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Relationship Goals, spiegazione del finale: cosa significa davvero la confessione all’aeroporto?

Chiara Guida
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Relationship Goals, spiegazione del finale: cosa significa davvero la confessione all’aeroporto?

Con Kelly Rowland e Method Man (Cliff “Method Man” Smith) nei ruoli di Leah e Jarrett, Relationship Goals racconta la storia di una produttrice televisiva, Leah Caldwell, che sta per diventare la prima donna a dirigere il programma mattutino più seguito di New York.

Tuttavia, quando il suo ex fidanzato Jarrett Roy entra in competizione per la stessa posizione, Leah va su tutte le furie. Le cose si complicano quando Leah e Jarrett continuano a scontrarsi mentre cercano entrambi di ottenere l’incarico.

Che cos’è Relationship Goals?

Jarrett propone un’idea per il progetto di San Valentino e suggerisce di intervistare l’autore di un popolare libro di autoaiuto intitolato Relationship Goals. Il loro capo, Dan, chiede a Leah e Jarrett di produrre un’intervista condotta dall’amica di Leah e anchor del telegiornale, Brenda.

Leah e Jarrett, però, hanno difficoltà a lavorare insieme. Jarrett sostiene di essere cambiato dopo aver letto il libro, ma Leah si rifiuta di credergli. Nel frattempo, l’altra amica di Leah, Tresse, fatica a trovare l’amore, continuando a uscire con uomini che la deludono.

Come fa Jarrett a riconquistare Leah?

Dan cerca di far legare Leah e Jarrett dopo il lavoro e li organizza per un’uscita a bere qualcosa insieme. I due finiscono a Tulsa per incontrare il pastore Michael Todd, autore di Relationship Goals. Brenda lo intervista in diretta televisiva mentre Leah e Jarrett suggeriscono le domande.

I consigli di Michael e di sua moglie aiutano molte persone, tra cui Tresse e la stessa Brenda. Leah si sente tradita quando le sue amiche lodano il libro.

Più tardi, quella sera, Jarrett porta Leah a una funzione di lode e adorazione che la commuove profondamente. A causa del maltempo, i due restano bloccati a Tulsa. Decidono quindi di tornare a New York in auto, continuando a battibeccare durante il viaggio.

Cosa succede alle amiche di Leah, Brenda e Tresse?

Tresse presenta lo stagista gay del suo ufficio come il suo fidanzato. Sua madre capisce subito che sta mentendo e le dice di essere fiera di sé stessa. Tresse capisce così che non ha bisogno di una relazione per sentirsi meglio con sé stessa.

Nel frattempo, Brenda dice al suo compagno convivente, Ayden, che si sono adagiati troppo nella loro vita insieme senza sposarsi. Si trasferisce fuori dall’appartamento condiviso e rifiuta di avere rapporti con lui finché non saranno sposati.

Tresse esce con diversi uomini e cerca qualcuno disposto a prendersi il tempo per conoscerla davvero prima di andare a letto con lei. Quando Ayden non si fa più sentire, Brenda lo lascia definitivamente e si trasferisce per conto suo. Leah e Tresse portano Brenda fuori per una serata tra amiche.

Leah si rende conto dei suoi sentimenti per Jarrett?

Leah e Jarrett continuano ad avere difficoltà a lavorare insieme. Dan dà loro la possibilità di dimettersi, insinuando che l’altro otterrà la posizione se uno dei due rinuncia. Il montatore dell’intervista fa notare quanto siano entrambi difficili da gestire e chiede un po’ di tempo per completare il lavoro. Questo offre a Leah e Jarrett l’occasione di avvicinarsi. L’intervista viene pubblicata e riceve ottime reazioni online. I due festeggiano bevendo qualcosa insieme.

Finiscono a letto, ma la mattina seguente Leah si pente e allontana Jarrett, incapace di credere davvero che sia cambiato. Per dimostrarle di essere diverso, Jarrett decide di dimettersi.

Come finisce Relationship Goals?

La posizione viene infine assegnata a Leah, ma lei non prova alcuna soddisfazione con Jarrett ormai fuori dai giochi. Le sue amiche le fanno capire che prova ancora dei sentimenti per lui e la convincono a fermarlo prima che se ne vada. Leah corre all’aeroporto, lo ferma e gli confessa i suoi sentimenti. I due si baciano e decidono di tornare insieme.

Ayden si scusa con Brenda e le chiede di riprovarci. Le fa la proposta di matrimonio e i due si sposano. Il film si conclude con Jarrett e Leah che tornano a casa dal matrimonio di Brenda, cantando insieme la loro canzone preferita.

Il Museo dell’Innocenza, la serie in 9 parti perfetta per un binge watching

Chiara Guida
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Il Museo dell’Innocenza, la serie in 9 parti perfetta per un binge watching

Netflix ha lanciato una nuova serie da guardare in binge watching. Composta da 9 episodi, questa serie imperdibile è l’adattamento di un romanzo acclamato, pieno di passione, amore proibito e romanticismo che diventa un’ossessione.

Netflix pubblicato nel weekend Il Museo dell’Innocenza: di cosa si tratta?

La nuova serie di Netflix Il Museo dell’Innocenza è uscita venerdì 13 febbraio, giusto in tempo per San Valentino. La serie drammatica romantica è ambientata nella Istanbul degli anni ’70, dove un uomo ricco di nome Kemal si innamora perdutamente di una bellissima ragazza di nome Füsun, che incontra un giorno entrando in un negozio.

Ciò che si dipana è una storia d’amore appassionata che si trasforma in un’ossessione per tutta la vita per Kemal, che si fissa così tanto su Füsun da collezionare ogni suo oggetto su cui riesce a mettere le mani, compresi oggetti insignificanti come i mozziconi di sigaretta. Descrivendo gli estremi dell’ossessione di Kemal, Il Museo dell’Innocenza è una storia d’amore fuori controllo, simile al nuovo film Cime Tempestose.

Il Museo dell’Innocenza è un adattamento del celebre romanzo omonimo, scritto da Orhan Pamuk. La storia attraversa decenni e attraversa diversi cambiamenti culturali in Turchia, mentre Kemal fa di tutto tranne che scrollarsi di dosso i suoi sentimenti per Füsun. La loro storia d’amore destinata a fallire consuma Kemal nella serie, che raffigura il sottile confine tra una sana adorazione e un’ossessione tossica, persino inquietante.

Perché guardare Il Museo dell’Innocenza

Lontano da una commedia romantica tradizionale o nostalgica, questa serie offre uno sguardo complesso su come l’amore possa creare felicità ma anche trasformarsi in una forza autodistruttiva.

Addio a Robert Duvall, una leggenda del cinema a 95 anni

Chiara Guida
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Addio a Robert Duvall, una leggenda del cinema a 95 anni

È morto Robert Duvall, uno degli attori più amati e versatili della storia del cinema. La notizia della sua scomparsa — avvenuta il 15 febbraio 2026 all’età di 95 anni — è stata confermata da Deadline e riportata da più testate internazionali.

Nato il 5 gennaio 1931 a San Diego, California, Duvall ha costruito una carriera lunga oltre sette decenni, distinguendosi per l’intensità, la profondità e il realismo delle sue interpretazioni.

La sua presenza sul grande schermo e in televisione ha segnato alcuni dei momenti più memorabili della storia del cinema moderno. Tra i ruoli che lo hanno consacrato al pubblico mondiale vi sono Tom Hagen nella saga de Il Padrino, l’enigmatico colonnello Kurtz in Apocalypse Now, e performance indimenticabili in film come Network, The Great Santini, Lonesome Dove e Tender Mercies, per il quale ha vinto l’Academy Award come miglior attore protagonista.

Duvall non era solo un interprete straordinario, ma anche un narratore profondo delle complessità umane, capace di incarnare personaggi con una rara autenticità emotiva. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerosi riconoscimenti, tra cui BAFTA, Golden Globe, Emmy e SAG Award, consacrandolo tra i grandi del cinema internazionale.

La sua eredità artistica resterà impressa per generazioni: dalla potenza drammatica alla sottile poesia dei suoi ruoli, Duvall ha saputo toccare pubblico e colleghi con una forza rara. Il suo lavoro continuerà a vivere nei film che hanno segnato la storia del cinema e nei cuori di chi lo ha ammirato.

Il Museo dell’Innocenza, la spiegazione del finale: Kemal è davvero morto?

Chiara Guida
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Il Museo dell’Innocenza, la spiegazione del finale: Kemal è davvero morto?

La serie drammatica turca di Netflix, Il Museo dell’Innocenza, basata sull’omonimo romanzo del premio Nobel Orhan Pamuk e ambientata nella Istanbul degli anni ’70, ruota attorno alla disperazione e alla devozione di un giovane uomo. Kemal Basmacı, il figlio più giovane di una famiglia proprietaria di un’azienda tessile d’esportazione, era innamorato di Sibel, appartenente alla ricca borghesia di cui anche Kemal faceva parte.

Gli anni ’70 furono caratterizzati da uno scontro tra stili di vita occidentali e conservatori, e persone come Kemal e Sibel erano orgogliose della loro mentalità occidentale. Avevano avuto rapporti prima del matrimonio; Sibel era convinta che si sarebbero sposati, quindi “andare fino in fondo” era per lei una dimostrazione di fiducia totale. Kemal era felice con lei, almeno finché non incontrò la sua lontana cugina, Fusun. Non erano parenti di sangue, e Fusun e la sua famiglia non erano benestanti come Kemal. Per via della loro posizione sociale non venivano invitati a ricevimenti eleganti, ma questo cambiò quando Kemal si ossessionò per la diciottenne.

Kemal aveva trent’anni quando incontrò Fusun; la trovava di una bellezza mozzafiato e fu attratto dalla sua innocenza. Iniziarono presto a incontrarsi nell’appartamento secondario di lui, dove vivevano la loro relazione senza pensieri. Tuttavia, tutto cambiò drasticamente dopo il fidanzamento ufficiale di Kemal con Sibel. Fusun prese le distanze, lasciando Kemal depresso e malinconico.

Di seguito analizziamo nel dettaglio il finale di Il Museo dell’Innocenza – Attenzione: spoiler

La morte di Fusun è stata un suicidio?

Dopo aver inseguito Fusun per otto anni, Kemal stava finalmente per sposarla. Dalla rottura del fidanzamento con Sibel (che aveva cercato di sopportarlo il più possibile) al divorzio di Fusun dal marito Feridun, entrambi avevano attraversato molte difficoltà. Kemal era felice che Fusun avesse finalmente compreso che erano destinati a stare insieme.

Ma Kemal era così concentrato sul “premio” da non cogliere la tristezza negli occhi di Fusun. Sua madre gli aveva detto che c’era qualcosa di misterioso in lei, ma lui non vi aveva dato peso. Fusun aveva chiesto di non avere rapporti fisici prima del matrimonio e sperava di viaggiare in Europa prima delle nozze. Kemal era disposto a concederle tutto.

Durante le pratiche per passaporto e visto, Fusun si rese conto di quanto fosse complicato per “persone come lei”, prive di influenza o capitale sociale. Si sentì umiliata quando le chiesero se fosse disoccupata. Le fu ricordato che non poteva viaggiare all’estero senza qualcuno come Kemal al suo fianco. Decise di rinunciare, ma Kemal usò le sue conoscenze per ottenere il visto.

La prima sera di viaggio si fermarono in un hotel. Fusun, splendida in un elegante abito rosso, lasciò Kemal senza fiato. Lui le chiese ufficialmente di fidanzarsi e le infilò un anello al dito. Più tardi passarono la notte insieme.

Il mattino seguente, Kemal trovò Fusun seduta vicino a un campo di girasoli. Era infastidita dal fatto che lui la chiamasse “ragazzina”: temeva che la vedesse ancora come la giovane commessa vulnerabile di un tempo. Amava Kemal per ciò che aveva fatto per lei, ma aveva anche capito che era proprio lui la ragione per cui non aveva potuto vivere liberamente.

Il suo sogno era diventare attrice. Kemal le disse con leggerezza che un giorno sarebbe successo, ma lei sapeva che non era vero. Era stato proprio lui a sabotare la sua carriera, influenzando il marito-regista affinché non la scegliesse per un film finanziato da Kemal stesso.

La discussione degenerò. Fusun, ferita e furiosa, accusò Kemal di averle distrutto la vita. Quando lui insinuò che fosse troppo insicura per fare qualcosa senza un uomo potente accanto, lei si sentì profondamente umiliata. Chiese di guidare lei.

Accelerò fino a 150 km/h; nel tentativo di evitare un cane, l’auto si schiantò contro un albero in un campo di girasoli. Kemal fu salvato, ma Fusun morì sul colpo.

Non è chiaro se sia stato un suicidio deliberato. Non sembrava voler colpire l’albero intenzionalmente, ma era travolta da rabbia e delusione. Forse una parte di lei voleva porre fine alla propria sofferenza. La sua vita, già complessa per via della sua origine sociale nella Istanbul degli anni ’70, era diventata ancora più complicata con l’ossessione di Kemal.

Temeva di diventare come Belkıs, donna affascinante ammirata nei salotti mondani ma mai considerata degna di matrimonio. Voleva indipendenza, ma sapeva che Kemal l’avrebbe seguita ovunque. Non voleva vivere come un’estensione della sua volontà. Forse la morte fu, consapevolmente o meno, l’unica via di fuga.

Cosa simboleggia il campo di girasoli?

La prima volta che fecero l’amore, Fusun disse che, chiudendo gli occhi, immaginava un campo di girasoli: simbolo di gioia e felicità. Nel finale, però, nemmeno la vista reale dei girasoli riesce a lenire la sua frustrazione.

Il campo rappresenta il passare del tempo. Fusun non era più la ragazza di un tempo; i suoi sogni erano cambiati. Kemal, invece, era rimasto ancorato al passato. Quando l’auto travolge i girasoli, è come se anche la gioia della loro relazione venisse distrutta.

Qual è il significato degli orecchini?

Nel finale, Fusun chiede a Kemal se abbia notato gli orecchini che indossa. Sono quelli persi anni prima nel suo appartamento. Lui non li riconosce.

Per lei è la prova che Kemal la desidera fisicamente ma non la vede davvero. Aveva sperato di sorprenderlo indossandoli; la sua indifferenza la ferisce profondamente.

