Grande Guerra in primo luogo.

Il finale di Mr. House sembra il più futuristico e distopico, ma potrebbe anche offrire i maggiori progressi. Se il Corriere cede il gettone da poker critico a Mr. House, il suo esercito di securitron prende il pieno controllo della Strip, della diga di Hoover e del Mojave. La scena finale di questo finale rivela che la Strip diventa sia “ordinata” che “fredda” sotto il dominio di Mr. House.

Sebbene Cass, potenziale compagna del Corriere e membro della NCR, muoia suicidandosi dopo la vittoria di House, il risultato finale offre più potenzialità del previsto per il Mojave. Grazie all’influenza del Corriere, House mantiene la stabilità a Las Vegas e la libertà nelle zone circostanti, nonostante il suo approccio sterile e distaccato.

Il malvagio Robert House, amministratore delegato della RobCo Industries e vertice della vecchia ricchezza prebellica, ha motivazioni tutt’altro che altruistiche per la sua conquista del potere. Ma gli eventi di New Vegas dimostrano che il suo esercito di robot è sia onnipotente che fragile. Mr. House, il cui corpo anziano è legato al casinò Lucky 38, aveva bisogno dell’aiuto del Corriere per completare la sua missione.

Il Corriere avrebbe potuto facilmente prendere quel potere per sé, e presumibilmente Mr. House rimane ancora in qualche modo vulnerabile anche dopo aver vinto la lotta di potere nella Mojave Wasteland. Tenendo questo a mente, il finale di Mr. House offre il futuro a breve termine più forte per Vegas e la Mojave, pur mantenendo la possibilità di futuri cambiamenti di regime.

La seconda stagione di Fallout ha già accennato a quale finale sarà canonico

Con alcune delle informazioni rivelate nella prima stagione e gli scorci visti nel Fallout trailer della seconda stagione, abbiamo già un’idea abbastanza chiara della direzione che prenderà la serie TV Fallout. Un’opzione di dialogo con un missionario della NCR in New Vegas rivela che Shady Sands è la capitale originale della NCR.

Nella stagione 1 di Fallout, un flashback rivela che Shady Sands, la casa d’infanzia di Maximus, è stata bombardata. Il giovane Maximus, nascosto in un distributore automatico di latte, è stato salvato dalla Confraternita d’Acciaio dal cratere che un tempo era Shady Sands. Nel finale di stagione, Lucy conferma a Maximus che Hank è responsabile dell’attacco nucleare su Shady Sands.

Considerando l’età approssimativa di Maximus e la cronologia del gioco e della serie TV, il bombardamento è probabilmente avvenuto poco dopo gli eventi di Fallout: New Vegas. L’eliminazione di Shady Sands è un forte indizio del fatto che non vi sia più una forte presenza della NCR nella zona, e la sua vulnerabilità all’attacco suggerisce che abbiano perso il controllo della diga di Hoover.

In realtà, nel trailer della seconda stagione di Fallout si intravedono brevemente tutte e tre le fazioni: un accampamento della Legione, una bandiera della NCR lacera e, soprattutto, una replica quasi perfetta del quartier generale di Mr. House nell’attico del Lucky 38, con lo stesso Mr. House in persona.

Tutto ciò suggerisce un finale incentrato su Mr. House. Gli eventi a Shady Sands escludono molto probabilmente il finale incentrato sulla NCR e, per arrivare al finale incentrato sulla Legione, il Corriere deve “uccidere o neutralizzare Mr. House”. La sua immagine perfettamente integra sul gigantesco schermo del computer nel Lucky 38 suggerisce che ciò non sia avvenuto.

Suggerisce anche che la serie non seguirà il finale jolly del Corriere, il che è positivo; sarebbe un incubo logistico introdurre nella serie un personaggio che rappresenta il giocatore del videogioco, che può avere personalità infinite e significare qualcosa di diverso per tutti coloro che hanno giocato.

Il finale di Mr. House offre alla serie la massima flessibilità per esplorare ogni angolo della tradizione del franchise. La scena finale del finale di Mr. House indica che la NCR e la Legione si sono ritirate, ma Mr. House non ha eliminato ogni traccia delle organizzazioni, il che significa che probabilmente avremo un po’ di tempo con tutte e tre nella serie.

L’introduzione del Ghoul, che in passato aveva legami con Vault-Tec, crea anche una possibilità molto eccitante: un’interazione tra due figure iconiche del periodo prebellico nel franchise di Fallout. Il finale di Mr. House offre non solo la soluzione migliore per Las Vegas, ma anche l’opzione più ricca dal punto di vista narrativo, e tutti gli indizi indicano che questa sarà la strada che prenderà la serie.

Ariana Grande: 10 cose che forse non sai sulla star di Wicked

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Ariana Grande: 10 cose che forse non sai sulla star di Wicked

Nel panorama pop contemporaneo Ariana Grande è una delle figure più riconoscibili e influenti della sua generazione. Cantante, attrice e performer completa, ha attraversato con naturalezza mondi diversi – dalla TV per ragazzi al musical cinematografico, dal pop mainstream alle collaborazioni di alta moda – lasciando un’impronta profonda in ognuno di essi. Con una voce che richiama l’elasticità e il fraseggio delle grandi dive R&B degli anni ’90, e un’estetica che ha evoluto nel tempo tra sperimentazione e iconografia personale, Ariana Grande è oggi un’artista globale capace di attraversare pubblico, generazioni e linguaggi.

Il 2024–2025 rappresenta un punto di svolta nella sua carriera grazie a Wicked, il musical cinematografico che la vede nel ruolo di Glinda e che ha riacceso l’attenzione sulla sua formazione teatrale, spesso sottovalutata dal grande pubblico. Allo stesso tempo, la sua vita privata e la sua presenza pubblica sono diventate oggetto di discussione, dalle sue origini italiane alle riflessioni – da lei stessa condivise – sul proprio corpo e sul rapporto con l’immagine mediatica. Ecco dunque 10 cose che forse non sai su Ariana Grande, per analizzare da vicino una delle artiste pop più complesse, poliedriche e discusse del momento.

Le origini italiane di Ariana Grande e l’infanzia tra teatro e musica

Cynthia Erivo e Ariana Grande
Cynthia Erivo e Ariana Grande alla premiere di Los Angeles di “Wicked”. Foto di PopularImages Via DepositPhotos.com

1. Le origini familiari e culturali. Ariana Grande-Butera nasce il 26 giugno 1993 a Boca Raton, in Florida, ma le sue radici raccontano una storia profondamente italiana. La madre, Joan Grande, ha origini abruzzesi, mentre il padre, Edward Butera, è di discendenza siciliana: una componente culturale che Ariana ha più volte riconosciuto con affetto e fierezza. Cresciuta in una famiglia che incoraggia la creatività, Ariana muove i primi passi nel mondo dello spettacolo già da bambina, partecipando a piccoli spettacoli teatrali locali e mostrando una predisposizione naturale al canto e alla recitazione. Quell’identità mista – americana di nascita, italiana nelle origini – contribuisce a definire un immaginario personale fatto di passione, determinazione e sensibilità mediterranea.

2. Gli inizi a Broadway e la formazione da performer. Prima ancora della fama televisiva, Ariana costruisce un percorso solido nella recitazione, approdando a Broadway a soli 15 anni con il musical 13, dove ottiene il plauso della critica grazie alla sua voce potente e alla presenza scenica sorprendente per la giovane età. Quegli anni sono fondamentali per affinare tecnica vocale, lavoro sul corpo e gestione dell’emotività in scena. L’esperienza nel teatro musicale diventerà un tassello imprescindibile quando, molti anni dopo, interpreterà Glinda in Wicked, riportando Ariana alle sue radici artistiche e riportando al centro la sua identità di performer totale.

Ariana Grande oggi: tra Wicked, cinema e nuova musica

Ariana Grande in Wicked- For Good (2025)
Foto di Giles Keyte/Universal Pictures – © Universal Studios.

