Il classico horror del 1982 di John Carpenter, La cosa, è uno dei film horror di fantascienza più influenti mai realizzati, e il suo finale è stato oggetto di discussione per decenni. La cosa è senza dubbio un capolavoro cinematografico che rimane culturalmente rilevante anche quattro decenni dopo la sua uscita. Gli effetti speciali realizzati in modo eccellente hanno fatto sì che il suo horror grottesco rimanga potente, con l’impatto del film che si fa sentire ancora molti anni dopo.

La tensione claustrofobica e l’atmosfera inquietante di sfiducia generale si sono rivelate fondamentali per il genere horror, ma hanno anche ispirato una serie di altri film di vari generi. Costruito attorno alla premessa fantascientifica di una terrificante creatura aliena in grado di uccidere, assimilare e imitare perfettamente altre forme di vita, la trama segue il pilota di elicotteri R.J. MacReady (interpretato da Kurt Russell, collaboratore abituale di John Carpenter), che combatte la creatura mentre questa tenta di diffondersi tra i membri di una squadra di ricerca antartica.

La premessa rende la vera natura dei suoi personaggi piuttosto difficile da discernere, in particolare man mano che gli eventi del film seguono il loro corso. Tuttavia, il finale di La cosa, in particolare, è stato oggetto di molti dibattiti nel corso degli anni, poiché continua ad essere sottoposto a regolari analisi e nuove teorie dei fan. Sebbene il finale sia volutamente ambiguo, c’è ancora molto da dire sul film e sulla sua storia. In questo approfondimento, andiamo dunque ad esplorare la conclusione del film e i suoi significati.

Cosa succede nel finale di La cosa

Dopo aver compreso le capacità dell’alieno, gli uomini della base di ricerca iniziano lentamente a rivoltarsi l’uno contro l’altro. Uno dei primi a cedere è Blair, interpretato da Wilford Brimley, che sabota il loro mezzo di trasporto nel tentativo apparente di isolare la Cosa. Mentre la creatura continua a uccidere e ad assimilare gli uomini della base, la loro sfiducia reciproca cresce. Una volta che MacReady escogita un test ingegnoso utilizzando aghi caldi e campioni di sangue per capire chi è infetto, i sopravvissuti rimasti si riducono fino a quando rimangono solo MacReady, Childs (Keith David), Garry (Donald Moffat), Nauls (T.K. Carter) e Blair.

Rendendosi conto troppo tardi che Blair è infetto, gli uomini rimasti tentano di distruggere il campo, ma Garry e Nauls vengono uccisi. MacReady riesce però a uccidere Blair-Cosa e barcolla fuori al freddo, dove incontra Childs. I due uomini si siedono e guardano il campo bruciare, aspettando che il freddo li uccida, sapendo che non c’è modo di fidarsi l’uno dell’altro. Non è chiaro se Childs sia umano o la Cosa, e sebbene il pubblico sappia che MacReady quasi certamente non è infetto, Childs non ha motivo di fidarsi di lui, lasciando il finale di La cosa decisamente aperto.

La natura della Cosa rende impossibile contenerla

Sebbene il finale sia tutt’altro che chiaro, il film offre una visione molto specifica di come opera la creatura del titolo. MacReady elabora la teoria secondo cui una singola cellula è sufficiente per infettare un intero organismo, e il fatto che ogni singola cellula sia una singola Cosa sembra dimostrarsi vero durante il suo test. Questo sembra consentire a MacReady di identificare gli uomini infetti e quelli non infetti, ma contribuisce anche a descrivere quanto sia davvero disperata la situazione.

Se l’ipotesi di MacReady è corretta, allora le molteplici morti causate dalla Cosa non fanno che aumentare le possibilità che essa riesca in qualche modo a fuggire. Se davvero ogni goccia di sangue ha il potenziale di fuggire e infettare gli altri, allora il sangue versato in tutta la base potrebbe potenzialmente continuare a diffondersi nel mondo esterno. La Cosa è anche abbastanza senziente da evitare danni, e quindi è improbabile che venga consumata dalle fiamme. I fatti apparentemente concreti dell’esistenza della Cosa dimostrano che, indipendentemente dal finale ambiguo del film, la Cosa sopravviverà senza dubbio.

Childs o MacReady sono infettati dall’alieno?

L’aspetto più dibattuto di La cosa riguarda i suoi due sopravvissuti, MacReady e Childs. Gli eventi del film vedono tutte le altre persone dell’avamposto antartico 31 uccise, e gli ultimi sopravvissuti del film horror si ritrovano in una situazione impossibile, ma praticamente inevitabile, in cui nessuno dei due sa se l’altro è infetto. Ci sono molte teorie su quale dei due uomini possa essere infetto, e ci sono quattro possibili esiti: o solo MacReady o solo Childs sono infetti, entrambi lo sono, o nessuno dei due lo è. Tuttavia, la natura degli eventi precedenti fa sì che nessuno dei due possa essere sicuro che l’altro sia al sicuro. Poiché si segue il punto di vista di MacReady, è improbabile che egli sia stato segretamente assimilato.

Dei due, Childs è molto più probabile che sia stato infettato, ma la natura della Cosa rende impossibile per entrambi fidarsi l’uno dell’altro. Tuttavia, l’ipotesi più probabile è che nessuno dei due sia infetto. L’elemento fantascientifico del film horror descrive in dettaglio le capacità della Cosa: può assimilare rapidamente, ma preferisce farlo senza testimoni per rimanere nascosta. Se Childs o MacReady avessero voluto infettare l’altro, sarebbe stato relativamente semplice e non ci sarebbero stati testimoni che li denunciassero come impostori, rendendo probabile, ma non certo, che nessuno dei due fosse stato infettato. Indipendentemente da ciò, quell’incertezza che porta alla sfiducia è esattamente il punto centrale della scena finale.

La cosa parla di fiducia e paranoia

In definitiva, i temi principali del film riguardano la paranoia e la sfiducia. La Cosa che si infiltra tra gli uomini è sufficiente a seminare il conflitto tra loro e, una volta che si rivoltano l’uno contro l’altro, la creatura si nutre della sfiducia che ne deriva. Non appena la Cosa-Cane si rivela, essa consolida il suo dominio sui ricercatori antartici, perché quando questi ultimi cominciano a comprendere la loro situazione, diventano ostili. La paranoia che questo provoca si diffonde molto più rapidamente di quanto la Cosa riesca a infettare gli uomini, ma alla fine è proprio quella paranoia che li isola e permette alla Cosa di eliminarli uno ad uno.

Anche la fiducia gioca un ruolo importante nella storia di La cosa. È tutta una questione di fiducia, o meglio di mancanza di fiducia, che porta MacReady e Childs a morire congelati. La fiducia è ciò che la Cosa cerca maggiormente di ottenere dai non infetti, poiché permette alla creatura di assimilare le sue vittime senza che queste se ne accorgano. La sfiducia reciproca di MacReady e Childs è in definitiva ciò che li mantiene in vita per tutto il film, anche se è anche ciò che causerà la loro morte.

Il vero significato del finale di La cosa

Il finale di La cosa di John Carpenter è famoso per la sua ambiguità, ma è proprio questo il punto. Il fatto che sia impossibile distinguere l’uomo dalla Cosa è centrale nella trama del film, e il finale sfida il pubblico a mettersi nei panni di MacReady e Childs. Sebbene sia possibile valutare e misurare la probabilità che uno dei due sia infetto, la risposta definitiva è che è impossibile saperlo, ed è proprio questo che passa per la mente di MacReady e Childs. Poiché nessuno dei due può fidarsi completamente dell’altro, accettano che l’unico modo per risolvere la situazione sia “aspettare e vedere”, sapendo che ciò significherà morire congelati entrambi.

