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Loki Stagione 2: spiegazione del finale del terzo episodio

Chiara Guida
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Loki Stagione 2: spiegazione del finale del terzo episodio

Loki Stagione 2, Episodio 3 si conclude con un’importante scena finale, che fa porre nuove domande sul quello che sarà il futuro della TVA e di Ravonna Rensayer (Gugu Mbatha-Raw). Nell’episodio viene rivelato che Ravonna è stata inviata su una linea temporale ramificata, insieme all’IA senziente Miss Minutes (Tara Strong) della Time Variance Authority, per creare un nuovo Colui che Rimane. Tuttavia, sembra esserci una verità nascosta sulla TVA riguardante sia il passato che il futuro di Ravonna.

Come visto in Loki Stagione 2, Episodio 3, la nuova variante di Colui che Rimane denominata Victor Timely (Jonathan Majors) fa il suo debutto ufficiale nel MCU, dopo la sua scena post credits di Ant-Man and the Wasp: Quantumania. Posizionato in una linea temporale ramificata nel 1893, Timely è un inventore a cui da bambino è stata regalata una guida TVA. Questo grazie a Ravonna e Miss Minutes che apparentemente stanno seguendo gli ordini postumi dello stesso Colui che Rimane.

Tuttavia, il loro piani vengono fatti saltare dall’intervento di Loki (Tom Hiddleston) e Mobius (Owen Wilson) che hanno bisogno di Timely per salvare l’attuale TVA mentre Sylvie (Sophia Di Martino) vuole semplicemente ucciderlo. L’episodio si conclude con un sorprendente cliffhanger, in particolare per quanto riguarda Ravonna.

Quale grande segreto di Renslayer conosce Miss Minutes?

Loki-Stagione-2-episodio-3Come visto alla fine di Loki Stagione 2, Episodio 3, Miss Minutes voleva che Timely le costruisse un vero corpo in modo che potesse essere la sua compagna. Apparentemente, ha sempre voluto stare con l’originale Colui che Rimane il quale però la considerava solo come un animale domestico, un oggetto, nonostante le avesse dato piena sensibilità e quasi completa autonomia. Tuttavia, l’inventore rifiuta il suo amore, cosa che apparentemente metterà Minutes contro di lui in futuro.

Miss Minutes ritorna da Ravonna Renslayer proprio alla fine dell’episodio, confermando che conosce molti dei suoi segreti e suggerendo che non è stato saggio da parte di Timely averla resa una sua nemica. Nel finale si accenna anche al fatto che Miss Minutes conosce un grande segreto sulla stessa Ravonna che “la farà davvero arrabbiare“. È ovvio che Miss Minutes rivelerà di più sul passato nascosto di Ravonna, ma dovremo aspettare la puntata 4.

Come ha fatto Sylvie ha inviare Renslayer alla fine dei tempi

Alla fine di Loki Stagione 2, Episodio 3, Sylvie usa il dispositivo temporale che ha preso da Colui che Rimane per inviare Ravonna Renslayer alla Cittadella alla Fine dei Tempi. Questo dispositivo sembra essere una versione più avanzata dei TemPad standard utilizzati dagli agenti TVA. Di conseguenza, questo spiega perché Sylvie è ancora in grado di muoversi attraverso la linea temporale sacra e in realtà ramificate nonostante il suo odio per Colui che Rimane e per la TVA da lui creata. Nonostante la TVA sia pericolo, Sylvie ha ancora i mezzi per viaggiare nel tempo in modo indipendente e attraversare il multiverso mentre si gode la sua nuova libertà.

Detto questo, Loki probabilmente ha ragione nel credere che senza la TVA, il multiverso cadrebbe a pezzi. Ciò includerebbe qualsiasi realtà che Sylvie ha trovato per vivere il resto della sua nuova vita. Come già anticipato in questo nuovo episodio, Sylvie probabilmente unirà le forze con Loki per salvare la TVA nei prossimi episodi, nonostante tutto quello che l’organizzazione le ha tolto sin da quando era bambina. Indipendentemente da ciò, ha comunque ottenuto una piccola vendetta bandendo Ravonna alla Fine dei Tempi, anche se è probabile che Renslayer riuscirà a scappare con l’aiuto di Miss Minutes.

In che modo l’episodio prefigura la verità su Renslayer

(Center): Gugu Mbatha-Raw as Ravonna Renslayer in Marvel Studios’ LOKI, Season 2, exclusively on Disney+. Photo by Gareth Gatrell. © 2023 MARVEL.

Nella premiere della seconda stagione di Loki, il protagonista ha trovato una registrazione audio nella TVA in cui ha sentito Colui che Rimane ringraziare Ravonna per il suo servizio. Ciò suggerisce un ciclo temporale di origini ciclico, in cui Ravonna era presente proprio agli inizi della TVA. Tuttavia, ne consegue che non ricorda il suo ruolo nella creazione della TVA dopo che Colui che Rimane le ha cancellato la memoria. Questa è molto probabilmente la verità su Renslayer che Miss Minutes rivelerà nei prossimi episodi, il che naturalmente la farebbe piuttosto arrabbiare.

Cosa sta succedendo alla fine dei tempi?

Bandita nella Cittadella alla Fine dei Tempi, sembra che Ravonna si trovi adesso in un palazzo in rovina. La Cittadella si sta autodistruggendo. Stando a quanto accaduto nel finale della prima stagione, forse Colui che Rimane era l’unica cosa che manteneva tutto insieme in questo spazio temporale piuttosto instabile noto come il Vuoto, sebbene potesse anche essere collegato al multiverso in espansione. In ogni caso, sembra che Ravonna sia rimasta intrappolata qui come intendeva Sylvie, anche se Miss Minutes ha dimostrato di avere una certa familiarità con la Cittadella.

Miss Minutes probabilmente sa come liberare Ravonna e aiutarla a sfuggire dalla Fine dei Tempi. Quindi, le due probabilmente pianificheranno le prossime mosse che potrebbero comportare la rimozione di Victor Timely e della TVA nella situazione attuale. Forse proveranno anche a trovare una nuova variante a cui affidare il ruolo di Colui che Rimane. Allo stato attuale, è difficile valutare le loro esatte motivazioni e pianificare cosa accadrà.

Quanto tempo è passato alla fine dei tempi

Considerando la decomposizione del corpo di Colui che Rimane, sembra proprio che sia passato molto tempo da quando è stato ucciso da Sylvie nel finale della stagione 1 di Loki. Tuttavia, il tempo funziona in modo diverso sia nella TVA che alla Fine dei Tempi, quindi il passaggio effettivo di detto tempo è naturalmente relativo e difficile da quantificare esattamente.

Indipendentemente da ciò, è chiaramente passato abbastanza tempo perché la Cittadella cadesse a pezzi e una moltitudine di nuove linee temporali crescesse con un multiverso in continua espansione. Allo stesso modo, nuove varianti di Colui che Rimane hanno iniziato ad apparire in tutto il MCU, come si è già visto in altri prodotti MCU (il Consiglio dei Kang alla fine di Ant-Man and the Wasp: Quantumania). Chiaramente, gli effetti della morte di Colui che Rimane si fanno sentire in larga misura.

One Day All This Will Be Yours: recensione del film di Andreas Öhman – #RoFF18

Gianmaria Cataldo
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One Day All This Will Be Yours: recensione del film di Andreas Öhman – #RoFF18

La prima volta che incontriamo Lisa, la protagonista di One Day All This Will Be Yours, è nella sua vasca da bagno, in cerca di riparo dalla sua vita confusionaria e frenetica. Un riparo che però non trova, reimmergendosi ben presto nei tentativi di trovare un titolo al suo primo libro e nei complessi rapporti con il suo editore. Andreas Öhman – regista svedese fattosi notare nel 2010 con il suo esordio Simple Simon – ci presenta dunque sin da subito una protagonista totalmente fuori controllo e proprio la ricerca di esso come anche del proprio posto nel mondo saranno alla base di questo racconto.

Un racconto, affrontando il quale Öhman, anche sceneggiatore del film, sceglie di mettersi per primo totalmente a nudo, rielaborando vicende personali ma anche la dolorosa scomparsa della sorella quando era solo un bambino. Così facendo permette a One Day All This Will Be Yours – Presentato nella sezione Progressive Cinema della Festa del Cinema di Roma, di acquisire una spontaneità seducente e una vitalità contagiosa, infondendogli inoltre il giusto equilibrio per raccontarci una volta di più di quanto le persone possano essere imperfette, complicate, fragili e proprio per questo amabili.

La trama di One Day All This Will Be Yours

Come già detto, protagonista di One Day All This Will Be Yours è Lisa (Karin Franz Körlof), una fumettista trentenne che proprio mentre sta lavorando per terminare in tempo il suo nuovo libro, viene convocata insieme alla sorella e al fratello nella fattoria di famiglia nel nord della Svezia. I due anziani genitori, infatti, devono fare loro un importante annuncio riguardante la foresta che la famiglia possiede da generazioni. Questo ritorno a casa costringe però Lisa ad affrontare i problematici rapporti che l’hanno allontanata dai suoi parenti, come anche un trauma del passato mai realmente risolto.

La strada verso casa

Si è soliti dire che tutta la vita non è altro che un lungo e continuo viaggio di ritorno a casa, qualunque essa sia e ovunque possa trovarsi. La Lisa che incontriamo all’inizio del film sembra rispondere perfettamente a questo modo di dire, poiché pur avendo fatto della propria passione il suo mestiere, sembra continuamente non appartenere al mondo che si è costruita intorno. E se anche lei non vuole ammetterlo, ce lo suggerisce il regista con la sua tremolante macchina a mano, evidenziando così quel tremore che la protagonista cerca di camuffare.

Ma anche quando tornerà a casa dai suoi genitori, a Lisa verrà in più occasioni detto che non appartiene a quel posto. Ma allora dov’è la casa di Lisa? Qual è il suo posto nel mondo? È quello che lei cerca di scoprire, dapprima riluttante poi sempre più determinata. Lentamente inizia allora a rifuggire da quel mondo di fantasia che si è costruita negli anni – e che le permette di vedere oggetti inanimati prendere vita, come la schiuma, gli alberi o perfino le lattine di birra che beve continuamente – per abbracciare sempre di più la natura e la rinnovata serenità che essa sembra conferirle.

Quando ciò avviene, anche se non è immersa dal verde della foresta, Lisa avrà sempre qualche elemento di questo colore accanto a sé, indicandoci che il suo pensiero o il suo animo continua ad andare in quella direzione. Ma Lisa non è il tipo di persona che si abbandona facilmente e incondizionatamente agli istinti del proprio cuore. Sboccata, cinica e aggressiva, si è costruita nel tempo una corazza – o corteccia, per rimanere in tema natura – difficile da scalfire e che prontamente indossa quando le cose sembrano complicarsi troppo a livello emotivo.

One Day All This Will Be Yours Karin Franz Körlof
Karin Franz Körlof in una scena di One Day All This Will Be Yours.

La bellezza dei personaggi imperfetti

Risulta allora difficile prevedere le sue azioni e reazioni, anche se il racconto che Öhman costruisce rimane saldamente ancorato (a volte forse troppo) a determinati binari tipici di questo genere di racconti. Ma il regista riesce a non far pesare questa aderenza, che anzi sembra servirgli per potersi concentrare totalmente sulla sua protagonista, un personaggio che ci ricorda quanto siano belli i personaggi così imperfetti e umani, specialmente quando scritti in modo accurato, con le giuste caratterizzazioni e interpretati da attori all’altezza.

Karin Franz Körlof si dimostra essere anche di più, una vera e propria forza della natura capace di accentuare quanto da Öhman scritto per Lisa, rendendola un personaggio impossibile da non amare. La si segue allora con grande attenzione nel corso del suo viaggio e nel suo ricercare il coraggio di affrontare il passato e dunque crescere. Un viaggio nel quale si può sperimentare un umorismo amaro, i drammi dell’esistenza e dei rapporti umani, ma anche le innumerevoli sfumature colorate che la vita può assumere e svelare nei momenti più impensabili.

Öhman, attraverso Lisa, riesce a cogliere tutto ciò e a racchiuderlo in un feel-good movie dotato di grande sincerità, che nel momento in cui porta a compimento il viaggio della sua protagonista riesce a far strabordare dallo schermo emozioni che investono lo spettatore lasciandogli addosso sensazioni particolarmente positive. Un risultato che non sempre riesce a questa tipologia di film, talvolta così concentrati nel ricercare l’emozione a tutti i costi da non riuscire a farla propria. One Day All This Will Be Yours non perde invece di vista la sua protagonista e le sue vicende, ed è proprio lì che trova infine il proprio posto, il proprio cuore e le emozioni che lo renderanno memorabile.

Halloween Ends in prima tv su Sky e in streaming su Now

Redazione
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Halloween Ends in prima tv su Sky e in streaming su Now

Nella sera più paurosa dell’anno arriva in prima tv su Sky Halloween Ends (recensione), ultimo capitolo dell’acclamata saga horror che ha appassionato il mondo, martedì 31 ottobre alle 21.15 su Sky Cinema Halloween, in streaming su NOW e disponibile on demand. Su Sky il film sarà disponibile on demand anche in 4K.

Diretto da David Gordon Green, Halloween Ends vede il ritorno dell’icona Jamie Lee Curtis nei panni di Laurie Strode, per affrontare per l’ultima volta, dopo 44 anni dalla nascita del franchise, l’incarnazione del male Michael Myers. Con lei anche Andi Matichak, nel ruolo della nipote Allison, e Rohan Campbell, che interpreta CoreyCunningham. Halloween Ends vede anche il ritorno dei protagonisti Will Patton nei panni dell’agente Frank Hawkins, Kyle Richards nei panni di Lindsey Wallace e James Jude Courtney nei panni di Michael Myers. Il film è scritto da Paul Brad Logan, Chris Bernier, Danny McBride e David Gordon Green ed è basato sui personaggi creati da John Carpenter e Debra Hill.

La trama del film

Il franchise horror più acclamato e venerato della storia del cinema raggiunge la sua epica e terrificante conclusione quando Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) affronta per l’ultima volta l’incarnazione del male, Michael Myers. Michael non si vede da quattro anni dopo gli eventi di Halloween Kills. Laurie vive con sua nipote Allyson (Andi Matichak) e ha scelto di liberarsi dalla paura e dalla rabbia e abbracciare la vita. Quando un giovane viene accusato di aver ucciso il ragazzo a cui faceva da babysitter, si innesca una cascata di violenza e terrore con uno scontro finale tra Laurie e Michael diverso da qualsiasi altro mai mostrato sullo schermo. Solo uno di loro sopravviverà.

SKY CINEMA HALLOWEEN

HALLOWEEN ENDS fa parte dei titoli proposti da SKY CINEMA HALLOWEEN, che da sabato 21 a martedì 31 ottobre, sul canale 303 di Sky e su NOW, proporràoltre 70 titoli “da paura” che spaziano nei generi: avventure a tinte dark, titoli per tutta la famiglia e horror.

Sul canale saranno proposte altre due prime visioni: si tratta del fanta-horror tratto dalla celebre serie a fumetti italiana della Sergio Bonelli Editore DAMPYR (sabato 21 ottobre alle 21.15 su Sky Cinema Uno e alle 21.45 su Sky Cinema Halloween), e dell’horror-thriller di M. Night Shyamalan con Dave Bautista, tratto da un romanzo di Paul Tremblay, BUSSANO ALLA PORTA (lunedì 30 ottobre alle 21.15 su Sky Cinema Uno e alle 21.45 su Sky Cinema Halloween).

Inoltre, tra i titoli che animeranno il canale, anche il sesto capitolo della saga horror SCREAM VI con Melissa Barrera, Jenna Ortega e Courteney Cox; il fanta-thriller rivelazione sull’intelligenza artificiale M3GAN; il cult degli anni 90 che ha consegnato alla leggenda Brandon Lee, IL CORVO – THE CROW; e il film sulle origini del vampiro più famoso, fra storia e leggenda, DRACULA UNTOLD.

E ancor i film cult per tutta la famiglia, come GHOSTBUSTERS – ACCHIAPPAFANTASMI con Bill Murray, Dan Aykroyd e Harold Ramis; l’avventura da brivido nel primo capito della saga LA MUMMIA con il premio Oscar 2023 Brendan Fraser; la commedia fantastica su un tenero spettro, CASPER con Christina Ricci e Bill Pulman; e la divertente avventura PICCOLI BRIVIDI con Jack Black nei panni dello scrittore fantasy Robert L. Stine.

