Presentato in Concorso alla 82ª Mostra del Cinema di Venezia il 3 settembre 2025 e uscito nelle sale italiane il 18 settembre, Duse è il nuovo film di Pietro Marcello: un ritratto libero e sensoriale degli ultimi anni della grande attrice italiana Eleonora Duse, interpretata da Valeria Bruni Tedeschi, con Noémie Merlant, Fausto Russo Alesi e un ampio cast tra Italia e Francia. L’opera nasce nella scia autoriale del regista (tra documentario e finzione, uso creativo degli archivi, lavoro sul formato analogico) e si concentra sul ritorno in scena della “Divina” dopo un lungo ritiro, tra la fine della Grande Guerra e l’inizio degli anni Venti.

Per capire il nucleo storico del film Duse (La nostra recensione) bisogna ricordare chi fosse Eleonora Duse (1858–1924): considerata da molti la più grande attrice del suo tempo, rivoluzionò la recitazione teatrale con una naturalità radicale (“eliminare il sé” per farsi attraversare dal personaggio) e portò in tournée nel mondo i testi di Ibsen e d’Annunzio. Nata a Vigevano, figlia d’arte, fu protagonista di una vita pubblica e privata intensissima: la lunga relazione con Gabriele d’Annunzio segnò anche la sua carriera, mentre l’ultima stagione la vide tornare sulle scene oltre i sessant’anni, fino alla morte a Pittsburgh nel 1924 durante una tournée americana.

L’obiettivo di questo approfondimento è doppio: raccontare cosa mostra il film (e come lo mostra) e ricostruire la storia vera che lo sostiene, distinguendo tra licenze poetiche e fatti documentati. Per farlo ci appoggiamo a fonti ufficiali di festival e distribuzione, schede critiche e sintesi biografiche autorevoli.

Cosa succede nel film Duse di Pietro Marcello

Il film si colloca negli anni tra la Prima guerra mondiale e l’ascesa del fascismo. Duse – ormai oltre i sessant’anni – decide di tornare sul palcoscenico dopo un lungo silenzio: non solo per ragioni artistiche, ma anche per necessità molto concrete (economiche, esistenziali). È l’avvio di un nuovo ciclo di prove, tournée, teatri che si aprono e si chiudono, nel segno di una ricerca ostinata: fare dell’arte un atto morale, anche quando il tempo – biologico e storico – sembra voltarle le spalle.

Il rientro è faticoso. Marcello mette in scena il lavoro: le prove, le regole di compagnia, la gestione di risorse scarse, i fallimenti teatrali che si alternano alle serate di grazia. Attorno a Duse si muovono figure chiave: la figlia Enrichetta (Noémie Merlant), presenza affettiva e pratica; un’assistente straniera (Fanni Wrochna/Desirée) che ne custodisce i ritmi e la fragilità; colleghi e impresari che cercano di incasellarla nel mercato del tempo. L’ombra magnetica di Gabriele d’Annunzio (Fausto Russo Alesi) riaffiora come relazione irrisolta – biografica e artistica – che il film evoca senza mai trasformare in semplice melodramma.

La fisicità della Duse – acciacchi, affanno, abitudini di scena – diventa parte del racconto: non c’è sede nostalgica, ma resistenza. Ogni debutto può essere una disfatta o una rivelazione; ogni viaggio, una prova. Marcello alterna recitazione, materiali d’archivio e un uso analogico dell’immagine (Super16 e 35mm) per costruire una partitura tra presente e memoria, in cui la protagonista misura la propria età con la Storia: un Paese che cambia, nuovi poteri, nuove platee.

Nel percorso si insinua la domanda centrale: che cosa significa “tornare” quando il tuo corpo e il tuo secolo cambiano più in fretta di te? La Duse del film risponde non con proclami, ma salendo in scena. È lì – dentro il gesto quotidiano dell’attrice, dentro la comunità del teatro – che ritrova un’utopia possibile, a costo di sacrificare salute e affetti, fino all’ultimo viaggio.

La storia vera: cosa c’è di storico nel film e cosa è licenza poetica

Il ritorno sulle scene dopo la Grande Guerra

• Fatto storico. Eleonora Duse si ritirò dal palcoscenico nel 1909, ma tornò a recitare nel 1921, formando una propria compagnia e avviando nuove tournée in Italia (1921–1922) e poi all’estero nel 1923. È un rientro tardo, motivato da ragioni artistiche ma anche economiche e biografiche.

• Nel film. Duse colloca la protagonista nel dopoguerra e concentra lo sguardo sul rientro tardivo e faticoso, tra prove, tournée e fragilità fisiche: una scelta aderente all’arco biografico reale pur con inevitabili condensazioni narrative.

Il rapporto con Gabriele d’Annunzio

• Fatto storico. La relazione con d’Annunzio (fine anni ’90–primi 1900) fu centrale sul piano personale e artistico: Duse interpretò più testi del Vate (insieme a Ibsen), e la loro vicenda influenzò carriera e immagine pubblica; il romanzo Il fuoco (1900) rielabora in chiave romanzesca il loro legame.

• Nel film. La presenza di Gabriele d’Annunzio (Fausto Russo Alesi) riaffiora come ombra magnetica del passato: un elemento storicamente fondato, che il racconto usa per intrecciare memoria sentimentale e identità artistica.

Le tournée finali e la morte a Pittsburgh

• Fatto storico. Dopo tappe italiane e europee (Londra, Vienna nel 1923), Duse partì per gli Stati Uniti nell’ottobre 1923. Morì di polmonite a Pittsburgh il 21 aprile 1924, durante la tournée; la sua ultima recita fu il 5 aprile 1924 al Syria Mosque, con La porta chiusa di Marco Praga. Dopo solenni onoranze, venne sepolta ad Asolo.

• Nel film. Il percorso verso l’ultimo viaggio è trattato come tragitto esistenziale: la strada, i teatri, il corpo che cede e resiste. La meta americana e l’“ultimo atto” sono coerenti con i dati storici, anche se resi con libertà poetica.

Licenze poetiche e scelte di messa in scena

• Struttura e tempi. Come in altri lavori di Marcello, il film condensa tempi e situazioni, alternando materiali d’archivio, ricostruzione e immagini analogiche per restituire sensazione oltre al fatto: una licenza funzionale a mettere al centro l’etica del lavoro d’attore più che il puro inventario cronachistico.

• Personaggi-sintesi. Alcune figure di compagnia, assistenti e impresari possono agire da personaggi composti (fusione di più persone reali) per semplificare reti e dinamiche teatrali: è una pratica tipica del biopic, purché non alteri i nodi verificabili (ritiro/rientro, tournée finali, Pittsburgh). (Inferenza fondata sul formato biografico; i cardini storici restano aderenti alle fonti.)

Box cronologico rapido — Eleonora Duse (1858–1924)

• 1858 – Nasce a Vigevano (3 ottobre), figlia d’arte.

• 1898–1904 – Apice del sodalizio artistico e sentimentale con Gabriele d’Annunzio; ruoli chiave tra Ibsen e il Vate.

• 1909 – Ritiro dal palcoscenico (salute e logorio).

• 1916 – Unico film: Cenere; l’esperienza la delude, resta soprattutto un’attrice di teatro.

• 1921 – Ritorno sulle scene; tournée in Italia (1921–1922).

