Crank potrebbe anche concludersi con una nota agrodolce per Chev Chelios, il killer interpretato da Jason Statham, ma ha comunque posto le basi per un sequel. Questo film d’azione con Statham inizia con Chev che si sveglia nel suo appartamento e scopre presto che il suo rivale Ricky Verona (Jose Pablo Cantillo) gli ha iniettato un veleno ad azione lenta. Questo inibisce l’adrenalina e alla fine lo ucciderà, ma Chev capisce che se mantiene alto il livello di adrenalina compiendo azioni folli, prolungherà la sua vita. Si pone quindi come missione quella di uccidere Verona prima di morire, proteggendo al contempo la sua ragazza Eve (Amy Smart) da ogni pericolo.

Il film segue allora Chev mentre uccide tutti quelli che incontra sulla sua strada e scopre dal suo gentile medico Doc Miles (Dwight Yoakam) che non esiste un antidoto al veleno. La resa dei conti finale vede quindi Chev affrontare Ricky e i suoi scagnozzi, e termina con i due che combattono in un elicottero sopra Los Angeles. Entrambi cadono poi dal velivolo, con Chev che spezza il collo a Ricky durante la caduta mortale. Chev ha infine il tempo di chiamare Eve per dirle addio prima di schiantarsi al suolo.

Chev Chelios muore nel finale di Crank?

Considerando che il veleno avrebbe dovuto uccidere Chev entro un’ora, molti personaggi fanno notare la sua riluttanza a morire. Persino Doc Miles è scioccato dal fatto che non sia morto per tutte le droghe che ha consumato e le ferite che ha subito. Tuttavia, Chev muore definitivamente a causa della caduta nel finale di Crank, dove colpisce un’auto e rimbalza sul tetto. Anche se si sente il suo cuore battere un’ultima volta, l’intenzione è che muoia quando il film passa ai titoli di coda.

Tuttavia, dopo l’uscita di Crank, il pubblico ha discusso se Chev potesse in qualche modo essere sopravvissuto alla sua caduta fatale. Dopotutto, durante la storia subisce danni piuttosto inumani, ma continua a rialzarsi. Se ci fosse stato un solo film su di lui, la storia di Chev sarebbe indubbiamente finita con la sua caduta dall’elicottero, ma le sue condizioni migliorano notevolmente all’inizio del sequel Crank 2: High Voltage, che ha dunque confermato che Chev è sopravvissuto anche a questa botta.

Il significato della chiamata di Chev a Eve

La maggior parte dei film diretti da Mark Neveldine e Brian Taylor, compreso Gamer, si dilettano in umorismo di cattivo gusto e carneficine gioiose. Crank non fa eccezione, con la distruzione sfrenata che Chev lascia dietro di sé e che fa sembrare il film una versione live-action di Grand Theft Auto. Tuttavia, la storia ha anche momenti teneri, tra cui il sincero amore di Chev per Eve. Il film non ha però tempo di rallentare spesso, considerando che Chelios deve letteralmente correre per sopravvivere, il che rende i pochi momenti emotivi ancora più intensi.

Dopo aver finalmente ucciso Ricky, nei momenti finali di Crank Chev può però trovare il tempo di chiamare Eve mentre cade a terra, dicendole: “Sei la migliore, piccola”. Nel mezzo della sua lotta per sopravvivere, Chev riflette quindi su come abbia corso per tutta la vita e capisce che avrebbe dovuto dedicare più tempo a capire cosa voleva davvero. Purtroppo, la consapevolezza di voler solo stare con Eve e abbandonare la sua vita violenta arriva troppo tardi. Tuttavia, fa pace con il suo destino, avendo completato la sua missione di vendetta.

Il “Beijing Cocktail” di Crank è un veleno reale?

All’inizio di Crank, a Chev viene detto che Verona gli ha iniettato il “Beijing Cocktail”, una droga sintetica che inibisce le ghiandole surrenali e alla fine porta alla morte. Per sopravvivere, Chev ricorre a misure sempre più disperate, tra cui sniffare flaconi di spray nasale (un consiglio che ha ricevuto durante l’esilarante cameo di Chester Bennington), iniettarsi epinefrina e persino fare sesso in pubblico. Tutto questo gli dà una scarica di adrenalina e gli permette di allontanare le vertigini e la nausea che lo assalgono rapidamente quando le sue condizioni peggiorano.

Fortunatamente, il “Beijing Cocktail” di Crank è una droga immaginaria, anche se le condizioni di Chev rispecchiano una condizione reale chiamata crisi surrenalica. Questa è causata quando le ghiandole surrenali non producono abbastanza cortisolo e, se non controllata, produce sintomi simili a quelli avvertiti dal protagonista interpretato da Statham. Se non trattata, la crisi surrenalica può portare a convulsioni, coma o morte per shock. Nel caso di Chev, una volta iniettato, il veleno si lega al suo sistema, rendendo inevitabile la morte.

