I Roses, un film drammatico romantico, racconta la vivace storia matrimoniale di Theo, un architetto, e Ivy Rose, una chef. Dopo essersi incontrati per la prima volta in Inghilterra, tra i due nasce subito un legame che porta a un’immediata intimità. Dieci anni dopo, vivono una vita idilliaca in California come coppia sposata e genitori di un bambino e una bambina. Proprio quando la loro vita sembra tranquilla, un evento inaspettato sconvolge il loro mondo, portando a drastici cambiamenti nella loro carriera. Ivy apre un nuovo ristorante, dopo aver sacrificato a lungo la sua carriera di chef.

Mentre Theo affronta dei problemi nella sua professione, tra i due sembra crescere un’inspiegabile animosità, che diventa sempre più caotica. Con i loro ego, i loro talenti e le loro personalità in gioco, il matrimonio dei Rose raggiunge un punto di svolta, senza apparentemente alcun margine di manovra. Nei momenti finali della narrazione, Theo e Ivy si trovano ad affrontare una scelta impossibile, che potrebbe rafforzare o spezzare il loro già fragile legame.

Trama de I Roses

In I Roses Theo, un architetto in erba a Londra, incontra Ivy, una chef laboriosa. Le loro strade si incrociano quando lei esce da una frustrante riunione di architetti e va nella cucina dell’hotel per stare da sola. I due hanno un’intesa immediata, che li porta a fare sesso nel magazzino della cucina. Quando Ivy parla del suo sogno di trasferirsi in America per una carriera migliore, Theo dice immediatamente che vuole seguirla. Dieci anni dopo, vivono una vita matrimoniale felice e pittoresca a Mendocino, in California, con i loro figli, Hattie e Roy. Theo ha perseguito la sua carriera, ma Ivy ha sacrificato la sua per prendersi cura della famiglia. Sebbene lei non se ne lamenti, Theo pensa che abbia pagato un prezzo più alto per far funzionare il matrimonio. Questo lo porta a farle un regalo sorprendente.

Le compra un terreno sulla spiaggia, dove si trova un ristorante fatiscente. Le dice di seguire le sue aspirazioni professionali e di non sacrificarsi più per il bene della famiglia. Lei costruisce un nuovo ristorante sul terreno e lo chiama “We’ve Got Crabs” (Abbiamo i granchi). Una notte fatidica e tempestosa porta a cambiamenti inaspettati nelle loro carriere. La forte tempesta fa crollare un edificio costruito da Theo, causandogli un’umiliazione pubblica. La sua carriera, costruita con tanta cura, va in pezzi, lasciandolo devastato. La stessa tempesta spinge molte persone a cercare riparo nel ristorante di Ivy. Grazie al passaparola positivo di un critico gastronomico, il ristorante ottiene un successo ancora maggiore e una grande copertura mediatica. L’attività, un tempo poco redditizia, inizia a prosperare, mentre Theo è sempre più frustrato dal suo destino. Si assume la responsabilità di prendersi cura dei bambini, il che dà a Ivy più tempo e spazio per far crescere ulteriormente la sua attività.

A causa del suo nuovo ruolo nella famiglia, l’architetto sottopone i figli a diete rigorose e programmi di allenamento, nella speranza di migliorare le loro capacità atletiche. Man mano che Ivy avanza nella sua carriera, inizia a sentire che i suoi figli si stanno allontanando da lei. D’altra parte, Theo inizia a pensare di essere inutile, il che lo porta a provare risentimento per la rapida ascesa professionale di Ivy. Un viaggio a New York non va come previsto, poiché entrambi rimangono distanti. I tentativi di ricostruire il loro fragile rapporto falliscono in modo esilarante quando hanno una conversazione imbarazzante con il terapeuta. La gelosia e la negatività tra marito e moglie superano i limiti. Come ultimo tentativo per salvare il loro matrimonio, Ivy offre a Theo un appezzamento di terreno per costruire una grande casa e dimostrare le sue capacità di architetto.

Il finale di The Roses: Theo e Ivy muoiono? Come?

Il conflitto tra Theo e Ivy raggiunge nuovi estremi dopo l’incidente con la balena. Dopo una riconciliazione apparentemente incredibile, marito e moglie si abbracciano appassionatamente, sperando di lasciarsi il passato alle spalle e ricominciare da capo. Ma il destino ha un ultimo asso nella manica. Sebbene il film non mostri esplicitamente la morte dei Roses, ci sono diversi indizi che indicano questa possibilità. Quando gli amici visitano la nuova casa, tutti ne apprezzano la bellezza, a dimostrazione del fatto che Theo è davvero un ottimo architetto. Ma un oggetto nella casa sembra in qualche modo fuori posto. Amy se ne accorge immediatamente quando visita la cucina. In una casa perfetta e moderna, la stufa “Julia Child” proveniente dalla Francia sembra vecchia e piuttosto squallida.

