Dopo circa un’ora dall’inizio di Fuori dall’oscurità (Out of Darkness), film diretto dall’esordiente Andrew Cumming, arriva una rivelazione che cambia completamente la prospettiva dello spettatore: non si tratta affatto di un film sui mostri. Dietro l’apparenza di un horror preistorico si nasconde infatti una riflessione profonda sulla paura, sull’umanità e sui meccanismi di sopravvivenza che attraversano il tempo.

Uscito nelle sale il 9 febbraio, Fuori dall’oscurità (Out of Darkness) segue una tribù di Homo sapiens che vive su un’isola desolata al largo della Scozia, circa 45.000 anni fa. Quando un bambino di nome Heron scompare nel cuore della notte, il gruppo si addentra nella foresta per cercarlo, ritrovandosi preda di un misterioso nemico invisibile che li elimina uno a uno. Cumming costruisce la tensione con grande abilità, prendendo ispirazione da classici come Lo squalo e Alien: l’orrore resta fuori campo fino a quando diventa inevitabile affrontarlo. E quando finalmente viene mostrato, la sorpresa è totale — la minaccia non è una creatura mitologica, ma un essere umano.

Umani contro umani: l’orrore dentro di noi

Il film rivela infatti che gli assassini non sono mostri, ma una coppia di Neanderthal, una specie che ha convissuto con l’Homo sapiens per migliaia di anni prima di scomparire. Questa scelta sposta il centro del racconto: Out of Darkness diventa un dramma antropologico in cui la linea tra predatore e preda si assottiglia fino a scomparire. “Il film parla della paura”, spiega Cumming. “La paura di un demone o di una bestia che ti perseguita, ma anche quella, più reale, di ciò che non capiamo negli altri e in noi stessi”.

Il messaggio è universale: il nemico non è sempre esterno, e la violenza non appartiene solo al passato. Non a caso, il film è stato concepito durante le prime fasi della pandemia, quando la diffidenza e l’isolamento sembravano dominare ogni relazione umana. “Se le parole ‘45.000 anni fa’ non fossero apparse all’inizio del film, potrebbe sembrare un futuro post-apocalittico”, afferma il regista.

Una lingua inventata per un mondo perduto

A rendere Out of Darkness ancora più singolare è la scelta di girarlo interamente in “Tola”, una lingua inventata appositamente per il film. Creata dal linguista Daniel Andersson come fusione di arabo e basco, Tola — abbreviazione di The Origin Language — aggiunge autenticità e mistero all’ambientazione. “Temevo che i sottotitoli potessero allontanare il pubblico”, ammette Cumming, “ma girare in inglese sarebbe stato pigro. Volevo che fosse tutto vero, primordiale”.

Il cast, guidato da Safia Oakley-Green, Kit Young e Luna Mwezi, offre interpretazioni fisiche e intense, quasi istintive. Mwezi, giovanissima, ha stupito il regista al punto da spingerlo ad affidarle il ruolo maschile di Heron. “Volevamo qualcuno che avesse nei movimenti e nello sguardo quella fragilità ancestrale che non si può fingere”, racconta Cumming.

Breve, essenziale, devastante

Con una durata di soli 87 minuti, Fuori dall’oscurità (Out of Darkness) è un film compatto ma denso, costruito per lasciare un impatto duraturo. “Amo Killers of the Flower Moon, ma tre ore e mezza per qualsiasi film sono un impegno enorme”, scherza Cumming. “Mi piacciono le storie che dicono quello che devono dire e poi si chiudono”.

Con il suo linguaggio primitivo, la tensione viscerale e una rivelazione che ribalta ogni aspettativa, Out of Darkness non è solo un survival horror preistorico: è un’allegoria potente sulla paura dell’altro e sull’eterna, violenta necessità di riconoscersi umani.

Diretto da Sidney Lumet, Serpico (1973) è uno dei grandi classici del cinema anni 70 (e non solo). Un film drammatico poliziesco ambientato prevalentemente a New York, che ruota attorno a Frank Serpico (Al Pacino), un agente di polizia che si imbatte nella corruzione dilagante all’interno del Dipartimento di Polizia di New York. Il film descrive la sua lotta contro il dipartimento, poiché il suo deciso rifiuto di accettare tangenti lo trasforma in un paria tra i poliziotti. I colleghi di Frank lo minacciano, nessuna delle sue relazioni dura a lungo e più volte rischia di morire. Nonostante tutto ciò, rimane fermo nelle sue convinzioni.

Inizialmente, John G. Avildsen (Rocky) era stato ingaggiato per dirigere il progetto, ma in seguito è stato sostituito da Sidney Lumet, che si era costruito una reputazione per la sua capacità di portare a termine i progetti in tempi ristretti. Serpico è così considerato uno dei pochi film mai realizzati che offre un ritratto profondamente poco glamour della vita della polizia, poiché approfondisce la cultura poliziesca di New York City, descrivendo la corruzione istituzionale. Ora, se tutto questo spinge a chiedersi se film sia ispirato a fatti reali, in questo approfondimento esploriamo proprio questo aspetto.

Serpico è una storia vera?

