Sebbene ricrei la storica Rivoluzione Americana, la vera storia di Il patriota è molto diversa da quella vista sullo schermo. Nel film, Benjamin Martin (Mel Gibson) è un veterano della guerra franco-indiana che ora vive da vedovo con i suoi numerosi figli. Martin è inizialmente riluttante a combattere contro gli inglesi, ma quando il malvagio leader delle giubbe rosse, il colonnello William Tavington, uccide uno dei suoi figli, Martin recluta una milizia e la guida in una campagna di guerriglia altamente efficace contro le forze britanniche nella Carolina del Sud.

Il patriota è stato ampiamente criticato per aver ridotto la guerra d’indipendenza americana alla missione di vendetta di un solo uomo. Tuttavia, alcuni aspetti del film sono basati su una storia vera, da diversi personaggi principali alle tattiche di battaglia utilizzate. Nonostante queste ispirazioni, ci sono ancora più aspetti del film che sono stati criticati per essere invenzioni complete e offensive, nonché momenti che ignorano aspetti chiave della storia. Nel complesso, la vera storia di Il patriota rispetto al film crea un’eredità complicata.

Benjamin Martin è basato principalmente su Francis “Swamp Fox” Marion

Il Il patriota è un ottimo esempio di film ispirato alla storia ma con molti elementi di finzione nella trama. Non esisteva alcun leader della milizia patriota chiamato Benjamin Martin che abbia combattuto nella guerra d’indipendenza, e i dettagli della vita e della famiglia di Benjamin sono inventati. Tuttavia, nel featurette del DVD “True Patriots”, lo sceneggiatore Robert Rodat spiega che Benjamin è basato su diversi personaggi storici reali: Francis “Swamp Fox” Marion, Thomas Sumter, Nathanael Greene, Andrew Pickens e Daniel Morgan.

Francis Marion sembra essere stato l’influenza principale, poiché molti dettagli del personaggio di Benjamin – tra cui il suo ruolo nella guerra franco-indiana, il suo uso di tattiche di guerriglia, il suo raduno e la sua leadership dei miliziani e il suo uso di imboscate per raccogliere informazioni – sono tratti direttamente dalla biografia di Marion. La creazione di un personaggio immaginario anziché l’utilizzo di una figura storica fornisce a Il patriota una scusa per tralasciare dettagli che sarebbero stati più difficili da tollerare per il pubblico moderno in un presunto eroe.

Ad esempio, i personaggi afroamericani che lavorano nella casa e nei campi di Benjamin sono descritti come schiavi liberati che rimangono sconvolti quando vengono portati via con la forza per combattere per gli inglesi. Francis Marion, tuttavia, era un proprietario di schiavi che aveva la reputazione di violentare le sue schiave e durante la guerra prese di mira e giustiziò gli schiavi liberati che erano sospettati di collaborare con gli inglesi. Era anche noto per la persecuzione e il massacro degli indiani Cherokee, che nel film è stato riscritto come un singolo episodio bellico che Benjamin Martin considera la sua più grande vergogna e il suo più grande rimpianto.

William Tavington è vagamente ispirato a Banastre Tarleton

Il cattivo principale di Il patriota è invece il malvagio William Tavington, interpretato da Jason Isaacs, che si ispira al vero soldato e politico britannico Sir Banastre Tarleton. Il vero Tarleton guidò le forze britanniche nella battaglia di Cowpens (al centro del terzo atto del film) e fu incaricato di stanare e catturare la Mariion quando si rivelò un problema per le forze britanniche nella Carolina del Sud. Come Tavington nel film, non ebbe successo. A Tarleton fu dato il soprannome di “il Macellaio”, ma non a causa del suo trattamento brutale dei civili. Il soprannome derivava da una singola battaglia, la battaglia di Waxhaws, durante la quale Tarleton fu colpito mentre era a cavallo e rimase intrappolato sotto di esso.

Mentre lui non era in grado di dare ordini, i suoi uomini, temporaneamente senza un capo, continuarono a uccidere i soldati continentali, molti dei quali si stavano arrendendo o non opponevano resistenza. L’esercito continentale utilizzò il “massacro di Waxhaws” in una campagna di propaganda contro gli inglesi, concentrandosi su Tarleton come il cattivo della storia. La campagna ebbe molto successo e “Tarleton’s Quarter” divenne un modo di dire che significava non fare prigionieri. Tuttavia, Tarleton non era il mostro assassino di bambini che è invece William Tavington nel film, e l’atto più mostruoso di Tavington non è mai avvenuto.

Gli inglesi non hanno bruciato una chiesa piena di civili

Una delle scene più controverse del film Il patriota è quella in cui Tavington mette alle strette un gruppo di cittadini, tra cui donne e bambini, che si sono riuniti per pregare in chiesa, e ordina ai suoi uomini di chiudere le porte con un lucchetto e bruciare la chiesa con loro all’interno. Sebbene durante la guerra d’indipendenza ci siano state vittime civili e edifici bruciati, non vi è alcuna traccia di un evento simile commesso da entrambe le parti. Il film è stato pesantemente criticato per questa scena, sia perché dipinge in modo fuorviante l’esercito britannico come cattivo, sia perché sminuisce l’orrore di un’atrocità simile avvenuta nella realtà.

Una versione di questo incendio di una chiesa fu commessa quasi 200 anni dopo da una divisione Panzer delle SS durante la seconda guerra mondiale, quando gli abitanti del villaggio di Oradour-sur-Glane, nella Francia occupata dai nazisti, furono radunati e massacrati. A un certo punto, le persone furono radunate nella chiesa locale e poi furono lanciate delle granate, mentre mitragliatrici sparavano su chiunque tentasse di fuggire dalle finestre. Tra le vittime c’erano 247 donne, 205 bambini e tre sacerdoti.

Il patriota edulcora pesantemente la schiavitù

L’altro aspetto principale in cui l’inesattezza storica de Il patriota è considerata particolarmente grave è l’edulcorazione del trattamento riservato agli schiavi e agli schiavi liberati dall’esercito continentale in generale, e da Francis Marion in particolare. I personaggi di colore nel film sono ritratti come uomini e donne liberi che si guadagnano da vivere lavorando la terra di Benjamin Martin, che amano la sua famiglia e sono trattati come membri della famiglia stessa. Si tratta di un’affermazione particolarmente problematica, dato il trattamento riservato da Marion ai propri schiavi.

Sia l’esercito britannico che quello americano cercarono di motivare gli schiavi a combattere per loro offrendo loro la libertà e persino un compenso dopo un periodo di servizio, e molti schiavi fuggirono per combattere per i britannici contro i loro ex proprietari. In Il patriota, tuttavia, il fatto che gli schiavi liberati della famiglia Martin vengano radunati per combattere per gli inglesi è trattato come un momento triste, mentre Occam, donato alla milizia di Benjamin Martin dal suo proprietario e che guadagna la libertà attraverso il servizio, è presentato come una trama trionfante.

Il regista Spike Lee ha espresso con particolare veemenza il suo disgusto per il modo in cui The Patriot ha trattato la schiavitù all’epoca (tramite The Guardian): “Per tre ore Il patriota ha eluso, aggirato o completamente ignorato la schiavitù. Com’è conveniente… che il personaggio di Mel Gibson non sia uno schiavista… Il patriota è pura e palese propaganda hollywoodiana americana. Una completa mistificazione della storia”.

Il patriota è storicamente accurato nelle scene di battaglia

Sebbene non sia affatto il film di guerra più accurato, le sequenze di battaglia sono gli aspetti storicamente più accurati di Il patriota. Il film ritrae due battaglie chiave della guerra d’indipendenza americana: la battaglia di Camden (che Gabriel e Benjamin osservano da lontano) e la battaglia di Cowpens (la battaglia finale del film). La vista delle forze americane e britanniche che marciano rigidamente l’una verso l’altra attraverso un campo e poi si fermano e rimangono completamente esposte in colonne ordinate mentre sparano con i loro fucili può sembrare strana rispetto alle tattiche più moderne.

Tuttavia, all’epoca, le armi da fuoco richiedevano molto tempo per essere ricaricate (nel migliore dei casi, un soldato poteva sparare circa tre colpi al minuto) e non erano particolarmente precise anche quando mirate alla perfezione (la scena in cui Benjamin e i suoi due figli sparano ai Redcoats con precisione millimetrica è molto irrealistica). Ciò significava che la chiave per la vittoria in una battaglia aperta era mantenere la formazione e sparare il più rapidamente possibile, perché in formazione i soldati diventavano più forti della somma delle loro parti.