• 1923 – Tournée Londra e Vienna; partenza per gli USA (ottobre).

• 5 aprile 1924 – Ultima recita, La porta chiusa (Syria Mosque, Pittsburgh).

• 21 aprile 1924 – Muore a Pittsburgh di polmonite; dopo solenni onoranze, sepoltura ad Asolo.

Curiosità e fact-check su Eleonora Duse e il film di Pietro Marcello

• Cenere (1916): unico film girato da Eleonora Duse. Nonostante il mito teatrale, la diva restò delusa dall’esperienza cinematografica e tornò subito al palcoscenico. Pietro Marcello inserisce materiali d’archivio di quell’epoca come contrappunto alla finzione.

• Time cover (1923): Duse fu la prima donna del mondo dello spettacolo ad apparire in copertina su Time Magazine (27 agosto 1923), durante la tournée americana: un segno del prestigio internazionale che la accompagnava fino agli ultimi mesi di vita.

• La “Divina” vs. la “Divina”: nel film ricorre un dialogo su “chi è la vera Divina”. In realtà l’appellativo “Divina” passò dalla Duse a Maria Callas decenni dopo; Marcello lo usa per legare idealmente la figura dell’attrice a un archetipo di artista fuori dal tempo.

Con questi elementi, Duse diventa non solo un biopic, ma una riflessione sul mestiere dell’attore e sulla tensione tra memoria, corpo e storia.

La tomba delle lucciole è considerato uno dei film d’animazione più deprimenti di tutti i tempi, e il suo finale spiega il costo della guerra per il popolo giapponese, in particolare per Seita e Setsuko. La tomba delle lucciole è un film d’animazione del 1988 dello Studio Ghibli, il secondo film prodotto dallo studio giapponese dopo Il castello nel cielo del 1986. Il tomba delle lucciole è scritto e diretto da Isao Takahata, uno dei pochi registi ad aver prodotto più film dello Studio Ghibli oltre a Hayao Miyazaki.

Dopo che la loro città natale, Kobe, in Giappone, viene bombardata e rasa al suolo e la loro madre muore, Seito e la sua sorella minore Setsuko vanno a vivere con una zia. La zia diventa sempre meno tollerante nel condividere il cibo della famiglia, così i fratelli se ne vanno e iniziano a vivere in un rifugio antiaereo abbandonato. Seito aveva abbastanza soldi lasciati dalla madre per comprare da mangiare a Setsuko, ma il razionamento bellico e le scorte limitate rendevano difficile procurarsi il cibo. Setsuko muore di malnutrizione e Seito condivide un destino simile, mentre gli spiriti dei fratelli si ricongiungono nell’aldilà.

La tomba delle lucciole è una storia vera?

Il film è in realtà basato su un racconto breve

La tomba delle lucciole è basato su un racconto breve dello scrittore giapponese Akiyuki Nosaka. La storia è di fantasia, ma è influenzata dalla sua esperienza di crescita durante e dopo la seconda guerra mondiale in Giappone. C’era molto interesse nel realizzare La tomba delle lucciole in versione live-action, ma Nosaka non pensava che potesse essere fatto in modo convincente fino a quando non vide gli storyboard della versione animata di Takahata. La sorella di Nosaka morì di malnutrizione in seguito al bombardamento di Kobe, e lui si sentì sempre responsabile. La storia era il suo modo di scusarsi per non essersi preso cura di lei.

Nella vita reale, Akuyiki Nosaka aveva due sorelle, una delle quali morì nel bombardamento di Kobe, mentre l’altra, Keiko, era una neonata che morì di malnutrizione. Setsuko è ispirata a Keiko.

Mentre la maggior parte dei film dello Studio Ghibli sono ispirati a storie di fantasia con elementi molto più fantastici, La tomba delle lucciole è uno dei più realistici e brutali nella sua trama. Sebbene sia inquadrato attraverso la lente degli spiriti di Seita e Setsuko che osservano la propria vita, è altrimenti brutalmente realistico nella sua storia e nei suoi temi. Anche se non è una rivisitazione letterale di una storia particolare, è in generale una rappresentazione accurata della vita in un villaggio giapponese come Kobe e di come i cittadini medi fossero colpiti dai regolari bombardamenti aerei, dalla carenza di cibo e dal razionamento delle risorse da parte del governo.

Come sono morti Seita e Setsuko?

Seita e Setsuko erano entrambi malnutriti

La scena iniziale di La tomba delle lucciole mostra Seita e diversi altri ragazzi della sua età che muoiono alla stazione ferroviaria dove chiedevano cibo. Date le circostanze, è abbastanza chiaro che sono morti di fame e malnutrizione. La situazione è molto più esplicita con Setsuko, poiché le sue condizioni peggiorano lentamente e il medico dice esplicitamente a Seita che è malnutrita e ha bisogno di cibo.

Lei è delirante, mangia biglie e ha allucinazioni in cui le rocce sono in realtà riso.

Seita va in città per comprare del cibo per lei e le dà anche un po’ di anguria, ma quando torna è già troppo tardi. Lei è delirante, mangia biglie e ha allucinazioni in cui le rocce sono in realtà riso.

Perché Seita e Setsuko non sono tornati a casa della zia?

I due bambini non dovevano morire

Sebbene la zia di Seita e Setsuko sia inizialmente accogliente, ben presto diventa impaziente con i bambini, in particolare con Seita, perché lui non fa alcun lavoro in casa né partecipa in alcun modo agli sforzi della città o alla guerra. La zia loda regolarmente lo zio e il cugino per il loro contributo e dà loro porzioni extra durante i pasti, ma Seita concentra le sue energie invece nel prendersi cura di Setsuko.

Quando alla fine lasciano la casa della zia, sono solo a breve distanza e potrebbero tornare indietro, quindi perché Seita tiene Setsuko nel rifugio antiaereo fino a quando lei muore di malnutrizione invece di tornare e chiedere scusa alla zia? Seita era pieno di risorse, ma è importante ricordare che era ancora solo un bambino. Inizialmente, cercava di proteggere Setsuko dalla notizia della morte della madre, ma in seguito aspettava il ritorno del padre.

Pensava semplicemente di doversi prendere cura di Setsuko fino alla fine della guerra e al ritorno del padre, ma quando scoprì che la guerra era finita e che il padre era probabilmente morto, era troppo tardi. La notizia della morte del padre potrebbe essere stata la cosa che alla fine ha convinto Seita a tornare dalla zia, ma a quel punto era troppo tardi, poiché Setsuko morì quello stesso giorno.

Il finale e il vero significato di “La tomba delle lucciole” spiegati

Il film mostra come i bombardamenti abbiano distrutto delle vite

Poiché il Giappone era membro dell’Asse nella seconda guerra mondiale e alleato della Germania nazista, non molte storie sulla guerra mettono in luce come fosse la vita per il popolo giapponese. La carenza di rifornimenti e le razioni governative erano comuni anche in altri paesi, poiché le nazioni deviavano le risorse di base per finanziare lo sforzo bellico, ma in società molto più industrializzate come gli Stati Uniti, il cittadino medio faticava molto meno. Inoltre, La tomba delle lucciole mostra come i regolari attacchi dei bombardieri americani causarono devastazioni ai cittadini giapponesi, anche se non erano direttamente coinvolti nello sforzo bellico.

