Nell’episodio di oggi (negli USA) di
Creature
Commandos facciamo visita a Gotham City e diamo la
nostra prima vera occhiata al Batman del DCU.
Mentre il Dottor Phosphorus
determinato a diventare il nuovo Kingpin of Crime di
Gotham, le sue speranze vengono infrante quando Batman appare
sopra di lui. Non vediamo la lotta che segue, ma è lecito supporre
che il Cavaliere Oscuro sia stato il responsabile della fine
dell’ex scienziato sotto la custodia dell’A.R.G.U.S.
Questo Batman è piuttosto
ingombrante e ha sia una cintura portaoggetti che quello che molti
fan sono convinti sia il suo classico costume grigio e blu dei
fumetti. Resta da vedere se questo design sia un’indicazione di ciò
che Gunn ha pianificato per il Cavaliere Oscuro della DCU.
Creature Commandos ha già anticipato
diversi eroi DCU in uno sguardo a un possibile futuro, molti
dei quali indossavano gli stessi costumi che abbiamo visto altrove
nel DCU (Superman, Hawkgirl e Peacemaker, ad esempio).
Nella serie animata, il team di
Creature
Commandos lavora sotto la supervisione di
Amanda Waller. Waller (Viola
Davis) è stata una parte importante di The
Suicide Squad e della sua serie spin-off,
Peacemaker, ed è destinata a fare il suo ritorno
su HBO Max con la sua serie da
solista. Poiché il nuovo DCU intende riutilizzare gli stessi membri del
cast per progetti live-action e animati, Davis è stata finora
l’unico doppiatore che si poteva immaginare far parte del cast di
Creature
Commandos. Tuttavia, sembra che il coordinatore del
team sarà John Economos, uno dei dipendenti più importanti di
Waller. Dal momento che la serie animata presenta
Weasel, che ha fatto il suo debutto in live-action
in The
Suicide Squad, interpretato da Sean
Gunn, ci aspettavamo che il fratello di James
Gunn tornasse per la serie animata, ma è bello vedere
che darà anche la voce anche a un personaggio capace di parlare:
G.I. Robot.
Di cosa parla Creature
Commandos?
La serie animata Creature
Commandos è uno dei progetti sviluppati da James
Gunn e Peter Safran come parte della loro
trama DCU unificata. Lo spettacolo in sette episodi si
concentrerà su un’insolita squadra di personaggi DC, spesso
chiamati mostri. È giusto, quindi, che Creatures
Commandos sia una delle parti centrali dell’arco
“Gods
and Monsters“ del nuovo DCU, il primo capitolo di una storia in due parti
che verrà raccontata nel prossimo decennio.
Alla fine di Nosferatu,
Ellen sacrifica la sua vita per sconfiggere il vampiro, il Conte
Orlok, ma questo finale è tanto simbolico quanto devastante, e il
regista Robert Eggers lo ha mantenuto. Nosferatu è
incentrato su Ellen Hutter, una giovane sposina che inizia a essere
nuovamente perseguitata dalle sue visioni infantili quando suo
marito, Thomas, si reca dal misterioso Conte Orlok. Ellen
scopre presto che un patto fatto da giovane ha conseguenze
terribili per lei, per le persone che ama e per il mondo
intero. Nosferatu è nato come film muto nel 1922.
Nel tipico stile di Eggers,
Nosferatu è caratterizzato da un’atmosfera cupa e da una
storia unica, importante quanto i personaggi. Per quanto Eggers si
ispiri alla storia originale di Nosferatu e al
Dracula di Bram Stoker , questo film del 2024
sembra completamente distinto e fresco. Eggers riesce a
scrostare gli strati di questa storia contorta e a
portarla a un climax teso e scioccante. Anche se potrebbe essere
necessaria più di una visione per capire i meccanismi interni di
Nosferatu, la sottile storia dietro la
scena finale di Ellen e Orlok rende il film molto migliore.
L’inquadratura finale di Ellen
e del conte Orlok in Nosferatu
Nei momenti finali di
Nosferatu, Thomas irrompe in casa sua per scoprire che
Orlok ed Ellen sono morti. Dopo aver attirato Orlok in casa sua,
Ellen fa l’amore con lui, distraendolo mentre Thomas, il dottor
Sievers e il professor Von Franz bruciano la bara di Orlok. Quando
si fa giorno, Ellen spinge Orlok a bere altro sangue,
distraendolo ma rischiando la propria vita. Il sole
finalmente sorge e Orlok inizia a morire, con il sangue che gli
cola dagli occhi e dalla bocca. Ellen, succhiata da tutto il suo
sangue, muore sotto di lui pochi istanti dopo l’arrivo di
Thomas.
Alla fine, il finale di
Nosferatu dimostra che Ellen è il vero eroe di questa storia,
anche se è stata lei a evocare Orlok.
Anche se la morte di Ellen è
deludente, rende il finale di Nosferatu molto migliore.
Eggers non inquadra mai Ellen come una vittima, ma come una donna
che lotta con un’oscurità che nessun altro può vedere. Alla fine
del film, Ellen prende il controllo di questa oscurità e si
lascia sacrificare per un bene superiore. La sua morte
dimostra il suo coraggio, mettendo in risalto anche la sua
inaspettata relazione con Orlok. Alla fine,
il finale
di Nosferatu dimostra che Ellen è il vero eroe di questa
storia, anche se è stata lei a evocare Orlok.
Il significato della visuale di
“Death & The Maiden” di Nosferatu
Il finale di Nosferatu
crea un’immagine stupenda e inquietante che ricorda un motivo
rinascimentale noto come “La morte e la fanciulla”. In queste
immagini, una bella e giovane donna viene visitata nella
notte dalla morte, seduta in fondo al suo letto o distesa
sul suo corpo. Questo fa da parallelo al sogno che Ellen fa
all’inizio del film e all’immagine finale del film, in cui il
cadavere avvizzito di Orlok giace sopra quello di Ellen. Ciò che
“La morte e la fanciulla” rappresenta è il modo in cui l’oscurità
perseguita e travolge giovani donne innocenti.
Nel contesto di Nosferatu,
è chiaro che la Morte è Orlok e la fanciulla è Ellen. Tuttavia, per
quanto Orlok spaventi e respinga Ellen, lei ha anche un
legame insopprimibile con lui. È il suo primo amore, per
quanto sia malvagio. In questo modo, Nosferatu trasforma
“La morte e la fanciulla” in un’inaspettata storia d’amore. Ellen
deve superare la manipolazione di Orlok e cercare di tenersi
stretto il suo vero amore, Thomas. Sebbene Nosferatu sia a
tratti spaventoso e apertamente gotico, è più simile a Cime
tempestose che a Dracula.
Cosa ha detto il regista Robert
Eggers riguardo alla scena finale di Nosferatu
Il regista Robert Eggers alla prima di “Nosferatu”. Foto di Shane
Anthony Sinclair/Getty Images for Universal Pictures)
Naturalmente, dopo la prima di
Nosferatu, il regista Robert Eggers ha fatto dei commenti
sulla scena finale. In un’intervista rilasciata a USA Today, Eggers ha confermato il motivo “La
morte e la fanciulla” e ha aggiunto:“Quando vedi Lily-Rose che
sembra una bambola e Bill che sembra un teschio con i baffi, è un
contrasto potente”. Depp e Skarsgård hanno poi
aggiunto che la scena doveva evocare una certa paura, ma anche una
sensazione di sensualità e desiderio. È questo che
conferisce al finale un tono così agrodolce.
In definitiva,
Nosferatusi distingue come un
film di vampiri che può sorprendere il pubblico. Sebbene
il Conte Orlok sia indubbiamente un cattivo, il suo legame con
Ellen fa la differenza. Inoltre, Ellen non è una semplice vittima
delle circostanze, ma ha un potere e una motivazione reali nel
film. Nel complesso, la stranezza di
Nosferatu è ciò che rende il film così
affascinante.
Maria di Pablo Larrain è
finalmente uscito il 1° gennaio, e in molti si stanno ponendo delle
domande su quello che il regista ha raccontato, soprattutto in
merito alla voce della Callas, che alla fine della sua carriera si
è abbassata. Maria Callas è una delle cantanti liriche più
leggendarie di tutti i tempi, un’acclamata interprete conosciuta in
tutto il mondo dalla fine degli anni ’40 agli anni ’70. Il film è
riuscito a raccontare il mito e l’arte di Maria Callas a un
pubblico completamente nuovo, con una storia che affronta gli
ultimi anni della vita dell’acclamata interprete, incluso il suo
declino vocale.
Maria
è il terzo film della trilogia acclamata dalla critica di
Pablo Larrain che si concentra sulle donne
influenti del XX secolo, e fa seguito a Jackie e Spencer.
Proprio come i due film precedenti di Larrain,
Maria usa trame fittizie per approfondire ciò che
si nasconde dietro l’immagine pubblica del personaggio principale
del film, e Maria esplora alcuni dei momenti più
importanti degli ultimi anni di Callas. Il film tenta di dipingere
un quadro empatico della sua protagonista, con la storia della sua
perdita vocale che è uno degli archi narrativi più tragici del
film.
Quando la voce di Maria Callas
iniziò a declinare e come ciò cambiò la sua carriera
operistica
Tutto iniziò a metà degli anni
’50
Maria – Foto Credits Pablo Larraín
La voce di Maria
Callas iniziò notoriamente a declinare durante la seconda
metà della sua carriera, con un impatto importante sulla sua
carriera operistica. I critici iniziarono a notare per la prima
volta il declino vocale di Callas nel 1954, sebbene fosse ancora
amata dal pubblico. Col passare del tempo, sempre più persone
iniziarono a notare il suo declino vocale, contribuendo alla sua
decisione di smettere di cantare all’opera dopo la sua ultima
esibizione il 5 luglio 1965.
La perdita vocale di Maria
Callas si aggiunse alle varie controversie trattate in
Maria, eventi che danneggiarono la sua immagine
pubblica. Sebbene Callas avesse ancora una voce fantastica, il
danno che la sua voce aveva subito nel corso degli anni incrinò la
sua reputazione presso il pubblico, portandola infine al
ritiro.
Il declino vocale di Maria Callas è
stato attribuito a ruoli operistici stressanti, menopausa e rapida
perdita di peso
Probabilmente è una combinazione di
molti fattori
Foto Credits Pablo Larraín
Ci sono state molte speculazioni su
cosa abbia portato al declino vocale di Maria Callas. Il libro di
John ArdoinThe
Callas Legacy affronta alcune di queste teorie, e la più
popolare afferma che il declino vocale è iniziato con la sua
perdita di peso. Maria Callas perse circa 36 chili tra il 1953 e il
1954, e il suo declino vocale iniziò a manifestarsi più o meno
nello stesso periodo.
Maria Callas interpretò anche alcuni
ruoli operistici incredibilmente impegnativi durante i suoi primi
anni, e alcuni credono che questi le abbiano danneggiato la voce in
modo permanente. Il marito della Callas ipotizzò persino che il
declino vocale fosse dovuto a una menopausa precoce. Sono molti gli
elementi che potrebbero aver influito su questa decadenza vocale,
ma il film di Larrain non dà una risposta univoca.
Quando hai un padre come Stellan
Skarsgård è quasi impossibile non riuscire a sfondare
nel mondo del cinema, specialmente quando si è in possesso del
grandissimo talento di Bill Skarsgård. Figlio
d’arte e attore emergente, Bill ha infatti già dimostrato in più
occasioni di possedere un talento unico per dar vita a personaggi
particolarmente spaventosi per aspetto o natura. Ad oggi, si è
infatti distinto per aver dato vita ad alcuni cattivi già entrati
nell’immaginario collettivo grazie alla reinterpretazione che egli
ne ha dato.
2. Ha preso parte ad alcune
serie TV. Oltre a recitare per il grande schermo,
Skarsgård è apparso anche su quello piccolo grazie a serie come
Hemlock Grove (2013-2015), Castle Rock
(2018-2019), basata sulle storie di Stephen King,
Soulmates (2020) e Clark (2022). Riprenderà poi
il ruolo del pagliaccio Pennywise in Welcome to
Derry, serie prequel dei film It – Capitolo uno e
It – Capitolo
due.
Bill Skarsgård è il pagliaccio
Pennywise in It
3. Ha apportato il suo
inquietante sorriso al personaggio. Bill Skarsgård è in
grado di sorridere in un modo così strano, da aver incuriosire il
regista del film Andy Muschietti. Dopo che il
regista ebbe modo di assistere al suo provino, rimase impressionato
dalle qualità dell’attore e gli chiese di usare quel sorriso per il
clown Pennywise. Skarsgård, come da lui raccontato, aveva
originariamente sviluppato tale sorriso quando era bambino e
cercava di spaventare i suoi fratelli.
4. È rimasto terrificato dal
suo ruolo. Secondo quanto riferito, la preparazione per il
ruolo del Conte Orlok è stata così intensa che Skarsgård ha
dichiarato che si tratta dell’unico ruolo che lo ha veramente
terrorizzato. In un’intervista con il regista Robert Eggers,
Skarsgård ha dichiarato: “Non sono mai stato così terrorizzato
da un ruolo e probabilmente non lo sarò mai più. L’intero viaggio è
stato così intenso. Quando inizi ad evocare qualcosa che non sei
tu, ti senti come un mero contenitore”. Dopo le riprese, ha
dichiarato che “non avrebbe mai più interpretato un ruolo così
malvagio come questo”.
5. Ha svolto un complesso
lavoro sulla voce. Secondo Bill Skarsgård, la sua voce è
stato l’aspetto della parte su cui ha dovuto lavorare di più,
trascorrendo sei settimane prima delle riprese senza fare
“molto altro che registrarmi. E sul set, continuavo a
fare questi esercizi. Sembra una specie di canto di gola
mongolo”. Bill Skarsgård si è inoltre allenato con un
allenatore d’opera per abbassare la sua voce di un’ottava per
rendere la voce del Conte Orlok il più profonda possibile. Il
risultato è però sbalorditivo, con l’attore che è riuscito a
fornire al suo terrificante personaggio una voce assolutamente
memorabile.
Bill Skarsgård in The Crow – Il corvo
6. Ha suggerito alcuni
dettagli per il suo personaggio. Nel film The Crow – Il
corvo, remake del celebre film del 1994, Skarsgård
interpreta il protagonista Eric. Come riportato dal designer
grafico Nikola Prijic, è stato lo stesso attore ad
aver avuto l’idea per il tatuaggio di una poesia sulla schiena del
personaggio che si vede nel film. La poesia si chiama
“Despair” di H.P Lovecraft. Inoltre,
Skarsgård ha suggerito di dar vita ad un trucco che ricordasse
vagamente quello del pagliaccio Pennywise, da lui interpretato in
It – Capitolo
uno e It – Capitolo
due.
I fratelli e il padre di Bill Skarsgård
7. Fa parte di una nota
famiglia di attori. Bill Skarsgård è figlio del famoso
attore Stellan
Skarsgård e della dottoressa My
Günther. Il ragazzo ha ben quattro fratelli e una sorella,
Alexander, Gustaf,
Sam, Valter e Eija. Ma Bill non è il solo
ad aver seguito le orme del padre: Alexader e Gustaf, suoi fratelli
maggiori, già lavorano nel cinema come attori e registi. Bill ha
inoltre due fratellastri, Ossian e
Kolbjörn, nati dal secondo matrimonio del
padre.
8. Ha due
figli Dopo anni di frequentazione con l’attrice
Alida Morberg – con la quale ad oggi non è ancora
sposato -, nell’ottobre del 2018 Bill Skarsgård ha avuto una
figlia. Ma mentre la maggior parte dei neo papà riempie la nursery
dei figli con peluche e decori dai colori pastello, Bill Skarsgård
ha raccontato di aver riempire la stanza di sua figlia con
centinaia di bambole di Pennywise. Nel 2023, i due sono poi
diventati genitori per la seconda volta.
Bill Skarsgård non è su Instagram
9. Non possiede un profilo
sul social network. L’attore ha in più occasioni
dichiarato di non essere una grande fan dei social network, dove
troppo spesso la vita privata si mescola con quella pubblica.
Proprio per perseguire il desiderio di non condividere troppo di
sé, ha deciso di non possedere alcun account ufficiale sul social
Instagram né su altri social. Si possono tuttavia ritrovare alcune
fan page grazie alle quali sarà possibile rimanere aggiornati sui
suoi progetti.
L’età, l’altezza e il fisico di Bill Skarsgård
10. Bill Skarsgård è nato il
9 agosto 1990 a Vällingby,
Svezia.L’attore è alto complessivamente 1,92
metri. Data quest’altezza, l’attore possiede un fisico
particolarmente slanciato ma anche esile, che gli permette di
passare con naturalezza da un ruolo all’altro risultando sempre di
grande impatto come presenza scenica.
Sonic 3 (Sonic
the Hedgehog 3) (qui
la recensione) presenta un’ampia collezione di interessanti
uova di Pasqua, riferimenti ai videogiochi e altro ancora. Con il
Team Sonic che si scontra con il debutto “live-action” di Shadow
the Hedgehog (doppiato da Keanu Reeves), il terzo film di Sonic
adatta diversi elementi dai giochi classici di SEGA, in particolare
da Sonic Adventure 2. A tal fine, ci sono diversi
riferimenti al gioco del 2001, oltre a molti altri divertenti
riferimenti ai primi due film di Sonic, alla cultura pop e
altro ancora.
Ispirato alla prima apparizione di
Shadow in Sonic Adventure 2 al fianco del
nonno di Eggman, Gerald Robotnik (Jim
Carrey), Sonic 3 (Sonic the Hedgehog
3) adatta diversi elementi fondamentali delle origini
del riccio oscuro, come la sua relazione con Maria Robotnik, la
nipote di Gerald. Per questo motivo, nel nuovo film di
Sonic si possono trovare molti collegamenti con i giochi,
oltre ai riferimenti più tipici che il pubblico si aspetta dal
franchise. Per questo motivo, ecco 35 dei più grandi Easter
Eggs e riferimenti che abbiamo trovato in Sonic 3 (Sonic the
Hedgehog 3).
Prison
Island
Da
Sonic Adventure 2
All’inizio di Sonic 3,
Shadow si risveglia dalla stasi 50 anni dopo essere stato
addormentato da GUN. Shadow si risveglia in una struttura a Prison
Island, al largo della costa di Tokyo. L’isola della
prigione era un luogo in cui GUN teneva prigioniero Sonic in
SonicAdventure 2.
Jorma Taccone dei The Lonely
Island
(ha diretto un episodio di
Knuckles)
Jorma Taccone interpreta
l’ufficiale del GUN incaricato di sorvegliare la camera di stasi di
Shadow. Conosciuto soprattutto per essere un membro del
trio comico musicale The Lonely Island con Andy Samberg e Akiva
Schaffer, Jorma Taccone ha anche diretto il quarto episodio della
serie Knuckles , che presentava l’esilarante canzone “The
Flames of Disaster” (con il cantante Michael Bolton).
La gara di Sonic con Knuckles e
Tails
Riferimenti multipli ai
giochi
La gara di Sonic nella
foresta con Knuckles e Tails presenta molteplici riferimenti ai
giochi classici, come la musica della vittoria finale
quando Sonic taglia il traguardo e il palo della porta che gira.
Gli ologrammi di Knuckles e Tails vengono anche mostrati mentre
battono i piedi, una classica animazione dei personaggi inattivi
dei giochi.
Il Team Sonic in uscita da un
elicottero GUN
L’inizio di Sonic Adventure
2
Reclutato dalla GUN per dare la
caccia a Shadow, il Team Sonic salta dall’elicottero della GUN
prima di lanciarsi nella città di Tokyo. Questo rispecchia
l’inizio diSonic Adventure
2, quando Sonic viene mostrato mentre fugge
dalla GUN saltando da un elicottero (e usando una delle
sue porte come tavola da surf).
La moto e la pistola di
Shadow
Riferimenti al gioco in
solitaria di Shadow
Guidando una moto e sparando con
una pistola a un Sonic che lo insegue, Shadow fa una bella entrata
in scena durante il suo primo scontro con il classico porcospino
blu. Allo stesso modo, la moto e la pistola sono
riferimenti al gioco in solitaria di Shadow pubblicato da SEGA nel
2005 (e che potrebbe servire per un epico film
spin-off).
“1,21 Gigawatt”
Ritorno al futuro
Dopo il grave scontro tra Sonic e
Shadow che ha temporaneamente interrotto la rete elettrica della
città, uno stordito Sonic viene aiutato da Tails e Knuckles
mentre mormora“1,21 gigawatt…”.
Questo è un riferimento a
Ritorno al futuro, la quantità di energia necessaria alla
classica DeLorean per viaggiare nel tempo.
Chao Gardens
via EW
Visti in diversi giochi di
Sonic
Dopo essersi riunito, Tails
porta la squadra ai Chao Gardens, un famoso ristorante di
Tokyo che ospita le classiche creature fatate dei giochi. Nel gioco
(come in Sonic Adventure 2), sono presenti diversi Chao
Gardens, luoghi in cui le piccole creature possono essere portate e
curate una volta trovate.
Detective Pikachu
Un altro grande film sui
videogiochi
Tails viene scambiato da
alcuni bambini per il detective Pikachu, con grande
divertimento di Knuckles. Come i film di Sonic, Detective Pikachu è stato un altro adattamento di
successo di un videogioco che ha mescolato personaggi di gioco in
computer grafica con attori umani e ambienti reali.
Shadow, The Ultimate Life
Form
Il suo nome classico
Incontrando il Team Sonic al
ristorante, il comandante Walters conferma che Shadow faceva parte
di un progetto segreto della GUN risalente a 50 anni fa,
quando recuperarono una meteora contenente
“The Ultimate Lifeform”. Questo è il nome classico di Shadow nei giochi
e nei fumetti, a testimonianza dei suoi impressionanti poteri e
abilità.
Robotnik’s Spanish Soap Opera
Visto per la prima volta nella
serie Knuckles (con Cristo Fernández)
Rivelatosi vivo e nascosto in un
gigantesco granchio robot, l‘Eggman di Jim Carrey viene
mostrato mentre mangia e guarda una soap opera spagnola intitolata
“La Ultima Pasión”, con il Cristo Fernández
diTed Lasso nel doppio ruolo di due
fratelli gemelli rivali. Tuttavia, la serie stessa è stata citata
per la prima volta nell’episodio 5 di Knuckles, quando
l’echidna la guarda brevemente nella sua stanza d’albergo a
Reno.
La paura dei fantasmi di
Knuckles
Probabile riferimento a Pumpkin
Hill
Esplorando la facoltà abbandonata
di GUN dove Shadow ha perso Maria, Knuckles cerca di negare
la sua paura dei fantasmi. Questo potrebbe essere un
riferimento a Pumpkin Hill, un livello incentrato su Knuckles in
Sonic Adventure 2 che presentava una collezione di
fantasmi.
La velocità di Keanu Reeves
Il film che ha ispirato il casting
delle ombre di Keanu
Dopo aver incontrato Gerald
Robotnik per la prima volta, Eggman mette alla prova l’intelletto
del suo presunto nonno con banalità ed equazioni. Una di
queste equazioni consiste nel dividere la velocità della luce e del
tempo con la velocità dell’autobus diSpeed, il film del 1994 con Keanu
Reeves che Sonic guarda in segreto con Tom e Maddie
Wachowski nel primo film. Per questo motivo, l’amore professato da
Sonic per Keanu in Speed ha contribuito a motivare il suo futuro casting
come Shadow per Sonic 3.
