Jennifer Lawrence,
Emma Stone e Cole Escola stanno unendo le forze per
dare a Miss Piggy il trattamento da star del
cinema.
Secondo fonti ben informate, la
Disney, che detiene i diritti dei Muppets, sta sviluppando un film
sulla capricciosa diva pupazzo. Il personaggio iconico, creato
negli anni ’70 da Bonnie Erickson e Frank Oz, non è mai stato
protagonista di un lungometraggio. Lawrence e Stone saranno i
produttori insieme a Escola, vincitore di un Tony Award per la loro
commedia di successo a Broadway “Oh, Mary!”, che scriverà la
sceneggiatura.
“Non so se posso annunciarlo,
ma lo farò comunque… Emma
Stone e io stiamo producendo un film su Miss Piggy e Cole lo
sta scrivendo”, ha rivelato Lawrence nel
podcast “Las Culturistas”, condotto da Bowen Yang e Matt
Rogers. Dopo che i co-conduttori hanno urlato di gioia e
chiesto se le amiche di lunga data Stone e Lawrence avrebbero
recitato insieme nel film, Lawrence ha scherzato: “Penso di sì.
Dobbiamo farlo… È assurdo [che non abbiamo mai fatto un film
insieme]”.
Lawrence ha anche raccontato di
aver pensato di portare il suo talento a Broadway per “Oh, Mary!” e
di aver voluto interpretare il personaggio principale, Mary Todd
Lincoln. La commedia gonzo è ambientata nei giorni precedenti
l’assassinio di Lincoln e immagina l’ex first lady come
un’aspirante star del cabaret alcolizzata. (“L’intera cosa è uno
scherzo di cui lei è complice”, ha detto Lawrence. “Mi sentivo come
se potessi diventare famosa e stare al gioco”). Tuttavia, ha
cambiato idea dopo aver considerato la routine estenuante di otto
spettacoli a settimana del Great White Way.
“Non credo che sarei brava [nel
teatro]… è tutta una questione di corpo e voce”, ha detto Lawrence,
che attualmente sta promuovendo il suo nuovo film “Die My Love”, un
dramma psicologico con Robert Pattinson. “L’unica volta che ho
voluto fare teatro è stato quando ho voluto fare ‘Oh, Mary!’. Mi
hanno detto: ‘Sono otto spettacoli a settimana e sei settimane di
prove’. Io ho risposto: ‘Avete un asilo nido lì?’. Non avrebbe
funzionato”.
Dame
Helen Mirren sarà insignita del prestigioso Cecil
B. DeMille Award durante lo speciale in prima serata “Golden
Eve”, in onda giovedì 8 gennaio, prima della cerimonia dei Golden
Globe di domenica 11 gennaio.
Lo speciale in onore dell’attrice
vincitrice di tre Golden Globe e di Oscar, Emmy e Tony Award andrà
in onda sulla CBS e sarà trasmesso in streaming su Paramount+.
Mirren è l’ultima di una serie di
leggendari vincitori del DeMille Award, che dal 1952 celebra i
successi di una vita delle figure più iconiche di Hollywood. La
consegna del premio sarà l’evento clou di “Golden Eve”, uno
speciale rinnovato che onorerà anche il vincitore del Carol Burnett
Award, ancora da annunciare, e darà il via ai festeggiamenti che
precedono l’83ª edizione dei Golden Globe Awards.
“Helen Mirren è una forza della natura e la sua
carriera è a dir poco straordinaria”, ha dichiarato
Helen Hoehne, presidente dei Golden Globe. “Le
sue interpretazioni trascendentali e la sua dedizione al mestiere
continuano a ispirare generazioni di artisti e di pubblico. È un
grande onore consegnarle il Cecil B. DeMille Award”.
La prolifica carriera della Mirren
abbraccia oltre sei decenni di cinema, televisione e teatro. Ha
vinto il Golden Globe per il suo ruolo in The
Queen di Stephen Frears, in cui interpreta la regina
Elisabetta II, e per i suoi ruoli televisivi in “Elizabeth I” e
“Losing Chase”. La Mirren è una delle poche attrici ad aver
conquistato la tripla corona della recitazione: ha vinto un Oscar,
un Emmy Award e un Tony Award.
Nel 2003 è stata nominata Dame
dell’Impero Britannico per il suo contributo alle arti.
“Golden Eve” amplia il successo
dello scorso anno del “Golden Gala”, che ha onorato Viola Davis e Ted Danson. Lo speciale del 2026
promette un’esperienza più coinvolgente e celebrativa, con
retrospettive curate, rari filmati d’archivio e tributi personali
da parte di amici, collaboratori e colleghi del settore. La
trasmissione sarà uno dei momenti salienti della Golden Week, una
nuova iniziativa di Paramount e Dick Clark Productions che prevede
la messa in onda di programmi ed eventi su diverse piattaforme nei
giorni precedenti la cerimonia principale dei Golden Globe.
Il DeMille Award, intitolato al
pionieristico regista Cecil B. DeMille, ha premiato 69 dei talenti
più longevi del settore, tra cui Meryl Streep, Tom
Hanks, Oprah Winfrey, Robert Redford, Sidney Poitier e Barbra
Streisand. Anche il Carol Burnett Award, istituito nel
2019 per riconoscere i contributi eccezionali alla televisione,
sarà presentato durante la trasmissione “Golden Eve”. Il vincitore
del Burnett Award di quest’anno non è ancora stato annunciato.
L’83ª edizione dei Golden Globe
Awards, presentata dalla comica e attrice Nikki Glaser, sarà uno
dei primi grandi eventi di premiazione della stagione 2026 e
continuerà la tradizione dei Globes di premiare il meglio del
cinema, della televisione e, per la prima volta, dei podcast. Tra i
principali contendenti dell’anno figurano “One Battle
After Another” di Paul Thomas Anderson, ‘Hamnet’ di Chloé Zhao, “Sinners” di Ryan Coogler e altri ancora.
Xolo Mariduña
salperà nella terza stagione di One
Piece. L’attore, noto soprattutto per aver
interpretato Miguel Diaz in Cobra Kai e il
personaggio principale in Blue
Beetle, è stato scritturato per interpretare Portgas D.
Ace nella serie fantasy-avventurosa di Netflix dedicata ai pirati.
Il personaggio, noto anche come
Fire Fist Ace, era il capitano dei Pirati di Spade prima
di essere reclutato dai Pirati di Barbabianca. Spesso lo si vede a
torso nudo con un grande cappello in testa e un machete alla
cintura.
Si unisce al recentemente
annunciato vincitore del Tony Award Cole Escola, che interpreterà
l’assassino Bon Clay nella terza stagione di “One Piece”.
One Piece è un adattamento
live-action della serie manga di Eiichiro Oda. Segue le vicende di
un ragazzo di nome Monkey D. Luffy (Iñaki Godoy), che viaggia
attraverso i mari con la sua ciurma di pirati alla ricerca di un
mitico tesoro chiamato “One Piece”, che lo incoronerebbe prossimo
Re dei Pirati.
La serie vede anche Emily Rudd nel ruolo di Nami, Mackenyu nel ruolo
di Roronoa Zoro, Jacob Gibson nel ruolo di Usopp, Taz Skylar nel
ruolo di Sanji, Vincent Regan nel ruolo di Monkey D. Garp, Jeff
Ward nel ruolo di Buggy il Clown e Morgan Davies nel ruolo di
Koby.
La
seconda stagione vedrà l’ingresso di Mikaela Hoover come voce
del ragazzo-renna dal naso blu Tony Tony Chopper e di Charithra
Chandran nel ruolo della misteriosa Miss Wednesday.
One Piece tornerà su
Netflix il 10 marzo 2026 con la sua seconda stagione. La serie si è
assicurata un rinnovo anticipato da Netflix, poiché la terza
stagione entrerà in produzione alla fine di quest’anno a Città del
Capo, in Sudafrica.
One Piece è stato creato
in collaborazione con Shueisha ed è prodotto da Tomorrow Studios
(partner di ITV Studios) e Netflix. Il creatore del manga originale
Oda è produttore esecutivo insieme a Marty Adelstein e Becky
Clements attraverso Tomorrow Studios, così come Tetsu Fujimura,
Chris Symes, Christoph Schrewe e Steven Maeda.
Netflix e Sony hanno
finalizzato un accordo per
un altro film di KPop Demon Hunters, con
l’intenzione di rilasciare il sequel musicale animato nel 2029,
come riportato per la prima volta da Bloomberg. I film
d’animazione possono richiedere molto tempo per essere realizzati,
da qui il potenziale intervallo di quattro anni tra un episodio e
l’altro. Naturalmente, i piani relativi alla data di uscita
potrebbero cambiare a seconda del programma di produzione del
film.
KPop Demon
Hunters, un’avventura fantasy su un gruppo femminile K-pop
immaginario che protegge il mondo dai demoni con la sua musica, è
stato sviluppato e prodotto dalla Sony Pictures Animation.
Nell’ambito dell’accordo di licenza tra Sony e Netflix, “KPop Demon Hunters” è approdato
direttamente su Netflix ed è diventato il film più popolare di
sempre della piattaforma di streaming. Nel frattempo, tre delle sue
canzoni originali – “Golden”, “Your Idol” e “Soda Pop” – sono state
protagoniste della classifica Hot 100 di Billboard e potrebbero
ottenere nomination ai prossimi Grammy Awards.
“KPop Demon Hunters” ha avuto un
tale successo che Netflix, solitamente avversa alle sale
cinematografiche, ha deciso di portare una versione karaoke del
film nei cinema per eventi dedicati ai fan in agosto e ottobre.
Durante la prima tornata, “KPop Demon Hunters” ha conquistato il
box office con circa 18 milioni di dollari in due giorni. Poi,
intorno ad Halloween, il film ha incassato dai 5 ai 6 milioni di
dollari, il che è degno di nota considerando che è stato ampiamente
disponibile in streaming per mesi.
La co-regista di “KPop Demon
Hunters”, Maggie Kang, che ha diretto il film insieme a Chris
Appelhans, ha da tempo espresso il desiderio di realizzare un
sequel.
“Abbiamo preparato così tante
cose per un potenziale retroscena”, ha detto
Kang a Variety a luglio. “Ovviamente, ci sono molte
domande che rimangono senza risposta e aree che non sono state
esplorate. Abbiamo dovuto farlo perché in 85 minuti si può
raccontare solo una parte della storia”.
Annabelle
2: Creation (qui
la recensione) è un film davvero spaventoso e anche
incredibilmente divertente con un finale agghiacciante (e confuso),
che vanta anche due scene post-crediti che lo collegano a un mondo
molto più grande. L’universo
di Conjuring ha vissuto una prima grande espansione con il
prequel di Annabelle.
Lo spin-off originale è stato un altro successo finanziario per la
saga horror ideata da James Wan, ma è stato
stroncato dalla critica per la trama banale e gli spaventi
vuoti.
Il sequel Annabelle 2: Creation alza invece la
posta con David F. Sandberg che approfondisce il
passato del giocattolo più inquietante del cinema per offrire un
film horror da brivido che spaventa mentre affronta gli effetti
delle famiglie distrutte, oltre a inserirsi meravigliosamente nel
resto della serie. Il film è ricco di nuova mitologia per
Annabelle, collegamenti con i
film The Conjuring e anticipa il successivo spin-off The Nun. Esploriamo il significato di quel finale e di
quelle scene post-crediti in stile Marvel.
La spiegazione delle origini di
Annabelle
Prima di Annabelle 2:
Creation, tutto ciò che sapevamo di Annabelle era che era
una bambola antica posseduta da uno spirito diabolico noto come
Ram. I dettagli di entrambe le storie erano piuttosto vaghi, ma
ora, pur avendo ancora domande sull’essere stesso, sappiamo come è
stato creato il giocattolo inquietante e come è stato collegato per
la prima volta alla possessione. All’inizio del prequel,
apprendiamo che “Annabelle” fa parte di una serie esclusiva di
bambole della Mullins Toy Company, una piccola azienda gestita da
Samuel Mullins negli anni ’40 che era di gran moda nella sua
comunità urbana.
Nel film si sottintende che alla
bambola, destinata a diventare malvagia, fu assegnato il numero 1
di 100, ma che Mullins non ne realizzò altre a causa di una
tragedia personale, rendendola davvero unica nel suo genere. Quella
tragedia personale era la morte di sua figlia. Soprannominata Bee –
che più tardi scopriremo essere in realtà l’abbreviazione di
Annabelle, rivelando la vera origine del nome della bambola – fu
investita da un’auto mentre tornava dalla chiesa. La famiglia
Mullins cadde in depressione, ma poi trovò conforto in quello che
credevano essere il fantasma di Bee.
Lei infestava la loro casa in modo
docile, convincendo i genitori in lutto a permetterle di risiedere
nella bambola. Dopo averlo fatto, però, scoprirono rapidamente che
non si trattava affatto di Bee, ma di un demone che voleva trovare
una forma fisica. La bambola era solo il primo passo, ma ora voleva
impossessarsi di un essere vivente: Esther Mullins. Attaccò la
madre quando era sola, ma lei fu salvata dal marito e la bambola fu
rinchiusa in un armadio tappezzato di immagini sacre e bagnato con
acqua santa. Tutto sembrava andare bene fino a quando non aprono la
loro casa a un orfanotrofio.
Nel film, ambientato nel 1957, lo
spirito manipola le ragazze ignare per liberarlo, permettendo al
Ram di possedere Janice, affetta da poliomielite. Dopo una serie di
scene spaventose in cui lo spirito cerca di reclamare altre anime,
Janice fugge e viene adottata dalla famiglia Higgins, che le cambia
il nome in modo piuttosto sadico in, ovviamente, Annabelle. A
questo punto, lo spirito sembra essere scomparso dalla bambola, che
viene portata via dalla polizia. Il film termina 12 anni dopo, nel
1969, quando Annabelle, ormai cresciuta, uccide i suoi genitori
adottivi, riportandoci all’inizio del primo film e al ritorno della
bambola. Il che solleva un sacco di domande.
L’Annabelle originale, uno
spin-off di The Conjuring che spiega come la sua “star”
finita nella collezione di oggetti infestati dagli investigatori
del paranormale Warren, segue per lo più la neo-mamma Mia,
perseguitata dalla bambola infestata che vuole possedere il suo
neonato. Questa è stata l’ultima volta che la bambola è apparsa
prima che la famiglia la segnalasse ai Warren. Il film inizia
proprio dove finisce Annabelle 2: Creation, il
giorno in cui Annabelle uccide gli Higgins; Mia riceve la bambola
dal marito John, poi quella notte vengono svegliati dai loro vicini
che vengono attaccati da due aggressori.
L’uomo viene ucciso dalla polizia,
ma la donna, Annabelle Higgins, prende la bambola e si taglia la
gola, con una goccia del suo sangue che le entra nell’orbita
dell’occhio. In seguito si scopre che i due erano “Discepoli
dell’Ariete”, una setta dedita alla resurrezione dello spirito
attraverso sacrifici rituali. Si sottintende che gli omicidi
iniziali abbiano portato l’Ariete da Annabelle, portando ai suoi
successivi tentativi di impossessarsi della figlia di Mia.
La creazione lega così la sua
storia, per lo più autonoma, alla mitologia più ampia con la sua
scena finale. I fan avranno notato il nome Higgins e come Janice
sia diventata l’attrice che ha interpretato la precedente
Annabelle, ma il vero colpo di scena arriva con la rivelazione di
Mia (interpretata dall’appropriatamente chiamata Annabelle Wallis, la star del film originale).
Come la maggior parte dei prequel, è strettamente collegato
all’originale. Naturalmente, il prequel ridefinisce in qualche modo
ciò che abbiamo visto nel 2014.
Ora sappiamo che Annabelle Higgins
è in realtà Janice posseduta, il che significa che invece di
cercare semplicemente di resuscitare il Ram, lei e il suo complice
stavano tentando qualcos’altro; probabilmente trasferire la sua
anima in un altro contenitore, utilizzando prima la bambola come
tramite. Il motivo non è spiegato, ma è probabile che si tratti di
una questione legata all’età, dato che le conquiste successive
dello spirito coinvolgono bambini, le cui anime sono più pure o più
facili da conquistare.
Cosa significa questa
connessione?
Ciò che questo fa è sollevare la
questione del ritorno della bambola. Alla fine della parte di
Creation ambientata nel 1957, si sottintende che la bambola sia ora
libera da tutte le forze dannose, eppure in qualche modo viene
nuovamente coinvolta nella storia del Ram dodici anni dopo, quando
riappare magicamente e Annabelle la possiede nuovamente. È una
coincidenza enorme che Janice, posseduta da Ram, e la bambola
precedentemente posseduta finiscano nello stesso quartiere: come è
potuto succedere e, se è solo un contenitore, perché è ancora
importante?
Potrebbe trattarsi di un semplice
retcon; diversi elementi del film originale, come il fantasma della
piccola Annabelle di 7 anni che attacca Mia, sono stati modificati
dal colpo di scena, quindi c’è un elemento di canone libero e
incerto. Tuttavia, la scena a metà dei titoli di coda potrebbe
fornire una spiegazione più approfondita. Innanzitutto, però, vale
la pena sottolineare che ci sono altri collegamenti tra
Annabelle 2: Creation e la più ampia
mitologia di Conjuring: il Ram prende il controllo di Janice
vomitandole in bocca una sostanza viscosa e nera, proprio come la
madre in The Conjuring era posseduta dal demone del
film.
E l’inganno di accogliere uno
spirito in un contenitore solo per scoprire che si tratta di una
forza oscura è stato un trucco ripetuto dai demoni dell’universo.
C’è anche un easter egg incredibilmente interessante nei momenti
finali per gli appassionati di fantasmi nella vita reale; la
bambola consegnata a Janice/Annabelle quando incontra per la prima
volta gli Higgins è una replica della vera bambola Annabelle, un
riconoscimento di come tutto questo sia iniziato da una storia
“vera” e che evidenzia come la mitologia di Conjuring si
sia evoluta da allora. E, a questo proposito, è il momento di
esaminare le espansioni fornite dalle due scene post-credits.