Qui sta l’altro significato del finale di La cosa. Indipendentemente dal fatto che i personaggi di Keith David o Kurt Russell siano effettivamente infetti, il punto è che la Cosa vince. Quando si arriva alla prova finale, nessuno dei due è in grado di prendere una posizione precisa, e l’unica linea d’azione logica è lasciare che il freddo li uccida entrambi. Ciò significa che se uno dei due è infetto, o se la Cosa di sangue o altre cellule sono sopravvissute, l’organismo alieno rimarrà congelato e sopravviverà per diffondersi in un secondo momento. In definitiva, la lotta di MacReady è stata del tutto inutile, poiché il finale di La cosa dimostra che la creatura ha vinto.

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Il fornaio, un film drammatico d’azione, racconta la storia di un uomo anziano apparentemente normale, il cui momentaneo lavoro di babysitter con la nipote si trasforma in una ricerca letale dopo la misteriosa scomparsa del figlio. Il proprietario della pasticceria Pappi’s Bake Shop, solitamente conosciuto come Pappi stesso, si trova in difficoltà dopo che il figlio lontano, Peter, gli lascia la figlia, Delphi, per occuparsi di alcuni suoi loschi affari. Quando Peter non torna dalla figlia, la strana coppia nonno-nipote si imbarca nell’avventura della vita.

Con una flotta di gangster alle spalle e un pericoloso signore della droga che vuole il sangue di Pappi, il panettiere deve rinfrescare alcune delle sue vecchie abilità per garantire la sicurezza della sua famiglia. Il film, ricco di azione e di dinamiche familiari avvincenti, anche se complicate, è un’avvincente storia sull’improbabile legame tra un vecchio perennemente scontroso e una giovane bambina mite ma spontanea. Per questo motivo, gli spettatori possono ben essere curiosi di vedere dove porterà questa bizzarra avventura.

La trama di Il fornaio

Per Peter, proprietario di una piccola compagnia di limousine, il viaggio verso l’aeroporto doveva essere un semplice pick-up. Tuttavia, dopo che un ritardo rimanda l’uomo al parcheggio sotterraneo, assiste a una scena incredibile. Mentre l’autista si nasconde nell’ombra, nel parcheggio avviene una consegna di droga, interrotta da una banda rivale. Di conseguenza, le due bande si uccidono a vicenda, lasciando incustodito un borsone pieno di droga, di cui Peter può approfittare. In una frazione di secondo, l’uomo prende una decisione. Di conseguenza, dopo aver rubato il borsone, scappa dalla città con la figlia piccola.

Il padre e la figlia arrivano alla pasticceria Pappi (Ron Perlman), di proprietà del padre di Peter. Anche se i due non sono in contatto da anni e Pappi ignora completamente l’esistenza di sua nipote Delphi, Peter lo convince a prendersi cura della ragazza. Con la promessa di un ritorno sicuro dopo una telefonata sospetta sullo spostamento della sua “scorta”, Peter torna a casa sua per un lucroso scambio con il suo spacciatore, Milky. Tuttavia, un destino diverso lo attende a casa sotto forma di uomini armati che lavorano per il Mercante, un temuto signore della droga locale.

Sebbene Peter tenti di restituirgli la droga in cambio della sua vita, ben presto si rende conto che Delphi ha scambiato il contenuto del borsone con il suo zaino scolastico in preda alla rabbia. Quando i gangster se ne accorgono, picchiano Peter. L’uomo riesce a telefonare a Pappi come ultima risorsa per chiedergli di prendersi cura di sua figlia, prima che il panettiere senta degli spari dall’altra linea del telefono. Di conseguenza, dopo un giorno di inizio difficile con la ragazza che ricorda tanto a Pappi il suo bambino, il fornaio arriva alla stazione di polizia con Dephi per sporgere denuncia.

Tuttavia, la stessa non porta a nessuna soluzione, poiché Pappi conosce a malapena la vita di Peter per presentare una denuncia coesa. Di conseguenza, prende in mano la situazione e inizia un’indagine privata. Non avendo nessun altro che si occupi della piccola Delphi, il cui trauma passato l’ha resa selettivamente muta, il fornaio la lascia venire con sé. Il duo compie alcuni viaggi e scopre che le bustine rosa contenute nella borsa di Delfi sono una droga molto ricercata nota come Nova o Rosa. A sua volta, la notizia di un vecchio ma abile combattente alla ricerca del figlio giunge al Mercante, che lo costringe a fare pressione sul suo braccio destro, Victor, affinché risolva il problema di Peter.

Nel frattempo, Pappi e Delphi, che avevano iniziato la loro conoscenza in guardia, cominciano a scaldarsi l’uno con l’altro. Dopo alcuni incontri più violenti con spacciatori e simili, Pappi arriva in un club che ha legami con il famigerato Mercante, responsabile della scomparsa del figlio. Tuttavia, all’interno del locale, la sfortuna lo attende dopo che un alterco con lo scagnozzo del boss lascia a Pappi la consapevolezza della fatale scomparsa del figlio. La notizia è ancora più pesante per Delphi, che è distrutta per aver perso ogni speranza di ricongiungersi al padre. Ciononostante, Pappi conforta la bambina. Il giorno dopo, i due lasciano l’albergo per tornare alle loro vite.

Tuttavia, gli uomini del Mercante, attirati da una redditizia taglia sulla testa di Pappi, tendono loro un’imboscata, dando vita a una lotta che lascia il fornaio gravemente ferito. Sebbene la prontezza di riflessi di Delphi permetta a Pappi di ricevere i soccorsi di cui ha bisogno, i loro inseguitori rintracciano il duo anche in ospedale. Dopo essere scampato a un’altra esperienza di quasi morte, Pappi decide di porre fine ai giochi del Mercante e organizza un incontro con Victor.

Il finale di Il fornaio

Anche se Pappi ha sentito il rumore degli spari durante l’ultima telefonata con Peter, l’anziano si è aggrappato alla speranza che suo figlio potesse essere ancora vivo. Allo stesso modo, disse alla bambina di gestire le sue aspettative senza schiacciare il suo spirito. Tuttavia, la speranza di Pappi si azzera quando riceve la conferma della morte di Peter da qualcuno che sostiene di averlo seppellito. Pappi sperava che il Mercante avesse tenuto in vita il figlio per usarlo come riscatto. Tuttavia, sapeva quanto fosse improbabile un simile scenario. Pertanto, quando gli scagnozzi del gangster confermano la morte di Pietro, il fornaio non ha motivo di mettere in dubbio la sua onestà.

Tuttavia, la stessa cosa non segna l’uscita del nonno-nipote dal mondo criminale. Il Mercante è ancora alla ricerca della droga Nova, deciso a procurarsi i beni perduti. Per lo stesso motivo, Victor si rifiuta di mollare la presa e continua a mandare aggressori contro Pappi. Dopo l’attentato all’ospedale, Pappi compie una scelta difficile e decide di portare a termine la missione. Di conseguenza, usa il telefono di uno degli scagnozzi di Victor per organizzare un incontro con l’uomo e lo prende prontamente in ostaggio. La narrazione mantiene una certa distanza dal passato di Pappi, evitando di rivelare la maggior parte dei dettagli.