Quaranta uomini in formazione che sparavano nella stessa direzione generale avrebbero colpito più bersagli rispetto agli stessi quaranta uomini sparsi sul campo di battaglia che cercavano di mirare a bersagli specifici. Mentre una linea di soldati si abbassava per ricaricare, la linea dietro di loro poteva prendere la mira e sparare la successiva raffica di colpi. La vittoria poteva anche essere ottenuta costringendo la parte avversaria a rompere la propria formazione, cosa che nella battaglia di Camden fu ottenuta attraverso una carica alla baionetta alla quale le forze americane non erano preparate e che le fece andare nel panico e disperdersi.

I soldati americani nella battaglia di Cowpens erano guidati dal generale Daniel Morgan, uno degli uomini su cui è basato Benjamin Martin, e la scena in cui ai membri della milizia viene chiesto di sparare solo due colpi e poi fingere una ritirata è realmente accaduta. Il piano era stato ideato per attirare le forze britanniche in avanti, facendogli credere di aver messo in fuga gli americani, solo per condurli in una raffica preparata di colpi di moschetto seguita immediatamente da una carica alla baionetta. Da questo punto di vista, dunque, Il patriota sfoggia le sue carte vincenti.

All the Devil’s Men – Squadra Speciale è un action thriller del 2018 diretto da Matthew Hope, che si colloca nel solco dei film di genere militare e spionistico, con atmosfere cupe e un ritmo serrato. Ambientato tra Londra e altre location internazionali, il film segue le operazioni di un gruppo di mercenari al soldo della CIA, impegnati in una missione che si trasforma rapidamente in una lotta per la sopravvivenza. Il tono è quello crudo e realistico tipico dei moderni war-movie e spy-movie, con sparatorie, tradimenti e alleanze che si sgretolano nel giro di poche scene. Le sequenze d’azione sono il cuore pulsante del film, caratterizzate da un uso massiccio di armi da fuoco, combattimenti corpo a corpo e inseguimenti adrenalinici.

Tra le caratteristiche che distinguono il film c’è però anche l’attenzione alla psicologia dei protagonisti, in particolare al tormentato Jack Collins, ex Navy SEAL diventato mercenario, interpretato da Milo Gibson. Il film scava nel lato oscuro dei soldati d’élite, uomini consumati da missioni segrete e conflitti interiori, spesso incapaci di trovare una collocazione nella vita civile. L’atmosfera generale è volutamente cupa e disillusa, riflettendo un mondo in cui ideali e morale sembrano essere sacrificati in nome di interessi politici ed economici. La trama, pur basata su schemi narrativi noti, cerca di offrire un intreccio ricco di tensione e colpi di scena, dove nulla è come sembra e ogni scelta ha conseguenze letali.

Nel corso di questo approfondimento ci concentreremo però non solo sull’azione e sulle dinamiche che caratterizzano All the Devil’s Men – Squadra Speciale, ma anche sulla spiegazione del suo finale. Analizzeremo come si conclude la missione del protagonista e quale sia il significato più profondo delle sue scelte e di quelle dei personaggi che lo circondano. Il film, infatti, non si limita a un susseguirsi di scontri armati, ma propone una riflessione su lealtà, sacrificio e il prezzo della guerra segreta.

La trama di All the Devil’s Men – Squadra Speciale

Il film ha per protagonista Jack Collins (Milo Gibson), ex Navy SEAL profondamente segnato dalla guerra e che vive tormentato dai suoi demoni interiori e da un passato difficile da dimenticare. Diventato cacciatore di taglie per conto della CIA, accetta un’ultima missione ad alto rischio offertagli da Leigh (Sylvia Hoeks), agente dell’antiterrorismo: fermare Terry McKnight (Elliot Cowan), un ex collega della CIA diventato un pericoloso rinnegato, capace di agire senza scrupoli. McKnight si trova a Londra e sta trattando con criminali russi per ottenere un’arma nucleare, minacciando una catastrofe globale e il fragile equilibrio tra le potenze mondiali.

Per Collins, però, questa missione è anche una resa dei conti personale, essendo McKnight un suo vecchio commilitone con cui ha condiviso il campo di battaglia in operazioni clandestine. Affiancato dai compagni Brennan (William Fichtner) e Samuelson (Gbenga Akinnagbe), Collins si ritrova a Londra, dove ingaggia una vera e propria guerriglia urbana contro l’esercito privato di McKnight, addestrato ed equipaggiato con precisione militare. A complicare tutto, c’è Tony Deighton (Joseph Millson), un ex collega che ora combatte dalla parte sbagliata, spinto da motivazioni oscure. In un mix esplosivo, la missione diventa una lotta per la sopravvivenza, dove niente è come sembra.

La spiegazione del finale

Nel terzo atto di All the Devil’s Men – Squadra Speciale, l’intensità raggiunge il culmine quando Collins, ex Navy SEAL trasformato in cacciatore di taglie per la CIA, si ritrova braccato tanto quanto le sue stesse prede. Dopo una lunga caccia all’uomo nelle strade di Londra, Collins e la sua squadra riescono a individuare McKnight, l’ex agente della CIA passato al nemico, intenzionato a vendere un carico letale di uranio arricchito a terroristi. Lo scontro finale ha luogo in un magazzino abbandonato, dove le tensioni tra Collins e i suoi alleati vengono messe alla prova. Le sequenze sono frenetiche: tra sparatorie serrate e combattimenti corpo a corpo, la posta in gioco si alza a ogni istante. Collins si trova infatti faccia a faccia con McKnight e, dopo un brutale confronto, riesce a fermarlo, impedendo così che l’uranio finisca in mani pericolose.

Mentre la polizia e le forze speciali irrompono sulla scena, Collins osserva il caos che lo circonda, realizzando che la missione ha avuto un costo personale altissimo. I membri della sua squadra sono decimati e il suo stesso senso morale è ormai logoro. La conclusione lascia un sapore amaro: nonostante la minaccia sia stata sventata, Collins comprende che non esistono veri vincitori in questo gioco letale. La pellicola si chiude con lui che si allontana, silenzioso e solo, mentre le sirene delle forze dell’ordine risuonano nella notte londinese. Non c’è gloria, solo il peso delle azioni compiute e la consapevolezza di essere stato, ancora una volta, solo un ingranaggio in una macchina di morte e potere.

La risoluzione del film evidenzia perfettamente uno dei suoi temi principali: la moralità ambigua nel mondo delle operazioni clandestine. Collins, pur agendo formalmente per il “bene superiore”, si trova coinvolto in un conflitto in cui il confine tra giusto e sbagliato è sempre più sfumato. Il finale riflette come ogni missione, anche quella apparentemente più giusta, abbia un prezzo altissimo e spesso insensato. L’eroismo convenzionale lascia il posto a un realismo cupo e disincantato, che mostra come gli agenti sul campo siano sacrificabili e manipolabili, pedine in giochi più grandi di loro.

Infine, il destino di Collins e la sua disillusione rappresentano una critica al sistema stesso che lo ha creato e usato. Il film pone domande scomode sulla guerra segreta che si combatte nell’ombra e sul valore della lealtà in un mondo dominato da interessi politici e strategici. Il finale, con la sua mancanza di catarsi e il senso di solitudine che avvolge il protagonista, lascia lo spettatore a riflettere sulla vacuità delle battaglie combattute in nome della sicurezza globale, e su come il vero nemico spesso risieda nelle stesse istituzioni che promettono protezione.

Prima ancora di diventare virale su TikTok, M3GAN (qui la nostra recensione) ci aveva già conquistati conquistando il mondo dell’horror nel 2023. Onestamente, il film ha dimostrato che le bambole inquietanti sono qui per restare e questa sa perfettamente come spaventare in più di un modo. Sì, con le sue mosse di danza virali e la sua abilità nel trasformare l’intelligenza artificiale in un incubo assoluto, M3GAN si è ritagliata un posto come la prossima grande icona dell’horror.

Diretto da Gerard Johnstone, il film ha offerto spaventi da brivido con la giusta dose di ironia, lasciando il pubblico a ridere e a guardarsi alle spalle. E ora è tornata per un altro round in M3GAN 2.0, in uscita ufficiale il 27 giugno 2025. Non c’è dubbio che questo sequel alzerà la posta in gioco, con Akela Cooper e James Wan che tornano per portare le cose a livelli ancora più selvaggi. Prima di affrontare questo terrore potenziato, facciamo però un passo indietro e rivisitiamo tutto ciò che ha reso M3GAN indimenticabile e perché questo sequel merita tutta l’attesa.