Dopo l’incidente, Kemal trova gli orecchini nella sua stanza e comprende troppo tardi il loro valore simbolico. Forse si chiede se, prestando più attenzione, le cose sarebbero andate diversamente.

Perché Kemal costruisce il museo?

Dopo la morte di Fusun, Kemal viaggia in Europa e rimane colpito dai piccoli musei che raccontano storie personali. Decide che gli oggetti raccolti negli anni — oltre quattromila mozziconi di sigaretta fumati da Fusun, la sua spazzola, piccoli oggetti sottratti dalla sua casa — possono raccontare la loro storia.

Costruisce un museo che non solo conserva il ricordo di lei, ma gli permette di vivere circondato dalla sua presenza. In un certo senso, la morte di Fusun lo libera dall’angoscia di perderla: ora lei è fissata per sempre nel passato, immutabile, “sua” come gli oggetti esposti.

Chiede a Orhan Pamuk di scrivere la sua storia con sincerità. Trent’anni dopo, incontra Sibel a Milano: lei è sposata e madre di due figlie. Non parlano molto, ma è evidente che entrambi ricordano ciò che è stato.

Nella scena finale, Orhan riceve la notizia che Kemal è morto d’infarto a 62 anni, nella sua stanza al Grand Hotel di Milano, stringendo una fotografia in bianco e nero di Fusun. Aveva chiesto che si dicesse ai lettori che aveva vissuto una vita felice.

Forse era vero. O forse era un’illusione a cui aveva scelto di credere con tutte le sue forze.

Daniel Radcliffe è pronto a rivedere Harry Potter e la pietra filosofale: “Ero un bambino carino”

Chiara Guida
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Daniel Radcliffe è pronto a rivedere Harry Potter e la pietra filosofale: “Ero un bambino carino”

Sebbene abbia detto addio al franchise più di un decennio fa, Daniel Radcliffe potrebbe essere pronto a rivisitare uno dei suoi film più iconici.

Harry Potter e la pietra filosofale è stato il film che ha segnato la svolta di Radcliffe come attore e il suo secondo ruolo cinematografico in assoluto, guidando il cast nei panni del giovane mago protagonista per il quale si profetizzava che avrebbe sconfitto il malvagio Lord Voldemort. Daniel Radcliffe avrebbe ripreso il ruolo per i restanti sette adattamenti della serie di romanzi di J.K. Rowling, prima di cimentarsi sia a teatro che al cinema, con ruoli che vanno da Equus a La città perduta.

Ora, in un’intervista con Liam Crowley di ScreenRant per discutere della commedia sportiva della NBC The Fall and Rise of Reggie Dinkins, Daniel Radcliffe ha espresso il suo parere sull’imminente 25° anniversario di Harry Potter e la pietra filosofale. Il due volte candidato agli Emmy ha esordito dicendo che “continuerà a vivere” per l’anniversario del film, spiegando anche alla sua co-protagonista nell’intervista, Tracy Morgan, che ci sarà “una sorta di celebrazione” per il film.

Detto questo, Radcliffe ha espresso di essere “molto, molto felice che tutti possano rivedere i film” a partire da La pietra filosofale e di ritenere che la riedizione al cinema sarà un’esperienza “davvero fantastica” per i fan della saga. Ha anche accennato che “forse guarderò di nuovo il primo film quest’anno“, ma ha anche subito ammonito: “Ne dubito“, al che Morgan ha spiegato che “non gli piace guardare [le sue] cose” e ha suggerito alla sua co-protagonista che una rivisitazione “potrebbe suscitare nostalgia“:

Daniel Radcliffe: Forse ora che sono molto più vecchio. Non lo guardavo mai perché ero troppo giovane. L’ho trovato un po’ imbarazzante, ma ora lo guarderei e penserei: “Oh, ero un bambino carino”. Va bene. Forse rivedrò il primo prima o poi.

Tracy Morgan: Bravo, tesoro.

Nei 15 anni trascorsi dall’uscita dell’ultimo film principale, Radcliffe e il resto dei suoi co-protagonisti di Harry Potter hanno condiviso esperienze diverse ripensando al franchise. Daniel Radcliffe e Rupert Grint sono diventati entrambi noti per essersi cimentati in film più legati al genere, tra cui la commedia drammatica surrealista Swiss Army Man, la serie comica antologica Miracle Workers e l’horror-thriller di Apple TV Servant.

Emma Watson, d’altra parte, ha iniziato a dividere il suo tempo tra progetti indipendenti e film mainstream, tra cui il remake live-action de La Bella e la Bestia della Disney e l’adattamento di Piccole Donne di Greta Gerwig. Watson ha anche rivolto la sua attenzione maggiormente al mondo della moda, dopo essersi presa una pausa dalla recitazione dopo essersi sentita “un po’ intrappolata” dalla professione, ma ha espresso il desiderio di riprendere a recitare quando si presenterà il progetto giusto.

Daniel Radcliffe ha similmente parlato nel corso degli anni dell’incapacità di alcuni di separarlo dal franchise di Harry Potter, nonostante abbia affrontato progetti completamente diversi come la commedia horror Horns. Tuttavia, proprio come detto sopra, è sempre rimasto orgoglioso della sua esperienza con la serie, sebbene deluso dai commenti transfobici della Rowling e dai dubbi espressi sul suo ritorno per un nuovo film.

Daniel Radcliffe è noto soprattutto per il suo ruolo nei film di Harry Potter, ma da quando ha lasciato la saga ha interpretato ruoli bizzarri di ogni tipo.

In viaggio con Joe, spiegazione del finale: BJ e Joe si riconciliano alla fine?

Chiara Guida
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In viaggio con Joe, spiegazione del finale: BJ e Joe si riconciliano alla fine?

Il finale di In viaggio con Joe ruota interamente attorno alla riconciliazione tra Joe e BJ dopo che si erano separati a causa delle loro diverse opinioni su come funziona il mondo. Ma perché avevano deciso di prendere strade diverse in primo luogo?

Dopo il diploma, BJ, influenzato dai suoi amici bianchi, voleva andare con loro alla Pepperdine University in California. Brian, invece, desiderava che suo figlio frequentasse il Morehouse College in Georgia, così da entrare in contatto con la cultura e la storia afroamericana mentre inseguiva i suoi sogni. Sapendo di non riuscire a far ragionare BJ, Brian chiese consiglio a Madea.

Madea convinse Joe a portare BJ in un viaggio attraverso il paese e, con il pretesto di accompagnarlo al college da lui scelto, istruirlo sull’importanza di conoscere ciò che la propria comunità ha vissuto in passato. Perché, se non sai da dove vieni, come puoi capire quale strada prendere per il futuro? Brian non era entusiasta dell’idea, ma quando Madea prende una decisione, Brian, Joe e BJ non hanno altra scelta che eseguire.

Joe e BJ partono per il viaggio, e le cose procedono più o meno come ci si può aspettare quando due persone di generazioni così diverse vengono costrette a stare insieme. Tuttavia, dopo una sosta in un bordello, dove BJ decide di salvare una prostituta di nome Destiny dallo sfruttamento, il loro conflitto raggiunge il punto di ebollizione. Come riescono infine a riconciliarsi? Scopriamolo.

BJ e Joe si separano

BJ e Joe si scontrano costantemente per le loro visioni del mondo. Anche se BJ non cambia posizione, in genere non contesta apertamente ogni commento politicamente scorretto di Joe. Salvare Destiny è la prima decisione davvero altruista che BJ prende attivamente, e probabilmente sente che, se non si difende mentre Joe lo rimprovera per non aver lasciato Destiny al suo destino, non avrà mai alcun controllo sulla propria vita.

Joe sa che BJ ha fatto la cosa giusta salvando Destiny, ma è troppo orgoglioso per cedere davanti al suo “nipote woke”. Inizia quindi ad attaccare l’intera generazione di BJ e a lanciare frecciatine personali. BJ non si tira indietro, e questo porta Joe a esagerare: abbandona BJ e Destiny su un’autostrada nel mezzo del nulla.

Prima di separarsi, BJ peggiora la situazione dicendo che era stato gentile con il nonno solo perché Brian gli aveva detto che Joe stava morendo. Quando scopre che non soffre di alcuna malattia terminale, BJ si sente ancora più tradito. Anche Joe, in fondo, rimane amareggiato: realizza di essere una persona talmente sgradevole che suo figlio ha dovuto inventare una bugia spudorata per convincere il nipote a partire con lui.

Joe va in un bar a bere per dimenticare, mentre BJ contatta Brian usando il telefono di Destiny. Non riescono a parlare a lungo, ma Brian capisce cosa è successo e chiama suo padre, ordinandogli di fare pace e portare BJ al college. Joe, furioso con il nipote e con il figlio, riattacca e continua a bere. A Brian non resta che usare le sue risorse per rintracciare il figlio.

BJ e Joe si riuniscono

BJ e Destiny passano la notte in un hotel, e lei non nasconde quanto apprezzi il suo gesto cavalleresco. Il giorno seguente, però, Destiny spiega a BJ tutto ciò che aveva ignorato della storia afroamericana solo perché era stato il nonno politicamente scorretto a parlargliene.

Poco a poco, BJ comprende che tutti i luoghi in cui Joe aveva fatto tappa avevano una grande rilevanza per la cultura nera. Pensava che, grazie alla scuola, ai social media e al rispetto di pratiche ecologiche, fosse superiore alle generazioni precedenti. Ma quando Destiny gli fornisce il contesto storico di quei luoghi, capisce di essere stato lui l’ignorante, rendendosi impermeabile alla conoscenza pur avendola davanti agli occhi.

Joe ha una rivelazione simile? Non proprio. Sa di amare suo nipote, ma non fino a che punto, finché non sente una gang iraniana intenzionata a punire BJ per aver portato via “la loro proprietà”, Destiny. Se Joe avesse davvero disprezzato il nipote, avrebbe lasciato che se la vedesse da solo. Invece, dopo che Brian gli comunica la posizione dei ragazzi, corre in loro soccorso, dimostrando quanto tenga a BJ.

Forse teme anche la reazione di Brian e Madea se sapessero che non ha fatto nulla per salvare un membro della famiglia. In ogni caso, Joe arriva prima della gang e i tre riprendono il viaggio. Purtroppo vengono avvistati, dando inizio a un intenso inseguimento in auto.

BJ e Joe si riconciliano

Nel finale, la gang circonda Joe, BJ e Destiny e apre il fuoco, chiedendo che Destiny venga consegnata. Joe risponde sparando, ma si rende conto di non avere abbastanza munizioni per resistere. Suggerisce allora a BJ di lasciare andare Destiny, così almeno potranno salvarsi.

BJ rifiuta e tenta di convincere i gangster con un discorso appassionato sulla necessità di spezzare il ciclo di abusi legato alla tratta di esseri umani e sull’importanza di smantellare il patriarcato invece di perpetuarlo con metodi così violenti. Per un attimo sembra che le sue parole abbiano effetto.

In realtà, i criminali si ritirano perché Brian è arrivato con la polizia locale e l’FBI per arrestarli. Brian è scioccato dagli eventi del viaggio, ma è felice di vedere che BJ ha imparato l’importanza di affermare la propria identità nera in un contesto sociale che spesso spinge le minoranze a diluire ciò che le rende uniche.

Brian è anche entusiasta quando BJ decide di andare al Morehouse invece che a Pepperdine. Tuttavia, quando BJ annuncia di voler completare il viaggio con Joe e Destiny, Brian si oppone, temendo che senza controllo BJ possa “perdersi” come sua madre Debrah.

BJ però resta fermo nella sua decisione: sa di avere ancora molto da imparare dal nonno prima di iniziare il college. Scegliendo di continuare con Joe, evita di regredire come persona e come uomo nero, non lasciando che l’iperprotezione del padre ostacoli la sua crescita.

Brian è preoccupato, ma accetta di lasciargli tracciare la propria strada, consapevole che ciò che conta è che suo figlio conosca la storia e la cultura afroamericana, indipendentemente dal modo in cui sceglie di farlo.

È facile leggere questa scena come un messaggio secondo cui le generazioni più anziane, pur problematiche, hanno molto da insegnare ai giovani. Ma forse il film suggerisce qualcosa di più sfumato: ogni generazione ha vissuto secondo le regole del proprio tempo e, per diventare persone complete, dovremmo apprendere dalle esperienze di chi ci ha preceduto — soprattutto di coloro che hanno fatto la storia — lasciando però da parte pregiudizi e pratiche ormai superate. Almeno, questa è una possibile interpretazione del finale.

In viaggio con Joe: Tyler Perry scala le classifiche di Netflix!

Chiara Guida
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In viaggio con Joe: Tyler Perry scala le classifiche di Netflix!

Tyler Perry continua a dominare lo streaming, con il suo ultimo film che sta diventando subito un successo: In viaggio con Joe.

Perry continua a scrivere, dirigere e produrre una varietà di serie TV e film per Netflix, tra cui i recenti Finding Joy (2025) di Tyler Perry, Beauty in Black (2024-2025), Divorced Sistas (2025), Madea’s Destination Wedding (2025) e Straw (2025), tra molti altri. Gli ascolti continuano a essere elevati per la maggior parte di questi film, e la sua ultima uscita, In viaggio con Joe (che nel titolo USA mantiene il nome del suo creatore, Tyler Perry’s Joe’s College Road Trip) non fa eccezione.

Dopo la sua uscita il 13 febbraio, In viaggio con Joe è attualmente il film numero uno su Netflix negli Stati Uniti e costeggia il podio nella classifica italiana.

La trama di In viaggio con Joe

Scritto, diretto, prodotto e interpretato da Perry, il film segue Joe, il fratello di Madea, mentre intraprende un viaggio on the road con il nipote B.J. Questo è il primo film del franchise più ampio di Madea a mettere Joe al centro dell’attenzione, e la decisione sembra essere stata accolta con favore dagli abbonati Netflix.

Successo di pubblico ma non di critica

Perry interpreta sia Madea che Joe in In viaggio con Joe, con Jermaine Harris che interpreta B.J. Amber Reign, Bethany Anne Lind e Jeremy Gimenez che recitano nel film, che segna il quattordicesimo capitolo dell’universo di Madea.

