L’attrice sta ufficialmente facendo
un passo indietro nel tempo. Oggi pomeriggio è stato annunciato che
Janet Montgomerysalirà a bordo del drama
1923
della Paramount+ per la prossima stagione 2 della
serie. La Montgomery assumerà il ruolo ricorrente di una donna
di nome Hillary, un nuovo personaggio “riflessivo” che nutre una
spiccata passione per la giustizia.
1923,prequel del
popolare dramma neo-western Yellowstone,
segue i membri della famiglia Dutton un secolo prima degli eventi
della serie originale. Proprio come i loro discendenti in
Yellowstone,
i Dutton del 1923 sono alle prese con le difficoltà della gestione
del loro ranch nel Montana, con alcuni importanti colpi di scena
storici, tra cui alcune feroci leggi del proibizionismo, una
terribile siccità e l’inizio della Grande Depressione. La storia
della famiglia Dutton e del suo ranch viene raccontata anche
attraverso una serie di altri prequel e spinoff di Yellowstone,
tra cui 1883
e le serie in sviluppo 1944, 6666e 2024.
Il casting della Montgomery per
1923 la metterà a fianco di star come Harrison Ford e Helen Mirren, che guidano la serie
rispettivamente nei panni di Jacob e Cara Dutton. La prima stagione
dello show ha visto anche la partecipazione di Brandon
Sklenar nel ruolo del nipote di Jacob e Cara, Spencer,
Jerome Flynn nel ruolo del principale avversario
dei Dutton , Banner Creighton, e Isabel
May nel ruolo della narratrice Elsa Dutton, personaggio
apparso anche nella serie prequel 1883. Oltre a
Montgomery, il cast della seconda stagione comprende l’ex star
di DexterJennifer Carpenter, che interpreterà un
vice sceriffo degli Stati Uniti “duro come una roccia” di nome
Mamie Fossett.
Cosa sappiamo della seconda
stagione di 1923?
Oltre a una serie di recenti
annunci di casting, non si sa molto della prossima stagione di
questo spinoff di Yellowstone. Sebbene la seconda stagione
di 1923 sia stata rinnovata da Paramount+ prima ancora che
il finale della prima stagione arrivasse sugli schermi televisivi,
fattori imprevisti come lo sciopero della Writers’ Guild of America
del 2023 hanno posto alcuni ostacoli inaspettati alla produzione
della serie. La stagione, inoltre, non ha ancora ricevuto una
data ufficiale per la première su Paramount+, lasciando i fan in
gran parte all’oscuro di quando potranno rivedere i loro personaggi
preferiti alle prese con il ranch della famiglia Dutton.
Deadpool &
Wolverine è finalmente nelle sale e, se avete
visto il film, saprete che si tratta di 2 ore di pura meraviglia…
insieme a una cavalcata ininterrotta di Easter Eggs, riferimenti e
camei.
Alcuni rendono omaggio ai fumetti,
mentre altri sono legati sia al MCU che al più ampio
Universo Marvel sullo schermo. È chiaro che questo film è stato
fatto dai fan per i fan, ma ci sono alcuni riferimenti
profondi che immaginiamo possano sfuggire anche ai più accaniti
devoti.
E per chiunque non abbia una
conoscenza enciclopedica di questi personaggi – e persino della
storia di alcuni attori – ci rendiamo conto che non è sempre facile
tenere il passo. Non preoccupatevi, però, perché abbiamo pensato a
voi con il nostro ultimo approfondimento sul film.
1Il Cameo di Stan Lee
Il
compianto Stan “The Man” Lee non ha contribuito a creare Deadpool,
ma ha comunque interagito con il Merc with the Mouth sullo schermo
sia nel primo film che in un promo per il sequel.
In
Deadpool &
Wolverine, Lee viene citato mentre i personaggi
del titolo si fanno strada attraverso il Corpo di Deadpool a bordo
di un autobus.
Sul
lato, si nota una versione a fumetti del leggendario creatore di
fumetti che pubblicizza quella che sembra essere una specie di
impresa di pulizie. È un bel modo di rendere omaggio a Lee dopo la
sua morte nel 2018 e un modo divertente per onorare il suo immenso
impatto sull’Universo Marvel.
Foto di Magdalena Madra - per
gentile concessione del Faito Doc Festival
“Little Palestine”
di Abdallah Al-Khatibil è risultata la miglior
opera nella sezione lungometraggi della diciassettesima edizione
del Faito Doc Festival diretto da Turi
Finocchiaro e Nathalie Rossetti.
Il documentario del
regista siriano ha convinto all’unanimità la giuria internazionale
dei “magnifici” composta da Sergio Guataquira Sarmiento (regista),
vincitore edizione 2023 con ‘Adieu Sauvage’, Colombia-Belgio; Rudi
Maerten (montatore), Belgio; Perrine Robert (Responsabile dei
programmi, Lyon Capitale TV), Francia; Diletta Ciociano
(caporedattore di Taxi Drivers), Italia; Marcello Bivona (regista),
Italia, con le seguenti motivazioni: “La Giuria ha
riconosciuto la capacità del regista di trasformare questo
argomento viscerale in un oggetto cinematografico potente. Il film
è caratterizzato da un montaggio notevole che riesce a far
attraversare una tragedia con intelligenza e
raffinatezza”.
Menzione speciale
per “Une mere” di Mickaël Bandela “peruna profonda
sensibilità nella ricerca delle radici, mettendo in discussione la
figura della maternità, con un’onestà fragile e alla ricerca di una
forma di scrittura cinematografica toccante”.
Il Premio Ottica
Sacco al miglior sguardo è stato attribuito a “Q” di Jude Chehab:
“Il lavoro della regista è elogiato dalla giuria per
aver proposto un linguaggio cinematografico che permette di
esplorare un mondo chiuso attraverso il percorso di emancipazione
di una giovane cineasta talentuosa”.“Destiny”
di Yaser Talebi e “Scenes with my father” di Biserka Šuran sono i
migliori cortometraggi.
Faito Doc Festival 2024: svelati i vincitori
La Giuria
Internazionale dei Giovani ha premiato come miglior lungometraggio
ex aequo “Une mère” di Mickaël Bandela e “Les oubliés de la belle
étoile” di Clémence Davigo con menzione speciale a “Little
Palestine” di Abdallah Al-Khatib. Miglior cortometraggio “Destiny”
di Yaser Talebi; Menzione speciale ex aequo per Taxibol di Tommaso
Santambrogio e Ever Since I have been Flying di Aylin Gökmen.
La Giuria del
Camino ha scelto come miglior opera nella competizione
internazionale delle scuole di Cinema a “Des nouvelles de là-haut”
di Paul Brihaye per trasportarci nei meandri profondi delle
emozioni e dell’oscurità dell’esistenza e collegarci
contemporaneamente alla luce della speranza e hanno assegnato una
Menzione speciale a “Sans Cicatrices” di Theo Roland.
La Giuria FAITO DOC
CAMP ha premiato “Les Vivant.es” di Inès Rabadan come miglior
opera.
Novità di questa
edizione il Premio città di Vico Equense, valutato dalla
giornalista Chiara Guida, direttrice di Cinefilos.it, e Antonio D’Urso del Forum
Giovani di Vico Equense che è andato a “Sconosciuti Puri” di
Valentina Cicogna e Mattia Colombo, “Per
l’attenzione che porta su una questione di diritti umani in una
forma mai considerata, per l’attualità del racconto, per il
linguaggio cinematografico austero eppure denso di emozione, per la
capacità che il film possiede di entrare in sintonia con lo
spettatore, informandolo e coinvolgendolo, il premio Città di Vico
Equense 2024 va a Sconosciuti Puri di Valentina Cicogna e Mattia
Colombo”. Assegnata una menzione speciale al personaggio del
corto “Alessandro” di Nathalie Rossetti e una menzione speciale a
“Un Paese di Resistenza” di Shu Aiello e Catherine Catella.
I vincitori hanno
ricevuto in premio le creazioni dell’inventore belga
Cricou, amante del riciclaggio ma anche opere
originali dei Residenti della comunità il Camino e
del Faito Doc Camp.
Questi i verdetti
dopo otto giorni di proiezioni in mezzo alla natura, nella Casa del
cinema all’interno di una tendostruttura tra alberi secolari,
eventi speciali tra cui un focus sulla Palestina con Michel
Khleifi, Omar Suleiman e Omar Al Qattan la
masterclass della pluripremiata tecnico del suono
Maricetta Lombardo, mostre di disegni del messicano Max Hermosillo,
fotografie, opere originali in 3D, passeggiate artistiche e
naturalistiche nel bosco.
«Un’edizione
vibrante di vita, natura e cinema che ha riservato ampio spazio ai
registi presenti e agli autori del Faito DOC Pitching, favorendo
loro connessioni con l’industria. La giuria internazionale ha
facilmente reperito le gemme di questa 17ª edizione, mentre Il
focus sulla Palestina realizzato in collaborazione con Life for
Gaza ha dato voce alla cultura palestinese, commuovendo il pubblico
e unendo tutti nella resistenza contro l’ingiustizia e la
distruzione, nutrendo in noi nuove speranze» hanno commentato
Nathalie Rossetti e Turi Finocchiaro.
A maggio abbiamo saputo che Rob
McElhenney, partner di
Ryan Reynoldsin Welcome to
Wrexham, aveva girato un cameo per
Deadpool &
Wolverine (la
nostra recensione), ma se avete visto il film,
avrete notato che il suo personaggio non è apparso sullo schermo (o
se lo ha fatto, era dietro una maschera).
Ora, l’attore di It’s
Always Sunny in Philadelphia si è messo in contatto
con i social media per confermare che non ha fatto parte del cast,
rivelando chi ha interpretato.
Come molti hanno correttamente
ipotizzato dopo aver intravisto McElhenney arrivare sul set in un
episodio di Welcome to Wrexham, l’attore ha effettivamente
interpretato un agente della TVA. Non siamo sicuri di cosa stia
succedendo con gli artigli, ma potrebbe averli semplicemente presi
in prestito per posare per la foto, a meno che il suo personaggio
non sia riuscito a sottrarre gli avambracci del defunto Logan al
Merc With a Mouth.
Con un po’ di fortuna, la scena di
McElhenney sarà presente nella versione Blu-ray. Deadpool e
Wolverine si trova attualmente all’80% su Rotten Tomatoes con
247 recensioni contate, ma ha un punteggio di pubblico quasi
perfetto del 97%.
I traveled 6 thousand miles to shoot my
cameo. I hope you enjoyed it because the theater I was watching in
had mistakenly cut it out. Since I KNOW Ryan wouldn’t do me like
that, I look forward to catching the movie and my cameo again
today!
#DeadpoolandWolverinepic.twitter.com/0yhZqLuiLz
“I Marvel Studios presentano il loro
errore più significativo fino ad oggi – Deadpool &
Wolverine“, si legge nella nuova sinossi. “Uno svogliato
Wade Wilson si affanna nella vita civile. I suoi giorni come
mercenario moralmente flessibile, Deadpool, sono alle spalle.
Quando il suo mondo natale si trova di fronte a una minaccia
esistenziale, Wade deve indossare di nuovo i panni di un riluttante
ancora più riluttante… riluttante? Più riluttante? Deve convincere
un riluttante Wolverine a… Cazzo! Le sinossi sono così f*ttutamente
stupide“.
Oltre a
Ryan Reynolds e
Hugh Jackman nei ruoli principali, Deadpool
& Wolverine vedranno il ritorno di Morena Baccarin (Vanessa), Leslie Uggams
(Blind Al), Rob Delaney (Peter), Brianna
Hildebrand (Negasonic Teenage Warhead) e Shioli
Kutsuna (Yukio) nei rispettivi personaggi, A loro si
aggiungeranno le new entry del franchise Emma
Corrin (The Crown) e Matthew Macfadyen (Succession), che
interpreteranno un agente televisivo e la controparte malvagia di
Charles Xavier, Cassandra Nova.
Il presidente dei Marvel
Studios Kevin Feige arriva al Los Angeles Premiere Of Columbia
Pictures '' 'Spider-Man: No Way Home' tenutosi al Regency Village
Theatre il 13 dicembre 2021 a Westwood, Los Angeles, California,
Stati Uniti. — Foto di imagepressagency via
Depositphotos
Kevin Feige aveva assicurato ai fan che un
reboot degli X-Men era in cantiere poco dopo
l’acquisizione degli asset della 20th Century Fox da parte della
Disney nel 2019, ma solo di recente abbiamo iniziato a ricevere
alcuni aggiornamenti ufficiali sul progetto.
Michael Lesslie si
occuperà della sceneggiatura e si ipotizza che potremo scoprire chi
dirigerà il film durante il panel dei Marvel Studios al San Diego
Comic-Con di domani sera.
Durante un’intervista con Discussing Film, a Kevin Feige è stato chiesto come ci si sente
sapendo che “siamo più vicini a vedere gli X-Men e i Vendicatori
insieme sul grande schermo”.
“È estremamente
emozionante, a livello personale, aver fatto un film con Hugh dopo
25 anni e aver partecipato in piccola parte al primo film degli
X-Men.E sapere che, grazie a vari accordi con gli
studios aziendali, ora abbiamo di nuovo 1000 personaggi –
personaggi a cui non avevo francamente pensato per molti anni
perché non ne avevamo i diritti.Ora che li
abbiamo, è molto divertente pensare [a chi possiamo
finalmente].La nostra serie animata X-Men ’97 è
stata una sorta di primo assaggio del fatto che le persone si sono
riunite alla mitologia degli X-Men e alla loro storia.La risposta a quella serie ci ha entusiasmato ulteriormente
su come portare la soap opera e la saga dei mutanti nel
MCU”.
Presto vedremo Avengers Vs. X-Men?
Si dice che durante il panel verrà
annunciato anche un film di Avengers Vs. X-Men. Anche se è
certamente possibile, sappiamo che la Marvel/Disney si è tirata
indietro per quanto riguarda l’aggiunta di più progetti futuri al
programma del MCU, e se un evento massiccio come questo è nelle
prime fasi di pianificazione, è probabile che sia lontano qualche
anno.
L’universo di The
Boys continua ad espandersi, con una terza serie
spin-off annunciata questa sera durante il panel del Comic-Con di
San Diego dello show di Prime Video.
The Boys: Vought
Rising sarà una serie prequel incentrata sulle
origini della corporazione onnicomprensiva della serie principale,
con
Jensen Ackles e Aya Cash che riprenderanno i rispettivi ruoli
di Soldier Boy e Stormfront.
Spoiler per il finale della quarta
stagione di The Boys.
Anche Ackles ha fatto la sua
apparizione sul palco della Hall H, confermando che Solider Boy
tornerà come series regular per la quinta e ultima stagione dopo
aver fatto una breve apparizione nella scena post-credits del
finale della quarta stagione.
“Fin dall’inizio ho voluto
chiudere la serie con la quinta stagione”, ha dichiarato
lo showrunner Eric Kripke. “Puoi avere il tuo momento di
calma prima della tempesta, che è un po’ quello che la quarta
stagione è per me.Dico calma… sapete cosa
intendo.È incentrata sui personaggi e poi si dà
il via al climax”.
Date un’occhiata alla prima key art
ufficiale di Vought Rising qui sotto e fateci sapere cosa
ne pensate di questa serie spin-off nella sezione commenti.
Introducing the next deranged entry into the
world of The Boys: VOUGHT RISING, starring Jensen Ackles and Aya
Cash. Set in the 1950s, exploring the early exploits of Soldier Boy
and a supe you know as Stormfront. Only advice for now is keep your
hands off the fucking shield. pic.twitter.com/Ss9lqnnbP3
Nella quarta
stagione, il mondo è sull’orlo del baratro. Victoria
Neuman è più vicina che mai allo Studio Ovale e sotto il controllo
di Patriota, che sta consolidando il suo potere. Billy Butcher, a
cui restano solo pochi mesi di vita, ha perso sia il figlio di
Becca sia il suo ruolo di leader dei The
Boys. Il resto della squadra è stanco delle sue bugie.
La posta in gioco sarà più alta del solito e loro dovranno trovare
un modo per collaborare e salvare il mondo, prima che sia troppo
tardi.
Il cast di The
Boys vede protagonisti
Karl Urban, Jack Quaid, Antony Starr, Erin Moriarty, Jessie T.
Usher, Laz Alonso,
Chace Crawford, Tomer Capone, Karen Fukuhara, Colby Minifie,
Claudia Doumit e Cameron Crovetti. Si uniranno per la
quarta stagione anche Susan Heyward,
Valorie Curry e Jeffrey Dean Morgan.
The
Boys è basata sul fumetto certificato bestseller dal
New York Times, creato da Garth Ennis e Darick Robertson, qui in
veste anche di executive producer, e sviluppato dall’executive
producer e showrunner Eric Kripke. Tra gli altri executive producer
si annoverano anche Seth Rogen, Evan Goldberg, James
Weaver, Neal H. Moritz, Pavun Shetty, Phil Sgriccia, Craig
Rosenberg, Ken F. Levin, Jason Netter, Paul Grellong, David Reed,
Meredith Glynn e Michaela Starr. The
Boys è prodotta da Amazon Studios e Sony Pictures
Television Studios, in collaborazione con Kripke Enterprises,
Original Film e Point Grey Pictures. E’ disponibile su Prime Video.
Durante il panel “Jim Lee &
Friends” tenutosi oggi al San Diego Comic-Con, i fan hanno potuto
dare un primo sguardo a Creature
Commandos, la prossima serie animata dei DC Studios
che debutterà su Max a dicembre. Il presidente, editore e direttore
creativo della DC Comics Jim Lee ha anche
condiviso un saluto a sorpresa da parte del regista e co-presidente
e amministratore delegato della DC Studios
James Gunn, che ha voluto che i fan presenti in sala fossero i
primi al mondo a vedere un teaser ufficiale della serie di sette
episodi.
Gunn e Lee hanno anche svelato il
nuovo logo ufficiale dei DC Studios, che rende omaggio alla ricca
storia della DC Comics. Lo abbiamo aspettato per oltre un anno e
mezzo ed è giusto dire che risulta particolarmente azzeccato (sarà
utilizzato anche per l’editoria). Questo logo è stato disegnato da
Milton Glaser (che ha anche creato il logo “I Love NY”) e
utilizzato dalla DC dal 1977 al 2005. Tornando al trailer, esso
introduce la Task Force M, alias “Task Force Monster”. Il Congresso
ha vietato ad Amanda Waller di usare gli esseri
umani, ma non ha detto nulla su queste creature!