Cannone a eclissi di Robotnik
Una superarma incredibilmente
potente
Il Gerald di Jim Carrey rivela
all’Ivo di Jim Carrey di aver costruito un’enorme superarma per
GUN, nota come Eclipse Cannon. Si tratta della stessa
superarma costruita da Gerald nella continuità dei giochi
e che è stata utilizzata da Eggman decenni dopo in Sonic
Adventure 2.
Ivo e Gerald Robotnik nel Paese
di Eggman
Apparsi per la prima volta in
Sonic Labyrinth
Trascorrendo un po’ di tempo
insieme utilizzando la VR, Ivo e Gerald vengono mostrati
mentre cavalcano insieme le montagne russe di
“Eggmanland”. Apparso in diversi giochi, Eggmanland è un
luogo classico che è un ibrido tra città e parco a tema, un’utopia
robotica agli occhi di Eggman stesso.
Mr. e Mrs. Smith
Un classico film di spionaggio
citato dai Wachowski
Mentre pianifica l’irruzione nel
quartier generale della GUN a Londra, il Team Sonic chiede l’aiuto
di Tom e Maddie, desiderosi di un po’ di azione. Eccitati dall’idea
di infiltrarsi nella base, Tom e Maddie si definiscono
“Mr.
e Mrs. Smith”, facendo riferimento all’omonimo film di
spionaggio di Brad Pitt e Angelina Jolie (che ha ricevuto un
recente reboot della serie con Donald Glover e Maya Erskine).
Schermata di selezione del
personaggio classico di Sonic
Durante la pianificazione del
colpo
Mentre Tails esamina i
ruoli di ogni persona nella rapina, viene brevemente mostrata una
schermata di selezione dei personaggi. Assomiglia molto a
quella dei giochi classici di Sonic, come Sonic
Adventure 2.
Shadow’s Revenge Guac
Mentre i Robotnik si infiltrano nel
quartier generale della GUN, Shadow è costretto ad aspettare con
Stone che gli offre del guacamole. Rispondendo che si
tratterebbe di “guacamole della vendetta”, questo è un riferimento
al primo filmdi Sonic,
quando Sonic menziona quanto sia strana la parola
“guacamole”.
Camei da Sonic The Hedgehog
2
Jim Carrey in Sonic 2. Courtesia di Paramount Pictures e Sega of
America.
Rachel e Randall
Utilizzando dei travestimenti
olografici, Tom e Maddie si infiltrano nella base nei panni
di Rachel (Natasha Rothwell), sorella di Maddie, e di Randall
Handel (Shemar Moore), suo marito, agente della GUN.
Rachel e Randall appaiono in Sonic the Hedgehog 2, mentre
celebrano il loro matrimonio alle Hawaii.
“Un classico trucco degli anni
’90
Soffiare sulle cartucce
SEGA
Quando la chiavetta USB di Tails
non funziona, Tom ci soffia sopra e la rimette dentro, risolvendo
il problema. Confermando che si tratta di “un classico
trucco degli anni ’90”, questo è senza dubbio un cenno alla
classica soluzione videoludica di soffiare sulle vecchie cartucce
di gioco quando e se non rispondono inizialmente, come
quelle per il SEGA Genesis.
Mentre corre per superare gli scudi
temporaneamente abbassati di GUN, Sonic si prende un
momento per ricreare la classica copertina dell’album Abbey Road
dei Beatles. Tuttavia, lancia una sottile frecciatina a
Ringo, spesso dimenticato.
Il livello antigravitazionale in
Sonic Adventure 2
La migliore difesa di sicurezza
della GUN
L’ultima difesa di sicurezza a
guardia della seconda chiave del Cannone a Eclissi è una stanza con
gravità variabile, con pannelli verdi per una minore quantità di
gravità e pannelli rossi per una maggiore quantità di gravità.
Si tratta probabilmente di un parallelo con il penultimo
livello diSonic Adventure 2,
anch’esso caratterizzato da diversi cambiamenti di gravità.
Le fiamme del disastro di
Knuckles
Apparso per la prima volta
nello spettacolo di Knuckles
Quando si schianta per salvare la
situazione, Knuckles viene mostrato con i suoi pugni
infuocati, noti come “Fiamme del disastro”. Si tratta di
un potere mistico del guerriero che è stato trattato nella serie
spin-off Knuckles.
Le classiche tute di Robotnik
di Ivo e Gerald
Un’evoluzione completa per il
villain di Jim Carrey
Dopo aver ottenuto l’accesso al
cannone Eclipse, Gerald regala a Ivo e a se stesso delle
tute nuove di zecca. Per Eggman in particolare, la nuova
tuta rossa è una copia fedele della sua apparizione nei giochi,
rappresentando la fase finale della sua evoluzione, iniziata con il
suo debutto in live-action nel primo film di Sonic.
Wade Whipple e il Maestro
Emerald
“Il più grande guerriero di
tutti i tempi”.
Deciso a usare il Master Emerald,
Sonic costringe Knuckles a rivelare la sua posizione, che si rivela
essere nelle mani di Wade Whipple (Adam Pally). Knuckles lo chiama
“Il più grande guerriero di tutti i tempi”, in riferimento
alle avventure di Knuckles e Wade nella
serieKnuckles, dove Wade ha
ricevuto un addestramento da guerriero dall’echidna.
Shadow blocca i colpi di Super
Sonic
Rispecchiamento di Neo in
Matrix
Prendendo il potere del Master
Emerald per sé, Shadow diventa Super Shadow per
rivaleggiare con Super Sonic. A tal fine, il riccio più
scuro blocca uno dei primi colpi di Super Sonic in un modo che
ricorda molto il Neo di Keanu Reeves in Matrix che combatte contro l’Agente Smith dopo essere
diventato “The One”.
“Ti sei lasciato
aperto”
Riferimento al classico colpo
alla gola di Robotnik
Quando Eggman colpisce il
nonno alla gola e si rende conto che Gerald intende distruggere il
mondo, gli dice: “Ti sei lasciato
aperto”. Questo è un riferimento al
primo Sonic, quando Robotnik fece e disse la stessa cosa
all’agente Stone.
“Guardare con odio Lanterna
Verde del 2011”
Ryan Reynolds in una scena del poco apprezzato film Lanterna
Verde
Un riferimento brutale alla
DC
Di fronte a suo nipote, Gerald si
arma con un grande nano-pugno. Tuttavia, Eggman non è
impressionato, affermando di non averne più visto uno da quando
“odiava Lanterna Verde del
2011”, una battuta esilarante ma
brutale a spese di uno dei film sui supereroi DC peggio accolti di
tutti i tempi.
“Vivi e impara”
Il tema di Sonic Adventure
2
Quando si riconciliano le loro
differenze e uniscono le forze per la prima volta come Super Sonic
e Super Shadow, inizia a suonare “Live and Learn” dei Crush
40. Questo era il tema principale di Sonic Adventure
2 , quindi il suo utilizzo nella battaglia
finale di Sonic 3 è estremamente appropriato e molto
divertente, adattando efficacemente il finale del gioco
classico.
“Devo andare veloce”
Il classico tormentone di
Sonic
Poco prima che Sonic e Shadow
affrontino le difese di Gerald Robotnik, Sonic usa la sua
classica frase“Gotta Go
Fast”. Il tormentone ha origine
dalla sigla della serie animata Sonic X.
L’esercito di robot di Gerald
Robotnik
Riferimento a E123/Omega di
Sonic Heroes
Scatenando una legione di
robot per affrontare Shadow e Sonic, questi sembrano far parte
della serie E-100 di Robotnik. Nei giochi, E123/Omega è
uno di questi robot che ha finito per cercare uno scopo più grande
e si unisce al Team Dark in Sonic Heroes con Shadow e
Rogue the Bat.
Eggman distrugge la
luna
Ma per un motivo diverso
rispetto a Sonic Adventure 2
In Sonic Adventure 2,
Eggman spara intenzionalmente il cannone Ecplise contro la luna per
dimostrare il suo potere agli abitanti della Terra affinché si
sottomettano al suo dominio. Tuttavia, l’ Eggmandi Sonic 3distrugge la luna per
puro caso, dopo aver acceso il cannone poco prima che
questo distrugga il mondo come desiderava suo nonno. Per questo
motivo, il ruolo di Eggman nel danneggiamento della luna è molto
più altruistico, in quanto era l’alternativa per salvare il
mondo.
“La base di Ball”
Da Sonic The Hedgehog
2
Chiedendo a Knuckles se gli
interesserebbe “The Base of Ball”, Tails lo fa lanciare
dall’echidna in modo che possa salvare Sonic. “The Base of
Ball” è un riferimento alla fine diSonic the
Hedgehog 2, quando il trio gioca a baseball con Tom e
Maddie.
Le ultime parole di
Robotnik
Riferimento ai primi due film
di Sonic
Sacrificandosi per distruggere il
cannone dopo aver distrutto suo nonno, Eggman lascia un
ultimo messaggio all’agente Stone, dicendogli che gli
mancheranno i suoi caffellatte con latte di capra austriaco:
“Mi piace come li fai!”, avendo detto lo stesso nel primo
film di Sonic. Robotnik fa anche la sua classica
imitazione del robot che faceva nei primi due film prima che il
cannone esploda.
Sonic di metallo
Un nuovo classico villain per
Sonic The Hedgehog 4
Nella scena dei titoli di coda di
Sonic the Hedgehog 3, Sonic viene attaccato da
diversi Metal Sonic. Apparso per la prima volta in
Sonic the Hedgehog CD, Metal Sonic era la potente opera
magna delle creazioni di Robotnik, quindi forse questi Metal Sonic
sono stati attivati come emergenza in caso di morte di Robotnik (ma
potrebbe anche significare che Robotnik è ancora vivo). In ogni
caso, sembra che Metal Sonic sarà il cattivo o i cattivi di
Sonic 4 (che
è stato confermato).
Rosa Amy
Impugnando il suo martello Piko
Piko
Sonic viene salvato da
nientemeno che Amy Rose, il classico riccio rosa che si
vede come la fidanzata di Sonic nei giochi, negli spettacoli e nei
fumetti. Impugnando il suo martello piko piko, Amy è una forza da
non sottovalutare nel
post-credits di Sonic 3 e sarà senza dubbio
un’aggiunta molto eccitante al Team Sonic in futuro.
Il Signore degli Anelli: La Guerra dei
Rohirrim è la prima incursione del franchise
nell’animazione da decenni, ed esplora anche un lato emozionante e
inedito dell’universo fantasy. Sebbene J.R.R.
Tolkien sia principalmente noto per Il Signore
degli Anelli e Lo Hobbit, la sua
mitologia della Terra di Mezzo è molto più profonda, molto simile a
un libro di storia ma con draghi, orchi e gioielli pericolosi.
Mentre The Rings of Power di Amazon fa parlare di
sé non sempre in maniera positiva, altri progetti
pre-Bilbo sono in arrivo.
Il Signore degli Anelli: La Guerra dei
Rohirrim rappresenta un netto distacco dal genere di
Tolkien con cui il pubblico mainstream ha familiarità, e c’era
ancora molto fermento attorno all’adattamento animato. Sebbene il
film tocchi un angolo ancora inesplorato dell’amato franchise
fantasy, c’è comunque una certa familiarità da parte del pubblico
con la nuova avventura nell’universo di Tolkien. Ambientata molti
anni prima degli eventi de Il Signore degli
Anelli, La Guerra dei Rohirrim segue uno dei leader
più influenti nella storia di Rohan.
Il Signore degli Anelli: La Guerra
dei Rohirrim – Accoglienza della critica e botteghino
Una risposta mista al prequel de Il
Signore degli Anelli
Il Signore degli Anelli: La Guerra dei Rohirrim – Un’Immagine dal
film
Nonostante sia collegato a uno dei
franchise cinematografici e televisivi più amati di tutti i tempi,
Il Signore degli Anelli: La Guerra dei
Rohirrim non ha ricevuto un’accoglienza
particolarmente calorosa dalla critica. Il film ha ottenuto solo un
punteggio del 50% su Rotten Tomatoes e molte di quelle recensioni
negative hanno riassunto il film come insipido e inutile. The
Guardian è stato particolarmente duro, definendo l’animazione priva
di personalità e la narrazione “noiosa e senza gioia”.
Anche sul fronte del botteghino, le
cose sono un po’ cupe. Il film è uscito nelle sale cinematografiche
degli Stati Uniti il 13 dicembre 2024. Dopo il primo weekend, è
riuscito a incassare solo circa 10 milioni di dollari (tramite Box
Office Mojo) contro un budget di 30 milioni di dollari. Con un
costo totale stimato di circa 70 milioni di dollari (considerando i
costi di marketing/distribuzione), l’avventura animata è stata ben
al di sotto delle aspettative. Sebbene un’inversione di tendenza
sia sempre possibile, l’inizio da 10 milioni di dollari potrebbe
essere troppo lento per renderlo un successo finanziario.
Cast di Il Signore degli Anelli: La
Guerra dei Rohirrim
Brian Cox guida il cast vocale
Con il cast di Il
Signore degli Anelli: La Guerra dei Rohirrim composto da
star riconoscibili, l’adattamento animato non è diverso dalle sue
controparti live-action. Brian Cox di
Succession guida il cast vocale come Helm
Mandimartello, il re di Rohan. Inoltre, Miranda
Otto è la voce narrante del film nel ruolo di Éowyn, già
interpretato ne Il Signore degli Anelli.
Gaia Wise (Silent Witness)
interpreta la figlia di Helm, Hera, mentre Luke
Pasqualino (Skins) interpreta Wulf, il
capo antagonista dei Dunlandiani.
Christopher Lee ha
ripreso il suo ruolo del mago Saruman nel film animato. Sebbene Lee
sia scomparso nel 2015 all’età di 93 anni, la sua performance
vocale si basa su battute registrate in precedenza dalla trilogia
de Lo Hobbit. Dal punto di vista della storia,
Saruman era vivo durante la Guerra dei Rohirrim, ma non era ancora
il malvagio alleato di Sauron.
Trailer di Il Signore degli Anelli:
La Guerra dei Rohirrim
Guarda il trailer completo qui
sotto
In previsione della data di uscita
del film a dicembre (da noi il Primo Gennaio), la Warner Bros. ha
lanciato un trailer completo per Il Signore degli Anelli:
La Guerra dei Rohirrim. Dopo aver mostrato filmati
nostalgici dei classici film live-action, il trailer passa
all’animazione e introduce il conflitto tra Helm Mandimartello e i
Dunlandiani (tramite la narrazione di Miranda Otto
nei panni di Éowyn). Vengono anticipate sequenze di battaglie
imponenti e il trailer presenta un piccolo scorcio dell’Unico
Anello come anticipazione extra.
Di cosa parla Il Signore degli
Anelli: La Guerra dei Rohirrim
Una Piccola Nota a Piè di Pagina
nella Storia della Terra di Mezzo
Il Signore degli Anelli: La Guerra dei Rohirrim – Un’Immagine dal
film
Non sorprende il fatto che
Il Signore degli Anelli: La Guerra dei Rohirrim
non avrà molte ripercussioni sulle storie future del franchise
perché è un prequel e il finale non è certo controverso. Sebbene
abbia riassunto in modo succinto e ponderato tutti gli archi
narrativi dei personaggi, il finale non è propedeutico a quello che
racconterà poi Il Signore degli Anelli, elemento molto sano e a
favore di questa storia che è a tutti gli effetti uno standalone.
Il finale infatti trova un buon equilibrio tra il muoversi
in punta di piedi intorno alla tradizione consolidata e il
raccontare una storia completa da sola.
Sonic 3 – Il
Film (qui
la recensione) include una manciata di momenti per
preparare gli spettatori all’arrivo di Sonic 4,
già confermato. Nel complesso, il futuro di questo franchise
live-action sembra luminoso, poiché il film del 2024, da noi dal 1°
gennaio, ha effettivamente portato avanti la storia del
Team Sonic.
Sonic 3
ha avuto un finale felice e soddisfacente, ma le due scene
post-credit hanno piantato i semi di un altro sequel, sia
anticipando il fatto che alcuni personaggi presumibilmente deceduti
siano ancora vivi, sia creando nuovi alleati e cattivi. A questo,
vanno aggiunti i sottili riferimenti a più storie da raccontare e
c’è sicuramente molto da aspettarsi in un altro sequel. Il
franchise live-action sta prosperando e l’ultimo capitolo ha fatto
un lavoro spettacolare piantando altri semi per il confermato
Sonic 4. Eccoli!
La morte del Dr. Robotnik (di
nuovo)
Robotnik è tornato una volta, può
farlo di nuovo
Jim Carrey interpreta Ivo e Gerald Robotnik in Sonic 3 – Il
Film
Sonic 3 è il
secondo film del franchise live-action che si conclude con la
presunta morte del Dr. Robotnik. In Sonic 2, si
dava per scontato che il cattivo malvagio fosse stato ucciso quando
il suo robot gli si era schiantato addosso dopo che Sonic aveva
usato il Master Emerald. Tuttavia, il Dottor Eggman si è riunito
alla lotta in Sonic 3, inizialmente alleandosi con
il suo rivale riccio prima di rivoltarsi contro di lui per unirsi
al suo malvagio nonno, Gerald Robotnik (interpretato
sempre da
Jim Carrey).
Ovviamente, Gerald finisce per non
essere in buone mani e il Dottor Robotnik non aveva voglia di
morire insieme al resto del mondo. Il suo obiettivo è in genere
quello di governare la Terra e il piano di suo nonno di distruggere
tutto e tutti non era del tutto in linea con questo. Quindi, il
cattivo di Sonic the Hedgehog di Carrey ha sacrificato la sua vita
per salvare il pianeta. È stato un colpo di scena divertente per il
suo personaggio, ma significa che, ancora una volta, il
Team Sonic crede di aver visto l’ultima volta il
Dottor Robotnik/Eggman.
Poiché Eggman è il cattivo
principale del franchise di Sonic, è difficile che
sia effettivamente morto, o almeno che se ne sia andato per sempre.
Invece, il suo sacrificio alla fine di Sonic 3 non
fa che preparare ulteriormente gli eventi di Sonic
4. Ci sono diverse volte nei videogiochi o negli anime di
Sonic in cui il Dottor Eggman ha finto la propria
morte o ha trovato modi bizzarri per tornare, e ci si può
sicuramente aspettare che accada lo stesso in Sonic
4.
Il ritorno di Shadow
Anche Shadow è pronto a
tornare
Mentre il ritorno del
Dottor Robotnik è presunto ma non confermato, la morte di Shadow
alla fine di Sonic 3 – Il
Film è una storia diversa. L’ingresso di Keanu Reeves nel cast del franchise
live-action di Sonic è stata sicuramente una
notizia entusiasmante, soprattutto perché Shadow era il personaggio
perfetto per l’attore. Tuttavia, in Sonic 3 Shadow
the Hedgehog si è sacrificato per invertire il suo piano e quello
di Gerald Robotnik di distruggere la Terra. La decisione di Sonic
di voltare le spalle alla vendetta ha ispirato il nuovo cattivo di
Sonic, ma per un momento è sembrato che questo eroismo sarebbe
stata la sua ultima azione.
Tuttavia, la scena post-crediti di
Shadow the Hedgehog ha definitivamente dimostrato
che Shadow non è morto. È stato visto camminare verso un cratere e
afferrare uno dei suoi anelli inibitori, che soffocano il suo
potere per prevenire pericolose conseguenze. Li aveva tolti prima
di spingere via l’arma di distruzione della Terra di Gerald
Robotnik. Il fatto che sia vivo e sufficientemente in salute da
reclamare questi anelli suggerisce che tornerà per Sonic the
Hedgehog 4.
Questo è un sollievo ma non una
sorpresa. Sarebbe un vero shock se la Paramount avesse chiamato
Reeves per dare voce a questo iconico personaggio di Sonic
the Hedgehog, solo per ucciderlo dopo un solo film. La
cosa curiosa qui è cosa farà Shadow dopo. Ora che ha lasciato
andare il suo desiderio di vendicarsi dopo la morte di Maria, il
suo percorso è poco chiaro. Ovviamente, decidere di non distruggere
il mondo non significa necessariamente che Shadow collaborerà con
GUN. Questo riccio oscuro sarà sicuramente al centro di ulteriori
conflitti in Sonic 4.
Amy Rose si è unita alla lotta
La scena post-credit di Sonic 3 ha
introdotto Amy Rose
Il ritorno di
Shadow è stata solo una delle scene post-credit di
Sonic
3 – Il Film. L’altra ha visto Sonic prendere parte a
un’altra gara di famiglia attraverso i boschi, solo per ritrovarsi
molto più lontano da casa di quanto avesse inizialmente previsto.
E’ allora che viene improvvisamente attaccato da una lega di nuovi
(ma familiari) cattivi (ne parleremo più avanti), e per un momento
sembra che Sonic venga sopraffatto. Proprio in quel momento, appare
una figura incappucciata che portava un martello piuttosto
potente.
I film di Sonic live-action hanno
lentamente aggiunto sempre più personaggi tradizionali dei
videogiochi e degli anime, a partire da Knuckles e
Tails in Sonic 2 e Shadow in Sonic 3.
Ora, sembra che Amy Rose sia la prossima. Amy si è
unita per la prima volta al franchise dei videogiochi con Sonic CD
del 1993 ed è diventata un personaggio giocabile in Sonic Adventure
del 1998. Possiede abilità di velocità simili a quelle di Sonic. E
brandisce un potente martello che la aiuta in battaglia. Inoltre,
Amy tende ad avere una cotta enorme per Sonic.
La scena post-credit di
Sonic
3 – Il Film dimostra quanto sia abile Amy Rose con il
suo martello, suggerendo che continuerà a essere una risorsa per il
Team Sonic in Sonic 4. Amy e Sonic non si
scambiano parole nella loro breve scena insieme, quindi la prossima
puntata esplorerà sicuramente la loro amicizia in futuro.
Sonic contro Metal Sonic
Il finale di Sonic 3 ha portato un
altro iconico cattivo
Metal
Sonic è un’altra grande rivelazione della prima scena
post-credit di Sonic 3 – Il
Film. Dopo che Sonic credeva di aver vinto la gara di
famiglia, si è improvvisamente ritrovato circondato da decine di
robot, ognuno dei quali sembrava una versione in metallo di lui.
Naturalmente, questo ha inizialmente ispirato una manciata di
battute da parte di Sonic, ma è diventato subito chiaro che quei
robot erano troppo per lui. E’ allora che Amy Rose interviene e
aiuta a salvare la situazione, ma l’implicazione qui è che questa
non sarà la fine di questi Metal Sonic.
Metal Sonic è solitamente
considerato l’avversario più potente di Sonic nell’universo di
Sonic, ed è canonicamente una creazione del Dr.
Robotnik, un altro indizio che l’Eggman di Carrey non è
morto dopotutto. Il finale di Sonic 3 non ha
rivelato da dove provenga questo esercito di Metal Sonic, quindi
questo sarà sicuramente un mistero principale all’inizio di
Sonic 4.
