Ci sono atti di umanità a cui non ci si può – o non ci si dovrebbe – sottrare. Anche quando compierli può compromettere la propria posizione, come ci si potrebbe guardare poi allo specchio o sedersi tra i propri cari facendo finta di nulla? Il protagonista di Piccole cose come queste, film diretto dal regista belga Tim Mielants e scritto dall’autore irlandese Enda Walsh (sceneggiatore di Hunger), di certo non può, e non vuole. È così che il ritorno sul grande schermo di Cillian Murphy dopo l’Oscar vinto per Oppenheimer avviene in nome della fermezza d’animo, dell’umanità e del fare ciò che è giusto.

L’occasione è una storia basata sul romanzo Piccole cose da nulla (2021) di Claire Keegan, in cui si racconta dello scandalo irlandese legato alle Case Magdalene, istituti femminili religiosi per donne ritenute immorali, dove queste ultime venivano sfruttate e maltrattate. Film d’apertura al Festival di Berlino 2024 (dove Emily Watson ha vinto l’Orso d’argento per la migliore interpretazione da non protagonista), Piccole cose come queste si costruisce dunque sui silenzi e gli sguardi di un’intera comunità, attraversando toni sommessi e la rigidità data dall’atmosfera invernale, che non può però raffreddare il cuore del protagonista.

La trama di Piccole cose come queste

Il film ci porta nell’Irlanda del 1985. Bill Furlog (Cillian Murphy) è un uomo silenzioso, dall’animo semplice, che ha dedicato la vita al lavoro (commercia e distribuisce legna e carbone), alla moglie Eileen (Eileen Walsh) e alle loro cinque figlie. Nei giorni che precedono il Natale, quando Bill entra nel cortile del convento locale, diretto da Suor Mary (Emily Watson), per consegnare del carbone, fa però un incontro che riporta a galla ricordi sepolti nella sua memoria. Non può ignorarli anche perché lo portano a scoprire segreti e verità che lo sconvolgeranno. Sarà il momento per Bill di decidere se voltarsi dall’altra parte o ascoltare il proprio cuore e sfidare il silenzio di un’intera comunità.

Il conflitto di un uomo

Ha il sapore di un racconto di Charles Dickens (Canto di Natale, Oliver Twist) il film di Tim Mielants. Non a caso l’autore britannico, celebre in particolare per i suoi romanzi sociali in cui denuncia i mali della società inglese ottocentesca, viene citato in più occasioni all’interno di Piccole cose come queste. Il motivo è la somiglianza tra ciò che entrambi vogliono restituire al proprio pubblico, con racconti che mirano non solo ad evidenziare certi orrori avvenuti nell’indifferenza generale, ma anche la necessità di compiere le giuste scelte quando ci si presenta il momento di farlo.

Con questo obiettivo, il film procede sommessamente tra grandi silenzi e una certa compostezza formale che sembra essere specchio delle emozioni soffocate del protagonista. Un’ora e mezza di racconto particolarmente densa, in cui tutto ciò che avviene accade dentro il cuore e la mente di Bill, con Cillian Murphy chiamato dunque a restituire tuttò ciò attraverso i suoi sguardi dolenti. Compito in cui l’attore è notoriamente un maestro, trasmettendo un senso di disagio crescente e che si svela a poco a poco con l’esplorazione del suo passato attraverso dei flashback.

Ma quello strano non è Bill, bensì chi – per un motivo o per un altro – gli suggerisce di rimanere in silenzio, di volgere altrove lo sguardo, di convincersi delle menzogne che gli vengono offerte. Per tutto il film il protagonista è  dunque continuamente scisso tra la tentazione di ascoltare questi consigli e l’ignorarli per fare ciò che sente moralmente giusto. Non è però il periodo natalizio a fare di Bill un uomo più buono, cresciuto sin da piccolo con la consapevolezza che aiutare chi è in difficoltà – come a suo tempo lo fu sua madre – è l’unico modo per far guarire un mondo malato.