3. Dove si trova oggi la sua carriera. Ariana Grande è oggi una delle star più influenti del panorama pop internazionale, capace di muoversi tra mainstream e sperimentazione con una disinvoltura rara. Dopo il successo degli album Thank U, Next e Positions, negli anni successivi si è dedicata tanto alla musica quanto alla recitazione, partecipando al progetto cinematografico Wicked, che ha segnato un ritorno al musical e ha ampliato la sua credibilità come interprete. La sua carriera attuale si distribuisce su più fronti: cinema, musica, televisione e una presenza digitale che continua a essere tra le più seguite al mondo. Parallelamente, Ariana ha mostrato grande attenzione ai temi della salute mentale e del benessere, diventati parte integrante del suo rapporto con il pubblico.

Ariana Grande tra cinema e TV: i nuovi ruoli tra American Horror Story e Focker In-Law

Negli ultimi anni Ariana Grande ha progressivamente ampliato la sua presenza sullo schermo, tornando alle sue radici attoriali e affiancando alla musica una carriera audiovisiva sempre più ricca. Oltre all’impegno nel dittico di Wicked, l’artista sarà tra i volti della nuova stagione di American Horror Story, un progetto che segna il suo ingresso ufficiale nell’antologia creata da Ryan Murphy. Parallelamente, è attesa anche sul grande schermo in Focker In-Law, nuovo film in cui reciterà al fianco di Robert De Niro, consolidando ulteriormente la sua posizione come interprete capace di muoversi tra commedia, musical e ruoli più drammatici. Due progetti che contribuiscono a definire la fase più matura e cinematografica della sua carriera.

4. Ariana Grande in Wicked – Parte 1 e Parte 2. Il debutto cinematografico di Wicked nel 2024 segna un punto di svolta nella carriera di Ariana, che veste i panni di Glinda, uno dei personaggi più iconici del musical moderno. La sua interpretazione, costruita su un equilibrio delicato tra vocalità cristallina, comic timing e sensibilità teatrale, è stata accolta in modo entusiastico sia dai fan del musical sia dal pubblico generalista. La seconda parte, in uscita nel 2025, vedrà una Glinda più complessa e matura, e accompagnerà Ariana in un momento di forte risonanza mediatica. Per la cantante, Wicked rappresenta il perfetto punto di incontro tra le sue origini da performer e la sua capacità di reinventarsi artisticamente.

Ariana Grande e le serie TV che l’hanno resa famosa

5. Da Victorious a Sam & Cat: l’ascesa su Nickelodeon. Prima di diventare un’icona pop globale, Ariana è stata una delle figure più amate del pubblico di Nickelodeon. In Victorious interpreta Cat Valentine, un personaggio vivace, ingenuo e affascinante, che diventa rapidamente uno dei più popolari della serie. Il successo porta a uno spin-off, Sam & Cat, che consolida ulteriormente la sua immagine televisiva. Quel periodo segna l’inizio della sua relazione con un pubblico giovanissimo, che la seguirà poi nella musica grazie alla sua voce riconoscibile e alla costruzione di un’estetica pop immediatamente iconica.

6. Le altre partecipazioni televisive. Oltre ai ruoli Nickelodeon, Ariana fa brevi incursioni in altre serie e special televisivi che contribuiscono ad arricchire il suo percorso attoriale. Una delle più note è Scream Queens, dove interpreta Sonya Herfmann (Chanel #2), un’apparizione breve ma di grande impatto per i fan del genere horror-comedy. Le sue apparizioni musicali in show TV e special live hanno consolidato la sua immagine di performer capace di dominare palco, camera e pubblico con la stessa naturalezza.

Vita privata e corpo mediatico: cosa ha detto lei sulla “magrezza”

Jonathan Bailey and Ariana Grande in Wicked- For Good (2025)
Foto di Giles Keyte/Universal Pictures – © Universal Studios.

7. La risposta pubblica alle critiche sul fisico. Nel corso degli anni Ariana Grande ha affrontato più volte l’attenzione – talvolta invadente – che il pubblico e i media riservano al suo aspetto. In un video condiviso sui social nel 2023, l’artista ha invitato i fan a evitare commenti sul corpo degli altri, spiegando come l’apparenza esterna non rifletta sempre lo stato di benessere di una persona. Nelle sue parole traspare un messaggio semplice e forte: l’importanza della cura di sé, della salute mentale e del rispetto reciproco. Questo intervento, molto apprezzato dal pubblico, ha posto l’accento sulla delicatezza del tema e sul valore di un dialogo più consapevole intorno all’immagine e all’identità personale.

Età e altezza

8. Quanti anni ha e quanto è alta Ariana Grande. Ariana Grande è nata il 26 giugno 1993 e ha 32 anni nel 2025. Con un’altezza di 1.53 cm, Ariana è una delle star più “piccole” del pop contemporaneo, ma la sua presenza scenica – che combina tecnica vocale, controllo del movimento e personalità – supera qualunque dato anagrafico o fisico. La sua figura pubblica dimostra da anni come talento, dedizione e lavoro possano trascendere qualsiasi standard estetico.

Carriera musicale: record, premi e successi

9. I traguardi musicali più importanti. Ariana Grande è una delle artiste più premiate della sua generazione. Con milioni di stream e vendite globali, ha conquistato Grammy, AMA, Billboard Music Awards e MTV Awards, e ha costruito una discografia che mescola pop, R&B, soul e influenze jazz. Album come Sweetener e Thank U, Next hanno segnato una generazione di ascoltatori e ridefinito il linguaggio del pop contemporaneo, grazie a una ricerca sonora che alterna sperimentazione e immediatezza. Le sue collaborazioni – da The Weeknd a Lady Gaga – confermano il suo posto al centro dell’ecosistema musicale moderno.

Ariana Grande nel 2025 e oltre

10. I progetti futuri tra cinema, TV e nuova musica. Il 2025 vedrà Ariana Grande protagonista della seconda parte di Wicked, ma anche impegnata in nuovi progetti discografici, come confermato nelle sue ultime interviste. Il ritorno in studio punterà a un sound più maturo, influenzato dalle esperienze personali e dalle trasformazioni artistiche degli ultimi anni. Parallelamente, l’artista potrebbe tornare alla televisione con apparizioni speciali e collaborazioni con altri performer. La sua traiettoria indica un percorso in continua evoluzione, sempre più internazionale e multidisciplinare.

Jonathan Bailey: 10 cose che forse non sai sull’attore

Gianmaria Cataldo
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Jonathan Bailey: 10 cose che forse non sai sull’attore

Negli ultimi anni Jonathan Bailey è diventato uno dei volti più riconoscibili del panorama televisivo internazionale. Il successo di Bridgerton, dove interpreta Anthony, ha trasformato la sua popolarità in un fenomeno globale, ma la sua storia professionale affonda le radici in un percorso molto più ricco, costruito con costanza tra teatro, televisione, cinema e doppiaggio. Bailey ha attraversato generi, formati e ruoli diversissimi, mostrando una naturale versatilità e una dedizione che lo hanno reso uno degli interpreti più rispettati della sua generazione.

Allo stesso tempo, la sua figura pubblica si è imposta per autenticità e sincerità. La trasparenza con cui ha affrontato temi personali – dal coming out al rapporto con la notorietà – ha consolidato un legame forte con il pubblico. Tra nuovi film, progetti Disney e franchise di alto profilo come Wicked e Jurassic World – La rinascita, l’attore sembra avviato verso un ulteriore salto di carriera. Ecco quindi un ritratto completo, tra vita professionale e privata, con 10 cose che forse non sai su Jonathan Bailey.