Creature
Commandos ha chiaramente un tono unico e questo
sarà lo show che ci offrirà un assaggio di ciò che il DCU ha in serbo per noi prima dell’uscita di
Superman
la prossima estate. Per quanto riguarda i collegamenti con il più
ampio DCU, sappiamo che il Rick Flagg Sr. di Frank Grillo apparirà anche in
Superman e nella seconda stagione di Peacemaker.
Inoltre, secondo quanto riferito, la serie TV della Waller è ancora
in fase di sviluppo. È stata rilasciata anche una logline ufficiale
che rivela che “Creature Commandos segue una squadra segreta di
mostri incarcerati e reclutati per missioni ritenute troppo
pericolose per gli umani. Quando tutto il resto fallisce… sono la
vostra ultima, peggiore opzione”.
La serie animata Creature
Commandos, composta da 7 episodi, sarà trasmessa in
streaming su Max e avrà come protagonisti David Harbour nel ruolo di Eric
Frankenstein/Mostro di Frankenstein, Indira Varma
nel ruolo della Sposa, Maria Bakalova di Guardiani della Galassia
Vol. 3 nel ruolo della Principessa Ilana Rostovic, Zoe
Chao nel ruolo della Dott.ssa Nina Mazursky, Alan Tudyk nel ruolo del Dottor Phosphorus,
Sean Gunn nel ruolo di Weasel e Frank Grillo nel ruolo di Rick Flag
Senior.
Steve Agee
riprenderà il suo ruolo di Peacemaker, John Economos. È prevista
anche la partecipazione di Viola Davis nel ruolo di Amanda Waller.
Recentemente James Gunn ha rivelato di considerare La sposa
di Indira Varma come il personaggio principale
della serie. Ha anche aggiunto che non sta dirigendo alcun
episodio, ma ha diretto le sessioni di registrazione di ciascun
attore.
“La nuova serie riprende
direttamente dopo il finale della prima stagione di Peacemaker, che
lascia la Waller con le mani legate dal punto di vista operativo,
il che significa che non è più in grado di farla franca mettendo in
gioco vite umane per portare a termine le sue missioni clandestine
e moralmente discutibili. Al contrario, recluta una banda di
disadattati, non diversamente dalla Suicide Squad e da
Peacemaker“, ha rivelato Gunn.
Aggiunge che i protagonisti di
Creature
Commandos “sono dei veri e propri mostri, e
non vedo l’ora di farveli conoscere. Creare questa serie è stata
una delle gioie assolute della mia vita“.
Oggi San Diego si è trasformata
nella Terra di Mezzo durante la presentazione di Prime Video della seconda stagione de Il Signore degli Anelli: Gli Anelli del
Potere. Gli showrunner J.D. Payne e
Patrick McKay sono stati raggiunti sul palco dell’iconica Hall H da
tanti componenti del cast per una conversazione vivace e
interessante moderata dalla vincitrice dell’Emmy Yvette Nicole
Brown (Avengers: Endgame, Community), celebre fan
del genere.
Il cast ha emozionato i 6.500 fan
che hanno affollato l’enorme sala dei congressi, svelando un nuovo
trailer esclusivo della prossima stagione. Il trailer ricco di
azione si concentra sulla temuta ricomparsa del leggendario
villain Sauron, annunciando il ritorno dell’oscurità e del
male nella Terra di Mezzo, i cui regni erano finalmente in pace
dopo molti anni di atroci combattimenti. Il trailer ha poi
evidenziato la creazione di più Anelli del Potere, forgiati con
l’aiuto dei poteri di Sauron, l’inganno e la manipolazione.
I fan hanno dimostrato entusiasmo
anche nel vedere un assaggio di molte delle creature fantastiche, e
talvolta spaventose, che faranno la loro comparsa in questa
stagione, tra cui Shelob, un esercito di Spettri dei Tumuli, un
Troll di collina chiamato Damrod, un Verme marino e persino gli
Ent! Il pubblico ha quindi goduto della visione di alcune scene di
battaglia importanti, fondamentali nella seconda stagione.
I componenti del cast che hanno
partecipato al panel nella Hall H sono Cynthia Addai-Robinson,
Robert Aramayo, Maxim Baldry, Morfydd Clark, Ismael Cruz Córdova,
Charles Edwards, Trystan Gravelle, Sam Hazeldine, Ema Horvath,
Tyroe Muhafidin, Sophia Nomvete, Lloyd Owen, Megan Richards,
Charlie Vickers, Benjamin Walker, e Daniel Weyman.
Il Signore degli Anelli: Gli Anelli del
Potere tornerà il 29 agosto. Fino ad allora, i
fan possono solo speculare sulle prossime avventure. Se non avete
ancora visto la prima stagione, è disponibile in streaming su
Prime
Video. Preparatevi a un’altra epica saga nella Terra
di Mezzo.
La prima stagione de
Il Signore degli Anelli: Gli Anelli del
Potere ha ottenuto un successo senza
precedenti, è stata vista da più di 100 milioni di persone in tutto
il mondo, con più di 24 miliardi di minuti di streaming.
L’attesissima serie ha conquistato più di 25 milioni di spettatori
nel mondo nel suo primo giorno di uscita, divenendo il più grande
debutto nella storia di Prime
Video, e ha anche debuttato al n. 1 nelle classifiche
di streaming generali di Nielsen nel suo weekend di uscita.
Lo show ha inoltre battuto tutti i
precedenti record di spettatori di Prime Video, e ha
portato nuove iscrizioni a Prime più di qualsiasi altro contenuto
precedentemente lanciato. Inoltre, Gli Anelli del Potere è
la prima serie Original in ogni area del mondo – Nord America,
Europa, area Asia-Pacifico, America Latina e nel resto del mondo.
Il finale di stagione è stato un evento culturale globale con
numerosi hashtag dedicati alla serie tra cui #TheRingsofPower e
altri in trend su Twitter in 27 Paesi per un totale di oltre 426
ore nel weekend.
La seconda stagione di
Il Signore degli Anelli: Gli Anelli del Potere è
prodotta dagli showrunner ed executive producers J.D. Payne &
Patrick McKay. A loro si uniscono gli executive producer Lindsey
Weber, Callum Greene, Justin Doble, Jason Cahill e Gennifer
Hutchison, insieme alla co-executive producer Charlotte Brandstrom,
i produttori Kate Hazell e Helen Shang e i co-produttori Andrew
Lee, Matthew Penry-Davey e Clare Buxton.
La nuova stagione debutterà a
livello globale giovedì 29 agosto 2024 su Prime Video, in più
lingue e in oltre 240 Paesi e territori. Per rimanere aggiornati su
tutte le novità relative alla serie Il Signore degli Anelli: Gli Anelli del
Potere, visitate la pagina dedicata sul sito di
Amazon MGM Studios.
Quella di Nightmare è una
delle saghe più fortunate e durature del cinema horror, che dagli
anni Ottanta in poi ha infestato gli incubi degli spettatori di
tutto il mondo. Il primo film, Nightmare – Dal profondo
della notte, è ancora oggi il capitolo più
apprezzato, contenente una serie di elementi che lo rendono un vero
cult del suo genere che ha dato vita ad una lunga serie di
imitatori e canoni poi ripresi dal cinema dell’orrore successivo.
Nel 2010 è poi stato realizzato un suo sequel, in Italia intitolato
semplicemente Nightmare, che rappresenta allo
stesso tempo anche un reboot della saga.
A dirigere questa nuova pellicola vi
è il regista Samuel Bayer, noto
principalmente per aver realizzato numerosi videoclip di star della
musica e anche diversi spot commerciali per importanti brand.
Nightmare è dunque il suo debutto nel mondo del
cinema, un progetto che ha però avuto una lunga gestazione prima di
potersi concretizzare sul grande schermo. Originariamente si pensò
infatti di dar vita ad un prequel che raccontasse dei primi omicidi
di Kruger, salvo poi scartare l’idea in favore di un remake del
primo film, il quale viene però rivisitato attraverso alcune
novità, tra cui quella di eliminare l’umorismo tipico del
villain.
Con un incasso globale di 117
milioni di dollari, questo nuovo Nightmare si è
affermato come il maggior successo economico della saga, non senza
però soffrire il confronto con l’originale. In questo articolo,
approfondiamo dunque alcune delle principali curiosità relative a
Nightmare. Proseguendo qui nella lettura sarà
infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla
trama, al cast di attori e alla
spiegazione del finale. Infine, si elencheranno
anche le principali piattaforme streaming
contenenti il film nel proprio catalogo.
La trama di
Nightmare
Protagonisti del film sono un gruppo
di adolescenti di Elm Street, i quali iniziano tutti ad avere
spaventosi incubi con protagonista un uomo dal volto completamente
sfigurato e armato di un guanto con lame al posto delle dita.
Questi sogni si dimostrano però più reali del previsto nel momento
in cui alcuni di questi ragazzi iniziano a morire davvero.
Indagando su ciò, i rimanenti scopriranno di essersi imbattuti in
Freddy Krueger, un bidello pedofilo bruciato vivo
dai genitori dei bambini molestati. Egli è però ora tornato
sfruttando il mondo dei sogni come luogo ideale dove commettere
nuove bestialità. Per fermarlo, i giovani protagonisti dovranno
trovare un modo per abbattere il confine tra sogno e realtà.
Rooney Mara in Nightmare. Foto di New Line Cinema
Il cast del film e il design di
Freddy Krueger
Ad interpretare Nancy Thompson, già
iconica protagonista dell’originale del 1984, è qui l’attrice
Rooney Mara,
celebre per film come Millennium – Uomini che odiano le donne e Carol. All’epoca ancora in attesa di consacrarsi come
una delle migliori interpreti della sua generazione, Mara fu quasi
sul punto di abbandonare la recitazione proprio a causa di questo
film. Le riprese furono infatti per lei un’esperienza terribile,
che l’attrice ha più volte ricordato con dispiacere. Accanto a lei
vi sono poi gli attori Kyle Gallner nei panni di
Quentin Smith, Katie Cassidy
in quelli di Kris Fowles e Thomas Dekker per Jesse
Braun. Kellan Lutz è
Dean Russell, mentre Clancy Brown è Alan
Smith.
Per interpretare il personaggio di
Freddie Krueger si decise invece di non ricorrere a Robert
Englund, il quale aveva ricoperto tale ruolo in tutti i
precedenti film della saga. Al suo posto venne scelto l’attore
Jackie Earle Haley, celebre per essere stato
Rorschach in Watchmen. L’attore fu elogiato da Englund come la
giusta scelta per la parte. Haley, però, affermò di voler costruire
il suo Freddie in modo differente rispetto a quanto visto nei
precedenti film. Per dar vita all’aspetto tipico di Krueger si
pensò inizialmente di ricorrere alla CGI, decidendo però poi di
utilizzare del trucco prostetico, migliorato poi con gli effetti
speciali.
Per applicare tale trucco
occorrevano circa quattro ore e mezzo, tempo durante il quale
l’attore poteva sperimentare la giusta intonazione di voce per il
personaggio. Haley decise infatti di non far doppiare il
personaggio, ma di sperimentare da sé per cercare di ipotizzare che
tipo di suono potessero emettere delle corde vocali ustionate. La
sua voce è comunque poi stata lievemente ritoccata digitalmente al
fine di fargli assumere quella qualità sonora più soprannaturale.
In ultimo, Haley dovette indossare lenti a contatto per le riprese,
una insanguinata e una piuttosto opaca, quest’ultima irritante dal
momento che oscurava la vista all’attore.
Verso il finale del film, dopo aver
scoperto di essere loro i bambini molestati da Kruger – cosa che
avevano però rimosso – Nancy e Quentin si accorgono di essere i
soli rimasti del loro gruppo di amici. A causa dell’insonnia, i due
hanno sporadici microsonni e diventano ipnagogici, causando
allucinazioni. Per cercare di fermare Krueger, si recano all’asilo.
Durante il tragitto, Nancy subisce però un attacco da parte di
Krueger, durante il quale tira fuori dal sogno un pezzo del suo
maglione per portarlo nella realtà. Quentin porta Nancy in
ospedale, dove ruba l’adrenalina per aiutarla a rimanere
sveglia.
All’asilo, i due trovano le prove
dei crimini di Krueger, tra cui delle foto molto crude. Krueger,
ora un fantasma, vuole dunque vendicarsi dei bambini per aver
rivelato i suoi abusi. Nancy decide quindi di far uscire Krueger
dal mondo dei sogni come ha fatto con il suo maglione e di
ucciderlo. Lei e Quentin organizzano dunque un piano che prevede
innanzitutto di addormentarsi. Nel sogno, vengono subito attaccati.
Mentre Krueger insegue Nancy, le sue grida svegliano però Quentin,
che usa l’adrenalina per svegliarla. Nancy riesce così a trascinare
Krueger con sé nella realtà.
Qui Kruger sembra essere privo dei
suoi poteri e Nancy riesce infatti a tagliargli il collo prima di
dare fuoco alla stanza con il suo corpo all’interno. Una volta
spento l’incendio, però, la polizia non riesce a trovare i resti di
Krueger. Dopo che Nancy e sua madre tornano a casa, Krueger appare
nel riflesso dello specchio e uccide sua madre, tirando poi il suo
corpo attraverso lo specchio mentre a Nancy non resta che urlare.
Si rende così evidente che Freddy è ancora vivo e che dunque lo
scontro avvenuto poco prima potrebbe essere stato frutto di un
sogno. Il film non offre però una spiegazione certa a riguardo.
Ci sarà un sequel di
Nightmare?
Mentre questo nuovo film prendeva
forma, i produttori annunciarono l’intenzione di dar vita anche a
dei sequel, di fatto facendo ripartire la saga. Nulla venne però
confermato fino al momento dell’uscita in sala del film, poiché si
aspettava di vedere quale sarebbe stato il responso di questo nuovo
Nightmare. Nonostante questo si affermò come un
buon successo economico, i pareri di critica e pubblico
particolarmente negativi spinsero i produttori a cancellare i piani
per ulteriori film, affermando che non c’era più l’interesse
necessario a giustificarli.
Il trailer
di Nightmare e dove vedere il film in
streaming e in TV
È comunque possibile fruire del film
grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme
streaming presenti oggi in rete. Nightmare è
infatti disponibile nei cataloghi di Apple TV e
Prime Video. Per vederlo, una volta
scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo
film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di
guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il
film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di
venerdì 26 luglio alle ore 21:15
sul canale Italia 2.
Dopo lo struggente Mio figlio,
arriva in televisione un altro film turco, Annem,
diretto nel 2019 da MustafaKotan. Anche noto come
Mia madre (Annem, in turco, significa appunto
“mamma”) questo esplora il complesso rapporto tra una madre e sua
figlia, attraverso una storia di crescita, amore e sacrificio, che
invita gli spettatori a riflettere sull’importanza della famiglia e
dei legami che ci definiscono e dei quali non si dovrebbe avere
vergogna.
Il film è poi impreziosito dalla
presenza della nota attrice Özge Gürel, già
conosciuta in Italia grazie ad alcune soap opera divenute
particolarmente popolari grazie a Mediaset. Un seguito che ha
permesso che anche altre opere, come Annem,
arrivassero sui nostri schermi. Opere che tra dramma, leggerezza e
tematiche universali sanno parlare direttamente ai loro spettatori
di riferimento. Se Mio figlio
affrontava il tema del rapporto padre-figlio con la problematica
dell’autismo, in Annem si ha invece un rapporto
ostacolato dalle differenze generazionali.
Gli appassionati di questo genere
potranno dunque ritrovare in questo film un’opera meritevole di
essere conosciuta, capace di emozionare e far riflettere sui propri
rapporti famigliari. In questo articolo, approfondiamo dunque
alcune delle principali curiosità relative a
Annem. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti
possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla
trama e al cast di attori.
Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme
streaming contenenti il film nel proprio catalogo.
La trama di Annem
Il film narra la storia struggente
di una madre e di una figlia. Nazli vive in un
piccolo villaggio della Turchia e il suo sogno è quello di andare
via, lontano soprattutto dai suoi genitori. Sua madre
Ayse vive per lei, farebbe di tutto per renderla
felice e incoraggia il suo desiderio di fuga. Suo padre invece è
silenzioso e burbero e non è d’accordo che la figlia vada via di
casa. Nazli si vergogna di sua madre, del suo lato grezzo e
contadino e quando ha l’occasione di andare all’università di
Istanbul, è finalmente felice di allontanarsi da lei.
Nella grande città può essere chi
vuole e finisce per incontrare un ragazzo di cui s’innamora. Ma
quando arriva il momento di tornare al villaggio per presentare il
fidanzato ai suoi, Nazli è preda di sentimenti molto intensi e
contrastanti. Il suo ritorno farà però emergere molte verità che
Nazli aveva fino a quel momento ignorato. Per lei, quella sarà
l’occasione per riscoprire sua madre e le proprie origini,
trovandosi davanti alla scelta del tipo persona che sarà da quel
momento in avanti.
Il cast di attori e le location del film
Ad interpretare la giovane Nazli vi
è l’attrice Özge Gürel, celebre per le serie
Cherry Season – La stagione del cuore e Bitter Sweet –
Ingredienti d’amore. Sua madre Ayse, invece, è interpretata
dall’attrice Sumru Yavrucuk, nota invece per le
seire No: 309, Evlilik Hakkinda Her Sey e Sahane
Hayatim. Le due attrici, in preparazione al loro ruolo, hanno
trascorso diverso tempo a contatto così da sviluppare un certo
rapporto madre-figlia, anche se nel film molto di questo è
raccontato da un punto di vista conflittuale.
Accanto a loro, recitano poi gli
attori Sercan Badur nel ruolo di Mert,
Tuna Orhan in quello di Osman, Itir
Esen in quello di Nihal, Fatma
Toptas in quello di Nesrin e Fulya Özcan
in quello di Hacer. Per quanto riguarda le riprese, invece, queste
si sono svolte tra Istanbul e
Kirklareli, in Turchia. Due
location che riflettono il contrasto tra la vita rurale e quella
urbana, elemento centrale nella storia di Nazlı. La scelta delle
location sottolinea il passaggio dalla semplicità del villaggio
alla complessità della vita cittadina, simbolizzando il viaggio
interiore della protagonista.
Il trailer di Annem e dove vedere il film in
streaming e in TV
Sfortunatamente il film non è
presente su nessuna delle piattaforme streaming attualmente attive
in Italia. È però presente nel palinsesto televisivo di
venerdì 26 luglio alle ore 21:20
su Canale 5. Di conseguenza, per un limitato
periodo di tempo sarà presente anche sulla piattaforma
Mediaset Infinity, dove quindi lo si potrà vedere
anche oltre il momento della sua messa in onda. Basterà accedere
alla piattaforma, completamente gratuita, per trovare il film e far
partire la visione.
