In Quasi orfano la famiglia è al centro della trama mettendone a fuoco i pregi e i difetti. Nel film di Umberto Carteni, Riccardo Scamarcio e Vittoria Puccini sono Valentino e Costanza. Marito e moglie, vivono a Milano e hanno fondato un famosissimo brand nel mondo del design. Valentino, di origine pugliese, ha progressivamente tagliato i ponti con la sua famiglia, al punto di dichiararsi orfano e cambiare cognome. La famiglia di Valentino, colorita e numerosa, tenta di riallacciare i contatti presentandosi all’improvviso a Milano. Il film sarà in sala dal 6 ottobre e le premesse per fare bene non mancano.

Quasi orfano, la trama

Pregiudizi, conflitti familiari e romanticismo. Questi sono i tre ingredienti che rendono Quasi orfano un film dignitoso che entra nel panorama delle commedie italiane. I pregiudizi riguardano tutti i personaggi: i membri della famiglia Tarocco, provenienti dalla Puglia, e la famiglia di Costanza. Un argomento significativo del film è la differenza nel ritratto che viene fatto del nord e del sud Italia. Nessuna esclusione di colpi, poiché vengono descritti pregi e difetti da una parte e dall’altra. Milano, la grande città del nord Italia, così caotica ma funzionante allo stesso tempo. La città per eccellenza che come diceva Pasolini schiaccia l’uomo e lo limita. Dall’altra parte Monopoli, nella periferia della Puglia, disorganizzata ma colorata. Ricca di bellezza, aperta e immutabile.

Così il contrasto centro-periferia si rispecchia nelle caratteristiche dei personaggi. Valerio, nel film, ne incarna perfettamente i pregi e difetti. In questo caso, il personaggio di Riccardo Scamarcio è scisso tra questi due mondi. Vive in un mondo patinato, dove le persone che lo circondano hanno più timore che affetto per lui. Veste come un borghese con il maglioncino a collo alto, stile Steve Jobs e rivendica i suoi progetti come se fosse il fautore del cambiamento. Gli basterà sentire un fischio – il richiamo della famiglia Tarocco – per riportarlo con i piedi per terra. Un riflesso incondizionato per cui appena sente la nipote fischiare risponde allo stesso modo. Il fischio, un atto che in città non è contemplato, riunisce così la famiglia Tarocco.

Invece, Costanza rappresenta in tutta la sua alterità i pregiudizi sul nord Italia. Il personaggio interpretato da Vittoria Puccini subisce, forse, il cambiamento più totale alla fine del film. Quando il suo arco narrativo inizia lei è già intrappolata in un matrimonio infelice, un padre opprimente e un lavoro insoddisfacente. Vittima anche lei di uno stereotipo attuale: la donna offuscata dal potere maschile. Lo vediamo quando il padre continua a dare man forte al personaggio di Valerio e quando Valerio stesso la sminuisce chiamandola “musa”, nonostante le idee dei progetti in comune siano stati creati proprio da lei.

La famiglia è il bene più prezioso

Il film vive di contrasti, non solo geografici, ma anche sentimentali. Da una parte la famiglia Tarocco accoglie Costanza come una figlia, dall’altra invece il personaggio di Bebo Storti incarna tutta la glacialità del manager milanese. In Quasi orfano si da spazio ai sentimenti e ai romanticismi che sono propri della natura della famiglia Tarocco. Proprio l’aspetto romantico e sentimentale è stato quello che maggiormente è stato esplorato in Quasi orfano, piuttosto che nel film originale francese (da cui il remake italiano prende ispirazione). Lo vediamo nella focosità della coppia composta da Nicola (Antonio Gerardi) e Lulù (Grazia Schiavo) ma anche e soprattutto dalla dolcezza dell’abbraccio tra Mà e Pà – Nunzia Schiano e Adriano Pappalardo.