Tuttavia, i flashback e i commenti di circostanza rendono evidente che il panettiere nasconde un passato raccapricciante che gli procura ancora incubi di routine. Di conseguenza, Pappi ha anche le capacità per sostenere il suo passato faticoso e misterioso, come testimoniano i suoi precedenti alterchi. Per questo motivo, riesce a rapire facilmente Victor e lo costringe a guidare fino al luogo in cui ha seppellito il figlio del fornaio. Una volta che Victor, Pappi e Delphi arrivano all’ingresso del fitto bosco minaccioso dove il gangster conferma che si trova il corpo di Peter, Pappi lascia il nipote in macchina per risolvere la questione di Victor.

Nella foresta, Pappi scopre e riconosce il corpo semisepolto di Peter. Di conseguenza, decide di uccidere Victor per vendicare il figlio. Sorprendentemente, Victor, la cui coscienza lo tormenta da giorni per aver reso orfano un bambino, accoglie il giudizio finale di Pappi e implora la sua morte. In preda alla rabbia, Pappi lascia che il proiettile lo manchi. Tuttavia, il rumore dello sparo attira Delphi nella foresta, dove assiste all’orribile scena. Al contrario, Pappi vede Peter nella sagoma della figlia, ricordando un tempo prima che Peter crescesse e iniziasse a detestarlo, probabilmente per il suo passato violento. Sceglie quindi di liberarsi del suo passato e di abbracciare un futuro migliore.

Chi uccide il Mercante?

Dopo che Pappi permette a Victor di vivere, lasciandosi alle spalle la sua vita violenta con Delphi al suo fianco, decide di affrontare il loro avversario, il Mercante, in un confronto diretto. Nel corso del film, la narrazione accenna solo alla vecchia vita di Pappi come Donald Gilroy. Così, anche se sappiamo che alcuni incidenti si sono conclusi con l’inscenamento della sua morte decenni fa, la natura della sua professione passata rimane sconosciuta. Per lo stesso motivo, è un po’ uno shock quando il confronto tra Pappi e il Mercante rivela che i due uomini si conoscevano già.

Anche se tra i due si respira un’aria tesa, è chiaro che il signore della droga rispetta, o almeno teme, la presenza di Pappi nonostante la sua scomparsa da anni. Di conseguenza, il Mercante accetta di liberare lui e sua nipote dopo che Pappi gli avrà restituito la droga Nova. Così, alla fine, Pappi si trova in un aeroporto con Delphi, una famiglia di due persone che si prepara a imbarcarsi su un volo. Anche se uccidere il Mercante avrebbe portato una momentanea soddisfazione a Pappi, egli si rende conto del circolo di violenza che un’azione del genere avrebbe scatenato. Pertanto, non vuole commettere gli stessi errori che ha commesso con Peter e perdere Delphi non riuscendo a tenerla al sicuro.

Tuttavia, la scena finale del film, in cui una figura senza volto trova il Mercante e gli spara a bruciapelo, lascia un quadro sconcertante al pubblico. Pappi emerge come l’ovvio sospettato dell’omicidio, data la presenza contrapposta del fornaio e del Mercante nella storia. Tuttavia, Pappi ha permesso a Victor, l’uomo che ha premuto il grilletto contro suo figlio, di sfuggire alla morte. Per lo stesso motivo, non avrebbe senso che l’uomo scegliesse la violenza contro il Mercante mentre Victor vive. Inoltre, a prescindere dalla debolezza personale del Mercante, il suo cartello della droga rappresenterà sicuramente un problema pericoloso per Pappi, che non vorrebbe mettere Delphi in una situazione simile.

Pertanto, sembra probabile che Pappi non uccida il Mercante. Il Mercante, invece, probabilmente incontrerà la sua fine per mano di Victor, il suo fidato dipendente. Per tutto il film, il signore della droga tratta Victor con disgusto e mancanza di rispetto, ricordandogli spesso la sua inferiorità perché non è della famiglia. Così, Victor, che poco prima aveva abbracciato la morte per poi esserne derubato, avrebbe potuto facilmente incanalare le sue frustrazioni verso l’uomo responsabile delle sue azioni immorali. In definitiva, è possibile che sia Victor a sparare al Mercante.

Come il suo predecessore, Omicidi a Mystery Island, anche il suo sequel Omidici a Mystery Island – Il vincitore prende tutto – diretto da Steven R. Monroe – segue lo stesso schema e ripropone i personaggi della psichiatra Emilia e del detective della polizia Trent. Ma non c’è problema se non si è visto il film precedente. Questo sequel ha infatti diversi elementi d’autonomia, ispirato all’autonomo Glass Onion: A Knives Out Mystery di Rian Johnson, a sua volta sequel autonomo di Cena con delitto – Knives Out.

Omidici a Mystery Island – Il vincitore prende tutto è dunque esattamente come tutti i film di questo genere: leggermente divertente, qualcosa che si può guardare durante la cena e per cui non si deve prestare poi molta attenzione. La trama, tuttavia, è ancora una volta inutilmente complicata, e in questo articolo andremo dunque ad esplorare i principali snodi narrativi e a fornire una spiegazione della conclusione del racconto.

Cosa succede nel film?

Janey Fredricks, COO di Mystery Island, propone l’idea di sviluppare un gioco di mistero e omicidio, in cui il vincitore ottiene un enorme premio in denaro. Per sviluppare il gioco, recluta i protagonisti, Emilia e Trent, che sono chiaramente attratti l’uno dall’altra, ma la storia d’amore non decolla mai, almeno in questo film. Il gioco dovrebbe salvare un’isola misteriosa dall’essere conquistata dal gruppo Daveron. Una volta che Emilia e Trent hanno preparato il gioco, arrivano i partecipanti: il detective di New York Bobby e suo fratello Davis, che lavora nella finanza; la podcaster Alice e sua zia Louise, che è una banchiera d’investimento.

Vi è poi la famosa scrittrice di romanzi gialli Casey Cornwall, alias CC, e suo marito Ted; e, ultimo ma non meno importante, la stessa COO Janey con il suo nuovo fidanzato James, un uomo d’affari del Texas. Tuttavia, James è in realtà un attore ed è stato inserito nel gioco da Emilia e Trent; anche Janey è coinvolta. Nessuno avrebbe mai immaginato che i due avessero una vera relazione sentimentale, anche se Emilia (e più tardi anche Alice) è abbastanza intelligente da capirlo.

Il CEO Fredricks gestisce il gioco, ma Emilia nota che l’uomo, che indossa una benda da pirata sull’occhio ed è insolitamente ansioso. Lo vede anche litigare con CC e poi parlare segretamente con Louis. Il gioco inizia come previsto: qualcuno verrà ucciso, e dovrà essere James. Secondo la trama prestabilita, l’uomo vuole conquistare Mystery Island, ed è per questo che ha preso in giro Janey, ma alla fine è stato superato in astuzia da lei. Proprio quando James inizia a fingere di soffocare con il suo drink, fuori dalla villa avviene un’esplosione che uccide Fredricks. Questo non faceva parte del gioco, quindi ora Trent ed Emilia devono scoprire sia il “chi” che il “perché” dietro al crimine.

Chi sono i sospettati?

Praticamente tutti, tranne Emilia e Trent, che provengono dal film originale e quindi sono intoccabili. L’indagine prosegue, come in ogni film poliziesco. Bobby vuole prendere il controllo della situazione ostentando la sua autorità di poliziotto, ma Trent non glielo permette, dato che è lui il poliziotto interno. È anche una buona decisione, dato che Bobby non è proprio pulito: ha preso soldi dalla famiglia Torino, che è in combutta con il gruppo Daveron (ma Bobby non lo sa). Nel frattempo, si scopre che CC aveva un accordo con Fredericks, che apparentemente vendeva molte delle trame di John Murtaugh (l’uomo che ha creato Mystery Island) per la trama del suo romanzo.

