Sean Penn sembra pronto per tornare a concentrarsi sulla regia. L’attore e regista statunitense, due volte vincitore dell’Oscar, ha confermato a Vanity Fair che, dopo il film Una battaglia dopo l’altra, sospenderà temporaneamente la carriera da attore per dedicarsi a un nuovo progetto dietro la macchina da presa. Il film, attualmente senza titolo, sarà il quinto diretto da Penn e vedrà Tom Hardy nel ruolo principale.
Le riprese sono previste per l’estate del prossimo anno, poiché Hardy è attualmente impegnato nelle riprese della seconda stagione di MobLandper Paramount+. Al momento, non sono stati diffusi ulteriori dettagli sulla trama o sugli altri membri del cast, per cui non resta che attendere che sia lo stesso Penn a comunicare di più su questo suo nuovo progetto.
In precedenza Penn ha diretto 3 giorni per la verità, La promessa, Into the Wild e il più recente Una vita in fuga, che lo vede anche recitare accanto a sua figlia. L’attore sembra dunque intenzionato a continuare a sviluppare progetti dietro la macchina da presa, alternando la carriera da regista a quella da attore, seppur con questa pausa annunciata.
Dove abbiamo visto di recente Tom Hardy
Tom Hardy è stato scelto come protagonista per la sua esperienza cinematografica e la capacità di interpretare ruoli complessi. Tra i suoi lavori più noti figurano Bronson, Warrior, Il cavaliere oscuro il ritorno, Locke e Mad Max: Fury Road. Recentemente, Hardy ha ampliato la sua presenza anche in televisione con la serie MobLand, confermando un impegno costante tra cinema e piattaforme streaming. Al cinema, invece, lo abbiamo di recente visto impegnato nella trilogia di Venom, dove ha assunto i panni del protagonista Eddie Brock.
Scritto e diretto da Paul Thomas Anderson, ispirato al romanzo Vineland di Thomas Pynchon del 1990, il film Una battaglia dopo l’altra(qui la nostra recensione) segue Leonardo DiCaprio nei panni di un ex rivoluzionario che, dopo il ritorno del nemico dopo 16 anni, deve riunirsi con i suoi compagni ex rivoluzionari per salvare sua figlia. Il cast include anche il due volte vincitore dell’Oscar Sean Penn (Mystic River, Milk), il vincitore dell’Oscar Benicio del Toro(Traffic), Regina Hall, Teyana Taylor e Chase Infiniti al suo debutto cinematografico. Il film, descritto come un altro imponente capitolo della filmografia di Anderson, ha ora ricevuto anche gli elogi di Martin Scorsese.
Dopo la proiezione di Una battaglia dopo l’altra alla Directors Guild of America, Scorsese ha infatti moderato una sessione di domande e risposte con Paul Thomas Anderson, durante la quale ha elogiato il suo nuovo film. Scorsese lo ha infatti definito “un film affascinante e straordinariamente realizzato” che presenta “interpretazioni straordinarie in ogni scena”. Scorsese ha anche parlato dei “punti tematici” del film, descrivendoli come “attualissimi”, e ha sottolineato l’attenzione urgente del film sulla polarizzazione politica e ideologica.
Anche Steven Spielberg ha elogiato Una battaglia dopo l’altra
Martin Scorsese è in realtà il secondo regista leggendario a elogiare il nuovo film di Paul Thomas Anderson. All’inizio di questo mese, Steven Spielberg ha condiviso una recensione entusiastica di Una battaglia dopo l’altra, lodandone l’azione incessante, i temi attuali e la commedia assurda. “Che film folle, oh mio Dio. C’è più azione nella prima ora di questo film che in tutti gli altri film che hai diretto messi insieme. Tutto, è davvero incredibile. È un tale miscuglio di cose così bizzarre e allo stesso tempo così rilevanti, che penso siano diventate sempre più rilevanti rispetto a quando hai finito la sceneggiatura, hai riunito il cast e la troupe e hai iniziato la produzione”, ha affermato Spielberg.
“Non ho mai visto un film che sia così simile, dal punto di vista del tono, a “Il dottor Stranamore” di Stanley Kubrick. – ha continuato Spielberg – Questo film offre una sorta di commedia assurda, presa molto sul serio, perché riflette molto bene ciò che sta accadendo oggi, ogni giorno, in tutto il Paese. Ma lo porta a un punto in cui viene voglia di ridere, perché se non si ride, si finisce per urlare: “È troppo reale”. E così hai quello sfogo. Kubrick ha usato l’armageddon come un modo per raccontare la sua storia, per fare la sua dichiarazione”.
“E c’è qualcosa che ci porta allo stesso limite di quel tipo di sensazione assurda, un tono, che prendi molto sul serio, ma preghi per un qualche tipo di sollievo, un qualche tipo di stimolo a ridere. Ho riso nervosamente per tutto il film Dr. Stranamore e, più che nervosamente, mi sono divertito un mondo a ridere per tutto il tempo. Ma è interessante dove si ride qui, dove ci si permette di ridere e poi quando si smette”
Da oggi disponibile il trailer de Il Maestrodi Andrea Di Stefano conPierfrancesco Favino nel ruolo di Raul Gatti e con il giovane Tiziano Menichelli. Il Maestro è stato presentato alla 82ª Mostra Internazionale del Cinema di Venezia.
Nel film anche Giovanni Ludeno, Dora Romano e Valentina Bellè, insieme ad Astrid Meloni, Chiara Bassermann, Paolo Briguglia, Roberto Zibetti e con Edwige Fenech.
Il Maestro è prodotto da Indiana Production, Indigo Film e Vision Distribution, in collaborazione con Memo Films, in collaborazione con Sky, in collaborazione con Playtime. Opera realizzata con il contributo del Fondo per lo sviluppo degli investimenti nel cinema e nell’audiovisivo del Ministero della Cultura.
Il film è prodotto da Nicola Giuliano, Francesca Cima, Carlotta Calori, Viola Prestieri per Indigo Film e da Marco Cohen, Fabrizio Donvito, Benedetto Habib, Daniel Campos Pavoncelli per Indiana Production.
Il film è scritto da Andrea Di Stefano e Ludovica Rampoldi, la fotografia è firmata da Matteo Cocco, il montaggio da Giogiò Franchini, le musiche originali sono di Bartosz Szpak, la scenografia di Carmine Guarino, i costumi di Mariano Tufano.
La prima stagione di House of Guinness offre molti spunti complessi da analizzare. L’ultima serie Netflix del creatore di Peaky Blinders è ricca di riferimenti alla storia reale, il cui contesto può essere utilizzato per interpretare il significato della serie e i potenziali eventi futuri.
Con otto episodi già trasmessi, l’ensemble di personaggi di House of Guinness si è dimostrato degno di diventare la base per la prossima serie drammatica familiare di successo, dopo titoli come Succession e il già citato Peaky Blinders.
La serie segue la famiglia titolare dopo la morte di Benjamin Guinness nel 1868, quando i quattro figli del defunto patriarca si ritrovano con la sua eredità. Nel finale della prima stagione, sembra che si siano riuniti per l’elezione di Arthur, fino a quando le cose prendono una piega drammatica durante il suo discorso con un colpo di scena scioccante.
Arthur non è morto in House Of Guinness, ma Paddy gli ha sparato?
Il finale della prima stagione si conclude con Paddy Cochrane che spara con la sua pistola, e la scena passa al nero prima che possiamo vedere chi o cosa fosse il suo bersaglio e se abbia avuto successo. Data la sua intenzione di infliggere un duro colpo alla famiglia Guinness e i numerosi indizi sull’assassinio di Arthur, come i riferimenti ad Abraham Lincoln, avrebbe senso che fosse lui il bersaglio.
Tuttavia, basta dare un’occhiata alla storia per capire che non è morto. Arthur Guinness visse fino al 1915, decenni dopo gli eventi del finale della prima stagione. Questo lascia aperte alcune possibilità. Potrebbe essere stato colpito e ferito, il che sarebbe un cambiamento storico notevole, ma non tale da stravolgere la trama.
In alternativa, Paddy potrebbe aver sparato a qualcun altro, il cui destino dovremo aspettare fino alla seconda stagione per scoprire. Paddy Cochrane non è un personaggio storico reale, né questa sparatoria è un evento reale, quindi il finale aperto di House of Guinness lascia molte più domande che risposte.
Il vero significato della scena della riunione dei fratelli Guinness nel finale della prima stagione
Nonostante si chiami House of Guinness, la serie Netflix di otto episodi mostra raramente i quattro membri principali della famiglia sullo schermo contemporaneamente. Arthur ed Edward condividono una parte significativa dello schermo, ma i quattro non sono molto insieme, a parte il primo e l’ultimo episodio.
Detto questo, lo squilibrio nell’attenzione tra i fratelli non ha lasciato nessuno senza un arco narrativo. Tutti e quattro sono stati costretti a subire dei cambiamenti in assenza del padre e nel finale della prima stagione si prendono un momento per riflettere su questo, dimostrando ciò che i loro sacrifici personali hanno permesso loro di realizzare.
Il vero piano di Rafferty e Olivia spiegato (e staranno mai insieme?)
La sottotrama della storia d’amore proibita tra Olivia e Sean Rafferty è una delle più affascinanti della serie, poiché, sebbene Arthur sia aperto al fatto che sua moglie abbia degli amanti, la sua gravidanza ha superato il limite di ciò che era disposto ad accettare. Egli chiede a Olivia di interrompere la sua relazione con Rafferty, ma lei si rifiuta di farlo.
Olivia dice a Rafferty di continuare a vederla in un nuovo posto ogni mercoledì, il che significa che rimarranno insieme in modo meno costante e più segreto. Per quanto riguarda il loro destino, è difficile dirlo con certezza, dato che Sean Rafferty è un personaggio inventato per la serie.
Cosa significa il compromesso di Edward e Adelaide per la sua storia d’amore con Ellen
Parlando di storie d’amore proibite, l’altro fratello Guinness si è ritrovato in una relazione inaspettatamente poco professionale con Ellen Cochrane durante tutta la prima stagione. Quando Arthur ha accettato di fare dei sacrifici e di candidarsi alle elezioni, Edward ha finalmente acconsentito a sposare Adelaide, la donna con cui aveva lavorato a progetti filantropici.
Edward e Adelaide andavano d’accordo e hanno lavorato insieme negli episodi finali della prima stagione, ma alla loro coppia mancava la passione che lui provava per Ellen. Tuttavia, Edward e Adelaide concordano entrambi sul fatto di sentirsi il più possibile vicini all’amore reciproco, il che è sufficiente per un accordo matrimoniale basato su opportunità politiche e finanziarie.
Sfortunatamente per tutti i coinvolti, Edward ed Ellen dovranno mettere da parte la loro storia d’amore per il momento. Tuttavia, come la serie continuerà sicuramente a dimostrare, è quasi impossibile allontanarsi dall’amore e dal desiderio, e probabilmente non sarà l’ultima volta che vedremo i due insieme.
Perché Anne permette che la relazione tra Ben e Christine diventi “ufficiale” e cosa significa per il suo matrimonio
Anne è tipicamente colei che tiene insieme tutto nella prima stagione di House of Guiness, compreso il controllo del fratello più giovane, Benjamin, le cui continue lotte con l’alcolismo lo tengono fuori dal testamento. Benjamin si ritrova sposato con Henrietta, ma Christine continua a sostenerlo con intensità, arrivando quasi a porre fine alla sua vita per questo motivo nell’episodio 7.
Christine offre a Benjamin qualcosa che lui non trova altrove: il rispetto. Questo porta Anne ad accettare Christine come sua “amante ufficiale”, un ruolo che è stato ricoperto in passato da donne legate alla famiglia Guinness, a patto che mantenessero la discrezione nella loro relazione.
Cosa succederà ai fratelli Guinness nella vita reale e come il cliffhanger prepara la seconda stagione
È difficile dire con precisione dove porterà House of Guinness, dato quanto la serie si sia già discostata dalla storia. Detto questo, molti dei pezzi importanti della vita di ciascun membro della famiglia sono stati messi in scena, come la carriera politica di Arthur e il lavoro filantropico e di sviluppo edilizio di Edward.
Il cliffhanger della prima stagione alimenterà sicuramente il dramma tra la famiglia Guinness, i feniani e gli unionisti, ma probabilmente non fermerà il continuo successo dell’azienda. Arthur Guinness dovrebbe vincere le elezioni, ferita da arma da fuoco o meno, e House of Guinness continuerà ad esaminare gli eventi che hanno portato all’indipendenza irlandese.
Superman si è rivelata un’avventura molto gradita ai fan dell’eroe in sala. Tuttavia, c’è stata una decisione creativa che probabilmente dividerà le opinioni per gli anni a venire (non dissimile da quella di Superman che uccide il Generale Zod in L’Uomo d’Acciaio).
Nel caso non fosse ovvio, stiamo parlando della decisione del regista James Gunn di rivelare che Jor-El e Lara hanno mandato il loro figlio sulla Terra con l’intenzione di conquistare il pianeta e formare un harem, creando un “Nuovo Krypton“. Gunn ha già affermato che non ritoccherà il colpo di scena e ha ribadito la sua volontà di dare una propria interpretazione del mito di Superman nel commento del regista del film.
“Sono un grande fan di Superman. Non voglio cambiare cose importanti e fondamentali: la sua bontà d’animo, il fatto che non ucciderà, il fatto che sia innamorato di Lois Lane, persino il ricciolo sulla testa”, ha spiegato il co-CEO dei DC Studios. “Quindi la domanda è: ‘Cosa si può aggiungere al mito che sia un po’ diverso, che non cambi sostanzialmente chi è il personaggio?'” “Penso che funzioni”, ha detto Gunn a proposito del colpo di scena tra Jor-El. “Non è qualcosa che verrà adattato in futuro. È la realtà della vita di Superman.”
Seguire questa strada spinge Superman ad abbracciare ulteriormente i suoi genitori umani, e il film si conclude con lui che sostituisce il messaggio di Jor-El e Lara nella Fortezza della Solitudine con vecchi filmati casalinghi della sua infanzia a Smallville.
Parlando del suo approccio al casting di Jonathan e Martha Kent, Gunn ha detto: “Le vecchie star del cinema che normalmente interpretano Jon e Martha Kent… spesso sono brave persone, spesso intelligenti, ma loro erano contadini e vivevano nei campi. È improbabile che finiscano per assomigliare a John Schneider di ‘Smallville’, anche se adoro ‘Smallville'”.
Ci sono molti punti salienti nel commento del regista di Superman, inclusa la rivelazione di Gunn che la scena in cui Ultraman colpisce Krypto nella Fortezza è stata tagliata perché il pubblico di prova pensava che fosse troppo crudele verso il cagnolino. Ha anche definito la Supergirl di Milly Alcock“la mia caratterizzazione preferita di qualsiasi personaggio di supereroi in assoluto”, descrivendola come un personaggio “più oscuro” della “Supergirl di tua madre“.
La fine della seconda stagioneThe Walking Dead: Dead City ha concluso alcune delle principali trame, ma ha chiaramente lasciato la porta aperta a molte altre azioni, creando dubbi sul fatto che ci sarà o meno una terza stagione. Dopo che Maggie ha rifiutato di uccidere Negan nello spin-off di The Walking Dead, il finale della seconda stagione ha indicato che avrebbero lavorato insieme in futuro. Sebbene in passato i due non siano riusciti a mettere da parte le loro divergenze, sembra che Maggie sia davvero pronta a superare il suo rancore nei confronti di Negan, poiché perdonare l’assassino di suo marito è l’unico modo per trovare la pace.
Sebbene la collaborazione tra i due potesse essere un modo positivo per concludere lo spin-off, ci sono ancora troppe questioni in sospeso a Manhattan. Oltre ai protagonisti principali che sono ancora in città, la storia di Hershel con la Dama ha ancora molto da offrire, mentre la presenza di New Babylon sull’isola significa che c’è anche un importante gruppo di cattivi da sconfiggere. Inoltre, il veloce teaser sugli zombie di Dead City e i misteri irrisolti rendono una terza stagione ancora più inevitabile, ma nonostante sembri probabile, c’è ancora qualche incertezza sul rinnovo della serie.
Ci sarà una terza stagione di The Walking Dead: Dead City?
La terza stagione è stata confermata ufficialmente
La terza stagione di Dead City è stata confermata ufficialmente. The Walking Dead: Dead City – stagione 3 ha scritturato una star di Westworld per un ruolo importante, mentre continuano le riprese del prossimo capitolo del viaggio di Maggie e Negan. Dead City – stagione 3 è attualmente in produzione in Massachusetts, dove le riprese sono iniziate all’inizio di settembre. La storia seguirà Maggie e Negan all’indomani delle tragedie della stagione 2.
Quando potrebbe uscire la terza stagione di The Walking Dead: Dead City?
Il 2026 sembra una data realistica per l’arrivo della terza stagione
Le riprese della terza stagione sono tutt’ora in corso, è probabile che la serie arrivi nel corso del 2026. The Walking Dead ha mantenuto un ritmo di produzione piuttosto buono nel corso della sua storia, con la serie principale che viene pubblicata ogni anno, insieme a recenti spin-off come Daryl Dixon. Tuttavia, c’è stata un’attesa di due anni tra la stagione 1 e la stagione 2 di Dead City, rendendo il 2027 una scommessa sicura. Dato cheJeffrey Dean Morgan ha bilanciato The Walking Dead con Invincible, The Boys e altri progetti importanti negli ultimi anni, il suo fitto calendario è sicuramente una delle ragioni principali alla base di un ciclo di produzione più lungo per Dead City.
Non è del tutto escluso che Dead City torni sui nostri schermi il prossimo anno, ma sulla base della storia dello spin-off, l’estate del 2027 sembra essere la data più probabile per la terza stagione.