In tutto il film La tomba delle lucciole, Seita fa del suo meglio per preservare l’innocenza di Setsuko, proteggendola dalla notizia della morte della madre. Anche se all’inizio sembra un gesto dolce, alla fine è proprio questo che li uccide entrambi, mentre affrontare la realtà e lavorare come parte del villaggio avrebbe giovato loro di più nel lungo periodo. La scatola di caramelle Sakuma Drops ne è un esempio evidente in tutto il film.

Il titolo del film viene esplicitamente citato quando le lucciole muoiono e Setsuko costruisce loro una tomba fuori dal rifugio antiaereo.

Seita dà a Setsuko delle caramelle quando lei è triste e a un certo punto le fa mangiare una caramella al posto del cibo, ma le caramelle zuccherate non forniscono alcun nutrimento e quando finiscono non hanno più nulla. Il tema delle lucciole viene stabilito fin dall’inizio, poiché accompagnano gli spiriti di Setsuko e Seita. Il titolo del film viene esplicitamente citato quando le lucciole muoiono e Setsuko costruisce loro una tomba fuori dal rifugio antiaereo.

Guarda La tomba delle lucciole su Netflix.

Mentre seppellisce le lucciole, lei rivela di sapere che la loro madre è morta, mentre Seita ha un flashback dei corpi del loro villaggio, e si concede di piangere per la prima volta. Nel suo tentativo di proteggere l’innocenza di Setsuko, lei lo sapeva comunque, e anche qualcosa di semplice come la morte delle lucciole che avevano illuminato il loro rifugio per una notte ricordava loro il terribile costo umano di una guerra che non aveva nulla a che fare con loro.

Come è stato accolto il finale di “La tomba delle lucciole”

Il film ha ottenuto un punteggio perfetto del 100% su Rotten Tomatoes

La tomba delle lucciole ha ottenuto un raro punteggio perfetto su Rotten Tomatoes. I critici hanno elogiato il film in modo travolgente, con un punteggio del 100% su Tomatometer, e anche il punteggio del pubblico è altrettanto ottimo, con un altissimo 95% e oltre 50.000 valutazioni. Il finale è devastante, ma è proprio questo che gli spettatori apprezzano di più. Un fan ha scritto: “Il lento crescendo è stato realizzato così bene. Pur conoscendo il finale, non sono riuscito a smettere di piangere nemmeno dopo la fine del film. Davvero un capolavoro.”

I critici lo hanno apprezzato ancora di più, senza una sola recensione negativa da parte dei critici di Tomatometer. Roger Ebert ha recensito il film e ha avuto molte cose positive da dire sulla storia e sul suo finale crudo. Nella sua recensione cita il critico Dennis H. Fukushima Jr.

“Essendo l’unico sopravvissuto, si sentiva in colpa per la morte di sua sorella. Mentre cercava cibo, spesso mangiava prima lui e poi sua sorella. La causa innegabile della sua morte era la fame, e questo era un fatto triste che avrebbe perseguitato Nosaka per anni. Lo spinse a scrivere della sua esperienza, nella speranza di liberarsi dai demoni che lo tormentavano.”

Glenn Kenny del The New York Times concordò con le parole di elogio nella sua recensione del classico d’animazione. “Separati dalla madre dopo un bombardamento americano su Kobe, i due trascorrono i loro ultimi giorni cavandosela da soli in una terra desolata dove non c’è alcun aiuto da parte degli adulti. Per quanto lottino, rimangono meravigliosamente e talvolta umoristicamente infantili.” La maggior parte dei critici e dei fan concordano sul fatto che il film sia difficile da guardare, ma La tomba delle lucciole alla fine ne vale la pena: una storia commovente con un finale straziante e toccante.

Uscito il 23 aprile 2004, Man on Fire è un thriller d’azione basato sull’omonimo romanzo del 1980 scritto da A.J.Quinnell. Il film vede Denzel Washington e Dakota Fanning nei ruoli principali. La storia è ambientata a Città del Messico, dove un ex agente della CIA giura vendetta contro coloro che hanno commesso un atto indicibile contro la famiglia che era stato assunto per proteggere.

Il cast di supporto include Christopher Walken, Radha Mitchell, Giancarlo Giannini, Marc Anthony, Rachel Ticotin e Mickey Rourke. Nonostante le recensioni contrastanti, il film è stato un successo al botteghino. Ecco spiegato il finale di Man on Fire.

Man on Fire: spiegazione del finale

Il film ruota attorno a John Creasy, un ex marine della ricognizione e assassino che si reca in Messico per visitare un suo vecchio amico. Creasy viene assunto come guardia del corpo di Peeta, la figlia di un ricco produttore di automobili. La storia ruota attorno alla bella relazione tra Peeta e Creasy e al forte legame che unisce i due fino a quando una tragedia li separa.

John Creasy era una persona reale?

Sì, John Creasy era un personaggio reale, ex agente della CIA e assassino. Creasy è venuto a Città del Messico per incontrare il suo compagno d’armi, Paul Rayburn. Mentre è in Messico, Creasy cerca di suicidarsi, ma il proiettile non parte e lui finisce per considerarlo una seconda possibilità. Si sente depresso, ma il suo legame con Peeta gli ha dato un nuovo senso alla sua vita.

Creasy muore alla fine di Man on Fire?

Nella scena finale di Man on Fire, Creasy trova il responsabile del rapimento di Peeta e cerca di ucciderlo, ma Daniel lo informa che Peeta è viva. Daniel propone a Creasy uno scambio: restituirà Peeta se Creasy e suo fratello si arrenderanno agli uomini di Daniel. Creasy accetta e incontra gli uomini di Daniel sul ponte. Per l’ultima volta, Creasy incontra Peeta, le dice addio e le assicura che la ama. Creasy si arrende agli uomini di Daniel, ma soccombe alle ferite durante il trasporto. Creasy muore durante il viaggio di ritorno prima di poter incontrare Daniel.

Peeta muore in Man on Fire?

Creasy scambia se stesso e suo fratello in cambio di Peeta. Così, gli uomini di Daniel lasciano Peeta ai piedi del ponte dove incontra Creasy. Peeta saluta Creasy e corre da sua madre, che è seduta in macchina dall’altra parte del ponte. Peeta e sua madre se ne vanno in macchina, mentre Creasy viene ucciso. Anche Daniel muore in Man on Fire, ucciso dall’agente dell’AFI Manzanno nella sua stessa casa, che dichiara ufficialmente che è morto durante l’arresto.

Ultimatum alla Terra è il film del 2008 diretto da Scott Derrickson, remake dell’omonimo film di fantascienza del 1951 diretto da Robert Wise e con protagonista Michael Rennie. Questa volta il ruolo dell’alieno Klaatu è stato affidato a Keanu Reeves, che con i suoi lineamenti affilati ed eleganti si è rivelato perfetto per il ruolo.