Naturalmente, se Fredricks l’avesse mai smascherata, la carriera della scrittrice sarebbe andata in pezzi, il che significa che anche lei aveva un movente. Louis, d’altra parte, aveva avuto una relazione sentimentale con Fredricks anni fa, quando lavoravano insieme su una nave da crociera. Si erano recentemente ritrovati e Fredricks aveva deciso di lasciare Mystery Island dopo la fine del gioco. Ha anche rivelato il risultato del gioco – Janey è l’assassina – a Louis, grazie al quale Alice conosce già il risultato. Tornando a Bobby, si scopre che aveva piazzato dispositivi di ascolto ovunque per capire il gioco. Ma il suo improvviso suicidio, insieme a una confessione che lo coinvolge, conferma che il vero assassino lo ha raggiunto.

Chi ha davvero ucciso Fredricks?

Prima di morire, Fredricks ha detto a Trent la parola “arresto”. Chiaramente, si riferiva a qualcosa di diverso da quello che sembrava. L’‘arresto’ è in realtà “Oreste”, una famosa tragedia greca in cui il protagonista uccide sua madre per vendicare suo padre. Il motivo per cui Fredricks ha deciso di pronunciare questo nome prima di morire era che voleva dare a Trent un indizio su chi potesse esserci dietro la sua morte. Quello che non riesco a capire è perché non abbia scelto un nome semplice come “James”. Certo, stiamo parlando dell’amministratore delegato di Mystery Island, che aveva un debole per creare (e risolvere) enigmi, ma comunque questo non ha molto senso.

Fortunatamente per Fredricks, Trent è abbastanza intelligente da capirlo. James è davvero l’assassino sia di Fredricks che di Bobby. Ha anche ucciso l’ex mentore di Trent e Bobby, un detective di nome Ruiz: Trent era venuto sull’isola proprio per risolvere il caso dell’omicidio di Ruiz. James aveva ucciso Ruiz perché il detective aveva arrestato suo padre. Il padre di James non era esattamente una persona perbene, ma questo non ha impedito al figlio di vendicare la sua morte.

Perché James ha ucciso Fredericks?

Sulla stessa nave da crociera dove Fredricks aveva incontrato Louise tanti anni prima, James ha commesso un omicidio. Fredricks ne è stato testimone e ha riconosciuto James quando è andato ad assumerlo come attore. Ma Fredricks ha deciso di ricattare James affinché recitasse la sua parte per far andare il gioco a suo favore, o meglio, a favore di Louise. Devo dire che il mistero qui è piuttosto esagerato e alla fine ci si sente gonfi, il che chiaramente non è una bella sensazione.

Ad ogni modo, James ha ucciso sia Fredricks che Bobby, poiché aveva intenzione di incastrare quest’ultimo per l’omicidio precedente. Tuttavia, sostiene che il suo amore per Janey è sincero. Omidici a Mystery Island – Il vincitore prende tutto si conclude con Janey che chiede a Emilia di scrivere un libro su tutta la vicenda, cosa che lei accetta di fare. Non ci sono indicazioni su un terzo film, ma ciò non significa che non lo faranno in futuro.

Delirium è un film horror psicologico del 2018 con Topher Grace nel ruolo di Tommy Walker, un giovane appena uscito da un istituto psichiatrico dopo 20 anni. La causa della malattia mentale di Tommy risale a un trauma infantile, quando suo fratello maggiore Alex (Callan Mulvey) annegò una compagna di classe e lo costrinse ad assistere. Tormentato da allucinazioni e deliri, la salute mentale di Tommy è ulteriormente compromessa quando suo padre, il senatore Walker (Robin Thomas), con cui non ha rapporti, si suicida pochi giorni prima del suo rilascio. Ora, con la madre che ha abbandonato la famiglia anni fa e il fratello in prigione, è completamente solo.

Come parte della sua libertà vigilata iniziale, Tommy deve vivere nella tenuta di famiglia per 30 giorni, presentarsi al suo agente di custodia Brody (Patricia Clarkson) e verificare di essere a casa tramite un telefono con fotocamera. Mentre cerca di riadattarsi alle nuove circostanze, la sua unica tregua arriva sotto forma di una dipendente del supermercato di nome Lynn (Genesis Rodriguez) che gli consegna la spesa e si interessa alla sua vita.

Dato lo stato mentale instabile di Tommy, sia il pubblico che Tommy stesso si chiedono costantemente se ciò che vediamo in “Delirium” sia reale o un’illusione nella sua testa. Mentre strani eventi e circostanze bizzarre si intensificano nella casa, vengono rivelati oscuri segreti di famiglia e Tommy è costretto a confrontarsi con il suo passato traumatico… ma qual è esattamente la verità?

La casa della famiglia Walker è una rappresentazione fisica del trauma psicologico di Tommy

Che sia reale o immaginaria, la casa della famiglia Walker è innegabilmente piena di ricordi traumatici e irrisolti. Per Tommy Walker, ogni spazio occupa un certo sentimento e un certo ricordo, e attraverso la casa stiamo facendo un tour della sua psiche. All’arrivo, inizialmente si ritira nella sua camera da letto d’infanzia per rivivere i ricordi più felici della sua infanzia, disponendo poster e giocattoli. Questo è indicativo del suo attuale sviluppo infantile, che semplicemente non ha gli strumenti emotivi per affrontare la sua sofferenza.

Tuttavia, quando la casa inizia a rivelare le sue tendenze squilibrate e le sue pratiche malsane, Tommy non può più continuare a negare la verità. Tormentato sia dalle azioni passate di suo fratello, sia dalla sua stessa inazione durante l’omicidio, è costretto ad affrontare la propria negligenza nel crimine. Le circostanze lo trascinano sempre più a fondo, e alla fine scende nelle profondità delle segrete della tenuta. Lì affronta le atrocità del suo passato e, abbracciando questi orrori, riesce a lottare con i propri demoni interiori, permettendo alla sua vita di andare avanti.

Spioncini e telecamere nascoste rivelano la compulsione del padre di Tommy a “guardare”

Le allucinazioni di Tommy Walker sono quasi un modo per proteggersi inconsciamente mentre affronta le sue ferite interiori represse. Ad esempio, le visioni della ragazza che annega nella piscina lo avvisano del tentativo di suo fratello di sigillarlo nella piscina, e la presenza del cane di suo padre che attacca un cadavere allude alla vera natura nascosta del senatore.

Dopo essere stato costretto ad assistere a un omicidio, mentre era impotente e ammanettato, Tommy è tormentato da ciò che non può essere ignorato. Lo confida a Lynn dicendo: “Non ho potuto fare altro che guardare quel giorno”. Questo è in netto contrasto con suo padre, come vediamo quando Tommy si imbatte in numerosi oggetti nella casa che insinuano la preferenza del senatore Walker di spiare gli altri.

Ci sono dispositivi evidenti, tra cui una porta nascosta che conduce a spioncini in ogni stanza della casa, nonché attrezzature di ripresa nascoste dietro specchi bidirezionali. Tuttavia, altri indizi più sottili includono un cucciolo di peluche con un’etichetta che recita: “Per vegliare su di te, con amore, papà”. Queste rivelazioni aiutano Tommy a smettere di desiderare l’approvazione di suo padre e a guardare l’uomo profondamente contorto e imperfetto che si nasconde dietro.