L’ultimo film di Perry sta evidentemente riscuotendo successo tra il pubblico generale, ma non c’è ancora un chiaro consenso da parte della critica. Per la maggior parte, i film di Perry, compresi quelli del franchise di Madea, non riscuotono molto successo tra la critica. Le recensioni negative, ad esempio, hanno fatto sì che il film ottenesse solo il 53% di punteggio su Rotten Tomatoes.

Al momento della stesura di In viaggio con Joe, su Rotten Tomatoes sono presenti solo quattro recensioni, il che non è sufficiente per ottenere un punteggio. Tuttavia, è possibile che questo film possa avere un successo migliore rispetto agli altri progetti recenti di Perry, dato che tre recensioni su quattro sono “fresche”, mentre una è stata definita “pessima”.

Non è insolito che le nuove uscite di Perry raggiungano la vetta delle classifiche Netflix, ma la vera prova del successo del film con il pubblico arriverà nei giorni e nelle settimane a venire. Se In viaggio con Joe di Tyler Perry riuscirà a rimanere un punto di forza nella top 10 di Netflix, ciò garantirà sicuramente future collaborazioni tra il creatore e lo streamer.

La casa degli spiriti, le prime immagini della nuova serie Prime Video

Chiara Guida
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La casa degli spiriti, le prime immagini della nuova serie Prime Video

Prime Video ha svelato, nell’ambito della 76ª edizione del Festival del Cinema di Berlino, la data di uscita de La casa degli spiriti, il primo adattamento seriale in lingua spagnola del celebre romanzo di Isabel Allende, che debutterà a livello globale il 29 aprile, in oltre 240 Paesi e territori nel mondo.

Basata sul romanzo di Isabel Allende, acclamato a livello internazionale, La casa degli spiriti è una saga familiare in otto episodi che abbraccia mezzo secolo, incentrata su tre generazioni di donne – Clara, Blanca e Alba – in un paese sudamericano conservatore plasmato dalla lotta di classe, dai tumulti politici e dalla magia.

La casa degli spiriti vede Alfonso Herrera (Rebel Moon) nei panni di Esteban Trueba, insieme a Nicole Wallace (È colpa nostra?) e Dolores Fonzi (Belén) che interpretano Clara del Valle in diverse fasi della sua vita. Il cast include, tra gli altri, anche Fernanda Castillo (The Lord of the Skies) nel ruolo di Férula, Aline Kuppenheim (Una donna fantastica) in quello di Nivea del Valle, Eduard Fernández (La pelle che abito) nella parte di Severo del Valle, Sara Becker (La bambina che raccontava i film) e Fernanda Urrejola (Cry Macho – Ritorno a casa) nel ruolo di Blanca, Rochi Hernández come Alba (30 Nights with my Ex), Juan Pablo Raba (News of a Kidnapping) nella parte di Tío Marcos, Pablo Macaya (Due vite parallele) e Nicolás Contreras (Baby Bandito) in quella di Pedro Tercero.

Isabel Allende, Eva Longoria e Courtney Saladino sono executive producer della serie insieme agli showrunner Francisca Alegría (The Cow Who Sang a Song Into the Future), Fernanda Urrejola (Cry Macho – Ritorno a casa), e Andrés Wood (News of a Kidnapping).

La serie è prodotta da FilmNation Entertainment, la società pluripremiata agli Oscar che ha realizzato Anora e Conclave, con il supporto di Fabula, casa di produzione cilena premio Oscar (A Memoria Infinita, Una donna fantastica)

MUBI rilascia le prime immagini di Teenage Sex and Death at Camp Miasma, il nuovo film di Jane Schoenbrun

Redazione
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MUBI rilascia le prime immagini di Teenage Sex and Death at Camp Miasma, il nuovo film di Jane Schoenbrun

MUBI ha diffuso le prime immagini ufficiali di Teenage Sex and Death at Camp Miasma, il nuovo atteso lungometraggio scritto e diretto da Jane Schoenbrun, già autrice di I Saw the TV Glow e We’re All Going to the World’s Fair. Il progetto conferma la collaborazione tra la regista e il distributore globale, che ha finanziato il film e ne curerà la distribuzione in numerosi territori, tra cui Italia, Nord America, Regno Unito, Germania, Spagna e Australia.

Protagoniste del film sono Hannah Einbinder, vincitrice dell’Emmy per la serie Hacks, e Gillian Anderson, celebre per The X-Files e Sex Education. Il cast include anche Amanda Fix, Arthur Conti, Eva Victor, Zach Cherry, Sarah Sherman, Patrick Fischler, Dylan Baker, Jasmin Savoy Brown, Kevin McDonald, Quintessa Swindell e Jack Haven.

Il film è prodotto da Plan B, mentre The Match Factory gestirà le vendite internazionali nei territori non coperti direttamente da MUBI.

Un meta-slasher tra identità e ossessione

Teenage Sex and Death at Camp Miasma Still_2_©MUBI

Teenage Sex and Death at Camp Miasma è il terzo lungometraggio di Schoenbrun e prosegue il suo percorso artistico legato all’horror queer e ai temi dell’identità trans. Dopo anni di sequel stanchi e di un pubblico ormai disilluso, il franchise slasher immaginario “Camp Miasma” viene affidato a una giovane regista determinata a rilanciarlo.

Quando la cineasta decide di incontrare la protagonista del film originale — un’attrice reclusa e avvolta nel mistero — le due donne precipitano in un vortice in cui finzione e realtà si confondono. Il racconto si trasforma così in un universo sanguinoso e allucinato dove desiderio, paura e delirio si intrecciano, rielaborando i codici dello slasher classico in chiave metacinematografica.

Il progetto arriva dopo il successo di I Saw the TV Glow, presentato al Sundance 2024 e poi alla Berlinale, al Festival di San Sebastián e al SXSW, ottenendo diverse nomination agli Independent Spirit Awards 2025, tra cui Miglior Regia e Miglior Film. Con questo nuovo lavoro, Schoenbrun sembra voler spingere ancora oltre il dialogo tra cultura pop, trauma e costruzione dell’identità.

Al momento non è stata comunicata una data di uscita ufficiale, ma la diffusione delle prime immagini conferma che la distribuzione internazionale è già in fase avanzata.

Sean Baker, il prossimo film è ambientato in Italia: “Una lettera d’amore alla commedia sexy italiana”

Gianmaria Cataldo
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Sean Baker, il prossimo film è ambientato in Italia: “Una lettera d’amore alla commedia sexy italiana”

Dopo il successo agli Oscar con Anora, Sean Baker ha deciso di rifiutare le proposte dei grandi studi per tornare al cinema che lo ha reso celebre: attori non professionisti, riprese in movimento e uno sguardo diretto sulla comunità sessuale. Lo scorso anno Baker ha infatti iniziato a fare sopralluoghi per il suo nuovo film, di cui non sono stati rivelati né cast completo né dettagli sulla trama. Durante il Festival di Berlino, il regista ha anticipato però che il progetto sarà ambientato in Italia e fungerà da omaggio alle commedie sexy italiane degli anni ’60 e ’70.

“È la mia lettera d’amore al cinema sexy italiano di quegli anni, quindi mi sto concentrando su questo. Vogliamo girare entro quest’anno”, ha spiegato Baker a Variety. Al momento, sappiamo che l’attrice italiana Vera Gemma, nota per i film Vera e Scarlet Flower, farà parte del cast. Baker ha aggiunto che girerà il film in modo indipendente, senza interferenze di studio, ma spera di collaborare nuovamente con Neon, produttore di Anora.

Il regista ha inoltre anticipato che la nuova opera “si spingerà un po’ di più verso la commedia”, suggerendo un tono più apertamente umoristico rispetto ai suoi lavori precedenti. Con questa nuova produzione, Baker potrebbe avere un’altra occasione per partecipare al Festival di Cannes nel 2027, continuando a costruire una filmografia già apprezzata con titoli come Tangerine, The Florida Project e Red Rocket.

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Dan Trachtenberg anticipa il design e la presentazione della madre di Dek nel sequel di Predator: Badlands

Gianmaria Cataldo
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Dan Trachtenberg anticipa il design e la presentazione della madre di Dek nel sequel di Predator: Badlands

Anche dopo la morte di suo padre, Dek dovrà ancora affrontare alcuni problemi familiari nel sequel di Predator: Badlands (leggi qui la recensione). Essendo il più piccolo del clan Yautja, Dek era sottoposto al severo scrutinio di suo padre Njohrr, sfuggendo per un soffio all’esecuzione grazie al sacrificio di suo fratello Kwei, che ha mandato l’eroe Predator sul famigerato pianeta della morte Genna. Dopo essere sopravvissuto alla sua avventura lì con Thia, interpretata da Elle Fanning, il finale di Predator: Badlands non solo ha visto Dek sconfiggere con successo suo padre e reclamare il suo dispositivo di occultamento, ma ha anche visto sua madre volare oltre l’orizzonte.

Ora, in un’intervista con Ash Crossan di ScreenRant per la sua uscita in home media, Dan Trachtenberg ha offerto alcune anticipazioni su ciò che accadrà alla madre di Dek dopo Predator: Badlands. Riconoscendo che una Yautja femmina non è mai apparsa in un film prima d’ora, essendo stata “raffigurata solo nei fumetti”, il regista ha detto che lui e il suo team di produzione “non hanno ancora iniziato a lavorare sul design [pianificazione]”, poiché al momento si sta concentrando su come dovrebbe essere la sua introduzione “dal punto di vista del personaggio”.

Tuttavia, Trachtenberg ha rivelato che desidera che l’introduzione della madre di Dek “sia un po’ inaspettata”, evitando il più possibile i cliché. Invece, afferma che la sua apparizione nel sequel sarà “più intenzionale e incentrata sull’aspetto interessante che la cultura Yautja” può portare sullo schermo. Ha anche indicato che lui e il suo team potrebbero non “attingere direttamente da come sono stati rappresentati nei fumetti”, ma seguire invece una propria strada.

Come osserva Trachtenberg, le Yautja femminili sono apparse in altri media, in particolare nei vari fumetti e romanzi che hanno ampliato la tradizione del franchise. Detto questo, l’unica apparizione canonica che presenta le Yautja femminili è quella di Predator: Hunting Grounds, un gioco d’azione multiplayer che offre ai giocatori la possibilità di impersonare una cacciatrice mentre si scontrano con altri giocatori.

Dato che la tradizione ha variato la loro natura, in particolare perché anche i media espansi le hanno raramente esplorate, questo dà a Trachtenberg un ampio margine di manovra su come introdurre la madre di Dek nel prossimo film Predators. Una cosa che sembrava chiara dal finale di Predator: Badlands è che anche la madre di Dek avrebbe portato con sé un conflitto, come ha fatto Njohrr con il protagonista, dato che lo Yautja ha raccolto la sua spada e sembrava pronto a impegnarsi in un altro combattimento.

Ma mentre Trachtenberg ha chiaramente intenzione di portare la madre di Dek sullo schermo, al momento non è chiaro dove questo porterà. Il regista ha confermato a ScreenRant che lavorerà contemporaneamente al prossimo film Predator e a nuovi progetti nell’ambito del suo accordo con la Paramount, ma ha dichiarato di essere ancora in fase di ideazione per il prossimo capitolo. Alcune delle idee prese in considerazione includono sia il tanto atteso Prey 2 che il già citato sequel di Badlands, oltre a riprendere il finale sospeso di Killer of Killers.

Dato che Predator: Badlands è diventato il capitolo di maggior successo della serie, sembra probabile che la 20th Century Studios vorrà cercare di capitalizzare questo successo con altre storie incentrate su Dek, aprendo così la strada a Trachtenberg per ideare una storia in cui compaia la madre di Dek. Con Naru, interpretata da Amber Midthunder, tenuta prigioniera su Yautja Prime, e Dek che ora ha un approccio molto diverso alla cultura del clan Yautja, un nuovo film potrebbe vedere Dek allearsi con Naru e altri per combattere sua madre e creare un nuovo futuro per la sua specie.

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The Batman – Parte II: lo sceneggiatore afferma che il sequel “sembra nuovo e pericoloso”

Gianmaria Cataldo
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The Batman – Parte II: lo sceneggiatore afferma che il sequel “sembra nuovo e pericoloso”

The Batman – Parte II sta rapidamente prendendo forma e le riprese dovrebbero iniziare nel Regno Unito ad aprile. Il sequel è atteso da tempo, dato che The Batman è uscito nel 2022. Si tratta di un intervallo di oltre cinque anni tra i due film. Grazie a Hollywood North Buzz, ora sappiamo che il ritorno del regista Matt Reeves alla DC avverrà con il titolo provvisorio “Vengeance 2”. E sì, il titolo provvisorio di The Batman era, come avrete probabilmente intuito, “Vengeance”.

Per coincidenza, più o meno nello stesso periodo in cui è stata diffusa questa notizia, lo sceneggiatore di The Batman – Parte II, Mattson Tomlin ha risposto a un fan scrivendo: “Abbiamo lavorato molto duramente per raccontare una storia degna del personaggio. Qualcosa che sembrasse nuovo e pericoloso. L’asticella non poteva essere più alta”. “Non vedo l’ora che la gente lo veda e possa parlarne a lungo”, ha aggiunto Tomlin, che ha lavorato al primo film ma non ha ricevuto alcun credito ufficiale. “Non riesco a descrivere cosa significhi questo film per me”.

In seguito, ha aggiunto: “Abbiamo fatto del nostro meglio, letteralmente, spingendoci oltre i limiti”. È difficile chiedere di più. The Batman si è concluso preparando il terreno per quella che sembrava una collaborazione con Joker e Enigmista. Tuttavia, molti fan hanno espresso disappunto per il fatto che Reeves sembrasse intenzionato a concentrarsi su due cattivi che hanno già avuto molto spazio sullo schermo nel corso degli anni.