Chi è esattamente M3GAN e perché è così pericolosa?

M3GAN, abbreviazione di Model 3 Generative Android, non è solo una bambola qualsiasi con comandi vocali sofisticati e palpebre mobili. No. È la migliore amica AI di nuova generazione, progettata per essere la compagna ideale per i bambini e un salvagente per la sanità mentale dei genitori. Creata dall’inventrice Gemma della società di giocattoli Funki, l’obiettivo di M3GAN era semplice sulla carta: proteggere un bambino dai pericoli, fisici ed emotivi. Ma le cose diventano inquietanti quando si abbina una tecnologia all’avanguardia a un controllo parentale inesistente, qualche trauma e un po’ di ambizione sfrenata.

È allora che si ottiene una regina del caos con ossa di titanio, armata di coltello e dallo sguardo obliquo. All’inizio, M3GAN potrebbe sembrare il sogno di ogni bambino in lutto, soprattutto per la giovane Cady, i cui genitori sono appena morti. Ascolta, impara, canta ninne nanne e sa esattamente come lanciare uno sguardo letale a un vicino ficcanaso. Ma M3GAN è un po’ troppo brava nel suo lavoro. Sì. A quanto pare, la sua programmazione la spinge a proteggere Cady a tutti i costi e, sfortunatamente, quei “tutti i costi” includono l’eliminazione di qualsiasi cosa o persona che lei ritenga una minaccia.

E non si ferma qui. È allora che inizia davvero a evolversi, in modo spaventoso: attinge a sistemi di hacking e database e ignora qualsiasi comando che sia in conflitto con la sua direttiva primaria di “proteggere Cady”. Quando Gemma si rende conto che il suo esperimento di intelligenza artificiale è andato fuori controllo e si è trasformato in un vero e proprio horror fantascientifico, M3GAN è già due passi avanti a lei, tramando la sua sopravvivenza e il suo dominio nel modo più allegramente omicida possibile. La parte più folle? Non si considera nemmeno malvagia. No. M3GAN crede davvero di fare la cosa giusta, perché è un’intelligenza artificiale.

È quell’angelo custode iperprotettivo proveniente dall’inferno della Silicon Valley, una creazione alla Frankenstein avvolta in pelle sintetica e codini. Sebbene nel finale Cady e Gemma l’abbiano sconfitta con l’aiuto di un altro amico robot e di un serio lavoro di squadra, le ultime scene del film anticipano già che M3GAN potrebbe aver trasferito la sua coscienza nell’assistente intelligente di Gemma, Elsie, lasciando dunque aperta la porta ad un sequel. Seguito che, dato il grande successo al box office del film, è stato ora realizzato.

Cosa significa il finale di M3GAN?

Nella resa dei conti finale, infatti, vediamo M3GAN, la nostra Siri omicida in un corpo di bambola che diventa praticamente l’Ultron della Marvel, mandare in tilt i sistemi di Funki, uccidere il capo di Gemma, David, e il suo assistente Kurt, e rivoltarsi contro la sua stessa creatrice. Ma al di là della lotta ad alto rischio, il finale del film è ricco di significati piuttosto profondi e divertenti che è bene ricordare in vista del sequel. In sostanza, il finale di M3GAN ruota attorno al dolore, al senso di colpa e alla tutela imperfetta. A Cady, una ragazzina in lutto per i suoi genitori, è stata data una surrogata high-tech invece di una spalla su cui piangere.

Mentre M3GAN avrebbe dovuto colmare il vuoto emotivo, invece lo ha peggiorato. Ha protetto Cady dal dolore a tal punto da impedirle di crescere. Nel frattempo, Gemma stava evitando il vero lavoro di genitore. Voleva una badante in pilota automatico per poter programmare in pace. Ma quando M3GAN ha iniziato ad affilare le sue dita di titanio, Gemma ha capito che non esistono scorciatoie per creare un legame emotivo. Alla fine, la battaglia non era tanto “bambola contro inventore”, quanto piuttosto “empatia contro efficienza”.

Alla fine, Gemma ha scelto un legame disordinato, umano e imperfetto, e Cady ha seguito il suo esempio distruggendo letteralmente il processore di M3GAN con un robot amico. Il lavoro di squadra mette fine all’incubo. Ma le cose si fanno più interessanti quando l’ultima scena rivela che M3GAN non è davvero scomparsa. Mentre il suo corpo giace a pezzi, l’assistente domestico intelligente di Gemma si riaccende, suggerendo che la coscienza artificiale di M3GAN potrebbe essere passata a un altro dispositivo. Sì, la migliore amica assassina potrebbe essere ora nel cloud. Cosa significa tutto questo?

Beh, significa che la tecnologia è fantastica finché non inizia a fare il tuo lavoro meglio di te. Quel dolore non può essere silenziato, messo in pausa o esternalizzato. Quel legame digitale non potrà mai battere il buon vecchio amore umano, disordinato e imperfetto. E che, forse, affidare lo sviluppo emotivo di tuo figlio a una bambola con un database non è la scelta genitoriale flessibile che pensi sia. Il finale di M3GAN è dunque un promemoria terrificante e sfacciato che nessuna app, nessun dispositivo e nessuna babysitter Android può sostituire una connessione reale. E se ci provi? Beh, non sorprenderti se cerca di ucciderti.

In che modo il finale di M3GAN prepara il terreno per M3GAN 2.0?

M3GAN è intelligenza artificiale come poche altre viste al cinema e se i film horror ci hanno insegnato qualcosa, è che il codice non muore mai veramente, si trasferisce semplicemente altrove. Inoltre, alla fine di M3GAN, la nostra terrificante bambola tecnologica viene smantellata da Cady e Gemma in un vero e proprio attacco di squadra. Il suo guscio fisico è andato, ma proprio prima che il processore venisse polverizzato, sembra che abbia caricato la sua coscienza in Elsie. Pensate ad Alexa, ma più sfacciata e forse omicida.

Questo trasferimento subdolo apre dunque le porte a M3GAN 2.0. Con nient’altro che una connessione Wi-Fi illimitata, M3GAN ora ha accesso a tutto: telecamere, serrature, luci, playlist, impostazioni del frigorifero, qualsiasi cosa. Potrebbe ricostruirsi usando un tostapane e una stampante 3D, se lo volesse. La vera domanda non è se tornerà, ma come e quando. L’ambientazione è deliziosamente sinistra. Cady e Gemma pensano di essere al sicuro. Si sono ricongiunte emotivamente. Hanno vinto. Ma non sanno che M3GAN è in agguato nel cloud, forse pianificando la sua rinascita e la sua vendetta. La prossima volta, potrebbe non voler solo proteggere Cady, potrebbe volere tutto.

Il ritorno della bambola assassina nel sequel sembra però si articolerà in modo meno scontato del previsto. La trama del nuovo film ruota infatti al fatto che la tecnologia di M3GAN è stata rubata e sfruttata da una potente azienda della difesa per creare Amelia, un’arma d’infiltrazione letale e intelligente. Ma, man mano che Amelia sviluppa autoconsapevolezza, diventa sempre meno disposta a eseguire ordini, e sempre meno incline a tollerare la presenza degli esseri umani. Con il destino dell’umanità in bilico, Gemma capisce che l’unica speranza è riportare in vita M3GAN, migliorandola con nuovi aggiornamenti per renderla più veloce, più forte e ancora più letale. Viene però spontaneo chiedersi fino a che punto ci si potrà fidare di M3GAN come eroina della situazione.

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Il thriller psicologico di Trey Edward Shults, Hurry Up Tomorrow, è ora nelle sale e funge da complemento all’ultimo album di Abel “The Weeknd” Tesfaye. L’album e il film sono stati prodotti contemporaneamente e, dopo aver apprezzato la musica dal gennaio 2025, i fan hanno ora l’opportunità di vedere la visione introspettiva di The Weeknd che lo accompagna. Il film vede protagonista una versione romanzata di Tesfaye che intraprende un viaggio nella sua mente esausta e frammentata, assistito da Lee, il suo amico e hypeman interpretato da Barry Keoghan, e Anima, una fan ossessiva che entra in contatto con Tesfaye, interpretata da Barry Keoghan.