Alex considera suo fratello il suo vero partner, mentre Tommy fa del suo meglio per reagire

Dopo essere evaso dal carcere, il fratello di Tommy, Alex, lo incoraggia a testimoniare ulteriori atti di violenza, riferendosi a lui come “il mio piccolo guardone”. Quando si prepara ad uccidere Lynn, esclama addirittura: “Ho bisogno del mio piccolo guardone e tu hai bisogno di me!”. Proprio come suo padre che amava guardare, sembra che Alex ami essere guardato da suo fratello, come una sorta di affermazione del loro legame. Li considera due parti di un tutto, dichiarando durante quell’omicidio iniziale: “Sto solo facendo quello che tu non hai potuto fare. A volte ci vogliono due uomini per fare un fratello”.

Anche Tommy nutre timori riguardo ai propri demoni interiori. Quando guarda attraverso i fori spia installati dal padre, vede chiaramente il proprio volto che lo fissa. La seconda volta, è Alex a guardarlo. Alla fine, però, vediamo che i due uomini non hanno nulla in comune in termini di desideri, temperamento e obiettivi. Alex è interessato solo al denaro nascosto di suo padre e quando trovano la madre emaciata incatenata nel seminterrato, Tommy la conforta con amore, mentre Alex la rifiuta apertamente e le spara.

Sebbene possano condividere lo stesso sangue, non c’è alcuna giustificazione per equiparare la loro moralità, rettitudine o etica, cosa che Tommy finalmente capisce nel suo rifiuto finale di Alex, quando lo fa annegare.

Una lingua mozzata in un barattolo simboleggia il desiderio di parlare senza la capacità di farlo

La scelta di Tommy di rimanere in silenzio dopo il crimine di Alex è un peso enorme da portare. Se avesse fatto sapere a qualcuno ciò che suo fratello aveva fatto, Alex potrebbe non essere stato in grado di uccidere una seconda donna. Allo stesso modo, Lynn si sente impotente nel non poter parlare degli abusi che ha subito al liceo. La maggior parte di noi si rifiuta, o non è in grado, di parlare quando sa che dovrebbe farlo, e l’immagine più viscerale di questo concetto è una lingua mozzata in un barattolo.

Dopo aver trovato il barattolo, Tommy inizialmente pensa che sia un’allucinazione, ma in seguito rimane inorridito quando si rende conto che è reale. Alla fine scopriamo che il padre di Tommy ha tagliato la lingua a sua madre e l’ha rinchiusa in una gabbia nel seminterrato della casa. Questa rivelazione è anticipata nel video del suicidio del padre, in cui egli si lamenta che sua moglie ha iniziato a “rispondere” a lui. Ma forse la consapevolezza più straziante è che quelle telefonate incomprensibili che Tommy continuava a ricevere in casa erano le disperate richieste di aiuto di sua madre.

Vediamo Tommy rompere questo ciclo di silenzio quando Lynn viene aggredita. Si precipita ad aiutarla quando viene notato da Brody, ma anche l’agente di custodia viene zittito per sempre quando Alex le taglia la gola. Con Lynn in pericolo, Tommy continua a gridare, lottare, allertare la polizia e persino strappare le sue catene dal muro, rifiutandosi di essere un pubblico silenzioso e complice di un altro omicidio.

Dopo aver riconciliato i suoi demoni interiori, Tommy finalmente prende possesso della casa e, per estensione, un maggiore controllo sulla sua malattia mentale.

Che ciò a cui abbiamo assistito in Delirium sia reale o meno, la cosa più importante è che quando Tommy Walker esce dalla sua casa, ha affrontato e combattuto i suoi demoni più profondi ed è sopravvissuto alla prova. In precedenza aveva affermato di sapere che non poteva cambiare il passato, ma andando avanti, aveva deciso di “fare le scelte migliori che potevo, da quel momento in poi”. E quando gli viene data l’opportunità, è esattamente ciò che fa.

Dimostra a se stesso che, se si trovasse nella stessa situazione da adulto, agirebbe in modo diverso e farebbe tutto il possibile per salvare una vittima. Non idolatra più suo padre, né cerca disperatamente la sua approvazione. Inoltre, sapere quanto sua madre lo amasse e che non lo aveva mai abbandonato gli dà la chiusura di cui aveva bisogno.

Alla fine di Deliriumun agente di polizia chiede a Tommy se la casa è sua, e lui risponde: “Adesso sì”. Che la casa rappresentasse il benessere psicologico di Tommy o che fosse solo una casa, una cosa è chiara: ora ha preso possesso della sua vita, della sua mente… e della sua casa.

“Tom e Daisy erano persone incuranti. Distruggevano cose e persone, per poi rifugiarsi nel loro denaro e nella loro immensa incuria”, afferma Nick Carraway in Il grande Gatsby (qui la recensione) Il film si conclude con una nota cupa, come tutte le grandi storie d’amore, ma con una piccola differenza rispetto alle tragiche storie d’amore cliché: l’eroe muore da solo. “Da solo”: il termine più controverso quando viene associato all’amore. Se sei solo, molto probabilmente le persone presumono che tu non sia innamorato. Se sei solo, probabilmente stai cercando di proteggerti dall’amore o sei alla disperata ricerca dell’amore. Inoltre, se sei solo, probabilmente stai aspettando che arrivi l’amore che hai perso da tempo o quello che desideri incontrare.

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Chi è Jay Gatsby?

Jay Gatsby è un mito avvolto nel mistero e avvolto nella stravaganza. Vive in un castello, organizza feste folli e, ovviamente, guadagna un sacco di soldi. Tutti lo conoscono, ma a nessuno interessa davvero sapere chi sia. La gente viene alle sue feste senza essere invitata, saccheggia le sue ricchezze e lascia il posto sporco e inventa storie false su di lui. La gente ama i miti e le leggende e non cerca mai di sfatare l’enigma associato al nome “Jay Gatsby”. Il grande Gatsby descrive il costante scontro tra fantasia e realtà. La fantasia di chi sia Gatsby e l’ignoranza della sua realtà. La fantasia in cui Gatsby viveva e per cui viveva e la realtà da cui Daisy voleva fuggire.

La fantasia dell’amore e la realtà della scelta. Gatsby viveva credendo di essere il figlio di Dio, destinato alla gloria futura. Viveva nell’illusione di ereditare un’enorme proprietà, ma invece ereditò lo stile di vita delle élite che lo aiutò a ingannare le persone e a farsi strada verso la ricchezza. Ha raggiunto ciò in cui credeva e voleva di più. Voleva Daisy Buchanan e avrebbe fatto di tutto per averla. La amava al punto da diventare ossessivo, tanto da vedere solo la luce verde alla fine del tunnel che proveniva dalla sua casa, senza vedere l’oscurità che la circondava e senza nemmeno voltarsi indietro per vedere le persone che tenevano davvero a lui.

Il finale del film illustra come siamo illusi da una fantasia che ci impedisce di vedere oltre e di accettare la verità. Vogliamo un futuro migliore, oppure ci aggrappiamo al nostro passato e non accettiamo il nostro presente. Aspettiamo la luce verde alla fine del tunnel senza renderci conto che stiamo costruendo un palazzo dei sogni dove tutto è irreale. Quando il velo rosa della fantasia viene rimosso dai nostri occhi, siamo bruciati dalla realtà, eppure rimaniamo nella negazione e nell’incredulità.

La gente veniva alla festa e si godeva i festeggiamenti, e ciò che contava per loro era l’allegria e la ricchezza. Non si preoccupavano di sapere chi fosse il loro ospite, purché avessero pasti gratuiti, divertimento e un’occasione per socializzare. Nessuno è rimasto per ripulire il disordine o anche solo per cercare di invitarlo di nuovo o almeno mostrare un po’ di gratitudine. L’intera città era in fermento per le sue feste, ma quando è morto, è morto da solo. C’era solo Nick Carraway che guardava oltre il suo denaro e la sua vanità, ma Gatsby durante la sua vita non ebbe la possibilità di apprezzare quell’amicizia perché era accecato dalla sua ossessione per Daisy.