Contando la sua breve apparizione
in
The Conjuring – Il caso Enfield, questo è il quarto film
in cui compare Annabelle. Nel corso della serie, i dettagli dei
suoi poteri e la natura della sua possessione sono variati (come
già discusso, solo in Annabelle 2: Creation
abbiamo avuto molti cambiamenti sostanziali), ma c’è stata una
costante: non si vede mai la bambola muoversi. Le ragioni di ciò
dovrebbero essere ovvie per qualsiasi appassionato di horror. Una
bambola inquietante è incredibilmente spaventosa quando se ne sta
lì seduta a fissarti con i suoi freddi occhi di vetro ma nel
momento in cui inizia a saltellare come una marionetta diventa
ridicola.
Come tutti i buoni film horror,
questo sembrava far parte di una serie esplicita di regole
inquietanti. Il primo Annabelle ha quasi infranto questa regola,
facendo levitare la bambola e iniziando a muoverla, ma si è
rapidamente rivelato essere un’azione del Ram e nulla di simile a
Child’s Play. Creation non ha nemmeno un accenno del genere,
mantenendo i movimenti di Annabelle completamente fuori dallo
schermo, almeno fino alla fine del film.
La spiegazione della scena a metà
dei titoli di coda
La scena a metà dei titoli di coda
del film è incredibilmente semplice: uno zoom lento sulla bambola
Annabelle mentre la tensione sale prima che… lei si giri di scatto
verso la telecamera prima che lo schermo diventi nero.
Naturalmente, si tratta molto probabilmente di un finale divertente
per spaventare ancora una volta il pubblico, piuttosto che di
qualcosa di narrativamente sostanziale; infatti, la bambola sembra
trovarsi nell’armadio pieno di bibbie all’inizio del film,
piuttosto che nella custodia della polizia dove presumibilmente è
finita.
E, a questo proposito, è davvero
ottimo, rinunciando a una scena scontata e scontata per qualcosa di
più sottile e inquietante (il film era fortunatamente privo di
colpi di scena per la maggior parte) che infrange la regola del
“nessun movimento” senza essere banale. Tuttavia, questo potrebbe
spiegare perché la bambola sia ricomparsa nella storia di Ram nel
film originale e suggerire un legame simbiotico più profondo tra i
due. Anche se i sacerdoti affermano che la bambola è ormai priva di
qualsiasi forza malvagia, nulla suggerisce che ciò sia vero: in
tutta la serie la chiesa è stata descritta come imperfetta. Il
movimento suggerisce che, mentre il Ram è fuori, c’è un male
residuo più profondo in Annabelle che la lega allo spirito
oscuro.
Questo conferisce alla bambola
inquietante una maggiore autonomia e un ruolo nella narrazione
degno della sua importanza iconica. Se questo verrà effettivamente
spiegato dipenderà dall’uscita di Annabelle 3 e da ciò che esplorerà, ma si può
sicuramente sperare; un terzo film sembra incredibilmente probabile
dato il previsto successo al botteghino di Creation e, se così
fosse, probabilmente sarebbe un altro prequel esplorativo, dato che
lei è ancora nella stanza degli orrori dei Warren. Ma prima di
iniziare a pensare al futuro di Annabelle, il prossimo passo è un
diverso spin-off di Conjuring. Sì, è ora di parlare di The Nun e di
quella scena dopo i titoli di coda.
Se Annabelle era la protagonista
assoluta di The Conjuring, la sua naturale erede nel
sequel è senza dubbio The Nun. A differenza della bambola, che esisteva più
come un ingresso nel mondo dei Warren, questo spirito maligno era
essenziale per la trama di
The Conjuring – Il caso Enfield; Lorraine Warren la vide
per la prima volta in una visione durante una seduta spiritica
mentre indagava sull’orrore di Amityville, che la perseguitò
ripetutamente con visioni della morte del marito Ed, prima che
fosse finalmente rivelata come la causa dell’Enfield Haunting al
centro della trama del film.
Lo spirito viene infine sconfitto
quando Lorraine lo manda all’inferno pronunciando il suo nome, Valak. Era un mostro piuttosto impressionante,
forse anche più inquietante di Annabelle, e così, pochi giorni dopo
l’uscita di
The Conjuring – Il caso Enfield, è stato annunciato uno
spin-off, The Nun. Il film uscirà il 13 luglio 2018 e le riprese
sono già terminate, con un trailer presentato al SDCC. Nello
spirito dell’espansione dell’universo condiviso, Creation ha
pubblicato alcuni teaser molto interessanti su dove stiamo andando.
Il primo riguarda suor Charlotte, la suora che si prende cura degli
orfani.
All’inizio del film mostra a
Mullins una fotografia di lei e di altre tre suore – Maria, Anna e
Lucia – in un convento in Romania, ma un cambiamento di luce rivela
che c’è una quinta figura nascosta nell’ombra: Valak. Mullins lo fa
notare, ma Charlotte dice immediatamente di non ricordarla e passa
rapidamente oltre. Più tardi, c’è un altro potenziale avvistamento
quando Janice, costretta su una sedia a rotelle, viene spinta nel
fienile per essere posseduta dal Ram; viene spostata da qualcosa
che indossa abiti da suora, ma con una pelle orribile e segnata da
segni neri.
Nel film non è chiaro cosa sia
esattamente, ma si presume che si tratti di Valak; le mani
chiaramente non sono gli stessi artigli neri dello spirito che
possiede il Ram. Grazie alle sue azioni eroiche nell’atto finale,
non sembra che suor Charlotte sia affatto una minaccia, ma il fatto
che abbia una storia legata alla suora, che ignori rapidamente la
sua presenza nell’immagine e che appaia poco dopo aver lasciato
Janice, indica una sorta di relazione. Che si tratti di possessione
o di una presenza più parassitaria, la spiegazione arriverà
sicuramente in The Nun. In ogni caso, Annabelle 2:
Creation lega sottilmente la storia di Valak e del Ram,
creando una minaccia ancora più grande nell’universo di The
Conjuring.
La spiegazione della scena dopo i
titoli di coda
La scena dopo i titoli di coda
conclude il tutto dandoci un assaggio diretto e appropriato di
The Nun. Si tratta di un’unica inquadratura statica che
mostra un corridoio illuminato da candele nell’Abbazia di St Carta
nel 1952. Le luci lungo il corridoio iniziano lentamente a
spegnersi misteriosamente prima che il volto spettrale della suora
appaia dall’ombra. Sapevamo già che il film sarebbe stato
ambientato in Romania, ma questo ci fornisce il luogo e la data
specifici.
Il monastero di Carta è una chiesa
reale, il che permette alla serie di giocare con un finto angolo
horror reale, anche se è l’anno che più interessa;
Annabelle 2: Creation è ambientato nel 1957, solo
cinque anni dopo The Nun. Data la connessione preesistente
attraverso suor Charlotte, c’è da aspettarsi un collegamento
attivo. Nessuna delle suore citate da Charlotte è presente
nell’attuale cast dello spin-off, ma è certo che appariranno, e
probabilmente tornerà anche Stephanie Sigman, se non altro per
farsi fotografare e legare davvero insieme l’universo di
Conjuring.
Rovine è un
film horror del 2008 tratto dall’omonimo romanzo di
Scott Smith, che ne cura anche la sceneggiatura.
Il film appartiene a quel filone di survival-horror ambientati
lontano dalla civiltà, dove un gruppo di protagonisti giovani e
impreparati viene improvvisamente catapultato in una situazione
senza via d’uscita. Non è un horror di mostri tradizionali o di
fantasmi, ma una storia incentrata sull’orrore biologico e
psicologico, dove l’elemento soprannaturale si intreccia con un
senso di fatalismo e isolamento totale.
Ciò che distingue Rovine da molti titoli simili è
la scelta di un antagonista inusuale e quasi astratto: la natura
stessa. Le misteriose rovine maya al centro della vicenda
nascondono un orrore che non ha una forma umana, non ha una voce e
non concede tregua. La tensione si regge sul corpo, sul dolore,
sull’inevitabile degrado e sullo sgretolarsi della fiducia tra i
protagonisti. Rispetto a horror più tradizionali come The Conjuring, dove il male ha un’origine demoniaca e
riconoscibile, o rispetto a survival come
Prey – La grande caccia, che puntano sulla fame e sulla
natura predatoria, Rovine esplora una minaccia
silenziosa, invisibile e inarrestabile.
Il film affronta temi
universali come la paura dell’infezione, l’angoscia del corpo che
si ribella e la perdita del controllo, trasformandosi in un
racconto sul limite dell’essere umano di fronte a qualcosa che non
può né combattere né comprendere. Anche la dinamica di gruppo
diventa un elemento fondamentale: il panico, la paranoia e la colpa
fanno crollare rapidamente ogni legame, mostrando quanto la
sopravvivenza possa diventare una battaglia contro sé stessi. Nel
resto dell’articolo approfondiremo trama, cast e soprattutto il
controverso finale del film, proponendo una spiegazione dettagliata
e le principali interpretazioni.
La trama di Rovine
Il film segue le disavventure di un
gruppo di giovani turisti americani in viaggio in Messico. Due
coppie di fidanzati – Jeff (Jonathan
Tucker), Amy (Jena
Malone), Eric (Shawn
Ashmore) e Stacy (Laura
Ramsey) – si stanno godendo gli ultimi giorni di vacanza
nella calda città di Cancun. Tutto procede normalmente, finché i
quattro non vengono avvicinati
da Mathias (Joe
Anderson), un turista tedesco in cerca del fratello
Heinrich. Convinti dal nuovo arrivato, il gruppo
di amici si dirige assieme a lui nella foresta dello Yucatan.
Qui intendono andare ad ammirare le
maestose rovine dell’impero Maya, incastonate nella natura più
selvaggia. Entusiasti di vivere una vera e propria avventura, i
cinque si addentrano nella giungla più fitta, dove incontrano il
greco Dimitri, un amico di Mathias, e alcuni
abitanti locali. Tra alberi lussureggianti e reperti archeologici,
la lunga traversata alla ricerca di Heinrich si trasforma ben
presto in un incubo a occhi aperti.
La spiegazione del finale del
film
Nel
terzo atto di Rovine la situazione precipita
rapidamente: i protagonisti sono ormai allo stremo, incapaci di
fermare l’infezione portata dalle piante e isolati dai Mayani che
sorvegliano il perimetro. Stacy perde il controllo, convinta che le
liane siano penetrate in ogni parte del suo corpo, e in un misto di
follia e autodistruzione finisce per ferire Eric in modo mortale.
Le piante trascinano via il ragazzo sotto gli occhi degli altri,
mentre Stacy implora di essere uccisa per porre fine all’agonia.
Jeff si vede costretto a darle una morte rapida, dimostrando quanto
la brutalità della situazione abbia ormai annientato ogni residuo
di umanità.
Con la speranza ormai ridotta all’osso, Jeff elabora un piano
disperato per permettere ad Amy di scappare. Ricoperta del sangue
di Stacy per sembrare morta, la ragazza viene trascinata ai piedi
della piramide. Jeff affronta i Mayani provocandoli, cercando di
attirare la loro attenzione: il sacrificio funziona, ma gli costa
la vita. Colpito da frecce e poi finito con un colpo di pistola,
muore mentre Amy corre nella giungla inseguita da un intero
villaggio. La ragazza riesce a raggiungere la Jeep e fuggire,
lasciando dietro di sé il massacro e l’orrore. Nell’ultima scena,
due nuovi turisti si avvicinano alle rovine, suggerendo che il
ciclo non si fermerà.
Il finale mette in scena la crudezza assoluta del racconto: non c’è
un antagonista umano vero e proprio, né una possibilità di
negoziare o comprendere. L’orrore è biologico, impersonale,
inarrestabile. La fuga di Amy non è un trionfo, ma un atto di
sopravvivenza disperato, macchiato di sangue e perdita. Le piante,
già viste come una forza incontrollabile, dimostrano di essere
l’unica vera forma di potere nell’area, mentre i protagonisti,
turisti ignari, vengono inghiottiti da qualcosa molto più grande di
loro. La morte di Jeff diventa l’ultimo atto di lucidità in un
contesto privo di salvezza.
Tematicamente, questo finale porta a compimento il cuore del film:
il confronto tra l’uomo e una natura che, quando decide di
aggredire, non lascia scampo. Rovine non mostra
creatori del male, non offre spiegazioni rassicuranti e non concede
eroi invincibili. Anche Amy, l’unica sopravvissuta, appare
traumatizzata, segnata per sempre, e probabilmente portatrice di un
trauma che non potrà elaborare. La fuga non risolve nulla: la
minaccia resta viva, pronta a colpire chiunque varchi quella soglia
proibita. L’orrore non è sconfitto, è semplicemente rimandato.
Il film riflette così su un’idea molto diversa dal tradizionale
canone horror: l’essere umano è irrilevante. La violenza non nasce
da vendetta, religione o follia, ma da un organismo vegetale che fa
ciò per cui è nato: diffondersi, nutrirsi e sopravvivere. Gli
stessi Mayani non sono malvagi, ma custodi di un segreto terribile,
disposti a uccidere per evitare un contagio inarrestabile. Nel
mondo di Rovine l’orrore è naturale, non morale, e
questo lo rende ancora più disturbante.
Il messaggio che il film
lascia è pessimistico, ma coerente: la natura non è un luogo da
conquistare o da romanticizzare, ma un’entità che può diventare
ostile e incomprensibile. La curiosità e l’arroganza dei
protagonisti li ha portati dove non avrebbero dovuto essere,
ignorando segnali e confini. Il finale suggerisce che l’incubo
continuerà, che altri turisti arriveranno e faranno lo stesso
errore, ripetendo il ciclo di morte. Nessun salvataggio, nessuna
morale consolatoria: solo un avvertimento, brutale e
definitivo.
Universal ha pubblicato un nuovo
trailer di Five
Nights at Freddy’s 2, a un mese dall’uscita
nelle sale. Diretto da Emma Tammi, il sequel è
ambientato un anno dopo, quando Abby (Piper Rubio)
cerca di ricongiungersi con i suoi amici animatronici. Le
preoccupazioni di Mike (Josh
Hutcherson) lo spingono a cercare risposte sulle
origini della Freddy Fazbear’s Pizza.
Secondo la Universal,
l’ultimo trailer offre una panoramica completa degli animatronici e
delle minacce che attendono Mike, Abby e Vanessa (Elizabeth
Lail).
Il filmato si apre con Vanessa che
si sveglia da un incubo e svela una versione più giovane di lei che
scappa e si nasconde da suo padre, William Afton (Matthew
Lillard), indicando che il sequel approfondirà la storia
delle origini di Springtrap.
Il nuovo filmato mostra anche il
ritorno di Lillard nei panni di Springtrap, anche se questo sembra
essere riservato ai flashback a causa del destino del suo
personaggio alla
fine di Five Nights at Freddy’s.
Dopo che Skeet Ulrich di
Scream ha confermato la sua partecipazione a Five Nights
at Freddy’s 2, il trailer rivela finalmente la sua prima
apparizione, apparentemente nei panni di Henry Emily. Mentre Mike
indaga, scopre la verità su ciò che è successo alla sua defunta
figlia dopo aver saputo dei cinque bambini scomparsi.
Henry è un personaggio fondamentale
ma invisibile nella serie di videogiochi originale, che guida i
giocatori tramite cassette che li aiutano a sopravvivere contro gli
animatronici. Era un ex migliore amico di William e co-fondatore
della Fazbear Entertainment.
Con l’ingresso ufficiale di Ulrich
nella serie Five Nights at Freddy’s, si segna la sua reunion
con Lillard dopo che entrambi hanno interpretato il Ghostface
originale. Mentre erano alleati nella serie slasher, la loro
dinamica sembra essere diversa nel sequel di Five Nights at
Freddy’s, dato che Henry è un avversario dell’antagonista di
Lillard.
Il trailer si conclude con uno
sguardo terrificante su una serie di animatronici legati, noti come
animatronici Withered, che iniziano a terrorizzare gli abitanti
della città e Vanessa.
Poiché il trailer suggerisce che il
sequel affronterà il retroscena di Springtrap, ciò significherebbe
che essi sono una parte fondamentale della storia. I Withered
animontronics erano le versioni preesistenti e, a causa del loro
stato, sono stati sostituiti dalle loro controparti attuali in
vista di una grande riapertura.
In un’intervista all’inizio di
quest’anno, Lillard ha rivelato che il team creativo dietro al
sequel “ha imparato la lezione… e ha ascoltato il pubblico”
dopo che il film originale ha ricevuto un’accoglienza mista. Ha
accennato al fatto che il seguito avrebbe avuto più azione e jump
scare.
Il primo film è diventato il film
di maggior incasso della Blumhouse, guadagnando 297,1 milioni di
dollari nonostante le difficoltà causate dalla pandemia. Si prevede
che il sequel avrà lo stesso successo, se non maggiore, continuando
la serie positiva dello studio in quello che è stato un anno
deludente al botteghino.
Five Nights at Freddy’s 2
uscirà nelle sale il 5 dicembre 2025.
Il finale di The Lost
City è felice per Loretta e Alan. Diretto da Aaron e Adam
Bee, il film vede protagonisti Sandra Bullock, Channing Tatum e Daniel Radcliffe alla ricerca di un antico
manufatto. The Lost City segue Loretta
Sage (Bullock), una scrittrice di romanzi rosa di successo
che è nel bel mezzo di un tour promozionale quando viene rapita dal
miliardario e criminale Abigail Fairfax
(Radcliffe), alla ricerca della Tomba di Calaman e del tesoro che
contiene: la Corona di Fuoco.
Fairfax crede che Loretta sia
l’unica persona in grado di aiutarlo a trovarla, perché ha scritto
di questa misteriosa Città Perduta di D nel suo ultimo romanzo.
Fairfax sarebbe riuscito nel suo intento, se non fosse stato per
Alan (Tatum), il modello di copertina della serie
di romanzi rosa di Loretta, che cerca di salvare l’autrice dalle
grinfie dell’avido riccone. The Lost City si
conclude con Loretta e Alan in vacanza insieme. Con Loretta che ha
scritto un nuovo libro ed è più felice che mai, il film porta a
termine la storia di lei e Alan.