The Marvels: Nick Fury esorta Carol Danvers a “mostrare un po’ di moderazione” nel nuovo inedito spot

Redazione
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The Marvels: Nick Fury esorta Carol Danvers a “mostrare un po’ di moderazione” nel nuovo inedito spot

I Marvel Studios hanno rilasciato un nuovo promo per il prossimo sequel di Captain Marvel di Nia DaCosta, The Marvels, e il nuovo contributo contiene un bel po’ di nuovi filmati nei suoi 30 secondi.

Lo spot mira a mostrare che i tre eroi sono “proprio come noi” quando non stanno salvando il mondo, con Carol Danvers che ascolta musica, Kamala Khan che disegna il suo idolo e Monica Rambeau che sta per festeggiare con un aperitivo. Quindi, dopo vediamo il team in azione mentre usano i loro poteri per eliminare alcuni degli scagnozzi Kree di Dar-Benn, e proprio alla fine, Nick Fury dice a Capitan Marvel che potrebbe essere una buona idea “mostrarne alcuni con moderazione.” Danvers risponde che “non è proprio il suo genere”.

 

Tutto ciò che sappiamo su The Marvels

The Marvels, il sequel del cinecomic Captain Marvel con protagonista il premio Oscar Brie Larson che ha incassato 1 miliardo di dollari al box office mondiale, sarà sceneggiato da Megan McDonnell, sceneggiatrice dell’acclamata serie WandaVision. Sfortunatamente, Anna Boden e Ryan Fleck, registi del primo film, non torneranno dietro la macchina da presa: il sequel, infatti, sarà diretto da Nia DaCosta, regista di Candyman. 

Nel cast ci saranno anche Iman Vellani (Ms. Marvel, che vedremo anche nell’omonima serie tv in arrivo su Disney+) e Teyonah Parris (Monica Rambeau, già apparsa in WandaVision). L’attrice Zawe Ashton, invece, interpreterà il villain principale, del quale però non è ancora stata rivelata l’identità. Il film, salvo modifiche, arriverà in sala il 8 novembre 2023.

LOKI – seconda stagione: il regista commenta gli Easter Eggs degli X-MEN e le teorie dei fan

Redazione
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LOKI – seconda stagione: il regista commenta gli Easter Eggs degli X-MEN e le teorie dei fan

I primi due episodi della seconda stagione di Loki presentavano un paio di scatti che molti fan hanno percepito come Easter Eggs sugli X-Men, che potrebbero aver suggerito l’imminente arrivo degli iconici eroi mutanti nell’MCU. La premiere della serie includeva quello che sembrava un cenno piuttosto palese alla “Porta di Cerebro” che era un appuntamento fisso dei film X-Men della 20th Century Fox.

Quindi, in “Breaking Brad”, Loki e Mobius viaggiano in una linea temporale in cui Hunter B-5 è diventato un ladro e sta vivendo la sua vita migliore come attore di nome Brad Wolfe. Quando il dio dell’inganno raggiunge “Zaniac”, sul muro si possono intravedere alcuni graffiti che recitano: “Tutti gli M sono fratelli”.

Questi potrebbero essere stati aggiunti Easter Eggs sugli X-Men, ma secondo il regista Dan DeLeeuw, non erano qualcosa che aveva pianificato di includere come un modo per suggerire l’arrivo della super squadra.

“Questo è il dipartimento artistico, Kasra [Farahani, che ha anche diretto l’episodio 3], il nostro scenografo, è un genio con tutti i set”, ha spiegato il regista a Screen Rant. “Con i poster nella TVA puoi vedere che se lasci che il dipartimento artistico si occupi di qualcosa, verranno fuori con idee straordinarie che hanno una storia dietro di loro.”

“Ma è qualcosa che non ti saresti mai aspettato di trovare sul set. Non era davvero pianificato.” DeLeeuw ha poi ricordato come il suo tutor di materie umanistiche all’università spesso diceva alla classe: “Beh, se è lì, è lì“, se aveva un’idea o una prospettiva diversa su un libro che stavano studiando. “È come, ‘Okay, non penso che fosse questa l’intenzione, ma, se volevano che fosse lì, certo.'”

Tom Hiddleston è tornato nel ruolo del dio del male nella seconda stagione di Loki, insieme alle star della prima stagione come Owen Wilson, Gugu Mbatha-Raw, Sophia Di Martino, Tara Strong e la nuova aggiunta Ke Huy Quan.

Eric Martin è il capo sceneggiatore e produttore esecutivo della seconda stagione. Hiddleston è anche produttore esecutivo insieme al capo dei Marvel Studios Kevin Feige e Stephen Broussard, Louis D’Esposito, Victoria Alonso, Brad Winderbaum, Kevin R. Wright, Justin Benson e Aaron Moorhead e Michael Waldron. Trevor Waterson è co-produttore esecutivo. Benson & Moorhead, Dan Deleeuw e Kasra Farahani sono stati i registi della stagione. I nuovi episodi di Loki debuttano giovedì alle 21:00 ET/18:00 PT su Disney+.

Aquaman 2: James Wan afferma di aver pensato al sequel come “una vera e propria commedia tra amici”

Redazione
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Aquaman 2: James Wan afferma di aver pensato al sequel come “una vera e propria commedia tra amici”

Nel primo film di Aquaman, Arthur Curry (Jason Momoa) si è scontrato con il suo malvagio fratellastro, Orm (Patrick Wilson), ma nel prossimo sequel questi personaggi avranno una dinamica molto diversa. Il recente trailer  di Aquaman 2 ha confermato che Aquaman unirà le forze con un Ocean Master imprigionato per combattere la minaccia comune di Black Manta, e sembra che la loro collaborazione sarà l’obiettivo principale del Aquaman e il Regno Perduto.

“Fin dall’inizio, ho pensato che il primo film sarebbe stato un film in stile Romancing The Stone – una commedia romantica di azione e avventura – mentre il secondo sarebbe stato una vera e propria commedia tra amici”, dice il regista James Wan a Empire . “Volevo fare Tango & Cash!”

“Jason interpreta Arthur in modo straordinario; Patrick interpreta l’uomo etero”, continua Wan. “Non è diverso da quello che hanno fatto Will Smith e Tommy Lee Jones in Men In Black: come Tommy, Patrick interpreta il tutto in modo asciutto, ma molto divertente.”

Tutto quello che c’è da sapere su Aquaman e il Regno Perduto

Non essendo riuscito a sconfiggere Aquaman la prima volta, Black Manta, ancora spinto dal bisogno di vendicare la morte di suo padre, non si fermerà davanti a nulla pur di sconfiggere Aquaman una volta per tutte. Questa volta Black Manta è più formidabile che mai, poiché brandisce il potere del mitico Tridente Nero, che scatena una forza antica e malvagia. Per sconfiggerlo, Aquaman si rivolgerà al fratello Orm, l’ex re di Atlantide e imprigionato alla fine del primo film, per stringere un’improbabile alleanza. Insieme, dovranno mettere da parte le loro differenze per proteggere il loro regno e salvare la famiglia di Aquaman e il mondo dalla distruzione irreversibile.

Jason Momoa è atteso di nuovo nei panni dell’eroe in Aquaman e il Regno Perduto, sequel del film che ha rilanciato in positivo le sorti dell’universo cinematografico DC. In questo seguito, diretto ancora una volta da James Wan (Insidious, The Conjuring), torneranno anche Patrick Wilson nei panni di Ocean Master, Amber Heard, nei panni di Mera, Dolph Lundgren che sarà ancora una volta Re Nereus, il padre di Mera, e ancora Yahya Abdul-Mateen II nei panni di Black Manta, che abbiamo visto riapparire nella scena post-credit del primo film. David Leslie Johnson-McGoldrick, collaboratore ricorrente di Wan, scriverà la sceneggiatura del film, mentre il regista e Peter Safran saranno co-produttori. Il film arriverà al cinema il 20 dicembre.

Widow Clicquot, Thomas Napper e il cast raccontano il film – #RoFF18

Lidia Maltese
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Widow Clicquot, Thomas Napper e il cast raccontano il film – #RoFF18

Widow Clicquot, il nuovo film di Thomas Napper, ci porta a Champagne dove Barbe-Nicole Clicquot, rimasta vedova deve affrontare un mondo governato da soli uomini, ereditando l’azienda di famiglia del marito. Purtroppo, in un periodo storico dove anche le leggi sono a suo sfavore, Barbe-Nicole (interpretata da Haley Bennett, che è anche produttrice del film) dimostrerà grande determinazione e spirito di innovazione che la faranno contraddistinguere ancora oggi per le sue importanti scoperte. La protagonista ha raccontato il suo personaggio definendolo un incontro, “come se ci si innamorasse” paragonando questa esperienza ai suoi precedenti ruoli e sentendosi arricchita di qualcosa di più di una semplice interpretazione.

“Il ruolo di Barbe è un ruolo particolare perché non si parla solo di femminismo ma anche di lutto. Ci sono pochi ruoli che cercano di raccontare questo tipo di esperienza femminile e pochi uomini che hanno il coraggio e si prendono le responsabilità di raccontarla. Nel personaggio c’è tutta me stessa, ma è quello che cerco di fare con tutti i miei personaggi. Io amo recitare ma amo ancora di più preparare e in un certo senso innamorarmi dei ruoli che vado a fare perché quando prepari un personaggi instauri una relazione con esso”, ha detto Haley Bennett per poi continuare: “Ho conosciuto la storia della vedova Clicquot mentre stavo girando un altro film. Ero in Sicilia per le riprese di Cyrano e una mia amica, che lavora come sommelier, mi ha dato un libro che raccontava la storia dei Clicquot e di Barbe-Nicole. L’ho letto e sono rimasta incantata dalla storia di questa donna che, rimasta vedova, ha preso in mano l’azienda del marito e l’ha resa la più grande”. 

Widow Clicquot film

Thomas Napper: “Ci sono diversi riferimenti artistici”

Quali sono i riferimenti a cui ti sei ispirato per il film?

Thomas Napper: “Vengo da una famiglia di pittori. La mia casa ha sempre profumato di questo particolare aroma di pittura ad olio. Un dipinto che invece mi ha è stato d’ispirazione è la Danza della vita di Edvard Munch. Al centro una giovane coppia danza. Sembrano essersi fusi insieme. Il vestito rosso della donna si avvolge intorno alla gamba dell’uomo. Ai lati della coppia c’è una donna. Da sinistra viene verso di noi una giovane donna vestita di bianco, luminosa e felice. A destra si trova una donna vestita di nero, rigida e seria. Che sono le due anime che descrivono Barbe-Nicole all’interno del film. Mi piaceva che il film fosse “massimalista”, al contrario nella mia famiglia sono minimalisti.”

“Mi piace che ci siano libri e oggetti vari ma quello che abbiamo che abbiamo cercato di fare durante le riprese del film è effettivamente togliere tutti gli oggetti che non fossero necessari. Un’altra cosa che abbiamo voluto portare nel film è proprio il cambiamento nella vita di Barbe-Nicole. Inizia tutto in questa casa borghese e andando avanti tutto assume un’estetica ben precisa, sempre più asciutta. Mi sono accorto che più toglievo, più il personaggio risaltava. Anche il fatto che il film si riduca a una sola ambientazione, dice molto sul personaggio, perché volevo che tutti fossero vicini alla casa e all’azienda, che si percepisse il legame con il territorio”.

Widow Clicquot film recensione

Tom Sturridge interpreta Francois in Widow Clicquot, un personaggio vittima della perfezione

Dopo la prima stagione di Sandman torni a interpretare un personaggio complicato. Da Morfeo, il dio dei sogni, a Francois che invece ha un sogno e cerca la perfezione. Quali credi che siano le connessioni tra questi due personaggi. 

Tom Sturridge: “Sono entrambi connessi ai sogni. Francois è un sognatore e ha una forte connessione con la sua fantasia che lo disconnette dal reale che è quello che lo rende un personaggio meraviglioso ma che, come vediamo, alle volte può essere frustante. Diciamo che entrambi sono i custodi dei loro sogni.”

L’incredibile Hulk: lo stuntman rivela che Edward Norton “non era molto presente”

Redazione
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L’incredibile Hulk: lo stuntman rivela che Edward Norton “non era molto presente”

Il ruolo di Edward Norton in L’incredibile Hulk del 2008 è stato accolto con recensioni contrastanti. Secondo uno stuntman che ha lavorato al film, era difficile lavorare con l’attore. Parlando con Joanna Robinson per il suo libro appena uscito MCU: The Reign of Marvel Studios, lo stuntman Terry Notary ha parlato del tempo trascorso durante le riprese del film del 2008.

Secondo Notary, Edward Norton non ha dedicato molto in termini di impegno quando si è trattato di realizzare il lavoro di motion capture per Hulk. Questo, a sua volta, ha reso il lavoro del team VFX un po’ più difficile. “[Norton] non era veramente impegnato, per quanto riguarda Hulk, a meno che non si stesse trasformando da se stesso in Hulk“, ha detto Notary. “Non è stato molto presente durante tutta la faccenda.”

Terry Notary ha elogiato Tim Roth per la sua professionalità nel film

Keith Roberts, che è stato direttore dell’animazione di L’incredibile Hulk, concorda con i commenti di Notary nel confermare che “Hulk non ha le espressioni di Edward Norton, ma i due sono stranamente simili nei tempi facciali“.

Terry Notary ha poi elogiato Tim Roth, che nel film interpretava Emil Blonsky/Abominio. Secondo Notary, Roth era un “attore per eccellenza” e voleva essere coinvolto in molte cose. “[Roth è] uno di quegli attori per eccellenza a cui piace essere coinvolto, vuole assicurarsi che avrà un bell’aspetto e che il suo personaggio abbia un bell’aspetto“, ha detto Notary.

L’incredibile Hulk (The Incredible Hulk) è il film del 2008 diretto da Louis Leterrier e reboot del precedente Hulk del 2003 di Ang Lee e secondo film del Marvel Cinematic Universe. Il protagonista è interpretato da Edward Norton, il quale contribuì anche alla stesura della sceneggiatura insieme a Zak Penn. il supereroe è incentrato principalmente sulla versione Ultimate dove Banner si sottopone all’esperimento di proposito, e non viene investito dai raggi gamma nel tentativo di salvare Rick Jones come nell’universo Marvel tradizionale.

Martin Scorsese: fu Robert De Niro a consigliarmi di lavorare con Leonardo DiCaprio

Redazione
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Martin Scorsese: fu Robert De Niro a consigliarmi di lavorare con Leonardo DiCaprio

In occasione dell’uscita di Killers of the Flower Moon il nostro Adriano Ercolani ha avuto il piacere di intervistare il leggendario regista Martin Scorsese, al quale ha confessato un particolare aneddoto, ovvero, come ha scoperto Leonardo DiCaprio. Il merito è tutto di Robert De Niro.

“Con Robert siamo cresciuti insieme, ci conosciamo fin da quando eravamo adolescenti”. dice Martin Scorsese a Cinefilos.it – “È l’unico attore che sa veramente da dove vengo, che tipo di persone frequentavo. Gli anni ‘70 per il nostro rapporto sono stati un grande banco di prova, abbiamo sperimentato tutto il possibile e abbiamo scoperto di poterci fidare l’uno dell’altro. In quel periodo Robert come star possedeva un potere enorme e avrebbe potuto facilmente prendere il controllo dei nostri film. Non ho mai avuto paura di questo. Lavoravamo in libertà, desiderosi di sperimentare, senza alcuna paura. Anni dopo mi disse che in un film intitolato Voglia di ricominciare aveva recitato con un ragazzo, un certo Leonardo DiCaprio, e mi consigliò di lavorarci un giorno. Lo disse in maniera quasi casuale, ma non lo era affatto”.

“Non era da Bob, uno che non dà mai questo tipo di suggerimenti”. A continuato Scorsese –  “Così anni dopo Leo rese possibile la realizzazione di Gangs of New York, visto che dopo Titanic era una star mondiale. Il nostro rapporto si è consolidato con The Aviator, ho capito grazie a quel film che eravamo sulla stessa lunghezza d’onda. La svolta è arrivata con The Departed, un thriller che Bill Monahan riscriveva continuamente per stare dietro all’interpretazione febbrile di Leo. Quello è stato il progetto che mi ha fatto capire quanto, anche se abbiamo età diverse, possediamo moltissime cose in comune, un’affinità umana e intellettuale. Per The Wolf of Wall Street mi sono fidato completamente di lui, e durante le riprese mi ha regalato momenti incredibili”.