Il debutto di Metal
Sonic nel franchise live-action di Sonic the
Hedgehog contemporaneamente ad Amy Rose è
un altro aspetto intrigante di questa scena post-crediti. Come Amy,
questo cattivo è apparso per la prima volta nel videogioco Sonic
CD. Metal Sonic ha rapito Amy e Sonic e i suoi amici hanno avuto il
compito di salvarla. Sonic 3
che introduce questi personaggi contemporaneamente potrebbe essere
un indizio che Sonic 4 trarrà ispirazione dal
videogioco del 1993.
The Chao Cafe
I Chao fanno ufficialmente parte
del franchise live-action
Molto prima delle scene
post-credit di Sonic 3,
c’era un altro potenziale scenario per un futuro sequel. Dopo
essere atterrati in Giappone per affrontare Shadow, il Team Sonic
si è seduto per un pasto in un Chao Cafe.
Adorabilmente decorato con persone in costumi Chao, questo bar è un
altro riferimento all’universo di Sonic. I Chao sono esseri simili
a folletti che compaiono frequentemente nei giochi di Sonic,
essendo apparsi per la prima volta in Sonic Adventure (il primo
gioco in cui Amy Rose era un personaggio giocabile). Sebbene a
volte siano compagni adorabili, si collegano intimamente con punti
essenziali della trama.
Non c’è mai stato un vero Chao in
Sonic
3, solo persone in costume e immagini che decoravano
le pareti del bar. Tuttavia, il riferimento del franchise
live-action a questi esseri è intrigante, soprattutto considerando
che il Master Emerald era nascosto sulla Terra in Sonic
2. Nel canone, i Chao erano inizialmente guidati da una
divinità chiamata Chaos, guardiano dei Chaos Emerald. In seguito a
un attacco della tribù Echidna, Chaos è sigillato nel Master
Emerald.
È difficile dire come tutto questo
si adatti alla versione canonica del franchise live-action di
Sonic. Tuttavia, il fatto che sia il Master Emerald che l’adorabile
Chaos siano stati presenti nei film di Sonic implica che tutto
questo potrebbe entrare in gioco. Forse Sonic 4
rivelerà da dove è venuta l’ispirazione per il Chao Cafe in
Giappone: potrebbe persino esserci una colonia di veri Chao
nascosta da qualche parte sulla Terra, senza meta senza il loro
leader.
Il ritorno del Master Emerald
Il Master Emerald continuerà
sicuramente a essere la chiave
Il Master
Emerald è stato introdotto in Sonic 2
come obiettivo primario di Kunckles the Echidna e del Dr. Robotnik.
Alla fine è stato rivelato che Sonic poteva usare il Master Emerald
per diventare Super Sonic, ma questo è un potere che la banda ha
deciso fosse troppo per poterlo usare di nuovo in sicurezza.
Ovviamente, Sonic ha buttato tutto dalla finestra in Sonic
3, quando ha usato per la prima volta il Master Emerald
per vendicarsi di Shadow, poi ha usato il suo potere (insieme a
Super Shadow) per salvare la Terra dal terribile piano di Gerald
Robotnik.
Si presume che il Master Emerald sia
di nuovo nascosto dopo gli eventi di Sonic 3.
Tuttavia, il fatto che sia stato riportato in gioco così
rapidamente dopo che il Team Sonic ha promesso di non usarlo mai
più indica che Sonic 4 presenterà di nuovo il
Master Emerald. Ciò è ulteriormente supportato dal riferimento del
terzo film di Sonic ai Chao, che condividono un legame con questa
potente pietra. Forse Sonic 4 vedrà il Dr.
Robotnik rompere il Master Emerald, scatenando così il cattivo
Chaos, ovviamente, solo il tempo lo dirà.
Dopo la stagione 2
di Squid
Game, la competizione continuerà con la stagione
3 di Squid
Game e il gioco più eccitante dei prossimi episodi è già
stato rivelato. I giochi sono sempre la parte più eccitante delle
nuove stagioni di Squid Game, e la stagione 2 ha
introdotto alcuni giochi completamente nuovi con un colpo di scena
a sorpresa. È interessante notare che
il finale della stagione 2 di Squid Game ha già
anticipato ciò che accadrà nella stagione 3, come questo gioco
incredibilmente emozionante.
Mentre nella
stagione 1 di Squid Game è stata coperta l’intera
settimana della competizione, la stagione 2 cambia un po’ le cose
concentrandosi solo sulle prime tre partite, mentre l’ultima metà
sarà al centro della stagione 3 di Squid Game. Ciò
significa che restano tre giochi da vedere nella stagione finale di
Squid Game e, in base ai giochi della stagione 2,
dovrebbero essere diversi da quelli visti in precedenza.
Fortunatamente, la scena mid-credits della stagione 2
diSquid Gamemostra un
po’ di quello che sarà il prossimo gioco, dimostrando che
sarà il più emozionante della terza stagione.
Il primo gioco della stagione 3
di Squid Game sarà il più emozionante
Il finale della stagione 2 di
Squid Game presenta una scena incredibilmente breve a metà
dei titoli di coda, che mostra alcuni elementi chiave del prossimo
gioco della stagione 3 di Squid Game. In primo luogo,
la scena mostra il Giocatore 096, il Giocatore 100 e il
Giocatore 353 che entrano nella stanza della prossima
partita. In essa si vede la bambola gigante nota come Young-hee del
gioco Red Light, Green Light. Accanto a lei, si vede anche un robot
più giovane di nome Cheol-su, che indossa un costume verde. Poi si
vedono una luce rossa e una luce verde lampeggianti prima che la
scena finisca, tornando ai titoli di testa della stagione 2 di
Squid Game.
Il creatore della serie Squid
Game, Hwang Dong-hyuk, ha parlato della scena a metà dei
titoli di coda, fornendo un po’ di contesto in più sul significato
della scena. Ecco i commenti completi del creatore:
“Si tratta in realtà di una
[anticipazione] di Cheol-su, che, come Young-hee, è una nuova
bambola gigante che mostreremo nella terza stagione…Ed è
anche un accenno al gioco più emozionante della terza stagione.Quindi, anche se non è ancora stato condiviso, spero che tutti
siano entusiasti di conoscere Cheol-su e il nuovo gioco”.
Secondo la stessa persona che ha
creato Squid Game, questo gioco sarà il più
emozionante della terza stagione diSquid
Game. Con ancora tre giochi da giocare, questo è
incredibilmente eccitante, perché è sicuro che sarà un affare
importante nella prossima stagione. Ci sono ancora molte domande su
cosa sia questo nuovo gioco, ma se il creatore della popolare serie
di Netflix dice questo sul gioco, allora gli spettatori
possono stare certi che la terza stagione inizierà con il
botto.
Cos’è davvero il nuovo gioco
delle bambole di Squid Game Stagione 3
Il funzionamento del nuovo gioco
delle bambole di Squid Game – Stagione 3 non è ancora
stato rivelato, ma ci sono alcune teorie su cosa sia effettivamente
il gioco. È molto probabile che questo nuovo gioco di bambole sia
un’iterazione del precedente gioco Red Light, Green Light, e questo
è ovviamente il motivo della presenza della bambola Young-hee e
delle luci rosse e verdi lampeggianti. L’aggiunta della bambola
Cheol-su potrebbe consentire ai giochi di vedere anche le spalle
dei giocatori, impedendo loro di nascondersi l’uno dietro l’altro
come facevano nel primo gioco Red Light, Green Light della seconda
stagione di Squid Game.
Un’altra teoria diffusa è che il
gioco potrebbe essere una variante del gioco per bambini Jack e
Jill. In questo gioco, i giocatori lanciano un dado colorato, si
spostano in uno spazio di quel colore e fanno girare una ruota. Se
la ruota finisce su un pozzo, il gioco passa al turno successivo.
Se la ruota finisce su un secchio, il giocatore torna al punto di
partenza. Young-hee e Cheol-su potrebbero essere i
sostituti di Jack e Jill, e le luci rosse e verdi
potrebbero essere un nuovo modo per determinare su quali spazi
colorati atterrano i giocatori. E se la ruota finisce su un
secchio, molto probabilmente i giocatori moriranno.
La terza stagione di Squid Game
continuerà la tradizione della luce rossa e verde dello
show
Anche se il gioco della scena
mid-credits di Squid Game non è Red Light, Green Light, la
terza stagione si prepara a continuare la tradizione Red Light,
Green Light dello show. Come le prime due stagioni, la terza
stagione di Squid Game inizierà con un gioco che avrà come
protagonista la bambola Young-hee, uno dei pezzi più famosi
dell’iconografia di Squid Game.
Nel corso della partita, i
giocatori discuteranno probabilmente dei collegamenti con Red
Light, Green Light, un gioco che hanno giocato solo pochi giorni
fa. In questo modo, gli spettatori vedranno Gi-hun cimentarsi per
la terza volta in un gioco come Red Light, Green Light, dando vita
a un inizio incredibilmente interessante per
l‘ultima stagione di Squid
Game.
Essere il nipote di Ingmar
Bergman e Liv Ullmann e cercare di farsi
strada nel mondo del cinema deve essere complicato. Lo sa bene il
norvegese Halfdan Ullmann Tøndel, che ha
presentato il suo primo lungometraggio,
Armand, al Festival
di Cannes 2024, dove si è aggiudicato la Camera d’Or come
miglior opera prima. Il film, che ha come protagonista la
connazionale Renate Reinsve (La
persona peggiore del mondo) e arriva oggi nelle sale
italiane, ci invita a riflettere su questioni come l’iperprotezione
dei bambini e la facilità con cui l’essere umano tende a giudicare
le persone pur con pochissime informazioni alla mano.
Un incidente scolastico da decifrare
Armand è un bambino di sei anni che non appare mai
direttamente sullo schermo, ma di cui sentiamo parlare
attraverso la sua insegnante e le autorità scolastiche. Da quello
che sentiamo, ha spesso comportamenti “problematici”, ed è stato
coinvolto in una relazione complicata con un
compagno di classe. Nonostante le reticenze, si decide che la madre
debba essere convocata per un incontro. A scuola, la situazione è
gestita con evidente disagio. L’insegnante Sunna
(interpretata da Thea Lambrechts Vaulen), il
personaggio più autentico e credibile del film, appare visibilmente
nervosa, mentre il preside Jarle (Øystein
Røger) e la collega Ajsa (Vera
Veijovic) reagiscono fisicamente al clima di tensione: lui
suda abbondantemente, mentre lei ha un’emorragia nasale. Ma chi è
Armand? Di chi è figlio e cosa ha fatto per rendere tutti così
nervosi?
Tra commedia nera e dell’assurdo
Attraverso il racconto ellittico di Ullmann, la
situazione si chiarisce gradualmente. Armand è il figlio di
Elisabeth (Reinsve), una donna dal passato
travagliato, temuta e evitata da molti. Tuttavia,
Anders (Endre Hellestveit) e
Sarah (Ellen Dorrit Petersen), i
genitori del bambino vittima dell’aggressione, decidono di sporgere
una denuncia formale per porre fine ai comportamenti di Armand. Il
confronto, a quel punto, diventa inevitabile.
L’atmosfera rarefatta che
Armand presenta nella prima parte del
film crea disagio e stranezza, ma in una certa misura questi
sentimenti sono benvenuti: cosa c’è di sbagliato in Elisabeth, che
improvvisamente ha lunghi attacchi di risate che sembrano non
finire mai? Perché il naso di Ajsa continua a sanguinare? Cosa si
nasconde nel passato del trio che fa sì che tutto ciò che è
accaduto, o che si suppone sia accaduto, tra i loro figli, provochi
così tanti sguardi e parole pieni di risentimento e nervosismo?
Questo rischio nella messa in scena rientra nei limiti di un certo
realismo, con un regista che osa spingersi ai margini della
commedia nera e persino dell’assurdo per parlare di un
argomento serio come un’aggressione, apparentemente di natura
sessuale, da parte di un ragazzo all’altro.
Renate Reinsve in una scena di Armand – Cortesia di Movies
Inspired
Ma Ullmann pone sempre più l’accento
sul turbamento personale di tutti i presenti per
trasformare il film in qualcosa di simile a un
balletto, utilizzando i corridoi e le aule di questa
enorme scuola come se fossero i passaggi nella mente di un gruppo
che porta con sé una pesante eredità familiare e continua a
complicarla sempre di più a ogni nuova generazione.
Un dramma che punta sull’approccio minimalista
La grande forza di
Armand sta nella sua capacità di mostrare
come il comportamento dei bambini possa essere un riflesso
distorto di ciò che questi vedono negli adulti che li
circondano: ogni sguardo, ogni silenzio tra i genitori intreccia un
dramma teso e complesso, dove accuse e pregiudizi vengono a galla
in modo esplosivo.
Da parte sua, Renate Reinsve
offre una performance travolgente nel ruolo di una madre
in bilico tra la difesa del figlio e l’incertezza di ciò che è
realmente accaduto. La sua interpretazione è ricca di sfumature e
riflette l’ansia e lo smarrimento di una situazione in cui non ci
sono risposte chiare, mentre la regia di Ullmann Tøndel mostra una
sorprendente maturità nel cogliere la tensione emotiva alla
base delle interazioni più quotidiane.
Armand è due film in uno
Il film si distingue per la
sottigliezza dei toni e la capacità di approfondire gli aspetti più
oscuri della condizione umana senza bisogno di scene esplicite o di
confronti diretti. L’approccio minimalista e la
scelta di concentrare gran parte dell’azione sulle conversazioni
tra i genitori e i membri della scuola rafforzano il senso
di claustrofobia morale che percorre tutto il film. Da
questo punto di vista, Armand lascia lo
spettatore con tante domande piuttosto che con delle risposte,
invitando a una riflessione profonda sui limiti del senso di colpa,
sulla responsabilità genitoriale e sul modo in cui gli adulti
proiettano i propri conflitti sui bambini.
Tuttavia, il film di Ullmann
Tøndel appare in ultima istanza più come una prova di
abilità in divenire che un film con un’idea e un percorso chiari.
Pone un concept di partenza molto forte e lo struttura con un tono
decisamente atipico e personale, ma quella stranezza che gli
conferisce un’atmosfera particolare durante la prima metà rischia
di risultare particolarmente esagerata nella seconda. Vi è, alla
base, un dramma umano inquietante e psicologico che poi si
trasforma in una sorta di gioco coreografico, sperimentale
e onirico che appartiene a un altro film, che ha poco a
che fare con il primo. Legami che sono più nella testa del regista
e negli sforzi dell’attrice protagonista che nella stessa
costruzione cinematografica.
Nell’inverno del 1925, una malattia
mortale colpì la città di Nome, in
Alaska. I negozi di medicinali più vicini erano a
centinaia di chilometri di distanza, nell’interno innevato dello
Stato. Ma questa storia l’avete già sentita. Il film
Balto del 1995 l’ha immortalata per una
generazione: l’omonimo cane ha radunato la squadra che ha portato
il siero salvavita attraverso le terre selvagge dell’Alaska,
salvando eroicamente i bambini della città. Dal 1925, Balto si è
guadagnato il plauso universale, schiere di fan e una statua di
bronzo commemorativa nel Central Park di New York. Ma
Togo, il film
del 2019, ha corretto questo record storico a favore di un
perdente.
Come si è scoperto, Balto era solo
uno degli oltre 100 cuccioli che hanno reso possibile quella
staffetta di cani da slitta salvavita verso Nome. Balto guidò la
squadra canina nell’ultimo tratto di 55 miglia del viaggio (era
ancora in testa al gruppo quando arrivò in città). Ma un altro
cane, Togo, ha percorso più del doppio della
distanza rispetto a qualsiasi altro cane della squadra e l’ha
guidata in alcuni dei punti più rischiosi. Togo,
interpretato da Willem Dafoe, racconta dunque la vita del
cucciolo storicamente trascurato che ha però reso possibile la
consegna di medicinali cruciali. In questo articolo, scopriamo
ulteriori dettagli della vera storia dietro il film.
La vera storia dietro il film Togo
La storia ha inizio quando un medico
diagnostica il primo caso di difterite, una
malattia mortale, in un ragazzo di Nome nel gennaio 1925. La città,
situata a circa 150 miglia a sud del Circolo Polare Artico, contava
poco meno di 1.000 abitanti. La difterite era chiamata
“l’angelo strangolatore dei bambini”, perché rilascia una
tossina che chiude la trachea della vittima. I bambini piccoli
erano particolarmente vulnerabili. Nell’inverno di quell’anno, Nome
aveva una scorta di antitossina, il siero allora usato per trattare
la difterite, ma era tutto scaduto. L’unico medico e le quattro
infermiere della città assistettero così impotenti alla morte di un
bambino di tre anni, presto seguito da una bambina di sette.
Temevano che il tasso di mortalità
delle persone infette fosse del 100%. Alcuni anni prima,
un’epidemia di influenza aveva ucciso metà della popolazione
indigena di Nome. L’équipe medica di Nome lanciò una richiesta di
aiuto e scoprì che la fornitura di siero più vicina si trovava in
un magazzino fuori Anchorage. I treni potevano portarlo a circa 700
miglia da Nome e l’équipe sperava che gli aerei da trasporto
potessero portarlo da lì. Ma quella settimana un freddo record e
venti fortissimi attraversarono l’Alaska, mettendo a terra gli
unici aerei sgangherati della zona.
Gli abitanti di Nome si resero conto
che i cani da slitta avrebbero dovuto trasportare il pacco di 20
libbre di medicinali nella loro città attraverso la tempesta. Era
l’unico modo per poter avere il farmaco. Ed ecco che entra in gioco
Togo, che nel 1925 era già un campione di corsa,
ma i cui giorni migliori erano ormai alle spalle. Era nato nel
1913, un cucciolo più piccolo della media, ma si era subito
distinto come cane da slitta, correndo per la prima volta 75 miglia
in un’imbracatura. Secondo The Cruelest Mile di
Gay e Laney Salisbury, una storia
del 2003 sulla corsa del siero, Togo era una leggenda vivente tra i
conduttori di slitte trainate da cani dell’Alaska, “un cane da
guida nato”.
Sebbene Togo avesse 12 anni nel
gennaio 1925, era ancora veloce e forte. Gli fu così affidato il
compito di guidare la staffetta del siero. “Era il miglior cane
che [il proprietario Leonhard Seppala] avesse a
disposizione per navigare tra i ghiacci marini, e spesso correva
molto avanti alla squadra con un lungo guinzaglio per individuare
il percorso più sicuro e facile attraverso Norton Sound o altre
parti del Mare di Bering”, scrivono i Salisbury. Questo
talento è servito a Togo durante la corsa del siero: a un certo
punto, l’intrepido cucciolo ha guidato la squadra attraverso 40
miglia di ghiaccio del Mare di Bering di fronte a
una tempesta in arrivo.
Nessun singolo cane merita tutto il
merito per aver salvato Nome. Per consegnare l’antitossina, più di
20 mushers e 100 cani hanno trasportato la medicina da una linea
ferroviaria vicino a Fairbanks (dove le
temperature si aggiravano intorno ai -50 gradi), lungo il fiume
Yukon, su una baia ghiacciata e infine lungo la
costa del Mare di Bering. Tuttavia, Togo è stato probabilmente il
cane più sbalorditivo della squadra sia per la distanza percorsa –
ha corso più di 350 miglia in totale, più di qualsiasi altro cane
del gruppo – sia per l’eroismo.
Il film celebra le vere imprese di Togo
Gli spettatori del film
Togo potrebbero pensare che i suoi momenti più
cinematografici siano il prodotto della licenza creativa di
Hollywood, ma si sbaglierebbero. In una scena molto drammatica, ad
esempio, Togo raggiunge la riva, ma la slitta con la medicina è
rimasta bloccata sul ghiaccio galleggiante dall’altra parte di un
canale d’acqua gelida. Con una prodezza atletica e un’ingenuità
francamente non da cane, Togo afferra la corda di piombo in bocca e
tira la slitta a riva. Come riportato da testimoni diretti, tale
atto di forza e coraggio si è verificato davvero.
C’è però anche un altro momento del
flim che sembra troppo bello per essere vero, ma lo è: a causa
delle dimensioni ridotte di Togo da cucciolo, una volta il suo
padrone lo regalò a una famiglia perché lo tenesse come animale
domestico. Nel giro di poche settimane, Togo ne aveva abbastanza
della vita domestica. Ha sfondato una finestra ed è tornato di
corsa al canile per slitte di Seppala, una scena che si verifica
all’inizio del film. La corsa del siero verso Nome aveva forse
bisogno di un riavvio? Si guarda a Togo con scetticismo, ma al
termine della visione ci si convince che il film originale su
Balto ha tralasciato il personaggio più
interessante del viaggio.
Dopo Jackie e Spencer,
l’acclamato Pablo Larraìn completa
la sua trilogia con Maria, ritratto della Divina
Callas, la più grande soprano della storia della
musica e personalità affascinante e per certi versi
misteriosa, che il regista cileno racconta sotto una nuova luce,
negli ultimi giorni di vita, nella sua casa di Parigi.
È il settembre del 1976,
di lì a pochi giorni Maria Callas morirà,
lasciando al mondo un’eredità artistica incommensurabile e
irripetibile, e lei sembra saperlo, per questo si appresta a
scrivere la sua autobiografia, appuntandola attraverso racconti
frammentati, affidati a un amico immaginario che ne raccoglie le
confidenze e i segreti, come un diario che nessuno leggerà. La
giovinezza in Grecia durante la Guerra, l’inizio del successo,
l’amore per Onassis, la solitudine, la malattia, ma soprattutto la
musica, il teatro, il canto. La sua voce. Larraìn ci mostra Maria
mentre cerca di recuperare la sua voce, di tornare a essere non
l’usignolo ma la pura “voce umana”, questa volta solo per se
stessa, senza un secondo fine o uno scopo differente dal piacere
personale della musica.
Pablo
Larraìn sceglie di raccontare una Diva che riprende in
mano la propria vita, travolta dalla malattia e dalle visione ma
apparentemente lucida e presente a se stessa, consapevole e
sprezzante, desiderosa delle lusinghe dei fan, per lei dovute, alla
ricerca di un suo equilibrio che quell’uomo “brutto e
morto” le ha tolto. Si riferisce ovviamente a
Aristotele Onassis, il grande amore di Maria, che
la Storia ha raccontato averla “sedotta e abbandonata” per
l’avvenente Jackie (fu) Kennedy (la stessa che
Larraìn ha raccontato con il volto di Natalie
Portman). Eppure il regista sceglie una strada
diversa: la sua Maria, la Callas è una donna sì desiderosa di
amore, ma mai vittima degli eventi, tutt’altro. È una donna che si
autodetermina, come tutte quelle eroine d’opera che ha interpretato
nel corso della sua sfolgorante carriera. Basti pensare che
nell’ultimo immaginario confronto tra lei e il morente Onassis, la
Maria di Pablo Larrain dice che alla notizia del
suo matrimonio con Jackie, il suo cuore non era spezzato, ma il suo
orgoglio era ferito.