Tutto quello che sappiamo su The Batman – Parte II

The Batman – Parte II è uno dei film più attesi del nuovo panorama DC, ma il suo percorso produttivo non è stato privo di ostacoli. Inizialmente previsto per ottobre 2025, il sequel diretto da Matt Reeves è stato rinviato al 1° ottobre 2027. I ritardi sono stati giustificati da esigenze legate alla scrittura della sceneggiatura e al calendario riorganizzato della DC sotto la nuova guida di James Gunn e Peter Safran, che stanno ristrutturando l’intero universo narrativo. Nonostante ciò, Reeves ha confermato che le riprese inizieranno nella primavera 2026 e Gunn ha recentemente letto la sceneggiatura, definendola “grandiosa”, un segnale incoraggiante per i fan.

Sul fronte del cast, è confermato il ritorno di Robert Pattinson nei panni di Bruce Wayne/Batman, all’interno dell’universo narrativo alternativo noto come “Elseworlds”, separato dal DCU principale. Dovrebbero tornare anche Jeffrey Wright come il commissario Gordon e Andy Serkis nel ruolo di Alfred. I rumor più insistenti ruotano attorno alla possibile introduzione di Hush e Clayface (che avrà inoltre un film tutto suo) come villain principali, anche se nulla è stato ancora ufficializzato. C’è chi ipotizza un ampliamento del focus sulla corruzione sistemica di Gotham, riprendendo i toni noir e investigativi del primo capitolo, con Batman sempre più immerso in un mondo in cui la linea tra giustizia e vendetta si fa sottile.

Per quanto riguarda la trama, le indiscrezioni suggeriscono un’evoluzione psicologica per Bruce Wayne, alle prese con le conseguenze delle sue azioni e un Gotham sempre più caotica, anche dopo gli eventi della serie spin-off The Penguin con Colin Farrell (anche lui probabile membro del cast). Alcune fonti parlano di un possibile scontro morale con Harvey Dent, figura ambigua per eccellenza, o di un Batman costretto a confrontarsi con i limiti del suo metodo. Al momento, tutto è però ancora avvolto nel riserbo, ma la conferma della sceneggiatura completa e approvata lascia ben sperare per l’inizio delle riprese entro l’autunno e per un sequel che promette di essere ancora più cupo, ambizioso e introspettivo.

Reeves spera naturalmente che il suo prossimo film su Batman abbia lo stesso successo del primo. The Batman del 2022 ha avuto un’ottima performance al botteghino, incassando oltre 772 milioni di dollari in tutto il mondo e ottenendo un ampio consenso da parte della critica. Queste recensioni entusiastiche sono state portate avanti nella stagione dei premi, visto che il film ha ottenuto quattro nomination agli Oscar. Nel frattempo, Reeves ha espanso la serie DC Elseworld con la già citata serie spin-off di Batman, The Penguin, disponibile su Sky e NOW, per l’Italia.

L’uscita di The Batman – Parte II è ora prevista per il 1 ottobre 2027.

Callum Turner si rifiuta di commentare le voci sul suo eventuale futuro da James Bond

Chiara Guida
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Callum Turner si rifiuta di commentare le voci sul suo eventuale futuro da James Bond

Callum Turner finalmente si esprime sulla fondatezza delle voci sul casting di James Bond. Dopo l’uscita di Daniel Craig dal franchise di 007 con No Time To Die nel 2021, Internet è stato inondato di speculazioni su chi potrebbe prendere il suo posto. Mentre il regista Denis Villeneuve si prepara a iniziare a lavorare al suo annunciato James Bond 26, Turner è stato indicato come uno dei favoriti.

Callum Turner affronta queste voci sul casting mentre parla con i giornalisti al Festival Internazionale del Cinema di Berlino per il suo nuovo film, Rosebush Pruning. Secondo Variety, a Turner è stato chiesto se volesse “togliersi di torno” l’annuncio del casting di 007. “Avete ragione, è molto presto per questa domanda“, dice Turner ai giornalisti presenti con un sorriso. “Non ho intenzione di commentare.”

La risposta della star di Eternity non raffredda certo le speculazioni sul casting di 007. Prima che potessero arrivare ulteriori domande, tuttavia, la co-protagonista di Turner in Rosebush Pruning, Tracy Letts, ha deviato, annunciando scherzosamente: “Mi dispiace, sono il prossimo James Bond!”. Turner ha assecondato il gioco, rispondendo: “Tracy, pensavo che non avresti detto nulla”.

Villeneuve è stato confermato come regista di Bond 26 l’anno scorso, ma questa rivelazione non è stata accompagnata da annunci sul casting. Si prevede che il casting e altri sviluppi relativi a Bond arriveranno entro la fine dell’anno, quando Villeneuve terminerà il suo lavoro sul prossimo Dune: Parte 3, che uscirà nelle sale il 18 dicembre.

Il potenziale coinvolgimento di Callum Turner nel nuovo film di 007 segue anni in cui Aaron Taylor-Johnson è stato segnalato come la scelta principale. Entrambi gli attori hanno 35 anni, solo pochi anni in meno di Craig quando fu scelto per Casino Royale (2006). Le speculazioni sul casting di Turner per Bond seguono anche le indiscrezioni dell’anno scorso che affermavano che il prossimo Bond sarebbe stato più giovane, potenzialmente più vicino ai 30.

Se scelto per il ruolo di Bond, questo segnerebbe il ruolo più importante della carriera di Turner con un margine significativo. L’attore è apparso di recente in film come Eternity (2025), Rose of Nevada (2025), Atropia (2025) e The Boys in the Boat (2023). Turner è stato anche uno dei protagonisti della chiacchierata serie di Apple TV sulla Seconda Guerra Mondiale, Masters of the Air.

Sebbene Turner abbia all’attivo diversi progetti più importanti, il suo casting per 007 seguirebbe più o meno la tradizione del franchise di scegliere un attore che non sia ancora una star del cinema a tutti gli effetti. Dopotutto, il film più importante di Craig prima di Casino Royale è stato Layer Cake (2004).

È probabile che le notizie ufficiali riguardanti James Bond 26 siano ancora lontane mesi, con Villeneuve ora impegnato nella post-produzione del suo terzo film di Dune. Il casting di Turner non è ancora sicuro, ma la sua ultima risposta fa certamente pensare che sia in lizza.

Ian McKellen non è entusiasta di Hamnet: “È improbabile!”

Gianmaria Cataldo
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Ian McKellen non è entusiasta di Hamnet: “È improbabile!”

Sir Ian McKellen, membro dell’Academy e noto esperto di Shakespeare, ha dichiarato che non voterà il film Hamnet (leggi qui la recensione) di Chloé Zhao per gli Oscar. L’attore britannico, interprete di ruoli shakespeariani come Amleto, Macbeth e Re Lear, ha espresso scetticismo sul film, tratto dal romanzo di Maggie O’Farrell che racconta la morte del figlio undicenne di Shakespeare e immagina come la tragedia possa aver ispirato Amleto.

McKellen, durante un’intervista al Times, ha commentato: “Non lo capisco del tutto. Non mi interessa molto cercare di capire da dove venisse l’immaginazione di Shakespeare, ma certamente non nasceva solo dalla vita familiare […] Shakespeare è forse la persona più famosa di sempre, quindi naturalmente c’è interesse per la sua vita familiare. Ma l’idea che sua moglie Anne Hathaway [il personaggio nel film si chiama Agnes, ndr.] non abbia mai visto una rappresentazione teatrale è improbabile, considerando il lavoro del marito. E sembra che non sappia cosa sia un’opera teatrale! Ci sono alcune improbabilità”.

L’attore ha sottolineato come i personaggi e le loro motivazioni non lo abbiano convinto, pur riconoscendo che il film possa funzionare come narrazione drammatica indipendente dalla fedeltà storica. Secondo McKellen, alcune scelte, come la reazione di Agnes alla fine, risultano poco plausibili, ma il film resta principalmente una riflessione sul lutto, più che un ritratto biografico rigoroso.

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A Knight of the Seven Kingdoms, l’episodio 5 è già considerato il migliore dell’intero franchise di Game of Thrones!

Chiara Guida
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A Knight of the Seven Kingdoms, l’episodio 5 è già considerato il migliore dell’intero franchise di Game of Thrones!

Il penultimo episodio di A Knight of the Seven Kingdoms, intitolato “In the Name of the Mother”, presenta uno dei momenti più devastanti della serie. L’episodio ha offerto agli spettatori uno sguardo sul traumatico passato di Dunk (Peter Claffey), con tutta la violenza e la morte che accompagnano ogni spin-off di Game of Thrones.

Il capitolo più recente alterna un cupo flashback sull’infanzia di Dunk e la crescente tensione della battaglia attuale della serie. Alla fine dell’episodio, diversi personaggi sono morti, tra cui Baelor Targaryen (Bertie Carvel). Sebbene sopravvissuto al Processo dei Sette, è stato ucciso subito dopo. Il principe si è tolto l’elmo per mostrare una ferita mortale alla testa causata dal fratello, Maekar Targaryen (Sam Spruell), prima di morire.

Nonostante la tragica morte, la maggior parte degli spettatori di A Knight of the Seven Kingdoms ha adorato l’episodio. Alcuni lo hanno addirittura definito il migliore di qualsiasi serie di Game of Thrones, inclusa la serie principale. Sebbene molti fan fossero chiaramente addolorati per la perdita, ne hanno comunque elogiato la sceneggiatura, le interpretazioni e la resa emotiva.

I fan su X hanno ripetutamente descritto l’ultimo episodio di A Knight of the Seven Kingdoms come “straziante”. Pubblico e critica hanno applaudito la serie per essere rimasta fedele alla natura spietata di Westeros e del franchise di Game of Thrones nel suo complesso. Molti spettatori hanno affermato che la morte del personaggio era già prevista molto prima che accadesse, ma gli sceneggiatori sono comunque riusciti a coglierli di sorpresa e a tenerli con il fiato sospeso.

L’episodio finale di A Knight of the Seven Kingdoms andrà in onda lunedì 23 febbraio 2026 su NOW e Sky

Il creatore di A Knight of the Seven Kingdoms spiega il destino sconvolgente del principe Baelor nell’episodio 5

Chiara Guida
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Il creatore di A Knight of the Seven Kingdoms spiega il destino sconvolgente del principe Baelor nell’episodio 5

Dopo la scioccante morte nel penultimo episodio dello spin-off de Il Trono di Spade, A Knight of the Seven Kingdoms, il creatore della serie commenta quel momento.

Nonostante fosse sopravvissuto al Processo dei Sette, l’amato principe Baelor Targaryen è morto quasi subito dopo la sua conclusione. Si è tolto l’elmo e ha rivelato una ferita alla testa inflittagli dal fratello, Maekar Targaryen (Sam Spruell), soccombendo poco dopo. Secondo il creatore dello show, Ira Parker, la scioccante morte nell’episodio 5 è stata progettata per essere tanto scioccante e straziante quanto appariva sullo schermo.

Ha spiegato che il vero orrore della scena arriva quando l’elmo viene rimosso. Rivelare che l’unica cosa che teneva in vita Baelor era la sua armatura ha fatto capire al pubblico che il personaggio era destinato a morire. E per rendere la scena ancora più straziante, il principe ha detto a Dunk, interpretato da Peter Claffey, di essere il cavaliere di cui il regno aveva veramente bisogno.

A Knight of the Seven Kingdoms 1x05Parlando al New York Post, il creatore Ira Parker ha spiegato che il destino di Baelor Targaryen era di fatto segnato molto prima del colpo fatale. Ha affermato: “In pratica, la situazione che abbiamo con Baelor è che la sua vita è tenuta insieme dal fatto che indossa l’elmo. È già un uomo morto, solo che non se ne rende ancora conto. E quindi, quando l’elmo gli viene tolto e muore lì, amico, è la morte più brutale che ci sia.”

Parker ha detto che quella morte rende anche la vita di Dunk molto più difficile. Dato che Baelor era una persona compassionevole che ammirava Dunk, il defunto principe che sarebbe diventato re gli avrebbe portato grandi benefici. Il creatore ha spiegato che la tragedia è aggravata da quanto il protagonista sia vicino al raggiungimento dei suoi obiettivi. Lo ha descritto come uno schema ricorrente nella vita del personaggio, come il successo possa sembrare a portata di mano prima che il destino glielo strappi bruscamente.

“Penso che questo sia probabilmente un tema ricorrente nella vita di Dunk, e di molte persone nella loro vita. Le cose sembrano così vicine, poi per qualche motivo il destino interviene e ci mostra una via diversa.”

A Knight of the Seven Kingdoms: tutte le vittime del Processo dei Sette

Chiara Guida
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A Knight of the Seven Kingdoms: tutte le vittime del Processo dei Sette

L’episodio 5 di A Knight of the Seven Kingdoms, intitolato “In the Name of the Mother”, mantiene la promessa fatta nell’episodio 4: Dunk (Peter Claffey) e gli altri 13 cavalieri si preparano a dare inizio al processo dei sette. La mischia è estremamente sanguinosa e viene interrotta a metà da un flashback di Dunk, provocato da un colpo di mazza in pieno volto.

Tra fango, ferite da arma bianca e un occhio gonfio, Dunk riesce a sconfiggere Aerion (Finn Bennett) e a costringerlo a ritirare l’accusa. È una vittoria conquistata a caro prezzo, ma il popolo viene vendicato. Tuttavia, il trionfo di Dunk comporta diverse morti, tra cui quella del principe Baelor Targaryen (Bertie Carvel).

Come viene ucciso Baelor Targaryen nell’episodio 5

A Knight of the Seven Kingdoms

Dopo la battaglia, Duncan deve essere aiutato a lasciare il campo del torneo: le sue ferite sono gravissime. Steely Pate (Youssef Kerkour) e Raymun Fossoway (Shaun Thomas) lo sostengono mentre Baelor si avvicina, ancora con elmo e armatura. Offre alcune parole di incoraggiamento, poi inizia a parlare come se fosse in un sogno.

Steely Pate tenta di rimuovere l’armatura del principe, ma nota che è stata schiacciata nella parte posteriore. Baelor spiega che è stata la mazza del fratello Maekar (Sam Spruell). Mentre farfuglia un commento su quanto suo fratello sia sempre stato forte, Pate gli toglie l’elmo e recita una preghiera agli dèi.

Baelor si gira per mostrare a Dunk — e al pubblico — un’enorme spaccatura nel cranio, che lascia intravedere il cervello. Balbetta e poi cade a terra morto. Sebbene sapesse che la Guardia Reale non gli avrebbe fatto del male, non aveva previsto il colpo del fratello, che durante la battaglia lo ha colpito alla testa — accidentalmente o meno.