LEGGI TUTTA L’INTERVISTA QUI

Killers of the Flower Moon, il film

Oltre a dirigere, Martin Scorsese ha scritto la sceneggiatura con Eric Roth, co-sceneggiatore di Dune e A Star is Born. Leonardo DiCaprio interpreta Ernest Burkhart, il nipote di un potente allevatore locale interpretato da Robert De Niro, mentre Lily Gladstone interpreta la moglie Osage Mollie e Jesse Plemons è Tom White, l’agente dell’FBI incaricato di indagare sugli omicidi. Il cast include anche Brendan Fraser e John Lithgow.

Killers of the Flower Moon riunisce ancora una volta Martin Scorsese con i collaboratori di lunga data Leonardo DiCaprio e Robert De Niro. Insieme a loro ci sono l’attore premio Oscar Brendan Fraser, Jesse Plemons, Lily Gladstone, Tantoo Cardinal, Jason Isbell, Sturgill Simpson, Louis Cancelmi, William Belleau, Tatanka Means, Michael Abbott Jr., Pat Healy, Scott Shepherd e molti altri. La pellicola è diretto e prodotto da Martin Scorsese. Il film è una produzione di Apple Studios, Imperative Entertainment e Appian Way Productions, con Dan Friedkin e Bradley Thomas come produttori.

Spawn: il reboot sarà la “versione Blumhouse di un film di supereroi”

Redazione
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Spawn: il reboot sarà la “versione Blumhouse di un film di supereroi”

Il fondatore di Blumhouse, Jason Blum ha affermato che il prossimo reboot di Spawn , che sarà interpretato da Jamie Foxx, si distinguerà dagli altri film di supereroi.

“Sì, porterò il tocco Blumhouse [nel film Spawn]”, ha detto Blum durante il Comic Con di New York della scorsa settimana (tramite Bleeding Cool News). “Sarà innovativo e originale rispetto ad altri film di supereroi. Sembrerà sicuramente la versione Blumhouse di un film di supereroi.“

Cosa sappiamo del riavvio di Spawn?

Creato dal co-fondatore della Image Comics Todd McFarlane, Spawn ha debuttato nel 1992. Un adattamento cinematografico con Michael Jai White nel ruolo omonimo è uscito nei cinema nel 1997. Dopo che le voci su un sequel si sono rivelate infondate, McFarlane ha iniziato a sviluppare un riavvio nel 2007. Il progetto ha attraversato numerose iterazioni prima di trovare casa alla Blumhouse nel 2017. Jamie Foxx ha firmato per interpretare Spawn nel 2018. Jeremy Renner era stato scelto per interpretare Twitch Williams a un certo punto, anche se non è chiaro se l’attore di Occhio di Falco sia ancora coinvolto nel film.

Inizialmente si prevedeva che McFarlane dirigesse personalmente il nuovo film di Spawn, anche se alla fine si è dimesso dalla sedia da regista. Ha anche scritto la prima bozza della sceneggiatura, che da allora è stata sottoposta a numerose riscritture, le più recenti da parte di Scott Silver, Malcolm Spellman e Matthew Mixon. All’inizio di questo mese, Blum ha confermato che il riavvio a lunga gestazione sarebbe finalmente uscito nel 2025. “Il 2025 è il momento in cui Spawn uscirà“, ha detto il produttore mentre promuoveva L’esorcista – Il credente. “Lo sostengo. Lo sostengo.”

Joaquin Phoenix, Cate Blanchett e altre star chiedono a Joe Biden di chiedere il cessate il fuoco tra Israele e Gaza

Redazione
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Joaquin Phoenix, Cate Blanchett e altre star chiedono a Joe Biden di chiedere il cessate il fuoco tra Israele e Gaza

Un gruppo di 55 eminenti artisti e sostenitori dell’industria dell’intrattenimento hanno firmato una lettera aperta al presidente Joe Biden, sollecitando un appello per un cessate il fuoco a Gaza e in Israele. Tra i firmatari figurano nomi come Joaquin Phoenix, Cate Blanchett, Jon Stewart, Kristen Stewart, Susan Sarandon, Mahershala Ali, Riz Ahmed, Ramy Youssef e Quinta Brunson.

“Esortiamo la vostra amministrazione e tutti i leader mondiali a onorare tutte le vite in Terra Santa e a chiedere e facilitare un cessate il fuoco senza indugio, la fine dei bombardamenti su Gaza e il rilascio sicuro degli ostaggi“, si legge nella lettera. 

La dichiarazione, distribuita dall’organizzazione Artists 4 Ceasefire, include anche un commento del portavoce dell’UNICEF James Elder, che sottolinea la devastazione inflitta alla popolazione di Gaza dai continui attacchi aerei israeliani e dai blocchi di acqua ed elettricità.

“I bambini e le famiglie di Gaza sono praticamente rimasti senza cibo, acqua, elettricità, medicine e accesso sicuro agli ospedali, in seguito a giorni di attacchi aerei e tagli a tutte le vie di rifornimento“, si legge nella dichiarazione di Elder. “L’unica centrale elettrica di Gaza è rimasta senza carburante mercoledì pomeriggio, interrompendo l’elettricità, l’acqua e il trattamento delle acque reflue. La maggior parte dei residenti non può più ottenere acqua potabile dai fornitori di servizi o acqua domestica attraverso le condutture…. La situazione umanitaria ha raggiunto livelli letali, eppure tutti i rapporti indicano ulteriori attacchi. La compassione – e il diritto internazionale – devono prevalere”.

All’inizio di questa settimana, un’altra lettera che chiedeva un cessate il fuoco a Gaza e l’apertura agli aiuti umanitari nella regione ha attirato numerosi firmatari significativi. La dichiarazione, di Artists for Palestine UK, è stata firmata da personaggi come Tilda Swinton, Charles Dance, Steve Coogan, Miriam Margolyes, Michael Winterbottom, Mike Leigh e Asif Kapadia. La lettera accusava il governo britannico di “non solo tollerare i crimini di guerra ma anche di aiutarli e favorirli”.

Il 7 ottobre, il gruppo militante palestinese Hamas ha lanciato un attacco senza precedenti contro Israele, uccidendo più di 1.400 persone e prendendo più di 200 ostaggi. Il governo israeliano ha risposto lanciando un “assedio completo” su Gaza, come descritto dal ministro della Difesa israeliano Yoav Gallant. Secondo il Ministero della Sanità palestinese, più di 3.800 palestinesi sono stati uccisi nel conflitto.

Austin Butler su Tom Hardy: “il ragazzo più intenso che abbia mai visto”

Redazione
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Austin Butler su Tom Hardy: “il ragazzo più intenso che abbia mai visto”

Austin Butler pensava che Tom Hardy sarebbe sempre stato serio mentre girava il loro prossimo film drammatico The Bikeriders, ma ha poi scoperto che Hardy ha l’impressionante capacità di accendere e spegnere la sua intensa emotiva. I due attori sono protagonisti del dramma di Jeff Nichols insieme a Jodie Comer. Il film, ispirato al libro di Danny Lyon, segue l’ascesa e la caduta di un immaginario club motociclistico degli anni ’60 nel Midwest. Tom Hardy interpreta una pericolosa figura che fa da mentore al personaggio di Austin Butler.

“Dopo lo spettacolo di ‘Elvis‘ e ‘Dune‘, e questi personaggi che erano molto diversi da me, poter andare in qualcosa in cui c’è un’intima sensibilità per ‘The Bikeriders'”, ha detto recentemente Butler a Josh Brolin durante un chat per la rivista Interview . “Sono i motori rombanti e l’odore di grasso che dobbiamo avere intorno. È stato bello andare in qualcosa che sembrasse più indipendente e suonare in quello spazio per un po’. Ma una delle cose a cui stavo pensando prima, quando parlavi di quel relax sul set, era che Tom Hardy mi aveva sorpreso. Lo immaginavo come un orso grizzly, sempre serio. E davvero, è una delle persone più divertenti che abbia mai incontrato. Scherzava finché non veniva chiamata l’azione e poi diventava il ragazzo più intenso che avessi mai visto”.

“Mi ricorda le storie che ho sentito di [Marlon] Brando, che parla con l’operatore della macchina da presa fino al momento in cui viene chiamata l’azione“, ha detto Josh Brolin. “Ho imparato molto da Tom“, ha aggiunto Austin Butler. “Mi ricorda te, dove puoi essere in quel luogo rilassato in cui sei ricettivo al tuo ambiente, e poi quando arriva il momento, puoi fare clic su ciò che la scena richiede. Anche quello è stato fantastico perché avevo un paio di settimane libere da “Dune”. Sono tornato e ho iniziato ad allenarmi sulle moto ogni giorno.

Disney e 20th Century Studios avrebbero dovuto lanciare “The Bikeriders” nelle sale il 1 dicembre, ma per ora è stato tolto dal calendario a causa dello sciopero del SAG-AFTRA. Il film è stato presentato in anteprima mondiale con ottime recensioni al Telluride Film Festival. Michael Shannon, Mike Faist e Norman Reedus completano il cast. Il film Segue l’ascesa di un club motociclistico del Midwest attraverso le vite dei suoi membri.

The Erection of Toribio Bardelli: recensione del film di Adrián Saba – #RoFF18

Lidia Maltese
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The Erection of Toribio Bardelli: recensione del film di Adrián Saba – #RoFF18

La disfunzionale famiglia Bardelli, a 360° gradi, è protagonista del racconto di Adrián Saba che nel corso di due notti ci mostra i demoni di ogni membro che si confronta con la perdita della moglie e madre. Il vedovo Toribio (Gustavo Bueno) e i figli Sara (Gisela Ponce de Leon), Silvestre (Rodrigo Sánchez Patiño) e Luz (Michele Abascal) raccolgono l’eredità di questi due genitori navigando nelle acque torbide dell’incertezza. Una pellicola che racconta il lutto e la reazione di una famiglia che affronta la perdita ma anche la disperazione di una esistenza ricca di dubbi. Nel corso di due notti, Toribio si confronta con la propria mortalità incombente, affronta i suoi figli allontanati, che sono alla ricerca della propria identità dopo la perdita della madre.

La trama di The Erection of Toribio Bardelli

La telecamera di Adrián Saba non si muove, ma fissa i personaggi e ne limita i movimenti. Questo rende la famiglia Bardelli immutabile nella sua forma, travolta da un lutto e dalla perdita e in piena crisi. Ogni personaggio affronta un dolore personale e questo quadro viene pienamente descritto da Saba che inquadra sempre i personaggi al lato della scena, come se non fossero ben centrati con la realtà. Ed effettivamente, la famiglia Bardelli naviga un po’ in questa disfunzione, tema che non solo fa da sfondo al titolo del film – The Erection of Toribio Bardelli – ma che è anche una disfunzione di sentimenti. Partiamo da Toribio, il capostipite della famiglia.

The Erection of Toribio Bardelli film cast

Un uomo tormentato dal peso dell’età che avanza che cerca di nascondere in molti modi: dal mancato rinnovo della patente allo spirito di ribellione, figlio di un’altra epoca. Con l’età che avanza e con essa la disperata ricerca di appagamento sessuale, la disfunzione di Toribio è quella dell’impotenza. Dopo aver finalmente scoperto che la moglie gli era stata infedele, Toribio perde definitivamente la bussola che oscilla tra la mancanza e la disperazione di non potersi sentire uomo ancora una volta. Il suo disagio si ripercuote in tutta la famiglia anch’essa vittima di una disfunzionalità, ma più emotiva. Non sappiamo nulla di questa famiglia, fin dall’inizio ci viene mostrata alla luce del sole. Per la figlia Sara, cieca e disoccupata, il dramma del lutto per la madre passa trasversalmente per la morte del suo cane guida al quale cerca in tutti i modi di dare un funerale dignitoso.

In modo diverso, invece, reagisce la figlia minore, Luz. Aspirante scrittrice che finge lucidità sul posto di lavoro quando vive travolta dai suoi stessi sentimenti per il direttore della rivista per cui lavora. La donna che aspira alla perfezione, nella speranza di rendere orgogliosa la madre, trova conforto nella registrazione di queste cassette surrogato di conversazioni che non avrà mai con la figura materna. Infine, il fratello maggiore, Silvester, alcolizzato e attore non riconosciuto nel suo campo. Il suo dolore, fisico ed emotivo, per la perdita della madre si trasforma in una ricerca disperata di un’altra madre: quella del donatore del cuore che gli ha dato una seconda possibilità di vita. Il suo disperato tentativo di trovare pace interiore alla fine si concretizza e una volta trovato il nido materno, caldo e accogliente, decide che è il momento di andare avanti.

The Erection of Toribio Bardelli film

La reazione di Toribio Bardelli

In The Erection of Toribio bardelli, nonostante la famiglia protagonista provi a superare le sue disfunzionalità queste hanno comunque modo di ripresentarsi, con gli interessi. Lo sa bene lo stesso Toribio che fa della sua reazione all’impotenza l’ultimo atto della sua vita. Dopo essere stato vinto anche dalla sua focosa amante, Toribio compie l’ultimo gesto disperato per raggiungere quella erezione, che è una metafora per la sua reazione alla vita e all’età che avanza. Dopo questo ultimo atto, sa bene che non ci sarà il viaggio di ritorno. Per i figli, invece, questa possibilità si concretizza ancora una volta in modi diversi. Anche se ognuno riuscirà a superare il momento di difficoltà, la pellicola di Saba ci ricorda quanta fragilità può contenere un essere umano capace di ridere anche nei momenti di difficoltà.

Noi Siamo Leggenda al Lucca Comics & Games

Redazione
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Noi Siamo Leggenda al Lucca Comics & Games

Sarà il palcoscenico di Lucca Comics & Games a vedere “atterrare” in prima assoluta i protagonisti di Noi Siamo Leggenda, il nuovo teen drama a tinte fantasy che racconta le storie di un gruppo di adolescenti che scoprono improvvisamente di essere dotati di superpoteri. Il primo dei sei episodi della serie – in onda da mercoledì 15 novembre in prima serata su Rai 2 e Rai Play – sarà proiettato domenica 5 novembre alle 16.30 al Teatro del Giglio di Lucca, con la partecipazione di alcuni dei protagonisti.

“Noi Siamo Leggenda” – diretta da Carmine Elia (“Mare Fuori”, “Sopravvissuti”), da un’idea di Valerio D’Annunzio e Michelangelo La Neve – è una coproduzione Rai Fiction e Fabula Pictures, prodotta da Nicola e Marco De Angelis, in collaborazione con Prime Video, mentre Federation International si occupa della distribuzione internazionale.

Nel cast principale, tra gli altri, Emanuele Di Stefano, Nicolas Maupas, Giacomo Giorgio, Beatrice Vendramin, Giulio Pranno, Valentina Romani, Milo Roussel, Sofya Gershevich, Margherita Aresti, Giulia Lin, Claudia Pandolfi, Antonia Liskova e Lino Guanciale.

La storia della serie è quella di cinque ragazzi – e del loro mondo – con cinque poteri straordinari che affondano le radici nelle loro paure e nei loro desideri più profondi, capaci di stravolgere le loro vite. Un coming of age che unisce dramma, azione e ironia in una narrazione originale, capace di rinnovare e riscrivere i canoni del racconto young adult di supereroi. Niente missioni iperboliche, nessun universo da salvare o supercattivi da combattere. Un racconto di formazione in cui i superpoteri si fanno metafora delle difficoltà che gli adolescenti sono chiamati ad affrontare. Un affresco commovente, forte, divertente e spiazzante di una società – la nostra – e di una parentesi della vita – l’adolescenza – in cui tutti, almeno una volta, hanno sognato di avere i superpoteri. Per combattere le ingiustizie che li circondano. Vincere la propria insicurezza. Accettarsi. Fare la cosa giusta. Senza immaginare che qualcuno, nell’ombra, è consapevole della vera origine degli improvvisi poteri.

I supereroi saranno presenti a Lucca Comic & Games il 5 novembre, a partire dalle ore 16 sul Community Carpet in piazza del Giglio

In occasione dell’anteprima, saranno a Lucca dieci dei protagonisti, per svelare i propri personaggi:

MASSIMO (Emanuele di Stefano) – Massimo è molto intelligente, il classico ragazzo che riesce ad andare bene a scuola senza studiare. Chiuso in sé e timido, ha tutte le caratteristiche per essere un “figo”, ma non ne è consapevole.

MARCO (Giulio Pranno) – Amico fidato, con Andrea e Massimo forma un trittico indissolubile. Simpatico, capace di sdrammatizzare ogni cosa, sarà l’unico del gruppo a non sviluppare poteri.

VIOLA (Margherita Aresti) – Tanto bella quanto tagliente e spigolosa, Viola è la gemella di Marco, nonché il sogno erotico di mezza scuola, Massimo compreso.