Cose che non si possono ignorare

Non bisogna dunque aspettarsi particolari colpi di scena né tantomeno improvvisi cambiamenti di registro. Piccole cose come queste trova la sua forza proprio nella delicatezza con cui propone il proprio racconto, quasi come ci venisse sussurrato. Certo, c’è un evidente prima e dopo rispetto alla sequenza in cui Bill ha finalmente l’occasione di entrare nel convento di Suor Mary. Un momento del film che vira verso un registro da horror, con gli spazi scuri e angusti, oltre ai volti minacciosi delle suore (su cui spicca una mefistofelica Emily Watson). Ma è proprio in seguito a questo momento che i dubbi di Bill iniziano a sciogliersi.

Dopo aver visto l’orrore, ogni sospetto lascia il posto alla terrificante certezza, che gli impedisce di sedersi a tavola con le sue figlie sapendo di ciò che ragazze come loro subiscono. A questo punto lo spettatore giunge al massimo del coinvolgimento possibile, desideroso di scoprire quale scelta compirà il protagonista, poiché se da un lato scegliere fare la cosa giusta sembra scontato, dall’altra i motivi per non farla sarebbero molti e tutti apparentemente validi. Di certo, è anche nel portare lo spettatore a domandarsi cosa avrebbe fatto al posto di Bill che il film si dimostra riuscito nei suoi intenti.

Sono le piccole cose come queste a fare la differenza

Piccole cose come queste, come anticipato, ci narra una storia vera, ma andando oltre di essa risulta difficile non attualizzare il conflitto di Bill all’oggi, ad una società che, davanti a terribili guerre, si divide in chi volge lo sguardo altrove e in chi invece tende una mano al prossimo. Sono le piccole cose come queste del titolo a fare la differenza, molto più di quelle “grandi”. Azioni e gesti quotidiani che infondono speranza e salvano l’umanità, come specie e come natura. Il film ce lo ricorda con grande eleganza, regalandoci un protagonista tutt’altro che perfetto, ma che proprio per questo può essere di grande esempio.

Arriva alla 19° Festa di Roma con in mano già la Palma d’oro dell’ultimo Festival di Cannes Anora, la commedia di Sean Baker che riscrive le regole del romance e porta nella contemporaneità la fiaba di quella “gran culo di Cenerentola” che nel 1990 aveva il sorriso e le gambe lunghissime di Julia Roberts e che nel 2024 ha invece il corpo minuto e sensuale di Mikey Madison, stripper e prostituta newyorkese che cerca la fortuna tra una lap dance e un privé.

La storia di Anora, Cenerentola moderna

La vita di Ani (come le piace farsi chiamare) procede in maniera abbastanza regolare, tra vita notturna nello strip-club di Manhattan, e giornate passate a dormire e a recuperare energie. Una sera al locale dove lavora, data la sua capacità di parlare russo per via delle sue origini (la nonna era un’immigrata uzbeka), le viene affidato un cliente molto ricco: il suo coetaneo Ivan, detto “Vanja”, viziatissimo rampollo di un oligarca russo, che, attratto dalla ragazza, le offre 15 000 dollari per essere la sua fidanzata per una settimana. I due trascorrono dei giorni folli, divertendosi come non mai, guidati dal brio di Ani e dai soldi di Vanja, dediti solo a soddisfare le proprie voglie, di ogni tipo.

Fino a che a Las Vegas i due decidono di sposarsi: in questo modo lui non sarà costretto a rientrare in Russia dai genitori preoccupati, e lei avrà finalmente una vita agiata e serena, che le permetterà di lasciare il suo lavoro. Sembrerebbe proprio la fiaba di Pretty Woman citata sopra, se non fosse che siamo nel 2024 in un film di Sean Baker, e quindi qualcosa va storto e per Ani e Vanja arriva il momento di pagare il conto di quella settimana di baldoria e di quel matrimonio avventato.

Dopo lo splendido Red Rocket, Sean Baker torna a raccontare uno degli aspetti del mondo della prostituzione attraverso la vita e l’indole di Anora, una giovane donna consapevole e presente a se stessa, che conosce la vita ma che si concede un piccolo spazio per sognare, nel momento in cui la sua storia personale sembra prendere una piega vantaggiosa. È pratica e diretta, capace di contrattare il prezzo del suo corpo e del suo tempo, vende se stessa con sfrontatezza e si batte per quello che ritiene suo. Una furia, una forza della natura, un involucro indistruttibile che nasconde un corpo morbido di tenerezza e fragilità e che per tutto il film cercherà di tenere nascosto.