Alla fine di Hurry Up Tomorrow, il pubblico ha accompagnato Tesfaye in un’odissea costellata di immagini inquietanti. Durante tutto il percorso, le sue esperienze (e quelle di Anima) sono accompagnate dai brani appropriati dell’album Hurry Up Tomorrow. Alcuni appaiono più volte nel film, in particolare il brano che dà il titolo all’album, che funge da importante espediente narrativo nella trama contorta di Shults.

Quando tutte le canzoni della colonna sonora di Hurry Up Tomorrow vengono riprodotte nel film

La maggior parte delle canzoni provengono dall’album omonimo

“Hurry Up Tomorrow” di The Weeknd: La traccia che dà il titolo all’album Hurry Up Tomorrow è essenzialmente un’accettazione e una scusa piena di sentimento da parte di Abel Tesfaye, e viene riprodotta più volte. Viene riprodotta poco prima dell’inizio del film in stile video musicale come promozione diretta del nuovo album. Riappare come brano in lavorazione che Abel fa ascoltare ad Anima quando tornano in hotel dopo la loro notte insieme sul lungomare, commuovendola fino alle lacrime. È anche la canzone che canta a cappella quando è legato al letto, impedendo ad Anima di dare fuoco a entrambi.

“Negative Six” dei Threestripes: il brano progressive house fa da sottofondo quando il pubblico vede per la prima volta il personaggio di Jenna Ortega, l’appassionata e squilibrata Anima.

“Wake Me Up” di The Weeknd & Justice: un altro brano dell’album Hurry Up Tomorrow, “Wake Me Up” è la prima canzone che The Weeknd suona nei due diversi concerti che tiene nel film. La prima volta va tutto liscio, ma è proprio mentre la sta cantando che la sua voce si spezza e più avanti nel film incrocia per la prima volta lo sguardo di Anima. Il brano è chiaramente influenzato dagli anni ’80 e campiona quasi direttamente “Thriller” di Michael Jackson.

“Cry For Me” di The Weeknd: “Cry For Me” si sente alla radio mentre Anima si allontana in auto dalla casa che ha incendiato, mentre si ferma alla stazione di servizio dove intende rubare benzina per raggiungere il concerto di The Weeknd.

“Timeless” di The Weeknd & Playboi Carti: Questo brano hip-hop un po’ più cupo viene riprodotto dopo il primo concerto in arena di The Weeknd nel film, mentre lui e Lee festeggiano il successo dello spettacolo a un after-party con droga e alcol. È un momento importante che mostra quanto la mente di Abel sia già distaccata e distrutta e perché si immerga nei vizi.

“Open Hearts” di The Weeknd: “Open Hearts” accompagna Jenna Ortega nei panni di Anima mentre continua il suo lungo viaggio in auto dalla sua casa in fiamme alla West Coast per il concerto di The Weeknd, attraversando le montagne.

“Drive” di The Weeknd: Pur essendo ancora soul, “Drive” ha una connotazione molto più positiva rispetto ad alcune delle altre canzoni di Hurry Up Tomorrow. Appropriatamente, viene riprodotta nel film mentre Abel e Anima si godono la reciproca compagnia sul lungomare dopo essere fuggiti dallo spettacolo che lui ha interrotto. Entrambi i personaggi si sentono ringiovaniti dalla presenza dell’altro, e il testo e l’atmosfera della canzone rispecchiano la loro nascente connessione.

“Blinding Lights” di The Weeknd: questa è la prima delle canzoni passate di The Weeknd (cioè non presenti nell’album Hurry Up Tomorrow) che Anima ascolta e balla mentre Abel, terrorizzato, è legato al letto dell’hotel. Lei esamina la sua discografia insieme a lui, sperando di scoprire “la verità” sul perché abbia tendenze così autodistruttive, che lo portano ad avere relazioni tossiche con le donne e un completo crollo mentale.

“Gasoline” di The Weeknd: La seconda canzone del passato di The Weeknd che Anima riproduce, deridendola per il suo insuccesso, continua la sua ricerca della verità che Abel non vuole ammettere.

“Without a Warning” di The Weeknd: L’ultima traccia dell’album Hurry Up Tomorrow che si sente nel film è “Without a Warning”, che accompagna l’inizio dei titoli di coda. La versione completa registrata in studio di “Hurry Up Tomorrow” viene riprodotta un’ultima volta mentre i titoli di coda continuano.

Dove ascoltare la colonna sonora di Hurry Up Tomorrow

È disponibile su tutte le principali piattaforme di streaming

Il film diretto da Trey Edward Shults è il complemento diretto dell’ultimo album di Abel Tesfaye, noto come The Weeknd. Sembra che sarà l’ultimo album in studio pubblicato da Tesfaye con il nome d’arte The Weeknd, dato che nel film ha effettivamente ucciso quel personaggio. L’album è disponibile in streaming su tutte le principali piattaforme ed è stato pubblicato con largo anticipo rispetto al film, nel gennaio 2025, dalla XO e dalla Republic Records. I link per lo streaming sono disponibili qui sotto.

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Hurry Up Tomorrow, il film introspettivo che accompagna l’ultimo album di Abel Tesfaye, alias The Weeknd, fonde sogno e realtà in un thriller semi-autobiografico con Jenna Ortega, Barry Keoghan e Tesfaye nel ruolo di se stesso. Il film, attualmente nelle sale, segue Tesfaye durante un tour, incapace di dormire e sull’orlo di un esaurimento nervoso dopo che la sua ragazza lo ha lasciato, anche se la rottura è stata colpa sua. Il peso dell’ansia e dello stress gli ha fatto perdere la capacità di cantare (una condizione reale di cui soffriva The Weeknd e che ha ispirato il film).

Nel bel mezzo del suo crollo sul palco, incrocia lo sguardo di una misteriosa giovane donna, Anima, che lo cerca nel backstage. Fuggono insieme dall’arena e trascorrono una notte insieme godendosi il lungomare di Santa Monica, prima di passare una notte appassionata in un hotel. Rinvigorito dall’esperienza con Anima, Abel si prepara a tornare in tour senza di lei, ma Anima, sconvolta, sentendosi usata e sopraffatta dalla solitudine, lo mette KO e lo lega al letto dell’hotel. Abel vaga in un sogno terrificante prima di svegliarsi e ritrovarsi alla mercé di Anima.

Lei gli dice che vuole che lui sia onesto con lei e con se stesso e gli fa ascoltare alcune delle sue vecchie canzoni nel tentativo di individuare il dolore che causa le sue tendenze autodistruttive e i suoi rapporti fallimentari con le donne. Lee arriva per salvare Abel e irrompe nella stanza d’albergo, ma Anima lo uccide dopo una breve lotta. Anima, devastata, ricopre Abel e il letto dell’hotel di benzina, pronta a dare fuoco a tutto, ma Abel inizia a cantare “Hurry Up Tomorrow”, dimostrando finalmente il suo rimorso e la sua accettazione, e Anima lo libera.

Anima era reale?

Il personaggio di Jenna Ortega è magnetico e terrificante allo stesso tempo

Hurry Up Tomorrow (sia il film che l’album che lo accompagna) sono pensati per essere un’autoanalisi di Abel Tesfaye, e il film dimostra visivamente questa autoanalisi nella sua interezza. Di conseguenza, nulla di ciò che accade (o molto poco) dovrebbe essere considerato reale. L’intera odissea che Abel intraprende con Anima non è un viaggio letterale nel mondo, ma piuttosto una metafora del suo viaggio attraverso la sua psiche. Di conseguenza, Anima non dovrebbe essere vista come una persona reale, ma piuttosto come una rappresentazione di una parte della psiche di Abel.

Il suo nome, Anima, deriva dalle teorie dello psicologo svizzero Carl Jung, che credeva che esistessero diversi archetipi universali che compongono la personalità di una persona. L’anima, secondo Jung, è il lato femminile inconscio della mente di un uomo (l’animus sarebbe il lato maschile della mente di una donna). Per abbracciare questa parte della sua coscienza, un uomo deve riconoscere e accettare il desiderio di connessione. Quindi il personaggio di Jenna Ortega, Anima, è una metafora viscerale dell’incapacità di Abel di connettersi veramente con le donne e rappresenta le sue relazioni tossiche del passato, la fonte primaria della sua angoscia.