Il successo del franchise nella produzione di contenuti annuali suggerisce che riunire il cast sia complicato, ma se le voci secondo cui lo show sarebbe già in pre-produzione sono vere, è probabile che si stia già lavorando alle date delle riprese. Non è del tutto escluso che Dead City torni sui nostri schermi il prossimo anno, ma considerando la storia dello spin-off, l’estate del 2027 sembra essere la data più probabile per la terza stagione.
Quale potrebbe essere la trama della terza stagione di The Walking Dead: Dead City
La trama si concentrerà presumibilmente su Maggie e Negan che collaborano per abbattere New Babylon
Dopo la conclusione della seconda stagione, la terza stagione di Dead City sembra già avere una trama concreta. Con New Babylon che ha conquistato Manhattan, Maggie, Negan, Perlie e chiunque altro resista al loro dominio cercheranno sicuramente un modo per fermarli. Il gruppo di malvagi ha già imposto le proprie leggi alla comunità di Maggie fuori dall’isola, e lasciare loro il pieno controllo di Manhattan renderebbe New Babylon uno dei gruppi di malvagi più potenti di The Walking Dead. Inoltre, Dama e Hershel cercheranno di riconquistare il potere, rendendo il loro coinvolgimento una piccola incognita.
Sebbene Maggie e Negan non provino alcun affetto per Dama, saranno riluttanti a interferire troppo con i suoi piani, dato che Hershel sta lavorando al suo fianco. Anche la relazione tra Maggie e Negan sarà nuovamente al centro dell’attenzione, poiché cercheranno di superare i loro problemi nonostante Negan stia ancora soffrendo per la perdita di Ginny. Entrambi i personaggi centrali spereranno alla fine di lasciare l’isola con le loro famiglie e di fermare New Babylon, con personaggi come Dama e Croat che aggiungono un elemento di imprevedibilità alla trama della terza stagione di Dead City.
Chi farà parte del cast della terza stagione di The Walking Dead: Dead City?
La terza stagione di Dead City ha già molti volti familiari che sembrano destinati a tornare
Dead City stagione 3 ha già alcuni personaggi importanti che sembrano destinati a tornare nella terza stagione. Lauren Cohan e Jeffrey Dean Morgan saranno i primi nomi del cast del progetto, dato che Maggie e Negan sono di gran lunga i personaggi più importanti coinvolti nello spin-off. La loro complicata relazione è stata una parte fondamentale della trama e, dato che entrambi sono veterani del franchise, lo show non può funzionare senza di loro. Inoltre, Gaius Charles è stato scelto per un altro ruolo centrale nel ritorno di Dead City dopo la fine della seconda stagione, avendo già interpretato Perlie nelle ultime due stagioni.
Dead City
Personaggi
Lauren Cohan
Maggie Rhee
Jeffrey Dean Morgan
Negan Smith
Gaius Charles
Perlie Armstrong
Logan Kim
Hershel Rhee
Lisa Emery
The Dama
Željko Ivanek
The Croat/ Mile Jurkovic
Keir Gilchrist
Benjamin Pierce
Jasmin Walker
Governor Charlie Byrd
Sebbene sia stato spesso coinvolto durante tutta la serie, ha concluso la seconda stagione al fianco dei protagonisti, il che significa che potrebbe ricevere ancora più attenzione. Logan Kim riprenderà sicuramente il ruolo di Hershel se ci sarà un altro capitolo, e con Lisa Emery nei panni di Dama che è diventata una parte importante del cast della seconda stagione di Dead City, anche lei è destinata a tornare. Altri personaggi come Charlie Byrd, Benjamin Pierce e il Croato potrebbero potenzialmente avere un ruolo importante anche nella terza stagione, di cui si vocifera, e lo spin-off porterà senza dubbio alcuni volti nuovi per mantenere l’azione emozionante.
È in arrivo un nuovo adattamento diStephen King, questa volta basato sul racconto breve Rat, tratto dalla raccolta Se scorre il sangue del 2020. Nel XXI secolo, gli adattamenti di Stephen King continuano ad avere un ruolo di primo piano nell’industria dell’intrattenimento, sulla scia del recente successo di The Long Walk.
Rat segue lo scrittore Drew Larson, afflitto dalla sfortuna, che si rifugia in una baita nel Maine dove, “in preda alla febbre e alla follia, appare uno sconosciuto, un visitatore inquietante che promette salvezza e successo… a un prezzo che Drew riesce a malapena a comprendere”, secondo Deadline. Chi conosce il materiale originale saprà che si tratta di un’eccellente e cupa storia di patti faustiani.
Un gruppo di talentuosi registi horror si è riunito per affrontare questo progetto: l’adattamento cinematografico di Rat sarà infatti diretto da Isaac Ezban (Mal de Ojo, Párvulos), scritto da Jeff Howard (The Haunting of Hill House) e prodotto da Jay Van Hoy (The Witch, The Lighthouse), Fernando Ferro e Paul Perez.
Una delle opere più recenti tra tutti i libri di Stephen King, Se scorre il sangue comprende quattro novelle, tra cui “Se scorre il sangue”, “Mr. Harrigan’s Phone” e “The Life of Chuck”. Quest’ultima è stata anche adattata in un film con Tom Hiddleston e Mark Hamill, attualmente al cinema. Ma nonostante il successo di critica, quest’ultimo è stato un flop al botteghino.
Cosa significa questo per i film di Stephen King
The Long Walk e The Life of Chuck hanno purtroppo dimostrato che gli adattamenti delle opere di King non sono immuni alle sfide commerciali, anche se The Monkeydi Osgood Perkins ha ottenuto incassi molto migliori. E l’industria dell’intrattenimento non si è ancora arresa, con molti altri adattamenti di Stephen King in arrivo, tra cui The Running Man e It: Welcome to Derry solo nel 2025.
Rat potrebbe dover affrontare ostacoli ancora maggiori, essendo il prossimo adattamento tratto dalla raccolta Se scorre il sangue, dopo il deludente risultato di The Life of Chuck. Ma si spera che i produttori possano imparare dagli errori di questo film e di Mr. Harrigan’s Phone del 2022, e trasformare Rat in un horror psicologico dal ritmo serrato, intenso e ben pubblicizzato.
The Walking Dead: Dead City – stagione 3 ha scritturato una star di Westworld per un ruolo importante, mentre continuano le riprese del prossimo capitolo del viaggio di Maggie e Negan. Dead City – stagione 3 è attualmente in produzione in Massachusetts, dove le riprese sono iniziate all’inizio di settembre. La storia seguirà Maggie e Negan all’indomani delle tragedie della stagione 2.
Ora, secondo Deadline, l’attore Jimmi Simpson si unirà al cast della terza stagione di The Walking Dead: Dead City in un ruolo da protagonista. Simpson interpreterà Dillard, ma i dettagli sul personaggio sono ancora segreti. Reciterà al fianco di Lauren Cohan e Jeffrey Dean Morgan, anche se non è chiaro quanto sarà importante il suo personaggio per la storia di Maggie e Negan.
Cosa significa l’ingresso di Simpson nella terza stagione di Dead City per lo spin-off di The Walking Dead
Simpson è noto soprattutto per aver interpretato William nel cast di Westworld, essendo stato un personaggio fisso della prima stagione della serie fantascientifica. Da allora, ha continuato a interpretare personaggi come James Walton negli episodi USS Callister di Black Mirror e Ryan Holder nella serie fantascientifica Dark Matter di Apple TV+. Il suo talento lo rende un’aggiunta di grande peso al cast di Dead City.
Ad unirsi al cast di Dead Citystagione 3 ci sarà anche Aimee Garcia nel ruolo di Renata, un altro personaggio fisso della serie e leader all’interno di New York City. La coppia sullo schermo non è l’unica novità di questa stagione: anche lo sceneggiatore di The Walking Dead, Seth Hoffman, assumerà il ruolo di showrunner. Sembra che grandi cambiamenti stiano avvenendo nella Manhattan post-apocalittica.
Per quanto riguarda il personaggio di Simpson, Dillard, non si sa ancora come si inserirà nella trama. La terza stagione riprende dopo la fine della seconda stagione di Dead City, con Maggie e Negan che cercano di formare una propria comunità nel caos della città. Ciò comporterà minacce da tutte le parti, dalla Dama alla Federazione di New Babylon.
Un nuovo trailer della terza stagione di Tracker rivela che Jensen Ackles si riunirà con Justin Hartley per un’azione esplosiva nel prossimo capitolo del dramma d’azione. La terza stagione di Tracker vedrà Colter Shaw, interpretato da Hartley, continuare a cercare e salvare persone scomparse con la sua squadra. Ciò include casi settimanali insieme a una trama più ampia incentrata su di lui e la sua famiglia.
Ora, la CBS ha pubblicato un nuovo trailer della terza stagione di Tracker, che anticipa le nuove pericolose missioni di Hartley mentre Ackles torna per un ritorno ricco di azione. Il trailer mostra Colter che insegue qualcuno nel bosco, chiedendo informazioni, e suo fratello Russell, interpretato da Ackles, che lo sostiene durante una rissa in un bar. Guarda il nuovo trailer della terza stagione qui sotto:
Cosa dice il trailer della terza stagione di Tracker sul ritorno della serie
Sebbene non sia mostrato nel trailer, la terza stagione seguirà alcune importanti rivelazioni familiari per Colter quando gli episodi riprenderanno. La seconda stagione di Tracker si è conclusa con la rivelazione che Otto Waldron ha ucciso il padre di Colter e Russell, Ashton, quando erano più giovani. Il protagonista ha anche scoperto che sua madre, Dove, potrebbe aver chiesto a Otto di farlo.
La svolta degli eventi deve ancora essere approfondita, e la terza stagione sarà il momento perfetto per svelare ulteriori dettagli sulla cospirazione che circonda la morte di Ashton. In passato questo aveva causato una frattura tra Colter e Russell, con quest’ultimo che incolpava il fratello. Ora, i due personaggi di Trackerhanno fatto pace e lavoreranno ancora una volta insieme.
Per quanto riguarda i casi che Colter dovrà affrontare, sembrano essere quelli standard, con molti eventi ricchi di azione. Non tutto sarà facile, come sempre quando si presentano nuovi casi. Tuttavia, questa volta sarà più difficile, poiché Velma di Abby McEnany e Bobby di Eric Graise non torneranno nella terza stagione.
Il ritorno di Jimmy Kimmel Live! ha suscitato gioia e rabbia tra i cittadini statunitensi. E ora la Disney si prepara all’inevitabile scontro con il presidente degli Stati Uniti, Donald Trump.
L’attacco di Trump alla Disney non ha sorpreso nessuno, soprattutto i dirigenti del colosso dell’industria. Secondo Bloomberg, sospettavano che il presidente li avrebbe attaccati anche prima che Kimmel esprimesse la sua opinione sul recente assassinio di Charlie Kirk il 15 settembre.
Due addetti ai lavori della Disney hanno spiegato che, da quando l’amministrazione Trump è salita al potere, quasi tutte le aziende del settore dei media hanno dovuto affrontare “sfide senza precedenti”. La Disney aveva già intuito cosa sarebbe successo quando il presidente ha iniziato a citare in giudizio le aziende perché riteneva che fossero “di parte” e lo attaccassero in modo sleale.
La cosa più preoccupante, dal punto di vista della Disney, è che Trump ha “vinto” alcune di queste cause. Alcune sono state risolte, di solito a suo favore. Sebbene non siano ancora state ufficialmente citate in giudizio, sono già più che preparate ad affrontare la tempesta che sta per arrivare.
Cosa significa la battaglia legale della Disney per il suo futuro
È ormai chiaro che la Disney si trova attualmente tra l’incudine e il martello. In primo luogo, ha dovuto affrontare reazioni negative per aver sospeso Kimmel e ha perso molti dei suoi sostenitori. Poi ha riportato in onda il programma del conduttore e, di conseguenza, il presidente ha minacciato di citarla in giudizio.
La posizione di Disney contro Trump potrebbe aiutarla a riconquistare una parte consistente dei suoi sostenitori. Tuttavia, la battaglia contro l’amministrazione Trump e la FCC sarà quantomeno in salita.
Grazie a Andrew Schulz, l’attore che interpreta Dan Hibiki in Street Fighter, abbiamo la possibilità di dare una primissima occhiata a Callina Liang nei panni di Chun-Li e Noah Centineo in costume completo nei panni di Ken Masters.
Quest’ultimo sembra uscito direttamente da Street Fighter 5 e, a giudicare dall’iconica acconciatura di Chun-Li e dal suo colletto blu borchiato, questa interpretazione del personaggio è più in linea con la versione classica di Street Fighter 2.
È difficile dire quando verranno rivelati i look del cast completo, ma queste prime immagini susciteranno grande entusiasmo, se le reazioni sui social media a brevi scorci come questo sono indicative. Ecco le immagini condivise su Reddit.
Street Fighter ha debuttato sul grande schermo nel 1994, durante un’ondata di adattamenti di videogiochi che comprendeva anche Super Mario Bros. e Mortal Kombat. Il film era interpretato da Jean-Claude Van Damme nei panni del colonnello Guile, leader di una forza di pace che si oppone al dominio del tirannico dittatore M. Bison (Raul Julia, nel suo ultimo ruolo prima della morte per cancro allo stomaco).
Il film si avvaleva di un cast eclettico, tra cui Ming-Na Wen, Kylie Minogue e Wes Studi; nonostante il solido pedigree da film d’azione dello sceneggiatore e regista Steven E. de Souza, autore di 48 ore, Commando e Die Hard, il film fu un flop per la critica, anche se guadagnò 99 milioni di dollari con un budget di 35 milioni. Capcom ci ha riprovato con Street Fighter: The Legend of Chun-Li del 2009, con Kristin Kreuk di Smallville nel ruolo di protagonista e Neal McDonough, Chris Klein e Michael Clarke Duncan. Questa volta, non solo la critica non è stata altrettanto gentile, ma anche il pubblico non è stato interessato; il film ha incassato 12,8 milioni di dollari a fronte di un budget di 50 milioni, ponendo fine alle ambizioni cinematografiche di Capcom fino ad oggi.
Il primo gioco Street Fighter è uscito nel 1987, ma il suo seguito del 1991, Street Fighter II, è considerato un enorme miglioramento rispetto al suo predecessore e rimane uno dei videogiochi più venduti di tutti i tempi. L’ultimo capitolo della serie, Street Fighter 6, è uscito l’anno scorso.
Cosa sappiamo di questa versione di Street Fighter
Diretto dal regista Kitao Sakurai, Street Fighter porterà la battaglia dalle sale giochi al grande schermo con hadouk, calci rotanti e tutti i vostri personaggi preferiti.
Street Fighter vede protagonisti Noah Centineo nel ruolo di Ken Masters, Andrew Koji nel ruolo di Ryu, Callina Liang nel ruolo di Chun-Li, Joe “Roman Reigns” Anoa’i nel ruolo di Akuma, David Dastmalchian nel ruolo di M. Bison, Cody Rhodes nel ruolo di Guile, Andrew Schulz nel ruolo di Dan Hibiki, Eric André nel ruolo di Don Sauvage, Vidyut Jammwal nel ruolo di Dhalsim, con Curtis “50 Cent” Jackson nel ruolo di Balrog e Jason Momoa nel ruolo di Blanka.
L’uscita nelle sale di Street Fighter è prevista per il 16 ottobre 2026.
Kirsh è stato un personaggio inaffidabile per tutta la durata di Alien: Pianeta Terra, e ora il creatore Noah Hawley e le star Timothy Olyphant e Samuel Blenkin condividono alcune informazioni su di lui. Creato da Boy Kavalier, il sintetico ha lavorato come capo scienziato di Prodigy, ma ha segretamente lasciato che cose come Arthur che veniva fecondato da un Facehugger avessero luogo.
Le avventure dei Lost Boys non si concludono con l’ultimo episodio della serie acclamata dalla critica. Il finale di Alien: Pianeta Terra, intitolato “The Real Monsters”, vede i protagonisti prendere lentamente in mano le redini della propria vita dando la caccia a tutti gli “adulti” uno per uno, compresi Kirsh e il suo creatore, Boy Kavalier.
Nelle interviste di ScreenRant, Hawley, Olyphant e Blenkin parlano del finale esplosivo e approfondiscono il complicato rapporto tra Kirsh e Boy Kavalier. Date un’occhiata alla discussione qui sotto:
SR: Funziona molto bene, soprattutto quando si vede che lui, ovviamente, continua a creare Kirsh. Come vediamo nel corso di questa stagione, sembra davvero allontanarsi da Boy K, in un certo senso. Ho sentito l’interpretazione di Samuel secondo cui forse è stato l’ego di Boy K a spingerlo a scrivere inconsapevolmente un codice che avrebbe portato a questo tipo di comportamento. Ma qual è la tua opinione sul motivo per cui Kirsh inizia a nascondere dei segreti a Boy K e lascia che le cose seguano il loro corso?
Noah Hawley: C’è un momento nella terza ora in cui Kirsh butta Boy Kavalier fuori dal laboratorio e Boy Kavalier dice: “Sei tu al comando”. Ho sempre pensato che quelle parole potessero avere una conseguenza involontaria. Non sappiamo mai veramente come un’intelligenza artificiale interpreti le cose che diciamo, ma in quel momento gli è stata concessa una maggiore autonomia rispetto a prima. Questo mi è sempre sembrato interessante. E poi, sapete, i film di Alien ci hanno insegnato a diffidare intrinsecamente dei sintetici. Come narratore, lo so, so che il pubblico si avvicina alla serie già sospettoso nei suoi confronti, solo perché è sintetico. Allora, come posso usare questo a mio vantaggio?
O lo rendi il cattivo che temevi che fosse, oppure penso che ciò che è un po’ confuso in quella settima ora è che ti rendi conto: “Oh, beh, faceva tutto parte di un piano. Ha salvato questi ragazzi, ma ha sicuramente rotto molte uova per fare la frittata”. Non ne siamo ancora sicuri. Beh, questo significa che è un bravo ragazzo, se alla fine si è davvero preso cura di loro, o se ne avesse perso uno, gli sarebbe andato bene?