Si dice che appartenga alla vera Julia Child, la leggendaria chef. È stata Ivy, in qualità di chef, a scegliere di avere qualcosa di significativo nella sua cucina. Anche Ivy, che l’ha acquistata ad un’asta, nota la fragilità della stufa. C’è anche un primo piano di Ivy che accende la stufa, che aggiunge un senso di claustrofobia all’immagine. Questo dettaglio apparentemente insignificante assume un significato maggiore verso la fine della narrazione. Quando i Rose litigano verso la fine, la discussione diventa fisica e violenta. Ivy trova una pistola e Theo le lancia contro frutta e altri oggetti. Entrambi sembrano spietati nel loro disperato tentativo di ottenere la proprietà della casa prima del divorzio. Durante questo caos, Theo danneggia gravemente la stufa, usando le griglie della vecchia stufa.

Questo porta alla rottura del tubo del gas sotto la stufa, cosa che passa inosservata al marito e alla moglie. Dopo la loro riconciliazione, i loro pensieri tornano al giorno in cui si sono incontrati per la prima volta, dopo di che si promettono di non separarsi fino alla morte. Theo comanda al sistema di controllo della casa, “Hal”, di riprodurre la loro canzone e accendere il fuoco. Le immagini precedenti a questo momento rendono chiaro che il tubo del gas rotto ha effettivamente causato una fuga di gas, che si è poi diffusa in tutta la casa. L’elemento della “pistola di Chekov” diventa una parte importante della storia in questo caso. La stufa rappresenta più di un semplice oggetto strano. Riflette il passato e simboleggia l’incapacità degli esseri umani di lasciar andare il proprio ego.

Tutto il resto della casa punta verso il futuro e un nuovo inizio, ma la stufa Julia Child è l’unica cosa che mantiene vivo il passato. In questo caso, la “pistola di Chekov” si attiva, fondendo il passato e il presente. La narrazione inserisce con cura la stufa attraverso la stupidità di Amy, nascondendone il vero scopo. È interessante osservare che Ivy e Theo si sono incontrati per la prima volta in una cucina con fiamme alte. L’inizio e la fine della loro relazione sono in qualche modo fusi dall’inganno del destino e dal fuoco. Il loro destino era forse quello di morire insieme, dopo aver vissuto tutte le prove e le tribolazioni di una relazione complessa. Dopo che Theo ha ordinato al sistema della casa di accendere il fuoco, è molto probabile che questo provochi un’enorme esplosione e ponga fine alla vita dei Rose.

Nei loro ultimi momenti, muoiono come coppia, rimanendo fedeli l’uno all’altra e onorando le loro promesse. È anche possibile che i due possano in qualche modo sopravvivere all’incendio, ma sembra meno probabile rispetto al primo scenario. Anche se sopravvivessero, è probabile che non potrebbero vivere a lungo, poiché le ferite causate dall’incendio potrebbero avere un impatto negativo sulla coppia. Tutto sommato, nonostante la loro riconciliazione, il destino gioca un gioco contorto con i Rose, unendoli nella morte.

Come fanno Theo e Ivy a stabilire la pace?

La guerra dei Roses si intensifica a causa della disastrosa cena di inaugurazione della casa. Anni prima, Ivy aveva dato a Theo l’opportunità di perseguire nuovamente i suoi sogni di architetto acquistando un terreno per lui su cui costruire una nuova casa che avrebbe mostrato al mondo il suo talento. La loro fragile relazione ottiene una nuova possibilità quando Theo accetta con gioia l’offerta. Una volta completata la casa dei sogni, la coppia manda i propri figli, Hattie e Roy, a Miami per perseguire i loro obiettivi atletici. La cerimonia di inaugurazione della casa porta alla luce tutte le frustrazioni. Ivy e Theo si scambiano insulti vili davanti ad Amy e agli altri. Gli ospiti si sentono a disagio nel vedere il feroce scontro verbale tra marito e moglie. Theo inizia a credere che il suo talento non abbia alcun effetto su sua moglie, dato che lei non gli ha nemmeno dato credito per la costruzione della casa.

Durante la sua corsa mattutina, Theo vede una balena indifesa sulla spiaggia, che ha bisogno di aiuto. Raduna rapidamente delle persone e la salva dalla morte. Questo incidente si rivela decisivo per lui, poiché si rende conto che la sua vita vale la pena di essere vissuta. Una volta accettata questa idea, dice a Ivy che desidera divorziare da lei. Queste parole terrorizzano la moglie, che non si aspettava che lui arrivasse a tali estremi. Durante una trattativa tra gli avvocati, mentre procedono con il processo di divorzio, lei chiede la proprietà della casa. Entrambi i protagonisti si rifiutano di separarsi dalla casa, dopodiché si giocano a vicenda scherzi crudeli. Si sabotano a vicenda le carriere, portando alla chiusura del ristorante e all’emarginazione di Theo dal mondo degli architetti.

Quando Theo costringe Ivy a firmare l’accordo relativo alla casa, lei lo inganna firmando invece la parola “Zendaya”. Quello che segue è una battaglia finale all’ultimo sangue. Usando oggetti e parole come armi per distruggersi a vicenda, marito e moglie cercano di raggiungere i loro scopi. Ivy afferra una pistola e Theo si difende con vari utensili. Una volta che entrambi hanno sfogato la loro frustrazione, hanno un momento di consapevolezza. Theo ammette di amare ancora sua moglie, che si commuove. Si rendono conto di quanto siano stati sciocchi negli ultimi mesi e iniziano a ridere di se stessi. Theo si scusa per la sua indisponibilità emotiva e Ivy si scusa per la sua crudeltà nei suoi confronti. Capiscono che hanno rischiato di uccidersi a vicenda e sono grati di essere ancora vivi.