I film e le serie TV più importanti della carriera di Jonathan Bailey

Bridgerton Jonathan Bailey

1. La carriera di Jonathan Bailey è iniziata presto, con un percorso costellato da ruoli televisivi che gli hanno permesso di farsi conoscere come attore versatile e affidabile. Da Baddiel’s Syndrome (2001) a Doctors (2007), passando per Lewis (2010) e Leonardo (2011-2012), l’attore ha costruito un curriculum solido, apparendo in serie britanniche di rilievo. È poi arrivata la svolta con titoli come Broadchurch (2013), Doctor Who (2014), Crashing (2016) e W1A (2014–2017). Il successo globale arriva, però, dal 2020 con Bridgerton, che lo consacra come star internazionale. Nel 2023 ottiene grande attenzione anche grazie a Compagni di viaggio, serie in cui riceve consensi critici nettissimi. Il 2025 sarà l’anno della sua definitiva esplosione cinematografica, grazie ai nuovi blockbuster.

2. Oltre alla televisione, Bailey ha sempre alternato importanti ruoli cinematografici. Il debutto avviene con 5 bambini & It (2004), cui seguono Elizabeth: The Golden Age (2007), St. Trinian’s (2007), Permanent Vacation (2007) e Testament of Youth (2014). Negli ultimi anni, però, il cinema ha preso una direzione molto più internazionale: Bailey è uno dei protagonisti di Wicked (2024) e della Parte 2 (2025), dove interpreta Fiyero accanto ad Ariana Grande e Cynthia Erivo.

Jonathan Bailey e Scarlett Johansson

Scarlett Johansson è Zora Bennett, Mahershala Ali è Duncan Kincaid e Jonathan Bailey è il Dr. Henry Loomis in JURASSIC WORLD – LA RINASCITA, diretto da Gareth Edwards. © Universal Studios. All Rights Reserved.

Nel 2025 recita inoltre in Jurassic World – La rinascita, diretto da Gareth Edwards, condividendo il set con Scarlett Johansson e Mahershala Ali. Il suo ruolo, il Dr. Henry Loomis, è già uno dei più discussi del franchise.

Il lavoro di doppiatore: dai videogiochi ai nuovi progetti

3. Ha svolto anche il ruolo di doppiatore. La voce di Bailey è diventata negli anni uno dei suoi marchi di fabbrica. L’attore ha dato contributi significativi anche nel doppiaggio, soprattutto per videogiochi di grande popolarità: ha interpretato Gunther in Anthem (2018), Crystal Exarch in Final Fantasy XIV: Shadowbringers (2019) e G’raha Tia in Final Fantasy XIV: Endwalker (2021). Nel futuro lo rivedremo in Squadron 42, dove presterà la voce ad Aaron Seetow, ruolo che conferma il suo crescente coinvolgimento nel settore.

Jonathan Bailey Bridgerton

Jonathan Bailey su Instagram: l’ascesa di una star globale

4. Ha un account sul celebre social. Il profilo Instagram di Jonathan Bailey è oggi seguito da oltre 3 milioni di persone, un numero in costante crescita grazie all’impatto internazionale delle sue produzioni. La sua bacheca alterna contenuti professionali a scatti più intimi, ma sempre selezionati con cura: backstage dai set, momenti di preparazione ai ruoli, vita quotidiana, viaggi e incontro con altri artisti. L’approccio è sobrio, elegante e autentico, in linea con la discrezione che lo caratterizza da sempre, e permette ai fan di seguirne l’evoluzione artistica da vicino.

Jonathan Bailey in Bridgerton: il ruolo che gli ha cambiato la carriera

5. Si era presentato per un altro personaggio. Il personaggio di Anthony Bridgerton rappresenta la svolta definitiva della sua carriera. Curiosamente, nella prima fase dei casting, Bailey si era presentato per il ruolo di Simon Basset, poi assegnato a Regé-Jean Page. I produttori compresero però che la sua intensità, la sua eleganza e la sua fisicità erano perfette per il Visconte Bridgerton.

Dalla seconda stagione in poi, il suo personaggio è diventato il fulcro narrativo dell’universo creato da Shondaland. Bailey ha dato ad Anthony una profondità emotiva rara nelle serie romance, contribuendo a trasformarlo in uno dei personaggi più amati della piattaforma.

Jonathan Bailey in Broadchurch: il ruolo che lo ha imposto al grande pubblico britannico

6. Ha avuto un ruolo ricorrente nella serie. Prima di diventare una star globale, Bailey era già molto noto nel Regno Unito. In Broadchurch interpreta Oliver Stevens, giovane giornalista locale e nipote del personaggio di Olivia Colman. Il ruolo, presente nelle prime due stagioni, gli permette di mostrare ottime doti drammatiche in una serie acclamata per scrittura e cast. La sua presenza, pur non essendo protagonista, risulta incisiva nel tessuto narrativo della serie.

Jonathan Bailey in Wicked

7. Si è esercitato nella danza. L’interpretazione di Fiyero in Wicked richiede una preparazione complessa, soprattutto sul piano fisico. Pur avendo un background teatrale solido, Bailey ha raccontato di essersi allenato intensamente per padroneggiare le coreografie del musical. Lo studio della danza – tra discipline diverse e allenamenti quotidiani – gli ha permesso di interpretare un Fiyero credibile, elegante e scenicamente potente. La sua performance è stata accolta con entusiasmo sia dai fan del musical originale sia dal pubblico cinematografico.

Jonathan Bailey e Leonardo da Vinci: uno dei suoi ruoli più amati dagli spettatori italiani

8. Ha interpretato il celebre inventore e artista. Nel 2011 la BBC ha trasmesso in televisione la serie Leonardo, un racconto non propriamente fedele dell’attività del giovane Leonardo Da Vinci, mentre cerca di affermarsi come pittore e inventore. Bailey ha ricoperto il ruolo per ben 26 episodi, raccontando di essersi preparato approfondendo quanto più possibile la vita di Leonardo, specialmente nei suoi aspetti meno noti ai più. Fu proprio questo ruolo a conferirgli una prima notorietà.

Jonathan Bailey è fidanzato? Partner, vita privata e cosa ha detto pubblicamente

9. Ha fatto coming out. Jonathan Bailey è dichiaratamente gay e ha sempre raccontato con sincerità il proprio percorso personale. Nel dicembre 2023 ha confermato di essere in una relazione con un “uomo delizioso”, mantenendo però la massima riservatezza – una scelta che ribadisce spesso nelle interviste. Non ha una moglie, come talvolta suggerito da ricerche online, e preferisce non condividere dettagli pubblici sull’identità del compagno. In un’intervista a British Vogue del 2024 ha parlato del desiderio di diventare padre in futuro, ipotizzando anche la co-genitorialità. La sua vita privata rimane un territorio che protegge con cura, nonostante la crescente attenzione mediatica.

L’età e l’altezza di Jonathan Bailey

10. Jonathan Bailey è nato il 25 aprile 1988 a Wallingford, in Inghilterra. È alto 1.80 metri. La sua formazione artistica inizia molto presto e comprende studi di recitazione, danza e teatro, discipline che gli hanno consentito di affermarsi come interprete completo e trasversale.

Fonte: IMDb

Send Help: il trailer del nuovo film di Sam Raimi

Chiara Guida
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Send Help: il trailer del nuovo film di Sam Raimi

Il trailer e il poster di Send Help, il survival thriller dalla comicità dark targato 20th Century Studios e diretto dal visionario regista Sam Raimi (Spider-Man, La Casa).

Il film vede protagonisti l’attrice candidata all’Oscar® e al Tony Award® Rachel McAdams, (Spotlight, Ci sei Dio? Sono io, Margaret, Mean Girls), Dylan O’Brien (Twinless, Saturday Night), Edyll Ismail (La Brea), Dennis Haysbert (Lontano dal Paradiso), Xavier Samuel (Elvis), Chris Pang (Crazy & Rich), Thaneth Warakulnukroh (Thai Cave Rescue – Salvati dalla Grotta) ed Emma Raimi (Happy Pills) e arriverà nelle sale italiane il 29 gennaio 2026.