Il motivo per cui Chelios non ha ucciso il boss della triade Don Kim

Si dice che l’avvelenamento di Chev sia una vendetta per l’assassinio del boss della triade Don Kim (Keone Young). Le triadi stavano invadendo il territorio di proprietà del boss di Chev, Carlito (Carlos Sanz), che in cambio ha mandato Chelios a uccidere Don Kim. Nonostante abbia la pistola puntata alla testa, Chev cambia idea e risparmia Don Kim, chiedendo in cambio che il boss scompaia per due giorni. Non avendo altra scelta, Don Kim accetta.

Verso la fine di Crank, Chev confessa a Eve di aver lasciato vivere Don Kim perché stanco di uccidere e di aver pianificato di fuggire con lei. Il suo piano avrebbe potuto funzionare, se Verona non avesse fatto irruzione nel suo appartamento e gli avesse iniettato il Beijing Cocktail. Don Kim ricambia almeno il favore di Chev aiutandolo nella battaglia finale.

Il tradimento di Carlito

Chev presume che il suo capo Carlito sarà un po’ più comprensivo quando gli chiede aiuto dopo essere stato avvelenato. Invece, Carlito sembra divertito dal fatto che il suo assassino sia ancora vivo e rivela che la sua morte imminente dovrebbe aiutare ad allentare le tensioni con le triadi dopo la “morte” di Don Kim. Si scopre così che Verona ha ricevuto l’ordine di uccidere Chev da Carlito, con Ricky destinato a diventare il sostituto di Chelio.

Il finale di Crank vede quindi Chelios cercare di uccidere entrambi gli uomini, con Carlito che rimane scioccato quando Don Kim arriva in aiuto di Chev. Il criminale pensava di aver superato in astuzia tutti con il suo piccolo piano, ma tra Chev che inaspettatamente risparmia il boss della Triade e il fatto di non aver semplicemente ucciso Chelios con un proiettile alla testa, il suo ego ha causato il crollo del suo impero.

La spiegazione della scena post-credits di Crank

Crank aveva una scena post-crediti già prima che i film tratti dai fumetti la rendessero di moda, con lo stinger del film del 2006 che sottolineava il suo DNA da videogioco. La premessa di base ricorda per molti versi un gioco arcade, e la breve scena post-crediti reimmagina, dunque, Chev in un gioco arcade, mentre spara alle persone e raccoglie delle iniezioni prima che il suo cuore alla fine esploda. Molti critici hanno tracciato un parallelo tra il film di Statham e titoli come Grand Theft Auto, quindi questa piccola sequenza animata è un divertente riferimento a tali somiglianze.

Gli ultimi momenti di Chev preparano il terreno per Crank 2: High Voltage

Tornando al finale, nella scena conclusiva di Crank l’eroe del film è decisamente morto. Ciononostante, Crank 2: High Voltage si apre con l’assassino che viene raschiato dalla strada con una pala e si risveglia mesi dopo. Il sequel rivela che il cuore inarrestabile di Chev è stato rimosso e inserito nel corpo di un membro malato della Triade, mentre a Chelios è stato impiantato un sostituto artificiale. Per mantenere il suo nuovo cuore in funzione, deve però costantemente sottoporsi a scariche elettriche per alimentarlo.

Crank potrebbe essere finito con la morte di Chelios, ma la sua resistenza e il fatto che il suo cuore battesse ancora nella scena finale hanno quindi preparato la sua resurrezione nel sequel. Naturalmente, anche se il suo cuore continuava a pompare, la caduta avrebbe comunque dovuto spezzargli tutte le ossa e ridurgli le interiora in poltiglia, ma Crank 2: High Voltage saggiamente non si preoccupa di affrontare nessuno di questi aspetti. Il sequel abbraccia pienamente la logica e l’eccentricità dei videogiochi, abbandonando ogni tentativo fatto dall’originale di sembrare realistico.

Gangs of Paris (titolo originale Apaches) è un thriller criminale del 2023 che si distingue per il suo approccio visivo crudo e per l’intensità del ritmo narrativo. Diretto da Romain Quirot, il film immerge lo spettatore nei meccanismi violenti e labirintici della criminalità organizzata parigina, restituendo una visione cupa e implacabile di una città frammentata tra legalità e caos. Il film – che si rifà vagamente a Gangs of New York – si impone come un’opera viscerale, in cui la tensione è costantemente alimentata da una regia che predilige inquadrature ravvicinate, atmosfere notturne e sequenze d’azione dal forte impatto. L’estetica urbana è parte integrante della narrazione, costruendo un universo realistico e inquietante che tiene incollati allo schermo.

Una delle caratteristiche più interessanti di Gangs of Paris è la sua capacità di raccontare la violenza non come spettacolo, ma come inevitabile conseguenza di un sistema sociale che si regge su fragili equilibri. I personaggi, mossi da una miscela di istinto di sopravvivenza e senso dell’onore, si muovono in un contesto in cui la linea tra vittima e carnefice è spesso sottile. La sceneggiatura evita volutamente facili moralismi, preferendo mostrare le scelte difficili e le zone grigie della vita criminale. Questo rende il film più vicino a un noir moderno che a un classico gangster movie.

