Arriva nelle sale italiane La folle vita – titolo originale La vie démente – primo lungometraggio dei registi belgi Ann Sirot e Raphaël Balboni, che ne firmano anche la sceneggiatura. Il lavoro risale al 2020. Il duo belga si è fatto notare quest’anno al Festival di Cannes, dove ha presentato alla Settimana della Critica il suo secondo film, del 2023, La sindrome degli amori passati, che ha ricevuto una buona accoglienza. La folle vita è un dramma, ma ha anche caratteri di commedia. Si affronta il tema della malattia e i registi si chiedono se e come eventualmente sia possibile conciliarla con lo scorrere della vita dei familiari della persona malata, che, nonostante il dolore e le difficoltà, continua.

La trama de La folle vita

Alex, Jean Le Peltier, e Noémi, Lucie Debay, sono una coppia di trentenni con un legame stabile. Stanno pensando di avere un bambino. Proprio in questo delicato momento della loro vita di coppia, la madre di Alex, la gallerista Suzanne, Jo Deseure, comincia ad avere strani comportamenti. Ha delle amnesie e fa spese sconsiderate. In seguito a una visita medica, le viene diagnosticata una forma di demenza. Da quel momento, le energie di Alex si concentrano sul problema di salute della madre. Così, mentre Suzanne con il procedere della malattia, diventa sempre più difficile da gestire, il rapporto tra Alex e Noémi rischia di andare il crisi e con esso il loro progetto di famiglia.

Una prospettiva insolita per un film sulla malattia

E’ giusto sacrificare sé stessi e la propria vita per qualcun altro, fosse anche la persona a cui teniamo di più al mondo? Sembra essere questa la domanda che si pongono Balboni e Sirot. La folle vita si muove infatti su un doppio binario. Da una parte, affronta il tema della malattia, in particolare delle malattie degenerative del sistema nervoso, mostrandone la progressione e le difficoltà cui vanno incontro sia l’ammalato che i familiari. Lo fa però senza pietismo, non c’è il ricatto del dolore verso lo spettatore e, cosa rara nelle pellicole che trattano questi temi, la malattia non fagocita tutto il film, non è l’unico argomento. Il punto di vista del malato non è esclusivo. Il film, infatti, non ha falsi moralismi e accende i riflettori sulle vite di coloro che sono vicino al malato, che cercano di aiutarlo e supportarlo per quanto possibile, ma si trovano anche a gestire e possibilmente far procedere ed evolvere, la loro stessa vita. Si tratta qui di due giovani, che hanno tutta la vita davanti e tutto il diritto di viverla a pieno. Una prospettiva dunque originale, insolita.

Il tono de La folle vita tra leggerezza e ironia

Altro elemento più che apprezzabile ne La folle vita, è il suo tono leggero e ironico, reso anche grazie a una solida sceneggiatura, opera degli stessi registi. Questo tipo di approccio riguarda innanzitutto la malattia stessa e il personaggio di Suzanne, eccentrico per natura. La protagonista, Jo Deseure, la interpreta in modo superbo, rendendo la malattia una specie di opera d’arte in progress. L’attrice belga, attiva prevalentemente in teatro, ha ricevuto il Premio Magritte 2022 per questa interpretazione. Tuttavia, questo approccio ironico e disincantato investe anche il rapporto di coppia di Alex e Noémie, in tutti i suoi aspetti. Ciò rende il film molto godibile e accattivante, nonostante un tema non facile e solitamente percepito come molto impegnativo dal pubblico. Qui, si riesce ad affrontarlo senza pesantezza.

L’estetica del film

La folle vita è ambientata nel mondo dell’arte e l’occhio avvezzo alla bellezza artistica dei due registi è evidente. Il loro gusto estetico è raffinato e brillante. Molto calzante è la similitudine che il film contiene. Come l’opera d’arte che affascina tanto Suzanne, lei stessa si disfa piano piano, si disunisce, ma senza che questo pesi sullo spettatore come una tragedia. Divertente anche l’idea dei tessuti, che nella stanza di Alex e Noémie hanno tutti la stessa fantasia, dai parati all’abbigliamento dei protagonisti, come si vede anche nella locandina del film. A questo proposito, ricordiamo che i costumi sono di Frédéric Denis e la fotografia è curata da Jorge Piquer Rodríguez.

