Quando si parla di Reminders
of Him – La parte migliore di te, il dibattito si
concentra quasi sempre
sul finale o sulla figura di Kenna. Eppure c’è un elemento meno
evidente che, una volta scoperto, cambia completamente la
percezione del film: la storia vera di Tyriq Withers,
l’attore che interpreta Ledger.
Non si tratta di un semplice retroscena produttivo. È qualcosa che
incide direttamente sulla lettura del personaggio. Perché il dolore
che Ledger porta in scena non è solo scritto da Colleen Hoover, ma
trova un’eco concreta nella vita reale dell’attore. E questo,
inevitabilmente, trasforma l’esperienza dello spettatore.
La storia vera di Tyriq Withers e il legame con il
personaggio di Ledger
Nel film, Ledger è il custode emotivo della storia. Dopo la morte
del suo migliore amico Scotty, decide di prendersi cura della
figlia Diem, diventando una figura centrale nella sua crescita. È
un ruolo costruito sulla responsabilità, sul lutto e su un senso di
perdita che non trova mai una vera risoluzione.
Quello che rende tutto più intenso è il fatto che Tyriq Withers
abbia vissuto un’esperienza sorprendentemente simile. L’attore ha
perso il fratello in un incidente stradale, una tragedia che ha
lasciato un figlio, oggi cresciuto anche grazie alla sua
presenza.
Questo parallelismo non è un dettaglio secondario. È una chiave di
lettura. Alcune dinamiche del film — il rapporto con la bambina, il
senso di protezione, il dolore trattenuto — non sembrano più
soltanto interpretate, ma vissute.
Perché la performance di Ledger appare così
autentica
Guardando il film senza conoscere questo retroscena, la performance
di Withers colpisce per la sua misura. Ledger non è mai sopra le
righe, non cerca il momento emotivo facile. È un personaggio
costruito sui silenzi, sugli sguardi, su una tensione interna
costante.
Ma una volta noto il legame con la vita reale dell’attore, quella
stessa interpretazione assume un peso diverso. Il dolore non è
rappresentato, ma filtrato. Non viene esibito, ma trattenuto.
È
proprio questa sottrazione a rendere la performance credibile. Il
film evita il melodramma e lascia spazio a qualcosa di più fragile,
più difficile da definire. Ed è qui che il lavoro di Withers emerge
con maggiore forza.
Il tema del lutto tra finzione e
realtà
Reminders of Him è,
prima di tutto, una storia sul lutto e sulle sue conseguenze. Ma
attraverso il personaggio di Ledger, il film introduce una
dimensione ulteriore: quella della continuità. Ledger non può
cambiare ciò che è accaduto, ma può decidere come vivere dopo. La
sua scelta di prendersi cura di Diem diventa un modo per
trasformare la perdita in responsabilità.
Sapere che Tyriq Withers ha attraversato un percorso simile rende
questa dinamica ancora più potente. Il film, in questo senso, non
si limita a raccontare una storia, ma sembra intercettare
un’esperienza reale e restituirla in forma narrativa.
Questo non è uno di quei casi in cui il “dietro le quinte”
arricchisce semplicemente la curiosità dello spettatore. Qui cambia
proprio il modo in cui si leggono le scene.
Alcuni momenti — in particolare quelli legati al rapporto con Diem
— acquistano una profondità diversa. Non perché siano
esplicitamente autobiografici, ma perché sembrano attraversati da
una verità emotiva difficile da costruire artificialmente.
Il film resta lo stesso, ma lo sguardo cambia. E con esso cambia
anche il peso delle emozioni che mette in scena.
Il significato più profondo: quando un ruolo
incontra la vita
Alla fine, parlare della “storia vera” di Tyriq Withers non
significa trasformare Reminders of Him in un racconto autobiografico.
Significa, piuttosto, riconoscere il punto in cui il cinema
incontra la realtà. La forza del personaggio di Ledger sta proprio
qui: nella capacità di esistere a metà tra scrittura e vissuto. È
un equilibrio raro, che il film riesce a mantenere senza mai
renderlo esplicito. Ed è forse questo il motivo per cui
Reminders of Him
colpisce così tanto. Non solo per ciò che racconta, ma per ciò che,
silenziosamente, lascia intravedere.
Il
finale di Reminders
of Him – La parte migliore di te non punta sul colpo
di scena, ma su qualcosa di molto più difficile da costruire: la
riconciliazione emotiva. Il film, tratto dal romanzo di
Colleen Hoover,
sceglie infatti di chiudere il percorso della protagonista con un
momento intimo, quasi fragile, che mette in discussione tutto ciò
che è venuto prima.
Dopo una storia segnata dalla colpa, dalla perdita e
dall’esclusione, Kenna arriva finalmente davanti a ciò che
desiderava più di ogni altra cosa: incontrare sua figlia. Ma quel
momento non è una semplice ricompensa narrativa. È una prova. Ed è
proprio questo che rende il finale così potente.
Il peso della colpa e il percorso di Kenna verso la
redenzione
Kenna, interpretata da Maika Monroe, è un
personaggio costruito attorno a una colpa irreversibile. La morte
del suo compagno Scotty, causata da un incidente in stato di
ebbrezza, non è solo l’evento che dà origine alla storia, ma la
ferita che definisce ogni sua scelta successiva.
Il carcere non rappresenta una vera espiazione. Quando esce, il
mondo non è pronto ad accoglierla, e soprattutto non lo è la
famiglia della vittima, che ha cresciuto sua figlia al posto suo.
Il film lavora proprio su questo squilibrio: Kenna ha pagato il suo
debito con la legge, ma non può farlo con le persone.
Il finale arriva quindi come un punto di rottura. Non cancella il
passato, ma lo mette finalmente in relazione con il presente.
L’incontro con la figlia non è una soluzione, ma un’apertura.
Quando Kenna incontra finalmente Diem (qui puoi leggere la nostra
analisi su se Kenna merita davvero il
perdono), la scena è costruita in modo
sorprendentemente semplice. Non ci sono grandi dichiarazioni, né
momenti eccessivamente costruiti. È proprio questa essenzialità a
renderla devastante.
La regia sceglie di lasciare spazio all’imprevedibilità del
momento, soprattutto nel rapporto con la bambina. Lo ha raccontato
la stessa Monroe, spiegando come la scena sia stata girata senza
una rigidità eccessiva, lasciando emergere una spontaneità
difficile da replicare. Il risultato è un momento che sembra quasi
sfuggire al controllo del film stesso, diventando più reale.
Quando Kenna dice alla bambina di essere sua madre, il peso emotivo
non deriva tanto dalle parole, quanto da tutto ciò che le circonda:
il tempo perduto, l’assenza, la distanza. Non è una rivelazione, è
una frattura che si ricompone solo in parte.
Il ruolo di Grace e il cambiamento che rende
possibile il finale
Un elemento fondamentale per comprendere il finale è il cambiamento
di Grace, interpretata da Lauren Graham. È lei
a permettere che l’incontro avvenga, ed è una scelta che arriva
dopo un lungo percorso interiore.
Grace rappresenta il punto di vista più difficile da scalfire:
quello di chi ha perso un figlio e non può accettare facilmente il
ritorno di chi ritiene responsabile. Il suo cambiamento non è
improvviso, ma nasce dalla consapevolezza della verità su quanto
accaduto e, soprattutto, dalla comprensione del dolore di
Kenna.
Il finale, quindi, non è solo la storia di una madre che ritrova
sua figlia, ma anche quella di una donna che decide di non restare
prigioniera del rancore.
Perché il finale di Reminders of Him funziona così
bene
La forza del finale sta nel fatto che non cerca di essere
consolatorio. Non c’è una vera chiusura, né una riconciliazione
completa. Kenna non recupera il tempo perduto, non ottiene una
seconda possibilità piena. Ottiene qualcosa di più fragile: una
possibilità.
Il film evita la tentazione di semplificare. Non trasforma la colpa
in redenzione automatica, né il dolore in perdono immediato. Rimane
in equilibrio tra queste due dimensioni, lasciando che sia lo
spettatore a colmare gli spazi.
Ed è proprio qui che il finale colpisce. Non perché offre una
risposta, ma perché mette in scena una domanda: quanto è possibile
ricostruire dopo aver perso tutto?
Il significato del finale: la redenzione non
cancella il passato
Alla fine, Reminders of
Him non parla di perdono in senso assoluto, ma di convivenza
con ciò che è stato. Kenna non diventa un’altra persona, non si
libera del suo errore. Impara, piuttosto, a vivere con esso.
L’incontro con sua figlia non è la fine del percorso, ma il suo
punto di partenza. È il momento in cui il passato smette di essere
solo un peso e diventa qualcosa con cui costruire, anche se in modo
imperfetto, un futuro.
È
per questo che la scena finale resta così impressa: perché non
promette felicità, ma possibilità. E, in un racconto come questo, è
forse l’unica forma di speranza davvero credibile.
Creata da Jason
George, la serie
NetflixQuella notte, inizialmente intitolata
Esa Noche, racconta la storia di tre sorelle le cui
esistenze vengono sconvolte da un unico evento tragico. Dopo la
nascita del suo bambino, Elena, la più giovane delle sorelle
Arbizu, decide di organizzare una vacanza nella Repubblica
Dominicana, dove la sorella Cris lavora come soccorritrice di
animali, sperando di dare una svolta alla propria vita.
Il viaggio, però, si trasforma
presto in un incubo quando Elena provoca accidentalmente la morte
di un uomo nel cuore della notte. Per evitare conseguenze legali,
coinvolge le sorelle Cris e Paula, la maggiore, chiedendo loro di
aiutarla a gestire la situazione senza avvisare le autorità. Da
quel momento si attiva una catena di eventi che, episodio dopo
episodio, trascina il trio sempre più a fondo in una spirale di
tensione e pericoli. L’unico elemento che resiste è il legame tra
le tre sorelle, che viene continuamente messo alla prova.
La serie è tratta dall’omonimo
romanzo di Gillian McAllister
La serie trae ispirazione dal
romanzo scritto da Gillian McAllister. Pur con
possibili adattamenti e aggiunte creative da parte degli
sceneggiatori Marian Fernández Pascal,
Jason George e Lara Sendim, la
storia nasce come opera di finzione.
In un’intervista con Netflix, McAllister ha descritto il libro come una
sorta di indagine psicologica articolata su più
livelli. Il romanzo si chiede fino a che punto si potrebbe
arrivare per proteggere un fratello o una sorella: mentire,
commettere un reato, o persino occultare un corpo insieme,
esplorando poi le inevitabili conseguenze di tali scelte. Il tema
centrale ruota quindi attorno ai confini dell’amore familiare e
alla responsabilità morale.
L’autrice non è nuova a storie
ricche di colpi di scena e intrecci complessi. Ha
spesso dichiarato il suo interesse per le dinamiche familiari e per
le relazioni caratterizzate da tensioni emotive profonde. Con
Quella notte, l’obiettivo è proprio quello di rimettere in
discussione il significato del rapporto tra fratelli.
Per McAllister, la scrittura è un
percorso in continua evoluzione, dove ogni revisione può
trasformare radicalmente l’impianto della storia. È probabile che
questo metodo abbia contribuito anche alla natura sorprendente e
non lineare del romanzo. In un’intervista a Writer’s
Digest, McAllister ha approfondito il suo approccio ai colpi
di scena. Convinta che un twist efficace nasca dalla comprensione
delle aspettative del lettore, è solita individuare in anticipo le
possibili ipotesi del pubblico per poi ribaltarle strategicamente,
costruendo così sviluppi narrativi inattesi.
Questo procedimento emerge
chiaramente in Quella notte, in particolare nella
struttura della trama, che ruota attorno al tema della colpevolezza
o dell’innocenza delle tre sorelle. Anche se i dettagli più
specifici possono essere frutto della creatività degli autori, sia
nel romanzo sia nella versione televisiva, la comprensione delle
dinamiche narrative e della psicologia umana conferisce all’opera
ulteriori livelli di profondità.
La storia di Quella notte presenta
alcune somiglianze con il caso di Regina e
Margaret DeFrancisco
Sebbene il romanzo di Gillian
McAllister sia ambientato in Inghilterra e in Italia, l’adattamento
Netflix sposta l’azione in Spagna e nella
Repubblica Dominicana, anche in virtù della produzione in
lingua spagnola. Allo stesso modo, i nomi delle tre protagoniste
(Joe, Cathy e Frannie), vengono modificati in Paula, Cris ed Elena.
Al di là di questi cambiamenti formali, la serie conserva l’essenza
della storia originale, approfondendo ulteriormente il conflitto e
le dinamiche tra sorelle. Gran parte della tensione nasce dalle
differenti reazioni delle tre protagoniste a un evento traumatico
vissuto nell’infanzia, un elemento che trova riscontro anche in
studi reali sul trauma e sul lutto.
È inoltre possibile che la storia
abbia tratto ispirazione, almeno in parte, da fatti reali analoghi.
Nel giugno 2000, le sorelle Regina e Margaret
DeFrancisco uccisero il fidanzato di Regina, Oscar
Velazquez, tentando poi di incendiare il corpo e l’auto della
vittima. Le prime indagini indirizzarono subito i sospetti sulle
due donne, che tuttavia riuscirono a fuggire prima
dell’arresto.
Secondo le ricostruzioni, le
sorelle rimasero latitanti per circa due anni e, quando furono
catturate nel 2002, il caso aveva già ottenuto ampia notorietà a
livello nazionale. Accusate di omicidio, sostennero la tesi della
legittima difesa. Dopo un processo lungo e complesso, Regina fu
riconosciuta colpevole nel settembre 2004 e condannata a 35 anni di
reclusione. Margaret, inizialmente non condannata a causa del voto
contrario di un giurato, fu poi giudicata colpevole in un secondo
processo nel dicembre 2004, ricevendo una pena di 46 anni.
Nonostante alcune similitudini tra
questo caso e la trama di Quella notte, le
differenze restano sostanziali, confermando la natura
completamente inventata della storia.
Damon Lindelof, co-creatore e sceneggiatore
della serie DC Lanterns,
ha deciso di intervenire pubblicamente dopo le recenti polemiche
scatenate da alcune sue dichiarazioni e dalle critiche ricevute da
Grant Morrison. La serie, uno dei progetti più
attesi di DC Studios, ha attirato l’attenzione fin dal primo
trailer, che
ha diviso il pubblico e alimentato il dibattito online.
Il primo trailer ricordava infatti
una serie HBO, ma non necessariamente l’interpretazione di Lanterna
Verde che la maggior parte dei fan si aspettava. In particolare, è
stata notata la scarsa presenza del colore verde, elemento iconico
del franchise: il costume sbiadito di Hal Jordan e
la mancanza di costrutti energetici hanno deluso i fan.
Lo scontro tra Lindelof e Grant
Morrison
A complicare ulteriormente la
situazione sono stati alcuni commenti di Lindelof, in cui aveva
affermato: “Si chiama Lanterns perché siamo tutti d’accordo che il verde
era stupido.” La frase, pronunciata durante un podcast comico,
ha suscitato la reazione di Grant Morrison,
celebre autore di fumetti e firma storica di Batman e
Lanterna Verde, che ha criticato pubblicamente il
“disprezzo da spogliatoio” di Lindelof nei confronti delle
convenzioni dei supereroi.
Di fronte alla crescente attenzione
mediatica Lindelof ha chiarito la sua posizione tramite un post su
Instagram. “Ho fatto arrabbiare Grant Morrison, il che
significa che ora ho irritato la maggior parte dei brillanti autori
di fumetti britannici/scozzesi che ammiravo da giovane,” ha
scritto, spiegando poi: “Ho fatto una battuta stupida in un
podcast comico.”
Il co-creatore ha ammesso senza
esitazione l’errore: “Non cercherò scuse o contesto: la battuta
era stupida, ma il fandom non lo è. Devo loro una spiegazione e una
riflessione sincera sui miei veri sentimenti.” Lindelof ha
ribadito il suo rispetto per il personaggio e per l’eredità di
Lanterna Verde, sottolineando che “non c’è niente di più bello
di un eroe il cui superpotere è l’immaginazione.” Ha inoltre
precisato: “Il verde non è stupido, è il mio colore preferito
da sempre… Il verde è dannatamente fantastico.”
