L’Uomo d’Acciaio (qui la recensione) di Zack Snyder è forse uno dei film di supereroi più controversi in circolazione. Tutto, dal suo tono cupo alla caratterizzazione del Boy Scout Blu, continua a essere oggetto di dibattito tra i fan ancora oggi. All’epoca della sua uscita, il film avrebbe dovuto rappresentare il ritorno trionfale del suo personaggio principale sul grande schermo. Invece, la scarsa accoglienza della critica (57% di RT) gli ha impedito di raggiungere il suo pieno potenziale.
Ora, tuttavia, un importante difensore del film si è fatto avanti per esprimere la sua opinione: il Generale Zod in persona, Michael Shannon. L’attore ha recentemente ripercorso la sua carriera per Vanity Fair. Uno dei progetti toccati è stato L’Uomo d’Acciaio, dando all’attore l’opportunità di esprimere la sua opinione sul film. In primo luogo, Shannon ha affrontato la questione di Superman che uccide Zod, affermando:
“Oh, cavolo, vorrei solo che la gente non uccidesse nessuno. Punto. Voglio dire, che siano alieni dallo spazio o persone normali. Immagino che una delle controversie di questo film – e Zack [Snyder] ha davvero progettato tutto questo – sia che Superman non dovrebbe uccidere nessuno. Quindi, l’ho messo in una situazione in cui, se vuole salvare queste persone, deve uccidermi, e lo fa. E questo ovviamente ha portato a un sacco di sturm un drang, o come si dice.”
Come ha detto Shannon, uno degli aspetti più discussi e – a volte – decisamente odiati del film è Kal-El che spezza il collo a Zod durante la battaglia finale. Sebbene il messaggio della scena sia chiaro – voler far sentire al pubblico il peso della decisione di Superman – la sua esecuzione è stata imperfetta. Sì, Superman avrebbe dovuto compiere il sacrificio morale supremo per aiutare l’umanità. Tuttavia, avrebbe potuto essere mostrato in un modo che non lasciasse il pubblico frustrato dalle diverse soluzioni possibili per risolvere il conflitto.
Riguardo al film nel suo complesso, Shannon ha dichiarato di aver amato sia lavorare con Zack Snyder sia il processo di realizzazione di quello che sarebbe diventato il primo capitolo del DCEU.
“Ho adorato lavorare con Zack [Snyder] e ho adorato realizzare questo film. Credo che molti dicano: ‘Oh, non è quello che fa di solito. Ha solo cercato la grossa paga’, o qualcosa del genere, ma sono orgoglioso di questo film. Penso che parli davvero di qualcosa.”
Michael Shannon ha presentato un’idea intrigante affermando che L’Uomo d’Acciaio aveva qualcosa da dire. Anche se potrebbe sembrare una critica ad altri cinecomic, potrebbe non essere necessariamente questa la sua intenzione. Potrebbe invece riferirsi alla rilevanza del film. Al giorno d’oggi, i film di supereroi sono una dozzina, quindi c’è una formula che il pubblico si aspetta da loro, e a cui si rifanno anche molti film tratti dai fumetti.
A parte l’opinione di Michael Shannon sul film, è bello sapere che ha ricordi piacevoli e un atteggiamento di apprezzamento per il film. Gli attori che recitano in film di supereroi, in particolare quelli che non hanno ricevuto grandi consensi, a volte possono essere sprezzanti nei confronti del loro lavoro. Per questo motivo, è confortante sentire un attore di un progetto controverso come L’Uomo d’Acciaio ripensare al film con affetto e trovare aspetti da apprezzare.
Anche se è stata avvistata sul set, non sappiamo ancora chi interpreterà Sadie Sink in Spider-Man: Brand New Day. Con così tanto intrigo ed entusiasmo che circondano il suo personaggio, è difficile sfuggire alla sensazione che ci stiamo preparando tutti a una delusione.
Indipendentemente dal fatto che Sadie Sink interpreti un’aggiunta importante all’MCU, un eroe o un cattivo di nuova creazione, o forse un amalgama di più personaggi dei fumetti, la star di Stranger Things non rivela nulla. Apparendo alla première mondiale dell’ultima stagione della serie Netflix, a Sink è stato chiesto di descrivere il suo personaggio in una parola: “Pensavo che questa fosse la première di Stranger Things. Non ero preparata”, ha risposto l’attrice chiaramente agitata. Spinta a rispondere, Sink ha risposto: “No. No. Ho abbastanza segreti [Ride].”
Sebbene sembrasse che avessimo risolto il caso e scoperto che Sadie Sink avrebbe interpretato Rachel Cole-Alves, recenti indiscrezioni hanno indicato il suo personaggio come la malvagia Shathra, una nemica del Multiversale. Non sembra molto realistico, ma potrebbe ben anticipare il ruolo di Spider-Man in Avengers: Doomsday e/o Avengers: Secret Wars.
Chi potrebbe interpretare Sadie Sink in Spider-Man: Brand New Day
Nei fumetti, Shathra è una Dea-Vespa e una predatrice totemica proveniente da Loomworld, Terra-001, concepita da Oshtur e Gea. Originariamente incaricata di tessere il “Grande Nido”, il suo lavoro fu rifiutato in favore della “Grande Tela” di sua sorella Neith, che divenne la Rete della Vita e del Destino.
Infuriata e corrotta dalla gelosia, Shathra si trasformò in una mostruosa divinità-vespa e giurò di sostituire la Tela con una da lei creata. Tutto questo è stato aggiunto alla storia del personaggio da Dan Slott, ma la versione originale introdotta da J. Michael Straczynski e John Romita Jr. era un po’ più realistica (e sarebbe più adatta a Spider-Man: Brand New Day).
Una cosa che sappiamo è che Sink avrà i suoi caratteristici capelli rossi nel film, cosa che non farà che alimentare ulteriormente le teorie su Jean Grey, Mary Jane Watson e Mayday Parker.
Potete guardare l’intervista completa con Sink che parla di Spider-Man: Brand New Day nel player qui sotto.
Per la maggior parte, I Fantastici Quattro: Gli Inizi (qui la nostra recensione) è separato dal resto dell’MCU, fino alla scena post-crediti. Come molte scene post-crediti dell’MCU, ha suscitato un certo entusiasmo in molti fan, ma se ci pensate bene, alla fine la scena non ha raggiunto l’obiettivo che avrebbe dovuto raggiungere.
I Fantastici Quattro: Gli Inizi si svolge in un universo diverso dalla maggior parte dei progetti MCU, il che significa che non era collegato a nient’altro. Tuttavia, la scena post-crediti ha segnato l’arrivo dell’attesissimo Doctor Doom, che sarà il principale antagonista in Avengers: Doomsday. Tuttavia, poiché non hanno fatto una cosa specifica, questa scena non mi ha convinto.
Non mostrare Doctor Doom è stato un errore
Il momento clou della scena post-crediti di I Fantastici Quattro: Gli Inizi mostra il giovane Franklin avvicinato da un uomo con un cappuccio verde e una maschera di metallo in mano. Si tratta chiaramente di Doctor Doom, che sarà l’antagonista nel film Avengers: Doomsday in uscita il prossimo anno. A prima vista, si tratta di un’anteprima entusiasmante per quel film.
Tuttavia, la decisione di non mostrare Doom ha reso questa scena piuttosto vuota. Tutti sanno che il Dottor Destino è interpretato da Robert Downey Jr., quindi non c’è un senso di mistero che circonda il personaggio. Una semplice inquadratura di Doom che si gira e ci mostra per la prima volta RDJ nel ruolo sarebbe stata perfetta.
Non mostrare Doom indebolisce la scena e fa sembrare che sia stata aggiunta in un momento in cui RDJ non era disponibile o sul set, anche se in realtà lo era. Ciò è particolarmente frustrante poiché sappiamo che molte di queste scene post-crediti sono girate in un momento diverso rispetto al film vero e proprio.
Infatti, la scena post-crediti di Thunderbolts* è stata girata sul set di Avengers: Doomsday. Avrebbero potuto fare la stessa cosa con Downey per I Fantastici Quattro: Gli Inizi, e non avendolo fatto, la scena perde molto del suo fascino. Anche se sono ancora entusiasta di Avengers: Doomsday, questo avrebbe potuto aggiungere molto al film.
La struttura confusa di Avengers: Doomsday non ha aiutato
Uno dei motivi principali per cui la scena post-crediti di I Fantastici Quattro: Gli Inizi non ha funzionato è la struttura complessivamente confusa di Avengers: Doomsday. Una cosa per cui l’MCU è stato spesso elogiato è il modo in cui ha costruito tutto nel corso degli anni, in particolare in vista dei progetti Avengers.
Tutto ciò che ha portato a The Avengers del 2012 ha preparato il terreno, dalle motivazioni di Loki al modo in cui ci sono stati presentati gli eroi. Ha anche preparato la motivazione di Tony per la creazione di Ultron in Avengers: Age of Ultron. Naturalmente, ci sono stati anche diversi teaser e apparizioni di Thanos prima di Avengers: Infinity War e Avengers: Endgame.
Anche se non avevamo bisogno di una serie di anticipazioni su Doctor Doom prima di Avengers: Doomsday, la preparazione al film è stata incoerente. Per cominciare, tutti sanno che Kang era il piano iniziale per i film, ma la controversia che ha circondato Jonathan Majors e il debutto cinematografico poco brillante del personaggio hanno cambiato le cose, rendendo quelle apparizioni piuttosto discutibili.