Perché Alan voleva davvero salvare
Loretta
Alan potrebbe aver espresso solo
una parte del motivo del suo audace tentativo di salvare Loretta,
ma c’è molto di più. Era molto coinvolto con Loretta, e non solo
perché era il modello di copertina del suo libro. Alan apprezzava
davvero Loretta come persona e voleva che lei capisse che la sua
vita poteva essere migliore di quella che era. Lei stava resistendo
a malapena e, per molti versi, anche lui. Proprio come Alan voleva
essere visto come qualcosa di più di un modello di copertina,
voleva che Loretta superasse i propri limiti in modo che entrambi
potessero vedersi pienamente per quello che erano realmente
dentro.
Pur sapendo quanto fosse
imbarazzante per lui posare come modello per una serie di libri
romantici, Alan alla fine ha imparato ad accettarlo. Lo stesso vale
per Loretta, che ha studiato archeologia e lingue morte prima di
diventare scrittrice. Alan vuole che lei accetti quanto i suoi
libri rendano felici le persone e che viva la vita al massimo
nonostante tutto. Il cuore di Alan era sicuramente nel posto giusto
e lui ha fatto del suo meglio per essere audace, ispirato dal suo
eroico omologo letterario.
Cos’è il Pozzo delle Lacrime
Infinite?
Il Pozzo delle Lacrime
Infinite è un indizio tratto dal geroglifico che Loretta è
riuscita a tradurre. Inizialmente credeva che fosse una sorta di
metafora, ma si è rivelato essere un luogo reale. Il Pozzo delle
Lacrime Infinite è il luogo in cui Calaman e sua moglie Taha sono
stati sepolti insieme. Il luogo non è una tomba nel senso
tradizionale del termine: non si trova in una zona facilmente
individuabile o visitabile da molti.
Il Pozzo delle Lacrime Infinite è
piuttosto un riferimento letterale. Dopo la morte di Calaman, Taha
non smise mai di piangere il suo amato e il luogo della sua tomba
non solo è circondato dall’acqua, ma anche da diverse cascate che
scorrono verso il basso come lacrime che cadono dagli occhi di
Taha. È anche un parallelo diretto con la storia di dolore di
Loretta e con quanto amasse suo marito.
La Tomba di Calaman e la Corona di
Fuoco sono reali?
La Tomba di
Calaman e la Corona di Fuoco non si
basano su alcuna leggenda o storia reale. The Lost
City si presenta come una versione moderna di
Romancing the Stone o Indiana Jones, con un
pizzico di Tomb Raider aggiunto per buona misura. Ma,
proprio come Indiana Jones, i manufatti antichi e la leggenda della
Città Perduta di D sono mitologie create appositamente per il
film.
Certo, qualcosa come il Santo Graal
si basa su tradizioni reali, ma The Lost City
sembra aver inventato tutte le sue leggende. Detto questo, la città
perduta di D stessa potrebbe essere modellata sulla città perduta
di Atlantide, un’isola immaginaria che, secondo la leggenda, si
trovava nel mezzo dell’Oceano Atlantico. In The Lost
City, la città del titolo non è mai stata trovata perché
era nascosta sotto la lava che l’aveva seppellita.
Ci è voluto un po’ di tempo, ma
Loretta e Alan alla fine di The Lost City si
sono finalmente messi insieme. Il film si conclude con loro in
vacanza dopo che Loretta ha finito un altro libro e, considerando
quanto tempo ci è voluto alla coppia per arrivare dove sono alla
fine, è probabile che resteranno insieme per un bel po’ di tempo. A
questo punto, Loretta ha accettato il fatto che Alan sia il suo
modello di copertina, e lui è contento di sapere che il suo lavoro
porta molta gioia ai lettori.
Finalmente sulla stessa lunghezza
d’onda e a proprio agio l’uno con l’altra, Loretta e Alan sono
pronti a continuare a conoscere se stessi insieme e
individualmente, magari in un’altra avventura archeologica. Ciò che
è chiaro è che la coppia è sicuramente innamorata e, anche se è
difficile dire per quanto tempo resteranno insieme, ci si può
aspettare che non si tratti di una storia d’amore di breve
durata.
Perché Rafi aiutava Fairfax
nonostante le sue origini
In The Lost City,
Rafi, uno dei principali scagnozzi di Abigail Fairfax, lo aiuta a
trovare la tomba di Calaman e la Corona di Fuoco. Si scopre che
Rafi è originario dell’isola e che sua nonna gli raccontava storie
su ciò che sarebbe accaduto se la tomba fosse stata profanata.
Tuttavia, nonostante gli avvertimenti e il disagio che prova,
continua a lavorare con Fairfax, lasciando piuttosto oscure le sue
motivazioni.
Alla fine abbandona Fairfax, ma è
possibile che all’inizio della spedizione Rafi fosse attratto dal
denaro di Fairfax. Probabilmente non sapeva fino a che punto
Fairfax si sarebbe spinto né quanto i suoi sentimenti e il suo
legame con le sue origini gli avrebbero impedito di aiutare il
miliardario a realizzare il suo furto su larga scala. Una volta
resosi conto della situazione, ha cambiato idea, anche se il film
non approfondisce molto i suoi pensieri.
Il vero significato di The
Lost City
The Lost City
parla della ricerca di ciò che sembra impossibile. Per Alan, si
tratta di ottenere l’approvazione di Loretta al di là del suo
essere un modello di copertina ottuso; per Loretta, si tratta di
scegliere di scrivere la propria storia e continuare a vivere dopo
la perdita del marito, oltre che di trovare la tomba di Calaman.
Alan è determinato ma terrorizzato all’idea di trovare Loretta da
solo, ma lo fa comunque. Nel frattempo, Loretta diventa
irremovibile nel voler trovare la tomba di Calaman perché è
un’avventura che non avrebbe mai pensato di intraprendere e deve
portarla a termine.
All’inizio, il viaggio di entrambi
i personaggi sembrava insormontabile, ma man mano che crescono e
riconoscono certe cose, diventano più vulnerabili e aperti a farsi
vedere. Questo è particolarmente vero per Loretta, che si è chiusa
in se stessa e si è isolata dal mondo per cinque anni. Alla fine di
The Lost City, si trova in una situazione molto
migliore ed è disposta a credere in ciò che sembra
irraggiungibile.
Cosa succede nella scena a metà
dei titoli di coda di The Lost City
C’è una scena a metà dei titoli di
coda che porta un momento scioccante sia per Loretta che per Alan
mentre continuano a costruire la loro storia d’amore. Alan aveva
reclutato Jack Trainer (Brad
Pitt), un ex agente della CIA senza difetti, per
aiutare a salvare Loretta. Questo ha funzionato bene fino a quando
Jack ha liberato facilmente Loretta e si è preparato a fuggire con
lei, quando è stato colpito alla testa dai mercenari di Fairfax,
apparentemente uccidendolo. Tuttavia, Jack appare ad Alan e Loretta
nella scena a metà dei titoli di coda di The Lost
City ed è ancora vivo.
Jack spiega poi ai due che è
sopravvissuto perché gli esseri umani usano solo il 10% del loro
cervello, quindi quando è stato colpito alla testa, si è
semplicemente spostato in un altro 10% del suo cervello che non era
stato danneggiato dall’attacco. Si basa sull’idea che il 90% del
cervello umano è spesso inutilizzato, e la battuta è che Jack è
così perfetto da poter scegliere quale parte del suo cervello
utilizzare per sopravvivere. Dato che Jack rimane uno dei
personaggi migliori del film, questa battuta che lo mostra vivo è
stata un momento clou per concludere The Lost
City.
La star di Mortal
Kombat 2, Lewis Tan, esalta le
vittime a venire, avvertendo il pubblico che i loro beniamini
potrebbero non uscirne vivi. Sequel del reboot del 2021,
l’imminente adattamento videoludico di Mortal
Kombat è destinato a introdurre diversi nuovi personaggi
mentre l’Earthrealm affronta la distruzione per mano di Shao Kahn
(Martyn Ford).
Tan, che torna nei panni di Cole
Young, racconta a ComicBook.com che questa lotta
per l’Earthrealm provocherà una serie di vittime scioccanti e
raccapriccianti. Secondo la star, nessun personaggio è off limits
per la morte in Mortal
Kombat 2, e pensa che alcuni spettatori potrebbero
arrabbiarsi. Date un’occhiata al suo commento qui sotto:
“Dovrebbero preoccuparsi per
tutti, a dire il vero. In diverse versioni della sceneggiatura,
sono morte persone diverse. Ho pensato: “Assolutamente no”. Poi
hanno cambiato e invertito la sceneggiatura. Alla fine, nessuno è
al sicuro. Chiunque potrebbe morire… e ci sono un sacco di morti
nel secondo film. Se il tuo personaggio preferito muore, non è la
fine. La morte è solo l’inizio. Non essere troppo sconvolto, ma ci
sono un sacco di morti. Alcuni saranno felici e altri saranno
davvero incazzati.”
Oltre alle morti da spaccaossa, Tan
anticipa anche di aver ottenuto una sequenza di combattimento
particolarmente importante in una location unica dei giochi di cui
era piuttosto orgoglioso. Sebbene l’attore sia attento a non
condividere troppi dettagli, enfatizza l’apparizione di alcune
mosse di combattimento speciali:
“Ho un combattimento epico in
Mortal
Kombat 2. Non posso dirti con chi è, ma quando saprai
con chi è, capirai perché è così epico. È in una delle mie location
preferite dei videogiochi. Sono stato super grato di aver ottenuto
quella location perché ha un design davvero fantastico. Ci sono
volute circa tre settimane per girarla, il che è un sacco di
tempo.”
“Lo stile del combattimento è
davvero unico. Vedrete alcune mosse che non avete visto nel primo,
alcune mosse speciali dei personaggi. Alla fine del primo film,
Cole aveva appena scoperto questi nuovi poteri. Vedrete delle
novità davvero fantastiche. È sicuramente uno dei combattimenti
preferiti dai fan. Abbiamo girato quel capolavoro in tre
settimane.”
Il sequel si sta avvicinando con un
certo slancio. Sebbene le recensioni di Mortal Kombat del 2021
siano state contrastanti da parte della critica, il film è stato
accolto bene dal pubblico e la Warner Bros. sembra puntare su
questo prossimo capitolo, posticipando di recente l’uscita da
ottobre 2025 a maggio 2026.
Il commento di Tan suggerisce che
il sequel sta alzando la posta in gioco in termini di violenza e
vittime dopo il finale di Mortal Kombat. Per
quanto riguarda i personaggi che potrebbero essere i prossimi a
morire, il sequel dovrebbe presentare grandi ritorni e nuove
aggiunte, in particolare Karl Urban nei panni di Johnny Cage, che è
stato al centro del marketing del film.
Il cast di Mortal Kombat
2
Mortal Kombat 2 è
diretto da Simon McQuoid da una
sceneggiatura scritta dallo sceneggiatore di Moon
Knight Jeremy Slater. Il sequel
vedrà il ritorno di Lewis Tan come Cole
Young, Jessica McNamee come Sonya
Blade, Josh Lawson come
Kano, Tadanobu Asano come Lord
Raiden, Mehcad Brooks come
Jax, Ludi Lin come Liu
Kang, Chin Han come Shang
Tsung, Joe Taslim come Bi-Han e
Sub-Zero, Hiroyuki Sanada nei panni di
Hanzo Hasashi e Scorpion e Max Huang nei
panni di Kung Lao.
Il sequel d’azione introdurrà anche
una serie di nuovi personaggi oltre al Johnny Cage di Karl Urban, ovvero Adeline
Rudolph (Resident Evil) nei panni di
Kitana, Tati Gabrielle (You)
nei panni di Jade, Martyn
Ford (F9) nei panni dell’imperatore Shao
Kahn, Damon
Herriman di Mindhunter nei panni
del demone di Netherrealm Quan Chi, Desmond
Chiam (The
Falcon and the Winter Soldier) nei panni del Re Edeniano
Jerrod e Ana Thu Nguyen (Get
Free) nei panni della Regina Sindel. Ulteriori dettagli sulla
trama sono ancora tenuti nascosti. Il film è prodotto
da James Wan, Michael Clear, Todd Garner e E. Bennet
Walsh.
I Jonas Brothers cercano di tornare a casa per
Natale nel trailer ufficiale di A Very Jonas Christmas
Movie, il film che debutterà il 14
novembre su Disney+ in Italia e su Hulu negli Stati
Uniti. Il trailer presenta anche il primo singolo tratto dal film,
“Coming Home This Christmas” con Kenny G, ora disponibile su
Spotify, Amazon Music, Apple Music e YouTube Music.
La colonna sonora originale di A
Very Jonas Christmas Movie, prodotta da Hollywood Records/Republic
Records e dall’executive music producer Justin Tranter, è
disponibile per il Pre-Add e il Pre-Save e uscirà in formato
digitale, su CD e su LP a partire dal 14 novembre.
La colonna sonora contiene sette
brani inediti più tre tracce aggiuntive:
“Like It’s Christmas” (Live Version)*
“Best Night”
“Coming Home This Christmas” (feat. Kenny G)
“Home Alone”
“Feel Something”
“Remember When”
“Better Off Alone”
“Time”
“Sucker” (Live Version)*
“Like It’s Christmas” (Studio Version)*
Il film natalizio vanta un cast
stellare, tra cui Kevin, Joe e Nick Jonas, che interpretano se
stessi, Chloe Bennet (nel ruolo di Lucy), Billie Lourd (in quello
di Cassidy), Laverne Cox (nel ruolo di Stacy), KJ Apa (nei panni di
Gene), Andrew Barth Feldman (in quelli di Ethan), Andrea Martin
(nel ruolo di Deb), Kenny G (in quello di se stesso), Justin
Tranter (nel ruolo di se stesso), con Randall Park (nel ruolo di
Brad) e Jesse Tyler Ferguson (in quello di Babbo Natale). Nel film
anche alcuni camei speciali della famiglia Jonas.
In A Very Jonas Christmas Movie,
Kevin, Joe e Nick Jonas affrontano una serie di ostacoli sempre più
difficili mentre cercano di viaggiare da Londra a New York in tempo
per trascorrere il Natale con le loro famiglie.
Kevin, Joe e Nick Jonas sono i
produttori, insieme agli sceneggiatori Isaac Aptaker ed Elizabeth
Berger (I Want You Back, This Is Us, Tuo, Simon), Adam Fishbach,
Spencer Berman e Scott Morgan. La regia è di Jessica Yu (Quiz Lady,
This Is Us), vincitrice di EmmyⓇ e di un Academy AwardⓇ, con
musiche originali dell’executive music producer e candidato al
GRAMMYⓇ Justin Tranter. Il film è prodotto da 20th Television,
parte di Disney Television Studios.
Apple
TV ha svelato le prime immagini e la data di uscita
della tanto attesa seconda stagione di “L’ultima
cosa che mi ha detto”, con Jennifer Garner nel ruolo di protagonista
e produttrice esecutiva, insieme ai membri del cast della prima
stagione Angourie Rice, David Morse e
Nikolaj Coster-Waldau, e alle nuove aggiunte Judy
Greer e Rita Wilson. Basata sul sequel dell’acclamato romanzo di
Laura Dave, al primo posto nella classifica dei best seller del New
York Times e selezionato dal Reese’s Book Club, la seconda stagione
di otto episodi farà il suo debutto il 20 febbraio 2026 su Apple
TV.
Nella seconda stagione di
“L’ultima cosa che mi ha detto”, quando Owen
(Coster-Waldau) ricompare dopo cinque anni di latitanza, Hannah
(Garner) e la sua figliastra Bailey (Rice) si ritrovano in una
corsa contro il tempo per capire come riunire la loro famiglia
prima che il passato li raggiunga.
La seconda stagione dà il benvenuto
anche a nuovi arrivi e a volti noti come Augusto Aguilera, Josh
Hamilton, Nick Hargrove, Michael Galante, John Noble, Michael Hyatt
e Luke Kirby.
In vista della premiere della
seconda stagione, il pubblico potrà approfondire la storia con il
sequel avvincente e commovente scritto da Laura Dave, “The First
Time I Saw Him”, disponibile dal 6 gennaio 2026. Da leggere o
ascoltare su Apple Books prima di godersi il viaggio mozzafiato di
Hannah Hall (Garner) sullo schermo.
“L’ultima cosa che mi ha detto” è
prodotto da 20th Television e da Hello Sunshine di Witherspoon,
parte di Candle Media. Creato e adattato da Laura Dave, insieme al
co-creatore vincitore dell’Oscar® Josh Singer, la serie è stata la
prima collaborazione tra i coniugi Dave e Singer, che ricoprono
entrambi il ruolo di produttori esecutivi insieme a Garner e a
Witherspoon e Neustadter per conto di Hello Sunshine. Il candidato
agli Emmy Aaron Zelman si unisce alla seconda stagione come
co-showrunner e produttore esecutivo insieme a Singer. Anche Daisy
von Scherler Mayer e Merri D. Howard ricoprono il ruolo di
produttori esecutivi.
La prima stagione di
“L’ultima cosa che mi ha detto” è disponibile in
streaming su Apple TV.
Pubblicato per la prima volta in
edizione cartacea da Simon & Schuster nel 2021, il romanzo
“L’ultima cosa che mi ha detto” è stato selezionato dal Reese’s
Book Club, diventando immediatamente il numero 1 nella classifica
dei bestseller del New York Times e rimanendo in ranking per più di
80 settimane, con oltre 5 milioni di copie vendute in tutto il
mondo. Ha vinto il Goodreads Choice Award per il miglior
thriller/giallo del 2021 ed è stato nominato miglior libro
dell’anno da Amazon nel 2021 e miglior libro dell’anno da Apple
nello stesso anno; inoltre, nel 2022, è stato uno dei libri più
diffusi nelle biblioteche di tutta l’America, nonché l’e-book più
popolare. Il romanzo è stato accolto con entusiasmo in 39 paesi in
tutto il mondo, compreso il Regno Unito, dove è stato selezionato
dal Richard and Judy Book Club.