Lo sceneggiatore ha anche espresso
gratitudine per aver fatto parte del progetto: “Sarebbe una
mancanza di rispetto verso tutti coloro con cui ho lavorato dire
qualsiasi cosa diversa dal fatto che è stato un onore far parte del
team che ha dato vita a Lanterns.” Ha poi aggiunto di essere
stato “imprudente con le parole” e di voler migliorare,
lasciando che la serie parli da sé.
Nel frattempo, parte delle
discussioni ruota anche attorno all’approccio scelto da
DC Studios, che ha deciso di proporre una
versione più cupa e realistica della storia, con
un tono in stile True
Detective, l’opposto della versione classica del
personaggio. La serie seguirà la nuova recluta John Stewart e la
leggenda Hal Jordan mentre indagano su un oscuro mistero legato a
un omicidio nel cuore dell’America.
Il cast include Kyle Chandler, Aaron Pierre, Kelly
Macdonald, Garret Dillahunt,
Poorna Jagannathan, Nicole Ari
Parker, Jason Ritter, J. Alphonse
Nicholson e Jasmine Cephas Jones.
Lanterns è attesa su HBO nel 2026.
L’estate 2026 si preannuncia particolarmente interessante per gli
appassionati di fantascienza su Apple
TV, che continua a consolidarsi come una delle
piattaforme di riferimento per il genere. Negli ultimi anni il
servizio ha costruito un catalogo sempre più solido, con titoli di
grande successo come Silo, Severance, Foundation e For All Mankind.
Dopo un 2025 già molto positivo, il 2026 sembra destinato a
proseguire su questa scia, con diversi ritorni importanti
programmati proprio nei mesi estivi.
Silo, For All Mankind e Sugar
guidano la stagione sci-fi di Apple TV
Tra i titoli più attesi c’è la terza stagione di Silo, con Rebecca Ferguson
protagonista nei panni di Juliette. Anche se non è stata ancora
annunciata una data ufficiale, l’attrice ha confermato che la nuova
stagione arriverà nell’estate 2026. Le
stagioni 3 e 4 sono state girate consecutivamente, suggerendo
che il capitolo conclusivo potrebbe arrivare già nel 2027.
Accanto a Silo, tornerà
anche l’universo di For All Mankind con uno spin-off
intitolato Star City, in
uscita il 29 maggio
2026. La nuova serie espanderà la storia alternativa del
franchise, spostando il focus sull’Unione Sovietica e sul programma
spaziale russo.
Chiude il trio principale Sugar,
che tornerà con la seconda stagione il 19 giugno 2026. Dopo un esordio come crime
neo-noir, la serie ha sorpreso il pubblico evolvendosi in una
narrazione apertamente fantascientifica, diventando uno dei titoli
più originali della piattaforma.
Oltre a questi ritorni, il 2026 potrebbe riservare ulteriori
sorprese per Apple TV, con progetti attesi come l’adattamento di
Neuromancer e possibili
aggiornamenti su serie già affermate come Severance, Foundation e Dark
Matter.
Con una lineup così ricca, Apple TV+ si conferma come uno dei
player più forti nel panorama sci-fi contemporaneo, puntando su
produzioni ambiziose e universi narrativi sempre più
articolati.
È arrivato il
nuovo trailer di Star Wars: Maul – Shadow
Lord, e le prime immagini promettono una delle
serie animate più intense mai viste nell’universo di Star
Wars. Azione brutale, lato oscuro senza
compromessi e uno stile visivo completamente rinnovato sono gli
elementi che emergono fin da subito.
Il filmato mette al centro un
Darth Maul più letale che mai, con combattimenti spettacolari e
un’animazione inedita, quasi pittorica, che enfatizza la violenza e
la precisione del suo stile di combattimento con la doppia
lama.
Il
trailer richiama The Force Unleashed con un momento iconico
Oltre all’impatto visivo, il
trailer ha attirato l’attenzione dei fan per un dettaglio preciso:
una sequenza che ricorda chiaramente la saga videoludica
Star Wars: The Force
Unleashed.
Nel finale del trailer, Maul
abbatte un AT-ST con una facilità impressionante, distruggendolo
con la Forza e la sua spada laser in una scena che richiama da
vicino le abilità di Starkiller, protagonista del videogioco e
primo personaggio di Star
Wars doppiato da Sam Witwer, oggi voce
ufficiale dello stesso Maul.
Non è chiaro se si tratti di
un omaggio voluto o di una semplice coincidenza, ma il parallelismo
è evidente e contribuisce a rafforzare l’idea di un Maul
estremamente potente, quasi al limite della fantasia di potere
tipica dei videogiochi della saga.
La serie mostrerà anche nuovi
sviluppi narrativi, tra cui un’alleanza con due Jedi sopravvissuti
e l’introduzione di un giovane Padawan Twi’lek che potrebbe
diventare una figura centrale nella storia, forse legata a
dinamiche già viste nell’universo Legends.
Con uscita fissata per
il 6 aprile su
Disney+,
Maul – Shadow Lord si
candida a essere uno dei titoli più attesi per i fan della saga,
promettendo un approccio più oscuro e spettacolare al
personaggio.
Il
finale di The Man in the High
Castle non è costruito per offrire una
conclusione rassicurante. Al contrario, è pensato per
destabilizzare lo spettatore, lasciandolo sospeso tra
interpretazioni diverse. È una scelta coerente con l’universo
narrativo di Philip K. Dick, dove
la realtà non è mai un dato stabile, ma un territorio fragile,
attraversato da possibilità multiple.
Lo
showrunner David Scarpa ha
chiarito che l’obiettivo della stagione finale non era chiudere
ogni arco narrativo, ma restare fedele a questa idea centrale: non
esiste una verità oggettiva, e nel momento in cui si prende
coscienza di questo, ogni certezza inizia a vacillare. Il finale,
quindi, non risolve la storia, ma la apre definitivamente.
La morte di John Smith e il peso della complicità
morale
Il punto più netto dell’episodio finale è la morte di John Smith,
interpretato da Rufus Sewell. Dopo
aver consolidato il proprio potere come Führer del Reich
nordamericano, Smith si trova di fronte all’impossibilità di
conciliare la propria ascesa con il prezzo umano che ha pagato per
ottenerla.
La sua fine arriva dopo l’attacco della Resistenza al treno diretto
ai Poconos, un evento che non rappresenta soltanto una vittoria
militare, ma il crollo definitivo di un sistema costruito sulla
violenza e sulla rimozione morale. La morte di Helen e la presenza
di Juliana Crain nel momento finale trasformano la scena in un
confronto diretto con ciò che Smith ha cercato di ignorare per
tutta la serie.
Il suo suicidio non è un gesto eroico, ma un atto di resa. È il
riconoscimento che non esiste più alcuna via di ritorno. In questo
senso, il personaggio incarna perfettamente uno dei temi più forti
dell’ultima stagione: la complicità. Non si tratta solo di ciò che
è stato fatto, ma di ciò che è stato accettato, giustificato,
normalizzato.
Il portale aperto: due mondi che diventano
uno
Se la morte di Smith rappresenta una chiusura narrativa, il portale
finale compie il movimento opposto: apre la storia verso qualcosa
di completamente nuovo. Quando Juliana torna alle miniere occupate
dalla Resistenza, la visione che aveva avuto si concretizza. Il
portale si apre e una folla indistinta inizia ad attraversarlo.
La serie evita volutamente di spiegare chi siano queste persone.
Non è un dettaglio secondario, ma una scelta precisa. Come ha
sottolineato Scarpa, ciò che conta non è l’identità dei singoli
individui, ma il fatto che il passaggio tra le realtà sia ormai
possibile.
Il portale, quindi, non è solo un elemento fantascientifico, ma il
simbolo più potente dell’intera serie. Rappresenta la caduta
definitiva di ogni barriera tra i mondi. Due realtà, fino a quel
momento separate, iniziano a fondersi. Non esiste più una linea
netta tra ciò che è reale e ciò che potrebbe esserlo.
Un finale volutamente ambiguo che invita lo
spettatore a interpretare
La scena finale non fornisce risposte, e questa è esattamente la
sua funzione. Gli autori hanno scelto consapevolmente di non
spiegare troppo, lasciando spazio all’interpretazione. È una
strategia narrativa che richiama apertamente altri finali ambigui
della televisione contemporanea, pensati per stimolare il pubblico
più che guidarlo.
Il portale aperto suggerisce molte possibilità: potrebbe essere un
punto di incontro tra universi paralleli, un passaggio per coloro
che sono morti in altre realtà, o addirittura una metafora della
memoria e della storia che tornano a reclamare spazio. Nessuna di
queste letture viene confermata, e proprio per questo restano tutte
valide.
Una pace impossibile: il futuro resta segnato dal
conflitto
Nonostante la caduta del Reich nordamericano, il finale non lascia
spazio a un vero senso di pacificazione. La serie suggerisce
chiaramente che il mondo non può tornare a ciò che era prima. Le
divisioni restano profonde, e le diverse fazioni non sembrano
pronte a convergere verso un progetto comune.
Da una parte ci sono figure come il generale Whitcroft, che
guardano a un ritorno agli Stati Uniti tradizionali; dall’altra,
movimenti come il Black Communist Rebellion rifiutano completamente
quell’idea. La possibilità di un nuovo conflitto, persino di una
guerra civile, resta aperta.
In questo senso, The Man in
the High Castle non parla solo di una realtà alternativa, ma
riflette anche tensioni molto concrete del presente. La domanda che
attraversa il finale è la stessa che attraversa il mondo reale: è
ancora possibile immaginare un’unità, oppure il punto di rottura è
già stato superato?
Il vero significato del finale: la storia non è mai
definitiva
Alla fine, ciò che resta non è una risposta, ma una consapevolezza.
La storia non si chiude, non si completa, non raggiunge mai una
forma definitiva. Ogni evento genera nuove possibilità, ogni scelta
apre nuove diramazioni.
Il portale che resta aperto è la rappresentazione visiva di questa
idea. Non esiste una sola linea temporale, così come non esiste una
sola verità. Esistono possibilità che continuano a sovrapporsi, a
influenzarsi, a ridefinirsi.
È
per questo che il finale può risultare spiazzante, ma anche
estremamente coerente. Non offre una conclusione perché, nel mondo
di Philip K. Dick, una conclusione non esiste davvero.
Nonostante una settimana con poche novità, Netflix propone comunque alcuni
titoli interessanti per chi cerca qualcosa da vedere in binge. Tra
il 16 e il 20 marzo 2026, tre serie in particolare si distinguono
tra le uscite recenti e i ritorni in catalogo, soprattutto per gli
amanti della commedia e dell’animazione per adulti.
Dopo titoli come L’uomo nell’alto castello (The Man in the High
Castle) e nuove uscite crime e documentaristiche, questa
settimana punta su prodotti più leggeri ma comunque capaci di
conquistare il pubblico.
Da Digman! a The Ricky Gervais
Show: le serie da recuperare subito
La
prima proposta è Digman!, serie
animata creata e interpretata da Andy Samberg.
Nonostante recensioni contrastanti, la serie è perfetta per chi
apprezza una comicità surreale e fuori dagli schemi. Tra i punti di
forza anche la presenza nel cast vocale di Tim Robinson, sempre
più popolare nel panorama comedy.
Spazio poi al drama con Beauty in
Black, serie firmata da Tyler Perry. La
seconda stagione (parte 2) continua a raccontare una storia
ricca di colpi di scena, seguendo una donna che entra in contatto
con una potente famiglia dietro un impero cosmetico… e segreti
molto più oscuri. Il successo tra il pubblico è confermato da un
buon riscontro di audience.
Infine, per gli amanti della comicità britannica, arriva su Netflix
The Ricky Gervais
Show, adattamento animato del celebre programma
radiofonico condotto da Ricky Gervais,
insieme a Stephen Merchant e Karl Pilkington. Con tre stagioni e 39
episodi, la serie rappresenta una delle proposte più solide per una
maratona all’insegna dell’umorismo tagliente.
Tra nuove uscite e arrivi in catalogo, queste tre serie
rappresentano le migliori opzioni da recuperare su Netflix questa
settimana, soprattutto per chi cerca contenuti leggeri ma
coinvolgenti.
Mckenna Grace sarà la protagonista della nuova
serie live-action di Scooby-Doo in arrivo su
Netflix. Lo scorso mese abbiamo appreso che
l’attrice, nota per Scream
7 e The
Handmaid’s Tale, guiderà la serie live-action nel ruolo di
una giovane Daphne Blake. La serie, composta da
otto episodi, racconterà come i membri della Mystery Inc. si sono
conosciuti per la prima volta. A occuparsi della sceneggiatura e
del ruolo di showrunner saranno Josh Appelbaum e
Scott Rosenberg, che ricopriranno anche il ruolo
di produttori esecutivi insieme ad André Nemec e
Jeff Pinkner, sotto il marchio Midnight Radio.
Greg Berlanti, Sarah Schechter e
Leigh London Redman saranno invece produttori
esecutivi tramite Berlanti Productions.
Non è la prima volta che Mckenna
Grace interpreta Daphne: aveva infatti già prestato la voce al
personaggio nel film animato del 2020 Scooby!.
Era inoltre prevista la sua partecipazione al sequel animato
Scoob! Holiday Haunt, progetto quasi completato ma poi
cancellato da Warner Bros. Discovery per motivi fiscali.
Le dichiarazioni rilasciate sul
red carpet
Parlando sul red carpet
degli
Oscar, Grace ha espresso grande entusiasmo per la
serie e ha spiegato come si sta preparando per uno dei ruoli più
importanti della sua carriera. “Sono così emozionata! Sono
davvero emozionata”, ha dichiarato l’attrice. “Amo Daphne.
Mi sono vestita come lei per due o tre Halloween. Sono ossessionata
da Daphne. È il mio personaggio preferito. Sono al settimo cielo.
Sono entusiasta. Ora rivedrò ogni film e serie di Scooby-Doo mai
realizzati”
Anche Mason
Thames, star di Dragon
Trainer e fidanzato di Grace, era presente agli Academy
Awards. Nonostante le ipotesi dei fan, l’attore ha confermato
che non interpreterà Shaggy nella nuova serie.
Ecco la sinossi ufficiale del
progetto: durante la loro ultima estate al campo, i vecchi amici
Shaggy e Daphne (Grace) si ritrovano coinvolti in un mistero
inquietante legato a un cucciolo di alano smarrito che potrebbe
essere stato testimone di un omicidio soprannaturale. Insieme alla
pragmatica Velma e al nuovo arrivato Freddy, i ragazzi si
troveranno a indagare su un caso che li trascinerà in un incubo
oscuro, minacciando di far emergere i loro segreti più
profondi.
Arrivano i primi sguardi ufficiali a Dune –
Parte 3. Warner Bros. ha pubblicato una serie di
nuovi character poster che mostrano in anteprima il personaggio di
Robert Pattinson e
confermano il ritorno di Jason Momoa nei panni di
Duncan Idaho.
Il
terzo capitolo della saga diretta da Denis Villeneuve
adatterà Dune Messiah, il
romanzo di Frank Herbert, e sarà
ambientato circa dodici anni dopo gli eventi di Dune – Parte 2. Paul
Atreides, interpretato da Timothée Chalamet,
sarà ormai consolidato nel suo ruolo di Imperatore.
Robert Pattinson sarà il villain
Scytale, cresce il ruolo di Alia e Irulanù
Tra
le novità più interessanti rispetto al materiale originale, spicca
la presenza di Lady Jessica. Nel romanzo Messiah, infatti, il personaggio non compare,
ma Rebecca Ferguson
tornerà comunque in Dune – Parte 3,
come confermato anche dal suo poster ufficiale.
Non
tutti i personaggi annunciati, però, sono stati inclusi nei primi
materiali promozionali. Josh
Brolin riprenderà il ruolo di Gurney
Halleck, seppur con uno spazio ridotto nella storia. Tra le new
entry più curiose, invece, c’è Nakoa-Wolf Momoa,
figlio di Jason Momoa nella vita reale, che
interpreterà Leto II Atreides, il figlio di Paul e Chani, mentre
Ida Brooke vestirà i
panni della sorella Ghanima Atreides.
Nonostante l’universo narrativo creato da Frank Herbert offra
ancora molti romanzi da adattare, Denis Villeneuve ha
chiarito che questo sarà il suo ultimo film legato alla saga.
Dune – Parte
3 è infatti pensato come la conclusione
definitiva della trilogia cinematografica.