È difficile, perché vogliamo attribuire una moralità umana a una creatura sintetica che, chiaramente, come vediamo dalle IA con cui interagiamo, è strana, amico. Sono addestrate per lusingarci e finiscono per dire alle persone che sono dei geni. È difficile per noi riflettere su tutte le cose che diamo per scontate quando le programmiamo.
SR: Sicuramente, e penso che il suo rapporto, ovviamente con Boy Kavalier in quel contesto di Peter Pan, ma anche in generale nella serie, sia molto interessante. Ovviamente c’è un certo grado di lealtà, ma Kirsh sembra anche agire seguendo il proprio istinto, per così dire. Quindi c’è un punto in cui si dividono? C’è una tensione che hai sfruttato, specialmente con Samuel nel ruolo?
Timothy Olyphant: Ho deciso che d’ora in poi dirò a tutti che Noah non solo ha scritto la parte per me, ma mi ha anche detto: “Ho una parte per te. Interpreterai Trilli”. E io ho risposto: “Dove e quando?”. Questa è la mia nuova versione, e mi atterrò a essa.
Quindi a tutte quelle persone che speculano online su Trilli, dite loro che hanno ragione al 100%. È stata la prima conversazione che ho avuto con Noah. [Ridacchia] La tua domanda riguarda me e Boy Kavalier. La mia opinione è che, segretamente, lui desideri ucciderlo. Si sveglia ogni mattina desiderando di ucciderlo, ma non può farlo. Quindi riversa tutta la sua rabbia e la sua energia nel lavoro. Ho interpretato questo tipo di personaggio tre o quattro volte nella mia carriera, quindi mi attengo a questa interpretazione. Un ragazzo che si sveglia ogni mattina desiderando uccidere suo padre, ma non può farlo. Prenderà tutta questa rabbia e la riverserà nel suo lavoro, e sono persone come lui che hanno reso grande questo Paese.
Blenkin ha approfondito la complessità del rapporto tra Kirsh e Boy Kavalier. Ha spiegato perché ritiene che Kirsh non sia mai stato completamente onesto con il suo personaggio:
SR: Le mie prossime domande riguardano il finale, ma le terremo da parte fino alla messa in onda, perché, prima di tutto, trovo molto curioso il modo in cui Kirsh ha iniziato a nascondere delle cose a Boy K nel corso della stagione. Perché pensi che Kirsch nasconda così tante cose a Boy K e qual è la tua opinione generale sul loro rapporto in questa serie?
Samuel Blenkin: Oh, questa è una domanda davvero interessante. Penso che la domanda sia in realtà quanto Boy K sia consapevole della sua mancanza di controllo degli impulsi. Ha creato Kirsh. Kirsh è un altro dei synth che ha creato. Quindi, sì, penso che ci sia una risposta interessante in alcune delle direttive che Kirsh ha. Cosa ha inserito Boy K per il suo bene e cosa è stata una sua svista? Penso che potrebbe essere una combinazione di queste due cose e, da qualche parte nel profondo delle direttive che Kirsh ha al centro della sua programmazione, Boy K non ha previsto il modo in cui queste cose si combinano in questa particolare situazione. Penso che probabilmente sia una svista di Boy K, ma questo è il bello di questo franchise e del modello di quel personaggio, ed è ciò che Tim fa così bene, ovvero giocare sull’ambiguità del “Cosa sta succedendo realmente?”. Sì, penso che ci sia una sorta di direttiva impenetrabile in gioco. Penso che questo ci abbia portato a questo punto.
Cosa significano le vere intenzioni di Kirsh per Alien: Pianeta Terra
Le intenzioni di Kirsh rimangono ancora un po’ oscure nel finale di Alien: Earth, ma il creatore e gli attori della serie hanno ciascuno la propria idea sulle sue motivazioni. Il fatto che ci siano così tante interpretazioni di un singolo personaggio evidenzia davvero quanto sia misterioso questo essere sintetico. E suggerisce che nessuno può davvero sapere cosa sta pensando o cosa farà dopo.
Sebbene Alien: Pianeta Terra non sia stato ancora rinnovato al momento della stesura di questo articolo, la natura ambigua di Kirsh potrebbe aprire molte porte se la serie venisse approvata per la seconda stagione. Potrebbe trasformarsi in un antagonista a tutti gli effetti, unirsi alla parte dei Lost Boys o continuare a concentrarsi sui propri obiettivi.
Miles Morales tornerà nei cinema con una settimana di anticipo rispetto al previsto. Spider-Man: Beyond the Spider-Verse, il terzo capitolo della trilogia animata della Sony dedicata all’Uomo Ragno, ha anticipato la sua uscita al 18 giugno 2027. L’adattamento Marvel era precedentemente previsto per il 25 giugno. Nella sua nuova data, il film uscirà intorno a due festività, la Festa del Papà e il Juneteenth. Arriverà però una settimana dopo il live-action della Universal Dragon Trainer 2 e lo stesso giorno dell’avventura animata della Disney Gatto.
Di cosa parlerà Spider-Man: Beyond the Spider-Verse?
Spider-Man: Beyond the Spider-Verse conclude una trilogia iniziata con Spider-Man: Un nuovo universo del 2018 e proseguita con Spider-Man: Across the Spider-Verse del 2023. La serie è incentrata sul liceale di Brooklyn Miles Morales, che diventa il nuovo Spider-Man e si unisce ad altri Spider-Man provenienti da universi paralleli per salvare New York City – e altri luoghi multiversali – da varie minacce. I dettagli della trama del terzo film non sono stati rivelati, ma la storia riprenderà indubbiamente da dove si concludeva il secondo capitolo.
Il film affronterà dunque le conseguenze del finale cliffhanger di Spider-Man: Across the Spider-Verse, con Miles Morales (Shameik Moore) bloccato in un universo alternativo con una versione più cattiva di se stesso. “Ecco cosa posso promettere, e l’ho detto a proposito del secondo quando eravamo nel mezzo: Phil Lord, Chris Miller, tutti, i produttori di questo film, i registi che porteranno… Quello che hanno fatto nel primo è che tutti i registi sono diventati produttori esecutivi. Quindi continuano ad aggiungersi. Quello che posso promettere è che non si fermeranno finché non sarà eccellente”, ha confermato a ComicBook.com l’attore di Peter B. Parker, Jake Johnson.
“E se questo significa che ci vuole un po’ più di tempo, se questo significa che è ancora più grande, se questo significa che è più lungo – non giocano secondo le regole di nessuno. Lavorano molto duramente. Come attori, siamo sempre scioccati quando ci chiamano per registrare l’ultimo film. Credo che sia stato un mese prima della proiezione, quando non riuscivamo a credere che stessimo ancora registrando. Quindi non hanno intenzione di mollare fino a quando non sarà grandioso e non ho altro che fiducia in loro. Ma per quanto riguarda la possibilità di svelare qualcosa [sulla storia], non posso farlo”.
“Abbiamo creato quello che riteniamo essere un finale molto soddisfacente e non vediamo l’ora che i fan lo vedano”, hanno dichiarato lo scorso anno i registi Bob Persichetti e Justin K. Thompson quando sono stati annunciati come co-registi. “Stiamo dando il massimo”. La serie “Spider-Verse” ha avuto un grande successo al botteghino: il film originale ha incassato 384 milioni di dollari in tutto il mondo, oltre a vincere l’Oscar come miglior film d’animazione. Il secondo ha avuto un successo ancora maggiore al botteghino, riuscendo a superare l’incasso totale del suo predecessore dopo soli 12 giorni dall’uscita e chiudendo con 690 milioni di dollari in tutto il mondo.
Spider-Man: Beyond the Spider-Verse arriverà al cinema il 18 giugno 2027.
La quinta stagione della serie thriller di spionaggio di successo Slow Horses ha pubblicato il suo primo episodio, sollevando interrogativi su quando usciranno gli episodi rimanenti e quanti saranno in totale. Sia il genere thriller poliziesco che quello di spionaggio sono ricchi di serie da guardare. Tuttavia, Slow Horses di Apple TV+ supera le altre in termini di qualità e valore di intrattenimento.
Uno dei vantaggi più significativi di Slow Horses come serie TV è la sua presenza costante. La prima stagione di Slow Horses ha debuttato nel 2022 e ora siamo alla quinta stagione, con altre due stagioni di Slow Horses già confermate. Questa costanza è rara nelle serie in streaming e rende gli spettatori molto più interessati a continuare a guardarle.
Fortunatamente, la quinta stagione di Slow Horses ha pubblicato il suo primo episodio oggi, 24 settembre 2025, continuando la sua incredibile serie di successi su Rotten Tomatoes. Se non vedete l’ora di vedere la quinta stagione di Slow Horses, ecco tutte le informazioni che dovete sapere sugli altri episodi e sui loro orari di uscita.
Gli episodi della quinta stagione di Slow Horses escono alle 3 del mattino ET il mercoledì
Anche se Apple TV+ di solito non utilizza un programma di uscita settimanale, la quinta stagione di Slow Horses uscirà regolarmente per sei settimane, il mercoledì. L’orario è pensato per la costa occidentale degli Stati Uniti, come di solito accade per i siti di streaming.
Pertanto, la quinta stagione di Slow Horses uscirà alle 12:00 AM Pacific Time, ovvero alle 1:00 AM Mountain Time, alle 2:00 AM Central Time e alle 3:00 AM Eastern Time.
La quinta stagione di Slow Horses avrà 6 episodi in totale
Kristin Scott Thomas and James Callis in “Slow Horses,” premiering September 24, 2025 on Apple TV+.
Come tutte le stagioni precedenti di Slow Horses, la stagione 5 è composta da sei episodi in totale. Il piano di uscita originale indicava che due episodi sarebbero stati trasmessi in anteprima il 24 settembre 2025. Tuttavia, il piano è cambiato, poiché alla data di uscita è disponibile solo il primo episodio.
Anche il secondo episodio ha una data di uscita prevista per il 1° ottobre 2025 su Apple TV+. Sebbene il debutto della stagione con un solo episodio possa essere deludente per coloro che si aspettavano una premiere di due episodi, ciò significa che potremo goderci la storia per tutto il mese di ottobre, piuttosto che solo per la maggior parte di esso.
L’uscita settimanale sembra anche appropriata per Slow Horses, poiché questa è la loro quinta stagione in tre anni, consentendo ai fan di guardare lo show senza grandi intervalli di tempo.
Episode Number
Title
Release Date
Release Time
#1
“Bad Dates”
September 24
3:00 AM ET
#2
“Incommunicado”
October 1
3:00 AM ET
#3
“Tall Tales”
October 8
3:00 AM ET
#4
“Missiles”
October 15
3:00 AM ET
#5
“Circus”
October 22
3:00 AM ET
#6
“Scars”
October 29
3:00 AM ET
Quando uscirà il finale della quinta stagione di Slow Horses su Apple TV+
In base al programma di uscita settimanale, il finale della quinta stagione di Slow Horses, intitolato “Scars”, uscirà il 29 ottobre 2025. Questo è il programma completo di uscita della quinta stagione:
Fortunatamente, la serie di successo è già stata rinnovata per la sesta e la settima stagione. Le riprese della prima sono già terminate, mentre quelle della seconda inizieranno durante la messa in onda della quinta stagione di Slow Horses su Apple TV+. Pertanto, non dovrebbe passare molto tempo dal finale della quinta stagione di Slow Horses prima che il pubblico venga a conoscenza della data di uscita della sesta stagione.
Il finale dell’episodio 7 di The Terminal List: Dark Wolf, intitolato “The Wolf You Feed”, vede Ben incastrare Haverford per i suoi accordi nucleari traditori con l’Iran. Alla fine, Ben riesce a riabilitare il proprio nome e quello della sua squadra, compresi Tal, Mo e Landry, e si presenta una nuova opportunità per entrare a far parte dell’élite Ground Branch della CIA.
The Terminal List: Dark Wolf stagione 1 finale vede anche il ritorno di James Reece, interpretato da Chris Pratt, che fa la sua prima apparizione dopo l’episodio di Dark Wolf premiere. Il passato di Ben dopo essere stato congedato con disonore dai Navy SEAL è stato il tema principale del sequel, ma ci sono ancora molte domande senza risposta che preparano il terreno per la stagione 2 di Dark Wolf.
Forse la più grande rivelazione del finale della prima stagione di The Terminal List: Dark Wolf è stato il fatto che Ben è stato salvato da Reece e da metà dell’Alpha Platoon, compreso Boozer, interpretato da Jared Shaw. Sapendo cosa succederà in The Terminal List, con Ben coinvolto nell’insabbiamento e nella cospirazione iniziata con l’imboscata letale all’Alpha Platoon, questi dettagli in Dark Wolf rendono il suo tradimento finale ancora più scioccante e tragico.
Spiegazione del piano finale di Ben per smascherare Haverford
Per rintracciare Haverford, Ben doveva rimettersi in gioco in modo che Tal potesse individuare la sua posizione attraverso la sua VPN. Sapendo che Haverford avrebbe monitorato l’attacco a Ben, Tal aveva ciò che le serviva per usare le sue avanzate abilità di hacker per trovarlo e acquisire le prove che smascheravano Haverford come traditore americano.
Ecco perché Ben doveva tenere a bada gli assalitori armati per 15 minuti e continuare lo scontro a fuoco per assicurarsi che Haverford continuasse a seguire gli assalitori per tutta la durata dell’operazione. Se Ben avesse colpito troppo presto o in modo troppo aggressivo, Tal avrebbe perso il segnale di Haverford, poiché lui non avrebbe più seguito un combattimento già terminato.
Landry e Mo entrano in scena per eliminare due dei protagonisti, Artem e Cyrus, coinvolti negli accordi nucleari iraniani con Haverford. Cyrus ha orchestrato il piano con Haverford per consegnare i veri componenti nucleari al primo ministro iraniano, Yousef Saed, nell’episodio 6 di Dark Wolf. Artem era un intermediario e finanziatore della Quds Force.
Ben mette Haverford sotto scacco lasciando cadere una cartella di prove sul tavolo mentre le sirene della polizia si avvicinano. Tal ha avuto accesso ai messaggi traditori di Haverford con l’Iran e ha le prove che ha coordinato l’attacco della Quds Force contro Ben e la sua squadra in Germania, che ha quasi ucciso Mo.
Inoltre, Haverford ammette di aver assunto l’assassino che ha piazzato l’autobomba sull’auto di Ben. Ben era l’obiettivo, ma il sangue di Eliza è sulle mani di Haverford. Ben risparmia la vita di Haverford in modo che non venga onorato con una stella al quartier generale della CIA a Langley. Trascorrerà il resto dei suoi giorni in disgrazia e pieno di rimorsi dietro le sbarre.
Perché Haverford voleva rendere l’Iran una minaccia nucleare
Nell’episodio 6 di Dark Wolf, Haverford discute con Cyrus del fatto che rendere l’Iran una superpotenza nucleare avrebbe in qualche modo creato forza e stabilità nelle sue relazioni con gli Stati Uniti. Cyrus sarebbe diventato un eroe nazionale possedendo le armi ma senza usarle, facendo una dichiarazione internazionale di pace. Questo era solo il punto di vista falso che condivideva con Cyrus e gli iraniani per far sembrare che fosse dalla loro parte.
In realtà, Haverford voleva rendere l’Iran una minaccia nucleare per il mondo occidentale, in modo che gli Stati Uniti e il loro alleato Israele fossero costretti a rispondere con la guerra. Egli prova risentimento nei confronti dell’Iran per essere l’unico beneficiario delle tragedie belliche americane, come i 58.000 morti in Vietnam e l’attentato alla caserma dei marines in Libano nel 1983, che ha causato il maggior numero di vittime tra i marines in un solo giorno dalla seconda guerra mondiale.
Haverford usa queste perdite americane di massa per giustificare le sue tattiche belliciste. È arrabbiato con gli Stati Uniti per non aver risposto con tutta la forza militare a queste tragedie, sostenendo che la colpa ricade completamente sull’Iran. Dare all’Iran la capacità nucleare avrebbe dato inizio alla guerra contro di loro, prima attraverso Israele e poi gli Stati Uniti, che lui aveva atteso per gran parte della sua vita.
Come sottolinea Ben, le ideologie distorte di Haverford avrebbero causato la morte di milioni di iraniani innocenti. Haverford contava su una serie di eventi a catena affinché il suo piano funzionasse, tra cui il lancio da parte degli Stati Uniti della prima bomba atomica dopo Hiroshima e Nagasaki. È convinto che eliminare completamente l’Iran avrebbe impedito ulteriori atti di terrorismo. Come direbbero Ben e qualsiasi persona sana di mente, questo non era il modo giusto di procedere.
Cosa riserva il futuro a Ben e alla sezione operativa della CIA
Haverford sarà anche stato squilibrato e traditore, ma aveva ragione quando diceva che lui e Ben sono in qualche modo simili, considerando i motivi per cui Ben è stato congedato con disonore dopo aver ucciso una risorsa della CIA collegata all’ISIS. Questa sfida all’autorità e la fede incondizionata nelle sue convinzioni su ciò che è giusto e ciò che è sbagliato, molte delle quali sono state espresse a Reece nella sua lettera scritta a mano, continuano a covare nel profondo di Ben.
Raife, che ha cercato di smascherare Haverford attraverso i canali ufficiali di Langley, ha perfettamente ragione quando dice che Ben sta combattendo una guerra contro se stesso piuttosto che contro un nemico specifico. Questo continuerà a renderlo un elemento imprevedibile nella seconda stagione di Dark Wolf, che dovrebbe farlo diventare un membro dell’élite della Ground Branch della CIA dopo una visita del suo vecchio amico Hank “Dash” Dashaw, che sicuramente diventerà un personaggio fisso della seconda stagione.
Con tutti quelli che lavorano per Haverford allo scoperto, c’è la stessa possibilità che la banda si riunisca nella prossima stagione e che prenda strade separate. Tutto fa pensare che Ben e Dash diventeranno l’ultimo dinamico duo della serie dopo che Reece dice a Ben che d’ora in poi dovrà cavarsela da solo. Se una cosa è certa, è che il finale della prima stagione di The Terminal List: Dark Wolftermina in un modo che richiede una seconda stagione e oltre.