“Quella gran culo di Cenerentola” non va più di moda

La commedia di Baker rivede il classico romantico con Julia Roberts e Richard Gere, sostituendo ai due affascinanti e intramontabili miti di Hollywood due ragazzini dal fascino contemporaneo e sbarazzino che non saranno certo fatti l’uno per l’altra ma che sono altrettanto indimenticabili. E intanto il regista continua il suo racconto fiabesco di un’umanità ai margini che cerca il suo posto in Paradiso: una gita a Disneyland, un ritorno glorioso nel mondo del cinema per adulti, una vita ricca e agiata che escluda una volta per tutte la precarietà di doversi vendere per soldi.

Sia chiaro, Anora non è mai vittima delle sue scelte di vita. Come accennato sopra, il suo modo di affrontare il suo lavoro è consapevole e divertito, approccio raccontato con riuscitissime sequenze in cui la giovane donna si confronta con una sua collega prendendosi gioco dei clienti, delle loro perversioni, dei loro versi di piacere, del loro sentirsi forti e virili quando sono costantemente loro stessi vittime del loro lombi, posizionando Anora (e le sue colleghe) in una posizione di assoluto potere. È proprio questa consapevolezza che rende la protagonista tanto irresistibile, nonostante la sua talvolta irritante sicurezza.

Jurji e Anora: travolti da un insolito destino

Sean Baker gioca con i suoi personaggi e con il genere, realizzando sequenze mozzafiato e regalando al pubblico personaggi indimenticabili, su tutti l’Igor di Jurij Borisov, che resta travolto dall’energia di Anora e crea da subito con lei un’alchimia isterica e violenta e allo stesso tempo tenera e accogliente. Igor rappresenta ciò che Anora non ha mai conosciuto e per questo non capisce mai fino in fondo, mai fino quell’ultima straziante scena che conclude la notte folle attraverso la quale è stato trascinato lo spettatore.

Se dal punto di vista formale e narrativo Anora di Sean Baker è nient’altro che una commedia convincente (anche se forse troppo dilatata nella seconda parte), con questo film il regista americano compie un passo in avanti verso l’immortalità della sua filmografia, riuscendo a tratteggiare dei personaggi indimenticabili con una precisione emotiva disarmante e tutta la bellezza delle scoperte lente e preziose: Ani si dischiude nella sua essenza di fronte allo spettatore, e pian piano, mentre il film avanza, si mette a nudo completamente, nell’intimo, facendo sentire nudo, vulnerabile e esposto anche chi la guarda e, inevitabilmente, alla fine, si innamora.

“Volevamo fosse un film sulla vita di Andrea, non sulla sua morte”. Con queste parole la regista Margherita Ferri (autrice anche di Zen sul ghiaccio sottile e di un paio di episodi per le serie Zero e Bang Bang Baby) ha messo da subito in chiaro gli intenti di Il ragazzo dai pantaloni rosa, il film che porta sul grande schermo la triste vicenda di Andrea Spezzacatena, solo una delle tante vittime di bullismo e cyberbullismo, problematiche purtroppo sempre più diffuse nonostante la prevenzione che viene svolta a riguardo. È quello che cerca di fare ora anche questo film, senza però l’intento di proporre “una lezione di educazione civica“, come affermato dallo sceneggiatore Roberto Proia.

Perché, appunto, l’intento primario è quello di restituire la vitalità che era propria di Andrea – così come la narra anche la madre Teresa Manes (interrpretata da Claudia Pandolfi nel film) nel romanzo Andrea oltre il pantalone rosa, da cui il film è liberamente tratto – e che si è tragicamente spezzata il 20 novembre del 2012. Prima di arrivare a quel momento, però, c’è stata la vita e Il ragazzo dai pantaloni rosa la ripercorre tappa dopo tappa, cercando poi attraverso di esse non tanto di comprendere le motivazioni di quanti hanno bullizzato Andrea Spezzacatena – in ogni caso ingiustificabili – quanto di ricercare il perché del suo silenzio. Un silenzio fattosi assordante e asfissiante, che lo ha isolato portandolo a scelte irreparabili.