Un ottimo cast ne La folle vita

Le interpretazioni ne La folle vita, al di là di quella della protagonista, di cui si è parlato, sono tutte molto efficaci. Jean Le Peltier, attore e regista che aveva già lavorato con Sirot e Balboni nel corto Avec Thelma nel 2017, apparso poi in Mon légionnaire di di Rachel Lang, veste i panni di Alex in modo convincente, destreggiandosi tra le preoccupazioni e le premure di figlio e il ruolo di compagno. Mentre a Lucie Debay – Le nostre battaglie, Mon Légionnaire – spetta il compito di interpretare il personaggio più “scomodo”. Una donna, Noémie, accogliente e vicina alla madre del suo compagno, ma che al tempo stesso non è disposta a rinunciare al suo desiderio di essere madre. Una figura forte e dolce al tempo stesso, oltre che pragmatica, che l’attrice fa sua in modo originale. Infine, va menzionato Gilles Remiche, nel ruolo di Kevin, che viene assunto per assistere Suzanne nella quotidianità. Premio Magritte 2022 come miglior attore non protagonista, Remiche era un attore di talento, purtroppo scomparso nello stesso anno.

Accettazione e libertà

La folle vita è un film ironico e brioso, anche se drammatico, sull’accettazione della malattia. E’, però, anche fieramente contrario all’annullamento di sé in favore del malato. Lo si può interpretare poi, come un inno alla libertà, se si considera questa nuova fase della vita di Suzanne come la prosecuzione naturale della sua eccentrica esistenza. Una fase in cui, paradossalmente, proprio grazie alla malattia, è libera di esprimersi senza più filtri o freni. Infine, i registi invitano lo spettatore a considerare la malattia come qualcosa di naturale, da accettare. Non per questo, semplificando la situazione. Anzi, si apprezza il pragmatico realismo con cui affrontano il tema, senza vittimismo. Uno sguardo interessante quello dei registi belgi Ann Sirot e Raphael Balboni, che mostrano così il loro talento. Si spera sia possibile apprezzare presto loro nuove pellicole, come la più recente, La sindrome degli amori passati. Intanto, La folle vita è dal 29 giugno al cinema, distribuito da Wanted.

La DreamWorks Animation sforna un nuovo film d’animazione dal titolo Ruby Gillman, la ragazza con i tentacoli, in cui la protagonista è un’adolescente che scopre di essere un mostro marino dalla potentissima genealogia familiare.

Per la regia di Kirk DeMicco, che aveva già collaborato con lo studio di animazione per I Croods, e co-diretto da Faryn Pearl, Ruby Gillman è stato scritto dallo stesso DeMicco, Elliott DiGuiseppi e Pam Brady, nota per aver lavorato alla stesura di South Park alla fine degli anni ’90, e prodotto da Kelly Conney che aveva partecipato al secondo e terzo capitolo della splendida saga di Shrek e a I pinguini di Madagascar: Il film.

Come ben noto rispetto alla DreamWorks, non c’è uno stile di animazione proprio della casa, e agli ideatori è dunque possibile dare libero sfogo a ispirazione e libertà per la creazione dell’estetica dei personaggi, peculiarità condensate nella giovane e pimpante kraken Ruby Gillman, per la quale i disegnatori hanno tratto ispirazione dai polpi, per rendere l’idea dell’aspetto vischioso, ma senza che sembrasse in alcun modo spiacevole o – per meglio dire – minacciosa. Infatti, l’elemento più inconsueto e, senza dubbio, inaspettato de La ragazza con i tentacoli, è la scelta di una protagonista che attingesse dal mondo dei mostri più inquietanti e spaventosi della letteratura del secolo scorso. E il ribaltamento della tradizione non finisce qui.

Ruby Gillman, la ragazza con i tentacoli, la trama

Ruby vive con la sua famiglia a Oceanside, una località posta sulla costa del mare. La sua mamma è molto ansiosa e premurosa (in lingua originale doppiata da Toni Collette), il papà è sorridente e pacioso e poi ci sono il suo fratellino Sam e il piccolo e geniale animaletto domestico Nessie. La loro pelle è di colore blu, ragion per cui, se mai qualcuno lo dovesse chiedere, direbbero di venire dal Canada, risposta che a Oceanside è evidentemente più che esaustiva.