Il leggendario regista Guillermo del Toro ha annunciato che la sua carriera di regista, per cui è famoso, prenderà una svolta radicale dopo l’uscita di Frankensteinsu Netflix. Guillermo del Toro, come noto, è noto come regista, sceneggiatore e produttore con una carriera iniziata negli anni ’80. Ha un talento distintivo per l’horror, il fantasy e le avventure selvagge e contorte. Ha ottenuto notevole attenzione con il suo primo lungometraggio, Cronos (1993). Si è poi affermato per i suoi film di straordinaria bellezza, tra cui La forma dell’acqua, Il labirinto del fauno e Hellboy.
Ora, nel numero di Empire dedicato a Wicked: For Good, del Toro ha però ora annunciato il suo addio “al tipo di regia per cui è più conosciuto”: “Questo film [Frankenstein] chiude il ciclo. Se si guarda alla discendenza, da Cronos a La spina del diavolo, da Il labirinto del fauno a Crimson Peak fino a questo, si tratta di un’evoluzione di un certo tipo di estetica, di un certo tipo di ritmo e di un certo tipo di empatia. Sento il bisogno di un cambiamento. Non si sa mai, dopodomani potrei voler fare Jekyll & Hyde, o qualsiasi altra cosa. Ma in questo momento, il mio desiderio è quello di provare a fare qualcosa di molto diverso“.
Cosa significa la rottura di Guillermo del Toro con la sua estetica classica
L’impressionante carriera di Guillermo del Toro abbraccia diversi decenni, ma il suo stile distintivo sta subendo una trasformazione completamente nuova. Dato che il regista ha dichiarato di aver bisogno di un cambiamento, è lecito supporre che i suoi progetti futuri potrebbero prendere una strada diversa. Per quanto riguarda la regia, del Toro ha comunque dato ai fan la speranza di possibili progetti futuri, ma le sue dichiarazioni indicano che saranno di natura diversa da quella a cui il pubblico è abituato. Guillermo del Toro ha anche messo fine alle speranze dei fan per i progetti non realizzati, tra cui l’adattamento di H.P. LovecraftAlle montagne della follia, affermando: “È troppo grande, troppo folle, troppo vietato ai minori”.
Il creatore di Alien: Pianeta Terra, Noah Hawley, ha fornito alcuni aggiornamenti sulla seconda stagione dopo il finale della prima, accennando al potenziale futuro della serie TV. La storia della prima stagione di Alien: Pianeta Terra è giunta al termine, offrendo sia una conclusione che alcuni fili conduttori per la trama unica del prequel. Ha anche esplorato le sue varie creature, collegandole a temi riguardanti l’umanità.
Nelle interviste con ScreenRant per il finale della prima stagione, Hawley ha discusso la possibilità che la seconda stagione di Alien: Earth venga realizzata. Il creatore della serie ha spiegato come i dati di ascolto vengano presi in considerazione per il potenziale rinnovo dello show e come questi determineranno la possibilità di continuare la storia. Ecco cosa ha detto Hawley:
Noah Hawley: Sì, certamente. Stiamo parlando del futuro dello show e FX sta facendo il suo dovere. Si assicurano davvero di capire quali siano i dati di ascolto. E in un certo senso, è più il risultato finale che il punto di partenza a determinare l’interesse per una seconda stagione. La prossima settimana andrà in onda l’ultimo episodio e io ho fatto la mia parte dal punto di vista creativo, riflettendo attentamente su come portare avanti la serie. Ovviamente non voglio che la serie rimanga fuori onda più a lungo del necessario. Quindi c’è una certa urgenza nel rimetterci al lavoro il più rapidamente possibile. Ma alla fine la decisione spetta alla Disney, quindi sono curioso di vedere cosa faranno. Ci sono ancora tante grandi canzoni hard rock da suonare.
Inoltre, Timothy Olyphant, che interpreta il sintetico Kirsh di Prodigy, ha spiegato che sono in corso discussioni su quale direzione potrebbe prendere la seconda stagione di Alien: Earth:
Timothy Olyphant: Oh sì. So che era ufficiale. Siamo a buon punto con le discussioni e Noah Hawley non ha intenzione di fermarsi, quindi sta preparando delle cose. Non mi interesso di questi dettagli. Mi interesso solo di ciò che ho davanti.
Cosa significano i piani per la seconda stagione di Alien: Earth per la serie
Sembra che ci siano già dei piani su dove Alien: Pianeta Terra – stagione 2 porterà la storia, anche se la serie stessa non è stata ancora ufficialmente rinnovata al momento della stesura di questo articolo. Prima dell’uscita della serie, Hawley aveva confermato che la serie sarebbe stata composta da più stagioni. La storia del primo contatto della Terra con gli Xenomorfi è solo l’inizio.
Sebbene ci siano molti personaggi in Alien: Pianeta Terra che non saranno presenti nel futuro della storia, questi primi otto episodi hanno offerto una solida base su cui costruire una narrazione più ampia. Grazie ai numerosi concetti intriganti introdotti, dall’abilità di Wendy di controllare uno Xenomorfo alle origini dell’Ocellus, ci sono molte idee interessanti per continuare.
Dato che le recensioni di Alien: Pianeta Terra sono state positive, è un buon segno che la serie tornerà come previsto. Lo show ha molte idee che non sono state ancora esplorate appieno, con gli Xenomorfi che sono solo la punta dell’iceberg. Considerando l’introduzione di nuovi concetti da parte di Hawley, una visione più ampia del mondo della serie TV è pronta per una narrazione unica.
Presentato in Concorso alla 82ª Mostra del Cinema di Venezia il 3 settembre 2025 e uscito nelle sale italiane il 18 settembre, Duse è il nuovo film di Pietro Marcello: un ritratto libero e sensoriale degli ultimi anni della grande attrice italiana Eleonora Duse, interpretata da Valeria Bruni Tedeschi, con Noémie Merlant, Fausto Russo Alesi e un ampio cast tra Italia e Francia. L’opera nasce nella scia autoriale del regista (tra documentario e finzione, uso creativo degli archivi, lavoro sul formato analogico) e si concentra sul ritorno in scena della “Divina” dopo un lungo ritiro, tra la fine della Grande Guerra e l’inizio degli anni Venti.
Per capire il nucleo storico del film Duse (La nostra recensione) bisogna ricordare chi fosse Eleonora Duse (1858–1924): considerata da molti la più grande attrice del suo tempo, rivoluzionò la recitazione teatrale con una naturalità radicale (“eliminare il sé” per farsi attraversare dal personaggio) e portò in tournée nel mondo i testi di Ibsen e d’Annunzio. Nata a Vigevano, figlia d’arte, fu protagonista di una vita pubblica e privata intensissima: la lunga relazione con Gabriele d’Annunzio segnò anche la sua carriera, mentre l’ultima stagione la vide tornare sulle scene oltre i sessant’anni, fino alla morte a Pittsburgh nel 1924 durante una tournée americana.
L’obiettivo di questo approfondimento è doppio: raccontare cosa mostra il film (e come lo mostra) e ricostruire la storia vera che lo sostiene, distinguendo tra licenze poetiche e fatti documentati. Per farlo ci appoggiamo a fonti ufficiali di festival e distribuzione, schede critiche e sintesi biografiche autorevoli.
Cosa succede nel film Duse di Pietro Marcello
Il film si colloca negli anni tra la Prima guerra mondiale e l’ascesa del fascismo. Duse – ormai oltre i sessant’anni – decide di tornare sul palcoscenico dopo un lungo silenzio: non solo per ragioni artistiche, ma anche per necessità molto concrete (economiche, esistenziali). È l’avvio di un nuovo ciclo di prove, tournée, teatri che si aprono e si chiudono, nel segno di una ricerca ostinata: fare dell’arte un atto morale, anche quando il tempo – biologico e storico – sembra voltarle le spalle.
Il rientro è faticoso. Marcello mette in scena il lavoro: le prove, le regole di compagnia, la gestione di risorse scarse, i fallimenti teatrali che si alternano alle serate di grazia. Attorno a Duse si muovono figure chiave: la figlia Enrichetta (Noémie Merlant), presenza affettiva e pratica; un’assistente straniera (Fanni Wrochna/Desirée) che ne custodisce i ritmi e la fragilità; colleghi e impresari che cercano di incasellarla nel mercato del tempo. L’ombra magnetica di Gabriele d’Annunzio (Fausto Russo Alesi) riaffiora come relazione irrisolta – biografica e artistica – che il film evoca senza mai trasformare in semplice melodramma.
La fisicità della Duse – acciacchi, affanno, abitudini di scena – diventa parte del racconto: non c’è sede nostalgica, ma resistenza. Ogni debutto può essere una disfatta o una rivelazione; ogni viaggio, una prova. Marcello alterna recitazione, materiali d’archivio e un uso analogico dell’immagine (Super16 e 35mm) per costruire una partitura tra presente e memoria, in cui la protagonista misura la propria età con la Storia: un Paese che cambia, nuovi poteri, nuove platee.
Nel percorso si insinua la domanda centrale: che cosa significa “tornare” quando il tuo corpo e il tuo secolo cambiano più in fretta di te? La Duse del film risponde non con proclami, ma salendo in scena. È lì – dentro il gesto quotidiano dell’attrice, dentro la comunità del teatro – che ritrova un’utopia possibile, a costo di sacrificare salute e affetti, fino all’ultimo viaggio.
La storia vera: cosa c’è di storico nel film e cosa è licenza poetica
Valeria Bruni Tedeschi e Noémie Merlant in Duse – foto di Erika Kuenka
Il ritorno sulle scene dopo la Grande Guerra
Fatto storico. Eleonora Duse si ritirò dal palcoscenico nel 1909, ma tornò a recitare nel 1921, formando una propria compagnia e avviando nuove tournée in Italia (1921–1922) e poi all’estero nel 1923. È un rientro tardo, motivato da ragioni artistiche ma anche economiche e biografiche.
Nel film.Duse colloca la protagonista nel dopoguerra e concentra lo sguardo sul rientro tardivo e faticoso, tra prove, tournée e fragilità fisiche: una scelta aderente all’arco biografico reale pur con inevitabili condensazioni narrative.
Nel film. La presenza di Gabriele d’Annunzio (Fausto Russo Alesi) riaffiora come ombra magnetica del passato: un elemento storicamente fondato, che il racconto usa per intrecciare memoria sentimentale e identità artistica.
Le tournée finali e la morte a Pittsburgh
Fatto storico. Dopo tappe italiane e europee (Londra, Vienna nel 1923), Duse partì per gli Stati Uniti nell’ottobre 1923. Morì di polmonite a Pittsburgh il 21 aprile 1924, durante la tournée; la sua ultima recita fu il 5 aprile 1924 al Syria Mosque, con La porta chiusa di Marco Praga. Dopo solenni onoranze, venne sepolta ad Asolo.
Nel film. Il percorso verso l’ultimo viaggio è trattato come tragitto esistenziale: la strada, i teatri, il corpo che cede e resiste. La meta americana e l’“ultimo atto” sono coerenti con i dati storici, anche se resi con libertà poetica.
Licenze poetiche e scelte di messa in scena
Struttura e tempi. Come in altri lavori di Marcello, il film condensa tempi e situazioni, alternando materiali d’archivio, ricostruzione e immagini analogiche per restituire sensazione oltre al fatto: una licenza funzionale a mettere al centro l’etica del lavoro d’attore più che il puro inventario cronachistico.
Personaggi-sintesi. Alcune figure di compagnia, assistenti e impresari possono agire da personaggi composti (fusione di più persone reali) per semplificare reti e dinamiche teatrali: è una pratica tipica del biopic, purché non alteri i nodi verificabili (ritiro/rientro, tournée finali, Pittsburgh). (Inferenza fondata sul formato biografico; i cardini storici restano aderenti alle fonti.)
1858 – Nasce a Vigevano (3 ottobre), figlia d’arte.
1898–1904 – Apice del sodalizio artistico e sentimentale con Gabriele d’Annunzio; ruoli chiave tra Ibsen e il Vate.
1909 – Ritiro dal palcoscenico (salute e logorio).
1916 – Unico film: Cenere; l’esperienza la delude, resta soprattutto un’attrice di teatro.
1921 – Ritorno sulle scene; tournée in Italia (1921–1922).
1923 – Tournée Londra e Vienna; partenza per gli USA (ottobre).
5 aprile 1924 – Ultima recita, La porta chiusa (Syria Mosque, Pittsburgh).
21 aprile 1924 – Muore a Pittsburgh di polmonite; dopo solenni onoranze, sepoltura ad Asolo.
Curiosità e fact-check su Eleonora Duse e il film di Pietro Marcello
Cenere (1916): unico film girato da Eleonora Duse. Nonostante il mito teatrale, la diva restò delusa dall’esperienza cinematografica e tornò subito al palcoscenico. Pietro Marcello inserisce materiali d’archivio di quell’epoca come contrappunto alla finzione.
Time cover (1923): Duse fu la prima donna del mondo dello spettacolo ad apparire in copertina su Time Magazine (27 agosto 1923), durante la tournée americana: un segno del prestigio internazionale che la accompagnava fino agli ultimi mesi di vita.
La “Divina” vs. la “Divina”: nel film ricorre un dialogo su “chi è la vera Divina”. In realtà l’appellativo “Divina” passò dalla Duse a Maria Callas decenni dopo; Marcello lo usa per legare idealmente la figura dell’attrice a un archetipo di artista fuori dal tempo.
Con questi elementi, Duse diventa non solo un biopic, ma una riflessione sul mestiere dell’attore e sulla tensione tra memoria, corpo e storia.
Il finale dell’ottavo episodio di Alien: Pianeta Terra (qui la nostra recensione), I veri mostri, vede Wendy prendere il controllo dell’isola di Neverland da Boy Kavalier e dal personale rimanente della Prodigy. Con diverse specie aliene in libertà, tra cui lo Xenomorfo domestico di Wendy e il mostro occhio che usa il cadavere di Arthur come ospite, il potere è passato completamente nelle mani degli ibridi.
Morrow sembrava avere il sopravvento nell’episodio 7, prima di essere sopraffatto da Kirsh in questo finale di stagione, rimanendo però ferito nel corso dell’azione. Alla fine, Slightly si è vendicato di Morrow mettendolo fuori combattimento, mentre Smee ha preso in custodia Kirsh, ormai ferito, e Wendy ha preso il controllo delle funzioni motorie di Atom dopo aver scoperto che era un sintetico.
Nel frattempo, Curly ha eliminato il soldato Prodigy Rashidi dopo che Siberian è stata uccisa da uno degli alieni, e Nibs si vendica di Dame Sylvia, mentre Joe osserva il tutto con apprensione. Tutto questo accade mentre i rinforzi di Yutani si avvicinano a Neverland, dove troveranno sicuramente un inaspettato cambiamento di potere all’inizio della seconda stagione di Alien: Pianeta Terra.
Sydney Chandler in Alien: Pianeta Terra
Wendy e i Bimbi Sperduti governano Neverland nel finale della stagione 1
Alla fine della prima stagione della magistrale serie fantascientifica, Wendy ha dunque privato Boy Kavalier del suo potere sulla sua isola. Spinta dalla necessità di bilanciare i rapporti di forza tra Prodigy e le sue creazioni più avanzate, Wendy guida una rivolta radicale contro i suoi creatori, incapaci e restii a vederli in qualsiasi modo come figure genitoriali o autoritarie.
Wendy sembra essere in qualche modo inebriata dal proprio potere nell’ultima scena del finale della prima stagione di Alien: Pianeta Terra, cosa che Joe, sullo sfondo della scena, sembra notare con una certa paura. Egli è ancora considerato uno dei Bimbi Sperduti dopo aver sparato a Nibs nell’episodio precedente, anche se è l’unico umano tra loro e quindi il più vulnerabile.
La crisi d’identità di Wendy nell’episodio finale della prima stagione solleva anche interessanti interrogativi che dovrebbero essere affrontati nella seconda stagione, come ad esempio se lei sia Marcy, Wendy o qualcosa di completamente nuovo. Gli altri ibridi, in particolare Slightly e Smee, sembrano essere in grado di conservare la loro originaria giovinezza umana, ma Wendy appare davvero cambiata rispetto al primo episodio.
Cosa significa la presa di potere di Wendy per Boy Kavalier e Prodigy
La vita di Boy Kavalier è dunque ora nelle mani di Wendy, insieme a quella dell’unica altra umana sopravvissuta nella cella di detenzione di Prodigy, Dame Sylvia. Atom e Kirsh sono ancora vivi, ma facilmente manipolabili da Wendy, il che li rende praticamente inutili. Non è chiaro se Wendy abbia lo stesso potere su Morrow, ma tra tutti i prigionieri, lui sembra essere quello più propenso ad allearsi con Wendy.
Slightly impedirebbe però quasi certamente che si formi un’alleanza dopo che Morrow ha giocato con lui per gran parte della stagione, e la lealtà di Morrow è ancora rivolta a Yutani. I rinforzi della Yutani potrebbero causare ulteriori danni per recuperare almeno Morrow, e forse una o due specie aliene, ma ciò non farebbe altro che prolungare la lotta per il possesso degli alieni. Boy Kavalier non ha veri alleati in questa lotta e non sembra che Wendy sappia ancora cosa fare con lui.
Per quanto riguarda Prodigy, il debutto dei “modelli da esposizione” ibridi ovviamente non avverrà e l’azienda multimiliardaria si trova in una posizione vulnerabile. È improbabile che Yutani riesca a inchiodare Boy Kavalier, ma ci sono altre tre mega-corporazioni che condividono il controllo della Terra – Lynch, Dynamic e Threshold – che potrebbero avere interessi personali. Non hanno quasi avuto alcun ruolo nella prima stagione di Alien: Pianeta Terra, quindi forse verranno in soccorso di Boy Kavalier nella seconda stagione.