A Knight of the Seven Kingdoms

Baelor Targaryen muore anche nei libri di George R.R. Martin?

La morte di Baelor non è un’invenzione della serie. Nei racconti di Dunk ed Egg, in particolare nella novella The Hedge Knight, Baelor muore in modo molto simile. Anche lì si avvicina a Dunk, dice che le sue mani sembrano di legno, menziona il fratello, e la rimozione dell’elmo rivela un cranio semi-frantumato.

Chi altro muore durante il Processo dei Sette?

Baelor è uno dei tre cavalieri che perdono la vita durante il processo dei sette in A Knight of the Seven Kingdoms, anche se nell’episodio 5 è l’unico a ricevere un’attenzione significativa. Anche ser Humfrey Beesbury (Danny Collins) e ser Humfrey Hardyng (Ross Anderson) muoiono durante lo scontro.

Nessuno dei due sopravvive, ma ottengono la loro vendetta contro Aerion. Hardyng cercava riscatto per la gamba spezzata, e Beesbury, suo cognato, voleva a sua volta far pagare il “demone” Targaryen. In A Knight of the Seven Kingdoms, tre vite vengono sacrificate per salvare quella di Dunk, e resta da vedere se il sacrificio di Baelor sarà valso il prezzo pagato.

A Knight of the Seven Kingdoms episodio 5 riepilogo: la storia di Dunk e l’esito del Processo dei Sette

Chiara Guida
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A Knight of the Seven Kingdoms episodio 5 riepilogo: la storia di Dunk e l’esito del Processo dei Sette

A Knight of the Seven Kingdoms raggiunge il suo climax nell’episodio 5 con l’arrivo del Processo dei Sette, un approfondimento sul passato di Dunk e una morte devastante. Nell’episodio precedente del prequel di Game of Thrones, abbiamo visto Dunk iniziare ad affrontare le conseguenze del suo scontro con il principe Aerion Targaryen. Sebbene stesse semplicemente cercando di proteggere un innocente (il dovere di un cavaliere), colpire un membro della stirpe Targaryen è, naturalmente, una questione enorme. L’unica speranza di sopravvivenza per Dunk era un duello giudiziario, ma Aerion ha preteso un processo dei sette.

La sfida più grande per Dunk nell’episodio 4 di A Knight of the Seven Kingdoms era trovare abbastanza cavalieri disposti a schierarsi al suo fianco nel processo dei sette. Per un po’, la situazione sembrava disperata. Tuttavia, la recente investitura a cavaliere di Raymun Fossoway e la scioccante decisione del principe Baelor Targaryen di sostenere Dunk contro i propri parenti hanno rimesso in gioco il cavaliere errante. È qui che iniziano gli eventi dell’episodio 5.

A Knight of the Seven Kingdoms episodio 7Il Processo dei Sette di Dunk ha inizio

L’episodio 5 si apre con i sette membri della squadra di Dunk che si preparano al Processo dei Sette: lo stesso Dunk, Lyonel Baratheon, Raymun Fossoway, Robyn Rhysling, Humfrey Beesbury, Humfrey Hardyng e, naturalmente, il principe Baelor Targaryen. Dovranno affrontare il principe Aerion Targaryen, il principe Daeron Targaryen, il principe Maekar Targaryen, Steffon Fossoway e tre membri della Guardia Reale.

Dunk gode di un vantaggio significativo avendo Baelor dalla sua parte, poiché i voti della Guardia Reale impediscono ai suoi membri di nuocere a un appartenente al sangue reale. Tuttavia, se Dunk dovesse essere ucciso o costretto ad arrendersi, sarebbe dichiarato colpevole a prescindere da chi resti in piedi al suo fianco. Dall’altra parte, Dunk potrebbe vincere anche se tutti gli uomini schierati con lui dovessero morire. In sintesi, tutti hanno validi motivi per essere tesi.

Dopo qualche conato nervoso e un discorso piuttosto funereo da parte di un giovane araldo, il Processo dei Sette ha inizio. Basta un attimo per capire che l’evento sarà devastante. Al primissimo scontro con la lancia, Dunk viene trafitto all’addome da Aerion. Pur riuscendo a restare in sella, un colpo alla testa sferrato con la mazza lo manda a terra. Speravamo tutti che Dunk si rivelasse improvvisamente un combattente esperto e formidabile. Invece, meno di quattro minuti dopo l’inizio dell’episodio 5, Dunk giace privo di sensi sul campo.

I flashback di Dunk alla sua infanzia a Fondo delle Pulci

Dopo essere stato messo rapidamente fuori combattimento, l’episodio 5 passa a una sequenza di flashback. Sapevamo già che Dunk era cresciuto orfano ad Approdo del Re, ma qui lo vediamo in prima persona mentre, adolescente, saccheggia un campo di battaglia in cerca di oggetti di valore. È insieme a una giovane ragazza di nome Rafe, desiderosa di vendere tutto ciò che trovano per racimolare abbastanza denaro da lasciare per sempre Approdo del Re e il sudicio quartiere di Fondi delle Pulci.

Il giovane Dunk è molto simile alla sua versione adulta: forte e resistente, ma con un’aria di dolce innocenza. Rafe, al contrario, è aggressiva, dura e maliziosa. Nonostante le differenze, è chiaro che in A Knight of the Seven Kingdoms Dunk e Rafe sono l’uno per l’altra l’unica famiglia che hanno. Hanno solo sé stessi, e il loro legame è colmo d’affetto.

Naturalmente sappiamo che Rafe non farà parte del futuro di Dunk, quindi è evidente che la loro storia insieme sarebbe finita in tragedia. Durante il flashback, Rafe si inimica uno dei miserabili ubriachi di Fondi delle Pulci. Lei e Dunk avrebbero potuto allontanarsi, ma quando Rafe ruba il coltello dell’uomo, tutto precipita. Dunk assiste allo sgozzamento della ragazza e la tiene tra le braccia mentre muore.

Dunk stesso sarebbe dovuto morire, ma all’ultimo momento arriva Ser Arlan di Pennytree, che salva la vita al ragazzo. Il cavaliere è ubriaco, ma si dimostra un combattente eccellente, affrontando da solo tre uomini molto più giovani. Dunk resta affascinato dall’eroismo di Ser Arlan e, rimasto senza famiglia dopo la morte di Rafe, decide di seguirlo quando lascia Approdo del Re.

In che modo Dunk divenne scudiero di Ser Arlan

Non sappiamo esattamente cosa passi per la mente di Dunk mentre segue Ser Arlan nell’episodio 5. Mantiene le distanze per non farsi notare. Non è facile, perché durante lo scontro con gli assassini di Rafe ha riportato una ferita da lancia alla gamba. Durante il viaggio zoppicante, beve acqua cattiva e rischia di morire assiderato prima di crollare sulla strada, dove viene trovato da Ser Arlan.

Sia Dunk sia Ser Arlan avevano subito perdite prima del loro incontro, come suggerisce la tomba nuova sormontata da un elmo nel primo accampamento di Arlan fuori Approdo del Re. Sembra quasi che fossero destinati a trovarsi. L’episodio mostra solo Ser Arlan che ordina a Dunk di svegliarsi, quindi non vediamo ancora come si consolidi il loro rapporto di cavaliere e scudiero. Tuttavia, quel ricordo basta a Dunk per rialzarsi e continuare a combattere nel Processo dei Sette.

Dunk sconfigge il principe Aerion e vince il Processo dei Sette

Dai flashback apprendiamo molto su Dunk. Il tratto più evidente è il suo disperato bisogno di famiglia e amore. Ma ogni scena è anche sottolineata dalla sua straordinaria forza e resistenza. La ferita al polpaccio sarebbe sufficiente a immobilizzare un uomo adulto, eppure Dunk sembra quasi ignorare il dolore mentre segue Ser Arlan nelle terre selvagge. È un dettaglio piccolo ma cruciale per il Processo dei Sette.

L’ordine di Ser Arlan di rialzarsi lo spinge a superare ancora una volta il dolore per affrontare il principe Aerion. Forse non è un combattente esperto, ma è incredibilmente forte. Anche dopo essersi rialzato, subisce colpi che avrebbero potuto ucciderlo. Eppure riesce a restituire ad Aerion diversi colpi brutali, infliggendogli anche un possibile fendente mortale alla coscia.

Lo sforzo contro Aerion esaurisce le sue energie. Pur avendo il principe in ginocchio, il cavaliere errante crolla, apparentemente morto. Il processo stava per essere dichiarato a favore di Aerion, ma tra le urla di Egg e la voce disincarnata di Ser Arlan che gli intima di «alzarsi», Dunk si rialza ancora una volta. Con una forza quasi sovrumana, pesta Aerion fino a ridurlo a mal partito, finché il principe Targaryen non cede e ritira l’accusa.

La tragica morte del principe Baelor Targaryen

Dopo la vittoria di Dunk nell’episodio 5, viene portato via per farsi medicare da Pate e Raymun Fossoway. È allora che scopre che Humfrey Beesbury e Humfrey Hardyng sono morti, mentre tutti gli altri combattenti sono sopravvissuti — almeno fino a quel momento.

Subito dopo che Dunk si inginocchia e si dichiara uomo di Baelor, il principe chiede a Pate di togliergli l’elmo, spiegando di aver ricevuto un colpo dalla mazza del fratello Maekar e di voler alleviare la pressione dell’ammaccatura. L’armaiolo obbedisce con l’aiuto di Raymun, ma quando l’elmo viene rimosso, i due osservano con orrore la parte posteriore della testa di Baelor. L’elmo ammaccato stava esercitando pressione su un cranio gravemente fracassato. Senza di esso, il principe Baelor Targaryen, Primo Cavaliere del Re ed erede al Trono di Spade, cade morto.

In precedenza, durante il Processo dei Sette, vediamo il momento esatto in cui Maekar colpisce Baelor con la mazza. Il principe più giovane stava cercando disperatamente di raggiungere Aerion per proteggerlo da Dunk, ma Baelor aveva tentato di fermarlo. È allora che l’arma, brandita con foga, colpisce l’elmo di Baelor.

Resta ancora un episodio della prima stagione di A Knight of the Seven Kingdoms, ed è lì che vedremo le conseguenze della morte di Baelor. Dunk non potrà ignorare che il futuro re di Westeros è morto per proteggere un povero cavaliere errante, né Maekar potrà dimenticare che la tragedia è avvenuta per mano sua. È un evento destinato a scuotere i Sette Regni. Non resta che attendere il finale per comprenderne appieno le implicazioni.

Jacob Elordi parla del suo controverso casting per “Cime tempestose”

Gianmaria Cataldo
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Jacob Elordi parla del suo controverso casting per “Cime tempestose”

Il romanzo di Emily Brontë, Cime tempestose è stato più volte adattato per il cinema, ma sembra che una storia così iconica non possa essere portata sullo schermo senza suscitare qualche polemica: questa volta, per la scelta di Jacob Elordi nel ruolo di Heathcliff. Secondo i critici online, la parte di Heathcliff avrebbe dovuto essere interpretata da un attore di colore, ma gli esperti di letteratura gotica hanno opinioni diverse.

Elordi ha ora parlato con la ABC a Sydney della polemica e ha colto l’occasione per elogiare la regista Emerald Fennell, aggiungendo che l’arte è soggetta a interpretazione. Ha detto: “Questa è l’interpretazione del testo di Emerald, ed Emerald è un’artista che rispetto e ammiro, e penso che il suo lavoro sia davvero importante”. L’attore ha detto che il suo obiettivo durante le riprese del film è stato quello di “servire la verità della sceneggiatura che mi è stata consegnata”.

Il film (leggi qui la recensione), adattato da Fennell, è uscito nelle sale il 13 febbraio ed è stato descritto come una storia d’amore. Tuttavia, ciò è dovuto principalmente al fatto che la seconda metà del libro è stata tagliata dalla sceneggiatura, un’altra lamentela dei fan. La critica principale che ha suscitato polemiche online riguarda Elordi, un attore australiano bianco, che interpreta Heathcliff, descritto nel romanzo come “uno zingaro dalla pelle scura”.

Heathcliff è stato introdotto nella storia come un ragazzino trovato senza casa per le strade di Liverpool che parlava “un linguaggio incomprensibile che nessuno riusciva a capire”. Hindley, un personaggio che è stato cancellato dal film, si riferiva a Heathcliff come a un “diavoletto di Satana”, “un intruso mendicante” e un “piccolo Lascar”. Lascar è un termine usato nell’Inghilterra vittoriana per indicare i marinai del Sud-Est asiatico.

La razza di Heathcliff non è mai stata confermata nel romanzo, ma non c’è dubbio che fosse considerato diverso dagli altri personaggi del libro per le sue origini, la mancanza di istruzione e le differenze culturali a tutto tondo. I riferimenti nel libro indicano diverse razze provenienti da più continenti, ma non c’è mai stata una risposta chiara, e alcuni ritengono che fosse proprio questo il punto. Claire O’Callaghan, docente di letteratura vittoriana, ha affermato: “L’ambiguità è davvero inclusiva, perché lui, come personaggio, parla poi a una serie di persone, culture e comunità che sono state influenzate dal colonialismo”.

Egg diventerà un altro Re Folle? La spiegazione della profezia in A Knight of the Seven Kingdoms

Chiara Guida
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Egg diventerà un altro Re Folle? La spiegazione della profezia in A Knight of the Seven Kingdoms

Egg ricevette una profezia piuttosto allarmante nell’episodio 3 di A Knight of the Seven Kingdoms, che apparentemente implicava che sarebbe stato l’ennesimo folle sovrano Targaryen. Il momento cruciale arriva prima che Dunk scopre che Egg era in realtà Aegon Targaryen, così ignora con una risata la profezia secondo cui il suo scudiero sarebbe diventato re. Egg, d’altra parte, riconosce il potenziale di verità in queste parole.

La vecchia indovina nell’episodio 3 di A Knight of the Seven Kingdoms inizialmente dice a Dunk che sarebbe stato più ricco dei Lannister, il che suonava come il genere di cose che i venditori ambulanti direbbero per attrarre i clienti. Tuttavia, quando si rivolse a Egg, dice: “Sarai re e morirai in un fuoco ardente, e i vermi si nutriranno delle tue ceneri, e tutti coloro che ti conosceranno gioiranno della tua dipartita“.