C’è anche il problema di chi apparirà in Avengers: Doomsday. Personaggi come Shang-Chi sono in lista, ma lui è apparso solo in un progetto cinque anni fa. Questo rende difficile per il pubblico e per me stesso collegarci e interessarci alla cosa. Inoltre, non si è quasi mai fatto riferimento ai classici personaggi degli X-Men che sono in Avengers: Doomsday.
Serie TV e film come Moon Knight, Eternals e Shang-Chi: The Legend of the Ten Rings sono solo alcuni di quelli che sembrano non avere alcuna attinenza con Avengers: Doomsday. In realtà, Thunderbolts* e I Fantastici Quattro: Gli Inizisono i primi film che sembrano preparare il terreno per Avengers: Doomsday.
Dato che questi due film sono usciti solo un anno prima di Avengers: Doomsday, sembra che le cose siano state un po’ affrettate. Il fatto di non vedere Doctor Doom non fa che aumentare questa sensazione. Vederlo avrebbe reso la scena post-crediti ancora più emozionante e mi avrebbe fatto desiderare ancora di più Avengers: Doomsday.
Avengers: Doomsday potrebbe ancora essere ciò che serve all’MCU
Non è un segreto che la qualità dell’MCU abbia avuto alti e bassi dall’uscita di Avengers: Endgame. Se ne parla anche in Deadpool & Wolverine, dove si nota che Deadpool entra a far parte dell’MCU come un “punto debole”. Nonostante i problemi e la costruzione poco brillante, Avengers: Doomsday potrebbe raddrizzare la situazione.
Nonostante tutti i problemi che il franchise sta attraversando, l’MCU non ha sbagliato con i suoi film degli Avengers. Considerando la sua storia di successi, il ritorno di Robert Downey Jr. e il cast coinvolto, è molto probabile che Avengers: Doomsday sarà fantastico. Potrebbe essere proprio ciò di cui l’MCU ha bisogno.
Se questo film sarà all’altezza delle aspettative di molti di noi, allora il franchise che sembra lasciare in sospeso molte questioni, come tutto ciò che riguarda Eternals, l’apparizione di Hercules, il figlio di Hulk e altro, sarà probabilmente dimenticato e perdonato. Giocare sulla nostalgia ha avuto successo per molti franchise e l’MCU può puntare su questo con Avengers: Doomsday.
Avengers: Doomsday, se sarà un grande film, potrà dare il tono a Avengers: Secret Wars, entusiasmare nuovamente il pubblico e forse segnare una svolta per l’MCU, riportandolo sulla strada giusta. Ci farà anche dimenticare la delusione provata dalla scena post-crediti diThe Fantastic Four: First Steps.
Pur restando un’avventura autonoma, l’opera si distingue per la sua estetica retro-futuristica, la rappresentazione della gravidanza di Sue e l’introduzione di antagonisti cosmici come Galactus e Silver Surfer, interpretati da Ralph Ineson e Julia Garner. La narrazione punta molto sui legami familiari, l’identità e il sacrificio, evitando il percorso canonico delle origini e proponendo invece una squadra già formata, pronta a confrontarsi con una minaccia intergalattica senza affiliazioni dirette ai Vendicatori.
Il film, però, getta le basi per Avengers: Doomsday, che vedremo al cinema a dicembre 2026, presentando dunque diversi elementi molto importanti. Dopo aver visto in anteprima il film e aver già approfondito le sue due scene post-credits (qui la descrizione e le teorie sul futuro che impostano), andiamo ora a proporre una spiegazione del finale del film, cercando di cogliere alcuni dettagli che potranno rivelarsi in futuro, ma anche quei dettagli che il film “mette in pausa” in attesa di poterli riprendere al momento giusto.
Galactus in I Fantastici Quattro: Gli Inizi
La spiegazione del piano di Reed Richards in I Fantastici Quattro: Gli Inizi
Il film, dunque, si basa sulla gigantesca minaccia di Galactus, il quale intende divorare la terra. L’unico modo per fermarlo sarebbe quella di consegnarli Franklin Richards, il figlio di Reed e Sue. Galactus riconosce infatti nel bambino un potere straordinario, che potrebbe liberarlo dalla sua maledizione, facendolo a suo modo diventare il suo erede. Naturalmente i Fantastici Quattro si oppongono alla cosa, ma non hanno idea di come fermare la furia di Galactus. L’idea arriva quando Sue pronuncia alcune parole che il padre era solito dirle: “sposterei il cielo e la terra per te”.
Reed elabora così il piano di teletrasportare l’intero pianeta Terra altrove nell’universo, allontanandosi così dalla minaccia del Divoratore di Mondi. Già in precedenza nel film lo si era visto intento in esperimenti sul teletrasporto, in quel caso di un uovo. Per riuscire in un’impresa così colossale, vengono allora fatti costruire dispositivi appositi in tutto il mondo, cosa che sembra dar luogo ad una vera e propria alleanza mondiale. Sfortunatamente il piano viene mandato in frantumi da Silver Surfer, araldo di Galactus, che distrugge le postazioni costruite eccetto quella di New York, venendo fermata per tempo da Johnny Storm.
A questo punto, ai Fantastici Quattro non resta che tentare l’inverso, ovvero teletrasportare Galactus altrove nell’universo. Per farlo, lo attirano all’interno del raggio di azione della postazione ancora funzionante utilizzando Franklin come esca, salvo portarlo all’ultimo in salvo lontano dal villain. Il gigante, sceso dalla sua astronave per reclamare il bambino, sembra inizialmente non cadere nella trappola e individua il luogo in cui è stato spostato Franklin. Riesce così effettivamente a prenderlo con sé, ma è a quel punto che interviene Sue Storm, che con il suo potere dei campi di forza riesce a spingere Galactus verso il buco aperto dal teletrasporto.
Vanessa Kirby è Sue Storm in I Fantastici Quattro: Gli Inizi
L’intervento di Silver Surfer
Così, mentre Galactus viene spinto verso questo portale, Franklin viene tratto in salvo. Ma il gigante è troppo forte e Sue troppo esausta per allontanarlo per sempre. Johnny Storm sembra pronto a sacrificarsi per la causa, ma all’ultimo viene allontanato da Silver Surfer, la quale si ribella a Galactus, colpendolo con la propria tavola da surf e facendolo così finire del tutto dentro il portale, finendovi però a sua volta. A quel punto questo squarcio nello spazio viene chiuso e la minaccia del Divoratore dei Mondi è sconfitta. Ciò permette dunque a Silver Surfer di riscattarsi a suo modo dal tanto male fatto in nome del suo padrone.
Come ci mostrano alcuni flashback, prima di essere Silver Surfer lei era nota come Shalla-Bal, una scienziata sul suo pianeta. Pur di salvarlo dalla fame di Galactus, ha dunque accettato di diventare suo araldo. È lei ad individuare i pianeti che Galactus poi mangerà. Il suo punto di rottura avviene però quando Johnny Storm la costringe a sentire le urla disperate degli abitanti dei pianeti distrutti, scatenando il senso di colpa di lei, che sul momento fugge. Torna però dunque nel finale, aiutando i Fantastici Quattro ad allontanare Galactus dal loro pianeta.
Ma dove finiscono Silver Surfer e Galactus?
La risposta a questa domanda rimane per adesso un mistero. Di certo, né Silver Surfer né Galactus sono morti. Sono semplicemente stati teletrasportati in un altro punto dell’universo, ma non è chiaro se questo sia casuale o stabilito da Reed Richards. Sappiamo però che sono entrambi ancora vivi e questo stratagemma permette ai Marvel Studios di poterli far tornare in futuro. D’altronde, Galactus è un nemico troppo potente per esaurirlo con un solo film e Silver Surfer un personaggio molto complesso, che merita di essere esplorato ancora. Di certo, Galactus è però primo della sua astronave, il che potrebbe rappresentare un problema per lui.
Come si nutrirà? Per quanto tempo può resistere alla sua fame? Per il momento anche queste sono domande senza risposta. Va però sottolineato che è stato stabilito che esiste un solo Galactus per tutte le realtà facenti parte del Marvel Cinematic Universe. Dunque il modo in cui viene allontanato da Terra-828 potrebbe anche essere il modo in cui finisce nella realtà di Terra-616, ovvero quella in cui vivono gli Avengers che abbiamo sino ad oggi conosciuto. Potremmo dunque ritrovare lì il villain, desideroso più che mai di vendetta. Un suo ritorno, come anche quello di Silver Surfer, è da considerare più che una semplice probabilità.
Julia Garner è Silver Surfer in I Fantastici Quattro: Gli Inizi
Franklin Richard riporta in vita Sue Storm
Tornando ai Fantastici Quattro, l’enorme sforzo con cui Sue Storm allontana Galactus le costa la vita. La Donna Invisibile è effettivamente morta nel finale del film, con gli altri suoi tre compagni di squadra che già soffrono per averla persa. È però in quel momento che il piccolo Franklin, vedendo la madre priva di vita, scoppia a piangere, salvo poi smettere quando una volta poggiato su di lei. Con il tocco delle sue mani, dalle quali evidentemente scaturisce un potere inconcepibilmente forte, riesce infatti a riportare in vita Sue Storm, la quale come prima cosa affermerà “lui non è come noi, è molto di più”.