L’ambiente in cui si svolge gran parte della vita di Ruby, e che viene subito presentato, è la tipica high school statunitense, e lei ha il suo stretto gruppetto di amici composto da elementi – cosiddetti – impopolari e che sventolano fieri la bandiera della ribellione al sistema che vuole tutti gli studenti in fibrillazione per il famoso ballo di fine anno. La base della struttura della storia guarda, per l’appunto, alle commedie adolescenziali in cui ad essere le antagoniste sono le ragazze più famose della scuola: come Mean Girls di Mark Waters del 2004, Lady Bird del 2017 di Greta Gerwig o anche Booksmart del 2019 diretto da Olivia Wilde. Già, perché nella routinaria ma tesa vita di Ruby succedono due cose improvvise e pazzesche, e non potrebbe certo essere altrimenti nella vita di una sedicenne: scopre di potersi trasformare in un kraken gigantesco, mentre a scuola arriva una ragazza nuova e bellissima che scatena la curiosità di tutti.

Ed è questo il punto di maggior forza del nuovo film d’animazione della DreamWorks: la trasformazione di un’adolescente in un mostro, sì, come ognuno si sente a quell’età, che trova però nelle origini di quella sua mutazione fisica la sua bellezza e identità, che fino a quel momento erano rimaste soffocate.

DreamWorks gioca sul sicuro

C’è da ammettere che non si tratta di nulla che sia sconvolgente o innovativo, ma questo non è mai un problema in nessun momento dello svolgimento del film. L’animazione è sempre all’altezza del racconto che porta avanti, non risultando mai ovvia, anche quando confortevole nei suoi passaggi. Anche i disegni esilaranti con la loro fluidità, nella ricchezza delle immagini regalano colori e un ritmo sempre coinvolgenti.

Ruby Gillman, la ragazza con i tentacoli è insomma un rito di passaggio dall’adolescenza alla maturità, dove viene raccontato che la prima integrazione è sempre verso se stessi, completamente, e solo dopo può avvenire nei confronti di un altro. Con una caratteristica ormai consolidata nei film d’animazione, dunque, l’intrattenimento per i bimbi è solo un primo strato: sotto al quale ogni adulto può ricordare dove risiedono le basi della propria unicità.

Subito dopo la presentazione al Teatro Antico, dal Taormina Film Fest 2023 arriva nei cinema A Thousand And One, opera prima della statunitense A. V. Rockwell, già vincitrice del Gran Premio della Giuria al Sundance Film Festival 2023 e che Lucky Red e Universal Pictures International Italy distribuiscono nei nostri cinema a partire dal 29 giugno. Ad accompagnare una vicenda che attraversa la storia di New York, mostrando una faccia diversa della cosiddetta Grande Mela, complementare a quella più folcloristica o turistica che molti si accontentano di vedere.

Inez e Terry, americani di serie B

la storia di Inez, una donna determinata e impetuosa interpretata dalla cantante Teyana Taylor, uno spirito libero costretto a vivere ai margini della società e insieme una madre ferocemente decisa a garantire un futuro al figlio Terry, di 6 anni (sullo schermo Aaron Kingsley Adetola, con Aven Courtney e Josiah Cross a prenderne il posto nelle successive fasi della crescita), a ogni costo. Anche a costo di rapirlo, sottraendolo al sistema di affidamento dello Stato e nascondendosi dietro una nuova identità. Qualcosa che sembra essere precluso a quelli come lei – come la possibilità di una casa e di una stabilità – soprattutto in una città in così grande cambiamento, ma nella quale non è facile poter avere tutti gli stessi diritti. Tanto più se hai la pelle nera.

A Thousand And One, le tante Americhe nascoste

Una delle peggiori abitudini dei tempi e dei luoghi che viviamo è quella di identificare con il termine ‘Americano‘ tutto ciò che riguarda gli Stati Uniti e i suoi abitanti, ignorando tanto i canadesi quanto intere nazioni del centro e del Sud del continente, che generalmente tengono a volersi distinguere dagli statunitensi, appunto. Termine che già in sé nasconde non poche complessità e conflitti al suo interno, come si vede anche nella storia raccontata dalla  Rockwell.