ANDREA (Milo Roussel)  – È nato con una malformazione cardiaca che lo obbliga a stare sempre sotto controllo e a evitare qualunque emozione troppo forte o stravizio.

GRETA (Sofya Gershevich) – Greta è di madrelingua tedesca, figlia dell’ambasciatrice in Vaticano. Apparentemente snob, frivola e sarcastica, nasconde dietro la sua durezza il suo più grande dolore: suo fratello, infatti, è in coma irreversibile da più di un anno, in seguito a un incidente del quale lei si dà la colpa.

JEAN (Nicolas Maupas) – Jean è francese. La sua famiglia è venuta nel Belpaese per seguire meglio l’azienda di alta moda del quale il padre, Giuseppe, è CEO e titolare. Nonostante sia alto e corpulento, Jean è terribilmente fragile e timoroso e questo, unito alla sua timidezza, lo rende bersaglio ideale delle vessazioni da parte dei suoi coetanei, ma anche di suo padre.

LARA (Valentina Romani) – Lara, originaria dell’Est Europa, è nata e cresciuta nel quartiere. Cazzuta, intelligente, spiritosa ma in modo mai pungente e poco incline a seguire le mode del momento, Lara è bella, di una bellezza peculiare e poco appariscente.

LIN (Giulia Lin) – Lin, cinese di seconda generazione, figlia di emigrati giunti in Italia vent’anni fa, non spicca certo per la sua bellezza. Il suo più grande desiderio è essere accettata e crede di doversi uniformare a modelli estetici occidentali per riuscirci.

NICOLA (Giacomo Giorgio) – Nicola, fratello di Andrea, è il bello del gruppo. Egocentrico e vanitoso, è fissato con il suo fisico che modella con ore di palestra e allentamenti. Nonostante tutto, però, riesce ad essere anche simpatico, perché in fondo è tutto tranne che cattivo.

SARA (Beatrice Vendramin) – Sara è bella, di una bellezza palese, sfrontata, che la rende la più popolare della scuola. Fidanzata con Nicola, Sara non ha mai avuto paura di usare quello che madre natura le ha dato per ottenere ciò che vuole, anche se questo significa calpestare qualcuno.

The Life of David Gale: tutte le curiosità sul film con Kevin Spacey

Gianmaria Cataldo
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The Life of David Gale: tutte le curiosità sul film con Kevin Spacey

Uno dei temi più dibattuti negli Stati Uniti (ma anche nel resto del mondo) è quello riguardante la pena capitale, la sua validità e la sua fallibilità. Un argomento etico particolarmente complesso e sempre attuale, trasformatosi nel corso degli anni e raccontato in più occasioni anche al cinema con pellicole come Dead Man Walking e Il miglio verde. Tra i film che più apertamente si sono schiarati contro di questa, non senza suscitare controversie, vi è The Life of David Gale, diretto nel 2003 da Alan Parker, scritto da Charles Randolph e prodotto tra gli altri dall’attore Nicolas Cage.

Parker, regista di celebri film come Fuga di mezzanotte, Saranno famosi e Mississippi Burning – Le radici dell’odio, propone con questo che è il suo ultimo film una riflessione tanto sulla pena di morte quanto anche sul ruolo dell’attivismo, sul confine tra passione ideologica e fanatismo. Con un finale quantomai controverso che non ha mancato di suscitare analisi e dibattiti, The Life of David Gale è un potente dramma ancora oggi oggetto di sempre nuove considerazioni. Impreziosito da un cast di grandi attori, sul quale si fonda anche molta della fama del titolo, il film è sempre un interessante visione a partire dalla quale formare una propria opinione in merito.

Al momento della sua uscita, infatti, il film passò quasi inosservato, guadagnando popolarità nel tempo fino a divenire un vero e proprio cult del suo genere e sull’argomento. Prima di intraprendere una visione del film, però, sarà certamente utile approfondire alcune delle principali curiosità relative a questo. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi al cast di attori e al controverso finale. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo. Prima, però, si approfondirà la storia, vera o meno, del film.

Kate Winslet in The Life of David Gale

La trama di The Life of David Gale e la storia vera

Protagonista del film è David Gale, un professore di filosofia presso l’Università di Austin, in Texas. Egli, inoltre, è anche un membro attivo del Death Watch, un’associazione che lotta contro la pena di morte. La vita del rispettabile docente cambia però drasticamente dopo una notte di sesso violento con Berlin, una studentessa conosciuta a un party, che prima lo seduce e poi lo accusa di stupro. Arrestato per questo motivo ma poi scagionato, David vede la sua reputazione professionale ormai distrutta. È a questo punto che intraprende una relazine con Constance Harraway, anch’essa membro del Death Watch.

Quando però la donna viene ritrovata stuprata e uccisa, i sospetti ricadono nuovamente su Gale, che viene nuovamente arrestato e, stavolta, condannato proprio a quella pena di morte da lui tanto combattuta. Prima che l’esecuzione avvenga, la giornalista Bitsey Bloom si avvicina a David nel tentativo di ottenere la sua versione dei fatti. Parlando con l’uomo, la donna entrerà nel pieno delle battaglie etiche contro la pena capitale, scoprendo molto più di quello che pensava. Quando tutto le sarà chiaro, Bitsey dovrà scegliere da che parte stare, schierandosi per la verità o il silenzio.

Quella del film è stata costruita come una storia apparentemente vera, ma in realtà non è così. Si tratta di un racconto totalmente inventato, come dichiarato dallo stesso sceneggiatore. L’intenzione di questi, infatti, era quella di dare al pubblico qualcosa che sembrasse basato su eventi reali, poiché ciò avrebbe favorito un maggior coinvolgimento e una più facile identificazione tra gli spettatori e i personaggi del film. Non per tutti però questo risultato è stato raggiunto e noto è il parere del celebre critico Roger Ebert, il quale ha affermato che il film sembra in realtà screditare gli oppositori della pena di morte piuttosto che sostenere le loro battaglie.

The Life of David Gale storia vera

Il cast del film

Come anticipato, il film vede la partecipazione di noti attori, tra cui alcuni premi Oscar. Il primo di questi è Kevin Spacey, nel ruolo del protagonista, un personaggio per cui erano però originariamente stati pensati Nicolas Cage e George Clooney. Kate Winslet è la giornalista Bitsey Bloom, un ruolo inizialmente offerto a Nicole Kidman. L’attrice Laura Linney interpreta invece Constance Harraway, mentre Rhona Mitra è la studentessa Berlin. Completano poi il cast gli attori Lee Ritchey nei panni di Joe Mullarkey, Gabriel Mann in quelli di Zack Stemmons e Matt Craven come Dusty Wright. Compare invece nei panni di Nico, una ragazza goth, l’attrice Melissa McCarthy, oggi nota per i suoi ruoli comici.

Il trailer di The Life of David Gale e dove vedere il film in streaming e in TV

È possibile fruire di The Life of David Gale grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Google Play, Apple iTunes e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di venerdì 20 ottobre alle ore 21:00 sul canale Iris.

Fonte: IMDb

Te l’avevo detto: recensione del film di Ginevra Elkann – #RoFF18

Valeria Maiolino
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Te l’avevo detto: recensione del film di Ginevra Elkann – #RoFF18

Il nostro pianeta si sta ribellando. Basta volgere lo sguardo verso il cielo oppure al termostato. O anche ai telegiornali, che ogni giorno annunciano notizie riguardo catastrofi ambientali. Terremoti, alluvioni, aridità. Le coltivazioni soffrono, i mari sono pieni di plastica. Qualcosa sta cambiando, ma quand è che abbiamo iniziato ad esserne così indifferenti? O peggio ancora, a non accorgercene? È una domanda che sorge spontanea a tutti, ma in particolare a Ginevra Elkann, che alla sua seconda esperienza dietro la macchina da presa, Te l’avevo detto, quattro anni dopo Magari, decide quasi di fare una denuncia sociale. Lo fa attraverso uno degli strumenti migliori, fra i più accessibili e leggibili a tutti: il cinema. Perché così, utilizzando un medium largamente fruito, si può arrivare a quante più persone possibili e forse, potremmo dire, si può provare a fare la differenza. A dare una mano, a sensibilizzare.

È anche questo lo scopo del cinema, in fondo. Parlare, approfondire, consigliare, ragguardare. Ma anche… rivelare. Te l’avevo detto, fra i titoli di spicco nella sezione Grand Public della 18esima edizione della Festa del Cinema di Roma, è una commedia nera che sembra quasi un presagio. Qualcosa che non è molto lontano da una possibile realtà, se non invertiamo la rotta di marcia. Elkann, per la sua nuova opera, chiama a rapporto i suoi fidati Alba Rohrwacher e Riccardo Scamarcio, già presenti nel suo esordio registico, ma questa volta si impegna a costruire un cast molto più femminile. Ad accompagnarli ci sono infatti anche Valeria Golino, Valeria Bruni Tedeschi e Sofia Panizzi, a ognuna delle quali viene affidato un personaggio incisivo. Te l’avevo detto sarà distribuito da Fandango.

Te l’avevo detto, la trama

Gennaio. Roma è ancora addobbata a festa, il Natale in fondo è da poco passato. Il problema, però, è che il periodo invernale non coincide con le temperature segnate sul termoregolatore, che aumentano quattro o cinque gradi in più di giorno in giorno. L’asfalto brucia, il sole non riscalda ma cuoce. Un’anomalia preoccupante, che però non sembra toccare Gianna (Valeria Bruni Tedeschi), una fanatica religiosa ossessionata dalla sua amica Pupa (Valeria Golino), la quale a sua volta pensa solo a risollevare la sua carriera di pornostar giunta al capolinea da diversi anni. Ma non sono le uniche: anche a Caterina (Alba Rohrwacher) non interessa, troppo presa dall’alcol a cui non riesce proprio a rinunciare. Men che meno a padre Bill (Danny Huston), ex eroinomane impegnato a capire dove seppellire le ceneri di sua madre. Ognuno di loro ha altro a cui pensare; ha vizi e fisime che non riesce a controllare. Nessuno si rende conto che il clima è cambiato, e che lentamente sta danneggiando tutto. Perché pensando troppo a se stessi, non si ha il tempo e la voglia di guardare realmente fuori, o ascoltare davvero una radio impazzita che ci avvisa di… stare attenti.

Te l'avevo detto Valeria Bruni Tedeschi

Una Roma mai stata così calda

Fa caldo in Te l’avevo detto. Un caldo che si percepisce sin dalle prime inquadrature, quando entriamo nell’afa di una Roma che piano piano si scioglie sotto un sole anomalo e cocente. Un senso di oppressione, mancanza di respiro, un nodo alla gola: ci sentiamo soffocare. Tutte sensazioni che la regista non vuole esitare a farci provare subito, perché forse solo sentendole, come se le vivessimo in prima persona, possiamo capire la storia che ci vuole raccontare. Per farlo Ginevra Elkann si affida completamente alla fotografia gialloarancio e nebbiosa di Vladan Radovic che, mentre il film progredisce, accende sempre di più quei colori caldi, di pari passo con le emozioni dei suoi protagonisti, fino a farli esplodere – anche qui come loro – nelle sequenze ultime.

In Te l’avevo detto è tutto parossistico: lo è l’atmosfera densa e spessa che avvolge la Capitale, lo sono i protagonisti con i loro vizi e ossessioni e le loro situazioni grottesche, spesso folli. Se dobbiamo dare un primo merito alla regista, è proprio questo: aver saputo costruire un racconto in cui cambiamento climatico, vulnerabilità e perversioni umane hanno lo stesso crescendo narrativo ed emotivo, intrecciandosi e diventando quasi una metafora l’uno dell’altro. Perché come si vedrà nel finale, sia la condizione del pianeta che di noi stessi può solo che peggiorare se né dell’uno né dell’altro ci prendiamo cura. È l’inevitabilità delle cose, che si deteriorano a causa dell’indifferenza e della superficialità con cui vengono trattate.

Una fotografia della società

Te l’avevo detto traccia dunque due percorsi: il primo è, come abbiamo detto, il problema climatico; l’anomalia che la regista ci mostra potrebbe avverarsi in un futuro non troppo lontano, su cui lei stessa ha ragionato in un’estate in cui “tutto intorno a sé si stava sciogliendo”. E la sola idea che quello a cui assistiamo, in fondo, potrebbe tramutarsi in realtà, scuote nel profondo. Il secondo, invece, riguarda la nostra società. Elkann sembra volercene fare una fotografia amara attraverso i suoi personaggi sui generis, pur essendo questi inclini allo stereotipo. Focalizzandosi sulle loro turbolenze emotive, sfaccettature caratteriali e torbide sfumature, la regista insieme a Chiara Barzini e Ilaria Bernardini – con le quali scrive la sceneggiatura – riflette su un’umanità che ad oggi tende a essere sempre più egoista, autoreferenziale e vana, che non si accorge di ciò che le accade attorno perché troppo concentrara su se stessa e sulle proprie necessità. Ognuno con il proprio bagaglio nocivo sulle spalle, ognuno con la bramosia di voler soddisfare le proprie esigenze senza mai mettersi in discussione.

Ed è così che Te l’avevo detto innesca due tipi di riflessioni tanto diverse quanto simili, che non lasciano di sicuro indifferenti. Forse l’unico errore della regista, che grava un po’ sull’economia generale di un film che comunque nel suo insieme funziona, è aver veicolato questo tipo di messaggi attraverso più storie che non riescono a reggerne il peso equamente. Inevitabilmente alcune di loro si perdono nel discorso e non sboccano da nessuna parte, come ad esempio l’arco narrativo di Riccardo e Caterina, o ancora di Bill, appesantendone la fluidità poiché non aventi davvero il giusto spazio di evolvere. Altre invece convincono a pieno e prorompono, come quelle di Pupa e Gianna, caricate con le belle e forti interpretazioni di Valeria Golino e Valeria Bruni Tedeschi. Te l’avevo detto diventa così uno dei film italiani per cui vale la pena condersi del tempo. Perché lascia un segno. E ci ricorda che il cinema è potente, ma soprattutto non è solo finzione: può essere specchio di una realtà che a volte fatichiamo a vedere, se solo si presta davvero attenzione a ciò che si guarda.

Saltburn: il trailer del film di Emerald Fennell

Chiara Guida
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Saltburn: il trailer del film di Emerald Fennell

Prime Video ha diffuso il trailer italiano ufficiale di Saltburn, il nuovo film di Emerald Fennell che arriverà prossimamente sulla piattaforma.

La regista e sceneggiatrice premio Oscar Emerald Fennell (Una donna promettente) ci regala una storia di privilegio e desiderio splendidamente perfida. Mentre tenta faticosamente di trovare il suo posto all’Università di Oxford, lo studente Oliver Quick (Barry Keoghan) viene attratto nel mondo dell’affascinante e aristocratico Felix Catton (Jacob Elordi), che lo invita a Saltburn, l’eccentrica tenuta di famiglia, per un’estate indimenticabile.

Saltburn, recensione del film di Emerald Fennell

Scritto e diretto da Emerald Fennell Prodotto da Emerald Fennell, Margot Robbie, Josey McNamara con Barry Keoghan, Jacob Elordi, Rosamund Pike, Richard E. Grant, Alison Oliver, Archie Madekwe e Carey Mulligan.

Silenzio, parla Martin Scorsese… Intervista al regista di Killers of the Flower Moon

Adriano Ercolani
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Silenzio, parla Martin Scorsese… Intervista al regista di Killers of the Flower Moon

In arrivo nelle sale italiane il 19 ottobre con 01 Distribution prima di approdare su Apple TV+, Killers of the Flower Moon (qui la recensione) segna il grande ritorno di Martin Scorsese. Tratto dall’omonimo libro-inchiesta di David Grann, il film racconta dei crimini perpetrati negli anni ‘20 ai danni della tribù di nativi Osage dopo la scoperta del petrolio nei terreni dell’Oklahoma a loro assegnati. Interpretato dai fedelissimi del regista Leonardo DiCaprio e Robert De Niro e dall’astro nascente Lily Gladstone, Killers of the Flower Moon ci è stato presentato da Scorsese stesso. Ecco la nostra chiacchierata con il grande autore di Taxi Driver, Toro scatenato e L’età dell’innocenza.

Quando ha deciso di trasporre in immagini la storia dei nativi Osage e del loro genocidio?

