Samir (Samir Guesmi) si innamora a prima vista di Agathe (Florence Loiret Caille) dopo aver incontrato la donna in un bar.

Avendo casualmente scoperto che lei è istruttrice alla piscina comunale di Montreuil, Samir decide di prendere lezioni di nuoto per poterla conoscere. Succede però che Agathe è invitata a partecipare ad un convegno in Islanda e Samir non trova altra soluzione che seguirla, sotto copertura e a sua insaputa.

L’ultimo regalo, postumo, della regista franco islandese Solveig Anspach, è L’effetto acquatico, una deliziosa commedia vincitrice del premio SACD, presentata alla Quinzaine des réalisateurs, che prende il nome dalle parole di una tenera nonnina islandese la quale, nel corso della vicenda, comunica alla protagonista di trovarsi in una specie di “stato acquatico”.

Infatti, nonostante la storia ruoti tutta attorno alla vicenda amorosa che si sviluppa fra il timido Samir e l’ostinata Agathe, è proprio l’acqua la vera protagonista e il collante della bizzarra storia d’amore; i personaggi stessi sembrano uniti dall’acqua che si dimostra essere un ponte tra culture e persone ma anche una metafora di “rinascita”, così come ci viene detto dal medico islandese che si impegna a curare l’amnesia fulminante di Samir.

Con un intreccio che si srotola in situazioni fortemente bizzarre ma che la Anspach riesce a far risultare quasi credibili, insieme al co-sceneggiatore Jean-Luc Gaget la regista islandese mette in scena una storia d’amore assoluta e paradossale tramite personaggi determinati ma al contempo fragili che riescono a rendere accettabile qualsiasi loro eccesso, bugie ed equivoci compresi.

Perfino il repentino cambio d’ambiente – dalla piccola cittadina di Montreuil ci si ritrova catapultati improvvisamente nelle vaste lande ghiacciate islandesi, terra natia della regista – influirà sensibilmente sulla presa di posizione dei personaggi, senza che ritmo e narrazione ne risultino eccessivamente sfilacciati.

La Anspach decide infatti di portare tutte le situazioni al limite, mostrandoci così, metaforicamente,  la natura stessa dei sentimenti tramite il susseguirsi di eventi irrazionali e istintivi: perfino il viaggio di Samir sta a veicolare che, in fondo, se qualcuno è davvero innamorato farà di tutto per dimostrarlo.

Che si tratti dunque di una semplice commedia o di un modo per trasmettere un messaggio molto più importante rimane a libera interpretazione dello spettatore.

L’unica certezza concreta è che L’effetto acquatico è stata l’ultima occasione della Anspach per donarci piccole situazioni divertenti e assurde dell’esistenza e un consiglio pratico per affrontare la vita con più leggerezza.

Il destino di una giovane donna e del suo amato sembra segnato dall’ostilità del mondo che li separa, ma la Seconda Guerra Mondiale li metterà alla prova, allontanandoli ancora di più e alla fine riunendoli in un nuovo inizio che fa sperare in un futuro di pace, per il loro amore e per il mondo.

L’Attimo di Vento (qui il link alla pagina Facebok ufficiale) è un cortometraggio scritto e diretto da Nicola Sorcinelli, un prodotto atipico sotto più punti di vista: non solo un corto (quasi 7 minuti), formato cinematografico da noi molto usato in ambito amatoriale e non adatto alla filiera commerciale, ma anche un musical in costume (ambientato negli anni ’40) in cui sentimenti, paure ed emozioni passano prima di tutto attraverso la musica. Sorcinelli mette insieme un prodotto raffinato e preciso, curato in ogni dettaglio, con una qualità di ripresa e di immagine (effetti digitali compresi) che fa invidia a molti prodotti italiani realizzati per cinema e televisione.

L’Attimo di Vento sceglie di raccontare un amore per impressioni, attimi e ricordi, senza seguire un vero e proprio filo narrativo in senso stretto e affidando agli sguardi e ai volti antichi dei bravi interpreti, Noemi Smorra e Oscar Nini, i messaggi che l’amore e la guerra hanno da lasciarci. Unica pecca del film, che in caso di un musical rischia di essere importante, è la musica: ben eseguita e interpretata, ma ridondante e che forse si sarebbe espressa meglio sulla “lunga distanza”.

Per le capacità del giovane talento di Sorcinelli L’Attimo di Vento è un esercizio molto ben riuscito, un lavoro ambizioso e articolato che speriamo possa tramutarsi presto in un progetto più corposo.