La trama di Ultimatum alla Terra

Nel 1928 un esploratore sul Karakorum scopre una sfera luminosa che, prelevato il suo DNA, scompare. Decenni dopo, nel 2008, un oggetto spaziale viene scambiato per un asteroide in rotta verso New York: si rivela invece un’astronave che atterra a Central Park. Dalla navicella escono un essere alieno, ferito da un colpo di arma da fuoco, e un enorme robot, GORT, che disattiva ogni tecnologia. L’alieno, Klaatu, viene portato in un centro studi dove assume sembianze umane, ricavate dal DNA dell’esploratore del 1928. Klaatu vorrebbe rivolgersi all’ONU, ma i militari lo considerano una minaccia e tentano di interrogarlo. Dopo essere sfuggito, trova aiuto nella scienziata Helen Benson e nel figlio adottivo Jacob.

Klaatu rivela la sua missione: è inviato da una confederazione di civiltà per preservare i pianeti abitabili. La Terra è a rischio estinzione a causa dell’uomo e l’umanità deve essere eliminata per salvare l’ecosistema. Klaatu sembra deciso, ma un vecchio alieno infiltrato gli mostra di aver scelto di restare sulla Terra per amore degli uomini, convinto che possano anche cambiare. Intanto, GORT si libera, trasformandosi in uno sciame di nanomacchine che divora ogni cosa, avviando lo sterminio.

Durante la fuga con Helen e Jacob, Klaatu si scontra con i militari e salva il ragazzo, guadagnandosi la sua fiducia. Convinto da Helen e dal professor Barnhardt che l’umanità può cambiare quando è vicina al baratro, Klaatu comincia a dubitare della distruzione totale. L’ennesimo atto di fiducia di Jacob lo persuade: decide di fermare lo sciame. Tornato alla sfera di Central Park, sacrifica la propria missione e blocca la catastrofe, salvando Helen e Jacob, ma al prezzo della propria partenza. L’ultima conseguenza della sua scelta è il blackout totale della tecnologia terrestre, un messaggio potente per spingere gli uomini a riflettere sul futuro del pianeta.

10 curiosità su Ultimatum alla Terra

• Il famoso astronomo Seth Shostak fu assunto come consulente per il film. Rilesse la sceneggiatura più volte alla ricerca di errori e fornì suggerimenti per rendere gli scienziati meno aridi: “I veri scienziati non descrivono un oggetto che entra nel sistema solare come ‘notevole per il fatto che non si muoveva lungo un’ellisse asteroidale, ma a quasi 3*10 alla 7 metri al secondo’. Più probabilmente, direbbero che c’era ‘una dannata roccia diretta verso di noi!'”. Ha anche sottolineato che gli scienziati avrebbero dovuto chiamarsi per nome.
• Secondo i registi, John Cleese è stata la scelta più difficile per il casting, poiché era noto principalmente per i ruoli comici. Cleese riteneva che alla sua età, un ruolo drammatico con un sottile umorismo sarebbe stato più facile da interpretare, piuttosto che un altro vecchio maniaco.
• Keanu Reeves registrò la battuta “Klaatu barada nikto” due volte, e una registrazione fu riprodotta al contrario e unita all’altra (che fu lasciata normale) per rendere il dialogo complessivo più ultraterreno.
• Come nell’originale del 1951, Klaatu avrebbe dovuto viaggiare su un’astronave, ma Scott Derrickson voleva che l’aspetto extraterrestre del film fosse più misterioso e sostituì l’astronave con una sfera luminosa.
• La sfera avrebbe dovuto essere riempita di luce bianca limbica, ma il regista Scott Derrickson ritenne che il concetto sarebbe stato poco originale e cambiò il colore in verdastro, un colore più appropriato per una razza conservatrice dell’ambiente.
• Il design di GORT è simile alla sua interpretazione originale in Ultimatum alla Terra (1951), ma GORT è ora una forma biologica, piuttosto che meccanica, poiché Scott Derrickson riteneva che alcune razze extraterrestri avrebbero sviluppato forze biologiche avanzate invece della tecnologia.
• Quando Jacob guarda la televisione a casa del Professor Barnhardt, vengono mostrate diverse immagini di rivolte in tutto il mondo. Un’inquadratura mostra un filmato reale di una rivolta in Serbia il 5 ottobre 2000, il giorno in cui Slobodan Milosevic fu rovesciato. Una grande folla si trova davanti al Parlamento serbo. Si vede del fumo, perché parte di un edificio era in fiamme.
• Come parte della campagna promozionale tedesca (e probabilmente anche di altri paesi), le pubblicità hanno cambiato il titolo del film per includere il nome della città in cui sono state pubblicate (ad esempio, “Il giorno in cui Colonia si fermò”).
• John Cleese afferma di non essere interessato alla vita extraterrestre, poiché spesso filosofeggia sullo scopo della vita e sul perché gli umani siano distratti da questioni banali.
• Mentre viaggia in auto con Klaatu, Jacob Benson osserva che suo padre avrebbe combattuto contro i visitatori alieni. Benson è interpretato da Jaden Smith, il cui padre ha combattuto contro gli invasori extraterrestri in Independence Day (e li ha controllati nella saga di Men in Black).

Appuntamento con l’amore (in originale Valentine’s Day) è un film del 2010 diretto dal mago delle commedie romantiche, Garry Marshall. Film corale, ruota attorno a 10 differenti storie ambientate a Los Angeles il giorno di San Valentino, è stato un vero successo al box office, tanto da guadagnarsi un sequel Capodanno a New York.

Il cast, ricco di star, comprende: Jessica Alba, Jessica Biel, Bradley Cooper, Ashton Kutcher, Julia Roberts, Jamie Foxx, Anne Hathaway, Jennifer Garner, Patrick Dempsey, Eric Dane, Emma Roberts, Taylor Swif, Taylor Lautner, Queen Latifah, George Lopez, Topher Grace, Carter Jenkins, Shirley MacLaine, Héctor Elizondo e Kathy Bates.

La trama di Appuntamento con l’amore

Il film intreccia diverse storie ambientate durante la giornata di San Valentino a Los Angeles, mostrando amori, tradimenti e nuove possibilità di vita.

Il fiorista Reed Bennett chiede alla fidanzata Morley Clarkson di sposarlo: lei accetta, ma poche ore dopo cambia idea e lo lascia. Intanto la capitana dell’esercito Kate Hazeltine, in congedo per un solo giorno, incontra in aereo Wilson Holden. A destinazione, accetta di viaggiare nella sua limousine, instaurando un rapporto di amicizia.

La maestra Julia scopre che il medico di cui è innamorata, Harrison Copeland, è sposato. Dopo aver quasi preso un volo per raggiungerlo, sceglie di smascherarlo in pubblico, mettendo nei guai il matrimonio dell’uomo. Nel frattempo, il suo alunno Edison, che aveva ordinato fiori per Julia, decide su consiglio della maestra di regalarli alla compagna di classe Rani, innamorata di lui. La babysitter di Edison, Grace, vuole perdere la verginità con il fidanzato Alex, ma il piano fallisce: i due decidono di aspettare. I nonni del ragazzo, Edgar ed Estelle, affrontano una crisi dopo che lei confessa un tradimento, ma alla fine si riconciliano rinnovando le promesse nuziali.

Altri personaggi vivono esperienze parallele: i liceali Willy e Felicia assaporano l’innocenza del primo amore; la segretaria Liz nasconde al fidanzato Jason il suo lavoro come operatrice telefonica, ma vengono ispirati dal perdono tra Edgar ed Estelle; la pubblicista Kara, disillusa dall’amore, si avvicina al giornalista Kelvin.