Questo è un momento di chiusura per la coppia, perché tutti i loro tentativi di odiarsi falliscono. Il loro amore è genuino e sopravvive ai loro ego. Nonostante condividessero un legame di amore e comprensione nei primi anni del loro matrimonio, Theo e Ivy inciampano negli anni successivi. Cominciano a vivere in due mondi diversi, con persino i figli che ne risentono. Tuttavia, trovano la strada verso la pace, poiché provano ancora qualcosa l’uno per l’altra. In definitiva, i Rose fanno parte di un matrimonio altamente stratificato che inaspettatamente resiste alla prova del tempo.

Dopo aver visto Last Straw senza conoscere nulla della trama — un approccio insolito nel suo lavoro — l’autore ha realizzato che questa si è rivelata la scelta giusta. Guardare il film senza anticipazioni, infatti, permette la migliore esperienza possibile, soprattutto perché, superata una certa soglia (piuttosto presto), la storia diventa prevedibile. C’è un colpo di scena, certo, ma non cambia realmente il corso del racconto. Il film di Alan Scott Neal procede in modo abbastanza lineare, tranne forse nel finale di Last Straw, che viene approfondito in questo articolo.

Cosa succede nel film?

In modo molto convenzionale, Last Straw si apre in una tavola calda chiamata Fat Bottom Bistro che, a giudicare dall’aspetto, è stata teatro di eventi terribili: sangue ovunque e diversi cadaveri visibili. In sottofondo si sente la voce di un ragazzo, Jake Collins, che chiama il 911 chiedendo aiuto, mentre la sua amica Nancy giace sul pavimento coperta di sangue.

La narrazione torna poi indietro di ventiquattro ore. La giornata di Nancy comincia con il suo risveglio in mezzo al nulla e con un test di gravidanza positivo. Da una conversazione con l’amica Tabitha, emerge che Nancy non è affatto entusiasta della notizia e non sa chi sia il padre. Mentre va al lavoro — proprio al Fat Bottom Bistro — la sua auto si guasta e la ragazza è costretta a proseguire a piedi. Per fortuna, il collega Bobby la raggiunge e le offre un passaggio sulla sua moto. Bobby sembra essere innamorato di lei, ma i suoi sentimenti non sono ricambiati.

La tavola calda è gestita dal padre di Nancy, Edward, entusiasta per un importante appuntamento serale. Nancy deve quindi occuparsi del locale durante la notte, cosa che non desidera affatto, avendo già programmato la serata con Tabitha. Tuttavia, non può sottrarsi ai suoi doveri, dato che ricopre ora il ruolo di responsabile — un punto su cui Edward insiste un po’ troppo. La situazione peggiora quando Edward le comunica che Jake, un ragazzo che lavora lì, farà il turno notturno insieme a lei. Nancy trova Jake inquietante, ma Edward non presta alcuna attenzione alle sue preoccupazioni. Considera Jake il suo braccio destro e si fida più di lui che della propria figlia. A questo punto diventa chiaro che gli uomini rappresentati nel film sono o sciocchi, o inquietanti, o francamente pessimi individui. Neppure Bobby, che si autodefinisce “il bravo ragazzo”, si rivela poi così irreprensibile.

Cosa succede dopo che Edward se ne va?

La scena iniziale anticipa che al Fat Bottom Bistro si scatenerà presto il caos, quindi il secondo atto di Last Straw è essenzialmente un conto alla rovescia verso quell’esplosione di violenza. Tutto comincia quando un gruppo di adolescenti molesti infastidisce Nancy indossando maschere da clown e portando carcasse di animali nel locale. Nancy gestisce la situazione da sola, mentre lo staff — guidato proprio da Jake — si rifiuta di aiutarla, minando apertamente la sua autorità. Lo fanno perché è più giovane, perché è una donna e perché è diventata manager grazie al padre. Nulla di tutto ciò giustifica il loro comportamento, ma, come già detto, gli uomini nel film non si distinguono certo per moralità.

Molti degli eventi successivi avrebbero potuto essere evitati se Nancy non avesse licenziato Jake sul momento, ma il ragazzo aveva davvero superato ogni limite. Fin dal primo istante si era mostrato intollerabile, e la scelta di Nancy appare del tutto comprensibile.

Chi attacca la tavola calda?

Dal punto di vista narrativo, sarebbe stato più semplice se fossero stati gli adolescenti a tornare nella notte per vendicarsi di Nancy. Una scelta che avrebbe persino giovato al film. Il colpo di scena — la ritorsione violenta di Jake e del resto dello staff, incluso Bobby — non è illogico, ma risulta un po’ forzato. È evidente il tentativo di mettere in scena un commento sociale sulla teoria del “non tutti gli uomini”, ma la sceneggiatura non ha la forza necessaria per sostenerlo.

