La recensione di Lightyear – La vera storia di Buzz comincia con una premessa, che lo spettatore troverà in testa al film. La pellicola che si sta per vedere, basata sul personaggio di Toy Story, è il film da cui è stato tratto il giocattolo di Buzz Lightyear, e scopriamo quindi che in realtà è il personaggio di Toy Story che è basato sul character del film in questione! È come se questo film fosse lo Star Wars di Andy che, tornato a casa, chiede ai genitori l’action figure di Buzz. Questa specifica non intacca certo la magia del capolavoro (dell’intera saga) Pixar, ma ci aiuta a collocare Lightyear – La vera storia di Buzz nel tempo, vedremo come.

Lightyear – La vera storia di Buzz, la trama

La storia racconta di Buzz, uno space ranger che si fa carico di una missione impossibile (apparentemente): raggiungere l’iper-velocità. Questo sforzo però ha un costo altissimo, ogni volta che Buzz si imbarca per un viaggio test, al suo ritorno si accorge che, mentre per lui la missione è durata pochi minuti, sono passati 4 anni per quelli che sono rimasti a terra. Completamente preso dal desiderio di completare la missione, la ripete fino a che da una parte perde le persone che ama, perché queste crescono vivono e invecchiano, dall’altra però riesce a completare la missione. Raggiunge l’iper-velocità, per poi scoprire, al suo ritorno, che sono passati molto più di 4 anni, e si trova in un mondo deserto e assediato dai robot, in cui la sua nuova missione diventerà abbattere una misteriosa astronave che sovrasta il Pianeta. 

Ambientazione anni ’80 e piglio contemporaneo

Come anticipato nella nostra premessa, il film è dunque un’avventura di fantascienza anni ’80, per cui la recensione di Lightyear – La vera storia di Buzz tiene conto principalmente del fatto che alla Pixar hanno tentato di ri-raccontare quel gusto per l’avventura, cercando di replicarne lo spirito ma inserendo nella storia un mood moderno, che meglio si sposa con il tipo di storie che il pubblico vuole sentire oggi. 

E così abbiamo un eroe che non riesce a fare tutto da solo e deve imparare a collaborare con gli altri, una coppia LGBTQ, una squadra di comprimari formata da una ragazzina, un uomo goffo che non è in grado di capire le sue capacità, una signora anziana che piuttosto che stare in prigione, preferisce arruolarsi in una squadra di cadetti space-ranger, un gatto robot sarcastico e super-accessoriato. 

La fascinazione per lo spazio, gli echi nei design di astronavi e robot, la vera e propria dinamica dell’avventura, la missione spaziale, la salvezza del mondo, tutti questi tropi della fantascienza anni ’80 vengono quindi trasformati a contatto con dei personaggi dallo spirito moderno, che divertono e fanno emozionare lo spettatore. 

Accettare i proprio limiti e la sconfitta

Certo, questo Buzz è molto diverso dallo space ranger giocattolo. Se quel personaggio si muoveva, almeno nel primo film, sulla contraddizione tra l’essere un giocattolo e il sentirsi un vero space-ranger, questo Buzz è un uomo vero e proprio, ha insicurezze, senso di responsabilità, e intraprende un viaggio dell’eroe che, seguendo la narrativa contemporanea della normalizzazione delle persone eccezionali che abbiamo trovato in diversi racconti prima di questo, fa di lui stesso un felice perdente, in quanto gli fa accettare il suo fallimento e lo mette in condizione di capire e abbracciare i propri limiti. Non che l’accettazione di sé sia un messaggio sbagliato, anzi, è fondamentale in un momento storico in cui la società sembra chiedere sempre più di quanto possiamo dare, tuttavia sembra si sia anche perso il gusto per guardare in alto, verso l’infinito e oltre, appunto, preferendo fermarsi a guardarsi le scarpe.

Certo, non è esattamente quello che fa Buzz, visto che lui e i suoi amici combattono con tutte le loro forze, tuttavia in Lightyear – La vera storia di Buzz, anche un eroe deve accettare i suoi limiti e questo fa molto poco anni ’80.

La fine dell’eroe testosteronico

La ri-narrazione della mitologia del protagonista testosteronici è forse ciò che di più interessante e meta c’è nel film di Angus MacLane (Alla ricerca di Dory), insieme a un guizzo di genio nella scrittura dei personaggi di contorno e in quel Sox, il gattino robot, che si posiziona a metà strada tra un animale da compagnia vero e proprio, un coltellino svizzero super accessoriato, un computer portatile e uno psicologo, il tutto condito con la devozione e la fedeltà di un cane. Tutto questo in un solo personaggio! Non a caso la Disney è nota per le sue “spalle animali” che spesso tolgono la scena al protagonista. 

Tecnicamente sopraffino, il film si distingue per un gioco di rimandi e citazioni con le pellicole che lo ispirano, gli sci-fi anni ’80 e dei quali è discendente diretto e fintamente contemporaneo. Questo occhio al passato è però mitigato da una serie di personaggi moderni, perfetto specchio di ciò che si sente l’esigenza di racontare oggi.

Lightyear – La vera storia di Buzz arriva nelle sale italiane il prossimo 15 giugno, il primo film Pixar, dal pre-pandemia, ad uscire al cinema e non direttamente su Disney+.