L’Uovo
dell’Angelo (Tenshi no Tamago /
Angel’s Egg), film d’animazione diretto da Mamoru
Oshii (1985), arriva per la prima volta nelle sale
italiane come evento speciale di una settimana dal 4 al 10
dicembre.
La nuova versione restaurata in
4K, realizzata a partire dai materiali originali in 35mm, è
stata presentata in anteprima internazionale all’ultimo Festival di Cannes, all’interno della
sezione Cannes Classics.
Mamoru Oshii, regista e
sceneggiatore, indaga nelle sue opere temi esistenziali, spirituali
e filosofici attraverso un linguaggio visivo profondamente
evocativo. Prima di raggiungere la fama internazionale con Ghost
in the Shell (1995), aveva delineato la sua poetica proprio ne
L’Uovodell’Angelo, un’opera onirica e carica di
significato.
Diventato un film di culto
dell’animazione giapponese, L’Uovo dell’Angelo è
caratterizzato da una forte componente simbolica e da un approccio
visivo e narrativo sperimentale. Ambientato in un mondo deserto e
sospeso, racconta l’incontro tra una giovane ragazza che custodisce
un uovo misterioso e un guerriero errante.
La direzione artistica e il
character design sono ad opera di Yoshitaka Amano,
illustratore e artista di fama internazionale, noto per il suo
contributo all’animazione giapponese e al mondo dei videogiochi, in
particolare per la saga di Final Fantasy.
La trama di L’Uovo dell’Angelo
Una ragazza custodisce un
misterioso uovo in un mondo desolato, ai margini di una città
gotica abbandonata. L’incontro con un enigmatico viandante dà
inizio a un viaggio simbolico e visionario, fatto di dialoghi
accennati, domande spesso senza risposta e riflessioni aperte alle
più svariate interpretazioni.
Lionsgate ha anche acquisito i
diritti per sviluppare e produrre “tutte le opere derivate,
comprese le future produzioni cinematografiche e televisive”,
del franchise di The Expendables. Il regista
di Sisu, Jalmari Helander,
dirigerà John Rambo da una sceneggiatura del duo
di sceneggiatori Rory Haines e Sohrab
Noshirvani. I dettagli specifici della trama sono ancora
segreti, ma, come prevedibile, il film “racconterà la storia
delle origini di un giovane John Rambo durante la guerra del
Vietnam”.
L’originale First
Blood seguiva un tormentato veterano del Vietnam
(Sylvester
Stallone) che viene preso di mira da uno sceriffo
corrotto quando arriva in una piccola città per vedere un vecchio
amico. Stallone, che ha interpretato John Rambo in
tutti e cinque i film precedenti, si dice sia a conoscenza del
prequel e del coinvolgimento di Centineo, ma al momento non è
coinvolto nel film.
Il presidente di Millennium Media,
Jonathan Yunger, ha dichiarato quanto segue in occasione
dell’annuncio del progetto: “Siamo entusiasti di inaugurare un
nuovo capitolo della saga di Rambo. Questo progetto è un omaggio a
uno dei migliori franchise della storia del cinema, che piacerà sia
ai fan di lunga data che a un nuovo pubblico”.
Ha aggiunto: “Con Jalmari
Helander al timone, un regista dalla visione e dall’energia
eccezionali, abbiamo trovato il regista perfetto per offrire
un’esperienza ricca di azione e di concept”.
Helander ha dichiarato: “Sono
il più grande fan di Rambo da quando avevo 11 anni. È così surreale
trovarmi in una situazione in cui posso davvero realizzare il mio
film di Rambo. La catena di eventi che mi ha portato fin qui dà, in
modo fantastico, un senso a tutta la mia infanzia. Non vedo l’ora
di riportare il più grande eroe d’azione sul grande schermo, dove
merita di essere.”
La trama di Rambo
Il veterano del Vietnam e vagabondo
John J. Rambo (Sylvester
Stallone) vaga in una piccola città dello stato di
Washington in cerca di un vecchio amico, ma incontra intolleranza e
brutalità da parte dello sceriffo locale, Will Teasle (Brian
Dennehy). Quando Teasle e i suoi vice trattengono e radono Rambo,
quest’ultimo rivive i suoi tempi da prigioniero di guerra e scatena
la sua furia sugli ufficiali. Sfugge per un pelo alla caccia
all’uomo, ma ci vorrà il suo ex comandante (Richard Crenna) per
salvare i cacciatori dalle prede.
Mentre continuano i cambiamenti
all’interno della Paramount, lo studio avrebbe inserito una serie
di star nella sua lista nera. Sotto la guida di David
Ellison, numerosi cambiamenti sono già entrati in vigore
alla Paramount Skydance, inclusi licenziamenti di massa, e si parla
di una potenziale fusione con la Warner Bros. Discovery.
Secondo un articolo di Variety, un altro
cambiamento è che la Paramount ha ora una lista di attori con cui
non lavorerà perché questi individui sono stati definiti
“eccessivamente antisemiti”, “xenofobi” o “omofobi”.
A settembre, la Paramount è
stata la prima grande casa di produzione a pronunciarsi contro una
lettera aperta che chiedeva il boicottaggio delle
istituzioni cinematografiche israeliane “coinvolte nel
genocidio e nell’apartheid contro il popolo palestinese“.
Una delle ragioni per cui Israele è
una questione così importante per la Paramount è che il padre di
Ellison e co-fondatore di Oracle, Larry Ellison, sarebbe un caro
amico del Primo Ministro israeliano Benjamin Netanyahu. Larry
Ellison è anche un importante donatore di Friends of the IDF.
Il cambiamento del clima politico
alla Paramount può essere attribuito anche allo stretto rapporto di
Larry Ellison con il Presidente Donald Trump.
L’amministrazione Trump ha dato il via libera alla fusione tra
Paramount e Skydance, e Trump ha dichiarato che Larry e David
Ellison lo sostengono.
Un altro fattore in gioco
nell’evoluzione della Paramount è stata la sorprendente uscita del
prolifico creatore televisivo Taylor Sheridan dopo aver firmato un
lucroso accordo con NBCUniversal. L’accordo
televisivo di Sheridan con la Paramount rimarrà in vigore fino al
2028, ma la sua imminente uscita rappresenta comunque una grave
perdita per lo studio e un significativo impulso per NBCUniversal e
il suo servizio di streaming, Peacock. Un report pubblicato dopo la
notizia dell’uscita di Taylor Sheridan dalla
Paramount ha rivelato che il suo rapporto con la nuova dirigenza
della Paramount era già in una fase negativa prima della fusione
tra Paramount e Skydance.
Jennifer Lawrence e Emma Stone stanno girando il loro primo film
insieme. Sebbene le due star non abbiano mai recitato insieme sullo
schermo, hanno avuto percorsi di carriera molto simili. Questo
include entrambe le star che hanno ottenuto ruoli di successo in
titoli young adult (per Lawrence, i film di Hunger
Games, per Stone, Easy A) e hanno vinto
un Oscar (Lawrence ne ha vinto uno per Il lato
positivo e la Stone ne ha vinti due, per La La
Land e Povere Creature).
Il 5 novembre, Jennifer Lawrence è stata ospite del nuovo
episodio del podcast Las Culturistas con
Matt Rogers e Bowen Yang. Durante
la sua conversazione con i due conduttori, l’argomento si è
spostato sul successo di Broadway Oh, Mary! e Lawrence ha rivelato
che “Emma
Stone e io stiamo producendo un film su Miss Piggy”, la
cui sceneggiatura è stata affidata all’autore e protagonista
dell’opera, Cole Escola. Quando le è stato chiesto
se lei e Stone avrebbero recitato insieme nel film, ha risposto:
“Penso di sì… Dobbiamo farlo“.
Cole Escola non ha
ancora scritto sceneggiature per film ufficialmente usciti, ma il
vincitore del Tony Award ha avuto la sua buona dose di ruoli da
sceneggiatore sul piccolo schermo. Escola ha scritto episodi per
diverse serie televisive, tra cui The Other Two, At Home
with Amy Sedaris e Ziwe.
Il loro umorismo irriverente e la
capacità di creare narrazioni avvincenti attorno a figure femminili
iconiche potrebbero essere perfetti per una storia incentrata su
Miss Piggy, uno dei personaggi più iconici della longeva saga dei
Muppet.
Miss Piggy, una
maialina che è una diva glamour e romanticamente ossessionata da
Kermit la Rana, è apparsa per la prima volta nello speciale del
1974 “Herb Alpert and the TJB” prima di essere sviluppata in un
personaggio più importante in “The Muppet Show”. Da allora, è
apparsa in una vasta gamma di progetti dei Muppet ed è diventata
uno dei personaggi più noti del franchise di pupazzi, insieme a
Kermit, Fozzie Bear, Gonzo e
Animal.
Non si sa quali ruoli Lawrence e
Stone potrebbero interpretare al fianco di Miss
Piggy, ma i film dei Muppet in genere presentano diverse
figure umane che recitano accanto agli iconici pupazzi, oltre a una
nutrita serie di cameo di celebrità.
Sebbene il finale della seconda
stagione di Dark
Winds fosse intricato e complicato, la cupa serie
thriller ha finalmente fatto luce sulla cospirazione dietro
l’esplosione che anni prima aveva ucciso il figlio di Joe Leaphorn.
Basata sui romanzi Leaphorn and Chee dello scrittore Tony
Hillerman, Dark
Winds è una serie neo-noir incentrata su due agenti di
polizia navajo. Il più anziano Joe Leaphorn ha perso suo figlio
anni prima dell’inizio della serie, mentre il più giovane Jim Chee
ha iniziato come agente sotto copertura dell’FBI lavorando come
vice di Leaphorn nella polizia tribale. La seconda stagione di Dark
Winds è stata adattata dal romanzo di Hillerman del 1980 People of
Darkness.
Ambientata nel Navajo Country
durante gli anni ’70, la seconda stagione di Dark
Winds racconta la storia degli uomini dietro la morte del
figlio di Joe. Il
periodo storico in cui è ambientataDark Winds ha fatto
sì che i suoi antieroi non potessero fare affidamento sulla
tecnologia moderna nelle loro indagini, dando vita a una serie
poliziesca più cruda e realistica. Leaphorn ha trascorso gran parte
della stagione 2 seguendo le tracce di Colton Wolf, un attentatore
dinamitardo che ha ucciso Emerson, malato terminale di cancro,
fuori da un ospedale. L’attentato è stato fatto sembrare una fuga
di gas accidentale, il che ha attirato l’attenzione di Joe poiché
suo figlio era morto in un’esplosione “accidentale” simile.
Joe Leaphorn ha ucciso Vines
nella seconda stagione di Dark Winds?
Joe ha lasciato Vines a
morire
Sebbene Colton Wolf fosse colui
che ha bombardato l’ospedale e ucciso Emerson, non era il vero
cattivo della seconda stagione di Dark Winds.
L’assassino che ha fabbricato la bomba seguiva gli ordini di un
ricco benefattore che è rimasto anonimo fino agli episodi finali.
Alla fine, questa figura oscura si è rivelata essere l’uomo
d’affari locale BJ Vines, proprietario del sito di trivellazione
dove anni prima era morto il figlio di Joe. Vines aveva
orchestrato tutti gli eventi della stagione per arricchirsi,
compresa l’esplosione che ha ucciso il figlio di Joe. Tuttavia,
poiché Wolf ha commesso tutti i crimini, era impossibile incolpare
Vines.
Questo era uno specchio
oscuro del modo in cui Vines aveva ordinato a Colton di bombardare
il suo sito di trivellazione, causando la morte del figlio di
Joe.
Nel finale della seconda stagione
di Dark Winds, Joe si rende conto che la “giustizia
bianca” avrebbe lasciato Vines libero grazie alla sua ricchezza
e alle sue conoscenze. Dopo aver scoperto che il ricco magnate del
petrolio era stato rilasciato su cauzione nonostante i suoi
crimini, Joe ha rapito Vines, lo ha portato in mezzo al nulla e se
n’è andato. Vines è morto assiderato durante la notte, ma Joe
tecnicamente non lo ha ucciso. Questo è stato un oscuro riflesso
del modo in cui Vines ha ordinato a Colton di bombardare il suo
sito di trivellazione, causando la morte del figlio di Joe.
Sebbene Vines non potesse essere accusato di omicidio, Joe ha
ottenuto giustizia al di fuori del sistema legale corrotto e
parziale.
Spiegazione del colpo di scena
sulla madre di Colton nella seconda stagione di Dark Winds
La ricerca di Colton per
trovare sua madre è finita
Durante tutta la seconda stagione
di Dark Winds, Colton Wolf ha assunto numerosi investigatori
privati per localizzare la madre da cui era separato e li ha uccisi
tutti quando hanno fallito. Pertanto, è stata una grande
sorpresa quando il finale ha rivelato che Colton stesso aveva
ucciso sua madre quando era ancora solo un bambino, poco dopo che
lei aveva assassinato suo padre e sua sorella maggiore.
Dato che le sue ultime parole sono
state il nome di sua madre, è lecito supporre che Colton,
sconvolto, non si fosse reso conto di aver ucciso sua madre per
legittima difesa e, di conseguenza, la stesse cercando nel
tentativo destinato al fallimento di sistemare la sua vita
criminale e tornare a una parvenza di innocenza infantile. Bloccare
gli eventi traumatici è un meccanismo psicologico di difesa, quindi
non è difficile razionalizzarlo.
BJ Vines ha assunto Colton Wolf
in Dark Winds
Il pubblico non si aspettava
questo colpo di scena
In un finale a sorpresa dal quale è
difficile riprendersi, l’ultima puntata della seconda stagione di
Dark Winds ha rivelato che Wolf non agiva da solo né era
motivato dalla follia. Era invece il già citato BJ Vines ad
averlo assunto per bombardare il sito di trivellazione, assassinare
Emerson in fin di vita e successivamente uccidere il figlio di
Emerson.
In qualità di proprietario del sito
di trivellazione, Vines ha scoperto che sotto il sito c’era
dell’uranio non sfruttato e ha pagato Colton per farlo saltare in
aria in modo che il suo valore diminuisse e lui potesse acquistare
il sito a un prezzo stracciato. Nel processo, Vines ha ucciso
indirettamente numerosi lavoratori, tra cui il figlio di Joe.
Quando Emerson si è sentito in colpa per questo, Vines ha riassunto
Colton per ucciderlo.
Perché Colton ha ucciso Emerson
e i suoi figli?
Era stato assunto per
ucciderli
Emerson lavorava con Vines. Dopo
aver ricevuto una diagnosi di cancro terminale, decise di
confessare tutto riguardo all’attentato dinamitardo. Suo figlio
rubò una cassetta di sicurezza contenente il rilevamento geografico
che rivelava la presenza di uranio nel sito, quindi Vines
assunse Colton per ucciderli entrambi. Colton riuscì a uccidere
Emerson e uno dei suoi figli, ma conservò la cassetta di sicurezza
contenente il rilevamento.
Questa cassetta di sicurezza
conteneva anche una fibbia di cintura di proprietà del figlio di
Joe e, quando Joe raggiunse Colton, ricostruì il collegamento tra
gli attentati. In un finale degno dei migliori film western,
Vines affrontò Colton prima che Leaphorn affrontasse
Vines.
Perché Vines uccise Colton Wolf
(e non Joe)
Vines doveva sistemare le
questioni in sospeso
Per gran parte della seconda
stagione di Dark Winds, sembrava che Leaphorn avrebbe
inevitabilmente finito per uccidere Colton. Tuttavia, Colton è
stato invece ucciso da BJ Vines per sistemare le questioni in
sospeso. Con un colpo di scena particolarmente crudele, Vines
ha consegnato al criminale abbastanza denaro per iniziare una nuova
vita prima di mandarlo per la sua strada, illudendo così Colton con
un falso senso di sicurezza.
Vines sembrava aver
assicurato il suo successo, con l’unico collegamento vivente tra
lui e gli attentati ora morto.
Non appena Colton gli ha voltato le
spalle, Vines lo ha ucciso. Questo è stato il momento in cui
Colton, mentre giaceva morente, ha pronunciato il nome di sua
madre. Vines sembrava aver assicurato il suo successo, con l’unico
collegamento vivente tra lui e gli attentati ora morto.
Il significato dietro la
trasformazione della fibbia della cintura in una piuma da parte di
Joe
È un simbolo di
accettazione
Sebbene Leaphorn sapesse che la
legge non lo avrebbe aiutato, poteva comunque catturare Vines da
solo. Così, Leaphorn rapì il magnate del petrolio e lo
lasciò morire, assicurandosi che fosse fatta giustizia.
Questo portò indirettamente Bernadette Manuelito a lasciare la
polizia tribale e intraprendere una carriera nella polizia di
frontiera, poiché pensava che Vines avesse lasciato la città e
quindi fosse sfuggito alla giustizia. Sebbene Leaphorn non
avesse rivelato a Manuelito il vero destino del cattivo, le lasciò
un regalo d’addio. Questo regalo, una piuma di metallo, aveva un
grande significato simbolico per entrambi i personaggi.
Joe era finalmente in pace
con la morte di suo figlio e in grado di andare avanti.
Joe ha fuso la fibbia della cintura
del figlio defunto e l’ha trasformata in una piuma di metallo come
regalo per Bernadette. Questo significava che Joe era in pace con
la morte di suo figlio e in grado di andare avanti, e dimostrava
che Joe si considerava una sorta di figura paterna per la più
giovane e ingenua Bernadette. Lasciando andare la fibbia
della cintura dopo aver ucciso Vines, Joe ha accettato che suo
figlio non sarebbe tornato. Dando la piuma a Bernadette,
poteva ancora essere un genitore surrogato nonostante le prove che
aveva affrontato durante la sua dura vita.
Come è stato accolto il finale
della seconda stagione di The Dark Winds
Il finale ha diviso il
pubblico
Sebbene la seconda stagione di
Dark Winds nel suo complesso sia stata ben accolta dai fan e
dalla critica (ha ottenuto il 100% sul sito di recensioni Rotten
Tomatoes), gli eventi del finale di stagione hanno diviso
il pubblico. Ciò è in parte dovuto al fatto che si discostano dal
libro da cui la storia è tratta. C’era anche la sensazione che
uccidere Colton così presto nel finale fosse un po’
deludente.