Il giocatore di football Sean Jackson decide di fare coming out in diretta televisiva e viene raggiunto dal suo compagno Wilson. Alla fine della giornata, i destini si incrociano: Kate torna dal figlio Edison, Kara e Kelvin si baciano, Willy e Felicia vivono la loro prima uscita romantica, mentre Reed, lasciato da Morley, trova conforto in Julia.

10 curiosità su Appuntamento con l’amore

• Sandra Bullock rifiutò il ruolo di Julia Roberts in questo film.
• Durante i titoli di coda, l’autista dice a Kate che stanno passando per Rodeo Drive, chiedendole se ha mai fatto shopping lì. Questo si riferisce al ruolo di Julia Roberts in Pretty Woman (1990), e lei risponde: “L’ho fatto una volta. È stato un grosso errore. Grande. Enorme”. In Pretty Woman (1990), Vivian, interpretata dalla Roberts, dice ai commessi: “Grande errore. Grande. Enorme”. Con lo stesso tono.
• Julia Roberts è stata pagata 11.952 dollari per ogni parola pronunciata in questo film: 251 parole in cambio, a quanto si dice, di uno stipendio di 3 milioni di dollari.
• Julia Roberts, Hector Elizondo, Kathleen Marshall e Larry Miller sono apparsi in Pretty Woman (1990) e Se scappi ti sposo (1999) (entrambi diretti da Garry Marshall). L’hotel in cui cenano i personaggi di Topher Grace e Anne Hathaway è il Beverly Wilshire Hotel, lo stesso che appare in Pretty Woman (1990).
• Il secondo miglior debutto per una commedia romantica, subito dopo Sex and the City (2008) con 57 milioni di dollari.
• Jamie Foxx ha registrato una canzone per il film intitolata “Quit Your Job”. Sebbene sia presente nel film, la canzone non è mai stata inclusa nella colonna sonora a causa del testo scurrile.
• Quando Edgar è al cimitero prima dell’inizio del film, sullo schermo compare il titolo “Hot Spell” (1958), e nelle foto sono raffigurati i due personaggi principali. Ha detto che la donna sullo schermo è la sua tripletta. Quando gli è stato chiesto se intendesse letteralmente l’attrice sullo schermo, ha risposto “Sì, letteralmente”. L’attrice era Shirley MacLaine, che interpretava sua moglie in questo film.
• Quando vediamo Julia Roberts e Bradley Cooper per la prima volta, il Capitano dice “…tre giorni di pioggia”. I due hanno recitato insieme in uno spettacolo teatrale di Broadway intitolato “Three Days of Rain” nel 2006.
• Quando Taylor Lautner fu scelto, si vociferava che avrebbe interpretato un giovane interesse amoroso per Anne Hathaway. Invece, la parte fu assegnata a Topher Grace, e Lautner finì per essere scelto al fianco di Taylor Swift.
• Al momento dell’uscita del film, il cast stellare era stato complessivamente candidato a sedici Oscar per la recitazione nel corso della loro carriera, di cui quattro vinti. Le nomination sono condivise dagli attori e dalle attrici Kathy Bates (tre), Jamie Foxx (due), Anne Hathaway (una), Queen Latifah (una), Shirley MacLaine (sei) e Julia Roberts (tre).

White Elephant è un thriller d’azione piuttosto piacevole da guardare tutto d’un fiato, che ha tutti gli elementi necessari nelle giuste quantità, per non parlare di un Bruce Willis piuttosto insipido. Tuttavia, Willis è completamente messo in secondo piano nel film dal nostro protagonista, il fantastico Michael Rooker. La storia non è nuova, ma riesce a mantenere viva l’attenzione che cerca. La cosa migliore di White Elephant è che non cerca di filosofeggiare sul carattere del protagonista. Questo è qualcosa che molti film di questo tipo tendono spesso a fare, e nel farlo esagerano e perdono il senso di realtà e di urgenza che dovrebbe accompagnare la storia. Nel complesso, è un bel tentativo di mostrare un killer che si trova faccia a faccia con la sua coscienza.

La trama di White Elephant

Arnold Solomon, un magnate immobiliare legato alla criminalità organizzata, ha appena concluso un accordo con i russi. Per evitare qualsiasi tipo di intervento da parte del suo concorrente, Luis Velasquez, del cartello messicano, vuole che il suo migliore amico e killer Gabriel Tancredi, alias Gabe, vada a negoziare con lui. Gabe manda il suo apprendista, Carlos Garcia, a portare a termine il lavoro. Ma Velasquez non è dell’umore giusto per negoziare, quindi Carlos lo uccide. Tuttavia, viene compromesso dagli agenti Vanessa Flynn e Walter Koschek, che stavano tenendo d’occhio Luis Velasquez dalla loro auto parcheggiata a una certa distanza dall’indirizzo di Velasquez. Notano Carlos che porta una valigetta all’interno di Velasquez e tornano alla loro auto. Un secondo dopo, l’intero ufficio di Velasquez esplode. Carlos riesce a fuggire. Arnold, dopo aver saputo della presenza di due testimoni, vuole che Gabe li uccida entrambi. Gabe e Carlos uccidono Walter Koschek a casa sua. Una notte Carlos porta alcuni amici a casa di Vanessa per ucciderla. Lei riesce a fuggire, ma non prima di aver riconosciuto uno degli assassini come un volto familiare dal lavoro, Lanier.

Rintraccia il partner di Lanier, Daley, e cerca di scoprire di più sulle persone che hanno quasi ucciso lei. Daley nega di sapere qualcosa, ma dopo che Vanessa se ne va, chiama Carlos, che vuole che lui la trovi e scopra il suo indirizzo. Nel frattempo, Arnold non è contento di come stanno andando le cose e insiste per sbarazzarsi immediatamente di Vanessa.

Vanessa decide di andare a controllare Koschek a casa sua, ma trova tracce di sangue sulle pareti. Si rende conto che è morto e contatta un suo amico che la aiuta a scoprire di più sul tizio in questione, Carlos. Non sapendo dove andare, nemmeno alla stazione di polizia, si rifugia in un motel.

Gabe si procura il fascicolo di Vanessa e scopre che è una poliziotta decorata. Ma la cosa che lo colpisce è la sua data di nascita, il 2 aprile. È la stessa di sua moglie Alexandria. Nel frattempo, Arnold e sua moglie vengono aggrediti in un ristorante da due uomini armati. Sua moglie muore mentre Arnold rimane ferito. Sembra che l’aggressione sia stata una vendetta dei messicani per l’uccisione di Luis Velasquez. Ma Arnold pensa che sia stata fatta sembrare opera dei messicani, mentre in realtà è stata una mossa dei russi. Dice a Gabe di eliminare Vlady, il capo della mafia russa. Gabe è contrario perché ciò scatenerebbe un’altra guerra, ma Arnold è irremovibile, la morte di sua moglie ha preso il sopravvento sui suoi ragionamenti. Tuttavia, come detto, Gabe e Carlos fanno visita a Vlady e lo uccidono. Ma Gabe si rende conto che le cose stanno andando nella direzione sbagliata. Ritira l’urna di sua moglie e decide di porre fine al suo lavoro.