Sì, Serpico è basato su una storia vera. Il film è l’adattamento cinematografico del libro biografico del 1973 “Serpico: The Cop Who Defied the System” dell’autore e giornalista americano Peter Maas. Il protagonista del libro, Frank Serpico, ha aiutato Mass a svilupparlo dopo essersi ripreso da una sparatoria. Successivamente, gli sceneggiatori Waldo Salt e Norman Wexler hanno adattato il libro per il grande schermo. Frank Serpico era un vero agente della polizia di New York, nato e cresciuto a Brooklyn, New York City.

I suoi genitori erano immigrati italiani provenienti da Marigliano, in Campania. All’età di 17 anni, si arruolò nell’esercito degli Stati Uniti e trascorse due anni in Corea del Sud come fante. Dopo aver lasciato l’esercito, ha lavorato per un breve periodo come investigatore part-time e consulente giovanile, conseguendo una laurea in scienze presso il City College di New York prima di diventare agente di polizia della NYPD nel settembre 1959. Quando alla fine si ritirò nel giugno 1972, Serpico era diventato una figura controversa all’interno del dipartimento; mentre alcuni agenti di polizia ammiravano la sua tenacia e onestà, molti criticavano le sue azioni.

All’inizio del 1966, Serpico aveva incontrato il collega poliziotto David Durk, che divenne suo alleato nella lotta contro la corruzione. Nel 1967, si rivolse poi ai suoi superiori per segnalare la corruzione diffusa all’interno del dipartimento, ma non fu intrapresa alcuna azione per fermarla. Quando parlare con i superiori non produsse il risultato desiderato, Serpico partecipò a un’inchiesta del New York Times dell’aprile 1970 che accusava la polizia di New York di ricevere milioni di dollari da criminali e piccole imprese.

Il presunto tentativo di omicidio

Il 3 febbraio 1971 e Serpico stava conducendo un’operazione antidroga nella zona di Williamsburg a Brooklyn. Una cosa che è sempre stata molto sospetta riguardo alla sparatoria durante un’irruzione frenetica è che non è mai stato chiamato il 10-13 (il codice radio per un agente che ha bisogno di assistenza) dopo che Serpico è stato colpito al volto. I suoi colleghi sono semplicemente fuggiti dalla scena, proprio come nel film. La scena iniziale del film descrive in dettaglio la gravità delle condizioni di Serpico quando viene finalmente portato d’urgenza in ospedale. Ancora oggi ha frammenti di proiettile conficcati nel cervello e soffre di perdita dell’udito a causa della recisione del nervo uditivo.

È stato quasi il colpo di grazia per Serpico, ma riuscì a sopravvivere. Nell’ottobre e nel dicembre 1971, testimoniò poi davanti alla Commissione Knapp, istituita dall’allora sindaco John V. Lindsay per indagare sulle accuse di corruzione contro il NYPD, diventando il primo agente del NYPD a farlo nella storia. “Frank Serpico! Il primo agente di polizia non solo nella storia del Dipartimento di Polizia di New York, ma nella storia di qualsiasi dipartimento di polizia degli Stati Uniti, a farsi avanti per denunciare e successivamente testimoniare apertamente sulla corruzione diffusa e sistematica dei poliziotti, con tangenti che ammontavano a milioni di dollari“, scrisse Mass nel numero del 25° anniversario della rivista New York Magazine.

Cosa il film cambia della storia vera

In un’intervista a Vanity Fair, Frank Serpico ha commentato gli eventi della sua vita raccontati nel film in un documentario intitolato Frank Serpico, diretto da Antonio D’Ambrosio. Grazie al celebre regista Sidney Lumet, la sceneggiatura scritta in collaborazione con Waldo Salt è molto accurata nel descrivere come il nativo di Brooklyn, New York, sia diventato un poliziotto, la corruzione, le tangenti e il razzismo che ha incontrato e l’incidente in cui è stato quasi ucciso come informatore nel film. La sua bussola morale si è formata quando Frank era solo un ragazzo e un uomo lasciò il negozio di suo padre senza pagare per una lucidatura di scarpe.

Da allora capì di avere un senso intrinseco di ciò che era giusto e ciò che era sbagliato, e il rispetto per la legge. Ma, fedele al film, si rifiutò di indossare un microfono nascosto e non si considera una spia. Sostiene di non aver avuto alcun interesse a denunciare i poliziotti, ma a smascherare i superiori che chiudevano un occhio su tutto. Tuttavia, il film presenta anche alcune importanti differenze dalla storia vera. Ad esempio, nel film non c’è nessun personaggio di nome David Durk, ma Bob Blair (Tony Roberts), confidente e alleato di Serpico, sembra essere stato modellato su Durk.

Serpico, che ha visto il film completo per la prima volta nel 2010, ha affermato che Lumet lo ha bandito dal set dopo che lui aveva espresso la sua disapprovazione per una scena fittizia. Anche Durk ha criticato il film, così come molte altre persone legate alle forze dell’ordine. Per prepararsi al ruolo, l’attore protagonista Al Pacino ha però invitato Serpico a Montauk, New York, come ospite nella casa che aveva affittato. Una volta, Pacino ha chiesto al suo omologo fuori dallo schermo perché si fosse opposto ai suoi colleghi e, in risposta, l’ex poliziotto avrebbe detto: “Beh, Al, non lo so. Immagino di dover dire che sarebbe perché… se non lo facessi, chi sarei quando ascolto un brano musicale?“.