La trama di Il ragazzo dai pantaloni rosa

Andrea Spezzacatena aveva appena compiuto 15 anni quando decise di togliersi la vita. Un ragazzo apparentemente solare, aveva ottimi voti a scuola e un ottimo rapporto coi genitori. Il suo gesto fu quindi totalmente inaspettato e rimase senza spiegazione finché sua madre dopo la sua morte è entrata nel suo profilo Facebook e ha ricostruito l’inferno che suo figlio stava passando tra atti di bullismo e cyberbullismo a scuola. Il film, narrato dalla voce di Andrea dall’aldilà, ci racconta come il ragazzo sia arrivato a pensare di non avere altra via d’uscita e rappresenta un potente monito sulla pericolosità di quelle parole e di quei gesti che in apparenza ci possono sembrare innocui.

Un film in equilibrio

Il film ha dunque inizio con la nascita di Andrea, che inizia così a raccontarci la sua storia fin dai primi vagiti attraverso una particolare voice over. Particolare perché sin da subito Andrea si dice consapevole di essere probabilmente più noto per la sua fine che non per il suo inizio, chiarendo così di parlare dall’aldilà, una scelta che certamente mette sull’attenti ma che – almeno secondo il giudizio di chi scrive – risulta di cattivo gusto. Andando però subito oltre questo dettaglio, si compie un salto verso le scuole medie e poi verso il liceo, assistendo dunque alla formazione caratteriale del protagonista.

Il film in questo riesce ad offrire un gradevole equilibrio sulla sua identità e la sessualità, senza mai farlo pendere né da una parte né dall’altra ma lasciandolo giustamente in quel limbo proprio di quell’età in cui tutto è ancora in fase di esplorazione e definizione. Certo, ci sono momenti in cui si scade in alcuni dettagli evitabili e anzi fin troppo calcati, come Andrea che consola l’amico Christian (Andrea Arru, visto in Di4ri) pogiandogli una mano sul braccio. Un gesto assolutamente innocuo, il quale è però ripreso come se dovesse enfatizzare un significato che non era necessario esplicitare.

Il ragazzo dai pantaloni rosa si muove dunque continuamente tra questi fronti, dimostrandosi un ideale film per ragazzi (e non solo) attento alle piccole sfumature e al mondo emotivo dei protagonisti, ma incline ad una certa tendenza a semplificare certe dinamiche o conferirvi un aspetto patinato, rischiando così di sfociare in un melò che non rende giustizia alla vicenda trattata. Fortunatamente ciò avviene solo in precisi momenti, mentre per il resto il film riesce effettivamente a trasmettere la gioiosità di Andrea come anche quell’ingenuità che sempre più – purtroppo – si trasforma, in una società violenta come quella attuale, nella propria condanna.

Un racconto delicato che si rivolge a tutti

Ad ogni modo, Il ragazzo dai pantaloni rosa è uno di quei film il cui fine porta a chiudere un occhio davanti ad inevitabili inciampi di stile. La materia trattata è quantomai delicata e traspare la volontà degli autori e del cast di affrontarla come tale. Ancora Proia ha infatti dichiarato: “Abbiamo volutamente lasciato che chiunque alla fine del film si potesse guardare dentro e capire se, facendo dei cambiamenti, rischia di rendere la vita di un altro un po’ più sopportabile, un po’ più facile, un po’ più felice“. La speranza è che il film possa realmente lasciare, specialmente nei più giovani, riflessioni di questo genere e portare ad un mondo in cui indossare dei pantaloni rosa non è motivo di scandalo.

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Arriva alla Festa del Cinema di Roma, nella sezione Special Screenings, il nuovo documentario di Riccardo Cremona e Matteo Keffer Come se non ci fosse un domani, che esplora in modo incisivo le motivazioni e le azioni del movimento Ultima Generazione, che si batte contro il cambiamento climatico attraverso atti di disobbedienza civile. Con la consulenza dello scrittore Paolo Giordano e prodotto da Paolo Virzì, il progetto racconta le storie dei protagonisti di questa campagna, tra speranze, timori e una visione del mondo profondamente scossa dall’emergenza climatica.