Mentre mi accingevo a completare The Irishman mi hanno portato il libro di Grann proponendomi di realizzarne un film. In principio non pensavo di essere il regista giusto per farlo, devo ammettere che da giovane non sapevo nulla o quasi della questione dei nativi americani e di come fossero stati trattati. Gli anni ‘70 sono stati il decennio in cui l’opinione pubblica ha iniziato a scoprire veramente la verità su una condizione che purtroppo ancora oggi sussiste. Prima c’era una sorta di idealizzazione agiografica, una specie di mito del “buon selvaggio” alla maniera di Rousseau. Ho subito messo in chiaro che se avessi deciso di girare Killers of the Flower Moon avrei tentato di rappresentare il mondo degli Osage in maniera realistica, anche nelle scene in cui la loro cultura contempla la possibilità di visioni o sogni. Quello che vediamo nel film è reale tanto quanto il mondo dei bianchi.

Come ha lavorato con la comunità del luogo per ricostruire eventi e ambientazioni?

All’inizio la tribù Osage era scettica riguardo al progetto, ho fatto del mio meglio per rassicurare i membri che saremmo stati il più possibile veritieri, accurati nella rappresentazione della cultura e dei loro rituali. Siamo stati estremamente scrupolosi nel prestare attenzione a particolari come il nome dei bambini, le coperte, gli indumenti e ovviamente il linguaggio. Lily, Leonardo e Robert l’hanno imparato con entusiasmo, tentando di scoprire quanto più possibile di questa civiltà antica. Si tratta di una questione delicata, i discendenti delle vittime di tali crimini vivono ancora in quei luoghi e non parlano molto di ciò che è avvenuto ai loro avi. Tutte le licenze che ci siamo presi in fase di riprese sono state approvate dalla comunità Osage.

Vi sono differenze sostanziali tra il testo di partenza e quello che il suo film racconta?

Siamo passati attraverso molte riscritture della sceneggiatura, cambiando spesso prospettiva. Il libro di David Grann si concentra in gran parte sul lavoro dell’FBI, la prima vera grossa indagine che rese celebre l’agenzia e gli conferì potere. Con Eric Roth abbiamo lavorato a questo aspetto della trama per quasi due anni, ci siamo spinti fin dove potevamo. Pian piano però abbiamo compreso che il cuore della storia era il rapporto tra Mollie e Ernest, la loro storia d’amore. Quello è stato il momento in cui Leonardo DiCaprio è entrato nel film come protagonista, mentre all’inizio doveva interpretare l’agente dell’FBI Tom White, la parte che poi è andata a Jesse Plemons. Da quel momento la sceneggiatura ha iniziato a cambiare, è diventata una storia raccontata dall’interno, ha lasciato venire in superficie il peccato e l’omissione, la complicità. La storia d’amore tra i due presuppone fiducia, e da qui si determina il tradimento.

Gli anni 20 killers-of-the-flower-moon
Cortesia di 01 Distribution & RaiCinema

Lei è un cineasta principalmente “urbano”, come si è trovato a realizzare un film nelle praterie specifiche del western?

È vero, io sono un uomo di città, cresciuto nel Lower East Side di New York, ci ho messo una vita a capire cosa volesse dire che il sole tramonta a Ovest tanto per fare un esempio. La prima volta che sono andato in Oklahoma per vedere alcune possibili coibentazioni è stato nel 2019, durante la lunghissima post-produzione di The Irishman, prima che scoppiasse la pandemia. Quando mi sono trovato di fronte quegli scenari naturali ne sono rimasto scosso, possono aprirti veramente il cuore e la mente. Specialmente quando guidi in quelle strade dritte per miglia e miglia e puoi ammirare bisonti o cavalli selvaggi. Allo stesso tempo ho iniziato anche a percepire quanto tali luoghi possano essere sinistri: quando non hai nessuno intorno per miglia, tutto può succedere, specialmente cento anni fa quando avvennero i fatti che racconto nel film.

Killers of the Flower Moon adopera la colonna sonora di Robbie Robertson in maniera audace, quasi innovativa. Che idea c’è alla base di questa scelta?

Molti miei film possiedono una loro musicalità interna. Per le scene di pugilato in Toro scatenato ad esempio mi sono ispirato ai balletti di Scarpette rosse: tutto è visto dall’interno del ring, nella testa del combattente, allo stesso modo in cui nell’altro film vediamo ogni cosa con gli occhi di Moira Shearer. Sul set di Quei bravi ragazzi invece facevo sentire Layla durante le riprese con movimenti di macchina elaborati. Qualcuno mi ha fatto notare a ragione che Killers of the Flower Moon possiede la cadenza di un bolero, che parte lento per poi acquistare ritmo e potenza fino all’esplosione finale. In questo mi aiuta moltissimo lavorare con Thelma Schoonmaker in sala di montaggio, non potrei avere collaboratore migliore per capire i miei film. Il giro di basso di Robbie Robertson che adopero per quasi tutto il film è sexy, pericoloso e carnale.

Leonardo DiCaprio Robert De Niro Killers of the Flower Moon
Gentile concessione di © 01 Distribution

Cosa l’ha portata a scegliere Lily Gladstone per il ruolo di Mollie?

La casting director, Ellen Lewis, mi ha fatto vedere Certain Women di Kelly Reichardt e sono rimasto colpito dalla sua bravura. Durante la pandemia abbiamo iniziato a collaborare via Zoom e la presenza, la calma e l’emozione che il suo volto lasciava trasparire mi hanno conquistato. Puoi capire che la sua mente è costantemente a lavoro dietro quello sguardo così pacato. La prima scena che abbiamo girato insieme è quella della cena tra Mollie ed Ernest, dove lei lo interroga. Lily è stata magnifica nel far capire che Mollie sa perfettamente che tipo di uomo é Ernest, in cosa si sta cacciando quando decide di sposarlo. L’alchimia con Leonardo è stata incredibile fin dall’inizio, hanno avuto libertà di improvvisazione e spesso abbiamo riscritto delle scene proprio grazie al loro supporto. Un’altra qualità di attrice di Lily che vorrei sottolineare sta nel fatto che il suo impegno, il suo attivismo nella vita reale non sono mai andati a sovrastare il personaggio che stava interpretando. Questo è segno di grande competenza professionale. Per me lavorare con lei è stata una boccata d’aria fresca: ormai la mattina faccio fatica sul set, non ho più le energie di un tempo. Quindi avere intorno attori più giovani ed entusiasti come Leo, Jonah Hill, Margot Robbie o Lily Gladstone mi aiuta notevolmente a iniziare il lavoro.

E invece cosa vuole aggiungere riguardo il suo rapporto con Robert De Niro e Leonardo DiCaprio?

Con Robert siamo cresciuti insieme, ci conosciamo fin da quando eravamo adolescenti. È l’unico attore che sa veramente da dove vengo, che tipo di persone frequentavo. Gli anni ‘70 per il nostro rapporto sono stati un grande banco di prova, abbiamo sperimentato tutto il possibile e abbiamo scoperto di poterci fidare l’uno dell’altro. In quel periodo Robert come star possedeva un potere enorme e avrebbe potuto facilmente prendere il controllo dei nostri film. Non ho mai avuto paura di questo. Lavoravamo in libertà, desiderosi di sperimentare, senza alcuna paura. Anni dopo mi disse che in un film intitolato Voglia di ricominciare aveva recitato con un ragazzo, un certo Leonardo DiCaprio, e mi consigliò di lavorarci un giorno. Lo disse in maniera quasi casuale, ma non lo era affatto. Non era da Bob, uno che non dà mai questo tipo di suggerimenti. Così anni dopo Leo rese possibile la realizzazione di Gangs of New York, visto che dopo Titanic era una star mondiale. Il nostro rapporto si è consolidato con The Aviator, ho capito grazie a quel film che eravamo sulla stessa lunghezza d’onda. La svolta è arrivata con The Departed, un thriller che Bill Monahan riscriveva continuamente per stare dietro all’interpretazione febbrile di Leo. Quello è stato il progetto che mi ha fatto capire quanto, anche se abbiamo età diverse, possediamo moltissime cose in comune, un’affinità umana e intellettuale. Per The Wolf of Wall Street mi sono fidato completamente di lui, e durante le riprese mi ha regalato momenti incredibili.

Il migliore dei mondi: trailer del film con Maccio Capatonda

Chiara Guida
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Il migliore dei mondi: trailer del film con Maccio Capatonda

Primo Video ha diffuso il primo trailer di Il migliore dei mondi, il nuovo film che vede protagonista Maccio Capatonda, Martina Gatti e Pietro Sermonti, per la regia di Danilo Carlani, Alessio Dogana, Marcello Macchia.

All’interno del film sarà presente il brano originale di M¥SS KETA, dal titolo “CONDANNATA A DANZARE”, ispirato dal film e creato per accompagnare il protagonista nella sua evoluzione all’interno de ‘IL MIGLIORE DEI MONDI’.

Il migliore dei mondi la trama

Immaginiamo un uomo comune del millennio digitale catapultato in un inaspettato viaggio analogico. È quello che succede a Ennio Storto, il nostro protagonista, che si ritrova improvvisamente in un 2023 alternativo dove la tecnologia si è fermata per sempre agli anni ’90. Ma quello che nasce come un disastroso imprevisto può evolvere in un’avventura straordinaria, in cui Ennio scoprirà un nuovo lato di sé.

Senna: al via le riprese della nuova miniserie Netflix su Ayrton Senna

Redazione
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Senna: al via le riprese della nuova miniserie Netflix su Ayrton Senna

Al via le riprese in Brasile per Senna, la nuova miniserie di Netflix sull’emozionante storia di uno dei più grandi eroi del Brasile, Ayrton Senna. Nel cast Alice Wegmann, Camila Márdila, Christian Malheiros, Gabriel Louchard, Hugo Bonemer, Julia Foti, Marco Ricca, Pâmela Tomé e Susana Ribeiro che si uniscono a Gabriel Leone, nei panni di Ayrton Senna. Oltre agli attori brasiliani, anche Kaya Scodelario, già annunciata precedentemente, insieme a Matt Mella, Arnaud Viard, Joe Hurst, Johannes Heinrichs, Keisuke Hoashi, Leon Ockenden, Patrick Kennedy, Richard Clothier, Steven Mackintosh e Tom Mannion prendono parte al progetto.

La produzione e una parte degli attori sono appena arrivati in Brasile, dove le riprese si terranno a San Paolo e Angra dos Reis nello stato di Rio de Janeiro. Alcune scene della miniserie, che è una delle produzioni più ambiziose e innovative di Netflix Brasile ed è prodotta da Gullane, sono già state girate in Argentina e Uruguay. Dopo aver completato le riprese in Brasile, si sposteranno nel Regno Unito.

Nel corso di sei episodi, Senna descriverà, per la prima volta, il percorso di superamento di ostacoli, alti e bassi, gioie e dolori di Ayrton, esplorando la sua personalità e le sue relazioni personali. Il punto di partenza sarà l’inizio della carriera agonistica del tre volte campione di Formula 1, quando si trasferì in Inghilterra per gareggiare nella Formula Ford, fino al tragico incidente di Imola, in Italia, durante il Gran Premio di San Marino.

Con la direzione generale di Vicente Amorim, che è anche showrunner e regista, e la regia di Julia Rezende, Senna è prodotto da Gullane in collaborazione con Senna Brands e la famiglia del pilota.

The Devil On Trial – Processo al diavolo: recensione del docufilm Netflix

Annarita Farias
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The Devil On Trial – Processo al diavolo: recensione del docufilm Netflix

«Eravamo di fronte a uno scontro tra il bene e il male… e quest’ultimo aveva scelto il Connecticut». È con questa frase cupa e gelida che si apre The Devil on Trial – Processo al diavolo, il nuovo docufilm horror di Netflix, disponibile dal 17 ottobre 2023, che riporta alla luce uno dei casi più inquietanti e controversi di omicidio e possessione demoniaca degli Stati Uniti.

Scritto e diretto dal quattro volte candidato ai BAFTA Chris Holt, il documentario di circa 85 minuti ripropone – tra ricostruzioni cinematografiche, testimonianze dirette, registrazioni ed immagini d’archivio – l’orribile ed agghiacciante fatto di cronaca che solo pochi anni fa ha ispirato il terzo capitolo del celebre franchise di The Conjuring Universe.

La storia vera della famiglia Glatzel e Arne Johnson

Il piccolo David Glatzel conduceva una vita normale e tranquilla insieme ai suoi due fratelli, Carl e Alan, sua sorella Debbie e ai suoi genitori. I Glatzel erano una famiglia americana come tante altre… finché qualcosa di spaventoso ed indicibile bussò alla loro porta.

Il 2 luglio del 1980, Debbie trovò casa a Newton, dove si trasferì con il suo fidanzato Arne Johnson. I tre fratelli e i genitori si offrirono, dunque, di aiutare la giovane coppia con il trasloco. Ed è proprio in questa casa che, dopo poche ore, il piccolo David sentì per la prima volta una strana presenza: iniziò così quel terrificante incubo che travolse e consumò le vite della famiglia Glatzel. Da quel momento, l’undicenne David non fu più lo stesso: grida, visioni terrificanti, insulti, voci oscure e notti insonni. Esausti e turbati, i Glatzel decisero dunque di affidarsi a degli specialisti del paranormale, i celebri demonologi Ed e Lorraine Warren.

Era il 2 settembre 1980 quando la Chiesa Cattolica autorizzò a praticare un esorcismo sul piccolo David. Ma anche quest’ultimo tentativo non si rivelò la soluzione ai mali che affliggevano questa famiglia: durante il rito, infatti, Arne – straziato nel vedere il bambino soggiogato dal demone – chiese a quest’ultimo di lasciare il giovane e prendere sé al suo posto. Nei giorni che seguirono l’esorcismo, i Glatzel parvero ritornare alla vita spensierata di prima. Una pace che durò solo qualche mese, fino a quando Arne – la tragica sera del 16 febbraio 1981 – uccise a coltellate il suo padrone di casa, Alan Bono.

Il caso “DEVIL MADE ME DO IT”

Con ben quattro coltellate, Arne Cheyenne Johnson uccise Alan Bono davanti agli occhi increduli delle sorelle Johnson e di Debbie. Nonostante questo, tutti affermarono che Arne era innocente e che quella sera era stato posseduto dal maligno, unico colpevole dell’omicidio. Il processo di Johnson divenne fin da subito un fatto mediatico di grande eco e tutt’oggi è ricordato come il caso “Devil made me do it” (cioè, “il diavolo me l’ha fatto fare”), primo e unico caso di omicidio volontario negli Stati Uniti in cui la difesa si avvalse della possessione demoniaca come causa del reato, professando l’innocenza dell’imputato. La giuria però non credette a questa storia e il 24 novembre del 1981 il diciannovenne Arne Johnson fu condannato a vent’anni di carcere.

THE DEVIL ON TRIAL: Possessione demoniaca o rabbia omicida e cospirazione umana?

Con The Devil on Trial, Chris Holt costruisce un cupo e inquietante castello di carte che verso l’epilogo è poi smontato, a poco a poco, con scetticismo e spettacolarizzazione. L’intento di Holt è chiaro: se nella prima parte cerca di far empatizzare lo spettatore con i protagonisti al punto da proporre la tesi di possessione demoniaca come unica verità plausibile; nella seconda parte stende allusivamente un grande velo di dubbi e perplessità. Davvero il piccolo David è stato tormentato dal demonio? È sicuro che non ci siano moventi per la rabbia omicida di Arne? E se dietro uno dei casi paranormali più celebri degli ultimi anni ci fosse una crudele cospirazione umana?

In questo ha un ruolo chiave Carl, l’unico della famiglia Glatzel che decide di indagare su una verità più personale e profonda, che si dissocia totalmente dalla versione paranormale promossa dagli adulti coinvolti a quel tempo. Carl si espone, quindi, raccontando dei retroscena familiari con i quali poco hanno a che fare demoni e possessioni: «Morti i miei genitori, ho riordinato le loro cose con mia moglie. Mia madre si appuntava tutto, era ossessivo-compulsiva. Usava pezzi di carta, calendari… scriveva ovunque. Trovammo allora questa annotazione: “Stasera tutti hanno preso la medicina ed è andato tutto bene”». Ogni sera, in casa Glatzel, la madre – rivela Carl con sguardo disilluso e deluso – metteva di nascosto un forte antistaminico nel loro cibo.

«Sperava che il Sominex la aiutasse a mantenere meglio il controllo su di noi e su mio padre. Provare sonnolenza, sentirci stanchi ci avrebbe fatto stare buoni e non le avremmo dato problemi. Ma il Sominex alla lunga può avere effetti collaterali come sbalzi d’umore, aumento di peso e… allucinazioni».