L’assedio è il film del 1998 diretto da Bernardo Bertolucci e con protagonisti nel cast David Thewlis, Thandie Newton e Claudio Santamaria.

Trama del film L’assedio: Kinsky è un pianista inglese che vive e lavora in un appartamento al centro di Roma.

La sua colf è Shandurai, ragazza africana fuggita dalla dittatura, studentessa di medicina, il cui marito è prigioniero politico in Africa. Kinsky non tarda ad innamorarsi della ragazza, che però non ricambia.

Pian piano la casa del pianista si svuota di tutti gli oggetti di valore, compreso il pianoforte. Quando Shandurai scopre che l’uomo ha venduto tutto per ottenere la liberazione di suo marito, comprende la forza dei sentimenti di Kinsky, ne resta colpita e si accorge che anche in lei qualcosa è cambiato. Cosa farà di lì a poco, all’arrivo del marito a Roma?

Analisi: Dopo Io ballo da sola Bernardo Bertolucci, indiscusso maestro del nostro cinema, si cimenta con questo lavoro inizialmente destinato alla televisione, poi distribuito nelle sale, accettando la sfida di un medium diverso senza sacrificare il suo stile. Si tratta del Bertolucci che prediligere storie quotidiane, ambientate in spazi ristretti in cui il mondo sembra ridursi all’essenziale. Un Bertolucci lontano dalla potenza evocativa e dai fasti de L’ultimo imperatore.

Tuttavia, in questa dimensione maggiormente intimista si possono sentire con più forza le corde dell’animo umano risuonare. È questo uno di quei casi in cui bisogna porsi all’ascolto oltre che della musica – cui il regista si affida moltissimo, con una scelta drastica e poco televisiva – dei più piccoli sussulti, scrutare gli sguardi e le espressioni, i gesti dei protagonisti, parchi di parole.

Al posto dei dialoghi, coinvolgenti partiture di Mozart, Grieg, Bach, Beethoven, Chopin suonate da Kinsky (David Thewlis, perfetto pysique du role d’artista, gentleman inglese, con fascino ammiccante ma discreto), ma c’è anche la musica africana e John Coltrane. Bertolucci conduce con sapienza attraverso eloquenti inquadrature dai particolari spesso rivelatori, come lo è il montaggio, che mostrano una Shandurai (una brava Thandie Newton) sempre più in sintonia con Kinsky e la sua musica. L’essenza del film è l’incontro tra due mondi lontanissimi, che si trovano a vivere a stretto contatto.

Non solo un incontro di culture – l’africana e l’europea, un’occasione per parlare di immigrazione, dittature, regimi – ma un incontro tra due personalità opposte. Impossibile sulla carta, ma quella distanza può essere facilmente annullata. Metafora ne è, oltre alla musica, lo spazio del film: i due appartamenti –  il piano alto dove vive Kinsky e il seminterrato in cui è ospite Shandurai – collegati da una scala a chiocciola, spesso percorsa da entrambi fino a trovarsi al piano superiore (la stessa dicotomia tra alto e basso si ritroverà in Io e te, pellicola dall’ambientazione quasi claustrofobica, anch’essa scandaglia due individualità opposte a confronto). I concetti di amore e sacrificio, poi, vanno di pari passo: l’amore di Kinsky per Shandurai è rispettoso, il suo britannico contegno fa da contraltare al sacrificio estremo,la vendita dei beni, la rinuncia allo strumento della propria arte in nome di un sentimento sconvolgente.

Fuori da quelle mura in Vicolo del Bottino, e solo in subordine, Piazza di Spagna, la metropolitana, l’università dove la ragazza studia medicina, il suo compagno di studi Agostino (Claudio Santamaria). Una Roma che impara a diventare multietnica. Ma anche l’Africa lasciata lontano, alle cui responsabilità Shandurai sarà richiamata.

Il soggetto del film L’assedio è tratto da un racconto di James Lasdun.

L’arma dell’inganno – Operation Mincemeat è il nuovo film di John Madden (Shakespeare in love, Il mandolino del capitano Corelli, Marigold Hotel, Miss Sloane), basato su un evento realmente accaduto sul finire della Seconda Guerra Mondiale organizzato dal dipartimento di controspionaggio per la sicurezza del Regno Unito (MI5), che era dedicato nello specifico alla protezione navale.

I fatti erano già comparsi in un altro film del 1956 dal titolo L’uomo che non è mai esistito di Ronald Neame, uscito un paio di anni dopo che lo stesso protagonista ne aveva scritto un libro.