(Non) c’è ancora domani

Il documentario si concentra sulla vita di cinque giovani attivisti, offrendo uno spaccato dei sacrifici e delle sfide che affrontano nel tentativo di far emergere un’urgenza globale. Le loro azioni, spesso controverse e al limite della legalità, includono blocchi stradali, imbrattamenti di edifici istituzionali e opere d’arte. Questi gesti estremi, che hanno attirato l’attenzione di media e politica, sono espressione di una generazione che si definisce “l’ultima” in grado di invertire una situazione climatica prossima al punto di non ritorno. Attraverso un linguaggio diretto e senza filtri, Cremona e Keffer narrano i retroscena di una lotta in cui il sacrificio personale viene posto al servizio del bene comune, creando un racconto corale carico di empatia e profondità.

Tra questi, c’è Michele Giuli, co-fondatore di Ultima Generazione, che racconta che il tutto è iniziato con un forte senso di ansia ed incertezza, che ha trovato una corrispondenza in alcuni video dell’agricoltore gallese e attivista ambientale Roger Hallam, in cui “era davvero furioso”. Vedere che la rabbia era assolutamente qualcosa di presente lo ha fatto sentire meno a disagio, confessa: questo sentimento serve a far capire alle persone che c’è un problema, convince perché trasuda convinzione. C’è poi Beatrice Pepe, che dice che fino a qualche anno fa pensava di sapere esattamente cosa volesse dalla vita: una bella casa in città, un armadio pieno di vestiti, ed è proprio sovvertendo le aspettative che si presenta ai dibattiti in televisione, vestita e truccata da “bella ragazza”. Conosciamo anche Chloe Bertini, che ha studiato danza per tutta la vita e afferma di aver voluto contribuire al cambiamento sociale tramite il ballo, rendendosi poi conto che fosse un sogno ingenuo: adesso, il suo corpo al posto di ballare blocca le strade. Grande attenzione è posta inoltre su Simone Ficicchia, attivista del collettivo ambientalista, che si distingue per il suo ruolo di primo piano in varie azioni di protesta contro l’uso dei combustibili fossili.

L’urgenza come motore

Tramite questi molteplici punti di vista, arriviamo a capire come è nata l’idea di un metodo di protesta provocatorio e controverso, che include imbrattare monumenti, fontane, palazzi e opere d’arte, al fine di veicolare un messaggio incisivo. La disobbedienza civile, per i membri di Ultima Generazione, deve uscire dagli schemi convenzionali, superando ciò che ci si aspetterebbe da un attivista, per sorprendere e scuotere chi osserva.

Così, davanti ai nostri occhi scorrono le immagini del blitz davanti a Palazzo Madama, il blocco del traforo del Monte Bianco, il fango davanti al tribunale di Bologna come flash-mob di protesta, l’imbrattamento del Consiglio regionale della Toscana e tante altre azioni tramite cui UG ha voluto veicolare l’urgenza di un cambiamento sociale e politico. I luoghi del potere, ingrigiti da smog e piogge acide, vengono colorati per alcuni secondi, fino a quando Ficicchia o altri attivisti, cessato il getto di vernice, si posizionano al centro della scena per spiegare i tre messaggi principali: chi è il collettivo Ultima Generazione, il perché della protesta – ovvero la richiesta al governo di interrompere i sussidi pubblici per le fonti fossili – e l’invito ai cittadini a unirsi alla resistenza civile. Le immagini di queste azioni sono pensate per lasciare un segno duraturo nella memoria di chi le osserva.

Cosa siamo disposti a fare per proteggere il nostro pianeta?

Come se non ci fosse un domani è un viaggio in una realtà complessa, dove la crisi climatica non è più un semplice problema, ma un contesto in cui l’umanità si trova a vivere quotidianamente. Il progetto di Cremona e Keffer non si limita a descrivere le proteste, ma cerca di andare oltre le immagini sensazionalistiche dei media, offrendo una narrazione profonda e onesta sulle motivazioni di una generazione che si sente inascoltata e priva di prospettive per il futuro. Sostanzialmente, affronta un tema di portata universale e invita lo spettatore a riflettere su cosa significhi, oggi, lottare per un domani migliore, ricordandoci che questa battaglia non riguarda solo pochi idealisti, ma è una questione collettiva.

Il cuore del documentario risiede proprio nella sua capacità di portare il pubblico a confrontarsi con un interrogativo profondo e personale: cosa siamo disposti a fare per proteggere il nostro pianeta? Questo film diventa quindi un invito ad agire, a mettere da parte l’indifferenza e a prendere posizione di fronte a una crisi climatica che non può più essere ignorata. Tutto ruota attorno al quanto è grande la conversazione che si genera, non quanto è esatta: lo sviluppo di un’auto-pedagogia, il collettivo che forma un’idea sul tema e se ne appropria, perchè capisce che non può più essere rimandata al tempo del futuro, che è anche quello dell’incertezza.