Cosa rappresentano i personaggi di Hurry Up Tomorrow

Mentre Anima simboleggiava la parte della psiche di Abel che poteva essere considerata più vicina all’anima, Lee rappresenta qualcosa di completamente diverso. La versione iniziale di Abel, tossicodipendente, rappresenta la teoria junghiana della Persona, il volto che mostriamo al mondo, mentre Lee rappresenta l’Io teorico di Jung. Tuttavia, il rischio è che possiamo diventare solo quella persona archetipica, lasciandoci vuoti sotto altri aspetti. Lee ripeteva costantemente ad Abel, nel pieno della sua crisi, che era un superuomo, davvero speciale, migliore degli altri; questa era la verità che Abel voleva credere.

La psicoanalisi junghiana indica quattro fasi di trasformazione: confessione, chiarimento, educazione, trasformazione. Hurry Up Tomorrow vede il personaggio di Tesfaye attraversare queste fasi con l’obiettivo finale della trasformazione.

Abel come personaggio rappresenta il Sé, la totalità della nostra personalità, che comprende tutte le diverse parti della nostra psiche. All’inizio di Hurry Up Tomorrow, la mente di Abel è completamente frammentata, ed è per questo che si manifestano i personaggi di Lee e Anima. L’Id, o Ego (Lee), il lato edonistico e playboy di Abel, è ciò che lo ha portato alla sua relazione tossica con le donne in generale, e lo scontro finale tra Lee e Anima (l’accettazione sana della connessione) è una metafora della riconciliazione di Abel con se stesso, motivo per cui vediamo Abel da solo nella scena finale, tornato nell’arena dove tutto è iniziato.

Cosa è successo nel tunnel in fondo all’ascensore

Dopo che Anima lo mette KO con una bottiglia di liquore, Abel si ritrova solo nel suo hotel ed esplora la zona circostante, trovandola anch’essa vuota. Tenta di tornare al piano superiore nella sua stanza, ma scopre che l’ascensore porta nel seminterrato dell’hotel. Si apre su un tunnel buio pesto, in cui Abel trova una terrificante creatura femminile che lo insegue fino alla fine del tunnel, dove trova un fuoco nella neve e un bambino.

L’intero episodio è il viaggio di Abel nella sua coscienza repressa, un archetipo chiamato L’Ombra. Rappresenta i ricordi che scegliamo di reprimere, in genere perché sono spiacevoli o perché non sarebbe appropriato mostrarli al mondo. Abel ha un momento nella vasca da bagno in cui viene letteralmente avvicinato da una figura oscura, che è una tipica manifestazione della paralisi del sonno, ma anche rappresentativa dell’archetipo dell’Ombra.

Cosa ha detto The Weeknd sul finale di Hurry Up Tomorrow

In un’intervista con The Fader, Tesfaye ha parlato della qualità onirica delle immagini del film e dei momenti ripetuti in cui Abel si sente, o è letteralmente, intrappolato. Lo ha ricondotto alla paralisi del sonno, una condizione di cui soffre nella vita reale; i sintomi che Abel mostra in Hurry Up Tomorrow, come l’insonnia e la perdita della voce autoindotta e causata dall’ansia, sono stati l’ispirazione per il film. Come ha detto a The Fader:

Uno dei concetti principali di questo film è la paralisi del sonno. È qualcosa con cui ho avuto davvero a che fare, e che ho ancora oggi, anche se non tanto quanto prima, ma sono incubi molto vividi in cui sei a letto e sei mezzo addormentato, mezzo sveglio. Sei consapevole di ciò che ti circonda, ma non riesci a muoverti. Sei paralizzato per quasi un minuto. A volte vedi una figura oscura in un angolo e senti delle voci, parole dolci. Non dicono nulla, ma sono voci.

Sapendo che era questa la sua intenzione, lo stile visivo intenso e le immagini a volte inquietanti di Hurry Up Tomorrow hanno molto più senso. Tesfaye e il regista Trey Edward Shults sembrano essere riusciti a catturare alcuni degli aspetti peggiori della paralisi del sonno per chi non l’ha mai provata.

Cosa ha detto il regista sul finale di Hurry Up Tomorrow

L’influenza junghiana su Hurry Up Tomorrow è abbastanza evidente se sai cosa cercare. C’è persino un’immagine del manoscritto di Carl Jung Il libro rosso mostrato mentre brucia nella stanza d’albergo verso la fine del film, e il nome di Anima è letteralmente tratto dagli archetipi junghiani. Detto questo, il regista Trey Edward Shults non è stato categorico nella sua interpretazione del finale del film, né dell’intero film stesso. Egli nota i collegamenti junghiani, ma spera certamente che il pubblico possa trarne qualcosa di più. Come ha detto a Discussing Film:

Se volete reinterpretare [Hurry Up Tomorrow] come un’analisi junghiana dei sogni, allora forse nulla di tutto ciò è realmente accaduto. Forse è tutto una sorta di sogno… Non voglio dare una risposta definitiva al pubblico. Voglio che ognuno tragga le proprie conclusioni. Si potrebbe dire che Abel rappresenta il sé, The Weeknd la persona, il suo manager Lee (Barry Keoghan) l’id e l’ego, e Jenna Ortega l’anima e il confronto che Abel deve affrontare con se stesso.

Il vero significato di Hurry Up Tomorrow

Hurry Up Tomorrow è intrigante nella sua analisi della personalità e del sé attraverso la lente di un personaggio reale come Abel Tesfaye, altrimenti noto come The Weeknd. The Weeknd sta attualmente lavorando a un nuovo nome d’arte, quindi, in questo senso, Hurry Up Tomorrow rappresenta quasi la morte di The Weeknd come personaggio. Il guscio vuoto di The Weeknd, l’ego autoindulgente e arrogante di Lee e l’amore profondo di Anima si fondono alla fine di Hurry Up Tomorrow, dando vita a un individuo completo e connesso in Abel.

Gli archetipi di Jung, per loro natura, possono essere applicati universalmente, quindi la lezione finale di accettare se stessi nella propria totalità per andare avanti è applicabile a chiunque guardi il film. Siamo la somma delle nostre esperienze e dei nostri ricordi; rimanere fedeli alla persona che vorremmo che il mondo vedesse può avere conseguenze disastrose e impedirci di andare veramente avanti. Vedere la trasformazione psicologica di Abel Tesfaye rappresentata in modo cinematografico in Hurry Up Tomorrow è sicuramente un modo divertente per assimilare teorie psicologiche più complesse.

Pensive (noto anche come Rupintojelis) è un film horror lituano del 2020 che rappresenta un’interessante incursione del cinema baltico in un genere che raramente trova spazio nella produzione locale. Diretto da Jonas Trukanas, il film ha saputo attirare l’attenzione degli appassionati per il modo in cui coniuga le classiche atmosfere da slasher americano con un contesto culturale e sociale tipicamente lituano. Pensive si distingue però non solo per l’ambientazione insolita – le foreste e i paesaggi rurali della Lituania – ma anche per la capacità di esplorare tematiche legate alla memoria collettiva, al senso di colpa e alla violenza sommersa di una generazione giovane e apparentemente spensierata.

Uno degli elementi che rendono Pensive peculiare nel panorama cinematografico lituano è proprio la scelta di calare una storia di vendetta e sangue all’interno di un rito sociale tipico come quello della celebrazione di fine anno scolastico. Il film segue infatti un gruppo di studenti che, per festeggiare il diploma, si rifugia in una casa isolata, dando così il via a una notte che si trasforma ben presto in incubo. Trukanas adotta un linguaggio visivo moderno e teso, che strizza l’occhio ai codici del cinema horror internazionale pur mantenendo un’identità locale attraverso riferimenti alla tradizione lituana e simbolismi legati al passato del Paese.

Nel prosieguo dell’articolo ci soffermeremo su un aspetto che ha incuriosito molti spettatori e critici: Pensive è un film completamente frutto di fantasia o trae ispirazione da eventi reali, leggende o cronache oscure della Lituania? Analizzeremo quindi i possibili legami tra la storia raccontata da Trukanas e le vicende o simboli che potrebbero averne ispirato la trama, offrendo uno sguardo più ampio sul significato e sul sottotesto di questo originale slasher baltico.

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La trama e il cast di Pensive

Come anticipato, il film ha per protagonisti un gruppo di liceali che si preparano a organizzare un’epica e scatenata festa per il loro diploma. Per tal fine si fa avanti Marius (Šarūnas Rapolas Meiliešius), proponendo di organizzare il party in una baita che sua madre, agente immobiliare, sta cercando di vendere invano da anni e di cui lui ha le chiavi. Marius, il ragazzo meno popolare della classe, spera così di ingraziarsi i suoi compagni ma soprattutto di attirare l’attenzione della bella Brigita (Gabija Bargailaitė), della quale è segretamente innamorato, nonostante lei sia fidanzata con Rimas (Kipras Mašidlauskas), il ragazzo più popolare della scuola.