Abbiamo scritto di Franklin Richards, dei suoi poteri e del suo ruolo nell’universo Marvel in questo approfondimento, per cui in questa sede basta dire che I Fantastici Quattro: Gli Inizi imposta il figlio di Reed e Sue come un personaggio estremamente importante per i prossimi capitoli di questa Saga del Multiverso. Sembra infatti che in funzione di lui si baseranno gli eventi di Avengers: Doomsdaye Avengers: Secret Wars. Cosa che ci viene confermata anche dalla scena mid-credits del film. Per il momento, però, le reali capacità di questo personaggio restano inesplorate, lasciando questa scoperta al futuro.
Il significato del film I Fantastici Quattro: Gli Inizi
Al di là di questi esiti e delle possibili linee narrative che impostano, I Fantastici Quattro: Gli Inizi è valido anche come film a sé stante. Si concentra dunque sul parlare di famiglia, ma ancor di più, il film ci mostra quattro supereroi fragili, in particolare Reed Richards, che vivono con il senso di colpa per ciò che non hanno potuto evitare e la paura per un futuro che non riescono a prevedere. Davanti a questi timori così umani – e così contemporanei – i quattro protagonisti trovano la capacità di reagire unendo le proprie forze. Ma la cosa non si limita solo a loro, in quanto l’intero mondo si unisce nel tentativo di sconfiggere la minaccia di Galactus.
Una minaccia che può essere interpretata come gli odierni pericoli che minacciano il nostro pianeta, dal cambiamento climatico (e c’è a riguardo un non sottile invito a risparmiare l’energia) fino agli spiriti bellicosi che oggigiorno devastano interi luoghi proprio come Galactus fa con New York. In questo I Fantastici Quattro: Gli Inizi si dimostra dunque un film molto attuale e contemporaneo, dove il popolo pretende la salvezza da precisi eroi senza preoccuparsi di come potrebbe a sua volta dare aiuto. Nel contrastare infine tutti insieme il Divoratore di Mondi, ci si apre invece ad una speranza per il futuro che dovrebbe ispirare tutti gli spettatori.
Meryl Streep e Sigourney Weaver hanno appena firmato per recitare in un nuovo thriller intitolato Useful Idiots, diretto dal regista di una serie fantascientifica per Apple TV. Hanno vinto numerosi premi, tra cui tre Oscar per la Streep (“Kramer contro Kramer”, “La scelta di Sophie” e “The Iron Lady”) e due Golden Globe per la Weaver (“Gorilla nella nebbia” e “Una donna in carriera”).
Non avevano mai recitato insieme in un progetto prima, nonostante siano due degli attori più iconici dell’industria dell’intrattenimento. Ma tutto sta per cambiare, ora che Streep e Weaver sono state scritturate per Useful Idiots, secondo Deadline.
Il regista, Joseph Cedar, ha diretto film come Time of Favor e Campfire. Ha anche ottenuto nomination all’Oscar per Beaufort e Footnote. Sul piccolo schermo, ha diretto Our Boys della HBO e la serie fantascientifica Constellation per Apple TV. Cedar e Shachar Bar-On hanno scritto la sceneggiatura insieme; Bar-On è attualmente produttore di 60 Minutes.
Zhang Xin, Jonathan King, Bruce Cohen e William Horberg sono i produttori, mentre Graham Taylor, Christopher Slager e Dan Guando lavorano dietro le quinte come produttori esecutivi.
È attualmente in corso la ricerca di uno studio cinematografico per distribuire Useful Idiotsnelle sale, ma le case di produzione coinvolte nel progetto sono Fifth Season e Black Bear.
In Useful Idiots, Meryl Streep interpreterà una giornalista di nome Diane Castle, la cui competenza include immobili di lusso a New York. Inizia a sentirsi frustrata dal dover scrivere costantemente di ricchi. Tuttavia, tutto cambia quando inizia a indagare sul nuovo acquirente di un attico che ha pagato una cifra record. Lungo il cammino, svela misteri e scopre segreti sconvolgenti che coinvolgono la corruzione. Continuando a scavare in questa storia, Diane e la sua famiglia finiscono nel mirino. I dettagli sul personaggio di Sigourney Weaver non sono stati rivelati. Ma considerando il suo ruolo da star nel film, è possibile che interpreti la proprietaria dell’attico al centro delle indagini di Diane.
Sebbene Streep e Weaver non abbiano mai lavorato insieme prima, entrambe hanno alle spalle carriere di tutto rispetto nell’industria dello spettacolo.
Jack Reacher: Punto di non ritorno non è stato esattamente il film più fedele al libro, con un numero piuttosto elevato di elementi che differivano completamente dal materiale originale. Seguito di Jack Reacher del 2012, Jack Reacher: Punto di non ritornoè l’adattamento di un altro romanzo della serie acclamata dalla critica di Lee Child, intitolato semplicemente Never Go Back.Jack Reacher: Punto di non ritorno non è stato un successo, né dal punto di vista commerciale né da quello artistico, e gran parte del suo insuccesso potrebbe essere dovuto alle numerose deviazioni rispetto al materiale originale.
Jack Reacher: Punto di non ritornoaveva una trama piuttosto complicata da adattare, cosa che diventa chiara quando si confrontano le narrazioni del libro e del film. Non solo, ma il film ha curiosamente deciso di stravolgere completamente l’ordine dei personaggi della serie Jack Reacher, alterandone pesantemente alcuni e rimuovendone altri del tutto. Il film ha anche aggiunto elementi originali alla storia, complicando ulteriormente le cose. Alla fine dei conti, il film distribuito dal regista Edward Zwick potrebbe anche essere una storia completamente diversa, che condivide solo il nome del libro di Child.
La descrizione di Jack Reacher differisce da quella di Cruise
La differenza più stridente nell’adattamento cinematografico di entrambi i film
Uno dei cambiamenti più evidenti e sorprendenti dai romanzi di Jack Reacher agli adattamenti cinematografici con Tom Cruise è la scelta dello stesso Cruise per il ruolo. I libri chiariscono che Jack Reacher è un uomo gigantesco, alto 1,95 m e pesante 113 kg, un muro di muscoli senza sottigliezze. Tom Cruise, invece, è notoriamente basso, alto 1,70 m, con un aspetto affascinante che non è attribuito al personaggio originale di Lee Child. Cruise interpreta Reacher in modo più soave, simile a Bond, che stride con la personalità del personaggio del libro.
Ma le dimensioni e il comportamento di Reacher sono ancora una differenza stridente rispetto al libro nel secondo film.
Per correggere questo aspetto, la serie TV Reacher, molto apprezzata, ha scelto Alan Ritchson per interpretare Jack Reacher, una rappresentazione molto più fedele al libro grazie al fisico massiccio e muscoloso di Ritchson, alto 1,90 m. Detto questo, i film di Tom Cruise hanno azzeccato alcune cose su Reacher, come dimostra la partecipazione cameo dello stesso autore della serie Lee Childs nel ruolo di una guardia di sicurezza che fa passare la versione di Cruise, dando meta-contestualmente la sua benedizione alla rappresentazione. Tuttavia, la statura e il comportamento di Reacher continuano a differire in modo stridente dal personaggio del libro nel secondo film.
La trama sulla paternità si risolve in modo diverso
Come se la storia di spionaggio, false accuse e pericolose operazioni di contrabbando non bastasse, Jack Reacher: Punto di non ritorno affronta anche una trama commovente che ruota attorno a Samantha, un’adolescente che sostiene di essere la figlia perduta di Reacher. Sia nel libro che nel film, Reacher viene colpito dalle sue affermazioni di parentela all’inizio della storia, ma il film dà molta più importanza a questo aspetto della narrazione. Nel romanzo, Samantha è una sottotrama distante che fa da cornice all’azione crescente della storia principale, più pericolosa.
Il film lega entrambe le trame in modo molto più stretto, coinvolgendo Samantha nel caos della vita di Reacher e dando molta più importanza alla questione se Reacher sia davvero suo padre. La scena del libro che risponde a questa domanda è molto più informale, con Reacher che semplicemente scopre un certificato di nascita falso che smentisce la falsa affermazione di parentela. Nel film, invece, Reacher si prende il tempo di incontrare Sam, che crede sinceramente che Reacher possa essere suo padre.
Jack conosce meglio il maggiore Turner
Il comandante militare ha una storia più lunga con Reacher nel film
Un altro personaggio oltre a Reacher stesso che è stato adattato dal romanzo in Jack Reacher: Punto di non ritorno è la determinata maggiore Susan Turner. Comandante della 110ª Unità investigativa speciale della polizia militare, Turner è una delle poche alleate di Reacher in entrambe le versioni della storia, i due si aiutano a vicenda a discolparsi poiché entrambi sono stati falsamente accusati di crimini che non hanno commesso. Nel libro, gli eventi di Never Go Back sono la prima volta che Reacher incontra canonicamente il maggiore Turner, collaborando con lei solo per il tempo necessario.
Questo è in netto contrasto con il film, in cui si scopre che Reacher e il maggiore Turner hanno una lunga storia alle spalle. La versione cinematografica di Turner, interpretata da Cobie Smulders di How I Met Your Mother, ha lavorato con Reacher per un po’ di tempo, coordinando a distanza lo smantellamento di un giro di traffico di esseri umani con Reacher nella scena iniziale. I due continuano a lavorare a stretto contatto durante gli eventi della storia e promettono persino di tenersi in contatto una volta che la situazione si sarà stabilizzata.