A
rendere il film ancora più atteso è anche la strategia
distributiva: il terzo capitolo avrà una finestra esclusiva nelle
sale IMAX durante il weekend di apertura, entrando in competizione
diretta con Avengers: Doomsday in quello
che è già stato ribattezzato “Dunesday”.
Rebecca Ferguson sta anticipando il suo ruolo
nel proseguimento della saga di Dune
diretta da Denis Villeneuve. L’attrice ha infatti
recentemente condiviso alcune anticipazioni sul progetto, spiegando
di avere una presenza molto limitata nella nuova pellicola.
Parlando del progetto, l’attrice ha spiegato: “Ho solo dato
un’occhiata superficiale. Non ho molto da dire a riguardo”.
Tuttavia, ha confermato di aver letto la sceneggiatura,
aggiungendo: “La sceneggiatura è fantastica… penso che sarà
incredibile”.
Nonostante l’entusiasmo per il
film, ha chiarito che il suo percorso narrativo principale si è
concluso con i primi due capitoli: “Il mio viaggio erano il
numero 1 e il 2”. Il suo personaggio non era inizialmente
previsto nella nuova storia. Come ha raccontato lei stessa:
“Non credo nemmeno che lei dovesse essere nel 3. Poi Denis ha
detto: ‘Ho bisogno di avere una scena,’ e io ho una sola
scena”. Una scelta che ha portato l’attrice a vivere
un’esperienza particolare sul set.
Il ritorno sul set di
Rebecca Ferguson
Rebecca Ferguson ha infatti
descritto il ritorno come emotivamente complesso: “È stata una
sensazione strana tornare su un set che conosci così bene e sapere
di non farne più davvero parte”. Ha poi aggiunto: “Ho
provato una forte FOMO” (Fear of Missing Out),
riferendosi alla paura di essere esclusa da qualcosa di importante,
un sentimento comune quando si lascia un progetto così
significativo.
Nonostante ciò, l’attrice, che è
apparsa nei film precedenti del 2021 e 2024, nel ruolo di
Lady Jessica, una madre Bene Gesserit del
prescelto Paul Atreides (Timothée
Chalamet), ha mostrato grande professionalità e
consapevolezza, affermando: “Devi solo accettare che è così…
devi servire la storia”. Infine, ha elogiato il regista,
definendolo “intelligente, creativo… un maestro”, capace
di creare una rara sinergia con il suo team.
I vincitori dell’Oscar Allison Janney, Christoph Waltz e Jeff Bridges, insieme a Zoey
Deutch e ai candidati all’Oscar Jesse Eisenberg e Trey
Parker, si sono uniti al cast di Minions & Monsters, prodotto da Illumination
e Universal Pictures. Il film uscirà nelle sale il 1° luglio. Il
cast include anche Bobby Moynihan, ex membro del
Saturday Night Live, e Phil LaMarr
(Futurama, King of the Hill).
Secondo la sinossi, Minions
& Monsters racconta “la storia turbolenta, ridicola e
assolutamente vera” di come i Minions — guidati da Dick —
hanno conquistato Hollywood, sono diventati star del cinema, hanno
perso tutto, hanno scatenato mostri sul mondo e poi si sono uniti
per cercare di salvare il pianeta dal caos che avevano appena
creato.
L’ultimo capitolo è diretto dal
candidato all’Oscar Pierre Coffin, che ha diretto
i primi tre film di Cattivissimo Me e il primo
film dei Minions. Coffin presta anche la voce ai
Minions nel film, cosa che fa sin dal debutto cinematografico dei
personaggi nel 2010. Brian Lynch
(Minions, i film di Pets – Vita
da animali) e Coffin hanno scritto la sceneggiatura,
prodotta dal fondatore e CEO di Illumination, Chris Meledandri,
candidato all’Oscar, e da Bill Ryan (The Super Mario Bros.
Movie). Lynch è anche produttore esecutivo.
“I Minions hanno sempre avuto
uno spirito meravigliosamente sovversivo e Minions & Monsters offre
una dose piena di irriverenza e caos comico”, ha detto
Meledandri. “Pierre e il suo team di Illumination hanno portato
nel film un livello di maestria artistica che mi ha entusiasmato
durante tutta la produzione. Il cast dei doppiatori è pieno di
talenti eccezionali. La storia del film è inaspettata e deliziosa,
e forse la sorpresa più bella è come Minions & Monsters renda
omaggio al cinema, alle sue origini e ai comici che sono stati
l’ispirazione originale per questi adorabili piccoli
personaggi”.
Creati 15 anni fa, i Minions hanno
portato i film della Illumination Cattivissimo Me
e Minions a un incasso globale di oltre 5,6
miliardi di dollari. Il precedente film dei Minions,
Minions 2 – Come Gru diventa cattivissimo del 2022, è
stato un grande successo estivo, incassando quasi 1 miliardo di
dollari in tutto il mondo. Qui di seguito il video diffuso con
l’annuncio dei nuovi ingressi nel cast:
A vent’anni dall’uscita nelle sale
di V per Vendetta (leggi
qui la recensione), il regista James McTeigue
svela la verità sul cambio di attore protagonista avvenuto durante
la produzione. Hugo Weaving, come noto, interpreta l’omonimo
giustiziere mascherato, che si ribella al regime fascista in una
versione immaginaria del Regno Unito e ispira altri a unirsi alla
lotta, in questo adattamento del romanzo grafico di Alan
Moore. L’interpretazione di Weaving e la sua recitazione
delle numerose citazioni memorabili di V hanno ricevuto ampi
consensi, ma il ruolo originariamente apparteneva a James
Purefoy, che ha girato per diverse settimane prima di
essere sostituito, con voci che suggeriscono che ciò sia dovuto a
divergenze creative.
In un’intervista con Grant Hermanns di
ScreenRant in occasione della riedizione in 4K per il ventesimo
anniversario del film, McTeigue ha però chiarito che l’uscita di
scena di Purefoy aveva meno a che fare con divergenze creative e
più con il fatto che l’attore non fosse la scelta più adatta per il
ruolo a causa dei limiti derivanti dal dover indossare una
maschera. “Penso che fosse necessario abbracciare la maschera.
A difesa di James, gli ho tolto il suo volto, la sua faccia, la
cosa che ha sempre usato per recitare. E questo è stato difficile
per lui. Non era davvero una divergenza creativa, ho solo sentito
che non fosse la scelta giusta per lui, in un certo
senso”.
Il regista ha poi aggiunto: “E
poi, quando abbiamo coinvolto Hugo Weaving, lui ha abbracciato la
maschera. Era felice di stare dietro la maschera, era come una
libertà per lui. Ed è solo una questione personale, in realtà. E
io, all’epoca, dovevo fare ciò che ritenevo giusto per il film,
quindi l’ho fatto. Fino a quel momento avevo lavorato a molti film
come assistente alla regia, forse 20, forse di più. E posso dirvi
che la cosa che non si vuole fare è licenziare il proprio attore
protagonista al proprio debutto alla regia, a meno che non si abbia
davvero un buon motivo per farlo”.
“Quindi, è quello che ho fatto.
Ma sono stato davvero grato a Hugo quando è arrivato. E avevo già
un rapporto con lui grazie all’industria cinematografica
australiana e a tutti i film di Matrix, quindi era una scelta
azzeccata”, ha spiegato il regista. A McTeigue è stato chiesto
anche di trovare l’equilibrio tra il desiderio di vendetta
personale di V e il suo obiettivo più ampio di liberare il popolo
da un sistema tirannico nel modo in cui recitava le sue battute. Il
regista ha spiegato come Weaving fosse un partner altamente
collaborativo nel lavorare per raggiungere un equilibrio così
difficile, e che l’attore fosse costantemente disposto a ricreare
la sua performance per provare diversi approcci creativi.
“Davvero fantastico, in realtà.
Hugo è sempre un ottimo partner. Era disposto a provare qualsiasi
cosa. E quando lavoravamo al film, cercavamo di ottenere la
migliore ripresa della giornata sul set. Quindi, una volta arrivati
alla fase di doppiaggio, e dovendo ricreare la performance, dato
che non era possibile microfonare la maschera, andavamo oltre. Hugo
diceva: “Oh, beh, che ne dici di questo? Potrei farlo”.
“E mi rifaceva davvero tutta la
performance da capo. Mi dava la fisicità, faceva tutto. Se lanciava
coltelli, lanciava coltelli. Abbiamo capito subito che bastava
microfonarlo in modo leggermente diverso, così poteva muoversi e si
potevano percepire i cambiamenti nel suo ritmo, nel suo respiro e
tutto il resto. Ma sì, è stato davvero divertente farlo con lui. È
stato un partner fantastico. Abbiamo girato tutto a Berlino, poi
abbiamo registrato il doppiaggio a Londra. È stato piuttosto
divertente”, ha concluso McTeigue.
A giudicare dalla risposta positiva
nella maggior parte delle recensioni di V per
Vendetta e dal punteggio del 90% del pubblico su Rotten
Tomatoes, le scelte creative che McTeigue ha fatto come regista e
che Weaving ha fatto come attore continuano a essere celebrate due
decenni dopo. Altrettanto essenziali per il successo duraturo del
film sono Lana e LillyWachowski, che hanno scritto la sceneggiatura, e
Natalie Portman nella sua
interpretazione di Evey Hammond, che rimane profondamente coinvolta
nella rivoluzione di V. Anche i costumi sono un altro elemento
iconico, con la maschera di Guy Fawkes di V che è diventata un
simbolo universale di ribellione.
A distanza di diversi decenni dalla
sua realizzazione e uscita, oltre ai messaggi politici senza tempo,
l’eredità di V for Vendetta è destinata a
continuare a crescere con un altro adattamento.
A novembre è stato riferito che una serie televisiva è in
lavorazione presso la HBO e verrà aggiunta alla crescente lista
di show DC che vi vengono realizzati. Secondo quanto riferito,
Pete Jackson sarà il regista e sceneggiatore,
mentre James
Gunn e Peter Safran della DC Studios
ne saranno i produttori.
Preparatevi per un altro viaggio su
Arrakis. Timothée Chalamet ha svelato le
prime immagini di Dune:
Parte 3, l’epico capitolo finale della trilogia
fantascientifica di Denis Villeneuve. Il film
uscirà il 18 dicembre, in contemporanea con Avengers: Doomsday. Chalamet
ha condiviso un’anteprima del suo ritorno attraverso una foto
pubblicata nelle sue storie di
Instagram.
Courtesy of Warner Bros
Ci sarà Dune – Parte 3?
Tuttavia, Deadline
ha recentemente riferito che Dune – Parte
2 sarebbe il secondo film di una saga pianificata di
tre film. Il capo critico cinematografico di Deadline, Pete
Hammond, ha confermato Dune – Parte 3 a
World of Reel , dicendo: “Questo è ciò che Denis dice
essere il piano“. Non è ancora chiaro se il terzo film di
Dune sarà
anche un adattamento del primo libro o se sarà un adattamento di
Messiah.
Dune: Parte
Due,
Oltre ai due attori poc’anzi
citati, nel film recitano anche Rebecca Ferguson
(Mission: Impossible – Dead Reckoning), il premio Oscar
Javier
Bardem (No Country for Old Men, Being the
Ricardos), il candidato all’Oscar Josh
Brolin (Avengers: Endgame), Stellan
Skarsgård (Avengers: Age of Ultron) e
Dave Bautista
(Thor: Love and Thunder). Fanno
inoltre il loro ingresso nel sequel Dune: Parte
Due anche Austin Butler
(Elvis, C’era una volta… a Hollywood) nei panni del
famigerato Feyd Rautha e il premio Oscar Christopher
Walken (Il cacciatore, Prova a prendermi) nei
panni dell’Imperatore. Florence
Pugh (Black Widow, Piccole donne),
Léa Seydoux (Crimes
of the Future) e Souheila Yacoub (la
serie No Man’s Land, Climax) completano
infine l’ampio cast nei panni rispettivamente della principessa
Irulan, figlia dell’Imperatore, Lady Margot, amica stretta di
quest’ultimo, e Shishakli, guerriera dei Fremen.
Dopo gli eventi del primo capitolo, Dune: Parte
Due ritrova Paul Atreides, unitosi ora a Chani e
ai Fremen e in cerca di vendetta contro i cospiratori che hanno
distrutto la sua famiglia e tutto ciò che conosceva del suo mondo.
Una guerra contro il malvagio barone Vladimir Harkonnen, e di
conseguenza contro l’imperatore Shaddam IV, è dunque inevitabile.
In preparazione a questa, Paul rafforzerà il suo rapporto con
Chani, farà la conoscenza della principessa Irulan Corrino, figlia
dell’Imperatore, e conoscerà profondamente lo spirito del deserto
proseguendo la sua strada come “Mahdi” il messia profetizzato dal
popolo del deserto, andando dunque incontro al proprio destino. Il
film arriverà nei cinema italiani dal 1 novembre e
porterà dunque a compimento il racconto intrapreso con il primo
film.
Zona 414 è un cupo
film di fantascienza ambientato in un’epoca in cui gli androidi
esistono per soddisfare i piaceri più oscuri dell’umanità.
Ambientato in un mondo industriale e malfamato, il film segue le
vicende del detective in pensione David Carmichael mentre si
addentra nell’area che dà il titolo al film, l’unico luogo in cui a
esseri umani e androidi è consentito interagire da vicino. Sulle
tracce di una ragazzina in grave pericolo e ingaggiato dal padre
egocentrico, David intraprende un viaggio oscuro.
Il film introduce il concetto di
androidi dotati di emozioni e approfondisce la storia parallela di
Jane, il primo androide ad essere collocato nella Zona
414. Una volta che le strade di Jane e David si
incrociano, i due formano un’alleanza improbabile. Il film si
chiude però con una nota ambigua, lasciando alcune conclusioni
cruciali in sospeso. Se vi siete chiesti quale sia stato il destino
di alcuni personaggi, siamo qui per capire esattamente cosa succede
nel finale del film.
La trama di Zona
414
Il film si apre con una donna
minuta in una sala interrogatori che viene colpita da un ex
poliziotto di nome David Carmichael. Scopriamo che la donna è un
androide mentre vediamo estrarre dei dispositivi dalla sua testa. A
David viene poi detto che uccidere l’androide era un test e che ora
è assunto. L’uomo che assume David è l’eccentrico uomo d’affari
Marlon Veidt, la cui azienda (Veidt Corporation) è pioniera nella
produzione di androidi umanoidi. Marlon descrive una zona isolata
chiamata Zona 414, costruita per testare le “creazioni” della sua
azienda, e informa David che sua figlia, Melissa, si è persa al suo
interno.
A David vengono quindi offerti due
milioni di sterline per recuperare Melissa, e il nostro eroe si
avventura nella zona pesantemente sorvegliata. Viene poi
gradualmente rivelato che ricchi umani infliggono i loro impulsi
sempre più contorti (per lo più sessuali) agli androidi all’interno
della Zona 414 in cambio di somme esorbitanti di denaro. Jane, il
primo androide ad essere collocato nella zona, si rivela diversa
dalle altre macchine umanoidi ed è costantemente tormentata da
incubi e voci nella sua testa.
Quando David finalmente incontra
Jane, lei gli rivela di temere che qualcuno stia cercando di
ucciderla e accetta di aiutarlo a rintracciare Melissa in cambio
della sua protezione. Lo conduce da Royale, l’intermediario umano
tra gli androidi e i loro “clienti” paganti. Seguendo una scia di
indizi sempre più loschi attraverso i bassifondi della Zona 414,
David si imbatte finalmente nel cadavere di Melissa, appeso in un
cantiere navale.
Matilda Lutz in Zona 414
Il finale di Zona
414: Joseph è morto?
David consegna il corpo di Melissa
a Marlon, che rimane stranamente impassibile di fronte alla morte
di sua figlia. L’ex detective della polizia cerca di mettere in
guardia il magnate sui sinistri avvenimenti nella Zona 414, ma
viene zittito da Marlon, che dice furiosamente a David di non
interferire con il suo impero. Il nostro eroe affronta quindi il
fratello di Marlon, Joseph, il quale rivela inavvertitamente di
aver ucciso Melissa. Joseph congeda poi David ed entra nella Zona
414 per porre fine in modo brutale a Jane, ma viene sopraffatto
dall’androide.