Il montaggio dedicato alla vita frustrante di Jake appare superfluo: il personaggio è chiaramente un dipendente rancoroso che si ritiene legittimato a torturare la sua responsabile. Il punto di vista patriarcale è evidente: difficilmente Jake avrebbe agito allo stesso modo contro Edward. Non sembra neppure che il suo piano fosse meditato; più probabilmente, si è semplicemente lasciato guidare dall’impulso.

Jake aggredisce prima gli adolescenti, accusandoli del suo licenziamento, e ne uccide uno. Pete, suo fratello minore, lo segue tremante con una pistola in mano. In seguito, Jake trascina Bobby e Coop con sé, deciso a “spaventare” Nancy. Coop non prova simpatia per la ragazza, mentre Bobby, ormai stanco di fare il bravo ragazzo, cede facilmente. Il gruppo si dirige quindi verso la tavola calda per compiere atrocità prevedibili — ma Nancy si dimostra tutt’altro che una vittima indifesa.

Nancy è viva?

Nancy ricorda personaggi come l’eroina interpretata da Samara Weaving in Ready or Not o il protagonista di Anton Yelchin in Green Room: cade, ma non rimane mai a terra. È piena di rabbia repressa, pronta a esplodere. Dopo la gravidanza inattesa, l’incontro con gli adolescenti e il comportamento inquietante di Jake, la sua giornata è già stata infernale. L’arrivo degli aggressori con le maschere da clown non fa che farla scattare. Nancy chiama immediatamente la polizia, ma neppure l’agente accorso — un uomo ostile e sospettoso — riesce a essere davvero d’aiuto. Come in molte storie simili, il poliziotto finisce per essere ucciso, aumentando ulteriormente la tensione.

Bobby, in un ultimo guizzo di lucidità, si schiera dalla parte di Nancy, pagando con la vita per mano di Jake. Petey viene pugnalato da Nancy, ma solo allora la ragazza comprende che non sono stati gli adolescenti ad attaccarla: sono i suoi colleghi a essersi rivoltati contro di lei. L’ambientazione in una tavola calda diventa un’arma: Nancy sfrutta la friggitrice per eliminare Coop — e assistere alla fine dei cattivi sullo schermo mantiene sempre una sua efficacia. Il confronto finale è tra Jake e Nancy, entrambi feriti, entrambi armati. Jake sembra avere la meglio, ma l’illusione dura poco.

La telefonata al 911 mostrata all’inizio era chiaramente un tentativo di Jake di farsi un alibi. Avrebbe probabilmente funzionato, se fosse riuscito a uccidere Nancy. Non immagina, però, che la ragazza si sia abilmente protetta con delle bistecche, sfruttando il “materiale” abbondante della tavola calda. La trovata funziona: Nancy sopravvive all’accoltellamento, ruba l’auto della polizia e si dirige verso casa di Jake per fermarlo definitivamente.

Sulla via del ritorno, però, crolla a terra. È allora che arriva Edward, finalmente presente, sebbene in ritardo. Un flashback del giorno precedente mostra Nancy confidare a Tabitha la sensazione di essere bloccata nella vita e la paura che suo padre scopra la gravidanza. Le ventiquattro ore appena trascorse l’hanno però trasformata. Quando dice a Edward “il mio bambino”, è evidente che qualcosa in lei è cambiato profondamente.

Sopravviverà? Molto probabilmente sì — altrimenti il percorso della storia perderebbe il suo senso. Ha perso il bambino? Forse, ma la cosa non è determinante. Quello che conta davvero è che Nancy abbia finalmente ripreso il controllo della propria vita, assicurandosi che nessuno possa più calpestarla.

Cose Nostre – Malavita (qui la recensione) del 2013 rappresenta un curioso capitolo nella lunga storia di Robert De Niro con il cinema crime e gangster. Dopo aver incarnato figure iconiche e drammatiche in film come Il padrino – Parte II, Quei bravi ragazzi, Casinò, De Niro torna al mondo mafioso scegliendo però un tono decisamente diverso. Qui interpreta un boss sotto copertura protetto dall’FBI, e la sua performance gioca sulla consapevolezza del proprio passato cinematografico, trasformando cliché e archetipi in materia comica e autoironica, senza rinunciare però ai tratti oscuri dei personaggi che lo hanno reso celebre.

Il film di Luc Besson – tratto dal romanzo Malavita di Tonino Benacquista – si distingue infatti per la sua ibridazione di generi: una black comedy che mescola dinamiche da gangster movie, situazioni tipiche dei film sulla protezione testimoni e improvvise esplosioni di violenza. La famiglia Manzoni, costretta a vivere in Normandia sotto falsa identità, affronta conflitti domestici, tentativi di integrazione e inevitabili ricadute nelle antiche abitudini criminali. Questo equilibrio tra leggerezza e brutalità crea un’atmosfera unica, capace di giocare con le aspettative del pubblico e di ribaltare le convenzioni del genere.