Quante probabilità ci sono di essere attaccati da uno squalo nel corso della vita? Per la maggior parte delle persone, queste probabilità sono incredibilmente basse. Ma per la famiglia Camaso, che naviga in acque cariche di rancori, ferite mai guarite e una rabbia che si agita perennemente minacciosa sotto la superficie, il rischio di un confronto è così alto da rendere lo scontro quasi inevitabile, quasi necessario.

Liberamente ispirato a I fratelli Karamazov, capolavoro dello scrittore russo Fëdor Dostoevskij, SQUALI è un intenso e criptico dramma familiare scritto e diretto da Alberto Rizzi (Red Code, Sleeping Wonder), e prodotto da Magenta Film e Ippogrifo Produzioni. Descritto come “una moderna tragedia greca e un western veneto”, il film è presentato in anteprima fuori concorso nella sezione Panorama Italia dell’importante Alice nella Città, sezione autonoma e parallela della Festa del Cinema di Roma 2024 (RoFF19).

Cosa racconta Squali?

Ambientato ai giorni nostri sui Monti Lessini nelle Prealpi, SQUALI racconta la storia della famiglia Camaso, tanto sgangherata quanto violenta. Leone Camaso (Mirko Artuso) è un uomo abietto e dissoluto, un padre aggressivo, rude e manipolatore. Vive da solo con l’ultima dei suoi figli, Sveva (Maria Canal), ribelle e scaltra, che sogna solo di fuggire da quella casa opprimente. Un giorno, però, anche gli altri tre figli maggiori, per una serie di sventure e coincidenze, si ritrovano costretti a tornare sotto quell’orribile tetto.

C’è Demetrio (Stefano Scherini), il primogenito, un ex militare alla deriva, sommerso dai debiti e intenzionato a reclamare l’eredità della madre scomparsa. Poi Ivan (Diego Facciotti), il secondo figlio, che, dopo la fine della sua carriera sportiva, vive ossessionato dalla fidanzata Flor (Astrict Lorenzo), su cui concentra ogni pensiero. Infine, Alessio (Gregorio Righetti), il figlio seminarista, che, su richiesta della sua Santa (Chiara Mascalzoni), torna nella casa d’infanzia con il vano intento di salvare l’anima della sua famiglia. I tre fratellastri e la sorellastra si trovano così a fronteggiare ancora una volta i profondi e dolorosi traumi familiari causati da un padre incapace di amare e di insegnare l’amore.

La straziante irresolutezza dell’essere della famiglia Camaso

Sebbene i quattro fratelli siano uniti da un viscerale sentimento di odio verso il padre, i membri della famiglia Camaso – come i personaggi di Dostoevskij – si muovono sulla scena come anime in pena, sole e smarrite, alla ricerca di un amore che hanno conosciuto solo per un attimo, dalle loro madri, prima di essere lasciati nelle mani forzute e maldestre di Leone. Questo grosso bifolco, figura tanto autoritaria quanto goffa e irruenta, sembra ancora cercare quell’amore perduto (ammesso che lo abbia mai realmente trovato nelle madri dei suoi figli) nel volto enigmatico della sua amante, la Crucca (Sara Putignano), come se potesse colmare un vuoto mai davvero compreso.

Anche i figli si confrontano con una ricerca d’amore distorta e travagliata. Ivan, per esempio, trasforma un intenso sentimento di possesso verso la fidanzata Flor in una sorta di amore, incapace di distinguere il bisogno da un sentimento sincero e altrettanto incapace di rinunciare alla sua presenza. Poi c’è Demetrio, il quale, nonostante tenti di prendere le distanze dal padre, rivela tratti simili che preferirebbe negare; non solo corteggia Flor, ma finisce addirittura per sviluppare un’attrazione malsana verso l’amante del padre. Sembra quasi che Demetrio agisca spinto dal desiderio di privare gli altri uomini della sua vita di qualcosa di prezioso, come se, inconsciamente, rivendicasse anche lui un riconoscimento.