Nel prosieguo dell’articolo ci concentreremo in particolare sul finale del film, che rappresenta una sintesi potente dei temi trattati e che offre allo spettatore un momento di riflessione sulle conseguenze delle azioni dei protagonisti. Si tratta di un epilogo che, pur mantenendo la coerenza con il tono realistico dell’opera, introduce un livello ulteriore di ambiguità e tensione. La spiegazione dettagliata di quanto accade nelle scene finali e del loro significato simbolico ci permetterà di comprendere meglio il messaggio complessivo di Gangs of Paris e il modo in cui il film si inserisce nel panorama contemporaneo del cinema europeo di genere.

La trama di Gangs of Paris

Quando uccidono Ficelle (Malik Frikah), viene ingiustamente arrestata sua sorella Billie (Alice Isaaz), una ladra di strada che deve scontare quindici anni di galera. Mentre è in carcere, la giovane donna progetta la sua vendetta nei confronti di Jésus (Niels Schneider), capo carismatico degli Apaches e assassino di suo fratello. Uscita di prigione, Billie si infiltra, senza farsi riconoscere, nel gruppo criminale per poter agire dall’interno. Li uccide uno ad uno per arrivare all’odiato Jésus. Ma più si avvicina a lui e più ne subisce il fascino diabolico.

La spiegazione del finale del film

Il finale di Gangs of Paris rappresenta il culmine tragico e simbolico di un percorso segnato da dolore, vendetta e alienazione. Billie, la protagonista della vicenda, dopo aver affrontato un violento viaggio di sangue e sopravvivenza, si ritrova faccia a faccia con Jésus, il carismatico ma spietato leader della gang responsabile della morte di suo fratello. Con la pistola in mano e l’emozione che le attanaglia il petto, Billie è a un passo dal compiere l’atto che ha giustificato ogni scelta, ogni rischio e ogni caduta nel baratro morale. Ma proprio quando potrebbe premere il grilletto e chiudere il cerchio, si ferma. La sua mano trema, non per debolezza, ma per la consapevolezza che, nell’inseguire la vendetta, è diventata simile a coloro che odiava.

Il momento che segue è denso di contraddizioni. Invece di uno sparo, nasce un gesto inaspettato: Billie e Jésus si scambiano un bacio, carico di tensione, desiderio e disperazione. Più che un atto d’amore, è una confessione silenziosa di ciò che entrambi hanno perso e di ciò che non saranno mai: redenti. La pioggia che cade su di loro pare voler purificare quella violenza che li ha segnati, ma la tregua emotiva è di breve durata. L’irruzione della polizia interrompe brutalmente l’attimo sospeso e suggella il loro destino. I colpi di arma da fuoco li abbattono insieme, fianco a fianco, come se la storia volesse ricordare che chi vive nel crimine, indipendentemente dalle motivazioni, è destinato a pagarne il prezzo.

Questa conclusione, brutale e definitiva, sovverte le aspettative del genere. Non c’è giustizia compiuta, non c’è vendetta portata a termine, né redenzione possibile. La morte di Billie e Jésus è la manifestazione più cruda dell’assenza di una via d’uscita in un mondo in cui la violenza genera solo altra violenza. Nessun vincitore, solo corpi a terra e sogni infranti. Lo spettatore, lasciato in silenzio di fronte a questo epilogo, non può che interrogarsi sul senso dell’intera spirale autodistruttiva che ha animato i personaggi.

Il film, in questo modo, va ben oltre la semplice struttura del revenge movie. Gangs of Paris si inserisce in quella tradizione del noir urbano europeo che affonda le mani nel realismo psicologico, nella messa in scena di marginalità e scelte impossibili. Il regista sceglie di non offrire consolazione o chiusura catartica: il bacio sotto la pioggia e la morte immediata parlano di una condanna esistenziale, di anime perdute che si sono riconosciute solo un attimo prima della fine.

In ultima analisi, il film solleva domande importanti sul significato della vendetta e sulla possibilità di redenzione nei contesti in cui il crimine è l’unica lingua parlata. Billie parte con la determinazione di vendicare il fratello, ma nel cammino perde se stessa. La sua esitazione finale è il gesto più umano di tutta la vicenda, e paradossalmente, anche il più tragico. Invece di affrancarsi dalla violenza, ne viene inghiottita, proprio mentre sembrava vicina a un barlume di umanità. Gangs of Paris ci ricorda così che la vendetta non salva: distrugge, lentamente, chi la insegue.