Il consenso tra i fan e i critici è
che, nonostante ciò, il finale della seconda stagione di Dark
Winds sia stato soddisfacente. Nel
thread di Reddit che discuteva gli eventi del finale, molti
fan hanno concordato sul fatto che l’episodio in realtà
“sembrava il finale di una serie”. Si è ipotizzato che,
poiché la serie era in produzione proprio prima dello sciopero
degli sceneggiatori e degli attori, il finale della seconda
stagione fosse stato concepito come finale di serie nel caso in cui
la serie non potesse tornare per una terza stagione, ma Dark
Winds è stata rinnovata per una terza stagione, così come per
una quarta.
Per alcuni fan, la possibilità
che Vines potesse sopravvivere al suo periodo nel deserto era una
domanda che rimaneva in sospeso dopo la fine della seconda
stagione, in vista della terza. Secondo il produttore esecutivo
Chris Eyre, la decisione di lasciare Vines vivo nel deserto non era
originariamente prevista nella sceneggiatura (via TV Line). L’idea era invece quella di farlo uccidere.
L’attore Zahn McClarnon è stato colui che ha insistito affinché
il suo personaggio lasciasse Vines in balia degli elementi. Ha
spiegato:
Zahn è stato geniale nel dire:
“Beh, Leaphorn non lo farebbe”. Non sarebbe riuscito a premere il
grilletto. Quindi Zahn ci ha salvati da noi stessi, o almeno ha
salvato me da me stesso. Era scritto che Leaphorn avrebbe
vendicato, ma lui è la bussola morale della storia, lo zio, il
padre, il nonno che tutti vorrebbero avere, ed è stato giusto che
non lo facesse.
Come la fine della seconda
stagione di Dark Winds prepara la terza stagione
Le conseguenze della
decisione di Leaphorn e la nuova storia di Bernadette
Dark Winds stagione 3 riprende
sei mesi dopo la fine della stagione 2, con Joe Leaphorn e Jim
Chee che indagano sulla scomparsa di due ragazzini senza
praticamente alcuna prova che li aiuti. Considerando dove si è
interrotta la storia di Joe Leaphorn, è probabile che la terza
stagione esplorerà le possibili conseguenze della sua decisione di
lasciare Vines nel deserto a morire, anche se si è trattato di un
atto catartico riguardante la morte di suo figlio, la cui morte
continua ad essere esplorata nella terza stagione.
Oltre al conflitto morale con cui
Leaphorn dovrà confrontarsi, Bernadette, interpretata da Jessica
Matten, rimane al centro della scena nella terza stagione,
poiché nella seconda stagione di Dark Winds il personaggio ha
deciso di lasciare la polizia della tribù Navajo e di accettare un
lavoro presso la polizia di frontiera degli Stati Uniti, un
cambiamento significativo per il personaggio che avrà ripercussioni
durature sull’intera serie.
Dark Winds stagione 3 è stata
trasmessa per la prima volta il 9 marzo 2025 e la serie è già stata
rinnovata per la stagione 4.
Ritorno al Futuro è una
delle saghe di fantascienza più amate di sempre, nonostante
presenti diversi buchi di trama dovuti al suo stesso espediente
narrativo: i viaggi nel tempo.
Il film ha come protagonista
Michael J. Fox nei panni di Marty
McFly, un adolescente che viene catapultato indietro nel
tempo a bordo di una DeLorean modificata dal geniale scienziato
Doc Brown (Christopher
Lloyd). I due sequel hanno poi moltiplicato i viaggi
nel tempo… e con essi le domande e i dubbi logici.
Il regista di Ritorno al
Futuro: “Il viaggio nel tempo è fantasia”
Sul sito ufficiale di Back to the Future esiste
una sezione intitolata “FAQS”, dove il regista Robert
Zemeckis e lo sceneggiatore/produttore Bob
Gale rispondono alle domande più frequenti dei fan sul
celebre film.
I due autori spiegano di ricevere
ogni tipo di quesito — intelligenti, ingenui e perfino assurdi — e
di voler chiarire i dubbi più comuni. Molte delle domande,
dicono, riguardano i “misteri del continuum
spazio-temporale”. Ed è proprio qui che arriva la loro
risposta più importante, capace di spiegare quasi tutti i problemi
e le contraddizioni legati ai viaggi nel tempo:
“Diciamolo chiaramente: il
viaggio nel tempo è fantasia, quindi non esiste un modo per
dimostrare nulla. Come cineasti, cerchiamo solo di creare un
insieme di regole per le nostre storie, rispettarle e mantenere la
coerenza all’interno del piccolo ‘universo’ che abbiamo
costruito.”
In altre parole, per Zemeckis e
Gale le spiegazioni scientifiche non sono rilevanti per la trama:
ciò che conta è che la storia rispetti le sue stesse regole
interne. Tra queste, anche l’idea dell’esistenza di Terre
alternative, concetto oggi familiare ai fan del Marvel Cinematic Universe.
Nel primo film, quando Marty McFly
viaggia indietro nel tempo, rischia di cancellare la propria
esistenza impedendo ai suoi genitori di incontrarsi. La famosa
fotografia che inizia a sbiadire rappresenta proprio questa
minaccia. Alla fine, però, Marty cambia la linea temporale… ma in
meglio.
Nei sequel, Doc Brown parla
apertamente di 1985-A, spiegando che ogni
alterazione temporale crea una nuova versione della Terra. In una
scena poi tagliata dal montaggio, si mostra addirittura
Biff cancellato dall’esistenza dopo aver
consegnato al sé giovane l’Almanacco Sportivo e fatto ritorno al
2015.
Doc spiega anche che non possono
tornare al 1985-A, perché è “il futuro sbagliato”. Marty,
Doc e Jennifer devono quindi evitare che Biff modifichi
ulteriormente il passato. Tutto questo intreccio era volutamente
lasciato all’interpretazione del pubblico: Zemeckis e Gale non
volevano appesantire la trama con spiegazioni troppo precise,
preferendo lasciare un certo margine di mistero.
Il paradosso temporale in
Ritorno al Futuro
Il sito ufficiale del film affronta
anche la questione dei paradossi temporali. Un
paradosso del tempo, si legge, “è una situazione in cui l’effetto
di un evento contraddice o elimina la causa dello stesso
evento”.
Un esempio classico: se un uomo di
40 anni tornasse indietro nel tempo e uccidesse sé stesso bambino,
il bambino non potrebbe crescere per diventare quell’uomo, quindi
l’omicidio non potrebbe mai avvenire, perché l’assassino non
esisterebbe.
Questo tipo di logica si ritrova
anche nel film stesso. Cosa sarebbe successo, ad esempio, se
Jennifer avesse visto sé stessa tornare indietro
nel tempo e fosse svenuta, battendo la testa e morendo? In tal caso
non sarebbe mai cresciuta per sposare Marty e avere figli, e quindi
Doc non avrebbe mai avuto motivo di portarli nel
futuro.
La conclusione è che, secondo la
maggior parte degli scienziati, il viaggio nel tempo non può
esistere perché genererebbe inevitabilmente paradossi. Nella saga,
però, gli autori inventano un meccanismo di
auto-conservazione dell’universo per evitarli — da cui la
scelta di far svenire entrambe le Jennifer, impedendo così
conseguenze catastrofiche.
Il paradosso che ha creato un buco
di trama
Nonostante la cura nel costruire le
regole del viaggio temporale, esiste un paradosso che ha
effettivamente creato un buco di trama in Ritorno al Futuro Parte II. Zemeckis e Gale lo
ammettono apertamente nelle FAQ del sito ufficiale. Quando Doc
Brown porta Marty e Jennifer nel futuro, la loro scomparsa dal 1985
avrebbe dovuto cancellarli anche dal futuro stesso.
“Questo, in effetti, è
il paradosso definitivo di Ritorno al Futuro Parte II. Ci abbiamo
riflettuto a lungo.”
I due raccontano che quasi
rinunciarono a quella trama proprio per questo motivo, ma ormai
avevano anticipato l’idea alla fine del primo film, e temevano che
i fan si sentissero delusi se non avessero mostrato il futuro e i
figli di Marty e Jennifer. Per risolvere il problema, decisero di
presumere che Marty e Jennifer sarebbero comunque
tornati nel 1985, mantenendo così la coerenza del futuro
mostrato.
Tuttavia, il paradosso rimane: Doc
Brown afferma chiaramente nel film che “il futuro non è ancora
scritto”. Se è così, perché esisterebbe un futuro già
determinato con Marty, Jennifer e i loro figli? La risposta degli
autori è che il futuro a cui si viaggia rappresenta sempre
la proiezione di ciò che accadrà nella linea temporale del
viaggiatore, in base alle sue scelte fino a quel
momento.
Ma anche questa spiegazione
non risolve tutto. Come dice Doc nel finale della trilogia: “Il
vostro futuro è quello che voi stessi vi create.”
Proprio questa frase riassume il
paradosso irrisolvibile di Ritorno al Futuro: il film
afferma che il futuro è aperto, e allo stesso tempo ne mostra uno
già scritto. È un’incongruenza che non può essere spiegata, ma che
non toglie nulla al fascino della saga.
In fondo, come ricordano Zemeckis e
Gale, “il viaggio nel tempo è fantasia”. E se lo si guarda
per ciò che è — una straordinaria avventura cinematografica —
Ritorno al Futuro resta ancora oggi uno dei migliori
esempi del genere, capace di far sognare intere generazioni
nonostante i suoi inevitabili paradossi.
È stato rivelato il cattivo del
prossimo film di Batman, il che permette alla DC di correggere un
errore di un film precedente. Batman è uno degli eroi con il
maggior numero di film live-action, e molti dei suoi più grandi
cattivi tratti dai fumetti sono già stati adattati in qualche
forma. Alcuni di loro sono apparsi anche in diversi film
live-action.
Uno di questi personaggi è
particolarmente interessante, in quanto sarà il cattivo principale
del prossimo film di Batman della DC. Prima delle nuove avventure
del Bruce Wayne con il volto di Robert Pattinson per The
Batman 2 e del Cavaliere Oscuro dell’Universo DC di
James Gunn in The
Brave and The Bold, nel 2026 una saga cinematografica
animata inizierà. Batman affronterà un cattivo
formidabile.
Il prossimo film di Batman della
DC ha rivelato il suo cattivo
La DC ha annunciato che l’iconico
evento Batman: Knightfall tratto dai fumetti
riceverà un adattamento cinematografico in 4 parti. Il primo film
d’animazione si intitola Batman: Knightfall Parte 1:
Knightfall e la sua uscita è prevista per il 2026.
Jeff Wamester, che ha diretto diversi film del
franchise animato Tomorrowverse della DC, tornerà al
colosso dei fumetti per dirigere il prossimo film di Batman della
DC.
Oltre alla presentazione del nuovo
franchise animato, la DC ha anche pubblicato la sinossi del primo
film di Knightfall. Come nei fumetti, la storia ruoterà attorno a
Bane che spezza Batman sia fisicamente che
mentalmente. A tal fine, la DC ha confermato che “Bane
libera l’intera Galleria dei Rogue di Batman dall’Arkham
Asylum”. Nei fumetti, questo era un tentativo di stancare
Batman.
Quando Batman e Bane si scontrano,
Bruce è troppo debole per sconfiggere il cattivo, che notoriamente
gli spezza la schiena, dando inizio al viaggio del
Cavaliere Oscuro per tornare al suo vecchio io, mentre Azrael ha la
meglio di Batman e perde lentamente il controllo, diventando
violento. Seguendo i fumetti, il prossimo film di Batman della DC
renderà Bane il suo principale antagonista, nonostante la presenza
di altri personaggi.
Batman:
Knightfall può risolvere la controversia su Bane ne
Il Cavaliere Oscuro – Il Ritorno
L’ultima volta che Bane è stato il
principale antagonista di un film del franchise di Batman è stato
ne Il Cavaliere Oscuro – Il
Ritorno del 2012, dove era interpretato da
Tom
Hardy. Sebbene abbia particolarmente apprezzato
l’interpretazione di Hardy e il modo in cui ha reso Bane
fisicamente imponente, aspetto di cui il personaggio ha
assolutamente bisogno, non si può negare che l’accento britannico
di Bane sia diventato una scelta controversa.
Dato che Bane proviene dall’isola
di Santa Prisca, nei Caraibi, nei fumetti, l’accento
britannico non ha molto senso per lui. Bane è cresciuto
scontando l’ergastolo del padre su un’isola di lingua spagnola,
lontano da tutto il resto. Pertanto, non dovrebbe parlare come il
Bane di Tom Hardy ne Il Cavaliere Oscuro –
Il Ritorno.
Ora, la DC ha la possibilità di
correggere quell’errore, eliminando l’accento britannico che ha
portato a diverse lamentele quando è uscito l’ultimo film di Batman
di Christopher Nolan. Finora, nessun
attore è stato annunciato per dare la voce a Bane nel prossimo film
di Batman della DC. Tuttavia, la porta è aperta per un adattamento
più fedele del personaggio, rendendo Knightfall ancora più vicino
ai fumetti.
La quarta stagione di The
Witcher è arrivata nel 2025, ma non con i risultati che
Netflix si aspettava. Da quando Henry Cavill ha
lasciato The Witcher, molti si sono chiesti come la
sua assenza avrebbe influenzato la serie fantasy nella sua quarta
stagione.
In un rapporto ufficiale di
Tudum, sono finalmente arrivati i dati relativi alla quarta
stagione di The
Witcher, che è tornata su Netflix il 30 ottobre 2025.
L’ultima stagione si è classificata al secondo posto nella
classifica di Netflix, con 7,4 milioni di visualizzazioni.
Si tratta dei numeri più bassi mai
registrati dalla serie, dato che The Witcher – stagione 3 nel 2023, durante la sua prima
settimana (dal 26 giugno al 2 luglio 2023), ha avuto 15,2
milioni di visualizzazioni e 73 ore di visione. La stagione 2
ha avuto un rendimento migliore rispetto alla stagione 4, con 142,3
ore di visione. Le stagioni 1 e 2 hanno ottenuto buoni risultati in
termini di audience, ma da allora la serie ha registrato un
calo.
Dopo l’uscita di Cavill,
Liam Hemsworth ha assunto il ruolo di Geralt
di Rivia, la cui scelta ha suscitato reazioni estremamente
contrastanti o negative. Tuttavia, su Rotten Tomatoes, la
stagione 4 ha ottenuto il 75% dei voti della critica e il 46% del
pubblico.
L’ultima stagione è descritta da
Netflix come segue: Dopo gli eventi della terza stagione che
hanno cambiato il continente, Geralt, Yennefer e Ciri si ritrovano
separati da una guerra furiosa e da innumerevoli nemici. Mentre le
loro strade si dividono e i loro obiettivi si affinano, si
imbattono in alleati inaspettati desiderosi di unirsi al loro
viaggio. E se riusciranno ad accettare queste nuove famiglie,
potrebbero avere la possibilità di riunirsi per sempre…
Nonostante l’accoglienza
contrastante riservata alla quarta stagione, The Witcher – stagione 5 è già stata approvata,
poiché è destinata a essere l’ultima stagione della serie
TV. Le riprese della prossima stagione sono già terminate,
poiché il cast e la troupe hanno concluso il lavoro nell’ottobre
2025.
The Witcher stagione
4 è ora disponibile in streaming su Netflix, mentre la piattaforma
non ha ancora fissato una data di uscita per la stagione 5.
Negli ultimi anni, le prestazioni
di The
Witcher sono andate peggiorando. La serie
Netflix, partita nel 2019 con un enorme successo e
diventata subito un fenomeno culturale, ha iniziato a perdere
slancio già con la seconda stagione. Il colpo di grazia è arrivato
quando Henry Cavill ha annunciato l’addio al
ruolo di Geralt di Rivia, poi affidato a Liam Hemsworth.
Sebbene la quarta stagione non sia
stata un disastro e Hemsworth si sia rivelato un degno sostituto,
l’immagine complessiva dello show resta segnata da problemi di
produzione, incoerenze narrative e un calo di fiducia del pubblico.
The Witcher ha avuto momenti brillanti,
ma per ogni cosa che ha fatto bene, esiste un’altra serie fantasy
che l’ha fatta meglio.
Buffy
l’ammazzavampiri
Anche se Buffy the
Vampire Slayer ha un tono completamente diverso, questa serie
cult ha definito il modello del “mostro della settimana”. Ogni
episodio presentava una nuova creatura o minaccia da affrontare, e
questa formula episodica le dava un ritmo irresistibile.
In teoria, The Witcher,
con il suo protagonista cacciatore di mostri, avrebbe dovuto
seguire la stessa formula, magari in modo più sofisticato. La prima
stagione ci è andata vicino, ma dalle successive in poi questo
elemento è stato accantonato. Nonostante i tentativi di recuperarlo
nelle stagioni 3 e 4, Buffy resta imbattuta per capacità
di intrecciare mostri, ironia e umanità.
The
Magicians
Un altro titolo fantasy
interessante è The Magicians, una serie piena di toni
ironici e surreali, ma con un grande successo di critica: tutte e
cinque le stagioni sono “Certified Fresh” su Rotten
Tomatoes.
The Witcher ha reso bene
l’aspetto magico dei romanzi di Andrzej Sapkowski, evitando eccessi
visivi o effetti ridicoli. Tuttavia, non è bastato. The
Magicians dimostra che una trama coerente e costante vale più
di effetti spettacolari o combattimenti ben coreografati. La
dedizione alla storia, più che alla forma, fa la differenza.
Arcane
Le trasposizioni da
videogiochi al cinema o in TV sono spesso rischiose, ma
Arcane, ispirata all’universo di League of
Legends, è stata un successo totale. La serie animata vanta un
rarissimo 100% su Rotten Tomatoes, superando di gran lunga
The Witcher.
Curiosamente, anche The
Witcher è una saga videoludica oltre che letteraria. Tuttavia,
mentre Arcane è riuscita a conquistare anche i fan più
esigenti del gioco, la serie Netflix non ha mai pienamente
soddisfatto questa fetta di pubblico, che l’ha trovata incoerente
rispetto al materiale originale.