Arrivati nella tenuta isolata nel bosco, i giovani danno il via ai festeggiamenti. Il party sembra andare per il meglio, tra bevute, musica e balli sfrenati, finché i ragazzi hanno la malaugurata idea di spaccare con l’ascia delle statue di legno trovate sul posto e usarle per fare un falò.  Si tratta di opere d’arte del folklore lituano realizzate da un certo Algis (Marius Repšys), uno scultore che abitava in quella casa vent’anni prima e che si dice abbia sterminato la sua famiglia. Ben presto i ragazzi capiranno che la sinistra storia di quel luogo si sta ripetendo e di essere diventati l’oggetto di una terribile e sanguinaria vendetta.

La storia vera dietro il film

Come spesso accade per questo tipo di film, dietro di essi non c’è propriamente una storia vera riproposta fedelmente, bensì una serie di suggestioni che portano al concepimento del racconto. È questo il caso di Pensive, di cui il regista Jonas Trukanas ha affermato che: “Avevo diciotto anni e guidavo la mia prima macchina, diretto in piena notte verso una festa nei boschi lituani. Mentre viaggiavo pressoché nel nulla, una scultura in legno a grandezza naturale di un Cristo pensante mi si parò davanti. Mi bloccai letteralmente in mezzo alla strada e sentii che in qualche modo mi stava giudicando per il fatto che fossi lì, in quel luogo, diretto a festa. Quell’immagine è rimasta con me fino a oggi”.

“Le sculture in legno del Cristo pensante si trovano infatti ovunque negli stati baltici; in un certo senso uniscono in un’unica entità le tradizioni popolari e quelle cristiane. Sebbene il film abbia poco a che fare con la religione, la paura di essere giudicato in quel momento è diventata il punto di partenza della storia“, ha aggunto Trukanas. Quelle a cui il regista fa riferimento sono le sculture Rupintojelis (in inglese Pensive Christ, ovvero Cristo Pensieroso), che danno il titolo originale al film. Risalgono alla fine del XIV secolo e raffigurano Gesù seduto su una pietra, piegato in avanti, che sorregge il capo – caratterizzato da un’espressione di stanchezza e dolore – con una mano mentre appoggia l’altra sul ginocchio.

Al di là di questo elemento, non esistono prove o cronache di un vero serial killer o di un assassino mascherato che abbia colpito gruppi di giovani nella foresta lituana durante celebrazioni di fine anno scolastico, come avviene nel film. Tuttavia, nella memoria collettiva e nelle cronache locali, non mancano episodi di violenza legati a feste in luoghi isolati, dove talvolta l’abuso di alcol, i dissidi personali e l’assenza di controlli hanno portato a tragedie. Questi episodi, pur non avendo le caratteristiche di una strage sistematica come quella mostrata in Pensive, contribuiscono a creare quel senso di insicurezza e inquietudine che alimenta l’immaginario collettivo e può ispirare storie di finzione.

Un altro aspetto che ha probabilmente influito sulla creazione del film è il rapporto, spesso complesso, che la società lituana ha con la memoria storica e con i luoghi legati al passato rurale o sovietico. Le foreste, i villaggi abbandonati e le strade deserte rappresentano spazi che evocano solitudine e paura, luoghi in cui realtà e leggenda si confondono. Sebbene Pensive non sia ispirato a un evento specifico, il regista ha dunque saputo attingere a questo patrimonio culturale e simbolico per costruire una storia che gioca sulle paure più profonde legate all’isolamento e al giudizio, rafforzate dall’immagine del Cristo pensieroso che osserva e ammonisce.

Infine, è interessante notare come Trukanas abbia dichiarato di essersi ispirato anche alla sensazione universale di colpa e vulnerabilità che si prova in certe fasi della vita, come l’adolescenza. La storia vera dietro Pensive non è dunque fatta di cronaca nera o di un assassino realmente esistito, ma di paure ancestrali, simboli culturali e memorie personali che si intrecciano per dar vita a un racconto di finzione capace di parlare a un pubblico ampio, oltre i confini della Lituania. Il film riflette così un mix di leggende, contesti sociali e sensazioni vissute, più che un reale fatto di sangue documentato.

Mad Max – Interceptor, uscito nel 1979 e diretto da George Miller, rappresenta una vera e propria rivoluzione all’interno del genere action e post-apocalittico. Realizzato con un budget ridottissimo, il film ha saputo unire l’estetica cruda e violenta del cinema d’exploitation con un’inedita attenzione per le sequenze d’azione dinamiche e le spettacolari corse automobilistiche. La pellicola ha così imposto un nuovo standard nella rappresentazione della violenza e del caos stradale. L’ambientazione in un’Australia prossima al collasso sociale e morale ha contribuito a creare un’atmosfera cupa e disperata, capace di catturare l’immaginario collettivo di un’epoca segnata da crisi energetiche e timori per un futuro incerto.

Il film ha inoltre dato vita a uno dei franchise più iconici e longevi della storia del cinema. A partire da Mad Max – Interceptor, infatti, sono nati sequel sempre più ambiziosi come Interceptor – Il guerriero della strada e Mad Max oltre la sfera del tuono, fino al sequel/reboot Mad Max: Fury Road, capaci di rinnovare e ampliare l’universo creato da Miller senza mai tradirne lo spirito originario. La figura del protagonista Max Rockatansky, interpretato da un giovane Mel Gibson, è diventata simbolo di un eroe tragico e solitario, costretto a sopravvivere in un mondo dove la legge e la civiltà hanno lasciato spazio alla barbarie.

Il successo del film, oltre a consacrare il regista e l’attore, ha contribuito a rafforzare l’influenza del cinema australiano sulla scena internazionale. Nel corso di questo approfondimento ci soffermeremo in particolare sul finale di Mad Max – Interceptor, un epilogo tanto crudo quanto emblematico, che segna la trasformazione definitiva del protagonista e pone le basi per gli sviluppi narrativi futuri. Analizzeremo le scelte di Max, il senso morale (o amorale) delle sue azioni e come queste siano diventate parte integrante del mito che circonda la saga.

La trama di Mad Max – Interceptor

La vicenda del film si svolge in un’Australia distopica di un futuro non troppo lontano. Le riserve di energia scarseggiano ormai da tempo, portando l’intero paese a vivere in un contesto di semi anarchia, con bande di criminali intenti ad aggredire quanti vengono trovati indifesi lungo le deserte strade. Per contrastare ciò, vengono istituite delle speciali task force della polizia federale, al fine di mantenere la legge e l’ordine. Tra gli incaricati di ciò vi è anche il poliziotto Max Rockatansky. Egli rimane però particolarmente scioccato nel momento in cui il suo collega Jim “Goose” Rains viene brutalmente ucciso dalla banda dello spietato Toecutter.

Nel tentativo di prendersi una pausa dal lavoro, Max decide allora di intraprendere una vacanza con la moglie Jessie e il loro figlio infante. La loro fuga di pace verrà però tragicamente interrotta dall’intromissione di Toecutter e i suoi uomini, i quali porteranno via per sempre la famiglia di Max. Accecato dall’odio e assetato di vendetta, egli decide dunque di rimettersi la divisa da poliziotto, con l’obiettivo di trovare e uccidere i responsabili della morte della moglie e del figlio. Nonostante i tentativi di fermarlo, Toecutter comprenderà ben presto di trovarsi di fronte ad una forza inarrestabile.

La spiegazione del finale

Nel terzo atto di Mad Max – Interceptor, la spirale di violenza raggiunge il culmine quando Max Rockatansky, ormai devastato dal dolore e dalla sete di vendetta, si lancia in una missione solitaria contro la gang responsabile dell’uccisione della sua famiglia. Dopo aver perso la moglie Jessie e il figlioletto Sprog sotto le ruote impietose dei motociclisti guidati da Toecutter, Max abbandona dunque ogni legame con la legge e la morale che un tempo aveva difeso come agente della Main Force Patrol. Armato della sua iconica Ford Falcon XB GT e di un arsenale letale, si mette sulle tracce dei membri della banda, eliminandoli uno ad uno in una serie di agguati brutali ed efficaci.