Un amore a 5 stelle è una commedia romantica del 2002 diretta da Wayne Wang, regista noto per il suo eclettismo e per la capacità di attraversare generi diversi, dal dramma intimista all’intrattenimento mainstream. Con questo film, Wang si cimenta in una favola moderna che gioca con i cliché del genere ma riesce a proporli con leggerezza e freschezza. Al centro della narrazione vi è un incontro fortuito che sfida le barriere sociali, ambientato nello sfavillante microcosmo di un hotel di lusso newyorkese, una scelta che accentua il contrasto tra i mondi dei due protagonisti.

A rendere il film particolarmente memorabile è la coppia formata da Jennifer Lopez e Ralph Fiennes. Lopez, all’epoca già affermata sia nel mondo della musica che in quello cinematografico, interpreta Marisa Ventura, una madre single di origini latine che lavora come cameriera in un hotel di Manhattan. Fiennes, noto per ruoli più drammatici, sorprende con un’interpretazione più leggera nel ruolo del senatore Christopher Marshall. La loro chimica sullo schermo riesce a tenere in piedi una trama basata sul classico malinteso romantico, dando nuova vita a uno schema narrativo collaudato ma sempre efficace.

Nel contesto della commedia romantica dei primi anni Duemila, Un amore a 5 stelle si inserisce come una variante dal tono fiabesco e multietnico, portando sullo schermo una protagonista latina in un ruolo da moderna Cenerentola. Nel corso dell’articolo, approfondiremo alcune curiosità legate alla produzione, come le location scelte per rappresentare l’eleganza e il fascino di New York, o le canzoni che compongono la colonna sonora del film, in grado di amplificare l’emozione delle scene chiave. Si tratta di dettagli che arricchiscono ulteriormente un film capace di far sognare, ma anche riflettere su temi come l’identità, l’ambizione e l’amore che supera le barriere sociali.

La trama di Un amore a 5 stelle

Un amore a 5 stelle segue la storia di Marisa Ventura, una madre single di origini portoricane che lavora come cameriera in un prestigioso hotel di Manhattan. Marisa è una donna determinata, che cerca di costruire una vita migliore per sé e per suo figlio, sognando un futuro oltre i limiti imposti dalla sua condizione sociale. Un giorno, per una serie di circostanze fortuite e malintesi, Marisa indossa un elegante completo firmato da una cliente dell’hotel e viene scambiata per un’ospite benestante da Christopher Marshall, un affascinante e potente senatore in ascesa. Tra i due nasce subito un’attrazione reciproca, ma Marisa è costretta a portare avanti la bugia per non perdere l’unica occasione che ha di vivere un sogno.

Le location del film

Un amore a 5 stelle è ambientato principalmente a New York, e in particolare nell’esclusivo Hotel Beresford, un edificio fittizio che nel film funge da simbolo del lusso e dell’élite della città. In realtà, le riprese interne dell’hotel sono state effettuate al Waldorf-Astoria, uno degli alberghi storici di Manhattan, che appare in molte delle scene principali: dalla hall in cui Marisa incontra per la prima volta Christopher, alle stanze eleganti in cui la donna si finge ospite. I corridoi, gli ascensori e i saloni dell’hotel forniscono la cornice ideale per lo scambio di identità e per la crescita del rapporto tra i due protagonisti.

Al di fuori dell’hotel, numerose sequenze sono state girate in alcune delle zone più riconoscibili di New York. Una scena significativa si svolge a Central Park, dove Marisa e Christopher si concedono una passeggiata romantica lontano dagli sguardi indiscreti. Inoltre, alcune sequenze ambientate nei quartieri residenziali mostrano il Bronx, dove vive realmente Marisa con suo figlio, offrendo un contrasto visivo e sociale con l’ambiente patinato dell’hotel. Anche il Metropolitan Museum of Art viene brevemente inquadrato, rafforzando il senso di immersione nella cultura e nel cuore pulsante della Grande Mela.

Le canzoni del film

La colonna sonora di Un amore a 5 stelle contribuisce in modo essenziale a creare l’atmosfera romantica e sofisticata del film, accompagnando i momenti chiave con brani selezionati che ne amplificano l’emotività. Una delle canzoni più memorabili è “I’m Coming Out” di Diana Ross, utilizzata in una scena emblematica in cui Marisa, indossando l’abito di un’ospite dell’hotel, esce dalla stanza trasformata in una donna che per la prima volta si sente davvero vista. Il ritmo vivace del brano sottolinea la carica di fiducia e audacia che il personaggio inizia a sperimentare.

Un altro momento musicale significativo è segnato da “Fall Again” interpretata da Glenn Lewis, che si ascolta durante una delle scene più intime tra Marisa e Christopher, quando i due condividono pensieri personali e iniziano a creare una connessione autentica. Inoltre, “Train on a Track” di Kelly Rowland accompagna una delle sequenze finali, sottolineando il momento di risoluzione e speranza romantica che conclude la storia. La soundtrack include anche “Meant to Be” di Lisa Lisa, perfetta per rappresentare il tono dolce e ottimista del film. Tutte queste canzoni aiutano a scandire l’evoluzione della relazione tra i protagonisti e a rendere il film una tipica e riuscita commedia romantica dei primi anni Duemila.