Nel trailer vediamo i due protagonisti, Rachel McAdams e Dylan O’Brien, nei ruoli di Linda Liddle e Bradley Preston, due colleghi un tempo rivali, che si ritrovano improvvisamente naufraghi su un’isola deserta dopo essere gli unici sopravvissuti a un disastro aereo. Costretti a collaborare per sopravvivere, Linda e Bradley dovranno affrontare vecchi rancori e mettere alla prova la propria forza di volontà per riuscire a salvarsi.

“Ho sempre amato le storie in cui personaggi interessanti e dinamici vengono spinti all’estremo”, afferma il regista Sam Raimi. “Nella nostra storia, la ridefinizione dei ruoli crea una situazione sempre più tesa, ricca di colpi di scena e suspense”.

Send Help è prodotto da Raimi e Zainab Azizi (65 – Fuga dalla Terra), con JJ Hook (Operazione Vendetta) come executive producer e scritto da Damian Shannon e Mark Swift (Venerdì 13, Baywatch), con musiche originali di Danny Elfman (The Nightmare Before Christmas, Batman).

Trailers FilmFest, si è conclusa la XXIII edizione: i numeri

Chiara Guida
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Trailers FilmFest, si è conclusa la XXIII edizione: i numeri

Si è conclusa venerdì la XXIII edizione del Trailers FilmFest, l’unico evento in tutta Europa dedicato alla promozione cinematografica, che si è svolto a Roma dal 19 al 21 novembre.

Il Trailers FilmFest vuole riconoscere e celebrare tutti i mestieri del cinema che contribuiscono al successo di un film.

“La nostra prima edizione da direttori artistici, la ventitreesima per il festival, è stata ricca di novità”, dichiarano Francesca Sofia Allegra e Alessandro De Simone, a conclusione della kermesse. “Abbiamo avuto un’affluenza inaspettata grazie a un programma molto ricco che ha interessato gli addetti ai lavori molto più rispetto agli ultimi anni, un aspetto a cui tenevamo tantissimo. Ma la cosa più importante per noi era dare volto e voce a chi i trailer, i poster, le campagne di lancio, le fa: ai trailer maker, poster maker e i professionisti della distribuzione”.

We Make It Big è il claim che ha accompagnato l’edizione numero ventitré, che punta sicuramente a trovare il giusto posizionamento nel panorama festivaliero, ma soprattutto a radicarsi come un laboratorio permanente, un osservatorio su un settore dell’industria audiovisiva ancora troppo poco analizzato e studiato.

Ed è stata proprio questa la grande novità di quest’anno: la trasformazione del festival in un osservatorio sul settore e un laboratorio permanente. Da ora in poi, Il Trailers FilmFest non sarà solo la tre-giorni intensiva che celebra queste specifiche professioni, ma diventerà uno spazio di confronto e di scambio costante, oltre che di formazione, l’aspetto a cui i due nuovi direttori artistici tengono di più.

“Vogliamo, durante il festival e attraverso le iniziative che faremo nel corso del 2026, celebrare la creatività e tutto quello che è legato al mondo della promozione cinematografica. Il nostro obiettivo è trasformare il Trailers FilmFest in un laboratorio permanente, con eventi ogni mese diretti ai professionisti del settore, ai giovani che vogliono entrare in questo mondo e al pubblico degli appassionati di cinema”, hanno continuato Allegra e De Simone.

La prima iniziativa è prevista già per il primo trimestre del 2026 e ve la comunicheremo davvero a breve.

Di seguito vi ricordiamo tutti  i premi della XXII edizione, compresa la Battle of Creativity, tenutasi durante la serata di premiazione con grande coinvolgimento del pubblico.

Francesca Sofia Allegra e Alessandro De Simone – Foto di Chiara Guida
  • Miglior Trailer Italia: Follemente (Distribuzione: 01 Distribution – Trailer Maker: Edoardo Massieri – Ottoemezzo Movie Factory
  • Miglior Trailer Europa: The Substance (Distribuzione: I Wonder Pictures)
  • Miglior Trailer World: Mission: Impossible – The Final Reckoning(Distribuzione: Eagle Pictures)
  • Miglior Trailer Documentario: Ambra Sabatini (Distribuzione: Adler – Trailer Maker: Daniele Cametti Aspri)
  • Miglior Poster Italiano: Diamanti (Distribuzione: Vision Distribution – Realizzato da Vertigo)
  • Menzione speciale a: Anywhere Anytime (Distribuzione: Fandango – Realizzato da Midnight Marauder)
  • Miglior Campagna Promozionale: Il ragazzo dai pantaloni rosa (Distribuzione: Eagle Pictures)
  • Miglior Campagna Creators: Mauro Zingarelli per Final Destination – In collaborazione con Movieplayer.it
  • Audience Award Premio Miro Grisanti: Il corpo (Distribuzione: Eagle Pictures – Realizzato da: CIT Studio)
  • Miglior Pitch Trailer: Beyul di Francesco ClericiMenzione speciale: Solos di Sara Patané
  • Premio Film Rivelazione dell’anno Robert Bernocchi: Ciao Bambino di Edgardo Pistone
  • La Battle of Creativity è stata vinta da Francesco Marchetti, Fondatore e Direttore Strategico di AKA-LAB, Curatore Cinema e TV del Napoli Comicon • Former Marketing Manager di 20th Century Fox Italy, Chief Marketing Advisor Italia di Vertice 360.

Tutto quello che devi sapere prima dell’arrivo di Stranger Things – Stagione 5

Chiara Guida
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Tutto quello che devi sapere prima dell’arrivo di Stranger Things – Stagione 5

La quarta stagione di Stranger Things arriva dopo quasi un decennio dal debutto della serie, che da semplice omaggio nostalgico agli anni ’80 è diventata un vero fenomeno culturale globale. Mentre il cast è cresciuto e la storia si è ampliata, la stagione 4 rappresenta il penultimo capitolo prima dell’atteso finale.

Hopper, Joyce e Murray: la missione in Russia

La prigionia di Hopper

Creduto morto dopo l’esplosione del laboratorio, Hopper è in realtà sopravvissuto ed è finito in un gulag russo. Qui emerge nuovamente il lato più maturo e vulnerabile del personaggio, segnato dalle sue perdite e dal passato militare.

L’operazione di salvataggio

Joyce e Murray partono per salvarlo dopo aver ricevuto un criptico messaggio. Tra tradimenti e situazioni surreali, i due arrivano alla prigione e partecipano alla fuga finale, culminata in una battaglia contro un Demogorgone.

Il monologo e la rinascita di Hopper

Il suo discorso sulla morte della figlia e sul senso di colpa è uno dei momenti più intensi della stagione e rimedia alle eccessive caricature della terza stagione.

Stranger Things 4Eleven: tra trauma, identità e manipolazione

Vita in California e perdita dei poteri

Trasferita con i Byers, Eleven vive un periodo difficile fatto di bullismo, incomprensioni e fragilità: non ha più poteri e non trova il suo posto.

Il ritorno al laboratorio

Reclutata da Dr. Owens per recuperare le sue abilità, Eleven finisce di nuovo sotto il controllo di Brenner nel laboratorio segreto NINA. Qui riaffiorano ricordi traumatici della sua infanzia e scopre la verità su Henry Creel, il misterioso Numero Uno.

Origine di Vecna e ambiguità morale

La trama esplora l’origine di Vecna e del collegamento con l’Upside Down. La serie sfiora però una problematicità narrativa nel tentativo di rendere Brenner quasi empatico, nonostante sia un manipolatore responsabile di abusi.

Ritorno dei poteri e fuga

Durante l’assalto dell’esercito, Eleven recupera le sue abilità, distrugge un elicottero e assiste alla morte definitiva di Brenner, rifiutando il suo tentato “perdono”.

Stranger Things 4 - Volume 2 recensione
Courtesy of Netflix

Il road trip: la storyline meno riuscita

Jonathan, Will e la crisi identitaria

Will affronta il suo amore non corrisposto per Mike e una profonda incertezza sul proprio futuro. Il dipinto che gli dedica diventa simbolo della sua vulnerabilità. Jonathan, invece, perde peso narrativo e vive una crisi personale poco approfondita.