His Dark
Materials
Basata sulla trilogia
Queste oscure materie di Philip Pullman, questa serie è un
altro adattamento letterario di successo. Il suo percorso è stato
inverso a quello di The Witcher: una partenza discreta con
la prima stagione, seguita da un costante miglioramento nei
capitoli successivi.
The Witcher, invece, ha
mostrato l’andamento opposto: forte debutto, poi un calo di qualità
e di consenso sia da parte dei fan che della critica. Chi cerca una
serie fantasy che cresce stagione dopo stagione, troverà in His
Dark Materials la risposta ideale.
Merlin
Nel panorama fantasy
televisivo mancano spesso storie di high fantasy puro,
ambientate in epoche mitiche. Merlin, che rilegge le
leggende arturiane, è un esempio perfetto del genere. Anche se
talvolta un po’ ingenua, ha guadagnato sempre più consensi con il
passare delle stagioni.
The Witcher appartiene
allo stesso sottogenere, ma Netflix ha tentato di modernizzarne
eccessivamente l’estetica e la cultura del Continente. Se nella
prima stagione questo equilibrio funzionava, col tempo l’effetto si
è perso. Merlin dimostra che, a volte, conservare
un’atmosfera antica e autentica è la scelta migliore.
The Sandman
Per chi ama il lato più
oscuro e maturo del fantasy, The Sandman è un’ottima
alternativa. Basata sull’omonimo fumetto di Neil Gaiman, la serie
mescola mitologia, filosofia e oscurità gotica, mantenendo un
eccellente 82% su Rotten Tomatoes.
Anche The Sandman ha
vissuto turbolenze dietro le quinte, ma i suoi autori hanno saputo
concludere la storia in modo dignitoso e coerente. È una lezione
che The Witcher avrebbe dovuto imparare: meglio chiudere
in bellezza che trascinare una trama logora e disordinata.
Castlevania
Se si cerca
un’alternativa più vicina al cuore di The Witcher, la
risposta è Castlevania. Anche qui troviamo un cacciatore
di mostri, un’ambientazione gotica e toni da dark fantasy. Ma la
differenza sta nella qualità: Castlevania ha ottenuto
valutazioni altissime, con punte del 100% su Rotten
Tomatoes.
La serie animata, tratta da un
videogioco, ha saputo migliorarsi stagione dopo stagione, a
differenza di The Witcher, che ha perso coesione nel
tempo. È la prova che una buona scrittura può rendere grande anche
un prodotto di genere.
Good Omens
Per chi
apprezza l’umorismo intelligente e il tono ironico che
caratterizzava in parte The Witcher, Good Omens è
un piccolo gioiello. Anche qui troviamo la mano di Neil Gaiman, ma
in una chiave più brillante e surreale.
Il segreto del suo successo risiede
nella straordinaria alchimia tra Michael Sheen e David Tennant, che
interpretano un angelo e un demone costretti a collaborare per
salvare il mondo. Se uno dei due fosse stato sostituito, la serie
avrebbe perso il suo cuore — proprio come accaduto a The
Witcher con l’uscita di Cavill.
Game of
Thrones
Infine, nessun elenco di
grandi serie fantasy sarebbe completo senza Game of Thrones. Nonostante i suoi
difetti, resta il punto di riferimento del genere.
In particolare, Game of
Thrones ha saputo gestire la complessità politica del suo
mondo in modo chiaro e coinvolgente, cosa che The Witcher
non è riuscita a fare. Le trame politiche della serie Netflix,
adattate dai romanzi, si sono rivelate confuse e poco interessanti,
mentre Game of Thrones ha mantenuto lo spettatore attento
e partecipe.
Se The Witcher ha perso la
sua magia lungo il cammino, non mancano alternative in grado di
riportare lo spettatore nel cuore del fantasy televisivo — da
Buffy a Arcane, da Merlin a Game of
Thrones — dimostrando che il genere è più vivo che mai, anche
senza Geralt di Rivia.
Netflix ha svelato le prime immagini della
nuova serie poliziesca Agatha Christie’s Seven
Dials. Basata sull’omonimo romanzo del 1929, la
serie sarà interpretata da Mia McKenna-Bruce, che vestirà i panni
della giovane protagonista Lady Eileen “Bundle” Brent.
Netflix ha pubblicato un teaser
trailer della nuova serie di Agatha Christie, svelando le prime
immagini della detective interpretata da Bruce. Il primo sguardo
mette in evidenza star che hanno un background familiare nel genere
giallo, tra cui Martin Freeman di Sherlock e Helena Bonham Carter di Enola
Holmes.
Ambientata nel 1925, la storia
segue una festa in casa, dove uno scherzo finisce terribilmente
male con un omicidio. Spetterà alla giovane e curiosa detective
Bundle indagare sul caso di omicidio, che finirà per cambiare la
sua vita.
Chris Chibnall (Broadchurch,
Doctor Who) è lo sceneggiatore e produttore esecutivo della
serie misteriosa in tre parti, che uscirà il 15 gennaio.
Anche il pronipote di Christie, James Prichard, sarà produttore
esecutivo della serie attraverso la Agatha Christie Limited.
Foto Simon Ridgway/Netflix
Seven Dials di Netflix è
solo il secondo adattamento in assoluto del romanzo giallo di
Christie. Il primo tentativo fu il film TV del 1981, diretto da
Tony Wharmby. Cheryl Campbell interpretava Blundle, mentre il resto
del cast includeva John Gielgud, Harry Andrews, James Warwick e
Lucy Gutteridge.
Christie è considerata una delle
scrittrici più prolifiche del genere giallo, che le è valso persino
i titoli di “Regina del mistero” e “Regina del crimine”. Molte
delle sue opere sono state adattate per il grande e il piccolo
schermo, tra cui i famosi film di Hercule Poirot di
Kenneth Branagh.
Sebbene Poirot e Miss Marple siano
alcuni dei personaggi più popolari della Christie, non sorprende
che Seven Dials sia stato adattato solo due volte. Il
romanzo del 1929 non ricevette recensioni entusiastiche al momento
della sua pubblicazione, con molti che espressero il loro
disappunto per il cambiamento di stile rispetto alle opere tipiche
della Christie.
Foto Simon Ridgway/Netflix
Il personaggio di Bundle è stato
introdotto per la prima volta in un romanzo precedente della
Christie, The Secret of Chimneys, pubblicato nel 1925. La
giovane mondana è descritta come una “it girl” che brama avventure
ed emozioni forti, cosa non convenzionale per le donne del suo
tempo.
Agatha Christie’s Seven
Dials sarà disponibile su Netflix dal 15 gennaio.
Dopo il successo di
Alien:
Romulus(qui
la nostra recensione) nel 2024, era quasi
inevitabile che la saga di Alien proseguisse. Il film di
Fede Álvarez, che ha riportato in auge il celebre
universo creato da Ridley Scott, ha conquistato pubblico e
critica grazie al suo ritorno all’horror claustrofobico e viscerale
delle origini. Ora, i fan possono esultare: Alien:
Romulus 2 è ufficialmente in cantiere.
Álvarez, che ha scritto anche parte
della sceneggiatura del seguito, non tornerà però dietro la
macchina da presa, lasciando il posto a un nuovo regista ancora da
annunciare. Tutto lascia intendere che il secondo capitolo
continuerà la storia di Rain e Andy, i due protagonisti
sopravvissuti al massacro del primo film, interpretati
rispettivamente da Cailee Spaeny e David
Jonsson. La loro sopravvivenza era già un chiaro indizio
che la saga avrebbe avuto un seguito, e la loro popolarità ha reso
naturale costruire il nuovo film intorno a loro.
Ma se Alien: Romulus
2 promette di ampliare il racconto, non può evitare
di confrontarsi con un problema che aleggia da anni sul franchise:
l’incompiuta storia dei prequel di Ridley Scott, ovvero Prometheus (2012)
e Alien: Covenant (2017).
Quando Scott decise di tornare nel
mondo che aveva creato nel 1979, lo fece con un approccio ambizioso
e atipico. Prometheus non
voleva semplicemente raccontare un’altra storia di mostri nello
spazio, ma indagare le origini stesse della vita e dell’umanità,
toccando temi filosofici e religiosi. Il film, pur ambientato nello
stesso universo di Alien, sembrava quasi
un’altra cosa: più misterioso, più astratto, e volutamente distante
dai codici horror che avevano reso la saga famosa.
Con Alien: Covenant, Scott cercò un
equilibrio, riportando gli xenomorfi sullo schermo ma senza
abbandonare del tutto le domande metafisiche aperte da Prometheus.
Il risultato fu un film che mescolava azione e riflessione, ma che
non riuscì a soddisfare tutti. Molti spettatori si sentirono
disorientati: troppo diverso per essere un Alien
tradizionale, troppo legato ai simbolismi di Scott per essere puro
intrattenimento.
Col tempo, però, entrambi i film
sono stati rivalutati. Oggi molti fan li considerano opere
imperfette ma affascinanti, capaci di espandere la mitologia della
saga in direzioni nuove. Eppure, resta un fatto: quella storia non
è mai stata completata.
Il finale di Alien: Covenant lasciava aperti
innumerevoli interrogativi. Chi sono veramente gli
Ingegneri, la razza che avrebbe creato l’umanità e
che, per motivi misteriosi, voleva poi distruggerla? Da dove
provengono? Qual è il loro legame con gli xenomorfi? E perché hanno
abbandonato i loro piani? Le risposte sembravano a portata di mano,
ma non sono mai arrivate.
Al centro di tutto c’è
David, l’androide interpretato da Michael
Fassbender, uno dei personaggi più inquietanti e complessi del
franchise. Alla fine di Covenant, si capisce che il suo
obiettivo è creare una razza perfetta di xenomorfi, di cui essere
il dio e il padrone. Ma il film si interrompe proprio quando il suo
progetto sembra cominciare, lasciando intendere che ci sarebbe
stato un capitolo successivo in cui il suo piano avrebbe raggiunto
l’apice. Quel film, però, non è mai stato realizzato.
Anche l’origine stessa degli
xenomorfi è rimasta confusa. Prometheus e
Covenant suggeriscono che le creature siano frutto di una
lunga catena di esperimenti biologici, manipolazioni genetiche e
incidenti evolutivi, ma i dettagli restano oscuri. Scott aveva
promesso altri due o tre prequel per completare il quadro e
collegarsi direttamente al Alien del 1979, ma il tiepido
successo di Covenant fece sfumare i progetti.
Quando poi la Disney acquistò la
20th Century Fox, la direzione cambiò: invece di
concludere la visione di Scott, lo studio preferì tornare a un film
più tradizionale, più vicino all’horror originale. Così nacque
Alien: Romulus.
Credit 20th Century Studios
La mitologia costruita da Scott è troppo importante per essere
ignorata
Ridley Scott, nel frattempo, ha espresso
opinioni contraddittorie. In alcune interviste ha detto di aver
“già dato abbastanza” alla saga, in altre ha lasciato intendere che
tornerebbe a dirigerne un altro prequel se trovasse “l’idea
giusta”. Questa incertezza ha lasciato il franchise in una sorta di
limbo creativo: la mitologia costruita da Scott è troppo importante
per essere ignorata, ma al tempo stesso troppo incompleta per
integrarsi del tutto con i nuovi film.
Non si può dire che questa mancanza
renda Alien: Romulus un film peggiore, ma è innegabile che
pesi sulla sua ricezione. Guardando il film, è difficile non
pensare a tutto ciò che Prometheus e Covenant
hanno lasciato in sospeso: gli Ingegneri, David, il mistero delle
origini. Álvarez ha inserito piccoli riferimenti, come la famosa
“sostanza nera” di Prometheus, ma è chiaro che quella non
era la sua storia da raccontare.
E adesso Alien: Romulus
2 eredita lo stesso problema. I fan, naturalmente,
cercano di “collegare i puntini”, di trovare un senso unitario tra
vecchi e nuovi film. Ma finché Scott non concluderà la sua trilogia
dei prequel, ogni nuovo capitolo porterà con sé questo peso
narrativo. È come avere un facehugger invisibile nella stanza:
anche se non lo si vede, tutti sanno che è lì, pronto a ricordare
che la storia di Alien non è ancora completa.
Le nuove immagini di The Night Manager rivelano il
ritorno di
Tom Hiddlestondopo nove anni. A lungo
in fase di sviluppo, la
seconda stagione di
The Night Manager riprenderà con Jonathan Pine,
interpretato da Hiddleston, che assumerà una nuova identità e
incontrerà un mix di volti familiari e nuovi. Il tanto atteso
revival vedrà anche l’attrice premio Oscar Olivia Colman riprendere il ruolo di Angela
Burr.
Vanity Fair ha svelato le prime foto di
Hiddleston e Colman mentre si girano per The Night Manager.
La galleria, inclusa qui sotto, punta i riflettori su una coppia di
membri del cast, come Diego Calva, star di Babylon e On
Swift Horses, e Camila Morrone, attrice di Daisy Jones & The
Six, nominata agli Emmy.
In programma sulla BBC e BBC
iPlayer nel Regno Unito e in streaming su Prime Video negli Stati Uniti, la
nuova stagione non ha ancora annunciato una data di uscita. Ma una
serie di nuove foto offre un assaggio di ciò che ci si può
aspettare dal thriller di spionaggio. È un mix di brivido e
urgenza, poiché la spia interpretata da Hiddleston si ritrova in
acque pericolose e deve bilanciare alleanze instabili.
La seconda stagione di The Night
Manager è composta da sei episodi. Vedrà Jonathan Pine vivere
come Alex Goodwin. Goodwin, un ufficiale di basso livello dell’MI6,
gestisce una tranquilla unità di sorveglianza a Londra. Tuttavia,
l’incontro con un vecchio mercenario al servizio di Roper (Hugh
Laurie) catapulta il personaggio di Hiddleston in una nuova e
pericolosa missione.
Tale missione metterà Goodwin in
contatto con l’uomo d’affari colombiano Teddy Dos Santos
(interpretato da Calva) e Roxana Bolaños (Morrone), una donna
d’affari che aiuta Goodwin contro Teddy con riluttanza.
The Night Manager è basato
sull’omonimo romanzo del 1993 di John le Carré.
Il thriller di spionaggio adattato
è già stato rinnovato per la terza stagione, con la seconda in fase
di riprese nel Regno Unito, in Colombia, in Spagna e in Francia.
Tra gli attori che tornano ci sono Noah
Jupe, protagonista di A Quiet Place, nel ruolo di Danny
Roper, ormai cresciuto dopo quello che è successo a suo padre alla
fine della prima stagione di The Night Manager, oltre ad
Alistair Petrie nel ruolo di Alexander “Sandy” Langbourne, Douglas
Hodge nel ruolo di Rex Mayhew e Michael Nardone nel ruolo di
Frisky.
Con un cast che include Indira
Varma, Paul Chahidi e Hayley Squires, e il creatore della serie
David Carr che torna come produttore esecutivo, The Night
Manager ha il potenziale per diventare una delle migliori
serie su Prime Video. Si basa sulle opere di uno degli scrittori di
thriller più influenti, ma offre un tocco unico per un ritorno
molto atteso.
Ibelin, una storia
vera e stimolante legata a World of Warcraft, ha scelto i
primi sei attori protagonisti. Il film racconta la vita del
giocatore Mats Steen, il cui avatar nel popolare gioco si chiamava Ibelin
Redmoore.
Steen era affetto da una malattia
muscolare degenerativa nota come distrofia muscolare di Duchenne.
Nonostante le difficoltà che questo comportava, ha trascorso gran
parte della sua vita giocando a World of Warcraft, dove è
diventato un personaggio famoso e parte di una comunità più ampia.
È scomparso all’età di 25 anni nel 2014.
Ibelin è diretto da Morten
Tyldum, che ha ricevuto una nomination all’Oscar come miglior
regista per il suo lavoro in The Imitation Game (2014). Ha anche
diretto il film romantico di fantascienza Passengers (2016)
con Jennifer Lawrence e Chris Pratt.
La sceneggiatura di Ibelin
sarà scritta da Ilaria Bernardini (Citadel: Diana) e Hossein Amini (The Wings of
the Dove). Amini ha ottenuto una nomination all’Oscar come
miglior sceneggiatura non originale per Le ali dell’amore,
mentre Bernardini ha ricevuto una nomination ai BAFTA per il
cortometraggio Chalk del 2012.
Oltre a descrivere la vita di
Steen, Ibelin sarà basato sul blog Musings of Life
del giocatore norvegese, dove ha scritto della sua vita sia dentro
che fuori dal gioco. Il film includerà anche la storia dei compagni
di gioco con cui ha stretto amicizia e della sua amorevole
famiglia. Le riprese dovrebbero iniziare in Europa nella primavera
o nell’estate del 2026.
Non è la prima volta che la storia
di Steen viene raccontata, poiché è già stata immortalata in un
documentario presentato in anteprima al Sundance Film Festival del
2024. Le recensioni di The Remarkable Life of Ibelin sono
state incredibilmente positive, con critici e pubblico commossi
dalla straordinaria storia. Il documentario candidato agli Emmy
Award, disponibile su Netflix, esplora come i genitori di Steen pensassero
che il figlio vivesse una vita isolata, solo per poi ricevere
messaggi da tutto il mondo che lo piangevano.
Ibelin avrà sicuramente un
successo maggiore rispetto a Warcraft
(2016), il film tratto dal videogioco che ha ricevuto un punteggio
critico del 29% su Rotten Tomatoes. Invece di adattare un universo
immaginario, Ibelin racconta una storia completamente
diversa e reale su un individuo la cui vita è stata cambiata per
sempre dal gioco e dalla comunità che ha trovato al suo
interno.
Secondo le recenti indiscrezioni, Martin Scorsese avrebbe scelto il suo prossimo
progetto: un adattamento del romanzo “Cose che succedono la notte” di
Francis Steegmuller, con Leonardo
DiCaprio e Jennifer
Lawrence nel cast. La conferma non è ancora ufficiale,
anche in considerazione dei numerosi progetti che il regista ha
sviluppato negli ultimi anni e che non hanno raggiunto la fase
produttiva. Tuttavia, durante il tour promozionale del film
Die My Love di Lynne
Ramsay, Lawrence ha lasciato intendere che il progetto sia
effettivamente in via di definizione, come riportato da IndieWire.