Reacher è meno solitario
Il Reacher di Tom Cruise è molto più amichevole
Non sono solo i dettagli della trama ad essere stati modificati in Jack Reacher: Never Go Back nell’adattamento della storia originale di Lee Child. Anche il tono della storia è stato fortemente influenzato dal passaggio al grande schermo, grazie in gran parte al cambiamento di atteggiamento di Reacher, interpretato da Tom Cruise. Nei libri, Reacher è famoso per essere un lupo solitario, che in molti casi rifiuta l’aiuto degli altri e preferisce combattere le sue battaglie da vagabondo, passando da un caso all’altro.
Questo è in netto contrasto con l’atteggiamento solitario di Reacher nei romanzi originali, che trova la sua massima espressione nel modo in cui entrambe le versioni della storia finiscono.
Nel frattempo, in Jack Reacher: Punto di non ritorno Reacher chiede tutto l’aiuto possibile, formando una squadra affiatata con il maggiore Turner, il capitano Espin (che nel libro è solo un sottufficiale) e un gruppo di ufficiali della polizia militare. Questo è in netto contrasto con l’atteggiamento solitario di Reacher nei romanzi originali, che trova la sua massima espressione nel modo in cui entrambe le versioni della storia finiscono. Mentre nel libro Reacher getta via il cellulare e si mette in viaggio da solo, il film finisce con lui che manda un messaggio a Samantha con un sorriso sul volto.
La scena iniziale è completamente nuova
Il film non è riuscito a tradurre la tensione dell’inizio del libro
Le migliori scene iniziali dei film caratterizzano immediatamente la posizione del protagonista all’inizio della storia o rivelano qualcosa della sua personalità, e la Jack Reacher duologia ha fatto del suo meglio per fare entrambe le cose.Jack Reacher: Punto di non ritornosi apre con l’eroe titolare che conduce una serie di arresti insieme alla 110ª Polizia Militare CID dell’esercito statunitense, arrestando uno sceriffo dell’Oklahoma per aver gestito un giro di traffico di esseri umani dal suo distretto. Mentre lo faceva, apparentemente si coordinava con il maggiore Turner, anche se Turner si è rapidamente indisponibilizzato poco dopo.
Al contrario, il libro si apre con Jack Reacher che viene affrontato da due militari che lo riconoscono fuori da un motel fatiscente a Washington, D.C. I due rimproverano Reacher per aver disonorato la loro unità prima di attaccarlo, venendo brutalmente picchiati dal potente Reacher in una rissa 2 contro 1. La netta differenza tra queste due scene sottolinea quanto siano diversi tra loro il libro e il film Reacher. Mentre nel film Reacher collabora con le autorità per arrestare i cattivi, nel libro Reacher si difende solennemente dai suoi compagni veterani.
Il cacciatore è una creazione del film
Il film ha faticato a trovare un cattivo unico
Jack Reacher non ha carenza di nemici intimidatori in nessuno dei suoi romanzi, ma il film ha faticato a trovare un unico cattivo contro cui far combattere il personaggio. Nel romanzo di Child, Reacher combatte criminali, misteriosi aggressori e persino i suoi commilitoni, ma non incontra mai un singolo avversario pericoloso che sia alla sua altezza. Nel tentativo di dargliene uno, Jack Reacher: Punto di non ritorno inventa il personaggio noto come “The Hunter”, un famigerato mercenario che orchestra l’incastramento di Reacher.
La creazione di un unico misterioso personaggio ex membro delle forze speciali per dare al protagonista un supercattivo con cui il pubblico possa identificarsi non è una caratteristica esclusiva di Jack Reacher: Punto di non ritorno.Un altro adattamento di un thriller di spionaggio American Assassins discostò dal libro in modo simile l’anno successivo, inventando l’agente noto come “Ghost” per combattere contro Mitch. Sembra che Hollywood sia a disagio nell’adattare romanzi d’azione senza creare un antagonista che sia fisicamente all’altezza dell’eroe, dando loro un volto riconoscibile con cui combattere nella resa dei conti finale.
Gli incontri di Reacher con lo spacciatore non sono inclusi nel film
Ci sono antagonisti minori che esistono in Punto di non ritorno ma che non sono presenti nell’adattamento cinematografico, ovvero i parenti dello spacciatore Claughton. Durante la sua fuga, Reacher ruba l’auto dello spacciatore di metanfetamine morto, spingendo la famiglia del defunto criminale a dargli la caccia. I parenti di Claughton hanno un confronto teso con Reacher fuori dal motel dove alloggiano lui e Turner, ma il terrificante vagabondo riesce a farli allontanare con la sola forza della sua presenza.
Non solo, ma Reacher li mette ulteriormente in imbarazzo rubando un altro veicolo, questa volta un camion.
Claughton e la sua famiglia non sono presenti nell’adattamento cinematografico, ed è facile capire perché. Certo, la vignetta di Reacher che spaventa i criminali incalliti è per lo più solo un riempitivo, esistente per dare al personaggio un’altra scena nel libro in cui si possa percepire la sua aura intimidatoria. Tra tutti i cambiamenti che Jack Reacher: Never Go Back apporta al materiale originale, è facile vedere l’ammissione di questo ritmo come uno dei più sensati, essendo più adatto alla durata estesa della serie TV Reacher.
L’operazione di contrabbando è completamente diversa
Dai protagonisti principali a ciò che viene contrabbandato, il film differisce notevolmente dal libro
Per quanto riguarda la trama, il cambiamento più significativo da Punto di non ritorno al suo adattamento cinematografico è la natura stessa del complotto di contrabbando che Reacher e Turner sventano. Nel libro, l’operazione è gestita dai capi di stato maggiore di Fort Bragg, Crew Scully e Gabriel Montague, che collaborano con un misterioso anziano afgano di nome Emal Zadran per contrabbandare oppio negli Stati Uniti. Reacher e Turner rintracciano i due in un nightclub fuori Washington, D.C., ma entrambi preferiscono suicidarsi piuttosto che essere catturati.
Il climax del film è molto più spettacolare, con una violenta lotta con The Hunter e i suoi uomini.
Il finale di Jack Reacher: Punto di non ritorno combina invece entrambi i cospiratori nel generale James Harkness, che contrabbanda nel paese pericolose armi anticarro insieme all’oppio. Il climax del film è molto più spettacolare, con una violenta lotta con The Hunter e i suoi uomini. Potrebbero essere stati cambiamenti poco sottili come questo a contribuire al fatto che Jack Reacher: Punto di non ritorno abbia causato la fine della serie di film Jack Reacher prima ancora che iniziasse veramente.
Uscito nel 2015 e ora suNetflix e diretto da David M. Rosenthal, The Perfect Guy è un thriller psicologico che unisce il fascino del dramma sentimentale con la tensione del cinema stalker anni ’90. Con protagonisti Sanaa Lathan, Michael Ealy e Morris Chestnut, il film esplora le conseguenze di una relazione tossica e della perdita di controllo, offrendo un racconto ad alta tensione sulle paure più intime legate alla fiducia, alla sicurezza e all’identità. Dietro l’apparente formula del thriller romantico, The Perfect Guy costruisce una riflessione sottile sul tema della violenza maschile e del diritto alla difesa personale, fino a un finale che ribalta i ruoli di vittima e carnefice.
Cosa succede in The Perfect Guy
La protagonista Leah Vaughn (Sanaa Lathan) è una lobbista di successo che sogna di costruire una famiglia con il suo compagno Dave King (Morris Chestnut). Quando lui rifiuta di impegnarsi, la relazione finisce e Leah, sola e vulnerabile, incontra Carter Duncan (Michael Ealy), un uomo affascinante e apparentemente perfetto. Carter conquista rapidamente la fiducia di Leah, dei suoi amici e persino dei suoi genitori, mostrando un lato premuroso e protettivo. Ma dopo un viaggio insieme, un episodio di violenza improvvisa — l’aggressione di uno sconosciuto a una stazione di servizio — rivela la vera natura dell’uomo: possessiva, esplosiva, ossessiva.
Leah decide di lasciarlo, ma Carter non accetta la separazione. Inizia così un incubo fatto di pedinamenti, intrusioni, telefonate e messaggi intimidatori. Carter si introduce nella sua casa, ruba il suo gatto, manipola i suoi file, e quando Leah tenta di reagire, la sua vita viene progressivamente distrutta: perde il lavoro, la reputazione e, infine, il nuovo compagno Dave, ucciso in un apparente incidente che si rivelerà un omicidio orchestrato dallo stesso Carter. A questo punto, Leah si trova sola e terrorizzata, senza prove concrete per incastrarlo, mentre l’uomo continua a cambiare identità e a perseguitarla da lontano.
Spiegazione del finale di The Perfect Guy
Nel finale, Leah decide di non essere più la vittima. Seguendo il consiglio del detective Hansen, acquista un fucile Remington con proiettili a sacchetto di sabbia (“bean bag rounds”) e colpi letali. Quando scopre che Carter, ormai sotto una nuova identità, sta iniziando una nuova relazione, Leah affronta la donna per metterla in guardia e, contemporaneamente, distrugge il covo dell’uomo, dove scopre telecamere e computer con cui la spiava. È un gesto simbolico: Leah smette di essere osservata e riprende il controllo della propria narrazione.
