Trai film più attesi della stagione, spicca senza ombra di dubbio The Fabelmans, nuovo lungometraggio di Steven Spielberg. Attraverso la lente della finzione cinematografica alcuni importanti autori hanno saputo raccontare se stessi, non soltanto la propria visione del mondo ma anche la storia personale che li ha in qualche modo condotti ad essa. Con il suo ultimo The Fabelmans, Spielberg ci regala un film che riduce tale lente a uno strato sottilissimo, mettendo in scena gli anni della sua giovinezza e gli eventi che lo hanno condotto all’amore per la Settima Arte.

The Fabelmans, fare i conti con la propria storia

Lo scopo principale appare senza dubbio quello di fare i conti con i fatti che hanno minato l’unità familiare nella sua adolescenza, indirizzandolo verso il cinema come momento di evasione dal dolore del quotidiano ma anche come mezzo per esprimere quel dolore stesso, incanalandolo in una storia capace di parlare al grande pubblico. E Steven Spielberg, ovvero uno dei più grandi narratori per immagini dei nostri tempi – se non il più grande – con The Fabelmans fa ancora una volta proprio questo: sviluppa una storia di crescita e accettazione che rimane comunque finzione, ovvero quella finzione quella che lui stesso avrebbe voluto vivere.

Madre e Padre

Anche se in superficie il personaggio portante della trama è Mitzi, la madre del giovane protagonista Sam, nel profondo The Fabelmans è un atto d’amore verso la figura paterna di Burt, una figura che nel cinema si Spielberg è stata costantemente motivo di frustrazione: pensate ad esempio ai padri assenti, manipolatori, distratti di film come E.T., Prova a prendermi o Incontri ravvicinati del terzo tipo, solo per citare gli esempi maggiormente espliciti. In questo ultimo lungometraggio autobiografico (a modo suo…) Spielberg invece celebra la resilienza, l’abnegazione, la devozione incondizionata di un uomo destinato ad amare una donna a cui sta troppo stretta la vita che lui può offrirle.

Sotto questo punto di vista The Fabelmans si conferma, alla maniera di molti film del primo Spielberg, una favola che reinterpreta la realtà. O meglio l’espressione di un desiderio preciso, quello di aver avuto la possibilità di capire meglio i propri genitori. In certi momenti sembra quasi che il cineasta voglia spiegarci perché negli anni ‘70 e ‘80 faceva film in quel modo, e questo introduce un certo didascalismo nella narrazione e nell’estetica scelta per The Fabelmans.

Al tempo stesso però troviamo nel film sequenze che parlano di cinema in maniera talmente precisa e profonda da colpire dritte al cuore: Spielberg ci mostra ad esempio con straordinaria semplicità ed efficacia che fare cinema ha significato per lui tentare di prendere il controllo della propria vita, oppure che si possono usare le immagini quando le parole diventano troppo pesanti o dolorose per poter essere pronunciate.

Spielberg strizza l’occhio a John Hughes

Questi sono i momenti più belli di The Fabelmans, opera che possiede anche momenti di incredibile e insieme dolorosa leggerezza, alla maniera di quel John Hughes a cui Spielberg strizza più volte l’occhio in questo lungometraggio. E a chiudere un’operazione tanto complessa e stratificata proprio perché estremamente personale, ci sono gli ultimi dieci minuti che sono qualcosa che è difficile definire, tante sono le emozioni che racchiude: una sequenza cinefila, spassosa, geniale anche nella scelta di un cameo straordinariamente assurdo eppure perfetto che ovviamente non vi spoileriamo. 

Per quanto riguarda la direzione degli attori, Spielberg si conferma perfetto regista di giovani interpreti, consentendo al protagonista Gabriel LaBelle di regalarci una prova maiuscola, trattenuta e sofferta nella prima parte e poi progressivamente più libera e carismatica quando invece il personaggio di Sam inizia a trovare la forza per lottare al fine di affermare la propria personalità. Straordinaria – giustamente nominata all’Oscar – la partecipazione del grande veterano Judd Hirsch in una sola ma fondamentale sequenza. Funzionano a dovere Paul Dano e Seth Rogen, mentre invece si sviluppa a corrente alternata la prova di Michelle Williams, la quale a tratti sembra incerta sul come interpretare una figura femminile la cui frustrazione emotiva conduce ad atteggiamenti eccessivamente melodrammatici. 