Foto Credits Pablo Larraín
La Divina Callas, tragica
sì, ma consapevolmente fiera
Lei è la Divina, una Diva
che accoglie il successo e le lodi, il servizio e la
subordinazione, ma non è capricciosa e pretenziosa, ha slanci di
bontà, emozioni profonde e reali, affetti preziosi, bisogno di
amore ma anche di essere sempre e comunque se stessa. Larrain
racconta una donna che non solo ha interpretato l’opera ma che l’ha
vissuta, diventando di volta in volta Madama Butterfly,
Violetta, Tosca, tutte le donne che è stata sul
palcoscenico e che attraverso di lei hanno trovato spazio nel
mondo. Il regista accompagna lo spettatore attraverso questa
sovrapposizione tra arte e vita, selezionando attentamente le aree
d’opera da far risuonare di volta in volta, componendo un racconto
avvincente e originale, tragico sì, ma consapevolmente
fiero del proprio valore.
Angelina Jolie è Maria
Callas
A interpretare Maria, il
regista ha voluto Angelina Jolie. Una dei personaggi pubblici
più facilmente accostabili al concetto di Diva, l’attrice studia,
imita, ripete, si cala completamente nel ruolo e riesce a portare
sullo schermo uno strano ibrido in cui Angelina non scompare mai
dietro alla maschera di Maria e allo stesso tempo Callas fa
continuamente capolino attraverso gesti e tono di voce di Jolie.
Un’interpretazione importante nella carriera dell’attrice che però
deve per forza scendere a patti con la sua riconoscibilità: da una
parte quindi lo spettatore è restio ad accettare che proprio quella
lì debba essere Maria Callas, dall’altra offre il
dono prezioso, nei biopic, di aggirare
la mera imitazione e di dare spazio all’interpretazione. Dopotutto
se avessimo voluto vedere la vera Callas, avremmo guardato un
documentario! Per quanto riguarda i primi piani in playback, è un
dazio da pagare per un biopic sulla voce più grande di sempre.
Foto Credits Pablo Larraín
Pablo Larraìn direttore
d’orchestra
Larraìn è il “solito”
direttore d’orchestra impeccabile, conduce le danze con la solita
grazia, scompare dietro ai suoi protagonisti quando è il momento di
ascoltarli ma prende le redini del racconto non appena il racconto
si sposta sulle immagini, i paesaggi, la Parigi degli anni ’70, ma
anche i ricordi in bianco e nero di Maria, che ripercorre a poco a
poco la sua vita, sempre a testa alta, con eleganza e quella
consapevolezza che fanno di lei un personaggio moderno e
trascinante.
Era complicato raccontare
la divinità di Maria Callas, Pablo
Larraìn ne ha offerto una versione moderna, elegante,
convincente, un altro gioiello nella sua splendente
filmografia.
Missing You è l’ultima serie di
Netflix
che merita un’abbuffata, incentrata su una trama piena di colpi di
scena che coinvolge detective, morti e app di appuntamenti – ma è
basata su una storia vera?
È una domanda abbastanza lecita da
porre. Tra tutti i nuovi documentari di cronaca nera che escono
ogni mese, spesso si trova una sorta di scandalo amoroso al centro
di almeno un titolo.
In Missing You, la
trama è incentrata sulla detective Kat Donovan, che rimane
scioccata quando scopre il suo ex fidanzato Josh su un’app di
incontri, più di dieci anni dopo che lui l’aveva abbandonata.
Sebbene si tratti di una finzione,
alcuni elementi della nuova serie televisiva sembrano certamente
una storia strappata alle prime pagine dei giornali. Un mistero
simile a quello della vita reale potrebbe nascondersi sotto la
superficie della trama tortuosa di Missing You?
Missing You è tratto da un
romanzo di Harlan Coben
Rosalind Eleazar e Ashley Walters in Missing You.Netflix
In breve, no. Missing
You non è basato su una storia vera, ma è tratto dall’omonimo
romanzo best-seller di Harlan Coben. L’autore
americano ha pubblicato 35 libri e oltre, specializzandosi in
thriller misteriosi che trattano temi come segreti sepolti, omicidi
e tradimenti.
In altre parole, sono ottimi
adattamenti televisivi e cinematografici, come dimostra il suo
accordo con Netflix. Nel 2018 ha firmato un accordo di cinque
anni per l’adattamento dei suoi libri in show di Netflix, con Coben
in veste di produttore esecutivo per ciascuno di essi, che è stato
esteso di altri quattro anni nel 2022.
Sebbene non siano noti per essere
programmi televisivi di alto livello, ogni adattamento è stato un
successo di ascolti. Missing You, uscito il 1° gennaio 2025,
è l’ultimo ad aggiungersi alla collezione di Harlan Coben di
Netflix, insieme a:
Sicuro
Il bosco
L’innocente
Andato per sempre
Resta vicino
Stringi forte
L’estraneo
Fool Me Once
Coben si ispira alla vita
reale
Sebbene tutti i suoi romanzi siano
di fantasia, alcuni personaggi sono stati ispirati da persone
reali. Per esempio, sul suo sito web ha rivelato che “Win è
vagamente basato sul mio compagno di stanza al college, anche se
nella vita reale è meno, ehm, psicotico della sua controparte
immaginaria”.
Allo stesso modo, anche l’idea di
Maya di Fool Me Once, che sperimenta flashback del suo periodo
nell’esercito, è nata da una persona reale. In una conversazione
con CBS Mornings, Coben ha spiegato: “Ho
incontrato una delle primissime donne che hanno volato in missioni
di combattimento in Medio Oriente ed era così forte che mi sono
detto: ‘Cavolo, voglio basare un personaggio su di lei’”.
Allo stesso modo, ha raccontato che
l’idea di Missing You è nata da un articolo del New York Times che
ha letto e dal mondo degli appuntamenti online. E le sue ricerche
non sono finite qui, perché ha persino creato un falso profilo di
incontri, fingendo di essere una giovane donna in cerca di donne
più anziane per saperne di più su questo mondo.
“La cosa divertente è che tutti
sono uguali quando sono online”, ha detto. “Non so se è
come pensiamo di essere o come vogliamo essere, ma tutte noi amiamo
l’avventura, amiamo viaggiare, vogliamo andare nei musei”.
Quando gli è stato chiesto che tipo
di risposte ha ricevuto, Coben ha confermato di non aver interagito
con nessuno: era semplicemente lì per sfogliare i profili e aiutare
a capire gli appuntamenti online per la sua storia.
Se avete guardato
Missing You fino alla fine, capirete presto come la sua ricerca
non abbia fornito altro che un contesto, poiché la trama contiene
diversi colpi di scena che vanno ben oltre il solito scenario di
appuntamenti online.
È il primo giorno dell’anno, una
nuova serie di Harlan Coben è sbarcata su Netflix
e sapete cosa significa: è il momento perfetto per guardare
Missing You.
Non abbiamo dubbi che entro il
primo giorno dall’uscita, i fan si saranno fatti strada attraverso
i cinque episodi del nuovo thriller, anche grazie alla sua
intrigante premessa centrale.
Quando Kat (Rosalind Eleazar) si è
tuffata nel mondo degli appuntamenti online, l’ultima cosa che si
aspettava di vedere era un profilo del suo ex fidanzato Josh
(Ashley Walters).
Lui l’ha lasciata senza una parola
solo pochi mesi dopo l’omicidio del padre Clint (Lenny Henry),
avvenuto 11 anni prima – ma dov’è stato? Non appena Kat si è resa
conto della ricomparsa di Josh, lui l’ha rimossa dall’app e ha
scatenato in Kat la voglia di saperne di più.
Allo stesso tempo, l’uomo che ha
confessato l’omicidio di Clint, Monte Leburne (Marc Warren), ha
lasciato Kat con più domande che risposte quando lo ha affrontato
per sapere chi ha ordinato l’omicidio di suo padre. Con l’avanzare
degli episodi, molte delle persone più vicine a Kat nascondevano
evidentemente dei segreti e nessuno era del tutto contento che lei
stesse rivangando il passato.
Parlando della sua reazione al
finale della serie,
Richard Armitage ha dichiarato in esclusiva a RadioTimes.com: “È
letteralmente come una porta che si apre alla fine, dove scoprirai
la verità e quella verità ti colpirà in faccia”.
Ma come sono andate a finire le
cose per Kat in Missing You? Continuate a leggere per un resoconto
completo dell’ultimo episodio della serie di Harlan Coben.
Il finale di Missing
You spiegato:Perché Josh se n’è
andato?
Rosalind Eleazar e Ashley Walters in Missing You.Netflix
Il penultimo episodio di Missing
You si è concluso con un bel cliffhanger quando Kat è andata alla
ricerca di Josh attraverso una casella postale che lui era solito
utilizzare. L’aver visto un altro uomo ritirare un pacco dalla
stessa casella postale ha spinto Kat a seguirlo in una casa in
campagna.
Sebbene all’inizio l’uomo sembrasse
un po’ ostile e dicesse di non sapere chi fosse Josh, Kat rimase
nei paraggi e vide una bambina che giocava sulla spiaggia.
Quando si è avvicinata, ha avuto la sorpresa di vedere
Josh stesso che camminava verso di loro.
L’episodio finale si apre con la
bambina, Sadie, che riconosce Josh come “papà”. Quando rimangono
soli, Kat interroga Josh per sapere se conosce Dana Fells (Lisa
Faulkner) e lui dice di non aver mai sentito parlare di quella
persona. L’uomo racconta a Kat che la madre di Sadie è morta
qualche anno fa e che l’uomo che Kat ha incontrato è in realtà il
padre della sua ex, che ora vive con Josh e Sadie.
Josh dice di non essersi
mai iscritto a un’app di incontri e spiega di aver dovuto lasciare
Kat 11 anni fa.Josh ammette di essere
andato a trovare Monte Leburne in prigione e di aver scoperto che
Clint era corrotto, ma all’epoca non poteva dirlo a
Kat. Kat alla fine se ne va e torna al suo
appartamento dove vede Brendan (Oscar Kennedy) che viene caricato
sul retro di un furgone.
Brendan è andato a parlare con Kat
ma è stato spiato da Titus (Steve Pemberton), che chiama Brendan
dicendogli che sua madre Dana è nel retro del furgone e che deve
venire immediatamente. Cadendo nella trappola, l’operaio di Titus,
Reynaldo, picchia Brendan e i due si allontanano velocemente, con
Kat che li insegue ma non riesce a raggiungerli.
Nello stesso momento, alla fattoria
di Titus, Dana viene sorpresa da uno degli operai di Titus mentre
telefona frettolosamente a Brendan e si difende, pugnalandolo con
un’ascia.
Tornati alla centrale, Kat e la sua
squadra rintracciano il furgone presso alcuni allevatori di cani in
una zona specifica e si mettono in viaggio per cercarlo. Alla
fattoria, Titus e Reynaldo trovano il corpo dell’altro operaio in
cucina e si rendono conto che Dana non solo è fuggita, ma è anche
tornata. Titus dice che l’unico modo per risolvere il problema è
bruciare l’intera tenuta.
Kat e Nia si recano all’indirizzo
di Titus e vedono che l’incendio è già in corso. Sebbene Reynaldo
dichiari che “lasceranno morire i beni”, Dana si intrufola nelle
scuderie per liberare gli altri prigionieri, anch’essi adescati su
app di incontri e tenuti in ostaggio mentre Titus rubava i loro
soldi. Nelle stalle attaccano Reynaldo e, sentendo le urla, Kat si
dirige da sola verso la proprietà di Titus.
Titus urla a Dana di uscire e
mostrarsi, sparando a Brendan alla gamba come leva. Kat sente le
sue urla e accorre anche lei, ne nasce una lotta e Titus punta la
pistola contro Kat e sta per spararle, ma lei gli spara appena in
tempo.
Quali segreti
nascondeva Clint?
Stagger ammette a Kat di
aver organizzato un trattamento speciale per Monte Leburne mentre
era in prigione, ma non solo, conferma anche di aver pagato Leburne
perché dicesse di aver ucciso Clint.
Stagger ammette di sapere che Clint
tradiva Odette, ma che stava solo cercando di chiudere l’indagine
per tenere Kat al sicuro.
Mentre Kat ha terminato il dramma
dalla fattoria di Titus, Calligan (James Nesbitt) la chiama con
alcune informazioni sulla persona misteriosa con cui Clint aveva
una relazione. Kat dice di volerlo sapere e si reca all’indirizzo
il giorno seguente.
Lì incontra Parker (Cyril Nri), che
è sorpreso di vederla ma ammette che Kat assomiglia a Clint. Dice
di aver sempre pensato che sarebbe stata Odette a bussare e di aver
pensato per anni a cosa dirle.
Parker racconta a Kat
che lui e Clint sono stati insieme per 14 anni e che
lui ha affrontato con distacco il fatto che Clint avesse una moglie
e una figlia. Parker racconta di aver cercato di lasciare Clint e
di costruirsi una vita lontano da lui, ma di essere sempre tornato
da lui.
Parker dice che Calligan sapeva
della relazione segreta di Clint con lui e lo ricattava per farlo
lavorare per lui.
Ma alla fine Clint si è stancato di
essere usato da Calligan e ha rotto anche con Parker. Parker
racconta a Kat che l’ultima volta che ha visto Clint è stata la
notte in cui è morto, dicendo che era un “disastro”, ma anche che
non lo aveva mai visto così spaventato e che era scappato in preda
al panico.
Angelina Jolie interpreta il personaggio
eponimo di Maria Callas, celebre cantante lirica
della metà del XX secolo. Il film biografico e psicologico del 2024
Maria,
diretto da Pablo Larraín e scritto da Steven Knight, segue gli
ultimi anni della vita della Callas, trascorsi per lo più a Parigi,
in Francia, lontano dagli occhi del pubblico. La Callas ha vissuto
molte turbolenze nel corso dei suoi 53 anni di vita. Tuttavia, il
registadi MariaLarraín
ha voluto concentrarsi sul finale della storia della cantante
lirica piuttosto che raccontare ogni singolo dettaglio
della sua vita e della sua carriera.
Maria (la
nostra recensione) è l’ultimo capitolo della trilogia di
Pablo Larraín che racconta le donne importanti del
XX secolo, seguendo le orme di Jackie
(Jackie Kennedy) e Spencer (Principessa Diana). Maria è
il primo film della Jolie dopo tre anni, dato che il suo ruolo sul
grande schermo è stato quello di Thena nel film del 2021 del
Marvel Cinematic Universe,
Eternals.
Maria Callas nacque a New York
e si trasferì in Grecia nel 1937
Foto Credits Pablo Larraín
Secondo la biografia,
Maria Callas nacque il 2 dicembre 1923 a
New York da genitori greci immigrati, Georgios
Kalogeropoulos ed Evangelia “Litsa” Dimitriadis. Il nome della
Callas sul certificato di nascita era Sophie Cecilia Kalos, ma in
seguito fu battezzata Maria Cecilia Sophia Anna Kalogeropoulos.
Essendo un immigrato greco che viveva negli Stati Uniti, il padre
della Callas voleva abbreviare il cognome della famiglia e renderlo
più facile da pronunciare. Lo cambiò dapprima in Kalos prima di
scegliere Callas, da cui la famosa cantante lirica ha preso il
nome.
La Callas iniziò a dilettarsi con
la musica (cantando, suonando il pianoforte, ecc.) quando era molto
giovane, e fu allora che nacque la sua passione per il canto.
Purtroppo, però, i genitori della Callas si separarono quando lei
era ancora adolescente. Dopo il divorzio, la Callas, che all’epoca
aveva 13 anni, si trasferì con la madre e la sorella maggiore,
Jackie, in Grecia nel 1937. È lì che la Callas inizia a
sviluppare la sua voce e a studiare l’opera al Conservatorio di
Atene sotto la guida della cantante lirica Elvira de
Hidalgo. Pochi anni dopo, la Callas iniziò ufficialmente la sua
carriera di cantante lirica professionista.
La Callas iniziò la sua
carriera di cantante lirica professionista nel 1941
Angelina Jolie
La carriera di Maria Callas decollò
negli anni Quaranta, quando era ancora un’adolescente/giovane
adulta. Il suo debutto professionale avvenne nel 1941, quando
interpretò Beatrice (un ruolo piuttosto piccolo)
nelBoccacciodi Franz
von Suppé alla Royal Opera di Atene. Meno di un anno dopo,
la Callas ottenne il suo primo ruolo importante in una produzione.
La seconda guerra mondiale mise rapidamente in pausa la carriera
operistica della Callas. Di conseguenza, si trasferì nuovamente
negli Stati Uniti a metà degli anni Quaranta.
Nonostante i grandi sforzi, la
Callas fatica a trovare lavoro a New York. Così, impacchettò tutte
le sue cose e tornò in Europa. Questa volta, però, tentò la fortuna
a Verona, in Italia. Il successo della Callas iniziò veramente
quando fece il suo debutto in Italia in una
rappresentazione deLa Giocondaall’Arena di Verona nel 1947. In seguito, la
Callas continuò a esibirsi in numerose opere in Italia e nel mondo,
facendo crescere rapidamente il suo status di cantante lirica
famosa e influente.
Il matrimonio della Callas con
Giovanni Battista Meneghini e la sua relazione con Aristotele
Onassis spiegati
Dopo il suo trasferimento in
Italia, Maria Callas fu presentata al ricco industriale Giovanni
Battista Meneghini nel 1947. Due anni dopo il loro incontro, la
Callas e Meneghini si sposarono e lui divenne il suo manager.
Tuttavia, il loro matrimonio si rivelò difficile nel corso dei
dieci anni successivi – la Callas accusò addirittura Meneghini di
averle rubato del denaro (secondo Forbes). I due si separarono nel 1959, ma due anni
prima la Callas aveva iniziato una relazione con Aristotele
Onassis, un magnate greco delle spedizioni. La Callas
continuò a frequentare Onassis anche dopo aver lasciato Meneghini,
ma la loro relazione non era destinata a durare per sempre.
Cosa causò il declino vocale di
Maria Callas negli anni ’50
Uno dei momenti più importanti e
discussi della vita di Maria Callas fu quando perse quasi 80 chili
nei mesi tra il 1953 e il 1954. Che sia legato alla perdita di peso
o meno, la voce della Callas avrebbe iniziato a declinare a
metà degli anni Cinquanta. Alcuni hanno attribuito il
problema ai primi anni di carriera della cantante lirica e al modo
in cui si approcciava al canto, mentre altri hanno dato la colpa
all’estrema perdita di peso. Comunque sia, la Callas continuò a
cantare pubblicamente per molti anni, nonostante le polemiche sulla
sua voce.
Onassis avrebbe lasciato Maria
Callas per Jackie Kennedy nel 1968
Aristotele Onassis sposò l’ex first
lady statunitense Jackie Kennedy (il soggetto del primo biopic di
Pablo Larraín su una donna influente) nel 1968, quasi dieci anni
dopo la separazione di Maria Callas dal marito. La Callas fu
ovviamente devastata quando lui la lasciò. Tuttavia, alcune
voci sostengono che la Callas e Onassis abbiano continuato la loro
relazione anche dopo il matrimonio di lui con l’ex First
Lady. Né la Callas né Onassis hanno però confermato questa voce in
vita.
L’ultima esibizione pubblica
della Callas risale al 1974
Come già detto, Maria Callas
continuò a cantare, anche se la sua voce declinò verso la metà e la
fine degli anni Cinquanta. Tecnicamente si ritirò dal palcoscenico
negli anni Sessanta. Tuttavia, la Callas fece ritorno
all’inizio degli anni Settanta quando decise di andare in
tournée con Giuseppe Di Stefano. L’ultima esibizione pubblica della
Callas avvenne l’11 novembre 1974 a Sapporo, in Giappone, durante
la tournée. In seguito, la Callas cercò di sparire
nell’oscurità.
La Callas si trasferì a Parigi
nel 1974 e morì nel 1977
Maria Callas si trasferì a Parigi,
in Francia (dove si svolge la maggior parte di Maria ), lo
stesso anno in cui tenne la sua ultima esibizione. La
celebre cantante lirica trascorse la metà degli anni ’70
nascondendosi dal pubblico , mentre la sua salute
continuava a declinare. Secondo quanto riferito, la Callas ebbe un
attacco cardiaco fatale il 16 settembre 1977, all’età di 53 anni,
nella sua casa parigina. Alcuni contestano la causa del decesso, ma
la maggior parte degli intervistati ritiene che si sia trattato di
un attacco di cuore. Decenni dopo la sua morte, la Callas rimane
una delle cantanti liriche più influenti di tutti i tempi, e il
film Maria di Angelina Jolie continuerà certamente
a rendere attuale la figura della Callas.
Il regista di NosferatuRobert Eggers spiega perché l’horror merita più
rispetto. Il nuovo film horror gotico segue l’inquietante viaggio
del Conte Orlok (Bill Skarsgård), il sinistro vampiro apparso per
la prima volta nel film muto di F.W. Murnau del 1922. Mentre il
Conte si accanisce sugli abitanti di un remoto villaggio di mare,
la tormentata Ellen Hutter (Lily-Rose
Depp) e suo marito Thomas (Nicholas
Hoult) si avvicinano alle ombre del loro imminente destino.
Prodotto da Focus Features, Nosferatu è stato un successo
da quando è uscito il giorno di Natale.
In un’intervista a SlashFilm, Robert
Eggers sottolinea la diffusa antipatia nei
confronti dei film di genere, in particolare dell’horror.
Come regista che ha dedicato gran parte della sua carriera
all’esplorazione degli angoli più oscuri della natura umana
attraverso l’occulto, il gore e il folklore, Eggers ha potuto
constatare di persona come i film horror siano spesso respinti
dalla critica e dagli spettatori. Ecco cosa ha detto il
regista:
Credo che a causa della storia dei film di genere, spesso
relegati a film di serie B, la gente non si sia ancora resa conto
che si tratta di qualcosa di importante.
Sappiamo che è importante esplorare l’oscurità dell’umanità,
quindi c’è un grande valore nell’esprimere cosa significhi
essere umani con altri esseri umani guardando le cose che
non vogliamo necessariamente guardare, ma può essere
difficile.
Cosa significa la difesa di
Eggers del film di genere
Nosferatu di Robert Eggers arriva
dopo un periodo di reinvenzione del genere horror, che ha superato
i cliché degli slasher pieni di sangue e dei personaggi
monodimensionali dei primi anni ’80 e ’90, anche se film come A
Nightmare on Elm Street, La cosa,It e Il
silenzio degli innocenti sono stati sicuramente la base per
l’horror ricco di stratificazioni di oggi. Film come Get
Out di Jordan Peele hanno ridefinito l’horror come
mezzo per un commento sociale complesso, e l’emozionante
ritratto di Peele della razza e dello sfruttamento è valso al
regista un Oscar per la migliore sceneggiatura originale.
L’ascesa dell’“horror elevato”, un
sottogenere sostenuto da registi contemporanei come Peele, Ari
Aster (Hereditary)
e lo stesso Eggers, riflette la crescente raffinatezza di queste
narrazioni. Questi registi usano l’horror come veicolo per
decostruire gli impulsi più oscuri dell’umanità, con una
profondità emotiva e intellettuale che potrebbe rivaleggiare con
qualsiasi dramma. Tuttavia, nonostante l’evoluzione del genere,
l’horror rimane largamente trascurato dalle istituzioni
prestigiose. L’Academy spesso non riconosce le brillanti
performance e i risultati tecnici del genere, con grande disappunto
di fan e critici.