Dove Harlem è diversa da quella del Gospel e della 125th st che normalmente attirano i viaggiatori, dalla retorica dell’Apollo e dell’orgoglio di una comunità che ancora oggi fatica a veder riconosciuti i propri diritti o a non essere discriminata (purtroppo, come altre). E dove la rappresentazione segue la trasformazione del quartiere senza risparmiare nulla allo spettatore nel suo attraversare diverse epoche, dagli anni ’90 di Rudy Giuliani al nuovo millennio di Michael Bloomberg.

Harlem come la Sicilia letteraria: un luogo di ‘vinti’

Ma soprattutto restituendo – anche visivamente, grazie a scelte intelligenti di luci e fotografia – con grande onestà la verità di una vita difficile, costantemente fuori dai radar delle istituzioni (spesso dimentiche del loro ruolo, al servizio del cittadino) e ostinatamente contro. Non a caso quella di Inez, non è più solo lotta per la sopravvivenza, ma un bisogno di riconoscimento che va al di là dei documenti e di risarcimento, dopo una vita di sopraffazione.

Non c’è pace per questi personaggi, dei ‘Vinti’ – pur dalla parte opposta dell’Oceano e lontani dal Mediterraneo – in cerca di rivalsa, schiavi del proprio rancore e vittime pressoché impotenti di ogni sopruso. Una realtà che la protagonista combatte fino alla fine, nel tentativo di realizzare una catarsi forse illusoria, a differenza del più solido Lucky, personaggio maschile ben reso da William Catlett (The Devil You Know, Gli ultimi giorni di Tolomeo Grey, Black Lightning, Lovecraft Country) e protagonista di una evoluzione più evidente seppur con meno ombre.

Sono molti i non detti lasciati alla sensibilità del pubblico, quelli nei quali si nasconde la vera forza di questo A Thousand And One, che sin dal titolo suggerisce simboli da decifrare. Nello specifico, di una location nella quale all’unità di luogo si sovrappone una solo apparente staticità temporale e insieme la conferma di un destino ineluttabile che condanna alla sconfitta di ogni aspirazione, persino quelle più elementari, di un letto, un tetto, un padre, una madre.

Bertand Bonello, regista francese di culto, spesso presente sulla croisette di Cannes, torna a dirigere con Coma, viaggio nella mente di un’adolescente, a chiusura di quella che lui stesso ha definito come una trilogia politica sui giovani, iniziata con Nocturama nel 2016 e proseguita poi con Zombie Child nel 2019. Protagoniste, Julia Faure e Louise Labeque.

Bertrand Bonello, cineasta tra nouvelle vague e contemporaneità

Regista, sceneggiatore e compositore francese, nato a Nizza nel 1968, con il suo secondo film Le Pornographe, Bonello vince il premio FIPRESCI al Festival di Cannes. Il protagonista del film, Jean-Pierre Léaud, è l’attore simbolo della nouvelle vague. Con L’Apollonide – Souvenirs de la maison close, del 2011, ottiene otto candidature ai premi César e vince quello per i migliori costumi. Saint Laurent del 2014, è la sua visione del genio della moda, interpretato da Gaspard Ulliel. Poi, Bonello dà il via alla trilogia che ora arriva a compimento con Coma. In Nocturama, il cui titolo è ispirato a un brano di Nick Cave, parla di terrorismo a Parigi, protagonisti un gruppo di adolescenti. Mentre, con Zombie Child affronta in modo originale il colonialismo. Protagonista la giovane Louise Labeque, che ritroviamo in Coma. Il suo nuovo lavoro si è già aggiudicato il premio FIPRESCI (Encounters) al Festival di Berlino 2022.

La trama di Coma

Coma è uno di quei lavori che non seguono un filo narrativo, non hanno una vera e propria trama. Si può dire però, che la protagonista, Louise Labeque, è un’adolescente che trascorre il tempo in casa, per la maggior parte nella sua stanza, durante il periodo di confinamento dovuto al Covid. È sempre sola. È così che inizia ad immaginare, ad esempio, i dialoghi tra le sue bambole all’interno della loro casa giocattolo. Le voci dei vari Barbie e Ken sono di Laetitia Casta, Gaspard Ulliel – questo è stato l’ultimo film dell’attore prematuramente scomparso – Vincent Lacoste, Louis Garrel, Anais Demoustier. A rompere l’isolamento della ragazza sono solo qualche videochiamata con le amiche e il canale della youtuber Patricia Coma, Julia Faure, che lei segue sempre. Patricia Coma fa presa sui suoi ascoltatori con teorie bislacche quanto affascinanti sulla possibilità di evadere dal mondo circostante ed approdare a una dimensione di sospensione, che chiama limbo. La mente della giovane protagonista comincia così a vagare tra sogno e realtà, tra immaginazione e incubo, con esiti imprevisti.