Considerando ciò che sappiamo sui Targaryen de Il Trono di Spade, sembra proprio che Egg sarà un altro disastroso sovrano. Sappiamo che almeno due dei suoi discendenti, Aerys e Daenerys, perdono la testa, quindi non sarebbe una sorpresa. Tuttavia, data la dolcezza di Egg in A Knight of the Seven Kingdoms, sarebbe una delusione. Per fortuna, la tradizione di George R.R. Martin de Le Cronache del Ghiaccio e del Fuoco è lì per alleviare le nostre paure.

La profezia di Egg in A Knight of the Seven Kingdoms è molto fuorviante

La profezia di Egg nell’episodio 3 di A Knight of the Seven Kingdoms descrive esattamente la sua ascesa al trono e la sua morte. Pur essendo il quarto figlio di un quarto figlio, Egg diventa Re Aegon V Targaryen in seguito a una serie di tragiche disgrazie all’interno della famiglia. Il suo regno durò 26 anni fino alla sua morte, avvenuta durante un evento noto come la Tragedia di Sala dell’Estate, momento in cui coloro che lo conoscevano gioirono sinceramente della sua scomparsa.

La Tragedia di Sala dell’Estate fu il risultato dei tentativi di Egg di usare l’altofuoco per schiudere le uova di drago. L’evento avrebbe dovuto celebrare la nascita del suo pronipote, Rhaegar Targaryen.

Sebbene ciò implichi che Egg sia un re cattivo o tirannico, la profezia è volutamente fuorviante. Come sovrano, Aegon V diventa un paladino del popolino. I suoi anni come scudiero di Dunk gli hanno conferito una prospettiva unica rispetto agli altri Targaryen, e ha dato priorità al benessere della gente comune rispetto alla crescente ricchezza delle famiglie nobili di Westeros. Questo naturalmente significava che i nobili, inclusi molti dei parenti Targaryen di Egg, lo disprezzavano profondamente.

L’anziana donna ha aggiunto il piccolo dettaglio che coloro che “conoscono” Egg gioiranno della sua scomparsa. La gente comune ovviamente non conosce il re personalmente, quindi il loro lutto per la sua scomparsa non viene menzionato. Inoltre, molti dei cari di Egg, tra cui Dunk, perirono nell’incendio insieme al loro re, quindi non erano presenti in seguito per soccorrere coloro che gioirono per la sua morte.

Emilia Clarke DaenerysEgg era un grande re, ma il suo regno ha portato a tutti i disastri de Il Trono di Spade

Re Aegon V Targaryen era essenzialmente ciò che tutti speravamo che Daenerys fosse ne Il Trono di Spade. Ha fatto del suo meglio per “spezzare la ruota”, dando priorità alle persone che avevano più bisogno di lui rispetto a coloro che si preoccupavano solo di ottenere più ricchezza e potere. Sfortunatamente, i suoi sforzi per riportare in vita i draghi hanno fatto sì che non ci fosse nessuno in grado di portare avanti la sua eredità. Infatti, tutto ciò che ha ottenuto è stato vanificato da suo nipote, Aerys II Targaryen, noto anche come il Re Folle.

Forse ricorderete che, ne Il Trono di Spade, il Maestro Aemon Targaryen, fratello maggiore di Egg, discusse con Jon Snow su cosa sarebbe potuto accadere se avesse infranto i suoi voti e fosse diventato re al posto del fratello minore. Il vecchio osservò che Aerys non sarebbe mai diventato il Re Folle, quindi la Ribellione di Robert non sarebbe mai avvenuta. Rhaegar non sarebbe caduto sul campo di battaglia e i suoi figli non sarebbero stati brutalmente assassinati. Poi c’è Daenerys, che non sarebbe mai cresciuta in esilio.

Aemon non visse abbastanza per vedere cosa divenne Daenerys ne Il Trono di Spade e non venne mai a conoscenza della vera origine di Jon. Tuttavia, sappiamo che questi eventi non sarebbero mai accaduti se Aegon non fosse mai salito al trono. Naturalmente, senza l’Egg di un A Knight of the Seven Kingdoms, non ci sarebbe stata alcuna storia, quindi è tutto come doveva essere.

Thor vs. Scarlet Witch: Chris Hemsworth mette fine al dibattito su quale Avenger sia il più potente

Gianmaria Cataldo
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Thor vs. Scarlet Witch: Chris Hemsworth mette fine al dibattito su quale Avenger sia il più potente

Sebbene Thor si sia definito il “vendicatore più forte”, il suo interprete Chris Hemsworth ha un’opinione diversa sulla gerarchia dei poteri nell’universo cinematografico Marvel. Certo, Thor, in quanto dio asgardiano, possiede varie abilità sovrumane, tra cui longevità, capacità di guarigione potenziata e superforza, ma la sua abilità più iconica è l’elettrocinesi. In una clip condivisa da samihaidary su Instagram, tuttavia, Hemsworth ha espresso un parere schietto sulle possibilità di Thor. Alla domanda su chi vincerebbe in uno scontro tra lui e Scarlet Witch, la star ha risposto con un sorriso: “Probabilmente Wanda”.

Considerando i poteri di Wanda di alterare la realtà e la magia potenziata dal Darkhold, la risposta di Hemsworth è condivisibile. Dopotutto, Scarlet Witch ha dato del filo da torcere a Doctor Strange in Doctor Strange nel Multiverso della Follia. Un altro scontro molto popolare tra i fan è quello tra Wanda e il fratello di Thor, Loki (Tom Hiddleston). L’altro principe di Asgard, Loki, è il dio dell’inganno, dotato di poteri di mutaforma e magia.

Da quando sono stati introdotti, sia Wanda che Loki hanno ricevuto potenziamenti significativi, rendendo difficile prevedere l’esito di un loro possibile scontro. Purtroppo, la probabilità che Wanda combatta contro Thor o Loki è scarsa. Entrambi i fratelli dovrebbero tornare in Avengers: Doomsday, ma il ritorno di Olsen nell’MCU non è stato annunciato. L’anno scorso, tuttavia, l’attrice ha dichiarato: “Vorrei vederla tornare in questo ruolo perché penso che quello che hanno fatto con lei sia davvero fantastico e adoro il percorso che ha intrapreso”.

Da parte sua, anche Chris Hemsworth è entusiasta del ritorno del suo eroe nella serie. Secondo Hemsworth, Avengers: Doomsday è “incredibilmente emozionante, incredibilmente potente”. Ha continuato: “Questo film vi lascerà a bocca aperta. Non so come ci siano riusciti”. Indipendentemente dal futuro di Wanda e Thor nell’MCU, la prospettiva di uno scontro tra una Scarlet Witch al massimo della sua potenza e il Dio del Tuono è davvero entusiasmante. Con la posta in gioco multiversale di Doomsday e del suo seguito, Avengers: Secret Wars, la Marvel ha la possibilità di mostrare gli Avengers che combattono tra loro e di ampliare il suo roster attraverso cameo, quindi i fan interessati potrebbero ancora vedere esaudito il loro desiderio in qualche modo.

La pelle di Margot Robbie è stata fotografata per diventare la carta da parati di Cathy in “Cime tempestose”

Chiara Guida
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La pelle di Margot Robbie è stata fotografata per diventare la carta da parati di Cathy in “Cime tempestose”

La scenografa di “Cime tempestose”, Suzie Davies, è stata entusiasta di ricevere una chiamata da Emerald Fennell, dato che aveva già lavorato su drammi in costume ambientati in quell’epoca — oltre che sul sontuoso Saltburn diretto dalla stessa Fennell.

«Pensavo che sarebbe stato divertente», racconta Davies. Ma Fennell aveva una visione diversa per l’adattamento del classico di Emily Brontë. Non solo voleva che il mondo fosse costruito interamente in studio, ma desiderava anche che la storia fosse raccontata attraverso la lente di come lei stessa l’aveva vissuta a 14 anni. «Questo per me ha aperto un vero e proprio scrigno di possibilità, e potevamo muoverci in tutte le direzioni», dice Davies.

Dalla costruzione di Wuthering Heights a Thrushcross Grange, fino a una casa delle bambole, Davies era al settimo cielo. Ma sicuramente l’aspetto della scenografia del film che più di tutti ha sorpreso il pubblico è la stanza di Cathy a Thrushcross Grange, rosa come la sua pelle…

Thrushcross Grange era la dimora della famiglia Linton, e l’eccesso era evidente in ogni dettaglio. La casa si presenta come un luogo grandioso e lussuoso, ma metaforicamente è una prigione per Cathy.

La Stanza della Pelle

Quando Cathy viene introdotta nella sua camera, si dice con orgoglio che le pareti sono come la sua pelle. Si tratta di un momento di disagio per il personaggio. Davies aveva campioni di tessuti e stoffe sulla scrivania. Tra questi, un pezzo di lattice. «Credo lo avessimo usato per “Saltburn”», ricorda. Era color pelle, e Davies ha intuito che potesse funzionare.

Una volta capito che l’idea era valida, Davies ha chiesto a Robbie di «inviare immagini ad alta risoluzione delle sue braccia e delle sue vene. Le abbiamo stampate. Abbiamo leggermente accentuato le vene.» Aggiunge: «Abbiamo anche provato a inserire l’ombelico sopra il camino, ma risultava un po’ troppo strano, incredibilmente.» Le immagini della sua pelle sono poi state stampate sul tessuto utilizzato per i pannelli imbottiti delle pareti della camera.

Davies racconta che, alla fine, in un’inquadratura dall’alto di Cathy sul letto mentre sta morendo, le sue vene sono particolarmente evidenti. «Abbiamo stampato le sue vene anche nel tappeto, solo per quell’inquadratura dall’alto, che è ancora più strana e inquietante.»

Il risultato è stato senza dubbio di grande effetto, così come per tutte le altre caratteristiche ed eccentriche decisioni relative alla scenografia che fanno di “Cime tempestose” un film estremamente distintivo.

Il costume MCU di Scorpion finalmente svelato da una promo art di Spider-Man: Brand New Day

Gianmaria Cataldo
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Il costume MCU di Scorpion finalmente svelato da una promo art di Spider-Man: Brand New Day

Il Marvel Cinematic Universe sembra aver finalmente rivelato quale sarà l’aspetto di Scorpion in Spider-Man: Brand New Day. Attraverso il negozio brasiliano Piticas, è stata pubblicata una prima immagine del ritorno di Michael Mando nell’MCU con il suo costume da Scorpion, utilizzata per la commercializzazione dei prodotti ufficiali legati all’icona Marvel. Il banner mostra anche un’immagine di Hulk interpretato da Mark Ruffalo, oltre ai nemici di Spider-Man, Tarantula e Boomerang.

Mando è stato annunciato per la prima volta il 1° agosto 2025 da The Hollywood Reporter per riprendere il suo ruolo da Spider-Man: Homecoming. L’attore è stato anche visto attraverso le foto dal set durante la produzione nell’ottobre 2025, quando Mac Gargan è stato avvistato in abiti da prigioniero mentre scendeva da un elicottero.

Al momento della pubblicazione di questa notizia, Sony Pictures e Marvel Studios non hanno ancora annunciato ufficialmente gli attori che interpreteranno Boomerang e Tarantula. Anche i personaggi non sono stati ancora annunciati ufficialmente come parte del cast di Spider-Man: Brand New Day, ma potrebbero benissimo essere dei personaggi a sorpresa nella storia.

Se Tarantula e Boomerang finiranno per avere un ruolo nella storia di Spider-Man: Brand New Day, la fase 6 segnerà il loro debutto dal vivo. Tuttavia, è fondamentale tenere presente che questo non significa al 100% che saranno gli antagonisti principali, poiché non si sa ancora chi sarà la minaccia principale in questo film.

È logico che vengano divulgati ulteriori dettagli sul grande film di Tom Holland, dato che manca meno di sei mesi alla sua uscita. Ma questo solleva anche ulteriori domande su quando verrà finalmente pubblicato il primo trailer del film. Quando il filmato sarà finalmente disponibile, il pubblico potrà probabilmente vedere il costume di Scorpion di Mando in azione. Ci sono però ancora molti altri misteri da risolvere sul film, tra cui chi interpreterà Sadie Sink e come Punisher e Hulk saranno inseriti nella trama.

Quello che sappiamo su Spider-Man: Brand New Day

Ad oggi, una sinossi generica di Spider-Man: Brand New Day è emersa in rete, anche se non è chiaro quanto sia accurata.

Dopo gli eventi di Doomsday, Peter Parker è determinato a condurre una vita normale e a concentrarsi sul college, allontanandosi dalle sue responsabilità di Spider-Man. Tuttavia, la pace è di breve durata quando emerge una nuova minaccia mortale, che mette in pericolo i suoi amici e costringe Peter a riconsiderare la sua promessa. Con la posta in gioco più alta che mai, Peter torna a malincuore alla sua identità di Spider-Man e si ritrova a dover collaborare con un improbabile alleato per proteggere coloro che ama.

L’improbabile alleato potrebbe dunque essere il The Punisher di Jon Bernthal – recentemente annunciato come parte del film – in una situazione già vista in precedenti film Marvel dove gli eroi si vedono inizialmente come antagonisti l’uno dell’altro salvo poi allearsi contro la vera minaccia di turno.

Di certo c’è che il film condivide il titolo con un’epoca narrativa controversa, che ha visto la Marvel Comics dare all’arrampicamuri un nuovo inizio, ponendo però fine al suo matrimonio con Mary Jane Watson e rendendo di nuovo segreta la sua identità. In quel periodo ha dovuto affrontare molti nuovi sinistri nemici ed era circondato da un cast di supporto rinnovato, tra cui un resuscitato Harry Osborn.

Il film è stato recentemente posticipato di una settimana dal 24 luglio 2026 al 31 luglio 2026. Destin Daniel Cretton, regista di Shang-Chi e la Leggenda dei Dieci Anelli, dirigerà il film da una sceneggiatura di Chris McKenna ed Erik Sommers. Tom Holland guida un cast che include anche Zendaya, Jacob Batalon, Mark Ruffalo, Sadie Sink e Liza Colón-Zayas e Jon Bernthal. Michael Mando è stato confermato mentre per ora è solo un rumors il coinvolgimento di Charlie Cox.

