La
Mummia sta risorgendo dalla sua tomba. Il
venerabile franchise horror sta per tornare sotto il controllo di
Lee Cronin di Evil
Dead Rise, che scriverà e dirigerà il film per
New Line Cinema e
Blumhouse. Insieme all’annuncio, il film uscirà il 17 aprile
2026.
Il film era stato precedentemente
annunciato come un progetto horror di Lee Cronin senza nome, ma la
Blumhouse ha annunciato la sua vera natura sul suo
account ufficiale di Twitter con un’immagine animata della prima
pagina della sceneggiatura con il titolo rivelato, accompagnato da
un canto inquietante che ricorda le colonne sonore dei precedenti
film della Mummia.
Sarà il terzo dei classici della
Universal Classic Monsters a essere riportato in vita dalla
Blumhouse, con L’uomo invisibile di
Leigh Whannell che ha debuttato con successo di
critica e commerciale nel 2020, e il suo seguito, Wolf
Man, che sarà proiettato il mese prossimo.
Non sono ancora stati rivelati altri dettagli sul film, ma Cronin
ha promesso: “Questo sarà diverso da qualsiasi altro film sulla
Mummia che abbiate mai visto prima. Sto scavando nelle
profondità della terra per tirare fuori qualcosa di molto antico e
molto spaventoso”.
Di cosa parla il franchise de
La mummia?
Le mummie, i morti conservati e
avvolti nel lino dell’Antico Egitto, sono state un punto fermo
della narrativa horror fin da quando il racconto “Lot No.
249” di Arthur Conan Doyle terrorizzò i
lettori vittoriani nel 1892. La prima volta sul grande schermo è
stata nel 1932, quando la Universal ha lanciato “La
mummia”, con la leggenda dell’horror Boris
Karloff nei panni di Imhotep, un nobile egiziano
resuscitato alla ricerca del suo amore reincarnato nei giorni
nostri. Il film fu un successo per lo studio e generò una serie di
sequel. Il concetto di mummia vivente, come molti altri classici
dell’orrore della Universal, è stato rivisitato dagli
specialisti britannici dell’orrore Hammer, che hanno
realizzato la loro versione de La mummia nel 1958 con
Peter Cushing e Christopher
Lee.
La Universal stessa ha rivisitato
La mummia nel 1999, trasformandola in un’avventura
horror soprannaturale, con Brendan Fraser e
Rachel Weisz nei panni di una coppia di
esploratori contrapposti al resuscitato Imhotep (Arnold
Vosloo); il film ha avuto un enorme successo e ha avuto
due sequel. Meno successo ha avuto La
mummia del 2017, un tentativo di lanciare il Dark
Universe (un universo cinematografico in stile MCU), con Tom
Cruise nei panni di un mercenario che attira l’attenzione
indesiderata della non-morta Ahmanet (Sofia
Boutella). Il film è stato una delusione finanziaria e di
critica e il franchise è tornato nel suo sarcofago… fino ad
oggi.
La mummia sarà prodotto da
James Wan, Jason
Blum e John Keville. Il film sarà
prodotto da Michael Clear, Judson
Scott e Macdara Kelleher. Alayna
Glasthal supervisionerà il progetto per Atomic Monster. Il
film è una produzione di New Line, Atomic Monster e Doppelgängers.
La mummia arriverà nelle sale il 17 aprile
2026.
Quando si tratta di film per
famiglie, il servizio di streaming Disney+ è assolutamente
all’altezza. Questo è particolarmente utile durante le feste,
quando si cercano i migliori film di Natale da guardare con la
famiglia, gli amici o i compagni pelosi. La selezione di film per
le feste su Disney+ è ricca di classici
che non invecchiano mai, ma anche di film meno famosi ma non per
questo meno divertenti. Abbiamo quindi esaminato la libreria di
Disney+ per individuare il
meglio del meglio.
Qui di seguito, trovate la nostra
lista dei migliori film di Natale presenti su Disney Plus in questo
momento. Per ulteriori consigli, consultate i nostri elenchi dei
migliori film su Disney+, dei migliori programmi TV su Disney+ e dei migliori film di
Natale su Netflix.
I Terribili Nove
(2023)
I fan di
film di rapina come Ocean’s Eleven e The Italian Job che
desiderano avvicinare i propri figli a questo genere di film con
una posta in gioco in cui possano immedesimarsi, ameranno The
Naughty Nine. Questo film natalizio ci porta al Polo Nord per fare
il colpo più grosso che si possa immaginare: Winslow Fegley (Fast
Layne) guida un gruppo di bambini della lista dei cattivi di Babbo
Natale fino al laboratorio innevato per rubare ciò che gli è
dovuto. Come ci si può aspettare dalla gestione di un lavoro in un
dominio magico, le cose diventano molto selvagge molto velocemente,
e questo film mantiene le premesse in modo spettacolare. Inoltre,
dobbiamo dare un ulteriore riconoscimento a Danny Glover (Press
Play), che si aggiunge alla lista dei migliori Babbi Natale dei
media.
Scivolando sulla Neve (Dashing
Through the Snow)
In qualche modo, la storia di un
burbero che ha bisogno di ricordare lo spirito del Natale
attraverso la magia di Babbo Natale non invecchia mai. Questa è la
premessa dell’ultimo film natalizio di Disney+, Dashing Through The Snow, in
cui Eddie Garrick (Ludacris) porta sua figlia in un’inaspettata e
magica avventura in cui incontrano Babbo Natale (Lil Rey Howrey).
Sebbene all’inizio Eddie creda che Babbo Natale sia un malato di
mente che sostiene di essere il signor Claus, ben presto viene
coinvolto in un’avventura che lo porta a credere in Babbo Natale e
nel Natale.
Il film è stato trasmesso in
anteprima su Disney+ ed è stato diretto da
Tim Story (Think Like a
Man) e scritto da Scott Rosenberg.
Rosenberg ha scritto alcuni film molto popolari, come
Jumanji: The Next Level, Con
Air e Fuori in 60 secondi. Mentre le
recensioni di Dashing Through the Snow sono state tiepide
tra i critici, gli spettatori hanno avuto un’opinione molto più
alta, affermando che si tratta di un ottimo film da guardare in
famiglia durante le vacanze.
Santa Clause (The Santa Clause,
1994)
Naturalmente The Santa
Clause non poteva mancare in questo elenco. Questa
commedia per famiglie del 1994 è un caposaldo delle festività
natalizie, ma si lascia guardare tutto l’anno. Il film vede
protagonista Tim Allen nei panni di un padre
single che spaventa Babbo Natale sul suo tetto, uccidendolo (nel
più delicato dei modi) e indossando poi inavvertitamente il vestito
per diventare il nuovo Babbo Natale. Per quanto cerchi di
resistere, il suo corpo inizia a trasformarsi in Jolly Old Saint
Nick mentre gli elfi del Polo Nord cercano di preparare il nuovo
Babbo Natale per il suo primo Natale. Durante il percorso, si
avvicina al figlio e si libera di quell’egoismo che lo ha reso un
padre un po’ schifoso. Nel complesso, si tratta di una storia
piuttosto commovente, con uno spirito natalizio davvero
eccezionale. C’è un motivo se è un classico delle feste.
Lo schiaccianoci e i quattro regni
(2018)
Ispirato all’elegante balletto,
Lo schiaccianoci e i quattro regni
racconta con grazia la storia di una giovane ragazza in lutto per
la perdita della madre durante il periodo natalizio. Lo
Schiaccianoci e i Quattro Regni si muove con delicatezza tra
scenari stravaganti, narrazioni fantastiche e agili numeri di danza
classica. Oltre all’esordiente Mackenzie Foy nel
ruolo di Clara, Lo Schiaccianoci e i Quattro Regni
annovera star di grande talento come Helen
Mirren e Morgan Freeman, oltre a
Keira Knightley nel ruolo dell’iconica
Fata Confetto, con l’innegabile interpretazione dell’impareggiabile
Misty Copeland nel ruolo della Principessa
Ballerina. Lo Schiaccianoci e i Quattro Regni è una
splendida festa per gli occhi, con musiche indimenticabili che
illuminano la stagione.
Guardiani della Galassia: Holiday
Special
Se siete alla ricerca di qualcosa
di breve e dolce, non cercate oltre il Guardiani della Galassia: Holiday
Special. Con Star-Lord (Chris
Pratt), Groot (Vin Diesel),
Rocket (Bradley Cooper) e altri ancora, la
storia vede il gruppo alla ricerca dell’unico e solo
Kevin Bacon, esplorando molti luoghi di
Hollywood per portare a termine il compito. Completo di sciocchezze
e momenti commoventi, è un film divertente e festoso per tutta la
famiglia.
The Santa Clause 2
(2002)
L’intera trilogia di
Babbo Natale è disponibile su Disney+ e, mentre Babbo
Natale 3 è quasi inguardabile, il primo sequel non è
poi così male. Il film vede lo Scott Calvin di Tim
Allenadattarsi comodamente al suo ruolo di Babbo Natale,
solo per essere messo di fronte a una regola: deve trovare la sua
signora Claus o non sarà più Babbo Natale. Sebbene questa trama
possa sembrare un po’… scomoda, il film è in realtà una
storia d’amore piuttosto dolce, in quanto Scott si innamora della
preside della scuola di suo figlio, interpretata da
Elizabeth Mitchell. Inoltre, il film dipinge
Charlie come un ragazzo problematico, che lotta per venire a patti
con la realtà di avere un padre come Babbo Natale. Non ha la magia
e nemmeno la qualità delle battute del primo film, ma se vi piace
immedesimarvi in questi film, The Santa Clause 2 non è un
modo terribile di passare un’ora e mezza.
Uno dei migliori film di Natale mai
realizzati e la pura realizzazione dei desideri dei bambini che
sognano di avere la casa tutta per loro. Macaulay
Culkin è perfetto nel ruolo di Kevin McAllister, un
ragazzino che viene accidentalmente lasciato a casa da solo quando
la sua famiglia parte per la Florida durante le vacanze.
Inizialmente entusiasta dell’idea di mangiare tutto il gelato che
vuole, Kevin si sente presto solo e spaventato quando due ladri,
interpretati magnificamente da Joe Pesci e
Daniel Stern, progettano di svaligiare la casa. Il
film è costruito con grande maestria dal regista Chris
Columbus (che avrebbe poi diretto i primi due film di
Harry Potter ) e il finale è una commedia fisica d’oro. Ma ciò
che rende speciale Mamma ho perso l’aereo è il modo in cui lo
scrittore John Hughes arriva al cuore del Natale e
non giudica mai un libro dalla copertina.
Mamma, ho riperso
l’aereo: mi sono smarrito a New York (1992)
Ok, sì, Mamma, ho riperso
l’aereo: mi sono smarrito a New York è essenzialmente
un remake di Mamma ho perso l’aereo, ma
funziona benissimo. John Hughes e Chris
Columbus tornano a far vivere a Kevin McAllister un’altra
avventura in solitaria, questa volta nella geografia di New York.
Se “Home Alone” era riuscito a realizzare il desiderio di
essere a casa da solo, “Home Alone 2” riesce a soddisfare
il desiderio di ogni bambino di esplorare da solo una grande ed
eccitante città. Non è così “buono” come il primo film, ma è
comunque una delizia con un centro emotivo, e il finale pieno di
acrobazie non delude. Davvero, le acrobazie di questi film di
Mamma ho perso l’aereo sono tra le
migliori mai realizzate su pellicola.
The Nightmare Before Christmas
(1993)
Non è autunno/inverno senza
The Nightmare Before Christmas di
Tim Burton, che tecnicamente è un film Disney (è
stato originariamente distribuito dalla Touchstone Pictures). Il
film perfetto per passare dallo spirito di Halloween al trambusto
della stagione natalizia, il macabro e delizioso film d’animazione
in stop-motion del 1993 del regista Henry Selick è
ancora oggi un classico. Spaventoso ma non spaventoso, lunatico ma
non cupo. Il tono è perfetto e le canzoni sono assolutamente
coinvolgenti: Nightmare Before Christmas racconta la
storia di un estraneo che cerca un posto a cui appartenere, ma lo
fa nel modo sbagliato. E se Jack Skellington può essere la star del
film, Sally ne è il cuore pulsante.
Festa in casa Muppet (The Muppet
Christmas Carol)
Probabilmente il miglior
adattamento del classico racconto di Charles
Dickens“Canto di Natale” viene
offerto dai Muppet. The Muppet Christmas
Carol è un film ispirato ed estremamente natalizio.
Uscito nel 1992, il film vede Michael Caine nel
ruolo di Ebenezer Scrooge, mentre Kermit è Bob Cratchit, Gonzo è il
narratore e una serie di altri volti familiari dei Muppet ricoprono
i ruoli della storia di Dickens. Le canzoni sono davvero deliziose
e la scenografia è davvero straordinaria, in quanto dà vita a
questo piccolo villaggio natalizio in forma vibrante e vivida.
Nonostante l’atteggiamento scontroso di Scrooge, questo film è come
un caldo abbraccio.
Uno dei pochi film della 20th
Century Fox inclusi in Disney+, il film del 1947
Miracolo sulla 34ª strada è un classico
del Natale per un motivo preciso. Il film, vincitore di un Oscar,
si svolge tra il Giorno del Ringraziamento e Natale e segue un
Babbo Natale dei grandi magazzini che sostiene di essere quello
vero. Questo pone un problema alla direttrice dei grandi magazzini
Doris Walker (Maureen O’Hara), che ha educato sua
figlia a non credere alle favole. Ma le prove e le tribolazioni
(sì, c’è un vero e proprio processo in questo film) che ne derivano
potrebbero far diventare Doris una credente, dopo tutto.
Topolino e la magia del Natale
(Mickey’s Once Upon a Christmas)
C’era una volta il
Natale occupa un posto speciale nel cuore dei bambini
degli anni ’90 che lo hanno visto, anche se non ha mai ricevuto la
fama del più famoso film d’animazione del 1983, Canto
di Natale di Topolino (anch’esso su Disney+). Questo film antologico prende
due popolari classici natalizi e una storia originale per mostrare
i Fab Five nello spirito natalizio. Topolino e Minnie si scambiano
i regali in un remake de “Il dono dei Magi” di O.
Henry, mentre Huey, Dewey e Louie imparano il vero
significato del Natale quando rimangono bloccati in un loop
temporale. E Pippo e Max – in eventi che sembrano precedere Un
film di Pippo– scoprono che Babbo Natale esiste davvero in una
storia incredibilmente sentita.
Sì, Iron
Man 3 è un film di Natale. Praticamente ogni film
di Shane Black è un film di Natale. Queste sono le
regole. Questo sottovalutato sequel non solo è ambientato nel
periodo natalizio, ma presenta anche un albero di Natale gigante e
persino un viaggio in una piccola città coperta di neve: in pratica
è un film di Hallmark. Ok, forse non così tanto, ma Iron
Man 3 è una delizia assoluta. È il più divertente dei film
di Iron Man e, anche se la trama del Mandarino si è
rivelata divisiva per i fan dei fumetti, se la si accetta l’intero
film è molto divertente. Questo è anche un film sulla
sindrome da stress post-traumatico, poiché Iron Man 3 è
stato il primo film Marvel distribuito dopo The Avengers e ha dovuto affrontare
il modo in cui questi personaggi avrebbero affrontato un evento
così monumentale (e ultraterreno). Ma alla fine della giornata,
Iron Man 3 è solo una tonnellata di divertimento.
Noelle (2020)
Uno dei primi film originali a
essere lanciato su Disney+, Noelle
ha decisamente l’aria di un film che è stato giudicato non
abbastanza buono per le sale a metà della produzione. Gli effetti
non sono finiti, la produzione sembra piuttosto economica e i temi
non sono ancora stati definiti, ma sapete una cosa? È comunque un
film natalizio molto piacevole. La maggior parte del merito va ad
Anna Kendrick, che fa veramente ridere a
crepapelle nel ruolo della principessa del Polo Nord, figlia di
Babbo Natale, che si rende conto che potrebbe essere lei, e non suo
fratello (Hader), la prossima a indossare il berretto di lana. È
sciocco e un po’ sciatto, ma è comunque un film affascinante e la
Kendrick garantisce la possibilità di ottenere la propria
ghirlanda, anche quando il film colpisce un po’ troppo forte con il
suo messaggio di benessere.
Crunchyroll e
Sony Pictures Entertainment presentano
Attack on Titan: THE LAST ATTACK,
l’evento
cinematografico che unisce i due capitoli finali dell’omonima
serie (L’attacco dei giganti) basata sul celebre manga di
Hajime Isayama. Il 3, 4 e 5 marzo 2025 nelle sale
italiane distribuito da Eagle Pictures.
Attack on Titan racconta la
storia in cui in un remoto passato gli ultimi resti dell’umanità
sono costretti a ritirarsi dietro le imponenti mura di una città
fortificata per sfuggire agli enormi Titani divoratori di uomini
che si aggirano all’esterno. Solo gli eroici membri del “Corpo di
Indagine” osano allontanarsi oltre la sicurezza delle mura, ma
anche quei coraggiosi guerrieri raramente riescono a tornare vivi.
Un giovane bambino, Eren Yeager, dopo aver perso la madre a causa
dei mostruosi Titani, decide di arruolarsi giurando di sconfiggere
i Titani una volta per tutte. La pluripremiata serie di Attack
on Titan ha debuttato nel 2014 con quattro stagioni e si è
conclusa nell’autunno del 2023, conquistando fan e critica. Tre
delle stagioni hanno ottenuto il 100% del punteggio della critica e
oltre il 90% del punteggio del pubblico su Rotten Tomatoes. Inoltre
la serie si è classificata al 23° posto tra i 250 migliori
programmi televisivi su IMDb (secondo la valutazione degli utenti
di IMDb).
Attack on Titan: THE LAST
ATTACK è diretto da Yûichirô Hayashi, la storia originale è di
Hajime Isayama, il Character Design di Tomohiro Kishi, la Direzione
artistica di Kuniaki Nemoto, la Direzione principale
dell’animazione di Daisuke Niinuma mentre il montaggio è di Masato
Yoshitake. Le musiche sono di KOHTA YAMAMOTO e Hiroyuki Sawano.
L’animazione e la produzione sono di MAPPA (Maruyama Animation
Produce Project Association).
Crunchyroll e Sony Pictures
presentano Attack on Titan: THE LAST ATTACK il 3, 4
e 5 marzo 2025 al cinema distribuito da Eagle Pictures.
Il finale di Bad Boys: Ride or Die scioglie diversi nodi
della trama dei film precedenti e sottolinea un tema importante che
è stato ripreso dal precedente capitolo della serie.
Quarto film della serie Bad Boys, il film
riunisce Will Smith e Martin Lawrence nei panni di Mike e
Marcus, una coppia di detective del dipartimento di polizia di
Miami.
Ognuno dei film della serie è
caratterizzato da un’azione assurda, con la coppia che elimina
centinaia di criminali senza nome nel corso degli anni. Sono
passati quindici anni tra il secondo e il terzo film, con
Bad Boys For Life che evidenzia come le nuove
generazioni di poliziotti come Kelly di Vanessa
Hudgens e Dorn di Alexander Ludwig
possano aiutarli ad andare avanti.
Cinque anni dopo, i personaggi di
Bad Boys: Ride or Die scoprono alcune retcon nella
storia della serie, rivelando che la morte del capitano Howard in
Bad Boys For Life era collegata a un complotto
segreto che controlla Miama da anni. Nel frattempo, Mike e Marcus
hanno anche la possibilità di confrontarsi con dilemmi più
complicati e personali, come la relazione di Mike con suo figlio
Armando (interpretato da Jacob Scipio) e
l’incontro ravvicinato di Marcus con la morte. Sebbene il film
risolva la maggior parte di queste trame entro il suo finale,
Bad Boys: Ride or Die indica anche la possibilità
di sviluppi futuri per il franchise di Bad Boys.
Bad Boys: Ride or Die, il piano del
cattivo e l’identità della talpa
Bad Boys: Ride or
Die rivisita silenziosamente due dei film precedenti della
serie, collegandoli tutti attraverso una vasta cospirazione tra i
cartelli della droga e la polizia di Miami. Una delle grandi
rivelazioni di Ride or Die è incentrata su
Lockwood, un avvocato e James McGrath, un membro dell’esercito
degli Stati Uniti. Si scopre che la coppia ha fatto parte di una
cospirazione con i cartelli, consentendo il trasporto di droga in
Florida in cambio della loro assistenza nel monitoraggio del
confine. Sebbene tecnicamente fatto per “proteggere” la nazione dai
terroristi dopo l’11 settembre, il piano alla fine ha corrotto
l’autorità di Miami.
In che modo il piano del cattivo di
Bad Boys: Ride Or Die modifica il franchise
Il traffico di droga in Bad Boys 2
si rivela essere parte di questa cospirazione, così come Isabel
Aretas di Bad Boys For Life. Diventato sospettoso dopo gli eventi
di
Bad Boys 2, si scopre che il capitano Howard ha
trascorso anni a indagare sulla cospirazione. Questo è stato il
vero motivo per cui è stato messo sulla lista nera di Isabel, che
lo ha portato alla morte per mano di Armando in Bad Boys
For Life. La rivelazione collega tutti i film in una
cospirazione sovraordinata che ha utilizzato il potere della
polizia e dell’esercito per promuovere il traffico di droga a
Miami. Ciò rende anche McGrath e Lockwood due dei più grandi
cattivi sovraordinati del franchise di Bad Boys.