La notte seguente, Carter (o meglio, Robert Adams, la sua vera identità) irrompe in casa di Leah per vendicarsi. Ma la donna lo attira in una trappola. Dopo una violenta colluttazione, Leah recupera il fucile e, come previsto, gli spara due colpi non letali per creare una giustificazione legale all’autodifesa. Quando l’uomo – convinto che non abbia il coraggio di uccidere – la attacca di nuovo, Leah lo colpisce con un proiettile reale, uccidendolo all’istante.
Il gesto finale di Leah non è soltanto un atto di sopravvivenza: è la conclusione del suo arco di trasformazione. Da donna controllata e perseguitata, diventa agente della propria liberazione. L’inganno sulla natura dei proiettili riflette la strategia e la lucidità ritrovate, ma anche l’ambiguità morale che il film suggerisce: per liberarsi dal male, Leah deve spingersi oltre i limiti della legge e della sua stessa coscienza.
Il film si chiude con la polizia che porta via il corpo di Carter e Leah che, pur scossa, ritrova la pace. Non è un lieto fine classico: The Perfect Guy lascia aperta una domanda scomoda – quanto siamo disposti a cambiare per sopravvivere alla violenza? -, trasformando il suo finale in una catarsi tanto emotiva quanto inquietante.
Predator: Badlands consolida alcuni importanti legami tra il franchise e la serie Alien. Poiché sia Alien che Predator erano proprietà della 20th Century, sono stati entrambi acquisiti dalla Disney durante l’acquisizione di tale studio nel 2019. Di conseguenza, hanno una nuova opportunità per realizzare un nuovo Alien vs. Predator e hanno già gettato le basi per questo scontro.
Sebbene in Predator: Badlands non ci siano Xenomorfi, il film trova molte opportunità per mettere uno Yautja contro una delle forze antagoniste più longeve di Alien. Ecco come Predator: Badlands getta le basi per futuri scontri tra le due proprietà fantascientifiche, posizionando al contempo un personaggio oscuro del primo Alien come minaccia generale per entrambi.
Predator: Badlands prepara una guerra Yautja con Weyland-Yutani
Una delle dinamiche centrali di Predator: Badlands è il conflitto che si sviluppa tra Dek e i soldati della Weyland-Yutani. Guidato da Tessa e Thia, il team della Weyland-Yutani inviato a Genna sta cercando specificamente di catturare altri esemplari per la sperimentazione e il potenziale sviluppo medico. Ciò è in linea con i loro sforzi per raccogliere Xenomorfi per la sperimentazione, come si vede in Aliens e Alien: Romulus.
Sia la Weyland-Yutani che Dek si ritrovano a cercare la stessa creatura, dando a Dek un motivo in più per affrontarli. C’è una minaccia sottintesa rappresentata dalla Weyland-Yutani, che nella seconda metà del film diventa un antagonista più esplicito, in netto contrasto con l’etica a cui aderiscono i cacciatori Yautja come Dek.
Thia e Tessa sono alla ricerca di creature da usare come “strumenti”, in modo simile a come Dek inizialmente vede Thia solo come uno strumento per la propria sopravvivenza. Entrambi cercano di affrontare e alla fine distruggere i Kalisk per i propri scopi. È un parallelo interessante tra i due franchise, la filosofia schietta dei cacciatori Yautja contrapposta alla calcolatrice società Weyland-Yutani.
Si suggerisce che la società abbia già incontrato gli Yatuja in passato, il che spiega la loro diffidenza nei confronti di Tessa che li affronta e l’entusiasmo della società nell’ottenere la tecnologia dei Predator. L’idea che la Weyland-Yutani abbia incontrato gli Yautja abbastanza spesso da avere dei file su di loro apre ogni sorta di possibilità narrative, che si tratti di incontri precedenti o di conflitti futuri tra le due culture.
Il grande climax del film vede Dek uccidere una orde di sintetici della Weyland-Yutani, dando potenzialmente alla società un motivo in più per interessarsi al potenziale di quella specie aliena. Questo potrebbe portare a ulteriori tentativi di catturarli per sperimentazione. È un modo intelligente per presentare la Weyland-Yutani come un naturale contrasto e nemico degli Yautja.
La ricerca dell’immortalità umana è presente in Predator: Badlands e Alien: Earth
In Predator: Badlands, la Weyland-Yutani dimostra di conoscere molto bene il potenziale pericolo rappresentato dagli Yautja. Questo potrebbe rappresentare un interessante filo conduttore tra il nuovo film e gli obiettivi delle aziende terrestri come la Weyland-Yutani in serie come Alien: Earth.
In particolare, questo si riflette nel modo in cui i rappresentanti della Weyland-Yutani in Alien: Earth non stavano solo recuperando uno Xenomorfo, ma anche molte altre forme di vita aliene, tutte apparentemente alla ricerca di nuovi segreti biologici da svelare. Le pericolose creature di Genna non sono troppo dissimili dagli alieni incontrati in Alien: Earth, sottolineando ulteriormente la natura pericolosa di questo universo.
Questo conferisce al film un legame tematico con la serie FX, che mette in evidenza come diverse aziende siano impegnate nel tentativo di svelare la nuova immortalità umana. L’idea che le principali aziende di questo universo siano alla ricerca dell’immortalità spiega anche perché la Weyland-Yutani sia così concentrata sul Kalisk, poiché possiede un fattore di guarigione che potrebbe rendere gli esseri umani molto più resistenti.
Mentre Alien: Earth evidenzia come i nuovi synth potrebbero essere la chiave di tale sviluppo, la Weyland-Yutani sembra convinta che l’uso del DNA alieno – non solo dello Xenomorfo, ma di tutti i tipi di esseri extraterrestri – potrebbe essere la chiave della loro vittoria in quella corsa. È interessante notare che la Weyland-Yutani, dando la caccia alle specie per il loro potenziale, presenta una sottile somiglianza con gli Yautja.
Predator: Killer of Killers ha rivelato che gli Yautja raccolgono “guerrieri degni” che sconfiggono i loro cacciatori, impressionati dal loro potenziale. Le due culture potrebbero ritrovarsi a inseguire nuovamente lo stesso premio, oppure la Weyland-Yutani potrebbe concentrare maggiormente i propri sforzi sulla cattura degli Yautja, fungendo da possibile impulso per ulteriori conflitti e connessioni tra i due franchise.
Predator: Badlands trasforma MU/TH/UR in un possibile grande cattivo
Predator: Badlands riporta in scena anche MU/TH/UR, la fredda intelligenza artificiale che è stata un grosso problema per gli eroi del franchise Alien. Come sempre, la programmazione della Weyland-Yutani è impegnata a far progredire l’azienda e l’umanità a tutti i costi. Questo si estende a Predator: Badlands, dove mette Tessa contro Thia e minaccia di “smantellarla” se Tessa non riesce a catturare il Kalisk.
Questo serve come una comoda rappresentazione della minaccia generale, fungendo da controparte tematica al padre omicida di Dek come figura genitoriale indifferente. MU/TH/UR ha ancora più successo, poiché riesce a portare Tessa dalla sua parte mentre il Predator non riesce a mettere suo figlio Kwei contro Dek. Questo rende MU/TH/UR una minaccia duratura.
Tutto ciò rafforza la minaccia persistente e onnipresente rappresentata dal sistema operativo Weyland-Yutani. In questo film non viene nemmeno affrontata, figuriamoci sconfitta. MU/TH/UR è uno dei collegamenti più importanti tra i film Alien e Predator: Badlands, gettando le basi per futuri crossover e scontri in cui MU/TH/UR dirige le risorse umane contro i guerrieri Yautja.
Gli Yautja sono tornati più forti che mai in Predator: Badlands, e dato che il franchise continua ad espandersi, è naturale pensare a cosa potrebbe succedere in futuro. Dopotutto, il film è il terzo capitolo del revival della serie dopo che la Disney ha acquistato la 20th Century e Dan Trachtenberg ha effettivamente preso le redini dell’universo.
Sia che guardiate Predator: Badlands al cinema o in streaming, la fine del viaggio di Dek e Thia vi farà probabilmente chiedere se ci saranno ulteriori anticipazioni sul futuro nei titoli di coda. Hollywood si è ormai abituata a inserire queste scene nei titoli di coda dei film della serie, con la scena dei titoli di coda di Predator: Killer of Killers che ha segnato una novità per questo tipo di narrazione serializzata.
Quella sorpresa iniziale e l’aggiunta inaspettata di una versione estesa dopo l’uscita hanno reso più probabile la possibilità che Predator: Badlands avesse una scena dopo i titoli di coda, soprattutto con Trachtenberg che ha anticipato di avere già delle idee per un altro film.
Predator: Badlands non ha una scena dopo i titoli di coda
Invece di continuare a inserire scene dopo i titoli di coda nei film di Predator, Predator: Badlands si conclude senza. Non ci sono scene aggiunte a metà o dopo i titoli di coda che Trachtenberg utilizza per preparare il terreno a ciò che potrebbe succedere in futuro.
Ciò non significa che dovreste smettere di guardare non appena iniziano a scorrere i titoli di coda. È comunque bello guardarli fino alla fine e vedere i nomi di tutti coloro che hanno reso possibile questo film, dal regista, allo sceneggiatore, ai protagonisti, ai vari membri della troupe e agli artisti degli effetti visivi.