Riscrivere la propria infanzia con il cinema

The Fabelmans è un film forse un po’ troppo alterno nei toni e nell’esposizione della storia per convincere del tutto: nei momenti in cui funziona è di una potenza emotiva profonda, in altri al contrario fa pensare a quanto altri giovani protagonisti nel cinema di Steven Spielberg si siano rivelati maggiormente emblematici di Sam Fabelman. A conti fatti, il senso di solitudine e di innocenza perduta derivati dall’aver perso il sostegno del nucleo familiare hanno trovato piena rappresentazione in altri film dell’autore – su tutti a nostro avviso si staglia il giovane Christian Bale de L’impero del sole – ma a conti fatti probabilmente non è neppure questo lo scopo di The Fabelmans.

Spielberg sembra volerci dire che, alla soglia dei 76 anni, con quello che gli è accaduto, lui ci ha finalmente fatto i conti. Alla sua maniera, ovvero adoperando il cinema come “fabula”, come possibilità di riscrivere la propria storia interiore. E sotto questo punto di vista il suo film è quantomai prezioso. 

Juliette Binoche torna sul grande schermo con Incroci Sentimentali, pellicola romance dal taglio dolceamaro di Claire Denis. La regista propone una storia convenzionale, quella dell’adulterio, mettendo enfasi sui punti di rottura dei personaggi per invadere l’intimità di una coppia il cui rapporto apparentemente sano si sbriciola a causa della debolezza carnale e amorosa.

Il lungometraggio, vincitore dell’Orso d’argento per il miglior regista al Festival Internazionale del cinema di Berlino, è la trasposizione cinematografica del romanzo di Christine Angot, Un tournant de la vie, la cui sceneggiatura porta anche la sua firma. Incroci Sentimentali è distribuito da Curiosa Films e sarà nelle sale dal 17 novembre.

Incroci sentimentali, la trama

Sara (Juliette Binoche) e Jean (Vincent Lindon) sono una coppia ben consolidata da oramai dieci anni, la cui però intesa è molto più forte a livello sessuale che comunicativo. Lei è una giornalista radiofonica, lui un ex giocatore di rugby finito in carcere per alcuni anni. Dopo una vacanza rilassante al mare, i due amanti tornano alle loro ordinarie vite fatte di caffè al mattino e sguardi sui tetti parigini in un balcone che sa di vissuto.

Quando un giorno Sara intravede il suo ex Francois (Gregoire Colin), amico di Jean, con il quale molto tempo addietro aveva condiviso un amore folle e passionale, la vita della donna viene sconvolta. Il ritorno di Francois nella sua quotidianità come presenza assidua, provoca un’incrinatura nella sua relazione con Jean, fino a farle compiere un passo che metterà in discussione tutte le sue credenze.

Il tema del “frutto proibito”

Secondo William Indick, le pellicole d’amore per funzionare bene devono mettere in scena il complesso di Edipo, che sia presentato letteralmente (più di rado) oppure metaforicamente. Provando a pensare alla sceneggiatura di Incroci Sentimentali, è evidente – grazie al tema trattato – come la rivalità fra Jean e Francois si sia costruita proprio su questo concetto freudiano. Il figlio, che nel complesso di Edipo vede nel padre una minaccia per la conquista dell’amore della madre, a livello cinematografico si tramuta nel personaggio che deve confrontarsi con il suo rivale per possedere l’oggetto del proprio amore. Nel racconto portato in scena da Claire Denis è l’amore di Sara al centro della conflittualità fra i protagonisti maschili.

All’interno della pellicola viene posizionato quello che comunemente è chiamato il tema del “frutto proibito”, in questo caso rappresentato dalla trama adulterina. Jean è messo davanti ad una verità amara: si contende l’amore di Sara proprio con Francois, suo caro amico. Ma il complesso di Edipo qui è simbolico – poiché ripropone le stesse emozioni di base – e nasce in Francois che nel sentimento di Sara vede, moralmente e pubblicamente, un tabù. È qui che si scatena la rivalità nei confronti di Jean, proprio come il figlio con il padre. La “competizione” fra i due amici, Denis la fa esplodere nella crisi della storia fra Jean e Sara, con un finale il cui messaggio è chiaro: a volte non esiste scelta fra la persona giusta e quella sbagliata, e se non si ha il coraggio di capirlo entra in gioco il destino, in un modo o nell’altro.