Nonostante le ricostruzioni cinematografiche a tratti un po’ troppo forzate e drammatizzate, The Devil on Trial si inserisce nel catalogo Netflix come un documentario semplice e godibile che non intende limitarsi a porre ancora una volta sotto i riflettori una storia tanto assurda quanto inquietante, ma che chiede indirettamente al pubblico di riflettere e interrogarsi su temi come il fanatismo religioso e, soprattutto, su come la mente umana sia, il più delle volte, la vera origine del male.

Ghost Dog – Il codice del Samurai di Jim Jarmusch torna in sala restaurato

Redazione
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Ghost Dog – Il codice del Samurai di Jim Jarmusch torna in sala restaurato

Da lunedì 23 ottobre arriva nelle sale italiane la nuova versione restaurata di Ghost Dog – Il codice del Samurai di Jim Jarmusch, con il premio Oscar Forest Whitaker e la colonna sonora hip-hop di RZA. Il cult movie scritto e diretto da Jarmusch – autore di opere indimenticabili come “Daunbailo”, “Dead Man”, “Taxisti di notte”, “Coffee & Cigarettes”, “Broken Flowers”. “Solo gli amanti sopravvivono” – è distribuito in sala da CG Entertainment in collaborazione con Cinema Beltrade – Barz and Hippo.

IL NUOVO RESTAURO 4K (2023)

I materiali di GHOST DOG – IL CODICE DEL SAMURAI sono stati resi disponibili nel 2023 da STUDIOCANAL: il nuovo restauro è stato curato da Jim Jarmusch. CG Entertainment oltre all’uscita nelle sale italiane pubblicherà il film in edizione 4K UHD per il mercato home video italiano, grazie alla campagna di crowdfunding START UP!

Ghost Dog è un killer afroamericano che vive seguendo le regole di un antico codice samurai e lavora come sicario a servizio di Louie, un mafioso che anni prima lo salvò dall’aggressione di un gruppo di fanatici. Per una serie di disguidi, un incarico non arriva a termine e Ghost Dog diventa il bersaglio in una caccia all’uomo ordinata dal boss Vargo, con obiettivo finale forse lo stesso Louie. In ossequio al codice, per Ghost Dog salvare Louie diventa il primo dovere.

Titolo originale: GHOST DOG: THE WAY OF THE SAMURAI – GENERE: thriller – DURATA: 116 min. Usa, 1999 © 1999 Plywood Productions, Inc. TUTTI I DIRITTI RISERVATI. STUDIOCANAL

Jarmusch, padre indiscusso della rinascita del cinema indipendente americano, guarda al “Frank Costello faccia d’angelo” (“Le samurai”) di Jean-Pierre Melville del 1967, cita “Rashomon” e riesce a far incontrare e coesistere nel suo film più generi: il thriller, il noir, il western e la commedia. Con Ghost Dog Jarmusch regala al pubblico uno dei personaggi-iconici più amati del cinema contemporaneo: il solitario e fedele killer/samurai, interpretato da un superbo Forest Whitaker (seguiranno il Golden Globe e l’Oscar per “L’ultimo re di Scozia”). Presentato nel 1999 in concorso al 52° Festival di Cannes GHOST DOG – IL CODICE DEL SAMURAI è diventato negli anni un film di culto, grazie anche all’indimenticabile colonna sonora hip hop a firma di RZA, leader newyorkese del Wu-Tang Clan.

Con GHOST DOG – IL CODICE DEL SAMURAI prosegue il progetto di CG Entertainment nel recupero e nella distribuzione in sala e in home video di film cult dei più importanti maestri del cinema internazionale: dal sci-fi “Battle Royale” di Kinji Fukasaku con Takeshi Kitano alla rassegna ALMODÓVAR – LA FORMA DEL DESIDERIO che ha visto il ritorno sul grande schermo di cinque film degli anni ’80 dell’amato regista spagnolo in versione restaurata, fino alla recente acquisizione dei diritti per l’Italia della prestigiosa library di Wim Wenders (“Il cielo sopra Berlino” in versione restaurata nelle sale dal 2 ottobre distribuito da Cineteca di Bologna, con il suo progetto per la distribuzione dei classici restaurati Il Cinema Ritrovato).

Hulk: 10 superpoteri che non ha ancora sfruttato nel MCU

Agnese Albertini
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Hulk: 10 superpoteri che non ha ancora sfruttato nel MCU

Hulk è conosciuto come supereroe dalla forza sovraumana, ma i fumetti descrivono anche una serie di suoi poteri che il Marvel Cinematic Universe non ha ancora analizzato in nessun modo. L’alter ego verde di Bruce Banner ha dunque ancora qualche asso nella manica che sarebbe interessante vedere nei prossimi film della Marvel. Come tutti i personaggi adattati dal MCU, l’Hulk del MCU presenta molte differenze fondamentali rispetto alle sue iterazioni nei fumetti.

Per quanto Bruce Banner sia stato in grado di assicurarsi lo schermo come membro fondatore dei Vendicatori e di apparire come personaggio secondario in una vasta gamma di altre proprietà, i problemi legali intorno al personaggio di Hulk, che hanno vincolato i Marvel Studios nel rilasciare il secondo film da solista, hanno ostacolato lo sviluppo più profondo del personaggio. Nei fumetti, dunque, Hulk ha molti altri poteri, oltre alla semplice forza fisica, che si adatterebbero al MCU con vari gradi di successo, e passare più tempo con il personaggio sullo schermo sarebbe un’ottima occasione per esplorarli.

La capacità di vedere i fantasmi

La padronanza delle arti mistiche non è di solito la prima cosa che il pubblico collega a Hulk. Tuttavia, essendo la magia una debolezza fondamentale per un personaggio così fisicamente invulnerabile, Hulk ha avuto molti incontri soprannaturali nel corso degli anni. Nei fumetti, Hulk ha dimostrato la capacità di vedere fantasmi e proiezioni astrali. Questo include la consapevolezza della forma spiritica del Doctor Strange, cosa che nessun uomo mortale dovrebbe essere in grado di fare.

La spiegazione della capacità di Hulk di vedere nel regno dell’aldilà deriva dal padre violento e defunto di Bruce Banner; la paura di Hulk di incontrare il fantasma del padre è abbastanza forte da manifestare questa capacità. Nel MCU, la cosa più vicina all’esplorazione di questa capacità è l’incontro del Professor Hulk con l’Antico, che separa senza sforzo lo spirito di Bruce Banner dalla sua forma corporea. Sarebbe stato un potere interessante da includere nel primo incontro di Hulk con Stephen Strange o con altri utenti della magia, ma sfortunatamente la finestra privilegiata per mostrare questa abilità sembra essere già passata.

Una connessione psichica con il suo luogo di nascita

Nei film Marvel, l’origine di Hulk differisce in modo significativo dal materiale di partenza. Nei fumetti, Hulk nasce quando Bruce Banner si trova nel campo di prova di una bomba gamma sperimentale, che bombarda il suo corpo con una sana dose di radiazioni gamma, creando Hulk. Nel MCU, Bruce Banner viene invece reclutato in uno dei tanti tentativi dell’universo di replicare il siero del supersoldato di Capitan America, utilizzando intenzionalmente le radiazioni gamma su se stesso come agente di attivazione.

Hulk è spesso raffigurato come se avesse un’innata connessione mentale con il luogo del test della bomba in cui la creatura è nata anni prima. Il legame mistico tra la sua mente e il luogo è il risultato della morte di una versione futura di Bruce Banner, nota come Maestro, che ha guidato Hulk verso il luogo come rifugio dopo aver subito un grave trauma. Nel MCU, questo non avrebbe senso e il laboratorio da quattro soldi in cui sono stati creati i poteri di Bruce Banner è un luogo meno drammatico in cui tornare rispetto a un cratere infestato nel deserto del New Mexico.

Resistenza illimitata di Hulk

L’Hulk del MCU è uno dei Vendicatori più potenti, ma la sua forza e la sua resistenza hanno dei limiti. In Avengers: Age Of Ultron, vediamo Black Widow approfittare del suo stato di stanchezza dopo un’incursione in una base dell’HYDRA, utilizzando una ninna nanna che fa “addormentare” il personaggio per restituire lentamente il controllo a Bruce Banner. Si stanca anche nello scontro con Thanos, perdendo per la prima volta e soffrendo di conseguenza di una crisi esistenziale.

Al contrario, l’Hulk dei fumetti Marvel è un maestro di resistenza, in grado di combattere per giorni interi, soprattutto quando è veramente infuriato. La trama di World War Hulk mette alla prova questo aspetto del potere di Hulk fino al suo limite, poiché il temibile bruto conduce una guerra contro il pianeta come un esercito di un solo uomo. Nel MCU, Hulk deve essere bilanciato con i livelli di potenza relativamente più bassi dei personaggi dell’universo, il che lo rende ancora incredibilmente potente, ma limitato nella resistenza.

La memoria separata di Hulk

La separazione tra Bruce Banner e Hulk come due personaggi individuali intrappolati nella lotta per il controllo dello stesso corpo è un aspetto chiave del personaggio sia nei film che nei fumetti. Di solito, questo eterno braccio di ferro è enfatizzato come una lotta per Bruce Banner, i due sono costantemente in conflitto l’uno con l’altro. Non è chiaro esattamente “dove” Hulk o Bruce Banner vadano quando l’altro ha il controllo, ma non essere presenti nel mondo cosciente può avere dei vantaggi sorprendenti.

Hulk sembra essere in grado di ricordare cose che non dovrebbe essere in grado di ricordare, sfidando le leggi della scienza e della magia. Nel fumetto Spider-Man: One More Day, l’intero universo Marvel dimentica magicamente che Peter Parker è l’Uomo Ragno, ma Hulk è in grado di riconoscere Peter in costume e di chiamarlo con il suo vero nome, affermando minacciosamente: “Banner ha dimenticato. Ma io non lo dimentico”. Dal momento che il finale di Spider-Man: No Way Home cancella anche la conoscenza di Peter Parker da parte del MCU, la serie di film ha una grande opportunità di includere questo potere, ma la personalità fusa di Hulk nel MCU e la mancanza di precedenti interazioni tra i due eroi lo rendono improbabile.

Resistenza telepatica

La personalità enigmatica di Hulk è una frequente fonte di frustrazione sia per Bruce Banner che per i suoi alleati. Il pericoloso pozzo di gamma che il personaggio alimenta provoca alcuni intensi combattimenti sia nei fumetti che nei film della Marvel, quando gli altri eroi devono sottomettere la sua personalità irascibile. Tuttavia, la psiche fratturata di Banner e i suoi problemi di gestione della rabbia si sono rivelati utili quando si tratta di resistere agli attacchi psichici.

I telepatici, come Charles Xavier degli X-Men, prendono di mira la mente degli avversari piuttosto che il loro corpo. Ma la mente frammentata di Hulk e l’intensa rabbia repressa rendono il controllo dei suoi pensieri un compito impossibile, come dimostrano i potenti telepati dei fumetti che hanno provato e fallito, come il Professor X, la Strega Scarlatta e persino la potente Sentinella. La resistenza telepatica di Hulk entrerà probabilmente in gioco nel futuro del MCU, quando la serie si preparerà a introdurre gli X-Men del MCU.

Il personaggio di Mr Fixit

Oltre a Hulk, Bruce Banner ha ospitato anche una serie di altre personalità meno conosciute, caratterizzate da trasformazioni uniche, tra cui una trasformazione di Hulk che potrebbe ridisegnare il MCU. Ma una delle personalità alternative più bizzarre e conosciute di Banner è quella di Joe Fixit, noto anche come Hulk Grigio. Ricordando la carnagione originale di Hulk nella sua prima apparizione, Mr. Fixit non è forte come l’Hulk normale, ma compensa con un’intelligenza astuta e una morale un po’ meno rigida di quella che Banner o Hulk generalmente possiedono.

Quando Joe Fixit prende il sopravvento, riesce a scacciare completamente Banner, conquistando per un certo periodo il controllo del suo corpo. Da lì, si reca a Las Vegas e diventa un esecutore della mafia, tramando per denaro e potere nella città del peccato. Anche se Mr. Fixit potrebbe essere troppo strano per il MCU, sarebbe una delizia da includere per i membri del pubblico più esperti come cameo, o da inserire nella serie spin-off What if? come episodio a sé stante.

Mutazioni adattabili

Come Wolverine, Hulk è noto per il suo fattore di guarigione potenziato. Nei fumetti, il fattore di guarigione di Hulk è abbastanza forte da permettergli di rigenerarsi dopo essere stato fatto a pezzi. Anche nei film questo aspetto dei suoi poteri è presente, anche se attenuato, ma la biologia unica di Hulk va ben oltre la semplice guarigione.

Nei fumetti, il corpo di Hulk è in grado di mutare al volo per adattarsi a qualsiasi ambiente in cui si trovi. Sorprendentemente, questo gli ha permesso di sopravvivere sott’acqua per lunghi periodi di tempo e persino nello spazio, con le sue cellule che formano rapidamente un tessuto unico all’interno dei polmoni che gli permette di respirare in ambienti così ostili. La capacità della biologia di Hulk di evolversi per adattarsi a qualsiasi pericolo potrebbe essere un po’ troppo per il Marvel Cinematic Universe, in quanto stabilire un potere di tale impatto a questo punto del gioco farebbe probabilmente venire un colpo di frusta al pubblico.

Immortalità

Il fattore di guarigione di Hulk è spesso rappresentato come abbastanza potente da annullare persino gli effetti dell’invecchiamento. Per quanto l’immortalità possa sembrare un potere, nel caso di Bruce Banner si è spesso rivelata una maledizione più che una benedizione. Maestro, una versione di Hulk sopravvissuta in un futuro oscuro, lo dimostra. Essendo sopravvissuto ai suoi amici, ai suoi cari e ai suoi nemici, Maestro è diventato un signore della guerra freddo e spietato, perdendo nel frattempo la sua umanità.

Oltre a Maestro, questo potere viene utilizzato in modo significativo anche nella famosa storia di Wolverine Old Man Logan, in cui Hulk è l’unico in grado di tenere il passo dell’anziano X-man in un futuro lontano. Poiché il MCU entra nella Saga del Multiverso, non è escluso che si possa visitare una linea temporale in cui gli eventi di Old Man Logan o la creazione di Maestro si siano verificati. L’immortalità di Hulk potrebbe comparire nel MCU più che altro come ammonimento, poiché è improbabile che il Bruce Banner della linea temporale principale, che il pubblico ha imparato a conoscere e amare, sia sottoposto a un destino così crudele.

Creazione della “BannerTech”

Bruce Banner ha spesso dimostrato di essere utile non solo come “babysitter” di Hulk nel MCU. In possesso di 7 dottorati scientifici, l’intelletto di Banner gli ha permesso di essere coinvolto nel progetto di ricreazione del super siero del Generale Ross, il che significa che Hulk è stato creato solo grazie alle azioni di Banner. Nei fumetti, Bruce Banner è stimato da Norman Osborn come la quarta persona più intelligente del pianeta. Bruce lo ha dimostrato più volte con la sua tecnologia, la BannerTech, che è in grado di competere con Tony Stark in termini di innovazione.

Bruce ha dato sfogo alla sua mente scientifica con alcune invenzioni meravigliose nel corso degli anni di Hulk. Alcuni dei punti salienti del catalogo BannerTech includono un teletrasporto personale, un potente campo di forza difensivo e persino un buco nero localizzato contenuto in un borsone. Anche se la BannerTech non è mai apparsa, il Bruce Banner del MCU non è certo un incapace nel settore ingegneristico, in grado di assistere Tony Stark nella creazione di Ultron e Visione, per non parlare dell’abilità nel pilotare l’armatura Hulkbuster. È molto probabile che il pubblico possa vedere ancora di più l’abilità tecnologica di Banner nel corso dei prossimi film.

Una forza senza limiti

La forza di Hulk è la sua caratteristica principale e di solito viene definito uno degli esseri fisicamente più forti del pianeta, se non il più forte. Ma il segreto del vero potere di Hulk è la sua terrificante mancanza di limiti, che non è ancora stata accennata nel MCU. Il segreto della sua forza si nasconde in bella vista nella classica battuta di Hulk dei fumetti: “Più Hulk si arrabbia, più Hulk diventa forte!“.

L’Incredibile Hulk dei fumetti non ha un vero limite alla sua forza, in quanto è in grado di generare quantità di forza quasi insondabili e persino di sferrare pugni così forti da fargli raggiungere nuove dimensioni. Questo perché la sua forza è direttamente proporzionale ai suoi livelli di rabbia, e sembra che sia sempre più arrabbiato. L’Hulk del MCU non è nemmeno il personaggio più forte dell’universo, dato che sono stati imposti limiti alla sua forza. Purtroppo, questo aspetto iconico di Hulk è andato perduto nel Marvel Cinematic Universe, insieme a molti altri suoi poteri.