Ma chiunque temesse di perdersi un indizio sul futuro del franchise non rimanendo fino alla fine dei titoli di coda può stare tranquillo. A questo punto non ci sono ulteriori informazioni sul futuro di Predator, dato che non c’è nemmeno un epilogo grafico interessante come quello che Trachtenberg ha inserito nei titoli di coda di Prey.
Ciò rende ancora più intrigante il fatto che Predator: Badlands non abbia una scena post-titoli di coda. Trachtenberg ha dato al pubblico qualche anticipazione su un’altra possibile storia alla fine degli ultimi due film Predator. Sembrava che gli piacesse usarli e sapesse come farlo senza limitare il franchise.
Dopotutto, i titoli di coda di Prey anticipavano l’incontro della tribù di Naru con un’intera flotta di navi Yautja, suggerendo che avremmo visto quella storia nel prossimo film. Ma i titoli di coda di Killer of Killers hanno saltato quegli eventi e hanno presentato un’idea completamente diversa per il franchise: Ursa, Naru, Dutch e Harrigan vengono scongelati e combattono ancora una volta contro gli Yautja, ma questa volta insieme.
Con Predator: Badlands che termina senza una scena post-titoli di coda, il futuro del franchise rimane un po’ meno chiaro. Ma forse era intenzionale, considerando che il film è ambientato in un futuro più lontano rispetto a qualsiasi film precedente. Non includendo una scena nei titoli di coda, Trachtenberg può davvero capire dove portare avanti la storia.
Diretto da Xavier Gens, Farang (anche noto come Mayhem!) è un film thrillerd’azione francese che si svolge principalmente nella Thailandia orientale. La trama non è nulla di straordinario, ma le scene d’azione lo rendono degno di essere visto. I primi minuti approfondiscono il passato del protagonista. Scopriamo da dove viene e quanto sia disperato nel voler ricominciare da capo. Ma la vita trova sempre nuovi modi per mettere alla prova Sam e, anche dopo la fuga in Thailandia, la violenza trova il modo di entrare nella sua vita.
In precedenza, Sam è incarcerato per spaccio di droga per conto di una banda. È rilasciato sulla parola e non vede l’ora di iniziare una vita onesta con un nuovo lavoro, ma sfortunatamente la banda per cui lavorava non gli permette di vivere in pace. Sam viene aggredito dai membri di questo gruppo e, mentre cerca di difendersi, finisce per ucciderne uno. Sam riesce poi a fuggire in Thailandia, dove alla fine si innamora di una ragazza.
Perché Sam è determinato a vendicarsi?
Dopo essersi trasferito in Thailandia, Sam incontra Mia e sua figlia Dara. Mia è per metà thailandese e per metà francese e, dopo che il suo fidanzato francese le ha spezzato il cuore sette anni prima, si stabilisce in Thailandia con sua figlia. Mia e Dara portano speranza nella vita di Sam in un momento in cui lui ha quasi rinunciato. Mia è incinta e stanno per mettere su famiglia insieme. Per il momento, Sam lavora come addetto ai bagagli in un hotel. Ha anche sviluppato un interesse per la Muay Thai e partecipa anche a incontri locali.
Sam e Mia hanno in programma di aprire un ristorante insieme. Ma presto scoprono che il terreno che hanno comprato con i loro risparmi è venduto a un altro uomo. Mia è devastata; all’improvviso, la possibilità di realizzare il suo sogno le è portata via. Sam incontra Narong, il gangster locale che ha comprato la proprietà. Sam è disperato e vuole riavere il terreno, e quando Narong gli propone di fare una consegna per lui, Sam accetta. Anche se Sam cerca di tenersi lontano dal mondo del crimine, ne viene nuovamente risucchiato.
Nassim Lyes in Farang
Gli viene chiesto di contrabbandare droga all’aeroporto e il suo permesso di accesso e il suo pass tornano utili. Sam entra come al solito nell’area dell’aeroporto e ogni volta che un addetto alla sicurezza lo ferma per controllare la sua auto, lui si blocca. Supera un controllo dopo l’altro senza destare alcun sospetto. L’ultima parte del contrabbando è la più difficile: Sam deve seguire l’uomo di Narong, Kim, e lasciare la valigia secondo le sue istruzioni. Non appena gli occhi di Sam incontrano quelli di Kim, la sicurezza si raduna intorno a loro e Kim viene preso di mira.
Sam sa che alla fine sarà arrestato e l’unica opzione che ha è scappare per salvarsi la vita. Riesce a fuggire dall’aeroporto, ma la polizia continua a dargli la caccia. Non è solo la polizia a cercare Sam, ma anche Narong. Sam non ha consegnato la merce e, invece di combattere contro la polizia, è fuggito, motivo sufficiente per Narong per dargli la caccia. Sam riesce a raggiungere casa e dice a Mia e Dara di preparare le loro cose.
Ma non sono abbastanza fortunate da riuscire a scappare in tempo. Gli uomini di Narong fanno irruzione nella loro casa e uccidono Mia. Sam rimane ferito e Dara viene portata via. Narong appicca un incendio per bruciare la casa con Sam all’interno. Il maestro di Muay Thai di Sam, Hansa, arriva in suo soccorso e lo porta fuori dalla casa. Trascorre giorni ad aiutare Sam a riprendersi. Narong pensa che Sam sia morto bruciato, ignaro che ora dovrà affrontare un uomo determinato a vendicarsi.
Sam uccide Kasem?
Sombat avverte Sam che Narong e Kasem sono uomini contro cui non dovrebbe mai mettersi, ma Sam è spinto dalla rabbia dopo aver perso la sua famiglia e non gli importa di morire, purché possa vendicarsi. Kasem lavora per Narong ed è il primo obiettivo di Sam. Hansa si unisce a Sam nella sua missione di distruggere Narong e la sua banda. Ama Sam come un figlio e non è pronto a perderlo. Dopo aver chiesto informazioni su Kasem alla gente del posto, Sam viene a sapere che frequenta soprattutto i club di ladyboy. Il comportamento maleducato di Kasem gli ha procurato una cattiva reputazione tra le ladyboy, che rivelano volentieri a Sam dove si trova la sua casa.
Alla Spade Residence di Rayong è in corso una festa e Sam riesce a introdursi all’interno. Segue un’intensa sequenza d’azione durante la quale Sam uccide tutto il personale di sicurezza della casa. Kasem finalmente lo affronta e Sam sta per strangolarlo a morte quando lui confessa che Dara è viva. Per tutto questo tempo, Sam ha pensato che Narong avesse ucciso la sua bambina, e la notizia che è viva gli dà speranza. Kasem è comunque ucciso. Sam non cerca solo vendetta; deve trovare sua figlia prima che sia troppo tardi.
Nassim Lyes nel film Farang
Cosa rivela Narong prima di morire?
Dopo aver chiesto agli ospiti della festa dove si trovi sua figlia, Sam sa che troverà ulteriori informazioni al Cowboy Bar di Chinatown, a Bangkok. Oltre al traffico di droga, Narong è coinvolto anche nel traffico di minori. Alcune delle vittime lavorano al bar e Sam spera di trovare Dara lì. Anche se Dara è introvabile, la donna responsabile del locale rivela dove si trova Narong. Mentre Hansa affronta gli uomini fuori dall’ufficio di Narong, Sam riesce a entrare nell’edificio.
Le ragazze sono costrette a lavorare in condizioni disumane per aiutare Narong a trafficare droga. Sam mette fuori combattimento un uomo dopo l’altro e finisce per aiutare le vittime a fuggire. Quando Sam affronta e uccide tutti gli uomini di Narong, è gravemente ferito. Alla fine di Farang, Sam entra nell’ufficio di Narong mentre il gangster lo aspetta con una pistola in mano. A quanto pare, questo scontro è pianificato da tempo.
Narong e l’ex capo di Sam, Farhat, sono in contatto e negli ultimi cinque anni Kasem ha cercato di rintracciare Sam. L’uomo che Sam ha ucciso prima di fuggire dalla Francia è il fratello di Farhat, e Farhat ha trascorso anni alla ricerca dell’uomo responsabile della sua perdita. La vendetta è la forza motrice di Farang e alla fine Sam raccoglie tutte le sue forze per uccidere l’uomo che ha distrutto la vita che si è costruito. Hansa muore proteggendo Sam, e senza di lui l’intera operazione sarebbe un fallimento.
Chi consegna Sam a Narong?
Prima di essere ucciso, Narong confessa che Sombat lo ha aiutato a intrappolare Sam. Nel finale di Farang viene rivelato che Sombat è sempre stato innamorato di Mia. Prima che Sam entrasse nella vita di Mia e Dara, era Sombat a prendersi cura di loro. Era l’unico uomo nella vita di Mia e non riesce ad accettare l’improvviso cambiamento nella loro relazione. Ne incolpa Sam e lo odia per avergli portato via Mia. Sombat crede di amare Mia più di quanto Sam potrà mai fare.
Sombat aiuta Narong a sbarazzarsi di Sam, ma non avrebbe mai pensato di perdere Mia per questo. Le cose non vanno come vuole e lui rimane un uomo distrutto. Alla fine, Sombat si spara con la pistola che Sam ha lasciato nel suo ristorante. Forse Sombat incolpa se stesso per la morte di Mia e non riesce più a convivere con il senso di colpa. Perderla lo lascia vuoto e sceglie di morire piuttosto che vivere con il dolore.