Perché Mike lascia scappare
Armando
Il figlio di Mike potrebbe essere
il futuro del franchise
Armando è stato
introdotto in Bad Boys For Life. Il principale assassino di
sua madre Isabel, si scopre essere anche il figlio illegittimo di
Mike. Alla fine di Bad Boys For Life, Armando ha
risparmiato suo padre ed è stato infine arrestato per i suoi
crimini. Armando ha un ruolo importante in Bad Boys: Ride
or Die, poiché è l’unico che può identificare McGrath e
aiutare a svelare la cospirazione nel dipartimento di polizia di
Miami. Gran parte della seconda parte del film segue Armando mentre
lui, Mike e Marcus cercano di raggiungere la città per scoprire la
verità. Nel climax del film, Armando lavora insieme a Mike e ai
suoi alleati in AMMO per abbattere McGrath, venendo gravemente
Dopo aver salvato la nipote di
Howard, Callie, Armando ottiene una grazia inaspettata dalla madre
vendicativa di Callie, Judy. Questo dà a Mike la possibilità di
aiutare Armando a scappare. Dopo aver trovato un terreno comune e
aver dimostrato che Armando è capace di redenzione, Mike permette
ad Amarndo di scappare per continuare potenzialmente su un percorso
più eroico. Armando potrebbe potenzialmente prendere il comando in
storie future, tornando nella vita di Mike o forse persino
eseguendo la sua forma di giustizia altrove. La volontà di Mike di
lasciare che Armando scappi parla della sua fede in suo figlio e
delle sue possibilità di redenzione.
Il significato delle visioni di
Marcus spiegato
Un’esperienza di pre-morte ha un
ruolo nel finale di Bad Boys: Ride or Die
All’inizio di Bad
Boys: Ride or Die, Marcus ha un infarto quasi fatale al
matrimonio di Mike. Ciò fa sì che il personaggio abbia una serie di
visioni che lo influenzano per il resto del film, convincendolo
persino di essere diventato funzionalmente invincibile perché “non
è ancora il suo momento”. Una delle visioni più importanti si
concentra su Howard, che Marcus vede in piedi accanto a un albero e
un pappagallo sulla spiaggia. È qui che Howard sembra dire a Marcus
che la morte non è ancora arrivata per lui. Questo finisce per
fungere da presagio per il finale del film, dove Marcus scopre un
albero e un pappagallo simili prima di essere catturato da
McGrath.
Costretto a scegliere tra McGrath
che uccide Marcus o sua moglie Theresa, Mike si rende conto che la
convinzione di Marcus stava anticipando quel momento. Sparando a
Marcus senza ucciderlo con il suo giubbotto antiproiettile, Mike
riesce a sorprendere McGrath abbastanza a lungo da sparare al
cattivo più volte. Marcus sopravvive alla fine del film, ma
apparentemente fa di nuovo i conti con la sua mortalità mentre
insulta Mike per la sua decisione di sparargli per salvare la
situazione.
Come Mike supera i suoi attacchi di
panico nel finale di Bad Boys: Ride Or Die
Sono collegati al passato del
personaggio
Una delle più grandi
trame di Bad Boys: For Life è incentrata su Mike e
il suo nuovo schema di attacchi di panico. Questo è un cambiamento
importante per il quarto film di Bad Boys, poiché Marcus crede di
essere invincibile mentre la sicurezza di Mike è completamente
scomparsa. Alla fine si scopre che Mike si incolpa per la morte del
suo capitano, con il suo ruolo negli eventi di Bad Boys for Life e
Bad Boys: Ride or Die che pesa molto sulla sua coscienza. Mike si
blocca in diversi punti chiave del film, qualcosa che deve superare
alla fine.
Nel terzo atto di Bad Boys:
Ride or Die, Mike si blocca di nuovo durante un momento
cruciale. Tuttavia, ha un’altra visione del capitano Howard, una
che assicura a Mike che la morte di Howard non è colpa sua. Ciò
consente a Mike di superare finalmente il suo senso di colpa e
tornare a essere chi era una volta, restituendo al personaggio la
sua sicurezza. Questa è la spinta di cui Mike aveva bisogno per
completare l’arco narrativo del suo personaggio e concludere la
storia di Bad Boys: Ride or Die.
Come Bad Boys: Ride or Die prepara
un sequel
I Bad Boys non stanno diventando
più giovani
Bad Boys: Ride or
Die si conclude con una nota ampiamente ottimistica per i
personaggi principali, con Marcus e Mike riuniti alle loro famiglie
sani e salvi. Mentre Mike non sa cosa ne è stato di Armando, il suo
ruolo nel climax del film e il loro addio hanno indicato che il
personaggio rimarrà una figura eroica in futuro. Un potenziale
sequel potrebbe riportare in vita il personaggio e verificare i
suoi sforzi futuri, confermando in un modo o nell’altro se le
speranze di Mike per suo figlio sono fondate. Per AMMO, il finale
di Bad Boys: Ride or Die è una grande vittoria,
con Rita e Dorn che sopravvivono entrambi ai loro incontri con la
morte durante la parte finale del film.
Tuttavia, anche con la cospirazione
segreta al centro dei film risolta, ci sono alcuni aspetti
persistenti del mondo di Bad Boys che potrebbero essere affrontati
in un sequel. L’associazione pubblica e romantica di Lockwood con
Rita potrebbe gettare sospetti sulla sua integrità in futuro.
L’alleanza del cartello con Lockwood e McGrath è ormai finita, il
che significa che potrebbe esserci un vuoto che altri criminali
potrebbero provare a colmare. Mike e Marcus si confrontano entrambi
con la loro mortalità nel film, che potrebbe essere ulteriormente
messa a fuoco in un seguito che li costringe davvero a fare i conti
con la loro età.
Bad Boys 5 non è ancora
confermato
Sebbene ci siano molti modi in cui
la storia di Bad Boys: Ride or Die potrebbe essere
continuata in Bad Boys 5, un quinto film purtroppo non è stato
ancora confermato. Will Smith e Martin Lawrence sono entrambi aperti a tornare
per Bad Boys 5, ma il prossimo film non è stato
annunciato, il che significa che lo studio potrebbe
aspettare prima di dare il via libera a un altro film.
Il vero significato di Bad Boys:
Ride or Die
Lavorare con gli eroi del futuro è
la chiave per ripristinare il passato
Uno degli elementi di base
di Bad Boys: Ride or Die si concentra sull’eredità
e sulla famiglia. La rivelazione che Howard aveva lavorato
segretamente a un’indagine per un decennio e mezzo prima della sua
morte evidenzia la natura pericolosa del loro lavoro. In ciascuna
delle tre principali relazioni genitore/figlio del film, la volontà
dell’anziano di stare al fianco e di avere fiducia nel figlio
avvantaggia il mondo. La fede di Mike in Armando viene ricompensata
con la possibilità di abbattere McGrath. Il genero di Marcus,
Donnie, dimostra il suo coraggio e salva la famiglia di Marcus,
guadagnandosi un rispetto dovuto da Marcus. Callie che si mette di
fronte ad Armando convince Judy a non uccidere il suo
salvatore.
Ognuna di queste istanze crea un
bene più grande a lungo termine e si dimostra cruciale sia per
salvare l’eredità di Howard sia per rivelare la verità su McGrath.
Si basa su temi simili delle nuove generazioni che realizzano il
loro potenziale in Bad Boys For Life, evidenziando
come la forma di giustizia che Mike e Marcus combattono prosperi
negli altri, anche mentre continuano a impegnarsi nel compiere il
loro dovere. Il finale di Bad Boys: Ride or Die evidenzia
il valore di lottare per la verità del passato insieme alle
generazioni future, fondamentale per ottenere
giustizia.
Il Torneo Tremaghi era al centro
della trama di Harry Potter e il Calice di Fuoco, ma
molte cose sulla competizione sono state tralasciate
nell’adattamento cinematografico. Questo è stato vero per molti dei
film di Harry
Potter. Tuttavia, a causa della natura complessa della
storia che circonda il quarto anno di Harry a Hogwarts, il film
Calice di fuoco è particolarmente noto per aver tagliato
anche importanti dettagli del libro. Questo è stato una delusione
per molti fan, che hanno trovato il Torneo Tremaghi tra gli eventi
preferiti dei libri.
I primi tre libri e film di
Harry Potter avevano stabilito una formula per la serie, ma
tutto questo è stato buttato fuori dalla finestra per Calice di
Fuoco. Prima ancora di arrivare a Hogwarts per la quarta
volta, Harry sapeva che quell’anno sarebbe successo qualcosa di
eccitante. Il Quidditch fu cancellato, gli orari delle lezioni
furono modificati e i funzionari del Ministero erano presenti a
scuola, il tutto per il pericoloso ed emozionante Torneo Tremaghi.
Naturalmente, la competizione ebbe un ruolo nel ritorno di Lord
Voldemort nel filmCalicedi fuoco, ma
altri dettagli importanti furono tralasciati o alterati.
Il Torneo Tremaghi è stato
organizzato in parte da Ludo Bagman
Nei film di Harry Potter,
il Torneo Tremaghi è stato organizzato da Barty Couch Sr. Sebbene
egli abbia avuto un ruolo nella competizione in quanto capo del
Dipartimento di Cooperazione Magica Internazionale, nei libri è
stato il capo del Dipartimento di Giochi e Sport Magici a occuparsi
della realizzazione dell’evento. Si trattava di Ludo Bagman, un
giocatore di Quidditch professionista e fallito, con problemi di
gioco d’azzardo, che era stato escluso dai libri di Harry
Potter.
Crouch e Bagman non andavano
d’accordo. Per un certo periodo, questo ha fatto sì che Bagman
sembrasse uno dei maggiori sospettati di aver messo il nome di
Harry nel Calice, dal momento che sembrava avere un interesse non
etico nella vittoria del Ragazzo che Visse. Naturalmente, alla fine
si è scoperto che aveva scommesso molto sulla vittoria di Harry
nella Coppa Tremaghi e che, se il ragazzo avesse fallito, si
sarebbe trovato in guai seri con i folletti della Gringotts. Quando
tutto si risolse nel libro Calice di Fuoco, Bagman si
diede alla fuga.
Il film Harry Potter e Calice
di Fuoco ha rovinato la prima Prova Tremaghi
La prima Prova Tremaghi fu il
momento in cui Harry dimostrò ufficialmente di essere un
concorrente del torneo. Prima di affrontare la Coda di corno
ungherese, i compagni di Hogwarts di Harry, e anche alcuni suoi
amici, pensavano che fosse troppo giovane e in cerca di attenzioni.
Tutto cambiò quando non solo superò il drago e recuperò l’uovo
d’oro, ma lo fece nel minor tempo possibile (a pari merito con
Viktor Krum). Certo, ha avuto un
po’ di aiuto da Malocchio Moody, ma nel complesso le abilità di
volo di Harry hanno fatto il loro lavoro, cosa che i film di
Harry Potter hanno completamente modificato.
Nel libro Calice di Fuoco,
Harry usò la sua scopa per attirare il drago il più in alto
possibile e si tuffò il più velocemente possibile verso il suolo,
dove si tirò su appena in tempo per evitare di schiantarsi. Era una
manovra di Quidditch che aveva visto eseguire da Krum alla Coppa
del Mondo, il che la rendeva particolarmente sorprendente per un
ragazzo di 14 anni. È stato un momento emozionante che ha tenuto i
lettori con il fiato sospeso, ma è stato escluso dal film. Nel
film, invece, la Coda di Corno si è liberata dalla sua catena e ha
inseguito Harry per tutta Hogwarts (mentre i professori non
facevano nulla) prima di cadere da un dirupo.
Dobby ha avuto un ruolo
importante nella seconda vittoria di Harry nel compito
Tremaghi
Nel film Calice di Fuoco,
Harry deve il suo successo nella seconda Prova Tremaghi a Neville
Paciock, che gli ha indicato l’erba gigliata. Era una soluzione
abbastanza semplice e sensata, vista la passione di Neville per
l’erboristeria, ma è stata comunque una delusione per i fan del
libro. Nei libri di Harry Potter, infatti, era stato Dobby
a dare a Harry la Gillyweed dopo aver sentito il professor Moody
dire alla McGranitt che si chiedeva se Harry avrebbe preso in
considerazione l’uso della pianta magica. Si trattava di un
cambiamento abbastanza semplice, ma con conseguenze più
significative.
La natura dolce di Dobby lo ha reso
subito il preferito dei fan di Harry Potter, rendendo le
sue apparizioni nei libri qualcosa di atteso dai lettori.
Purtroppo, dati i tempi e i costi necessari per portare sullo
schermo un elfo domestico magico, i film hanno incluso Dobby solo
nella Camera dei Segreti e nei Doni della Morte.
Questo significa che il coinvolgimento dell’elfo in Calice di
fuoco, compresa la sua associazione con l’elfo domestico
Crouch Winky, è stato tagliato. In definitiva, questo ha reso la
morte di
Dobby nei film dei Doni della Morte meno d’impatto, poiché Harry lo
conosceva appena nella versione cinematografica della storia.
Il film Calice di Fuoco ha
tralasciato le parti migliori della Terza Prova Tremaghi
Il film Calice di Fuoco ha
dedicato molto più tempo a parlare di quanto fosse terribile e
difficile la terza Prova Tremaghi che al labirinto stesso. Una
volta entrato, Harry incontra solo pochi ostacoli, tutti legati
alla magia del labirinto. Le siepi prendevano vita e cercavano di
afferrarlo, il vento lo trascinava e la nebbia rendeva difficile
vedere. A parte questo, non sembrava esserci nulla a sostegno
dell’affermazione di Silente secondo cui il labirinto avrebbe
“cambiato” coloro che vi entravano.
Questo non era il caso del libro di
Harry Potter. Anche se Harry notò che il labirinto non era
così difficile come si aspettava (in seguito si scoprì che era
dovuto al fatto che Barty Crouch Jr si stava impegnando per
mantenere libera la strada del ragazzo verso la Coppa dei Maghi),
incontrò diversi nemici formidabili. Si è imbattuto nelle
Vescichette e nei Boggart travestiti da dissennatori di Hagrid, ma
è stata la Sfinge che i lettori erano più ansiosi di vedere nei
film di Harry Potter. La creatura dava a Harry un
indovinello e minacciava di attaccarlo se avesse sbagliato: una
scena così emozionante che i fan sono rimasti sconvolti nel vedere
che era stata tagliata.
Il film Il calice di fuoco ha
tagliato le vincite del Torneo Tremaghi di Harry Potter
Nel film Calice di Fuoco,
Silente annuncia agli speranzosi partecipanti al Torneo Tremaghi
che il premio per il vincitore sarà la “gloria eterna”. Se questo
sarebbe probabilmente bastato a un adolescente medio per desiderare
di partecipare, nei libri di Harry Potter la posta in
gioco era un po’ più alta. Oltre alla gloriosa Coppa Tremaghi, il
vincitore dei tre compiti avrebbe ricevuto 1000 galeoni, che i fan
hanno stimato essere l’equivalente di circa 25.000 dollari. Così
come i film di Harry Potter hanno tralasciato questo
dettaglio, hanno anche tagliato quello che Harry ha deciso di fare
con questa ricchezza.
Il Ragazzo che visse non era
entusiasta di accettare il suo premio in denaro, poiché riteneva
che appartenesse di diritto a Cedric Diggory. Cercò di dare l’oro
ai genitori di Diggory, ma questi non erano disposti ad accettare.
Così, in un momento toccante del libro Calice di Fuoco,
Harry lo regalò a Fred e George. I gemelli Weasley erano stati
derubati dei risparmi di una vita da Ludo Bagman e questo oro
avrebbe permesso loro di aprire il loro negozio di scherzi. Era
l’unica cosa positiva del Torneo Tremaghi, ma i film di
Harry Potter l’hanno omessa.
Il principe dei
draghi di Netflix è una
serie fantasy che si sta costruendo silenziosamente un seguito
dedicato, ed èperfetta per i fan
deIl Signore degli Anelli. Creata da
Aaron Ehasz e Justin Richmond, la serie segue un gruppo di giovani
eroi che navigano in un mondo pieno di magia, draghi e antichi
conflitti. La stagione finale è uscita il 19 dicembre, a breve
distanza dalla data di uscita della stagione 6 de Il
principe dei draghi.
Sebbene non riceva lo stesso
livello di attenzione mainstream di altri popolari show televisivi
fantasy dell’ultimo decennio, Il principe dei
draghi si è guadagnato elogi per la sua intricata costruzione
del mondo, i suoi personaggi coinvolgenti e la sua
splendida animazione. La popolarità della serie è giustificata,
poiché si tratta di una delle migliori serie animate fantasy
attualmente in onda. Vale la pena di dare un’occhiata, soprattutto
per chi ama i mondi complessi come la Terra di Mezzo.
Il principe dei
draghi è il miglior fantasy epico di cui nessuno
parla
Per tutti coloro che amano le
leggendarie opere di J.R.R. Tolkien, Il principe dei
draghioffre una visione familiare e al tempo
stesso fresca dell’high fantasy. La serie è intrisa di una
ricca tradizione, di una complessa costruzione del mondo e di
battaglie epiche che soddisferanno qualsiasi appassionato del
genere. Dai regni tentacolari alla magia antica, Il
principe dei draghi offre un mondo che sembra al
tempo stesso senza tempo e innovativo. L’animazione è straordinaria
e dimostra quanto il mezzo possa funzionare bene per la narrazione
fantasy.
Il principe dei
draghi segue due principi umani e un assassino elfico che
si uniscono per porre fine a un conflitto secolare tra umani,
draghi ed elfi. La storia si è costruita silenziosamente un seguito
forte ma dedicato nel corso delle sue sei stagioni su Netflix. Forse non ha lo stesso livello di popolarità
di altri prodotti originali di Netflix, ma ha avuto abbastanza
successo da mantenere un pubblico regolare e continuare a essere
rinnovata. Inoltre, Il principe dei draghi è
certificato fresco su Rotten Tomatoes, con un raro punteggio
critico del 100%.
Sebbene la serie abbia impiegato un
po’ di tempo per trovare il suo spazio nella prima stagione, i
primi episodi hanno comunque ricevuto recensioni entusiastiche da
parte della critica e hanno appassionato abbastanza spettatori da
farli tornare per diverse stagioni successive. I recensori l’hanno
consigliata “a tutti coloro che amano una buona storia fantasy
o che desiderano un nuovo cartone animato del calibro di
Avatar ” (via Slate), mentre altri riconoscono il suo ampio fascino
sia per gli adulti che per i bambini (via CultureVultures).
I critici hanno chiaramente intuito il potenziale de Il
principe dei draghi fin dall’inizio
e i ripetuti rinnovi hanno dato loro ragione.
L’epopea fantasy del Principe
Drago è perfetta per i fan di Tolkien
Come molte altre storie fantasy
epiche, Il principe dei
draghiattinge a
piene mani dalla leggendaria opera di Tolkien. La serie
Netflix è ambientata in un mondo diviso in regni come Katolis e
Xadia, con un regno oscuro e magico che ricorda Mordor. La storia
segue un gruppo di giovani eroi – tra cui un principe umano e suo
fratello, un assassino elfico e un cucciolo di drago – che si
imbarcano in una missione per unire il loro mondo diviso, proprio
come la Compagnia si propone di distruggere l’Unico Anello.
La trama è ricca di battaglie
epiche, creature magiche e dilemmi morali, tutti tratti distintivi
del fantasy di Tolkien.
Alcuni personaggi dello show
riecheggiano quelli di Tolkien, come l’eroe inesperto e il potente
mago. La trama è ricca di battaglie epiche, creature magiche e
dilemmi morali, tutti tratti distintivi del fantasy di Tolkien. Per
i fan di Tolkien e di altri racconti high fantasy, Il
principe dei draghi è un degno sostituto in attesa
della prossima stagione di
Gli anelli del potere. Come nell’opera di Tolkien, anche
in questa serie c’è una storia travagliata tra le razze, che lascia
spazio alla loro evoluzione e al rispetto reciproco.
Simile alla Terra di Mezzo di
Tolkien, il mondode Il principe dei
draghi presenta diverse razze di
Elfi. Ognuno dei sei gruppi abita una parte diversa di
Xadia. La serie ha stabilito una connessione tra le sei razze di
Elfi e le sei Sorgenti Primarie di Xadia. Quando un mago utilizza
la magia, attinge energia da queste Fonti Primarie, identificate
come Luna, Cielo, Oceano, Terra, Sole e Stelle. Chiaramente, il
sistema magico e la costruzione del mondo de Il principe dei
draghi sono abbastanza dettagliati e complessi da soddisfare
gli appassionati di fantasy epico in cerca di qualcosa di
nuovo.
Il grande arco narrativo del
Il principe dei draghi è più avvincente degli
Anelli del Potere
Uno degli aspetti più avvincenti de
Il principe dei draghi è lo sviluppo dei
personaggi, in particolare quello di Claudia. La sua trasformazione
da adolescente dal carattere dolce a cattiva spietata è una
masterclass di narrazione. Il viaggio di Claudia è una
potente esplorazione del dolore, della vendetta e dell’influenza
corruttrice del potere. Il suo arco narrativo rivaleggia
con alcuni dei più grandi cattivi del genere fantasy, rendendola
un’antagonista davvero avvincente e un punto di forza dello show di
Netflix.