Dopo aver esordito con grande
successo alla regia nel 2008 con il film Pranzo di Ferragosto, Gianni Di Gregorio ha diretto negli
anni una serie di altri film molto apprezzati da critica e
pubblico. Tra questi si annoverano
Gianni e le donne,Buoni a nulla e Lontano
lontano. L’ultimo film da lui ad oggi diretto è
Astolfo, del 2022. Presentato alla Festa del
Cinema di Roma e poi distribuito nelle sale cinematografiche, anche
questo suo quinto lungometraggio è stato molto apprezzato da
critica e pubblico.
Riguardo agli obiettivi di questo
suo progetto il regista e attore ha dichiarato: “Credo che
Astolfo sia il film più allegro e spensierato che ho fatto.
Sicuramente il lungo isolamento dovuto alla pandemia e un acciacco
di salute hanno scatenato una reazione straordinaria e
incontrollata, considerando il fatto che mi sono messo a parlare
d’amore alla mia età. Ma in effetti l’amore non ha età, e lasciare
aperto uno spiraglio all’amore, all’empatia e all’amicizia è
importante per la qualità della nostra vita”.
In questo articolo, approfondiamo
dunque alcune delle principali curiosità relative a
Astolfo. Proseguendo qui nella lettura sarà
infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla
trama, al cast di attori e
alle location dove è stato girato. Infine, si
elencheranno anche le principali piattaforme
streaming contenenti il film nel proprio catalogo.
La trama di Astolfo
Protagonista del film è
Astolfo, placido pensionato romano, che viene
sfrattato dal suo appartamento e decide di tornare a vivere nella
casa di famiglia, un palazzotto un tempo nobiliare e oggi in
sfacelo, in un paesino dell’Italia centrale. Trova un paio di
stravaganti abusivi che vivono lì, un sindaco sgradevole e
impiccione, un vecchio amico che si è arricchito. E, senza volerlo,
senza cercarlo, trova anche l’amore: Stefania, una
signora vedova che il figlio vorrebbe confinare al ruolo di nonna e
che invece è piena di voglia di vivere. Sarà l’inizio di una nuova
vita, più travagliata ma anche più bella, più vera, l’unica che
valga la pena di essere vissuta.
Il cast e le location del film
Ad interpretare Astolfo vi è lo
stesso Gianni Di Gregorio, che sin da suo esordio
alla regia ha sempre recitato nei propri film. Ha però preso parte
anche a progetti altru come La stanza del figlio e
Siccità.
Accanto a lui, nel ruolo di Stefania, vi è invece l’attrice
Stefania Sandrelli, tra le più celebri attrici del
cinema italiano, recentemente vista anche in Marcello
mio e Lei
mi parla ancora. Nel cast si ritrovano anche
Agnese Nano nel ruolo di Franca e Simone
Colombari in quello del sindaco. Alfonso
Santagata interpreta invece Carlo.
Per quanto riguarda le location,
Astolfo è stato girato in parte a
Roma – per le scene iniziali – in modo più esteso
ad Artena, in provincia di Roma. Nella capitale,
ad esempio, ritroviamo in Via Lorenzo Valla 27 la casa romana da
cui Astolfo viene sfrattato, ma anche la casa di Stefania, in Via
Leone Dehon. Spostandoci ad Artena, ritroviamo il Palazzo
del Governatore in Piazza della Vittoria, utilizzato come
municipio dove Astolfo chiede invano di incontrare il sindaco. Il
bar di Clementina, amica di gioventù di Astolfo che lui fa finta di
cercare per far contento Carlo, è invece il Bar
Michela in Via Valle dell’Oste 73, sempre
ad Artena.
Il negozio di alimentari dove
Astolfo conosce il “cuoco” si trova invece alla fine di Via
del Pavone, mentre il palazzo di famiglia di Astolfo è
Palazzo Borghese in Piazza della
Vittoria. Uscendo da Artena, la
chiesa che Stefania chiede a Astolfo di visitare alla loro prima
uscita è il Santuario Vescovio in Strada
Santuario Vescovio a Torri in Sabina, in
provincia di Rieti. In ultimo, il casale di Carlo,
l’amico donnaiolo di Astolfo, è il Castello di
Corcolle in Via Zagarolese a
Roma,
Il trailer di
Astolfo e dove vedere il film in streaming e in
TV
È possibile fruire di
Astolfo grazie alla sua presenza su alcune delle
più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è
infatti disponibile nei cataloghi di Apple TV e
Prime Video. Per vederlo, una volta
scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo
film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di
guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video. Il film
è inoltre presente nel palinsesto televisivo di venerdì 26
luglio alle ore 21:20 sul canale
Rai 3.
Prime Video ha
svelato oggi il trailer della seconda stagione di Sono
Lillo, nuovo capitolo della serie comedy di successo
diretta da Eros Puglielli con protagonista Lillo Petrolo,
al suo fianco Pietro Sermonti, Sara Lazzaro, Katia Follesa,
Marco Marzocca, Cristiano Caccamo, e con la partecipazione
di Paolo Calabresi e Corrado
Guzzanti.
Sono Lillo 2 è prodotta
da Lucky Red in collaborazione con Prime Video e sarà disponibile in esclusiva su
Prime Video dal prossimo 19 settembre.
Scritta da Lillo
Petrolo, Matteo Menduni, Tommaso Renzoni e Matteo Calzolaio, la
nuova stagione in 8 episodi racconta una nuova assurda avventura.
Grazie a Posaman, il supereroe più supereroe di sempre, Lillo gode
ormai di enorme popolarità. Ma sul set americano del suo prossimo
film, scopre che Sergio ha ceduto tutti i suoi diritti d’immagine
per un kolossal su Posaman supereroe camorrista. Disperato,
cercherà in tutti i modi di svincolarsi dal film che finirebbe per
distruggere la sua carriera. A complicare le cose si aggiungeranno
problemi di identità e di cuore con il ritorno di Marzia dal
Giappone, maledizioni e varchi dimensionali.
Si aggiungono al cast
tante guest star come Maccio Capatonda, Nino Frassica, Max Angioni,
Brenda Lodigiani, Herbert Ballerina, Giovanni Vernia, Yoko Yamada,
con la partecipazione straordinaria di Silvan.
Il 26 luglio Parigi si
vestirà a festa per ospitare una nuova edizione dei Giochi
Olimpici, la 33esima della storia. Due settimane in cui lo sport
sarà al centro della scena su scala globale e i migliori atleti del
pianeta parteciperanno a diverse discipline. RAKUTEN TV, una delle
principali piattaforme di streaming europee,
celebra l’arrivo dei Giochi Olimpici con una vasta gamma di
contenuti legati al mondo dello sport. Fino all’11 agosto,
i fan del grande evento sportivo di quest’estate potranno godersi
esclusivi Originals, film e canali FAST incentrati su questo
tema.
RAKUTEN TV – la programmazione
ORIGINALS
We All
Play– documentario d’ispirazione che esplora la realtà
della comunità LGBTQIA+ nel mondo dello sport attraverso le
esperienze personali e professionali di importanti atleti
d’élite.
Ona Carbonell: Un nuovo inizio
– L’atleta olimpica di nuoto sincronizzatato Ona Carbonell è
diventata madre per la prima volta nell’agosto 2020, un’esperienza
che ha cambiato la sua vita da un giorno all’altro. Allo stesso
tempo, ha intrapreso un ambizioso piano per gareggiare ai Giochi di
Tokyo.
La mia decisione, di Andrés Iniesta
– documentario che mostra come Andrés Iniesta affronti la decisione
più difficile della sua carriera. Una storia di amore per il calcio
sotto la minaccia di un ritiro indesiderato.
Karate-Do, il cammino di Sandra Sánchez
– La storia del superamento degli ostacoli da parte di Sandra
Sánchez, un successo tardivo culminato con l’oro olimpico a Tokyo,
capitale di questa forma d’arte che nel 2020 diventerà per la prima
volta disciplina olimpica.
CANALI FAST- ESTATE DI SPORT
Red bull
TV– Uno dei punti salienti di questa stagione è
il Red Bull Cliff Diving, dove i
migliori subacquei del mondo si sfidano in salti spettacolari da
scogliere e piattaforme alte.
FIFA+
– Il canale realizzerà una maratona di contenuti che includerà
contenuti originali e tornei FIFA del passato, come la Coppa del
Mondo U17 o U20 o la Coppa del Mondo femminile 2023.
Euronews, Reuters, Bloomberg
– questi canali di notizie presenteranno servizi, riassunti delle
partite, commenti di esperti del mondo dello sport e alcune
dirette…
Non ci saremmo mai aspettati che
Joker
avesse un sequel, ma se vi state dirigendo verso Joker:
Folie à Deux vi aspettate di vedere Arthur Fleck
trasformarsi nel clown principe del crimine di Gotham City,
potreste rimanere delusi.
L’iconico cattivo di Batman è stato
ritratto in modo molto diverso sullo schermo nel corso degli anni,
sia che si trattasse del terrorista domestico di Heath Ledger o di
Jared Leto… beh, qualunque cosa fosse.
Parlando con
Empire della continua evoluzione di Arthur – che, dopo tutto,
sta per incontrare “Lee” Quinzel – il regista Todd Phillips ha detto: “Non lo
faremmo mai [diventare il principe clown del crimine].Perché Arthur non è chiaramente una mente
criminale.Non lo è mai stato”.
“Arthur è diventato questo
simbolo per la gente”, aggiunge. “Questo simbolo
involontario, inconsapevole, che ora sta pagando per i crimini del
primo film, ma che allo stesso tempo ha trovato l’unica cosa che ha
sempre voluto, ovvero l’amore.È sempre stato
così, anche se è stato spinto e tirato in tutte queste
direzioni.Quindi abbiamo cercato di farne la
versione più pura possibile”.
Nella stessa intervista, Joaquin Phoenix ha parlato di come
portare la musica nel mondo di Joker e ha confermato che i brani
del sequel non saranno necessariamente delle interpretazioni
perfette.
“Era importante proteggere
questo aspetto da fraseggi poco efficaci e da occasionali note
stonate”, spiega l’attore. “Arthur è cresciuto
sentendo sua madre suonare queste canzoni alla radio.
Non è un cantante e non
deve sembrare un cantante professionista.Dovrebbe
suonare come qualcuno che sta facendo la doccia e scoppia a
cantare”.
“Gaga è sempre stata molto
incoraggiante: ‘Segui quello che senti, va bene’”, osserva
Phoenix. “Per qualcuno che non è un artista in quel senso,
può essere… scomodo farlo, ma anche molto eccitante”.
Joker: Folie à Deux, quello che
sappiamo sul film
Joker:
Folie à Deux presenterà il ritorno di Joaquin Phoenix nel ruolo del cattivo DC
Joker. Il sequel presenterà anche il ritorno della Sophie di
Zazie Beetz insieme ai nuovi arrivati
Brendan
Gleeson,
Catherine Keener, Jacob Lofland e Harry Lawtey. Nel
cast c’è anche Lady Gaga che darà vita a
Harley Quinn. I dettagli della trama sono ancora per lo più
nascosti, ma sappiamo che la maggior parte del film si svolgerà ad
Arkham Asylum e conterrà significativi “elementi
musicali”.
Rumors recenti hanno anche suggerito che la versione di
Gaga su Harley Quinn avrà un ruolo più importante di quanto
originariamente riportato, con la storia che si svolge interamente
dal suo punto di vista. Il film di Todd Phillips del 2019 è stato un successo sia
di critica che commerciale con un incasso mondiale di oltre 1
miliardo di dollari al botteghino, rendendolo il film con il
maggior incasso di tutti i tempi. Ha ricevuto riconoscimenti da
numerosi importanti enti premiati, tra cui due Oscar e due Golden
Globe, sia per il miglior attore che per la miglior colonna
sonora.
Secondo il co-presidente dei
DC Studios Peter Safran, è troppo presto per avere
un panel nella Hall H del San Diego Comic-Con. In un’intervista a
The Wrap, Safran ha dichiarato: “Dal mio
punto di vista, è troppo presto.Un anno è
sinceramente un periodo lungo per una campagna e quindi, dal nostro
punto di vista, penso che andremo più forte e più duramente in un
periodo più breve, piuttosto che allungarlo.Questo è il nostro istinto.Credetemi, nei
prossimi 12 mesi non mancherà Superman
nella vostra vita”.
La risposta di Safan è sicuramente
un po’ inquietante e ci fa pensare che ci sia qualcos’altro in
ballo, dietro le quinte. In passato ci sono stati molti casi in cui
gli studios si sono presentati al SDCC per annunciare e/o
promuovere progetti che erano in programma da più di un anno. In
passato, il cast e la troupe di diversi progetti di supereroi sono
spesso arrivati in aereo durante la notte per partecipare a un
panel, per poi tornare rapidamente sul set non appena l’evento si è
concluso.
Inoltre, Superman è
attualmente previsto nelle sale nordamericane per l’11 luglio 2025,
quindi questa sarebbe stata l’unica occasione per il film di essere
presente al SDCC prima dell’uscita nelle sale.
All’inizio del mese,
Variety ha confermato che, anche se i DC Studios non avranno un
panel ufficiale al SDCC, ci si aspetta comunque che rilascino
alcune importanti notizie durante l’evento. In base agli altri
progetti previsti nell’ambito del Capitolo Uno: Dei e Mostri del
DCU, quali novità sperate di vedere rivelate?
Voci per Supergirl:Woman of
Tomorrow,
Batman The Brave and the Bold e Lanterns
sembrano intensificarsi.
Le riprese di Superman si
sono
recentemente concluse a Cleveland, in Ohio, un set pubblico
per il film, che alla fine ha rivelato molte foto del set. Gunn ha confermato, durante le
riprese in città, che si trattava di un evento a cui era pienamente
preparato e che si è assicurato di non filmare nulla che includesse
spoiler importanti. Quando le riprese si sono spostate da
Cleveland, ha confermato che rimanevano ancora alcune settimane e
che il film sarebbe entrato ufficialmente in post-produzione a
quasi un anno dall’uscita.
Gunn ha molte altre cose da fare,
come il lancio di un nuovo universo DC con Creature
Commandos, mentre la seconda stagione di Peacemaker
continua le riprese, e altri progetti come Waller
continuano a essere sviluppati per essere pronti a espandere il
mondo che Superman costruirà. Superman
arriverà nelle sale l’11 luglio 2025.
La Lionsgate ha
presentato ieri sera, durante il Comic-Con di San Diego, la prima
scena completa del suo prossimo remake/reboot/reimagining de
The
Crow, che ci dà un’idea più precisa di cosa aspettarci
dalle sequenze d’azione del film.
Nella clip estesa, vediamo il
recentemente risorto Eric Draven (Bill
Skarsgård) che cerca di vendicarsi dei criminali che
hanno ucciso lui e la sua amante Shelly Webster (FKA
twigs). Draven riesce a salire sull’auto dei suoi nemici e
ad eliminarne alcuni, ma alla fine viene sopraffatto e gettato
fuori dal veicolo, prima di essere investito in autostrada.
In un momento di disgusto piuttosto
bello, vediamo Draven che si rimette a posto la frattura
composta della gamba (questa versione del personaggio prova
chiaramente dolore) prima di continuare l’inseguimento. Il primo
trailer non è stato accolto molto bene dai fan, ma cosa ne pensate
di questa clip? Guardatela qui sotto insieme a un nuovo poster del
SDCC e fatecelo sapere nella sezione commenti.
Durante una recente intervista, il
regista Rupert Sanders ha sottolineato che il suo
film è ben lontano dall’essere un altro “remake hollywoodiano”,
nonostante il budget di 50 milioni di dollari e l’appoggio di un
grande studio.
“Non c’è assolutamente
nulla che abbia a che fare con Hollywood in questo film”,
ha dichiarato il regista a Empire. “È un film indie molto
scabroso”. Sanders ha poi sottolineato che evitando i
soliti orpelli da blockbuster sono riusciti a “rimanere
vicini al centro, all’oscurità e alla violenza della graphic
novel.L’unica ragione per cui abbiamo potuto
farlo è che non si tratta di un film in studio”.
La sinossi recita: “Le
anime gemelle Eric Draven (Bill
Skarsgård) e Shelly Webster (FKA twigs) vengono brutalmente
assassinate quando i demoni del passato oscuro di lei li
raggiungono.Avendo la possibilità di salvare il
suo vero amore sacrificando se stesso, Eric parte alla ricerca di
una spietata vendetta sui loro assassini, attraversando i mondi dei
vivi e dei morti per mettere a posto le cose
sbagliate”.
Il film sarà interpretato anche da
Danny Huston, Laura Birn, Sami Bouajila e Jordan
Bolger in ruoli non rivelati. Zach Baylin e Will Schneider
hanno scritto la sceneggiatura. La nuova versione de The
Crow arriverà nelle sale il 28 agosto 2024.
A volte abbiamo tutti bisogno di un
film triste che ci riporti alla realtà, che ci
tocchi il cuore e che ci faccia scendere una lacrima sul viso. I
film con i cani sono davvero strappalacrime e vi faranno apprezzare
le piccole cose della vita, come abbracciare e portare a spasso il
vostro cane, vi ricorderanno di rallentare e annusare le rose.
Ci sono molti
film sui cani, la maggior parte dei quali vi farà scoppiare a
piangere più volte, come Marley & Me,
A Dog’s Purpose e Hachiko
– Il tuo migliore amico. Questi film tristi sui
cani non vi deluderanno se siete alla ricerca di un bel pianto, o
semplicemente per sentirvi più vicini al vostro animale
domestico o agli animali in generale.
Il mio cane Skip
My Dog
Skip è un film nostalgico che ricorda agli
spettatori il loro primo animale domestico e il dolore per
la sua perdita con il tempo e l’età. Il film include un cast
stellare che comprende Kevin Bacon, Diane Lane, Luke Wilson e
Frankie Muniz nei panni di Willie, un ragazzino
che convince i genitori a lasciargli tenere un cucciolo di terrier
che chiama Skip. I due vivono avventure vorticose mentre Willie
impara l’amore incondizionato di un cane.
Sottovalutato capitolo del genere
canino, Il mio cane Skip ha il potere di sollevare il
pubblico e allo stesso tempo di commuoverlo fino alle lacrime,
grazie alla semplice premessa di un ragazzo che trova nel suo cane
il migliore amico. Anche se la premessa non è apertamente triste,
il potere del film di suscitare questa emozione gli fa guadagnare
un posto di diritto tra i film sui cani più tristi.