Tematicamente, Cose nostre – Malavita riflette sul peso del passato, sulla difficoltà di cambiare davvero e sull’impossibilità di sfuggire alla violenza quando essa è radicata nell’identità stessa dei protagonisti. La commedia serve a smussare gli angoli più cupi, ma non elimina mai del tutto la sensazione di ineluttabilità. È un film che parla di famiglia, redenzione mancata e identità spezzate, mostrando come anche lontano dall’America mafiosa il richiamo del crimine resti irresistibile. Nel resto dell’articolo si fornirà una spiegazione dettagliata del finale.

La trama di Cose nostre – Malavita

Protagonista del film è la famiglia Manzoni, la quale da tempo è nel programma di protezione del FBI. Ciò è dovuto alla testimonianza che l’ex mafioso e capofamiglia Giovanni ha rilasciato contro il pericoloso criminale Don Lucchese. Insieme alla moglie Maggie e ai figli Belle e Warren, Giovanni si trasferisce sotto copertura nell’anonimo paesino di Chalong-sur-Avre, in Normandia. L’agente Stansfield è incaricato di proteggerli, ma comprende ben presto che il suo è un compito più complesso del previsto. La famiglia, infatti, sembra non riuscire ad abbandonare le sue abitudini mafiose, non mancando di attirare l’attenzione dei concittadini. Compresa la pericolosità delle loro azioni, i quattro iniziano allora un difficile processo di integrazione.

Il rapporto tra di loro, in realtà, inizia lentamente a cedere. Complice dei nascenti conflitti tra i membri della famiglia sono i numerosi spostamenti a cui da sempre si devono sottoporre per via delle implicazioni mafiose di Giovanni. I Manzoni, però, si troveranno a dover riunire le loro forze nel momento in cui Don Lucchese scoprirà il luogo in cui si nascondono. Con i suoi sicari in viaggio per sterminare i quattro famigliari, questi dovranno risolvere la crisi che li caratterizza per poter sopravvivere. Ben presto, la tranquilla cittadina norvegese si trasforma in un sanguinoso campo di battaglia, come mai prima di quel momento.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto di Cose nostre – Malavita la tensione accumulata esplode in una serie di confronti che riconsegnano la famiglia Manzoni al suo destino criminale. Dopo mesi di tentativi d’integrazione in Normandia e piccoli compromessi comici, gli spillover del passato — vecchi nemici, equivoci investigativi e l’inevitabile attrito tra il desiderio di normalità e l’istinto mafioso — portano i protagonisti a rivelarsi. La scena culminante alterna momenti di chiassosa violenza a sequenze farsesche: sparatorie improvvise, inseguimenti in stile gangster e la resa dei conti con elementi della malavita europea che costringono i Manzoni a reagire secondo la loro educazione criminale. Luc Besson monta questi episodi con ritmo serrato, passando dalla gag al colpo di scena, fino a un finale che mescola rappacificazione familiare e un perenne senso d’ineluttabilità.

La chiusura del film non offre una redenzione completa: la famiglia sopravvive fisicamente ma resta segnata. Il finale privilegia un equilibrio ambivalente — i Manzoni ottengono una sorta di tregua, ritrovano un affetto domestico più genuino e, in qualche battuta, sembrano propensi a una vita meno violenta; allo stesso tempo, la macchina giudiziaria e la rete criminale non si dissolvono del tutto. L’ultima sequenza lascia intendere che la loro identità resta divisa: possono cambiare gesti e abitudini, ma gli schemi mentali e le relazioni di potere restano attivi. La commistione di toni lascia il pubblico nello stesso spazio morale ambiguo in cui vive la famiglia, tra simpatia e riprovazione.

Questo finale porta a compimento i grandi temi del film: l’impossibilità integrale di cancellare il passato e la fragile illusione del reinserimento sociale. De Niro e gli altri interpreti incarnano persone capaci di affetto e gesti quotidiani ma che, quando premuti, ripiegano su modelli di violenza appresi. La commedia non annulla la gravità morale delle azioni, piuttosto la rende più complessa, permettendo agli spettatori di provare empatia senza rinunciare al giudizio critico. Il film mostra come la famiglia — nucleo affettivo e insieme cellule di una cultura criminale — sia il luogo in cui si consumano le contraddizioni più forti.

Dal punto di vista stilistico e di genere, il finale ribadisce la cifra del film: un gangster-movie che si converte talvolta in black comedy, che sfrutta la presenza iconica di De Niro per giocare con il mito mafioso e con la sua decadenza. Besson usa la messa in scena per sottolineare il contrasto tra il folclore italo-americano e la provincia europea, trasformando il confronto finale in un set di immagini che oscillano tra il grottesco e il tragico. In questo senso il film non smette di interrogare il pubblico sul perché certe identità criminali risultino così difficili da spezzare.

In definitiva Cose nostre – Malavita lascia una sensazione ambivalente: divertimento e disagio convivono, come convivono nella famiglia Manzoni il calore domestico e la brutalità. Il finale non propone soluzioni facili, ma conferma l’idea centrale del film: cambiare è possibile a livello pratico, ma la trasformazione profonda richiede più che nuovi paesaggi o una falsa identità — richiede la rottura di legami, memorie e necessità che la criminalità ha saputo soddisfare. È un epilogo che intrattiene e fa riflettere, mettendo in scena la tragedia e la commedia insite nella vita di chi prova, con difficoltà, a scegliere una strada diversa.