Dov’è oggi Frank Serpico

Dopo aver lanciato l’allarme e aver dato il via alla denuncia dell’enorme corruzione all’interno del Dipartimento di Polizia di New York nel 1971, continuò a lavorare come poliziotto fino al 1972. Dopo l’uscita del film e la straordinaria interpretazione di Pacino, il vero Frank Serpico scomparve dalla circolazione. Inizialmente si trasferì dall’altra parte del mondo, in Svizzera, per riprendersi, e poi nei Paesi Bassi. Oggi vive nello Stato di New York, in una piccola capanna di legno che ha costruito lui stesso. All’esterno ci sono statue buddiste (un altro aspetto della sua religione menzionato nel film).

Come per tutti gli informatori, molti di coloro che hanno preso parte ai crimini all’interno del dipartimento lo considerano ancora un traditore e un emarginato, e lui ha dovuto allontanarsi dall’attenzione che ha ricevuto dopo l’uscita del film. Gran parte della corruzione che il film ha denunciato accuratamente è stata portata nella tomba dai corrotti. Nel febbraio 2022, Frank Serpico è stato finalmente insignito della Medaglia d’Onore dal sindaco di New York Eric Adams, che afferma che Serpico è stato una delle sue ispirazioni per entrare in politica. Aveva 85 anni, cinquant’anni dopo aver dato il via alla guerra contro i poliziotti corrotti.

Le storie di crimini reali sono oggigiorno molto popolari, con omicidi feroci o altre situazioni scabrose che diventano grandi successi mediatici, in particolare su piattaforme di streaming come Netflix, Amazon e Hulu. Sempre più spesso, infatti, il mondo del cinema prende una storia tratta dai titoli dei giornali e la usa come base per un thriller drammatico. L’esempio perfetto è La ragazza di Stillwater del 2021, con Matt Damon, liberamente ispirato all’omicidio di Meredith Kercher per mano di un ladro, un crimine inizialmente attribuito alla studentessa americana Amanda Knox.

Il film vede Damon nei panni del rude Bill Baker, la cui figlia Allison (Abigail Breslin) è stata condannata per l’omicidio della sua ex fidanzata Lina mentre studiava all’estero. A cinque anni dalla fine della pena della figlia, Bill le fa visita. Quando viene a conoscenza di nuove prove che potrebbero far luce sul caso, si ritrova con la missione di scagionare sua figlia e riportarla a casa. Viaggiando però dalla campagna dell’Oklahoma a Marsiglia, in Francia, Bill si ritrova spaesato in una terra che non capisce.

È così costretto ad affidarsi alla generosità di una gentile sconosciuta (Camille Cottin) per portare a termine la sua missione. La ragazza di Stillwater è dunque uno studio dei personaggi dal ritmo deliberatamente lento, con un terzo atto drammatico che ribalta completamente la storia. E dato il modo rapido in cui si susseguono gli eventi nel climax, chi ha visto il film potrebbe ancora grattarsi la testa per i momenti finali scioccanti del film. Ecco allora in questo approfondimento una spiegazione accurata del finale di La ragazza di Stillwater

Cosa bisogna ricordare della trama di La ragazza di Stillwater

Sebbene fortemente ispirato all’omicidio di Meredith Kercher e all’ingiusta condanna di Amanda Knox, il film inizia a Stillwater, in Oklahoma, piuttosto che a Seattle, città natale di Knox. Lì incontriamo Bill, un operaio petrolifero disoccupato la cui figlia ha già scontato cinque anni di una condanna a nove anni per l’omicidio della sua ex coinquilina e amante Lina mentre viveva in Francia. Allison ha sempre sostenuto la sua innocenza, ma ha imparato a non contare su Bill.

L’uomo, infatti, non è stato un buon padre durante la sua infanzia e raramente ci si poteva fidare di lui quando si trattava di assumersi delle responsabilità. Ma dopo una visita alla figlia in prigione, Bill è determinato a provare l’innocenza di Allison quando lei afferma di aver scoperto l’identità di un giovane che potrebbe essere il vero assassino: un immigrato arabo di nome Akim (Idir Azougli). Dopo che il suo avvocato e la polizia hanno rifiutato di indagare su questa nuova pista, Bill decide di occuparsene personalmente.

Trova un’alleata in Virginie, una donna francese che vive con la sua giovane figlia Maya (Lilou Siauvaud) a Marsiglia. Alla fine, Bill e Virginie vanno a vivere insieme e in seguito instaurano un legame sentimentale, mentre Bill diventa lentamente una figura paterna per Maya. Quando uno degli amici di Virginie rintraccia Akim, la missione di Bill di scagionare Allison diventa più pericolosa. E quando Bill non riesce a ottenere le prove di cui ha bisogno dopo un violento alterco con il giovane, Allison interrompe ogni contatto con lui.