Argyle e la comicità fuori posto

Argyle funge da elemento comico, ma spesso stona con il tono più cupo della stagione.

L’attacco dell’esercito e il recupero di Eleven

Il gruppo fugge dopo un assalto militare e raggiunge Suzie, in una scena volutamente esagerata ma dissonante. Alla fine localizzano Eleven e la salvano, permettendole di aiutare Hawkins a distanza.

Hawkins: il cuore narrativo della stagione

Vecna e l’estetica à la Nightmare

La storyline di Hawkins è la più riuscita e presenta Vecna, un antagonista più complesso e inquietante dei precedenti, le cui uccisioni psicologiche richiamano l’immaginario di Nightmare on Elm Street.

Eddie Munson e l’Hellfire Club

Eddie diventa il nuovo volto iconico della stagione. Accusato ingiustamente dell’omicidio di Chrissy, si rifugia con Dustin e gli altri mentre la città si lascia travolgere dall’isteria anti-satanista.

Il passato dei Creel e il legame con Eleven

La scoperta della casa dei Creel rivela l’origine di Henry Creel, vero colpevole del massacro familiare e futuro Vecna. Eleven ricorda di averlo affrontato da bambina e, nel tentativo di fermarlo, di aver aperto la prima crepa verso l’Upside Down.

Max e la fuga sulle note di Kate Bush

La scena in cui Max scappa da Vecna grazie a “Running Up That Hill” è diventata una delle sequenze più iconiche dell’intera serie.

La battaglia finale e la voragine su Hawkins

Nel climax, Eddie si sacrifica suonando un assolo metal nell’Upside Down per proteggere Dustin. Max arriva vicina alla morte e rimane in coma, mentre l’Upside Down si riversa nel mondo reale attraverso una gigantesca spaccatura.

Stranger Things finale 4 stagioneTemi, limiti e riflessioni critiche

Il “problema dei sacrificabili”

La serie tende a introdurre personaggi secondari carismatici solo per eliminarli nel finale, creando un effetto prevedibile e poco bilanciato rispetto alla protezione quasi totale del cast principale.

L’eredità di Stephen King

Pur omaggiando King, Stranger Things spesso ne fraintende l’anima politica. Nei racconti di King, il male nasce da sistemi sociali corrotti e dal trauma, mentre la serie livella le esperienze, presentando tutte le forme di emarginazione come equivalenti.

Una stagione imperfetta ma potente

Nonostante alcune criticità tonali e morali, la quarta stagione resta avvincente, emotivamente coinvolgente e visivamente impressionante. In vista della quinta stagione, il pubblico è pronto a un finale che promette nostalgia, epica e nuove ferite emotive.

Chloé Zhao spiega il vero significato di Eternals e le possibilità di un ritorno al MCU 4 anni dopo

Chiara Guida
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Chloé Zhao spiega il vero significato di Eternals e le possibilità di un ritorno al MCU 4 anni dopo

La regista di Eternals, Chloé Zhao, spiega il vero significato del film e ci dice se i personaggi torneranno mai nel Marvel Cinematic Universe. Il film MCU del 2021 segue un gruppo di individui immortali che trascorrono secoli sulla Terra credendo che la loro missione sia proteggere il pianeta dai Devianti e aiutare l’umanità senza interferire direttamente. In seguito scoprono che la loro vera missione è molto più oscura di quanto avrebbero mai potuto immaginare.

Liam Crowley di ScreenRant ha parlato con Chloé Zhao del suo nuovo film, Hamnet, e ha affermato di aver sempre visto Eternals come una storia di mitologia greca ambientata in un mondo familiare di supereroi. Zhao conferma che questa interpretazione è in linea con la sua visione creativa, spiegando di aver sempre visto il film come una storia di dei che si riconciliano con la natura dell’umanità e con il proprio giudizio. Vedere questa storia attraverso la lunghezza di personaggi divini ha lo scopo di suscitare domande più profonde sulla gentilezza, la scoperta di sé e se l’umanità stia vivendo al massimo del suo potenziale.

EternalsConsiderando che Zhao vedeva i film del MCU come una versione moderna dei miti, sentiva che fosse il luogo perfetto per esplorare la storia mitologica di Eternals. Per quanto riguarda il futuro dei personaggi, “adorerebbe riportarli indietro” e approfondire il loro percorso, dopo essere stata “davvero orgogliosa” del film del 2021. Date un’occhiata ai suoi commenti qui sotto:

<<Mi piacerebbe tantissimo! Guarda, hai ragione, e l’hai capito. Si tratta di un pantheon di divinità che discutono della natura dell’umanità e, in ultima analisi, del loro giudizio. Che è ciò che ha detto Arishem: “Tornerò per il giudizio”. E il motivo per cui quelle brevi opere teatrali sono esistite è perché l’umanità potesse vedere come ci vedono gli dei, così da poter valutare come eravamo come parte di questo ciclo dell’universo. Stiamo facendo un buon lavoro? Siamo gentili gli uni con gli altri? Stiamo imparando a conoscerci abbastanza bene?

Questo tipo di mito esiste per una ragione, e questi film [dell’MCU] ne sono una versione moderna per me. Quindi, mi piacerebbe molto riportarli indietro e discutere più approfonditamente del mondo in cui viviamo. Ne sono davvero orgoglioso.>>

L’analisi di Zhao offre una visione stimolante di Eternals, chiarendo ulteriormente cosa si era prefissata di raggiungere e perché il film sembra così diverso dai film MCU usciti prima e dopo.

Quattro anni dopo il debutto cinematografico, non ci sono ancora piani confermati per un sequel, quindi non è chiaro quando o se i personaggi torneranno, ma Zhao ha fatto sapere che è a bordo per continuare a raccontare le loro storie. Gli effetti della morte di Tiamut e il suo legame con l’adamantio sono un punto importante della trama di Captain America: Brave New World, ma ci sono ancora molte domande senza risposta su Eternals.

Una delle scene post-credit di Eternals ha preparato Dane Whitman (Kit Harington) a interpretare un ruolo più importante nell’MCU, che si sarebbe collegato al film Blade con Mahershala Ali. Quel film è stato rimandato a tempo indeterminato dopo numerosi intoppi, rendendo ancora più difficile la continuazione di questa trama di Eternals.

La terza stagione di What If…? ha riportato Kingo (Kumail Nanjiani) in un episodio della sua storia multiverso. È possibile che alcuni degli Eternals compaiano anche nei prossimi progetti MCU, soprattutto con Avengers: Doomsday e Avengers: Secret Wars che introducono personaggi provenienti dal multiverso e da decenni di film Marvel.

Tuttavia, queste storie affrontano già molto, ed è improbabile che abbiano spazio per il giudizio di Arishem, il destino degli Eterni sopravvissuti e per esplorare cosa significhi l’introduzione del fratello di Thanos, Eros (Harry Styles). Un vero sequel potrebbe avvenire solo con Zhao al timone e basandosi sulle scelte creative che ha già fatto nei primi Eterni.

Werwulf: prime immagini di Lily-Rose Depp e Willem Dafoe

Gianmaria Cataldo
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Werwulf: prime immagini di Lily-Rose Depp e Willem Dafoe

Mentre continua la produzione di Werwulf di Robert Eggers, abbiamo già ricevuto alcune immagini in anteprima dal Regno Unito di Aaron Taylor-Johnson, che chiaramente interpreta il lupo mannaro. Nelle foto lo si vede infatti coperto di sangue e urlare a squarciagola. Ora, grazie a Word of Reel, abbiamo altre immagini, questa volta di Lily-Rose Depp e Willem Dafoe (si possono vedere qui). Di entrambi, tuttavia, risulta ad oggi difficile stabilire l’identità dei personaggi interpretati.