The Double è un thriller del 2011 diretto da Michael Brandt, con Richard Gere e Topher Grace nei ruoli principali. Apparentemente una classica caccia alla spia russa, il film si trasforma presto in un intricato gioco di specchi, dove nulla è come sembra. I continui colpi di scena e l’ambiguità morale dei personaggi spingono lo spettatore a interrogarsi fino all’ultimo fotogramma.

A distanza di anni dalla sua uscita, The Double continua a dividere gli spettatori, soprattutto per il suo finale spiazzante. L’identità dell’agente segreto, le motivazioni che muovono i protagonisti e le implicazioni del doppio inganno rappresentano i nodi centrali da chiarire. In questo approfondimento, analizziamo la trama, il significato del titolo e il senso del colpo di scena finale.

Cosa succede in The Double

La trama di The Double si apre con l’omicidio di un senatore americano. Le modalità dell’uccisione suggeriscono il ritorno di un leggendario assassino russo: Cassius, una figura sfuggente dei tempi della Guerra Fredda. L’FBI decide di riaprire il caso e affida le indagini a Ben Geary (Topher Grace), giovane agente esperto di spionaggio sovietico, affiancandogli il veterano Paul Shepherdson (Richard Gere), ex agente della CIA in pensione e diretto conoscitore di Cassius.

Fin da subito, Shepherdson appare riluttante a collaborare, ma accetta con freddezza. La narrazione alterna momenti investigativi a flashback oscuri, in cui il passato delle due spie emerge lentamente. Tuttavia, il primo grande colpo di scena arriva piuttosto presto: Paul Shepherdson è in realtà Cassius, da anni sotto copertura negli Stati Uniti. Questo ribalta completamente il punto di vista iniziale del film, facendo del cacciatore la preda mancata di un sistema che non ha mai smesso di essere ambiguo.

Da quel momento, The Double cambia pelle e diventa un duello psicologico tra Paul/Cassius e Geary, che sospetta ma non ha ancora le prove per incastrarlo. I due si studiano, si provocano, si mettono alla prova in un crescendo di tensione. Il passato di Paul, costellato di omicidi e tradimenti, si riflette nel presente di Geary, che si ritrova davanti a un bivio: credere nell’istituzione o nella verità nuda e cruda che ha di fronte.

Il film culmina in una resa dei conti violenta e morale, dove Shepherdson rivela il vero scopo del suo ritorno: non coprire l’omicidio iniziale, ma chiudere definitivamente i conti con un’altra spia sovietica ancora attiva. Alla fine, Cassius porta a termine la sua missione e scompare, lasciando Geary — e lo spettatore — con una serie di domande sull’identità, la fedeltà e la natura stessa della guerra tra intelligence.

Spiegazione del finale: perché Paul/Cassius agisce così

Il colpo di scena centrale di The Double è la rivelazione dell’identità di Paul Shepherdson: l’ex agente CIA è in realtà Cassius, il leggendario assassino sovietico creduto morto da anni. La sua decisione di tornare in azione non nasce però da fedeltà alla madrepatria o da motivazioni ideologiche, ma da un bisogno personale di vendetta. Paul/Cassius è spinto da un’urgenza privata: regolare i conti con chi ha distrutto la sua famiglia.

Il vero obiettivo: vendetta, non patriottismo

Shepherdson/Cassius viene coinvolto nelle indagini ufficiali solo per coprire la sua reale intenzione: eliminare Bozlovski, un’altra spia russa rimasta in attività, colpevole — si intuisce — di un tragico evento nel passato di Paul. L’omicidio iniziale del senatore è solo l’esca per avviare la caccia. L’intero caso, quindi, è manipolato da Cassius per far emergere il suo bersaglio.

La rivelazione ristruttura tutta la narrazione del film: non si tratta più solo di “chi è la spia”, ma di “perché agisce come una spia”. Cassius non agisce per ideologia ma per risolvere un debito personale. Questo lo rende un personaggio ambiguo ma profondamente umano.

Ben Geary: il giovane agente e il doppio gioco

Nel finale emerge anche un’altra verità disturbante: Ben Geary, il giovane agente dell’FBI, è un doppiogiochista. È stato addestrato dai russi e infiltrato negli Stati Uniti come parte di una nuova ondata di spie. Tuttavia, la sua relazione con Paul — tra rivalità e rispetto — complica la situazione. Geary inizia ad ammirare l’uomo che dovrebbe smascherare, e questa tensione culmina nella scelta finale.

Dopo la resa dei conti con Bozlovski, Shepherdson rimane ferito a morte. Prima di morire, affida a Geary una decisione: lasciare che la verità venga dimenticata, e che Cassius venga ricordato come l’uomo che ha fermato una minaccia. Geary accetta, non tanto per lealtà verso Paul, ma forse per proteggere sé stesso e la sua doppia identità.