Due amori semplici che non cercano di strafare. Si aggrappano alla vita quotidiana come fosse il loro pane. Nicola e Lulù sono dei genitori apprensivi e nonostante siano entrambi giovani vedono il cambiamento come qualcosa di impossibile da attuare. Hanno lo sguardo disilluso perché la loro terra madre gliel’ha imposto. Tutto cambia quando ricevono l’invito alla festa dello zio famoso – Valerio. Lì allora tutto cambia: “Andiamo a Milano, sono anni che non usciamo dalla Puglia“. Ancora una volta il pregiudizio si annida nella trama del film. Ma sarà proprio nel grigiore e nella piattezza di Milano che Nicola e Lulù ritroveranno se stessi, come singoli e come coppia.

Confinati al ruolo di Mà e Pà, Nunzia Schiano e Adriano Pappalardo, interpretano marito e moglie Tarocco. Ad Adriano Pappalardo è affidato il compito di marito testardo e “capoccione” che, chiuso nella sua bolla a Monopoli, non accetta il cambiamento. La gestione dell’ostello gli sta sfuggendo di mano complice le sue antipatie verso i turisti che provengono dal nord Italia. La sua bussola, il suo fiore di lillà, è il personaggio di Nunzia Schiano alla quale è affidato un doppio compito. Riportare a casa il figlio Valerio e farlo riappacificare con la sua amata Costanza. Circondata da soli uomini per tutta la vita, Mà tiene in realtà le redini della famiglia: nei Tarocco vige il matriarcato.

Alla riscoperta delle radici

Con pazienza e saggi consigli Mà riesce a tessere la sua tela: “Come fai ad essere sempre così felice?” le domanderà Costanza durante una passeggiata. Non c’è nessun segreto per la felicità di Mà: “Mi sono riunita con entrambi i miei figli, cosa altro posso volere di più“. Ancora una volta, la famiglia il bene più prezioso. Così il personaggio della Schiano riesce a smuovere dal torpore Costanza che si immedesima per un momento in una donna del sud, pronta a fare a cazzotti per gelosia. Riesce anche in un certo senso a colmare quel vuoto della figura materna per il personaggio della Puccini. Come una fata turchina riesce a mettere tutto in ordine.

Così Valerio prende la decisione che gli cambierà la vita e anche Costanza, per amore, lo seguirà. Il viaggio della coppia che all’inizio sembrava così tormentato e circoscritto tra le mura dei grattacieli di Milano, si apre alla vastissima campagna pugliese. Ma niente resta com’è: la famiglia Tarocco si apre al mondo e agli altri, accogliendo benevolmente i suoi ospiti nel nuovo B&B di famiglia. Non c’è più spazio per i conflitti e i pregiudizi, quello che conta è solo l’Amore.

Vincitore del Gran Premio della Giuria all’ultimo Festival Di Cannes, Stars at Noon, l’ultimo film di Claire Denis, è stato tra i primi presentati alla stampa accreditata alla 60a edizione del New York Film Festival, dopo il successo ottenuto sempre alla kermesse della Grande Mela con High Life. Abbiamo citato non a caso lo sci-fi che vedeva protagonisti tra gli altri Robert Pattinson e Juliette Binoche in quanto presenta alcuni punti in comune con il nuovo, riuscito Stars at Noon. In particolar modo si rivela immediatamente all’attenzione dello spettatore la volontà di adoperare il cinema di genere per inserirvi al proprio interno una visione personale dello stesso.

Stars at Noon, la trama

Ispirato da un romanzo di Denis Johnson che vuole rimandare in maniera quasi esplicita alle atmosfere e ai personaggi del miglior Graham Greene, Stars at Noon è a tutti gli effetti un noir che vede come protagonisti una giornalista inesperta trattenuta suo malgrado in Nicaragua – a causa di un articolo che denunciava la corruzione e la violenza del governo – e un elegante inglese venuto in Centro America per affari piuttosto misteriosi. Insomma, gli ingredienti per una storia d’amore e spionaggio, di emozioni e tradimento ci sono tutti, e la Denis fin dalle prime scene dimostra di volerli amalgamare a modo suo.