Un amore che diventa prigione

In Incroci Sentimentali la messinscena si spoglia di ogni orpello e decide, attraverso una scelta registica mirata, di prediligere primi e primissimi piani per porre l’attenzione sul meccanismo dello sguardo e l’evoluzione dello stesso, da cui si elevano sentimenti ed emozioni. È la stessa macchina da presa che conduce lo spettatore a confrontarsi con la trasformazione dei protagonisti, con i loro conflitti interiori, accendendo la luce sui loro stati d’animo che nel progredire della storia prendono forme diverse, fino al compiersi di un climax in cui pathos e gravitas sentimentale sono preponderanti.

Ci si ritrova faccia a faccia, e cuore a cuore, con i desideri più profondi di Jean e Sara, riuscendo a leggere quanto dai loro occhi che dalle rughe d’espressione, i loro più reconditi pensieri. Le immagini che tracciano come una matita i loro volti, inabissandosi nella loro intimità, rendono palese ciò che i dialoghi – già in deficit – non riescono o non vogliono esprimere. È il processo della consapevolezza a essere messo in moto, e si sceglie di descriverlo dando spazio ai silenzi – che rappresentano anche un’insufficiente comunicazione nella coppia – piuttosto che all’eccesso delle parole. È dunque grazie alle sequenze più tacite che ci si accorge di star assistendo alla distruzione del concetto di lealtà, più che di un amore (forse finito anche molto prima), all’interno di una casa che se un tempo era libertà ora diventa prigione.

Incroci Sentimentali risulta perciò un film da osservare con minuzia per coglierne le sfumature, e pone l’accento sui problemi di coppia, incorniciati dall’incomprensione di due persone che, seppur si amino, non riescono a trovare un equilibrio. L’invadenza della mdp è solo un’escamotage per portare la fruizione ai massimi livelli di empatia e identificazione, con lo scopo di esporre uno spaccato di realtà, quella coniugale, che sempre più spesso si frantuma influenzato da tentazioni esterne.

Tori e Lokita dopo la premiazione al Festival di Cannes dove ha ricevuto il premio per il 75° anniversario, arriva in Italia con Lucky Red dal 24 novembre al cinema. Un film forte e di impatto quello che portano in scena Jean-Pierre e Luc Dardenne presentando alla stampa di Roma il loro nuovo lungometraggio. I registi belgi ancora una volta si fanno portatori di un messaggio di umanità raccontando le vicende di questi due ragazzi che si trovano emarginati dal mondo. Dopo Rosetta, che ha conquistato la Palma d’oro a Cannes nel 1999 e Una storia d’amore, anch’esso premiato a Cannes nel 2005, Tori e Lokita rappresenta uno spaccato di vita vera con cui il pubblico – sperano i registi – possa provare una profonda empatia.

Tori e Lokita, la recensione

Una storia, quella di Tori e Lokita, che racconta non un determinato fatto della cronaca odierna ma la realtà che l’Europa intera si ritrova ad affrontare. La storia di due giovani immigrati – non maggiorenni – che arrivano in Italia per assaporare la libertà. In realtà, il film dei Dardenne ci spiega cosa si nasconde dietro questa libertà e di come, in questo caso, sia così difficile ottenerla pienamente. La storia è ambientata in Belgio, dove Pablo Schilds (che interpreta Tori) segue Lokita (Joely Mbundu) creando una piccola famiglia. I giovani Tori e Lokita sono arrivati in Sicilia dall’Africa da soli. La loro famiglia se la sono lasciata alle spalle ma presto ne formeranno una, insieme.