Il film Highlander – L’ultimo immortale del 1986 e diretto da Russell Mulcahy affonda le sue radici in un immaginario leggendario che mescola mito celtico, romanticismo dark e atmosfere fantasy moderne. La figura dell’Immortale, condannato a vivere attraverso i secoli combattendo i suoi simili fino a rimanere l’ultimo, richiama archetipi antichissimi legati al destino, alla maledizione dell’eroe e alla ricerca di un potere assoluto. Questo universo narrativo, sospeso tra storia e mitologia, permette al film di costruire un mondo epico e allo stesso tempo intimo, in cui il tempo diventa un terreno di battaglia e di memoria.

Nella filmografia di Christopher Lambert, il ruolo di Connor MacLeod rappresenta uno dei personaggi più iconici e riconoscibili: un eroe tormentato, capace di unire fisicità e malinconia, e destinato a segnare la carriera dell’attore in modo indelebile. A fianco a lui, Sean Connery interpreta invece Ramírez, mentore carismatico e ironico che gli offre profondità e nobiltà, in uno dei ruoli più apprezzati del suo periodo post-007. La loro dinamica, tra insegnamento e destino, contribuisce a rendere il film un cult dal fascino inalterato.

Mescolando fantasy, azione e suggestioni romantiche, Highlander – L’ultimo immortale mette in scena temi ricorrenti come il peso dell’immortalità, la solitudine del diverso e il conflitto eterno tra luce e oscurità. Il racconto alterna epoche e ambientazioni, mostrando come la vita di un uomo destinato a non morire sia segnata tanto da battaglie brutali quanto da perdite insostenibili. Nel resto dell’articolo si offrirà una spiegazione dettagliata del finale, analizzando come questo porti a compimento il viaggio millenario di Connor MacLeod.

La trama di Highlander – L’ultimo immortale

Anno 1985. Russell Nash (Cristopher Lambert) è un antiquario che abita a New York. L’uomo viene coinvolto nell’indagine di un omicidio, poiché si trovava sul luogo quando è stato commesso il delitto. Dell’investigazione si occupa anche Brenda J. Wyatt (Roxanne Hart), un tecnico forense della polizia che scopre che c’è qualcosa di strano nell’antiquario. Decide quindi di tenerlo sotto controllo. Nash, infatti, è molto più anziano di quello che dimostra. Egli era infatti vivo già nel 1536 in Scozia, quando era un guerriero conosciuto con il nome Connor MacLeod.

A quel tempo venne a sapere, da uno strano individuo di nome Juan Sanchez Villa-Lobos Ramirez (Sean Connery), di essere immortale. Ramirez gli rivela di essere come lui, lo istruisce sui loro poteri e gli racconta che insieme agli altri immortali sono destinati a combattere per tutta la vita con lo scopo di eliminarsi a vicenda per avere una “Ricompensa Finale”. Così Connor vive, attraversando decenni e secoli e lottando contro altri immortali, fra cui il Kurgan (Clancy Brown), il guerriero che lo ferì quando fu scacciato dal suo clan. Nel 1985, il numero degli immortali è ridotto e la Ricompensa è sempre più vicina.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto di Highlander – L’ultimo immortale, la resa dei conti tra Connor MacLeod e il Kurgan entra finalmente nel vivo quando quest’ultimo rapisce Brenda per attirare l’eroe allo scontro finale. Connor abbandona l’identità di Russell Nash, saluta Rachel e segue le tracce del nemico fino ai Silvercup Studios, trasformati in un’arena sospesa tra luci industriali e ombre minacciose. Qui, dopo aver liberato Brenda, affronta il Kurgan in un duello feroce che alterna violenza brutale e momenti di puro istinto, fino alla decapitazione del rivale e all’esplosione del suo ultimo, devastante Quickening.

Il film si chiude con Connor che sopravvive all’urto dell’energia accumulata dagli immortali e ottiene il cosiddetto “Premio”, diventando finalmente un uomo mortale. Insieme a Brenda si lascia alle spalle New York e fa ritorno in Scozia, dove rivela di poter ora percepire i pensieri e le emozioni delle persone nel mondo. La sequenza conclusiva assume così un tono malinconico ma liberatorio: il guerriero condannato all’eternità è finalmente libero di vivere una vita normale, costruire una famiglia e usare la saggezza dei secoli per guidare gli altri verso la pace.

Dal punto di vista tematico, il finale porta a compimento il percorso emotivo e identitario di Connor, segnato per secoli dalla solitudine e dalla perdita. Il successo nello scontro con il Kurgan non rappresenta solo la vittoria del bene sul male, ma la liberazione da una condanna che lo aveva privato di un futuro umano. La sua nuova mortalità diventa il simbolo di un’esistenza finalmente scelta e non subita, mentre la capacità di percepire l’animo degli altri suggerisce un ruolo quasi profetico, opposto all’oscurità che il Kurgan avrebbe portato.