Gatsby e Daisy

Daisy, d’altra parte, cercava una tregua dal marito infedele, dalla vita noiosa e priva di romanticismo. Voleva tutto ciò che Gatsby aveva da offrire: l’amore, la ricchezza, il romanticismo, una vita come una vacanza e l’attenzione (molta attenzione). Gatsby la guardava in un modo in cui ogni ragazza avrebbe voluto essere guardata, e lei sbocciò sotto il suo tocco. Ma questo amore era confinato tra due persone con comfort surreali del mondo mortale e oltre. Il libro dice: “Ci devono essere stati momenti anche quel pomeriggio in cui Daisy non era all’altezza dei suoi sogni, non per colpa sua, ma a causa della colossale vitalità della sua illusione” e anche il film descrive la stessa cosa.

Daisy desiderava la passione che Jay Gatsby le offriva. Le piaceva la gelosia che suo marito stava evidentemente provando. Si sentiva apprezzata e desiderata. Voleva sentirsi oggetto del desiderio dopo un lungo periodo di negligenza. Le piaceva l’invidia di suo marito nei confronti di Gatsby. Ma fu solo un breve incantesimo. Non voleva vivere questa vita basata sulle illusioni. Si convinse che stava facendo la cosa giusta, ma era ancora piena di dubbi e paure. Sentiva la pressione del mondo esterno; d’altra parte, Jay Gatsby si era completamente isolato dal mondo per stare con lei.

Jay Gatsby era la persona più positiva che vedeva solo il lato positivo delle cose. Sapeva che Daisy gli apparteneva nonostante fosse sposata con Tom Buchanan. Credeva che Daisy lo amasse e viveva per questo. La verità era che Daisy lo aveva amato una volta, ma con il tempo lui era uscito dalla sua mente e qualcun altro aveva preso il suo posto nel suo cuore, indipendentemente da come fosse la sua vita sentimentale attuale: questa era la verità innegabile. Era così che funzionava la società. Era così che funzionava la vita, ma non era così che funzionava la mente di Jay Gatsby.

Lui credeva già in ciò che doveva credere e non c’era nulla che potesse scuotere la sua convinzione. Anche dopo il confronto con Daisy sul suo amore per Tom, sulla sua riluttanza a rinunciare al matrimonio o ad accettare il suo amore per Jay, Jay rimane positivo e continua a credere che Daisy lo chiamerà per tornare con lui. Nick cerca di farlo ragionare, ma lui rifiuta la realtà e sceglie la negazione. Muore pensando che Daisy abbia chiamato, ma ignora il fatto che l’unica persona che teneva a lui era il suo migliore amico (“vecchio mio”), Nick. Questo ribadisce il conflitto tra immaginazione e realtà.

Il finale

“Così continuiamo a remare, barche controcorrente, riportati incessantemente al passato”. Gatsby muore felice con una speranza infinita, il che ci porta a credere che, indipendentemente da chi sia dalla nostra parte o da ciò che ci accade, viviamo aggrappandoci alla speranza. Ci dà immenso piacere e felicità cercare qualcosa che desideriamo e tutto il nostro amore lo inseguiamo senza sosta pensando che sia la nostra destinazione. Ci perdiamo le piccole gioie, ma la gioia di raggiungere la destinazione non potrebbe mai eguagliarle. Daisy era la destinazione di Gatsby, tutto il resto era vanità o Apollo (il gigante) per lui.

Non credeva nelle distrazioni e sapeva esattamente cosa voleva ottenere. Daisy lo illude fino alla fine e lo lascia morire. Lui non credeva in questo fallimento ed era contento di rimanere nel suo mondo immaginario. Credeva in ciò che doveva credere, ignaro della realtà, e questo lo ha reso un uomo felice. Nick rimane e accetta la realtà che Daisy non ha mai chiamato né mandato fiori alla notizia della sua morte. Ha visto che non c’era nessuno al suo fianco quando è morto. Nessuna delle persone che partecipavano alle sue feste. Daisy va avanti con la sua vita e la sua famiglia lasciandosi alle spalle la “vacanza”, ma Nick rimane scioccato dalla sua insensibilità.

È rimasto sconcertato dalla realtà che la persona che ha vissuto e è morta per Daisy non meritava la sua riverenza nemmeno negli ultimi momenti. L’uomo che l’ha amata, l’ha apprezzata e le ha dato tutto ciò che ha sempre desiderato stava morendo da solo, e lei si è rifiutata di rispondere alle sue chiamate. Era angosciante, ed era la verità che Nick non riusciva ad affrontare. Nick è l’unico personaggio che assiste agli alti e bassi dell’intera storia e che in seguito la scrive come parte della sua terapia. È descritto come l’unica persona altruista e non giudicante del film. È testimone delle baldorie di Tom Buchanan.

Vede anche l’amore che Daisy desidera ardentemente e osserva la passione di Gatsby per sua sorella. Lei cerca di unire gli amanti senza chiedere nulla in cambio, convinta che si meritino l’un l’altro. È l’unica persona in grado di vedere oltre l’immagine illusoria di Gatsby, mentre gli altri accettano quella versione di lui. Gli rimane fedele fino alla fine. Sebbene sia un uomo molto pratico, il suo legame con Gatsby ribadisce l’idea centrale: fantasia contro realtà. Inoltre, nonostante conoscesse bene come funziona il mondo ordinario, non riusciva ad accettare il fatto che persone come Daisy e Tom potessero tornare alla loro vita normale nonostante avessero distrutto altre persone.

Nick si rende conto che inseguire un sogno finisce per sconvolgere le nostre vite perché non riusciamo a distinguere le persone che ci apprezzano da quelle che non lo fanno. Inseguendo un miraggio, Gatsby finisce per distruggere se stesso, e Nick ne rimane l’unico testimone. Nick si rende conto di essere l’unico che Jay Gatsby aveva e l’unico che teneva a lui, e questo lo distrugge. La sua amata New York, “dorata e scintillante”, ora lo ripugna. La odia e odia ancora di più l’enorme e incoerente casa di Gatsby. Non è più il mondo immaginario dell’illusione. È un palazzo di sogni infranti e di dura realtà. Quella brutta. Quella per cui non era preparato.

Nel libro Nick dice (cosa che è stata anche rappresentata nel film): “E mentre me ne stavo lì seduto a rimuginare sul vecchio mondo sconosciuto, pensai allo stupore di Gatsby quando vide per la prima volta la luce verde alla fine del molo di Daisy. Aveva fatto tanta strada per arrivare a quel prato blu, e il suo sogno doveva sembrargli così vicino che non poteva non riuscire a raggiungerlo. Non sapeva che era già dietro di lui, da qualche parte in quella vasta oscurità oltre la città, dove i campi bui della repubblica si estendevano sotto la notte.

Gatsby credeva nella luce verde, nel futuro orgasmico che anno dopo anno si allontana da noi. Allora ci sfuggì, ma non importa: domani correremo più veloci, allungheremo le braccia più lontano… E un bel mattino…“. Egli fornisce una profonda intuizione di questa verità universale. Crediamo così tanto nei nostri desideri che a volte dimentichiamo di stare al passo con il mondo che ci circonda. Affidarsi alla fantasia sembra più conveniente che vivere nella realtà. Nick era profondamente colpito dall’insensibilità e dalla disumanità.