Lucca Comics & Games: arrivano i supereroi di Noi Siamo Leggenda

Chiara Guida
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Lucca Comics & Games: arrivano i supereroi di Noi Siamo Leggenda

Sarà il palcoscenico di Lucca Comics & Games a vedere “atterrare” in prima assoluta i protagonisti di “Noi Siamo Leggenda”, il nuovo teen drama a tinte fantasy che racconta le storie di un gruppo di adolescenti che scoprono improvvisamente di essere dotati di superpoteri. Il primo dei sei episodi della serie – in onda da mercoledì 15 novembre in prima serata su Rai 2 e Rai Play – sarà proiettato domenica 5 novembre alle 16.30 al Teatro del Giglio di Lucca, con la partecipazione di alcuni dei protagonisti.

“Noi Siamo Leggenda” – diretta da Carmine Elia (“Mare Fuori”, “Sopravvissuti”), da un’idea di Valerio D’Annunzio e Michelangelo La Neve – è una coproduzione Rai Fiction e Fabula Pictures, prodotta da Nicola e Marco De Angelis, in collaborazione con Prime Video, mentre Federation International si occupa della distribuzione internazionale.

Nel cast principale, tra gli altri, Emanuele Di Stefano, Nicolas Maupas, Giacomo Giorgio, Beatrice Vendramin, Giulio Pranno, Valentina Romani, Milo Roussel, Sofya Gershevich, Margherita Aresti, Giulia Lin, Claudia Pandolfi, Antonia Liskova e Lino Guanciale.

Noi Siamo Leggenda racconta la storia di cinque ragazzi – e del loro mondo – con cinque poteri straordinari che affondano le radici nelle loro paure e nei loro desideri più profondi, capaci di stravolgere le loro vite. Un coming of age che unisce dramma, azione e ironia in una narrazione originale, capace di rinnovare e riscrivere i canoni del racconto young adult di supereroi. Niente missioni iperboliche, nessun universo da salvare o supercattivi da combattere. Un racconto di formazione in cui i superpoteri si fanno metafora delle difficoltà che gli adolescenti sono chiamati ad affrontare. Un affresco commovente, forte, divertente e spiazzante di una società – la nostra – e di una parentesi della vita – l’adolescenza – in cui tutti, almeno una volta, hanno sognato di avere i superpoteri. Per combattere le ingiustizie che li circondano. Vincere la propria insicurezza. Accettarsi. Fare la cosa giusta. Senza immaginare che qualcuno, nell’ombra, è consapevole della vera origine degli improvvisi poteri.

I supereroi che saranno presenti a Lucca Comic & Games il 5 novembre, a partire dalle 16.00 sul Community Carpet in piazza del Giglio. In occasione dell’anteprima, saranno a Lucca dieci dei protagonisti di Noi Siamo Leggenda, per svelare i propri personaggi:

  • MASSIMO (Emanuele di Stefano) Massimo è molto intelligente, il classico ragazzo che riesce ad andare bene a scuola senza studiare. Chiuso in sé e timido, ha tutte le caratteristiche per essere un “figo”, ma non ne è consapevole.
  • MARCO (Giulio Pranno) Amico fidato, con Andrea e Massimo forma un trittico indissolubile. Simpatico, capace di sdrammatizzare ogni cosa, sarà l’unico del gruppo a non sviluppare poteri.
  • VIOLA (Margherita Aresti) Tanto bella quanto tagliente e spigolosa, Viola è la gemella di Marco, nonché il sogno erotico di mezza scuola, Massimo compreso.
  • ANDREA (Milo Roussel) È nato con una malformazione cardiaca che lo obbliga a stare sempre sotto controllo e a evitare qualunque emozione troppo forte o stravizio.
  • GRETA (Sofya Gershevich) Greta è di madrelingua tedesca, figlia dell’ambasciatrice in Vaticano. Apparentemente snob, frivola e sarcastica, nasconde dietro la sua durezza il suo più grande dolore: suo fratello, infatti, è in coma irreversibile da più di un anno, in seguito a un incidente del quale lei si dà la colpa.
  • JEAN (Nicolas Maupas) Jean è francese. La sua famiglia è venuta nel Belpaese per seguire meglio l’azienda di alta moda del quale il padre, Giuseppe, è CEO e titolare. Nonostante sia alto e corpulento, Jean è terribilmente fragile e timoroso e questo, unito alla sua timidezza, lo rende bersaglio ideale delle vessazioni da parte dei suoi coetanei, ma anche di suo padre.
  • LARA (Valentina Romani) Lara, originaria dell’Est Europa, è nata e cresciuta nel quartiere. Cazzuta, intelligente, spiritosa ma in modo mai pungente e poco incline a seguire le mode del momento, Lara è bella, di una bellezza peculiare e poco appariscente.
  • LIN (Giulia Lin) Lin, cinese di seconda generazione, figlia di emigrati giunti in Italia vent’anni fa, non spicca certo per la sua bellezza. Il suo più grande desiderio è essere accettata e crede di doversi uniformare a modelli estetici occidentali per riuscirci.
  • NICOLA (Giacomo Giorgio) Nicola, fratello di Andrea, è il bello del gruppo. Egocentrico e vanitoso, è fissato con il suo fisico che modella con ore di palestra e allentamenti. Nonostante tutto, però, riesce ad essere anche simpatico, perché in fondo è tutto tranne che cattivo.
  • SARA (Beatrice Vendramin) Sara è bella, di una bellezza palese, sfrontata, che la rende la più popolare della scuola. Fidanzata con Nicola, Sara non ha mai avuto paura di usare quello che madre natura le ha dato per ottenere ciò che vuole, anche se questo significa calpestare qualcuno.

La Zona d’interesse: trailer e poster italiani del film di Jonathan Glazer

Chiara Guida
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La Zona d’interesse: trailer e poster italiani del film di Jonathan Glazer

I Wonder Pictures e Unipol Biografilm Collection sono lieti di presentare il trailer e il poster italiano del film La Zona d’interesse (The Zone of Interest) di Jonathan Glazer, in anteprima nazionale oggi alla Festa del Cinema di Roma.

Il regista britannico, vincitore del Gran Premio Speciale della Giuria alla 76ma edizione del Festival di Cannes e candidato agli Oscar® per UK, sarà presente alla proiezione ufficiale del film e incontrerà il pubblico in occasione di una masterclass domani 21 ottobre, alle ore 17.00, in Sala Petrassi.

La Zona d’interesse rappresenta l’opera chiamata a raccogliere in questo decennio il testimone dei grandi capolavori del cinema che hanno raccontato la più grande tragedia del Novecento, da Schindler’s List a Il Pianista, da Train de Vie a La Vita è bella. Una prospettiva inedita e uno sguardo nuovo, con stile altissimo, su una delle pagine più buie della storia.

Liberamente ispirato all’omonimo romanzo di Martin Amis, La Zona d’interesse è la storia di una famiglia tedesca apparentemente normale che vive – in una bucolica casetta con piscina – una quotidianità fatta di gite in barca, il lavoro d’ufficio del padre, i tè della moglie con le amiche, le domeniche passate a pescare al fiume. Peccato che l’uomo in questione sia Rudolf Höss, comandante di Auschwitz, e la deliziosa villetta con giardino in cui vive con la sua famiglia in una surreale serenità è situata proprio al confine con il campo di concentramento, a due passi dall’orrore, così vicino e così lontano.

Prodotto da A24 e Extreme Emotions, La Zona di Interesse (The Zone of Interest) uscirà nelle sale italiane il 18 gennaio 2024 distribuito da I Wonder Pictures in collaborazione con Unipol Biografilm Collection.

La Zona d’interesse

MCU: 10 modi in cui ha reso il suo futuro più difficile del necessario

Agnese Albertini
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MCU: 10 modi in cui ha reso il suo futuro più difficile del necessario

Il Marvel Cinematic Universe ha alcune sfide difficili da superare con le sue prossime uscite, e alcuni errori del passato rendono il successo futuro del franchise più difficile del necessario. I Marvel Studios non sono riusciti a mantenere lo slancio di Avengers: Endgame, e le ragioni sono varie. La Fase 5 del MCU ha avuto un inizio difficile a causa della scarsa accoglienza da parte della critica di Ant-Man and The Wasp: Quantumania, e anche se questa parte del canone dei Marvel Studios è ancora in corso, ha molto da fare e molta buona volontà da riguadagnare con i suoi prossimi progetti.

Gran parte degli attuali problemi della Marvel possono essere ricondotti a passi falsi che hanno ostacolato la serie e i cui effetti si sono fatti sentire solo quando è passata una discreta quantità di tempo. Alcune di queste occasioni mancate si sono manifestate già nella Fase 2, mentre altre sono emerse solo più recentemente nel colossale catalogo di film del MCU. Il futuro del MCU è più incerto che mai e questi passi falsi hanno reso il posto del franchise nei cuori e nelle menti del pubblico più difficile del necessario.

Capitan America e Iron Man spazzati via in una volta sola

Captain-America-Iron-ManLo Steve Rogers di Chris Evans e il Tony Stark di Robert Downey Jr sono stati i pilastri del MCU. Essendo due dei primi Vendicatori che hanno iniziato a costruire l’universo dalle fondamenta, le loro personalità iconiche hanno fatto la differenza per il franchise nel corso degli anni. Con una carriera così lunga e ricca di eventi, era solo questione di tempo prima che i personaggi dovessero essere mandati in pensione, ma la loro uscita dalla storia avrebbe potuto avere un tempismo migliore.

Avengers: Endgame ha visto la fine di entrambi i personaggi: Tony Stark si è sacrificato per usare le Gemme dell’Infinito per salvare l’umanità e Steve Rogers è scomparso nel passato per avere finalmente la possibilità di avere una vita normale. Questi finali sono stati una nota perfetta e agrodolce per uscire di scena, ma distanziarli ulteriormente avrebbe potuto dare al franchise più tempo per stabilire nuovi personaggi di punta. Le lotte del MCU per rimpiazzare una delle due personalità non sono state né facili né rapide, e dedicare più tempo alla fine di due dei personaggi più importanti e amati della serie avrebbe potuto contribuire ad aumentare l’impatto delle loro uscite di scena individuali.

Troppi personaggi introdotti in un breve arco di tempo

Eternals MCUCon Capitan America e Iron Man fuori dai giochi, si è creato un enorme vuoto di potere per i nuovi volti del franchise. Quando la Saga dell’Infinito si è conclusa, il MCU si è messo al lavoro per introdurre una serie di nuovi personaggi in un breve lasso di tempo, con film come Captain Marvel, Shang-Chi e la Leggenda dei Dieci Anelli ed Eternals che hanno rapidamente introdotto nuova linfa nel MCU. Ma la velocità con cui i Marvel Studios hanno deciso di arricchire ulteriormente il loro già nutrito roster di personaggi è andata a suo discapito.

Più volte, la Marvel si è fatta un nome introducendo un nuovo gruppo di eroi in un arco di tempo relativamente breve. Sin dalla Fase 1, ogni fase del MCU non ha mai fatto riposare sull’alloro i personaggi più popolari, cercando sempre di introdurre il pubblico a qualcosa di nuovo. Questa tattica, però, può ritorcersi contro quando i riflettori vengono spartiti in modo così uniforme e il roster del franchise può gonfiarsi quando i nuovi personaggi vengono introdotti molto più velocemente di quelli vecchi che sono stati uccisi o fatti ritirare.

Troppi personaggi sono stati introdotti nelle serie tv

Ms. Marvel recensione serie tv MCUCon l’uscita di WandaVision nel 2021, i Marvel Studios hanno iniziato a cimentarsi nella creazione di serie in streaming per integrare le uscite cinematografiche. L’esplorazione approfondita di personaggi che altrimenti avrebbero lottato per lo schermo in un lungometraggio è stata un’idea eccellente, e la possibilità di caratterizzare ulteriormente la Strega Scarlatta mentre si trasformava gradualmente in un cattivo per Doctor Strange nel Multiverso della follia ha funzionato bene. Ma l’insistenza della Marvel nell’introdurre nuovi personaggi in ulteriori serie Disney+ di qualità variabile ha fatto eccessivo affidamento sulla piattaforma di streaming per preparare altri film.

Con l’uscita di un numero sempre maggiore di serie limitate in streaming su Disney+, il MCU ha iniziato a presentare al pubblico personaggi importanti per la prima volta, tra cui She-Hulk, Moon Knight e Ms. Marvel, tutti personaggi significativi dei fumetti. Tuttavia, la loro introduzione in lunghe serie consecutive ha reso difficile la loro ulteriore inclusione nel franchise, con il rischio di alienare il pubblico che non si era preso il tempo di guardare un’intera serie nel caso in cui fossero apparsi in una puntata importante del film. L’introduzione di nuovi personaggi in serie a sé stanti ha fatto sì che il MCU sembrasse un po’ come fare i compiti a casa per chi non ha intenzione di investire così tanto tempo.

Secret Invasion relegata a serie “di basso livello”

Secret Invasion 1x03La Marvel Comics fornisce un ricco arazzo di storie da cui attingere per il MCU, in quanto lo studio è in grado di scegliere tra alcune delle più belle serie di fumetti di tutti i tempi. Purtroppo, non sempre sono in grado di rendere giustizia a queste storie, come nel caso di Secret Invasion. Prima serie del MCU con il Nick Fury di Samuel L. Jackson come protagonista principale, questa serie ha fatto cilecca quando si è trattato di adattare la leggendaria serie di fumetti Secret Invasion.

Ancora una volta, lo status di Secret Invasion come serie Disney+ ha fatto sì che l’epica saga non ricevesse lo stesso interesse di un lungometraggio, sminuendo l’importanza della trama nel canone Marvel. Non solo, ma l’allontanamento dello show dal materiale di partenza è stato così netto che Ali Selim, regista della serie, è stato esplicitamente invitato dai dirigenti dello studio a non leggere Secret Invasion. Il risultato è stato un fallimento della critica che è già stato dichiarato come una delle peggiori serie televisive del MCU, che ha perso il potenziale di adattamento del fumetto.

L’introduzione di Kang è stata poco convincente

Kang sconfittoParte del successo di critica e botteghino della Saga dell’Infinito è stato l’utilizzo del Thanos di Josh Brolin, considerato uno dei migliori cattivi del MCU. Molto prima della sua vera e propria introduzione, Thanos ha beneficiato di anni di preparazione, apparendo in brevi camei e scene post-credits prima di fare finalmente la sua grande entrata in scena. Sfortunatamente, non si può dire lo stesso per la prossima minaccia dei Marvel Studios, che ha sofferto di un’introduzione poco convincente.

Il Kang di Johnathan Majors sarà il prossimo cattivo degno di combattere i Vendicatori, con l’obiettivo di terrorizzare l’universo con una legione di versioni di se stesso provenienti da tutto il multiverso in Avengers: The Kang Dynasty. Kang ha già fatto diverse apparizioni nel MCU come cattivo principale, grazie al suo status di costante multiversale. Il fatto che il pubblico abbia già visto una sua variante sconfitta in Ant-Man and The Wasp: Quantumania serve solo a diminuire la sua minaccia, e la sua mancanza di presenza nel MCU fino a questo momento lo ha già messo in secondo piano nel riempire i panni di Thanos come villain della serie.

Ultron non è stato così minaccioso

Ultron MCUIl MCU è famoso per i suoi problemi con i cattivi, spesso dimenticabili rispetto alle loro controparti eroiche. Gli antagonisti dell’universo spesso non vengono approfonditi a sufficienza per giustificare un’esplorazione o vengono uccisi troppo presto prima che possano diventare interessanti. Purtroppo, questo è stato il caso del villain principale di Avengers: Age of Ultron, un peccato se si considera il suo status nei fumetti Marvel Comics come una minaccia di livello per i Vendicatori.

Nei fumetti, Ultron torna più volte come minaccia per il mondo, in grado di fronteggiare i Vendicatori molto più a lungo di quanto il corso del suo film nel MCU lascerebbe intendere. Nella serie Avengers: Age of Ultron si ispira pesantemente all’arco fumettistico Ultron Unlimited, egli spazza via un’intera nazione con la sua ambizione. Purtroppo, l’Ultron dei film sarebbe stato sconfitto troppo facilmente, perdendo l’opportunità di eccellere come cattivo ricorrente allo stesso livello di Loki o Thanos.