Spider-Man: Brand New Day uscirà nelle sale il 31 luglio 2026.

Make-Up Artists and Hair Stylists Guild Awards 2026: I Peccatori, Frankenstein e Una Battaglia dopo l’Altra

Chiara Guida
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Make-Up Artists and Hair Stylists Guild Awards 2026: I Peccatori, Frankenstein e Una Battaglia dopo l’Altra

I Peccatori, Frankenstein e Una Battaglia dopo l’Altra si sono aggiudicati i premi più importanti nelle categorie Lungometraggi ai premi “Make-Up Artists and Hair Stylists Guild” (IATSE Local 706).

Una Battaglia dopo l’Altra si è aggiudicato due premi: miglior trucco contemporaneo (Heba Thorisdottir, Mandy Artusato) e miglior acconciatura contemporanea (Ahou Mofid, Gina Maria DeAngelis, Sacha Quarles).

I Peccatori ha vinto anche due premi, tra cui il miglior trucco d’epoca e/o per personaggi (Ken Diaz, Siân Richards, Ned Neidhardt, Allison LaCour, Lana Mora) e la migliore acconciatura d’epoca e/o per personaggi (Shunika Terry-Jennings, Elizabeth Robinson, Tene Wilder, Jove Edmond, Sherri B. Hamilton).

Tra i vincitori televisivi figurano The Studio, Palm Royale, Stranger Things: Stagione 5, Saturday Night Live, Dancing with the Stars e Skeleton Crew.

Tutti i vincitori dei Make-Up Artists and Hair Stylists Guild Awards 2026

FEATURE-LENGTH MOTION PICTURE:

Best Contemporary Make-Up – Una Battaglia dopo l’Altra (Warner Bros. Pictures/HBO Max) – Heba Thorisdottir, Mandy Artusato

Best Period and/or Character Make-Up – I Peccatori (Warner Bros. Pictures/HBO Max)- Ken Diaz, Siân Richards, Ned Neidhardt, Allison LaCour, Lana Mora

Best Special Make-Up Prosthetics – Frankenstein (Netflix) – Mike Hill, Megan Many

Best Contemporary Hair Styling – Una Battaglia dopo l’Altra (Warner Bros. Pictures/HBO Max) – Ahou Mofid, Gina Maria DeAngelis, Sacha Quarles

Best Period and/or Character Hair Styling – “Sinners” (Warner Bros. Pictures/HBO Max) – Shunika Terry-Jennings, Elizabeth Robinson, Tene Wilder, Jove Edmond, Sherri B. Hamilton

TELEVISION SERIES – LIMITED, MINISERIES OR MOVIE FOR TELEVISION

Best Contemporary Make-Up – “The Studio “(Apple TV +) – Jorjee Douglass, Gillian Whitlock, Robin Glaser, Cassie Lyons, James Freitas

Best Period and/or Character Make-Up – “Palm Royale” (Apple TV +)- Tricia Sawyer, Marissa Lafayette, Marie DelPrete, Rory Gaudio, Alyssa Goldberg

Best Special Make-Up Prosthetics- “Stranger Things”: Season 5 (Netflix)- Barrie Gower, Mike Mekash, Duncan Jarman

Best Contemporary Hair Styling- “The Studio” (Apple TV +) – Vanessa Price, Alexandra Ford, Lauren McKeever

Best Period and/or Character Hair Styling- “Palm Royale” (Apple TV +) – Karen Bartek, Brittany Madrigal, Tiffany Bloom, Anna Quinn, Jill Crosby

TELEVISION SPECIAL, ONE HOUR OR MORE LIVE PROGRAM SERIES:

Best Contemporary Make-Up – “Saturday Night Live “(NBC) Louie Zakarian, Amy Tagliamonti, Jason Milani, Young Bek, Madison Bermudez

Best Period and/or Character Make-Up and/or Prosthetics- “Saturday Night Live” (NBC) – Louie Zakarian, Jason Milani, Amy Tagliamonti, Joanna Pisani, Kim Weber

Best Contemporary Hair Styling- “Dancing with the Stars” (ABC, Disney+) – Marion Rogers, Brittany Spaulding, Amber Nicholle Maher, Florence Witherspoon, Regina Rodriguez

Best Period and/or Character Hair Styling – “Saturday Night Live 50th Anniversary Special” (NBC) – Jodi Mancuso, Cara Hannah, Amanda Duffy Evans, Gina Ferrucci, Brittany Hartman

CHILDREN AND TEEN TELEVISION:

Best Make-Up- “Skeleton Crew” (Disney+) – Samantha Ward, Sonia Cabrera, Cristina Waltz, Alexei Dmitriew, Adina Sullivan

Best Hair Styling – “Skeleton Crew” (Disney+) – Lane Friedman, Nanxy Tong-Heater, Richard DeAlba, Roxane Griffin

COMMERCIALS & MUSIC VIDEOS:

Best Make-Up – Lady Gaga – “Abracadabra” (YouTube)- Sarah Tanno, Phuong Tran

Best Hair Styling – Walmart “WhoKnewVille” Holiday Campaign (all platforms) – Dean Banowetz, Amber Nicholle Maher, Johnny Lomeli, Maria Sandoval, Myo Lai

THEATRICAL PRODUCTIONS (Live Stage):

California Regional Live Theater Production: Make-Up and Hair Styling – “The Monkey King” (San Francisco Opera) – Jeanna Parham, Christina Martin, Erin Hennessy, Maur Sela

Broadway and International Live Theater Production: Make-Up and Hair Styling – “Frankenstein “(Segerstrom Center for the Arts) – Lisa Ruth Zomer, Thomas Richards-Keyes, Timothy Santry

L’accordo tra Netflix e Warner Bros. in difficoltà mentre l’offerta ostile di Paramount entra in una nuova fase

Gianmaria Cataldo
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L’accordo tra Netflix e Warner Bros. in difficoltà mentre l’offerta ostile di Paramount entra in una nuova fase

L’accordo originale tra Warner Bros. e Netflix è ora in pericolo a seguito di un nuovo sviluppo. Con una sorprendente svolta degli eventi, Warner Bros. sta infatti ora valutando la possibilità di riprendere le trattative di vendita con Paramount. Questa notizia arriva dopo l’ultima offerta avanzata dalla società per l’acquisizione dello studio.

I dirigenti della Warner Bros. starebbero infatti discutendo se ritirare l’accordo con Netflix a favore della nuova offerta di Paramount. Se lo studio decidesse di negoziare con Paramount, potrebbe ufficialmente riaprire la guerra delle offerte con Netflix. Tuttavia, al momento della pubblicazione di questo articolo, Warner Bros. sta ancora semplicemente valutando la situazione.

Paramount ha rivisto la sua proposta e ha coperto diversi elementi che inizialmente avevano destato perplessità in Warner Bros. Discovery. Lo studio ha ora dichiarato che si farebbe carico della penale di 2,8 miliardi di dollari se l’accordo venisse accettato. Ha inoltre dichiarato che interverrà per sostenere il rifinanziamento del debito di Warner Bros. Inoltre, Paramount ha promesso di pagare gli azionisti se la transazione non sarà completata entro il 31 dicembre 2026.

Warner Bros. continua ad avere riserve sulla proposta di Paramount. Tuttavia, questa sembra essere la prima volta che la dirigenza ha riconsiderato la propria decisione di vendere a Netflix. I membri del consiglio di amministrazione potrebbero ritenere che l’offerta della società sia più vantaggiosa dell’attuale accordo con Netflix, oppure potrebbero convincere lo streamer a modificare la propria offerta.

Warner Bros. ha ancora intenzione di sottoporre l’accordo con Netflix (27,75 dollari per azione) al voto degli azionisti. Paramount, d’altra parte, ha cercato incessantemente di conquistare gli investitori di Warner Bros. con un’offerta pubblica di acquisto di 30 dollari per azione. Se Warner Bros. decidesse di riaprire le trattative con Paramount, dovrebbe prima avvisare Netflix. Lo streamer avrebbe anche la possibilità di eguagliare o aumentare la propria offerta se volesse continuare l’asta.

Paramount, come noto, ha dato il via alla guerra delle offerte lo scorso anno con una proposta non richiesta, aumentando costantemente il prezzo prima che Warner Bros. accettasse l’accordo di Netflix. La società ritiene che la sua offerta sia migliore di qualsiasi altra offerta della sua avversaria e Paramount non si arrenderà senza combattere.

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Film Independent Spirit Awards 2026: Train Dreams, Sorry, Baby e Rose Byrne portano a casa le vittorie più importanti

Chiara Guida
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Film Independent Spirit Awards 2026: Train Dreams, Sorry, Baby e Rose Byrne portano a casa le vittorie più importanti

La 41a edizione dei Film Independent Spirit Awards si è tenuta domenica pomeriggio all’Hollywood Palladium, dove l’organizzazione ha premiato i migliori film e serie TV indipendenti dell’anno.

I favoriti Train Dreams e Sorry, Baby hanno vinto numerosi premi, e il primo si è aggiudicato il premio per Miglior Film, Regia e Fotografia, mentre il secondo ha ricevuto il premio per Miglior Sceneggiatura e Miglior Interpretazione Non Protagonista. Anche Lurker di Alex Russell ha vinto due volte, come Miglior Opera Prima e Miglior Sceneggiatura Prima. Tuttavia, il progetto più vincente della serata è stata la serie TV di Netflix Adolescence, che si è aggiudicata quattro statuette.

Tra gli altri vincitori degli Spirits che sperano di ripetere la vittoria agli Oscar ci sono Rose Byrne, che ha vinto il premio per Miglior Performance per Se solo potessi ti prenderei a calci (titolo italiano di If I Had Legs I’d Kick You); Adolpho Veloso, che ha vinto il premio per Miglior Fotografia per Train Dreams; The Perfect Neighbor, che ha vinto il premio come Miglior Documentario, e L’agente segreto (Brasile), che si è aggiudicato il premio come Miglior Film Internazionale.

Guardando ai vincitori dell’anno scorso, Anora ha vinto tre Spirit Awards (Miglior Film, Miglior Regista per Sean Baker e Miglior Attrice per Mikey Madison) e ha poi replicato la vittoria in quelle stesse categorie agli Oscar. Quest’anno sembra più difficile che ciò avvenga, dati i contendenti, ma Train Dreams sarà sicuramente un candidato valido da guardare durante la serata più importante del cinema, il 15 marzo.

Independent Spirit AwardsEcco tutti i vincitori degli Independent Spirit Awards 2026

Film

MIGLIORE SCENEGGIATURA
Eva Victor, Sorry, Baby

MIGLIORE DOCUMENTARIO
The Perfect Neighbor
Director: Geeta Gandbhir
Producers: Gandbhir, Sam Bisbee, Nikon Kwantu, Alisa Payne

MIGLIORE FILM INTERNAZIONALE
The Secret Agent (Brazil)
Director/Writer: Kleber Mendonça Filho

MIGLIORE SCENEGGIATURA D’ESORDIO
Alex Russell, Lurker

MIGLIORE PERFORMANCE NON PROTAGONISTA
Naomi Ackie, Sorry, Baby

JOHN CASSAVETES AWARD
Esta Isla (This Island)
Directors/Writers/Producers: Cristian Carretero, Lorraine Jones Molina
Writer: Kisha Tikina Burgos

MIGLIOR MONTAGGIO
Sofía Subercaseaux, The Testament of Ann Lee

MIGLIORE FOTOGRAFIA 
Adolpho Veloso, Train Dreams

MIGLIORE PERFORMANCE D’ESORDIO
Kayo Martin, The Plague

MIGLIOR PRIMO FILM
Lurker
Director: Alex Russell
Producers: Galen Core, Archie Madekwe, Marc Marrie, Charlie McDowell, Francesco Melzi D’Eril, Duncan Montgomery, Alex Orlovsky, Olmo Schnabel, Jack Selby

MIGLIORE REGIA 
Clint Bentley, Train Dreams

MIGLIORE PERFORMANCE 
Rose Byrne, Se solo potessi ti prenderei a calci

MIGLIOR FILM
Train Dreams
Producers: Michael Heimler, Will Janowitz, Marissa McMahon, Ashley Schlaifer, Teddy Schwarzman

ROBERT ALTMAN AWARD
The Long Walk
Director: Francis Lawrence
Casting Director: Rich Delia
Ensemble cast: Judy Greer, Mark Hamill, Cooper Hoffman, David Jonsson, Tut Nyuot, Joshua Odjick, Charlie Plummer, Ben Wang, Garrett Wareing

SOMEONE TO WATCH AWARD
Tatti Ribeiro, director of Valentina

PIU’ VERO DELLA FINZIONE AWARD
Rajee Samarasinghe, director of Your Touch Makes Others Invisible

PRODUCERS AWARD
Tony Yang

Televisione

Erin Doherty, Adolescence

MIGLIORE PERFORMANCE D’ESORDIO IN UNA NUOVA SERIE
Owen Cooper, Adolescence

MIGLIORE NUOVA SERIE
Adolescence
Creators/Executive Producers: Jack Thorne, Stephen Graham
Executive Producers: Philip Barantini, Brad Pitt, Dede Gardner, Jeremy Kleiner, Nina Wolarsky, Hannah Walters, Mark Herbert, Emily Feller
Co-Executive Producers: Carina Sposato, Niall Shamma, Peter Balm

MIGLIORE UNA NUOVA SERIE NON-SCRIPTED O DOCUMENTARY
Pee-wee as Himself
Executive Producers: Matt Wolf, Emma Tillinger Koskoff, Ronald Bronstein, Eli Bush, Benny Safdie, Josh Safdie, Paul Reubens, Candace Tomarken, Kyle Martin, Nancy Abraham, Lisa Heller, Sara Rodriguez

MIGLIORE PERFORMANCE
Stephen Graham, Adolescence

MIGLIOR CAST IN UNA NUOVA SERIE
Chief of War
Ensemble Cast: Charlie Brumbly, Luciane Buchanan, Cliff Curtis, Brandon Finn, Moses Goods, Te Ao o Hinepehinga, Benjamin Hoetjes, Siua Ikale’o, Keala Kahuanui-Paleka, Mainei Kinimaka, Kaina Makua, Jason Momoa, Temuera Morrison, Te Kohe Tuhaka, James Udom

Bambini di piombo di Netflix è basato su una storia vera?