Il Premio incarna anche la sintesi dei temi cardine del film: la responsabilità del potere, il peso del tempo e la difficoltà di convivere con la propria natura. L’immortalità non viene celebrata, ma mostrata come una condanna che isola e ferisce; al contrario, la possibilità di invecchiare e morire restituisce a Connor la sua umanità. Il finale chiude così un percorso di crescita che attraversa secoli di storia e dolore, offrendo una visione sorprendentemente intima per un film d’azione e fantasy.

In ultima analisi, Highlander – L’ultimo immortale ci lascia un messaggio di straordinaria forza: non è l’eternità a dare valore alla vita, ma la sua fragilità. La mortalità di Connor non è una perdita, bensì un dono che gli permette di ricominciare, amare e contribuire al bene dell’umanità. Il film suggerisce che la vera grandezza non nasce dal potere assoluto, ma dalla capacità di scegliere la compassione, comprendere gli altri e trasformare il dolore in saggezza.

La filmografia di Darren Aronofsky include finali che richiedono molteplici interpretazioni e il finale di Il cigno nero (leggi qui la nostra recensione) non fa eccezione. Con la vincitrice dell’Oscar Natalie Portman nei panni di una ballerina che cerca la perfezione fino all’estremo, il film è stato considerato un importante studio dei personaggi e un’esplorazione del tema dell’“artista tormentato”. Il thriller psicologico approfondisce le nozioni tossiche di genialità artistica e il prezzo che le persone pagano per raggiungerla attraverso la protagonista interpretata da Portman, Nina Sayers. In una rivisitazione del Lago dei cigni di Čajkovskij, Nina interpreta il doppio ruolo del Cigno bianco (Odette) e del Cigno nero (Odile) con Lily, interpretata da Mila Kunis, che funge da ballerina sostituta.

Temendo di essere sostituita da Lily, Nina sprofonda nella follia, perfettamente esemplificata dal finale aperto. Mentre Il cigno nero si conclude con Nina che sorride alla telecamera, gli spettatori hanno diverse teorie. Il finale di May December con Natalie Portman ricorda la conclusione oscura di Il cigno nero, che ancora oggi, a più di dieci anni dalla sua uscita, è oggetto di discussioni e dibattiti con grande curiosità. Dato che Aronofsky ricorre spesso ad allegorie e sequenze surreali, anche la realtà del finale è messa in discussione: la scena finale è realmente accaduta o è solo una illusione della tormentata protagonista?

Nina ha avuto un’allucinazione in cui uccideva Lily

La dualità gioca un ruolo importante nell’atmosfera da film horror di Il cigno nero, con Nina che interpreta l’innocente Odette e la malvagia Odile. Verso il secondo atto del balletto, Nina sembra vacillare nel ruolo di Odette, ma senza tempo da perdere, si precipita nel camerino per cambiarsi, dove affronta la sua rivale Lily, la pugnala a morte e continua la sua performance nei panni di Odile. Il colpo di scena finale rivela che Nina aveva avuto un’allucinazione sulla morte di Lily e invece si era pugnalata all’addome. Tuttavia, da vera artista qual è, continua a recitare l’atto finale del balletto nei panni di Odette morente, atterrando su un materasso tra gli applausi scroscianti.

Come altri finali dei film di Aronofsky, anche questo incorpora elementi surrealisti, poiché la morte di Lily era un’allucinazione. Ciò non sorprende gli spettatori, poiché la storia aveva già accennato a un comportamento simile da parte della protagonista in passato. Le scene in cui Nina fa l’amore con Lily e si trasforma letteralmente nel Cigno Nero dello spettacolo ne sono la testimonianza. Il fatto che Lily si sia trasformata nel doppelgänger di Nina mentre la protagonista la pugnalava aggiunge ulteriore significato metaforico alla sceneggiatura. Il momento è ulteriormente anticipato dalle scene precedenti che rivelano anche dei graffi sulla schiena di Nina dopo che le sue allucinazioni hanno mostrato un comportamento autolesionista.

Nina probabilmente muore nel finale

Nell’ultima esibizione di balletto nel finale di Il cigno nero, Nina è impeccabile e sembra aver raggiunto la perfezione che ha cercato per così tanto tempo. Tuttavia, dato che la ferita all’addome era ancora aperta e sanguinante, molto probabilmente ha ceduto all’emorragia mentre cadeva nell’aria e atterrava sul materasso. Anche se il suo direttore Thomas e gli altri membri della troupe iniziano a farsi prendere dal panico e chiamano un’ambulanza, Nina appare serena mentre mormora: “Perfetta. Ero perfetta”. È altamente probabile che i soccorsi siano arrivati in tempo e l’abbiano salvata, ma la dissolvenza finale in bianco potrebbe invece suggerire la sua morte.

Mentre Nina, sanguinante, guarda le luci del palcoscenico, Aronofsky lascia incerto il destino della sua protagonista. Che si tratti di The Fountain o madre!, i film di Darren Aronofsky non hanno mai evitato di cimentarsi con immagini e temi religiosi. Le luci che cadono su di lei e il suo sguardo rivolto verso l’alto potrebbero persino incorporare una discesa verso il paradiso. La sua ultima battuta e l’espressione di soddisfazione sul suo volto potrebbero implicare che Nina sia finalmente contenta delle sue capacità artistiche e che per lei non abbia più importanza sopravvivere o meno. Lo scopo della sua vita è stato ora raggiunto nella sua mente.