L’arma dell’inganno – Operation Mincemeat, la trama

A capo dell’operazione c’era infatti l’ex giudice Ewen Montagu – interpretato dalla svettante eleganza di Colin Firth – a cui si affiancò Charles Cholmondeley (Matthew Macfadyen). Insieme costruirono e inscenarono «l’inganno più spettacolare nella storia dello spionaggio», come venne definito, traendo spunto da un documento redatto dall’ammiraglio John Godfrey (Jason Isaacs) e dal tenente Ian Fleming (Johnny Flynn), proprio lui: il creatore di James Bond, l’agente segreto per antonomasia.

L’arma dell’inganno – Operation Mincemeat è tra le pellicole la cui uscita al cinema è stata posticipata a causa della pandemia. Ciò significa che faccia rabbrividire una volta di più riflettere su immagini e dialoghi che, con ottime probabilità, staranno svolgendosi anche oggi, non molto lontano da noi. L’amara coincidenza, conferma quanto la mediazione dell’arte abbia sempre una forza e una delicatezza tutte proprie nel riuscire a far fermare e ascoltare. O quanto almeno tenti di farlo.

Tratto da una storia vera

Ad ogni modo, la peculiarità dell’angolazione dalla quale il regista ha voluto narrare questo racconto, è un parallelo tra due tipi di guerra: quella sul campo di battaglia e quella che si combatte nell’ombra, ad opera di chi la Storia la scrive davvero, in tutti i sensi.

Ewen Montagu e Charles Cholmondeley portano avanti un’idea teoricamente geniale, ma dalle eventualità catastrofiche e dal cui esito dipende la vita di centinaia di migliaia di persone. Con il nullaosta di Winston Churchill (Simon Russell Beale) e la perplessità di molti, tra cui i loro stessi originari ideatori, sviluppano il cosiddetto “haversack ruse” (letteralmente: “stratagemma della bisaccia”), una tattica di depistaggio che prevede il ritrovamento da parte dello schieramento nemico di una serie di documenti all’interno di una sacca, appunto, con informazioni false che lo conducano lì dove l’esercito britannico vuole che vada. Naturalmente il ritrovamento deve sembrare totalmente casuale, proprio per far credere che la documentazione sia vera e preziosa. Perciò non dovrà capirsi in alcun modo che sia stato tutto messo lì apposta.

Neanche nella migliore fantasia nella testa del migliore degli scrittori sarebbe potuto sorgere un tale labirinto d’incastri. O forse sì.

L’arma dell’inganno – Operation Mincemeat diventa dunque una storia nella Storia, dove la creatività diviene il mezzo per la difesa di un numero altissimo di persone. E chi viene scelto come corriere per il trasporto delle finte informazioni che dovranno leggere i nazisti? Un cadavere.

A completare l’incredibile messinscena si uniscono anche la fedele e acuta governante di Montagu, Hester Leggett (Penelope Wilton) e l’assistente Jean Leslie (Kelly Macdonald). Così, con un ottimo ritmo narrativo, e la nascita di un breve e struggente triangolo amoroso, si combinano più piani di senso in cui l’uno condiziona l’altro. E, nel tessere le trame degli eventi, viene mostrato come le scelte più piccole, personali e personalizzate dalla propria passione, siano in grado d’influenzare, creare e cambiare. Anche e soprattutto con l’audacia del proprio istinto.

Dopo il divertente Dio è donna e si chiama Petrunya, la regista macedone Teona Strugar Mitevska torna in sala, dal 6 aprile, con L’Appuntamento (The Happiest Man in the World), presentato in anteprima nella sezione Orizzonti della 79ª Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia.

L’Appuntamento (The Happiest Man in the World), la storia

Asja è una donna single di 40 anni che per incontrare l’anima gemella si iscrive a un buffo evento di speed dating, un appuntamento. Qui conosce Zoran, un uomo misterioso e di bell’aspetto con cui all’inizio sembra nascere una sintonia speciale. Ma Zoran non è lì per cercare l’amore bensì il perdono: c’è un segreto nel suo passato che riguarda proprio Asja. La sua presenza in quel posto non è casuale e presto entrambi scopriranno il vero senso di quello che li unisce e quello che li divide, l’eredità della guerra nei Balcani che hanno vissuto da giovani, da parti opposte, e la possibilità di costruire un futuro sulle macerie, fisiche ed emotive, che il conflitto si è lasciato dietro.