La posizione incerta degli eroi di Netflix

jessica-henwick-iron-fistMolto prima che Disney+ avesse un nome, l’universo cinematografico in miniatura di Netflix correva parallelo al MCU del grande schermo. Presentando al pubblico i personaggi di Daredevil, Iron Fist, Luke Cage e Jessica Jones, la serie di Netflix sulle avventure degli eroi di strada di New York ha avuto un successo di critica alterno. La versione di Charlie Cox di Matt Murdock e quella di Jon Bernthal di Frank Castle si distinguono in particolare come eccellenti adattamenti dei loro personaggi.

Non tutte le serie di Netflix sono state accolte bene, ma la posizione traballante del MCU sull’incorporazione di questi personaggi ha portato a una maggiore confusione del pubblico. Charlie Cox è apparso più volte nei panni di Matt Murdock nel MCU e il Kingpin di Vincent D’Onofrio è tornato a terrorizzare le strade di New York in Hawkeye. I commenti evasivi di Kat Coiro, regista di She-Hulk, riguardo alla collocazione della serie Netflix nel canone del MCU non hanno fatto altro che alimentare la confusione, lasciando la Marvel in difficoltà quando si tratta di sfruttare personaggi già sviluppati.

La Marvel ha impiegato troppo tempo per introdurre gli X-Men

X-Men nel MCUPer molti anni, gli X-Men sono stati un franchise chiave della Marvel che si trovava fuori dalla portata del MCU, con la 20th Century Fox che era l’unica fonte di film sugli X-Men per il pubblico. Nel 2019, Disney ha acquisito i diritti dell’iconico franchise dalla Fox, il che significa che l’inclusione degli iconici personaggi era finalmente possibile. Tuttavia, la Disney si è trascinata nell’incorporare gli X-Men nel MCU, e questo ritardo nella serie potrebbe essere un momento troppo strano per iniziare.

Dato che il processo di sviluppo di un film Marvel medio è così lungo, è facile capire perché ci vorrà molto tempo prima che il MCU lanci un film sugli X-Men. Detto questo, il franchise avrebbe potuto fare di più per includere prove dell’attività dei mutanti in tutti i progetti dal 2019, dato che lo status di mutanti degli X-Men è difficile da introdurre in seguito, dato che il pubblico avrà bisogno di una spiegazione sul perché li vede solo ora. Anche se sono stati fatti alcuni passi avanti in questo senso con la rivelazione di Ms. Marvel come mutante, è facile che l’apparizione degli X-Men sia troppo confusa per il pubblico generale quando avverrà.

Il Multiverso è già stato spremuto abbastanza

Doctor Strange nel Multiverso della FolliaCon la conclusione della Saga dell’Infinito, il Marvel Cinematic Universe si è trasformato nella Saga del Multiverso, con le varianti alleate di Kang il Conquistatore come villain principale. Sfortunatamente, le ambizioni del multiverso del MCU stanno iniziando a confondersi con la folla delle grandi uscite recenti e rischiano di diventare insipide man mano che i media del multiverso saturano la cultura pop. Sebbene la Marvel stessa abbia contribuito fortemente all’ascesa del concetto in molti franchise negli ultimi anni, corre il rischio di bruciare il pubblico con una continua dipendenza da questo tropo.

Negli ultimi anni, si sono diffusi film e serie tv che analizzano l’idea di diverse versioni dell’universo. Il MCU deve competere con altri film di supereroi multiversali, come The Flash, e con pellicole premiate con l’Oscar come Everything Everywhere All At Once. Il concetto di multiverso è stato esplorato a fondo già dalla prima stagione di Rick and Morty nel 2013, il che significa che la Marvel dovrà impegnarsi a fondo per giustificare l’uso del sottogenere in film come Avengers: The Kang Dynasty, in uscita nel 2026.

Le storyline del MCU stanno diventando sempre più scollegate tra loro

Moon Knight mcuLa forza più grande e la caratteristica più rivoluzionaria del MCU è stata la capacità di far riconoscere al pubblico un universo condiviso tra più franchise. L’idea dell’universo condiviso è stata copiata molte volte da altri studios, ma pochi lo hanno fatto con lo stesso successo dei capostipiti originali dell’universo cinematografico. Tuttavia, il più grande punto di forza dei Marvel Studio è stato poco sfruttato negli ultimi anni, creando un difficile compito di reintegrazione in vista dei progetti futuri.

L’introduzione di nuovi eroi come Shang-Chi e Moon Knight nella Fase 4 ha dato l’impressione di essere incredibilmente isolata, introducendo nuove importanti location e mitologie concorrenti al più ampio MCU che a malapena si inseriscono nella tradizione consolidata. Non solo, sembra che i Marvel Studios siano disposti a tenere conto della ricezione quando incorporano le uscite recenti nell’universo più ampio, visto che gli eventi significativi del flop Eternals del 2021 rimangono in gran parte non affrontati nelle uscite future. È chiaro che il MCU sta diventando più “scollegato” che mai, il che significa che la Disney ha il suo bel da fare per far sì che il pubblico sia di nuovo entusiasta del franchise.

Halloween: SAG-AFTRA invita i membri a non travestirsi da protagonisti dei film degli Studios

Redazione
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Halloween: SAG-AFTRA invita i membri a non travestirsi da protagonisti dei film degli Studios

Il modo migliore per spaventare gli studios questo Halloween? Evita di travestirti da personaggi di serie e film di grande successo. Mentre gli attori in sciopero entrano in una stagione spaventosa, SAG-AFTRA ha pubblicato delle linee guida per i membri che desiderano “celebrare Halloween quest’anno rimanendo allo stesso tempo solidali” con lo sciopero. Ciò significa che i membri del sindacato possono appendere al chiodo i loro cappelli porkpie da personaggi di film come “Oppenheimer” e mettere via il loro rosa di “Barbie”.

“Scegli costumi ispirati a personaggi e figure generalizzate (fantasmi, zombie, ragni, ecc.)”, ha raccomandato mercoledì il sindacato degli attori in un post sul sito web. La gilda suggerisce inoltre agli attori di “non pubblicare sui social media foto di costumi ispirati a contenuti colpiti“, per non dare agli studi alcuna pubblicità aggiuntiva. Mentre la SAG-AFTRA lotta per un contratto migliore con l’AMPTP, agli attori in sciopero è vietato fare pubblicità per serie e film colpiti.

Il post incoraggia i membri a “vestirsi come personaggi di contenuti non colpiti, come uno spettacolo televisivo animato”. Anche i progetti nell’ambito di un accordo provvisorio con SAG-AFTRA sono presumibilmente entro i limiti, il che significa che i membri possono tranquillamente vestirsi come L’eElvis (da “Priscilla” a prova di sciopero di A24) ma non come il re del rock n’ roll di Austin Butler della Warner Bros. Carmy di “The Bear” è vietato, ma ad esempio: c’è ancora tempo per fare “dolcetto o scherzetto” nei panni di Jeremy Allen White del prossimo film di wrestling di A24 “The Iron Claw“.

Dopo che i colloqui tra i negoziatori della gilda e i capi dello studio si sono interrotti la scorsa settimana, SAG-AFTRA ha concluso il suo post con un messaggio motivazionale: “Utilizziamo il nostro potere collettivo per inviare un messaggio forte e chiaro ai nostri datori di lavoro colpiti che non promuoveremo i loro contenuti senza un contratto giusto!”

Taylor Swift “The Eras Tour”, per Christopher Nolan sta mostrando quanto la sala sia “incredibilmente preziosa”

Redazione
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Taylor Swift “The Eras Tour”, per Christopher Nolan sta mostrando quanto la sala sia “incredibilmente preziosa”

Il film-concerto campione d’incassi di Taylor Swift “The Eras Tour” ha ricevuto un applauso niente meno che da Christopher Nolan durante un recente evento della City University di New York in cui il regista, la sua produttrice e moglie Emma Thomas sono stati intervistati dall’autore Kai Bird che ha scritto “American Prometheus” che Nolan ha recentemente adattato in “Oppenheimer”, il film biografico con i maggiori incassi nella storia del cinema con 942 milioni di dollari al botteghino mondiale.

L’incontro con la CUNY ha avuto luogo l’11 ottobre, pochi giorni prima che “The Eras Tour” di Swift uscisse nei cinema e incassasse 92,8 milioni di dollari in Nord America e 123,5 milioni di dollari a livello globale, senza dubbio il più grande debutto di sempre per un film-concerto. È anche la seconda apertura di ottobre con gli incassi più alti della storia (dietro solo a “Joker” con 96 milioni di dollari) e il settimo weekend di apertura più grande del 2023. L’uscita è stata insolita poiché Swift ha eluso i principali streamer e studi di Hollywood e ha collaborato direttamente con AMC Theatres per distribuire il film. Christopher Nolan ha elogiato Taylor Swift per la mossa commerciale.

“Taylor Swift sta per superare gli studios, perché il suo film-concerto non sarà distribuito dagli studios, sarà distribuito dal proprietario di un cinema, AMC, e farà un’enorme quantità di denaro“, ha detto Christopher Nolan. “E questo è il punto, [e le sale lo sono] un formato e un modo di vedere le cose e condividere storie, o condividere esperienze, che è incredibilmente prezioso. E se [gli studi] non lo vogliono, lo farà qualcun altro. Quindi questa è proprio la verità”.

Come riportato da Variety: Taylor Swif ha autoprodotto il film e ha stipulato un accordo con AMC Theatres in cui porterà a casa circa il 57% delle vendite dei biglietti, mentre i cinema manterranno i ricavi rimanenti e AMC prenderà una piccola commissione di distribuzione. Non è esclusivo del circuito AMC; è uscito in 3.855 sale negli Stati Uniti e in Canada e in 4.527 sedi a livello internazionale. Taylor Swif è riuscirà a guadagnare oltre 60 milioni di dollari grazie all’accordo con AMC.

Sia Oppenheimer che The Eras Tour stanno emergendo come blockbuster e dimostrano che il business delle sale è tutt’altro che morto e si basa su nuove ed entusiasmanti esperienze per gli spettatori. “Ogni volta che un film ha successo e non ci si aspettava che lo fosse, è una cosa incoraggiante per Hollywood ed è incoraggiante per i cineasti“, ha detto Christopher Nolan. all’evento CUNY quando gli è stato chiesto dell’enorme incasso di “Oppenheimer”. “C’è una tensione a Hollywood tra ciò che è familiare e ciò che si prevede faccia soldi, questa è la base del modo in cui gli studi cinematografici rimangono in attività, e il desiderio del pubblico per qualcosa di nuovo, qualcosa di fresco.”

“Ogni volta che un film non dovrebbe avere successo, e abbiamo ampiamente superato le nostre più alte aspettative per il progetto, è incoraggiante per gli studi e i filmmaker“, ha aggiunto Nolan. “Quella tensione, quella realtà… tra commercio e arte, quella formula non cambia mai a Hollywood.” Oppenheimer sarà disponibile sulle piattaforme digitali a partire dal 21 novembre. Guarda l’apparizione completa di Nolan all’evento CUNY nel video qui sotto.

Festa del Cinema di Roma oggi celebra Isabella Rossellini

Redazione
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Festa del Cinema di Roma oggi celebra Isabella Rossellini

Oggi la Sala Sinopoli dell’Auditorium Parco della Musica Ennio Morricone, Isabella Rossellini riceverà il Premio alla Carriera della diciottesima edizione della Festa del Cinema di Roma. Il riconoscimento sarà consegnato da Renzo Arbore e Alice Rohrwacher nel corso di una masterclass che l’artista terrà con il pubblico della Festa.

La manifestazione proporrà inoltre agli spettatori una retrospettiva di opere che l’hanno vista protagonista come filmmaker, sceneggiatrice e attrice di straordinario valore.

Fra i suoi lavori come regista la sezione Storia del Cinema presenterà oggi, giovedì 19 alle ore 17 nella Sala Cinecittà della Casa del Cinema, Seduce Me (ep. 10), Green Porno(ep. 18) con Jody Shapiro, e Fox Film. Spiega Isabella Rossellini: “Era l’inizio di Youtube e Robert Redford ebbe l’intuizione di produrre dei film corti, com’era alle origini del cinema. Mi propose di fare una serie di film di non più di due minuti l’uno, su un tema ambientalista. È nato così Green Porno. La serie ebbe un grande successo e ho continuato poi con Seduce Me, sulle diverse strategie di corteggiamento degli animali. Fox è il filmetto che ho fatto durante il lockdown causato dal COVID. Affronta un argomento scientifico che mi affascina: la domesticazione degli animali”. La proiezione sarà replicata domani, venerdì 20 ottobre alle ore 19.45 nella Sala Fellini.

Martedì 24 alle ore 17 (Sala Cinecittà) sarà la volta di Animals Distract Me, Mammas(ep. 10) e Darwin, What? (ep. 2). Dice Isabella Rossellini: “Animals Distract Meracconta una giornata tipo nella mia vita: è la mia giornata con gli animali, che mi distraggono, perché mi interessano. Mammas è una serie scientifico-comica sull’istinto materno”. In Darwin, What?, lo scienziato britannico appare in sogno a Isabella Rossellini ed essendo lei attrice, le parla delle espressioni sui volti degli umani e degli animali.

Nell’ambito dell’omaggio a Isabella Rossellini, la Festa del Cinema ha dato Carta Bianca all’artista per realizzare una rassegna di titoli da lei selezionati da presentare al pubblico.

Fra le opere in programma, alcuni suoi successi da interprete: Left Luggage di Jeroen Krabbé (20 ottobre ore 17 Sala Cinecittà), Velluto blu di David Lynch (21 ottobre ore 11 Sala Cinecittà), La morte ti fa bella di Robert Zemeckis (22 ottobre ore 11 Sala Cinecittà), e due film di Guy Maddin, The Saddest Music in the World (25 ottobre ore 15 Sala Cinecittà) e My Dad Is 100 Years Old (26 ottobre ore 17 Sala Cinecittà). Inoltre, fra i titoli che la vedono protagonista sarà presentato, nella sezione Best of 2023 della Festa del Cinema, La chimera di Alice Rohrwacher, in programma mercoledì 25 ottobre alle ore 19 nella Sala Sinopoli Auditorium Parco della Musica. Il pubblico potrà inoltre assistere, grazie agli archivi delle Teche Rai,  ai suoi reportage da New York per il programma televisivo “L’altra domenica” (22 ottobre ore 17.15 Sala Cinecittà). Fra le opere della Carta Bianca anche Stromboli (Terra di Dio) di Roberto Rossellini, il primo film del cineasta girato con Ingrid Bergman (26 ottobre ore 17 Sala Cinecittà), e Sinfonia d’autunno di Ingmar Bergman, ultimo film interpretato dalla Bergman (27 ottobre ore 16.45 Sala Cinecittà).

Matthew Vaughn spiega perché Taron Egerton dovrebbe essere Lex Luthor invece di Wolverine

Redazione
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Matthew Vaughn spiega perché Taron Egerton dovrebbe essere Lex Luthor invece di Wolverine

Il regista della serie Kingsman, Matthew Vaughn, ha commentato se pensa che Taron Egerton, che recita in questi film, sarebbe migliore nei panni di Wolverine o Lex Luthor. Nel podcast Happy Sad Confused, a Vaughn è stato chiesto se pensava che Taron Egerton avrebbe dovuto interpretare Wolverine. Il regista ha dichiarato di ritenere che l’attore non fosse adatto al personaggio e che sarebbe stato meglio interpretare Lex Luthor.

“Penso che sarebbe migliore come Lex Luthor“, ha spiegato Vaughn. “Penso che sarebbe un Luthor straordinario. Non dovrebbe essere Wolverine, non credo. Non penso che sia adatto a questo. Penso che si debba fare di più… tornare davvero a… Hugh [Jackman] è brillante nel ruolo di Wolverine, ma vorrei tornare a quello che è il fumetto: diventare un ragazzo davvero piccolo, grizzly e duro. Questo è quello che farei. Non so chi sia, ma penso che Hugh l’abbia reso così iconico che se entri in questo – chiunque stia cercando di fare la versione di Hugh è infastidito… penso che lui [Egerton] sarebbe un cattivo straordinario, intelligente e profondo. Ascolta il podcast.

 

Oltre a Taron Egerton, chi si dice interpreterà Wolverine nel MCU?

Oltre a Taron Egerton, un’altra stella su cui ci sono spesso rumors sul fatto che potrebbe essere trai papabili per interpretare Wolverine ne Marvel Cinematic Universe è Daniel Radcliffe. All’inizio di questa settimana, Radcliffe ha dichiarato di essersi rimesso in forma di recente, ma che non era per il gusto di interpretare potenzialmente Wolverine.

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