Coma, mescolanza di stili visivi e linguistici

Coma è un mix di stili diversi, innanzitutto visivi: live action, animazione – curata da Josselin Facon – 3D digitale, stop motion. Un linguaggio dinamico, che si avvicina ai giovani e cerca un dialogo con loro. Bonello cerca di fare un gesto che li tocchi, che li desti. Le immagini in continuo cambiamento, l’avvicendamento veloce di stili visivi possono essere disorientanti, quanto sono però accattivanti ed efficaci. Le immagini di apertura, ad esempio, sono sgranate, la camera inquadra frammenti di una donna in movimento veloce, dettagli di oggetti. Il regista si rivolge ad Anna, sua figlia diciottenne, in un cortometraggio che poi è divenuto parte di Coma, un film nel film. Bonello dedica a sua figlia questo lavoro, come il precedente Nocturama. Il suo invito a lei, come a tutti i giovani, è a non soccombere alla corrente e resistere nei momenti difficili, perché nella disperazione vi è il seme della rinascita. Il film si concentra poi sulla protagonista, Louise Labeque, evidenziandone isolamento e alienazione, certo acuiti dal confinamento causato dalla pandemia, ma in ogni caso metafora di una condizione di solitudine esistenziale in cui si trovano oggi molti ragazzi. Qui il linguaggio diventa quello degli schermi dei pc o dei cellulari, che mediano le conversazioni con le amiche della protagonista. Attraverso lo schermo di un pc passa anche la youtuber Patricia Coma, col suo linguaggio accattivante. Efficace l’interpretazione di Julia Faure, capace di rendere le molteplici sfaccettature del personaggio. Ad introdurre alla dimensione onirica o inconscia della protagonista, vi sono inserti in bianco e nero in cui si parla del potere oscuro dei sogni. Il mondo onirico della ragazza, poi, è buio, inquietante, ma anche un rifugio per lei. Un luogo che la spaventa, ma la attrae allo stesso tempo. Lì si sente libera dal giudizio proprio e altrui. Si tratta però di un rischio, perché può portarla ad allontanarsi progressivamente dalla realtà. Ed ecco che, più prosegue questo percorso, più l’immagine si trasfigura, la protagonista si trasforma.

Un puzzle anarchico, ma coerente

Coma è dunque una sorta di patchwork, un puzzle con tanti pezzi. Bertrand Bonello – anche sceneggiatore, creatore delle scenografie, compositore della colonna sonora originale e produttore del film – più che spiegare, dà degli input e poi lascia che sia lo spettatore ad elaborarli. Il lavoro può apparire confusionario e in diversi momenti non è forse facile seguirlo, ma lo si fa più agevolmente se si abbandona l’idea classica di narrazione e ci si lascia catturare da uno stile multiforme, che segue i meccanismi della mente. Si vede così che Coma ha una sua coerenza interna. Si tratta di suggestioni, visioni, spunti. Il montaggio di Gabrielle Stemmer segue le associazioni di idee della protagonista. Il reale è oscurato e il personaggio, chiuso in uno spazio senza finestre sull’esterno, sprofonda in una sorta di delirio onirico. Bonello non mira a dare una linearità, piuttosto incolla, come in un’opera di Rotella, produce una stratificazione. È lo spettatore che, guardando il film nel suo insieme, trova un senso.

Le atmosfere di Coma

Il film è pervaso da un senso di angoscia, di suspense, anche grazie alle musiche originali dalle sonorità elettroniche, composte da Bonello, e alla scelta di non mostrare ciò che si immagina cruento. Il regista lo lascia fuori scena, facendone arrivare allo spettatore solo i suoni. Si sentono pianti e urla fuori campo. Sta allo spettatore mettere in moto la propria immaginazione. Ciò rende il racconto inquietante. I pochi momenti di leggerezza sono musicalmente affidati ai brani interpretati da Andrea Laszlo De Simone, già autore di diverse musiche per film.