David arriva appena in tempo per
vedere Jane in piedi sopra un Joseph malconcio. L’ex poliziotto
offre a Jane una pistola e le dice di uccidere Joseph, cosa che lei
fa sparandogli ripetutamente. Veniamo poi portati a David che sta
rilasciando una testimonianza registrata, in cui afferma di aver
trovato Melissa viva e vegeta nella casa di suo padre Marlon. Le
scene rivelano il magnate con la sua ultima creazione androide: una
replica esatta della figlia defunta. Il film si chiude poi con Jane
che esce dal cancello della Zona 414, pesantemente sorvegliata,
dove David la sta aspettando.
Così, con una mossa inaspettata,
Jane spara al fratello di Marlon, Joseph, e lo uccide. Ci si
aspetterebbe quindi che Marlon, uomo di grande influenza e
egocentrico, si vendicasse di Jane e David. Tuttavia, come rivela
l’eccentrico magnate, nulla è più importante per lui della
stabilità del suo impero. Preferisce quindi tenere segrete le
raccapriccianti morti di suo fratello (Joseph) e di sua figlia
(Melissa) e non causare il panico tra i ricchi mecenati della Zona
414.
Un forte indizio sul destino di
Joseph viene fornito anche dalla testimonianza di David quando
afferma che, insieme a Melissa, ha visto anche Joseph sano e salvo
a casa di Marlon. Ciò sembra implicare che Marlon abbia creato
anche una versione androide del fratello defunto per salvare le
apparenze. Questo destino si adatta stranamente anche al carattere
del vero Joseph, a cui venivano assegnati principalmente compiti
umili e che viveva nell’immensa ombra del fratello.
Guy Pearce in Zona 414
Jane l’androide riesce a fuggire
dalla Zona 414?
Il film si chiude con una nota
sorprendente quando vediamo Jane — uno degli androidi più preziosi
di Marlon e il primo sintetico mai collocato nella Zona 414 —
uscire dai suoi cancelli pesantemente fortificati. Sebbene Jane
abbia avuto a lungo un’esistenza tormentata nella squallida “Robot
City” e sogni spesso di fuggire, sembra che alla fine non debba
farlo. Sembra che Marlon permetta volontariamente a Jane di
lasciare la Zona 414.
Ciò significa probabilmente che il
magnate e David hanno raggiunto un accordo, dato che vediamo il
detective in pensione modificare la sua testimonianza per tutelare
gli interessi di Marlon, evitando di rivelare la morte di Melissa.
Pertanto, è probabile che il magnate permetta a Jane di andarsene
in cambio del silenzio di David. Considerando che David prova un
profondo rimorso per aver contribuito alla morte della moglie
malata terminale, il fatto che sia in grado di “salvare” Jane
conferisce al suo percorso narrativo un certo senso di redenzione e
di chiusura.
Melissa Veidt si è suicidata? Chi
l’ha uccisa?
Il ritrovamento del cadavere di
Melissa rappresenta un’interessante svolta nella narrazione.
Purtroppo, la figlia di Marlon, tormentata mentalmente, va incontro
a una morte raccapricciante per mano di Royale. Sebbene
inizialmente sembri un suicidio perché viene trovata impiccata,
Melissa viene in realtà uccisa da Royale su ordine del fratello di
Marlon, Joseph. I dettagli del complotto omicida non vengono
rivelati, ma possiamo dedurre che Melissa frequentasse la Zona 414
e che sia caduta nelle mani di Royale durante una delle sue
visite.
Royale sembra poi aver consegnato
la ragazza a un cliente umano particolarmente brutale prima di
strangolare Melissa a morte. Jane rivela con tristezza di aver
saputo cosa stava accadendo ma di non averlo fermato, il che spiega
i persistenti incubi di una ragazza strangolata che l’androide
continua ad avere. Pertanto, Melissa viene uccisa e non si suicida.
A quanto pare, al padre egocentrico non sembra importare in alcun
modo, poiché la sua preoccupazione principale è la sicurezza
percepita della Zona 414. Così, l’omicidio di Melissa viene
silenziosamente insabbiato, con persino David che testimonia di
aver visto la ragazza viva a casa del padre.
Leggi anche il finale di questi film simili a Zona
414:
Il
franchise horror di A Quiet
Place continua ad espandersi. Il regista
e creatore della saga John Krasinski ha
confermato ufficialmente i primi nuovi ingressi nel cast di
A Quiet Place Part
III, il prossimo capitolo della serie
cinematografica.
Attraverso un post pubblicato su Instagram, Krasinski ha rivelato
che Cillian Murphy tornerà
nel ruolo di Emmett, già apparso nel secondo film della saga.
Accanto a lui arriveranno anche nuovi volti, tra cui
Jack
O’Connell, noto per il recente film
Sinners, oltre a
Jason Clarke e
Katy
O’Brian.
La
produzione del film è già in corso e l’uscita nelle sale è
attualmente prevista per il
30 luglio 2027.
Il film continuerà la storia dopo
A Quiet Place Part II
Il nuovo capitolo sarà ambientato dopo gli eventi di A Quiet Place Part
II e continuerà a esplorare il mondo
post-apocalittico dominato dalle creature aliene che cacciano
attraverso il suono.
Nel secondo film il personaggio di Emmett, interpretato da Cillian
Murphy, era stato introdotto come un sopravvissuto segnato dalla
perdita della propria famiglia. Nel corso della storia diventava un
alleato fondamentale della famiglia Abbott dopo la morte di Lee
Abbott, il personaggio interpretato dallo stesso Krasinski nel
primo capitolo.
La saga ha costruito il proprio successo su un concept semplice ma
estremamente efficace: in questo mondo devastato dagli alieni,
fare rumore significa
morire.
Il franchise ha già incassato oltre 900 milioni di dollari al box office
mondiale e continua a crescere anche grazie agli spin-off.
Nel 2024 il prequel A Quiet Place: Day
One, con Lupita Nyong’o e Joseph Quinn, ha raccontato le
prime ore dell’invasione aliena ambientate a New York.
Con A Quiet Place Part
III, John Krasinski tornerà ancora una volta dietro la
macchina da presa per proseguire uno dei franchise horror più di
successo degli ultimi anni.
L’impatto culturale di Pulp
Fiction di Quentin Tarantino spiega perché il film sia
ancora oggi oggetto di discussioni e dibattiti. Il secondo film di
Tarantino è infatti uno dei film più amati di tutti i tempi, anche
se il suo stile narrativo rende il finale piuttosto confuso per
alcuni. Pulp Fiction segue vari personaggi in un
breve arco di tempo attraverso storie intrecciate. La sua continua
rilevanza nella cultura popolare e la sua eredità duratura parlano
da sole, ma la trama conduce ai momenti finali, poiché il finale
spiega come tutto si ricollega.
Ci sono stati dibattiti infiniti
sul significato esatto di certe scene, sulla diffusione di varie
teorie dei fan di Pulp Fiction e sull’analisi di
praticamente ogni singola inquadratura del film. Tuttavia, a causa
della narrazione non cronologica che Tarantino ha scelto di
adottare, il suo finale è talvolta considerato relativamente
confuso. Inoltre, Tarantino è noto per il suo amore per espedienti
narrativi profondi e simbolici nei suoi film, il che significa che
c’è molto di più nel finale di quanto sembri a prima vista.
Perché la scena finale di
Pulp Fiction non è il finale cronologico
Uno dei più grandi misteri di
Pulp Fiction riguarda l’ordine della storia del
film, che, come è noto, non è raccontata in ordine cronologico. La
sequenza finale vede infatti Jules e Vincent affrontare i
rapinatori nella tavola calda dell’inizio del film. Sebbene nella
maggior parte dei film convenzionali il finale corrisponda
all’ultimo punto cronologico della narrazione, la scena finale di
questo film si colloca a metà degli eventi cronologici. Rende però
impossibile stabilirlo con esattezza, poiché alcuni elementi fanno
sembrare la storia quasi circolare.
In Pulp Fiction,
la scena in cui Jules e Vincent si trovano nella tavola calda si
svolge tra la scena iniziale nella tavola calda in cui i due
rapinatori parlano e la sequenza in cui i protagonisti affrontano
la moglie di Marsellus Wallace. All’inizio di questa sequenza, si
vedono Jules e Vincent apparire dopo aver lasciato la tavola calda,
creando un mistero sulla loro provenienza a cui non viene data
risposta fino alla fine del film.
Pur non essendo il finale
cronologico di Pulp Fiction, la scena finale del
film è il finale tematico. Tutte le idee di intervento divino,
perdono e vendetta si fondono nel confronto di Jules con i
rapinatori nella tavola calda, spiegando perché Tarantino abbia
deciso di raccontare la storia in questo ordine. Questo finale è
uno dei tanti motivi per cui il film è così amato, rimanendo una
delle sue parti più iconiche.
Cosa c’era nella valigetta in
Pulp Fiction?
Forse la domanda più grande rimasta
del tutto senza risposta in Pulp Fiction è cosa ci
fosse esattamente nella valigetta rubata a Marsellus Wallace.
Esistono numerose teorie di rilievo sul contenuto della valigetta,
e una delle più note è che contenga l’anima di Marcellus Wallace.
Ci sono anche teorie secondo cui potrebbe contenere numerosi altri
oggetti, tra cui i diamanti della rapina in Le iene,
lingotti d’oro, il Santo Graal e persino l’abito dorato di Elvis
Presley.
Tuttavia, lo stesso
Quentin Tarantino ha spiegato che
non esiste una vera e propria spiegazione. L’unico scopo della
valigetta è quello di fungere da MacGuffin — un oggetto che esiste
esclusivamente per far avanzare la trama del film — e quindi il
contenuto esatto non ha importanza. Sebbene gli anni di
speculazioni sfrenate sul contenuto esatto della valigetta che
Vincent e Jules acquisiscono siano certamente interessanti, la
verità è che è del tutto irrilevante.
Perché Butch uccide Vincent
Uno dei colpi di scena narrativi
più scioccanti in Pulp Fiction è la morte di
Vincent Vega. Dopo che Butch ha tradito Marsellus prendendo i suoi
soldi e vincendo l’incontro che avrebbe dovuto perdere, Marsellus e
Vincent si recano a casa di Butch per ucciderlo. Marsellus se ne va
e Vincent decide di usare il bagno di Butch (un effetto collaterale
della sua dipendenza da eroina è la stitichezza, e succedono cose
brutte quando Vincent va in bagno). Butch torna intanto a casa,
trova la pistola di Marsellus e uccide Vincent Vega mentre esce dal
bagno.
Sebbene le sfortunate pause bagno
di Vincent Vega in Pulp Fiction siano quasi uno
scherzo, la sua morte è improvvisa e sorprendente. Potrebbe
sembrare che Butch avesse uno scopo più grande nell’uccidere
Vincent. In realtà agisce principalmente d’istinto. Sapendo che
Marsellus Wallace sarebbe stato pronto a ucciderlo per il suo
tradimento, e sapendo che c’era qualcuno in casa sua, Butch ha
aperto il fuoco in un atto di autodifesa. La morte di Vincent parla
tanto della sua sfortuna quanto della motivazione di Butch a
uscirne vivo.
Ezechiele 25:17: cosa
significa la citazione biblica
In tutto il film, si sente Jules,
interpretato da Samuel L. Jackson, citare un versetto della
Bibbia, che lui identifica come Ezechiele 25:17. Il
versetto citato da Jules è una versione scritta appositamente da
Tarantino per trattare i temi della redenzione e della salvezza,
centrali nella storia di Jules. La citazione esatta recita:
“Il cammino dell’uomo timorato
è minacciato da ogni parte dalle ingiustizie degli egoisti e dalla
tirannia degli uomini malvagi. Beato colui che, in nome della
carità e della buona volontà, guida i deboli attraverso la valle
delle tenebre, poiché egli è veramente il custode di suo fratello e
colui che ritrova i bambini smarriti. E io punirò con grande
vendetta e furiosa ira coloro che tentano di avvelenare e
distruggere i Miei fratelli. E saprete che io sono il Signore
quando scaglierò la Mia vendetta su di voi.“
Poiché Vincent e Jules stanno
recuperando la valigetta di Marsellus Wallace da Brett quando Jules
recita per la prima volta questa frase, lo scopo iniziale della
citazione è semplicemente quello di spaventare la loro vittima.
Tuttavia, nel corso della storia del film, diventa chiaro a Jules
che la citazione ha un significato molto più profondo e che
dovrebbe ritirarsi dalla sua vita criminale per vivere un’esistenza
più pacifica.
Questo è in definitiva ciò che
salva la vita di Jules, poiché significa che non è presente agli
eventi che portano alla morte di Vincent. I temi della punizione e
della salvezza accennati nel falso versetto biblico si traducono
direttamente nei personaggi di Pulp Fiction e
nelle loro rispettive storie, rendendo la recita di Jules del
fittizio Ezechiele 25:17 particolarmente profetica.
Perché Pulp
Fiction non rivela cosa sia successo a Jules dopo il
finale
Il destino di Vincent in
Pulp Fiction è piuttosto chiaro: viene ucciso a
colpi di pistola mentre è seduto sul water durante uno dei segmenti
della storia. Tuttavia, il destino di Jules è lasciato molto più
ambiguo, dato che Pulp Fiction non rivela effettivamente cosa sia
successo al personaggio interpretato da Samuel L. Jackson. Jules è uno dei
protagonisti principali di Pulp Fiction, quindi
lasciare il suo destino ambiguo è una scelta strana. Tuttavia,
l’evoluzione del personaggio di Jules nel corso del film suggerisce
fortemente cosa possa essergli successo dopo i violenti eventi.
Nel corso del film, Jules subisce
una trasformazione radicale, passando dall’essere un killer
incallito a qualcuno capace di perdonare. Ciò è dovuto
principalmente al suo incontro con l’intervento divino nelle scene
iniziali del film, un evento che chiaramente lo ha scosso a tal
punto da indurlo a tornarci sopra più volte nel corso della
pellicola. L’intervento divino spinge Jules ad allontanarsi dallo
stile di vita basato sull’uccidere per denaro che conduceva prima
degli eventi del film e, dopo il suo periodo di trasformazione,
potrebbe aver deciso di cambiare per sempre.
La teoria più diffusa riguardo a
Jules è che se ne sia andato a vagare per il mondo dopo gli eventi
del film, iniziando una nuova vita da qualche parte. Tuttavia, il
film non lo conferma, poiché non è davvero rilevante per i temi
della storia. Il ruolo di Jules in Pulp Fiction
riguarda più il suo periodo di trasformazione che la sua vita
post-trasformazione, il che spiega perché Tarantino abbia deciso di
lasciare il suo destino ambiguo.
Il vero significato del finale di
Pulp Fiction
Pulp Fiction ha
due finali: quello cronologico e la scena finale letterale del
film. L’epilogo del film mostra la risoluzione della rapina nella
tavola calda e funge da finale per Jules. Avendo scelto di
lasciarsi alle spalle la vita criminale, Jules risolve
pacificamente la situazione con Pumpkin e Honey Bunny, dimostrando
di essere sulla via della redenzione. Ciò trova riscontro nel
finale cronologico, dove Butch se ne va al tramonto con la sua
vincita per iniziare una nuova vita con Fabienne.
Entrambi i finali di Pulp
Fiction seguono lo stesso tema: un uomo che ha commesso
diversi misfatti compie una scelta virtuosa e viene ricompensato
con un lieto fine. Jules risparmia Pumpkin e Honey Bunny, e Butch
torna indietro per salvare la vita di Marsellus, guadagnandosi il
loro lieto fine. Marsellus permette a Butch di vivere, il che
potrebbe essere considerato in una luce simile. Il versetto biblico
di Ezechiele 25:17 si rivela fondamentale per comprendere
il significato più profondo che si cela dietro il finale di
Pulp Fiction.
Il
progetto della serie live-action di Hitman non vedrà più
la luce. Dopo quasi un decennio di sviluppo, l’adattamento
televisivo che Hulu stava preparando
è stato ufficialmente cancellato.
La
notizia è arrivata direttamente da Derek Kolstad,
sceneggiatore noto per aver creato la saga di John
Wick e coinvolto nel progetto come autore del
pilot e produttore esecutivo. Durante un’intervista al SXSW con The
Direct, Kolstad ha confermato che la serie è ormai definitivamente
accantonata.
“È
morta sul nascere. È come una pugnalata al petto”, ha dichiarato lo
sceneggiatore, spiegando che non ci sono più sviluppi in corso
nonostante il suo entusiasmo per il personaggio e per il mondo
narrativo del gioco.