 

Cosa succede alla fine del film

In contrasto con sua figlia dopo che lei ha scoperto che lui ha cercato senza successo di riabilitare il suo nome da solo, Bill decide di rimanere a Marsiglia per starle vicino nonostante la loro separazione. Comincia persino a costruirsi una vita con Virginie e Maya, aiutando come custode e trovando un lavoro presso un’impresa edile locale. Ma quando Bill incontra casualmente Akim mentre assiste a una partita di calcio, non può permettere che la persona che crede essere il vero assassino la faccia franca una seconda volta, e rapisce Akim tenendolo in ostaggio.

Bill tiene Akim nascosto nel seminterrato del suo condominio e fa giurare alla piccola Maya di mantenere il segreto quando lo vede. Invia quindi un campione di DNA a un laboratorio, sperando che corrisponda alle prove forensi non identificate trovate sulla scena del crimine originale. Una soffiata alla polizia, tuttavia, conduce gli agenti nel seminterrato di Bill. Sul punto di vedere svelato il suo piano, Bill è scioccato quanto la polizia nello scoprire che Akim non è lì e che anche Maya ha mentito per coprirlo.

Ciononostante, il campione di DNA che ha consegnato all’avvocato di Allison (Anne Le Ny) è sufficiente a mettere in dubbio la colpevolezza della giovane e a farla uscire di prigione. È un finale agrodolce per la ricerca di Bill, perché Virginie, infuriata per ciò che Bill ha fatto ad Akim e furiosa per aver coinvolto Maya, pone fine alla loro relazione, strappandolo dalla sua nuova famiglia surrogata.

La sconvolgente confessione di Allison

In tutto il film La ragazza di Stillwater, Bill è incrollabile nel suo sostegno alla figlia e fermo nella sua convinzione della sua innocenza. Certificato che sua figlia sia stata incastrata per un crimine efferato che non ha commesso, spera di fare giustizia per lei non solo per vederla libera, ma anche come modo per redimersi ai suoi occhi come padre. Bill crede di conoscere sua figlia meglio di chiunque altro ed è sicuro che lei non abbia nulla a che fare con l’omicidio di Lina. Ma questa convinzione crolla nel momento culminante del film.

Quando Akim è stato tenuto prigioniero, il giovane ha insistito sul fatto che Allison fosse effettivamente coinvolta nell’omicidio di Lina. Ha detto a Bill che Allison lo aveva assunto per uccidere Lina, pagandolo in parte con una collana d’oro che suo padre le aveva comprato come regalo. Non sapendo cosa credere, Bill riesce comunque a riportare Allison a casa, ma una volta tornati in Oklahoma, dopo essere stati accolti come eroi dalla comunità e dalle autorità locali, Bill affronta sua figlia per scoprire quale ruolo abbia realmente avuto nella morte di Lina.

Incapace di tenere nascosto il suo segreto più grande, Allison racconta a suo padre cosa è successo la notte dell’omicidio. Dopo aver scoperto che la sua amante la tradiva, Allison dice di aver rotto con Lina e di aver voluto che se ne andasse di casa, quindi ha assunto Akim per “sbarazzarsi di lei”. E anche se dice di non aver mai voluto fare del male a Lina, le istruzioni di Allison sono state fraintese, portando alla morte della sua ex ragazza.

Il significato del finale di La ragazza di Stillwater

Fondamentalmente, La ragazza di Stillwater è un’analisi del trauma, del dolore e del lasciar andare. Racconta di come Allison, una giovane donna dal cuore buono, abbia commesso un errore fatale e sia stata costretta a pagare un prezzo molto alto. E di come debba fare i conti con il suo ruolo nella morte della sua ex fidanzata, senza aver mai avuto la possibilità di dirle addio o di piangerne la perdita. Alla fine del film, vediamo Allison farsi persino tatuare il nome di Lina in prigione prima di uscire, un simbolo del suo amore, a dimostrazione che non ha mai voluto farle del male. Ma vediamo anche che alla fine del film Bill è un uomo cambiato, e non solo per la dura prova che ha dovuto affrontare per liberare sua figlia.

All’inizio del film, abbiamo appreso che Bill ha avuto problemi con la droga e l’alcol, presumibilmente come tragico modo per affrontare la morte di sua moglie. Ma questa volta, affrontando la detenzione di sua figlia e la lotta per la giustizia, Bill ha imparato ad affrontare meglio i suoi problemi incanalando la sua energia in qualcosa di buono: sia la sua ricerca della giustizia che una nuova famiglia. E così facendo, sia Bill che sua figlia imparano il valore del perdono verso se stessi. Allo stesso modo, Allison ha finalmente trovato un modo per superare il risentimento verso suo padre, mentre Bill riesce a vedere oltre gli errori di Allison e a comprendere le ragioni che l’hanno spinta ad andarsene.

Perché è cambiata l’opinione di Bill sull’Oklahoma?

Dopo che Bill e Allison hanno condiviso un momento commovente, con Allison che confessa il suo coinvolgimento nell’omicidio di Lina, i due condividono un momento solenne sulla veranda di casa loro. È la prima mattina che Allison trascorre a casa dopo anni e lei osserva che nulla è cambiato. La sua vecchia città natale è esattamente come la ricorda. Ma Bill non è d’accordo… nella sua battuta finale, il lavoratore stanco del mondo dice che nulla sembra più lo stesso. Ma cosa intende dire con questo?