Anche se spesso messo in ombra dai
protagonisti più eroici dello show, l ‘arco caratteriale di
Claudia è un affascinante studio sulle conseguenze del
trauma. A differenza di molti cattivi, Claudia non è
intrinsecamente malvagia. Le sue azioni sono guidate dal desiderio
profondo di proteggere la sua famiglia e di ripristinare il mondo
che crede le sia stato rubato. Il suo viaggio è una struggente
esplorazione della condizione umana. È una figura tragica, una
vittima delle circostanze che alla fine diventa un’autrice del
male. La sua storia ci ricorda che anche le persone con le migliori
intenzioni possono essere traviate dai loro impulsi più oscuri.
Il principe dei
draghi è un’autentica epopea moderna
Con la sua narrazione ambiziosa,
l’animazione straordinaria e il cast di personaggi diversi,
Il principe dei draghi è una vera e propria epopea
fantasy moderna. La serie ha affascinato il pubblico con le sue
battaglie emozionanti, i suoi momenti di commozione e le sue trame
intricate. Con l’avvicinarsi della settima stagione, Il
principe dei draghi continua a consolidare il
suo posto come una delle serie fantasy più emozionanti e
innovative degli ultimi anni. Con la serie creata dai
creatori di
Avatar: The Last Airbender, forse il suo successo non è
una sorpresa. Tuttavia, è necessario che sia presente nei radar di
un maggior numero di persone.
Se inizialmente Il
principe dei draghi poteva sembrare un’altra
serie fantasy generica, con il passare del tempo ha subito una
trasformazione significativa. L’animazione è migliorata
notevolmente e la narrazione è diventata più avvincente, con
un’espansione del mondo e una maggiore profondità dei personaggi
nel corso del tempo. I creatori avevano una visione a lungo termine
e finora l’hanno realizzata in modo magistrale. Questo impegno nei
confronti di un arco narrativo ben definito ha permesso a
Il principe dei draghi di prosperare
nelle ultime sei stagioni, cosa che si spera continui anche nella
settima stagione.
Mufasa:Il Re Leone
aggiunge nuove canzoni alla libreria musicale Disney che ampliano
la storia di Mufasa e approfondiscono personaggi come Scar. Quasi
un sequel de Il Re Leone del 2019 e un prequel dei primi
giorni del mondo, Mufasa:Il Re Leone rivela come
un cucciolo solitario sia cresciuto fino a diventare un potente re
delle Terre dell’Orgoglio. Il cast e i personaggi di
Mufasa: Il Re Leone conferiscono nuovi livelli ai
loro personaggi, in particolare Kelvin Harrison Jr. nel ruolo di
Taka, il principe orgoglioso ma codardo che alla fine diventerà il
cattivo Scar.
Mufasa:Il Re Leone vanta una nuova colonna
sonora che risulta intrinsecamente familiare ai fan dell’originale.
Questo include il ritorno del compositore sudafricano Lebo M per
una nuova canzone, oltre a una colonna sonora che ricorda i film
originali. A contribuire alla realizzazione di Mufasa:Il re leone è Lin Manuel-Miranda, che
ha scritto diverse nuove canzoni per il film. Ecco tutte le
principali canzoni della colonna sonora di Mufasa:Il
Re Leone e la sua collocazione nel film.
“Ngomso”
Lebo M
“Milele”
Anika Noni Rose and Keith David
“I Always Wanted A Brother”
Braelyn Rankins, Theo Somolu, Aaron Pierre, and Kelvin Harrison
Jr.
“Bye Bye”
Mads Mikkelsen, Joanna Jones, and Folake Olowofoyeku
“We Go Together”
Aaron Pierre, Kelvin Harrison Jr., Tiffany Boone, Preston
Nyman, and Kagiso Lediga
“Tell Me It’s You”
Aaron Pierre and Tiffany Boone
“Brother Betrayed”
Kelvin Harrison Jr.
Quando ogni canzone di
Mufasa:Il Re Leone suona nel film
Mufasa:Il
Re Leone ha sette nuove canzoni
“Ngomso” di Lebo
M: la prima canzone di Mufasa:Il Re
Leone è “Ngomso” di Lebo M. Il leggendario produttore e
compositore ha scritto alcune delle musiche più iconiche de Il
Re Leone, tra cui il canto zulu che apre il film. Lebo M è
tornato in precedenza al franchise nel corso degli anni, compresa
la versione del 2019 de Il Re Leone. Il suo nuovo brano,
“Ngomso”, funge da musica introduttiva al film e reintroduce il
pubblico nelle Terre dell’Orgoglio dopo gli eventi de Il Re
Leone. Ciò conferisce al nuovo film un naturale collegamento
tematico con i precedenti film del franchise.
“Milele“ di Anika Noni Rose
e Keith David: ”Milele” è la prima canzone in stile
musical di Mufasa:The Lion King, e introduce il
concetto di una terra promessa conosciuta come Milele. La canzone è
cantata da Afia e Masego, i genitori biologici di Mufasa. Le
immagini della canzone hanno esaltato il momento, con un giovane
Mufasa che corre attraverso il paesaggio desertico e lo immagina
traboccante di fiori e fauna. La canzone è anche una delle uniche
occasioni per Afia e Masego, che lasciano il film poco dopo
“Milele”.
“I Always Wanted A Brother“
di Braelyn Rankins, Theo Somolu, Aaron Pierre e Kelvin Harrison
Jr.: ”I Always Wanted A Brother” suona dopo che Obasi ha
accettato con riluttanza Mufasa nel loro orgoglio su insistenza del
figlio Taka. Il punto cruciale della canzone è che Taka canta con
Mufasa di aver sempre voluto un fratello e di quanto sia entusiasta
che i due possano crescere insieme. La canzone è anche un
montaggio, con il tratto finale che introduce le versioni più
vecchie di Mufasa e Taka, che costituiscono il fulcro della
narrazione del film. È una canzone carina che a volte fa
riferimento a “I Just Want To Be King” de Il Re Leone.
“Bye Bye” di Mads
Mikkelsen, Joanna Jones e Folake Olowofoyeku: “Bye Bye” è
la canzone del grande cattivo Mufasa:Il Re
Leone. La canzone è cantata principalmente dal leone bianco
assassino Kiros quando rintraccia il branco di Mufasa, con
l’accompagnamento delle leonesse cacciatrici che lo servono. Kiros
usa la canzone per rivelare il suo piano generale per abbattere gli
altri leoni delle terre locali, prendendo il potere e affermandosi
come il vero “re leone”.
“We Go Together” di Aaron
Pierre, Kelvin Harrison Jr., Tiffany Boone, Preston Nyman e Kagiso
Lediga: “We Go Together” è una canzone da strada cantata
da Mufasa, Taka, Sarabi, Zazu e Rafiki dopo che il gruppo si è
consolidato durante il viaggio per sfuggire ai leoni bianchi. La
canzone mette in evidenza l’amicizia che si forma tra il gruppo,
con un testo e un tenore più leggeri che riflettono questo tono
allegro. Tuttavia, la canzone stabilisce anche che Taka ha
sviluppato dei sentimenti romantici per Sarabi, gettando le basi
per l’eventuale tradimento di Taka nei confronti del fratello a
causa delle sue emozioni ferite.
“Tell Me It’s You” di Aaron
Pierre e Tiffany Boone: “Tell Me It’s You” è la grande
canzone d’amore di Mufasa:Il Re Leone,
incentrata su Mufasa e Sarabi che ammettono i loro sentimenti
reciproci. La canzone è un successore spirituale di “I Can Feel The
Love Tonight” de Il Re Leone, con un ritmo e spunti visivi
simili. Tuttavia, l’ambiente innevato permette ai registi di
inserire alcuni nuovi trucchi visivi, come la coppia che si guarda
attraverso una lastra di ghiaccio che conferisce alla canzone
un’energia romantica unica e potente.
“Brother Betrayed“ di
Kelvin Harrison Jr.: ”Brother Betrayed” è l’ultimo grande
numero musicale prima di Mufasa:Il Re Leone“. È la grande vetrina del
film per Kelvin Harrison Jr. che canta una straziante arringa
personale contro Mufasa in cui Taka riconosce finalmente la sua
gelosia e la sua rabbia nei confronti di Mufasa per essere tutto
ciò che non è. Si tratta di un grande momento personale per Taka,
che pone le basi per il suo tradimento e per il tratto finale di
Mufasa:Il Re Leone”.
Dove ascoltare Mufasa:La colonna sonora del Re Leone
La colonna sonora
diMufasa:Re Leone
è ora disponibile
La colonna sonora del
Mufasa:Re Leoneè ora disponibile su più piattaforme. Come per
altre recenti uscite Disney, come Moana 2, tutte le
canzoni originali sono state messe su siti web come YouTube prima
dell’uscita del film, dando ai fan la possibilità di ascoltare la
musica prima dell’uscita del film. La colonna sonora può essere
ascoltata anche su applicazioni come Spotify e può essere
acquistata tramite Apple Music o Amazon Music.
La colonna sonora del
Mufasa:Re Leone presenta alcune solide
aggiunte al canone Disney, anche se nessuna delle musiche raggiunge
le vette dell’originale Il Re Leone o degli altri lavori
Disney di Miranda. Tuttavia, i collegamenti musicali tra
Mufasa:Il Re Leone e gli altri film della serie
conferiscono al film un collegamento tematico e una linea di fondo
che giova alla portata del nuovo film.
Mufasa:Il re
leone può ancora vantare una solida colonna sonora
che arricchisce la vita di Mufasa in modi entusiasmanti.
Mufasa:Il Re Leone è
incentrato sul leone protagonista e suo fratello Taka che cercano
di raggiungere la favolosa terra di Milele; tuttavia, non basta il
loro arrivo perché il luogo diventi la Pride Lands. Nel 2019, la
Disney ha creato un adattamento in live-action del film
d’animazione del 1994 Il Re Leone, ottenendo recensioni
contrastanti. Piuttosto che adattare semplicemente il film sequel
per il grande schermo, la casa di produzione ha creato una storia
originale che sposta l’attenzione da Simba, mettendo invece in
evidenza l’infanzia di suo padre.
Il percorso di Mufasa da
bambino sperduto a re non è semplice, poiché non aveva alcuna
pretesa al trono. Tuttavia, il suo arco caratteriale in
Mufasa:Il Re Leone dimostra che possedeva tutte
le qualità necessarie per comandare molto prima di diventare il
monarca regnante delle Terre dell’Orgoglio. Tutto ciò di cui aveva
bisogno era una comunità che lo seguisse e un luogo da chiamare
casa. Nel prequel, questo prende la forma di Milele.
Cosa significa Milele e dove si
trova?
Milele rappresenta stabilità e
sicurezza
All’inizio del film, Mufasa chiede a
sua madre Afia cosa c’è nell’area in cui la luce tocca la Terra e
lei gli dice che è Milele, che canta l’omonima canzone nella
colonna sonora di Mufasa:Il Re
Leone. La mamma e il papà di Mufasa, Afia e Masego,
lo portano a Milele all’inizio del film, prima di separarsi. La
parola “Milele” significa “per sempre” in lingua swahili e
rappresenta un luogo in cui avranno sicurezza e abbondanza perenni.
Afia descrive Milele come un luogo situato nel punto più
lontano, oltre il canyon più profondo, dove la luce tocca la
terra.
Durante il viaggio verso Milele,
Mufasa e Taka – a cui si uniranno in seguito Sarabi, Zazu e Rafiki
– attraversano una cascata, un canyon e una catena montuosa. Alla
fine trovano Milele, il luogo che diventa le Terre dell’Orgoglio.
Quest’area ha bellissime praterie, cascate, un fiume, alberi e
molti animali. Tuttavia, Milele non ha la Roccia dell’Orgoglio fino
alla
fine di Mufasa:Il Re Leone, quando si
verifica un terremoto durante la battaglia culminante. Prima di
allora, la località presenta semplicemente una collina rocciosa che
si erge sul resto dell’area.
Milele è un mito ne Il Re
Leone
I leoni sanno dell’esistenza di
Milele ma non credono che esista
In base al modo in cui il
Mufasa: Il Re Leone parlano di Milele, il luogo
sembra un mito di cui tutti i leoni sono a conoscenza, ma in cui
nessuno è mai stato. Il mito sfida i confini dei pride, con gruppi
diversi che conoscono tutti il luogo leggendario. Mufasa, Afia e
Rafiki sono gli unici a credere che il luogo esista se si viaggia
abbastanza lontano. Anche Taka e Nala, che viaggiano con lui,
sembrano scettici sull’esistenza di Milele, ma assecondano Mufasa
perché per lui è importante.
Non è chiaro se i leoni vivessero un
tempo a Milele o se si tratti semplicemente di un mito che ha
finito per diventare vero. Considerando che la descrizione del
luogo coincide con le immagini delle Terre dell’Orgoglio,
sembra che i loro antenati abbiano vissuto a Milele e siano
emigrati per qualche motivo.
In questo caso, il luogo
diventerebbe un mito una volta che sono passate abbastanza
generazioni senza che siano tornati nella loro casa, continuando a
tramandare la storia orale. Se il franchise del Re Leone
dovesse mai aggiungere un altro film originale, sarebbe
interessante vedere un prequel che spieghi come e perché i leoni
hanno lasciato Milele. Tuttavia, un prequel live-action che non
coinvolga i personaggi noti sarebbe un rischio che la Disney
probabilmente non vorrebbe correre.
Come Mufasa trasforma Milele
nelle Terre dell’Orgoglio
La guida di Mufasa aiuta a
creare le Terre dell’Orgoglio in Mufasa:Il Re
Leone
Milele e le Terre dell’Orgoglio
potrebbero occupare lo stesso spazio, ma non sono la stessa cosa.
Milele è la terra su cui è costruito il regno delle Terre
dell’Orgoglio, e il primo diventa il secondo solo grazie alla guida
e all’ispirazione di Mufasa. Quando Mufasa e il suo gruppo arrivano
a Milele, gli animali non vogliono che restino. C’è una divisione
tra le specie, ognuna delle quali guarda ai propri interessi.
È solo una formalità quando
gli animali decidono di incoronare il personaggio principale come
loro re, facendo delle Terre dell’Orgoglio un regno.
Tuttavia, tutti temono che i leoni
diano la caccia a Mufasa e Taka, sapendo che potrebbero portare
scompiglio a Milele. Fortunatamente, Mufasa motiva gli
animali a lavorare insieme contro i leoni nemici,
spiegando i punti di forza delle diverse specie. Assicura loro che
non è migliore di loro solo perché è un leone.
Il momento in cui tutti gli animali
si riuniscono per combattere Kiros e il suo gruppo in
Mufasa:Il Re
Leone è quando Milele diventa le Terre dell’Orgoglio.
Sono tutti un’unica comunità, che difende i propri fratelli da
nemici violenti. Un danno a uno è un danno a tutti, e non si
arrenderanno senza combattere. È semplicemente una formalità quando
gli animali decidono di incoronare il personaggio principale come
loro re, facendo diventare Le Terre dell’Orgoglio un regno.
Mufasa:Il Re Leone
espande il franchise che è stato rilanciato con Il Re
Leone del 2019, e gli spettatori potrebbero chiedersi se
nei titoli di coda c’è qualcosa che prepara le puntate future. Il
film del 2024 torna indietro nel tempo, prima degli eventi della
vita di Simba, per raccontare le origini di Mufasa e
Taka/Scar. Sebbene questo significhi che il film si occupa
principalmente di esplorare il passato, la sezione del film
incentrata sulla figlia di Simba e Nala, Kiara, è responsabile
dell’impostazione del futuro del franchise.
A causa del successo da record al
botteghino de Il Re Leone del 2019, la Disney ha cercato
un modo per riportare il pubblico nelle Terre dell’Orgoglio in
qualche modo. Questo ha portato a Mufasa:The Lion
King invece di un sequel tradizionale che avrebbe potuto
adattare il film d’animazione The Lion King II: Simba’s
Pride. Sebbene il futuro del franchise dipenda probabilmente
dall’andamento del botteghino di Mufasa, l’iconica serie è
una di quelle a cui il pubblico ha sempre voluto tornare. Per
questo motivo, la Disney avrebbe potuto prendere in considerazione
l’idea di inserire una scena post-credits che anticipasse ciò che
potrebbe accadere in seguito.
Mufasa:Il re leone non
ha una scena post-credits
Non c’è nessun filmato
aggiuntivo nei titoli di coda
È confermato che Mufasa:Il Re Leone non ha una scena post-credits. Non c’è nessun
filmato aggiuntivo mostrato nei mid-credits o after-credits che
funga da richiamo per il sequel o che lasci il pubblico con una
battuta finale. Tuttavia, si consiglia a tutti coloro che guardano
Mufasa:Il Re Leone dovrebbe guardare i titoli di
coda per conoscere i nomi di tutti coloro che hanno lavorato al
film, dal cast, alla troupe, agli artisti dei VFX.
Perché Mufasa:Il re
leone non aveva bisogno di una scena post-crediti
Mufasa:L
‘assenza di una scena post-credits ha senso per diversi motivi. Il
franchise non ha mai incluso una scena dei titoli di coda prima
d’ora, quindi non ci si aspettava che la situazione sarebbe
cambiata ora. Inoltre, la realizzazione di futuri film d’animazione
e in live-action de Il Re Leone è incerta. La decisione
della Disney dipenderà probabilmente da quanto Mufasa:Il re leone al botteghino. Se la Disney avesse fatto
un’allusione a un sequel nei titoli di coda, il pubblico sarebbe
rimasto ancora più deluso se non fosse stato realizzato un altro
capitolo. Non includere una scena dei titoli di coda è più
sicuro.
C’è anche il fatto che
Mufasa:Il Re Leone‘ fa tutto ciò di cui il
franchise ha bisogno per creare la possibilità di altri film.
Disney ha anche la possibilità di estendere il franchise in altri
modi grazie a personaggi esistenti come Kiara, Timon e Pumbaa.
Kiara permette di realizzare un adattamento de Il Re Leone II:
L’orgoglio di Simba, mentre la Disney potrebbe addirittura
pensare di realizzare una nuova versione de Il Re Leone 1
1/2 per dare a Timon e Pumbaa ruoli da protagonisti. Di
conseguenza, il futuro del franchise è già ben definito senza
Mufasa:Il Re Leone
– scena post-credits.
Il 31 dicembre, al passaggio tra un
anno e l’altro, uscirà in tutte le edicole d’Italia ‘Ancora uno’,
il numero 62 della nota testata a fumetti ‘Samuel
Stern’, che vede Andrea Guglielmino – già
giornalista e critico cinematografico – tornare per la quarta volta
come sceneggiatore sulla serie regolare, dopo ‘Il
secondo girone’,
‘Il quinto comandamento’ e ‘Ritorno al girone’, senza
considerare la sua partecipazione a Extra e volumi da libreria.
Con questo albo, Guglielmino diventa
ufficialmente lo sceneggiatore più prolifico della serie dopo il
trio formato da Gianmarco Fumasoli, Massimiliano
Filadoro e Marco Savegnago,
rispettivamente creatore, ex curatore e attuale curatore della
testata.
Il fumetto, disegnato da Sara
Ophelia Scalia, fa parte del ciclo noto come ‘post Apocalisse’ e
vede Stern, esorcista edimburghese, infiltrarsi nel carcere di
Saughton per liberare un prigioniero da una potenziale possessione
demoniaca, mentre Satana, che ormai ha un corpo umano, trama
dall’esterno.
Oltre al classico horror
psicologico, la trama prevede momenti da tipico dramma carcerario e
qualche elemento più leggero in cui, a sorpresa, viene introdotto
un personaggio mai visto prima: quello di Andy (controparte
dell’autore), barbiere e confidente di Samuel, a cui è legata anche
un’iniziativa speciale con la disegnatrice Adriana Farina.
Lo scrittore, sceneggiatore e
giornalista Guglielmino vive un momento d’oro per la sua carriera
di fumettista. Il suo 2024 è iniziato con ‘Garibaldi
Vs Mickey’, instant comic realizzato in collaborazione con
Emmetre Edizioni che, sfruttando la perdita dei diritti
dell’immagine del primo Topolino da parte di Disney, crea una
storia surreale e cartoonesca ma dal finale sorprendentemente
profondo. Ad aprile è stata la volta de ‘I primi cento’, scritto
con Marco Scali e disegnato da Luciano Costarelli, edito da Weird
Book, omaggio a Dylan Dog che è valso agli autori il premo Lorenzo
Bartoli alla manifestazione Cassino Fantastica. Sempre con Emmetre
ha pubblicato, tra luglio e dicembre, ‘Garibaldi Risorgimento’, in
due volumi, ispirato al mito de ‘Il Corvo’, e l’atteso ‘Garibaldi
Vs. Frankenstein’, prequel del successo editoriale ‘Garibaldi Vs.
Zombies’.
Guglielmino è inoltre autore di
punta sulla fanzine di quest’anno degli Sterniani – Official Samuel
Stern Fan Club, con ben due storie, ‘Il fantasma dell’isola’,
disegnata da Giampiero Wallnofer, e ‘Il terzo nome’, illustrata da
Nicola Rubin, oltre a firmare diversi redazionali. Sulla rivista,
dedicata agli iscritti, c’è anche una lunga intervista a
Guglielmino condotta dallo YouTuber e critico Gianluca rkc
Carboni.
Per il 2025 sono previsti
‘Dioverso’, scritto con Emiliano Pagani con i
disegni di Nicola Perugini, iconoclasta e golardica parodia delle
storie di multiverso, e la graphic novel tratta dall’album cult dei
Timoria ‘Viaggio senza vento’, insieme al fondatore della band Omar
Pedrini e al disegnatore Andrea Manfredini, oltre a un saggio sulla
saga cinematografica di ‘Predator’, a sei mani con
Gianmarco Bonelli e Guglielmo
Favilla, ancora pubblicato da Weird Book.