Come sempre il cinema di Strugar Mitevska si confronta con i rapporti tra passato e futuro, sia quando essi si riferiscono alle tradizioni da rivedere o da sostenere, sia quando passato e futuro sono due aspetti di una vita tagliata a metà dal conflitto e dalla guerra. Ed è questo quello che fa la regista, in particolare, con L’appuntamento: traccia delle linea di vita di persone che nella Sarajevo dei nostri giorni cercano di costruire una vita là dove la guerra ha lasciato solo macerie.

Il desiderio di una vita, il desiderio del perdono

L’appuntamento al buio, lo speed date, l’occasione goliardica e imbarazzata di un incontro combinato con altre esistenze che cercano quello che cerca la protagonista si fa teatro dell’assurdo nel momento in cui capiamo, con un crescendo di tensione pari a un thriller, che c’è qualcosa che Zoran cerca e desidera da Asja, un’esigenza di perdono che non capiamo bene da dove nasca ma che diventa piano piano una questione pubblica, argomento di discussione, centro nevralgico dello snodo narrativo fondamentale. Il gruppo è chiamato a giudicare e condannare, ma anche a difendere, un gruppo che in comune ha la ferita della guerra: quella vissuta, quella ereditata, quella desiderata.

Questa umanità ferita viene raccontata con toni che, oltre a strizzare l’occhio al thriller, come suggerito sopra, si abbandonano anche ad una controllata anarchia nel momento in cui è il gruppo a prendere il sopravvento, nei goffi momenti di gioco organizzati per lo speed date, nelle imbarazzate domande che si rivolgono i partecipanti, in un susseguirsi di situazioni che potrebbero essere esilaranti se non fosse che, nell’ingombrante sottotesto della messa in scena, si percepisce sempre un imminente confronto, uno svelamento tremendo di una verità terribile che porterà a un confronto difficile e doloroso.

L’umorismo e il trauma

La natura più intima de L’Appuntamento si svela quindi proprio in questa doppia valenza. Da una parte la rappresentazione umoristica e realistica di un appuntamento al buio, i timori, gli imbarazzi, le curiosità mai troppo ostentate. Dall’altra l’elaborazione di un trauma, la presenza di esso nella vita di chi lo ha vissuto da ogni punto dei vista: chi lo ha subito senza poter fare nulla e che adesso cerca di costruire una vita nuova su quelle macerie; chi ha partecipato e adesso cerca la redenzione perché riconosce la stupidità di ciò a cui ha preso parte.

In una maniera molto più raffinata e sotto voce, L’appuntamento racconta anche di chi quel trauma lo ha solo ereditato, di chi è nato in un mondo distrutto che cerca di ricostruirsi e che vuole dimenticare quelle ferite di seconda generazione che porta suo malgrado.

L’Anatra all’Arancia è un film del 1975 diretto da Luciano Salce con protagonisti nel cast Ugo Tognazzi, Monica Vitti, John Richardson e Barbara Bouchet.

La trama di L’Anatra all’Arancia – Gli anni ’70, in Italia, a livello cinematografico non sono stati solo gli anni di piombo e della violenza celebrati nel poliziottesco; quelli della goliardia beffarda dei famosi fagioli western o, infine, quelli degli horror più gore e cruenti.

Durante questa decade sono state realizzate numerose commedie all’italiana, dove con questo termine si vuole indicare il carattere tipicamente “italico” della costruzione comica sottesa alla trama e alle presenze di alcuni attori feticcio che, già a partire dagli anni ’60, avevano colonizzato il mondo della commedia regalando al pubblico risate e interpretazioni memorabili

Luciano Salce: grande uomo di spettacolo, showman raffinato dalle mille vite, avventuriero; sicuramente un uomo che aveva vissuto tante situazioni ai limiti del reale e che aveva tante storie, in serbo, da raccontare, sempre utilizzando il suo stile visivo giocoso ed eccessivo, tendente al surreale (come poter dimenticare i primi due capitoli della saga infinita di Fantozzi, vere perle della comicità nostrana?) nel 1975 decide di girare un film, una commedia ovviamente, ispirata all’omonima opera teatrale di William Douglas-Home e Marc-Gilbert Sauvajon: L’Anatra all’Arancia.