Il finale sorprendentemente emotivo
di Sonic
3 (la
nostra recensione) mette in luce l’arco dei
cattivi del film in modo convincente. Sebbene il film rimanga
incentrato sul personaggio blu e i suoi amici, l’ultimo film della
serie cinematografica di Sonic si concentra in modo
particolare sugli archi emotivi di personaggi come Shadow the
Hedgehog e il Dr. Ivo Robotnik. Sebbene il film non cerchi mai di
nascondere il fatto che i due commettano atti malvagi per motivi
egoistici, il cast di personaggi di Sonic 3
(Sonic the Hedgehog 3) riceve più
profondità ed evoluzione di quanto ci si aspetterebbe.
Questo vale anche per l’altro
cattivo principale del film, Gerald Robotnik. Nonostante abbia un
piano di base da cattivo di superficie, le motivazioni emotive di
Gerald si inseriscono nei temi generali del film, come il dolore,
l’amore e la crescita. È un modo molto efficace di giocare con gli
archi emotivi del film e contribuisce a dare alla storia un senso
di naturale conclusione, anche se il finale lascia aperta la porta
a ulteriori sequel di Sonic the
Hedgehog e all’espansione del franchise.
Shadow e Robotnik muoiono nel
finale di Sonic 3?
Il finale di Sonic 3 è
ingannevolmente significativo, con Shadow e il Dr. Ivo
Robotnik che apparentemente sacrificano le loro vite per salvare il
mondo. Per gran parte del film, Shadow e Robotnik seguono
gli obiettivi di Gerald Robotnik per vendicarsi di GUN per le loro
precedenti azioni di cinquant’anni fa. Questo porta al lancio
dell’Eclipse Cannon, una stazione spaziale in grado di scatenare
un’esplosione laser che potrebbe spazzare via ogni forma di vita
sulla Terra. Sia Shadow che Robotnik decidono infine di proteggere
il mondo, anche se ciò significa che non possono fuggire dalla
stazione spaziale prima che esploda.
Sebbene la scena post-credits lasci
presagire la sopravvivenza di Shadow, non c’è alcuna indicazione
che Robotnik possa essere sfuggito all’esplosione che ha consumato
la stazione. Infatti, la scena finale di Robotnik lo vede
trasmettere un messaggio alla Terra in cui si scusa con l’agente
Stone e lo chiama amico. Ciò conferisce alla scena un senso
di definitività e sottolinea i temi del film sui legami
che si formano tra le persone, dando al contempo al cattivo
imbranato un momento eroico sorprendentemente accattivante per
uscire di scena. Anche se Shadow probabilmente tornerà in futuro
nel franchise, questo sembra un punto di arrivo naturale per
Robotnik.
Spiegato il piano e la morte di
Gerald Robotnik in Sonic 3
Gerald Robotnik è il nonno di Ivo e
lo scienziato capo che stava facendo ricerche su Shadow quando è
arrivato sulla Terra mezzo secolo prima degli eventi del film.
Anche se la portata delle intenzioni di Geralds all’epoca non è
stata chiarita, la sua rabbia per la morte della nipote Maria lo ha
spinto a passare cinquant’anni a pianificare la sua vendetta. Dopo
aver fornito al GUN i progetti del Cannone a Eclissi, Gerald è
riuscito a fuggire dalla loro prigione. La sua missione è
quella di spazzare via l’umanità per vendicare la morte di
Maria, con il Cannone a Eclissi pronto a spazzare via la
Terra e lui stesso.
La rabbia di Gerald nei
confronti del mondo riflette il tema centrale del film, ovvero il
dolore. Mentre Sonic riesce a superare il dolore e Shadow
finisce per seguirlo, Gerald è troppo consumato dalla rabbia e
dalla perdita per la morte di Maria. Questo lo porta a commettere
atti atroci, persino a cercare attivamente di uccidere l’altro
nipote. Questo rende la sua morte improvvisa, dopo essere stato
gettato nell’Energia del Caos generata da Shadow, molto meno
tragica di quanto avrebbe potuto essere altrimenti. Il piano di
Gerald è malvagio e distruttivo, ma nasce da una vera e propria
svolta emotiva, che conferisce maggiore profondità al
personaggio.
Perché il Dr. Robotnik si
rivolta contro Gerald nel finale di Sonic 3
Jim Carrey interpreta Ivo e Gerald Robotnik in Sonic 3 – Il
Film
Il Dr. Ivo Robotnik è stato il
cattivo principale dei film di Sonic the Hedgehog, e
questo si riflette in parte anche in Sonic 3. Nonostante
la breve collaborazione con Sonic, Ivo si schiera subito dalla
parte di Gerald quando si rende conto del loro legame familiare. Il
film punta molto su Ivo come personaggio isolato e tragico.
Nonostante il suo aspetto buffo e i suoi impulsi malvagi,
Ivo si mostra come un uomo solo, cresciuto senza amici né
famiglia. A un certo punto persino Sonic ammette di
provare pietà per lui, chiedendosi come sarebbe stato Ivo se avesse
avuto delle conoscenze.
La decisione di Ivo di rivolgersi a
Gerald nel finale di Sonic 3 deriva da un mix di questi
due aspetti del personaggio. Se da un lato si accontenta di
conquistare il mondo con il laser spaziale, dall’altro si oppone
all’idea di spazzare via l’umanità. Gerald insulta suo nipote,
dicendo che la sua unica vera famiglia è morta con Maria. Ivo
tradisce Gerald per rabbia nei confronti del trattamento
riservatogli dal nonno, ma questo momento mette in luce
anche un inaspettato elemento di nobiltà del personaggio
che ribalta le sorti del climax.
La morte di Maria prima
degli eventi diSonic 3è la causa della rabbia di Gerald e Shadow e getta
le basi per il conflitto centrale del film. Maria viene introdotta
nel film e consolidata attraverso i numerosi flashback di Shadow,
rivelando il legame che la coppia ha formato mentre lui era sotto
osservazione e sperimentazione da parte della GUN. Tuttavia, dopo
che Gerald ha avvertito i due che la GUN intendeva portare via
Shadow, i loro tentativi di fuga sono stati ostacolati dai soldati
della GUN. Un colpo errato fece esplodere un contenitore di Energia
del Caos e Maria rimase uccisa nell’esplosione che ne derivò.
La morte di Maria è il
momento drammatico più importante di Sonic
3 ed è il motivo per cui sia Gerald che Shadow
vogliono vendicarsi del mondo intero. È anche in gran parte simile
al suo destino nei giochi originali, come descritto in Sonic
Adventure 2. In entrambe le versioni della storia, un soldato
della GUN le spara mentre lei cerca di aiutare Shadow a fuggire
dalla prigionia. Tuttavia, Sonic 3 aggiunge l’esplosione
dell’Energia del Caos, mentre nel videogioco è stata lei stessa
colpita da un soldato GUN.
Come il finale e i post-credits
di Sonic 3 preparano un sequel
Il finale di Sonic 3 e le
due scene post-credits lasciano intendere la direzione del futuro
della serie. Il film si conclude con il successo di Sonic, Tails e
Knuckles nel loro tentativo di salvare il mondo. Tuttavia, nella
prima scena post-credits, si scopre che qualcuno ha costruito
un’orda di Metal Sonic, che potrebbe rappresentare un serio
pericolo per il mondo. Metal Sonic è uno dei nemici più
costanti e pericolosi dell’ universo diSonic, il che pone le premesse perché
l’amato cattivo abbia un ruolo importante in un eventuale seguito
cinematografico.
Un eventuale sequel
conterrà probabilmente altri ricci. Mentre la seconda
scena dei titoli di coda rivela che Shadow è sopravvissuto alla
conclusione del film e potrebbe avere un suo spin-off, l’attacco di
Metal Sonic serve anche a introdurre Amy Rose nel film. Introdotta
in Sonic CD, Amy Rose è uno dei personaggi di supporto più
importanti del franchise. Nei giochi, è una giovane riccio
benintenzionata con una cotta per Sonic. Nella sua incarnazione
cinematografica, Amy sembra aver acquisito più potere e capacità di
combattimento e potrebbe essere la chiave per stabilire il resto
dei ricci in questo universo.
Il vero significato di Sonic
3
Sonic 3
si concentra sul superamento del lutto e sull’amore nella
propria vita. Si scopre che Sonic piange ancora la madre
adottiva Longclaw, ma ha trovato conforto nel suo ricordo. Questo
aspetto risuona con Shadow, che è costretto a riflettere
sull’impatto che Maria ha avuto su di lui anziché sulla sua rabbia
per averla persa. Gerald rappresenta lo scenario peggiore per
quanto riguarda il lutto, una persona talmente consumata dalla
perdita di un nipote da non essere in grado di amare sinceramente
l’altro. Anche Robotnik rispecchia questo arco narrativo, soffrendo
apertamente per la sua mancanza di legami con gli altri.
Il grande momento eroico di Ivo
arriva quando Gerald lo rimprovera di non avere nessuno a cui
tenere sulla Terra, e Robotnik si rende conto in silenzio di dare
valore a Stone. Questa consapevolezza spinge Robotnik a
salvare il mondo e a diventare finalmente un eroe. Sonic
quasi cede al dolore quando Tom viene ferito da Shadow, ma ricorda
l’amore che Tom condivideva con lui e cede, salvando il mondo nel
frattempo. Sonic 3 è una storia
sorprendentemente emozionante sul superamento del lutto, che dà
maggiore profondità al film del videogioco.
Il film horror gotico Nosferatu
di Robert Eggers adatta una storia di vampiri già nota, ma infonde
un nuovo livello di terrore da far accapponare la pelle nella sua
narrazione, che si conclude con un singolare momento di violenza e
desiderio simultanei. L’originale Nosferatu è
un’interpretazione del romanzo horror gotico Dracula di
Bram Stoker, e le somiglianze tra le trame principali sono molto
evidenti per chi conosce il romanzo. Tuttavia, il regista Robert
Eggers ha scelto di adattare Nosferatu (la
nostra recensione) per la semplicità della sua narrazione
e per l’enfasi posta su un personaggio femminile come eroina.
Nosferatu vede
protagonista Lily-Rose Depp nel ruolo di Ellen Hutter, una
giovane donna appena sposata nella Wisborg, nella Germania del
1830. Il marito di Ellen, Thomas (Nicholas
Hoult), viene convocato in Transilvania per eseguire
un contratto per conto della società immobiliare per cui lavora e
si ritrova nelle grinfie dell’eccentrico conte Orlok
(Bill
Skasgård). Orlok si rivela essere un vampiro che
tormenta Thomas confondendo i confini tra incubi e realtà,
nutrendosi di lui prima che Thomas fugga disperatamente dal
castello di Orlok arrampicandosi dalla finestra e cadendo in un
fiume che lo trasporta via.
Mentre Orlok si nutre di Thomas,
Ellen inizia a ricadere in una patologia di cui soffriva da
ragazza, che comporta sogni tortuosi, sonnambulismo e violente
convulsioni che nascono sia dal dolore che dal piacere. La sua
condizione confonde Friedrich e Anna Harding (Aaron
Taylor-Johnson e
Emma Corrin), amici intimi degli Hutter, presso i
quali Ellen è ospite mentre Thomas è via. Friedrich e il medico di
Ellen, Wilhelm Sievers (Ralph Ineson), alla fine diventano così
disperati da chiedere l’assistenza del professor Von Franz (Willem
Dafoe), uno scienziato screditato ed esperto di occulto.
Con l’aiuto di Von Franz, iniziano
a svelare la vera natura della condizione di Ellen, proprio mentre
Thomas, ancora vivo, fa ritorno a Wisborg e Orlok arriva in città
poco dopo. Orlok porta con sé una vera e propria piaga di ratti e
malattie, terrorizzando la città mentre insegue Ellen, il cui
sangue è il suo ultimo desiderio. La devastazione aumenta fino a
quando Thomas, Sievers e Von Franz decidono di uccidere Orlok nella
sua bara mentre dorme, ma mentre invadono il suo castello, Ellen
invita Orlok nella sua camera da letto per un ultimo confronto che
deciderà il destino della città.
Perché il Conte Orlok voleva
nutrirsi di Ellen
Lily-Rose Depp è Ellen Hutter in ‘Nosferatu’. Crediti foto: FOCUS
FEATURES
Quando Orlok arriva per la prima
volta a Wisborg, affronta Ellen nella sua casa, rivelando alla fine
che è stata lei a evocare il suo male. Da giovane donna,
Ellen, sola e maltrattata, si rivolgeva in preghiera a
qualsiasi entità che le fornisse un po’ di compagnia o di
conforto. Dato che aveva una sorta di capacità psichica
extrasensoriale, riuscì a entrare in contatto con il vampiro
demoniaco Orlok, al quale si legò e con il quale iniziò un’empia
relazione psichica.
La scoperta e il matrimonio con
Thomas hanno tenuto a bada le sue visioni di Orlok, ma hanno anche
violato la sua promessa a Orlok, mettendo in moto gli eventi di
Nosferatu. Il legame di Orlok con Ellen era
fisicamente ed emotivamente significativo, anche se
definirlo amore non sarebbe corretto; piuttosto, il suo desiderio e
la sua brama per lei si sono intensificati fino a raggiungere un
altro livello, al limite del bisogno. Questo lo spinse a contattare
Herr Knock, il datore di lavoro di Thomas, per inviare il giovane a
Orlok.
Con l’inganno, Thomas firmò un
accordo (scritto in una lingua straniera, che Orlok ignorò come una
formalità delle sue usanze) che credeva fosse legato all’impresa
immobiliare del conte Orlok a Wisborg, mentre in realtà stava
formalmente accettando di sciogliere il proprio matrimonio con
Ellen. Con lo scioglimento del patto coniugale da parte di Thomas,
Orlok aveva bisogno che Ellen accettasse formalmente di
ri-promettersi a lui, motivo per cui si recò personalmente
a Wisborg. Solo allora avrebbe potuto soddisfare il suo desiderio
di sangue di Ellen, che aveva accettato di legarsi a Orlok di sua
spontanea volontà.
Come Ellen ha ucciso il Conte
Orlok
Ellen era in abito da sposa quando
invitò Orlok nella sua camera da letto per il loro incontro finale,
in un atto di accettazione formale della proposta di Orlok
di impegnarsi con lui per liberare la città, i suoi cari e
forse il mondo intero. Pronuncia letteralmente le parole “lo
voglio”, sposandosi ancora una volta con Orlok come aveva fatto
anni prima. Come da tradizione, i due si spogliano per consumare il
matrimonio, ma al posto del rapporto sessuale Orlok inizia a
nutrirsi del suo petto, soddisfacendo il suo bisogno psichico e
carnale del suo sangue.
Tuttavia, Ellen usava
essenzialmente il suo corpo come esca per distrarre e
intrappolare il Conte Orlok. Permettendogli di nutrirsi di lei,
sapeva che lui sarebbe stato impotente a fare qualsiasi altra cosa,
dato il forte desiderio e la lussuria che provava per lei. Proprio
quando lui si allontana da lei con il sorgere del sole, lei lo
attira di nuovo a sé per nutrirsi ancora di più, intrappolandolo
finché il sole non sorge completamente e lo uccide una volta per
tutte. In questo atto finale, Ellen riprende il controllo della
loro relazione, diventando la morte di Orlok dopo aver trascorso la
sua vita come bersaglio del suo tormento.
Che cos’è in realtà il Conte
Orlok
Le sue origini sono spiegate
brevemente attraverso una traduzione
La vera natura di Orlok viene
rapidamente rivelata mentre Thomas si riprende nel convento della
Transilvania. Mentre è a letto, una delle sorelle più anziane del
convento spiega cosa sia in realtà Orlok attraverso un traduttore.
Secondo lei, il Conte Orlok era un mago nero o uno stregone
in vita, ed era così malvagio che, alla sua morte, il
Diavolo stesso salvò la sua anima e la restituì al suo corpo in
modo che il suo cadavere potesse continuare a camminare anche da
morto.
Questa origine spiega tutte le sue
capacità soprannaturali, che includono il teletrasporto, la
comunicazione psichica, il controllo della mente e del corpo, la
manipolazione degli animali, l’influenza sul tempo e la capacità di
manifestare malattie. Questo spiega anche perché il suo corpo ha un
aspetto così marcio e miserabile: è letteralmente un cadavere
rianimato dalle forze del male. Orlok è una creatura così
ripugnante da essere al di là del male ed è una
manifestazione della Morte stessa; è più una forza della natura che
un essere singolare.
Gli Harding sono amici intimi degli
Hutter, ed è implicito che Friedrich Harding e Thomas fossero amici
in gioventù durante la scuola. Purtroppo vengono coinvolti nella
malvagia trama del Conte Orlok, in quanto sono le persone
care che Orlok minaccia se Ellen non si impegna con lui
quando arriva a Wisborg. Anna finisce morsa dai topi di Orlok dopo
aver subito il suo stesso incantesimo mentre dormiva nel letto
accanto a Ellen, mentre Friedrich soffre di mancanza di sonno per
gran parte dell’intera vicenda.
Orlok lo mette finalmente in un
sonno profondo quando invade la loro casa; attacca e si nutre delle
loro due bambine, uccidendole immediatamente. Anna corre nella
stanza delle bambine e si trova faccia a faccia con Orlok, che
viene prontamente ucciso insieme al bambino che porta in grembo.
Friedrich si dispera nel suo dolore, contraendo anche la
peste sanguinaria che sta devastando Wisborg, e si reca al
mausoleo della sua famiglia, morendo infine nell’abbraccio
dell’amata moglie dopo averla tolta dalla bara.
Cosa è successo a Herr
Knock
Knock era semplicemente un mezzo
per raggiungere un fine per Orlok, nient’altro che un ingranaggio
del suo piano per arrivare finalmente a Ellen. È stato reso
folle dall’influenza di Orlok su di lui, che si è
manifestata attraverso la sua personale sperimentazione con
l’occulto. Von Franz trova nell’ufficio di Knock il tomo mistico
(insieme al suo rituale) che lo mette in contatto con Orlok, nel
quale il professore trova informazioni sulla soluzione finale del
sacrificio di Ellen.
Prima di essere ucciso nella bara
di Orlok, Knock rivela di aver venduto la sua anima a Orlok
per diventare un principe di Francia. Naturalmente è stato
ingannato, perché in realtà è diventato un servo psichicamente
prigioniero del malvagio Conte. In qualità di servo di Orlok,
trasporta la bara nel decrepito maniero che ha acquistato a Wisborg
e funge da principale diversivo per Thomas, Von Franz e Sievers
mentre Orlok torna a Ellen per l’ultima volta.
Cosa ha detto il regista sul
finale di Nosferatu
In un’intervista a
SYFY, Eggers ha fatto notare che la scena finale tra Ellen e
Orlok è stata pensata appositamente per emulare un motivo
comune visto nell’arte dell’epoca rinascimentale, denominato “La
morte e la fanciulla”. L’immagine, spesso ripetuta, vede
una giovane donna impigliata nella manifestazione fisica della
Morte, tipicamente uno scheletro, anche se non c’è un’immagine
definitiva da indicare come origine.
Non c’è un dipinto o
un’incisione specifica di “La morte e la fanciulla” su cui si basa…
Ma è un motivo che è stato fatto così bene, così tante volte nella
nostra storia che è stato divertente cimentarsi con esso.
L’uso che Eggers fa di questa
immagine racchiude in modo specifico l’estremo contrasto tra la
giovane donna bellissima e il mostruoso vampiro cadavere.
Questo contrasto è una potente metafora del contrasto tra
la vita e la morte, che è il fulcro di Nosferatu:
la lotta tra il bene e il male, sia all’interno di se stessi che
nell’universo in generale.
Il Conte Orlok è forse il
personaggio più famoso di Nosferatu, ma la protagonista
dell’interpretazione di Robert Eggers è senza dubbio la Ellen
Hutter di Lily-Rose Depp, e per una buona ragione. Il film è
incentrato sulla sua relazione con Orlok e sulla sua
evoluzione nel tempo. Nella scena iniziale del film, Ellen
cerca un compagno anni prima che Thomas Hutter si rechi in
Transilvania e scateni involontariamente tutte le morti e le
sofferenze a causa dell’inganno di Orlok che si approfitta di
lei.
Ellen viene respinta in ogni
occasione: la maggior parte delle persone della sua vita (in
particolare gli uomini) crede che i suoi sogni contaminati siano le
fantasie isteriche di una donna, da non prendere sul serio.
Friedrich li definisce “sogni fatati”, mettendo a nudo
l’assoluta mancanza di considerazione o di rispetto che le donne
avevano durante l’epoca vittoriana, una condizione che
purtroppo si verifica ancora in epoca contemporanea. A un certo
punto, durante le sue convulsioni, viene anche letteralmente
trattenuta, il che evidenzia la repressione sessuale che le donne
hanno subito nel corso della storia, ma soprattutto in quel
periodo.
Tuttavia, la scena finale del film
vede Ellen riprendere il controllo in diversi modi. Nella scena
finale del film Ellen ha il controllo, usa il suo corpo come
un’arma contro il vampiro e per la prima volta diventa la
metà dominante della loro relazione, tenendolo
letteralmente fermo e ponendo fine al suo rapporto una volta per
tutte. Ellen rimedia al senso di colpa che provava per aver
scatenato Orlok sui suoi cari, cancellando in un colpo solo la
presa che aveva sulla sua coscienza.
Il confronto finale di
Ellen con Orlok riguarda la scelta e può essere applicato
in modo molto più ampio di quanto non avvenga in
Nosferatu. Orlok non può sopraffarla senza il suo
consenso, e lei sceglie di permettergli di entrare nella sua camera
da letto per potersi sacrificare. Sceglie il bene che c’è in lei al
posto del male sfruttato dal Conte Orlok tanti anni fa, e così
facendo decide il destino di tutti con il suo sacrificio. Riflette
una scelta che le persone fanno ogni giorno: soccombere a ciò che è
facile e forse malvagio, o prendere la strada più difficile per il
bene finale.
Squid
Game di Netflix
è finalmente tornato per la sua seconda
stagione alla fine del 2024, e ora il popolare dramma coreano è
stato rinnovato per la sua terza e ultima stagione. Debuttato nel
2021, il thriller distopico coinvolge un game show che arruola
giocatori disperati per partecipare a giochi familiari per bambini
e vincere denaro. Sfortunatamente, questi giochi comportano
conseguenze mortali che si svolgono per il divertimento della ricca
élite nazionale. La
stagione 1 ha fatto il giro del mondo quando ha debuttato a
livello internazionale ed è diventata uno dei programmi di streamer
più importanti di tutti i tempi.
Nonostante la sua popolarità, la
seconda stagione di Squid
Game non è stata prodotta in fretta e furia e ci sono
voluti più di tre anni prima che il seguito arrivasse. Seguendo
ancora una volta il sopravvissuto Gi-hun, la seconda stagione
cambia un po’ tono e cerca di distruggere i giochi distopici
dall’interno. Senza rinunciare ai
giochi deliziosamente mortali di Squid Game, la
seconda stagione alza la posta in gioco: l’obiettivo non è solo
sopravvivere e vincere, ma anche distruggere l’istituzione malvagia
che organizza i giochi. La terza stagione è già confermata, ma sarà
anche l’ultima.