Carlos riesce a rintracciare Vanessa e, non riuscendo a contattare Gabe, la attacca con la sua squadra di sicari. Ma questa volta è Gabe a salvarla, la fa salire sulla sua auto e la porta a casa sua, che è più simile a una “fortezza”. Le racconta della promessa fatta a sua moglie di lasciare questo lavoro, andare in Africa e mettere a frutto il suo talento proteggendo gli elefanti. Sapendo che Arnold manderà i suoi uomini ad ucciderli, Gabe e Vanessa non hanno altra scelta che combattere fino alla fine. Ne segue una violenta sparatoria che si conclude con la morte di Carlos e di tutti gli altri sicari. Gabe regala a Vanessa la collana di sua moglie e parte per l’Africa. E, per uno scherzo del destino, anche Arnold viene ucciso, non da Gabe, ma dai messicani, per vendicare Velasquez.

Gabe e il suo codice

Gabe è il personaggio principale che subisce il cambiamento che divide il film in due parti. Fin dall’inizio del film stesso, è chiaro che Gabe lavora per Arnold, ma non segue ciecamente gli ordini. Quando Glen Follet gli dice che “siamo simili”, lui afferma chiaramente che non hanno nulla in comune. Questo è qualcosa che prende forma lentamente e costantemente man mano che il film procede. Dato che Gabe è un professionista, ha un codice morale, un ricordo del suo periodo come marine. Un altro esempio di questo è quando costringe Arnold a ritrattare le sue parole irrispettose durante la riunione dopo che Carlos non è riuscito a uccidere Vanessa. La cosa interessante è che il rispetto è un elemento cruciale anche nella malavita, o almeno così abbiamo imparato dai film. Quindi, se vogliamo misurare la qualità dell’appartenenza al mondo della malavita usando il rispetto come metro di misura, Gabe è ben al di sopra di Arnold. Il suo comportamento è chiaramente visibile quando parla con altre persone. Questo è forse ciò che impedisce a Vanessa di dubitare di Gabe, anche se avrebbe dovuto essere concesso più tempo a Vanessa per comprendere la generosità di Gabe. Gabe sa che lei ha prestato servizio nell’esercito, e quindi nutre rispetto anche per lei. Ma non è il suo lavoro che lo spinge a prendersi cura di lei. È la sua data di nascita.

Il conflitto

La moglie di Gabe non c’è più. Ed è chiaro che lui la ama molto e le manca. Le aveva persino promesso che avrebbe lasciato il lavoro e sarebbe andato in Africa. Ha conservato la sua collana e la custodisce gelosamente ogni giorno. Ma tutto questo non è riuscito a scuotere la sua professionalità in ciò che fa. Alla fine dei conti, è un killer a sangue freddo. E il film lo dimostra mostrando lui e Carlos che fanno a pezzi Koschek, mettono i pezzi in valigie e li seppelliscono nel terreno. Inoltre, c’è un accenno della sua rabbia, sia quando va a uccidere Vlady, sia quando costringe Arnold a ritrattare le sue parole. Questi sono tutti gli aspetti negativi del suo carattere.

Spiegazione del finale di White Elephant: perché Gabe non uccide Vanessa?

Nel fascicolo di Vanessa, Gabe scopre che lei condivide la data di nascita con sua moglie. Non può fare a meno di lasciarsi influenzare da questo fatto. È normale associare le persone che condividono la stessa data di nascita. Per Gabe, questa associazione è molto più personale di quanto dovrebbe essere, poiché la donna che sta cercando di uccidere condivide la data di nascita con l’amore della sua vita. Sì, sembra un po’ esagerato. Ma guardala in questo modo: ricordi quando Batman stava per uccidere Superman in Batman Vs. Superman: Dawn of Justice, ma si è fermato nel momento in cui ha sentito Superman pronunciare il nome “Martha”? È una sensazione simile.

Si tratta di due cose diverse, ma entrambe derivano dallo stesso sentimento, ovvero l’amore. Ed era solo questione di tempo prima che Gabe cedesse alle sue emozioni, ulteriormente alimentate dal comportamento immaturi di Arnold che metteva a rischio delle vite, cosa totalmente contraria alla sua natura. Qui si può anche dire che forse l’unica ragione per cui fa quello che fa è che non sapeva cos’altro fare della sua vita. Sua moglie era morta di cancro molto tempo prima e lui aveva deciso di fare ciò che sapeva fare meglio, ovvero proteggere.

Tuttavia, tutto ciò di cui aveva bisogno era un segno che gli facesse capire che era ancora l’uomo che sua moglie credeva che fosse. E quel segno era Vanessa. Infatti, alla fine del film, Gabe dà a Vanessa la collana di sua moglie. Finché la collana era in suo possesso, sapeva che doveva proteggerla. Ma ora che era con Vanessa, era al posto giusto. Inoltre, simboleggia l’accettazione della verità e quindi il lasciar andare il dolore. Ed è proprio quello che fa quando sparge le ceneri di Alexandria in Africa, proprio nel luogo in cui aveva promesso a sua moglie che sarebbe andato a servire per sempre.

Il regista Alexandre Aja aveva inizialmente immaginato un finale molto più cupo per Crawl – Intrappolati, che, col senno di poi, sarebbe stata probabilmente la scelta migliore. Nel complesso, Crawl è un film piuttosto tetro. Certo, al centro della trama c’è il legame indissolubile tra Haley Keller (Kaya Scodelario) e suo padre Dave (Barry Pepper), e tutto ciò che sono disposti a fare per salvarsi a vicenda. Ma nel corso del film, quasi nulla di ciò che tentano di fare va per il verso giusto, e di solito li mette in una posizione ancora peggiore.

Alla fine del film, Dave ha una gamba rotta, un braccio strappato e, in generale, è stato malmenato e ferito dagli alligatori che vogliono fare dei Keller il loro pasto. Nel frattempo, anche Haley è stata picchiata, ha una gamba mutilata e in diversi momenti è stata vicina alla morte. Subisce persino il temuto “gator roll”, che nella vita reale porta quasi sempre alla morte.

Considerando che la casa dei Keller è circondata da alligatori famelici e che Haley e Dave sfiorano più volte la morte, il fatto che sopravvivano è quasi un miracolo. Tuttavia, Aja ha rivelato che, in una fase del processo creativo di Crawl – Intrappolati, le cose erano finite molto peggio per la coppia.

Perché il finale originale più cupo di Crawl – Intrappolati è stata un’occasione persa

Secondo Alexandra Aja, una prima bozza della sceneggiatura terminava con Haley e Dave che fuggivano nel cestello di salvataggio dell’elicottero che attirano l’attenzione alla fine del film finito, solo per essere raggiunti da un grande alligatore che lo afferrava, riportandoli giù verso una morte certa in acqua. Aja riteneva che questo finale rendesse Crawl troppo disperato, ma in realtà è una conclusione molto più realistica. Il finale del film così com’è puzza di finale hollywoodiano, fornendo un lieto fine a Haley e Dave solo perché sono personaggi simpatici.