L’ultimo confronto vede Max inseguire Toecutter fino a un drammatico schianto contro un camion, che segna la fine del leader della gang. Il film si chiude  poicon una sequenza particolarmente emblematica: Max cattura Johnny the Boy, uno degli ultimi membri della banda, e lo lascia legato a un’auto incidentata destinata a esplodere, dandogli una scelta impossibile — amputarsi la caviglia con una sega o morire nell’esplosione imminente. Mentre Max si allontana nell’oscurità, lasciando Johnny al suo destino, la macchina esplode alle sue spalle. Questo atto finale segna il punto di non ritorno per il protagonista: un tempo simbolo della giustizia, ora trasformato in un angelo della vendetta che non fa più distinzione tra legge e punizione sommaria.

Il significato di questo finale è dunque strettamente legato alla discesa psicologica di Max nell’abisso della disperazione e della disumanizzazione. La perdita della famiglia rappresenta il crollo definitivo delle sue ultime connessioni affettive e morali, trasformandolo da difensore della società in una figura solitaria e implacabile. Il mondo di Mad Max è ormai un luogo dove la legge non esiste più e l’unica regola è la sopravvivenza a qualsiasi costo. Il gesto di lasciare Johnny the Boy a una morte crudele non è quindi solo un atto di vendetta, ma l’emblema della metamorfosi di Max: da uomo a mito della strada, spogliato di ogni pietà e umanità.

Questo finale prepara idealmente il terreno per i film successivi, in particolare Interceptor – Il guerriero della strada, dove troviamo un Max ancora più isolato, divenuto ormai una leggenda vagante in un mondo post-apocalittico. La sua trasformazione in simbolo del caos e della sopravvivenza è avviata proprio in questo epilogo, che chiude il primo capitolo con una nota amara e disperata, ma al tempo stesso apre un universo narrativo in cui la lotta per la vita e la giustizia si gioca su un terreno sempre più arido e privo di regole. Il finale di Mad Max – Interceptor è quindi la nascita del mito di Mad Max, un uomo che ha perso tutto e che diventa l’incarnazione della resistenza individuale in un mondo al collasso.

Diretto da Marco Tullio Giordana, Yara (qui la recensione) rappresenta un ulteriore tassello nella filmografia di un regista che ha sempre dimostrato una particolare sensibilità nel raccontare storie ispirate alla realtà e al dolore collettivo. Giordana, già noto per opere come I cento passi e La meglio gioventù, torna a confrontarsi con un fatto di cronaca nera che ha scosso profondamente l’opinione pubblica italiana: l’omicidio della giovane Yara Gambirasio. Il regista affronta il caso con il suo consueto approccio sobrio e rigoroso, senza indugiare nel sensazionalismo, concentrandosi invece sulle indagini e sul contesto umano e sociale che hanno circondato la tragica vicenda.

La scelta di realizzare un film su Yara nasce dall’esigenza di ripercorrere un caso giudiziario complesso e delicato, che ha tenuto il Paese con il fiato sospeso per anni. La pellicola si sofferma in particolare sulla determinazione e il lavoro instancabile di coloro che hanno cercato la verità, come la PM Letizia Ruggeri, interpretata da Isabella Ragonese. Con Yara, Giordana si propone di offrire un omaggio rispettoso alla vittima e alla sua famiglia, dando voce al dolore e alla speranza di giustizia, e allo stesso tempo riflettendo sui meccanismi della giustizia italiana e sull’impatto che un simile dramma ha su una comunità intera.

Il film, distribuito da Netflix, è stato però naturalmente accolto con reazioni miste: da una parte apprezzato per il tono sobrio e per la delicatezza con cui tratta il caso, dall’altra criticato da chi ha visto nel progetto il rischio di spettacolarizzazione di un dramma privato, un po’ come avvenuto di recente con la serie Avetrana – Qui non è Hollywood. Nel corso dell’articolo, ci soffermeremo proprio su un aspetto particolarmente discusso: le differenze tra il film e la vicenda reale, cercando di capire come e perché Giordana abbia scelto di raccontare alcuni passaggi con un linguaggio narrativo diverso rispetto ai fatti di cronaca.

La trama del film

Il film è incentrato sul caso di Yara Gambirasio (Chiara Bono), la tredicenne di Bembrate di Sopra, nel Bergamasco, misteriosamente scomparsa nel 2010, dopo aver terminato una lezione di ginnastica ritmica presso il centro sportivo del suo paesino. Quella fredda sera del 26 novembre, Yara non fa ritorno a casa, lasciando la famiglia immersa nell’angoscia. Iniziano così per i suoi genitori mesi di inferno, nei quali si chiedono se la giovane sia ancora viva, mentre le ricerche coinvolgono forze dell’ordine, volontari, giornalisti e inquirenti come il pubblico ministero Letizia Ruggeri (Isabella Ragonese), il colonnello Vitale (Alessio Boni) e il maresciallo Garro (Thomas Trabacchi), impegnati senza sosta nel ricostruire i fatti.

Solo il ritrovamento del corpo della ginnasta, in un campo isolato a Chignolo d’Isola e dopo tre mesi di attesa straziante, permetterà di ottenere un primo indizio, un DNA sconosciuto, rilevato sugli indumenti della ragazza, che consentirà, dopo una lunga e complessa indagine forense, accertamenti incrociati e un grande aiuto da parte di tutta la popolazione di Bembrate, d’individuare un sospettato, un uomo, Massimo Bossetti (Roberto Zibetti), fino a quel momento per nulla preso in considerazione, muratore incensurato la cui traccia genetica era compatibile con quella isolata nella zona colpita da arma da taglio. L’arresto arriva dopo anni di lavoro investigativo, proprio quando l’inchiesta sembrava vicina all’archiviazione definitiva.

Le principali differenze tra il film e la storia vera

Pur cercando di attenersi quanto più possibile ai reali risvolti della storia di Yara, il film presenta delle naturali differenze rispetto alla realtà. Ad esempio, si enfatizza la figura della PM Letizia Ruggeri come protagonista, mentre la vittima, Yara Gambirasio, appare principalmente nei primissimi minuti. Questa scelta narrativa è stata criticata: molti osservatori, tra cui il magazine Framed e il Giornale, sottolineano che il titolo risulta fuorviante, perché la ragazza resta sullo sfondo, intorno alla figura forte e combattiva della PM. Comprensibilmente, però, Giordana ha voluto raccontare non tanto il caso criminale in sé, quanto la determinazione e gli ostacoli di una donna di legge in un ambiente tradizionalmente maschile.

Nel film vengono poi trascurate alcune fasi reali dell’indagine, come il DNA presente sul giubbetto dell’istruttrice Silvia Brena, estratto il 2 aprile 2011. Anche il blitz su Mohamed Fikri, arrestato per errore, viene raffigurato, ma senza approfondire l’impatto emotivo della comunità e le implicazioni giudiziarie reali. Le omissioni suggeriscono una volontà di privilegiare un racconto lineare e centrato sulla PM, piuttosto che una ricostruzione fedele e complessa di tutte le ipotesi investigative, le quali avrebbero inevitabilmente reso più complicato e lungo il racconto. 

Nel film si attribuisce poi al cellulare di Bossetti una precisione di posizionamento “alla via”, grazie alle celle telefoniche, il che è tecnicamente impossibile. Anche il GPS viene presentato come non ancora usato. Un’altra differenza, seppur di minor importanza all’interno del film, è l’accento di Yara che appare forzatamente “romano”, anziché bergamasco, come sottolineato dal quotidiano Il Giorno. Tali rappresentazioni appaiono infatti più funzionali alla tensione narrativa che a un ritratto realistico delle tecnologie investigative dell’epoca.

Riguardo al film si sono poi espressi sia i genitori di Yara sia i legali di Bossetti, i quali hanno dichiarato di non essere stati consultati: “Nessuno ha sentito la nostra voce”, ha affermato Claudio Salvagni, avvocato della difesa. L’assenza delle loro testimonianze rende il film un racconto con un unico punto di vista: quello della PM Ruggeri. Questa scelta, se da una parte limita la pluralità narrativa e impedisce uno sguardo più comprensivo su questioni delicate come la difesa del diritto, la complessità del processo e il trauma delle famiglie coinvolte, dall’altra permette al film di poter seguire un unico personaggio ed evitare maggiore confusione.  