Where The Red Fern Grows
(2003)
Uno dei molteplici adattamenti
cinematografici in live action del classico romanzo di
Wilson Rawls, Where The Red Fern Grows
(Dove cresce la felce rossa) è
un’accorata storia di determinazione e del legame tra uomo e cane.
Basato sull’infanzia di Rawls negli Ozarks, è la storia di un
ragazzo di nome Billy (Joseph Ashton) che racimola
e risparmia i suoi soldi per comprare una coppia di Coonhound
Redbone che chiama Old Dan e Little Ann. Il trio trascorre le
giornate a caccia, guadagnandosi la reputazione di essere la
migliore squadra di cacciatori in circolazione. Quando il loro
legame viene messo alla prova in un incontro quasi mortale, Billy
impara il vero significato dell’amore e del sacrificio.
Dove cresce la felce rossa
fa subito venire l’acquolina, dalla tenerezza dei cuccioli al
devastante terzo atto. Questo adattamento è un film fondamentale
nel genere dei film di cani tristi. Il pubblico, insieme a Billy,
viene trasportato su una montagna russa di amore, perdita e
compagnia. Il film rispecchia l’esperienza tematica di chi
lavora duramente per possedere il proprio primo cane e allo stesso
tempo ne affronta la perdita. Dove cresce la felce
rossa (Where the Red Fern Grows ) farà sì che ogni amante dei
cani si avvicini al proprio animale domestico e lo stringa un po’
di più.
Shiloh, un cucciolo per amico
(1996)
Non c’è lezione di responsabilità
più grande per un ragazzo che l’amore e la cura per un cane. Tratto
dal romanzo di Phyllis Reynolds Naylor, vincitore
del Newberry Award, Shiloh è la storia
straziante di Marty Preston (Blake Heron) e dei
suoi sforzi per salvare un beagle di nome Shiloh (Frannie
the Dog) dal suo padrone violento, Judd (Scott
Wilson), stringendo un accordo che prevede lo sconto sul
prezzo del cane in cambio della sua custodia. Quando Judd si
rimangia la parola data, Marty non si fermerà davanti a nulla per
salvare Shiloh.
Shiloh può essere un
classico dimenticato tra gli altri film sui cani, ma si è
guadagnato una recensione di tutto rispetto da parte
dell’acclamato critico Roger Ebert, che ha
elogiato il film per le sue dure lezioni sulla proprietà, la
responsabilità, l’onestà e la gentilezza. Se da un lato si tratta
della storia di Marty che diventa adulto e cresce, dall’altro
Shilohè il film canino più
triste in assoluto per la rappresentazione dei padroni che davvero
non danno valore al proprio cane e di quanto si sentano impotenti
quelli che lo fanno. Questo adattamento è sicuramente in
grado di avvicinare il pubblico e i loro cani.
Turner e il casinaro (1989)
Sottovalutato film comico di Tom Hanks, Turner e il casinaro è un
film poliziesco in cui l’amico è un cane di nome Hooch. Il
detective Scott Turner (Hanks) è inizialmente titubante e deluso
all’idea di lavorare con questo cane dispettoso e bavoso, ma presto
scopre che le abilità e la sorprendente intelligenza di Hooch
possono aiutarlo a catturare un assassino in libertà.
Sarà anche un film comico, ma
il pubblico si troverà sempre più coinvolto nel toccante
legame che si sviluppa tra i due protagonisti. Mentre
continuano a lavorare insieme al caso, diventano inseparabili.
Naturalmente, tutto questo porta a un finale emozionante che
sottolinea quanto Hooch sia disposto a spingersi oltre per
proteggere il suo padrone dal male.
Max (2015)
Max è
un film drammatico d’avventura uscito nel 2015 che parla di
un cane militare di nome Max. Max aiuta i Marines americani in
Afghanistan insieme al suo padrone. Dopo la morte del suo
conduttore sul campo, Max viene adottato dalla sua famiglia. Max è
un cane fedele che ha bisogno di pazienza per fidarsi, e la trova
nel fratellino del suo defunto conduttore.
Questo film accorato mostra
gli alti e bassi della conquista della fiducia di un cane leale ma
spaventato. Il film è stato diretto da Boaz
Yakin. Fa piangere per il dolore che questo cane prova per
la morte del suo conduttore, ma fa sorridere quando si vede Max
andare avanti e imparare ad amare di nuovo. Mostra in modo unico il
lato di un cane che lavora nell’esercito.
Lassie (2005)
Lassie è
un film d’avventura per famiglie uscito nel 2005. Parla di un cane,
Lassie, che viene venduto a malincuore dalla sua famiglia. Questa
cucciola dal cuore spezzato viene trasferita a centinaia di
chilometri di distanza dalla sua famiglia, ma la sua missione è
quella di ritrovarla contro ogni previsione. È straziante guardare
questo cucciolo confuso che cerca di trovare la strada di casa, ma
fortunatamente ha un lieto fine, perché i nostri cuori non
avrebbero potuto sopportarne uno triste.
Lassie è stato diretto da
Charles Sturridge e presenta molti amici che
Lassie incontra lungo il cammino, tra cui l’attore Peter
Dinklage di
Game of Thrones. Questo film include anche
molte bellissime riprese panoramiche che vi lasceranno senza fiato.
Si tratta diun film straordinario nel suo complesso, a
patto che riusciate a trattenere le lacrime per
vederlo.
Charlie – Anche i cani
vanno in paradiso (All Dogs Go to Heaven,1989)
Un classico d’animazione agrodolce
che alcuni fan ricorderanno di aver visto in VHS, Tutti
i cani vanno in paradiso è un film che merita
maggiore attenzione. La commedia-dramma di Don
Bluth e Gary Goldman segue la storia del pastore
tedesco Charlie B. Barkin (Burt Reynolds), che
finisce in Paradiso dopo essere stato ucciso dal suo migliore
amico. Trova presto il modo di fuggire dall’aldilà per cercare
vendetta, ma stringe un legame inaspettato con una ragazzina.
Commovente, umoristico ed
emozionante allo stesso tempo, Tutti i cani vanno in
paradisoè una toccante storia di amicizia e
una dura lezione sui legami che possono ferire e guarire gli
individui. Inoltre, ha delle canzoni orecchiabili che
completano perfettamente il viaggio di Charlie.
Un viaggio a quattro zampe
(2019)
A Dog’s Way
Home è un film drammatico d’avventura uscito nel
2019. È molto simile alla storia di Lassie, con la differenza che
il cane (Shelby) può parlare agli spettatori. Viene mandata a
chilometri di distanza dal suo padrone, che dovrebbe incontrarla
subito dopo. Tuttavia, Shelby non lo sa e scappa per ritrovare la
sua città natale e il suo padrone.
A Dog’s Way
Homeè estremamente emozionante fin
dall’inizio, in quanto mostra i viaggi disperati di Shelby per
ritrovare il suo padrone, ma ha un lieto fine che vi farà
apprezzare l’amore e la fedeltà di un cane. A Dog’s Way
Home è stato diretto da Charles Martin Smith
ed è un film che abbraccia l’anima da guardare con la
famiglia e gli amici.
Marley & Me (2008)
Marley & Me è una
commedia romantica uscita nel 2008. Classificare questo film come
una commedia per famiglie è molto ingannevole, perché vi lascerà
con gli occhi gonfi. Vi farete molte risate nel corso del film, ma
dovrete essere preparati per il finale, notoriamente straziante,
del film. Questo film ha come protagonista Owen Wilson che porta a casa un cane alla
moglie Jennifer Aniston, nella speranza di
prendere tempo per avere dei figli. Non sapevano che questo
adorabile, ma dispettoso e nevrotico cucciolo avrebbe causato più
scompiglio di qualsiasi bambino.
I fan vedono Marley
crescere fino a diventare un cane anziano, sviluppando un legame
emotivo con il cucciolo, che crolla quando si ammala.
Questo film mostra agli spettatori cos’è l’amore incondizionato
nella sua forma più bella. Mostra lo stress e i problemi di una
famiglia, ma sostituisce i bambini con un soffice quattro zampe.
Preparatevi a piangere, ma vi garantirà un nuovo apprezzamento per
i vostri animali domestici.
A Dog’s Purpose (2017)
Questa serie di film vi farà
versare un ciclo di lacrime ogni 10 minuti. Tutto sommato ha un
lieto fine, ma è un viaggio per arrivarci. A Dog’s
Purpose segue un cane di nome Bailey che attraversa
molte vite e proprietari. Questo film, interpretato da K.J. Apa, permette di sentire ciò che Bailey
pensa nel corso del film, il che non fa che spezzare ancora di più
il cuore.
Il secondo film si intitola
A Dog’s Journey (Il viaggio di un
cane). Entrambi i finali sono felici e sentiti,
ma bisogna essere forti per arrivare alla fine. La parte
migliore di questa serie di film è vedere le diverse vite dei cani
e dei proprietari. Entrambi i film seguono lo stesso cane
fedele in tutte le sue vite contrastanti ed esotiche. Questi film
vi faranno desiderare la vita migliore per il vostro cucciolo,
piena di avventure, amore e snack.
Red Dog (2011)
Triste film sui cani
basato su un’incredibile storia vera, Red
Dog è un commovente dramma australiano sul
personaggio principale, un cane amichevole e fedele che viene
adottato dagli abitanti di una cittadina mineraria. Col tempo, Red
Dog stringe un legame speciale con la comunità e diventa una figura
fondamentale, fino a quando non si ammala.
L’incredibile storia di Red
Dog farà sentire il pubblico profondamente legato all’affettuoso
cane, che ricorda a tutti coloro che lo circondano perché
i cani sono creature così amate. L’indimenticabile conclusione
sottolinea ulteriormente la notevole fedeltà che i cani possono
avere nei confronti dei loro padroni, e gli spettatori possono
aspettarsi di piangere lacrime vere quando Red Dog dimostra questo
livello di amore e devozione in uno dei film sui cani più tristi di
sempre.
8 amici da salvare (Eight Below,
2006)
Ambientato nel freddo e spietato
paesaggio dell’Antartide, 8 amici da salvare è un film
drammatico e d’avventura incentrato su un gruppo di cani che
vengono abbandonati dai loro padroni a causa di un’improvvisa
tempesta. I cani vengono lasciati a combattere da soli contro il
rigido inverno per il tempo necessario affinché il loro padrone
Jerry Shepard (interpretato da Paul Walker) torni e li salvi.
Se l’intera prova sembra
stressante, è perché è così. Gli spettatori tratterranno il
fiato mentre questa montagna russa di emozioni mostra la lotta dei
cani per la sopravvivenza. La rappresentazione del legame
unico tra un cane e il suo padrone lo rende un classico del genere,
ed è un film imperdibile per il pubblico che vuole commuoversi,
ispirarsi e ricordarsi di tenere i propri cani in un luogo caldo e
confortevole.
Red e Toby nemiciamici (1981)
Red e Toby nemiciamici è un
classico
d’animazione Disney che ruota attorno all’amicizia non
convenzionale tra un futuro foxhound di nome Copper (Kurt
Russell / Corey Feldman) e un’amabile
volpe di nome Tod (Mickey Rooney / Keith
Mitchell). Nonostante il loro forte desiderio di essere
amici, le loro situazioni rendono impossibile sostenere il loro
legame, il che porta a scenari strazianti.
Ricco di alcuni
deimomenti più sorprendentemente cupi dei film
Disney, La volpe e il mastino ha
indubbiamente fatto piangere innumerevoli spettatori. È una
rappresentazione dolorosa della dura realtà del mondo e di quanto
sia difficile separarsi dai propri cari.
Attraverso i miei occhi
(2019)
Attraverso i miei
occhi è un dramma sentimentale uscito nel 2019 con
protagonisti Milo Ventimiglia e Amanda Seyfried. Il film segue la vita di un
cane di nome Enzo che è stato accolto da cucciolo da un aspirante
pilota di Formula Uno. Questo golden retriever crede di essere nato
per essere un pilota di auto da corsa e capisce che le tecniche
usate in pista dovrebbero essere usate anche nel viaggio della
vita.
The Art of Racing in the
Rain, diretto da Simon Curtis, utilizza il
cane per raccontare la storia con la voce fuori campo di
Kevin Costner. Si tratta di un film
unico che coinvolge sia adorabili cuccioli che auto da corsa piene
di azione. Vi farà ridere e piangere tutti insieme e vi
lascerà con un messaggio importante: dovete realizzare i vostri
sogni, indipendentemente da ciò che vi ostacola.
In fuga a quattro zampe (Homeward
Bound: The Incredible Journey, 1993)
La Disney sa bene come far piangere
il pubblico, soprattutto quando ci sono di mezzo dei cani. In fuga
a quattro zampe è il viaggio inimmaginabile di tre animali
domestici, Shadow, l’anziano golden retriever (doppiato da
Don Ameche), Sassy, la gatta himalayana ad alto
mantenimento (doppiata da Sally Field), e Chance,
il giovane bulldog americano salvato (doppiato da Michael
J. Fox), che sfidano la natura selvaggia per
ricongiungersi con i loro padroni, che credono di averli lasciati
indietro per errore durante una vacanza. Questo iconico
film in live-action capovolge il copione del triste genere dei film
sui cani raccontandolo dal punto di vista degli animali
domestici.
È straziante dall’inizio alla fine
quando non capiscono perché sono stati abbandonati, soprattutto
Chance, la cui paura del canile è la motivazione delle sue azioni.
Il terzo atto con Shadow ha fatto piangere tutti gli spettatori,
compreso il finale. Rivedere Homeward Bound da
adulti ricorda agli spettatori che si tratta davvero di uno dei
più tristi tra i film per cani della Disney, perché anche quando
scorrono i titoli di coda, gli spettatori ricorderanno questo film
la prossima volta che lasceranno i loro animali in vacanza.
Zanna Gialla (1957)
Uno dei migliori classici Disney in
live-action è il film più triste sui cani, tratto dal romanzo di
Fred Gipson vincitore del Newberry Award. Il cane
da laboratorio protagonista, Old Yeller, è un randagio che
conquista immediatamente il cuore di una famiglia di contadini nel
Texas del 1860; tuttavia, il figlio maggiore, Travis (Tommy
Kirk), all’inizio esita ad accettare il bastardino, finché
Yeller non gli salva la vita. I due formano un legame
inimmaginabile che alla fine porta al più duro dei
cuori.
Old
Yeller non inizia in modo triste, ma finisce in quel
modo. Man mano che Yeller cresce con Travis, cresce anche con il
pubblico, guadagnandosi il posto di “miglior cane del West”, come
recita la sua sigla. Sebbene la premessa generale sia molto sentita
sulle gioie della compagnia canina, la conclusione costringe il
pubblico a immaginare il peggio se e quando arriverà il momento di
perdere il proprio cane. Old Yeller è un classico
nostalgico della Disney che sottolinea l’improbabile amore, la
lealtà e l’amicizia che derivano dal possedere un cane.
Hachiko – Il tuo migliore amico
(2009)
Hachiko – Il tuo migliore
amico è un film drammatico del 2008 che inizia come una
bella storia di un padrone esitante e di un cane abbandonato che
creano un bellissimo legame, una storia che finisce presto in una
straziante tragedia. Si basa sulla storia vera di un cane Akita
estremamente fedele al suo padrone. Il cane finisce per aspettare
ogni giorno in una stazione ferroviaria di Tokyo che il suo padrone
torni dal lavoro. Anche dopo la morte del padrone, il devoto cane
continua ad aspettare ogni giorno alla stazione ferroviaria per
nove anni, finché alla fine muore.
Questa storia strappalacrime
ricorda un’altra storia di un cane chiamato Greyfriars
Bobby, che ora ha una statua in Scozia. Questo
film ricorda al pubblico la fedeltà unica e bellissima che
i cani hanno per le persone senza alcuna altra intenzione,
ma vi spezzerà il cuore in un milione di pezzi.
Emma Corrin ha
incantato il pubblico per la prima volta nel ruolo della
Principessa Diana in The
Crown di Netflix, ma l’attore
ventiseienne ha molto di più di quanto sembri. Sebbene non sia il
tipo di celebrità da tabloid che cerca attivamente l’attenzione del
pubblico nella sua vita privata, c’è ancora molto da imparare su
questo grande talento. Di seguito, cinque cose che probabilmente
non sapevate su Emma Corrin.
1.Una volta ha interpretato la famosa truffatrice Anna
Delvey (più o meno).
Nel 2021, Emma
Corrin ha recitato in Anna X di Joseph Charlton,
un’opera teatrale che, per motivi legali, non era
ufficialmente basata sulle prodigiose imprese di Delvey,
ma ne traeva spunto.
2.
È amanti dei cani.
Emma Corrin ha
adottato il loro cane, Spencer, durante la pandemia di
COVID-19 e lo porta regolarmente sul set dove, dicono, frequenta la
troupe come un vecchio professionista.
3.Il suo nome completo è in realtà
Emma-Louise.
L’Instagram di Emma
Corrin mostra il suo nome completo, anche se nella vita
normale si chiamano semplicemente “Emma”.
4.Il suo legame con la Principessa Diana ha radici
profonde.
Quando Emma Corrin
era giovane, la loro madre, Juliette, fece svenire diverse
persone in un caffè di Londra, che avevano scambiato Juliette per
Lady Di in persona. (Si dà il caso che questo avvenisse il giorno
della tragica morte di Diana, il che potrebbe spiegare gli
svenimenti).
5.Quando accetta un ruolo, si impegna a svolgerlo, anche
se richiede l’apprendimento di diverse nuove
abilità.
Corrin ha imparato il tip tap, il
jazz e la danza classica per poter brillare nel ruolo della giovane
Diana, ossessionata dalle prestazioni, in The
Crown, e ha detto di questa esperienza: “Imparare la danza classica
a 24 anni è la cosa peggiore. È quasi impossibile. È una di quelle
cose che devi imparare [da] bambino”. Eppure, hanno perseverato (e
sono stati nominati per un Emmy)!
Corrin ha iniziato a radersi il
cuoio capelluto in modo che la calotta calva si adattasse
perfettamente, il che “non è stato così grave come pensavo”. Anzi,
“l’ho trovato liberatorio, mi piaceva molto farlo ogni volta che
potevo, quando ero in vacanza, persino quando ero in barca”. (Una
volta, in un hotel in Italia, si è bruciato un fusibile mentre
usavano il tagliacapelli, causando un’interruzione di corrente.