L’attrice ha indicato una possibile partenza delle riprese tra
gennaio e febbraio, pur ammettendo che il calendario potrebbe
subire variazioni. Altre fonti suggeriscono che l’inizio della
produzione potrebbe essere posticipato, considerando il probabile
coinvolgimento di DiCaprio nella campagna Oscar per la sua
interpretazione in Una battaglia dopo l’altra. In tal
caso, le riprese potrebbero slittare alla primavera.
Di cosa parla Cose
che succedono la notte?
Cose che succedono la notte segue la
storia di una coppia americana che si reca in una cittadina europea
coperta di neve per adottare un bambino. Una volta arrivati,
soggiornano in un grande hotel quasi deserto, popolato da figure
enigmatiche: un cantante eccentrico, un uomo d’affari corrotto e
una guaritrice dal forte carisma. Mentre la coppia tenta di
riportare il bambino a casa, la situazione comincia a deteriorarsi
e la realtà attorno a loro — così come il loro rapporto — inizia a
sgretolarsi.
DiCaprio ha raccontato nel podcast The Big Picture che Scorsese gli avrebbe consigliato di
rivedere “La
donna che visse due volte” di Alfred Hitchcock come punto
di riferimento per l’atmosfera del film. Il collegamento appare
coerente con le tematiche del romanzo, che esplora una dimensione
sospesa tra sogno e realtà e il tema dell’ossessione.
Al momento non sono
disponibili ulteriori dettagli sulla produzione o sulla durata
prevista del film. Cose che succedono la
nottesi prospetta come un
progetto differente rispetto alle recenti opere di Scorsese, dopo
titoli di ampio respiro come The Irishman e Killers of the Flower
Moon. Qualsiasi aggiornamento ufficiale su cast,
calendario e distribuzione sarà annunciato dai canali di produzione
nelle prossime settimane.
Il creatore di SupernaturalEric Kripke ha rivelato che inizialmente aveva in mente un
finale molto diverso per il Supernatural finale della quinta
stagione, completamente diverso da quello che abbiamo visto
alla fine nella quinta o nella quindicesima stagione. I fan di
Supernatural sanno che il finale della quinta stagione era
il
finale originale di Supernatural, ma che la serie è poi
continuata per altre 10 stagioni.
Per questo motivo, la serie ha
tecnicamente due finali: il finale della quinta stagione, “Swan
Song”, che è ampiamente considerato uno degli episodi capolavoro
di Supernatural, e il finale di Supernatural nella
quindicesima stagione (la vera conclusione della serie). Ogni
finale ha sicuramente i suoi pro e i suoi contro, e il dibattito su
quale finale fosse migliore rimane aperto.
Tuttavia, sembra che ci fosse una
terza opzione che non ha mai visto la luce, o che apparentemente
non era nemmeno nota, che avrebbe significato un finale
completamente diverso per Sam e Dean Winchester, e tutti dovrebbero
essere molto sollevati che non sia mai successo.
Il finale originale della
quinta stagione di Eric Kripke significava che la storia si sarebbe
ripetuta
L’attore Rob Benedict, che
interpreta Dio/Chuck, e l’attore Richard Speight Jr., che
interpreta Loki/Gabriel/Trickster, conducono insieme un podcast di
rivisitazione di Supernatural, Supernatural Then and Now, in cui
parlano con gli attori, gli sceneggiatori e i creatori della serie,
insieme a vari altri professionisti che hanno lavorato alla
serie.
In un episodio di inizio anno,
intitolato “Swan Song Part 2: Kripke Reloaded”, Benedict e Speight
Jr. hanno incontrato il creatore di Supernatural Eric Kripke, che
ha rivelato che c’era un altro finale alternativo per la serie.
Kripke ha spiegato:
“Sam va all’inferno, Dean si fa il culo per cercare di tirarlo
fuori in un montaggio, un po’ simile a quello che c’è lì, ma alla
fine non ci riesce perché il grande cambiamento emotivo di Dean era
che doveva imparare a lasciar andare suo fratello, giusto? …
Quindi, penso che fosse più qualcosa del tipo: ‘Oh, dove è andato?
Ma lo lascerò andare’”.
Ma questo era ben lontano
dall’essere la fine della storia di Dean in questo finale
alternativo. Kripke ha invece rivelato che il finale della quinta
stagione avrebbe mostrato la storia che si ripete per Dean
Winchester in un modo davvero terrificante. Kripke ha
spiegato:
“Poi Dean torna da
[Lisa] e hanno un bambino, una bambina, che lui chiama Samantha. E
poi l’immagine finale sarebbe stata lui con Samantha, che bacia
Samantha e poi bacia, sapete, [Lisa], e mette la bambina nella
culla, poi se ne vanno, spengono la luce, e poi una figura oscura
si avvicina alla culla, e si torna al teaser di Supernatural,
quindi c’è una figura oscura, e poi è come un blackout totale, e la
forte implicazione è che tutto ricomincerà da capo. Quindi,Dean diventerà John, Samantha sarà la nuova cacciatrice di
demoni, sua moglie sarà sul soffittoe Sam ovviamente
tornerà dentro.
Questo finale avrebbe cambiato
drasticamente la conclusione di Supernatural in molti modi. Per
prima cosa, ovviamente, Dean avrebbe avuto un bambino, cosa che non
è mai successa nella serie. In realtà, il vero finale di
Supernatural ha essenzialmente ribaltato questa narrazione, con Sam
che è quello che ha un figlio e gli dà il nome di Dean.
Oltre a questo significativo
cambiamento, però, questa conclusione non avrebbe visto la storia
di Dean e Sam andare avanti; invece, tutto sarebbe ricominciato da
capo, trascinando con sé una nuova generazione. È vero che il
finale effettivo di Supernatural è stato controverso, ma questo
sarebbe stato un finale ancora peggiore per la serie.
Questo finale sarebbe stato
completamente insoddisfacente
Vedere la storia ripetersi
sarebbe stato un finale del tutto insoddisfacente. Forse
l’aspetto più frustrante di questo arco narrativo sarebbe stato
vedere Dean diventare come suo padre. I fan sono molto divisi
quando si tratta di esprimere opinioni su John Winchester. Alcuni
spettatori provano empatia per lui e credono che abbia fatto del
suo meglio, mentre altri pensano che fosse un padre
terribile.
Anche le star di Supernatural hanno
fatto riferimento alla paternità di John e, nella serie stessa, è
un argomento con cui i fratelli devono confrontarsi. Tuttavia, è
lecito supporre che la maggior parte degli spettatori avrebbe avuto
dei problemi con il fatto che Dean diventasse suo padre. Dopotutto,
una delle cose che definiva il rapporto di Dean con Sam era il modo
diverso in cui lo trattava.
Per molti versi, Dean era la vera
figura paterna di Sam, poiché si prendeva sempre cura di lui; John,
al contrario, sembrava mettere sempre la caccia al primo posto.
Vedere questo accadere a Dean, che era sempre stato così contrario
al comportamento di suo padre, sarebbe stato davvero straziante e
avrebbe tradito la caratterizzazione di Dean che era stata
costruita nel corso di cinque stagioni.
Inoltre, sapere che i fratelli alla
fine non erano davvero sfuggiti a nulla ed erano destinati a
entrare nello stesso ciclo brutale e tragico sarebbe stato più che
deprimente. In un certo senso, questo avrebbe dato l’impressione
che tutto ciò che avevano fatto fosse stato inutile. Anche Eric
Kripke sembra esserne consapevole, come ha detto a Benedict e
Speight Jr.:
“Quello era il finale,
era pieno di punti interrogativi e non era un lieto fine. Era come
se fosse un film horror, sapete, con Jason che alla fine salta
fuori dall’acqua”.
I fan rimangono divisi sul fatto
che Supernatural abbia concluso bene la serie – e ammetto di avere
anch’io qualche problema con il finale della stagione 15 – ma se
questo finale alternativo fosse stato davvero la conclusione della
serie, sarebbe stato molto peggiore del finale che abbiamo avuto
nella stagione 5 o nella stagione 15.
Sia il finale della stagione
5 che quello della stagione 15 sono migliori di questo
finale
Molti considerano “Swan Song” uno
dei migliori episodi di Supernatural, e a ragione. Anche se a suo
modo è stato straziante, questo episodio ha chiuso il cerchio della
storia di Sam e Dean, e sembrava il vero culmine di tutto ciò che
era successo fino a quel momento nella serie.
In realtà, la storia non è mai
stata così coerente come in quell’arco narrativo di cinque
stagioni, in cui Sam e Dean sono rimasti coinvolti nell’epico
scontro tra Lucifero e Michele. Ciononostante, molti erano felici
di avere più tempo con Dean e Sam, che alla fine si è tradotto in
un intero decennio in più contenente alcune delle storie e dei
personaggi più amati di Supernatural.
Tuttavia, soprattutto a causa del
modo in cui Dean è morto nel finale della serie, la conclusione
della stagione 15 si è rivelata molto meno popolare come finale.
Molti sono rimasti scontenti nel vedere Dean morire combattendo un
comune vampiro piuttosto che in modo eroico ed epico, e sapere che
Sam ha vissuto decenni senza suo fratello è stato come versare sale
sulla ferita.
Per quanto alcuni possano trovare
deludente questa conclusione, tuttavia, il piano originale di
Eric Kripke sarebbe stato il peggiore dei tre finali. Sì, la
morte di Dean è stata devastante (e frustrante sotto molti
aspetti), ma almeno non ha compromesso la serie. Si può dire che
abbia fatto il contrario, uccidendo Dean nel modo in cui lui aveva
sempre immaginato di morire.
Premere il pulsante di reset sulla
storia di Sam e Dean, ora con una nuova generazione soggetta agli
stessi orrori che hanno vissuto loro, sarebbe stato come uno
schiaffo in faccia ai fan, quindi sono davvero incredibilmente
felice che il finale originale di Supernatural di Eric
Kripke non sia mai stato realizzato.
Quattro nuovi
attori si sono uniti al remake di Highlander
di Amazon MGM Studios con Henry Cavill. L’annuncio arriva dopo la
notizia che
il film è stato rinviato a causa di un infortunio riportato da
Cavill prima dell’inizio delle riprese. La produzione è stata
posticipata all’inizio del 2026, dopo che l’inizio del remake del
film cult del 1986 era stato precedentemente programmato per
settembre.
Oltre a Henry Cavill, che interpreta il ruolo
principale del guerriero immortale Connor MacLeod, il cast stellare
di Highlander include Russell Crowe, Dave Bautista, Karen Gillan,
Jeremy Irons, Djimon Hounsou e Marisa
Abela. Il coinvolgimento di Crowe e Hounsou segna una
reunion a più di vent’anni dai loro ruoli ne Il Gladiatore di
Ridley Scott (2000). Secondo The
Hollywood Reporter, il cast di Highlander ora include anche Kevin
McKidd, Siobhán Cullen, Jun Jong-seo e Nassim Lyes.
Il ruolo di McKidd rimane segreto,
ma ha esperienza nel genere fantasy, avendo precedentemente
interpretato Poseidone in Percy Jackson e gli dei
dell’Olimpo: Il ladro di fulmini, oltre ad aver doppiato
Lord MacGuffin in Ribelle – The Brave della Pixar
e il guerriero mandaloriano Fenn Rau in Star
Wars Rebels. È noto anche per i suoi ruoli in Rome e
Grey’s Anatomy.
Per quanto riguarda gli altri nuovi
arrivati, il personaggio di Cullen è uno psichiatra poliziotto che
scopre l’esistenza di esseri immortali e vuole aiutare il
personaggio di Cavill. Cullen ha recitato in Bodkin di Netflix e in Obituary di Hulu.
Il personaggio di Jong-seo fa parte
della setta degli Osservatori, mentre Lyes è un individuo immortale
che dà la caccia a MacLeod. Tra i precedenti ruoli di Jong-seo
figurano Burning, il primo film sudcoreano a entrare nella rosa dei
candidati agli Oscar per il miglior film straniero, mentre Lyes ha
recitato in Under Paris di Netflix.
Il personaggio di Cullen non sarà
l’unico alleato di MacLeod, poiché Crowe interpreta Ramirez, uno
spadaccino che è mentore e amico del protagonista. Gillan
interpreta la moglie di MacLeod, ma a differenza di lui, è
mortale.
Il personaggio di Jong-seo
interagirà probabilmente con Irons, che guida gli Osservatori, che
osservano gli immortali come MacLeod e li considerano una minaccia.
Hounsou interpreta un altro guerriero immortale.
Sembra che il personaggio di Lyes
sarà un cattivo, probabilmente in un ruolo secondario. Il cattivo
principale del film fantasy è Kurgan, interpretato da Bautista.
Cosa sappiamo di Highlander
Il nuovo film Highlander
è il remake di un fantasy d’azione del 1986 su guerrieri immortali,
con l’attore Henry Cavill di L’Uomo d’Acciaio e The
Witcher nel ruolo principale. La regia è affidata a
Chad Stahelski, già regista della serie
John
Wick. Il resto del cast è poi composto da Russell Crowe nel ruolo del mentore
originariamente interpretato da Sean Connery nel classico del 1986,
Djimon Hounsou, Drew
McIntyre, Dave
Bautista,Marisa Abela, Kevin McKidd, Siobhán
Cullen, Jun Jong-seo e Nassim Lyes.
Jeremy Irons interpreta il leader dei
Watchers, un ordine segreto incaricato di tenere d’occhio Cavill e
i suoi compagni immortali.
Christopher
Lambert e Sean Connery hanno recitato nel film originale
Highlander nel lontano 1986. La storia ricca di
azione di esseri immortali impegnati in un combattimento eterno ha
dato vita a un franchise che comprendeva quattro sequel, un film
per la TV, due serie live-action e una serie animata. Sebbene il
film originale e i suoi sequel sempre più ridicoli siano ormai
entrati a pieno titolo nella categoria dei cult classici,
Highlander è stato ritenuto un IP sufficientemente
prezioso da giustificare un remake, con Cavill nel ruolo
interpretato quasi 40 anni fa da Lambert.
Quale destino ha colpito Sam e Dean
Winchester nel finale della serie Supernatural?
Non è esagerato affermare che Supernatural è stato un punto fermo della
televisione negli ultimi 15 anni. La storia di mostri e miti di
Eric Kripke ha sfidato ogni pronostico, conquistando un pubblico
appassionato e fedele e guadagnandosi il diritto di concludersi
secondo i propri termini. Dopo aver esaurito ogni possibilità di
aumentare la posta in gioco stagione dopo stagione, la quindicesima
stagione di Supernatural è stata confermata come l’ultima, con uno
scontro finale tra i Winchester e Dio dopo che Chuck ha rivelato di
essere stato l’artefice di ogni sventura e tragedia nella vita di
Sam e Dean come parte di un grande esercizio narrativo.
Il penultimo episodio di
Supernatural ha risolto la trama generale di Chuck e si è
concluso con Jack che è diventato il nuovo Dio dell’universo. La
minaccia dell’apocalisse è passata e i Winchester sono liberi, ma
con un altro episodio ancora da vedere, altri colpi di scena
attendono inevitabilmente lungo la tortuosa strada della
stagione 15 di Supernatural. “Carry On” riduce
Supernatural ai suoi elementi fondamentali: Sam e Dean Winchester
che salvano le persone e danno la caccia alle creature
soprannaturali. Il finale semplice e incentrato sui personaggi
rivela come si conclude il viaggio di entrambi i Winchester e offre
una serie di scambi strappalacrime tra i fratelli sulla strada
verso una conclusione definitiva che lascia poco spazio
all’ambiguità.
Come per l’episodio precedente, il
finale della serie Supernatural è stato chiaramente
influenzato dalle restrizioni dovute al COVID-19, cosa che deve
essere tenuta in considerazione nel giudicare i meriti
dell’episodio. Ciononostante, la reazione immediata online è stata
per lo più negativa. Ecco cosa è successo in “Carry On” di
Supernatural e tutto ciò che l’episodio ha rivelato sul
destino di Sam e Dean Winchester.
L’ultima caccia soprannaturale
di Sam e Dean Winchester
Dopo aver sconfitto Dio, i
Winchester affrontano un’altra sfida ardua all’inizio del finale di
Supernatural: la vita normale. Sam rifà il letto, Dean mangia un
po’ di torta e i fratelli adottano Miracle, il cane scomparso
nell’episodio della scorsa settimana. Sam conferma che non si hanno
notizie di Castiel o Jack, e i fratelli riprendono la loro vita
quotidiana, cercando eventi misteriosi su Internet e viaggiando per
il paese per indagare. Pochi si aspettavano che l’ultimo episodio
di Supernatural avrebbe assunto la forma di una classica
storia “mostro della settimana”, ma è proprio questo il modello
scelto da “Carry On”. Usando gli pseudonimi ‘Singer’ e “Kripke” (un
cenno al produttore di Supernatural Robert Singer e al
creatore Eric Kripke), i Winchester indagano su un nido di vampiri
mascherati che attaccano sistematicamente le famiglie e rapiscono i
bambini.
Nonostante si presenti (in modo
molto convincente) come una missione ordinaria, l’ultima caccia di
Supernatural è ricca di simbolismo che richiama le origini
della serie. Come nelle stagioni precedenti, Sam e Dean utilizzano
il diario del padre come indizio e, facendo irruzione nel covo dei
vampiri (un fienile abbandonato sorprendentemente ben illuminato),
i Winchester salvano due giovani fratelli catturati. Viene
tracciato un parallelo tra Sam e Dean e i due bambini senza nome.
Proprio come un evento paranormale traumatico ha privato i
Winchester della loro infanzia, i giovani liberati dal covo dei
vampiri saranno segnati da questa esperienza per gli anni a venire,
forse diventando essi stessi cacciatori o giurando vendetta sui
succhiasangue, proprio come la famiglia Winchester ha giurato di
uccidere Yellow-Eyes. C’è una certa poesia nel fatto che l’ultimo
atto di Dean sulla Terra sia quello di salvare due giovani fratelli
che hanno appena perso i genitori.