Alla fine, sembra che solo i figli minori abbiano una possibilità di trovare un amore più autentico e puro. Alessio, così buono, timido e taciturno, riscopre la speranza di amare negli occhi dolci del suo primo amore, Lisa (Francesca Sartore), dove si affaccia un sentimento che finalmente lo distanzia dal rancore familiare. E Sveva, anarchica e segnata dalla mancanza di una figura genitoriale femminile, intravede la possibilità di colmare il proprio vuoto diventando madre lei stessa, trasformando così il suo bisogno d’amore in un legame nuovo e vitale.

Un film libero quanto la libertà a cui aspirano i suoi protagonisti

Sullo sfondo di una desolata e malinconica terra veneta, che riflette perfettamente lo stato d’animo dei suoi protagonisti, Alberto Rizzi dà vita a una fiaba popolare italiana che incanta, strazia e disgusta allo stesso tempo. Come egli stesso afferma, SQUALI è un film libero, privo di qualsiasi forma, stile o coerenza narrativa. Dando nuova luce a una delle opere letterarie più intense e significative di sempre, Rizzi gioca con il mezzo cinematografico come se si trovasse a teatro, e senza alcuna paura o riserva, mescola abilmente i generi, passando freneticamente dal dramma familiare alla commedia, dall’erotico all’orrorifico, dal romantico al dramma e viceversa. Anche se alcune scene possono apparire prive di contesto o logica, niente è lasciato al caso: ogni azione e ogni parola dei suoi personaggi nasconde inevitabilmente un significato profondo, una motivazione o una metafora, come nell’iconica affermazione della Santa: “Il senso della vita è fare la scarpetta”.

Un viaggio emozionante tra dramma e umorismo

Squali si presenta quindi come un racconto corale tragicomico, ironico e leggero, in cui la famiglia Camaso diventa portatrice di sentimenti universali e umani, tanto complessi quanto riconoscibili, con cui è facile empatizzare. Dostoevskij scriveva che “l’amore è un tesoro così inestimabile che con esso puoi redimere tutto il mondo e riscattare non solo i tuoi peccati, ma anche i peccati degli altri”. Questo tema di redenzione è precisamente ciò che Rizzi esplora nel finale di Squali: Alessio e Sveva si trasformano in strumenti di salvezza per una famiglia che cerca disperatamente di liberarsi dai legami tossici e dalle sofferenze accumulate nel corso della vita.

Il film, dunque, non si limita a raccontare una storia, ma invita il pubblico a riflettere sulla possibilità di redenzione e sulla forza dell’amore, capace di risanare anche le ferite più profonde. Attraverso la loro crescita e le loro scelte, i personaggi mostrano che, anche in mezzo al caos, alla desolazione e alla ferocia, esiste sempre, per quanto minima, la speranza di una rinascita e di una seconda possibilità. SQUALI è, infine, un viaggio emozionante tra dramma e umorismo che non lascia indifferenti.

Mauro Mancini torna a dirigere Alessandro Gassmann nel suo nuovo lavoro Mani nude, presentato nella sezione Grand Public alla Festa del Cinema di Roma. Gli affianca il giovane e talentuoso Francesco Gheghi, già vincitore del Premio Orizzonti come miglior attore alla scorsa Mostra del Cinema di Venezia per Familia, qui chiamato ad una prova molto impegnativa.

La trama di Mani nude

Il diciottenne Davide, Francesco Gheghi, viene rapito una notte, fuori dal locale dove sta festeggiando con gli amici. Chiuso in un camion, è costretto a combattere a mani nude contro un avversario, fino a ucciderlo. A rapirlo è stato Minuto, Alessandro Gassmann, che subito lo conduce in una sorta di universo parallelo dove inizia per lui una nuova, assurda e terribile vita. Su una nave vivono e si allenano altri come lui, destinati a battersi in combattimenti clandestini, a mani nude, fino alla morte di uno dei due contendenti. Li chiamano cani, e come animali sono trattati. Minuto ha il compito di preparare Davide a combattere, mentre il boss, Renato Carpentieri, incassa i proventi delle scommesse sugli incontri clandestini. Tra il ragazzo e il suo maestro si instaura un rapporto quasi filiale. Incontro dopo incontro, Davide cova in sé la rabbia e la sete di vendetta che lo portano a sopravvivere, mentre una serie di interrogativi emergono. Perché Minuto ha scelto lui? Chi è davvero Minuto? Soprattutto, esiste una via di fuga da quell’inferno? Mentre i tasselli del puzzle si compongono, appare chiaro che nessuno è ciò che sembra e ognuno ha la sua colpa da espiare.