“Metà della mia testa era rasata e metà no”). Oggi, i capelli di
Corrin sono tagliati e un po’ appiattiti sul letto (ci siamo
incontrati per la colazione). C’è una certa scioltezza nel modo in
cui si sistemano sulla sedia e molte volte, nel corso della nostra
conversazione, Corrin usa una serie di espressioni facciali –
broncio pensieroso, cipiglio interrogativo, sguardo intenso,
arricciamento incerto di un lato della bocca – per trasmettere
emozioni che altrimenti potrebbero risultare scomode.
Emma Corrin in Deadpool
& Wolverine
Emma Corrin è a
Margate con “amici” e preferisce non parlare del loro partner,
l’attore Rami Malek. Margate piace, anche perché
nessuno li riconosce: “Oppure li riconoscono e non se ne
preoccupano, il che è ancora meglio”. Chiedo se hanno mai
incontrato l’artista Tracey
Emin, la regina di Margate, e a Corrin si illuminano gli occhi,
perché non solo hanno incontrato Emin, ma Emin è diventata una
grande amica. “Corrin imita Emin a braccia conserte, guardando la
loro casa a Londra, con le sopracciglia alzate e la testa che
annuisce”, “perché ho un sacco di sue stampe ovunque. Adoro quello
che fa. Era la voce [di una generazione] e ha continuato a
lottare”.
Dove vive Emma Corrin?
Di solito Corrin vive ad Hampstead,
nella zona ovest di Londra, in un appartamento condiviso con tre
amici, tra cui un giornalista politico (“un ottimo modo per tenersi
informati”), e il loro cockapoo, Spencer. Sembra che ci sia uno
sforzo silenzioso per enfatizzare la natura non stellare della loro
esistenza – la maggior parte dei loro amici non sono attori, il che
“aiuta” – “Sono davvero grato per questo”. Parlano di festival
musicali “fangosi”, dei loro sforzi per risolvere il cubo di Rubik
e di come Corrin ci sia quasi riuscito e l’abbia messo giù per un
attimo quando qualcun altro – che Dio li maledica –
l’ha preso e l’ha strapazzato di nuovo.
Come ogni film sui cani che si
rispetti, Il richiamo della foresta (la
recensione) ha un finale che fa piangere. Ma, con una svolta
rispetto alla norma, le lacrime non sono per il cane principale
Buck (il cagnolino interpretato tramite effetti visivi dall’attore
Terry Notary).
Come nel romanzo di Jack London del
1903 da cui è tratto, il dolore è per il protagonista umano, John
Thornton (interpretato da Harrison Ford). Nel film, Thornton, a lungo
tormentato, muore con Buck che lo sorregge per un ultimo sguardo a
un bellissimo prato.
“Il film non avrebbe avuto la
stessa forza emotiva senza la morte di Thornton, assistito da Buck,
come parte della conclusione”, dice Ford, riconoscendo che un
buon pianto da film di cani non è mai una cosa negativa. “Sono
d’accordo con lui”.
Il regista Chris
Sanders dice che i fan potrebbero aspettarsi che Buck, che
è stato rubato dalla sua comoda casa per diventare un cane da
slitta della corsa all’oro dello Yukon prima di trovare compagnia
con Thornton, alla fine possa tornare a casa. O trovare una vita
emotivamente soddisfacente con Thornton.
Ma la morte di Thornton per un
colpo di pistola dopo un attacco a sorpresa del cattivo Hal (Dan
Stevens) sconvolge tutto. Dopo aver trascorso gli ultimi momenti
con Thornton, il cane devastato si trasferisce in natura per vivere
a tempo pieno tra i suoi lupi adottivi. Non per niente lo chiamano
“Call of the Wild”.
“Le persone che non conoscono la
storia originale possono fare il tifo perché Buck trovi la strada
di casa, legato e pulito”, dice Sanders. “Ma la vita non funziona
così. Il cane trova una nuova casa. Proprio come tutti noi dobbiamo
lasciare la nostra casa e trovarne una nuova da qualche altra
parte. Ecco perché questa storia resiste: È più reale di tante
altre. Eppure Thornton trova conforto con questo cane nei suoi
ultimi momenti”.
Come il finale straziante del cane
di Il richiamo della foresta si discosta dal romanzo brutale
(spoiler!)
Il finale del film Il
richiamo della foresta si
discosta dal libro, dove Buck trova Thornton brutalmente ucciso
dopo un attacco da parte di una tribù di indiani Yeehat. Nel
romanzo, il cane dà la caccia alla tribù e si trasforma in un
“uragano di furia viva”. Si lancia verso la vena giugulare del
capo, “squarciando la gola”, e una “fontana di sangue” sgorga.
Questo è solo l’inizio
dell’omicidio per vendetta. Non avrebbe funzionato per questa
produzione Fox-Disney.
“Buck diventa un vero e proprio
John Wick nel libro”, dice Sanders. “Il libro prende una piega
molto cupa a quel punto. Volevamo mantenere il tutto adatto alle
famiglie”.
Sia il film che il libro si
concludono con Buck che continua a creare un’eredità con il branco
di lupi e la loro progenie. I lupi della zona sono visti con
“spruzzi di marrone sulla testa e sul muso, con una striscia di
bianco… lungo il petto”, come scrive London.
Sullo schermo, Buck viene mostrato
per l’ultima volta con la sua straordinaria compagna lupa bianca.
Lo si vede saltellare con dei giovani lupi che assomigliano molto
al suo San Bernardo e al suo pastore scozzese.
La scena finale tra Buck e Thornton
“può essere triste”, dice Ford. “Ma il film si risolleva e finisce
con una nota positiva”.
Jack London,
scrittore vagabondo la cui vita, seppur breve, è stata
caratterizzata da innumerevoli attività e passioni diverse, è oggi
ricordato come uno dei massimi romanzieri di inizio Novecento.
Titoli come Martin Eden, Zanna Bianca, Il vagabondo delle
stelle e La peste scarlatta sono tutti entrati
nell’immaginario culturale. Un altro dei suoi più famosi è
Il richiamo della foresta , pubblicato nel 1904, il
quale è negli stato più volte adattato per il cinema e la
televisione. La trasposizione più recente è quella uscita nel 2020
per la regia di Chris Sanders, qui al suo primo
film in live action dopo titoli d’animazione come Lilo &
Stich e Dragon Trainer.
Si tratta del quinto adattamento
per il grande schermo del romanzo di London, e anche in questo caso
gli autori optarono per rimanere quanto più fedeli possibile alla
sua storia. Ricco di grandi effetti speciali, a partire dal cane
protagonista realizzato in CGI,
Il richiamo della foresta (qui la recensione) è un puro
film d’avventura ricco di emozioni e calore umano e animale, che
ricorda la forza della natura e dell’animo. Si tratta inoltre del
primo film prodotto dalla 20th Century Studios (precedentemente
nota come Fox) in seguito all’acquisizione della Disney, e tra i
primi ad essere distribuiti sulla piattaforma Disney+.
A causa della sua uscita in
concomitanza con l’iniziale diffondersi del Covid-19, il film è
andato incontro ad uno scarso successo economico. Nel tempo ha però
guadagnato un proprio seguito, venendo così riscoperto e svelando
tutto il suo fascino. In questo articolo, approfondiamo dunque
alcune delle principali curiosità relative a
Il richiamo della foresta. Proseguendo qui nella
lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli
relativi alla trama, al cast di
attori e alle differenze con il libro.
Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme
streaming contenenti il film nel proprio catalogo.
La trama di Il richiamo
della foresta, il cast e il cane Buck
La storia narrata nel film ha per
protagonista Buck, un cane dal cuore d’oro, la cui
tranquilla vita domestica viene sconvolta quando si ritrova
improvvisamente portato via dalla sua casa in California e
trapiantato nella natura selvaggia dell’Alaska durante la Corsa
all’Oro degli anni 1890. Come nuova recluta di una squadra di cani
da slitta, di cui in seguito diventerà il leader, Buck vive
l’avventura di una vita, trovando il suo vero posto nel mondo e
diventando padrone di se stesso. Lungo il suo percorso, inoltre,
incontrerà ogni tipo di essere umano, dai più crudeli fino al buono
John Thornton, con il quale stringerà un legame
destinato a durare per sempre.
Come anticipato, per il cane Buck
(ma anche per tutti gli altri animali presenti nel film) si è
deciso di ricorrere alla CGI. Questa ha permesso di non mettere a
rischio veri animali e di ottenere una più ampia varietà di loro
espressioni. Per Buck, tuttavia, si utilizzò il vero cane del
regista come modello, al fine di riprodurlo nel modo più realistico
possibile. Per quanto riguarda il cast di umani, invece, Harrison Ford è
l’anziano e buono John Thornton. A differenza del romanzo di
partenza, il personaggio ha qui una storia alle spalle. Si è
infatti voluto che l’esperienza di Thornton fosse simile a quella
di Buck, per mostrare sia l’uomo che il cane che superano insieme i
loro traumi passati.
mentre Omar Sy è Perrault, il secondo padrone di Buck
e Cara Gee è Françoise, la sua assistente.
Quest’ultima ha origini Ojibwe, tribù indiana, e in questo
adattamento interpreta una donna Tlingit, un’altra tribù di nativi.
Per prepararsi al ruolo, dunque,Gee ha parlato con un cul Tlingit
(pronunciato “klinkit”), così da sapere di più sulla loro cultura.
L’attore Dan Stevens interpreta il crudele Hal,
terzo padrone di Buck insieme a Karen Gillan
nei panni di Mercedes. Recitano poi nel film Bradley
Whitford nel ruolo del giudice Miller e Jean
Louisa Kelly in quello di Katie Miller.
Nonostante gli autori del film
decisero di attenersi il più possibile a quanto narrato da London,
fu inevitabile apportare alcune significative modifiche o
approfondimenti di quanto presente nel libro. La prima di queste è
la maggior storia pregressa fornita al cane Buck.
Per quanto romanzo e film abbiano lo stesso inizio, quest’ultimo
contestualizza maggiormente il protagonista nella sua situazione
iniziale, presentandolo come un cane particolarmente abituato alla
vita domestica. Ciò permette di fargli vivere un arco di
trasformazione più completo nel momento in cui si trova a dover
sopravvivere nella natura selvaggia. Diversi cambiamenti si
ritrovano poi anche nei personaggi umani, a
partire da John Thornton.
Questo, interpretato da Ford,
compare ben prima che lui e Buck diventino compagni di avventure,
mentre nel libro egli fa la sua comparsa soltanto verso la fine del
racconto. A differenza di quanto descritto per lui da London, il
John del film è un uomo molto più solitario, con un vissuto
vagabondo simile a quello di Buck. Per quanto riguarda
Perrault e François, la quale nel libro è invece è
un uomo, questi sono rappresentati come più gentili e meno inclini
alla severità. Di azione, invece, ve ne è qui molta di più rispetto
al libro, ma vengono invece ridotte fortemente le scene di maggior
violenza presenti nel romanzo.
Tutti gli altri cani presenti, ad
esempio, sopravvivo ai vari eventi, a differenza di quanto
raccontato da London. Differente, infine, è anche la
conclusione del racconto. Mentre nel romanzo Buck
uccide gli indiani che hanno assassinato John, per poi abbracciare
il richiamo della foresta, nel film egli uccide il suo precedente
padrone Hal, il quale però ha ferito a morte John. Quest’ultimo
ringrazia Buck e gli fa comprendere di dover vivere secondo i
propri istinti. È così che, dopo aver detto addio all’amico e
padrone, il cane si dirige nella natura selvaggia, dove intraprende
una nuova vita.
Il trailer di Il richiamo
della foresta e dove vederlo in streaming e in TV
È possibile fruire di Il
richiamo della foresta grazie alla sua presenza su
alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in
rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Rakuten
TV, Apple TV, Prime Video e Disney+. Per vederlo, una
volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il
singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così
modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità
video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di
venerdì 19 aprile alle ore 21:20
su Italia 1.
L’adattamento cinematografico
La ragazza della paludeprodotto da
Reese Whiterspoon del bestseller del New York
Times di Delia Owens, Where the
Crawdads Sing, è ora su Netflix, con
Daisy
Edgar-Jonesnel
ruolo principale di Kya Clark. Il film rimane fedele ai
valori fondamentali del romanzo e realizza persino i dettagli più
minuti con un occhio genuino al testo originale. Quasi tutti gli
aspetti sono inclusi nella traduzione. Tuttavia, ci sono alcuni
elementi del libro che non sono stati inclusi o sono stati
modificati nella sceneggiatura di Lucy Alibar.
Dalle discussioni sulla razza, la cronologia e i temi trasversali,
fino a piccoli dettagli che a prima vista potrebbero sembrare
superflui, ci sono molti argomenti da approfondire quando si
confrontano le due opere.
In primo luogo, sarebbe utile
esaminare tutte le piccole cose che sono cambiate tra il libro e il
film e che sono evidenti ai grandi fan. All’inizio potrebbero
sembrare insignificanti, ma scavando più a fondo si scoprono
messaggi importanti che si perdono a causa di queste modifiche. Che
si tratti della mancanza del cappello rosso di Tate (Taylor
John Smith) durante la sua infanzia, del nuovo confronto
di Tate con Chase Andrews (Harris Dickinson) o del
taglio della morte del padre di Tate (sono cambiate molte cose
su Tate), ogni piccolo cambiamento solleva domande e ha un
effetto a catena nella narrazione. Anche il colore dei capelli di
Kya passa dal nero al marrone.
Il cane scomparso
L’esempio più lampante di questo
effetto a catena è rappresentato dai cambiamenti apportati al bar
della città. Il Dog Gone, un locale che nel film viene a malapena
messo in evidenza, è stato unito al bar della città (un’attività
separata nel libro) ed è gestito da un’allegra donna in blu.
L’aspetto più significativo è che Owens sottolinea più volte che le
donne non sono ammesse al Dog Gone e si sofferma in particolare
sulle prime due donne che frequentano il bar quando Barkley Cove
entra nell’era moderna. Senza questo dettaglio, lo spettatore si
perde un aspetto di uno dei temi principali della storia: il
trattamento delle donne nel Sud di metà secolo. Anche se non
influisce sull’intero arco narrativo, la sua omissione è
sicuramente deludente.
Un altro aspetto del romanzo che
viene deludentemente tralasciato dal film è il commento sul
trattamento dei neri nell’epoca. Attraverso la voce interna, viene
rivelato che Kya ha molti pensieri sul suo rapporto con la figura
paterna e il negoziante Jumpin’ (Sterling Macer,
Jr.), che è nero. Sebbene questa ruminazione non sia
facilmente trasferibile sullo schermo, poiché non possiamo leggere
i pensieri di Kya, è sicuramente dannoso per il film tralasciare le
discussioni sul perché Kya non possa abbracciare Jumpin’ o sul
perché lui e sua moglie, Mabel, creino disturbo sedendosi in prima
fila al processo di Kya. Forse la decisione più controversa è stata
quella di eliminare la scena in cui Kya difende Jumpin’ da due
ragazzi bianchi che lo molestano per strada. La scena è certamente
un’espressione del carattere di Kya, ma ha anche un leggero accenno
al tropo del salvatore bianco, quindi la sua rimozione merita un
serio dialogo.
Cronologia riordinata
Forse il cambiamento più evidente
apportato nel passaggio dalla pagina allo schermo è la cronologia
della storia. Diversi punti della trama vengono spostati, come ad
esempio il numero di libri pubblicati da Kya quando viene accusata
di omicidio o quando riesce a pagare le tasse arretrate sulla sua
proprietà. Tuttavia, non sono solo semplici punti a essere
ricomposti. L’intera storia viene apparentemente stravolta,
cambiando completamente la visione del film. Mentre il libro
affrontava la narrazione dal punto di vista della vita di Kya,
intervallando sporadicamente flash-forward dell’indagine
sull’omicidio tra lunghi tratti di descrizione dell’esperienza di
Kya che cresce nella palude, si innamora, perde persone e alla fine
viene arrestata, il film inizia con l’arresto di Kya.
La trama di
La ragazza della palude si basa sul processo per
omicidio, e tutto il contesto si presenta sotto forma di flashback
ben calibrati sul passato di Kya, ribaltando completamente la
narrazione. Per questo motivo, gli spettatori tendono a vederlo
come un giallo, piuttosto che come un coming-of-age su una donna
che ha subito un torto e che viene accusata di quell’omicidio. Si
ignorano in gran parte i lunghi spazi del viaggio di Kya, che
raccontano la sua infanzia abbandonata dalla famiglia, la sua
crescita da sola nella palude e la sua trasformazione in una
rinomata scienziata.
Questo comprende la maggior parte
del romanzo, mentre il processo viene semplicemente inserito a più
di metà della storia. Quando la trama è strutturata in questo modo,
i lettori sono in grado di vedere Kya come una persona intera e non
solo come qualcuno da dimostrare colpevole o meno. Senza di ciò,
diventa facile trascurarla, smorzando soprattutto la
rivelazione finale e rendendo più difficile estendere l’empatia
a Kya.
Dov’è andata Amanda
Hamilton?
La modifica più sostanziale al tema
del film è il taglio di Amanda Hamilton. La Hamilton, una poetessa
prolifica pubblicata in molti giornali e riviste locali di Barkley
Cove, è un soggetto di grande ammirazione per Kya. Insieme ad
altri, come Emily Dickinson, Kya recita o ricorda spesso le sue
poesie nel corso del romanzo, ognuna relativa alla sua situazione
attuale. Alla fine del libro, Tate trova pagine e pagine di poesie
di Amanda Hamilton scritte a mano da Kya dopo la sua morte,
rivelando al pubblico che per tutto il tempo ha inviato
segretamente i suoi lavori con questo nome. Sebbene sia stato
intelligente per i tempi eliminare le poesie della Hamilton dal
film, in quanto non hanno alcun ruolo nella storia, è certamente
scoraggiante e rimuove un intero aspetto della personalità di Kya.
La
sorpresa finale non è altrettanto intrigante senza questa
ulteriore rivelazione, diminuendo ancora una volta l’empatia del
pubblico per Kya.
Sebbene ognuna di queste differenze
significative tra
La ragazza della palude e il libro di Where the
Crawdads Sing danneggi il successo del film, esso rimane
comunque in gran parte fedele al testo originale, rendendo grande
giustizia a Owens. Se gli spettatori sono alla ricerca di un
adattamento che includa tutti i dettagli fondamentali per il
successo del suo predecessore, non devono cercare oltre. Alibar,
pur prendendosi le sue libertà creative, fa un ottimo lavoro per
attenersi allo spirito principale di Where the Crawdad’s
Sing.