Quello che sappiamo di Werwulf

Eggers dirigerà l’horror sui licantropi da una sceneggiatura che ha scritto insieme a Sjón (il duo ha già collaborato alla sceneggiatura di The Northman del 2022). L’uscita del film in Nord America è prevista per Natale 2026. Tim Bevan ed Eric Fellner di Working Title sono i produttori insieme a Eggers e Sjón, mentre Chris ed Eleanor Columbus di Maiden Voyage sono i produttori esecutivi.

Il cast di Werwulf presenta molti degli stessi attori di Nosferatu di Eggers del 2024. Oltre a Aaron Taylor-Johnson, il film vede il ritorno anche di Lily-Rose Depp, Ralph Ineson e Willem Dafoe. L’uscita di Werwulf è prevista per il giorno di Natale del prossimo anno, il 25 dicembre 2026.

Eggers ha recentemente condotto una sessione di domande e risposte dopo la proiezione al Lincoln Center e ha descritto Werwulf come “la cosa più oscura che abbia mai scritto”. Il film è ambientato nell’Inghilterra del XIII secolo, dove il personaggio principale perseguita gli abitanti di una tranquilla cittadina di campagna. Ciò che inizialmente si pensava fosse solo una leggenda metropolitana o frutto della propria immaginazione si trasforma in una minaccia molto reale che costringe gli abitanti del villaggio a reagire. Si dice che il film tratti anche temi di stregoneria.

Wicked: Parte 2, il regista rivela il mistero che coinvolge Glinda e l’Uomo di Latta

Chiara Guida
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Wicked: Parte 2, il regista rivela il mistero che coinvolge Glinda e l’Uomo di Latta

Il regista di Wicked: Parte 2, Jon M. Chu, affronta un mistero che coinvolge Glinda e l’Uomo di Latta. Dopo il maldestro tentativo di Nessarose di lanciare un incantesimo su Boq usando la Grimmerie, Elphaba lo trasforma nell’Uomo di Latta per salvargli la vita. Boq incolpa Elphaba del suo destino e poi cerca vendetta contro di lei.

Questo percorso conduce Boq alla Città di Smeraldo, dove viene visto alimentare la rabbia della folla contro Elphaba durante la canzone di Wicked: Parte 2 “March of the Witch Hunters”. Durante la canzone, Glinda guarda dall’alto in basso la folla e Boq nella sua forma di Uomo di Latta. I due incrociano lo sguardo per un attimo, ma non è chiaro se Glinda si renda conto che l’Uomo di Latta è Boq.

Parlando con Entertainment Weekly, Jon M. Chu chiarisce di non voler fornire un’interpretazione definitiva della scena, ma dal suo punto di vista, Glinda riconosce Boq durante la canzone. Oltre a riconoscere Boq, Chu crede che vederlo nei panni dell’Uomo di Latta che aizza la folla faccia sì che Glinda si chieda che fine abbia fatto il mondo che un tempo conosceva. “Non mi piace necessariamente dire esattamente di cosa si tratta… ma sì, nella mia mente, lei sa che è Boq. Credo che lo riconosca, lo veda nei suoi occhi. Credo che ci sia anche qualcosa che sa intrinsecamente e che la porta a chiedersi: “Che fine ha fatto questo mondo che conoscevo?”.”

Ariana Grande in Wicked- For Good (2025)
Foto di Giles Keyte/Universal Pictures – © Universal Studios.

I sentimenti romantici di Boq per Glinda sono stati al centro delle motivazioni del suo personaggio. È lei la ragione per cui ha chiesto a Nessarose di andare al ballo nel primo film, e sentire del suo imminente matrimonio con Fiyero è la spinta che porta Boq a cercare di lasciare Nessarose dopo il ritorno di Elphaba in Parte 2. Tuttavia, Chu spiega che quando l’Uomo di Latta si allontana da Glinda durante la canzone, dimostra che non gli importa più di lei ed è consumato solo dall’odio.

“Quel momento in cui alza lo sguardo verso di lei e poi si volta dall’altra parte, è lui che dice di non aver più bisogno di lei, perché ha una nuova famiglia di odio che è più forte dell’amore per lui. Quello, per me, è stato un momento importante.”

Quando si tratta di momenti un po’ ambigui, come se Glinda riconosca l’Uomo di Latta o l’apertura del Grimmerie per Glinda durante il finale di Wicked – Parte 2, il team creativo del film è attento a non fornire un’interpretazione “corretta”, poiché vuole che i fan prendano le proprie decisioni su queste scene cruciali.

La sceneggiatrice Dana Fox ha condiviso la sua interpretazione: Glinda apre il Grimmerie da sola alla fine, ma lascia aperta la possibilità che gli spettatori interpretino la scena in modo diverso, inclusa la possibilità che Elphaba stia usando la sua magia da lontano per aprire il libro per la sua amica.

La prospettiva di Chu rende “March of the Witch Hunters” una canzone ancora più oscura, con l’odio dell’Uomo di Latta che funge da manifestazione più ampia dell’odio che ha travolto Oz. Mentre i sentimenti romantici di Boq per Glinda sono sempre stati unilaterali, il momento è profondamente tragico, perché testimonia come il suo precedente amore e ottimismo siano ora completamente sostituiti dalla rabbia in Wicked: Parte 2.

James Cameron rivela di aver quasi diretto Jurassic Park

Gianmaria Cataldo
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James Cameron rivela di aver quasi diretto Jurassic Park

In una recente intervista a Empire Magazine, James Cameron ha raccontato di essere stato molto vicino a dirigere il primo Jurassic Park, prima che Steven Spielberg acquisisse i diritti del romanzo. Cameron ha spiegato: “Ho provato a comprare i diritti del libro e lui mi ha battuto di poche ore. Ma quando ho visto il film, ho capito che non ero la persona giusta per realizzarlo. Spielberg lo era”. 

Il regista di Aliens, Titanic e Terminator ha infatti sottolineato come la sua versione sarebbe stata più estrema e destinata a un pubblico adulto. “Spielberg ha fatto un film sui dinosauri per ragazzi, mentre il mio sarebbe stato Aliens con i dinosauri, e non sarebbe stato giusto“. Se fosse stato diretto da James Cameron, oggi conosceremmo dunque un Jurassic Park completamente diverso, più cupo e violento, con momenti di terrore più intensi. Ma Cameron stesso ha ammesso che la sua versione sarebbe stata un approccio troppo “estremo”.

Il primo Jurassic Park rimane, a oltre 30 anni dall’uscita, l’unico capitolo universalmente considerato di grande valore della saga, con Il mondo perduto – Jurassic Park come film più oscuro e vicino a elementi horror. La visione di Cameron, R-rated e più intensa, avrebbe rappresentato un’alternativa radicale, ma Spielberg e Universal hanno scelto di privilegiare un equilibrio tra spettacolo e accessibilità per tutte le età ed è anche questo ad aver reso il film un grande classico apprezzato e celebrato ancora oggi.

James Cameron torna al cinema con Avatar: Fuoco e Cenere

James Cameron si appresta ora a tornare al cinema con Avatar: Fuoco e Cenere, che metterà i Sully e il Popolo della Cenere l’uno contro l’altro. A parte la versione Na’vi di Quaritch in La via dell’acqua, i principali antagonisti della serie sono sempre stati umani, ma questa volta le cose cambiano con Varang e il Popolo della Cenere.

Dopo la morte del figlio maggiore dei Sully, Neteyam (Jamie Flatters), in La via dell’acqua, è già stato stabilito che per i giovani personaggi la posta in gioco è davvero la vita o la morte, e che non sono al sicuro semplicemente per la loro età o per il fatto di far parte della famiglia centrale della serie. Lo’ak, Kiri, Tuk e Spider non hanno la garanzia di sopravvivere, anche se sono in arrivo altri due film di Avatar.

Oltre ad affrontare la minaccia rappresentata dal Popolo della Cenere, molti dei figli di Sully assumeranno ruoli più importanti in questo terzo film. Lo’ak è stato confermato come nuovo narratore dopo che suo padre, Jake, ha ricoperto questo ruolo nei film precedenti.