Purtroppo, però solo Tori possiede i documenti e Lokita dovrà dimostrare di essere sua sorella per poter finalmente essere totalmente libera. Sì, perché nonostante il lungo viaggio che ha portato entrambi verso un nuovo inizio, Tori e Lokita non sono pienamente liberi. Non c’è libertà nella loro vita, ma la trovano nei momenti di spensieratezza. Un leitmotiv per andare avanti lo trovano tra le note di una canzone o una ninnananna. La loro canzone è “Alla fiera dell’est” che i due cantano raccontando ai commensali la loro storia. E così come nella canzone quel poco di libertà che riescono a concedersi viene poi rubato da qualcos’altro o qualcun altro più grande. Il brano, infatti, è una riproposizione di una filastrocca ebraica che celebra la liberazione della schiavitù egiziana per il popolo ebraico. E così in ogni strofa ciclicamente vediamo succedersi fatti che rappresentano un simbolo spirituale.

Così è lo stesso per Tori e Lokita. I due cercano di raggiungere la piena libertà ma ogni volta che sono così vicini a raggiugerla c’è sempre qualcosa che li allontana. Presto Tori e Lokita scopriranno che non c’è libertà, neanche nel nuovo mondo. Quel mondo che guardavano da lontano e dove tutti cercano di arrivare non dona la felicità. Questo è quello che cercano di raccontare i fratelli Dardenne, una continua denuncia verso il sistema di immigrazione dei paesi europei. Lo fanno con maestria e con uno stile registico che riesce a trasmettere le emozioni dei personaggi.

La lotta per la sopravvivenza

Nel film il tema centrale è il viaggio. Sia quello fisico che quello interiore. I due giovani protagonisti dopo essere arrivati a Catania si trasferiscono in Belgio dove iniziano a lavorare. Intrattengono gli ospiti di un ristorante ma la loro attività non si limita a questo. Il cuoco che gestisce l’attività li ha assunti anche per altre attività illecite. Tori e Lokita spacciano droga tra le strade della città, sognano di allontanarsi da quella vita. Per farlo hanno bisogno dei documenti per cui nel frattempo devono guadagnarsi da vivere. I registi di Una ragazza senza nome, ancora una volta tramite la lente, mettono alla luce la tremenda gestione dell’immigrazione clandestina in Europa. Anche solo ottenere i documenti è una lotta alla sopravvivenza.

Senza quel semplice foglio di carta che attesta una reale parentela con Tori, Lokita dovrà ritornare a casa. Quella che inizia come relazione finta tra i due, fin da subito si dimostra essere una effettiva fratellanza e amicizia. Lokita è taciturna e molto riservata, cova dentro di sé un dolore incredibilmente forte che si trasforma in attacchi di panico che solo Tori riesce a placare. Il bambino invece è vivace, furbo e molto coraggioso. La loro amicizia, fraterna, sarà in realtà la loro forza anche nei momenti più tristi. Arriverà infatti il momento in cui Tori e Lokita dovranno separarsi per tre mesi, tempo necessario per guadagnare quanto basta per ottenere dei documenti (falsi) e poter finalmente vivere il loro sogno.

Una storia di amicizia

Purtroppo, però il loro sogno è ancora molto lontano. La vita dei due si complica quando il trafficante che li ha portati in Italia continua a obbligare Lokita a versargli un compenso, anche con metodi atroci. La ragazza, nel film, è la vittima principale del sistema. Appena adolescente ha lasciato gli studi per poter lavorare, mandare i soldi alla madre rimasta in Africa con i fratelli, ma purtroppo viene continuamente derubata dal suo aguzzino. La raffinata recitazione di due attori esordienti ha impreziosito ancor di più questa trama così reale e cruda che racconta le debolezze e le atrocità degli esseri umani. Nei 90 minuti che compongono il film i fratelli Dardenne cercano sempre più di farci avvicinare con umanità ai due protagonisti.

Quindi sorridiamo nella spensieratezza di Tori quando chiede un pezzo di focaccia al cuoco del ristorante o quando squilla il telefono di Lokita e sentiamo ancora una volta “Alla fiera dell’est”. E sul finale ci rendiamo conto che non c’è spazio per le debolezze e che, come il topolino della filastrocca, veniamo continuamente messi alla prova dalle crudeltà della vita. La macchina da presa che si sofferma sullo sguardo di Tori negli ultimi minuti del film lascia allo spettatore quel briciolo di speranza ed empatia per cui ci si augura che alla fine abbia potuto realizzare il sogno di Lokita.