Gifted Hands – Il
dono è un film drammatico biografico per la televisione
del 2009 diretto e co-prodotto da Thomas Carter, scritto da
John Pielmeier e interpretato da Cuba
Gooding Jr, Kimberly Elise e Aunjanue Ellis. Il film è
basato sull’autobiografia del neurochirurgo (e poi politico) Ben
Carson, co-scritta da Cecil Murphey e pubblicata con lo stesso
titolo nel 1990. Attualmente è disponibile su Netflix.
Il film, presentato da Johnson
& Johnson Spotlight, è stato trasmesso in anteprima su TNT
sabato 7 febbraio 2009. Gooding Jr. è stato
nominato per lo Screen Actors Guild Award per l’eccezionale
performance di un attore maschile in una miniserie o film
televisivo. Carter è stato nominato per il Directors Guild
of America Award per la regia di un film televisivo. Il
film ha inoltre ricevuto una nomination ai Critics’ Choice
Television Award come miglior film/miniserie e quattro nomination
ai Creative Arts Emmy Award.
Di cosa parla Gifted Hands – Il
dono
Nel 1987, il dottor Ben Carson si
reca a Ulm, in Germania, per incontrare una coppia di coniugi Peter
e Augusta Rausch, che hanno due gemelli uniti dietro la testa. Il
dottor Carson ritiene di poterli separare con successo, ma si rende
conto che rischia di perdere uno o entrambi. Dopo aver spiegato il
rischio, e nonostante questo, Ben accetta di operare.
Durante i quattro mesi che trascorre facendo ricerche e formulando
un piano per aumentare le possibilità di successo dell’intervento,
il film si sposta nel 1961 a Detroit, Michigan, quando l’undicenne
Ben Carson va male a scuola. La madre single Sonya, che ha solo la
terza elementare, è preoccupata per i fallimenti scolastici di
entrambi i figli e decide di fare qualcosa.
Per prima cosa, impone a Ben e al
fratello maggiore Curtis di imparare le tabelline della
moltiplicazione e, a loro insaputa, si fa ricoverare in un istituto
psichiatrico per combattere la depressione. Quando torna,
stabilisce che i suoi figli guardano troppa televisione, quindi li
limita a non più di due programmi a settimana, imponendo loro di
leggere libri e di scrivere relazioni su di essi. Nasconde a Ben e
Curtis il fatto di essere analfabeta e di non poter quindi leggere
le loro relazioni sui libri.
Ben e Curtis iniziano a imparare
molto dal mondo dei libri
Ben e Curtis iniziano a imparare
molto dal mondo dei libri. Nel giro di un anno, Ben passa
dall’ultimo della classe al primo posto. Dopo la cerimonia di
consegna dei diplomi della scuola media, in cui l’insegnante dice
con rabbia ai compagni bianchi di Ben che dovrebbero vergognarsi
per aver ottenuto risultati peggiori di Ben, nero e meno
privilegiato, Sonya fa iscrivere Ben a una scuola superiore
prevalentemente nera.
Nella nuova scuola, Ben è
ripetutamente vittima di bullismo da parte di due studenti, ma si
riappacifica dopo averli superati in una battaglia di battute su
“yo mama”. Ben presto si rivelano tossici e danno a Ben un
coltello. Nel frattempo, Ben cova un temperamento irascibile che
culmina quando minaccia fisicamente Sonya e quasi accoltella uno
dei suoi ex bulli. Anche se la lama colpisce la fibbia della
cintura dell’amico e non si conficca, Ben corre a casa in preda
all’orrore e chiede a Dio di perdonare il suo brutto carattere,
secondo la sua fede avventista del settimo giorno, permettendogli
di riprendersi.
Dopo un duro lavoro e una forte
determinazione, Ben riceve una borsa di studio per l’Università di
Yale, dove incontra la sua futura moglie, Candy Rustin, che lo
sostiene nella sua lotta per superare Yale. Dopo aver studiato
neurochirurgia, Ben viene accettato come specializzando al Johns
Hopkins Hospital, dove si trova di fronte a un dilemma che potrebbe
porre fine alla sua carriera: operare un uomo morente senza
autorizzazione o supervisione o lasciarlo morire. Accetta il
rischio e salva la vita dell’uomo, venendo poi promosso dal suo
superiore.
Nel 1985, dopo che la madre di Ben
ha raggiunto la famiglia nel Maryland, Candy viene portata
d’urgenza in ospedale dove abortisce i suoi due gemelli. Il dottor
Carson resta con lei tutta la notte fino al mattino successivo,
quando esegue un intervento raro, un’emisferectomia, in cui rimuove
metà del cervello di un bambino di quattro anni che ha convulsioni
cento volte al giorno. Nonostante i drastici rischi, l’intervento è
un successo e la bambina si riprende molto più velocemente di
quanto Ben avesse previsto, il che gli procura il primo assaggio di
esposizione mediatica.
Il film torna poi a quando Ben si
sta preparando a un’operazione rischiosa per separare i due gemelli
congiunti alla testa. Quando i quattro mesi stanno per finire, Ben
non riesce ancora a trovare un modo per separare i gemelli. Poi
riceve un’illuminazione mentre gioca a biliardo da solo e, di
conseguenza, elabora un piano. A 22 ore dall’intervento, il dottor
Carson e la sua équipe riescono a separare i gemelli, salvando le
loro vite e liberando i genitori Peter e Augusta. Il film si
conclude con il dottor Carson circondato dalla stampa.
Apple TV+
ha svelato le prime immagini di K-Pop Idols, il
nuovo documentario in sei parti che farà il suo debutto il 30
agosto per offrire al pubblico un pass backstage senza precedenti
per il dietro le quinte alla realtà altamente competitiva del mondo
K-pop.
Lo sfarzo incontra la grinta,
mentre sul palco gli artisti K-pop Jessi, CRAVITY e BLACKSWAN danno
tutto ciò che hanno a una forma d’arte che non richiede niente di
meno della perfezione. Nel corso di sei episodi, la serie segue le
superstar superare le sfide per arrivare al successo
e abbattere le barriere culturali e musicali nel mondo
del K-pop grazie alla passione, alla creatività e alla
determinazione con cui inseguono i loro sogni.
K-Pop Idols è
prodotto per Apple TV+
da Matador Content di Boat Rocker con il produttore esecutivo,
vincitore dell’Emmy, Todd Lubin (“Billy Eilish: The World’s a
Little Blurry”) e Jack Turner (“War Game”), insieme al premio Emmy
Award Jay Peterson (“Billy Eilish: The World’s a Little Blurry”),
Bradley Cramp (“Lord of War”), Chris Kasick (“Citizen Sleuth”),
Eric Yujin Kim (“Undoing”), Sue Kim (“The Speed Cubers”) ed Elise
Chung (“Bling Empire”).
Apple
TV+ offre serie drammatiche e commedie avvincenti e di
qualità, lungometraggi, documentari innovativi e intrattenimento
per bambini e famiglie, ed è disponibile per la visione su tutti i
tuoi schermi preferiti. Dopo il suo lancio il 1° novembre
2019,Apple
TV+ è diventato il primo servizio di streaming
completamente originale a essere lanciato in tutto il mondo, ha
presentato in anteprima più successi originali e ha ricevuto
riconoscimenti più velocemente di qualsiasi altro servizio di
streaming. Ad oggi, i film, i documentari e le serie originali
Apple sono stati premiati con 499 vittorie e 2.262 nomination ai
premi, tra cui la commedia pluripremiata agli Emmy “Ted Lasso” e lo
storico Oscar come Miglior film a “CODA”.
Due reporter agguerrite, una alta e
di origine WASP, l’altra più bassa ed ebrea, in uno dei giornali
più potenti del Paese, lottano per chiedere conto a un uomo
estremamente potente e senza scrupoli, disposto a spendere enormi
quantità di denaro e di influenza per mantenere il muro di silenzio
che lo ha protetto per molti anni. Non sto parlando di Tutti
gli uomini del presidente, ma di Anche io
(She Said), la drammatizzazione di come le
reporter del New York Times Jodi Kantor (Zoe
Kazan) e Megan Twohey (Carey
Mulligan) hanno messo insieme la loro denuncia delle
molestie subite dal magnate del cinema Harvey Weinstein, che vanno
dal bullismo fino alle aggressioni sessuali.
Come nel caso di Woodward e
Bernstein, Kantor e Twohey si sono trovati di fronte alla
riluttanza delle persone ad andare in onda, e il film descrive la
loro combinazione di persistenza, persuasione e suppliche che alla
fine ha rotto la diga. Dato che le affermazioni sul comportamento
di
Weinstein raccontate in Anche io (She Said)She Said
sono già state vagliate dagli avvocati del New York Times e
presentate come prove giurate in un tribunale, è improbabile che si
tratti di fantasia. Ciò che forse è più interessante è ciò che il
film sceglie di tralasciare o di accennare solo di sfuggita.
Abbiamo letto l’omonimo libro di Kantor e Twohey, e consultato i
resoconti di Ronan Farrow e altri, per determinare quali parti del
film sono tratte direttamente dalla vita reale e quali sono licenze
artistiche.
Weinstein ha messo sotto
sorveglianza i giornalisti?
Nel film, Kantor ha la sensazione
che un furgone nero con i finestrini oscurati la stia seguendo
lungo una strada buia. Mentre guarda indietro, il furgone accelera
per superarla. Non viene mai più menzionato.
In realtà, Weinstein ha utilizzato
due società di sorveglianza segrete per tenere sotto controllo non
solo Kantor e Twohey, ma anche altri reporter che lavoravano a
storie su di lui, nonché le fonti che parlavano con i reporter, il
tutto allo scopo di fare pressione su di loro per farli tacere. Una
era la Kroll, un servizio di intelligence aziendale affermato.
L’altro era il Black Cube, un servizio di intelligence israeliano
con ex agenti del Mossad e di altri servizi segreti.
Sebbene il film non spieghi mai chi
fosse nel furgone nero o se stesse effettivamente seguendo Kantor,
in realtà Weinstein si era servito di Kroll per anni, per compilare
profili psicologici su molti individui che percepiva come
problematici. Secondo quanto
riportato da Ronan Farrow sul New Yorker, già a metà degli anni
Duemila Weinstein aveva ingaggiato la società per raccogliere
informazioni sul defunto David Carr, che stava scrivendo un
articolo su di lui per il New York Magazine.
Farrow ha anche riferito che
un’agente di Black Cube, che si faceva chiamare “Diana Filip”, si è
spacciata per un’attivista per i diritti delle donne e ha
incontrato Rose McGowan – una delle prime fonti dei giornalisti del
Times, che alla fine ha accusato Weinstein di stupro – registrando
di nascosto le loro quattro conversazioni. Sostenendo di essere una
direttrice di una società di gestione patrimoniale con sede a
Londra, ha chiesto alla McGowan di parlare a un gala di beneficenza
per un’iniziativa che combatte la discriminazione delle donne sul
posto di lavoro per un compenso di 60.000 dollari. Ha anche inviato
e-mail sia a Kantor che a Farrow, cercando di ingraziarsele.
Tuttavia, l’unico riferimento a lei nel film è una menzione di
sfuggita di un’e-mail di “Diana Filip”.
Weinstein ha anche usato i suoi
legami con i giornalisti dei tabloid per ottenere informazioni
sulle sue accusatrici. Dylan Howard, che era il responsabile dei
contenuti della società che pubblica il National Enquirer, ha
condiviso il materiale che la rivista aveva per aiutare Weinstein a
smentire le accuse di stupro della McGowan. Ha anche fatto chiamare
da uno dei suoi reporter Elizabeth Avellán, la produttrice ed ex
moglie del regista Robert Rodriguez, che Rodriguez aveva lasciato
mentre aveva una relazione con la McGowan, nella speranza di
convincerla a rivelare il suo segreto su McGowan, ma Avellán ha
rifiutato.
L’aspetto più perverso è che
Weinstein ha fatto chiamare da due ex dipendenti, Denise Chambers e
Pamela Lubell, i loro ex colleghi nel tentativo di individuare chi
potesse essere tentato di parlare con i giornalisti delle accuse.
Tuttavia, Lubell ha dichiarato di essersi recata nell’ufficio di
Weinstein nel 2017 per proporgli un’applicazione che stava
sviluppando, e lui si è limitato a suggerire a lei e alla Chambers
di scrivere un “libro divertente sui vecchi tempi, il periodo
d’oro, della Miramax”, e di fornirle un elenco di tutti i
dipendenti che conosceva e di mettersi in contatto con loro.
L’elenco, ovviamente, fu consegnato a Kroll.
Weinstein ha davvero detto di
trovare le donne asiatiche ed ebree poco attraenti?
Kantor e Twohey scoprono che la
chiave della storia non sono le attrici di alto profilo molestate
da Weinstein, ma tre ex assistenti del produttore nell’ufficio di
Londra: Zelda Perkins (Samantha Morton), Rowena Chiu (Angela Yeoh)
e Laura Madden (Jennifer Ehle). La Chiu vive attualmente in
California e quando nel 2015 Kantor si reca a casa sua e trova il
marito che sta innaffiando il prato, scopre che non sa che la
moglie ha mai lavorato nel mondo del cinema. È Zelda a dare la
prima svolta ai giornalisti quando consegna loro una copia
dell’accordo di non divulgazione che ha firmato con Miramax.
Racconta anche che quando, in qualità di assistente capo di
Weinstein, assunse per la prima volta Rowena, allora ventunenne e
neolaureata all’Università di Cambridge, Weinstein le assicurò che
si sarebbe comportato bene con la nuova ragazza perché “non gli
piacevano le donne ebree o asiatiche”.
In effetti, mentre Chiu ha ricordato
in
un articolo del New York Times del 2019 che “aveva assicurato a
Zelda che non mi avrebbe molestato perché, se non ricordo male, non
si occupava di ragazze cinesi o ebree”, Weinstein le disse in
seguito che “gli piacevano le ragazze cinesi. Gli piacevano perché
erano discrete”. Poco dopo, scrive la donna, tentò di
violentarla.
Come da istruzioni di Perkins, Chiu
aveva indossato due paia di collant per proteggersi quando era
stata convocata nella stanza d’albergo di Weinstein per un incontro
durante la Mostra del Cinema di Venezia. Tuttavia, anche se lei “ha
cercato di placarlo togliendone uno e lasciandomi massaggiare… non
ha funzionato. Lui si era tolto l’altro paio e io ero terrorizzata
che la mia biancheria intima fosse la prossima”. Harvey si
avvicinò: Per favore, mi disse, solo una spinta e sarà tutto
finito”.
Chiu riuscì a scappare e si rifugiò
immediatamente nella stanza di Perkins. Una volta tornate a Londra,
le due donne cercarono di denunciare Weinstein ai suoi superiori e
alla polizia, ma si sentirono dire che nessuno avrebbe creduto
loro. Al contrario, furono costrette a firmare un accordo di non
divulgazione che non permetteva loro di parlare con familiari,
amici o terapeuti e imponeva loro di identificare chiunque avesse
già parlato con loro. Non è stato nemmeno permesso loro di tenere
una copia dell’accordo.
Laura Madden si è dichiarata
subito prima dell’intervento chirurgico?
Jodi e Megan hanno bisogno di una
fonte che confermi la loro storia prima che vada in stampa, ma non
riescono a far parlare nessuno. Chiamano Madden poco prima
dell’ultima scadenza per l’articolo, che coincide anche con il
momento in cui Laura deve sottoporsi a un intervento di
ricostruzione dopo una mastectomia. In camice d’ospedale, la donna
concede loro il permesso di utilizzare la sua intervista per la
storia.
Sembra un accostamento creato a fini
drammatici, ma in realtà è vero. Come gli altri assistenti di
Weinstein, Madden era una donna giovane e inesperta quando, nel
1992, ottenne quello che pensava fosse il lavoro dei suoi sogni nel
mondo del cinema, un lavoro di coordinamento delle comparse per la
produzione Miramax Into the West, girata nella sua nativa
Irlanda. Questo la portò a essere convocata nella stanza d’albergo
di Weinstein a Dublino, dove lui le disse che poteva garantirle un
lavoro permanente nell’ufficio londinese della Miramax, ma poi si
tolse l’accappatoio e pretese che lei gli facesse un massaggio
prima di, secondo lei, aggredirla sessualmente. Come Chiu, anche
lei ha immediatamente raccontato a Perkins l’accaduto. Dopo che
Perkins ha affrontato il suo capo, questi si è scusato e Madden ha
continuato a lavorare per Miramax per sei anni. Tuttavia, come
racconta nel libro a Kantor e Twohey, “la sensazione più forte che
ricordo è stata la vergogna e la delusione per il fatto che
qualcosa di così promettente si fosse ridotto a questo. Ogni
speranza che mi venisse offerto un lavoro per merito mio era
svanita”.
In realtà, è stato il tentativo di
Weinstein di intimidirla che l’ha motivata a parlare in via
ufficiale. Una settimana prima che Kantor la chiamasse nel luglio
2017, ricevette una telefonata da Lubell, con cui non parlava da
almeno due decenni. “Mi telefonava per chiedermi se stavo parlando
con qualche ‘giornalista scarafaggio’ e cercava di convincermi a
dire quanto fosse stato bello lavorare alla Miramax. E io ero
davvero scioccato. All’improvviso ho pensato: “È stata costretta a
chiamarmi”, c’è Weinstein dietro tutto questo. Questo mi ha spinto
ad aspettarmi una telefonata da non so chi, ma da un giornalista.
Quando Jodi mi chiamò, ero assolutamente pronta e preparata a
parlarle, all’inizio in via ufficiosa“, ha
ricordato Madden.
Ormai aveva abbandonato da tempo
l’industria cinematografica e viveva in Galles, crescendo le sue
figlie. Ancora più sorprendente è il fatto che quando Kantor la
chiamò e lei accettò di parlare, non solo si stava riprendendo dal
cancro al seno, ma aveva anche divorziato da poco e aveva appena
scoperto che l’ex marito aveva una nuova fidanzata.
Dopo aver intervistato Madden in
estate, la Kantor si è tenuta in contatto nei mesi successivi,
mentre Madden valutava se fosse disposta a rendere pubblica la
notizia. “Avevamo accumulato informazioni a New York, tra cui
un promemoria molto prezioso che non potevamo più tenere
nascosto”, ha
detto Kantor. “Laura e io… ci siamo rese conto, credo con
orrore di entrambe, che l’intervento chirurgico [per il cancro al
seno] di cui Laura mi aveva già parlato… sarebbe coinciso con la
pubblicazione della nostra storia. Megan e io ci siamo chieste:
“Come possiamo chiederle di parlare? È troppo da chiedere a
chiunque”. Allo stesso tempo, non potevano permettersi di
perdere Madden perché non aveva firmato un NDA ed era l’unica donna
disposta a parlare.