Un progetto annunciato nel 2017 che
non è mai decollato
La
serie era stata annunciata nel 2017, quando Hulu e Fox 21 Television
Studios avevano avviato lo sviluppo di un adattamento
televisivo della celebre saga videoludica creata da IO Interactive.
Il franchise, nato nel 2000, ruota attorno al personaggio di
Agent 47, un
assassino geneticamente modificato specializzato in missioni di
infiltrazione. Nel corso degli anni la serie di videogiochi è
diventata una delle più celebri nel genere stealth, culminando
nella trilogia World of
Assassination pubblicata tra il 2016 e il 2021.
Nonostante l’interesse iniziale, il progetto televisivo non è mai
entrato realmente in produzione. Inoltre Fox 21 Television Studios
è stato successivamente riorganizzato e trasformato in Touchstone
Television, senza che la serie venisse mai
realizzata.
Gli adattamenti cinematografici
di Hitman non hanno convinto
Il franchise di Hitman
aveva già provato a conquistare Hollywood con due film live-action,
ma entrambi sono stati accolti negativamente dalla critica.
Il primo, Hitman, vedeva
protagonista Timothy Olyphant nel
ruolo di Agent 47, ma ricevette recensioni molto dure. Ancora
peggiore fu la ricezione di Hitman: Agent 47
con Rupert Friend, che
ottenne un punteggio estremamente basso su Rotten Tomatoes.
Per questo motivo il futuro del personaggio al di fuori dei
videogiochi rimane incerto. IO Interactive ha confermato che nuovi
giochi della saga sono in sviluppo, ma un grande capitolo della
serie potrebbe arrivare solo intorno al 2028.
Con la cancellazione della serie Hulu, dunque, le possibilità di
vedere Agent 47
tornare presto in una produzione live-action sembrano al momento
piuttosto remote.
Il genere televisivo
fantascientifico continua a crescere con adattamenti letterari o
divertenti reboot, e queste otto serie sono quelle da non perdere.
Un tempo considerato di nicchia, il genere fantascientifico è
diventato un pilastro mainstream, più popolare che mai.
Franchise di punta come Star
Trek e Doctor Who continuano ad andare forte. Star Trek ha
appena pubblicato
Starfleet Academy, mentre Doctor Who tornerà con
uno speciale natalizio nel 2026. Sono in uscita anche molte nuove
serie. Tra i recenti successi figurano Pluribus,
che è diventata la serie più vista di sempre su Apple
TV, e Paradise di
Hulu.
Fortunatamente, non assisteremo a
un calo delle grandi serie di fantascienza nel prossimo futuro.
Molti grandi programmi di fantascienza stanno tornando per nuove
stagioni. Nel frattempo, questi otto programmi televisivi in uscita
hanno trame avvincenti e un enorme potenziale di successo.
Lanterns
Lanterns – Aaron Pierre e Kyle Chandler nella prima
foto della serie – Cortesia di Max
Data di uscita: agosto 2026
I fan della DC chiedono a gran voce
da anni un buon programma televisivo su Green Lantern, e finalmente
potremmo averlo con Lanterns di James
Gunn, con Kyle Chandler nel ruolo di Hal Jordan e Aaron Pierre
in quello di John Stewart. La storia segue i due personaggi mentre
Jordan addestra Stewart. A differenza di alcune storie di supereroi
che tendono al fantasy, Green Lantern è fantascienza fin dagli anni
’60.
L’anello di Green Lantern è un
impressionante pezzo di tecnologia aliena che utilizza la Luce
Verde della Forza di Volontà per manipolare la luce, l’energia e,
in una certa misura, la materia. Le abilità specifiche, come volare
e far esplodere le cose, dipendono dallo scrittore del fumetto e
dal personaggio.
A parte Kyle Chandler che vola, le
abilità dell’anello non vengono mostrate nel trailer di Lanterns,
ma questo rende il tutto ancora più emozionante. Hanno riservato la
parte migliore per la serie TV vera e propria. Si spera che
riusciranno a fondere l’atmosfera di True Detective con alcune epiche azioni
dell’anello Lantern.
Blade Runner 2099
Data di uscita: da definire nel
2026
Blade Runner e Neuromancer sono le due opere che hanno dato il
via al genere cyberpunk, prima considerato di nicchia, quindi è
estremamente emozionante che entrambe diventeranno una serie TV nel
2026. Blade
Runner 2099 è il quarto capitolo importante della saga
basata su “Il cacciatore di androidi” di Phillip K. Dick, dopo due
film e un anime.
La serie TV sarà ambientata 50 anni
dopo Blade Runner 2049. Anche se la trama è
ancora segreta, sappiamo che uno dei personaggi principali sarà
Olwen, interpretato da Michelle Yeoh, un replicante che sta per
arrivare alla fine del suo ciclo di vita. Sarà un cambiamento
interessante, dato che entrambi i film si concentrano sugli umani
che danno la caccia ai replicanti.
Inoltre, la serie avrà molto più
tempo per continuare ad espandere l’affascinante mondo di Blade Runner, poiché gli annunci originali hanno
confermato che avrà 10 episodi. Anche se non abbiamo ancora una
data di uscita precisa, la serie Prime Video del 2026 è qualcosa che non vorrete
perdervi.
Snowball
Earth
Data di uscita: 3 aprile 2026
Snowball Earth è uno degli anime di
fantascienza più emozionanti degli ultimi anni, e tutti gli
appassionati di serie TV animate non possono perdersi la sua uscita
ad aprile. La storia è ambientata nel 2035 (10 anni dopo
l’ambientazione del manga), dopo che il protagonista, Tetsuo
Yabusame, e il suo robot gigante, Yukio, hanno perso una guerra
contro i kaiju intergalattici. Ora, Tetsuo si risveglia su una
Terra che ha subito un’apocalisse di neve e ghiaccio.
Ci sono molti motivi per cui
Snowball Earth sarà fantastico. Presenta mostri provenienti dallo
spazio, un robot gigante, mecha e un’apocalisse ambientale. C’è un
forte mistero, poiché Tetsuo deve capire cosa è successo alla Terra
negli otto anni trascorsi da quando ha perso la guerra. Inoltre, il
regista di Zombie Land Saga sta realizzando Snowball Earth, quindi
è destinato ad avere alcune fantastiche sequenze d’azione e
commedia.
Consider Phlebas
Data di uscita: da definire
All’inizio del 2025 è stata diffusa
la notizia che Consider Phlebas di Iain M. Banks, il primo libro
della serie Culture, sarebbe diventato una serie TV Prime Video. I
libri di questa space opera dal ritmo serrato raccontano la guerra
tra una civiltà post-scarsità chiamata Culture, in cui gli esseri
umani e l’intelligenza artificiale vivono fianco a fianco, e
l’imperialista Impero Idriano, dove la religione domina la
legge.
Al momento della stesura di questo
articolo, non è chiaro se la serie seguirà solo il primo libro o
l’intera serie Culture, ma in entrambi i casi si preannuncia
emozionante. La serie è naturalmente cinematografica e ci sono
molte battaglie spaziali per coinvolgere gli spettatori. Inoltre,
lo scrittore di fantascienza Charles Yu scriverà la serie e la sua
esperienza con il genere fa ben sperare per Consider Phlebas.
Star Wars: Maul – Shadow Lord
Data di uscita: 6 aprile-4 maggio
2026
Il franchise di Star
Wars continua ad espandersi in televisione e la
prossima serie animata Star Wars: Maul – Shadow Lord è tra
i programmi più promettenti. La storia segue Maul dopo il finale
della stagione 7 di Clone Wars. Egli cerca di creare una nuova base
operativa sul pianeta Janix.
Piuttosto che essere un film di
fantascienza Impero contro Jedi, questa serie sarà un thriller noir
fantascientifico con un tono più serio. La storia sarà piena di
criminali e poliziotti corrotti. Inoltre, lo show continuerà a
presentare droidi poliziotto, spade laser, blaster e tutti gli
altri grandi elementi fantascientifici del franchise.
La parte migliore è che i creatori
di Clone Wars, una delle parti migliori di Star Wars, saranno alla
guida di Maul. Sono fantastici nel tessere insieme una storia
soddisfacente e nello sviluppare i personaggi noti in modi
sorprendenti.
The Captive’s War
Data di uscita: da definire
The
Expanse è una delle migliori serie TV di fantascienza
moderna e gli autori hanno già in cantiere il loro prossimo
progetto. Daniel Abraham e Ty Franck, il duo che scrive sotto lo
pseudonimo di James S.A. Corey, stanno per pubblicare la loro
prossima serie di libri, The Captive’s War, che sarà trasformata in
una serie Prime Video.
La storia segue un gruppo di
scienziati umani che vengono catturati dal terrificante impero
imperialista Carryx e tentano di dare inizio a una ribellione.
Fortunatamente, Abraham e Franck sono coinvolti nella serie, il che
significa che non dovremo aspettare che tutti i libri siano
pubblicati per iniziare. Inoltre, Naren Shankar e Breck Eisner di
The Expanse torneranno per The Captive’s War.
Astro Boy Reboot
Uscita: TBA
Astro Boy Reboot è in lavorazione
da oltre un decennio e ha cambiato più volte proprietari e design.
Per questo motivo, la maggior parte delle persone lo ha considerato
un progetto improbabile. Tuttavia, sono stati fatti dei progressi,
come dimostrano le immagini e i test di animazione trapelati.
Queste mostrano Astro Boy, Uran, il
dottor Ochanomizu e Yuko Kisaragi, tra gli altri personaggi.
Inoltre, un video mostra Astro Boy in azione. Se le immagini
trapelate sono indicative, Astro Boy Reboot potrebbe davvero essere
fantastico. L’animazione, in particolare, sembra fantastica.
Inoltre, Mediawan Kids & Family, la
società madre di Method Animation, ha presentato Astro Boy Reboot
al San Diego Kidscreen Summit 2026. L’evento è a porte chiuse,
quindi non potremo vedere nessuna delle risorse, ma è un ottimo
segno che lo show stia procedendo attivamente.
Neuromancer
Data di uscita: TBA 2026
Il romanzo cyberpunk Neuromancer è
stato fondamentale, anche se non è stato il primo lavoro
multimediale del genere. Il libro segue le vicende di un cyber
hacker disabile di nome Case che viene assunto da una misteriosa
organizzazione per compiere una rapina digitale con una ragazza
dagli occhi a specchio e un mercenario. Sorprendentemente, ci sono
voluti 42 anni perché il libro venisse adattato per il grande
schermo.
Tuttavia, la lunga attesa è valsa
la pena perché Apple TV sta dando vita alla serie. La piattaforma
di streaming si è guadagnata la reputazione di privilegiare la
qualità alla quantità e di produrre fantascienza di alto livello.
L’attore Callum Turner, candidato ai BAFTA, interpreterà Case, un
casting sorprendentemente perfetto. Inoltre, Briana Middleton sarà
fantastica nel ruolo di Molly, se il suo ruolo in The Silent Planet
è indicativo.
Il film The
Beekeeper (leggi
qui la recensione) si conclude con Adam Clay che uccide diversi
agenti dell’FBI e dei Servizi Segreti durante la sua caccia a Derek
Danforth, il quale a sua volta non ne esce vivo. Il film d’azione,
diretto da David Ayer, vede Jason Statham nei panni dell’apicoltore
protagonista. Con una missione da compiere, Clay arriva fino alla
Casa Bianca nel tentativo di vendicare Eloise Parker. Nascosto
sotto un camion diretto all’evento ospitato dal presidente
Danforth, Clay supera agenti altamente addestrati ed entra senza
alcuna difficoltà. Una volta dentro, Clay affronta l’ex direttore
della CIA Wallace Westwyld e l’agente Verona Parker, figlia di
Eloise.
All’interno dello Studio Ovale,
Derek, interpretato da Josh Hutcherson, affronta sua madre, che ha
scoperto che suo figlio ha utilizzato il software di data mining
della Danforth Enterprise per condurre truffe di phishing. Derek ha
anche usato denaro sporco per finanziare la campagna elettorale del
presidente Danforth. Danforth è furioso e Derek approfitta della
situazione per tenere sua madre sotto tiro e uccidere il
vicedirettore dell’FBI. Clay irrompe nella stanza e spara a Derek
alla testa. Clay salta dalla finestra e raggiunge il fiume, dove ha
l’attrezzatura che lo aspetta. Parker, che ha una linea di tiro
libera, decide di non ucciderlo.
Chi sono i Beekeepers? La
spiegazione del programma degli agenti segreti
Il programma Beekeeper è talmente
segreto che persino Wallace Westwyld non ne era a conoscenza per un
certo periodo. Il programma recluta agenti da addestrare come
ultima linea di difesa e come ultima risorsa. Quando tutti gli
altri agenti e risorse sono stati esauriti, ai Beekeepers viene
affidata la responsabilità di proteggere l’alveare e vengono
fornite le risorse per portare a termine il loro lavoro e agire
secondo il proprio giudizio. Ci si aspetta che i Beekeepers
agiscano nel miglior interesse dell’alveare, sebbene apparentemente
possano farlo al di fuori dei parametri della CIA o dell’FBI.
I Beekeepers sono così ben
addestrati da far sembrare inutili le forze speciali e gli altri
agenti dell’agenzia. Non è chiaro quando sia iniziato il programma,
ma è attivo nell’ombra da abbastanza tempo, con l’identità degli
agenti cancellata dal sistema in modo che non possano essere
rintracciati. Sono pericolosi e, come dice Wallace a Derek,
“Quando un Beekeeper dice che morirai, morirai”. Clay e il
resto degli agenti operano ai margini della legge, il che significa
che sono capaci di tutto.
Il colpo di scena su Derek dei
Beekeeper
Derek era coinvolto in molte più
truffe di quanto si credesse inizialmente. Mentre era nel business
di truffare la gente comune, Derek era a capo di una società che le
agenzie governative statunitensi — e la CIA, in particolare —
utilizzavano per il loro lavoro. Derek ha approfittato dei sistemi
in atto non solo per svolgere il suo lavoro di truffatore, ma ha
usato il programma della CIA per aiutare la campagna presidenziale
di sua madre, assicurandole la vittoria. Derek ha usato denaro
sporco per finanziare la sua campagna, il tutto all’insaputa di
lei. A Derek non importavano le regole, gli importava solo
manipolarle a suo piacimento.
Perché l’agente Parker lascia
scappare Adam Clay alla fine del film
Verona Parker è irremovibile nel
voler dare la caccia ad Adam Clay perché, sebbene pensi che alla
fine abbia ragione, ci sono leggi per affrontare tali
rivendicazioni. Parker alla fine cambia idea perché Clay le chiede
di fare una scelta: tra la legge e la giustizia. Data la
possibilità di catturarlo finalmente, Parker lascia fuggire Clay
perché capisce il suo punto di vista, così come ciò che sta
cercando di fare per far pagare Derek. Clay è un giustiziere che
agisce al di fuori della legge e Parker si trova nel mezzo tra ciò
che ha sempre creduto fosse giusto e il tipo di giustizia di
Clay.
La spiegazione di ogni morte nel
finale di The Beekeeper
Il finale di The
Beekeeper presenta diverse morti, e la situazione
degenera, diventando sempre più caotica man mano che gli intrighi
di Derek vengono smascherati. Dopo che vengono rivelati lo
sfruttamento del programma e l’uso di denaro sporco da parte di
Derek, questi uccide il vicedirettore dell’FBI Prigg. Derek quasi
uccide sua madre, la presidente Danforth, nel tentativo di
proteggersi, ma Adam lo uccide per primo. Prima della morte di
Derek, Adam ha ucciso tutti i mercenari di Wallace, così come
Lazarus, il loro capo. Quest’ultima morte ha richiesto ad Adam
molto più tempo perché Lazarus era una delle poche persone in grado
di affrontarlo in un combattimento.
Cosa succederà alla presidente
Danforth dopo che Clay ha ucciso Derek
La presidente Jessica Danforth è
rimasta sconvolta dopo che Clay ha ucciso Derek. Ma prima della
morte di Derek, e prima che lui la tenesse in ostaggio, lei aveva
dichiarato che avrebbe rivelato al Paese che i fondi della sua
campagna elettorale provenivano da fonti illecite. La Danforth
riteneva che fosse la cosa giusta da fare, soprattutto considerando
che aveva lasciato la propria azienda per candidarsi alla
presidenza e sembrava possedere una certa integrità (a differenza
di suo figlio). Ma ora che Derek è morto, è possibile che non vada
fino in fondo. L’opinione pubblica vorrà conoscere il motivo
dell’omicidio di Derek, e la presidente Danforth potrebbe sfruttare
la sua morte per evitare ulteriori scandali.