Mufasa non è l’unico personaggio a
cui è stata esplorata la sua storia passata in
Mufasa:Il Re Leone, in
quanto il film prequel spiega il vero nome di Scar e il significato
che si cela dietro di esso. In tutto il franchise de Il Re
Leone, Scar è sempre stato dipinto come il grande cattivo, con
l’uccisione di Mufasa, il tradimento di Simba, il rovesciamento
delle Terre dell’Orgoglio e la successiva cacciata dalla Roccia
dell’Orgoglio. È interessante notare che Mufasa:Il Re
Leone ha uno sguardo molto più comprensivo nei confronti di
Scar, cercando finalmente di spiegare perché Scar è così com’è nel
film originale Il Re Leone e nel suo remake del
2019.
Mufasa:Il Re
Leone è l’attesissimo prequel del remake del 2019 de Il Re
Leone: il film segue Rafiki mentre racconta la storia
delle origini di Mufasa alla figlia di Simba, Kiara. La
storia racconta l’infanzia di Mufasa fino a quando diventa il re
delle Terre dell’Orgoglio, esplorando come Mufasa abbia perso i
genitori, sia stato adottato dalla famiglia di Scar e abbia poi
salvato le Terre dell’Orgoglio da un malvagio branco di leoni
esterni. Mentre Mufasa è al centro della maggior parte delle grandi
rivelazioni del prequel, anche Scar riceve molto tempo, spiegando
le sue origini e come si è procurato la cicatrice.
Il vero nome di Scar è Taka:
cosa significa
Anche se Taka è stato citato come
il vero nome di Scar per un po’ di tempo, Mufasa:Il
Re Leone lo conferma finalmente: Taka è il nome con cui il
personaggio si presenta per la maggior parte del film. Tuttavia, il
nome di Taka ha lo stesso significato del suo soprannome Scar,
poiché, come molti altri personaggi del Re Leone, il nome
ha un significato in Swahili. In swahili, la parola
“takataka” significa “spazzatura” e spesso si
dice che al cattivo leone sia stato dato un nome crudele quando era
bambino.
Tuttavia, Taka ha anche un altro
significato in Swahili. La parola
“kutaka” può anche
essere tradotta in inglese come “to
want”, dando al vero nome di Scar un
doppio significato. In tutto Il Re Leone, il tratto
distintivo di Scar è l’invidia. Scar desidera così tanto il trono
che lo spinge a uccidere Mufasa e a dare la colpa a Simba. Il
numero musicale di Scar “Be Prepared” è persino definito dalla
combinazione di colori verdi, che sottolinea ulteriormente la
gelosia che Scar prova. I semi di questa invidia sono piantati in
tutto Mufasa:Il Re Leone, che mette in evidenza
il nome Taka del personaggio.
Il nome di Scar è apparso per
la prima volta in uno spinoff del Re Leone nel 1994
Mufasa:Il Re
Leone non è la prima volta che a Scar viene dato il nome Taka,
che è apparso per la prima volta in uno spinoff de Il Re
Leone del 1994. Il Re Leone:Six New Adventuresera una
raccolta di sei racconti che uscì in contemporanea con il film
originale deIl Re Leone, con il
primo racconto, “A Tale of Two Brothers”, che approfondiva
l’infanzia di Scar e Mufasa. È qui che viene rivelato per la prima
volta che il vero nome di Scar è Taka, nome che rimarrà fino a
Mufasa del 2024 :Il Re Leone.
“A Tale of Two Brothers” condivide
una sorprendente quantità di somiglianze con Mufasa:Il Re Leone, anche se ci sono anche alcune grandi
differenze. Entrambe le storie presentano Rafiki che racconta la
storia dell’infanzia di Mufasa a uno dei figli di Simba. Tuttavia,
nel film prequel si tratta di Kiara, mentre nel racconto è un
cucciolo di nome Kopa. Nella storia, inoltre, Rafiki fa amicizia
con un giovane Mufasa e un giovane Taka decide di tradire Mufasa
per gelosia.
Come Scar riceve il suo nome in
Mufasa e come cambia il Re Leone
Taka riceve la sua iconica
cicatrice solo alla fine di Mufasa:Il Re Leone,
quando salta davanti a Mufasa e viene graffiato nell’occhio da
Kiros. Dopo aver sconfitto i leoni bianchi, Zazu dice a Mufasa di
bandire Taka dalle Terre dell’Orgoglio. Tuttavia, Mufasa decide di
non farlo, mentre Taka dice che per punizione dovrebbe chiamarlo
Cicatrice. Mufasa accetta e promette che non pronuncerà mai più il
vero nome di Scar.
A quanto pare, Mufasa ha mantenuto
la promessa, visto che al momento della storia de Il Re
Leone chiama ancora Taka Scar. Anche altri personaggi, come
Sarabi e Simba, conoscono Taka come Scar, il che significa che
Mufasa non è l’unico personaggio a conoscere questo umiliante
soprannome. Sebbene sia stato Taka a inventarsi questo nome, è
possibile che abbia cominciato a risentirsene, spiegando così il
motivo per cui diventa così malvagio in
Mufasa:Il Re
Leone e Il Re Leone.
È stata confermata la data di uscita
della quarta stagione di Il colore delle magnolie
(Sweet Magnolias). Basata sull’omonimo
libro di Sherryl Woods, che è produttrice esecutiva dello show, la
storia di segue le amiche Maddie (JoAnna Garcia Swisher), Dana Sue
(Brooke Elliott) e Helen (Heather Headley) mentre affrontano i
cambiamenti nelle loro vite personali. La terza stagione di
Sweet Magnolias si è conclusa nel luglio 2023, con un
cliffhanger persistente, e il rinnovo è stato annunciato in
ottobre.
TVLine riporta che la stagione 4 di
Sweet Magnolias, composta da dieci
episodi, verrà distribuita su Netflix il 6
febbraio. La notizia della data di uscita è accompagnata
da foto di Maddie, Dana Sue e Helen, che sorridono e si godono la
reciproca compagnia. Ma la sinossi di Netflix lascia presagire un po’ di problemi. Guardate
le immagini qui sotto:
Cosa significa la quarta
stagione di Sweet Magnolias per lo show
Secondo la sinossi condivisa con le
foto, la quarta stagione diSweet
Magnoliassi sposterà da Halloween a
Natale. Si tratta di una prima volta per lo show di
Netflix, in termini di celebrazione delle
festività. Il ritorno del dramma romantico lascia presagire anche
un futuro al cardiopalma, con il trio principale alle prese con il
ritorno di vecchi nemici e la perdita di grandi amori. La sinossi
completa è riportata di seguito:
“La quarta stagione di Sweet
Magnolias ci porta da Halloween a Natale, con risate sorprendenti,
inaspettati batticuore e rinnovata determinazione lungo il
percorso.Mentre affrontano i colpi di scena delle loro vite
romantiche, Maddie, Dana Sue e Helen devono anche affrontare il
ritorno di vecchi nemici, la perdita di grandi amori e il dolore
del passaggio dai sogni del passato a quelli del presente.”
“Mentre gli uomini della loro
vita inseguono i propri sogni e le adolescenti fanno passi inquieti
verso l’età adulta, le Magnolie si sostengono l’un l’altra con la
risoluzione creativa dei problemi, l’impegno del cuore e, come
sempre, con i margarita settimanali.”
Nei prossimi episodi si affronterà
anche il fatto che Bill Townsend (Chris Klein) è il padre
biologico di Isaac (Chris Medlin). Ma a parte questo, non
c’è stata molta angoscia da risolvere per l’adattamento di Netflix.
Dana Sue e Ronnie (Brandon Quinn) hanno rinnovato i loro voti. Per
quanto riguarda Helen, ha preso il bouquet e ha fatto intendere una
potenziale storia d’amore con Erik (Dion Johnstone). Infine, Maddie
continua a frequentare Cal (Justin Bruening).
Il ritorno della serie porterà il
tappeto di benvenuto a uno dei titoli più importanti di Netflix,
che ha tranquillamente dominato le classifiche fin dal suo debutto
nel 2020. Anche se non tende a generare grandi titoli, il numero di
spettatori di Sweet Magnolias al suo massimo livello è
pari ad alcuni dei più grandi successi dello streaming.
La quinta stagione You
di vedrà il ritorno di Joe Goldberg (Penn
Badgley) e gli aggiornamenti confermano che l’ultima
stagione potrebbe essere la più emozionante di tutte. Per quattro
stagioni, Joe ha viaggiato attraverso gli Stati Uniti e l’Europa
alla ricerca delle sue ossessioni romantiche, lasciando dietro di
sé una scia di cadaveri. Provenendo da umili origini, il
carismatico serial killer ha dovuto fare affidamento sulla sua
astuzia e intraprendenza, ma ora che ha a portata di mano i
miliardi della sua ragazza Kate Lockwood (Charlotte
Ritchie), la quarta stagione si è conclusa con Joe in cima
al mondo.
Netflix ha rilasciato la
stagione 4 di You in due parti, con la seconda parte
in uscita il 9 marzo 2023. Oltre ad aver avuto accesso a una
fortuna, Joe è riuscito a incolpare di tutti i suoi crimini la sua
studentessa, la detective dilettante Nadia (Amy-Leigh Hickman).
Sebbene lui e Kate abbiano fatto voto di “mantenersi
buoni”, gli ultimi momenti della quarta stagione hanno visto
la ricomparsa dell’oscuro alter ego di Joe, Rhys Montrose (Ed
Speleers), confermando che Joe non ha intenzione di smettere di
uccidere. Joe potrà anche vivere una bella vita nella quinta
stagione di You , ma non ci resterà a lungo.
You – Stagione 5 – Ultime
notizie
Le riprese terminano per
l’ultima volta
Mentre la stagione finale continua
a prendere forma, le ultime notizie confermano che le riprese di
You stagione 5 sono terminate. Netflix ha condiviso la
notizia sul suo account ufficiale Instagram pubblicando un video di Penn Badgely che
arriva sul set, intervallato da alcuni momenti del processo di
ripresa. Pur essendo un’interpretazione umoristica del formato meme
“molto pudico. molto attento”, il post cattura anche il
momento storico in cui il programma di successo di Netflix si
prepara a cavalcare verso il tramonto.
Confermata la quinta stagione
di You
You stagione 5 è stata
ufficialmente confermata e sarà l’ultima uscita dello
show. Debuttato su Lifetime nel 2018, You ha
rischiato la cancellazione anticipata, poiché la rete ha deciso di
non rinnovarlo dopo la prima stagione. Tuttavia, You è
diventato un successo quando è stato rilasciato su Netflix, e la
piattaforma di streaming ha mantenuto lo show fino alla quinta
stagione, dove ha la possibilità di raggiungere una conclusione
adeguata.
You Stagione 5 Cast
Personaggi nuovi e di ritorno
per la stagione finale
Dal momento che You ruota
attorno alle buffonate mortali di Joe Goldberg, è scontato
il ritorno di Penn Badgley. L’attore ha anche commentato
il nuovo “potere” di Joe nella quinta stagione di You,
quindi l’assassino malato d’amore avrà la sua conclusione sullo
schermo. E dato che la quarta stagione ha avuto un finale da favola
per Joe e la sua amante Kate, è molto probabile che Charlotte
Ritchie riprenda il suo ruolo. Madeline Brewer, famosa
perHandmaid’s Tale, è
stata scritturata per il ruolo di Bronte, una giovane
drammaturga che lavora nella libreria di Joe e che gli provoca una
nostalgica crisi di fede.
Altri nuovi personaggi sono le
cognate gemelle di Joe, Reagan e Maddie Lockwood, entrambe
interpretate da Anna Camp, mentre il cognato di Joe, Teddy
Lockwood, sarà interpretato da Griffin Matthews. Sono state
annunciate altre new entry, tra cui Natasha Behnam nel ruolo della
ricca hipster di New York Dominique, e b nel ruolo del leale e
moralista Phoenix. Inoltre, Pete Ploszek interpreterà il cognato di
Joe, Harrison, mentre il Clayton di Tom Francis è descritto come un
amaro aspirante scrittore. Nava Mau è stata scelta per interpretare
il ruolo del detective Marquez e, sebbene non si conoscano i
dettagli esatti del suo personaggio, probabilmente darà la caccia a
Joe.
Dettagli sulla trama della
quinta stagione di You
Cosa succederà nell’ultima
uscita di Joe?
L’inizio e la fine dello show
a New York City sembrano una conclusione appropriata, ma il passato
di Joe nella Grande Mela sarà probabilmente la sua
rovina.
Sebbene Joe abbia concluso la
quarta stagione con un’agiatezza illimitata e una nuova immagine
pulita, è probabile che non rimarrà così. Anche se non farà parte
del team creativo della quinta stagione di You , la Gamble
ha anticipato il destino di Joe, affermando che una conversazione
frequente tra lei, gli sceneggiatori dello show, Berlanti e lo
stesso Badgley è che sarebbe “bello
concludere il suo arco con una qualche forma di
giustizia”.
“Abbiamo tenuto scrupolosamente
traccia di tutti coloro che sanno qualcosa su Joe e che non sono
morti.Ci sono persone molto intelligenti che sono vive.Alcuni di loro sono in prigione e altri sono praticamente nel
programma di protezione dei testimoni, ma non c’è motivo di credere
che sia al sicuro”.(viaTVLine)
L’introduzione
dell’aspirante drammaturga Bronte (Madeline
Brewer) probabilmente riattiverà le vecchie e subdole abitudini di
Joe, il che potrebbe fargli chiudere il cerchio. L’inizio
e la fine dello show a New York City sembrano una conclusione
appropriata, ma il passato di Joe nella Grande Mela sarà
probabilmente la sua rovina. La detective Marquez (Nava Mau) è un
nuovo personaggio per la quinta stagione e potrebbe essere la
persona determinata a distruggerlo una volta per tutte.
Trailer della quinta stagione
di You
Nel giugno 2024 è stato rilasciato
un
piccolo teaser nel formato “Tudum Teaser” di Netflix. In questo
teaser Penn Badgley parla ai fan e li ringrazia per aver
contribuito al successo della serie. Poi dà due importanti
indicazioni sulla nuova stagione 5 di You. In primo luogo,
Badgley menziona il ritorno di Joe a New York e, in secondo luogo,
accenna a un avversario che Joe dovrà affrontare nella stagione
finale. Non è chiaro se la quinta stagione
diYou introdurrà un nuovo conflitto per Joe o
se il suo passato tornerà a tormentarlo.
Eddie Redmayne tornerà nei panni
dello Sciacallo nella seconda stagione di
The Day of the
Jackal. All’inizio di questo mese, Peacock e Sky
hanno dato ufficialmente il via libera alla serie drammatica
thriller guidata da
Eddie Redmayne e Lashana Lynch. Basato sul romanzo di
Frederick Forsyth, l’adattamento di Ronan Bennett presenta un
massiccio cambiamento nel libro nel
finale della stagione 1 di Day of the Jackal, che vede
i destini dei protagonisti discostarsi dal libro.
Secondo Deadline, lo streamer e l’emittente britannica hanno
confermato il ritorno di Redmayne nei panni dell’assassino
protagonista nella seconda stagione de Il giorno dello
sciacallo. La notizia non è una sorpresa, vista l’importanza
dell’attore nel successo della serie e l’investimento che gli
spettatori fanno sullo Sciacallo. Per ora, il resto del cast non ha
confermato il proprio ritorno.
Cosa significa questo per Il
giorno dello sciacallo
La prima stagione ha
approfondito la storia dello Sciacallo e lo ha visto
compiere colpi in tutta Europa. Mentre lo Sciacallo avrebbe dovuto
incontrare la sua fine nel finale della prima stagione, quando si è
trovato faccia a faccia con Bianca, l’agente dell’MI6 di Lynch,
l’adattamento televisivo ha fatto in modo che il freddo assassino
vivesse un altro giorno. Tuttavia, questo significa anche che lo
Sciacallo si è lasciato alle spalle un enorme pasticcio per
laseconda stagione diDay of
the Jackal.
Redmayne ha già anticipato il suo
ritorno su Instagram, promettendo al pubblico che il suo assassino
titolare ha una scarsa tolleranza per le questioni in
sospeso, cosa che terrà lo Sciacallo occupato nella
seconda stagione. Il regista principale dello show, Brian Kirk, ha
anche offerto alcune informazioni sul drastico cambiamento del
libro nell’adattamento televisivo, ammettendo che “c’è stato un
investimento così intenso nel personaggio dello Sciacallo” e
che non sarebbe stato giusto che i suoi giorni finissero così
presto. Sebbene il ritorno di Redmayne sia stato previdente, la
conferma è un’ottima notizia per gli spettatori de Il giorno
dello sciacallo.
FOTO DI COPERTINA: Un primo piano
di Eddie Redmayne al BFI London Film Festival Luminous Gala a
Londra, Inghilterra – Foto di wirestock_creators via Depositphotos.com
Kevin Costner ha finalmente condiviso i suoi
pensieri sul finale della quinta stagione di Yellowstone.
Intitolato “La vita è una promessa”, l’episodio ha visto la
famiglia Dutton rinunciare al proprio diritto di proprietà sul
ranch di Yellowstone, adempiendo alla profezia, da tempo
annunciata, del prequel 1883, secondo cui la terra sarebbe
tornata ai suoi proprietari originari. Nel frattempo, Beth
(Kelly
Reilly) e Rip (Cole Hauser) partono
per un nuovo inizio in un ranch a Dillon, nel Montana, lasciandosi
alle spalle il loro sanguinoso riscatto a Yellowstone Ranch. Alla
fine, conflitti di programmazione sembravano suggellare
la decisione di Costner di lasciare, chiudendo il regno di John
Dutton come patriarca del ranch principale.
Quando il DailyMail.com gli ha chiesto la sua opinione sul
finale, Costner ha dato una risposta breve ma
sincera. L’uscita di scena dell’attore da
Yellowstone si era profilata nella seconda metà della
quinta stagione, segnando un drammatico cambiamento nella
narrazione dello show. La sua partenza ha anche scatenato ampie
speculazioni sui drammi dietro le quinte, dalle presunte divergenze
creative con il creatore della serie Taylor Sheridan alla crescente
attenzione di Costner per la regia e la partecipazione alla sua
serie di film epici western, Horizon.
Ecco cosa ha detto:
Non sto pensando [al finale di Yellowstone], non credo di
averci pensato, lasceremo perdere”.
Cosa significa la risposta di
Costner al finale di Yellowstone
L’indifferenza di Costner nei
confronti del finale evidenzia una forte tensione tra la sua uscita
dalla serie e i tentativi dello show di offrire una conclusione
significativa. Il
finale della quinta stagione di Yellowstone ha visto
Kayce Dutton vendere il ranch di famiglia al capo Thomas Rainwater,
mentre la terra torna ai suoi custodi indigeni. Se da un lato
questo ha segnato una fine poetica per la famiglia Dutton nel ranch
di Yellowstone, dall’altro è servito come transizione
simbolica, aprendo la strada a nuove storie nel crescente
universo neo-western di Sheridan.
Nonostante la fine della serie
principale, Sheridan ha in sviluppo diversi
spin-off. La
serie senza titolo incentrata su Beth e Rip dovrebbe continuare
la loro storia a Dillon, mentre altri progetti come 1944 e
6666 rimangono in varie fasi di pianificazione. La
produttrice esecutiva Christina Voros ha lasciato intendere che le
decisioni su questi spin-off dipendono dall’evoluzione delle
priorità creative di Sheridan.
Tuttavia, spin-off come la
miniserie 1883 e la
serie 1923,
quest’ultima guidata da Harrison Ford e Helen Mirren, hanno già
ampliato l’universo di Yellowstone approfondendo la storia
della famiglia Dutton nell’America del XIX e XX secolo. L’imminente
seconda stagione di 1923 e altri progetti come The
Madison promettono di esplorare ulteriormente questa eredità,
dimostrando l’impegno della Paramount a mantenere vivo il
franchise anche senza il suo protagonista originale.
La quinta stagione di You
ha ora una data di uscita ufficiale e nuovi teaser poster. Lo show,
basato sull’omonima serie di libri di Caroline
Kepnes, ha come protagonista Penn Badgley nei panni di Joe Goldberg, un
newyorkese che nel corso della serie perseguita diverse donne,
uccidendo spesso quelle che lo ostacolano. La quinta stagione di
You, che sarà la stagione finale della serie, presenta un
cast di supporto che include Madeline Brewer, Anna Camp,
Griffin Matthews, Nava Mau e le star di ritorno Charlotte
Ritchie e Tati Gabrielle che riprendono i loro ruoli
rispettivamente di Kate Galvin e Marienne Bellamy.
Sull’account ufficiale di
You X sono stati condivisi due teaser poster della
quinta stagione, insieme a una didascalia che conferma che
la “micidiale stagione
finale” dello show andrà in onda nel
2025. Guarda il post originale qui sotto:
Una locandina vede Joe che scruta
una raccolta di ritagli di giornale sulle sue vittime,
lasciando intendere che potrebbe essere catturato entro la
fine della serie. Sui ritagli sono cerchiate diverse
lettere, anche se non sembrano rappresentare un anagramma completo.