Prima di decidere di partecipare
alla storia, Madden ha raccontato l’aggressione alle sue figlie,
ora adolescenti. “Continuavano a dire: ”Sono così orgogliosa di te,
è così bello che tu faccia parte di questa storia. Le cose devono
cambiare”. Vedendo la loro reazione, è stato chiaro che avevo un
ruolo da svolgere”, ha detto Madden. “La sera seguente ho inviato
un’e-mail a Jodi e Megan. Penso che una volta inviata quell’e-mail
ho preso la decisione di andare fino in fondo e di non essere
esitante sul fatto di aver preso la decisione sbagliata”.
Lena Dunham ha davvero cercato
di aiutare?
In una breve scena del film, Kantor
e Twohey vengono a sapere che Lena Dunham e la sua produttrice
Jenni Konner vogliono aiutarli.
Nella vita reale, alla ricerca di
donne dello spettacolo che potessero essere potenziali testimoni, i
reporter sono stati messi in contatto con la Dunham. Come
descrivono i giornalisti nel loro libro, all’inizio erano
diffidenti perché Dunham non sembrava una persona che avrebbe
mantenuto la riservatezza. Vennero a sapere che Dunham e Konner,
come molti altri nel settore, avevano sentito parlare del
comportamento predatorio di Weinstein e volevano denunciarlo nella
loro Lenny Letter online, ma non avevano le risorse per gestire
un’indagine del genere. Tuttavia, i due creatori di Girls sono riusciti a inviare discretamente a Twohey e
Kantor i nomi e i numeri di attrici che avrebbero potuto essere
disposte a parlare. Alla fine hanno preso un pesce grosso, Gwyneth
Paltrow.
Weinstein ha davvero cercato di
parlare con Kantor “da ebreo a ebreo”?
Alla fine del film, Kantor racconta
a Twohey che un membro del team di Weinstein l’aveva avvicinata nel
tentativo di dissuaderla dal continuare la storia, chiedendole di
parlarle “da ebreo a ebreo”. In una scena precedente, Kantor cerca
di conquistare uno dei rappresentanti di Weinstein legando con le
loro origini comuni.
Parlando con il Forward, la Kantor
ha detto che la scena in cui viene rappresentata mentre lega con il
contabile di Weinstein, Irwin Reiter, per il fatto che entrambi
sono discendenti di sopravvissuti all’Olocausto e che entrambi
hanno trascorso le vacanze di famiglia in un bungalow di Borscht
Belt è accurata. “Era un modo per dire: ‘Io e te siamo un po’
uguali’. C’è una parte di noi che proviene da un mondo che gli
altri non capiscono. E non si tratta solo di essere ebrei. È un
sottoinsieme di un sottoinsieme di un sottoinsieme di un
sottoinsieme dell’essere ebreo“, ha detto Kantor, paragonando
questa ‘autentica connessione ebraica” ai tentativi più
manipolatori di Weinstein di stabilire un rapporto simile.
“Weinstein ha ripetutamente cercato
di relazionarsi con me da ebreo a ebreo”, ha ricordato. “Non ho mai
reagito visibilmente, perché si cerca sempre di rimanere molto
professionali, soprattutto con una persona come lui. Ma non è stato
efficace. E nel profondo, anche se non l’avrei mai mostrato, l’ho
trovato offensivo”. … L’ipotesi di Weinstein che il tribalismo
potesse in qualche modo prevalere sulla mia etica di giornalista –
che io fossi in qualche modo distratto da questa storia, sai, da un
comune legame ebraico – alla fine è stato un tale errore di
calcolo”.
In nome di Odino, cosa è successo
nell’emozionante finale della terza stagione dell’epico show di
NetflixVikings: Valhalla? Fino all’ultimo
episodio, i nostri tre protagonisti principali, Freydis Eriksdotter
(Frida Gustavsson), Leif Erikson
(Som Corlett) e Harald Sigurdsson (Leo
Suter), non erano riusciti ad unirsi come alcuni
avevano previsto. In realtà, non sono mai stati così lontani
l’uno dall’altro come in questo finale. Lo show
creato
da Jeb Stuart ha riportato Freydis nella sua terra
natale, la Groenlandia, dopo aver abbandonato Jomsborg, dove ha a
che fare con l’ambiguo padre, Erik il Rosso (Goran
Visnjic).
Ora più che altro accademico e
filosofo, Leif viaggia per il mondo e finisce per tornare a
Gattegat con Re Canuto (Bradley Freegard), alla
ricerca di un passaggio verso un nuovo mondo occidentale. Per
quanto riguarda Harald, la sua insaziabile sete di potere e
l’imperatrice Eleana (Sofya Lebedeva) lo hanno
riportato in catene a Costantinopoli, accusato ingiustamente di
aver ucciso l’imperatore Romanos III (Nikolai
Kinski), ed è alla mercé della sua nemesi, il generale
George Maniakes (Florian Munteanu). Inutile dire
che nell’episodio finale, “Destini”, ci sarà
da risolvere un bel po’ di questioni, che porteranno al
punto di partenza.
Tutte le strade riconducono a
Kattegat per i nostri tre personaggi principali
Nel
penultimo episodio, “Hardrada”, Freydis deve fare i conti con
suo padre, Erik il Rosso, la cui disperazione per sfamare il suo
popolo sull’arida isola della Groenlandia lo ha costretto a rapire
Harald Jr. Freydis lo sfida in battaglia ed è pronta a ucciderlo,
ma non può farlo finché non ha riavuto suo figlio al sicuro.
Finisce per imbarcarsi su una nave per tornare a
Kattegat. Harald fugge dalla prigione come Edmond
Dantès ne “Il conte di Monte Christo” e torna in un piccolo
villaggio a nord di Kettegat, dove si imbatte in Leif, che vuole
vendicarsi di quella che crede essere la morte di Freydis. Infine,
si ritrovano tutti e tre insieme nella stessa sala comune di
Kattegat dove si erano riuniti per la prima volta nella Stagione 1.
Dopo i viaggi sensazionali di Freydis, Harald e Leif, nel
finale della serie si ritroveranno nella roccaforte dell’Impero
vichingo.
Chi finirà sul trono di Canuto
morente alla fine?
Quando tutti arrivano a Gattegat,
ci sono una manciata di potenziali eredi al trono del malato re
Canuto. In punto di morte, Canuto vuole che sua moglie, la regina
Emma di Normandia (Laura Berlin), assuma il ruolo.
Harald si considera ancora l’opzione migliore per guidare i suoi
concittadini. La minaccia più mortale è rappresentata dal folle
figlio di Olaf (Johannes Haukur Johannesson),
Magnus Olafsson (Set Sjostrand). Egli uccide Svein
(Charlie O’Connor), il re di Norvegia in carica, e
sua madre, la regina Aelfgifu (Pollyanna
McIntosh), mentre tenta di fare un colpo di
stato. Quando gli anziani decidono di far governare
insieme la Norvegia ad Harald e Magnus, questi ultimi accettano.
Tuttavia, Magnus chiede che la “strega pagana” Freydis venga
bruciata viva. Vuole vendicare la morte del padre avvenuta per mano
di Freydis alla fine della seconda stagione. Harald inizialmente
accetta, ma nessuno crede che né lui né Leif permetteranno mai che
ciò accada. Dopo che Canuto è stato messo a riposo, la
battaglia per l’unico vero sovrano è iniziata.
Le scene finali di
“Vikings:Valhalla” spiegate
Mentre Freydis è legata a un palo
che sta per essere bruciato, inizia a invocare gli Antichi Dei per
far sentire la loro presenza. Le fiamme nascono e si sviluppano in
diverse direzioni, provocando la colluttazione della folla.
Mentre la pira si accende ai suoi piedi, Leif la soccorre e
la fa scendere dal palo della strega. Quando il fumo si
dirada, Magnus vede che Freydis è fuggita. Nel frattempo, a Londra,
il perfido Conte Godwin (David Oakes) ha
compiuto il suo colpo di stato e ha piazzato il suo fantoccio
accanto a Emma. Sempre fredda come un cetriolo, la saggia
regina Emma asseconda il piano, aspettando l’opportunità
di convalidare i desideri del defunto marito Canuto.
Una volta chiarito, Harald
abbraccia Frydis e stringe la mano al suo compagno, Leif, prima di
metterli su una barca per l’Islanda. Una volta che i suoi amici
sono al sicuro lontano da Kattegat, Harald fa imprigionare Magnus
per il suo tentativo di colpo di stato. Harald sfida poi tutti i
vichinghi presenti nella sala a contestare il suo governo. Nessuno
lo fa. Gli viene consegnato l’elmo del re e si proclama re
di Norvegia, “Harold Hardrada”. Gli uomini si battono il
petto per sostenere il nuovo re e cantano all’unisono “Hardrada”.
L’inquadratura finale immortala Freydis e Leif felici e
contenti mentre salpano verso il mare aperto, chiudendo in
modo appropriato uno spettacolo fantastico e divertente.
Il presidente dei Marvel
Studios Kevin Feige arriva al Los Angeles Premiere Of Columbia
Pictures '' 'Spider-Man: No Way Home' tenutosi al Regency Village
Theatre il 13 dicembre 2021 a Westwood, Los Angeles, California,
Stati Uniti. — Foto di imagepressagency via
Depositphotos
Jonathan Majors ha ricevuto molti elogi per il
suo lavoro nel ruolo di Kang il Conquistatore nel MCU, impressionando fan e critica
in Loki e Ant-Man and The Wasp: Quantumania. Il
cattivo che viaggia nel tempo stava per diventare il nuovo grande
cattivo del MCU. Tuttavia, quando Majors si è trovato coinvolto in
un processo che si è concluso con la sua condanna per aggressione e
molestie nei confronti della sua ex fidanzata, il suo tempo come
Kang si è comprensibilmente interrotto, come confermato dai Marvel
Studios guidati da Kevin Feige.
Se a ciò si aggiunge che il trequel
di Ant-Man ha sprecato la variante “Conquistatore”, è ovvio che i
Marvel Studios sembra si allontaneranno dal personaggio nel
prosieguo della Saga del Multiverso. Parlando con Screen Rant, il presidente dei
Marvel Studios Kevin Feige ha completamente evitato la
domanda se Kang – interpretato da un nuovo attore – sarà ancora
presente in Avengers
5 (precedentemente noto come Avengers: The Kang
Dynasty).
“Ho fatto diverse interviste
negli ultimi due giorni e lei è la prima persona che me lo ha
chiesto”, ha risposto. “Le riconosco il merito di aver
posto la domanda, e mi riconosco il merito di aver cercato di
evitarla del tutto”. Con un po’ di fortuna, però i piani della
Saga del Multiverso di Feige saranno rivelati durante il panel
Hall H dei Marvel Studios al San Diego Comic-Con di domani. La
speranza, infatti, è che a quel punto Feige sveli quali sono i
piani ufficiali per il personaggio e le prossime fasi del MCU.
L’avvincente serie
Lady in the Lake, che ha debuttato
la scorsa settimana su Apple TV+, sta già
coinvolgendo il pubblico con la storia di due donne i cui
destini si intrecciano nella Baltimora degli anni
Sessanta. Maddie Schwartz (Natalie
Portman) è una casalinga ebrea benestante, la cui
vita perfetta inizia a complicarsi dopo aver iniziato a guardare
con attenzione al proprio malcontento. La sua storia si collega a
quella di Cleo Johnson (Moses Ingram), una madre
single nera che lotta per sbarcare il lunario. Il primo episodio si
apre con la morte di Cleo, ma la storia che racconta gli eventi
della vita di Cleo (e la sua morte) si sviluppa mentre la serie
torna indietro di un mese. Lo show esplora le numerose difficoltà
che entrambe le donne hanno affrontato, ma Lady in the
Lake è in realtà basato su un libro.
Laura Lippman ha
pubblicato il suo romanzo bestseller (con lo stesso titolo) nel
2019 e si è scoperto che la Lippman si è ispirata a eventi reali
accaduti a Baltimora. Sebbene gli eventi descritti nel libro e
nella serie non siano reali al 100%, essi derivano dalla
morte di due personaggi di Baltimora. In un’intervista
rilasciata aNPR, la Lippman ha dichiarato di essere interessata a
fondere fatti e finzione: “Una volta che ho deciso che un crimine
reale sarà la mia fonte di ispirazione, non faccio più ricerche al
riguardo. Perché non voglio sapere nulla di quel crimine. Mi ha
attirato per una sorta di possibilità tematica”. I temi di
Lady in the Lake, tra cui la ricerca
da parte delle donne di diventare più di quello che la società si
aspetta da loro e il tipo di persone che ricevono più
attenzione nella nostra cultura, sono presenti nell’adattamento
della serie. Ma qual è la vera storia di Lady in the Lake
che ha incuriosito tanto la Lippman?
Il romanzo Lady in
the Lake è stato ispirato da un omicidio
reale
Nella serie, una giovane ragazza di
nome Tessie Durst (Bianca Belle) scompare; il suo
corpo viene ritrovato da Maddie alcuni giorni dopo vicino al lago.
In realtà, una ragazza reale come Tessie ha ispirato
Lippman. Il 29 settembre 1969, un rabbino diede a Esther
Lebowitz, 11 anni, una bambina bianca ed ebrea, un passaggio a casa
da scuola. Fu accompagnata in una farmacia vicino a casa sua, ma
non fu più vista viva. Due giorni dopo, la polizia trovò il suo
corpo a meno di mezzo miglio da casa sua. Era stata colpita
alla testa (con lesioni compatibili con un martello).
Il corpo della Lebowitz diede agli
investigatori un indizio su chi l’avesse uccisa, dato che era
ricoperto di una sostanza simile alla sabbia e di vernice blu, che
la polizia avrebbe poi collegato allo stesso tipo di materiale
trovato nelle vasche dei pesci. Questo li ha condotti a un negozio
di pesci tropicali, che si trovava accanto alla farmacia dove la
Lebowitz si era diretta il giorno della sua scomparsa. Lì la
polizia ha trovato ciocche di capelli della Lebowitz e un martello
con sopra il suo sangue. Un uomo di 23 anni che gestiva il negozio
di pesce insieme alla madre confessò il crimine. Alla fine avrebbe
affrontato il processo e sarebbe stato condannato all’ergastolo
(dove sarebbe morto nel 2015 all’età di 69 anni).
La scomparsa iniziale di Lebowitz
ha avuto un forte impatto sulla comunità ebraica ortodossa
e sulla città di Baltimora in generale. Cittadini ebrei e
non ebrei formarono grandi gruppi di ricerca, determinati a
ritrovare la bambina. Come ha osservato un cugino di
Lebowitz, Abba Poliakoff, in un’intervista del 2014, “in
qualche modo questo evento, per quanto atroce, per un breve momento
ha davvero unito la città. Tutti sono stati coinvolti nella
tragedia, non solo la comunità ebraica”. Dopo il ritrovamento del
corpo della Lebowitz, più di 1.500 persone si sono presentate al
suo funerale per renderle omaggio. Proprio come l’evento ha
catalizzato un movimento di solidarietà e comunità per Baltimora,
nella serie la morte di Tessie galvanizza Maddie a fuggire dalla
vita da cui si sente soffocata. Ma non è stata solo la morte di
Lebowitz a ispirare la Lippman durante la stesura del
romanzo.
Chi era Cleo Johnson in Lady in
the Lake?
Solo cinque mesi prima della
tragica morte di Lebowitz, un altro cittadino di Baltimora
scomparve. Si trattava di un caso completamente estraneo a
Lebowitz, ma la storia incuriosì comunque la Lippman perché
la persona scomparsa ricevette molto meno clamore di
quanto ne avesse avuto la bambina . Shirley Parker, che nel libro e
nella serie televisiva diventa Cleo Johnson, era una giovane madre
single di colore, scomparsa dopo aver litigato con il fidanzato ed
essere uscita dall’auto in cui si trovavano. Il suo corpo fu
scoperto sei settimane dopo la sua scomparsa da una squadra di
lavoro che stava riparando le luci rotte della fontana di Druid
Lake.
Il corpo di Parker si trovava in
cima alla fontana, in una sezione incassata che ha sommerso il suo
corpo in circa un metro d’acqua. La posizione della fontana nel
lago ha fatto sì che Parker si guadagnasse il soprannome di “Lady
in the Lake”. Ma la morte di Parker fu molto più misteriosa di
quella di Lebowitz. Sebbene il referto dell’autopsia
indicasse che la donna non era stata colpita da un proiettile o
da una pugnalata, qualsiasi segno di violenza era stato cancellato
o eroso dalla decomposizione. Senza segni evidenti di un omicidio e
con l’ipotesi che potesse essere annegata accidentalmente, nessuno
fu mai accusato della sua morte.
Ma la parte più interessante della
morte di Parker è il fatto che la reazione del pubblico fu
completamente diversa da quella di Lebowitz. Per esempio, al caso
di Parker è stata dedicata pochissima attenzione da parte dei
media, soprattutto se paragonata all’ondata di pubblicità ricevuta
da Lebowitz. Il Baltimore Afro-American ha fatto un po’ di
cronaca , ma poiché la Parker era nera, molti media
tradizionali hanno pensato che nessuno fosse interessato o si
preoccupasse della sua scomparsa (o della sua morte). Non ci furono
grandi manifestazioni di dolore quando il corpo della Parker fu
ritrovato, né grandi funerali o lutti pubblici. Anche se Parker era
una madre amata e un membro laborioso della sua comunità, la sua
morte è stata accolta per lo più con il silenzio. A piangerla
sono stati solo i familiari e gli amici. Questa
disparità nelle reazioni del pubblico e nella copertura
mediatica ha incuriosito Lippman. Cosa succede ai membri
di una comunità quando la morte di una persona viene accolta con
clamore dall’opinione pubblica e un’altra viene semplicemente
sorvolata e dimenticata?
Queste due morti sono avvenute a
breve distanza l’una dall’altra, ma il modo in cui sono state
trattate dai media e dalle comunità di Baltimora è stato molto
diverso. Il razzismo e i pregiudizi hanno influenzato la copertura
mediatica e i rapporti con la comunità in modo significativo, e sia
il libro La signora del lago che la serie
descrivono come questi pregiudizi abbiano avuto un impatto su un
ampio numero di persone collegate a questi crimini (come Maddie).
Anche se né il materiale di partenza né la serie si basano su una
storia vera, i progetti puntano i riflettori su eventi
reali accaduti molti decenni fa. Anche se i loro nomi e
alcuni dettagli sui loro casi sono stati cambiati, Lady
in the Lake fa in modo che le storie di Lebowitz e
Parker vengano raccontate oggi in qualche modo.