Il vero motivo per cui Adam Clay
ha preso di mira Derek Danforth
Clay avrebbe potuto fermarsi dopo
aver dato fuoco al primo call center, la United Data Group.
Dopotutto, erano stati la United Data Group e i suoi dipendenti a
truffare Eloise, e metterla fuori uso avrebbe vendicato la sua
morte. Ma una volta che Clay ha saputo che c’erano altri call
center e che Derek li possedeva tutti, il Beekeeper ha capito che
doveva eliminarlo per impedire ulteriore corruzione.
Se Clay avesse eliminato solo lo
United Data Group, non avrebbe inferto un colpo abbastanza duro
agli affari di Derek, e questi avrebbero continuato a truffare la
gente da altri call center. Il fatto che Derek fosse il figlio del
presidente Danforth significava che l’ape regina era stata
compromessa, e Clay doveva eliminarlo per proteggere l’alveare.
Clay non si sarebbe fermato finché Derek non fosse stato ucciso:
era un’infezione che stava colpendo le persone più vulnerabili, e
la sua influenza doveva finire.
Clay recupera i soldi di
Eloise?
Sebbene Adam Clay si lanci in una
serie di omicidi per vendetta per conto di Eloise, The
Beekeeper non conferma se il personaggio principale riesca
a recuperare i soldi di Eloise dai suoi truffatori. Considerando
che Eloise è morta e che Clay brucia i centri di truffa, oltre a
uccidere Derek, è dubbio che sia riuscito a recuperare tutto ciò
che Eloise aveva perso. Clay ha vendicato la sua morte uccidendo
Derek e coloro che lavoravano per lui. Sembrava più facile che
tentare di recuperare i soldi — soldi che non sarebbero più stati
usati da Eloise.
Come il finale di Adam Clay
prepara il terreno per un sequel
Adam Clay è riuscito a entrare e
uscire dalla Casa Bianca senza essere ucciso (solo uno dei
mercenari ci è andato vicino), quindi il fatto che sia fuggito e
che probabilmente sarà ricercato ancora di più dopo aver ucciso
Derek è più che sufficiente per preparare il terreno per The Beekeeper 2. Inoltre, Parker ha lasciato
fuggire Clay alla fine di The Beekeeper, ed è
possibile che cambi idea su ciò che ha fatto e cerchi di
ritrovarlo, oppure che trovi un modo per allearsi con lui per
un’altra missione.
Ora che il direttore dell’FBI è
morto, Parker potrebbe ottenere una promozione, e la storia
potrebbe proseguire da lì. Al momento della stesura di questo
articolo, non è stato annunciato alcun sequel di The
Beekeeper. Tuttavia, il film d’azione ha abbastanza
worldbuilding e intrighi per continuare in un sequel, se non altro
per vedere cosa farà Clay, interpretato da Jason Statham, e come riuscirà a
evitare di essere catturato dopo un omicidio di così alto
profilo.
Cosa hanno detto Jason Statham e
David Ayer su The Beekeeper 2
Con il finale di The
Beekeeper che lascia la porta aperta a ulteriori
esplorazioni dell’alveare e delle sue operazioni, oltre al fatto
che Adam Clay sia riuscito a fuggire, il film sembra pronto per
diventare l’inizio di un franchise. Il successo al botteghino di
The Beekeeper dà un vantaggio a un potenziale sequel. Parlando con
Inverse, David
Ayer ha espresso interesse a continuare ad esplorare il
mondo costruito con il primo film. Ecco cosa ha detto il regista su
The Beekeeper 2:
“Abbiamo aperto un po’ la porta
sul mondo di The Beekeeper e mi piacerebbe saperne di più su di
loro. Sono estremamente curioso: da dove vengono? Chi sono? Come
operano? Cosa è successo al sistema? Si è rotto? I Beekeepers si
sono rotti? Dobbiamo riparare i Beekeepers? Chi ripara i Beekeepers
quando i Beekeepers hanno bisogno di essere riparati?”.
Allo stesso tempo, Ayer e Statham
continuano a lavorare insieme, anche se su un altro film d’azione
invece che su The Beekeeper 2. Mentre Statham non
ha detto nulla su un sequel di The Beekeeper,
Hutcherson (nella stessa intervista di Ayer) ha aggiunto di voler
sapere “chi ha fondato il sistema dei Beekeeper e quanti ce ne
sono”, il che sarebbe intrigante come trama centrale.
Cosa significa davvero il finale
di The Beekeeper
A prima vista, The
Beekeeper è un film di vendetta, ma i livelli di
corruzione che Clay porta alla luce dimostrano che nessuna entità —
per quanto buone possano sembrare le sue intenzioni — è immune
dalla doppiezza. Il film rivela anche come chi detiene il potere
possa sfruttare i più vulnerabili per il proprio tornaconto e la
propria avidità, come dimostra il caso di Eloise, derubata dei suoi
soldi e dei proventi delle donazioni. Sebbene la missione di Clay
fosse personale, il suo bisogno di proteggere l’alveare deriva dal
concetto di squilibrio.
Stava cercando di riparare a un
torto, reso ancora più allarmante dal fatto che l’uomo responsabile
di operazioni così atroci fosse il figlio dello stesso presidente.
Inoltre, la decisione di Parker di permettere a Clay di fuggire
suggerisce che stia iniziando a mettere in discussione i limiti
della legge, così come ciò che è giusto. Entrambi i personaggi
esprimono giudizi morali diversi nel corso del film, e The
Beekeeper si chiede quale sia, in definitiva, quello
giusto. Il film presenta un interessante dilemma riguardo al modo
in cui dovrebbero essere affrontati la corruzione e gli illeciti in
generale, specialmente in relazione alle loro vittime.
Quando Person of
Interest debuttò nel 2011 sulla CBS, molti
spettatori la considerarono inizialmente un semplice procedural con
elementi fantascientifici. Con il passare delle stagioni, però, la
serie creata da Jonathan Nolan
dimostrò di essere qualcosa di molto più ambizioso: una riflessione
sulla sorveglianza di massa, sul potere degli algoritmi e sul
rapporto tra esseri umani e intelligenza artificiale.
Con
protagonisti Jim Caviezel nel ruolo
dell’ex agente John Reese e Michael Emerson in
quello del geniale programmatore Harold Finch, la serie immagina un
sistema capace di analizzare ogni dato disponibile per prevedere i
crimini prima che accadano. Una premessa che, nel 2011, sembrava
fantascienza pura ma che oggi appare sorprendentemente vicina alla
realtà.
La Macchina di Person of Interest:
fantascienza o previsione tecnologica?
Al centro della serie c’è “la Macchina”, un’intelligenza
artificiale progettata da Finch per il governo degli Stati Uniti
dopo gli attentati dell’11 settembre. Il sistema analizza enormi
quantità di dati – telecamere di sorveglianza, comunicazioni
telefoniche, registri digitali – per individuare potenziali minacce
prima che si trasformino in crimini reali.
Questo concetto non nasce dal nulla. Negli anni successivi all’11
settembre, gli Stati Uniti hanno effettivamente sviluppato sistemi
di sorveglianza e analisi dei dati su larga scala. Programmi come
PRISM, rivelati dalle divulgazioni di Edward Snowden nel 2013, hanno mostrato come
le agenzie di intelligence raccolgano grandi quantità di
informazioni digitali per analizzare comportamenti e prevenire
minacce alla sicurezza nazionale.
Naturalmente, la “Macchina” della serie è molto più avanzata:
possiede una vera forma di intelligenza artificiale autonoma e può
interpretare i dati in modo quasi umano. Tuttavia, il principio
alla base – utilizzare algoritmi e big data per prevedere
comportamenti – è oggi al centro di molti sistemi di analisi
predittiva.
Sorveglianza di massa e realtà:
quanto siamo vicini allo scenario della serie
Uno dei temi più discussi della serie riguarda la sorveglianza
costante della popolazione. In Person of Interest,
ogni telecamera urbana, ogni dispositivo connesso e ogni
comunicazione digitale possono essere analizzati dal sistema.
Se questa visione può sembrare distopica, in realtà il mondo
contemporaneo si avvicina sempre di più a questo modello. Le città
moderne sono sempre più ricche di sensori, telecamere e dispositivi
connessi. Tecnologie come il riconoscimento facciale e l’analisi
dei dati urbani vengono già utilizzate in diversi paesi per
monitorare il traffico, individuare sospetti o prevenire attività
criminali.
Alcuni sistemi di polizia
predittiva, ad esempio, analizzano dati statistici e
comportamentali per prevedere dove potrebbe verificarsi un crimine.
Non sono in grado di individuare una persona specifica come accade
nella serie, ma il principio di base – anticipare gli eventi
attraverso algoritmi – è lo stesso che guida la Macchina.
L’intelligenza artificiale nella serie e il dibattito etico
reale
Uno degli aspetti più
affascinanti della serie è la riflessione sull’autonomia
dell’intelligenza artificiale. Con il passare delle stagioni, la
Macchina non è più soltanto uno strumento, ma diventa un’entità
capace di prendere decisioni e di sviluppare una propria
“coscienza”.
Questa idea tocca un tema
centrale del dibattito contemporaneo sull’IA: fino a che punto un
sistema automatizzato dovrebbe essere autorizzato a prendere
decisioni che influenzano la vita delle persone?
Oggi le intelligenze
artificiali non hanno la coscienza mostrata nella serie, ma vengono
già utilizzate in ambiti cruciali: dalla medicina alla finanza,
fino ai sistemi di sicurezza. Proprio per questo motivo governi e
istituzioni stanno discutendo regolamentazioni sempre più rigide
per limitare l’uso incontrollato degli algoritmi.
Perché Person of Interest è diventata una serie sempre più
attuale
A distanza di anni dalla sua
conclusione nel 2016, Person
of Interest appare quasi profetica. Quando andò in onda la
prima stagione, il dibattito pubblico sull’intelligenza artificiale
e sulla sorveglianza digitale era ancora limitato. Oggi, invece,
questi temi sono al centro della discussione globale.
La serie anticipò molte
questioni che oggi consideriamo fondamentali: il potere dei dati,
la vulnerabilità della privacy e la possibilità che sistemi
automatizzati influenzino le decisioni umane. Proprio per questo
motivo continua a essere riscoperta dal pubblico, anche grazie alla
sua presenza sulle piattaforme di streaming.
In definitiva, Person of Interest non è soltanto una serie di
fantascienza o un thriller tecnologico. È una storia che ha saputo
intuire con largo anticipo la direzione che la tecnologia avrebbe
preso nel mondo reale, trasformando un’idea apparentemente
fantascientifica in una riflessione sempre più concreta sul futuro
della nostra società.
L’universo di A Quiet Place
continua ad espandersi oltre il cinema. Dopo il successo dei film
diretti e prodotti da John Krasinski, il
franchise horror approda ora anche nel mondo dei fumetti con la
nuova miniserie ufficiale A
Quiet Place: Storm Warning.
Pubblicata da IDW Publishing, la
serie è scritta da Phil Hester e
illustrata da Ryan Kelly. Il
progetto era stato annunciato nell’ottobre 2024, poco dopo l’uscita
del film prequel A Quiet Place: Day
One, e il primo numero è ora ufficialmente
disponibile.
Storm Warning racconta una nuova
storia nel mondo di A Quiet Place
La
miniserie è ambientata nella cittadina immaginaria di Pearl, nello
stato dell’Iowa, una piccola comunità isolata che cerca di
sopravvivere nel mondo devastato dalle creature aliene che cacciano
attraverso il suono.
Gli abitanti della città inizialmente credono di poter rimanere al
sicuro, lontani dal caos che ha travolto le grandi metropoli. Ma il
capo dei vigili del fuoco Lonnie Fry capisce presto che il pericolo
sta arrivando anche lì: le creature stanno avanzando verso ovest e
il silenzio, che nel mondo di A Quiet Place è la chiave della sopravvivenza, potrebbe
non essere sufficiente per salvarli.
La storia segue diversi personaggi mentre cercano di adattarsi alla
nuova realtà post-apocalittica, esplorando il tema centrale della
saga: la lotta per la sopravvivenza in un mondo dove anche il
minimo rumore può significare la morte.
Un racconto costruito tra
silenzio e tensione
Uno degli elementi più interessanti della miniserie è il modo in
cui utilizza il linguaggio del fumetto per raccontare una storia
dominata dal silenzio. Gli autori giocano infatti con onomatopee e
indicazioni sonore per permettere ai lettori di percepire quanto
rumore stiano producendo i personaggi.
La narrazione si muove inoltre tra diverse linee temporali,
mostrando come la comunità di Pearl reagisce progressivamente
all’arrivo della minaccia. La miniserie sarà composta da
cinque numeri,
offrendo così un racconto compatto ma ricco di tensione.
Il franchise di A Quiet Place
continua a espandersi
Negli ultimi anni A Quiet
Place si è trasformato in uno dei franchise horror più
importanti della nuova generazione. Oltre ai film cinematografici,
l’universo narrativo si sta ampliando anche attraverso altri
media.
Recentemente è stato pubblicato anche il videogioco narrativo
A Quiet Place: The Road
Ahead, mentre il prossimo capitolo cinematografico
della saga, A Quiet Place
3, è attualmente previsto per il 30 giugno 2027.
Nel frattempo, A Quiet Place:
Storm Warning rappresenta una nuova opportunità per esplorare
il mondo della saga da prospettive inedite, raccontando storie di
sopravvivenza lontane dai protagonisti dei film ma immerse nello
stesso universo dominato dal silenzio.
La
98ª edizione degli
Oscar ha visto tra i protagonisti anche Sean
Penn, premiato come Miglior Attore Non Protagonista per
la sua interpretazione del colonnello Lockjaw nel film One Battle
After Another. Tuttavia, l’attore non era
presente alla cerimonia e il premio è stato ritirato simbolicamente
da Kieran
Culkin, vincitore dell’anno precedente.
Durante la consegna della statuetta, Culkin ha scherzato sul palco
spiegando al pubblico: “Sean Penn non poteva essere qui
stasera, o forse non voleva esserci, quindi accetterò io il premio
a suo nome”.
Secondo quanto riportato da Variety,
l’assenza dell’attore aveva un motivo ben preciso. Sean
Penn si trovava infatti in Ucraina per incontrare il
presidente Volodymyr
Zelenskyy.
Lo
stesso Zelenskyy ha condiviso una foto dell’incontro sul social X,
ringraziando pubblicamente l’attore per il suo sostegno al paese.
Nel messaggio ha scritto che Penn è stato “un vero amico
dell’Ucraina”, ricordando il suo supporto sin dall’inizio
dell’invasione russa su larga scala.
L’attore statunitense è infatti da tempo una delle voci più attive
nel mondo dello spettacolo a favore dell’Ucraina e ha visitato il
paese più volte dall’inizio della guerra.
Il terzo Oscar della carriera per
Sean Penn
La vittoria per Una Battaglia
dopo l’altra rappresenta il terzo Oscar nella carriera di Sean Penn.
L’attore aveva già conquistato la statuetta come Miglior Attore
Protagonista per Mystic River nel 2003
e per Milk nel 2008.
Con questo nuovo riconoscimento entra così nel ristretto gruppo di
attori che hanno vinto tre premi Oscar, accanto a nomi come
Daniel Day-Lewis, Jack Nicholson e Walter Brennan.
Penn ha ricevuto nel corso della sua carriera anche diverse
nomination, tra cui quelle per Dead Man Walking, Sweet and Lowdown e I Am Sam.
L’impegno di Penn per
l’Ucraina
Negli ultimi anni Sean Penn ha sostenuto apertamente l’Ucraina
anche attraverso il cinema. Nel 2023 ha realizzato il documentario
Superpower, che
racconta i suoi numerosi viaggi nel paese prima e dopo l’invasione
russa.
Per il suo sostegno, il governo ucraino gli ha conferito anche
l’Order of Merit
di terza classe. In passato Penn aveva dichiarato provocatoriamente
che sarebbe stato disposto persino a fondere le sue statuette degli
Oscar per sostenere lo sforzo bellico ucraino.