Squid Game – Stagione 3 Ultime
notizie
Il creatore della serie spiega
perché lo show sta per finire
Mentre molti si stanno ancora
riprendendo dagli eventi scioccanti della seconda stagione, le
ultime notizie riguardano il creatore della serie che spiega perché
la terza stagione terminerà Squid Game. Quando è stato
annunciato il ritorno di Squid Game per una terza
stagione, è stato anche rivelato che sarebbe stata la sua
conclusione. La notizia non è stata particolarmente sorprendente,
ma il creatore Hwang Dong-hyuk ha finalmente chiarito il motivo per
cui ha optato per un piano di tre stagioni. “Penso che
mi sia venuto spontaneo pensare che questo fosse il
finale”, ha detto Dong-hyuk.
La struttura in tre atti è comune a
tutte le forme di narrazione, e un chiaro inizio, una parte
centrale e una fine è qualcosa che servirà particolarmente bene a
Squid Game . Mentre parlava della sua decisione di
strutturare lo show in questo modo, Hwang Dong-hyuk si è anche
lasciato sfuggire che “haquasi finito
la parte di montaggio della terza
stagione”. Questa è una rivelazione
se si considera la lunga attesa tra le stagioni 1 e 2, e serve come
ulteriore prova che la finestra di uscita del 2025 è più che
fattibile.
“Quando stavo pensando all’idea
per il finale della terza stagione, credo che mi sia venuto
spontaneo pensare che questo fosse il finale.Ho pensato che
con quella storia ero riuscito a raccontare tutto quello che volevo
raccontare attraverso la storia di Squid Game e anche
nella prospettiva di Gi-hun come personaggio, e ho pensato che non
c’era bisogno di altre storie da qui in poi”.
Essendo una delle serie più grandi
della storia di Netflix, non è stata una sorpresa che la seconda
stagione di Squid Game sia stata rapidamente autorizzata.
Tuttavia, l’attesa prolungata tra una stagione e l’altra avrebbe
potuto compromettere l’eventuale ritorno della serie nel 2024 e
rovinare la possibilità di una terza stagione. Questi timori erano
però infondati, poiché Netflix ha scelto dirinnovare
la terza stagione diSquid Gamepochi mesi prima
dell’arrivo del secondo episodio. L’annuncio
dell’agosto 2024 è stato accompagnato da una lettera ai fan del
creatore Hwang Dong-hyuk, che ringrazia il mondo per la calorosa
accoglienza riservata a Squid Game.
L’annuncio è stato accompagnato da
una triste notizia: è stato confermato che l’imminente
terza stagione diSquid Gamesarà anche l’ultima. D’altra parte, Hwang
Dong-hyuk ha promesso che Squid Gamearriverà nel 2025, un’uscita molto più rapida
rispetto alla seconda stagione. Dopo l’annuncio, Dong-hyuk ha
rivelato che la stagione finale sta per terminare la fase di
editing, mentre la produzione delle stagioni 2 e 3 avverrà in
contemporanea per accelerare il processo. È stata annunciata anche
una finestra di uscita per la terza stagione: Squid
Gametornerà nell’estate o nell’autunno del
2025.
Dettagli sul cast della
stagione 3 di Squid Game
Sebbene molti personaggi siano
morti durante gli eventi della seconda stagione di Squid
Game , ci sono stati anche molti sopravvissuti che torneranno
sicuramente nella terza stagione. Ancora intrappolato nei giochi da
incubo, Gi-hun di Lee Jung-jae sarà probabilmente il
protagonista principale della terza stagione, soprattutto
dopo il suo fallito tentativo di rivolta. Non è l’unico
partecipante alla rivolta che ha superato la seconda stagione,
poiché Dae-ho (Kang Ha-neul) e Hyun-ju (Park Sung-hoon) sono
presumibilmente sopravvissuti, dato che erano tornati nei dormitori
quando gli Uomini Mascherati hanno ristabilito l’ordine.
I concorrenti meno combattivi, come
la coppia madre-figlio Geum-ja (Kang Ae-sim) e Yong-sik (Yang
Dong-geun), ce l’hanno fatta e non c’è motivo di pensare che la
rosa cambierà molto tra una stagione e l’altra. Jun-hee (Jo Yu-ri),
Myung-gi (Im Si-wan), Nam-gyu (Roh Jae-won) e Seon-nyeo (Chae
Kook-hee) contribuiranno a completare il roster mentre i giochi
continueranno presumibilmente nella terza e ultima stagione. Lo
scellerato Front Man (Lee Byung-hun) è una necessità nella terza
stagione e l ‘avvincente trama B che coinvolge il traditore
Capitano Park (Oh Dal-su) significa che la squadra di Jun-ho (Wi
Ha-jun) dovrà riprendere i propri ruoli anche nella terza
stagione.
Il cast della terza stagione di
Squid Game comprenderà probabilmente:
Attore
Ruolo
Lee Jung-jae
Gi-hun
Kang Ha-neul
Dae-ho
Park Sung-hoon
Hyun-ju
Kang Ae-sim
Geum-ja
Yang Dong-geun
Yong-sik
Jo Yu-ri
Jun-hee
Im Si-wan
Myung-gi
Roh Jae-won
Nam-gyu
Chae Kook-hee
Seon-nyeo
Lee Byung-hun
The Front Man
Wi Ha-jun
Jun-ho
Oh Dal-su
Captain Park
Jeon Seok-ho
Woo-seok
Gong Yoo
The Salesma
Dettagli sulla storia della terza stagione di Squid
Game
Dopo una conclusione caotica e
sorprendentemente violenta della seconda stagione di Squid
Game , le cose sono chiaramente impostate per una conclusione
epica nella terza e ultima stagione. Il piano di Gi-hun di
distruggere i giochi dall’interno non solo è fallito in modo
spettacolare, ma gli è costato un caro amico e forse anche
la sua sanità mentale. Dimostrando di poter spezzare il suo spirito
a piacimento, le menti dietro i giochi hanno deciso di lasciare in
vita Gi-hun, anche se era il capofila della ribellione. Ora, Gi-hun
deve decidere se vuole continuare la sua missione donchisciottesca
o se vuole solo cercare di sopravvivere all’ultimo gioco.
Altrove, la missione di Jun-ho di
infiltrarsi nei giochi dall’esterno ha avuto un intoppo quando è
stato rivelato che il bruno capitano della nave, Park, era in
realtà un agente doppiogiochista. Questo non solo mette in pericolo
le vite di Jun-ho e Woo-seok, ma probabilmente significa che Gi-hun
non avrà alcun aiuto esterno nell’ultima tappa del suo viaggio
attraverso lo Squid Game. Anche se ci si
aspetta una serie di colpi di scena scioccanti, la stagione finale
probabilmente continuerà il gioco mortale fino alla sua
conclusione. La sequenza a metà dei titoli di coda dà una nuova
veste al classico gioco di luci rosse e verdi, suggerendo che ogni
compito diventa sempre più letale.
Il creatore di Squid
Game, Hwang Dong-hyuk, spiega il finale a rischio della
seconda stagione (recensione)
e come si prepara la terza stagione. Pubblicata per la prima volta
su Netflix nel 2021, la serie thriller sudcoreana di
successo è tornata per la sua seconda uscita a fine dicembre,
continuando la storia di Seong Gi-hun (Lee Jung-jae) che cerca di
distruggere i giochi del titolo.
La seconda stagione di Squid Game si conclude con la
missione di Gi-hun apparentemente a pezzi, mentre la sua
rivoluzione viene soppressa e The Front Man (Lee Byung-hun) uccide
Jung-bae (Lee Seo-hwan) davanti a lui.
In una recente intervista con
Variety, Hwang Dong-hyuk ha spiegato la
decisione di concludere la seconda stagione di Squid
Game con questo momento devastante per Gi-hun. Secondo il
creatore, questo momento di fallimento generale per Gi-hun e per
tutto ciò per cui ha lavorato era il luogo perfetto per concludere
questa serie di episodi, in quanto fornisce anche un forte
trampolino di lancio per la terza stagione, che vedrà protagonista
un Gi-hun più tormentato dai sensi di colpa. Guardate la
spiegazione di Hwang qui sotto:
Quando ho scritto la storia
delle stagioni 2 e 3, si trattava di un unico lungo arco
narrativo.Inizialmente avevo intenzione di scrivere questa
storia in un arco di circa otto o nove episodi, ma una volta
terminata la storia, è arrivata a più di 10 episodi, che ho
ritenuto troppo lunghi da contenere in una sola stagione.Volevo quindi avere un punto adeguato in cui poter dare una
chiusura come seconda stagione e poi proseguire con la
terza.
E quando si guarda alla storia
di Gi-hun, tutti i suoi tentativi di fermare il gioco: il primo,
quello di prendere questi mercenari e cercare di piazzare un
dispositivo di localizzazione, fallisce; il secondo, quello di
convincere le persone a votare per lasciare il gioco, fallisce
anche quello; e poi il terzo e ultimo tentativo di riunire le
persone e provocare la ribellione, fallisce anche questo.
Tutti i suoi fallimenti portano
alla pesante crisi di dover perdere il suo migliore amico,
Jung-bae, per mano di The Front Man.Se si pensa al viaggio
di Gi-hun, ho pensato che quello fosse un momento adeguato per
porre fine e dare un po’ di chiusura a quel lungo arco
narrativo.E poi da quel momento in poi, nella terza
stagione, il senso di colpa e di fallimento che pesa su di lui –
come farà Gi-hun a portare avanti la sua missione?Questa è
la storia che si svilupperà ulteriormente.
Che cosa significa il finale della
stagione 2 di Squid Game per la stagione 3?
Sebbene Squid Game non
fosse stato originariamente concepito come uno show multi-stagione,
il grande successo della prima stagione ha cambiato le cose e Hwang
e Netflix hanno deciso di continuare la storia di Gi-hun. Ora è
stato confermato che la terza stagione di Squid Game sarà
l’ultima, e Hwang ha rivelato nella stessa intervista di
Variety che uscirà
“nell’estate o
nell’autunno” del 2025.
Per quanto riguarda Gi-hun, la
terza stagione lo vedrà sicuramente in una situazione di grande
debolezza. Non solo si sentirà in colpa per tutti i giocatori morti
durante la sua fallita ribellione, ma un’altra rivolta
armata sembra ormai del tutto fuori discussione. L’Uomo
del Fronte e le sue forze si avvicineranno sicuramente ai giocatori
rimasti con ancora più cautela. Sebbene la scena mid-credits della
seconda stagione diS quid Game non riveli molto, lascia
intendere che un’altra versione di Red Light Green Light, ancora
più letale, potrebbe essere all’orizzonte come forma di
punizione.
Ci sono alcuni scatti eccezionali,
tra cui il volo di Sam Wilson nei cieli sopra il Celestiale Tiamut.
I resti dell’alieno saranno la fonte di adamantio nel MCU e probabilmente ciò che finirà
per ricoprire le ossa del Wolverine di Terra-616 dopo
Avengers:Secret
Wars.
Negli ultimi secondi, viene
mostrata un’ulteriore trasformazione del Presidente “Thunderbolt”
Ross in Hulk Rosso, prima che una sequenza mai vista prima mostri
il cattivo che salta in aria all’inseguimento di Capitan
America.
Da sottolineare anche l’inserimento
della canzone “N95” di Kendrick Lamar per accompagnare l’azione
sullo schermo.
“C’è un’incredibile
dinamica tra fratello maggiore e fratello minore”, spiega
il regista di Captain America:Brave New
World”, ha detto il regista Julius Onah a proposito della
nuova dinamica Capitan America/Falcon. “Sarà uno dei centri
emotivi chiave del film”.
“Questi ragazzi sono
combattenti incredibili ”, ha continuato il regista.
“E Sam è stato lì e indietro.Ha qualche
asso nella manica, e nel corso del film ci sono cose che impara e
che diventano altri strumenti del suo arsenale, quando si trova ad
affrontare anche la più impossibile delle minacce”.
Potete vedere questo nuovo sguardo
ricco di azione su Captain America:Brave New
World nei player sottostanti.
Quello che sappiamo sul
film Captain America: Brave New World
Captain America: Brave New
World riprenderà da dove si è conclusa la
serie Disney+The
Falcon and the Winter Soldier, seguendo l’ex Falcon
Sam Wilson (Anthony
Mackie) dopo aver formalmente assunto il ruolo di
Capitan America. Il regista Julius
Onah (Luce, The Cloverfield Paradox) ha
descritto il film come un “thriller paranoico” e ha
confermato che vedrà il ritorno del Leader (Tim Blake
Nelson), che ha iniziato la sua trasformazione radioattiva
alla fine de L’incredibile Hulk del 2008.
Secondo quanto riferito, la star di
Alita: Angelo della BattagliaRosa
Salazar interpreterà la cattiva
Diamondback, mentre Giancarlo Esposito sarà Sidewinder. Harrison Ford, invece, assume qui il ruolo di
Thaddeus “Thunderbolt” Ross, che a quanto rivelato dal primo
trailer si trasformerà ad un certo punto nel Hulk Rosso. Nonostante
dunque avrà degli elementi al di fuori della natura umana, il film
riporterà il Marvel Cinematic
Universe su una dimensione più terrestre e realista, come già
fatto anche dai precedenti film dedicati a Captain America.
Ad ora, Captain America: Brave New World è indicato
come uno dei titoli più importanti della Fase
5. Anthony Mackie ha recentemente dichiarato
che questo film è “10 volte più grande” della sua
serie Disney+ e ha parlato
della dinamica tra Cap e il nuovo Falcon, Joaquin Torres. “Sono
in coppia alla pari“, ha scherzato. “Sono entrambi
militari. Io ero il suo ufficiale comandante. Tra noi c’è più
amicizia rispetto al modo in cui ammiravo Steve o al modo in cui
non mi piaceva Bucky“.
“Questo film è un chiaro reset.
Ristabilisce davvero l’idea di cosa sia e cosa sarà questo
universo“, ha aggiunto Mackie. “Penso che con questo film,
si stia ottenendo un chiaro, nuovo marchio di ciò che
la Marvel vuoole
essere nello stesso modo in cui hanno fatto con Captain America: The Winter
Soldier“.
L’episodio 6 della serie thriller
politica di Paramount+The Agency “Spy for Sale” rivela
finalmente cosa è successo – e chi è in possesso – dell’agente
della CIA scomparso Coyote. Creata per la televisione americana da
Jez e John-Henry Butterworth (Edge of Tomorrow, Ford v
Ferrari), The Agencyè un
adattamento della serie thriller franceseThe
Bureaudel 2015, acclamata dalla critica
e creata da Eric Rochant. Michael Fassbender guida il cast
di The Agency insieme a Jeffrey Wright, Richard Gere,
Katherine Waterson, John Magaro, Saura Lightfoot-Leon e Jodie
Turner-Smith.
Nell’episodio 1 “The Bends” e
nell’episodio 2 “Wooden Duck” di The Agency, il
personaggio di Fassbender “Paul Lewis” viene tirato fuori da una
missione sotto copertura durata sei anni per aiutare a trovare un
agente bielorusso della CIA scomparso di nome Coyote.
L’episodio 3 di The Agency, “Hawk from a Handsaw”, segue tre
agenti ’Felix” sotto copertura che cercano di fuggire dall’Ucraina
occupata dai russi. Martian incontra un agente del KGB di nome
Mikhail nell’episodio 4 di The Agency “Quarterback Blitz
‘, che aiuta la CIA a trovare la sua ’moto” scomparsa nell’episodio
5 diThe Agency “Rat Trap”. L‘episodio 6
approfondisce la caccia all’agente Coyote da parte della
CIA, mentre Martian rischia di veder saltare la copertura
di Paul Lewis da parte di Osman.
Come Coyote è stato catturato
dai mercenari russi del Valhalla
L’episodio 6 diThe
Agency rivela che Coyote è attualmente nelle mani di un gruppo
di mercenari russi noti come Valhalla. Coyote ha fatto
saltare la sua copertura quando ha cercato di reclutare nella CIA
una persona in Bielorussia che era segretamente collegata
ai mercenari russi. La recluta lo disse subito ai mercenari, che
poi fecero in modo che lo psichiatra di Coyote – di cui la CIA non
era a conoscenza – modificasse le pillole che gli erano state
prescritte. Coyote si beccò una denuncia per guida in stato di
ebbrezza non perché non avesse rispettato il limite di alcol, ma
piuttosto perché era drogato. Un agente corrotto del KGB di nome
Bogdan Antuyk lo ha portato fuori dalla stazione di polizia
bielorussa attraverso tunnel sotterranei collegati a edifici
governativi.
Bogdan Antuyk lo ha poi ceduto a
mercenari russi per soli 20.000 euro. I pericolosi mercenari
lavorano per il generale Volchok, che è il comandante del Valhalla.
L’episodio 6dell’Agenzia spiega che Volchok
consegnerà Coyote a Mosca per farsi amici al Cremlino. Volchock
spera di svelare Coyote davanti a un VIP in visita la prossima
settimana e potrebbe addirittura consegnare l’“agente della CIA su
un piatto d’argento” al Presidente russo. Coyote è
attualmente dietro le linee nemiche in Ucraina, dove sarà
consegnato all’FSB, il Servizio di Sicurezza Federale
Russo, e all’SVR, il Servizio di Intelligence Estero della Russia,
in soli quattro giorni.
Chi è il generale Novikov e cosa
vuole
Il Generale Novikov è un membro di
alto rango del KGB, considerato un agente segreto della “vecchia
scuola”. Dopo che Martain ha chiesto informazioni su una moto
scomparsa a Mikhail Bortnik in un episodio precedente, la CIA è
stata contattata in merito a un’asta online per la “moto” da parte
di un venditore che la CIA definisce cosacco, termine russo
per “uomo libero” o “avventuriero”. Dopo che Martian ha
identificato Novikov prima che l’asta online si concludesse, la CIA
ha inviato un pagamento forfettario sul suo conto bancario per un
importo di 1,4 milioni di dollari. Novikov ha rimandato indietro il
denaro, il che indica che l’asta era solo uno stratagemma e un test
per vedere se la CIA era seriamente intenzionata a trovare la sua
“moto”.
Dopo aver identificato Novikov come
cosacco, Martian scopre ciò che vuole: un nastro d’archivio della
CIA proveniente dalla caserma Vogelsang, a nord di Berlino,
datato 11 febbraio 1989. Il nastro rivela ciò che è
accaduto alla moglie di Novikov, di cui sembra non fosse a
conoscenza prima di ascoltare il nastro. Nokikov era un membro
orgoglioso del KGB fino a quando un nuovo leader, Volchock, lo fece
sentire diverso nei confronti del suo Paese.
Il nastro rivela che Volchick, che
parla con Reiner Meilke, il capo della Stasi a Berlino Est dal 1957
al 1989, ha ucciso la moglie di Novikov per
distruggerlo. Sembra che altri membri del KGB abbiano
complottato per distruggere Novikov insieme a Volchick, che è stato
tradito dal suo Paese per ragioni sconosciute. È plausibile che
Novikov sia stato fatto fuori perché rappresentava una minaccia per
il governo scismatico di Volchock.
Come Martian ha scoperto che il
generale Novikov aveva informazioni su Coyote
Martian ha stabilito come primo
contatto Mikhail Bortnik, l’uomo che Martian ha incontrato in un
nightclub. Mikhail ha contattato Cossack, che si è rivelato
essere Novikov. All’inizio dell’episodio 6 di The Agency,
Martian stabilisce che chiunque sia Cossack, non ha nulla da
perdere e deve far parte della cerchia di Mikhail. L’esperto di
tecnologia Simon viene inviato a recuperare il contenuto
dell’armadietto, che è stato trovato sul telefono usa e getta di
una delle precedenti postazioni di Coyote in Bielorussia, un
negozio di kebab. L’armadietto conteneva la fotografia di una
bicicletta con un numero di telefono sul retro. Martian chiamò e
gli fu detto di fare un’offerta. Con l’assistenza di Simon, Martian
scopre subito l’annuncio online della “bicicletta” in vendita.
Martian accerta che ,
chiunque sia Cossack, è un agente della vecchia scuola in base alla
sua abilità di spionaggio. Dice a Henry: “Tutto era
vecchio.L’analogico, le gocce morte, gli incontri con le
briciole di pane”. Indovina che Novikov corrisponde alla
descrizione di Cossack e poi spara il suo colpo travestendosi da
medico di Novikov per inviargli un messaggio diretto. Il marziano
dice a Novikov di essere interessato a comprare la sua moto, il che
induce Novikov a fare una pausa prima di riagganciare senza fare
domande. Questo, insieme al pagamento di 1,4 milioni di dollari
rifiutato a Novikov, è sufficiente a Martian e Henry per concludere
che hanno trovato il loro cosacco.
Oltre agli sviluppi di Martian nel
rintracciare Coyote, Osman e il suo socio Ahmed, oltre ad alcuni
agenti cinesi, sono all’inseguimento di “Paul Lewis”. Osman si
insospettisce dopo che Paul non ha denunciato alla polizia di
essere stato rapinato da Ahmed, cosa che lo ha spinto a chiedere
assistenza ai cinesi per “far fuori qualcuno”. “Paul” si accorge di
essere seguito e si perde una volta dopo essere entrato
nell’ufficio di un editore. La seconda volta, tuttavia, si
trasforma in una corsa a piedi, poiché Paul si cambia
rapidamente e abbandona la chiave della sua stanza d’albergo, che
viene in qualche modo utilizzata per tracciare i suoi
spostamenti in tutta Londra, potenzialmente attraverso il
tracciamento RFID.
Perché Martian ha alzato la
posta in gioco per trovare Coyote al direttore della CIA
Martian alza le sopracciglia quando
dice al direttore della CIA e a un rappresentante della Casa Bianca
che in sostanza promette di trovare Coyote prima che venga
consegnato a Mosca. L’ambiziosa affermazione mette in
difficoltà Henry e Bosko, che sono entrambi pienamente
consapevoli di quanto sia improbabile salvare Coyote a questo
punto. Martian pensa che la CIA possa trovare una soluzione con
Valhalla, che potrebbe essere convinto a non consegnare Coyote ai
russi.
La voce fuori campo finale di
Martian, tuttavia, rivela che sta mentendo e “sta giocando la
partita più importante della sua vita”, poiché sente che la sua
fine è vicina. Secondo il ragionamento di Martian, è già stato
smascherato da Osman, quindi perché non puntare ancora più in alto,
soprattutto se sa che la sua copertura sarà completamente saltata
entro la fine di The Agency.
In Nosferatu
di Robert Eggers, Bill Skarsgård veste i panni dell’antico
vampiro Conte Orlok, e non è certo la prima volta che l’attore si
sottopone a una contorta trasformazione per interpretare un
mostruoso cattivo.
Skarsgård è noto soprattutto per
aver interpretato Pennywise il Clown nei film di
IT e tornerà a vestire i panni
dell’entità demoniaca nella serie spin-off Welcome
To Derry della HBO/Max, di cui il regista Andy
Muschietti è co-sceneggiatore e produttore.
Durante un’apparizione al podcast
Happy Sad Confused, a Skarsgård è stato chiesto se avesse parlato
con Muschietti del previsto film su Batman del DCU,
The Brave and the Bold. Skarsgård ha risposto di
sì, ma di non essere “sicuro della sua posizione” e di non aver
parlato di una potenziale parte.
Il conduttore Josh Horowitz ha poi
chiesto al suo ospite se avesse mai preso in considerazione l’idea
di interpretare un ruolo in un film tratto da un fumetto, e sembra
che Skarsgård sarebbe interessato a interpretare Batman o Joker (o
entrambi!) se gli si presentasse l’occasione. “C’è un Joker
piuttosto forte in me, e sarebbe molto malato”.