L’altro poster presenta una raccolta di prove dei suoi vari omicidi
insieme ad altri ritagli. Anche su questi ritagli sono cerchiate
delle lettere, che questa volta formano chiaramente l’anagramma di
“GOODBYE YOU”. I poster a grandezza naturale sono visibili
qui sotto:
L’estetica da “tavola degli omicidi” di entrambi i poster sembra
indicare che qualcuno è sulle tracce di Joe, considerando quanti
cadaveri sono stati lasciati sulla sua scia. Questo
potrebbe condannare Joe, soprattutto se si considera che
le foto del set di luglio lo ritraggono mentre viene accompagnato
nel retro di un’auto della polizia. Tuttavia, resta da vedere cosa
gli accadrà esattamente negli episodi finali, così come quale
membro del cast di You potrebbe essere responsabile di
questa indagine.
La quinta stagione di You
vede il ritorno di Joe nel suo territorio d’origine, New York City,
che potrebbe dare il via a questa indagine.
Sembra probabile che chi sta
raccogliendo queste prove sia un personaggio che ritorna dalle
stagioni precedenti. Ciò è stato evidenziato da un video teaser
della quinta stagione di You, pubblicato nell’ambito
dell’evento per i fan TUDUM di Netflix nel 2023, in cui Badgley ha affermato
che la stagione potrebbe presentare“questioni
in sospeso del passato di Joe”. Il
video includeva filmati di alcuni potenziali personaggi di ritorno
sopravvissuti all’incontro con Joe, come Marienne, Paco (Luca
Padovan), Ellie (Jenna Ortega) e i Conrad (Shalita Grant e Travis
Van Winkle), ma non mostrava altri sopravvissuti come Theo (Dylan
Arnold).
Thegamer.com ha riportato un
sondaggio per celebrare il millesimo capitolo di One
Piece. I lettori hanno espresso le loro
preferenze in merito al personaggio preferito della saga e
Shueisha, editore del manga, ha pubblicato i risultati.
Sebbene i membri della ciurma di
Cappello di Paglia dominino la lista, ci sono alcune piacevoli
sorprese, come alcuni dei compagni più fidati di Luffy, che il
personaggio incontra nel suo viaggio lungo la Grand Line.
Ecco i 10 personaggi più amati di One
Piece:
Sabo
Come erede del Frutto della
Fiamma, Sabo ha consolidato la sua posizione come uno dei
personaggi più popolari di One Piece, secondo i
fan. La sua reintroduzione in Dressrosa e il suo coinvolgimento nel
Reverie hanno ampliato la sua storia, rendendolo ancora più
simpatico.
Ora noto come “Imperatore della
Fiamma” e secondo in comando dell’Esercito Rivoluzionario, ha molto
da offrire nella serie per quanto riguarda lo sviluppo della trama
e il riempimento del vuoto lasciato da Ace.
Portgas D. Ace
Non appena Ace è stato
introdotto nell’arco di Alabasta, i fan si sono innamorati
perdutamente di lui. Il fratello maggiore di Luffy che si è curato
di lui non appena ha scoperto che si era guadagnato una taglia è
solo una delle caratteristiche sane che i fan amano di Ace Pugno di
Fuoco.
Purtroppo, il suo viaggio è stato
interrotto durante l’arco di Marineford, ma l’amore che i fan hanno
per lui non se ne andrà. Un utilizzatore di fuoco scioglierà sempre
i cuori dei fan degli anime ovunque.
Carrot
La presenza di Carrot in
questa lista è un dato abbastanza interessante, non sembrava che si
sarebbe classificata tra i primi dieci del sondaggio sulla
popolarità. All’inizio, sembrava un sollievo comico che avrebbe
completato Chopper nel reparto degli animali divertenti, ma ha
continuato a integrarsi così bene con la ciurma di Cappello di
Paglia, che i fan hanno iniziato a teorizzare che potrebbe essere
il prossimo personaggio ad unirsi a Luffy e alla sua ciurma.
Sebbene abbia iniziato come un
coniglio un po’ codardo, una volta rivelata la sua forma Sulong,
una trasformazione che i Minks possono subire con l’influsso della
luna piena, ha mostrato la sua vera natura di forte guerriera in
grado di proteggere i suoi amici e la sua terra.
Boa Hancock
L’unica pirata donna tra i
Sette Signori della Guerra del Mare, la Principessa Serpente, Boa
Hancock è uno dei capitani pirata più potenti che Luffy incontra.
Il suo atteggiamento duro verso gli uomini, unito al suo Frutto
dell’Amore-Amore, che può essere usato per trasformare le persone
in pietra, rende Hancock una delle preferite dai fan.
Essendo una pirata così forte con
poteri che ricordano da vicino la mitica Medusa, Eiichiro Oda,
autore di One Piece, ha dovuto fare qualcosa per evitare che i suoi
poteri sfuggissero di mano. Proprio come il resto del mondo,
Hancock si innamora del comportamento spensierato di Luffy.
Nico Robin
Iniziando come una cattiva
e la seconda in comando di Crocodile di Baroque Works, Nico Robin è
l’archeologa che fa parte della ciurma di Cappello di Paglia e
l’unica dell’equipaggio in grado di decifrare i misteriosi
poneglifi.
Robin ha mangiato il Frutto del
Fiore-Fiore, che le ha dato la capacità di replicare qualsiasi
parte del suo corpo su qualsiasi superficie. Sebbene cerchi di
evitare il combattimento la maggior parte del tempo, si è allenata
sotto Koala dell’Esercito Rivoluzionario per imparare il Karate
dell’Uomo-Pesce, diventando abile in combattimento come tutti i
membri della ciurma di Luffy.
Trafalgar Law
Il ragazzo più cupo e
nervoso della serie, Trafalgar Law ha un motivo per essere così
freddo con tutti. Ha una delle storie più tristi della serie e uno
dei poteri più forti del Frutto del Diavolo.
Utilizza il Frutto Op-Op, che
consente a Law di creare una “sala operatoria” dove può tagliare e
spostare qualsiasi cosa al suo interno a suo piacimento. Può
persino garantire a chiunque la vita eterna tramite un intervento
chirurgico che costa la vita al possessore.
Sanji
Come una delle ali del
futuro re dei pirati, Black Leg Sanji merita di essere così in alto
nella lista. Non solo è l’unico cuoco che riesce a tenere il passo
con la fame vorace di Luffy, ma può anche tirare un calcio o due a
qualsiasi nemico gli si pari davanti, a meno che non siano donne,
ovviamente.
Senza l’uso di un Frutto del
Diavolo, Sanji è stato in grado di difendere il suo capitano e di
aiutarlo a rimanere in vita durante i loro viaggi nel Nuovo
Mondo.
Nami
Probabilmente il membro più
importante di Cappello di Paglia e la ragione del successo
dell’equipaggio è Nami. Senza l’aiuto del navigatore
nell’attraversare i mari ruggenti, l’equipaggio, metà del quale non
sa nuotare, sarebbe morto in acqua.
Anche se tende a scappare dalla
maggior parte dei combattimenti temendo per la sua vita, la sua
intelligenza e la sua conoscenza del meteo l’hanno aiutata in
alcune battaglie ardue. Inoltre, essere uno dei primi pirati di
Cappello di Paglia ha un posto speciale nel cuore dei fan.
Soprattutto con il suo ruolo durante il segmento a Arlong Park.
Roronoa Zoro
Zoro è il primo Pirata di
Cappello di Paglia che Luffy recluta nel suo viaggio per diventare
il re dei pirati, ma è anche uno dei motivi principali per cui ha
avuto successo finora. Zoro sta navigando per vedere Luffy
diventare il re, ma anche per mantenere la promessa fatta alla sua
defunta amica, di diventare il più grande spadaccino del mondo.
Usando il suo iconico “stile a tre
spade”, l’ex cacciatore di taglie è in grado di abbattere qualsiasi
nemico con l’aiuto delle sue leggendarie lame.
Monkey D. Luffy
Il capitano in persona. È
ovvio che il protagonista sarà il personaggio più popolare della
serie, ma non potrebbe essere più vero con Luffy. Monkey D. Luffy
esemplifica tutto ciò che la serie rappresenta: vera e assoluta
libertà.
Il ragazzo spensierato ed elastico
può sembrare incurante, ma il suo comportamento può cambiare
rapidamente quando scopre che le persone sono in pericolo o vengono
denigrate da un oppressore nel loro paese. I protagonisti shonen
sono sempre caratterizzati da un cuore puro, ma quello di Luffy è
il più puro possibile.
La società di produzione
indipendente A24 si è fatta una reputazione per la
pubblicazione di un’ampia varietà di film ampiamente acclamati, ma
i film horror di A24 rimangono un punto di forza della società. È
improbabile che una società possa affermare di aver avuto un
impatto maggiore sul genere horror nell’ultimo decennio rispetto ad
A24. Dopo aver messo il suo nome sulla mappa negli anni 2010, la
società ha continuato a pubblicare diversi film ogni anno, ma
rimane principalmente conosciuta per i suoi film horror A24.
Le uscite di A24 includono alcuni
dei film horror più discussi dell’ultimo decennio,
come Hereditary, Midsommar e The Lighthouse. I film horror di A24 hanno
rivoluzionato il genere horror negli anni successivi al 2010,
portando una nuova era all’horror e introducendo temi sociali e
culturali molto rilevanti per la società moderna. Quando si parla
di film horror A24 è specializzata sia in film horror intelligenti
e di alto livello che in storie bizzarre che la maggior parte delle
case di produzione non toccherebbe mai.
È raro che i film horror di A24
vengano definiti piatti, ma una delle sue uscite più derise è stata
False Positive del 2021. Il film non è affatto brutto o
inguardabile, solo non è all’altezza degli standard
abituali degli horror di A24. Uscito direttamente su Hulu,
Falso positivo sembra inizialmente una rivisitazione in
chiave moderna di Rosemary’s Baby e, anche se alcuni
elementi sono certamente presenti, la vera verità che si cela
dietro la gravidanza programmata di Lucy (co-sceneggiatrice e
protagonista Ilana Glazer) è probabilmente ancora più
inquietante.
La Glazer è brava nel suo ruolo,
così come Justin Theroux nel ruolo del marito e Pierce
Brosnan nel ruolo del malvagio medico della fertilità. A differenza
della maggior parte delle proposte horror di A24, però, Falso
positivo si sente molto più derivato da opere di genere
passate, e la sua storia non viene portata a una conclusione
pienamente soddisfacente. La sua valutazione su Rotten Tomatoes è
di un basso 47%.
Tusk (2014)
Scritto e diretto dal famoso
regista Kevin Smith, Tusk segue un podcaster comico
americano che si reca in Canada per un’intervista. Ben presto
diventa vittima di uno scienziato pazzo che cerca disperatamente di
ricreare il suo amico tricheco mutilando le persone e infilandole
in una tuta di tricheco fatta di pelle umana. L’offerta
strabiliante di Kevin Smith al genere horror ha un
tono talmente sbilanciato che gli aspetti
comici e orrorifici potrebbero appartenere a due film
diversi.
Il film avrebbe potuto funzionare
bene come film horror serio o anche come episodio avvincente di una
serie come Criminal Minds con un body horror alla
Cronenberg. Il risultato è stato qualcosa di molto polarizzante,
anche se Tusk ha ricevuto recensioni contrastanti, con la
critica che ne ha lodato l’atmosfera e le immagini. Ha colto di
sorpresa molti fan di Kevin Smith grazie alla bizzarra
rivisitazione del genere.
Slice (2018)
Commedia horror ambientata in una
piccola città dove umani e bestie soprannaturali come fantasmi,
streghe e lupi mannari convivono in semi-armonia, il film horror di
A24 Slice segue una serie di omicidi che hanno luogo nella
pizzeria locale, mentre gli autisti delle consegne vengono uccisi
uno a uno. La commistione tra commedia e horror inSliceè sapientemente
stabilita, offrendo un’esperienza sciocca e assolutamente
piacevole mentre Zazie Beets e Chance the Rapper
cercano di rintracciare l’assassino e di consegnarlo alla
giustizia.
The Blackcoat’s Daughter
(2015)
Un collegio femminile che
chiude durante le vacanze invernali vede due giovani donne
abbandonate, mentre un’altra ragazza lascia l’ospedale per tornare
nello stesso collegio in The Blackcoat’s Daughter. Questo
horror psicologico soprannaturale è certamente una scelta
sottovalutata di A24, ma il colpo di scena porta a un finale
confuso che ha fatto sì che l’accoglienza della critica rimanesse
nella media. Le recensioni positive hanno definito il film
lento e d’atmosfera, mentre quelle negative hanno detto
che il film si è basato soprattutto sul suo colpo di scena
finale.
Life After Beth (2014)
Una commedia romantica e horror,
Life After Beth si rifà alla classica tradizione degli
zombie quando un giovane uomo, la cui fidanzata è appena morta,
scopre che la sua amante è tornata dalla morte, senza alcun ricordo
del suo decesso. Purtroppo, anche se all’inizio la ragazza sembra
stare bene, ben presto inizia a subire una terrificante
trasformazione. Sebbene Life After Beth abbia i suoi
momenti comici e campanilistici, un film meno riuscito che avesse
trattato lo stesso materiale narrativo avrebbe potuto sconfinare
nel ridicolo.
Questo film horror di A24 è
essenzialmente una svolta macabra di 500 Days of Summer,
che, sorprendentemente, funziona abbastanza bene. Anche se il film
non ha ricevuto le migliori recensioni, rimane un classico
di culto e qualcosa di molto diverso nel genere horror
zombie.
The Hole In The Ground (2019)
The Hole in the Ground
segue una giovane madre, Sarah, e suo figlio, Chris, mentre si
trasferiscono in una nuova città. Ma quando Chris scompare nella
foresta una notte, ritorna solo per iniziare a comportarsi in modo
strano, portando Sarah a credere che non sia affatto suo figlio.
Questo film horror irlandese, ricco di suspense, presenta alcune
grandi scene nella grotta sotterranea e rappresenta uno dei pochi
film horror decenti su un vero e proprio changeling mitologico.
Tuttavia, alcuni hanno criticato
The Hole in the Ground come un po’ insipido e monocorde,
soprattutto rispetto ad altri film horror di A24. Nonostante ciò,
il film ha ottenuto un punteggio molto alto, pari all’83%, su
Rotten Tomatoes, e i critici ne hanno lodato
l’originalità.
Enemy (2014)
Primo film horror di A24, Enemy è un thriller surrealista diretto da Denis
Villeneuve e interpretato da Jake Gyllenhaal nel ruolo di Adam Bell e
Anthony Claire. Il film segue un insegnante di storia un po’
scapestrato, Adam Bell, che scopre un attore minore identico a lui.
Adattamento della pluripremiata novella The Double di Jose
Saramago, Enemyè un esercizio di
manipolazione del pubblico e, secondo alcuni, uno dei film
più sottovalutati degli anni 2010.
Il film evoca un senso di ansia
palpabile e mantiene il pubblico in attesa. Detto questo, il finale
cade a fagiolo, rendendo il film confuso. Tuttavia, i fan che hanno
imparato a conoscere Villeneuve grazie a film come Dune e Blade Runner 2049 dovrebbero dare
un’occhiata a questo film. È la prova che un giorno il regista farà
grandi cose.
Beau Is Afraid (2023)
Ari Aster si è fatto un nome con i
film horror di A24, avendo diretto due dei migliori film di tutti i
tempi, Hereditary e Midsommar. Tuttavia, alcuni hanno ritenuto che ci sia
stato un passo indietro con il suo film del 2023, Beau
is Afraid. Il film ha come protagonista Joaquin Phoenix
nei panni di un uomo di mezza età con problemi di ansia che deve
prendere un volo per andare a trovare sua madre, ma ha paura di
lasciare il suo appartamento. Quando finalmente parte per il
viaggio, tutto ciò che potrebbe andare storto accade, e finisce per
essere rapito da una coppia che non lo lascia andare via.
Il film è uno sguardo astratto
sulle lotte mentali di Beau e mostra come i dubbi su se stessi, la
paura e l’ansia possano quasi affogare una persona se non viene
curata. Tuttavia, il film ha ricevuto recensioni
contrastanti e molto polarizzate, con molte persone che
hanno respinto i temi trattati e hanno affermato che Aster ha
realizzato un film autoindulgente ed eccessivamente farcito.
Phoenix ha ricevuto una nomination ai Golden Globe per la sua
interpretazione.
Men (2022)
Il film horror Men di
A24 segue la giovane vedova Harper (Jessie
Buckley), che decide di fare un viaggio nella campagna inglese.
Tuttavia, al suo arrivo, sembra che qualcuno – o qualcosa – la stia
perseguitando. Il film, diretto dal regista Alex Garland
(Ex
Machina), è stato accolto da recensioni mediocri, ma gli
aspetti positivi di Men sono stati molti. Il cast ha
intrecciato una storia intrigante e il suo tono voyeuristico è
cresciuto fino alla frenesia del finale.
Detto questo, Men
halasciato troppo ambiguo il film
ed è stato così simbolico che gli spettatori occasionali hanno
avuto difficoltà a decifrarne il significato. Nonostante ciò, il
film ha vinto il premio per i migliori effetti speciali ai British
Independent Film Awards e sia Jessie Buckley che Rory Kinnear hanno
ottenuto una nomination ai Critics Choice Super Awards. Non si
trattava dell’opera magna di Garland, ma ha dato al regista la
possibilità di fare qualcosa di sovversivo e innovativo, grazie ai
cervelloni di A24.
Uscito nel 2021, l’horror islandese
Lamb è uno degli sforzi più strani di A24.
Noomi Rapace e Hilmir Snær Guðnason interpretano una
coppia di agricoltori che inizia ad allevare una bizzarra creatura
ibrida pecora/uomo che chiamano Ada, dopo che una delle
loro pecore l’ha partorita. Come ci si potrebbe aspettare, questo
strano accordo si trasforma rapidamente in mania, portando alla
rivelazione finale di cosa esattamente abbia generato Ada.
Sebbene sia considerato un po’
troppo strano per il suo stesso bene,
Lambvanta un’ottima
interpretazione della Rapace e ha meritatamente ottenuto
un ampio consenso. Iceland è stato candidato agli Academy Awards,
ma non è stato scelto come finalista per il premio. L’unico grande
problema del film è che molti critici e spettatori hanno trovato il
soggetto un po’ troppo astratto e oscuro, ma le persone che hanno
apprezzato Lamb lo ammirano per le stesse ragioni.
Y2K (2024)
In 2024, il regista Kyle Mooney ha
voluto creare un omaggio all’assurdo panico che ha travolto
il mondo nel 1999 con il film Y2K. Il film si
basa sulla convinzione che i sistemi informatici si sarebbero
bloccati con l’arrivo dell’anno 2000, a causa del fatto che molti
sistemi operativi non erano stati impostati per comprendere la
differenza tra il 1900 e il 2000. La gente credeva che i computer
si sarebbero spenti, gli aerei sarebbero caduti dal cielo, gli
ospedali sarebbero diventati neri, uccidendo i pazienti, e il mondo
sarebbe precipitato nel caos.
A partire da queste paure, Mooney
ha creato una commedia horror in cui la fine è arrivata, ma in modo
diverso. I computer e l’elettronica diventano senzienti e iniziano
a uccidere gli esseri umani, quasi come nel classico cult
Maximum Overdrive. Con alcuni volti noti, tra cui
Alicia Silverstone, Rachel Zegler e Fred Durst, il film è
uno sguardo comico su uno scenario apocalittico. Tuttavia, secondo
la critica, il film è rimasto uno dei film di fascia media di A24,
anche se è stato certificato fresco su Rotten Tomatoes.
Bodies Bodies Bodies
(2022)
Bodies Bodies Bodies vede
un cast di ventenni organizzare una festa contro l’uragano in una
villa isolata. Tuttavia, proprio quando la festa ha inizio, le
persone iniziano a essere uccise una ad una. Bodies Bodies
Bodies ha ottenuto un buon risultato in termini di recensioni,
visto che il punteggio attuale su Rotten Tomatoes è dell’85% per la
critica e del 69% per il pubblico. L’horror/commedia ha un
cast giovane e incredibile e un’arguzia tagliente come un
rasoio.
Tuttavia, alcuni critici non sono
stati dello stesso parere. La mancanza di indizi ha reso il
mistero particolarmente difficile da seguire, e la
lentezza della messa in scena non ha favorito la riuscita di
Corpi e corpi. Detto questo, il film è stato apprezzato da
molti fan e ha guadagnato un pubblico ancora più numeroso quando è
arrivato in streaming, con elogi per il cast, tra cui un Pete
Davidson sorprendentemente divertente. Il film ha cercato di
satireggiare l’alta società, ma non ha sempre centrato le critiche
ed è stato apprezzato soprattutto per i suoi aspetti slasher.
Climax (2018)
L’esperienza drammatica
cinematografica unica di Gaspar Noe, Climax, presenta tecniche cinematografiche innovative,
ballerini professionisti senza esperienza di recitazione e una
qualità surreale e onirica che rende l’intero film diverso da
qualsiasi cosa gli spettatori abbiano visto prima. La storia segue
un corpo di ballo che organizza una festa dopo le prove e scopre
che qualcuno ha aggiunto del punch all’LSD. Quello che segue è un
caotico e terrificante caos di persone che cercano di far fronte
alla situazione, mentre tutti scendono in uno stato mentale di
forte agitazione.
Il film che ne risulta è unico,
soprattutto tra i film horror di A24, ma è davvero un’esperienza
horror eccezionale che mette in luce i terrori della vita reale.
Climaxha vinto l’Art Cinema
Award a Cannes ed è stato premiato in diverse cerimonie
cinematografiche europee. Mentre il cast ha ricevuto elogi e lo
stile del regista è stato riconosciuto, l’eccessiva dipendenza del
film dalla violenza è stata spesso la principale critica al suo
status tra gli altri film di A24.