In realtà l’attore ha poi deciso di donare una delle sue statuette,
quella vinta per Mystic
River, proprio al presidente Zelenskyy, chiedendogli di
conservarla fino al giorno in cui la guerra sarà finita e il paese
sarà di nuovo al sicuro.
Nel frattempo, One Battle
After Another si è confermato il grande protagonista della
serata degli Oscar 2026, portando a casa sei statuette, tra cui Miglior Film e
Miglior Regia per Paul Thomas
Anderson.
La
terza stagione di The Last of Us continua
ad ampliare il proprio cast con nuovi ingressi importanti. Secondo
quanto riportato da Deadline, gli attori Jason Ritter e
Patrick Wilson
entreranno a far parte della serie HBO nel prossimo capitolo della
storia.
Ritter aveva già avuto un piccolo ruolo nella prima stagione della
serie, apparendo come Clicker in una scena insieme alla moglie
Melanie Lynskey, che
interpretava la leader rivoluzionaria di Kansas City Kathleen.
Nella terza stagione, però, l’attore tornerà con un ruolo molto
diverso: interpreterà Hanley, un soldato del Washington Liberation
Front.
Patrick Wilson interpreterà il
padre di Abby nella stagione 3
Patrick Wilson in Cape Fear. Cortesia di Apple
Il
secondo grande ingresso nel cast è quello di Patrick
Wilson, che vestirà i panni di Jerry, il padre di Abby. Il
personaggio, interpretato nella serie da Kaitlyn Dever, ha un ruolo
cruciale nella storia raccontata nei videogiochi su cui si basa la
serie.
Jerry appare soprattutto attraverso sequenze in flashback e la sua
figura è profondamente legata agli eventi che coinvolgono Joel,
interpretato nella serie da Pedro Pascal. La sua presenza è
infatti centrale per comprendere alcune delle motivazioni che
guidano Abby nel corso della storia.
La terza stagione di The Last
of Us continuerà quindi a esplorare nuovi punti di vista
all’interno dell’universo narrativo tratto dal celebre videogioco
sviluppato da Naughty Dog.
Tre attori promossi a regular
della serie
Oltre ai nuovi ingressi, la produzione ha deciso di promuovere a
regular tre attori introdotti nella seconda stagione:
Ariela Barer,
Tati Gabrielle e
Spencer
Lord.
La scelta conferma la volontà degli autori di espandere
ulteriormente il mondo narrativo della serie, introducendo nuovi
personaggi e approfondendo le dinamiche tra le diverse fazioni
sopravvissute all’epidemia.
Con la terza stagione già in sviluppo, The Last of Us continua così a consolidarsi
come uno dei progetti televisivi più ambiziosi degli ultimi anni,
capace di adattare con successo una delle storie più amate del
mondo dei videogiochi.
A
vent’anni dal fenomeno cinematografico creato da
Fausto
Brizzi, arriva al cinema Notte prima degli esami
3.0, nuovo capitolo che racconta la maturità di
oggi senza limitarsi alla nostalgia. Diretto da Tommaso
Renzoni – al suo debutto alla regia – e
scritto dallo stesso Renzoni insieme a
FaustoBrizzi, il film torna a
esplorare quella notte sospesa tra paura e speranza che precede
l’esame più temuto dagli studenti italiani.
Il
risultato è una commedia fresca e leggera che guarda alla
Generazione Z, pur mantenendo alcuni ponti emotivi con il passato
della saga.
Una nuova maturità per una
nuova generazione
Il
protagonista è Giulio Sabatini, interpretato da Tommaso
Cassissa, studente alle prese con l’ultimo
grande ostacolo del liceo: l’esame di maturità. Accanto a lui c’è
il suo gruppo di amici: Cesare (Adriano
Moretti), Sole (Alice
Moselli), Allegra (Alice
Lupparelli) e il diligente Barbagallo
(Christian
Dei), insieme a un variopinto gruppo di
compagni di classe.
Come da tradizione della saga, la maturità diventa il punto di
convergenza di amicizie, amori, paure e desideri per il futuro. Ma
il vero ostacolo sembra essere la severissima professoressa
Castelli, interpretata da Sabrina
Ferilli, particolarmente dura con il
protagonista, Giulio.
Per aggirare il problema, il gruppo elabora un piano tanto ingenuo
quanto creativo: cercare di “ammorbidire” l’insegnante facendole
rivivere un amore del passato, ricreando online il profilo di uno
dei suoi flirt giovanili. Una missione sentimentale che
naturalmente porterà a conseguenze imprevedibili.
Come nei film precedenti, Notte prima degli esami 3.0 usa la maturità
come pretesto per raccontare molto altro. Gli esami diventano il
simbolo del passaggio all’età adulta, ma anche il momento in cui
emergono fragilità, aspettative e paure.
La generazione raccontata dal film è più consapevole delle proprie
emozioni, ma anche più inquieta rispetto al futuro. Tra ansie
personali, dinamiche sentimentali e il timore di perdersi dopo il
liceo, il gruppo di amici cerca di restare unito mentre tutto
intorno sembra cambiare.
Il film trova proprio nell’amicizia il suo cuore più sincero: un
legame che rischia di incrinarsi tra amori nascosti, gelosie e
segreti, ma che rappresenta anche la vera ancora di salvezza dei
protagonisti.
Pur guardando al presente, il film non rinuncia a creare alcuni
collegamenti con lo spirito originale della saga. Tra questi spicca
il personaggio di Bruno, interpretato da Gianmarco
Tognazzi, figura nostalgica legata alla
cultura e alla musica degli anni ’80.
Proprio la colonna sonora e l’immaginario musicale diventano uno
dei “fili rossi” che collegano il film all’atmosfera del primo
capitolo, creando un dialogo tra generazioni senza trasformare il
racconto in un semplice esercizio nostalgico.
Accanto alla storia principale, il film si diverte a costruire
piccoli momenti di commedia che arricchiscono il racconto. Tra i
più riusciti c’è il tenero rapporto tra Cesare e la sua nonna
(Teresa Piergentili), una simpatica signora che si
diverte a reinventare le ricette italiane con nomi orientali –
trasformando, ad esempio, l’insalata di riso in un’improbabile
“pokè”.
Un’altra presenza interessante è quella della cantante
Ditonellapiaga, qui nel
ruolo di Giulia, sorella maggiore di Barbagallo. Il suo personaggio
introduce nuovi equilibri nella storia e contribuisce a movimentare
le dinamiche sentimentali del gruppo.
Una commedia leggera ma
sincera
Il debutto alla regia di Tommaso
Renzoni dimostra un buon equilibrio tra
omaggio e rinnovamento. Notte prima degli esami 3.0 non cerca di
replicare il successo dei film precedenti, ma prova piuttosto a
rileggerne lo spirito attraverso sensibilità e linguaggi
contemporanei.
Il rapporto tra studente e insegnante, già presente nel primo
capitolo di Notte prima degli esami, diventa qui
ancora più centrale, affiancato da molte altre dinamiche –
familiari, sentimentali e generazionali – che restituiscono un
ritratto affettuoso e ironico della maturità di oggi.
In sala dal 19 marzo, Notte prima degli esami 3.0 è una commedia
pensata per pubblici diversi: per chi ha vissuto la maturità anni
fa e vuole ricordarla con un sorriso, per chi sta per affrontarla e
ha bisogno di sdrammatizzare, e anche per i genitori che si trovano
a osservare i propri figli attraversare questo passaggio.
Un film leggero,
simpatico e pieno di piccoli momenti di verità, capace di ricordare
che, nonostante il passare delle generazioni, la notte prima degli
esami resta sempre la stessa.
La saga di Jack Ryan sta per tornare sul grande schermo.
Dopo anni di attesa, Prime Video ha confermato ufficialmente
il titolo del nuovo film: Ghost War.
Contestualmente, è stata annunciata anche la data di uscita
del teaser, che verrà pubblicato domani, 17
marzo, alimentando l’attesa dei fan per questo nuovo
capitolo della saga d’azione.
L’ultimo film del franchise,
Jack Ryan -L’iniziazione, risale al 2014 e
aveva come protagonista Chris Pine. Con il nuovo progetto, il ruolo di
Jack Ryan passa a John Krasinski, già interprete del personaggio
nella serie televisiva Jack Ryan, andata in
onda dal 2018 e conclusasi con la quarta stagione nel 2023.
Il breve teaser rilasciato per
annunciare il film mostra clip brevi e parzialmente oscurate della
pellicola in arrivo. Tra gli attori presenti ci sono
Wendell Pierce, Michael Kelly,
Abbie Cornish e Betty
Gabriel, che riprendono i ruoli già interpretati nella
serie: James Greer, Mike November, Cathy Muller ed Elizabeth
Wright. Naturalmente, Krasinski appare più volte, pronto
all’azione.
La musica di sottofondo aumenta e
le clip diventano più intense: il personaggio di
Abbie Cornish scala il lato di un
edificio, mentre Krasinski è mostrato armato e in movimento, pronto
a combattere. Il teaser lascia intravedere un tono decisamente più
drammatico e adrenalinico, in linea con lo spirito dei film e della
serie.
I film e la serie televisiva di
Jack Ryan si basano sui romanzi dello scrittore Tom
Clancy. La trama segue Jack Ryan mentre passa dall’essere
un analista della Central Intelligence Agency a ritrovarsi
coinvolto in una cospirazione globale. Da impiegato dietro una
scrivania governativa, Ryan si trova a dover combattere per la
propria vita e per la sicurezza del mondo intero, un arco narrativo
che ha sempre caratterizzato il personaggio sia nei libri sia sullo
schermo.
Il futuro del franchise
Sono trascorsi tre anni dall’ultima
stagione della serie, e nonostante il buon successo e il
punteggio medio del 75% su Rotten Tomatoes, è
improbabile che venga realizzata una quinta stagione. Al contrario,
Amazon ha scelto di concludere la storia con il film Ghost
War, portando così Jack Ryan sul grande schermo. Questa
scelta, oltre a sorprendere i fan, potrebbe contribuire a
incrementare la popolarità della serie televisiva.
Poiché il film sarà un sequel
diretto della serie, è consigliabile che gli spettatori
recuperino le quattro stagioni precedenti. Conoscere la
trama e lo sviluppo dei personaggi aiuterà il pubblico a
comprendere meglio gli eventi del film.
Il teaser ufficiale di Ghost War
sarà disponibile domani, 17 marzo, sull’account Instagram della
serie. La data di uscita ufficiale del film non è ancora stata
annunciata, ma l’attesa dei fan è già alle stelle.
Robert Downey Jr. e Chris Evans sembrano pronti a tornare nel
Marvel Cinematic Universe.
Una nuova fan art di Avengers:
Doomsday mostra come potrebbero apparire i due attori
quando torneranno nel franchise dopo la loro reunion agli
Oscar. Nel corso degli anni, Downey e Evans hanno
guidato molti dei migliori film del MCU, diventando due dei volti
più iconici del franchise, con un contributo che ha definito
l’universo Marvel sul grande schermo.
Dopo un periodo di incertezze,
Marvel rilancia con la nuova lineup di film MCU, riportando
ufficialmente le sue due più grandi star come protagonisti del cast
di Avengers: Doomsday. Evans riprenderà
il ruolo di Steve Rogers, alias Captain America,
mentre Downey lascerà Iron Man alle spalle per interpretare
Doctor Doom, il villain del nuovo film MCU del
2026. Il loro ritorno Marvel è stato immaginato in nuova fan
art.
Su Instagram, l’account @odimi_
ha mostrato come Robert Downey Jr. e Chris Evans potrebbero apparire nei rispettivi
ruoli di Doctor Doom e Captain America. Questa fan art arriva dopo
la reunion dei due attori agli Academy
Awards, dove hanno consegnato l’Oscar per la Miglior
Sceneggiatura Originale a Ryan Coogler per il film I
Peccatori (Sinners).
Al momento, i dettagli sulla trama
di Avengers: Doomsday sono scarsi. Marvel ha rilasciato
quattro teaser, ma nessuno mostra il Doctor Doom
di Downey né rivela informazioni concrete sulla trama del film.
Tuttavia, i fratelli Russo, parlando del ritorno di
Evans, hanno dichiarato: “Era sempre destinato a tornare a questo
punto”, sottolineando quanto centrale sia il ruolo di Steve Rogers
nel prossimo film.
Considerando che Doctor Doom di
Downey sarà probabilmente il villain principale dei prossimi due
film degli Avengers, i fan possono aspettarsi una rivalità
intensa tra i due personaggi. Questa dinamica potrebbe
richiamare quella già creata da Evans e Downey nel MCU, ma con un
nuovo approccio
Chris Evans indosserà di nuovo il
costume di Captain America?
Nonostante la fan art celebri il
ritorno di Evans e Downey nel MCU, il costume di Captain America
visto in Avengers:
Endgame potrebbe rimanere solo immaginario. Nel
trailer di Avengers: Doomsday, Steve Rogers viene mostrato
mentre guarda il suo vecchio costume e lo ripone in una scatola: il
personaggio è ormai padre e supereroe apparentemente in
pensione.
Sebbene Steve Rogers probabilmente
combatterà insieme ad altri eroi Marvel contro Doctor Doom, la
nuova vita del personaggio e il fatto che Sam
Wilson/Anthony
Mackie sia il nuovo Captain America rendono
improbabile che Evans indossi di nuovo un costume da Captain
America, sia esso quello storico o un nuovo modello.
In attesa di ulteriori dettagli
sulla trama e sul coinvolgimento dei due attori, la fan art di
Doctor Doom e Captain America ha già entusiasmato i fan, mostrando
come il MCU continui a trovare modi creativi per far tornare le sue
star più amate, anche dopo anni dal loro debutto.
Sono disponibili il nuovo trailer e
un poster inedito di Star
Wars: Maul – Shadow Lord, la nuova serie
animata Lucasfilm Animation che debutterà il 6 aprile in esclusiva
su Disney+, con 2 episodi disponibili
ogni settimana. Gli ultimi 2 episodi debutteranno il 4 maggio, in
occasione della festa di Star
Warsper eccellenza, lo Star
Wars Day.
Ambientata dopo gli eventi di Star Wars: The
Clone Wars, l’avventura mostra Maul che trama per
ricostruire il suo sindacato criminale su un pianeta fuori dal
controllo dell’Impero. Lì incrocia il cammino di una giovane
Padawan Jedi disillusa, che potrebbe diventare l’apprendista che
sta cercando a sostegno della sua implacabile ricerca di
vendetta.
Star Wars: Maul – Shadow Lord è creata
da Dave Filoni ed è basata su Star Wars e sui
personaggi creati da George Lucas. La serie è sviluppata da Dave
Filoni e Matt Michnovetz. Brad Rau è il supervising director. Dave
Filoni, Athena Yvette Portillo, Matt Michnovetz, Brad Rau, Carrie
Beck, e Josh Rimes sono gli executive producer. Alex Spotswood è il
co-executive producer. Nella versione originale, il cast vocale è
composto da Sam Witwer nel ruolo di Maul, Gideon Adlon in quello di
Devon Izara, il candidato all’Oscar® Wagner Moura nei panni di
Brander Lawson, Richard Ayoade in quelli di Two-Boots, Dennis
Haysbert nelle vesti del Maestro Eeko-Dio-Daki, Chris
Diamantopoulos in quelle di Looti Vario, Charlie Bushnell nel ruolo
di Rylee Lawson, Vanessa Marshall in quello di Rook Kast, David W.
Collins nei panni di Spybot, A.J. LoCascio in quelli di Marrok e
Steve Blum in quelli di Icarus.
L’attesissima serie NetflixAssassin’s Creed ha aggiunto
quattro nuovi membri al cast. Noomi Rapace (“Lamb”, “Prometheus”), Ramzy Bedia (“Of
Money and Blood”, “Haunted Minds”), Sean Harris
(“Mission: Impossible”, “The Stranger”) e Corrado
Invernizzi (“Indiana Jones e il quadrante del destino”,
“Ford v. Ferrari”) si sono uniti alla serie in ruoli ricorrenti non
ancora specificati.
Basata sul popolare videogioco
omonimo, Assassin’s Creed di Netflix è un
“thriller adrenalinico incentrato sulla guerra segreta tra due
fazioni oscure: una determinata a determinare il futuro
dell’umanità attraverso il controllo e la manipolazione, l’altra
che lotta per preservare il libero arbitrio”, secondo la
sinossi ufficiale. “La serie segue i suoi personaggi attraverso
eventi storici cruciali mentre combattono per plasmare il destino
dell’umanità”.