Bill Skarsgard says “there’s a pretty cool
Joker in me and it would be very sick” pic.twitter.com/abEAHb5lTF
Horowitz ha poi chiesto a Skarsgård
delle voci secondo cui sia lui che suo fratello Alexander (The
Northman) erano in lizza per interpretare Lex
Luthor nel film Superman di James
Gunn, prima che
Nicholas Hoult ottenesse il ruolo. L’attore ha detto di aver
letto le voci online e di aver chiesto ad Alexander di parlarne, ma
nessuno dei due ha ricevuto una telefonata.
Skarsgård è spesso scelto dai fan
come Joker, ma alcuni ritengono che potrebbe essere una scelta un
po’ troppo ovvia per interpretare quel particolare personaggio.
Batman sarebbe sicuramente un’idea fuori dagli schemi e non
sappiamo quanti fan del Cavaliere Oscuro sarebbero d’accordo.
FOTO DI COPERTINA: Bill Skarsgard alla prima di “IT Chapter
Two”. Foto di Featureflash via Depositphotos.com
Il mese scorso, i DC Studios hanno
annunciato i piani per un film su Clayface
che arriverà nelle sale l’11 settembre 2026. Mike Flanagan d
iMidnight Mass e Doctor Sleep ha scritto la
sceneggiatura, anche se non sono stati annunciati né il regista né
la star.
Secondo lo scooper @MyTimeToShineH, il regista
dovrebbe essere scelto all’inizio del mese e le riprese potrebbero
iniziare alla fine di questo mese o a febbraio.
Si tratta di un tempo molto breve,
anche se il co-CEO dei DC Studios e regista di Superman,
James
Gunn, ha recentemente dichiarato: “Oggi i [DC] Studios
hanno dato una notizia entusiasmante: [Clayface], una storia del
DCU tratta da una sceneggiatura di Mike Flanagan,
è stata ufficialmente autorizzata.Clayface
debutterà nel 2026”.
Con la sceneggiatura pronta per
essere girata e un progetto che si prevede a budget relativamente
basso, probabilmente non ci vorrà molto per trovare un regista e un
cast (che potrebbero essere già in trattativa).
Perché le riprese di
Clayface sono così vicine? Beh, la maggior parte della
produzione del film è destinata agli effetti visivi per dare vita
al cattivo di Batman sullo schermo. In rete si è ipotizzato che
Andy Muschietti potrebbe dirigere il film per introdurre il
Cavaliere Oscuro nel DCU prima di
The Brave and the Bold.
Lo scooper ha anche commentato la
notizia che la star di AquamanJason Momoa
interpreterà Lobo in Supergirl:Woman of
Tomorrow. Vi abbiamo già detto che avrà più di un
cameo e il leaker ha aggiunto che “Jason Momoa [sta]
girando Supergirl solo per poche settimane.Quindi
non è un cameo, ma nemmeno un ruolo importante”.
Nel corso degli anni sono stati
fatti diversi tentativi di portare Lobo sul grande schermo. Guy
Ritchie e Brad Peyton si sono cimentati entrambi, con Dwayne
Johnson che si è messo in gioco per il film di quest’ultimo. Nel
2018, Michael Bay sembrava intenzionato a occuparsi del film, ma
anche questo non si è mai concretizzato.
Per Momoa, Lobo è un personaggio
che sogna di portare in vita sullo schermo da oltre un decennio.
Non si sa cosa Gunn abbia in mente per Aquaman nel DCU, anche se i commenti su Arthur Curry nella
prima stagione di Peacemaker
suggeriscono che potrebbe non essere il più grande fan
dell’atlantideo.
Cosa sappiamo su
Supergirl:Woman of
Tomorrow
Supergirl:Woman of Tomorrow è
attualmente previsto come secondo titolo DCU dei DC Studios e sarà diretto dal regista di
Crudelia Craig Gillespie. Ana Nogueira (The Vampire
Diaries) ha scritto la sceneggiatura dopo essere stata
inizialmente ingaggiata per scrivere il film di Supergirl
con Sasha Calle.
Nel film dei DC Studios, Supergirl
viaggia attraverso la galassia per festeggiare il suo 21°
compleanno con Krypto il supercane. Lungo la strada, incontra una
giovane donna di nome Ruthye e si ritrova in una ricerca omicida di
vendetta. Supergirl:Woman of Tomorrow arriverà
nelle sale il 26 giugno 2026.
Sonic 3
(Sonic the Hedgehog 3) include due scene
post-credits che sono fondamentali per il futuro del franchise,
poiché introducono nuovi personaggi importanti e confermano il
destino di un altro. L’atto finale del terzo film live-action di
Sonic the
Hedgehog è il più grande della serie: Sonic, Knuckles e
Tails cercano di impedire a Shadow, al Dr. Robotnik e a Gerald
Robotnik di distruggere la Terra. Le parti si invertono quando
Shadow e il Dr. Robotnik si rivoltano contro Gerald e si adoperano
per salvare l’umanità, anche se questo mette a rischio le loro
stesse vite. Questo rende il finale di Sonic the Hedgehog 3
molto ricco di azione prima del lieto fine del Team Sonic.
Sonic 3 si conclude in un
punto familiare per il franchise, con Sonic circondato dai suoi
amici e dalla famiglia Wachowski, ma non è qui che la storia si
conclude completamente. Seguendo la tradizione del franchise,
Sonic the Hedgehog 3ha due scene
post-credits. Così come i primi due film avevano scene
post-credits per preparare i sequel e introdurre nuovi personaggi
importanti (Tails nella scena dei titoli di coda di Sonic
1 e Shadow nella scena dei titoli di coda di Sonic
2), il terzo film alza la posta in gioco includendo altri
personaggi della storia videoludica della Macchia Blu che preparano
Sonic 4 (Sonic the Hedgehog 4).
La prima scena post-credits di
Sonic The Hedgehog 3 presenta Amy Rose e Metal Sonic
Altri due personaggi dei
videogiochi entrano nel franchise di Sonic
La prima scena post-credits di
Sonic the Hedgehog 3 è enorme, in quanto introduce
ufficialmente Amy Rose e Metal Sonic nel franchise cinematografico.
La scena mostra Sonic che va troppo veloce durante una gara e
finisce a New York. Apparentemente solo nella foresta di notte,
Sonic si trova faccia a faccia con un robot che condivide il suo
stesso design. Si tratta di Metal Sonic e Sonic si prepara a
combattere il singolare robot. Tuttavia, si rende conto che
decine di robot lo circondano ed entrano in azione
per abbatterlo.
Sebbene le probabilità siano contro
Sonic, viene salvato dai robot di Metal Sonic da una figura
incappucciata che brandisce un enorme maglio. Chi ha
familiarità con i giochi riconoscerà sicuramente il martello Piko
Piko giallo e rosso prima che la figura incappucciata
riveli la sua identità. Si tratta di Amy Rose, un riccio rosa, che
salva Sonic dal suo imminente destino. Anche se i due non si
scambiano alcuna parola dopo il loro primo incontro, Amy Rose si
rivela subito un’alleata di Sonic.
Storia del videogioco Sonic The
Hedgehog di Amy Rose
Amy Rose è un personaggio
importante dei videogiochi di Sonic the Hedgehog. Fa parte
del franchise dal 1993, quando fa la sua prima apparizione in
Sonic CD. Amy è un personaggio brillante e positivo che
spesso ha una cotta per Sonic. Nella sua prima apparizione è stata
rapita da Metal Sonic e salvata da Sonic più avanti nel gioco, il
che l’ha resa un personaggio ricorrente accanto al Team Sonic nelle
avventure future. Da allora Amy Rose è stata presente in
quasi tutti i videogiochidi
Sonic, compresi quelli precedenti al suo cameo in
Sonic the Hedgehog 3.
Amy Rose ha poteri di supervelocità
come Sonic e molti altri personaggi della serie, anche se in genere
non è veloce come Sonic. In questo caso, il suo martello Piko Piko
le è utile per avere un’arma potente da usare in combattimento.
Alcuni dei suoi altri poteri includono variazioni di un attacco di
rotazione, mentre i giochi hanno anche dimostrato la sua capacità
di avere maggiori capacità fisiche quando deve fare qualcosa per
salvare Sonic. C’è stata anche una volta in cui il solo pensiero
della sua cotta è stato abbastanza potente da guarirla.
La storia di Metal Sonic nei
videogiochi di Sonic The Hedgehog
Metal Sonic è un classico cattivo
di Sonic the Hedgehog che ha fatto la sua prima
apparizione in Sonic CD. Anche se la scena post-credits di
Sonic the Hedgehog 3 non lo spiega, Metal Sonic è
tradizionalmente una creazione del Dr. Robotnik. Il robot ha un
aspetto simile a Sonic e può replicare i suoi poteri di velocità.
Metal Sonic è generalmente visto come la più grande creazione del
Dr. Robotnik ed è una minaccia ricorrente per il Team Sonic.
L’introduzione del legame con Amy Rose nel film si basa sulla
storia del videogioco, dove Metal Sonic ha rapito il riccio rosa
nella loro prima apparizione.
Grazie al lavoro del Dr. Robotnik
nel creare una replica robotica di Sonic, Metal Sonic è uno
dei cattivi più potenti del franchise. Le sue capacità di
supervelocità non derivano dalla stessa fonte di Sonic, poiché
Metal Sonic utilizza potenti jet per raggiungere le sue incredibili
velocità di spostamento. In effetti, i giochi hanno dimostrato che
Metal Sonic, a volte, può persino essere più veloce della velocità
massima di Sonic. I poteri di Metal Sonic vanno ben oltre la
velocità, poiché il robot può imitare altre abilità dopo aver
scansionato un individuo e può rilevare i Chaos Emerald di
Sonic the Hedgehog.
La seconda scena post-credits
di Sonic The Hedgehog 3 conferma che Shadow è vivo
La morte di Shadow nel finale
era una messinscena
La seconda scena post-credits di
Sonic the Hedgehog 3 riporta l’attenzione su Shadow the
Hedgehog. Il riccio nero di Keanu Reeves è apparentemente morto nel
momento culminante del film, poiché si trovava a bordo della
stazione spaziale quando questa è esplosa. Il tentativo di far
credere al pubblico che Sonic the Hedgehog 3 avrebbe
ucciso Shadow alla sua prima apparizione sarebbe stato difficile da
realizzare. Per questo motivo, il film include una scena
dei titoli di coda che conferma che Shadow è vivo.
La scena after-credits mostra
Shadow che raccoglie l’anello da polso che aveva perso nel finale.
L’anello, noto come Limiter Rings o Inhibitor Rings nei giochi,
riporta il riccio nero agli stessi livelli di potenza che aveva in
precedenza. Confermando che Shadow è vivo, Sonic the Hedgehog
3 lascia al pubblico il dubbio che possa essere un fattore
nelle puntate future. Resta da vedere se ciò avverrà in Sonic
the Hedgehog 4 o in un potenziale spinoff di Shadow.
Come le scene post-credits di
Sonic The Hedgehog 3 preparano Sonic 4
Sonic The Hedgehog 4 sarà
ancora più grande adesso
I film di Sonic the
Hedgehog hanno una solida tradizione nel preparare
direttamente il capitolo successivo nelle scene post-credits, e non
è diverso in questo caso. Le scene dei titoli di coda di Sonic
3 forniscono i primi veri accenni a quella che sarà la storia
di Sonic the Hedgehog 4. Il finale vero e proprio del film
mantiene le premesse del film. Il finale vero e proprio
del film tiene insieme i Wachowski, Sonic, Knuckles e Tails,
permettendo a tutti loro di partecipare al quarto capitolo.
Tuttavia, è ormai chiaro che Amy Rose e Metal Sonic si uniranno
all’ensemble in crescita. Amy Rose sarà la nuova alleata e
l’interesse amoroso di Sonic, mentre Metal Sonic è
destinato a essere il cattivo diSonic
4.
La domanda è come Sonic the
Hedgehog 4 utilizzerà Metal Sonic. Nella scena dei titoli di
coda è già stato stabilito che esistono più versioni robotiche di
Sonic. Il quarto film deve rivelare chi li controlla – Ivo o Gerald
Robotnik sono ancora vivi? – e se esiste un Metal Sonic principale
più potente di quelli che Amy Rose distrugge rapidamente, perché
potrebbero essere dei droni. In ogni caso, con Amy Rose e Metal
Sonic nel mix, la storia diSonic
4potrebbe rispecchiareSonic CDe mettere Sonic in
missione per salvare Amy dopo il suo rapimento.
Sembra inoltre probabile il
ritorno di Shadow the Hedgehog inSonic
4. Ora che ha già tradito i Robotnik per lavorare con
Sonic e salvare l’umanità, sembrerebbe che possa essere un alleato
in futuro. Forse Shadow saprà anche qualcosa di più sull’origine di
Metal Sonic, se i Robotnik o la GUN sono coinvolti. In ogni caso,
le scene dei titoli di coda di Sonic the Hedgehog
3 fanno sì che Sonic the Hedgehog 4 sia il
gioco più grande fino ad oggi se Amy Rose, Metal Sonic e Shadow the
Hedgehog saranno tutti presenti.
Sembra inoltre probabile il
ritorno di Shadow the Hedgehog inSonic
4. Ora che ha già tradito i Robotnik per lavorare con
Sonic e salvare l’umanità, sembrerebbe che possa essere un alleato
in futuro. Forse Shadow saprà anche qualcosa di più sull’origine di
Metal Sonic, se i Robotnik o la GUN sono coinvolti. In ogni caso,
le scene dei titoli di coda di Sonic the Hedgehog
3 fanno sì che Sonic the Hedgehog 4 sia il
gioco più grande fino ad oggi se Amy Rose, Metal Sonic e Shadow the
Hedgehog saranno tutti presenti.
La versione a fumetti e quella
cinematografica di Watchmen si concludono in modi
drasticamente diversi, ma entrambe sono efficaci nel loro contesto.
Ideato da Alan Moore e
Dave Gibbons, Watchmen ha
cambiato il panorama dei fumetti quando è stato pubblicato il primo
numero nel 1986, offrendo un racconto maturo e politicamente
consapevole di supereroi corrotti e di un vigilantismo corrottosi
nel tempo. Dopo aver trascorso oltre 20 anni come un classico di
culto nel canone DC, Zack Snyder (regista di
300 e Rebel
Moon) è stato incaricato di portare questa grande storia
sul grande schermo. Un’impresa che molti ritenevano
impossibile.
Ma Snyder ci è riuscito e il film
del 2009 (qui
la recensione) è oggi considerato un precursore in termini di
film di supereroi non adatti alle famiglie, stabilendo lo stile
grintoso e oscuro di Snyder che avrebbe poi dato vita a L’uomo d’acciaio e al DCEU. Come spesso accade nella
carriera di Snyder, però, anche Watchmen si è
rivelato un adattamento molto divisivo, che ha riscosso ampi
consensi ma ha contemporaneamente irritato i puristi del fumetto.
Ciononostante, il film è diventato un cult a tutti gli effetti,
servendo da ispirazione anche per film come Logan
– The Wolverine e la serie The Boys.
Nonostante la presenza di supereroi
stupratori e peni blu incandescenti, l’elemento di gran lunga più
controverso di Watchmen di Snyder è certamente il
finale. In quello che era più o meno un adattamento fedele del
materiale di partenza, il film ha preso una direzione completamente
diversa per il suo atto finale e questo è stato un punto di contesa
tra i fan da allora. Sebbene la forza del finale di Snyder sia
spesso discussa, tuttavia, entrambe le versioni funzionano bene a
modo loro. In questo articolo analizziamo il perché.
Ambientata in un 1985 alternativo,
in cui la comparsa di vigilanti mascherati e dell’onnipotente
Dr. Manhattan ha alterato il corso della storia,
la storia originale di Watchmen si colloca sullo
sfondo della Guerra Fredda, con le tensioni tra Unione Sovietica e
Stati Uniti che hanno lasciato il mondo sull’orlo della
devastazione nucleare. Gli eventi principali, però, sono innescati
dalla comparsa di un assassino che sembra prendere di mira gli ex
vigilanti mascherati. Il caso viene raccolto da
Rorschach, uno di questi eroi ancora in attività,
che riunisce il suo gruppo di colleghi per indagare sulla
cospirazione.
Il finale a fumetti di
Watchmen
Alla fine,
Rorschach, Gufo Notturno,
Spettro di Seta e il Dr.
Manhattan risalgono all’identità dell’omicida: il loro ex
collega, Adrian Veidt, anche noto come
Ozymandias. Ora amministratore delegato della sua
società, Veidt ha deciso di intraprendere un’azione decisiva contro
l’incombente Terza Guerra Mondiale e spera di unire il mondo in
pace e armonia inscenando un attacco alieno che costringa le
superpotenze globali della Terra a risolvere le loro divergenze e a
riunirsi. Sebbene questo piano possa sembrare promettente sulla
carta, il principale punto dolente è che Veidt insiste sul fatto
che milioni di persone debbano morire durante l’attacco affinché la
finta minaccia venga presa sul serio.
Alla fine, i Watchmen non riescono,
o in alcuni casi decidono semplicemente di non fermare il piano di
Veidt e l’atto finale del fumetto vede un calamaro gigante creato
dai laboratori segreti dell’uomo d’affari scatenarsi su New York
sotto forma di invasione aliena. Dinanzi a questa minaccia globale,
le due superpotenze cessano di farsi la guerra e iniziano a
cooperare in nome della difesa del pianeta terra. La pace
architettata da Veidt, però, si regge su fondamenta incerte. Il
fumetto – come anche il film – si conclude infatti con la possibile
scoperta del diario di Rorschach, che il vigilante
ha inviato alla redazione di un giornale prima di andare ad
affrontare Veidt e all’interno del quale svela il suo piano, che
potrebbe così essere smascherato con una pubblicazione.
Il film di Zack
Snyder segue essenzialmente la stessa struttura descritta
sopra, ma si discosta quando si tratta dei dettagli del piano di
Ozymandias. Invece di progettare biologicamente un calamaro gigante
da far passare per un invasore alieno, l’Ozymandias del film
live-action scatena una serie di esplosioni nucleari nelle
principali città del mondo e incastra il Dr. Manhattan come
colpevole imitando la firma delle sue radiazioni naturali.
L’effetto è per lo più identico a quello dei fumetti: gli Stati
Uniti e l’Unione Sovietica allontanano le loro ostilità l’uno
dall’altro e si alleano contro il Dr. Manhattan, anche se a spese
di molte vite. Come nei fumetti, alla fine Manhattan capisce la
logica del piano di Veidt e accetta il suo nuovo ruolo, lasciando
la Terra, presumibilmente, per sempre.
Per alcuni, l’alterazione
dell’origine della distruzione di Ozymandias era solo un
cambiamento superficiale che non influiva sul tono generale e sulla
direzione del finale originale di Watchmen e,
considerando quanto gli studi cinematografici amino i lieto fine, è
un piccolo miracolo che la cupa conclusione concepita da Moore e
Gibbons sia stata mantenuta. Tuttavia, questo non ha impedito un
diluvio di critiche da parte dei fan del fumetto che ritenevano che
il calamaro alieno fosse un elemento fondamentale del finale di
Watchmen. Negli ultimi anni, invece, i critici
hanno iniziato a orientarsi nella direzione opposta, sostenendo che
il finale del calamaro è sempre stato un po’ ridicolo e che le
modifiche apportate da Snyder migliorano effettivamente il progetto
originale di Moore.
La spiegazione del finale: perché
entrambe le versioni sono fantastiche
Piuttosto che un finale di
Watchmen migliore dell’altro, è forse più corretto
dire che sia la versione a fumetti che quella cinematografica sono
ideali per i rispettivi medium. Il calamaro psichico di
Alan Moore può sembrare involontariamente
esilarante per chi non ha familiarità con i fumetti di
Watchmen, ma come minaccia che conquista il mondo
creata da un ex supereroe, è un’aggiunta quasi perfetta. I fumetti
contengono molto più umorismo nero rispetto al film di Snyder e
questo gioca a favore del piano di Ozymandias. In modo
gloriosamente autoreferenziale, il cattivo assume un team di
artisti per progettare l’alieno simile a un calamaro e poi usa le
sue ricchezze per trasformarlo in realtà.
In termini di ammonimento sui
supereroi (e i fumetti erano molto meno lusinghieri del film a
questo proposito), questo finale permette a
Watchmen di commentare sia l’ego gonfiato degli
eroi, sia la natura volubile dei potenti politici del mondo.
Inoltre, una creatura aliena è visivamente molto più efficace sulla
pagina di quanto lo sarebbe una serie di esplosioni. Dopo aver
costruito gradualmente nel corso di 12 numeri, Watchmen meritava un
climax adeguatamente drammatico, e una serie di esplosioni non
avrebbero avuto lo stesso peso sulla carta stampata che sul grande
schermo, dove sono disponibili le dimensioni aggiuntive del suono e
del movimento.
Una creatura luminosa e stravagante,
invece, rappresenta una minaccia molto più impattante, in grado di
suscitare sorpresa e disgusto nel lettore. Per quanto il finale di
Watchmen sia fantastico nei fumetti, semplicemente
non avrebbe funzionato sul grande schermo. La rappresentazione
grintosa del mondo concepito da Zack Snyder sarebbe stata
irrimediabilmente danneggiata dall’apparizione di un mostro
ultraterreno nell’atto finale e avrebbe causato uno stridente
cambiamento di tono, soprattutto per chi non sapeva cosa
aspettarsi. Il calamaro, inoltre, avrebbe dovuto essere una
creazione in CGI e, anche a distanza di un decennio, i film di
supereroi faticano ancora a trovare il successo con cattivi nati da
una massa di effetti speciali.
Spostando la colpa sul Dottor
Manhattan, invece, il film di Watchmen adotta il tipo di approccio
basato sul personaggio a cui i lungometraggi sono più adatti e si
rifà alle insicurezze e al venir meno dell’umanità di Manhattan, un
tema esplorato in entrambe le versioni della storia. Incastrare il
supereroe blu elettrico per un crimine che non ha commesso non solo
aggiunge un’ulteriore sfumatura al suo già tragico arco narrativo,
ma assicura anche che il piano di Ozymandias sia di natura più
personale, in particolare sfruttando le capacità di un ex amico e
la paura che circonda la sua stessa esistenza.
Si potrebbe forse sostenere che la
versione live-action della cospirazione di Ozymandias abbia più
senso logico che nei fumetti. Nel formato del fumetto, è molto più
facile testare i confini del realismo e della logica e i lettori
sono disposti a sospendere più facilmente la loro incredulità.
Tuttavia, le trame devono essere strutturate in modo più rigoroso
sullo schermo e c’è un senso naturale nel fatto che Veidt usi il
potere di Manhattan per creare una minaccia globale, che richiede
meno spiegazioni rispetto al finale dei fumetti. Chi desiderava
vedere il calamaro alieno sullo schermo, però, è stato soddisfatto
dalla
miniserie del 2019, dove si ha un flashback che propone proprio
questo iconico momento del fumetto.