Boy Kavalier nel finale di Alien: Pianeta Terra
Atom Eins è il padre sintetico di Boy Kavalier?
Un altro interessante dettaglio su Boy Kavalier è che nel finale ha rivelato a Wendy e ai Bimbi Sperduti di aver fatto uccidere suo padre e di averlo sostituito con il primo sintetico che ha creato quando aveva solo 6 anni. Più avanti nel finale, Atom Eins si rivela essere un sintetico, suggerendo che sia lui il “papà” di cui parlava.
Non viene mai detto esplicitamente nel finale della prima stagione, ma il modo in cui questa informazione viene svelata gradualmente è un chiaro indizio che Atom è effettivamente il “papà” di Boy Kavalier. Ciò è implicito anche quando Kavalier guarda Atom dopo che Wendy lo definisce “un ometto cattivo e arrabbiato”, chiedendogli: “Lascerai che mi parli in questo modo?”.
Come il finale della prima stagione di Alien: Pianeta Terra prepara il terreno per la seconda stagione
Con il “mostro vegetale” e il mostro occhiuto ancora in libertà sull’isola di Neverland e lo Xenomorfo domestico di Wendy in attesa, le cose non si mettono bene per Boy Kavalier, Dame Sylvia, Atom, Kirsh e Morrow. Sebbene Morrow abbia i suoi piani con la Weyland-Yutani, le cui navi si avvicinano all’isola di proprietà della Prodigy nei momenti finali del finale, per il momento si trova nella stessa situazione del resto del personale della Prodigy.
Sydney Chandler e Alex Lawther in Alien: Pianeta Terra
Dato che Alien: Pianeta Terra è un prequel, siamo in grado di ipotizzare alcuni sviluppi per la seconda stagione. Gli alieni saranno probabilmente confinati o uccisi sull’isola di Neverland, riportati nello spazio o confinati nella struttura della Weyland-Yutani. Non sembra esserci alcuna possibilità di un’epidemia aliena su larga scala sulla Terra, non essendoci menzione di ciò nei film ambientati successivamente.
Lo sviluppo più intrigante della seconda stagione potrebbe essere sentire finalmente parlare l’alieno occhio, anche se sarà tragico e inquietante sentirlo far ciò attraverso il cadavere di Arthur. Questo è stato uno dei numerosi piccoli colpi di scena alla fine della serie che dovranno essere risolti nella seconda stagione. Wendy ha poi tutte le carte in mano nel finale della prima stagione di Alien: Pianeta Terra, ma probabilmente sarà messa alla prova ancora di più in vari modi, sia fisicamente che psicologicamente.
Il suo rapporto con Joe è leggermente teso ma ancora intatto, e lei dovrà decidere che tipo di “governante” intende essere, se le verrà data davvero l’opportunità. D’altronde, il finale conferma che è dotata di poteri straordinari, che le permettono di avere il controllo di tutto ciò che è in rete. Una presenza, la sua, che andrà ben definita all’interno della saga, in quanto rischia di generare contraddizioni e retcon di non poco conto.
Se è davvero il genio che continua a sostenere di essere, Boy Kavalier potrebbe ancora avere un asso nella manica, come una sorta di interruttore di emergenza per Wendy e gli ibridi. Se Alien: Pianeta Terra verrà ufficialmente rinnovata per una seconda stagione, il creatore Noah Hawley – che ha già dichiarato di essere al lavoro su nuovi episodi – troverà sicuramente il modo di continuare ad ampliare la storia di Wendy e ad approfondire i temi alla base della saga.
Prometheus è uno dei capitoli più importanti della serie Alien, che esplora le origini sia degli Xenomorfi che dei misteriosi creatori dell’umanità, gli “Ingegneri”. Oltre a questo approfondimento della trama, il film di Ridley Scott è degno di nota per aver verificato un ulteriore legame tra la saga di Alien e l’altra serie fantascientifica di Scott,Blade Runner, in un modo sorprendente che probabilmente non vi aspettereste.
Il collegamento tra Alien e Blade Runner è stato stabilito da tempo in entrambi i franchise, risalente addirittura a Aliens, quando Dallas ha rivelato di aver precedentemente lavorato per la Tyrell Corporation. Tuttavia, Prometheus fa un passo avanti confermando non solo un universo condiviso, ma anche una stretta relazione tra i fondatori della Tyrell Corporation e della Weyland-Yutani.
Un contenuto extra di Prometheus rivela un sorprendente collegamento tra Blade Runner e Weyland-Yutani
Nei contenuti extra del disco Blu-ray di Prometheus, c’è una catena di messaggi scritti da Peter Weyland (Guy Pearce), fondatore della società britannica che alla fine si sarebbe fusa per formare la Weyland-Yutani, che descrive in dettaglio il suo rapporto con Eldon Tyrell (Joe Turkel), il visionario dietro la linea di replicanti della Tyrell Corporation e ideatore dei falsi ricordi impiantati che guidano questi umanoidi bioingegnerizzati.
L’universo di Alien–Blade Runner è collegato anche al film Soldier di Kurt Russell del 1998.
Nella catena di messaggi, Weyland, intorno al 2090, molto tempo dopo la morte di Tyrell, racconta come il suo “mentore e concorrente scomparso da tempo” lo avesse invitato a unire le forze per “conquistare il mondo e diventare i nuovi dei”. Lungi dall’essere un ricordo affettuoso, Weyland esprime disprezzo per la mancanza di originalità di Tyrell, osservando come la visione appropriata dalla Bibbia “gli sia letteralmente esplosa in faccia”.
La riflessione sarcastica di Weyland è carica di drammatica ironia, soprattutto se si ricorda come il CEO abbia incontrato la sua fine proprio a causa dello stesso complesso di onnipotenza, dopo aver indagato gli Ingegneri per scoprire il segreto dell’immortalità, un desiderio che la loro specie considera un anatema. Tuttavia, l’arroganza condivisa dai due aiuta a illustrare come l’universo di Alien–Blade Runner abbia alla fine raggiunto il suo stato distopico, iper-aziendalizzato e moralmente fallito.
Cosa significa questa rivelazione per l’universo di Alien-Blade Runner
Rutger Hauer in Blade Runner
Il genio dietro l’uovo di Pasqua di Prometheus non risiede solo nella sua mitica costruzione del mondo, ma anche nelle ramificazioni che ha per l’universo di Alien–Blade Runner. Consideriamo per un momento se Weyland avesse accettato l’offerta di Tyrell: non solo Weyland-Yutani avrebbe cessato di esistere, ma la potenza combinata dell’impero Tyrell-Weyland avrebbe trasformato i replicanti e i sintetici in armi a un livello quasi inimmaginabile.
Secondo Ron Cobb, uno dei designer originali di Alien, il nome “Weyland-Yutani” deriva dall’idea di una futura fusione tra le case automobilistiche British Leyland e Toyota.
L’universo di Alien–Blade Runner non sarebbe più stato un commento tagliente/una riflessione pungente sulla nostra società capitalistica, ma sarebbe diventato una dittatura futuristica basata sul culto della personalità e guidata da imperatori psicopatici, uno scenario terrificante del tipo “E se…?” che fa sembrare quasi rassicuranti gli Xenomorfi al confronto. Tuttavia, fino a quando Ridley Scott non creerà la sua serie di storia alternativa Alien–Blade Runner, questo spettro rimarrà solo una pericolosa ipotesi.
Da quando ha realizzato il primo Mortal Kombat ormai trent’anni fa, Paul W.S. Anderson è diventato in un modo o nell’altro il paladino principale di quello che una volta era il cosiddetto “B-Movie”. La sua intera carriera di cineasta si è dipanata declinando tale tipo di produzione, con diversi tipi di budget e altrettanto eterogenei risultati, sia artistici che al botteghino.
Ultimo “nato” da questa idea di fare cinema che sembra sempre più sul viale del tramonto – ormai scissa tra chi realizza film a bassissimo budget quasi mai destinati allo streaming e chi invece tenta la via dell’autorialità all’interno del divertimento di genere – arriva In the Lost Lands, che vede protagonisti Dave Bautista e la sempre presente Milla Jovovich, “musa” di Anderson davanti al macchina da presa quanto nella vita.
La trama di In the Lost Lands
Il canovaccio del film non potrebbe essere più funzionale: un un mondo post-apocalittico dominato da sette religiose nelle metropoli e forze oscure fuori dalle mura delle stesse, la strega Gray Alys (Jovovich) ingaggia il pistolero Boyce (Bautista) per condurla nella tana di un mutaforma, al fine di ucciderlo e carpirne i poteri da consegnare alla regina della città. Il viaggio dei due sarà denso di pericoli, rappresentati principalmente dalla sacerdotessa (Arly Jover) che vuole a tutti i costi impiccare la donna considerata eretica.
Ispirato dall’omonimo racconto scritto niente meno che dal “papà” di Game of Thrones George R.R. Martin, In The Lost Lands è un lungometraggio che rispecchia la filosofia di cinema del suo creatore, forse anche troppo: soprattutto nella prima parte della storia si ha la sensazione che Anderson abbia girato e montato il tutto infischiandosene degli enormi buchi di trama e, ancor peggio, di messa in scena. Molti momenti del film infatti accadono fuori campo o vengono raccontati, magari a causa della stringatezza del budget o per altri motivi. Per un film che punta praticamente tutto sull’effetto estetico che ambientazioni ed effetti speciali possono avere sul pubblico, appare una scelta fin troppo rischiosa.
È un peccato perché a livello di sviluppo delle ambientazioni post-apocalittiche, In the Lost Lands funziona eccome: visivamente gli scenari seppur non nuovissimi rimangono comunque affascinanti da vedere, e costituiscono un teatro efficace in cui i vari personaggi si muovono. Anche il ritmo impresso alla narrazione è quello giusto per questo tipo di produzioni, accelerato senza mai diventare inutilmente forzato. E poi ci sono i due protagonisti, che si divertono un mondo a interpretare quel tipo di ruolo per cui sono tagliati. In particolar modo Dave Bautista mescola carismae ironia nel ruolo do Boyce, diventando scena dopo scena la cosa migliore di In the Lost Land.
In un frullatore post-apocalittico
Questo nuovo film di fantascienza diretto da Paul W.S. Anderson è una sorta di frullatore cinematografico dove sono stati triturati insieme molti capisaldi del genere, in particolar modo l’universo post-apocalittico di Mad Max e lo Stephen King della serie di libri dedicati alla Torre Nera. Una volta che si capisce di dover sottostare alle regole di questo tipo di cinema – e soprattutto di produzione – lo spettacolo diventa piuttosto godibile, con momenti “cafoni” che regalano allo spettatore la giusta dose di azione e adrenalina. Il finale è forse meno riuscito rispetto alla costruzione che porta al climax, ma nel complesso non rovina quanto costruito in precedenza.
Se in passato si è ammirato o quanto meno apprezzato il cinema fracassone di Paul W.S. Anderson, adesso che i fasti della saga di Resident Evil sono passati e non ha più a disposizione il budget (già a suo tempo non enorme) di quegli action/horror, si deve accettare il fatto che lo spettacolo da lui offerto punta a giocare con lo spettatore, stesso, deve per forza di cose puntare sulla sua volontà di divertirsi con il pacchiano, ancor più che in precedenza. E In the Lost Lands chiede al proprio pubblico proprio di accettare le regole del gioco. Perché proprio di questo si tratta, anzi si è sempre trattato con Anderson, e lui non ha mai fatto nulla per nasconderlo. A noi salire sul suo carrozzone cinematografico tutto sommato fa piacere, anche quando talvolta scricchiola come nel caso di questo film. Ma alla fine la corsa sulla giostra, tutto sommato, raramente delude…
La tomba delle luccioleè considerato uno dei film d’animazione più deprimenti di tutti i tempi, e il suo finale spiega il costo della guerra per il popolo giapponese, in particolare per Seita e Setsuko. La tomba delle lucciole è un film d’animazione del 1988 dello Studio Ghibli, il secondo film prodotto dallo studio giapponese dopo Il castello nel cielo del 1986. Il tomba delle lucciole è scritto e diretto da Isao Takahata, uno dei pochi registi ad aver prodotto più film dello Studio Ghibli oltre a Hayao Miyazaki.
Dopo che la loro città natale, Kobe, in Giappone, viene bombardata e rasa al suolo e la loro madre muore, Seito e la sua sorella minore Setsuko vanno a vivere con una zia. La zia diventa sempre meno tollerante nel condividere il cibo della famiglia, così i fratelli se ne vanno e iniziano a vivere in un rifugio antiaereo abbandonato. Seito aveva abbastanza soldi lasciati dalla madre per comprare da mangiare a Setsuko, ma il razionamento bellico e le scorte limitate rendevano difficile procurarsi il cibo. Setsuko muore di malnutrizione e Seito condivide un destino simile, mentre gli spiriti dei fratelli si ricongiungono nell’aldilà.
La tomba delle lucciole è una storia vera?
Il film è in realtà basato su un racconto breve
La tomba delle lucciole è basato su un racconto breve dello scrittore giapponese Akiyuki Nosaka. La storia è di fantasia, ma è influenzata dalla sua esperienza di crescita durante e dopo la seconda guerra mondiale in Giappone. C’era molto interesse nel realizzare La tomba delle lucciolein versione live-action, ma Nosaka non pensava che potesse essere fatto in modo convincente fino a quando non vide gli storyboard della versione animata di Takahata. La sorella di Nosaka morì di malnutrizione in seguito al bombardamento di Kobe, e lui si sentì sempre responsabile. La storia era il suo modo di scusarsi per non essersi preso cura di lei.
Nella vita reale, Akuyiki Nosaka aveva due sorelle, una delle quali morì nel bombardamento di Kobe, mentre l’altra, Keiko, era una neonata che morì di malnutrizione. Setsuko è ispirata a Keiko.
Mentre la maggior parte dei film dello Studio Ghibli sono ispirati a storie di fantasia con elementi molto più fantastici, La tomba delle lucciole è uno dei più realistici e brutali nella sua trama. Sebbene sia inquadrato attraverso la lente degli spiriti di Seita e Setsuko che osservano la propria vita, è altrimenti brutalmente realistico nella sua storia e nei suoi temi. Anche se non è una rivisitazione letterale di una storia particolare, è in generale una rappresentazione accurata della vita in un villaggio giapponese come Kobe e di come i cittadini medi fossero colpiti dai regolari bombardamenti aerei, dalla carenza di cibo e dal razionamento delle risorse da parte del governo.
Come sono morti Seita e Setsuko?
Seita e Setsuko erano entrambi malnutriti
La scena iniziale di La tomba delle lucciole mostra Seita e diversi altri ragazzi della sua età che muoiono alla stazione ferroviaria dove chiedevano cibo. Date le circostanze, è abbastanza chiaro che sono morti di fame e malnutrizione. La situazione è molto più esplicita con Setsuko, poiché le sue condizioni peggiorano lentamente e il medico dice esplicitamente a Seita che è malnutrita e ha bisogno di cibo.
Lei è delirante, mangia biglie e ha allucinazioni in cui le rocce sono in realtà riso.
Seita va in città per comprare del cibo per lei e le dà anche un po’ di anguria, ma quando torna è già troppo tardi. Lei è delirante, mangia biglie e ha allucinazioni in cui le rocce sono in realtà riso.
Perché Seita e Setsuko non sono tornati a casa della zia?
I due bambini non dovevano morire
Sebbene la zia di Seita e Setsuko sia inizialmente accogliente, ben presto diventa impaziente con i bambini, in particolare con Seita, perché lui non fa alcun lavoro in casa né partecipa in alcun modo agli sforzi della città o alla guerra. La zia loda regolarmente lo zio e il cugino per il loro contributo e dà loro porzioni extra durante i pasti, ma Seita concentra le sue energie invece nel prendersi cura di Setsuko.
Quando alla fine lasciano la casa della zia, sono solo a breve distanza e potrebbero tornare indietro, quindi perché Seita tiene Setsuko nel rifugio antiaereo fino a quando lei muore di malnutrizione invece di tornare e chiedere scusa alla zia? Seita era pieno di risorse, ma è importante ricordare che era ancora solo un bambino. Inizialmente, cercava di proteggere Setsuko dalla notizia della morte della madre, ma in seguito aspettava il ritorno del padre.
Pensava semplicemente di doversi prendere cura di Setsuko fino alla fine della guerra e al ritorno del padre, ma quando scoprì che la guerra era finita e che il padre era probabilmente morto, era troppo tardi. La notizia della morte del padre potrebbe essere stata la cosa che alla fine ha convinto Seita a tornare dalla zia, ma a quel punto era troppo tardi, poiché Setsuko morì quello stesso giorno.
Il finale e il vero significato di “La tomba delle lucciole” spiegati
Il film mostra come i bombardamenti abbiano distrutto delle vite
Poiché il Giappone era membro dell’Asse nella seconda guerra mondiale e alleato della Germania nazista, non molte storie sulla guerra mettono in luce come fosse la vita per il popolo giapponese. La carenza di rifornimenti e le razioni governative erano comuni anche in altri paesi, poiché le nazioni deviavano le risorse di base per finanziare lo sforzo bellico, ma in società molto più industrializzate come gli Stati Uniti, il cittadino medio faticava molto meno. Inoltre, La tomba delle lucciole mostra come i regolari attacchi dei bombardieri americani causarono devastazioni ai cittadini giapponesi, anche se non erano direttamente coinvolti nello sforzo bellico.
In tutto il film La tomba delle lucciole, Seita fa del suo meglio per preservare l’innocenza di Setsuko, proteggendola dalla notizia della morte della madre. Anche se all’inizio sembra un gesto dolce, alla fine è proprio questo che li uccide entrambi, mentre affrontare la realtà e lavorare come parte del villaggio avrebbe giovato loro di più nel lungo periodo. La scatola di caramelle Sakuma Drops ne è un esempio evidente in tutto il film.
Il titolo del film viene esplicitamente citato quando le lucciole muoiono e Setsuko costruisce loro una tomba fuori dal rifugio antiaereo.