Un finale aperto: identità, eredità, ambiguità

Il film si chiude senza risposte definitive. Cassius muore, ma resta il dubbio su quale parte di lui abbia prevalso: l’assassino, il patriota o l’uomo in cerca di giustizia personale. Allo stesso modo, Ben Geary continua la sua vita americana, ma la consapevolezza del suo passato da infiltrato getta ombre sul suo futuro.

The Double non offre un lieto fine, né una morale semplice. Il suo messaggio finale sembra suggerire che, in un mondo di spie e menzogne, la verità è solo una versione tra tante, e i ruoli di eroe e traditore possono coincidere.

Temi e simboli in The Double

Il concetto di “doppio”

Come suggerisce il titolo stesso, The Double ruota intorno al concetto del “doppio”: doppia identità, doppia lealtà, doppia faccia della verità. Paul è al tempo stesso un agente americano e un assassino russo, Geary è un investigatore e un infiltrato. Ma il doppio è anche un simbolo del conflitto interiore dei personaggi, della tensione tra ciò che sono e ciò che fingono di essere.

Il confine tra bene e male

Il film mette in crisi ogni distinzione netta tra buoni e cattivi. Cassius è responsabile di decine di omicidi, ma lo spettatore finisce per comprenderne le motivazioni. Geary, inizialmente idealista e moralmente integro, si rivela un uomo cresciuto in un’ombra ancora più oscura. In The Double, il male non è solo l’antagonista: è una zona grigia dove i personaggi devono sopravvivere.

Il tradimento come condizione esistenziale

Il tradimento è un altro tema centrale: Paul ha tradito il suo paese, ma anche sé stesso. Geary tradisce l’FBI, ma anche la fiducia di chi lo ha formato. E in mezzo a tutto questo, lo spettatore si trova a interrogarsi su cosa significhi davvero “fedeltà” in un mondo fatto di menzogne e compromessi. In questo senso, The Double si avvicina più alla tragedia morale che al semplice thriller d’azione.

L’assenza di una chiusura netta

Il film si chiude senza una giustizia chiara, senza punizioni esemplari, e con il peso della verità lasciato in sospeso. Questa scelta narrativa è coerente con i suoi temi: la verità è una costruzione, e il doppio — inteso come maschera o ombra — non può essere eliminato, solo compreso. È una conclusione inquieta, ma lucida.

L’ordine cronologico degli eventi di Strange Darling offre una visione completa della trama del film e spiega perché è stato raccontato in ordine sparso. Il thriller del 2024 sui serial killer, scritto e diretto da JT Mollner, è composto da sei capitoli e un epilogo presentati in ordine sparso. Questo permette ai colpi di scena di svolgersi con un senso di disorientamento ancora maggiore e potrebbe essere uno dei motivi per cui il film ha ottenuto un punteggio Certified Fresh del 95% su Rotten Tomatoes e un elogio da Stephen King, che lo ha definito un “capolavoro intelligente” su X.

Il cast di Strange Darling è guidato da due star provenienti da diversi angoli del franchise di Scream. Sebbene entrambi i personaggi siano senza nome per tutto il film e abbiano solo nomi generici nei titoli di testa, The Demon è interpretato da Kyle Gallner, che ha interpretato Vince Schneider, vittima di Ghostface, nel sequel del 2022 Scream, oltre ad aver recitato in altri recenti titoli horror tra cui Smile e Mother, May I?. Al fianco di Gallner, The Lady è interpretata da Willa Fitzgerald, che ha interpretato il personaggio principale Emma Duval nelle prime due stagioni di Scream: The TV Series di MTV.

Mister Snuffle

Capitolo 1

Cronologicamente, la prima cosa che accade nel film thriller è l’avventura di una notte tra The Demon e The Lady, che flirtano nella sua auto parcheggiata fuori da un motel e alla fine entrano all’interno. Sebbene questo venga rivelato solo più avanti nel capitolo, durante questa conversazione, stabiliscono le regole per un incontro BDSM, inclusa una parola di sicurezza. Come richiesto, The Demon assume il ruolo di un killer spietato e The Lady usa la parola di sicurezza, dicendo che ha bisogno di una pausa ma assicurandogli che si sta divertendo e che vuole continuare.

La parola di sicurezza dà il titolo al capitolo 1, anche se i personaggi in realtà dicono “Mr. Snuffleupagus”.

Sebbene “Mister Snuffle” sia il primo capitolo di Strange Darling, nel film è presentato come terzo. Offre il primo vero indizio di ciò che potrebbe accadere tra i due personaggi, perché il momento in cui il Demonio sembra svelare le tendenze omicide che sono state mostrate nei capitoli precedenti si rivela essere parte del loro gioco prestabilito.

Ti piace fare festa?