Into The Forest (2016)
Seguendo due sorelle che vivono in
una casa isolata nei boschi, Into the Forest esplora i
temi della famiglia, della sopravvivenza e del trarre il massimo da
ciò che si ha. Into the Forest si svolge in un futuro
prossimo, con Elliot Page e Evan Rachel Wood nei panni di due
sorelle giovani e adulte e Callum Keith Rennie nel ruolo del padre,
che le ha trasferite nella natura selvaggia in una casa che ha
costruito a mano.
Il film è un bellissimo,
straziante e suggestivo sguardo sulla famiglia e sulla
sopravvivenza, e porta avanti lo stile caratteristico di A24: un
horror ben realizzato e a fuoco lento.
Ma quando una massiccia
interruzione di corrente in tutto il continente porta a un collasso
tecnologico in tutta la regione, i fratelli devono superare e
sopravvivere da soli, con l’aiuto l’uno dell’altro. Il film
è un bellissimo, straziante e suggestivo sguardo sulla famiglia e
sulla sopravvivenza, e porta avanti lo stile
caratteristico di A24: un horror ben realizzato e a fuoco lento.
Essendo uno dei primi film di A24, da allora è stato per lo più
dimenticato, anche se la critica ha elogiato Page e Wood per le
loro interpretazioni.
The Monster
(2016)
The Monster è incentrato
su una madre e una figlia bloccate su una remota strada boscosa
quando la loro auto si rompe durante un viaggio per andare a
trovare il padre della figlia. Tuttavia, mentre le due aspettano un
carro attrezzi e un’ambulanza, iniziano a rendersi conto di non
essere sole nel bosco, poiché una grande creatura nera simile a un
cane inizia a dar loro la caccia.
La rappresentazione toccante e
straziante della relazione abusiva e codipendente tra madre e
figlia è ripresa dal mostro, che deve superare le proprie
difficoltà per sopravvivere alla notte. Il film ha ricevuto il
plauso della critica, con un punteggio dell’80% su Rotten Tomatoes.
I critici hanno sottolineato l’ambientazione e le
interpretazioni come punti di forza di una storia molto
spaventosa, lodando l’atmosfera e l’interpretazione dei
due attori Zoe Kazan ed Ella Ballentine, che hanno dovuto sostenere
l’intero film sulle loro spalle.
It Comes At Night (2017)
It Comes at Night è un
film horror post-apocalittico che racconta di una famiglia
che vive in una remota casa nella foresta mentre una malattia
altamente contagiosa devasta la terra. Tuttavia, quando
una notte il patriarca della famiglia scopre un uomo che si
introduce nella loro casa in cerca di acqua, le due famiglie
finiscono per unire le forze per sopravvivere, solo per scoprire
che il vero orrore viene dall’interno.
Il film è girato magnificamente e
presenta alcune grandi sequenze da incubo, oltre a
un messaggio attuale. La critica ha elogiato il film, sottolineando
la sua storia scarna e la capacità di creare spaventi sulla base di
ciò che non viene mostrato sullo schermo. Il giovane protagonista
Kelvin Harrison Jr. ha anche ottenuto una nomination come attore
emergente ai Gotham Independent Film Awards. It Comes at
Night è diventato uno dei film più popolari di A24 grazie al
suo passaggio su Netflix, dove molti lo hanno riscoperto.
X (2022)
Uno dei film horror di maggior
successo di A24 è il film di Ti West, X. Una nuova
versione di un classico slasher, X
segue un gruppo di persone che cercano di girare un film porno
nel Texas rurale durante gli anni ’70. Dopo aver trovato una
fattoria di proprietà di una coppia di anziani, il gruppo inizia a
essere ucciso uno per uno. X si avvale di un cast
straordinariamente forte, con volti noti come Mia Goth, Jenna
Ortega e Brittany Snow.
L’unico problema diX è che
forse è troppo esplicito. Nonostante l’apertura con recensioni
positive, alcuni critici hanno trovato che X sia
ostacolato piuttosto che aiutato dalla sua autoconsapevolezza del
genere slasher e, purtroppo, alcuni dei tropi satirizzati un po’
troppo bene. Tuttavia, la critica ha elogiato la
Goth, che ha fatto il doppio lavoro con due ruoli, e il
film ha ottenuto un sequel pochi mesi dopo. Mia Goth ha continuato
a girare altri due film del franchise, Pearl e
MaXXXine, dimostrando che la sua performance qui era solo
un presagio delle cose a venire.
Talk to Me
(2022)
Il film horror Talk to Me
(2022) di A24 ha preso il genere della possessione demoniaca e
dello slasher movie e lo ha stravolto. Questo è stato un po’
sorprendente, dato che i registi, i fratelli australiani Danny
Philippou e Michael Philippou, prima di realizzare questo film
erano noti soprattutto come creatori di contenuti shock per
YouTube. Il risultato è stato un film spaventoso, creativo
e uno dei migliori film horror del 2023. Il film è
incentrato su un braccio mozzato che gli adolescenti credono possa
permettere loro di parlare con i morti se afferrano la sua
mano.
Il problema è che questo è vero e
se qualcuno lo tiene troppo a lungo, i morti hanno la possibilità
di connettersi con l’ospite e prenderne il controllo. Quando i
giovani che lo usano a una festa iniziano a morire, è chiaro che
uno di loro ha portato i morti da questa parte. Ciò che rende il
film ancora più impressionante
è il finale di Talk to Me, che prevede un possibile
sequel.
In Fabric (2018)
In Fabric è uno
straordinario film horror di A24 – una commedia di fantasmi di
Peter Strickland (Berberian Sound Studio, Duke of
Burgundy) che segue il viaggio di un vestito maledetto che
passa da persona a persona. Può essere descritto come una
sorta di remake giallo diThe Sisterhood of
the Traveling Pants, con musica synth, immagini
surreali e colori vivaci e gialli.
Sebbene gran parte di In
Fabric sia un horror, il film inserisce in modo intelligente
un po’ di commedia per rendere l’idea del vestito infestato, e
l’intero film funziona magnificamente. Il film ha un’alta
valutazione del 91% suRotten
Tomatoes ed è stato nominato uno dei migliori film
del 2019 da Sight & Sound. I critici hanno elogiato il
film, affermando che offre un’arguzia secca in modi sorprendenti e
ha un senso dell’umorismo distorto e contorto che non ha nulla a
che vedere con il genere horror dell’epoca.
MaXXXine
(2024)
Terzo film della serie X
di Ti West,
MaXXXine riprende il ruolo di Maxine Minx, l’unica
sopravvissuta del primo film. Dopo aver lavorato nell’industria del
porno, Maxine cerca ora di sfondare come star del cinema
tradizionale. Mentre si muove nello squallido mondo della
Hollywood degli anni ’80, Maxine si ritrova nel mirino di un
brutale assassino.
Sebbene
MaXXXine abbia una colonna sonora piena di pezzi anni
’80 e sia sicuramente il più rumoroso e massimalista dei
film di X , il suo tono irregolare è stato criticato dalla
critica, che concorda sul fatto che sia il più debole dei film di
West per A24. Ma il pubblico è stato un po’ più clemente e
MaXXXine è il film di X che ha incassato di più
fino ad oggi, con 22 milioni di dollari al botteghino mondiale.
Mia Goth è ancora affascinante come sempre e si è guadagnata la
corona di regina delle urla di Hollywood.
Il sacrificio del cervo sacro
(2017)
In questa rivisitazione moderna di
una classica tragedia greca,
Il sacrificio del cervo sacro (The Killing of a Sacred
Deer) segue un chirurgo che fa amicizia con un adolescente per
il senso di colpa di non essere riuscito a salvare il padre dalla
morte sul tavolo operatorio. Ben presto, però, il chirurgo scopre
che il coinvolgimento del ragazzo nella sua vita è molto più
sinistro della ricerca di un modello maschile nel campo della
medicina.
Sebbene all’inizio il dialogo
stentato sia un po’ fuori luogo, il pubblico si ritrova rapidamente
coinvolto nella famiglia e nella storia, man mano che le cose si
fanno sempre più strane e oscure. Il film ha ricevuto recensioni
per lo più positive, con un punteggio del 79% su Rotten Tomatoes.
Ha ottenuto anche molti riconoscimenti
dalla critica, vincendo il premio per la miglior sceneggiatura al
Sundance e ottenendo tre nomination agli European Film
Awards. Yorgos Lanthimos è diventato un regista di culto e il suo
talento gli è valso il riconoscimento dell’Oscar.
Green Room (2015)
Green Room segue una band
punk che si ritrova in un club isolato gestito da skinhead
neonazisti, il che sarebbe già abbastanza grave, ma quando
assistono accidentalmente a un omicidio sul posto, si ritrovano
sotto l’attacco dei nazisti. Interpretato dal compianto Anton
Yelchin, da Joe Cole, Imogen Poots e da un cattivo
Patrick Stewart, il film è teso, ricco di azione e
assolutamente emozionante.
Anton Yelchin, nel suo ultimo ruolo
cinematografico prima della morte, offre un’interpretazione
straordinaria di Pat, il bassista e protagonista maschile. Mentre
la maggior parte dei film horror di A24 ha una sorta di colpo di
scena o di stratificazione di surrealismo e metafore, Green
Room contraddice la tendenza degli studios, essendo un film
horror diretto, realizzato in un modo fresco, grintoso ed efficace.
Il film è oscuro e inquietante nei modi giusti ed
è un po’ più diretto di molti film horror di A24, ma è comunque un
capolavoro.
Pearl (2022)
Mia Goth in una scena di Pearl
Raramente un sequel fa meglio del
suo predecessore, ma il prequelX,
Pearlha ricevuto ancora più
elogi. Mia Goth è tornata a interpretare il personaggio
principale di Pearl, come aveva fatto in X, dove
interpretava sia l’anziana Pearl che Maxine. Il film segue
l’omonimo personaggio mentre vive nella stessa fattoria di X
durante la prima guerra mondiale. Pearl vuole solo diventare
una star e non si fermerà davanti a nulla per assicurarsi che ciò
accada.
Il motivo per cui Pearl
supera X è che non si affida così pesantemente ai tropi
dello slasher, trovando invece la maggior parte del suo orrore
cupamente umoristico nell’ambientazione storica.
Pearlè davvero un orribile
studio sul personaggio di una donna ambiziosa e violenta e
sui mezzi che usa per ottenere ciò che vuole. La cosa importante da
ricordare è che Mia Goth è l’MVP di questo franchise e
Pearl le offre molta più carne da masticare nella sua
interpretazione. Non è così sporco e torbido come X, ma è
più stratificato e dinamico.
Under The Skin (2014)
Under the Skin è un film
horror di A24 con
Scarlett Johansson nel ruolo di un’extraterrestre che,
travestendosi da donna umana, seduce e rimorchia uomini in Scozia.
Liberamente basato sul romanzo Under the Skin di Michael
Faber, questo film di A24 è un’immagine bellissima e
ossessionante di una prospettiva aliena sul mondo umano.
Under the Skin è stato premiato per l’interpretazione
della Johansson, la regia di Glazer e la colonna sonora di Mica
Levi.
Anche se il messaggio potrebbe
essere perso per alcuni, il film è uno sguardo profondamente
toccante sull’esperienza umana e mette in luce alcune interessanti
e complicate esperienze di politica di genere. Under the Skin è stato un fallimento al botteghino, ma
la critica lo ha apprezzato e ha lodato sia l’interpretazione della
Johansson che la regia di Glazer, mentre la BBC lo ha definito uno
dei migliori film del 21° secolo. Il film è stato nominato per due
premi BAFTA, tra cui Outstanding British Film.
Saint Maud (2019)
Uno dei film horror A24 più
acclamati finora,
Saint Maud del 2019 non è stato distribuito in Nord
America fino al gennaio 2021, a causa di diversi ritardi.
Fortunatamente, molti hanno trovato questa miscela di body horror e
thriller psicologico degna dell’attesa. La trama di base vede la
protagonista Maud, infermiera in un ospizio e da poco convertita al
cattolicesimo, credere di dover salvare l’anima della sua paziente
morente, un’ex ballerina. Le cose non sono così semplici come
questa sinossi potrebbe far pensare, nella trama a più livelli di
Saint Maud .
Morfydd Clark si è guadagnata un
elogio particolare per la sua interpretazione da protagonista,
mentre la scrittrice/regista esordiente Rose Glass è stata indicata
da molti come una regista horror da tenere d’occhio. Saint
Maud ha anche attirato paragoni positivi con il precedente
film di A24, Under the Skin. Saint
Maudha ottenuto 17 nomination ai British
Independent Film Awards, vincendo come miglior regista
esordiente e miglior fotografia.
The Lighthouse (2019)
Questo film horror di A24,
sorprendentemente artistico, è un thriller psicologico
drammatico a due personaggi. The Lighthouse di Roger Eggers ha come protagonisti
Willem Dafoe e Robert Pattinson nei panni di una coppia di
guardiani del faro che lottano per mantenere la loro sanità mentale
mentre rimangono isolati insieme su una remota isola del New
England nel 1890. Originariamente pensato come un adattamento del
frammento di Edgar Allen Poe “The Light-House”, il film finale
ha poca somiglianza con lo scritto, tranne che per il titolo.
Le interpretazioni di
Pattinson e Defoe sono spettacolari e fanno la differenza nel film,
contribuendo a costruire l’atmosfera di isolamento, tensione e
perdita della sanità mentale.
Il film è più direttamente ispirato
a un incidente avvenuto nel XIX secolo al faro di Smalls, in
Galles, che coinvolse due guardiani del faro, entrambi di nome
Thomas. Le interpretazioni di Pattinson e Defoe sono
spettacolari e fanno la differenza nel film, contribuendo
a costruire l’atmosfera di isolamento, di tensione e di perdita
della sanità mentale. La storia esplora i temi dell’analisi
psicologica freudiana e junghiana, così come la mitologia greca
classica, l’alcolismo e la sessualità attraverso una lente surreale
e a tratti lovecraftiana che risulta efficacemente
agghiacciante.
Midsommar (2019)
Secondo film di Ari Aster, Midsommar è considerato da molti il film
horror di A24 che ha catapultato lo studio alla ribalta del
genere. Midsommar segue un gruppo di amici che si
reca in Svezia per un festival che si svolge ogni 90 anni, solo per
ritrovarsi in una cerimonia sacrificale. Sebbene la premessa sia
molto più lineare rispetto al suo primo film, con una linea di
trama chiara dall’inizio alla fine, il film presenta lo stile
caratteristico di Aster di esplorare l’esperienza umana come
orrore.
Trattando i temi del dolore,
dell’amore, dell’abuso e della famiglia, il film è uno sguardo
toccante sulla fine di una relazione malsana attraverso la lente di
un culto religioso omicida. Il film è inoltre
caratterizzato da un
finale che lascia a bocca aperta e che rimarrà
impresso nello spettatore. Midsommar è un film che merita
di essere visto più volte, perché Ari Aster ha aggiunto molto al
film per arrivare alla sua conclusione da brivido. Il film presenta
anche una delle migliori interpretazioni di Florence Pugh in un
film che deve molto a The Wicker Man.
The Witch (2015)
Un horror popolare ambientato nel
1630 nel New England, il film horror di A24 The Witch si
concentra sulla vita del colono inglese William e della sua
famiglia, banditi dalla colonia puritana di Plymouth a causa di una
disputa religiosa. Tuttavia, una tragedia dopo l’altra si abbatte
sulla già difficile vita della famiglia quando il loro bambino
appena nato, Samuel, viene rapito da qualcosa proveniente dalla
foresta.
Ben presto la famiglia si scaglia
l’una contro l’altra, accusando la figlia maggiore di stregoneria.
Il film dipinge un quadro bello e desolante dei primi
coloni americani del XVII secolo, delle loro credenze e
della loro cultura, compresi i legami con il processo alle streghe
di Salem, e anche dell’esperienza delle donne sia in quel periodo
che ai giorni nostri, poiché i temi possono essere facilmente
applicati a entrambi. Il film può essere difficile da guardare, ma
ne vale la pena per vedere il vero orrore che spesso manca nelle
offerte più mainstream del genere.
Hereditary (2018)
Hereditary è ancora il
miglior film horror di A24 finora ed è uno dei film horror più
apprezzati degli ultimi anni. Il capolavoro di Ari Aster
esplora i traumi generazionali e le dinamiche familiari
attraverso gli occhi della famiglia Graham. Quando la matriarca
muore, la figlia inizia a scoprire segreti davvero terrificanti sul
destino che ha ereditato. Il successo diHereditaryrisiede
nella sua atmosfera, con una superba interpretazione di Toni
Collette che crea tensione per tutta la durata del film.
Con oltre 80 milioni di dollari a
fronte di un budget di 10 milioni, Hereditary è diventato il film di maggior incasso di
A24, e per una buona ragione. Hereditary non è solo un
film horror cosiddetto “di alto livello”, che trasmette messaggi
toccanti sulla salute mentale e sui traumi generazionali, ma è
anche un film genuinamente spaventoso che rimane impresso allo
spettatore per molto tempo dopo la sua conclusione.
Hereditary si rifà a classici dell’horror come
L’esorcista e Rosemary’s Baby, portandoli
nell’era moderna, il meglio della produzione horror di
A24.
The
Lighthouse di Robert Eggers si è trasformato in uno
dei film horror più memorabili del 2019, ma il potente film deve in
realtà molto a Edgar Allen Poe.
Robert Eggers sta rapidamente
diventando un nome importante nel genere horror, poiché il suo
approccio più paziente allo stile cinematografico gotico ha
funzionato molto bene per il regista. Mentre molti film dell’orrore
si concentrano sempre più spesso su spaventi a raffica o su effetti
speciali dilaganti, Eggers crea continuamente incubi d’atmosfera
come The Witch e The Lighthouse.
The Lighthouse,
il
film di Eggers che fa seguito a
The Witch, può essere un’opera più polarizzata, ma è
considerata da molti un capolavoro per il tono da poema vecchio
stile che offre. The Lighthouse è un sogno surreale pieno
di una fotografia in bianco e nero mozzafiato, di interpretazioni
sconvolgenti di
Willem Dafoe e
Robert Pattinson e di una relazione difficile che non vuole
essere definita. L’immaginario di The Lighthouse è rimasto
impresso alla maggior parte del pubblico anche dopo la fine del
film, ma la natura avvincente del film può essere dovuta in parte
alla leggenda dell’horror letterario, Edgar Allen Poe.
The Lighthouse adatta un
racconto incompiuto di Edgar Allen Poe
“Il faro” è l’ultimo scritto a cui
Edgar Allen Poe ha lavorato prima di morire; la sua prematura
scomparsa ha fatto sì che il
finale della storia rimanesse incompleto. Tutto ciò che Poe
aveva terminato nel racconto erano solo due pagine, che alcuni
hanno ipotizzato essere la totalità del racconto e che implica la
morte prematura del narratore. Il racconto “Il faro” di Poe è
espresso attraverso le annotazioni del diario di un guardiano del
faro solitario. Le annotazioni coprono solo pochi giorni, ma
esprimono la crescente solitudine e i sentimenti di paranoia del
narratore.
Al di là dell’ambientazione e dei
temi dominanti dell’isolamento e della solitudine, c’è ben poco in
comune tra il film di Eggers e il racconto di Poe. Eggers rinchiude
due persone in un faro e dà loro altre preoccupazioni, come un
cadavere abbandonato sulla riva e crescenti allucinazioni, ma è
affascinante vedere come la struttura essenziale sia stata presa e
migliorata.
Curiosamente, è stato proprio il
fratello di Robert Eggers, Max, a iniziare a lavorare su The
Lighthouse come progetto quando Robert stava lavorando a
The Witch. Max era rimasto bloccato nell’adattamento del
racconto incompleto di Poe e Robert decise di aiutarlo aggiungendo
le proprie idee e ispirazioni alla struttura che Max aveva messo
insieme. Man mano che i due fratelli lavoravano insieme, Il
faro è cresciuto e si è evoluto al di là delle idee di Poe,
trasformandosi nel film allegorico finito. The
Lighthouse lascia molto aperto all’interpretazione,
ma è questa prospettiva più lucida che la storia adotta che
contribuisce ad elevarla a qualcosa di speciale.
Il primo teaser trailer di Superman
ha dominato il ciclo delle notizie oggi, facendo crescere
l’interesse nei confronti del film. Tra le tante cose che ci si è
chiesti, c’è anche della possibile presenza di scene post-credits.
Al recente evento stampa per
Superman,
al regista James Gunn è stato chiesto se il primo film
del DCU includerà tali segmenti. “Se guardate le
mie scene dei titoli di coda dei film Marvel, l’unica volta in cui mi
sono fregato è stato quando ho inserito Adam Warlock, perché poi mi
sono detto: ‘Oh cavolo, ora devo inserire Adam Warlock nel prossimo
film’; il che è stato davvero una rottura di scatole”, ha
spiegato.
“Quindi, non ho intenzione di
creare interi universi con scene di titoli di coda”, ha
continuato il regista. “Mi piace dare al pubblico che si è
seduto per tutti i titoli di coda delle scene, ma preferisco che
sia qualcosa di divertente per i fan e non necessariamente “Ehi,
stiamo preparando tutta la prossima parte dell’universo!””. È
un’osservazione giusta, anche se saremmo un po’ scioccati se
Superman
non facesse qualcosa per preparare il terreno per Lanterns o
Supergirl: Woman of Tomorrow. Di certo, però, possiamo
aspettarci delle scene divertenti che non necessariamente
anticipano risvolti futuri.