Nassim Lyes e Loryn Nounay in Farang
Dara è viva?
Durante il finale di Farang, Sam si ricongiunge finalmente con la sua figliastra, Dara. A quanto pare, quella notte a Bang Chan non è uccisa. Dara è affidata a Sombat, ma ovviamente lui non può essere il padre che Sam è per Dara. Si può supporre che quando gli uomini di Narong attaccano Sam e Mia, Sombat implora il gangster di lasciar andare la bambina. Non riesce a salvare Mia, ma spera di redimersi proteggendo sua figlia. Dara è felicissima quando incontra Sam.
Pensa che sia stato ucciso quella notte e non riesce a credere ai suoi occhi quando lo vede per la prima volta. Lui è l’unica famiglia che le è rimasta e, a qualsiasi costo, Sam non metterà mai più a rischio la sua vita. Possiamo supporre che Sam farà del suo meglio per stare lontano dai guai e forse dovrà nascondersi e trasferirsi di nuovo in un altro paese. Speriamo che Farhat, Narong, la sua famiglia e i suoi amici non si uniscano per ritrovare Sam, ma se lo faranno, possiamo aspettarci un sequel di questo dramma d’azione.
La star di Hollywood Jeremy Renner è stata accusata di molestie nei confronti di una sua ex fidanzata. La regista cinese Yi Zhou, attraverso il Daily Mail, ha parlato della sua relazione passata con Renner, in quanto l’attore le avrebbe rivolto minacce e molestie sessuali, sia durante la loro relazione privata che professionale. La regista ha condiviso una serie di post negli ultimi giorni, descrivendo in dettaglio le sue accuse contro la star della Marvel.
Zhou ha pubblicato una recente dichiarazione sul suo account Instagram ufficiale, che contiene un’immagine ripetuta di “tradimento”, che potete vedere qui sotto:
Credevo nelle favole Disney quando Jeremy Renner mi ha contattata e corteggiata: Fino a poco tempo fa pensavo che l’amore fosse puro e che il suo incidente lo avesse reso una persona nuova, quindi @chroniclesofdisney e @stardustfuturemovie lo hanno incluso e la favola in cui credevo è stata intrecciata nelle due opere (il cui obiettivo e impegno, come riportato in precedenza, è quello di donare il 100% a @mptf e al fondo below the line senza alcun guadagno per @intothesunentertainment).
Poiché si tratta di una storia in evoluzione di cyber flashing / pornografia non richiesta, campagna diffamatoria e violenza domestica, ho appena scoperto grazie al coraggioso @joshtboswell che c’è un’altra vittima che gli ha appena parlato e a quanto pare lui mi ha tradita con lei! Gli ho confessato alcuni nuovi dettagli che non ho condiviso nell’intervista di oggi con Josh. Sono orgogliosa del lavoro che sta facendo nel portare alla luce ciò che Hollywood vuole nascondere e lodare.
Bravo @joshtboswell @dailymail, abbiamo bisogno di più coraggio da parte dei media per sostenere e smascherare. Restate sintonizzati. Altro in arrivo, altri scandali e comportamenti scorretti. Molti di loro, mi è stato detto, sembrano essere fan che lui contatta durante gli incontri con i fan o semplicemente online. Come si può abusare dei fan? Li usa per il proprio piacere, invia immagini pornografiche e poi li getta nel cestino dei rifiuti sparendo senza lasciare traccia. Un comportamento che, mi è stato detto, è frequente in lui.
Incoraggio le altre vittime a parlare, i media di Hollywood a sostenerci maggiormente nel portare alla luce questa verità e a rendere Hollywood un luogo sano e sicuro per le donne.
Come riportato dal Daily Mail, Zhou ha riferito che l’ex attore della Marvel Cinematic Universe si sarebbe ubriacato durante un incontro a casa sua per discutere del loro documentario, al punto da urlare contro di lei per due ore. Il sito ha pubblicato un’immagine del testo in cui Zhou parla con un amico del presunto comportamento violento di Renner. Temendo di essere aggredita, ha raccontato di essersi chiusa in bagno per proteggersi.
Zhou ha dichiarato: “Stavo discutendo della logistica del documentario, poi lui ha bevuto una bottiglia di vino da solo e si è arrabbiato, urlando per due ore. Ho dovuto condividere la mia posizione con il mio team, i miei genitori e i colleghi della Disney, in modo che sapessero dove mi trovavo nel caso mi fosse successo qualcosa. Mi sono chiusa in una stanza per sicurezza, pregando che non entrasse durante la notte, dato che era davvero arrabbiato. Non ho detto una parola, avevo tanta paura per la mia vita”.
Il rapporto include anche screenshot dei messaggi di testo che lei aveva inviato, oltre a una foto che aveva scattato il giorno del presunto incidente. Zhou ha anche raccontato di come aveva affrontato Renner quando lui le aveva inviato foto esplicite, il che lo aveva portato a minacciarla di chiamare l’ICE (Immigration and Customs Enforcement) per denunciare la regista. In uno dei suoi post ha scritto quanto segue:
Il Daily Mail riporta che Zhou “ha rifiutato di fornire” il resto del presunto messaggio di testo di Renner. Il giornale ha contattato Renner per un commento, ma né l’attore né i suoi rappresentanti hanno risposto al momento della pubblicazione di questo articolo.
In un altro articolo del Daily Beast, si legge che la coppia ha iniziato una relazione sentimentale all’inizio di quest’anno. Renner si sarebbe presentato tramite messaggi diretti e WhatsApp, con le immagini “indesiderate” nel giugno 2025.
L’ex moglie di Renner, Sonni Pacheco, lo aveva già accusato di comportamento violento, venuto alla luce durante la battaglia per la custodia della loro figlia, che all’epoca, nel 2019, aveva 6 anni. La star 54enne ha negato le accuse.
FOTO DI COPERTINA: Jeremy Renner arriva al Netflix Tudum 2025 il 31 maggio 2025. Foto di Image Press Agency via DepositPhotos.com
L’esorcista – Il credente, uscito nel 2023, nasce con l’ambizione di riportare in vita il mito del capolavoro del 1973, considerato uno dei film più influenti della storia dell’horror. Il nuovo capitolo si presenta come sequel diretto dell’originale, ignorando gli altri episodi della saga e riallacciando la storia al fascino inquieto del primo film. Sin dalle premesse si percepisce la volontà di ricreare un’atmosfera più realistica e adulta, capace di parlare alle paure contemporanee senza rinunciare al richiamo sacrale e perturbante tipico dell’opera di Friedkin.
Alla regia c’è David Gordon Green, già autore della recente trilogia sequel di “Halloween“, e la sua firma si riconosce nel tentativo di mescolare dramma familiare e orrore soprannaturale. La novità principale è la presenza non di una sola vittima della possessione, ma di due ragazze coinvolte in un evento demoniaco condiviso, elemento che amplia la portata rituale e simbolica della storia. Allo stesso tempo, il film prova a costruire un nuovo percorso narrativo, inserendo volti inediti e riportando in scena personaggi storici che legano direttamente questo capitolo al mito originale.
Il progetto avrebbe dovuto essere il primo tassello di una nuova trilogia, ma il responso critico e commerciale inferiore alle aspettative ha bloccato i piani iniziali. Rimane così un film che tenta di aggiornare la leggenda dell’Esorcista al presente, con nuovi temi e una struttura più corale, cercando di parlare di fede, colpa, trauma e perdita. Nel resto dell’articolo approfondiremo la storia vera che ha ispirato questo e il film del 1973, analizzando come il caso reale sia diventato uno dei racconti più spaventosi e controversi dell’immaginario moderno.
Ellen Burstyn e Leslie Odom Jr. in L’esorcista – Il credente
La trama di L’esorcista – Il credente
Il film racconta la storia di Victor Fielding (Leslie Odom Jr.), rimasto vedovo dopo che sua moglie è morta durante un terremoto ad Haiti, avvenuto dodici anni prima. L’uomo ha così cresciuto la figlia, Angela (Lidya Jewett), completamente da solo. Un giorno Angela insieme alla sua amica Katherine (Olivia Marcum) scompare misteriosamente nel bosco, per riapparire tre giorni dopo senza alcuna memoria di cosa sia accaduto. Da questo momento in poi si scateneranno una serie di oscuri eventi che porteranno Victor faccia a faccia con il male, nella sua forma più terribile.
In preda alla disperazione e all terrore, l’uomo si mette alla ricerca dell’unica persona ancora in vita che abbia avuto già a che fare con qualcosa di simile, ovvero Chris MacNeil (Ellen Burstyn). Quando la donna lo raggiungerà, si ritroverà a doversi confrontare con un male che conosce bene, avendolo visto esercitato sul corpo di sua figlia. Ma liberarsi del demonio, stavolta, sarà ancora più pericoloso e terribile e tutti saranno a chiamati a compiere scelte e sacrifici strazianti.
Il film è tratto da una storia vera?
Il film del 2023 L’esorcista – Il credente trae ispirazione da fenomeni reali di presunta possessione demoniaca, ma non è tratto da un singolo caso documentato. Come infatti riporta un articolo di People, nel film si afferma che “tutti gli elementi che abbiamo messo in Believer sono molto autentici e basati su queste esperienze che le persone hanno vissuto” (citazione dell’esperto Christopher Chacon). Questa frase sottolinea che il materiale narrativo attinge a più testimonianze di possessione, piuttosto che a un caso storico riconosciuto.