E sì, avete letto bene. L’ultimo
atto di Dean sulla Terra. Durante la lotta contro questi vampiri
mascherati e corpulenti, Dean viene sconfitto dal suo più grande
nemico, il vero cattivo della stagione 15 di Supernatural… un, ehm…
*controlla gli appunti* un paletto arrugginito? Il vampiro che
mette fine al potente Dean Winchester è sia mascherato che senza
nome – un sicario senza volto in una serie piena zeppa di
sicari senza volto – e finire su un paletto è pura sfortuna.
Sebbene nulla nel finale lo suggerisca, la morte di Dean potrebbe
essere attribuita alla caduta di Chuck. La stagione 15 di
Supernatural aveva precedentemente rivelato che la “storia”
di Chuck proteggeva i Winchester dal male e dalla sfortuna. Nella
sua prima missione da uomo libero, Dean viene ucciso: forse Dio
stava davvero facendo tutto il lavoro.
Sebbene le circostanze della morte
di Dean siano discutibili, le interpretazioni di
Jensen Ackles e Jared Padalecki sostengono l’intero episodio.
Mentre i Winchester si salutano, Dean rivela quanto sia orgoglioso
di Sammy e chiede a suo fratello di rassicurarlo mentre la morte si
avvicina. La scena ripaga il primissimo episodio di
Supernatural. Nel 2005, Dean reclutò suo fratello da una
promettente carriera legale per unirsi allo stile di vita da
cacciatore, e da allora i due sono stati praticamente inseparabili.
L’emozionante addio risolve ogni tensione residua tra i due e dà a
Sam la chiusura che ha sempre desiderato come “outsider” della
famiglia che ha scelto l’istruzione universitaria invece della
caccia ai mostri. Dean implora suo fratello di dirgli “va tutto
bene, ora puoi andare” e Sam lo accontenta in lacrime. Questa
frase riconosce come Dean Winchester sia sempre stato il
combattente della squadra, quello che sarebbe morto sul campo di
battaglia invece di sistemarsi. Con Dio scomparso, la battaglia è
finita e Dean può finalmente riposare.
La vita di Dean in Paradiso, il
destino di Castiel e Jack
Il più delle volte, la morte è solo
l’inizio in Supernatural, e così è anche per Dean
Winchester. Dopo aver ricevuto un funerale da cacciatore a prova di
COVID, Dean appare in Paradiso dove si ricongiunge con Bobby
Singer. Non Apocalypse Bobby. Non Bobby Singer, produttore, regista
e sceneggiatore. Il vero Bobby Singer. In precedenza, il
Paradiso era organizzato in stanze, dove ogni residente viveva i
propri ricordi più cari, ma Bobby rivela che quando Jack è
diventato il nuovo sceriffo della città, sono stati apportati dei
cambiamenti. Innanzitutto, Jack ha fatto evadere Bobby dalla
prigione celeste. Nella stagione 10 di Supernatural, l’anima
di Bobby ha infranto le regole del Paradiso per aiutare Sam e Dean
un’ultima volta, e l’anziano cacciatore è stato visto per l’ultima
volta mentre veniva arrestato da alcuni angeli dall’aria scontrosa.
Presumibilmente per onorare i suoi genitori adottivi, Jack ha
liberato Bobby. Il nuovo Dio ha anche abbattuto le barriere
dell’aldilà. Invece di confinare ogni anima in una stanza
specifica, il Paradiso è ora un gigantesco parco giochi per i
buoni, e Bobby (rilassandosi fuori dall’Harvelle’s Roadhouse)
rivela che Rufus vive proprio in fondo alla strada… così come una
certa coppia di nome Mary e John Winchester.
Sebbene Castiel non compaia
nell’episodio finale di Supernatural (una decisione presa,
si spera, a causa delle restrizioni COVID e nient’altro), Bobby
rivela un destino promettente per l’angelo preferito dei
Winchester. Castiel è stato assorbito dal Vuoto diversi episodi
prima, ma Bobby sostiene che l’angelo abbia dato una mano a Jack a
riformare il Paradiso. Ciò implica che Castiel sia stato liberato
dalla sostanza nera e che ora gli sia permesso di camminare in
Paradiso come angelo libero. Il pubblico può solo supporre che
Castiel alla fine si sia riunito con i fratelli Winchester, forse
abbia seguito i suoi sentimenti per Dean, e che tutti abbiano
vissuto felici e contenti.
Dopo la sua chiacchierata con
Bobby, la prima cosa che Dean fa è bere della birra, guidare la sua
auto e ascoltare i Kansas. Non è chiaro quanto duri il viaggio di
Dean, ma presto viene raggiunto da un volto familiare…
La vita di Sam Winchester dopo
Dean
Sam Winchester è sempre stato il
fratello che immaginava una vita al di fuori della caccia: quello
che è andato al college, ha avuto una ragazza stabile e mangiava le
verdure. È forse appropriato, quindi, che Sam abbia il finale più
felice dei due fratelli Winchester. Quando un Winchester è morto in
Supernatural (e gli esempi non mancano), il fratello
sopravvissuto ha quasi sempre trovato un modo per riportare in vita
l’altro, tanta è la loro devozione reciproca. Quando Dean muore in
“Carry On”, chiede a Sam di non intraprendere quella strada oscura,
riferendosi a tutti i problemi che le loro resurrezioni hanno
causato in passato. A differenza delle stagioni precedenti, Sam
accetta e mantiene la promessa. Questo potrebbe riflettere quanto i
fratelli Winchester siano cresciuti durante le loro avventure.
D’altra parte, forse la presenza di Jack e l’apparente mancanza di
cattivi importanti nel futuro della Terra significa che Sam non ha
mai trovato una ragione giustificabile per riportare in vita
Dean.
In lutto per la perdita del
fratello, Sam Winchester si ritrova solo nel bunker (almeno Miracle
è ancora lì), ma dopo aver ricevuto una richiesta di aiuto da Donna
Hanscum delle Wayward Sisters, Sam decide di riprendere a cacciare
come lupo solitario. Ma la caccia era sempre stata il sogno di
Dean, mentre Sam aveva aspirazioni più ampie.
Fortunatamente, il giovane
Winchester riesce a conciliare con successo una vita familiare
rosea con i suoi doveri di cacciatore di mostri. Mentre Dean guida
l’Impala attraverso le radure canadesi del Paradiso, Sam ha un
figlio, che chiama naturalmente come il fratello defunto. Sam
costringe anche il bambino a indossare un paio di orribili
salopette con il suo nome stampato sopra. Man mano che Dean Jr.
cresce, viene rivelata la vita familiare di Sam. Anche se il
pubblico non vede chiaramente la signora Winchester (ancora una
volta, questo è presumibilmente dovuto alle regole COVID), è lecito
supporre che Sam abbia sposato Eileen, la collega cacciatrice con
cui ha avuto una relazione durante l’ultima stagione di
Supernatural.
Quando Dean Jr. raggiunge
l’adolescenza, Sam non è invecchiato di un giorno, ma la clip
successiva nel montaggio finale di “Carry On” fa avanzare
ulteriormente la linea temporale. Un Sam ormai grigio, con cardigan
e occhiali (come altro potremmo sapere che è vecchio?), condivide
un emozionante ricongiungimento con l’Impala, che è stata
conservata in un garage per tutti questi anni. Alla fine, il
vecchio Sam muore con il figlio adulto al suo capezzale. La
telecamera indugia su un tatuaggio sul braccio di Dean Jr., che
conferma che la stirpe dei cacciatori è continuata nella
generazione successiva. Sembra che Sam ed Eileen abbiano continuato
a cacciare mostri e abbiano cresciuto il loro figlio nell’attività
di famiglia. Per pura coincidenza, le ultime parole di Dean Jr. a
Sam sono le stesse che Sam ha detto a Dean all’inizio
dell’episodio, accompagnandolo nell’aldilà.
Nella scena finale di
Supernatural, Sam e Dean Winchester si riuniscono in
Paradiso. Per Sam sono passati decenni da quando ha visto suo
fratello maggiore, ma non è chiaro come sia trascorso il tempo dal
punto di vista di Dean. Bobby ha affermato che il tempo funziona in
modo diverso in Paradiso, e il viaggio di Dean con la sua Impala si
intreccia con il montaggio della vita di Sam, con i fratelli che si
incontrano di nuovo quando Dean finalmente parcheggia.
I finali delle serie TV sono
intrinsecamente complicati, ed è chiaro che il finale di
Supernatural è più vicino a quello di Game of
Thrones che a quello di Breaking Bad nella mente dei fan. Si possono certamente
mettere in discussione alcune delle decisioni creative prese in
“Carry On” e, anche tenendo conto delle restrizioni dovute al
COVID-19, il finale di stagione di Supernatural è
stato in alcuni punti insoddisfacente. Una cosa che non può essere
messa in discussione, tuttavia, è l’intesa tra
Jensen Ackles e Jared Padalecki. Il duo protagonista
di Supernatural ha sostenuto la serie nei momenti difficili
e nelle trame poco ispirate, e il loro rapporto è sempre stato il
cuore pulsante della serie. È forse appropriato che in un finale
controverso, Sam e Dean Winchester corrano in soccorso di
Supernatural un’ultima volta nell’episodio
finale.
Ian McKellen e Tramell
Tillman sono pronti a unirsi al cast di Ebenezer:
A Christmas Carol, la nuova versione del classico romanzo
di Charles Dickens prodotta da Paramount e
Ti West – quest’ultimo anche alla regia -, con
Johnny Depp nel ruolo del protagonista. Anche
Andrea Riseborough ha firmato il contratto, e
lo studio ha fissato la data di uscita del film per il 13 novembre
2026. La sceneggiatura è stata scritta da Nathaniel
Halpern, mentre la produzione è di Emma
Watts.
Il classico racconto di Dickens è
stato più volte rivisitato nel corso degli anni con la sua storia
di un anziano avaro visitato dal fantasma del suo ex socio in
affari e dagli spiriti del Natale passato, del Natale presente e
del Natale futuro. Questo è anche il secondo film tratto da A
Christmas Carol annunciato quest’anno, dopo che la Warner Bros
ha avviato lo sviluppo di un adattamento di Robert
Eggers con Willem Dafoe nel ruolo di Scrooge.
La versione di Depp, un’emozionante
storia di fantasmi ambientata nella Londra di Dickens, segue il
viaggio soprannaturale di un uomo che affronta il suo passato,
presente e futuro e lotta per una seconda possibilità. Sebbene non
sia stato confermato, fonti dicono che Tramell
Tillman interpreterà il Fantasma del Natale Presente,
mentre non si sa chi interpreterà Ian
McKellen. Stephen Deuters e
Jason Forman sono i produttori esecutivi. Anche
Adam Bohling e David Reid sono
produttori esecutivi.
Dove abbiamo visto di
recente Ian
McKellen e Travis Tillman?
Negli ultimi tempi, l’attore Ian
McKellen ha preso parte a diversi progetti, tra cui il film
drammatico e thriller in costume intitolato Il Critico –
Crimini tra le righe. Prossimamente rivedremo l’attore nel
ruolo di Magneto in Avengers: Doomsday, che segnerà così
il suo ritorno nel mondo dei cinecomic. Inoltre, McKellen ha
confermato di essere stato contattato per riprendere il suo iconico
ruolo di Gandalf nel film in produzione de Il Signore degli
Anelli intitolato The Hunt for Gollum, che dovrebbe uscire nel
2027.
Tillman è reduce dalla sua
acclamata interpretazione nell’ultima stagione di Scissione della Apple, che gli è valsa un Emmy
come miglior attore non protagonista quest’anno. Attualmente è
impegnato nelle riprese di Spider-Man: Brand New Day
della Sony al fianco di Tom
Holland. Recentemente ha terminato le riprese del film
Your Mother Your Mother Your Mother della Amazon MGM
Studios e del film Good Sex di Lena Dunham per Netflix. Questa primavera, Tillman ha recitato al
fianco di Tom
Cruise in Mission: Impossible – The Final
Reckoning, presentato in anteprima mondiale al Festival di Cannes.
Universal ha pubblicato un nuovo
trailer di Five
Nights at Freddy’s 2, a un mese dall’uscita
nelle sale. Diretto da Emma Tammi, il sequel è ambientato un anno
dopo, quando Abby (Piper Rubio) cerca di ricongiungersi con i suoi
amici animatronici. Le preoccupazioni di Mike (Josh
Hutcherson) lo spingono a cercare risposte sulle
origini della Freddy Fazbear’s Pizza.
Secondo la Universal,
l’ultimo trailer offre una panoramica completa degli animatronici e
delle minacce che attendono Mike, Abby e Vanessa (Elizabeth
Lail).
Il filmato si apre con Vanessa che
si sveglia da un incubo e svela una versione più giovane di lei che
scappa e si nasconde da suo padre, William Afton (Matthew Lillard),
indicando che il sequel approfondirà la storia delle origini di
Springtrap.
Il nuovo filmato mostra anche il
ritorno di Lillard nei panni di Springtrap, anche se questo sembra
essere riservato ai flashback a causa del destino del suo
personaggio alla
fine di Five Nights at Freddy’s.
Dopo che Skeet Ulrich di
Scream ha confermato la sua partecipazione a Five Nights
at Freddy’s 2, il trailer rivela finalmente la sua prima
apparizione, apparentemente nei panni di Henry Emily. Mentre Mike
indaga, scopre la verità su ciò che è successo alla sua defunta
figlia dopo aver saputo dei cinque bambini scomparsi.
Henry è un personaggio fondamentale
ma invisibile nella serie di videogiochi originale, che guida i
giocatori tramite cassette che li aiutano a sopravvivere contro gli
animatronici. Era un ex migliore amico di William e co-fondatore
della Fazbear Entertainment.
Con l’ingresso ufficiale di Ulrich
nella serie Five Nights at Freddy’s, si segna la sua reunion
con Lillard dopo che entrambi hanno interpretato il Ghostface
originale. Mentre erano alleati nella serie slasher, la loro
dinamica sembra essere diversa nel sequel di Five Nights at
Freddy’s, dato che Henry è un avversario dell’antagonista di
Lillard.
Il trailer si conclude con uno
sguardo terrificante su una serie di animatronici legati, noti come
animatronici Withered, che iniziano a terrorizzare gli abitanti
della città e Vanessa.
Poiché il trailer suggerisce che il
sequel affronterà il retroscena di Springtrap, ciò significherebbe
che essi sono una parte fondamentale della storia. I Withered
animontronics erano le versioni preesistenti e, a causa del loro
stato, sono stati sostituiti dalle loro controparti attuali in
vista di una grande riapertura.
In un’intervista all’inizio di
quest’anno, Lillard ha rivelato che il team creativo dietro al
sequel “ha imparato la lezione… e ha ascoltato il pubblico”
dopo che il film originale ha ricevuto un’accoglienza mista. Ha
accennato al fatto che il seguito avrebbe avuto più azione e jump
scare.
Il primo film è diventato il film
di maggior incasso della Blumhouse, guadagnando 297,1 milioni di
dollari nonostante le difficoltà causate dalla pandemia. Si prevede
che il sequel avrà lo stesso successo, se non maggiore, continuando
la serie positiva dello studio in quello che è stato un anno
deludente al botteghino.
Five Nights at Freddy’s 2
uscirà nelle sale il 5 dicembre 2025.
Dopo che Skeet Ulrich di
Scream ha confermato la sua partecipazione a Five Nights
at Freddy’s 2, il trailer rivela finalmente la sua prima
apparizione, apparentemente nei panni di Henry Emily. Mentre Mike
indaga, scopre la verità su ciò che è successo alla sua defunta
figlia dopo aver saputo dei cinque bambini scomparsi.
Anche se Buffy the
Vampire Slayer ha un tono completamente diverso, questa serie
cult ha definito il modello del “mostro della settimana”. Ogni
episodio presentava una nuova creatura o minaccia da affrontare, e
questa formula episodica le dava un ritmo irresistibile.
Un altro titolo fantasy
interessante è The Magicians, una serie piena di toni
ironici e surreali, ma con un grande successo di critica: tutte e
cinque le stagioni sono “Certified Fresh” su Rotten
Tomatoes.
Le trasposizioni da
videogiochi al cinema o in TV sono spesso rischiose, ma
Arcane, ispirata all’universo di League of
Legends, è stata un successo totale. La serie animata vanta un
rarissimo 100% su Rotten Tomatoes, superando di gran lunga
The Witcher.
Basata sulla trilogia
Queste oscure materie di Philip Pullman, questa serie è un
altro adattamento letterario di successo. Il suo percorso è stato
inverso a quello di The Witcher: una partenza discreta con
la prima stagione, seguita da un costante miglioramento nei
capitoli successivi.
Nel panorama fantasy
televisivo mancano spesso storie di high fantasy puro,
ambientate in epoche mitiche. Merlin, che rilegge le
leggende arturiane, è un esempio perfetto del genere. Anche se
talvolta un po’ ingenua, ha guadagnato sempre più consensi con il
passare delle stagioni.
Per chi ama il lato più
oscuro e maturo del fantasy, The Sandman è un’ottima
alternativa. Basata sull’omonimo fumetto di Neil Gaiman, la serie
mescola mitologia, filosofia e oscurità gotica, mantenendo un
eccellente 82% su Rotten Tomatoes.
Se si cerca
un’alternativa più vicina al cuore di The Witcher, la
risposta è Castlevania. Anche qui troviamo un cacciatore
di mostri, un’ambientazione gotica e toni da dark fantasy. Ma la
differenza sta nella qualità: Castlevania ha ottenuto
valutazioni altissime, con punte del 100% su Rotten
Tomatoes.
Per chi
apprezza l’umorismo intelligente e il tono ironico che
caratterizzava in parte The Witcher, Good Omens è
un piccolo gioiello. Anche qui troviamo la mano di Neil Gaiman, ma
in una chiave più brillante e surreale.
Infine, nessun elenco di
grandi serie fantasy sarebbe completo senza 