Spider si riconcilierà con la sua eredità umana e con il fatto che suo padre sia Quaritch. Nel marketing sono state anche mostrate immagini di Spider che respira senza maschera, un’impresa che non dovrebbe essere possibile per un essere umano su Pandora. Nel frattempo, Kiri ha un legame profondamente unico con Pandora ed Eywa, che sarà ulteriormente esplorato anche nel sequel.

Si ipotizza che Jake potrebbe morire in Avatar: Fuoco e Cenere, dato che i trailer precedenti mostrano che viene fatto prigioniero, mentre Lo’ak e la generazione più giovane assumono ruoli più importanti. Il pubblico dovrà aspettare fino a dicembre per scoprire se questo diventerà realtà, ma indipendentemente da ciò che accadrà, Jake e Neytiri faranno tutto il possibile per proteggere i loro figli e Pandora.

Avatar: Fuoco e Cenere sarà al cinema dal 17 dicembre.

Cynthia Erivo si prepara a mettere in scena l’Otello di Shakespeare insieme a Rachel Brosnahan

Chiara Guida
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Cynthia Erivo si prepara a mettere in scena l’Otello di Shakespeare insieme a Rachel Brosnahan

Cynthia Erivo è pronta a passare a un nuovo ruolo, dopo il grande successo di Wicked. La tre volte candidata all’Oscar, che ha vinto un Tony Award per il suo ruolo ne Il colore viola a Broadway nel 2016, è forse più nota per aver interpretato Elphaba Thropp in Wicked del 2024 e Wicked – Parte 2 del 2025, che adattano rispettivamente il primo e il secondo atto del musical di Broadway che racconta la storia delle origini della Strega Cattiva dell’Ovest.

Secondo Variety, Cynthia Erivo è stata scritturata per un adattamento cinematografico dell’Otello di William Shakespeare. Il progetto, che sarà girato a Doha, in Qatar, sarà una versione cinematografica della produzione teatrale del 2016 del New York Theatre Workshop dell’iconica opera, diretta da Sam Gold e che ha reinterpretato gli eventi dell’opera ambientandoli nel mezzo della guerra in Medio Oriente.

Erivo interpreterà Emilia nel prossimo film sulla tragedia di Shakespeare. Il personaggio, originariamente interpretato da Marsha Stephanie Blake nel 2016, è la moglie del cattivo dell’opera, Iago. Erivo sarà affiancata da diverse persone che hanno preso parte alla produzione del 2016.

Tra queste, la produttrice Barbara Broccoli, che si trova anche lei a un bivio nella sua carriera. Questa è la prima produzione cinematografica a cui è stata assegnata da quando ha ceduto il pieno controllo del franchise di James Bond ad Amazon MGM Studios e si è dimessa dalla produzione dopo aver portato sullo schermo molti capitoli, a partire da GoldenEye del 1995.

Broccoli ha rilasciato una dichiarazione su Otello, affermando di “aver voluto produrre l’adattamento cinematografico di Otello fin da quando abbiamo messo in scena la produzione a New York nel 2016”.

Tornano dalla produzione del 2016 anche la star di Superman Rachel Brosnahan nel ruolo di Dedemona, la moglie di Otello, e la star di Selma David Oyelowo nel ruolo di Otello stesso. Oyelowo dirigerà e produrrà anche il film. L’altro produttore già ingaggiato, oltre a lui e Broccoli, è Nicky Bentham di Eon Productions. Di seguito, un commento di Oyelowo sul progetto: “La nostra versione cinematografica di Otello è moderna e coraggiosamente ambiziosa. Per riuscirci davvero, servono attori coraggiosi. Cynthia non è solo un talento generazionale, ma anche una cara amica con cui sono sempre entusiasta di collaborare, e Rachel è stata un sogno da interpretare nella nostra produzione teatrale originale ed è stata un pilastro ispiratore attorno al quale costruire la nostra nuova interpretazione di questa storia leggendaria.”

Sebbene Cynthia Erivo abbia già sostituito Marsha Stephanie Blake, ci sono ancora ruoli aperti che potrebbero consentire diversi ritorni. Tra questi potrebbero esserci Daniel Craig (Casino Royale, Skyfall) nel ruolo di Iago, Finn Wittrock (American Horror Story, La La Land) nel ruolo del luogotenente di Otello, Cassio, e Matthew Maher (La nostra bandiera significa morte) nel ruolo di Roderigo, innamorato di Desdemona.

Magic Farm, recensione del film con Chloë Sevigny

Camilla Tettoni
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Magic Farm, recensione del film con Chloë Sevigny

Con Magic Farm, presentato al MUBI Fest e disponibile sulla piattaforma MUBI, Amalia Ulman firma la sua seconda regia e conferma uno sguardo unico, sospeso tra antropologia pop, ironia sottile e un realismo che sfiora volutamente l’assurdo. Il film segue un gruppo di giornalisti alla ricerca di “culture particolari” da raccontare e, attraverso la loro missione fallimentare, riflette con leggerezza e intelligenza sul mondo del reportage, sulle narrazioni occidentali e sulle storie che decidiamo di vedere o ignorare.

La caccia alla “storia perfetta”

Al centro della vicenda c’è Edna, interpretata da una magnetica Chloë Sevigny, giornalista di lungo corso che guida una troupe di giovani reporter abituati a inseguire fenomeni folkloristici in giro per il mondo: dalla moda degli stivali a punta in Messico alla fashion week in Congo. Questa volta l’obiettivo li porta in Argentina, dove, tramite un contatto locale di nome Marita, devono realizzare un servizio su Super Carlitos, cantante che si esibisce travestito da coniglio.

Peccato che nulla di tutto ciò esista. O, meglio, esiste solo nel malinteso iniziale che li ha portati fin lì: Super Carlitos vive da tutt’altra parte, e la signora Marita si era limitata a condividere i suoi post sulla sua pagina social.

Quando la troupe si accorge dell’errore, invece di tornare indietro si aggrappa all’unica possibilità rimasta: creare comunque una storia. Da questo momento in poi la popolazione del luogo – incuriosita, divertita o semplicemente desiderosa di apparire davanti all’obiettivo – si presta al gioco, costruendo insieme ai giornalisti una sorta di performance collettiva in cui verità e finzione si confondono felicemente.

Magic Farm: una leggerezza che osserva, senza giudicare

Ulman sceglie un tono che oscilla tra la commedia minimale e un documentario sghembo, lasciando che la grazia dei personaggi e delle situazioni emerga senza forzature. La comunità argentina che accoglie la troupe regala momenti di freschezza e spontaneità, ma allo stesso tempo lo sguardo della regista non nasconde mai la povertà, le fragilità e lo stato di marginalità in cui vive il paese. Il sorriso non manca, ma la realtà concreta che circonda i personaggi resta costantemente in campo. Ed è proprio attraverso questa convivenza tra leggerezza e verità che Magic Farm rivela il suo commento più tagliente: la miopia di un certo giornalismo occidentale, più interessato a inseguire il “folklore perfetto” che ad ascoltare la complessità delle persone che ha davanti. Edna e la sua troupe non cercano ciò che c’è, ma ciò che credono debba esserci, inseguendo un’idea preconfezionata di esotismo che li porta persino a costruire una storia pur di non tornare a mani vuote.

È proprio questo equilibrio a rendere Magic Farm un’opera tanto leggera quanto significativa: lo spettatore si diverte, si lascia trascinare dal ritmo imprevedibile del film, ma non può fare a meno di chiedersi – come del resto ci si chiede di fronte ai protagonisti – perché la troupe non pensi mai di raccontare quello che vede davvero, anziché ciò che spera di trovare.