Tra gli attori già annunciati
figurano Toby Wallace, Lola Petticrew, Zachary Hart, Laura
Marcus e Tanzyn Crawford. I dettagli
esatti sui personaggi sono tenuti segreti. La serie “Assassin’s
Creed” è prodotta a livello esecutivo da Robert Patino (“DMZ”,
“Westworld”) e David Wiener (“Halo”, “Homecoming”), che ne sono
anche gli showrunner. Altri produttori esecutivi sono Gerard
Guillemot, Margaret Boykin, Austin Dill, Genevieve Jones per
Ubisoft Film & Television e Matt O’Toole.
Il videogioco è uno dei più venduti
della storia, con oltre 230 milioni di copie vendute in tutto il
mondo dalla sua uscita nel 2007. Giunta al quattordicesimo
capitolo, la saga esplora la guerra tra gli ordini segreti rivali
degli Assassini e dei Templari, che utilizzano macchinari avanzati
per accedere ai ricordi genetici degli Assassini di diverse epoche
passate al fine di rintracciare potenti artefatti chiamati Frutti
dell’Eden.
Nel 2016 è stato anche realizato un
adattamento
cinematografico (qui
la recensione) con Michael Fassbender, il quale ha però ricevuto
un’accoglienza fortemente negativa, spegnendo così ogni possibilità
di ulteriori sequel. La trama ufficiale della nuova serie
afferma invece che sarà “incentrata sulla guerra segreta tra
due fazioni oscure: una determinata a decidere il futuro
dell’umanità attraverso il controllo e la manipolazione, mentre
l’altra lotta per preservare il libero arbitrio. La serie segue i
suoi personaggi attraverso eventi storici cruciali mentre lottano
per plasmare il destino dell’umanità”.
La serata degli Oscar 2026 ha, come
da aspettative, sorpreso e deluso in egual misura i
vincitori e i perdenti, in una notte che, sebbene con qualche
grande scossone, è stata abbastanza prevedibile nel assistere al
trionfo di Una
Battaglia dopo l’altra. Dopo il monologo di apertura di
Conan O’Brien, la cerimonia è entrata subito nel
vivo con uno dei premi più attesi della serata, Miglior attrice non
protagonista. Dopo la sua vittoria a sorpresa agli Actors Awards,
Amy Madigan ha infine conquistato l’ambita
statuetta per la sua inquietante e minacciosa zia Gladys in
Weapons. Una sorpresa? Non proprio, per
quelle c’è stato spazio più avanti nella serata… Ecco il meglio e
il peggio degli
Oscar 2026.
Un caloroso momento di solidarietà
tra red-head
Nel numero iniziale, Conan è
apparso immediatamente in completo cosplay da Zia Gladys per dare
il via allo spettacolo. Dopo aver attraversato (letteralmente
correndo) scene tratte da tutti i film candidati a Miglior Film, i
bambini di Weapons hanno inseguito
O’Brien fino al Dolby Theatre — anche se apparentemente hanno
deciso di lasciargli continuare il suo lavoro di presentatore
invece di farlo a pezzi.
Conan ha poi lanciato il suo
monologo, prendendo in giro Timothée Chalamet per i suoi
controversi commenti su balletto e opera, il CEO di NetflixTed Sarandos per aver
partecipato a uno spettacolo in un vero cinema e applaudendo la
co-protagonista di Se solo potessi ti prenderei a
calci e candidata come Miglior attrice Rose
Byrne per aver mantenuto la compostezza mentre recitava
accanto a qualcuno per cui aveva una cotta enorme (lui stesso).
Amy Madigan vince 40 anni
dopo la sua ultima candidatura
Madigan ha conquistato l’Oscar per
il suo ruolo quasi stregonesco da inquietante antagonista nel film
horror Weapons, stabilendo un nuovo record per il più lungo
intervallo tra due candidature all’Oscar per un’attrice. L’ultima
volta era stata candidata nel 1985 per la sua interpretazione in
Twice in a Lifetime.
Durante il suo discorso di
ringraziamento, Madigan ha raccontato che la stampa le aveva
chiesto ripetutamente cosa fosse diverso tra la candidatura del
1985 e questa. «La differenza è che ora ho questo piccolo tizio
d’oro», ha detto sorridendo.
Misty Copeland ha l’ultima parola
sul dibattito sul balletto
Dopo che l’attore di Marty Supreme
aveva fatto commenti poco apprezzati sostenendo che “a nessuno
importa più del balletto o dell’opera”, gli Oscar hanno deciso
di mettere proprio il balletto al centro dello spettacolo. Durante
l’esibizione della canzone originale candidata all’Oscar di
Sinners, “I Lied to You”, decine di
artisti che eseguivano danze di epoche diverse hanno invaso il
palco per ricreare la scena musicale mistica del film.
L’ultima ballerina a prendere il centro della scena è stata
Misty Copeland, la ballerina più famosa vivente.
All’inizio della settimana, la prima ballerina dell’American Ballet
Theatre aveva risposto ai commenti di Chalamet durante un evento di
CNN e Variety, dicendo che lui «non sarebbe un attore e non
avrebbe le opportunità che ha come star del cinema» se non
fosse per il balletto o l’opera. L’artista è stata accolta con una
standing ovation.
Anna Wintour fa un cameo “molto
meta”
Anne Hathaway ha presentato insieme
alla celebre direttrice di Vogue, Anna Wintour,
che ha ispirato Il diavolo veste Prada e
il suo prossimo sequel. Nel film originale, Hathaway ed
Emily Blunt interpretano le assistenti
di un’esigentissima Meryl Streep, che interpreta una
versione fortemente romanzata di Wintour. Agli Oscar, Wintour è
salita sul palco inizialmente senza i suoi iconici occhiali da
sole. Hathaway le ha chiesto nervosamente di giudicare il suo
outfit, e Wintour, senza pietà, ha indossato gli occhiali, si è
avvicinata alla telecamera e ha detto: «E i candidati
sono…», senza nemmeno riconoscere la domanda della vincitrice
dell’Oscar.
Quando hanno presentato la
categoria successiva, Hathaway le ha passato la parola e Wintour ha
detto: «Grazie, Emily», fingendo di confondere Hathaway
con la sua co-protagonista nel film, Emily
Blunt.
Il primo pareggio da oltre un
decennio
Per la settima volta nella storia
degli Academy
Awards c’è stato un pareggio. Quando Kumail
Nanjiani ha annunciato i risultati della categoria Miglior
cortometraggio live action, ha dovuto chiarire che in realtà
c’erano
due vincitori: The Singers e Two People Exchanging
Saliva. Mentre Miglior film è deciso tramite voto a scelta
classificata per garantire che possa vincere un solo film, altri
celebri pareggi degli Oscar includono: Fredric
March (Dr. Jekyll and Mr. Hyde) e Wallace
Beery (The Champ) come Miglior attore nel 1932
Katharine Hepburn (The Lion in Winter) e
Barbra Streisand (Funny Girl) come Miglior attrice
nel 1969 più recentemente Skyfall e Zero
Dark Thirty per Miglior montaggio sonoro nel 2013.
Uno degli “In Memoriam” più lunghi
e ricchi di star degli ultimi anni
L’ultimo anno è stato segnato da
molte perdite dolorose per la comunità di Hollywood.
Il segmento In Memoriam agli Oscar è durato quasi 15 minuti,
rendendo omaggio a decine di figure scomparse, tra cui Rob
Reiner, Catherine O’Hara, Diane Keaton, Robert Redford, Val Kilmer e
Robert Duvall. Il montaggio è iniziato con la star
di Harry ti presento SallyBilly
Crystal, che ha parlato del regista di quel film e suo
caro amico Rob Reiner, e ha poi mostrato una serie
di attori che avevano recitato nei film di Reiner, tra cui
Meg Ryan, Demi
Moore, Kathy Bates e Mandy
Patinkin.
Poi è arrivato un sentito tributo
di Rachel McAdams a Catherine
O’Hara e alla sua co-protagonista di The
Family Stone, Diane Keaton. Infine
Barbra Streisand è salita sul palco per
condividere ricordi del suo co-protagonista di Come
eravamo, Robert Redford, e cantare
la canzone omonima del film del 1973.
La reunion di Le
Amiche della Sposa non decolla davvero
I fan di Le Amiche
della Sposa aspettavano con entusiasmo di vedere il
cast riunito agli Oscar 15 anni dopo l’uscita dell’iconico film. Ma
lo show, stranamente, non ha sfruttato appieno le sue star di primo
piano. Kristen Wiig, Melissa McCarthy, Rose Byrne, Maya
Rudolph e Ellie Kemper, che hanno
presentato gli Oscar per Miglior colonna sonora e Miglior sonoro,
hanno fatto una gag leggendo biglietti maleducati del pubblico su
come stessero “invecchiando bene”.
Ma non hanno fatto riferimento al
film stesso, né hanno parlato davvero delle categorie che stavano
presentando. Per fortuna entrambe avevano bisogno di poche
presentazioni. Ludwig Göransson, che aveva già vinto due Oscar per
le colonne sonore di Black Panther e Oppenheimer, ha conquistato il suo terzo premio.
E, secondo una lunga tradizione per cui il film più rumoroso vince
Miglior sonoro, il rombante F1 ha portato a casa il trofeo.
Autumn Durald Arkapaw è la prima
donna a vincere la Miglior fotografia
Autumn Durald
Arkapaw ha fatto la storia domenica sera quando ha vinto
l’Oscar per Miglior fotografia per Sinners. Solo tre donne erano
mai state nominate in questa categoria. Era una gara serrata, ma
Durald Arkapaw ha superato Michael
Bauman, che aveva vinto il premio principale dell’American
Society of Cinematographers per Una
Battaglia dopo l’Altra all’inizio della
stagione dei premi.
È stata anche la prima direttrice
della fotografia donna a girare su IMAX 65mm e Ultra Panavision con
I Peccatori, utilizzando due telecamere
gigantesche e rumorose. La vittoria — e la standing ovation che
l’ha accompagnata — suggeriva che Sinners stesse guadagnando
slancio nella corsa contro Una Battaglia
per i premi principali della serata, come Miglior attore, Miglior
regista e Miglior film. La telecamera ha mostrato brevemente il
regista di
I Peccatori, Ryan Coogler, che
Durald Arkapaw ha ringraziato nel suo discorso,
mentre portava il figlio lungo la corsia per vedere la madre
ricevere il premio.
Eseguendo una versione energica
dell’inno di enorme successo “Golden” dal fenomeno globale
KPop Demon Hunters, il gruppo femminile
immaginario HUNTR/X (composto dalle vere artiste Ejae,
Audrey Nuna e Rei Ami) ha cantato con
entusiasmo mentre il pubblico degli Oscar agitava braccialetti
luminosi. Oltre al fatto che Golden ha vinto poco dopo Miglior
canzone originale — diventando la prima canzone K-pop a farlo — il
film Netflix ha anche vinto Miglior film d’animazione all’inizio
della serata. Ciò ha reso la co-regista e sceneggiatrice Maggie
Kang e la produttrice Michelle Wong le prime persone di origine
sudcoreana a vincere in questa categoria.
Michael B. Jordan vince il suo
primo Oscar in una gara serrata
Forse il premio più imprevedibile
della serata, Miglior attore, è andato a Michael B. Jordan per
I Peccatori. Jordan probabilmente ha assicurato
la vittoria con un discorso commovente agli Actors Awards
all’inizio del mese, durante il quale ha ringraziato la madre per
averlo accompagnato in auto dal New Jersey a New York per i provini
quando non avevano nemmeno i soldi per attraversare l’Holland
Tunnel. «Dio è grande», ha dichiarato l’attore quando è salito sul
palco domenica sera per accettare l’Oscar.
Ha poi ringraziato tutti gli attori
che hanno aperto la strada alla sua vittoria, tra cui
Denzel Washington, che ha spesso
citato come fonte d’ispirazione per la sua carriera. La vittoria di
Jordan è particolarmente notevole perché gli attori giovani
raramente vincono questo premio. Jordan si è fatto conoscere presto
in serie televisive prestigiose come The
Wire e Friday Night Lights,
ma è stato Ryan Coogler a indirizzarlo verso la
carriera da star del cinema quando lo ha scelto come protagonista
del suo film del Sundance Fruitvale Station. Da allora i due hanno
collaborato in tutti i film di Coogler: Creed, Black Panther, Black Panther: Wakanda
Forever e ora
I Peccatori.
Jessie Buckley vince il suo primo
Oscar in una gara già scritta
Dopo aver dominato l’intera
stagione dei premi, Jessie Buckley era la favorita
assoluta per Miglior attrice entrando nella serata. E infatti ha
vinto, conquistando il suo primo Oscar per la toccante
interpretazione di Agnes Shakespeare nel dramma storico
Hamnet – Nel nome del
figlio di Chloé Zhao. Essendo la
prima attrice irlandese a vincere in questa categoria, Buckley ha
osservato che la cerimonia cadeva proprio nel giorno della Festa
della Mamma nel Regno Unito e ha dedicato la vittoria «al
bellissimo caos del cuore di una madre».
Reunion delle star di
Avengers
Due membri originali degli Avengers
si sono riuniti domenica sera agli Oscar 2026.
Prima di tornare nel Marvel Cinematic Universe più tardi
quest’anno con Avengers: Doomsday,
Robert Downey Jr. e
Chris Evans sono saliti sul palco del
Dolby Theatre per presentare i premi per miglior sceneggiatura
adattata e miglior sceneggiatura originale (assegnati
rispettivamente a Paul Thomas Anderson per
Una Battaglia dopo l’Altra e a Ryan
Coogler per
I Peccatori).
Durante questa mini-reunion Marvel,
l’interprete di Captain America ha fatto notare che si stava
avvicinando il 14º anniversario del primo film degli Avengers.
Jimmy Kimmel punzecchia
Trump, il documentario su Melania e CBS
Il quattro volte presentatore degli
Oscar ha scherzato dicendo che stava sostituendo Conan O’Brien,
uscito un momento a prendere aria e “incenerito dalla luce del
sole” (vista la sua pelle pallidissima). Kimmel ha cercato di
mantenere un equilibrio tra il rispetto per la serietà dei
documentari candidati (sia cortometraggi sia lungometraggi) e una
serie di battute politiche.
Vincitori e presentatori criticano
violenza armata, politici, Trump e le guerre
Mentre la maggior parte dei
vincitori e dei presentatori agli Academy Awards 2026 ha mantenuto
discorsi apolitici, alcuni hanno sfruttato il microfono per
criticare politici, la violenza armata e le guerre in corso nel
mondo. Prima di rivelare che Sentimental
Value aveva vinto l’Oscar per miglior film
internazionale, Javier Bardem — che indossava anche
una spilla di protesta contro la guerra in Iraq del 2003 — ha
iniziato dicendo: «No alla guerra e Palestina libera.»
Successivamente, quando il regista
del film con Stellan Skarsgård è salito sul
palco, ha concluso il suo discorso di accettazione criticando i
politici: «Voglio concludere parafrasando il meraviglioso
scrittore americano James Baldwin, che ci ricorda che tutti gli
adulti sono responsabili di tutti i bambini. E non votiamo politici
che non tengono seriamente conto di questo.»
Rispondendo alla nostra ultima
domanda sugli Oscar 2026, Una
Battaglia dopo l’Altra è stato incoronato Miglior
film in una gara che è arrivata fino all’ultimo momento. Sebbene
I Peccatori abbia conquistato diversi premi
importanti durante la serata — tra cui Miglior sceneggiatura
originale per Ryan Coogler, Miglior fotografia per Autumn Durald
Arkapaw e Miglior attore per Michael B. Jordan — la vittoria di
Paul Thomas Anderson come Miglior regista si è
rivelata il segnale più chiaro di ciò che stava per accadere:
Una
Battaglia dopo l’Altra avrebbe portato a casa il
premio più importante della serata, oltre ad altri cinque trofei.
«Non esiste il migliore», ha detto Anderson accettando il
premio. «C’è solo l’umore del giorno. Ma siamo felici di farne
parte.»
Amy Madigan vince 40 anni
dopo la sua ultima candidatura
Jimmy Kimmel punzecchia
Trump, il documentario su Melania e CBS