L’intera visione del mondo di Bill è stata messa in discussione e cambiata dalla sua lotta per liberare sua figlia. Ha conosciuto Allison in un modo che non aveva mai conosciuto prima, rendendosi conto che sono persone molto diverse. E attraverso Virginie e Maya, Bill ha imparato a essere un uomo, un marito e un padre migliore. Un altro tema che viene toccato, in qualche modo sotto la superficie, è un messaggio sul bigottismo e l’intolleranza.

La maggior parte dei francesi guarda con disprezzo Bill, che, provenendo dalle città rurali del sud degli Stati Uniti, viene considerato un razzista arretrato e possessore di armi da fuoco. Bill ammette di avere molti amici nella sua città natale che nutrono atteggiamenti razzisti e, sebbene non esprima mai i propri sentimenti al riguardo, l’incontro con un francese che manifesta apertamente il proprio disprezzo per gli immigrati rende chiaro il messaggio. Dopo essere stato esposto a un’altra cultura e essersi innamorato della più socialmente consapevole Virginie, Bill torna con una prospettiva diversa sul mondo.

Bill ha ottenuto la redenzione che cercava?

La forza trainante di La ragazza di Stillwater potrebbe essere la ricerca di Bill per dimostrare l’innocenza di Allison, ma Bill rimane comunque il cuore della storia: un padre alla ricerca di un’altra possibilità per fare la cosa giusta per sua figlia. Nel corso del film scopriamo che Bill non è stato un buon genitore. Ha abusato di droghe e alcol, ha trascorso del tempo in prigione e raramente è stato presente per sua figlia durante la sua crescita. Lei non ha un rapporto solido con lui, soprattutto dopo la morte della madre, e anche quando emergono nuove prove nel suo caso, non si fida di lui.

Bill commette però un errore iniziale, mentendo ad Allison dicendole che il loro avvocato ha accettato di riaprire il caso, quando in realtà se ne sta occupando lui stesso, e questo allontana sua figlia. Ma quando lui dimostra ad Allison di esserci per lei, rimanendo in Francia per starle vicino, lei comincia a rendersi conto che forse lui sta davvero voltando pagina. E mentre lei rimane scettica sul fatto che lui non la deluderà di nuovo, Bill supera incredibili difficoltà per liberare Allison, e i due formano un legame padre-figlia che non avevano mai avuto prima, mentre Bill finalmente si riscatta agli occhi di sua figlia.

Come si rapporta il finale di La ragazza di Stillwater con la storia che lo ha ispirato?

La ragazza di Stillwater è stato fortemente ispirato dalla storia di Amanda Knox, un fatto che non è sfuggito alla critica e al pubblico. Ma mentre il film e la storia vera condividono molte somiglianze, ci sono diverse differenze sorprendenti, soprattutto nella conclusione del film. Allison Baker, come Amanda Knox, è una studentessa universitaria americana che studiava all’estero quando la sua compagna di stanza è stata assassinata. Come Knox, Baker è la principale sospettata dell’omicidio e viene processata, dichiarata colpevole e condannata a una lunga pena detentiva.

Come Knox, Allison viene infine rilasciata e scagionata da tutte le accuse quando emergono nuove prove. In La ragazza di Stillwater, tuttavia, alla fine si scopre che Allison era almeno in parte responsabile dell’omicidio della sua coinquilina. Ciò è in netto contrasto con quanto accaduto ad Amanda Knox. Condannata inizialmente per omicidio (tra le altre accuse) nel 2011, Knox è stata condannata a più di 20 anni di carcere insieme al suo fidanzato, Raffaele Sollecito, poiché i giurati ritenevano che Sollecito avesse tenuto ferma la vittima mentre Knox commetteva l’omicidio (come riportato dalla BBC News all’epoca).

Anni dopo, però, sono emerse nuove prove che hanno scagionato Knox dall’accusa di omicidio. Dopo una complicata serie di processi e appelli, Knox è stata finalmente dichiarata innocente nel 2015, mentre il ladro Rudy Guede è stato riconosciuto colpevole del crimine. A differenza di Allison, dopo la sua assoluzione definitiva non è mai stato insinuato che Knox avesse avuto alcun ruolo nell’omicidio.

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La premessa del film thriller Fuori dall’oscurità, del regista scozzese Andrew Cumming, è piuttosto semplice: un gruppo di persone che cerca di sopravvivere a un mostro nella natura selvaggia. Ma ecco l’aspetto emozionante: il film è ambientato nell’età della pietra, 45.000 anni nel passato, per l’esattezza. Questo aggiunge valore alla narrazione, che è ulteriormente rafforzata da una fotografia mozzafiato che si basa molto sui vasti terreni aperti della Scozia e su una tavolozza di colori morbosi. La pulsante colonna sonora di Adam Janota Bzowski è poi una vera e propria rivoluzione.

Si tratta sicuramente di un esperimento particolarmente intrigante, un film uscito nel 2022 passato fin troppo in sordina e che può ora essere riscoperto grazie al suo passaggio televisivo. Ciò che lo rende ancora più interessante, però, è che a circa un’ora dall’inizio, Fuori dall’oscurità si svela essere non un film di mostri! In questo articolo, approfondiamo dunque il finale della pellicola, con anche le parole del regista su questa controversa e sorprendente conclusione.