Redazione
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Bambini di piombo di Netflix è basato su una storia vera?

La nuova miniserie polacca di Netflix Bambini di piombo (Lead Children) ha già acceso il dibattito tra gli spettatori, colpiti dalla crudezza del racconto e dall’impatto emotivo della storia. Ma la domanda è inevitabile: si tratta di finzione o di fatti realmente accaduti?

La risposta è sì. Bambini di piombo (Lead Children) è ispirata a una storia vera.

La serie racconta il caso esploso negli anni ’70 a Szopienice, in Slesia (oggi Śląsk), dove decine di bambini svilupparono gravi problemi di salute a causa dell’esposizione al piombo proveniente da una fonderia locale. Disturbi neurologici, anemia severa, ritardi nella crescita e danni permanenti non erano coincidenze: erano il risultato diretto dell’inquinamento industriale.

Al centro della vicenda c’è la pediatra Jolanta Wadowska-Król.

La vera storia di Jolanta Wadowska-Król

Bambini di piombo storia vera
© Netflix

La serie è ispirata alla vita reale della dottoressa Jolanta Wadowska-Król e al libro omonimo scritto da Michał Jędryka. Negli anni Settanta, la dottoressa fu tra le prime a collegare i sintomi dei bambini di Targowisko all’avvelenamento da piombo causato dalla fonderia.

In un contesto politico dominato dal regime comunista polacco, denunciare pubblicamente un disastro ambientale significava scontrarsi con lo Stato. L’industria pesante era considerata simbolo di progresso e orgoglio nazionale, e ammettere un errore avrebbe avuto conseguenze politiche enormi.

Nonostante le pressioni e i tentativi di insabbiamento, Jolanta non si fermò. Lavorò per far diagnosticare e curare i bambini colpiti, riuscendo nel tempo a ottenere il trasferimento delle famiglie in aree più sicure e la demolizione delle abitazioni più esposte.

Quanto è fedele la serie ai fatti?

Bambini di piombo Netflix
© Netflix

Come ogni adattamento televisivo, Bambini di piombo drammatizza alcuni passaggi per esigenze narrative. Tuttavia, il cuore della storia — l’avvelenamento da piombo, la resistenza della dottoressa e lo scontro con il sistema — è radicato in eventi documentati.

L’interpretazione di Joanna Kulig restituisce il ritratto di una donna determinata e isolata, che si trova a combattere contro un apparato burocratico ostile. Come ha dichiarato l’attrice, la storia pone una domanda diretta allo spettatore: avremmo avuto lo stesso coraggio?

Il caso di Szopienice è oggi riconosciuto come uno dei più gravi scandali ambientali della Polonia del dopoguerra. Per anni, però, è rimasto quasi sconosciuto al grande pubblico.

Bambini di piombo (Lead Children) riporta alla luce quella pagina di storia, ricordando che la lotta contro l’inquinamento industriale e la negazione istituzionale non è un tema del passato, ma una questione ancora attuale.

Bambini di piombo, spiegazione del finale: Jolanta ha salvato il popolo di Targowisko?

Redazione
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Bambini di piombo, spiegazione del finale: Jolanta ha salvato il popolo di Targowisko?

Il finale di Bambini di piombo (Lead Children) chiude una storia di resistenza civile che parte da un dato medico – l’anemia inspiegabile nei bambini di Targowisko – e arriva a uno scontro politico aperto contro lo Stato e l’industria. Ambientata nella Szopienice del 1974, la serie racconta la battaglia di Jolanta, pediatra trasferitasi nel quartiere con la famiglia, che scopre come la fabbrica di smelting stia avvelenando intere generazioni con il piombo.

Dopo aver ottenuto un primo trasferimento dei bambini nei sanatori, le autorità li riportano nel quartiere tossico. È qui che il conflitto diventa definitivo: Jolanta decide di organizzare le madri di Targowisko per chiedere case lontane dalla fabbrica. Ma il potere reagisce.

La strategia della divisione e il momento della svolta

L’ufficiale SB Niedziela sceglie la classica tattica del “divide et impera”: promettere appartamenti solo ad alcune famiglie per spaccare il fronte della protesta. Vengono diffuse voci su presunti privilegi concessi a Jolanta per screditarla. Gli uomini della fabbrica inizialmente ci cascano. Le donne no.

Quando la milizia interviene con i lacrimogeni, la situazione esplode: i lavoratori si schierano finalmente con le madri e costringono il politico Grudzien a cedere. Gli appartamenti vengono concessi. Formalmente, la protesta vince.

Nel frattempo Jolanta viene portata in ospedale per partorire. Per un attimo si teme il peggio, in un richiamo diretto alle morti viste all’inizio della serie. Il bambino però nasce sano. È una metafora evidente: dopo mesi di veleno e lutti, qualcosa di vivo sopravvive. La protesta, come quella nascita, è frutto di un travaglio lungo e doloroso. Sì, Jolanta salva Targowisko. Ma non nel modo in cui si immaginerebbe.

Una vittoria senza riconoscimento

La parte più amara del finale riguarda il dopo. Jolanta presenta una tesi accademica basata sul caso Targowisko, sperando di creare un precedente contro l’inquinamento industriale. La commissione la respinge. Anche chi aveva sostenuto il suo lavoro sceglie il compromesso.

Il merito ufficiale della ricollocazione viene attribuito a Grudzien, mentre Jolanta viene semplicemente trasferita. È una sconfitta simbolica: chi agisce per coscienza non viene celebrato, ma marginalizzato.

Solo molti anni dopo, nel 2021, le viene riconosciuto un dottorato honoris causa. Troppo tardi per cambiare il passato, ma abbastanza per fissarne l’eredità. Il finale non è trionfale. È realistico. Il sistema concede qualcosa per evitare di crollare, ma non ammette mai davvero la propria colpa.

Il vero messaggio di Bambini di piombo

La serie non si limita a raccontare un caso storico. Mette lo spettatore davanti a una domanda scomoda: quanto bisogna perdere prima di reagire? Le madri di Targowisko agiscono solo quando la morte diventa innegabile. Prima, molte di loro avevano isolato Jolanta.

Il punto non è giudicare, ma evidenziare il meccanismo. L’abitudine all’ingiustizia paralizza. Il potere conta su questo. Jolanta non viene ricordata per aver “vinto”, ma per aver insistito quando tutti la chiamavano pazza. La sua vita diventa una lezione: il cambiamento non nasce dal consenso, ma dall’ostinazione.

Bambini di piombo chiude così: non con un’eroina celebrata, ma con una donna che ha fatto la cosa giusta anche quando nessuno voleva ascoltarla.

Grand Budapest Hotel, spiegazione del finale: un’incantevole rovina antica

Redazione
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Grand Budapest Hotel, spiegazione del finale: un’incantevole rovina antica

Wes Anderson non ha mai nascosto la propria ossessione per il tempo che passa, ma Grand Budapest Hotel è il film in cui questa riflessione diventa struttura, estetica e destino. Sotto la superficie pastello, tra miniature e simmetrie perfette, si nasconde una meditazione malinconica sulla memoria, sulla civiltà e sulla fragilità di ciò che crediamo eterno.

Il finale, apparentemente semplice, è in realtà il punto in cui tutte le linee temporali si chiudono: non è solo la storia di un hotel, ma la storia di come le storie sopravvivono alla distruzione.

Una storia dentro una storia dentro una storia

Grand Budapest Hotel

Il film si apre nel presente, con una ragazza che legge il libro dell’“Autore” davanti alla sua tomba. Da lì si passa al 1985, con l’Autore adulto (Tom Wilkinson) che racconta come abbia conosciuto il proprietario del Grand Budapest. Poi il salto al 1968, dove lo scrittore giovane (Jude Law) incontra l’anziano Zero Moustafa (F. Murray Abraham). E infine il cuore del racconto: il 1932, con il giovane Zero (Tony Revolori) e il leggendario concierge Monsieur Gustave H. (Ralph Fiennes).

Perché così tanti livelli?

Anderson non vuole solo mostrarci cosa è successo. Vuole mostrarci come la memoria si trasmette. Ogni cornice narrativa è una generazione che consegna la storia alla successiva. Il Grand Budapest viene distrutto, ma il racconto no. Il film suggerisce che l’unica forma di eternità possibile è narrativa.

Non è un caso che il Paese sia fittizio — Zubrowka — ma ispirato all’Europa centrale tra le due guerre e alle opere di Stefan Zweig. È un mondo che non esiste più, e forse non è mai esistito davvero, se non nella memoria.

Il declino dell’hotel è il declino della civiltà

Confronta il 1932 con il 1968. Nel passato l’hotel è rosa, luminoso, elegante. Nel presente è arancione spento, quasi grigio. Anderson usa colori e aspect ratio diversi per segnare la perdita di innocenza. Ma il declino non è solo architettonico.

Monsieur Gustave rappresenta un codice morale: educazione, rituale, forma come espressione di dignità. Non è solo un concierge, è l’ultimo custode di un mondo civile. La Society of Crossed Keys è la caricatura affettuosa di un’élite che crede nel valore delle buone maniere. Il problema? Quel mondo era già in rovina.

Zero lo dice chiaramente: il mondo di Gustave “era svanito molto prima che lui vi entrasse”. Il film rifiuta la nostalgia facile. Non rimpiange un passato idilliaco. Mostra che anche nel 1932 il fascismo sta crescendo. La “Zig-Zag Division” è un’evidente allusione al nazismo. Il romanticismo convive con la barbarie. E alla fine la barbarie vince.

La morte di Gustave e il vero senso dell’eredità

Jason Schwartzman Grand Budapest Hotel

Il momento decisivo arriva quando Gustave viene ucciso dai soldati del regime mentre difende Zero, insultato perché immigrato. È una scena rapidissima, quasi anticlimatica.

Eppure lì si concentra tutto il senso del film.

Gustave muore per un gesto di civiltà: difendere qualcuno più vulnerabile. Non per il quadro, non per l’eredità, non per l’orgoglio. Per principio. È in quel momento che Zero eredita davvero qualcosa: non solo l’hotel, ma un codice morale.

Zero diventa ricco, sì. Ma nel 1968 vive in un edificio ormai vuoto, tenendo in vita un hotel che non ha più ragione economica di esistere. Perché lo fa?

Per Agatha (Saoirse Ronan). Per l’amore. Per il ricordo.

L’hotel è l’ultimo legame con la felicità perduta. Non è un investimento, è un mausoleo emotivo.

“An Enchanting Old Ruin”: cosa significa davvero il finale

Grand Budapest Hotel

La battuta finale dell’Autore — “It really was an enchanting old ruin” — è la chiave di tutto. Il Grand Budapest non è grande perché perfetto. È grande perché sopravvive nella memoria. È una rovina incantata: qualcosa di distrutto che continua a vivere nell’immaginazione.

Anderson suggerisce che la civiltà può crollare, i regimi possono distruggere, gli edifici possono essere abbattuti. Ma finché qualcuno racconta la storia, qualcosa resta. Il film non è solo malinconico. È anche una riflessione politica: il fascismo promette un ritorno a un passato idealizzato, ma in realtà cancella tutto ciò che rende quel passato degno di essere ricordato — gentilezza, complessità, umanità. Il vero antidoto alla barbarie non è la nostalgia. È la decenza.

Robert Downey Jr. svela nuove immagini di Doctor Doom in vista di Avengers: Doomsday

Redazione
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Robert Downey Jr. svela nuove immagini di Doctor Doom in vista di Avengers: Doomsday

Robert Downey Jr. ha scelto il momento perfetto per riaccendere l’hype attorno ad Avengers: Doomsday: San Valentino. L’attore, che tornerà nel Marvel Cinematic Universe nei panni del villain Doctor Doom dopo aver interpretato per anni Tony Stark/Iron Man, ha condiviso sui social nuove immagini ironiche dedicate al personaggio.

Nonostante Marvel abbia già diffuso diversi teaser del film, l’aspetto di Doctor Doom resta ancora in gran parte avvolto nel mistero. L’unico accenno visivo finora era arrivato nella scena post-credit di The Fantastic Four: First Steps, senza però mostrare il volto del personaggio.

“Happy Doomsday”: il marketing social di Downey

Nel post pubblicato su Instagram, Downey ha mostrato una serie di immagini a tema romantico rivisitate in chiave Doom. In una, una scatola di cioccolatini riproduce la maschera del villain, con la scritta “Valentine’s” barrata e sostituita da “Happy Doomsday!”. In un’altra, Doom tiene in mano un mazzo di fiori, alcuni dei quali modellati sulla sua iconica armatura.

Non manca un riferimento al passato dell’attore: in un’immagine compare un chiaro richiamo a Iron Man, alimentando ulteriormente le teorie dei fan su un possibile legame narrativo tra Tony Stark e il nuovo antagonista della Multiverse Saga.

L’ultimo scatto mostra Doom con un tatuaggio a forma di cuore con scritto “Suzie”, evidente riferimento a Sue Storm (Vanessa Kirby), che sarà tra i protagonisti del film insieme al resto dei Fantastici Quattro.

Iron Man e Doctor Doom: c’è un legame?

Downey non è nuovo a questo tipo di teasing. Durante il Super Bowl aveva già pubblicato una foto con una maglia verde “Doomsday”, mentre a Natale aveva condiviso un artwork con le maschere di Iron Man e Doom affiancate. Un gioco social che sta contribuendo ad alimentare speculazioni su un possibile collegamento tra le due identità.

Nel cast di Avengers: Doomsday torneranno anche volti storici del MCU come Chris Hemsworth, Tom Hiddleston, Anthony Mackie e Florence Pugh, insieme ai membri dei Fantastici Quattro.

Se dietro la scelta di Downey di interpretare sia Iron Man sia Doctor Doom ci sia un twist multiversale ancora da rivelare, è qualcosa che Marvel terrà probabilmente nascosto fino all’uscita del film. Nel frattempo, l’attore continua a giocare con l’immaginario dei fan nel modo più efficace possibile: creando attesa.

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