I nuovi episodi di Lady in
the Lake sono disponibili in streaming ogni venerdì su
Apple TV+.
Le strade di San Diego, dove in
questi giorni si svolge il Comic Con sono state illuminate da un
epico spettacolo di droni. Il tutto è culminato con l’apparizione a
sorpresa di Galactus, il logo dei The
Fantastic Four e il messaggio ai fan di rimanere
sintonizzati per rivelazioni ancora più importanti durante il panel
dei Marvel Studios di sabato. Sebbene
le riprese di The
Fantastic Four
siano iniziate solo di recente, si dice che sia possibile un
filmato di presentazione e un primo sguardo alla Prima Famiglia
Marvel in costume.
Tornando a questo show di droni, non
solo si tratta del primo sguardo al Galactus del MCU, ma è anche la
conferma che avremo un’interpretazione del cattivo accurata dal
punto di vista dei fumetti, invece di un’altra nuvola vivente come
avvenuto in I Fantastici 4 e SilverSurfer. Non resta a
questo punto che attendere maggiori informazioni e prime immagini
direttamente dal set del film. Nel mentre, date un’occhiata più da
vicino all’arrivo dell’enorme Galactus a San Diego nel post X qui
sotto.
The Fantastic
Four: quello che c’è da sapere sul film
Il film è atteso al cinema
il 25 luglio 2025. Come al solito con la
Marvel, i dettagli
della storia rimangono segreti. Ma nei fumetti, i The
Fantastic Four sono astronauti che vengono trasformati
in supereroi dopo essere stati esposti ai raggi cosmici nello
spazio. Reed acquisisce la capacità di allungare il suo corpo fino
a raggiungere lunghezze sorprendenti. Sue, la fidanzata di Reed (e
futura moglie), può manipolare la luce per diventare invisibile e
lanciare potenti campi di forza. Johnny, il fratello di Sue, può
trasformare il suo corpo in fuoco che gli dà la capacità di volare.
E Ben, il migliore amico di Reed, viene completamente trasformato
in una Cosa, con dei giganteschi massi arancioni al posto del
corpo, che gli conferiscono una super forza.
Fanno parte del cast anche
Julia Garner, Paul Walter Hauser,
John Malkovich,
Natasha Lyonne e Ralph Ineson nel
ruolo di Galactus. Come confermato da Kevin Feige, il film avrà un’ambientazione nel
passato, in degli anni Sessanta alternativi rispetto alla nostra
realtà di Terra-616, per cui sarà interessante capire come i
quattro protagonisti si uniranno agli altri eroi Marvel che
conosciamo. Franklyn e Valeria
Richards, figli di Reed e Sue, potrebbero comparire nel
film, mentre Dottor Destino potrebbe avere un
semplice cameo nel finale.
Tenetevi stretti i vostri cuori e
le vostre sacre reliquie, gente, perché la storia sta per diventare
molto più calda. Dopo il successo di successi estivi come
Bridgerton
–
Stagione 3 e My Lady Jane di Prime Video, Netflix
offre al pubblico la sua ultima dose di drammi d’epoca con l’uscita
questa settimana di The Decameron(la
nostra recensione). Creata da Kathleen
Jordan e prodotta dalla creatrice di Orange is
the New Black JenjiKohan,
l’ultima serie dello streamer promette tutta la lussuria
peccaminosa e l’umorismo anticonformista che hanno contribuito a
rendere popolare il genere, con un cast di personaggi dissoluti
guidati da Tony Hale e Tanya
Reynolds di Sex
Education.
Tuttavia, anche se l’estetica
medievale e le stranezze d’altri tempi potrebbero far pensare il
contrario, parte di ciò che rende la serie di Jordan così unica è
il fatto che The
Decameronnon
è, in realtà, basato su una storia vera. La serie
trae molta ispirazione dal Decameron di Boccaccio che
raffigura l’intera società del tempo, integrando l’ideale di vita
aristocratico, basato sull’amor cortese, la magnanimità e la
liberalità coi valori della mercatura: l’intelligenza,
l’intraprendenza, l’astuzia.
Ambientato nella campagna italiana
del 1348, The
Decameronsegue
un gruppo di eccentrici nobili italianiche si
ritirano in una villa di campagna per sfuggire alla peste
bubbonica che colpisce la città di Firenze. Accompagnati dalla loro
sontuosa servitù e dai loro beni, questi aristocratici si
rallegrano presto della loro opulenta escursione, ingozzandosi di
banchetti e pettegolezzi per evitare un periodo di pestilenza
dilagante. Come mostra il trailer della serie, tuttavia, il piacere
del cast aristocratico di The Decameron contrasta
con la condizione dei soggetti comuni, richiamando l’attenzione
sulla disuguaglianza al centro del periodo feudale della serie.
Sebbene Jordan non basi la sua storia su un rigoroso resoconto
storico, la serie trae ispirazione da un materiale di
partenza ancora più accattivante.
The
Decameron di Netflix è liberamente basato su un
classico omonimo
Prendendo il nome dallo stesso
classico letterario che ne ispira la premessa, la nuova serie di
Netflix è basata approssimativamente sul Decamerone di
Giovanni Boccaccio, una raccolta di
racconti pubblicata dall’abile autore fiorentino a metà del XIV
secolo. Come la serie di Jordan, il libro ruota attorno a
sette donne aristocratiche e tre uomini che si rifugiano in
campagna per sfuggire alle strade infestate dalle malattie di
Firenze; alla fine il gruppo decide di raccontarsi storie per
passare il tempo e incorniciare la raccolta di Boccaccio. Nel corso
di dieci giorni – lasso di tempo che dà il titolo al
Decameron di Boccaccio – i nobili in fuga affrontano
una varietà di temi ed evocano storie tanto romantiche quanto
scandalose, con il gruppo che alla fine impara a vivere le
incertezze del loro periodo orribile attraverso la narrazione.
Nel corso del tempo, la raccolta di
Boccaccio è diventata un punto fermo della storia letteraria,
grazie soprattutto alle circostanze uniche e alla varietà dei suoi
racconti. Nel Decameron, il gruppo di nobili
sceglie ogni sera un re o una regina per determinare il tema della
serata, a cui solo il membro più sensazionale del gruppo, Dioneo,
spesso si sottrae; in seguito, ogni membro della festa può
dare il proprio tocco ai festeggiamenti narrativi della
notte. Il risultato è un intreccio selvaggio di 100
cronache che spaziano da racconti cavallereschi a storie
deliziosamente sconce, come la risposta piena di insinuazioni di
Dioneo al tema della fortuna perduta e recuperata del personaggio
Neifile. In una raccolta piena di monache corrotte, ingannatori
diabolici, amori condannati e altri punti fermi della narrazione
medievale, l’equilibrio tra rettitudine morale e depravazione
conferisce al Decameron un tono rinfrescante, onesto ed
esilarante.
The
Decameron è stato originariamente ispirato da
problemi del mondo reale
Al di là di come si sentono le
storie nel loro complesso, tuttavia, l’onestà del contenuto
narrativo di Boccaccio agisce come un intrattenimento più che
ludico per i personaggi principali del Decameron. Incapaci
di ignorare la dura realtà di vivere in un periodo di peste, i
personaggi di Boccaccio nel Decameron introducono
elementi più realistici nei loro racconti man mano che la raccolta
progredisce, allontanandosi dalle alte favole di cavalieri
e dal lussurioso simbolismo religioso a favore di ritratti crudi
dell’ambiente sociale del gruppo. Non solo la peste nera
viene citata in più storie, ma anche le storie successive sono
ambientate a Firenze e in tutta la Toscana, a volte anche prendendo
in giro i corrotti della legge, come un giudice locale. Poiché
Boccaccio stesso fu indubbiamente esposto alle terribili
conseguenze della peste sui suoi concittadini, il
Decameron permette allo scrittore di catturare l’inquietudine
e il terrore del suo periodo, creando al contempo una premessa
simpatica per la società moderna.
Essendo una raccolta fondata su un
gruppo di persone che lottano per coesistere all’ombra di
un’epidemia incombente,Il
Decamerondi Boccacciopossiede diversi parallelismi perspicacicon il mondo di oggi. Essere costretti a trovare
il modo di passare il tempo in una quarantena ristretta è
un’esperienza purtroppo assimilabile per quasi tutti coloro che
hanno vissuto le chiusure dei primi anni 2020, mentre la costante
minaccia di un virus potenzialmente fatale è fin troppo familiare
per coloro che sono ancora vulnerabili ai peggiori sintomi della
COVID-19. Inoltre, la gerarchia sociale introdotta nel libro è
un’altra cosa: il gruppo di persone che lottano per coesistere
all’ombra di un’epidemia incombente.
Inoltre, la gerarchia sociale
introdotta e interrogata in tutto il Decameron richiama
l’attenzione su come la disuguaglianza fiorisca in tempi di crisi.
Analogamente a come il racconto di Edgar Allan
Poe “La maschera della morte rossa” illustra come la
ricchezza possa mettere al riparo gli aristocratici dagli aspetti
più brutali di una crisi comunitaria, il Decameron ritrae
i nobili che si allontanano dalla condizione dei popolani,
mostrando una disuguaglianza feudale che sembra aver avvicinato
Kathleen Jordan al racconto di Boccaccio.
Netflix non è la prima – e nemmeno
la più nota – entità a trarre ispirazione dal Decameron.
Nei secoli trascorsi da quando la popolarità del libro si diffuse a
partire da Firenze, i luridi racconti di Boccaccio hanno
influenzato opere letterarie iconiche come i Racconti
di Canterbury di Geoffrey
Chaucere un’opera
teatrale di William
Shakespeare,Tutto è bene quel che finisce
bene. Il Decameron ha anche ispirato alcuni
poeti romantici inglesi, come John Keats, e
Netflix non è nemmeno la prima volta che Boccaccio appare a
Hollywood. Il regista Jeff Baena ha adattato
alcune delle storie del primo giorno del gruppo nella villa del
Decamerone per la sua commedia del 2017, The
Little Hours, ma l’adattamento di Jordan a queste
storie classiche è destinato a diventare il più ampio e
moderno dell’opera di Boccaccio.
Mescolando elementi della
narrazione preesistente con una maggiore attenzione ai temi sociali
del Decamerone , la nuova serie di
Netflixè destinata a onorare il materiale di
partenza e ad ampliare la rilevanza delDecamerone. Jordan ha
già abbracciato il tono eccentrico del libro dando ai personaggi
della serie il nome delle loro controparti, tra cui Dioneo e
Neifile e innumerevoli altri personaggi del capolavoro di
Boccaccio. Inoltre, mettendo in evidenza i personaggi della servitù
della storia nel trailer dello show ed esaminando il loro ruolo nel
Decameron attraverso una lente più moderna, Jordan intende
usare il suo formato lungo a suo vantaggio, approfondendo le
complessità della disuguaglianza del 1300 con più tempo di schermo
di quello che Baena aveva a disposizione. Anche l’adattamento
di Mike Flanagan de La caduta della casa degli
Usher ha già dimostrato come il formato di
Netflix possa essere efficacemente utilizzato per la narrazione
antologica all’interno di una cornice narrativa, ponendo le basi
per la creazione da parte di Jordan di una propria interpretazione
unica del classico di Boccaccio.
Senza basarsi troppo sui fatti
storici o sulla vivida narrativa di Boccaccio, The
Decamerondi Netflix è quindi il raro pezzo
di media che fonde il meglio di entrambi. Ispirata
all’innovativa visione di Giovanni Boccaccio sulla vita
privilegiata in un’epoca di peste, la serie di Jordan si basa su
un’eredità di narrazione sfaccettata e stratificata che racchiude
più generi e commenta direttamente le circostanze sociali di quella
che è ormai un’epoca storica. Le tragedie e la quarantena dei
personaggi di Boccaccio si riferiscono direttamente agli spettatori
dei giorni nostri e, in qualità di creativa al timone dell’ultimo
adattamento de Il Decamerone , Jordan si propone di dare
un tocco personale a questo classico italiano, combinando le
intuizioni sociali della letteratura con le buffonate di
Bridgerton. Con una premessa comica e un cast
esilarante, il Decameron sembra pronto a regalare al mondo
una storia davvero divertente e attuale.
Deadpool
e Wolverineportano ufficialmente il
Mercante dalla Bocca larga e il suo amico artigliato nel Marvel Cinematic Universe in grande
stile. Come sempre, nessun viaggio nel MCU sarebbe
completo senza un’antica tradizione: la scena dei titoli di coda. Che ci crediate o no,
Deadpool &
Wolverine presenta solo una scena, anche se a metà film
c’è una gradita sorpresa che sicuramente richiameremo
l’attenzione.
Il primo lungometraggio vietato ai
minori dei Marvel Studios vede Deadpool (Ryan
Reynolds) e Wolverine (Hugh
Jackman) formare una scomoda alleanza per salvare
l’universo di Deadpool, che è pericolosamente vicino a essere
distrutto da una cellula canaglia della Time Variance Authority.
Durante i loro viaggi, incontrano un esercito di cattivi degli
X-Men guidati da Cassandra Nova (Emma Corrin),
un quartetto di camei preferiti dai fan, una vera e propria legione
di varianti psicotiche di Deadpool e molto altro ancora.
Il film riesce nella sua missione
di salvataggio del
multiverso, ma un film Marvel non è veramente finito finché non
finiscono i titoli di coda. Sebbene la sequenza di fatto
dei titoli di coda diDeadpool
& Wolverinenon definisca
direttamente il futuro di Wade Wilson e Logan Howlett, presenta un
altro brillante richiamo a uno dei migliori camei del
film.
La scena post credits di Deadpool & Wolverine a metà dei
crediti rende omaggio all’era Fox della Marvel
Deadpool &
Wolverine si avvia ai titoli di coda piuttosto
rapidamente e, mentre questi scorrono, viene proiettato un
affascinante sizzle reel. Inizia con clip e dietro le quinte del
film originale degli
X-Men del 2000. Vediamo alcune star classiche
del film che ha dato il via a tutto, tra cui un giovane ed
entusiasta Hugh Jackman (che, a dire il vero, non è invecchiato di
un solo giorno dal 2000). Il filmato passa poi rapidamente a
includere i molti altri film della lunga serie degli
X-Men, come X-Men Origins:Wolverine, X-Men:
L’Inizio e molti altri.
Detto questo, non è solo la serie
degli X-Men a ricevere un gradito tributo. Anche alcuni
degli altri adattamenti Marvel dei 20th Century Studios ricevono un
po’ di affetto, ed è bello vedere i Marvel Studios ringraziare i
film che hanno onestamente ispirato il MCU. Tra le clip degli X-Men
ci sono diverse sequenze del film originale di
Daredevil del 2003, che riprendono
l’emozionante cameo di Elektra (Jennifer
Garner) avvenuto all’inizio del film. Si
riconoscono anche tutti e tre i film dei Fantastici
Quattro del XX secolo , sia i due originali che
il controverso remake. A proposito dei Fantastici Quattro…
Chris Evans porta il calore
della Torcia Umana in Deadpool & Wolverine
Molto prima di indossare le strisce
a stelle e strisce e l’iconico scudo di adamantio, Chris Evans ha interpretato la testa
calda e presuntuosa Johnny Storm in Fantastic
Four del 2005 e Fantastic
Four:Rise of the Silver
Surfer del 2007. Dopo gli eventi di
Avengers:Endgame, sembrava che il viaggio di
Evans nel MCU si fosse finalmente concluso dopo aver messo a riposo
Captain America. Ci sbagliavamo, perché Chris Evans torna davvero
nel Marvel Cinematic Universe in Deadpool & Wolverine,
ma non nel modo in cui voi (e lo stesso Deadpool) pensate.
Dopo che Deadpool e Wolverine hanno
terminato il loro rapido combattimento davanti al logo della 20th
Century Fox, vengono accolti da una figura incappucciata prima che
gli scagnozzi di Cassandra Nova li circondino. Questa figura non è
altro che un personaggio interpretato da Chris Evans, e Deadpool
comprensibilmente pensa che si tratti di una variante di Capitan
America. Tuttavia, non appena il personaggio urla “flame on”, è
evidente chi sia in realtà: una variante di Johnny Storm, alias
la Torcia Umana. Storm cerca di aiutare il duo, ma è impotente
di fronte alle abilità pirocinetiche di Pyro (Aaron
Stanford).
Deadpool, Wolverine e la Torcia
Umana vengono portati alla base di Cassandra Nova, che è il
cadavere decomposto di una variante di Ant-Man. Deadpool, da sempre
chiacchierone, inizia a cercare di pararsi il culo accusando la
Torcia di parlare a vanvera di Cassandra Nova, cosa che Johnny
Storm tenta prontamente di mettere a tacere. Tutto ciò non serve a
nulla, poiché Nova uccide rapidamente la Torcia Umana nella
morte forse più brutale e orribile del film, facendosi
strappare la pelle dal proprio corpo e poi collassando in un
mucchio di ossa e sangue. Deadpool viene comprensibilmente
incolpato da Wolverine e dal resto dei combattenti della resistenza
per la morte della Torcia Umana, ma la storia completa dietro i
commenti di Johnny viene svelata solo nella scena post-credits.
Deadpool mette le cose in
chiaro nella scena post-credits di Deadpool &
Wolverine
La scena post-credits di
Deadpool & Wolverine vede Wade Wilson mettere le cose
in chiaro su ciò che Johnny Storm ha effettivamente detto su
Cassandra Nova. Rientrando di nascosto negli uffici della TVA per
dimostrare la propria tesi, Deadpool mostra una versione
estesa del viaggio che Deadpool e Wolverine hanno fatto con la
Torcia Umana. È sufficiente dire che, sebbene Deadpool sia
ancora direttamente responsabile della brutale morte di Johnny
Storm, stava dicendo la verità su ciò che Johnny Storm aveva
detto.
La sequenza prolungata nell’auto
della prigione vede Chris Evans incanalare il suo Bostoniano
interiore per pronunciare una sfuriata davvero isterica su
Cassandra Nova. Ogni dettaglio blasfemo e grafico che Deadpool
avrebbe ripetuto in seguito è dichiarato e non solo. Si prefigura
anche direttamente il mezzo e il metodo dietro la sua imminente
morte, e Deadpool si gode ogni minuto di questa sfuriata.
Mentre la sua interpretazione di Capitan America si è
sempre mantenuta sul piano della privacy, la sfuriata vietata ai
minori di Chris Evans sul nuovo terrificante cattivo del MCU dà
all’amato attore la possibilità di scatenare i suoi insulti
creativi. Solo per questo vale la pena di rimanere fino
alla fine dei titoli di coda di Deadpool &
Wolverine.