L’autrice francese sta continuando negli anni e nei lungometraggi a trovare un equilibrio instabile tra un tipo di narrazione strutturata e la visceralità spesso torrenziale del suo modo di far cinema. Denis mette in scena i due protagonisti, sia i loro volti che i corpi invadenti, attraverso un’immediatezza spesso trascinante: Stars at Noon si fa tanto più coinvolgente quanto più la macchina da presa si avvicina agli attori, un po’ alla maniera – prendete ovviamente il paragone secondo le giuste proporzioni – del John Cassavetes di Faces o Una moglie.

C’è una spontaneità quasi snervante nel cinema di Claire Denis, e lo scriviamo nel senso migliore del termine: lo spettatore deve accettare di essere trascinato non soltanto dentro la storia ma anche, anzi forse prima di tutto, dentro il turbine umano rappresentato da Stars at Noon. Il che non significa necessariamente entrare in alcun tipo di connessione empatica con le psicologie dei personaggi, non è questo che la regista vuole ottenere con il suo stile di ripresa. Il fatto è che non si può comunque restare “fuori” da quasi ogni suo lungometraggio, osservarlo in maniera empirica e distaccata, e quest’ultimo non fa eccezione, tutt’altro.

Uso corrosivo dell’ambientazione

Altro fattore importante che rende Stars at Noon notevolmente efficace è l’uso corrosivo dell’ambientazione: il film si poggia su un naturalismo dei setting che scena dopo scena diventa sempre più brutale nella sua semplice decadenza, un altro punto in comune con le scenografie scarne e angosciose di High Life. Stars at Noon non “mette in scena” la povertà economica, il disagio sociale, lo squallore politico del Nicaragua: mentre la narrazione e il rapporto sentimentale tra i due protagonisti si sviluppa il contesto sembra quasi tirarsi indietro volontariamente, asciugandosi per lasciare spazio alla necessità di respirare dei personaggi. Con pochissimi tratti la Denis tratteggia un universo preciso ma mai invasivo, che non distrae nei momenti in cui la tensione sale di tono. 

Se Stars at Noon non ottiene un voto più alto è principalmente perché, e siamo ben consci di quanto questo possa rappresentare un paradosso, la coppia di attori protagonisti non convince fino in fondo: Joe Alwyn rimane sempre un po’ troppo “pulito” e trattenuto per restituire la necessaria ambiguità alla figura di Daniel. Quando infatti arriva in scena il più ambiguo e scoppiettante Benny Safdie, il confronto tra i due attori risulta quasi immediatamente impari, soprattutto riguardo lo charme e l’energia che sanno imprimere dentro i rispettivi ruoli.

Margaret Qualley, un’interprete dalle potenzialità enormi

E questo porta al discorso della prova della protagonista assoluta Margaret Qualley: partendo con lo scrivere che a nostro avviso si tratta di un’interprete dalle potenzialità enormi, che recita apparentemente lavorando su un istinto e una presenza scenica fuori dal comune, in questo caso dimostra di non essere ancora in grado di lavorare in sottrazione. La sua Trish infatti quasi mai cambia tono o linguaggio del corpo, il che avrebbe dovuto succedere quando la storia si fa maggiormente tesa o drammatica. Sia ben chiaro, la prima a non lavorare quasi mai in sottrazione nei suoi film è proprio Claire Denis, ed è probabilmente questo che ha chiesto alla sua attrice.

Rimane comunque il fatto che in alcuni momenti Qualley pare portare il suo personaggio verso toni altri rispetto a quelli che la storia sta raccontando. Poco importa comunque, poiché Stars at Noon rimane un lungometraggio che bisogna “vivere” prima che ragionarci sopra, come il miglior cinema prodotto dalla Denis. Se si ha voglia di immergersi anima e corpo in questa spy-story insieme datata e contemporanea, il piacere cinematografico è garantito.