Capitolo 2

Il secondo capitolo di Strange Darling continua l’incontro tra The Demon e The Lady nella stanza del motel. Mentre fa la difficile, lei gli offre della cocaina ma gli somministra di nascosto della ketamina. Mentre lui è svenuto, lei incide le iniziali “E.L.” sul suo petto e si prende una pausa in bagno per frugare tra le sue cose, dove scopre che lui è un poliziotto. Prima che lei possa sferrare il colpo mortale con il coltello, lui le spara con la pistola nascosta e lei fugge, accoltellando un impiegato del motel e rubando l’auto a una donna nella hall.

Questo capitolo è il quinto nell’ordine originale del film, rendendolo il penultimo capitolo prima dell’epilogo. Offre un contesto più completo su ciò che è accaduto esattamente nei primi momenti del film, spiegando perché The Demon sta inseguendo The Lady mentre sniffa cocaina per tenersi sveglio, oltre ad altri dettagli importanti su come lei è vestita e dove ha preso la sua auto.

Puoi aiutarmi? Per favore?

Capitolo 3

Il capitolo 3 riprende poco dopo il capitolo 2. Il Demone è salito sul suo furgone e sta sniffando cocaina per restare sveglio mentre insegue la Signora nella sua auto rubata, cercando di fermarla con il suo fucile. Le spara al parabrezza posteriore, causando un incidente, così lei fugge nel bosco, dove trova un campeggio abbandonato e usa dell’alcol per disinfettare la ferita al collo che le ha provocato il colpo di fucile del Demone nel capitolo 2. Poi corre attraverso il bosco e trova una capanna nelle vicinanze, dove bussa alla porta e chiede aiuto agli abitanti.

Quando la donna si avvicina alla capanna, gli abitanti stanno ascoltando una trasmissione radiofonica su Bigfoot, dove il conduttore è doppiato dall’attore Giovanni Ribisi, che è anche il direttore della fotografia del film.

Questo capitolo è il primo ad essere riprodotto nel film. Poiché riprende durante una scena di inseguimento frenetica senza dialoghi, permette al pubblico di supporre che il Demone sia il serial killer e che la Signora sia la sua vittima innocente che cerca di salvarsi la vita con ogni mezzo necessario.

La gente di montagna

Capitolo 4

Il capitolo 4 riprende tecnicamente poco prima del capitolo 3, seguendo la coppia sposata Frederick (Ed Begley Jr.) e Genevieve (Barbara Hershey) durante la loro idilliaca mattinata nella loro capanna di montagna prima che la Signora bussi alla loro porta in preda al panico. I due le offrono aiuto, ma quando Frederick cerca di chiamare la polizia, la Signora lo pugnala a morte. Cerca di evitare di uccidere Genevieve, trovando un posto comodo dove intrappolarla, ma quando Genevieve fugge e il Demonio si avvicina con il fucile, la Signora rinuncia alla donna e si nasconde in un congelatore.

“The Mountain People” è il quarto capitolo del film vero e proprio. Si trova all’incirca a metà del film e oltre, ed è qui che la storia rivela definitivamente che la Signora è un’assassina, anche se la sua storia completa non è ancora stata rivelata.

Qui, Kitty, Kitty…

Capitolo 5

Il capitolo 5 di Strange Darling è un’altra sequenza quasi completamente priva di dialoghi, anche se il titolo “qui, gattina, gattina…” viene ripetuto più volte dal Demone mentre vaga per la capanna della Gente delle Montagne e spara nei possibili nascondigli della Signora. La scena alterna frequentemente le immagini della sua ricerca e quelle di lei che accende un accendino all’interno di uno spazio chiuso, prima che lui spari al congelatore, scoprendo dove si trova e mettendola fuori combattimento.

[Questo] sta a significare che il Demone ha ucciso Frederick…

“Qui, Kitty, Kitty…” è il secondo capitolo mostrato nel film. A questo punto, il pubblico è ancora indotto a credere che il Demone sia un serial killer a caccia di una vittima innocente. Il fatto che stia dando la caccia alla Signora mentre il cadavere di Frederick giace in una pozza di sangue in cucina implica che il Demone abbia ucciso Frederick, anche se il capitolo 4 rivelerà in seguito che non è così. Il pubblico non sa ancora esattamente dove si nasconda la Signora nella casa, il che aumenta la tensione.

​​Chi è Gary Gilmore?

Capitolo 6

Dopo aver ammanettato la Signora e chiamato un amico in rinforzo, il Demone decide di non ucciderla per non rischiare una pena detentiva più severa. Lei si sveglia e recita un monologo in cui dice che non vuole morire, sottintendendo che ama il Demone, ma poi lo spruzza con lo spray al peperoncino e gli strappa un pezzo di collo, uccidendolo. Quando gli agenti di polizia Gale (Madisen Beaty) e Pete (Steven Michael Quezada) arrivano sulla scena, la donna finge di essere una vittima del Demone e Pete, con riluttanza, permette a Gale di portarla in ospedale per ricevere cure mediche.