Questa pellicola gli permette – grazie anche all’appoggio del promettente testo- di mettere in scena con la sua solita ironia sarcastica e pungente, col suo brillante witz surreale, la storia di una coppia alto borghese, quella formata da Livio e Lisa Stefani (interpretati da due mostri sacri della commedia come Ugo Tognazzi e Monica Vitti, che per questo film vinse un David di Donatello come miglior attrice protagonista nel 1976) che all’improvviso “scoppia”: lei ha incontrato un altro uomo, l’affascinante avventuriero francese Jean- Claude (John Richardson) del quale si è innamorata e progettano di scappare insieme in Spagna per sposarsi e ricominciare una vita; Livio, senza scomporsi o fare inutili scandali o discussioni, decide di invitare a casa loro, per tutto il weekend, l’amante della moglie e la sua segretaria, la bella, svampita e disinibita Patty (Barbara Bouchet), più a suo agio completamente nuda nella piscina di casa Stefani che dietro una scrivania…

L’Anatra all’Arancia ha una forte eredità teatrale, ben visibile a partire dall’impianto stesso della commedia: girata quasi tutta in un unico interno (casa Stefani, gazebo incluso) a parte l’ultima scena che gode della bellezza del mare incontaminato di Follonica (GR), specialmente di Punta Ala, nel corso dei suoi 105 minuti cerca di districare, con i toni allegri e brillanti tipici della pochade ottocentesca o delle brillanti screwball comedy americane degli anni ’50-’60, la dinamica di una coppia in crisi, una coppia che si è tanto amata ma che adesso sta vivendo la sua crisi, pur sapendo che in realtà si tratta solo di qualche nube passeggera sul loro rapporto. Gli amanti sono solo dei pretesti, dei diversivi per ravvivare un rapporto forse ormai stanco che ha perso quella linfa vitale che, in fondo, continua a tenerli insieme.

Veri mattatori assoluti sulla scena sono Tognazzi e la Vitti: le mille schermaglie tra marito e moglie, le gelosie, le ripicche e gli scherzi infantili che si riservano accrescono il fascino senza tempo di questi due divi nostrani, perfetti nei panni della coppia borghese ricca ed annoiata. Un elemento in più è la presenza della Bouchet nei panni della svampita segretaria che, pur facendo sempre…la Bouchet- e finendo quindi per mostrare le sue grazie!- ci mette una carica di ironia surreale e di disarmante innocenza che rendono il prodotto finale una… bizzarra commedia sofisticata aggiornata però ai costumi in continuo divenire dell’Italia degli anni ’70.

L’amore non va in vacanza è un film del 2006 diretto dalla regista Nancy Meryers che vede nel cast del film protagonisti  Cameron Diaz, Kate Winslet, Jude Law, Jack Black e il grande Eli Wallach.

L’amore non va in vacanza – Trama: Amanda crea trailer per il cinema a Los Angeles, Iris scrive cronaca rosa in Inghilterra. Entrambe vogliono lasciarsi alle spalle una delusione d’amore. S’incontrano su internet e decidono di scambiarsi la casa per le vacanze di Natale.

Così, nella campagna inglese Amanda, che pure non voleva più sentir parlare di uomini, incontra il fratello di Iris, Graham, e comincia a frequentarlo. Mentre in America, Iris trova comprensione e amicizia in Arthur, anziano sceneggiatore vicino di casa di Amanda, e nel simpatico Miles, che compone colonne sonore ed è sentimentalmente sfortunato quanto lei. Le due donne riusciranno così a guardare con distacco al loro passato e imprimere una nuova direzione alle loro vite.

La recensione di L’amore non va in vacanza

 Le commedie romantiche di ambientazione natalizia, possono essere scontati contenitori di cliché, stucchevoli compendi di buonismo e frasi da cioccolatino. Insomma, pacchi regalo dall’apparenza accattivante, ma dal contenuto sciatto e insipido. A volte, però, contengono sorprese, come in questo caso.

Per capirlo basta dare un’occhiata al cast, che conta su nomi come Cameron Diaz e Kate Winslet, Jude Law e Jack Black, oltre a ricordare che la regista e sceneggiatrice Nancy Meyers ha dato vita a diverse commedie di successo prima come sceneggiatrice (Baby Boom, Il padre della sposa), poi dietro la macchina da presa (What women want, Tutto può succedere, E’ complicato), ma sempre con un occhio particolare ai personaggi femminili: vere protagoniste anche in ruoli e situazioni insoliti, grintose e brillanti. Ne L’amore non va in vacanza non mancano certo momenti romantici da manuale e qualche passaggio sdolcinato. L’ambientazione natalizia poi è ad hoc, specie per le vicende che si svolgono nella campagna del Surrey innevata, e più in generale per raccontare due storie a lieto fine che sanno di favola.