È traumatizzato dal rendersi conto che per alcuni era così facile fuggire dalla verità, mentre per altri era tutto. Riflette sui giorni in cui il palazzo era pieno di una frenesia sconosciuta e sembrava un parco divertimenti. Il luogo era pieno di festaioli, ma non si presentò nemmeno un solo dolente per rendere omaggio. La mentalità frugale delle persone lo faceva star male e così la città che gli aveva promesso sogni non era più la sua preferita. Non desiderava più sognare, ma viveva per raccontare la storia di un sognatore che era perito.

La spiegazione del finale di Il grande Gatsby

Jay Gatsby era grande perché era imperfetto, irreale e pieno di passione. È il tipo di persona che speriamo di incontrare e che alimenta la nostra immaginazione. Vogliamo essere amati e desiderati come Gatsby ama Daisy. Daisy non riusciva ad apprezzarlo: sarebbe sbagliato dirlo in questo modo. Jay Gatsby è stato la prima vittima delle circostanze e, in seguito, del matrimonio fallito di Daisy. Lui desiderava disperatamente vivere con Daisy, e lei cercava freneticamente amore, accettazione ed esclusività. Jay Gatsby vive nella sua immaginazione e Daisy si innamora dell’idea che ha di lui.

Quando la realtà la colpisce, Daisy fugge dal suo amore illusorio, ma Jay Gatsby amava troppo per guardarsi indietro. Lei va in “vacanza” e torna a casa, recidendo ogni legame con gli elementi della sua vacanza. Non presta attenzione alle emozioni, all’affetto e alla passione degli altri, che si tratti di suo fratello Nick o del suo amante momentaneo Jay. Va avanti schiacciando il passato. Anche Tom va avanti, sebbene sia stato momentaneamente commosso dalla morte della sua amante, Myrtle. Gatsby muore con il nome di Daisy sulle labbra e credendo che Daisy lo chiami, ignaro del fatto che lui fosse importante solo per Nick.

Myrtle muore aspettando il suo amante Tom, e George si suicida dopo aver ucciso Jay Gatsby, considerandolo l’assassino di sua moglie. Nick non riesce ad accettare la realtà e la caduta dell’umanità. Tom e Daisy hanno distrutto tre vite e sono comunque riusciti a tornare alla normalità cancellando tutto il passato, e questo ha fatto sì che Nick disprezzasse tutto. Gatsby era un’anima genuina che viveva per amore. Non sapeva che il mondo là fuori non avrebbe mai capito il suo amore abbastanza da vivere secondo i suoi principi. Era un nome importante che nessuno voleva esplorare.

C’erano folle di persone che affollavano le sue feste, eppure lui se ne stava lì da solo. L’intimità delle grandi feste da qualche parte affogava tutta l’umanità e il calore nei luccichii e negli alcolici. Nonostante tutto, Gatsby amava profondamente e aspettava il suo amore perduto anche nella morte. “Sorrise con comprensione, molto più che con comprensione. Era uno di quei rari sorrisi con una qualità di eterna rassicurazione che si incontrano forse quattro o cinque volte nella vita”. Alla fine, descriveremmo Gatsby come dice Nick, “la persona più piena di speranza”, sensibile e isterica.

Il Robin Hood (qui la recensione) del 2010 si inserisce nella lunga tradizione cinematografica dedicata al celebre fuorilegge di Sherwood, rielaborando le vicende del personaggio con un approccio più realistico e storico rispetto alle versioni classiche. Ridley Scott sceglie di concentrarsi sulle origini di Robin, esplorando il contesto sociale e politico dell’Inghilterra del XIII secolo, e mostrando come un uomo comune possa trasformarsi in leggenda. Il film privilegia così toni più gravi e drammatici rispetto alle avventure più spensierate e romanzate delle precedenti trasposizioni, restituendo un eroe complesso e moralmente consapevole.

Per Scott, Robin Hood rappresenta un’ulteriore incursione nel cinema epico e storico, seguendo le tracce di opere come Il Gladiatore e Le crociate. Russell Crowe, già protagonista del successo di Il Gladiatore, torna a interpretare un eroe fisico e carismatico, ma con sfumature più politiche e strategiche. L’attore e il regista lavorano insieme per rendere Robin Hood un personaggio più umano, mostrando non solo le abilità di combattimento, ma anche l’intelligenza e il senso di giustizia che lo contraddistinguono, elementi che consolidano il film all’interno delle rispettive carriere cinematografiche.

Il film introduce inoltre diverse novità rispetto alle versioni precedenti, come un’attenzione particolare alla formazione del mito di Robin Hood, alle origini del suo legame con Little John e ai moti sociali che lo spingono a combattere contro le ingiustizie. Temi come l’oppressione dei poveri, la corruzione del potere e la nascita di una coscienza politica sono al centro della narrazione, offrendo una prospettiva più adulta e realistica della leggenda. Nel resto dell’articolo si fornirà una spiegazione dettagliata del finale, evidenziando come Scott chiuda l’arco narrativo del personaggio e dei conflitti principali.

La trama di Robin Hood

La vicenda si svolge nel XII Secolo, quando l’Inghilterra ha invaso la Francia, per riacquistare i territori dell’Aquitania e della Normandia che gli appartengono di diritto. In questo contesto il nobile Robin Longstride desidera ardentemente tornare in patria e riconsegnare alle autorità la corona del re inglese Riccardo Cuor di Leone, valorosamente morto in battaglia. Insieme ai suoi fedeli compari Allan A’Dayle, Little John e Will Scarlet torna dunque a casa solo per vedere incoronato come nuovo re il principe Giovanni. Il nuovo sovrano, consigliato dal doppiogiochista Sir. Godfrey, si dimostra da subito tutto il contrario del precedente re.

Avido e spietato, egli getta il popolo nel più completo sbando, al limite di una guerra civile. Deciso a fare qualcosa per cambiare quella situazione, Robin si unisce ad un gruppo di ladri guidati dalla risoluta Lady Marion e da Fra Tuck. Il gruppo, che vive in gran segreto nella foresta di Sherwood, aspira a rubare ai ricchi per dare ai poveri. Con loro, Robin escogiterà un piano per destituire Giovanni come re e riportare la tranquillità a Notthingham. Il pericolo è però dietro l’angolo e fidarsi diventerà sempre più difficile in un contesto dove ognuno sembra prima di tutto pensare al proprio bene.

La spiegazione del finale di Robin Hood

Nel terzo atto di Robin Hood la tensione narrativa raggiunge il culmine con la minaccia francese e la scalata al potere di Godfrey, il traditore alleato di Re Filippo. Robin Longstride, ormai leader dei suoi compagni, guida una coalizione di baroni del Nord per opporsi all’invasione e proteggere il popolo inglese. Durante il percorso, Robin continua a impersonare Sir Robert Loxley, onorando la promessa fatta al morente cavaliere. La sua astuzia strategica e la capacità di unire uomini divisi dal conflitto politico diventano decisive, culminando in una serie di battaglie in cui l’onore e la giustizia prevalgono temporaneamente sulla corruzione e sull’inganno.

La battaglia decisiva si svolge sulla spiaggia sotto le scogliere di Dover, dove l’esercito inglese guidato da Robin affronta le truppe francesi. Nel frattempo, Robin duella con Godfrey, che tenta di uccidere Lady Marian e seminare il caos. Con abilità e precisione, Robin elimina il traditore con una freccia a distanza, interrompendo la minaccia e fermando l’invasione. Tuttavia, la vittoria sul campo non coincide con la pace politica: Re Giovanni, pur avendo inizialmente acconsentito al charter dei diritti, si rifiuta di rispettarlo e dichiara Robin fuorilegge, spingendo il protagonista e i suoi compagni a ritirarsi nella foresta di Sherwood.