Gary Gilmore, citato dalla donna nel suo monologo, è un vero assassino condannato a morte che nel 1977 ha chiesto di essere giustiziato dal plotto.

Mentre i tre stanno allontanandosi in auto, Genevieve si avvicina alla polizia e chiede aiuto. La Signora smaschera la donna sparandole alla testa e rivelando di essere la famigerata serial killer Electric Lady. Ordina a Gale, in preda al panico, di uscire dall’auto e fuggire nel bosco e dice a Pete di continuare a guidare.

Il capitolo finale della storia principale di Strange Darling è l’unico capitolo presentato in ordine cronologico. Ora che ogni dettaglio dei personaggi e delle loro motivazioni è stato rivelato, la storia della loro avventura di una notte finita male può giungere alla sua sanguinosa conclusione.​​​​​​​

The Electric Lady

Epilogo

Mentre si allontanano in auto, Pete chiede alla Lady perché uccide le persone e lei gli risponde che a volte vede dei diavoli al posto delle persone. In quel momento sembra vedere lui come un diavolo e gli spara uccidendolo. Mentre cammina lungo la strada, viene raccolta da una donna su un furgone. Quando punta una pistola contro la donna, l’autista se ne accorge e spara per prima alla Lady. Quindi chiama i servizi di emergenza e inizia a portare la Signora in ospedale, ma la Signora muore per le ferite riportate durante il tragitto.

L’epilogo di Strange Darling è il secondo e ultimo movimento della storia raccontata in ordine cronologico ed è essenzialmente un’estensione del capitolo 6. Probabilmente è presentato come un epilogo perché riguarda il destino finale della Signora piuttosto che presentare le storie intrecciate di lei e del Demone.

Strange Darling è un thriller acclamato che racconta una storia contorta che coinvolge un serial killer, e gli spettatori potrebbero chiedersi se alcune parti del film siano basate su una storia vera e su un caso reale. Diretto da JT Mollner, Strange Darling è uno dei film più apprezzati del 2024, con una valutazione del 96% da parte della critica su Rotten Tomatoes e persino Stephen King che si è unito alle lodi. Con una trama non lineare costruita attorno a una donna e un uomo la cui avventura di una notte li porta entrambi a essere coinvolti nella caccia a un serial killer, è un film unico nel genere thriller poliziesco.

Ogni volta che un film affronta il tema dei serial killer, è naturale chiedersi se alcuni elementi siano ispirati a eventi reali o a un caso di omicidio realmente accaduto. In genere, se questo è il caso, all’inizio o alla fine del film compare una didascalia che recita “Basato su una storia vera”. Chiunque guardi Strange Darling al cinema non vedrà alcuna didascalia di questo tipo. Il film di Mollner permette agli spettatori di partecipare alla caccia al serial killer noto come “The Electric Lady”. Mentre Strange Darling conclude la storia, le domande sulla vera storia rimangono senza risposta.

Il regista di Strange Darling non ha confermato né smentito che il film sia ispirato a una storia vera

The Electric Lady esiste davvero?

Al momento non è confermato che Strange Darling sia basato su una storia vera. Il film non presenta la storia come se fosse basata su eventi reali o su un vero killer che ha ispirato gli omicidi di The Electric Lady. Ciò suggerirebbe che Strange Darling non sia basato su una storia vera, ma sia invece una storia completamente originale immaginata da JT Mollner. Non esiste alcun serial killer reale che abbia il nome di The Electric Lady. Tuttavia, JT Mollner ha anche rifiutato di confermare o smentire che Strange Darling contenga elementi di storia vera.

L’Electric Lady uccide le persone quando vede il diavolo al posto di una persona

In un’intervista con CBR, Mollner ha semplicemente risposto “Forse!” quando gli è stato chiesto se il film fosse basato su una storia vera. Ha incoraggiato il pubblico a fare delle ricerche e a scoprire se c’è qualcosa della vita reale che ha utilizzato per Strange Darling. Il motivo per cui ha rifiutato di rispondere direttamente alla domanda è perché temeva che scavare nelle possibili ispirazioni per gli omicidi potesse essere uno spoiler. Ha concluso dicendo che spera che Strange Darling sembri reale al pubblico, indipendentemente dal fatto che sia basato o meno su una storia vera.

In che modo la storia di Strange Darling è simile ai casi di serial killer reali

C’è una differenza fondamentale

Non c’è un paragone diretto tra la storia di Strange Darling e gli omicidi di The Electric Lady e gli eventi reali. Lei è spinta ad uccidere chiunque creda essere il diavolo, aggiungendo un elemento spirituale al caso. Tuttavia, questa motivazione è opposta a quella più comune nella vita reale e nei film, in cui qualcuno uccide per conto del diavolo. In questo senso, la storia del serial killer di Strange Darling è molto diversa da quella che si trova tipicamente in questo tipo di narrazioni o casi. Se esiste una storia vera che ha ispirato Strange Darling, deve ancora essere scoperta.