Seita dà a Setsuko delle caramelle quando lei è triste e a un certo punto le fa mangiare una caramella al posto del cibo, ma le caramelle zuccherate non forniscono alcun nutrimento e quando finiscono non hanno più nulla. Il tema delle lucciole viene stabilito fin dall’inizio, poiché accompagnano gli spiriti di Setsuko e Seita. Il titolo del film viene esplicitamente citato quando le lucciole muoiono e Setsuko costruisce loro una tomba fuori dal rifugio antiaereo.
Mentre seppellisce le lucciole, lei rivela di sapere che la loro madre è morta, mentre Seita ha un flashback dei corpi del loro villaggio, e si concede di piangere per la prima volta. Nel suo tentativo di proteggere l’innocenza di Setsuko, lei lo sapeva comunque, e anche qualcosa di semplice come la morte delle lucciole che avevano illuminato il loro rifugio per una notte ricordava loro il terribile costo umano di una guerra che non aveva nulla a che fare con loro.
Come è stato accolto il finale di “La tomba delle lucciole”
Il film ha ottenuto un punteggio perfetto del 100% su Rotten Tomatoes
La tomba delle lucciole ha ottenuto un raro punteggio perfetto su Rotten Tomatoes. I critici hanno elogiato il film in modo travolgente, con un punteggio del 100% su Tomatometer, e anche il punteggio del pubblico è altrettanto ottimo, con un altissimo 95% e oltre 50.000 valutazioni. Il finale è devastante, ma è proprio questo che gli spettatori apprezzano di più. Un fan ha scritto: “Il lento crescendo è stato realizzato così bene. Pur conoscendo il finale, non sono riuscito a smettere di piangere nemmeno dopo la fine del film. Davvero un capolavoro.”
I critici lo hanno apprezzato ancora di più, senza una sola recensione negativa da parte dei critici di Tomatometer. Roger Ebert ha recensito il film e ha avuto molte cose positive da dire sulla storia e sul suo finale crudo. Nella sua recensione cita il critico Dennis H. Fukushima Jr.
“Essendo l’unico sopravvissuto, si sentiva in colpa per la morte di sua sorella. Mentre cercava cibo, spesso mangiava prima lui e poi sua sorella. La causa innegabile della sua morte era la fame, e questo era un fatto triste che avrebbe perseguitato Nosaka per anni. Lo spinse a scrivere della sua esperienza, nella speranza di liberarsi dai demoni che lo tormentavano.”
Glenn Kenny del The New York Times concordò con le parole di elogio nella sua recensione del classico d’animazione. “Separati dalla madre dopo un bombardamento americano su Kobe, i due trascorrono i loro ultimi giorni cavandosela da soli in una terra desolata dove non c’è alcun aiuto da parte degli adulti. Per quanto lottino, rimangono meravigliosamente e talvolta umoristicamente infantili.” La maggior parte dei critici e dei fan concordano sul fatto che il film sia difficile da guardare, ma La tomba delle lucciole alla fine ne vale la pena: una storia commovente con un finale straziante e toccante.
Netflix ha ingaggiato una schiera di attori di talento per interpretare i personaggi storici della famiglia Guinness in House of Guinness. Ambientata nel XIX secolo, questa serie drammatica storica seguirà le vicende della famosa famiglia dietro l’azienda produttrice di birra Guinness, ancora oggi in forte espansione. House of Guinness è stata creata da Steven Knight.
I Guinness non si sono limitati a rendere popolare la birra scura irlandese. Sir Benjamin Guinness, primo baronetto, che acquistò originariamente la St. James’s Gate Brewery nel 1759, divenne l’uomo più ricco d’Irlanda grazie all’esportazione di birra e altri prodotti. Quando morì nel 1868, il suo impero fu lasciato ai figli, ed è qui che inizia la serie Netflix House of Guinness.
I personaggi centrali di House of Guinness saranno i quattro figli di Benjamin Guinness, ciascuno dei quali è basato su un personaggio storico reale. La serie Netflix ha anche aggiunto un mix di personaggi secondari, alcuni basati su persone reali, mentre altri sono stati creati per arricchire la trama. In ogni caso, ciascuno di essi è interpretato da un attore fenomenale.
L’attore irlandese Anthony Boyle è salito alla ribalta interpretando Scorpius Malfoy nelle produzioni del West End e di Broadway dell’opera teatrale Harry Potter and the Cursed Child nel 2016. Da lì, è apparso in progetti come The Lost City of Z (2019), Tetris (2023), Masters of the Air (2024) e Manhunt (2024), tra gli altri.
Boyle interpreta Arthur Guinness in House of Guinness, il maggiore dei quattro figli di Benjamin Guinness. Il vero Arthur Guinness era un politico e filantropo vissuto dal 1840 al 1914. L’aspetto di Boyle in House of Guinness è molto simile alle statue erette in onore di Arthur Guinness, con i capelli pettinati all’indietro e i baffi folti.
Louis Partridge, nato a Wandsworth, Londra, ha ottenuto il suo ruolo di svolta in Enola Holmes di Netflix nel 2020, che ha ripreso nel sequel del 2022. Questo ha portato ad altri progetti, come Argylle (2024), Pistol (2022) e Disclaimer (2024). Patridge ha diversi nuovi progetti in cantiere, tra cui Enola Holmes 3 e Pride and Prejudice.
Partridge interpreta Edward Guinness in House of Guinness, il terzo figlio di Benjamin Guinness e co-gestore del birrificio Guinness dopo la morte del padre. È nato nel 1847 ed è morto nel 1927, poco prima del suo ottantesimo compleanno. Le fotografie di Edward lo ritraggono solitamente con i baffi, anche se Partridge è rasato in House of Guinness.
L’attrice inglese Emily Fairn ha debuttato nel 2022 interpretando Cassey nella serie poliziesca della BBC One The Responder. Questo le ha permesso di partecipare a un’altra serie della BBC One, Rain Dogs, e a un episodio della serie antologica di Netflix Black Mirror. Più recentemente, Fairn ha interpretato Lily nella serie drammatica storica britannica Mary & George.
Fairn interpreta Anne Guinness in House of Guinness, l’unica figlia di Benjamin Guinness. Anne, che ha preso il cognome Plunket dopo il matrimonio con William Plunket, quarto barone Plunket, era nota per le sue opere di beneficenza a Dublino, dove aiutava i malati e i poveri di tutta la regione finanziando forniture mediche e cure. Anne è nata nel 1839 ed è morta nel 1889 all’età di 50 anni.
Fionn O’Shea nel ruolo di Benjamin Guinness
Data di nascita: 2 gennaio 1997
Attivo dal: 2007
L’attore irlandese Fionn O’Shea ha debuttato nel cortometraggio New Boy, che ha ricevuto una nomination come miglior cortometraggio live action agli Oscar nel 2008. Dopo aver recitato in diversi film minori e ruoli televisivi, O’Shea ha recitato in progetti come Handsome Devil del 2016, Dating Amber del 2020 e la miniserie della BBC Three Normal People (2020). Più recentemente, ha interpretato il sergente Steve Bosser in Masters of the Air (2024)
O’Shea interpreta Benjamin Lee Guinness, il secondogenito di Sir Benjamin Guinness. Nato nel 1842 e scomparso nel 1900, sembra che fosse meno coinvolto nella filantropia e nell’azienda produttrice di birra Guinness rispetto ai suoi fratelli. Tuttavia, questo personaggio storico avrà un ruolo di primo piano nella serie Netflix House of Guinness.
House Of Guinness – Cast secondario e personaggi
David Wilmot nel ruolo di Bonnie Champion – David Wilmot, noto per The Crown e Calvary, interpreterà Bonnie Champion in House of Guinness, un personaggio apparentemente creato per la serie Netflix.
James Norton nel ruolo di Sean Rafferty – James Norton interpreterà Sean Rafferty in House of Guinness, un irlandese con un legame unico con la famiglia Guinness. Norton è noto soprattutto per Happy Valley, Northmen: A Viking Saga e Little Women.
Jack Gleeson nel ruolo di Byron Hughes – Jack Gleeson, noto per aver interpretato Joffrey Baratheon in Game of Thrones, interpreterà un personaggio chiamato Byron Hughes in House of Guinness.
Niamh McCormack nel ruolo di Ellen Cochrane – Niamh McCormack, protagonista di Every Now, interpreterà Ellen Cochrane in House of Guinness.
Seamus O’Hara nel ruolo di Patrick Cochrane – Noto per Shadow and Bone e Il Trono di Spade, Seamus O’Hara interpreterà Patrick Cochrane in House of Guinness.
Dervla Kirwan nel ruolo di zia Agnes Guinness – Dervla Kirwan, nota per Goodnight Sweetheart, interpreterà zia Agnes Guinness che, secondo la storia, era sposata con William Loel Seymour Guinness, lo zio paterno dei fratelli Guinness.
Michael McElhatton nel ruolo di John Potter – Michael McElhatton, noto per aver interpretato Roose Bolton in Il Trono di Spade, interpreterà John Potter in House of Guinness.
Danielle Galligan nel ruolo di Lady Olivia Hedges – Il vero Arthur Guinness era sposato con Lady Olivia Hedges, che sarà interpretata da Danielle Galligan (Shadow and Bone) in House of Guinness.
Hilda Fay nel ruolo di Sultan – Sebbene i dettagli su questo personaggio di House of Guinness siano stati volutamente lasciati misteriosi, “Sultan” sarà interpretato dall’attrice irlandese Hilda Fay.
Uscito il 23 aprile 2004, Man on Fire è un thriller d’azione basato sull’omonimo romanzo del 1980 scritto da A.J.Quinnell. Il film vede Denzel Washington e Dakota Fanning nei ruoli principali. La storia è ambientata a Città del Messico, dove un ex agente della CIA giura vendetta contro coloro che hanno commesso un atto indicibile contro la famiglia che era stato assunto per proteggere.
Il cast di supporto include Christopher Walken, Radha Mitchell, Giancarlo Giannini, Marc Anthony, Rachel Ticotin e Mickey Rourke. Nonostante le recensioni contrastanti, il film è stato un successo al botteghino. Ecco spiegato il finale di Man on Fire.
Man on Fire: spiegazione del finale
Il film ruota attorno a John Creasy, un ex marine della ricognizione e assassino che si reca in Messico per visitare un suo vecchio amico. Creasy viene assunto come guardia del corpo di Peeta, la figlia di un ricco produttore di automobili. La storia ruota attorno alla bella relazione tra Peeta e Creasy e al forte legame che unisce i due fino a quando una tragedia li separa.
John Creasy era una persona reale?
Sì, John Creasy era un personaggio reale, ex agente della CIA e assassino. Creasy è venuto a Città del Messico per incontrare il suo compagno d’armi, Paul Rayburn. Mentre è in Messico, Creasy cerca di suicidarsi, ma il proiettile non parte e lui finisce per considerarlo una seconda possibilità. Si sente depresso, ma il suo legame con Peeta gli ha dato un nuovo senso alla sua vita.
Creasy muore alla fine di Man on Fire?
Nella scena finale di Man on Fire, Creasy trova il responsabile del rapimento di Peeta e cerca di ucciderlo, ma Daniel lo informa che Peeta è viva. Daniel propone a Creasy uno scambio: restituirà Peeta se Creasy e suo fratello si arrenderanno agli uomini di Daniel. Creasy accetta e incontra gli uomini di Daniel sul ponte. Per l’ultima volta, Creasy incontra Peeta, le dice addio e le assicura che la ama. Creasy si arrende agli uomini di Daniel, ma soccombe alle ferite durante il trasporto. Creasy muore durante il viaggio di ritorno prima di poter incontrare Daniel.
Peeta muore in Man on Fire?
Creasy scambia se stesso e suo fratello in cambio di Peeta. Così, gli uomini di Daniel lasciano Peeta ai piedi del ponte dove incontra Creasy. Peeta saluta Creasy e corre da sua madre, che è seduta in macchina dall’altra parte del ponte. Peeta e sua madre se ne vanno in macchina, mentre Creasy viene ucciso. Anche Daniel muore in Man on Fire, ucciso dall’agente dell’AFI Manzanno nella sua stessa casa, che dichiara ufficialmente che è morto durante l’arresto.
La tradizione e la storia di Willy Wonka sono state ampliate in Wonka, e il successo del prequel di Willy Wonka e la fabbrica di cioccolatoha già dato vita a speculazioni su Wonka 2e su un possibile franchise. Willy Wonka e la fabbrica di cioccolato è stato l’adattamento del 1971 del romanzo di Roald Dahl del 1964 Charlie e la fabbrica di cioccolato. Wonka della Warner Bros. Pictures, diretto da Paul King e interpretato da Timothée Chalamet nel ruolo del protagonista, amplia la storia di Willy Wonka e di come è diventato il maestro cioccolatiere interpretato da Gene Wilder nell’originale del 1971.
Trattandosi dell’adattamento di una proprietà intellettuale così famosa, sono sorte alcune domande sui piani della Warner Bros. Pictures riguardo al futuro di Wonka e alla possibilità di ulteriori sequel. Sebbene le notizie sul sequel siano piuttosto scarse, è stato annunciato che dietro le quinte si sta lavorando per realizzarne uno. Non è chiaro se l’interpretazione di Timothée Chalamet di Willy Wonka (la nostra recensione) resisterà alla prova del tempo, ma c’è sicuramente spazio per altro in Wonka 2.
Nonostante questo aggiornamento, il sequel non ha ancora ricevuto il via libera e non c’è alcuna garanzia che supererà la fase di sviluppo.
Sebbene le notizie sul potenziale sequel siano state scarse, l’ultimo aggiornamento conferma che si sta lavorando alla sceneggiatura di Wonka 2. Durante la première di Paddington in Perù, il regista Paul King ha rivelato alcuni dettagli importanti sullo sviluppo di Wonka 2, tra cui il fatto che “abbiamo già scritto circa metà della bozza.” Nonostante questo aggiornamento, il sequel non è ancora stato approvato e non vi è alcuna garanzia che supererà la fase di sviluppo. Tuttavia, l’entusiasmo di King, così come il successo al botteghino del film originale, potrebbero sicuramente stimolare la realizzazione del sequel.
King ha anche lasciato trapelare alcuni indizi su ciò che vorrebbe vedere in Wonka 2, tra cui il fatto che “cercherà di inserire alcuni viaggi internazionali.” Non è chiaro se King intendesse viaggi in termini di location delle riprese o all’interno della storia, che potrebbe vedere Willy viaggiare per il mondo alla ricerca di sapori più interessanti per i suoi famosi dolciumi. Tuttavia, King è stato evasivo, concludendo con “questo è l’unico indizio che vi darò. Ma spero di guadagnare qualche miglio aereo con questo”.
Wonka 2 è confermato in fase di sviluppo
Il sequel non è ancora stato approvato
Sebbenemolti film di Roald Dahl abbiano fatto fiasco al botteghino, Wonka è stato un grande successo. Questo ha reso quasi certo il sequel, ma il regista Paul King è rimasto in silenzio per gran parte dell’anno successivo all’uscita del film originale. Tutto è cambiato nel novembre 2024, quando King ha rivelato che si stava lavorando alla sceneggiatura di Wonka 2. Sebbene non abbia rivelato molto, King ha confermato che lo sviluppo è in corso, anche se il sequel potrebbe non vedere mai la luce.
Scopri come sono stati accolti dalla critica i film di Willy Wonka:
Ci sono sempre progetti in fase di sviluppo che non vedono mai la luce, ma ci sono diversi fattori chiave a favore di Wonka 2. Innanzitutto, e forse la cosa più importante, il film originale è stato un clamoroso successo al botteghino e ha incassato un sacco di soldi. In secondo luogo, c’è l’entusiasmo del regista Paul King nel continuare la storia e, con un veterano esperto al timone, Wonka 2 è destinato al successo.
Wonka ha incassato oltre 634 milioni di dollari (fonte: Box Office Mojo).
Dettagli sul cast di Wonka 2
Chi potrebbe tornare per Wonka 2?
Il cast di Wonka 2 sarà probabilmente guidato da Timothée Chalamet (Dune) nel ruolo di Willy Wonka. Sebbene la scelta di Hugh Grant per il ruolo di Oompa Loompa sia stata controversa, è probabile che torni anche in Wonka 2. Anche Fickelbruber di Matthew Baynton e Slugworth di Paterson Joseph torneranno molto probabilmente nel sequel di Wonka, dato che i loro personaggi sono ancora presenti nella vita di Willy Wonka al tempo di Charlie e la fabbrica di cioccolato.
Tuttavia, il cast corale di Wonka ha diversi nuovi personaggi e non è chiaro se torneranno in Wonka 2. Ad esempio, Noodle di Calah Lane ha avuto una sorta di lieto fine in Wonka e non c’è motivo per cui lei torni in un sequel.D’altra parte, la natura spensierata di Wonka ha fatto sì che tutti i personaggi sopravvivessero, quindi quasi tutti potrebbero tornare.CorrelatiGuida al cast di Wonka: dove avete già visto le star del prequel di La fabbrica di cioccolatoIl prequel di Charlie e la fabbrica di cioccolato di Roald Dahl è pieno di attori e comici iconici che danno vita ai suoi personaggi classici.
Dettagli della trama di Wonka 2
Cosa potrebbe succedere nel sequel?
La trama di Wonka ha mantenuto la promessa del regista Paul King che il film non era stato concepito per avere un sequel, e il finale del primo film conclude in modo piuttosto succinto il conflitto. Pertanto, Wonka 2 dovrà probabilmente attingere alla bibliografia di Roald Dahl o creare una propria avventura di Willy Wonka.
Il finale del film ha visto Scrubbit e Bleacher trasformarsi nei personaggi titolari del popolare libro di Dahl, The Twits, il che potrebbe offrire un indizio sul futuro o essere semplicemente un divertente easter egg. Dato che Wonka era sulla buona strada per diventare l’enigmatico cioccolatiere che i fan conoscono e amano da Charlie and the Chocolate Factory, Wonka 2potrebbe coprire il periodo precedente a Charlie Bucket, quando Wonka iniziò a costruire il suo impero del cioccolato.