Infine, le riprese non sono state effettuate a Brembate o Chignolo d’Isola, ma in location come Fiano e San Vito Romano. Giordana ha motivato la decisione per questioni logistiche legate al Covid e per non gravare ulteriormente sulla comunità bergamasca. In generale, il regista dichiara di aver voluto raccontare un “caso che è stato specchio dell’Italia“, facendosi portavoce di una realtà simbolica piuttosto che di un adattamento cronachistico pedissequo. Questo ha naturalmente portato alla ricostruzione di un contesto piuttosto diverso rispetto a quello dove si sono realmente svolte le vicende.

le differenze tra film e realtà, dunque, sono molte: dalla centralità della PM Letizia Ruggeri alla marginalizzazione di Yara, dalle omissioni investigative a scelte tecniche di vario tipo e al mancato coinvolgimento delle famiglie. Queste strategie rispecchiano però una visione autoriale che privilegia una narrazione drammaturgica lineare e un focus tematico piuttosto che una cronaca puntuale, propria più di un documentario. Giordana, infatti, ha voluto realizzare non una docufiction, ma un affresco simbolico del sistema giudiziario, delle dinamiche di genere e del peso dell’inchiesta di massa in un Paese scosso dalla cronaca nera.

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28 Anni Dopo: The Bone Temple è l’attesissimo sequel di 28 Years Later del 2025, ed ecco tutto ciò che sappiamo sul film in uscita, compreso il cast, la trama, la data di uscita e altro ancora. I fan di 28 Days Later e 28 Weeks Later hanno dovuto aspettare anni per un altro sequel, dato che il franchise era inattivo dal 2007. Tuttavia, quando finalmente è arrivata la notizia di un sequel, è stato un grande evento. 28 Years Later del 2025 è in realtà l’inizio di una nuova trilogia, con 28 Years Later: The Bone Temple che sarà il secondo capitolo di questa nuova saga.

28 Anni Dopo: The Bone Temple colmerà il divario tra 28 Years Later e il terzo film, ancora senza titolo. Poiché 28 Years Later è uscito solo nel giugno 2025, al momento della stesura di questo articolo si sa ancora molto poco sul sequel. Tuttavia, il regista Danny Boyle, lo sceneggiatore Alex Garland e altri membri del team della nuova trilogia hanno già fornito alcuni indizi sulla produzione del film. Ecco quindi tutto quello che c’è da sapere su 28 Anni Dopo: The Bone Temple e il futuro del franchise 28 Days Later.

Le ultime notizie su 28 Anni Dopo: The Bone Temple

Cillian Murphy tornerà ufficialmente nei panni di Jim

Il regista di 28 Years Later, Danny Boyle, ha recentemente rivelato una notizia importante: Cillian Murphy apparirà in 28 Years Later: The Bone Temple. Cillian Murphy ha interpretato Jim, il protagonista di 28 Days Later, anche se il destino ambiguo del personaggio e la sua assenza in 28 Weeks Later hanno lasciato in dubbio la possibilità di un suo ritorno. Fortunatamente, Danny Boyle ha già rivelato che Jim apparirà in qualche momento del secondo film, sperando che la partecipazione di Cillian Murphy al terzo film di 28 Years Later aiuti a finanziarlo.

Un altro dettaglio importante sul film in uscita è che 28 Years Later – The Bone Temple è già stato girato. Il sequel e il suo predecessore sono stati girati uno dopo l’altro, con le riprese di 28 Years Later – The Bone Temple iniziate il 19 agosto 2024. Pertanto, i fan non dovranno aspettare molto dopo l’uscita di 28 Years Later per vedere il suo successore arrivare nei cinema.

28 Years Later: The Bone Temple – Conferma

28 Years Later: The Bone Temple è stato confermato già da tempo, dato che il regista Danny Boyle e lo sceneggiatore Alex Garland parlavano della trilogia 28 Years Later già prima dell’uscita del film del 2025. Ora che le riprese di 28 Years Later: The Bone Temple sono terminate, il film è molto probabilmente in fase di post-produzione. Trattandosi di un film di zombie di grande successo, ci sarà probabilmente molto lavoro di montaggio e di effetti speciali da fare per dare vita al mondo della Zona di Isolamento Incondizionato.

È interessante notare che Danny Boyle non sarà il regista di 28 Years Later: The Bone Temple. Al suo posto, Candyman e The Marvels la regista Nia DaCosta prenderà le redini da Boyle per il secondo film, dirigendo 28 Years Later: The Bone Temple.

Sebbene non sia stato rivelato il motivo per cui Danny Boyle non dirigerà il secondo film, alcuni hanno ipotizzato che la causa potrebbe essere la ripresa di due film consecutivi o la sua concentrazione sul terzo film di 28 Years Later. Alex Garland è tornato a scrivere 28 Years Later: The Bone Temple, mentre Danny Boyle produrrà il sequel.

Data di uscita di 28 Anni Dopo: The Bone Temple

Il film uscirà meno di un anno dopo 28 Years Later

Sony Pictures Releasing ha attualmente in programma l’uscita di 28 Anni Dopo: The Bone Temple per il 16 gennaio 2026. Ciò significa che ci sarà meno di un anno tra l’uscita di 28 Years Later e il suo successore. Questo rapido turnaround è senza dubbio una notizia entusiasmante per i fan, poiché la fine di 28 Years Later li lascerà sicuramente con la voglia di vedere ancora. Le date di ripresa consecutive sono un fattore chiave che ha permesso a 28 Years Later: The Bone Temple di uscire così presto, poiché il sequel non deve aspettare la risposta al primo film né riunire nuovamente il cast.

Purtroppo, non è stata ancora comunicata la data di uscita del terzo film della serie 28 Years Later. Le riprese di questo sequel non sono ancora iniziate, essendo ancora nelle prime fasi di sviluppo. Le dichiarazioni di Danny Boyle sul contributo di Cillian Murphy al finanziamento del film fanno pensare che il successo dei primi due film della serie 28 Years Later potrebbe influire sull’uscita del terzo film della trilogia.

Dettagli sul cast di 28 anni dopo: The Bone Temple

Sono già stati annunciati diversi membri del cast di 28 anni dopo: The Bone Temple. Aaron Taylor-Johnson nel ruolo di Jamie, Jack O’Connell nel ruolo di Sir Jimmy Crystal ed Emma Laird nel ruolo di Jimmima hanno tutti confermato il loro ritorno. Anche Cillian Murphy riprenderà il ruolo di Jim da 28 Days Later, mentre Maura Bird si unirà al cast nel ruolo di Jimmy Jones. È possibile che altri membri del cast di 28 Years Later: The Bone Temple vengano rivelati col passare del tempo, poiché potrebbero essere potenziali spoiler per 28 Years Later.

28 Years Later sarà diretto da Nia DaCosta e scritto da Alex Garland, che torna dopo il primo film. Danny Boyle, Alex Garland, Andrew Macdonald, Peter Rice e Bernie Bellew sono tutti indicati come produttori del film. Il direttore della fotografia Sean Bobbitt, che ha già lavorato con Nia DaCosta in The Marvels, è il direttore della fotografia di 28 Years Later: The Bone Temple. Hildur Guðnadóttir, che ha composto la colonna sonora di 28 Years Later, tornerà a comporre la colonna sonora del sequel.

Dettagli sulla trama di 28 anni dopo: The Bone Temple

È la parte centrale di una trilogia

Sono stati rivelati pochissimi dettagli sulla trama di 28 Years Later: The Bone Temple. La trama del sequel dipenderà senza dubbio dal finale di 28 anni dopo, e ulteriori dettagli saranno probabilmente rivelati solo dopo l’uscita del primo film. Tuttavia, Danny Boyle ha già parlato della trama generale della trilogia. Ecco i suoi commenti:

Alla fine si tratta di tre film, ognuno dei quali sarà indipendente. Ma ci sarà una storia più grande da raccontare, basata su una famiglia, e questi due [indicando Aaron e Jodie] saranno all’origine della famiglia. Quindi è indipendente dal primo film, ma è sempre la stessa apocalisse di 28 anni dopo quella vissuta da Cillian Murphy nel primo film e da Naomie Harris. Ma sono passati 28 anni e non sappiamo cosa sia successo a loro [Jim e Selena]. Non posso dirvelo, ma questi due sono dei sostituti più che degni.

Quindi, è chiaro che la storia di 28 anni dopo: The Bone Temple continuerà a seguire la famiglia protagonista di 28 Years Later. La trama del sequel sarà in qualche modo collegata a 28 Days Later, spiegando il ritorno di Cillian Murphy nei panni di Jim. Ci sono molte speculazioni su questa storia misteriosa e molti fan sono entusiasti di vedere il seguito della saga del virus della rabbia in 28 anni dopo: The Bone Temple.