Tra paternità, identità e finzione

Oltre alla riflessione sullo sguardo occidentale e sul giornalismo spettacolarizzato, Ulman tocca con sorprendente delicatezza altri temi: la paternità, raccontata con totale naturalezza; la sessualità, spesso vissuta in modo buffo e imperfetto;; l’identità, intesa come maschera, ruolo, invenzione.

Nessun discorso è mai pesante o didascalico: tutto passa attraverso piccoli gesti, momenti quotidiani, dialoghi che sembrano improvvisati e invece rivelano una costruzione precisa e intelligente.

Magic Farm: un’opera brillante, che resta impressa

Con Magic Farm, Amalia Ulman esplora il confine tra realtà e rappresentazione, firmando un film che colpisce per freschezza, originalità e lucidità di sguardo. È un’opera che non punta al sensazionalismo, ma alla vibrazione leggera delle vicende osservate da vicino. Un film che si guarda con un sorriso e si ricorda con un pensiero, perché dietro ogni scena si nasconde una riflessione più ampia sul modo in cui osserviamo il mondo e lo trasformiamo in racconto.

Benedict Cumberbatch su Doctor Strange 3: “Fatevi avanti”

Chiara Guida
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Benedict Cumberbatch su Doctor Strange 3: “Fatevi avanti”

Mentre Doctor Strange 3 è ancora in fase di sviluppo presso i Marvel Studios, Benedict Cumberbatch spiega cosa sta succedendo con il suo eroe del Marvel Cinematic Universe. Mentre la timeline dell’MCU è focalizzata sul completamento della Saga del Multiverso nei prossimi due anni, un film di cui molti attendono con ansia aggiornamenti è Doctor Strange 3.

In un’intervista con Liam Crowley di ScreenRant per The Thing with Feathers, a Benedict Cumberbatch è stato chiesto quale sia il futuro di Doctor Strange, dato che il pubblico non vede il potente Vendicatore sul grande schermo dal 2022. Riguardo a come Kevin Feige avesse definito Stephen “l’ancora dell’MCU”, e se fosse ancora così, Cumberbatch ha risposto: “Bisogna chiederlo a Kevin”.

Poiché Benedict Cumberbatch aveva precedentemente espresso il desiderio di impegnarsi di più in Doctor Strange 3, all’attore è stato chiesto un commento sulle voci secondo cui Sam Mendes potrebbe essere candidato alla regia. La star britannica ha risposto: “Onestamente, non vale la pena di subire le reazioni negative, i problemi e la noia di qualsiasi risposta che mi perseguiti per sempre”. Sebbene apprezzi “la quantità di contributo collaborativo che mi è concesso in quell’universo”, Cumberbatch ha sottolineato che “la collaborazione è collaborazione. Stai lavorando con le persone più straordinarie e nelle IP originali più straordinarie”.

Benedict Cumberbatch ha concluso la sua risposta su Doctor Strange 3 dicendo: “Quindi sì, avanti. Adoro far parte di un processo creativo. Quindi sì, dove posso contribuire, lo faccio. Ed è emozionante vedere dove andrà a parare”.

Sebbene a Benedict Cumberbatch non sia stata rivelata la sedia durante l’annuncio del cast di Avengers: Doomsday a marzo 2025, Doctor Strange dovrebbe effettivamente apparire nel film del 2026. Dopo aver inizialmente rivelato di non esserci, Cumberbatch ha chiarito in un’intervista con Business Insider a fine gennaio 2025 che apparirà nel prossimo film di Avengers: “Mi sono sbagliato, ci sarò”.

Dopo il finale di Doctor Strange in the Multiverse of Madness, il film ha incassato 955,7 milioni di dollari al botteghino mondiale, diventando uno dei maggiori successi della Saga del Multiverso. Non è chiaro se Doctor Strange 3 si svolgerà nella Fase 6 o nella Fase 7.

Cumberbatch ha precedentemente dichiarato di far parte del cast di Avengers: Secret Wars, come ha rivelato a Variety il 22 gennaio 2025, affermando che Doctor Strange è “abbastanza centrale per la direzione che potrebbero prendere le cose“. Al momento, Doctor Strange 3 non ha una data di uscita stabilita.

Nicholas Hoult rivela quando inizieranno le riprese di Man of Tomorrow

Gianmaria Cataldo
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Nicholas Hoult rivela quando inizieranno le riprese di Man of Tomorrow

James Gunn ha descritto Man of Tomorrow non come un sequel diretto di Superman, ma come un secondo film del franchise con protagonisti David Corenswet e Nicholas Hoult. La seconda stagione di Peacemaker, invece, dovrebbe essere considerata un prequel del film in uscita. In ogni caso, si tratta comunque del prossimo capitolo della “Saga di Superman”. Indipendentemente da come lo si voglia intendere, gran parte del film è ancora avvolta nel mistero.

Sappiamo che il piano prevede che Superman e Lex Luthor si alleino contro una minaccia molto più grande (che sembrerebbe essere Brainiac) e che Luthor indosserà la sua tuta da guerra verde e viola dei fumetti. Durante una recente apparizione a una convention, proprio all’interprete di Luthor, Nicholas Hoult, è stato chiesto di rivelare qualcosa sul film in uscita.

“Non posso. Mi metterebbe nei guai”, ha dichiarato. “Ma inizieremo le riprese ad aprile. E sono emozionato”. È già qualcosa. Diversi media hanno riportato in precedenza che le riprese inizieranno ad aprile, quindi la conferma di Hoult consolida ulteriormente questo dato. Ci aspettiamo che il cast Man of Tomorrow si rechi a Cleveland e Atlanta per girare le scene ambientate a Metropolis.

Ciò significa che le foto dal set dovrebbero arrivare online abbastanza rapidamente la prossima primavera e con esse qualche prima anticipazione sul film. L’interpretazione di Lex da parte di Nicholas Hoult è stata ben accolta dai fan, e sarà molto interessante scoprire cosa succederà quando lui e Superman saranno costretti a mettere da parte le loro differenze per combattere Brainiac.

Tutto quello che sappiamo su Man of Tomorrow

Le riprese principali di Man of Tomorrow dovrebbero iniziare nella primavera del 2026, con una data di uscita fissata per il 9 luglio 2027. David Corenswet riprenderà il ruolo nel sequel al fianco di Lex Luthor, interpretato da Nicholas Hoult, poiché i due si alleeranno contro questo nuovo nemico, come ha dichiarato il regista.

James Gunn ha infatti affermato: “È una storia in cui Lex Luthor e Superman devono collaborare in una certa misura contro una minaccia molto, molto più grande. È più complicato di così, ma questa è una parte importante. È tanto un film su Lex quanto un film su Superman. Mi è piaciuto molto lavorare con Nicholas Hoult. Purtroppo mi identifico con il personaggio di Lex. Volevo davvero creare qualcosa di straordinario con loro due. Adoro la sceneggiatura”.

Gunn annunciato Man of Tomorrow sui social media il 3 settembre. Nel suo annuncio, lo sceneggiatore e regista ha incluso un’immagine tratta dal fumetto in cui Superman è in piedi accanto a Lex Luthor nella sua Warsuit. Nei fumetti DC, Lex crea la tuta per eguagliare la forza e le abilità di Superman. Mentre l’immagine teaser suggeriva che Lex e Superman sarebbero stati di nuovo in contrasto, ora sembra che Lex userà la sua Warsuit per poter essere allo stesso livello di Superman per qualsiasi grande minaccia si presenti loro.

Al momento, è confermata la presenza della Lois Lane di Rachel Brosnahan. Il co-CEO della DC Studios ha risposto a un fan su Threads all’inizio di settembre 2025 che Lois avrà un “ruolo importante”.

Il film è stato in precedenza descritto come un secondo capitolo della “Saga di Superman”. Ad oggi, Gunn ha affermato unicamente che “Superman conduce direttamente a Peacemaker; va notato che questo è per adulti, non per bambini, ma Superman conduce a questo show e poi abbiamo l’ambientazione di tutto il resto della DCU nella seconda stagione di Peacemaker, è incredibilmente importante”.

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