La trama di Fuori dall’oscurità

Fuori dall’oscurità inizia con una storia raccontata da un gruppo di vecchi Hoso Sapiens a dei giovani. Si dà il caso che sia la loro stessa storia. Sono un gruppo di sei persone: Adem (Chuku Modu), che è il leader e automaticamente l’equivalente alfa; suo fratello Geirr (Kit Young); Ave (Iola Evans), che porta in grembo il figlio di Adem; Heron (Luna Mwezi), il figlio di Adem; un uomo anziano (e saggio) di nome Odal (Arno Lüning); e una giovane vagabonda, Beyah (Safia Oakley-Green). Il gruppo ha raggiunto una nuova terra e spera di trovarvi cibo e riparo. Ma la terra è piena di sterminati altopiani e (molto probabilmente) di molti pericoli sconosciuti. Ma Adem è irremovibile e fiducioso sul posto.

Odal, invece, non è molto entusiasta di avventurarsi in questa terra sconosciuta, ma il leader non è disposto ad ascoltare né lui né altri. Con uno come lui a capo, le cose sono destinate ad andare male, ed è proprio così che va. Quando Adem e Geirr scoprono i resti insanguinati di un animale selvatico, capiscono che c’è qualcosa di pericoloso nei paraggi. Ma Adem è abbastanza sciocco da tenerlo nascosto al suo gruppo. Nel buio della notte, quando il gruppo sta morendo di fame, sentono un suono minaccioso provenire da una creatura che non riescono a vedere. La creatura si allontana poco dopo, ma nel giro di pochi secondi il gruppo si rende conto che Heron è sparito.

Adem decide allora di partire alla ricerca del figlio, soprattutto perché per lui è una questione di orgoglio. Così si addentra coraggiosamente nel bosco e il gruppo non ha altra scelta che seguirlo. Naturalmente, non ci vuole molto perché si rendano conto del terribile errore commesso dal loro leader quando Adem tenta di sferrare un attacco alla creatura, finendo pesantemente ferito e con gran parte del volto mutilato. Con Ave che soffre molto e tutti gli altri che muoiono di fame oltre ogni limite, Beyah suggerisce di uccidere Adem e consumarlo. Geirr è contrario a questa idea, ma Odal e Ave sono abbastanza pragmatici da approvarla ed eseguirla.

La verità sulla creatura nel bosco

Con la scomparsa di Adem, c’è un cambiamento di potere nelle dinamiche del gruppo e, nonostante Geirr voglia assumere il ruolo di leader, gli altri non sono troppo entusiasti dell’idea. Il “vecchio e saggio” Odal non vuole pensare a Geirr come a qualcosa di diverso dai muscoli. Ave, ovviamente, ha la sua importanza in quanto portatrice di una nuova vita. Ma Beyah è una randagia che potrebbe essere responsabile di aver portato il demone al gruppo. O almeno questo è ciò che pensa Odal. Egli sottolinea che la creatura li ha attaccati per la prima volta la notte in cui Beyah ha avuto le prime mestruazioni. Secondo Odal, il sangue delle mestruazioni è abbastanza forte da attirare la creatura come una calamita.

Alla luce di ciò, Ave si pone dalla parte di Odal e i due decidono di offrire Beyah al demone, sperando che li risparmi. Ancora una volta Geirr non è d’accordo, ma Odal lo mette subito al tappeto. Lui e Ave trattengono poi con forza Beyah e iniziano a chiamare la creatura. Ma Beyah riesce a sopraffarli e a scappare. La creatura, tuttavia, arriva e finalmente la si vede bene per la prima volta, svelando che assomiglia molto a un essere umano. Il segreto meglio custodito del film viene così svelato, chiarendo che si tratta di una donna di Neanderthal che indossa una maschera ed emette un suono simile a quello della creatura. Nello scontro, Odal e Ave vengono uccisi, con la donna che porta via il corpo di Ave.

La spiegazione del finale di Fuori dall’oscurità

Rendendosi conto che non c’è nessun mostro soprannaturale o altro, Beyah insegue la donna di Neanderthal. Viene però fermata nel suo inseguimento da Geirr, che ritiene che non si debbano attaccare i Neanderthal perché sono loro uguali. Ma Beyah crede che siano superiori, il che, storicamente parlando, non è sbagliato. Una volta scoperta la caverna del Neanderthal, Beyah scorge un maschio al di fuori di essa. Anche se l’uomo di Neanderthal è chiaramente più grande e più forte di lei, Beyah è abbastanza intelligente da vincere la battaglia e alla fine lo uccide. All’interno della caverna, trova la donna e, come è ovvio, anche Heron. Ma lui sembra in forma, in forma e, soprattutto, ben nutrito.