Per prima cosa, le possibilità che un elicottero voli durante un uragano di categoria 5 sono estremamente basse, poiché il vento e la pioggia torrenziale renderebbero il suo funzionamento incredibilmente pericoloso. Anche se qualcuno fosse abbastanza folle da volare con quel tempo, ci sono un milione di possibilità che le cose vadano storte durante il tentativo di salvataggio. Il finale teatrale di Crawl – Intrappolati sembra troppo pulito e ordinato, dopo un film pieno di cose che vanno di male in peggio per i Keller. La vittoria degli alligatori avrebbe molto più senso, anche se fosse una nota triste. Inoltre, i titoli di coda che iniziano con “see ya later alligator” (ci vediamo più tardi, alligatore), che hanno suscitato grandi risate in molte proiezioni, diventerebbero una scelta ironicamente cupa se inseriti subito dopo il fallimento del salvataggio dei Keller da parte di un alligatore atletico.

Uscito nel 2010, Shutter Island (qui la nostra recensione) è l’acclamato adattamento dell’omonimo romanzo giallo del 2003 scritto da Dennis Lehane, autore anche di Mystic River. Seguendo un agente federale statunitense mentre scopre la terribile verità che si cela dietro la struttura che dà il titolo al romanzo, sia il romanzo originale che l’adattamento cinematografico presentano un colpo di scena scioccante all’ultimo minuto che cambia tutto ciò che è accaduto nella storia fino a quel momento. Tuttavia, il film di Scorsese modifica leggermente questo colpo di scena, e non è l’unica alterazione apportata alla trama del libro.

La versione cinematografica diretta da Martin Scorsese, infatti, tronca in qualche modo l’azione del libro rendendo più facile per il protagonista decifrare un indizio importante, cambia leggermente il finale (in uno dei migliori colpi di scena cinematografici del decennio) e modifica alcuni dettagli della location e dell’antieroe tormentato interpretato da Leonardo DiCaprio. Se questi cambiamenti siano a vantaggio del romanzo o del film dipende da ogni spettatore, ma per molti versi l’adattamento di Scorsese è una versione più forte e di maggiore impatto della storia di Lehane.

L’isola è più grande (ma non necessariamente migliore)

L’ambientazione omonima del romanzo originale è descritta come estremamente piccola, tanto che nessuno sarebbe in grado di sfuggire a lungo alla sorveglianza delle guardie della struttura. Anche se non limitata alla sola struttura, l’isola di Shutter Island del libro è costituita solo da una piccola foresta, dalla struttura, da alcune scogliere, dai giardini della struttura e poco altro. Sebbene questa descrizione corrisponda anche alle principali ambientazioni del film di Scorsese, la versione cinematografica è molto più ampia e non trasmette la sensazione claustrofobica del romanzo.

Che questo sia un vantaggio o uno svantaggio rispetto al romanzo dipende dal singolo spettatore. Da un lato, il romanzo di Lehane non lascia al tormentato Teddy alcun posto dove nascondersi quando viene inseguito dalle guardie della struttura, poiché l’isola è minuscola e le dimensioni ridotte dell’ambientazione esacerbano la sua comprensibile paranoia che tutto ciò che dice venga ascoltato. Detto questo, nel film di Scorsese è senza dubbio più inquietante, poiché le sue dimensioni significano che sia i pazienti che gli inservienti potrebbero scomparire, perdersi o semplicemente svanire nel nulla senza lasciare traccia. Si tratta di un tipo diverso di paranoia, ed entrambi gli scenari sono adeguatamente inquietanti.

Il nascondiglio nella caverna di Rachel Solando

La nota che conduce Teddy a Rachel Solando non è così facile da decifrare nel romanzo come lo è nel film. In quest’ultimo, la nota di Rachel viene rapidamente decifrata in modo che l’azione possa rimanere propulsiva e veloce, con Scorsese che mantiene la storia in rapido progresso per mantenere alta la tensione. Nel romanzo originale di Lehane, Teddy ha bisogno di più tempo e di un lavoro investigativo per decodificare il biglietto, poiché il libro è un giallo e i lettori si aspettano di vedere l’intero processo di deduzione, in stile Sherlock Holmes. Per gli spettatori che preferiscono un ritmo veloce, l’approccio di Scorsese funziona meglio, mentre coloro che amano soffermarsi sull’incertezza preferiranno l’interpretazione più misurata di Lehane di questa scena.

La simpatia (o la sua mancanza) di Teddy

Nella versione originale del romanzo Shutter Island, Teddy non è così simpatico come nell’adattamento cinematografico. In parte ciò è dovuto alla capacità di Scorsese di rendere simpatico qualsiasi personaggio, ma in parte è anche probabilmente intenzionale da parte di Lehane. L’autore di gialli non scrive generalmente di eroi semplici, moralmente integri e amichevoli. Come dimostra la sua lunga bibliografia, la maggior parte degli antieroi di Lehane sono figure profondamente complesse e moralmente ambigue, alcune delle quali sono quasi cattive (e talvolta anche peggiori) dei cattivi che stanno perseguendo.

Se Teddy fosse troppo moralmente integro e ben educato, i lettori del romanzo potrebbero intuire il colpo di scena finale del film (che in realtà è un paziente di questa istituzione, non un agente dei servizi segreti che la sta indagando, e che ha ucciso sua moglie e i suoi figli prima dell’inizio dell’azione del libro). Così com’è, il romanzo depista dunque i lettori descrivendo Teddy come un uomo tormentato dai propri demoni, perseguitato dalle esperienze vissute in guerra e dal suo difficile lavoro. I lettori potrebbero trovarlo duro e spietato, ma difficilmente immaginerebbero fino a che punto sia capace di arrivare. Tuttavia, l’approccio di Scorsese ha senso, dato il mezzo con cui lavora.

Nel film c’è molto meno tempo per conoscere il protagonista rispetto al romanzo, e Teddy è presentato come uno sceriffo onesto e retto, per suggerire che sono gli abitanti dell’isola ad essere squilibrati. Poiché la durata breve del film offre agli spettatori meno possibilità di indovinare il colpo di scena, Scorsese non deve preoccuparsi troppo di sviare gli spettatori rendendo Teddy un personaggio più freddo e indifferente, il che significa che gli spettatori si affezionano immediatamente alla versione del protagonista interpretata da DiCaprio e sono più scossi dalla sua terribile rivelazione finale.

L’ultima domanda di Teddy

Shutter Island di Scorsese ha cambiato il finale del libro. Dopo la rivelazione shock che Teddy non è uno sceriffo, ma un paziente della struttura, il romanzo si chiude con una nota pessimistica, poiché il personaggio ammette i suoi crimini e sceglie di sottoporsi a un trattamento sperimentale di lobotomia piuttosto che vivere con il senso di colpa. Nel film, le cose vanno in modo leggermente diverso. Teddy si rivolge al suo “partner” Marshall (che in realtà è un medico che asseconda la sua illusione), e riflette se sia meglio morire da uomo buono o vivere da mostro.

Il suo partner è tormentato dalla domanda, poiché implica che Teddy potrebbe conoscere la sua vera natura e potrebbe optare intenzionalmente per la lobotomia, oppure potrebbe aver avuto solo un momento di lucidità ed essere ancora perso nella sua illusione. Il finale, a differenza del romanzo originale, lascia questa ambiguità e ancora oggi sono molte le teorie e molti i dibattiti a riguardo. Di certo, quello proposto da Scorsese è stato un cambiamento che amplifica la difficoltà a distinguere tra realtà e fantasia, lasciando inoltre agli spettatori il fardello di dover riflettere su questa complessa domanda.