Tuttavia, la regista sa ben sfruttare alcuni meccanismi tipici della commedia: il contrasto evidente tra le personalità di Amanda (Cameron Diaz) – grintosa imprenditrice incapace di piangere, perfetta come una “bambola”, con un’enorme e costosissima casa a Los Angeles –  e Iris (Kate Winslet) – inguaribile romantica sfortunata, troppo buona con gli altri e severa con sé stessa, vittima di amore non corrisposto –  l’evento casuale che scompagina le loro esistenze, ossia lo scambio di casa. Lo fa in maniera non scontata, puntando sulla bravura del cast.

Le due attrici si allontanano dalle proprie consuete interpretazioni – Diaz non è solo il bell’oggetto del desiderio, ma svela semplicità e dolcezza; Winslet esce dai ruoli drammatici per tuffarsi nella commedia con un personaggio più vicino alla quotidianità – e sembrano del tutto a loro agio. Inoltre, sono personaggi forti, del cui carisma il pubblico femminile non può che essere orgoglioso, mentre quello maschile ne resta facilmente affascinato.

Lo sguardo originale della regista e sceneggiatrice agisce anche sugli altri personaggi: Graham (Jude Law) non è solo il solito immancabile seduttore, ma anche un affettuoso padre di famiglia, con le sue debolezze, come ad esempio, la lacrima facile. Un Jack Black (Miles) brillante ma romantico e un insolito Eli Wallach nei panni dell’anziano Arthur, che si fa consigliare e a sua volta consiglia la giovane Iris, completano il quadro; citazioni shakespeariane al posto delle banalità sull’amore. La commedia è brillante, ma non dal ritmo forsennato; leggera, mantiene però l’attenzione al particolare, con un’apparente semplicità che avvicina lo spettatore.

L’amore non va in vacanza frasi

• Ho scoperto che quasi tutto ciò che è stato scritto sull’amore è vero. Shakespeare ha detto: “Il viaggio termina quando gli innamorati si incontrano”. Ah, che pensiero straordinario! Io non ho mai sperimentato nulla di neanche vagamente simile a questo, ma sono più che disposta a credere che a Shakespeare sia accaduto. Credo di pensare all’amore più di quanto in realtà si dovrebbe; resto sempre sbalordita dal potere assoluto che ha di alterare e definire la nostra vita.
• Un uomo e una donna hanno bisogno di qualcosa per dormire e vanno nello stesso reparto: pigiami da uomo. L’uomo dice al commesso: mi serve solo il sotto… e la donna dice: mi serve solo il sopra. I due si guardano e questo è un bell’incontro.

• Senti, so che è difficile credere alle persone che ti dicono ” so cosa provi”, ma io so davvero che cosa provi. […] Sto cercando di dire che capisco com’è sentirsi piccoli e insignificanti, quant’è umanamente possibile e come può far male in punti che neanche sapevi di avere dentro di te. E non importa quante volte cambi taglio di capelli o in quante palestre ti iscrivi o quanti bicchieri di chardonnay bevi con le amiche: vai lo stesso a dormire ogni sera riesaminando ogni dettaglio, e chiedendoti dove hai sbagliato, come hai fatto a non capire. E come diavolo hai potuto pensare di essere tanto felice in quel momento. Ti capita anche di convincerti che lui capirà cosa ha perso e busserà alla tua porta. E dopo tutto questo, per quanto a lungo la storia possa durare, vai in un posto lontano e conosci persone che ti fanno sentire di nuovo viva e finalmente i pezzettini della tua anima si rimettono insieme e tutta quella confusione, tutti gli anni della tua vita che hai sprecato… alla fine come per incanto svaniscono. (Iris a Miles
• Iris, se tu fossi una melodia… userei solo le note belle. (Miles a Iris)
• Sono innamorato di te. Perdona la brutale dichiarazione, ma… per quanto problematica questa storia possa essere, mi sono innamorato… di te. E non provo questo perché stai per partire, né perché mi piace sentirmi così! Anzi, in realtà non mi piace o non mi piaceva prima che tu parlassi. Non so capire la logica di questa cosa, io so solo… che ti amo. È incredibile quante volte lo sto dicendo. (Graham ad Amanda)
• Nei film c’è la protagonista e c’è la migliore amica. Tu, te lo dico io, sei una protagonista, ma per qualche stupida ragione ti comporti da migliore amica.

L’amore non va in vacanza trailer

L’amore non va in vacanza streaming su Infinity