La dimensione politica

Infine, c’è una dimensione politica in Coma, come in altri lavori del regista. Il film è punteggiato di ironia e sarcasmo, non manca una critica sulla gestione della pandemia. Non è questo però il cuore del lavoro, quanto il concetto di libertà, basti pensare alla riflessione che si fa sul libero arbitrio. È questa libertà che i giovani – e non solo loro – sono invitati a recuperare. Libertà di sognare, di vivere a pieno e non solo in mondi virtuali o immaginari. Libertà di esprimersi senza lasciarsi fiaccare dalle proprie paure, nonostante questi tempi difficili, di disastri naturali e minacce incombenti. Anche nei momenti peggiori, sembra dire il regista, si può rinascere e ripartire, magari dal margine, dal confine del buio. Coma di Bertrand Bonello si fa apprezzare come prodotto di una mente anarchica, libera e originale, un’evasione dal mainstream che recupera il valore dirompente delle immagini. Prodotto dal regista con Justin Taurand, il film arriva nelle sale dal 10 luglio, solo per tre giorni, distribuito da Wanted Cinema.

“Vedrò con mio diletto
L’alma dell’alma mia, dell’alma mia
Il core del mio cor
Pien di contento, pien di contento”

Sono musica e parole di Antonio Vivaldi ad introdurre 99 Lune, il nuovo film di Jan Gassmann, con Valentina Di Pace e Dominik Fellmann, presentato nella sezione Acid di Cannes nel 2022 (dedicata al sostegno del cinema indipendente). Le immagini si susseguono, per circa 90 secondi; descrivono catastrofi naturali in atto. Presagiscono l’inarrestabile tumulto di un racconto pronto a deflagrare.

99 Lune: la trama

L’amore lunatico

Alcune settimane or sono, analizzando l’esordio cinematografico di Emilia Mazzacurati, raccontavamo di una storia scandita dal lento succedersi delle fasi lunari. Come Billy anche Jan Gassmann volge lo sguardo al cielo; ma la luna, orologio celestiale di due narrazioni che null’altro hanno da spartire, assume per il regista svizzero una connotazione profondamente simbolica.

Non è un caso, dopotutto, che le imperfezioni del suolo lunare siano la prima immagine a schermo; o che l’influenza dell’astro sulle maree, come mostrato in incipit, sia un elemento centrale nella caratterizzazione della vita lavorativa della protagonista.

Il parallelismo costruito da Gassmann, inizialmente fumoso, si disvela poco a poco, con il passare dei minuti: così che la missione professionale di Bigna aderisca agli affanni della sua vita privata e l’imprevedibilità intrinseca delle calamità naturali divenga ben presto metafora di un rapporto che sfugge ad ogni intenzione o progetto. Emblema di un’esistenza lunatica in cui l’amore, scrive il cineasta nelle note di regia, “rimane una sorta di potere anarchico”; una forza dirompente che esula dai fiacchi tentativi umani di controllarla.

Sentimento o ossessione?

Se sia poi vero amore il fil rouge che connette le vite di Bigna e Frank non è facile a dirsi. Certo la storia del cinema è colma di relazioni appassionate d’ogni genere e “misura”. Dallo sdolcinato allo struggente. Dal melodramma, alla commedia. E il cadenzato “tira e molla” tra i protagonisti di 99 Lune segue tipiche coordinate di “genere”; le medesime, pur con le dovute differenze, secondo cui si muovono Noah ed Allie, William e Anna, Jack ed Ennis.

Il racconto tratteggiato da Gassmann conserva però il fascino dell’indefinito. Acquista e perde di intensità, si confonde, cammina sul baratro dell’ossessione, arrivando fin quasi a soffocare, per poi liberarsi nella fisicità selvaggia e liberatoria dell’atto sessuale. “Goditi il momento” implora Frank. Consapevole, forse, della fragilità dell’appartenersi. Consapevole della delicatezza del legame tra due anime che, nonostante tutto, danno solo l’illusione di toccarsi, come due mani divise dal vetro sottile del finestrino di un auto.

Tra le pieghe dello spaesamento relazionale del film si cela però l’intuizione visivo-espressiva del suo autore. In un presente in cui nudità e sessualità stanno finalmente superando le dogane della censura, il desiderio e atto di trasgressione del regista non è infatti da ricercarsi nel fare esplicito del film, quanto nella sua incertezza semantica. Nella fallibilità del sentimento amore tradizionalmente inteso; qui sporcato, rimodellato e messo in discussione. Devastante come una scossa di terremoto.