Superman, tutto
quello che sappiamo sul film di James Gunn
Superman,
scritto e diretto da
James Gunn, non sarà un’altra storia sulle origini, ma
il Clark Kent che incontriamo per la prima volta qui sarà un
“giovane reporter” a Metropolis. Il casting ha portato alla scelta
degli attori David Corenswet e Rachel Brosnahan come Clark Kent/Superman e
Lois Lane. Nel casta anche Isabela Merced, Edi Gathegi, Anthony
Carrigan,Nicholas Hoult
eNathan
Fillion.
Il film è stato anche descritto come
una “storia
delle origini sul posto di lavoro”, suggerendo che una
buona parte del film si concentrerà sull’identità civile di
Superman, Clark Kent, che è un giornalista del Daily Planet. Con la
sua solita cifra stilistica, James Gunn trasporta il supereroe originale
nel nuovo immaginario mondo della DC, con una singolare miscela di
racconto epico, azione, ironia e sentimenti, consegnandoci un
Superman guidato dalla compassione e dall’innato convincimento nel
bene del genere umano.
“Superman è il vero fondamento
della nostra visione creativa per l’Universo DC. Non solo è una
parte iconica della tradizione DC, ma è anche uno dei personaggi
preferiti dai lettori di fumetti, dagli spettatori dei film
precedenti e dai fan di tutto il mondo”, ha detto Gunn durante
l’annuncio della lista DCU. “Non vedo l’ora di
presentare la nostra versione dell’Uomo d’Acciaio, che il pubblico
potrà seguire e conoscere attraverso film, film d’animazione e
giochi”. Il film uscirà nelle sale il 10 luglio
2025.
L’entusiasmo per 28 anni
dopo si sta diffondendo rapidamente. Ora, la Sony ha
annunciato la data di uscita di 28 anni dopo – Parte 2: Il
tempio delle ossa, che sarà il 16 gennaio
2026. La notizia arriva dopo il trailer di 28 anni
dopo, che arriverà invece nelle sale il 20
giugno 2025. Dopo essere rimasto inattivo per quasi due
decenni, il franchise di 28 giorni dopo è dunque pronto
per un grande ritorno con lo scrittore originale Alex
Garland e il regista originale Danny
Boyle. I due erano solo produttori del sequel del 2007
28 settimane dopo, ma ora si stanno rifacendo con una
trilogia prevista a partire dalla prossima estate.
In precedenza avevano rivelato di
aver girato i primi due capitoli della trilogia back-to-back,
quindi non sorprende che il sequel abbia già una data di uscita e
che sia stata collocata a soli sette mesi dal primo film. Per
quanto questo annuncio sia emozionante, probabilmente non sapremo
molto su Il tempio delle ossa fino all’uscita di
28 anni
dopo, per evitare spoiler. In entrambi i film Cillian Murphy riprenderà il suo ruolo
dall’originale, ma non sappiamo fino a che punto. Il trailer
di 28 anni
dopo ha ispirato alcune teorie dei fan secondo cui il
personaggio di Murphy, Jim, potrebbe essere stato infettato dal
“virus della rabbia”, ma non ne abbiamo la certezza.
Anche in questo caso, Murphy
potrebbe comunque continuare a comparire nella serie come zombie.
Questo franchise è molto particolare per quanto riguarda il
funzionamento del virus della rabbia e ha già mostrato zombie
tenuti in vita in cattività per essere studiati. I registi
potrebbero voler esplorare la speranza di una cura duratura, un
concetto che la maggior parte dei film sugli zombie abbandona
abbastanza rapidamente. Non resta dunque che attendere di poterne
sapere un poì di più, accontentandoci per ora della data di uscita
del sequel.
Tutto quello che sappiamo su
28 anni dopo
28 giorni dopo è stato un
grande successo e ha già generato un seguito meno apprezzato (ma
comunque degno di nota), 28 settimane dopo del
2007. Boyle e Garland erano coinvolti solo come produttori
esecutivi in quel progetto, quindi molti fan vedranno sicuramente
questo nuovo film come il primo vero sequel.
Jodie Comer, Aaron
Taylor-Johnson,
Ralph Fiennes hanno firmato per interpretare i ruoli
principali ed è stato confermato anche il ritorno di Cillian Murphy nel ruolo del protagonista del
film originale, Jim.
Boyle dirigerà il primo capitolo,
mentre Nia DaCosta è stata annunciata di recente
come regista del secondo film, che pare si intitolerà
28 anni dopo – Parte 2: Il tempio delle
ossa. Il piano prevede di girare entrambi i film in
parallelo. Garland scriverà tutti e tre i film. Il budget per ogni
film si aggira intorno ai 75 milioni di dollari.
Il primo film vedeva Cillian Murphy nei panni di un uomo che si
risveglia dal coma dopo un incidente in bicicletta e scopre che
l’Inghilterra è stata invasa dagli “Infetti”. Il virus trasforma le
sue vittime in assassini furiosi, ma a differenza dei soliti
“zombie”, queste creature possono muoversi con una velocità
spaventosa. L’uomo si mette quindi in viaggio per scoprire cosa sta
succedendo, incontrando lungo la strada i compagni sopravvissuti
interpretati da
Naomie Harris e Brendan
Gleeson, oltre a un maggiore dell’esercito squilibrato
interpretato da Christopher Eccleston.
I dettagli sulla trama di 28 anni
dopo non sono ancora stati resi noti, ma il periodo
suggerisce che si svolgerà in un futuro prossimo, il che significa
che il film potrebbe essere più orientato verso la fantascienza che
verso l’horror vero e proprio.
Al Comic-Con di San Diego del 2022,
Captain America: New World Order è
stato uno dei film presentati dal presidente dei Marvel StudiosKevin Feige. Tuttavia, quando la star Anthony Mackie ha condiviso una foto dietro le
quinte l’estate successiva, il titolo era stato tranquillamente
cambiato. Molti fan si sono chiesti perché fosse stato scelto
proprio “New World Order”, soprattutto quando un episodio di
The Falcon and The Winter Soldier lo aveva già
utilizzato. Comunque sia, alla fine dei conti, nessuno sembrava
troppo infastidito dal cambiamento in Captain America: Brave New World.
Ciononostante, ci siamo a lungo
chiesti cosa abbia portato a questo cambiamento e finalmente
abbiamo una risposta dal produttore esecutivo Nate
Moore. “Penso che ‘New World Order’ fosse un titolo
che pensavamo fosse davvero interessante, e in un certo senso
lunatico e spaventoso, e ad essere onesti, alcuni dei feedback che
abbiamo ricevuto, internamente ed esternamente, erano che quella
frase, purtroppo, è stata cooptata nel mondo reale in un modo che
metteva a disagio le persone”, ha rivelato in un’intervista a
Empire.
Il termine “Nuovo Ordine Mondiale”
si riferisce tipicamente a un profondo cambiamento
nell’organizzazione dei sistemi sociali o del potere politico
globale, anche se viene utilizzato, ad esempio, da alcuni teorici
della cospirazione. Era dunque un titolo piuttosto cupo per il
debutto di Sam Wilson come nuovo Capitan America e, anche se il
Leader sta cercando di creare un “nuovo ordine mondiale”,
Brave New World sembra più adatto. L’aspettativa è
che questa storia porti direttamente ad Avengers: Doomsday, dove l’ex
Falcon guiderà una nuova squadra di eroi.
Quello che sappiamo sul
film Captain America: Brave New World
Captain America: Brave New
World riprenderà da dove si è conclusa la
serie Disney+The
Falcon and the Winter Soldier, seguendo l’ex Falcon
Sam Wilson (Anthony
Mackie) dopo aver formalmente assunto il ruolo di
Capitan America. Il regista Julius
Onah (Luce, The Cloverfield Paradox) ha
descritto il film come un “thriller paranoico” e ha
confermato che vedrà il ritorno del Leader (Tim Blake
Nelson), che ha iniziato la sua trasformazione radioattiva
alla fine de L’incredibile Hulk del 2008.
Secondo quanto riferito, la star di
Alita: Angelo della BattagliaRosa
Salazar interpreterà la cattiva
Diamondback, mentre Giancarlo Esposito sarà Sidewinder. Harrison Ford, invece, assume qui il ruolo di
Thaddeus “Thunderbolt” Ross, che a quanto rivelato dal primo
trailer si trasformerà ad un certo punto nel Hulk Rosso. Nonostante
dunque avrà degli elementi al di fuori della natura umana, il film
riporterà il Marvel Cinematic
Universe su una dimensione più terrestre e realista, come già
fatto anche dai precedenti film dedicati a Captain America.
Ad ora, Captain America: Brave New World è indicato
come uno dei titoli più importanti della Fase
5. Anthony Mackie ha recentemente dichiarato
che questo film è “10 volte più grande” della sua
serie Disney+ e ha parlato
della dinamica tra Cap e il nuovo Falcon, Joaquin Torres. “Sono
in coppia alla pari“, ha scherzato. “Sono entrambi
militari. Io ero il suo ufficiale comandante. Tra noi c’è più
amicizia rispetto al modo in cui ammiravo Steve o al modo in cui
non mi piaceva Bucky“.
“Questo film è un chiaro reset.
Ristabilisce davvero l’idea di cosa sia e cosa sarà questo
universo“, ha aggiunto Mackie. “Penso che con questo film,
si stia ottenendo un chiaro, nuovo marchio di ciò che
la Marvel vuoole
essere nello stesso modo in cui hanno fatto con Captain America: The Winter
Soldier“.
Chadwick Boseman è stato un Black Panther
fenomenale, ma Michael B Jordan gli ha dato filo da torcere
nel ruolo del cattivo Eric Killmonger. Il personaggio è poi morto
in battaglia con T’Challa, ma è tornato come variante in
What
If…? e nel Piano Ancestrale in Black
Panther: Wakanda Forever. Prima che la Shuri di
Letitia Wright ereditasse il mantello di Black
Panther, molti fan si sono chiesti se i Marvel Studios avrebbero trovato un modo per
ritrattare la morte di Eric e fargli trovare la redenzione come
sostituto del cugino.
Questo non è successo ma, secondo un
nuovo rapporto di The Cosmic Circus, “Michael
B. Jordan potrebbe tornare per uno dei prossimi film dei
Vendicatori”. Il sito lascia intendere che vestirà i panni di
Black Panther in Avengers:
Doomsday o Avengers:
Secret Wars, presentandosi dunque come variante buona del
personaggio conosciuto su Terra-616. Uno sviluppo innegabilmente
intrigante. D’altronde, la variante di Killmonger di What
If…? è là fuori da qualche parte e, visto che ha impugnato le
Pietre dell’Infinito, sarebbe molto interessante vederlo comparire
da qualche parte in carne ed ossa.
Ricordiamo anche che quando il
Dottor Destino crea “Battleworld” nel fumetto Secret Wars,
riscrive la realtà, per cui un Black Panther malvagio come
Killmonger potrebbe diventare il nuovo Re del Wakanda. Non resta
che attendere per scoprire se anche questo ennesimo rumor sui tanto
attesi prossimi film degli Avengers si rivelerà vero o meno. Di
certo, i due film potrebbero rappresentare un occasione
irripetibile per riportare in scena tutta una serie di personaggi e
attori fino ad oggi visti all’interno del Marvel Cinematic Universe, tra cui
Michael B. Jordan.
Con una serie animata già in fase di
sviluppo, Sony Animation e Netflix sembra stiano cercando di espandere
l’universo dei Ghostbusters. Secondo le fonti di
Deadline, le due società stanno
infatti collaborando per la realizzazione di un film d’animazione
facente parte del celebre franchise. Gli addetti ai lavori
aggiungono che il progetto è in fase di sviluppo iniziale, ma che
Kris Pearn (regista di Piovono polpette 2
– La rivincita degli avanzi e La famiglia
Willoughby) è stato incaricato della regia. I dettagli della
trama non sono stati resi noti.
Il film fa parte dell’universo in
espansione degli Acchiappafantasmi, con l’ultimo film in
live-action, Ghostbusters:
Minaccia Glaciale, uscito a marzo. Sony Pictures Animation
e Netflix, in collaborazione con Ghost Corps, stanno inoltre
sviluppando una serie animata separata e completamente nuova basata
sull’amata IP. Il progetto non solo intende espandere l’universo
dei Ghostbusters, ma fonti vicine allo sviluppo di
questo film lo vedono come qualcosa che potrebbe fare per l’IP
quello che i film animati dello Spider-Verse hanno fatto per
Spider-Man.
Questo franchise ha avuto successo
non solo al botteghino, con oltre 1,2 miliardi di dollari a livello
globale, ma ha anche ottenuto diversi riconoscimenti, tra cui
l’Oscar come miglior film d’animazione per il primo film, Spider-Man: Un Nuovo Universo. Bob
Persichetti e Justin K. Thompson sono
stati
confermati questa settimana come registi dell’ultimo film della
trilogia, Spider-Man: Beyond the Spider-Verse, che è in fase di
produzione. Non resta invece che attendere di scoprire di più su
questo film animato dedicato ai Ghostbusters.
Ghostbusters: Minaccia Glaciale, la
trama e il cast dell’ultimo film del franchise
In Ghostbusters:
Minaccia Glaciale, la famiglia Spengler torna dove
tutto è iniziato, l’iconica caserma dei pompieri di New York, e si
unisce agli Acchiappafantasmi originali che hanno sviluppato un
laboratorio di ricerca top-secret per portare la lotta ai fantasmi
a un livello superiore. Quando la scoperta di un antico artefatto
scatenerà una forza malvagia, i vecchi e nuovi Ghostbusters
dovranno unire le forze per proteggere la loro casa e salvare il
mondo da una seconda era glaciale.
Il nuovo film, seguito di
Ghostbusters:
Legacye
diretto da Gil Kenan, anche autrice della
sceneggiatura insieme a Jason Reitman, è il quinto
film della saga e vede molti dei membri superstiti del cast
originale (tra cui Bill Murray, Ernie Hudson,
Dan Aykroyd e Annie Potts)
riunirsi con il cast presentato dal precedente film (Finn
Wolfhard, Mckenna Grace,
Carrie Coon, Paul Rudd e Logan Kim). A
loro si uniscono i nuovi arrivati Kumail
Nanjiani e Patton Oswalt. sarà
al cinema dall’11 aprile distribuito da
Eagle Pictures.
Quasi un secolo dopo la fine della
seconda guerra mondiale, continuano a venire alla luce nuove storie
sull’eroismo silenzioso di individui comuni, come dimostra The Six Triple Eight, disponibile su Netflix dal 19
dicembre. Ora Tyler Perry affronta la guerra con
il suo nuovo film, che racconta la storia dell’unica unità di
colore del Women’s Army Corps della guerra, con
Kerry Washington come protagonista. Perry ha scritto e
diretto il progetto e lo ha prodotto insieme a Nicole
Avant, Angi Bones, Tony L. Strickland, Keri Selig e
Carlota Espinosa.
Il 6888° Battaglione dell’Elenco Postale
Centrale ha contribuito allo sforzo bellico in un modo
unico: smistando un arretrato di posta di tre anni (17 milioni di
pezzi!) che non era stato consegnato ai soldati americani lontani
da casa. Di fronte alla discriminazione e a un paese vasto e
sconosciuto diviso da un conflitto globale, queste 855 donne hanno
portato speranza in prima linea.
“Molte persone non vogliono che
abbiamo successo”, dice Washington nei panni del capitano
Charity Adams nel nuovo teaser del film. “Abbiamo molto da
dimostrare”. Ma è esattamente quello che hanno fatto. Avendo
sei mesi per completare il compito, il 6888° ha
portato a termine la sua missione in meno di 90 giorni, tirando su
il morale all’intera nazione, quando gli Stati Uniti ne avevano più
bisogno.
Di cosa parla The Six Triple
Eight?
The Six Triple
Eightracconta la vera storia delle
donne incredibili e coraggiose della prima e unica unità di colore
del Women’s Army Corps ad essere di stanza
all’estero durante la seconda guerra mondiale. Durante il
Tribeca Film Festival del 2024, la star e produttrice esecutiva
Kerry Washington si è seduta con la produttrice di
The Six Triple Eight Nicole Avant per parlare di
eredità e impatto nella narrazione. “Ogni singola persona,
nera, bianca, ovunque nel mezzo, uomo, donna, chiunque può
rivedersi in quei personaggi”, ha detto Avant. “Perché
tutte le storie, per me, sono storie umane. Tutto per me riguarda
l’umanità”.
Quell’umanità ha continuato a
risplendere in modi imprevedibili durante la produzione di
The Six Triple Eight. “Ho sentito che queste
donne erano con noi in questo processo”, ha detto
Washington. “Hai sentito il loro spirito per tutto il
tempo”.
Bob Mahoney / Perry Well Films 2 / Netfli
The Six Triple Eight è
basato su una storia vera?
Sì, The Six Triple
Eight è basato su una storia vera. Il 6888° Battaglione dell’Elenco Postale
Centrale è stata la prima e unica unità di colore del
Women’s Army Corps ad essere di stanza in Europa
durante la seconda guerra mondiale. Quando furono dispiegate in
Europa nel febbraio 1945, alle 855 donne del 6888°
fu consegnato un arretrato di 17 milioni di pezzi di posta, alcuni
etichettati con indirizzi errati o incompleti, e fu chiesto loro di
spedirli entro sei mesi. Il loro motto? “Niente posta, morale
basso”. Il compito comportava grandi rischi emotivi; le
famiglie dei militari a casa non ricevevano notizie dai loro cari
da mesi. Lavorando in tre turni da otto ore, le donne del
6888° si misero al lavoro.
Tuttavia, affrontarono difficoltà
quasi insormontabili. Nonostante l’importanza delle loro
responsabilità, il battaglione fu messo in alloggi segregati e
relegato in edifici mal tenuti, spesso privi di luce e
riscaldamento. Grazie alla loro volontà e ingegnosità, non si sono
lasciati scoraggiare, creando una comunità tutta loro, completa di
mensa, parrucchiere e bar. In 90 giorni hanno portato a termine la
loro missione, nella metà del tempo assegnato.
Decenni dopo, gli sforzi del
6888° Battaglione hanno finalmente ricevuto gli
elogi che meritano. Nel 2018, un monumento al 6888° Battaglione dell’Elenco Postale
Centrale è stato dedicato al Buffalo Soldier Monument Park
a Fort Leavenworth, Kansas. E nel 2023, Adams è diventata la prima
donna di colore nella storia degli Stati Uniti ad avere un forte
dell’esercito a lei intitolato: Fort Gregg-Adams nella contea di
Prince George, Virginia.
The Six Triple Eight. (L-R) Milauna Jackson as Captain Campbell,
Kerry Washington as Major Charity Adams and Dean Norris as General
Halt in The Six Triple Eight. Cr. Bob Mahoney / Perry Well Films 2
/ Courtesy of Netflix
Da dove nasce l’ispirazione per
The Six Triple Eight?
Perry è stato ispirato a realizzare
The Six Triple Eight da un legame che ha stretto
con Lena Derriecott King, un ex membro del gruppo che è morta
all’età di 100 anni nel gennaio 2024. “Siamo rimasti seduti a
casa sua per un paio d’ore a parlare, a fare una bella
conversazione”, ha detto Perry in un video tributo a King.
“E quando me ne sono andato, avevo in mente un intero film che
volevo scrivere per lei”. Prima che morisse, Perry si è seduto
al suo capezzale e ha mostrato a King una versione incompleta del
film.
Al momento della scomparsa di King,
sono rimasti solo due membri del 6888° Battaglione: Fannie
McClendon e Anna Mae Robertson. Negli ultimi anni, la loro storia è
stata finalmente raccontata. Il presidente Joe Biden ha presentato
il 6888° con la Congressional Gold Medal nel 2022, e la
sceneggiatura di Perry per The Six Triple Eight è basata su un
articolo del 2019 di Kevin M. Hymel pubblicato su WWII History
Magazine. Il film presenta anche “The Journey”, una canzone
originale scritta da Diane Warren ed eseguita da H.E.R., con
coreografie di Debbie Allen.
Chi c’è nel cast di TheSix Triple
Eight?
Ad unirsi al cast c’è un cast
costellato di star degno delle ispirazioni reali del film:
Jeff Sneider
(tramite il podcast The Hot
Mic e la sua newsletter The InSneider) ha riferito che Sadie Sink (Stranger
Things, The
Whale) sarebbe l’attuale favorita per l’ambitissimo ruolo
di Jean Grey nel Marvel Cinematic Universe, che
potrebbe debuttare nel 2026 in Avengers:Doomsday.
Sneider sottolinea che il tutto è ancora all’inizio del processo,
quindi le cose potrebbero sempre cambiare con l’aumento del casting
per Doomsday e/o Secret
Wars, ma è molto fiducioso nella sua fonte.
Questo potrebbe quindi assolutamente
essere il primo assaggio di ciò che Kevin Feige e compagnia stanno preparando per
il loro film sugli X-Men, e sembra che stiano puntando su alcuni
dei personaggi chiave. Anche se non è stato confermato, è probabile
che i fratelli Russo siano coinvolti in questo casting e hanno un
curriculum piuttosto solido quando si tratta di trovare nuovi
entusiasmanti talenti, avendo già avuto un ruolo nel casting di
Tom Holland come Peter Parker/Spider-Man in
Captain
America: Civil War.