Mauro Mancini indaga il lato più oscuro dell’uomo

Dopo Non odiare, il regista indaga ancora il lato oscuro dell’animo umano e sentimenti come l’odio e la vendetta, che spesso portano alla violenza. Quella di Mancini, però, è una visione complessa, per nulla manichea, che mostra come ciascuno sia sempre un insieme di elementi anche fortemente contrastanti. Il bene e il male, sembra dirci il regista, fanno parte della natura umana e convivono anche nelle persone più insospettabili. Altra caratteristica che Mancini mantiene è quella di orchestrare la storia come un noir, questa volta più cupo e crudo che mai, in cui pian piano si scoprono pezzi della vicenda ed emerge qualcosa che era nascosto nel passato dei protagonisti.

Due prove attoriali impegnative e convincenti

Francesco Gheghi e Alessandro Gassmann incarnano a pieno questa visione: entrambi responsabili di qualcosa che non riescono neppure a dire, entrambi colpevoli, ma al tempo stesso capaci di umanità, perfino di amore, verso una ragazza – Eva, Fotinì Peluso, per Davide – o verso una figlia, come per Minuto. I due attori sono stati posti quindi di fronte a sfide non facili e hanno potuto dare prova di saper interpretare un arco emotivo amplissimo. Gassmann, che sembra essere un carceriere insensibile e spietato, mostra poi le sue fragilità e un lato profondamente umano. Gheghi deve fare appello a tutte le sue risorse – e sembrano essere molte – per interpretare un adolescente confuso nella massa dei coetanei che diventa un killer rabbioso, accecato dall’odio, per poi mutare di nuovo e regalare altre sfumature al personaggio. Menzione va fatta, per Renato Carpentieri, che interpreta l’anima più nera del film.

Una costruzione distopica troppo cruda e violenta

Per Mani nude Mancini vuole fare le cose in grande e forse per questo, esagera. Il regista non si accontenta di una storia “ordinaria” che si trasforma in qualcosa di assai meno scontato, come era stato per Non odiare. Crea invece un vero e proprio universo distopico, una sorta di girone infernale nel quale si è sottoposti a una pena del contrappasso. Tutti i combattenti sono lì perché hanno dei conti in sospeso, dei torti o dei debiti da ripagare, come Puma, Paolo Madonna, cui Davide si legherà. Il loro diventa quindi un percorso di espiazione di una colpa, e di atroce sofferenza, per sé e per coloro di cui causano la morte. Non vi è traccia, invece, della ricompensa cui si fa riferimento nella citazione a inizio film. È proprio questo ad essere disperante: non esiste possibilità di ricompense, redenzioni o fughe, proprio come all’inferno: una volta entrati, vi si resta per l’eternità. Per rendere credibile questa visione, il regista deve chiaramente estremizzare ed enfatizzare il suo registro. Ma il tasso di violenza, di crudezza è davvero troppo elevato. C’è una ridondanza che può stancare, se non infastidire lo spettatore.

Mani nude è coinvolgente, ma angosciante e senza speranza

Non si può dire, però, che Mani nude non coinvolga nel suo essere disturbante, claustrofobico, angosciante e capace di spingere lo spettatore a seguire la vicenda per scoprirne l’evoluzione, mentre si interroga sulle pulsioni oscure oggetto del film. Mancini non usa mezze misure e spinge chi guarda fino al limite. Il lavoro lascia una sensazione di angoscia che perdura nel tempo, frutto della combinazione tra violenza, elementi cruenti e atmosfere cupe e inquietanti. Il tutto mette davvero a dura prova anche i più temerari. Mani nude è dunque un film di violenza e rabbia, odio e vendetta, disperata ricerca di salvezza. Il tutto amplificato anche da un finale aperto. Il camion che gira in tondo è il perfetto emblema di una spirale che non si chiude. In questo universo provano a fare capolino dei sentimenti positivi, ma non trovano spazio.