Il cigno nero è una sovversione del Lago dei cigni di Čajkovskij

La performance impegnata di Natalie Portman trasmette il percorso artistico di Nina, ma è anche efficace come sovversione della stessa opera in cui recita. Classico del teatro balletto, Il lago dei cigni è stato scritto dal compositore russo Pyotr Tchaikovsky e si svolge come una tragica fiaba in cui il principe Siegfried si innamora di Odette. Tuttavia, i problemi sorgono quando un malvagio stregone la trasforma in un cigno bianco. Il principe finisce per innamorarsi della figlia dello stregone, Odile, che lui trasforma in una gemella identica a Odette. Con il principe che si innamora erroneamente del “Cigno Nero”, il “Cigno Bianco” si toglie la vita per il dolore.

Molti degli elementi della storia di Tchaikovsky sono citati nel film candidato all’Oscar come miglior film, come la doppelganger di Nina che fa da gemella malvagia. Se il film di Aronofsky rispecchia davvero gli eventi del Lago dei cigni, allora Nina alla fine muore davvero. Sia l’opera teatrale che il film hanno come tema centrale la metamorfosi. Mentre Odette si trasforma in un cigno, Nina assume le sembianze del personaggio che interpretava sul palcoscenico, morendo ironicamente nelle vesti del Cigno Bianco. La tristezza di Odette per essere stata sostituita da Odile ricorda anche i timori di Nina che Lily possa prendere il suo posto, timori che si manifestano nelle sue terrificanti allucinazioni.

Il vero significato del finale di Il cigno nero

Il cigno nero racconta dunque la storia di un’artista tormentata la cui ricerca della perfezione la rende mentalmente instabile. In questo senso, il film è paragonabile ad altri drammi che misurano il prezzo della perfezione, come si vede anche nel finale di Whiplash. Infatti, la lotta per la perfezione e il finale ambiguo lo rendono un perfetto complemento al dramma del 2008 dello stesso Aronofsky, The Wrestler, in cui Micky Rourke interpreta un wrestler anziano che tenta un ritorno alla ribalta. Con le sue capacità fisiche ormai esaurite, il wrestler protagonista tenta comunque di fare un ultimo salto sul ring, alludendo alla sua morte.

Oltre ad esplorare le oscure dinamiche politiche dietro le produzioni di balletto e le sfide fisiche affrontate dalle ballerine, Il cigno nero funge anche da forte commento sulla malattia mentale. Mentre i film che trattano di artisti tormentati potrebbero feticizzare o addirittura tradire la malattia mentale, i problemi di Nina sono mostrati con un livello di sensibilità e preoccupazione. La madre iperprotettiva di Nina sembra aver contribuito ai suoi problemi di immagine corporea e all’ansia da prestazione. Con l’azione di sua madre, un direttore teatrale che non rispetta i confini personali e le sue paure di essere sostituita da Lily, Nina subisce una tragica ascesa verso la perfezione artistica in tutto il film, fino a un finale che induce sia stupore che empatia.

Perché il finale di Il cigno nero è perfetto

Il cigno nero è stato uno dei film più acclamati dalla critica degli anni 2010, sia per la trama che per le interpretazioni esemplari del cast (in particolare Natalie Portman) e il talento registico di Darren Aronofsky. Fin dall’inizio, la narrazione di Il cigno nero è stata complessa, una storia raccontata tanto attraverso i suoi messaggi tematici e le metafore nascoste quanto attraverso gli eventi letterali che accadono ai personaggi. È per questo motivo che il finale del film è stato perfetto, poiché ha portato avanti questo stile di narrazione fino agli ultimi momenti.

Nina sta soffrendo molto e sta perdendo conoscenza mentre esala i suoi ultimi respiri, ma per lei l’unica cosa che conta è essere riuscita a toccare brevemente il senso di totale realizzazione che aveva cercato con tutte le sue forze. I temi chiave esplorati dal film sono la ricerca della perfezione e il prezzo che gli artisti e gli interpreti pagano durante il loro percorso. Concludere la storia con la morte insinuata di Nina era, ovviamente, la destinazione appropriata. Tuttavia, la morte di Nina (probabile, dato che non è effettivamente confermata) non è il punto di forza del finale di Il cigno nero.

La morte di Nina non è il colpo di genio qui, ma piuttosto la sua reazione ad essa, il fatto che sia stata lei stessa a causarla e che culmini nel momento in cui Odette si getta da una scogliera nel Lago dei cigni. Le ultime parole di Nina “L’ho sentito, era perfetto” mentre lo schermo diventa bianco sono un’espressione completa e totale della psicosi causata dalla sua ricerca della performance perfetta. Nina sta soffrendo molto e sta perdendo conoscenza mentre esala i suoi ultimi respiri, ma per lei l’unica cosa che conta è che è riuscita a toccare brevemente il senso di totale realizzazione che aveva cercato con tutte le sue forze. Se Il cigno nero fosse finito con Nina semplicemente svenuta sul materasso su cui era caduta durante la sua scena finale nei panni di Odette, il momento non avrebbe avuto lo stesso impatto.