Sneider ritiene inoltre che i
Marvel Studios potrebbero puntare a un’uscita
del reboot di X-Men alla fine del 2027, collocando
presumibilmente il film nella data del 5 novembre 2027 che lo
studio ha già prenotato. In questo modo il lancio del film
avverrebbe solo sei mesi dopo Avengers:
Secret Wars, quindi, se la notizia si rivelerà esatta,
sembra che i Marvel Studios siano intenzionati a
lanciare la saga dei mutanti molto prima del previsto.
Dove rivedremo prossimamente Sadie Sink?
Prima di prendere eventualmente
parte al MCU, Sadie Sink tornerà a far parte del cast
principale di Stranger Things per combattere contro
Vecna (Jamie
Campbell Bower) per l’ultima volta. Mike (Finn
Wolfhard), Lucas (Caleb
McLaughlin), Dustin (Gaten Matarazzo) e
Max (Sadie
Sink) non lasceranno che Eleven affronti da sola la
sfida più grande della sua carriera. Il destino del mondo sarà in
gioco quando l’eroe della storia e Vecna si incroceranno ancora una
volta. E sullo sfondo incombe il mistero di come il dottor Brenner
possa tornare. È stato preparato il terreno per la conclusione
della serie di maggior successo nella storia di Netflix.
L’ultima stagione di Stranger Things debutterà su
Netflix il prossimo anno.
Quest’anno il Natale è arrivato in
anticipo con la pubblicazione del primo teaser trailer di Superman
(potete
rivederlo cliccando qui). Il trailer
ci ha dato sicuramente molto da discutere in vista delle feste
e il cast del film ha ora parlato di ciò che ci si può aspettare
dal film. Per l’Uomo d’Acciaio in persona, David Corenswet, Superman consisteva
nell’abbracciare la presunta ingenuità dell’eroe e nell’esplorare
ciò che questo significa per lui come supereroe. “Sono sempre
stato tagliato fuori dal dramma quando ero a scuola”, ha detto
l’attore a Variety. “Non ho mai avuto
la sensazione di conoscere i pettegolezzi eccitanti e succosi che
accadevano”.
“Per questo motivo, ho sempre
visto le persone come la versione migliore di loro stessi – non
credo in modo terribilmente ingenuo”. “Molte persone
considerano Superman un personaggio ingenuo, e in realtà si tratta
solo di una cecità nei confronti delle piccole imperfezioni e delle
piccole cose sciocche che ci coinvolgono come persone”, ha
continuato Corenswet. “A me tendono a sfuggire, e credo che a
Superman sfuggano anche quelle, ed è questo che lo spinge a
guardare con fermezza e determinazione al bene e alla
speranza”, conclude l’attore.
Anche se Nicholas Hoult interpreta il cattivo in
Superman, spera ancora che i fan possano vedere nel personaggio
“intelligente e spietato” più di quanto non sembri all’inizio.
“Deve superare Superman su certi livelli, perché non può
eguagliarlo su altri”, ha detto Hoult. “Ma c’è anche
qualcosa in questo personaggio, spero, dal mio punto di vista, in
cui anche se forse non sei d’accordo con il suo processo, puoi
capire da dove viene e perché ciò che sta spingendo come ideologia
è forse meglio per l’umanità”.
Rachel Brosnahan descrive invece Lois Lane
come un personaggio che “si evolve per adattarsi a ciò che
significherebbe essere un’intrepida giornalista di ogni generazione
o di ogni decennio in cui viene presentata”. Ha aggiunto:
“A causa della sua professione, ma anche per quello che è,
mette in discussione tutto. Cerca di vedere dietro ogni angolo. E
questo è il modo in cui affronta il mondo”.
Come ci si poteva aspettare, si è
subito parlato del costume del personaggio principale. A causa del
lungo processo di progettazione, Corenswet dice che non c’è stato
un momento in cui l’ha indossato per la “prima volta”.
Tuttavia, osservare le reazioni degli altri si è rivelato ancora
più speciale. “Non mi sentivo Superman, ma è stato davvero
incredibile guardare i miei compagni di cast e i membri della
troupe. Li hai visti assistere a questo spettacolo. E poi la cosa
più bella è vedere i bambini che lo vedono. Non c’è niente di
simile”.
Secondo Hoult, “quando ho visto
David in costume, ero in soggezione. Odio ammettere che mi ha fatto
sentire caldo e confuso. C’era una scena in cui lui volava sul set
e io avevo un piccolo sorriso privato sul viso. Poi mi sono girato
e ho visto tutti gli altri nella stanza con la stessa espressione
sul viso mentre lo guardavano”.
Anche ComicBook.com ha anche
incontrato il cast e ha chiesto a Corenswet dove si trova casa per
Superman. Nel trailer, un Uomo d’Acciaio insanguinato e picchiato
si schianta sulla neve e dice a Krypto di portarlo “a
casa”. “Dirò questo”, ha esordito l’attore, “nel
trailer si vede Krypto che mi trascina nella neve. Pensate che mi
trascinerà nella neve fino in Kansas?”. Come previsto, è
probabile che si tratti della Fortezza della Solitudine.
La fortezza della solitudine in Superman. Cortesia di DC
Studios
Superman, tutto
quello che sappiamo sul film di James Gunn
Superman,
scritto e diretto da
James Gunn, non sarà un’altra storia sulle origini, ma
il Clark Kent che incontriamo per la prima volta qui sarà un
“giovane reporter” a Metropolis. Il casting ha portato alla scelta
degli attori David Corenswet e Rachel Brosnahan come Clark Kent/Superman e
Lois Lane. Nel casta anche Isabela Merced, Edi Gathegi, Anthony
Carrigan,Nicholas Hoult
eNathan
Fillion.
Il film è stato anche descritto come
una “storia
delle origini sul posto di lavoro”, suggerendo che una
buona parte del film si concentrerà sull’identità civile di
Superman, Clark Kent, che è un giornalista del Daily Planet. Con la
sua solita cifra stilistica, James Gunn trasporta il supereroe originale
nel nuovo immaginario mondo della DC, con una singolare miscela di
racconto epico, azione, ironia e sentimenti, consegnandoci un
Superman guidato dalla compassione e dall’innato convincimento nel
bene del genere umano.
“Superman è il vero fondamento
della nostra visione creativa per l’Universo DC. Non solo è una
parte iconica della tradizione DC, ma è anche uno dei personaggi
preferiti dai lettori di fumetti, dagli spettatori dei film
precedenti e dai fan di tutto il mondo”, ha detto Gunn durante
l’annuncio della lista DCU. “Non vedo l’ora di
presentare la nostra versione dell’Uomo d’Acciaio, che il pubblico
potrà seguire e conoscere attraverso film, film d’animazione e
giochi”. Il film uscirà nelle sale il 10 luglio
2025.
Si è parlato molto dei presunti
reshoots e test screening di Captain America: Brave New World. A questo
punto, è lecito affermare che si tratta o di un gran rumore per
nulla o di un segno che il film è stato completamente rivisto.
Nell’ultimo numero di Empire Magazine, il nuovo Captain America del
MCU, Anthony Mackie, ha affrontato la questione in
modo diretto. “Non è affatto stato rielaborato, ogni film
Marvel a cui ho partecipato ha
avuto dei reshoots; quindi, non si tratta di una
rielaborazione”, ha spiegato l’attore.
“In pratica ottieni il film e la
storia che vuoi, la monti insieme, poi torni indietro e giri
qualche altra scena”. È vero che ogni film del MCU subisce un processo produttivo
simile, anche se alcuni fanno più reshoots di altri (Ant-Man and The Wasp:
Quantumania, ad esempio, ha cambiato del tutto il suo
finale settimane prima di arrivare nelle sale). Rispondendo a
queste osservazioni, lo scooper @MyTimeToShineH ha detto: “Hanno
letteralmente cambiato il finale, l’apertura, aggiunto un nuovo
cattivo e un altro Hulk e una nuova scena dei titoli di coda e
cambiato la morte di un personaggio”.
In base ad altre informazioni che si
sono diffuse in rete negli ultimi mesi, crediamo che si riferisca
al fatto che il Presidente Ross/Red Hulk rimanga in vita, alla
rimozione della Serpent Society, al debutto di Amadeus Cho nel
MCU e a uno stinger che prepara una
nuova squadra di eroi per Avengers: Doomsday. Nello stesso servizio,
Harrison Ford è sembrato confermare la sopravvivenza di Ross quando
ha detto: “Sto aspettando il mio nuovo incarico, penso che sarà
affascinante vedere dove andrà il personaggio, se andrà da qualche
parte” (in precedenza foto dal set suggerivano la morte del
personaggio).
Quello che sappiamo sul
film Captain America: Brave New World
Captain America: Brave New
World riprenderà da dove si è conclusa la
serie Disney+The
Falcon and the Winter Soldier, seguendo l’ex Falcon
Sam Wilson (Anthony
Mackie) dopo aver formalmente assunto il ruolo di
Capitan America. Il regista Julius
Onah (Luce, The Cloverfield Paradox) ha
descritto il film come un “thriller paranoico” e ha
confermato che vedrà il ritorno del Leader (Tim Blake
Nelson), che ha iniziato la sua trasformazione radioattiva
alla fine de L’incredibile Hulk del 2008.
Secondo quanto riferito, la star di
Alita: Angelo della BattagliaRosa
Salazar interpreterà la cattiva
Diamondback, mentre ancora sconosciuto è il ruolo
del villain interpretato da Giancarlo Esposito. Harrison Ford, invece, assume qui il ruolo di
Thaddeus “Thunderbolt” Ross, che a quanto rivelato dal primo
trailer si trasformerà ad un certo punto nel Hulk Rosso.
Nonostante dunque avrà degli
elementi al di fuori della natura umana, il film riporterà
il Marvel
Cinematic Universe su una dimensione più terrestre e realista,
come già fatto anche dai precedenti film dedicati a Captain
America. Ad ora, Captain America: Brave New World è indicato
come uno dei titoli più importanti della Fase
5.
Anthony Mackie ha recentemente dichiarato
che questo film è “10 volte più grande” della sua
serie Disney+ e ha parlato
della dinamica tra Cap e il nuovo Falcon, Joaquin Torres. “Sono
in coppia alla pari“, ha scherzato. “Sono entrambi
militari. Io ero il suo ufficiale comandante. Tra noi c’è più
amicizia rispetto al modo in cui ammiravo Steve o al modo in cui
non mi piaceva Bucky“.
“Questo film è un chiaro reset.
Ristabilisce davvero l’idea di cosa sia e cosa sarà questo
universo“, ha aggiunto Mackie. “Penso che con questo film,
si stia ottenendo un chiaro, nuovo marchio di ciò che
la Marvel vuoole
essere nello stesso modo in cui hanno fatto con Captain America: The Winter
Soldier“.
Anche se probabilmente non vedremo
il roster completo di personaggi provenienti da tutti gli angoli
del Multiverso prima di Avengers:
Secret Wars, Avengers:
Doomsday si preannuncia come un evento piuttosto ricco
di contenuti, e sembra che i Marvel Studios abbiano intenzione di
aggiungere un altro personaggio al mix. Secondo lo scooper Daniel
Richtman, l’attrice Ana de Armas sarebbe in trattative per unirsi
al film con un ruolo ad ora misterioso.
A parte la sua breve apparizione in
No Time To Die, la De Armas si è sempre tenuta alla
larga dai franchise dei grandi studios, ma nel corso degli anni è
stata indicata dai fan come l’interprete ideale per interpretare
diversi personaggi Marvel e DC. C’è dunque la
possibilità che sia in lizza per interpretare il “noto personaggio
Marvel” che avrà un ruolo più
importante in Secret Wars di cui si è sentito parlare? In
base a ciò che sappiamo dai fumetti, i fan avevano ipotizzato che
si trattasse di Beyonder o dell’Uomo Molecola.
Certo, è discutibile che uno di
questi due personaggi possa essere definito “ben noto” al di fuori
degli ambienti dei fumetti. Potrebbe quindi trattarsi altrettanto
facilmente di un eroe o di un cattivo femminile. Se la De Armas è
pronta per questo ruolo segreto, è probabile che non lo sapremo con
certezza fino a quando non ci si siederà a guardare Avengers:
Doomsday – a seconda che la Marvel riesca a mantenere il
segreto, ovviamente.
“Essere in grado di creare
storie ed esplorare personaggi all’interno dell’universoMarvelha realizzato un sogno di una vita e abbiamo scoperto un
potente legame con il pubblico in ogni film che abbiamo realizzato.
Siamo entusiasti di collaborare ancora una volta con Kevin, Lou e
l’intero teamMarvelper portare questa epica avventura nella narrazione in luoghi
nuovi e sorprendenti sia per i fan che per noi stessi”, hanno
affermato i fratelli Russo in una dichiarazione dopo il panel del
SDCC.
La scorsa settimana è stato
confermato che i DC Studios stanno procedendo con un film su
Clayface,
con il regista di The Haunting of Hill House e Doctor
Sleep,Mike Flanagan a bordo per scrivere
la sceneggiatura. Ad ora non è previsto che Flanagan si occupi
della regia, ma al progetto è stata recentemente assegnata la data
di uscita ufficiale dell’11 settembre 2026. In base alle
dichiarazioni di James Gunn, il film sarà ambientato nel
DCU, in contrapposizione al “BatVerse” del
regista di The
BatmanMatt Reeves.
Nonostante ciò, Deadline rimane convinto che
Clayface farà parte del prossimo
sequel di The Batman. “Flanagan starebbe
concependo Clayface come un horror-thriller-tragedia. Non sarà
dipinto come un cattivo, come è stato per la sua leggenda nella DC.
Il personaggio sarà una parte importante di Batman 2”, riporta
il sito. Questo significa che avremo due versioni separate di
Clayface per entrambi gli universi? Onestamente, siamo propensi a
credere che
Deadline si sia sbagliato su questo punto, poiché non vediamo
questo tipo di personaggio adattarsi al mondo relativamente terreno
di Reeves.
In ogni caso, il co-CEO dei DC
Studios Peter Safran ha condiviso alcuni nuovi
dettagli sulla sceneggiatura di Flanagan, e sembra che Clayface
sarà davvero “un film horror a tutti gli effetti“, sulla
falsariga de La mosca di David
Cronenberg. A seconda di quanto il film si ispiri al
classico body-horror degli anni ’80, potremmo vedere Basil Karlo (o
qualunque sia la versione di Clayface scelta) trasformarsi
lentamente in una mostruosità mutaforma dopo essere stato coinvolto
in una sorta di esperimento scientifico andato male.
È interessante notare che Alan Tudyk ha recentemente rivelato che
doppierà Clayface nella serie animataCreature Commandos di
James Gunn, il che significa che c’è la
possibilità che interpreti il personaggio anche nel live-action.
Anche in questo caso, non resta che attendere maggiori informazioni
sul progetto che, vista la sua data di uscita, potrebbe entrare in
produzione verso la metà del 2025. A quel punto si potranno
certamente avere ulteriori dettagli sul progetto e la sua
collocazione nel franchise.
Bad Boys: Ride or
Die rivisita silenziosamente due dei film precedenti della
serie, collegandoli tutti attraverso una vasta cospirazione tra i
cartelli della droga e la polizia di Miami. Una delle grandi
rivelazioni di Ride or Die è incentrata su
Lockwood, un avvocato e James McGrath, un membro dell’esercito
degli Stati Uniti. Si scopre che la coppia ha fatto parte di una
cospirazione con i cartelli, consentendo il trasporto di droga in
Florida in cambio della loro assistenza nel monitoraggio del
confine. Sebbene tecnicamente fatto per “proteggere” la nazione dai
terroristi dopo l’11 settembre, il piano alla fine ha corrotto
l’autorità di Miami.
Armando è stato
introdotto in 
All’inizio di Bad
Boys: Ride or Die, Marcus ha un infarto quasi fatale al
matrimonio di Mike. Ciò fa sì che il personaggio abbia una serie di
visioni che lo influenzano per il resto del film, convincendolo
persino di essere diventato funzionalmente invincibile perché “non
è ancora il suo momento”. Una delle visioni più importanti si
concentra su Howard, che Marcus vede in piedi accanto a un albero e
un pappagallo sulla spiaggia. È qui che Howard sembra dire a Marcus
che la morte non è ancora arrivata per lui. Questo finisce per
fungere da presagio per il finale del film, dove Marcus scopre un
albero e un pappagallo simili prima di essere catturato da
McGrath.
Una delle più grandi
trame di Bad Boys: For Life è incentrata su Mike e
il suo nuovo schema di attacchi di panico. Questo è un cambiamento
importante per il quarto film di Bad Boys, poiché Marcus crede di
essere invincibile mentre la sicurezza di Mike è completamente
scomparsa. Alla fine si scopre che Mike si incolpa per la morte del
suo capitano, con il suo ruolo negli eventi di Bad Boys for Life e
Bad Boys: Ride or Die che pesa molto sulla sua coscienza. Mike si
blocca in diversi punti chiave del film, qualcosa che deve superare
alla fine.
Bad Boys: Ride or
Die si conclude con una nota ampiamente ottimistica per i
personaggi principali, con Marcus e Mike riuniti alle loro famiglie
sani e salvi. Mentre Mike non sa cosa ne è stato di Armando, il suo
ruolo nel climax del film e il loro addio hanno indicato che il
personaggio rimarrà una figura eroica in futuro. Un potenziale
sequel potrebbe riportare in vita il personaggio e verificare i
suoi sforzi futuri, confermando in un modo o nell’altro se le
speranze di Mike per suo figlio sono fondate. Per AMMO, il finale
di Bad Boys: Ride or Die è una grande vittoria,
con Rita e Dorn che sopravvivono entrambi ai loro incontri con la
morte durante la parte finale del film.
Uno degli elementi di base
di Bad Boys: Ride or Die si concentra sull’eredità
e sulla famiglia. La rivelazione che Howard aveva lavorato
segretamente a un’indagine per un decennio e mezzo prima della sua
morte evidenzia la natura pericolosa del loro lavoro. In ciascuna
delle tre principali relazioni genitore/figlio del film, la volontà
dell’anziano di stare al fianco e di avere fiducia nel figlio
avvantaggia il mondo. La fede di Mike in Armando viene ricompensata
con la possibilità di abbattere McGrath. Il genero di Marcus,
Donnie, dimostra il suo coraggio e salva la famiglia di Marcus,
guadagnandosi un rispetto dovuto da Marcus. Callie che si mette di
fronte ad Armando convince Judy a non uccidere il suo
salvatore.
Come erede del Frutto della
Fiamma, Sabo ha consolidato la sua posizione come uno dei
personaggi più popolari di One Piece, secondo i
fan. La sua reintroduzione in Dressrosa e il suo coinvolgimento nel
Reverie hanno ampliato la sua storia, rendendolo ancora più
simpatico.
Non appena Ace è stato
introdotto nell’arco di Alabasta, i fan si sono innamorati
perdutamente di lui. Il fratello maggiore di Luffy che si è curato
di lui non appena ha scoperto che si era guadagnato una taglia è
solo una delle caratteristiche sane che i fan amano di Ace Pugno di
Fuoco.
La presenza di Carrot in
questa lista è un dato abbastanza interessante, non sembrava che si
sarebbe classificata tra i primi dieci del sondaggio sulla
popolarità. All’inizio, sembrava un sollievo comico che avrebbe
completato Chopper nel reparto degli animali divertenti, ma ha
continuato a integrarsi così bene con la ciurma di Cappello di
Paglia, che i fan hanno iniziato a teorizzare che potrebbe essere
il prossimo personaggio ad unirsi a Luffy e alla sua ciurma.
L’unica pirata donna tra i
Sette Signori della Guerra del Mare, la Principessa Serpente, Boa
Hancock è uno dei capitani pirata più potenti che Luffy incontra.
Il suo atteggiamento duro verso gli uomini, unito al suo Frutto
dell’Amore-Amore, che può essere usato per trasformare le persone
in pietra, rende Hancock una delle preferite dai fan.
Iniziando come una cattiva
e la seconda in comando di Crocodile di Baroque Works, Nico Robin è
l’archeologa che fa parte della ciurma di Cappello di Paglia e
l’unica dell’equipaggio in grado di decifrare i misteriosi
poneglifi.
Il ragazzo più cupo e
nervoso della serie, Trafalgar Law ha un motivo per essere così
freddo con tutti. Ha una delle storie più tristi della serie e uno
dei poteri più forti del Frutto del Diavolo.
Come una delle ali del
futuro re dei pirati, Black Leg Sanji merita di essere così in alto
nella lista. Non solo è l’unico cuoco che riesce a tenere il passo
con la fame vorace di Luffy, ma può anche tirare un calcio o due a
qualsiasi nemico gli si pari davanti, a meno che non siano donne,
ovviamente.
Probabilmente il membro più
importante di Cappello di Paglia e la ragione del successo
dell’equipaggio è Nami. Senza l’aiuto del navigatore
nell’attraversare i mari ruggenti, l’equipaggio, metà del quale non
sa nuotare, sarebbe morto in acqua.
Zoro è il primo Pirata di
Cappello di Paglia che Luffy recluta nel suo viaggio per diventare
il re dei pirati, ma è anche uno dei motivi principali per cui ha
avuto successo finora. Zoro sta navigando per vedere Luffy
diventare il re, ma anche per mantenere la promessa fatta alla sua
defunta amica, di diventare il più grande spadaccino del mondo.
Il capitano in persona. È
ovvio che il protagonista sarà il personaggio più popolare della
serie, ma non potrebbe essere più vero con Luffy. Monkey D. Luffy
esemplifica tutto ciò che la serie rappresenta: vera e assoluta
libertà.