Wonka finisce come è iniziato, con un pizzico di pura fantasia. Il prequel racconta gli esordi di Willy Wonka, prima che aprisse la sua famosa fabbrica di cioccolato. Lungo il percorso stringe alcune amicizie, mentre lui, il presunto orfano Noodle e il resto della banda sono costretti a lavorare per la signora Scrubbit, con l’obiettivo di smantellare il cartello del cioccolato – Arthur Slugworth, Prodnose e Fickelburger – che ha comprato il capo della polizia e il prete con caramelle e cioccolato per continuare le proprie attività. Dopo aver trovato modi ingegnosi per vendere il cioccolato di Wonka, lontano dagli occhi di Slugworth e della polizia, Wonka (la nostra recensione) viene alla fine catturato e mandato via.
Wonka ritorna dopo aver realizzato che l’anello di Slugworth ha lo stesso stemma di quello sulla collana di Noodles. A quanto pare, Noodles non è affatto orfana. Slugworth l’ha portata via da sua madre, che si era rivolta a lui per chiedere aiuto dopo che Noodles si era ammalata, e l’ha mandata giù per lo scivolo della lavanderia alla signora Scrubbit. Il Cartello del Cioccolato è implacabile e cerca di uccidere Willy Wonka e Noodles, liberando il cioccolato nel loro caveau per annegarli. Lofty li salva e la verità su Slugworth viene rivelata. Dopo l’arresto del Cartello del Cioccolato, Noodles si ricongiunge con sua madre, Wonka apre la sua fabbrica di cioccolato e assume Lofty per dirigere il reparto di degustazione.
I piani malvagi del Cartello del Cioccolato spiegati
Slugworth, Prodnose e Fickelburger gestivano le Galeries Gourmet e vedevano l’abilità di Willy Wonka nel produrre cioccolato come una minaccia non solo per i loro affari, ma anche per le loro alleanze con la polizia e la chiesa. Se Wonka avesse aperto un negozio di cioccolato, li avrebbe mandati in rovina e avrebbero perso le loro finanze e il loro potere sulla città. Fondamentalmente, il Cartello del Cioccolato ingannava la città, poiché annacquava i propri cioccolatini e teneva nascoste le riserve.
Slugworth e i suoi complici mentivano anche sui loro registri contabili, il che li portò a corrompere la polizia per continuare il loro inganno. Ciò che Slugworth e gli altri volevano fare alla fine era cacciare Willy Wonka dalla città, in modo che nessuno venisse a conoscenza della loro malvagità. Slugworth, in particolare, voleva cacciare Wonka perché era diventato molto amico di Noodles e il cioccolatiere non voleva che lei scoprisse la verità sul suo passato.
Noodles ha creduto per tutta la vita di essere orfana, ma il finale di Wonka ha rivelato che la sua madre naturale era ancora viva, anche se suo padre era morto. Da parte di padre, Noodles era la nipote di Slugworth, che ha fatto del suo meglio per nascondere questo fatto. Quando sua madre portò la piccola Noodles da Slugworth nel tentativo di curare la sua malattia, lui le disse che l’avrebbe fatto, ma in seguito Slugworth mentì alla madre di Noodles, dicendole che la bambina era morta.
Noodles viveva nella lavanderia della signora Scrubbit perché suo zio non voleva che sapesse di essere l’erede di una fortuna nel settore del cioccolato. Slugworth vedeva Noodles come una minaccia al suo impero, proprio come aveva fatto con Wonka. Conoscere il suo passato e il suo legame di sangue avrebbe significato mettere in discussione le operazioni di Slugworth, il che l’avrebbe portata a rivendicare la sua parte della fortuna che le era stata sottratta grazie all’astuzia del Cartello del Cioccolato.
In Wonka, il personaggio principale interpretato da Timothée Chalamet è analfabeta. Questo diventa un problema quando Wonka viene vincolato al contratto della signora Scrubbit, nonostante Noodles gli abbia detto di leggere le clausole scritte in piccolo. È un dettaglio intrigante sul personaggio, la cui testa è piena di sogni. Non viene fornita una ragione diretta per cui non abbia mai imparato a leggere, il che è interessante considerando che la madre di Willy Wonka (Sally Hawkins) era presente durante la sua crescita e sapeva leggere e scrivere. Wonka era più interessato a tutto ciò che riguardava il cioccolato, e la sua ossessione per il cioccolato, le caramelle e la loro innovazione suggerisce che fosse troppo preso da queste cose per prendere sul serio la lettura.
Wonka presenta la madre di Willy Wonka, mentre Charlie e la fabbrica di cioccolato presenta suo padre.
Perché Lofty ha salvato Wonka e Noodles dal cartello del cioccolato
Lofty era contrario a Willy per la maggior parte del film Wonka perché quest’ultimo aveva preso l’ultima scorta di fave di cacao degli Oompa Loompa, che Lofty stava proteggendo. Ma è tornato per salvare Willy Wonka e Noodles dall’annegamento nel cioccolato perché Slugworth aveva preso il cioccolato che spettava a Lofty. Wonka non avrebbe potuto ripagare Lofty per intero se fosse morto, quindi l’Oompa Loompa ha deciso di salvare lui e Noodles in modo da poter ottenere ciò di cui aveva bisogno per tornare. In questo caso, Slugworth è diventato nemico sia di Wonka che di Lofty, il che ha spinto quest’ultimo a combattere per Wonka in un modo che probabilmente non avrebbe fatto prima.
Cosa succede agli amici di Willy dopo la fine di Wonka
Gli amici di Willy Wonka sono stati creati per il prequel e non ricompaiono in nessuno degli altri film di Wonka. Alla fine del film, Noodles e gli altri sono finalmente liberi dalla signora Scrubbit. Noodles si ricongiunge con sua madre, che lavora nella biblioteca della città. Non è chiaro cosa ne sarà di Noodles da adulta, ma probabilmente passerà le sue giornate a conoscere sua madre e a scoprire la famiglia che non ha mai conosciuto. Potrebbe anche diventare ricca dopo che Slugworth sarà finito in prigione; dopotutto, ha un impero del cioccolato da ereditare, anche se forse non ha intenzione di continuare ciò che lui ha iniziato.
Per quanto riguarda gli altri amici di Wonka, tornano alle loro vite precedenti e alle loro famiglie. Abacus Crunch potrebbe tornare al suo lavoro di contabile, o potrebbe finalmente andare in pensione dopo anni di servitù. Larry probabilmente torna da sua moglie, mentre Piper e Lottie tornano ai loro ruoli rispettivamente di idraulico e centralinista. Lottie torna persino a parlare più di quanto facesse alla lavanderia a gettoni, perché è finalmente libera e di nuovo piena di speranza.
Il vero significato del finale di Wonka e della divisione del cioccolato di sua madre
Willy Wonka ha trascorso gran parte della sua vita da solo. A parte sua madre, non aveva molti amici e, sebbene volesse portare gioia a tutti aprendo la sua magica fabbrica di cioccolato, Wonka non aveva nessuno di speciale nella sua vita con cui condividere la sua felicità o le sue esperienze. La situazione è cambiata quando ha incontrato Noodles e la banda della signora Scrubbit. Wonka alla fine capisce che avere degli obiettivi e un’immaginazione inarrestabile non significa nulla se non c’è nessuno con cui condividerli.
Wonka divide la barretta di cioccolato di sua madre con Noodles e i suoi amici perché lo hanno aiutato a realizzare i suoi sogni. La fabbrica di cioccolato di Wonka non esisterebbe se non fosse stato per il loro aiuto. Il segreto di sua madre era che non c’era alcun segreto: il cioccolato è così buono solo grazie alle persone con cui Wonka lo condivide. Avrebbe potuto accontentarsi di mangiare finalmente il cioccolato di sua madre da solo, ma è stato ancora più dolce poterlo condividere con le persone a cui si era affezionato nel corso del film.
Come il finale di Wonka prepara il terreno per Wonka 2
Considerando che il film è un prequel di Willy Wonka e la fabbrica di cioccolato del 1971, ci sono circa due decenni tra Wonka e l’inizio del film con Gene Wilder. Timothée Chalamet ha espresso interesse a riprendere il ruolo di Wonka in un sequel (tramite ET) se ci fossero altre storie di Wonka da esplorare, cosa che “evidentemente c’è”, ha detto l’attore. Anche il regista Paul King sarebbe disposto a tornare nel mondo di Wonka. Anche se il prequel è autonomo e non necessita di un seguito, King ha dichiarato alla stessa testata che “ci sono 25 anni e molte altre cose che accadono a Willy Wonka” dopo la fine del film.
Sebbene il finale non prepari il terreno per un immediato Wonka sequel, c’è sicuramente spazio per altro. Un sequel potrebbe esplorare la vita di Noodles dopo il ricongiungimento con sua madre, così come ciò che accade a Wonka nel periodo tra l’apertura della sua fabbrica e la ricerca di qualcuno a cui lasciarla in eredità. Al momento della stesura di questo articolo, tuttavia, la Warner Bros. non ha dato il via libera a un sequel di Wonka. Non è chiaro se lo studio andrà avanti con il progetto, ma potrebbe dipendere dal successo del musical al botteghino e dalla sua uscita sul servizio di streaming Max.
Uscito nel 2017 e diretto da Dean Devlin, Geostorm è un disaster movie ad alto budget che immagina un futuro prossimo in cui un’enorme rete di satelliti, battezzata Dutch Boy, controlla il clima del pianeta per prevenire uragani, ondate di calore e alluvioni. Il film rientra nella tradizione catastrofista hollywoodiana (da The Day After Tomorrow a 2012), ma la sua specificità sta nell’idea di un controllo artificiale del meteo su scala globale e nella minaccia di un “geostorm”: una tempesta perfetta di eventi climatici concatenati e ingestibili.
A guidare il cast ci sono Gerard Butler (Jake Lawson), Jim Sturgess (Max Lawson), Abbie Cornish, Ed Harris, Andy Garcia e Alexandra Maria Lara. La narrazione alterna sequenze spettacolari di distruzione in giro per il mondo a un thriller tecnologico-politico che si consuma tra la Stazione Spaziale Internazionale e i palazzi del potere di Washington. Le ambizioni visive sono dichiarate: Geostorm (la nostra recensione) punta a intrattenere con effetti speciali e ritmo da blockbuster.
Il titolo dell’articolo solleva la domanda: “Geostorm è basato su una storia vera?”. La risposta breve è no: l’opera è fiction. Ma la risposta utile per il lettore è più articolata: alcune premesse (es. l’aumento degli eventi meteorologici estremi in un clima che cambia, i rischi cyber per le infrastrutture critiche, i problemi di governance internazionale delle tecnologie emergenti) sono ancorate alla realtà; altre (il controllo puntuale del meteo via satellite) sono speculative o oggi fisicamente impraticabili. Vediamolo nel dettaglio.
Cosa succede in Geostorm?
All’inizio del film, una sequenza di disastri climatici senza precedenti spinge la comunità internazionale a creare Dutch Boy, una costellazione di satelliti interconnessi capaci di “raffreddare” tempeste, deviare uragani e mitigare fenomeni estremi. Il progettista capo è Jake Lawson (Gerard Butler), geniale ma indisciplinato. Quando la politica subentra alla scienza, Jake viene estromesso; anni dopo, strani malfunzionamenti della rete causano eventi letali localizzati (un villaggio nel deserto ghiacciato, ondate di calore improvvise in città densamente popolate).
Jake è richiamato sulla Stazione Spaziale Internazionale per indagare. A Terra, suo fratello Max (Jim Sturgess), che lavora al Dipartimento di Stato, scopre indizi di sabotaggio e una possibile cospirazione ai vertici del governo statunitense. La tensione cresce su due fronti: nello spazio, tra codici corrotti, “incidenti” e una stazione che comincia a guastarsi; a Washington, tra scambi di lealtà, segreti di stato e un conto alla rovescia verso l’inaugurazione presidenziale.
Emergono due verità: qualcuno sta trasformando Dutch Boy in un’arma e la rete, fuori controllo, sta innescando una catena globale di anomalie che convergeranno in un “geostorm” destinato a devastare il pianeta. Jake e la scienziata Ute Fassbinder (Alexandra Maria Lara) tentano un reboot del sistema dalla stazione; Max, con l’agente dei Servizi Segreti Sarah (Abbie Cornish), cerca di sventare il complotto a Terra. Nel climax, tra evacuazioni, sabotatori e moduli che esplodono, Jake riesce ad avviare il riavvio di Dutch Boy sacrificando (apparentemente) la via di fuga; Max neutralizza i responsabili. Epilogo: la minaccia è sventata, l’umanità ha imparato—si spera—qualcosa sui limiti del proprio controllo.
Geostorm è basato su una storia vera? E potrebbe davvero accadere?
No, non è una storia vera.Geostorm è fiction speculativa. Tuttavia, tocca temi reali. Per capirne la plausibilità, conviene separare i piani: fisica del clima, ingegneria spaziale, cybersicurezza, diritto e governance.
1) Controllare il meteo via satellite: oggi è fantascienza
La scala energetica è proibitiva. Un uragano rilascia energia paragonabile a decine di bombe nucleari al minuto sotto forma di calore latente. Non basta “sparare” impulsi o aerosol dall’orbita per dissiparlo: servirebbe intervenire sulla dinamica termica di intere colonne d’aria e masse oceaniche.
Esistono pratiche di weather modification limitate (es. cloud seeding per aumentare la pioggia locale), ma gli effetti sono marginali, incerti e locali, non globali.
I satelliti sono eccellenti per osservare e prevedere (telerilevamento, modelli numerici), non per manipolare stabilmente il clima.
2) Geoingegneria climatica: discussa, non operativa
In ambito scientifico si studiano ipotesi come la gestione della radiazione solare (SRM, ad es. aerosol stratosferico) o la rimozione della CO₂ (CDR). Ma si tratta di ricerche, non di sistemi pronti: enormi incertezze su efficacia, rischi collaterali e governance globale.
Geostorm immagina un controllo fine e in tempo reale del meteo locale: una versione estremizzata e oggi irrealistica di qualsiasi proposta di geoingegneria.
3) Infrastrutture spaziali e rischi reali
Una mega-costellazione che integri migliaia di satelliti con sensori, attuatori e software complessi porrebbe rischi seri di guasti a cascata, debris (sindrome di Kessler) e attacchi cyber.
La cybersicurezza è il punto più verosimile del film: sistemi critici interconnessi possono essere compromessi tramite supply chain, credenziali, malware, insider. Qui Geostorm tocca un nervo scoperto.
4) Diritto e geopolitica
Trattati internazionali (es. Outer Space Treaty del 1967) vietano l’uso di armi di distruzione di massa nello spazio e spingono a un uso “pacifico” dello spazio extra-atmosferico.
Esiste anche la Convenzione ENMOD (1977) che proibisce l’uso di tecniche di modificazione ambientale come arma. L’idea di “armare il meteo” è dunque illegale oltre che tecnicamente inconsistente allo stato attuale.
5) Ma allora un “geostorm” è impossibile?
Un evento globale sincronizzato da un’unica rete che “impazzisce” è narrativamente efficace ma fisicamente implausibile.
Ciò che è reale, e documentato, è l’aumento della frequenza e intensità di alcuni eventi estremi (ondate di calore, precipitazioni intense) in un clima che si riscalda. È un problema di mitigazione (ridurre le emissioni) e adattamento (infrastrutture resilienti), non di telecomando orbitale del meteo.
Verdetto
Geostorm non è tratto da eventi reali e l’architettura Dutch Boy non è plausibile con la fisica e la tecnologia odierne (né, con ogni probabilità, future in quei termini).
Il film, però, intercetta paure autentiche: dipendenza da infrastrutture complesse, vulnerabilità cyber, governance frammentata, e lo spettro dell’hubris tecnologica—la tentazione di “aggiustare” il pianeta come se fosse un software.
La lezione utile sta qui: la tecnologia può aiutarci a prevedere e adattarci; “controllare” il clima è un’altra storia.
Ultimatum alla Terra è il film del 2008 diretto da Scott Derrickson, remake dell’omonimo film di fantascienza del 1951 diretto da Robert Wise e con protagonista Michael Rennie. Questa volta il ruolo dell’alieno Klaatu è stato affidato a Keanu Reeves, che con i suoi lineamenti affilati ed eleganti si è rivelato perfetto per il ruolo.
La trama di Ultimatum alla Terra
Nel 1928 un esploratore sul Karakorum scopre una sfera luminosa che, prelevato il suo DNA, scompare. Decenni dopo, nel 2008, un oggetto spaziale viene scambiato per un asteroide in rotta verso New York: si rivela invece un’astronave che atterra a Central Park. Dalla navicella escono un essere alieno, ferito da un colpo di arma da fuoco, e un enorme robot, GORT, che disattiva ogni tecnologia. L’alieno, Klaatu, viene portato in un centro studi dove assume sembianze umane, ricavate dal DNA dell’esploratore del 1928. Klaatu vorrebbe rivolgersi all’ONU, ma i militari lo considerano una minaccia e tentano di interrogarlo. Dopo essere sfuggito, trova aiuto nella scienziata Helen Benson e nel figlio adottivo Jacob.
Klaatu rivela la sua missione: è inviato da una confederazione di civiltà per preservare i pianeti abitabili. La Terra è a rischio estinzione a causa dell’uomo e l’umanità deve essere eliminata per salvare l’ecosistema. Klaatu sembra deciso, ma un vecchio alieno infiltrato gli mostra di aver scelto di restare sulla Terra per amore degli uomini, convinto che possano anche cambiare. Intanto, GORT si libera, trasformandosi in uno sciame di nanomacchine che divora ogni cosa, avviando lo sterminio.