Beyah nota anche che il corpo di Ave è tenuto in modo rispettoso, il che fa pensare che i Neanderthal vogliano onorarla. Mentre sembra che Heron abbia trovato un rapporto con queste persone, Beyah non vuole correre il rischio e uccide la donna. Heron condanna l’atto, ma Beyah gli dice che questo è l’unico modo per sopravvivere. Tuttavia, la donna giunge presto alla conclusione che anche i Neanderthal, come loro, erano alla ricerca di una vita migliore e non volevano fare del male. E rendendo il nemico molto simile all’eroe, il regista confonde la dinamica tra predatore e preda, favorendo un terzo atto scioccante.

“Il film parla della paura”, ha affermato Cumming in un’intervista a Variety. “Una paura reale. La paura di un demone, di un mostro o di una tigre dai denti a sciabola che ti perseguita. Ma volevo che l’ultimo terzo del film fosse: “Ora sappiamo cos’è questa cosa. Sappiamo che possiamo ucciderla. E se non riusciamo a ucciderla, moriremo”. “Se siete un certo tipo di appassionati di horror e i primi due terzi di questo film sono un monster movie, posso capire che vi sentiate ingannati. Ma spero che la gente possa fare un passo indietro e pensare a ciò che accade dopo la rivelazione del secondo atto e prendere il film al suo valore nominale… Penso che sia un messaggio davvero potente”.

Si tratta di un messaggio senza tempo, aggiunge Cumming, simbolico del fatto che Fuori dall’oscurità è stato concepito durante le prime fasi della pandemia, quando la paura sembrava inghiottire la fiducia che le persone avevano l’una nell’altra. “Se le parole ‘45.000 anni fa’ non apparissero all’inizio del film, questo potrebbe essere il futuro”, insiste. “Potrebbe essere un mondo post-apocalittico in cui le persone stanno lottando per la sopravvivenza e continuano a fare gli stessi errori”.

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Diretto da McG, 3 Days to Kill è un film d’azione e avventura che racconta la storia dell’agente della CIA Ethan Renner (Kevin Costner), costretto a ritirarsi dall’agenzia dopo aver ricevuto una diagnosi di cancro al cervello in fase terminale. Torna a casa a Parigi, sperando di trascorrere il tempo che gli resta con la moglie Christine (Connie Nielsen) e la figlia Zooey (Hailee Steinfeld), da cui si era allontanato. Sfortunatamente, il suo ultimo obiettivo prima del pensionamento, un trafficante d’armi illegale conosciuto semplicemente come Wolf, è ancora in libertà. Vivi Delay (Amber Heard), un’assassina d’élite che lavora direttamente per il direttore della CIA, gli propone un accordo.

Se accetta di uccidere Wolf per lei, gli darà un farmaco sperimentale che potrebbe prolungargli la vita. Non avendo alternative, Ethan accetta. Si imbarca così in un viaggio che lo costringe a trovare un equilibrio tra la sua vita professionale e quella personale. Quando 3 Days to Kill è uscito nel 2014, ha ottenuto recensioni moderate da parte della critica. Hanno elogiato la regia di McG, la performance di Costner e la trama avvincente del film. Se le eleganti scene di spionaggio del film vi hanno fatto chiedere se 3 Days to Kill sia basato su una storia vera, ecco cosa abbiamo scoperto.

3 Days to Kill è basato su una storia vera?

No,3 Days to Kill non è basato su una storia vera. Il film è ispirato a una sceneggiatura scritta dal leggendario regista Luc Besson insieme ad Adi Hasak. La sceneggiatura, a sua volta, è basata su una storia scritta dallo stesso Besson. La trama principale del film ricorda molto quella della serie televisiva francese No Limit. È stata sviluppata da Besson in collaborazione con Franck Philippon.

La serie ruota attorno a Vincent Libérati (Vincent Elbaz), un agente segreto francese che lascia il lavoro dopo aver ricevuto una diagnosi di tumore al cervello e si trasferisce a Marsiglia per lavorare sui suoi rapporti con l’ex moglie Alexandra (Hélène Seuzaret) e la figlia Lola (Sarah Brannens). A Vincent viene detto che se entrerà a far parte di un’organizzazione segreta di spionaggio chiamata Hydra, avrà accesso a un farmaco sperimentale. Dopo averci riflettuto, accetta le condizioni.

Durante la serie, scopre che Hydra è stata creata dai servizi segreti per sconfiggere il crimine organizzato in Costa Azzurra con metodi non proprio legali. A differenza del film, in cui Christine sa che tipo di lavoro svolgeva Ethan, la famiglia di Vincent ne è completamente all’oscuro. All’inizio della serie, pensano che sia un installatore di allarmi antifurto. Inoltre, non sanno nulla della diagnosi.

La relazione tra Ethan e Christine è bloccata allo stesso modo di quella tra Vincent e Alexandra. Sono ancora innamorati l’uno dell’altra, ma non sanno come stare insieme. “3 Days to Kill” presenta anche alcune somiglianze con “Taken”, il thriller d’azione del 2008 con Liam Nesson, scritto anch’esso da Besson (insieme a Robert Mark Ramen). In entrambi i film, una leggenda di Hollywood degli anni ’80 e ’90 interpreta una spia altamente addestrata che è anche un padre affettuoso.