Il finale rappresenta una chiusura simbolica ma aperta, con Robin che diventa il leggendario fuorilegge di Sherwood. La narrazione mostra la nascita di una forma primordiale di resistenza popolare, in cui i diritti dei più deboli e l’equità sociale si affermano al di fuori del sistema politico corrotto. La fuga nella foresta segna non solo la sopravvivenza del protagonista, ma anche la continuazione della sua missione: proteggere gli innocenti e combattere le ingiustizie. Questo epilogo evidenzia la tensione tra legge e giustizia, tra autorità costituita e morale personale, tema centrale del film.

Il significato del finale si riflette così nella costruzione del mito di Robin Hood come simbolo di resistenza e giustizia sociale. La sua abilità strategica, la leadership e il coraggio morale culminano nel confronto con Godfrey e nell’arresto temporaneo della minaccia francese. La narrazione sottolinea come l’eroismo non si limiti al valore sul campo di battaglia, ma includa la capacità di ispirare e guidare gli altri nella lotta contro l’oppressione. La mancata firma del charter da parte di Re Giovanni e la dichiarazione di fuorilegge di Robin consolidano la tensione tra legge ingiusta e morale personale, dando profondità al personaggio.

Il film invita allora a riflettere sull’importanza della giustizia, della solidarietà e della leadership etica. Robin Hood emerge come figura capace di incarnare valori universali, tra cui il rispetto per i più deboli e l’idea che il potere debba essere esercitato con responsabilità. La foresta di Sherwood diventa simbolo di libertà, ma anche di una giustizia al di fuori delle strutture ufficiali, suggerendo che la resistenza contro l’oppressione è un dovere morale. Il film lascia dunque un messaggio di coraggio, speranza e impegno per la difesa dei principi etici, indipendentemente dalle istituzioni.

Elle (qui la recensione) segna un capitolo audace e controverso nella filmografia di Paul Verhoeven, noto per il suo cinema provocatorio e capace di esplorare i lati oscuri della natura umana. Il film si inserisce nel filone dei thriller psicologici contemporanei, caratterizzati da tensione costante, ambiguità morale e dinamiche di potere complesse. Con Elle, Verhoeven abbandona temporaneamente le atmosfere fantascientifiche e satiriche di film come Starship Troopers o RoboCop per concentrarsi su una vicenda intimamente personale e disturbante, mantenendo però il suo tipico sguardo impietoso e ironico sulla società.

Il cuore del film è il personaggio di Michèle, interpretata da Isabelle Huppert, donna complessa, intelligente e manipolatrice, che affronta un’aggressione sessuale senza cadere nei cliché della vittima traumatizzata. Il racconto intreccia temi delicati come la vendetta, il controllo e l’identità, spingendo lo spettatore a interrogarsi sui confini della moralità e della giustizia personale. La narrazione oscilla tra tensione e ironia, mettendo in luce le contraddizioni dei rapporti umani e delle dinamiche di potere, senza mai offrire risposte facili o consolatorie.

Il film ha riscosso grande successo di critica e pubblico, grazie alla potente interpretazione di Huppert, che le è valsa numerosi riconoscimenti internazionali, tra cui nomination agli Oscar e premi ai Golden Globes. Elle si distingue inoltre per la sua capacità di sorprendere e provocare, imponendosi come una delle opere più complesse e discusse di Verhoeven. Nel resto dell’articolo si approfondirà il finale del film, analizzandone il significato e le implicazioni per la comprensione dei temi centrali e della psicologia dei personaggi.

La trama di Elle 

Il film segue le vicende di Michèle (Isabelle Huppert), capo di una grande società di videogiochi, gestisce la propria vita con grande controllo. La sua esistenza viene però stravolta quando viene aggredita e violentata in casa da un misterioso sconosciuto. Michèle, che non si fida dei media e dei giornalisti, decide di non sporgere denuncia e di occuparsi in prima persona delle indagini per risalire all’identità dell’aggressore. Ben presto la ricerca si fa ossessiva, culminando con la scoperta che tanto desiderava fare. A quel punto, però, tra Michèle e l’aggressore viene a crearsi un gioco molto strano, basato su un meccanismo curioso e pericoloso che potrebbe sfuggire loro di mano in qualunque momento con conseguenze devastanti per entrambi.

La spiegazione del finale e il suo significato

Nel terzo atto di Elle, Michèle affronta direttamente Patrick, il suo aggressore, rivelandone l’identità dopo un’aggressione domestica che finalmente scioglie l’enigma dello stalking e della molestia subita. La scena mostra Michèle non come vittima impotente, ma come donna che mantiene il controllo della situazione, reagendo con freddezza e astuzia. Dopo averlo ferito e disarmato, Michèle non ricorre alle forze dell’ordine, scelta che sottolinea il suo approccio autonomo e la volontà di gestire il pericolo secondo le proprie regole. La narrazione si concentra così sulle dinamiche di potere tra i due, con Michèle che oscilla tra paura e dominio psicologico.

Il racconto prosegue con la visita di Michèle al padre, il cui suicidio dopo il rifiuto della libertà condizionale aggiunge un ulteriore strato di drammaticità e riflessione sulla violenza ereditata e sulle conseguenze dei traumi familiari. Subito dopo, l’incidente stradale e l’incontro successivo con Patrick segnano l’inizio di un rapporto perverso e consensuale tra i due, basato su ruoli di aggressore e vittima deliberatamente giocati. La sequenza culmina nella festa di lancio del videogioco, dove Michèle affronta nuovamente Patrick in una scena ambigua tra violenza e consenso, con l’intervento provvidenziale del figlio Vincent che neutralizza Patrick, chiudendo la vicenda con un senso di ordine restaurato.

Il finale di Elle si presta a molteplici letture e riflette l’abilità di Verhoeven nel giocare con la morale e l’ambiguità psicologica. Michèle non si limita a sconfiggere Patrick fisicamente, ma assume il controllo della narrazione della propria vita, stabilendo i limiti delle relazioni che accetta e decidendo consapevolmente di affrontare le proprie paure e desideri. Il fatto che la protagonista non chiami la polizia né cerchi giustizia istituzionale suggerisce una critica implicita ai sistemi tradizionali di protezione e punizione, enfatizzando invece l’autonomia e la complessità del comportamento umano in situazioni estreme.

Questa conclusione permette di esplorare i temi più profondi del film: la violenza, il potere, il desiderio e la vendetta psicologica. Michèle si riconcilia con se stessa e con gli altri personaggi, come il figlio Vincent e la collega Anna, dimostrando che la vera forza risiede nella capacità di affrontare le proprie contraddizioni interiori. Il rapporto con Patrick, sebbene inquietante, mette in evidenza la complessità delle relazioni umane e la linea sottile tra dominio, consenso e manipolazione, elementi centrali nella riflessione di Verhoeven sulla natura umana.

Il messaggio che Elle lascia agli spettatori è inquietante ma illuminante: la vita non offre sempre risposte nette o giustizia chiara, e la sopravvivenza emotiva spesso richiede strategie non convenzionali. Michèle rappresenta una figura di empowerment controverso, che naviga tra trauma e controllo, mostrando come il dolore e l’esperienza possano trasformarsi in strumenti di resilienza e autodeterminazione. Il film suggerisce che la complessità della moralità e delle relazioni personali è inevitabile e che la liberazione può assumere forme imprevedibili, sfidando le convenzioni del thriller tradizionale.