Durante la fuga con Helen e Jacob, Klaatu si scontra con i militari e salva il ragazzo, guadagnandosi la sua fiducia. Convinto da Helen e dal professor Barnhardt che l’umanità può cambiare quando è vicina al baratro, Klaatu comincia a dubitare della distruzione totale. L’ennesimo atto di fiducia di Jacob lo persuade: decide di fermare lo sciame. Tornato alla sfera di Central Park, sacrifica la propria missione e blocca la catastrofe, salvando Helen e Jacob, ma al prezzo della propria partenza. L’ultima conseguenza della sua scelta è il blackout totale della tecnologia terrestre, un messaggio potente per spingere gli uomini a riflettere sul futuro del pianeta.
10 curiosità su Ultimatum alla Terra
Il famoso astronomo Seth Shostak fu assunto come consulente per il film. Rilesse la sceneggiatura più volte alla ricerca di errori e fornì suggerimenti per rendere gli scienziati meno aridi: “I veri scienziati non descrivono un oggetto che entra nel sistema solare come ‘notevole per il fatto che non si muoveva lungo un’ellisse asteroidale, ma a quasi 3*10 alla 7 metri al secondo’. Più probabilmente, direbbero che c’era ‘una dannata roccia diretta verso di noi!'”. Ha anche sottolineato che gli scienziati avrebbero dovuto chiamarsi per nome.
Secondo i registi, John Cleese è stata la scelta più difficile per il casting, poiché era noto principalmente per i ruoli comici. Cleese riteneva che alla sua età, un ruolo drammatico con un sottile umorismo sarebbe stato più facile da interpretare, piuttosto che un altro vecchio maniaco.
Keanu Reeves registrò la battuta “Klaatu barada nikto” due volte, e una registrazione fu riprodotta al contrario e unita all’altra (che fu lasciata normale) per rendere il dialogo complessivo più ultraterreno.
Come nell’originale del 1951, Klaatu avrebbe dovuto viaggiare su un’astronave, ma Scott Derrickson voleva che l’aspetto extraterrestre del film fosse più misterioso e sostituì l’astronave con una sfera luminosa.
La sfera avrebbe dovuto essere riempita di luce bianca limbica, ma il regista Scott Derrickson ritenne che il concetto sarebbe stato poco originale e cambiò il colore in verdastro, un colore più appropriato per una razza conservatrice dell’ambiente.
Il design di GORT è simile alla sua interpretazione originale in Ultimatum alla Terra (1951), ma GORT è ora una forma biologica, piuttosto che meccanica, poiché Scott Derrickson riteneva che alcune razze extraterrestri avrebbero sviluppato forze biologiche avanzate invece della tecnologia.
Quando Jacob guarda la televisione a casa del Professor Barnhardt, vengono mostrate diverse immagini di rivolte in tutto il mondo. Un’inquadratura mostra un filmato reale di una rivolta in Serbia il 5 ottobre 2000, il giorno in cui Slobodan Milosevic fu rovesciato. Una grande folla si trova davanti al Parlamento serbo. Si vede del fumo, perché parte di un edificio era in fiamme.
Come parte della campagna promozionale tedesca (e probabilmente anche di altri paesi), le pubblicità hanno cambiato il titolo del film per includere il nome della città in cui sono state pubblicate (ad esempio, “Il giorno in cui Colonia si fermò”).
John Cleese afferma di non essere interessato alla vita extraterrestre, poiché spesso filosofeggia sullo scopo della vita e sul perché gli umani siano distratti da questioni banali.
Mentre viaggia in auto con Klaatu, Jacob Benson osserva che suo padre avrebbe combattuto contro i visitatori alieni. Benson è interpretato da Jaden Smith, il cui padre ha combattuto contro gli invasori extraterrestri in Independence Day (e li ha controllati nella saga di Men in Black).
Appuntamento con l’amore (in originale Valentine’s Day) è un film del 2010 diretto dal mago delle commedie romantiche, Garry Marshall. Film corale, ruota attorno a 10 differenti storie ambientate a Los Angeles il giorno di San Valentino, è stato un vero successo al box office, tanto da guadagnarsi un sequel Capodanno a New York.
Il film intreccia diverse storie ambientate durante la giornata di San Valentino a Los Angeles, mostrando amori, tradimenti e nuove possibilità di vita.
Il fiorista Reed Bennett chiede alla fidanzata Morley Clarkson di sposarlo: lei accetta, ma poche ore dopo cambia idea e lo lascia. Intanto la capitana dell’esercito Kate Hazeltine, in congedo per un solo giorno, incontra in aereo Wilson Holden. A destinazione, accetta di viaggiare nella sua limousine, instaurando un rapporto di amicizia.
La maestra Julia scopre che il medico di cui è innamorata, Harrison Copeland, è sposato. Dopo aver quasi preso un volo per raggiungerlo, sceglie di smascherarlo in pubblico, mettendo nei guai il matrimonio dell’uomo. Nel frattempo, il suo alunno Edison, che aveva ordinato fiori per Julia, decide su consiglio della maestra di regalarli alla compagna di classe Rani, innamorata di lui. La babysitter di Edison, Grace, vuole perdere la verginità con il fidanzato Alex, ma il piano fallisce: i due decidono di aspettare. I nonni del ragazzo, Edgar ed Estelle, affrontano una crisi dopo che lei confessa un tradimento, ma alla fine si riconciliano rinnovando le promesse nuziali.
Altri personaggi vivono esperienze parallele: i liceali Willy e Felicia assaporano l’innocenza del primo amore; la segretaria Liz nasconde al fidanzato Jason il suo lavoro come operatrice telefonica, ma vengono ispirati dal perdono tra Edgar ed Estelle; la pubblicista Kara, disillusa dall’amore, si avvicina al giornalista Kelvin.
Il giocatore di football Sean Jackson decide di fare coming out in diretta televisiva e viene raggiunto dal suo compagno Wilson. Alla fine della giornata, i destini si incrociano: Kate torna dal figlio Edison, Kara e Kelvin si baciano, Willy e Felicia vivono la loro prima uscita romantica, mentre Reed, lasciato da Morley, trova conforto in Julia.
Durante i titoli di coda, l’autista dice a Kate che stanno passando per Rodeo Drive, chiedendole se ha mai fatto shopping lì. Questo si riferisce al ruolo di Julia Roberts in Pretty Woman (1990), e lei risponde: “L’ho fatto una volta. È stato un grosso errore. Grande. Enorme”. In Pretty Woman (1990), Vivian, interpretata dalla Roberts, dice ai commessi: “Grande errore. Grande. Enorme”. Con lo stesso tono.
Julia Roberts è stata pagata 11.952 dollari per ogni parola pronunciata in questo film: 251 parole in cambio, a quanto si dice, di uno stipendio di 3 milioni di dollari.
Julia Roberts, Hector Elizondo, Kathleen Marshall e Larry Miller sono apparsi in Pretty Woman (1990) e Se scappi ti sposo (1999) (entrambi diretti da Garry Marshall). L’hotel in cui cenano i personaggi di Topher Grace e Anne Hathaway è il Beverly Wilshire Hotel, lo stesso che appare in Pretty Woman (1990).
Il secondo miglior debutto per una commedia romantica, subito dopo Sex and the City (2008) con 57 milioni di dollari.
Jamie Foxx ha registrato una canzone per il film intitolata “Quit Your Job”. Sebbene sia presente nel film, la canzone non è mai stata inclusa nella colonna sonora a causa del testo scurrile.
Quando Edgar è al cimitero prima dell’inizio del film, sullo schermo compare il titolo “Hot Spell” (1958), e nelle foto sono raffigurati i due personaggi principali. Ha detto che la donna sullo schermo è la sua tripletta. Quando gli è stato chiesto se intendesse letteralmente l’attrice sullo schermo, ha risposto “Sì, letteralmente”. L’attrice era Shirley MacLaine, che interpretava sua moglie in questo film.
Quando vediamo Julia Roberts e Bradley Cooper per la prima volta, il Capitano dice “…tre giorni di pioggia”. I due hanno recitato insieme in uno spettacolo teatrale di Broadway intitolato “Three Days of Rain” nel 2006.
Quando Taylor Lautner fu scelto, si vociferava che avrebbe interpretato un giovane interesse amoroso per Anne Hathaway. Invece, la parte fu assegnata a Topher Grace, e Lautner finì per essere scelto al fianco di Taylor Swift.
Al momento dell’uscita del film, il cast stellare era stato complessivamente candidato a sedici Oscar per la recitazione nel corso della loro carriera, di cui quattro vinti. Le nomination sono condivise dagli attori e dalle attrici Kathy Bates (tre), Jamie Foxx (due), Anne Hathaway (una), Queen Latifah (una), Shirley MacLaine (sei) e Julia Roberts (tre).
White Elephant è un thriller d’azione piuttosto piacevole da guardare tutto d’un fiato, che ha tutti gli elementi necessari nelle giuste quantità, per non parlare di un Bruce Willis piuttosto insipido. Tuttavia, Willis è completamente messo in secondo piano nel film dal nostro protagonista, il fantastico Michael Rooker. La storia non è nuova, ma riesce a mantenere viva l’attenzione che cerca. La cosa migliore di White Elephant è che non cerca di filosofeggiare sul carattere del protagonista. Questo è qualcosa che molti film di questo tipo tendono spesso a fare, e nel farlo esagerano e perdono il senso di realtà e di urgenza che dovrebbe accompagnare la storia. Nel complesso, è un bel tentativo di mostrare un killer che si trova faccia a faccia con la sua coscienza.
La trama di White Elephant
Arnold Solomon, un magnate immobiliare legato alla criminalità organizzata, ha appena concluso un accordo con i russi. Per evitare qualsiasi tipo di intervento da parte del suo concorrente, Luis Velasquez, del cartello messicano, vuole che il suo migliore amico e killer Gabriel Tancredi, alias Gabe, vada a negoziare con lui. Gabe manda il suo apprendista, Carlos Garcia, a portare a termine il lavoro. Ma Velasquez non è dell’umore giusto per negoziare, quindi Carlos lo uccide. Tuttavia, viene compromesso dagli agenti Vanessa Flynn e Walter Koschek, che stavano tenendo d’occhio Luis Velasquez dalla loro auto parcheggiata a una certa distanza dall’indirizzo di Velasquez. Notano Carlos che porta una valigetta all’interno di Velasquez e tornano alla loro auto. Un secondo dopo, l’intero ufficio di Velasquez esplode. Carlos riesce a fuggire. Arnold, dopo aver saputo della presenza di due testimoni, vuole che Gabe li uccida entrambi. Gabe e Carlos uccidono Walter Koschek a casa sua. Una notte Carlos porta alcuni amici a casa di Vanessa per ucciderla. Lei riesce a fuggire, ma non prima di aver riconosciuto uno degli assassini come un volto familiare dal lavoro, Lanier.
Rintraccia il partner di Lanier, Daley, e cerca di scoprire di più sulle persone che hanno quasi ucciso lei. Daley nega di sapere qualcosa, ma dopo che Vanessa se ne va, chiama Carlos, che vuole che lui la trovi e scopra il suo indirizzo. Nel frattempo, Arnold non è contento di come stanno andando le cose e insiste per sbarazzarsi immediatamente di Vanessa.
Vanessa decide di andare a controllare Koschek a casa sua, ma trova tracce di sangue sulle pareti. Si rende conto che è morto e contatta un suo amico che la aiuta a scoprire di più sul tizio in questione, Carlos. Non sapendo dove andare, nemmeno alla stazione di polizia, si rifugia in un motel.
Gabe si procura il fascicolo di Vanessa e scopre che è una poliziotta decorata. Ma la cosa che lo colpisce è la sua data di nascita, il 2 aprile. È la stessa di sua moglie Alexandria. Nel frattempo, Arnold e sua moglie vengono aggrediti in un ristorante da due uomini armati. Sua moglie muore mentre Arnold rimane ferito. Sembra che l’aggressione sia stata una vendetta dei messicani per l’uccisione di Luis Velasquez. Ma Arnold pensa che sia stata fatta sembrare opera dei messicani, mentre in realtà è stata una mossa dei russi. Dice a Gabe di eliminare Vlady, il capo della mafia russa. Gabe è contrario perché ciò scatenerebbe un’altra guerra, ma Arnold è irremovibile, la morte di sua moglie ha preso il sopravvento sui suoi ragionamenti. Tuttavia, come detto, Gabe e Carlos fanno visita a Vlady e lo uccidono. Ma Gabe si rende conto che le cose stanno andando nella direzione sbagliata. Ritira l’urna di sua moglie e decide di porre fine al suo lavoro.
Carlos riesce a rintracciare Vanessa e, non riuscendo a contattare Gabe, la attacca con la sua squadra di sicari. Ma questa volta è Gabe a salvarla, la fa salire sulla sua auto e la porta a casa sua, che è più simile a una “fortezza”. Le racconta della promessa fatta a sua moglie di lasciare questo lavoro, andare in Africa e mettere a frutto il suo talento proteggendo gli elefanti. Sapendo che Arnold manderà i suoi uomini ad ucciderli, Gabe e Vanessa non hanno altra scelta che combattere fino alla fine. Ne segue una violenta sparatoria che si conclude con la morte di Carlos e di tutti gli altri sicari. Gabe regala a Vanessa la collana di sua moglie e parte per l’Africa. E, per uno scherzo del destino, anche Arnold viene ucciso, non da Gabe, ma dai messicani, per vendicare Velasquez.
Gabe e il suo codice
Gabe è il personaggio principale che subisce il cambiamento che divide il film in due parti. Fin dall’inizio del film stesso, è chiaro che Gabe lavora per Arnold, ma non segue ciecamente gli ordini. Quando Glen Follet gli dice che “siamo simili”, lui afferma chiaramente che non hanno nulla in comune. Questo è qualcosa che prende forma lentamente e costantemente man mano che il film procede. Dato che Gabe è un professionista, ha un codice morale, un ricordo del suo periodo come marine. Un altro esempio di questo è quando costringe Arnold a ritrattare le sue parole irrispettose durante la riunione dopo che Carlos non è riuscito a uccidere Vanessa. La cosa interessante è che il rispetto è un elemento cruciale anche nella malavita, o almeno così abbiamo imparato dai film. Quindi, se vogliamo misurare la qualità dell’appartenenza al mondo della malavita usando il rispetto come metro di misura, Gabe è ben al di sopra di Arnold. Il suo comportamento è chiaramente visibile quando parla con altre persone. Questo è forse ciò che impedisce a Vanessa di dubitare di Gabe, anche se avrebbe dovuto essere concesso più tempo a Vanessa per comprendere la generosità di Gabe. Gabe sa che lei ha prestato servizio nell’esercito, e quindi nutre rispetto anche per lei. Ma non è il suo lavoro che lo spinge a prendersi cura di lei. È la sua data di nascita.
Il conflitto
La moglie di Gabe non c’è più. Ed è chiaro che lui la ama molto e le manca. Le aveva persino promesso che avrebbe lasciato il lavoro e sarebbe andato in Africa. Ha conservato la sua collana e la custodisce gelosamente ogni giorno. Ma tutto questo non è riuscito a scuotere la sua professionalità in ciò che fa. Alla fine dei conti, è un killer a sangue freddo. E il film lo dimostra mostrando lui e Carlos che fanno a pezzi Koschek, mettono i pezzi in valigie e li seppelliscono nel terreno. Inoltre, c’è un accenno della sua rabbia, sia quando va a uccidere Vlady, sia quando costringe Arnold a ritrattare le sue parole. Questi sono tutti gli aspetti negativi del suo carattere.
Spiegazione del finale di White Elephant: perché Gabe non uccide Vanessa?
Nel fascicolo di Vanessa, Gabe scopre che lei condivide la data di nascita con sua moglie. Non può fare a meno di lasciarsi influenzare da questo fatto. È normale associare le persone che condividono la stessa data di nascita. Per Gabe, questa associazione è molto più personale di quanto dovrebbe essere, poiché la donna che sta cercando di uccidere condivide la data di nascita con l’amore della sua vita. Sì, sembra un po’ esagerato. Ma guardala in questo modo: ricordi quando Batman stava per uccidere Superman in Batman Vs. Superman: Dawn of Justice, ma si è fermato nel momento in cui ha sentito Superman pronunciare il nome “Martha”? È una sensazione simile.
Si tratta di due cose diverse, ma entrambe derivano dallo stesso sentimento, ovvero l’amore. Ed era solo questione di tempo prima che Gabe cedesse alle sue emozioni, ulteriormente alimentate dal comportamento immaturi di Arnold che metteva a rischio delle vite, cosa totalmente contraria alla sua natura. Qui si può anche dire che forse l’unica ragione per cui fa quello che fa è che non sapeva cos’altro fare della sua vita. Sua moglie era morta di cancro molto tempo prima e lui aveva deciso di fare ciò che sapeva fare meglio, ovvero proteggere.
Tuttavia, tutto ciò di cui aveva bisogno era un segno che gli facesse capire che era ancora l’uomo che sua moglie credeva che fosse. E quel segno era Vanessa. Infatti, alla fine del film, Gabe dà a Vanessa la collana di sua moglie. Finché la collana era in suo possesso, sapeva che doveva proteggerla. Ma ora che era con Vanessa, era al posto giusto. Inoltre, simboleggia l’accettazione della verità e quindi il lasciar andare il dolore. Ed è proprio quello che fa quando sparge le ceneri di Alexandria in Africa, proprio nel luogo in cui aveva promesso a sua moglie che sarebbe andato a servire per sempre.
È un peccato perché a livello di sviluppo delle ambientazioni post-apocalittiche, In the Lost Lands funziona eccome: visivamente gli scenari seppur non nuovissimi rimangono comunque affascinanti da vedere, e costituiscono un teatro efficace in cui i vari personaggi si muovono. Anche il ritmo impresso alla narrazione è quello giusto per questo tipo di produzioni, accelerato senza mai diventare inutilmente forzato. E poi ci sono i due protagonisti, che si divertono un mondo a interpretare quel tipo di ruolo per cui sono tagliati. In particolar modo Dave Bautista mescola carisma
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