Nel panorama dei blockbuster fantasy, 47 Ronin è un caso particolare: rilegge in chiave spettacolare la leggenda più famosa del Giappone feudale — l’episodio di Akō — innestandole stregonerie, demoni Tengu e un eroe outsider interpretato da Keanu Reeves. Il risultato è un racconto d’onore e vendetta che conserva il nucleo morale della storia originale, pur piegandolo alle esigenze del cinema d’avventura.

Il finale, tragico e rituale, lascia nello spettatore domande tutt’altro che banali: perché i ronin scelgono la morte proprio dopo aver compiuto la loro missione? Qual è il senso del sacrificio di Kai e del suo amore impossibile per Mika? E in che modo la versione hollywoodiana dialoga con il codice dei samurai (bushidō) e con la memoria collettiva giapponese? Andiamo con ordine.

Scopri anche la storia vera che ha ispirato 47 Ronin, una delle vicende più leggendarie del Giappone feudale.

Trama di 47 Ronin

Nel dominio del signore Asano (Min Tanaka), viene accolto Kai (Keanu Reeves), mezzosangue allevato dai Tengu e guardato con sospetto dai samurai, in primis dal capo delle guardie Ōishi (Hiroyuki Sanada). L’equilibrio del feudo è minato dalla strega Mizuki (Rinko Kikuchi), al servizio del rivale Kira (Tadanobu Asano), che strega Asano inducendolo ad “attentare” all’ospite: secondo la legge, il signore è costretto al seppuku e i suoi uomini diventano ronin (samurai senza padrone). Mika (Kō Shibasaki), figlia di Asano e promessa a Kai, viene promessa in sposa a Kira per sancire il nuovo potere.

Passa un anno. Ōishi, imprigionato e umiliato, riemerge più determinato: riunisce 47 fedelissimi, inclusi Kai, e orchestra una missione impossibile per liberare Mika e vendicare Asano. Travestimenti, magie, creature del folclore e duelli scandiscono la risalita del gruppo verso il castello di Kira, in una progressione che alterna azione e mito.

Cosa succede nel finale del film

Nel terzo atto, i ronin irrompono nella roccaforte. Kai affronta Mizuki, che manipola la realtà con illusioni serpentiformi: la sconfitta della strega spezza l’incantesimo che sosteneva il potere di Kira. Intanto Ōishi combatte il rivale e lo decapita, compiendo l’atto simbolico della vendetta rituale. Liberata Mika, la compagnia non fugge: si consegna al lo Shōgun (Cary-Hiroyuki Tagawa). Hanno ristabilito la giustizia verso il loro signore, ma hanno violato la legge uccidendo un nobile. Il verdetto è solenne: i 47 potranno morire con onore tramite seppuku; Mika, sopravvissuta, guiderà il lutto del feudo. L’ultimo sguardo tra Kai e Mika suggella un amore che non può realizzarsi nel mondo degli uomini, ma che trova compimento nella scelta sacrificale.

Il sacrificio dei ronin e il senso dell’onore

Il cuore del finale sta nel paradosso etico tipico della leggenda di Akō: la fedeltà al proprio signore (giri) impone la vendetta, ma la legge dello Stato vieta l’omicidio. I ronin accettano entrambe le verità: compiono il dovere personale e assumono la pena, per non scalfire l’ordine pubblico. Concedendo loro il seppuku, lo Shōgun riconosce la purezza dell’intento. È il bushidō nella sua forma più radicale: la reputazione vale più della sopravvivenza, l’azione giusta richiede il prezzo della responsabilità. Per questo la morte dei 47 non è una punizione “contro” i protagonisti, ma l’ultimo gesto coerente con i valori che li definiscono.

La morte di Kai e il valore simbolico dell’amore

Kai è un “liminale”: non del tutto samurai, non del tutto demone; non pienamente accolto nella società degli uomini, ma neppure appartenente al mondo soprannaturale. La sua scelta di morire accanto ai compagni è identitaria prima che romantica: rifiuta l’eccezione che lo separerebbe dagli altri e chiede di essere riconosciuto come uno di loro. L’amore per Mika diventa allora sacramento narrativo: non si realizza nel matrimonio, ma nel consenso a un destino condiviso, che salva l’onore della casata e restituisce dignità al suo popolo. In termini di mito, Kai “riporta il fuoco” alla comunità e poi scompare, come gli eroi che appartengono più alla leggenda che alla cronaca.

Un finale tragico, ma profondamente giapponese

Pur aggiungendo streghe e Tengu, il film resta fedele al senso memoriale della vicenda: i 47 vengono sepolti insieme e venerati come campioni di lealtà. È il motivo per cui la storia dei ronin, nel Giappone reale, è diventata sinonimo di virtù civica: non celebra la vittoria militare (che nel film dura un istante), ma la coerenza morale di chi accetta le conseguenze delle proprie azioni. La versione hollywoodiana amplifica l’epica e la dimensione romantica, ma non svuota il messaggio: l’onore è un atto pubblico e la morte rituale è la forma narrativa con cui quel valore viene consegnato alla memoria collettiva.

In questo senso, il finale di 47 Ronin non è la sconfitta degli eroi, bensì la loro trasfigurazione: l’individuo scompare, resta l’esempio. È qui che mito storico e fantasy si stringono la mano.