LEGGI ANCHE: Shutter Island, la spiegazione del finale

Cosa funziona meglio

A seconda dell’esperienza che il pubblico spera di vivere, ci sono argomenti a favore sia del romanzo Shutter Island che del film di Scorsese. Il film è perfetto per chiunque desideri un omaggio esaltato a Hitchcock, un thriller gotico dal ritmo serrato, ricco di angolazioni olandesi e di scenografie in stile giallo. I personaggi del film possono essere abbozzati rispetto al libro, ma la trama agile è emozionante, gli elementi horror gotici sono divertenti e il finale aperto è inquietante. Si tratta dunque di un adattamento “personalizzato”, come spesso avvenuto per i film che Scorsese trae da romanzi preesistenti. Pur mantenendosi fedele ad essi, il regista aggiunge alcune proprie riflessioni su ciò che più gli interessa far emergere.

Tuttavia, per gli appassionati di gialli tradizionali, il romanzo originale di Lehane è un thriller più lento e cupo, privo degli spaventi improvvisi e delle teatralità esagerate di Scorsese, ma con un protagonista più complesso e uno svelamento più approfondito del mistero centrale di Shutter Island, che si svolge a un ritmo più lento, ma per alcuni lettori più soddisfacente. In ogni caso, si è dinanzi ad un adattamento assolutamente riuscito, che rende giustizia al romanzo di Lehane e aggiunge quegli elementi in più che gli consentono di non essere una mera copia carbone, ma di elevare tanto sé stesso quanto il testo su cui si basa.

Final Score è il thriller d’azione del 2019 diretto da Scott Mann, regista con una particolare predilezione per film ad alta tensione ambientati quasi in un’unica location, capace di portare al massimo la gravità della situazione. Ciò si era manifestato con il precedente Bus 657 – Heist (2015) e con il successivo Fall (2022). Anche nel caso di Final Score il regista britannico utilizza scenari chiusi e concentrati, come lo stadio di Wembley, per aumentare il senso di claustrofobia e pericolo costante, dimostrando una predilezione per l’azione concentrata e i ritmi serrati che tengono lo spettatore costantemente sul filo del rasoio.

L’attore Dave Bautista, noto soprattutto per il suo ruolo nei franchise Marvel come Drax in Guardiani della Galassia, qui porta la sua imponente presenza fisica a un contesto più realistico e urbano, mostrando abilità da action hero in un contesto più vicino al thriller puro che al blockbuster fantascientifico. Bautista interpreta un ex soldato determinato e strategico, ruolo che gli consente di combinare forza bruta e tattiche intelligenti, consolidando la sua immagine di protagonista d’azione moderno capace di muoversi tra adrenalina e tensione narrativa.

Il film si colloca dunque nel genere action-thriller con elementi di suspense e “hostage scenario”, esplorando temi come eroismo, sacrificio e resilienza di fronte a minacce improvvise. La trama mostra come un singolo individuo possa fare la differenza contro criminali ben armati e organizzati, mettendo in evidenza la capacità di leadership, la strategia e l’ingegno come strumenti di sopravvivenza e giustizia. Nel resto dell’articolo si proporrà una spiegazione dettagliata del finale, per comprendere come l’azione e il destino dei personaggi si risolvano negli ultimi momenti del film.

La trama di Final Score

Protagonista del film è l’ex militare statunitense Michael Knox, il quale si trova ad assistere ad una partita di calcio nello stadio londinese Boleyn Ground in compagnia di sua nipote Danni. Prima che la partita abbia inizio, Michael si allontana per andare a comprare degli hot dog, e durante questa sua assenza succederà l’impensabile. Egli riceve infatti una chiamata da parte del russo Arkady Belav, il quale gli ordina di rintracciare tra il pubblico il fratello Dimitri e ucciderlo. Se non riuscirà in tale compito, Arkady farà scoppiare l’intero stadio, uccidendo così oltre trentacinque mila persone.

Michael si trova così in una posizione particolarmente scomoda, al centro di un vero e proprio attacco terroristico. Egli dovrà scoprire quanto più possibile sui due fratelli russi e su loro conflitto, e solo così potrà sperare di salvare la situazione. A sua disposizione ha soltanto novanta minuti, e a peggiorare la situazione vi è il rapimento di sua nipote, presa come ostaggio proprio dai terroristi. Questi hanno però sottovalutato le capacità dell’uomo, che grazie alla sue conoscenze di guerra sa come far fronte a situazioni del genere.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto di Final Score, l’azione raggiunge il suo culmine con Michael Knox impegnato a salvare la giovane Danni e a neutralizzare Arkady e la sua squadra di mercenari all’interno dello stadio di Upton Park. Dopo aver affrontato diversi uomini armati e aver disinnescato il pericolo immediato delle esplosioni piazzate dai terroristi, Knox riesce a localizzare Dimitri e a far luce sul piano reale dei mercenari, che mira a ottenere la cooperazione politica tramite minacce e sequestri. Durante una serie di scontri ravvicinati, Knox affronta Tatiana, recupera il controllo della situazione e utilizza Dimitri come pedina per garantire la sicurezza di Danni, riuscendo infine a salvarla.

L’azione culmina con la distruzione della sala di controllo, apparentemente causata dall’esplosione del bomb kit piazzato dai terroristi. Il racconto si chiude con una risoluzione adrenalinica e positiva: Knox riesce a sopravvivere, Danni viene liberata sana e salva e Arkady viene eliminato. La tensione narrativa si scioglie con il colpo di scena del falso allarme dell’esplosione: il presunto bombardamento dello stadio era stato registrato, e così Knox e Danni possono uscire illesi. I personaggi secondari, come Faisal e la madre di Danni, sopravvivono anch’essi, e il film termina con un momento di sollievo e ricongiungimento familiare, confermando il trionfo del coraggio e dell’ingegno individuale sul caos e la violenza organizzata.

Dal punto di vista tematico, il finale di Final Score porta a compimento l’idea centrale del film: la determinazione e l’astuzia di un singolo individuo possono sovvertire piani criminali sofisticati e proteggere i più vulnerabili. L’eroismo di Knox non si manifesta solo nella forza fisica ma anche nella capacità di leggere la situazione, anticipare le mosse dei nemici e prendere decisioni rapide, dimostrando come intelligenza, prontezza e coraggio siano strumenti fondamentali contro minacce complesse e imprevedibili.

La soluzione finale evidenzia anche la moralità dei personaggi principali: Knox agisce sempre per salvare vite innocenti, mentre Dimitri, pur inizialmente manipolato, sceglie un gesto estremo per impedire ulteriori tragedie. L’opposizione tra bene e male, ordine e caos, viene così risolta con un equilibrio narrativo che premia l’eroismo responsabile e condanna la violenza cieca e la sete di potere, offrendo una chiusura coerente con l’arco dei protagonisti.

Il messaggio che Final Score lascia allo spettatore è chiaro: anche di fronte a situazioni apparentemente disperate, il coraggio, la prontezza di spirito e l’altruismo possono fare la differenza, permettendo di proteggere chi è vulnerabile e di riportare l’ordine laddove il caos sembrava prevalere. La tensione, l’azione e la strategia convergono in un finale che esalta la resilienza umana e la capacità di affrontare il pericolo con lucidità e determinazione.

LEGGI ANCHE: Final Score: trama, cast e location del film con Dave Bautista