Il finale della
stagione 7, episodio 14 di Outlander
ha lasciato William in pericolo e solo Lord John ha la possibilità
di salvarlo. Naturalmente, questo non è l’unico aspetto
interessante di questa puntata della serie fantasy sui viaggi nel
tempo. L’episodio 14, “Ye Dinna Get Used to It”, inizia con un
flashback dell’anno 1775, quando Lord John Grey promise a suo
fratello Hal che non avrebbe mai accettato l’indipendenza
americana. A questo segue una scena ambientata due anni dopo,
durante la quale John è costretto a giurare fedeltà all’esercito
continentale per salvarsi la vita. Naturalmente, la cosa non durò a
lungo, dato che si ricongiunse con Jamie e Claire.
A proposito di Jamie e Claire, la
stagione 7, episodio 14 di Outlander ha visto questa
coppia diventare ancora più importante per la Rivoluzione, dato che
hanno ospitato una cena con George Washington e alcuni dei suoi più
importanti colleghi. Poi, negli anni Settanta, la loro figlia
Brianna ha lottato per tenere la sua famiglia al sicuro da Rob
Cameron e ha dovuto prendere alcune decisioni difficili. Tutti
questi eventi attraverso il tempo e lo spazio stanno lavorando per
una grande battaglia, che probabilmente si rivelerà cruciale nel
finale della settima stagione di Outlander. Tuttavia,
prima di questo, il destino di William sarà in primo piano nella
mente del pubblico.
William è in pericolo nel
finale di Outlander – Stagione 7, Episodio 14
Il Capitano Richardson – che si è
rivelato un ribelle segreto durante il suo ballo con Claire
all’inizio di Outlander– ha mandato William Ransom in
un’altra missione nella stagione 7, episodio 14 di
Outlander. Gli ordina di consegnare una lettera a un
gruppo di Assediani e William non ha problemi a svolgere questo
compito. Tuttavia, Percy Beauchamp comunicò con urgenza a Lord John
Grey che l ‘intenzione di Richardson era che William fosse
tenuto prigioniero dagli Assiani e torturato per garantire
la collaborazione di Lord John e Hal Grey. Naturalmente, William
non sapeva nulla di questo piano e cadde nella trappola.
Alla fine di Outlander,
stagione 7, episodio 14, William consegna la sua lettera, che
istruisce segretamente il destinatario dell’Assia a catturare il
ragazzo. Purtroppo, ciò che accadrà in seguito sarà lasciato
all’episodio 15. Si spera che Percy Beauchamp abbia avvisato in
tempo Lord John del pericolo in cui si era trovato William. Jamie,
ora generale di brigata dell’Esercito Continentale, è obbligato a
controllare i suoi 300 uomini in vista dell’imminente battaglia.
Tuttavia, Lord John è figurativamente libero di trovare e liberare
William. Le cose sono ancora tese tra Jamie e John, ma la
battuta “Salva nostro
figlio” ricorda ciò che questi uomini ancora
condividono.
Il legame tra Percy Wainwright
(Beauchamp) e Lord John Grey spiegato
Un altro aspetto intrigante del
finale di Outlander è il momento condiviso tra Percy
Beauchamp e Lord John Grey. John dice a Claire che Percy era il suo
fratellastro, ma è subito evidente che c’è molto di più tra questi
due uomini. Alla fine si scopre che il cognome di Percy è in realtà
Wainwright, ma che ha scelto di prendere il nome della famiglia
della moglie. Sebbene non sia chiaro se la serie televisiva
Outlander approfondirà la storia di questo personaggio,
la serie di libri spin-offsu Lord
Johnrivela che Percy e Lord John erano
amantiin passato.
Dalla loro interazione in
Outlander emerge chiaramente che qualcosa si è inasprito
tra Lord John e Percy. Quest’ultimo ha cercato di accarezzare il
viso di Lord John, ma è stato allontanato e gli è stato detto che
non meritava di toccarlo. Ciò ha a che fare con il fatto che Percy
fu arrestato una volta dopo essere stato sorpreso a fare sesso con
un soldato tedesco. Lord John aiutò il suo amante a
fuggire, garantendo così la sua sicurezza. Tuttavia, è
chiaro che non correva buon sangue da quella situazione. Forse ora
che Percy ha avvertito Lord John del complotto che circonda
William, le cose andranno diversamente.
Brianna progetta di andare nel
passato nel finale di Outlander Stagione 7, Episodio 14
Tornata nel XX secolo, Brianna ha
continuato a incontrare difficoltà per quanto riguarda la sicurezza
della sua famiglia. Roger e Buck sono ancora nel 1739 (anche se
Bree pensa di essere decenni dopo, nel 1770) e non hanno ancora
saputo che Jemmy è stato ritrovato. Naturalmente, non è del tutto
al sicuro, poiché Rob Cameron ha le chiavi di Lallybroch e potrebbe
potenzialmente rapire nuovamente Jem in qualsiasi momento. Per
questo motivo, Brianna ha chiesto a Fiona di portare Jemmy e Mandy
a casa sua per tenerli al sicuro mentre lei rimane a Lallybroch da
sola. Come previsto, Rob ha fatto ritorno all’antico
castello dei Fraser, questa volta con una manciata di
amici ad aiutarlo.
Brianna è riuscita a tenere a bada
Rob Cameron e la sua banda con un fucile e un pugno ben assestato
in Outlander, stagione 7, episodio 14. Tuttavia, sta
iniziando a esaurire le sue forze. Tuttavia, sta iniziando a
esaurire le sue opzioni. La polizia non ha preso Bree troppo sul
serio. Sapevano che nascondeva qualcosa e, invece di pensare che
Bree fosse segreta perché faceva parte di una famiglia di
viaggiatori del tempo, i poliziotti hanno deciso che aveva una
relazione con Rob. Alla fine di questo episodio di
Outlander, Brianna decide che l’unica cosa che
resta da fare a lei e ai suoi figli è viaggiare attraverso le
pietre per sfuggire a questo pericolo persistente.
Il crimine di Jane Pocock e la
sorella Franny spiegati
Mentre la fine della stagione 7 di
Outlander, episodio 14, ha visto William sul punto di
essere fatto prigioniero e torturato, in questo episodio c’è stato
molto di più sulla sua storia. In precedenza, William si era
riunito con Jane Pocock, che si era presentata al campo britannico
con la sorellina Franny. Sperava che, così come William l’aveva
aiutata in passato, lo avrebbe fatto di nuovo. Inizialmente
Jane intendeva servire come scorta personale di William in
cambio della sua protezione e del passaggio a New York. William,
però, non volle. Le propose invece di lavorare come lavandaia.
A William apparve subito chiaro che
Jane non era del tutto onesta. Quando si sedettero a parlare, Jane
rivelò che il capitano Harkness era tornato al bordello e aveva
pagato una fortuna per la testa di Franny. Jane convinse la signora
a permetterle di salire nella stanza con Franny e Harkness,
affermando che avrebbe evitato che la sorellina facesse storie.
Tuttavia, Jane uccise il capitano inglese e scappò con
Franny.
William capisce perché Jane ha
fatto ciò che ha fatto e promette di continuare a prendersi cura di
loro. Naturalmente, questo dipenderà dalla sua liberazione dopo
Outlander stagione 7, episodio 14.
Come Outlander Stagione 7,
Episodio 14 prepara il prosieguo della storia
La stagione 7 di
Outlander si sta avvicinando al finale e l’episodio 14 ha
iniziato a preparare seriamente la storia. La battaglia in cui
Jamie sta per condurre 300 uomini è la Battaglia di Monmouth, che
sarà devastante per entrambe le parti, anche se garantisce a George
Washington un vantaggio strategico per il futuro. Questo sarà
sicuramente un punto focale dei prossimi due episodi della stagione
7, ma il destino di William è ciò che il pubblico vorrà davvero
esplorare nell’episodio 15. Questa è l’occasione per Lord
John di essere finalmente un eroe tradizionale, cosa che
si aspettava da tempo. Forse salvare William permetterà a John di
guadagnarsi il perdono di Jamie.
Anche le prossime tappe della
storia di Brianna saranno sicuramente interessanti. L’episodio 14
della settima stagione di Outlander si è preso una pausa dalle
avventure di Roger nel 1939, quindi l’episodio 15 potrebbe
finalmente vederlo tornare nel XX secolo, dato che ha deciso che il
suo prossimo passo doveva essere questo dopo aver salvato suo padre
nell’episodio 13. Ora, uno dei prossimi due episodi
dovrebbe vedere Brianna, Roger, Jemmy e Mandy dirigersi verso il
1777, dove potranno riunirsi con Jamie e Claire dopo circa
cinque anni. In definitiva, c’è molto da aspettare quando la
settima stagione di Outlander si avvicina
alla sua conclusione.
Quest’ultimo è stato accolto male e
ha incassato un deludente 439 milioni di dollari in tutto il mondo
rispetto al miliardo di dollari guadagnato dal suo predecessore. Il
sequel che segna la sua ultima apparizione come Aquaman non è un
segreto, ma se avrà una seconda possibilità nel DCU come Lobo è rimasto nell’aria.
Condividendo un estratto di un
articolo di ComicBookMovie.com, Momoa ha annunciato il suo casting
come The Main Man su Instagram. In seguito James Gunn gli ha dato il benvenuto nel
DCU e le testate hanno confermato che
interpreterà Lobo in
Supergirl: Woman of Tomorrow.
Nel corso degli anni sono stati
fatti diversi tentativi di portare Lobo sul grande schermo.
Guy Ritchie e Brad Peyton si sono cimentati
entrambi, con Dwayne Johnson che si è messo in
gioco per il film di quest’ultimo. Nel 2018, Michael Bay sembrava
intenzionato a occuparsi del film, ma anche questo non si è mai
concretizzato.
Ora, il regista di John Wick,
Deadpool 2 e The
Fall Guy, David Leitch, ha lanciato il
suo nome nel ring e ha proposto a Momoa un film su Lobo di cui
sarebbe desideroso di prendere il timone…
Sarebbe un bel team-up, visti i
crediti d’azione di Leitch.
Tornando a
Supergirl: Woman of Tomorrow, Deadline ha confermato
che la produzione del film inizierà il 13 gennaio. Questo
spiegherebbe perché la notizia del casting di Momoa è stata diffusa
ieri.
Che ruolo avrà la star di Aquaman
nel secondo film del DCU? Si dice che sarà più di un cameo e, in
un’intervista a 2023, lo scrittore Tom King ha rivelato che il suo
progetto originale per il fumetto Supergirl: Woman of
Tomorrow prevedeva Lobo come co-protagonista.
“Quel libro è nato come una mia
proposta per un libro su Lobo/Supergirl, e i miei editor, Brittany
Holzherr e Jamie Rich, mi hanno detto ‘No, togli Lobo e fai di
Supergirl il personaggio di Rooster Cogburn’”, ha spiegato King. “E
quindi non esisterebbe senza Jamie e Brittany”.
Supergirl:
Woman of Tomorrow è attualmente previsto come secondo
titolo DCU dei DC Studios e sarà diretto dal regista di
Crudelia Craig Gillespie. Ana Nogueira (The Vampire Diaries) ha
scritto la sceneggiatura dopo essere stata inizialmente ingaggiata
per scrivere il film di Supergirl con Sasha Calle.
Nel film dei DC Studios, Supergirl
viaggia attraverso la galassia per festeggiare il suo 21°
compleanno con Krypto il supercane. Lungo la strada, incontra una
giovane donna di nome Ruthye e si ritrova in una ricerca omicida di
vendetta. Supergirl: Woman of Tomorrow arriverà nelle sale il 26
giugno 2026.
Nonostante abbia perso il primo
posto al botteghino americano a favore di Oceania
2 e Sonic 3, Wicked
è riuscito a mantenere un impressionante bottino contro la
concorrenza, guadagnando altri 20 milioni di dollari nel suo sesto
weekend. In totale, Wicked ha raggiunto i 634 milioni di dollari a
livello globale, suddivisi tra gli impressionanti 424 milioni di
dollari del mercato americano e i 210 milioni di dollari dei
mercati esteri. Grazie a questo risultato, il film ha raggiunto
un’altra importante pietra miliare, diventando ufficialmente il
quinto musical cinematografico di maggior incasso di tutti i tempi
a livello mondiale.
In questo modo, Wicked ha superato
il grande successo dell’animazione Sing del 2016 e
Wonka
del 2023, oltre a superare nelle ultime settimane film come Mamma
Mia! e La La Land. Il prossimo titolo sulla strada di
Wicked è Coco, anche se un
divario di 150 milioni di dollari tra i due potrebbe rivelarsi un
ponte troppo distante per l’adattamento di Broadway. In cima alla
lista c’è Frozen II, con un totale di 1,4 miliardi
di dollari che al momento sembra un record che potrebbe resistere
ancora per un bel po’. Al secondo posto della lista c’è il primo
Frozen del 2013, mentre la rivisitazione
live-action de La Bella e la Bestia del 2017
occupa il terzo posto.
L’attesa sequel “Wicked:
For Good” è già in lavorazione
Soprattutto se si considera
l’enorme successo di questa prima parte, il secondo capitolo
dell’adattamento di Wicked sta già suscitando grande entusiasmo,
nonostante manchi quasi un anno. Ora è
confermato il titolo Wicked:
For Good, la seconda parte porterà sicuramente la
stessa esperienza cinematografica mozzafiato che ha già definito il
2024. Con una maggiore enfasi sulla storia d’amore di Nessa
(Marissa Bode) e Boq (Ethan Slater) e sull’imminente tragedia di
Fiyero (Jonathan
Bailey), la seconda parte più cupa del classico di Broadway
sembra pronta per gli schermi cinematografici.
L’eccitazione è alta anche per i
numeri musicali, soprattutto se si considera quanto sono state
impressionanti le prime puntate. Parlando con Variety nel podcast
Awards Circuit, Cynthia Erivo ha condiviso un
assaggio di ciò che ci si aspetta da una delle nuovissime canzoni
di For Good, a cui la Erivo ha collaborato con Stephen Schwartz.
Erivo ha detto:
“Non so se siete pronti per questo.
Voglio dire, amo la canzone e ricordo che quando l’abbiamo girata,
il cast e la troupe piangevano. Quindi non lo so. E non so se è
solo perché erano emozionati quel giorno o se è quello che fa la
canzone”.
What If…? – stagione 3, episodio 8 è l’epico
finale della serie animata del MCUWhat
If…?, iniziata nel 2021. Lo show si conclude con una
nota emozionante, con Uatu l’Osservatore (Jeffry Wright) che
finalmente risponde delle molte volte in cui ha infranto il suo
giuramento solo per osservare il multiverso. Allo stesso modo,
l’episodio finale è ricco di emozionanti varianti nel multiverso
che faranno desiderare anche ai critici più accaniti dello show che
questa non sia la stagione finale, in modo da poter esplorare anche
le loro storie.
Come già visto nel precedente
episodio
What If…? – stagione 3, episodio 7, i Guardiani del
Multiverso e Infinity Ultron si stavano preparando ad accedere alla
Quinta Dimensione, sede del Piano di Osservazione e degli
Osservatori. Dopo aver salvato Uatu e il Capitano Carter in questo
nuovo episodio, si scatena una grande rissa cosmica che chiude in
modo soddisfacente l’intera serie. Con queste premesse, ecco la
nostra analisi completa di What
If…? Stagione 3, episodio 8, il suo finale spiegato e le più
grandi uova di Pasqua del MCU, i riferimenti e le varianti
che siamo riusciti a trovare.
What If…? – stagione
3 – Episodio 8 – Spoiler e anticipazioni principali sulla
storia “What If…?
Uatu viene mostrato nel passato
mentre presta il suo giuramento per la prima volta, mentre
l’Eminenza conferma la sua grande fiducia nel suo allievo. Nel
presente, Uatu è costretto a rispondere delle sue eresie, avendo
infranto più di una volta il suo giuramento per aiutare gli eroi e
salvare il multiverso. Peggy Carter rappresenta la più grande
trasgressione di Uatu, da cui la sua recente cattura da parte degli
altri Osservatori che intendono giustiziare sia Peggy che Uatu.
Infinity Ultron attacca gli Osservatori, tenendoli a bada mentre
gli eroi salvano Uatu e Peggy.
Gli eroi cercano di raggiungere il
nuovo universo di Strange Supreme, dove il potere degli Osservatori
sarà annullato, ma è troppo tardi dopo che Infinity Ultron viene
ucciso. Distrutta la loro nave, gli Osservatori si preparano a
uccidere Uatu e gli eroi, ma Uatu condivide il giuramento degli
Osservatori con i suoi alleati per pareggiare le probabilità.
Con gli eroi ora impregnati del potere degli Osservatori, una
grande rissa cosmica porta all’unione dell’Eminenza con l’Incarnato
e l’Esecutore.
L’Eminenza inizia a cancellare ogni
variante degli eroi da ogni universo prima che Peggy si sacrifichi,
salvando i suoi amici prima di trasportarli tutti nell’universo di
Strange Supreme.
Il loro potere è annullato, Uatu risparmia la vita dei suoi
compagni Osservatori e si offre di insegnare loro a vedere
piuttosto che limitarsi a guardare, per trovare e preservare la
vera bellezza del multiverso, e l’Eminenza accetta.
Gli eroi celebrano un funerale per
Peggy sul Piano d’Osservazione, prima che Uatu concluda la serie
del MCU con una narrazione finale,
mentre vengono mostrate diverse emozionanti varianti.
Spiegato l’importante sacrificio
multiverso di Capitan Carter
Dopo che Uatu ha fatto pronunciare
ai suoi alleati il giuramento degli Osservatori per ottenere i loro
poteri, ciò che segue è un’intensa rissa cosmica di proporzioni
epiche alla fine di What If…? Stagione 3, episodio
8. Dopotutto, l’Eminenza, l’Incarnato e l’Esecutore
credevano di non avere altra scelta se non quella di infrangere i
loro giuramenti per distruggere Uatu e i Guardiani del Multiverso
al fine di ristabilire l’ordine, tanto che vengono mostrati mentre
si fondono come un’unica entità per cancellare simultaneamente ogni
variante degli eroi esistenti in ogni universo. Tuttavia, Peggy si
rifiuta di perdere altri amici.
Grazie alla pura volontà e al suo
nuovo potere cosmico di Osservatore, Peggy si lancia contro
l’Eminenza, ponendo fine al suo attacco cosmico e salvando i suoi
amici e le loro varianti. Inoltre, trasporta tutti nell’universo
vivente di Strange Supreme, che annulla i poteri degli Osservatori.
Tuttavia, questo è stato l’ultimo atto di eroismo del Capitano
Carter, come dimostrato quando gli eroi sopravvissuti hanno tenuto
un funerale con lo scudo di Peggy nel Piano di Osservazione proprio
alla fine di What If… Stagione 3.
Fortunatamente, il sacrificio del
Capitano Carter non è stato vano. Uatu è riuscito a contattare i
suoi compagni Osservatori dopo aver risparmiato loro la vita,
offrendosi di insegnare all’Eminenza tutto ciò che ha imparato su
come vedere veramente il multiverso e la sua bellezza. Anche se
avrebbe potuto infrangere il suo giuramento per preservare tale
bellezza, non ha mai abbandonato completamente la missione e i modi
di fare della sua gente.
La spiegazione della scena finale
di What If…? Stagione 3
Nella scena finale dell’episodio vengono mostrate diverse
varianti interessanti, mentre Uatu chiude la serie con una
narrazione che rispecchia le introduzioni degli episodi. Ecco tutte
le emozionanti varianti del MCU che siamo riusciti a
individuare alla fine di What If…? Stagione 3, episodio 8 (alcune
appaiono piuttosto rapidamente):
Un Uomo Ragno a sei braccia
Un Ghost Rider Samurai (Robbie Reyes)
Riri Williams come Punitore
Gamora in abito da sposa
Blade come nuovo Moon
Knight (che dovrebbe debuttare in Marvel Zombies del 2025)
Sersi che balla in abito da ballo con Dane Whitman
Deadpool con una quantità pazzesca di pistole
Giovane Hela con Mjolnir (da What If…? – An Immersive
Story)
Shang-Chi come Star-Lord (che rispecchia lo Star-Lord di
T’Challa di What If…? Stagione 1)
Sceriffo Loki
La Strega dell’Infinito (da What If…? – An Immersive
Story)
Nova Centurion Carol Danvers (da What If…? – An Immersive
Story)
Una variante di Doctor Strange (è difficile capire le
specifiche)
Alcune di queste varianti, come la
Giovane Hela, la Strega dell’Infinito e la Centurione Carol
Danvers, sono state viste per la prima volta in What If…? – An
Immersive Story, un videogioco in realtà mista spin-off di Marvel e ILM Immersive per Apple
Vision Pro.
Secondo recenti indiscrezioni,
Agatha
All Along tornerà per una seconda serie di episodi e,
sebbene i Marvel Studios non l’abbiano ancora
ufficializzato, lo spin-off di WandaVision – originariamente etichettato come
miniserie – è ora elencato come “stagione 1” su Disney+.
Che la Marvel avesse intenzione di
rinnovare la serie lo avevamo già intuito quando la Disney l’ha
presentata nelle categorie delle commedie per la prossima stagione
dei premi (la star
Kathryn Hahn è stata recentemente nominata per un Golden
Globe), dato che i criteri dell’Accademia della Televisione per le
serie limitate affermano che: “Il programma deve raccontare una
storia completa e non ricorrente e non deve avere una trama o dei
personaggi principali in corso nelle stagioni successive”.
Il finale di stagione si è concluso
con Agatha Harkness (Hahn) che si è sacrificata per salvare Billy
Maximoff (Joe
Locke) dando un bacio al suo ex amante Rio Vidal, alias Morte
(Aubrey
Plaza).
Come sappiamo, la morte nel
Marvel Cinematic Universe non
significa necessariamente la fine della strada, soprattutto per una
potente strega. Nei momenti finali dell’episodio, Harkness ritorna
in forma di spirito e accompagna Wiccan nella sua ricerca di suo
fratello Tommy.
Nonostante la popolarità e la forte
audience dello show, alcuni ritengono che una seconda stagione non
sarebbe necessaria, dal momento che l’imminente serie Vision è
stata descritta come “la terza parte di una trilogia iniziata con
WandaVision e proseguita con Agatha All Along”.
Che Agatha All
Along ritorni o meno per la seconda stagione, sembra che
vedremo molto di più di Wiccan e Ghost Agatha nel MCU nei prossimi anni.
Con il cast di Il
Signore degli Anelli: La Guerra dei Rohirrim composto da
star riconoscibili, l’adattamento animato non è diverso dalle sue
controparti live-action. Brian Cox di
Il ritorno di
Shadow è stata solo una delle scene post-credit di
Metal
Sonic è un’altra grande rivelazione della prima scena
post-credit di 
Molto prima delle scene
post-credit di 
Il Master
Emerald è stato introdotto in Sonic 2
come obiettivo primario di Kunckles the Echidna e del Dr. Robotnik.
Alla fine è stato rivelato che Sonic poteva usare il Master Emerald
per diventare Super Sonic, ma questo è un potere che la banda ha
deciso fosse troppo per poterlo usare di nuovo in sicurezza.
Ovviamente, Sonic ha buttato tutto dalla finestra in Sonic
3, quando ha usato per la prima volta il Master Emerald
per vendicarsi di Shadow, poi ha usato il suo potere (insieme a
Super Shadow) per salvare la Terra dal terribile piano di Gerald
Robotnik.