E’ attualmente disponibile nelle sale italiane Il giorno più bello, film del regista Andrea Zalone con Luca e Paolo alla guida di un cast variopinto, composto da Violante Placido, Valeria Bilello, Stefano De Martino, Lodo Guenzi, Massimo De Lorenzo, Fiammetta Cicogna e Carlo Buccirosso. Remake dell’acclamatissimo C’est la vie – Prendila come viene (2017), commedia francese di Olivier Nakache ed Éric Toledano (Quasi Amici), Il giorno più bello è distribuito da 01 Distribution.

Da C’est la vie – Prendila come viene a Il giorno più bello

Andrea Zalone, storico collaboratore di Maurizio Crozza, attore, doppiatore e autore televisivo, si confronta con una sfida dal rischio elevatissimo: adattare non una commedia francese qualunque, bensì quella che si è stabilizzata come una delle più argute degli ultimi anni nel panorama cinematografico europeo, ricevendo ben 9 nomination ai premi César e 2 agli European Film Awards.

Aurelio (Paolo Kessisoglu) ha ereditato il mestiere di wedding-planner dal padre: guida l’azienda di famiglia, “Il giorno più bello”, e per tutta la vita ha sacrificato i propri sogni in nome di una missione: regalare la felicità. Oggi, però, complice la crisi e un divorzio alle spalle, sente il bisogno di un cambiamento radicale. È innamorato di Serena (Valeria Bilello), una sua collaboratrice, e con lei sogna di iniziare una nuova vita, mollando tutto per solcare gli oceani in barca a vela. Prima di assaporare la libertà, però, Aurelio deve risolvere due questioni non di poco conto: vendere “Il giorno più bello” e convincere Serena a divorziare da Giorgio (Luca Bizzarri), che di Aurelio è amico fraterno dai tempi del liceo.

Ma il wedding planner è deciso a seguire il suo obiettivo e, nonostante diversi rifiuti iniziali, alla fine trova anche un acquirente per Il giorno più bello, il Dottor Musso (Carlo Buccirosso). Con un nuovo progetto di vita in mente, e il pensiero di un meritato riposo e successo personale, Aurelio si prepara a organizzare il suo ultimo matrimonio, ovvero quello degli sposi Pier e Chiara (Stefano De Martino e Fiammetta Cicogna), due rampolli dell’alta borghesia. Tuttavia, il giorno del ricevimento Aurelio scopre che il Dottor Musso è proprio il padre della ragazza.

L’equilibrio precario di un ricevimento ancora in fase di organizzazione è sicuramente il punto di contatto migliore tra una sceneggiatura adattata ma che vuole trovare un proprio spazio, e il brio di un duo comico inarrestabile, che torna a lavorare con Fabio Bonifacci in quello che, sulla carta, sembrerebbe un ritorno in grande stile, alla E allora Mambo (1999), film in cui Luca e Paolo avevano già collaborato con lo sceneggiatore.

Una rielaborazione riuscita a metà

Lo dice lo stesso Aurelio: quella che era partita come una missione per “regalare felicità”, accompagnare gli sposi nel loro giorno più bello, onorando la professione e la diligenza di un padre che non c’é più, si è tramutata in un “regalare noia a caro prezzo”, che significa anche faticare a comprendersi, pianificare senza un vero disegno, tanto nella propria vita quanto sul posto di lavoro. E, come nella migliore tradizione della commedia “all’italiana”, sarà un comprimario a portare con se il cambiamento, una spalla inaspettata ma in ultima istanza fondamentale, che ci farà arrabbiare, ma anche ridere a crepapelle, e credere che non è mai troppo tardi per riguardagnarsi il propio posto perduto.

E’ così che, dall’intuizione del duo di registi francesi, che tesse sapientemente una collezione di gag esilaranti e dialoghi frizzanti, consegnandoli nelle mani di un catalogo di personaggi brillanti, si passa con Il giorno più bello a un adattamento verso Luca e Paolo, che spinge sul senso della loro amicizia fuori e dentro il testo, abbandonando la pungente satira borghese dell’originale. E’ attorno al triangolo amoroso formato da Aurelio, Giorgio e Serena che si sviluppa l’azione, e a cui è affidato il coinvolgimento dello spettatore, facendo leva sull’italianità della commedia, gli equivoci che coinvolgono una coppia di amici, piuttosto che una specifica classe sociale.

Nota dolente di Il giorno più bello è che viene a perdersi il senso della musica, che nell’originale seguiva la corrente scapestrata di equivoci e catastrofi inaspettate in un giorno di festa, aggravandone la portata o ironizzandone sull’effetto. Il giorno più bello predilige l’impostazione “da matrimonio”, con una tracklist preconfezionata e sostituibile, relegando l’unico momento di slancio musicale allo sketch con protagonista Lodo Guenzi, che riprende il personaggio di James (interpretato da Gilles Lellouch) e che, in C’est la Vie ci aveva regalato uno dei frangenti in assoluto più divertenti con il suo “Se bastasse una bela canzone”.

E’ sempre interessante capire cosa, e come, siamo in grado di adattare nel cinema italiano; in che modo l’italianità andrà ad abbracciare prodotti non originali, radicati in un tipo di comicità che non è la nostra. Per questo, ad Andrea Zalone va sicuramente il merito di essersi approcciato alla rielaborazione di un’opera che spaventerebbe anche i più temerari, e aver riunito un cast bene assortito, pur con qualche ingenuità di scrittura e un ritmo generalmente sottotono, molto più ordinato e meno scanzonato dell’originale.