Lidya Jewett in L’esorcista – Il credente
Le vicende delle due ragazze possedute – Angela e Katherine – e del padre Victor che cerca aiuto da Chris MacNeil, sono frutto di una combinazione creativa di racconti reali di possessione, suggestioni voodoo e rituali esorcistici, ma non corrispondono ad alcun caso pubblico specifico e completamente verificato. L’articolo fa chiaramente intendere che, pur riconoscendo la realtà del fenomeno, la pellicola opera una libera rielaborazione e non pretende di offrire un documentario. In tal senso, il film si inserisce nella tradizione horror che mescola verità e finzione, creando tensione e inquietudine attraverso un amalgama di testimonianze.
Pertanto, rispondendo alla domanda: sì, il film è tratto da alcune storie vere, nel senso che attinge a casi reali di presunta possessione, ma no, non è basato su un unico fatto storico riconosciuto come “quello del film”. L’intento dichiarato del regista David Gordon Green è confezionare un moderno racconto di terrore che si fondi su elementi reali – rituali, fenomeni inspiegabili, testimonianze di esperti – ma lo fa con licenza creativa, intrecciando più esperienze e costruendo personaggi e situazioni di finzione. In questo modo, il film diventa un’opera ibrida: parte “ispirata da” e parte elaborazione narrativa libera, concepita per spaventare e riflettere più che documentare con rigore storico.
Si può affermare con certezza che non è mai esistita un’adattamento della leggenda arturiana simile a King Arthur – Il Potere della Spada di Guy Ritchie (qui la recensione). Con Charlie Hunnamnel ruolo di Artù, che combatte per rivendicare il suo regno dal controllo dello zio usurpatore Re Vortigern (Jude Law), il film abbandona quasi completamente ogni traccia del mito tradizionale di Re Artù. In questa nuova incarnazione, la ricerca di Artù per diventare re è la storia di Camelot raccontata attraverso un frenetico film di Ritchie, con una banda di ladri e stregoni che complottano una rivoluzione per rovesciare l’ordine costituito e insediare il Re Nato sul trono.
Per chiunque abbia familiarità con la leggenda arturiana, sia attraverso film come Excalibur di John Boorman, il musical Camelot e l’adattamento cinematografico con Richard Harris, il classico Disney La spada nella roccia, sia attraverso la letteratura come La morte di Artù di Sir Thomas Malory o Il re una volta e futuro di T.H. White, King Arthur – Il potere della spada può rappresentare una sconcertante divergenza dai classici tropi della leggenda.
Tra i principali cambiamenti apportati da Ritchie e dal suo team di sceneggiatori Lionel Wigram e Jody Harold vi sono una completa reinvenzione della storia delle origini di Artù, l’assenza di Sir Lancillotto, Sir Galahad e Sir Gawain e la rimozione del classico triangolo amoroso tra Artù, Lancillotto e Ginevra. Al contrario, il Re Artù di Ritchie reinventa la mitologia classica in modi che lascerebbero perplesso il vostro professore di letteratura classica. Ecco come King Arthur – Il potere della spada stravolge la tradizione e offre un’esperienza di Re Artù diversa da qualsiasi altra.
Camelot prima di Artù
Il film si apre con uno shock immediato: Camelot esiste già. Invece di un castello dorato fondato da Re Artù, Camelot è una fortezza situata sulle montagne dell’Inghilterra. L’Inghilterra è anche nel mezzo di una guerra civile con i Maghi, una razza di stregoni che annovera Merlino tra i suoi membri. Tuttavia, i Maghi in guerra sono guidati da Mordred, un potente Mago malvagio. Tradizionalmente, Mordred è il figlio di Artù, ma in Legend of the Sword, Mordred viene invece ucciso dal padre di Artù, re Uther Pendragon (Eric Bana), che brandisce Excalibur contro di lui e salva eroicamente Camelot. Artù è ancora molto giovane quando i Maghi vengono sconfitti da re Uther, ma il fratello di Uther, il principe Vortigern, riesce a conquistare il potere.
Vortigern, con l’aiuto magico delle Sirene, esegue con successo un colpo di stato per usurpare il trono. Vortigern uccide re Uther e la regina Elsa, ma Artù riesce a nascondersi in una piccola barca e a fuggire lungo il fiume. In seguito si scopre che Vortigern ha complottato con Mordred per scatenare la guerra. Mordred ha condiviso alcuni dei suoi segreti magici con Vortigern, in particolare la costruzione di una torre magica a Camelot simile alla torre magica dei Maghi, che diventa un punto di connessione per il loro potere. Quando Mordred non riesce a uccidere Uther, Vortigern passa al suo piano B, chiedendo aiuto alle Sirene per uccidere Uther.
Artù, il re nato
A differenza di alcune rappresentazioni classiche della nascita di Artù, come in Excalibur, Artù nacque da un’unione felice tra re Uther e la regina Elsa. Dopo che entrambi furono uccisi e il giovane Artù fuggì da Camelot, la sua piccola barca galleggiò fino alla città di Londinium. Artù fu scoperto e accolto da alcune prostitute. Invece di essere nascosto da Merlino e cresciuto da un cavaliere di nome Sir Ector, Artù viene cresciuto in un bordello, dove spazza i pavimenti, svolge lavori occasionali e impara persino un po’ di furto. Da adulto, Artù finisce per gestire il bordello. Artù diventa adulto nei vicoli di Londinium, che è già una città multinazionale.
Artù impara a combattere da un maestro di arti marziali cinese di nome George (Tom Wu) in un dojo locale. Artù non ricorda la sua discendenza reale e crede di essere nato nel bordello. Tuttavia, ha spesso incubi che non riesce a comprendere, in cui vede sua madre e suo padre uccisi da un demone con il volto di un teschio infuocato. Quando Arthur estrae Excalibur dalla roccia, viene riconosciuto come il Re Nato e deve essere eliminato da Vortigern. Tuttavia, Arthur trascorre la maggior parte del film rifiutando la sua eredità. (Sopraffatto dal suo potere, sviene persino le prime due volte che brandisce Excalibur).
Sebbene non desideri diventare re, l’Artù di Hunnam emana comunque una sicurezza e una spavalderia da maschio alfa che diventano ancora più evidenti quando finalmente accetta la corona e il suo destino. L’albero genealogico di Artù in King Arthur – Il potere della spada è estremamente semplificato: suo padre è Uther Pendragon, sua madre è Elsa e Vorigern è suo zio e re usurpatore. Non ha una sorellastra, Morgana, e non ha figli. Artù ha una cugina, la principessa Catia (Millie Brady), figlia di Vortigern, che non ha mai conosciuto da adulto. Lei e la moglie di Vortigern, Elsa (Katie McGrath), sono entrambe decedute alla fine di Legend of the Sword. (Stranamente, sia Uther che Vortigern hanno sposato donne di nome Elsa).
La leggendaria spada magica Excalibur è l’arma più potente e fondamentale del film. Fu forgiata da Merlino dal proprio bastone nella sua torre magica come arma per Uther Pendragon da usare contro Mordred nella guerra tra Uomini e Maghi. Dopo aver creato Excalibur, Merlino la diede alla Dama del Lago, che a sua volta la consegnò a Uther. La spada è legata al lignaggio dei Pendragon, ma può essere utilizzata solo da Uther e dal suo vero figlio Artù. Anche se Vortigern ha anch’egli sangue Pendragon, il potere di Excalibur gli è inaccessibile.
Quando Uther e Artù brandiscono Excalibur e attingono al suo potere (afferrando saldamente l’elsa con entrambe le mani), Excalibur conferisce ai re Pendragon dei superpoteri. (Artù lo chiama “razzle dazzle con la spada”). Quando attinge al potere di Excalibur, gli occhi di Artù diventano argentati, può combattere con incredibile potenza e velocità ed Excalibur può tagliare con facilità qualsiasi tipo di armatura o arma. L’assenza di Lancillotto, tradizionalmente il miglior guerriero e primo cavaliere di Camelot, si spiega quindi con il fatto che non è necessario.
Quando Artù scatena il potere di Excalibur, diventa il miglior guerriero d’Inghilterra, in grado di abbattere un’orda di soldati con una velocità sorprendente. La magia di Excalibur conferisce anche ad Artù delle visioni, sbloccando in particolare i suoi ricordi sepolti della notte in cui Vortigern uccise Uther. In un’interessante svolta della leggenda, quando Uther si rese conto che stava per morire, scagliò Excalibur in aria e quando questa atterrò, trafisse Uther alla schiena. Uther morì e si trasformò magicamente in pietra.
Quindi, Uther Pendragon stesso è la pietra nella leggenda della Spada nella Roccia. Artù, il Re Nato, rivendicò la sua regalità estraendo Excalibur dal proprio padre. Artù trascorre anche gran parte del film rifiutando la sua responsabilità di essere re. A un certo punto, lancia persino Excalibur in un lago, ma la Dama del Lago la afferra e la restituisce immediatamente ad Artù, costringendolo letteralmente a riprenderla in mano e dandogli una visione apocalittica di ciò che accadrà all’Inghilterra se Artù non accetterà il suo destino.
Non è specificato in quale secolo sia ambientato Re Artù. L’influenza romana nell’architettura è evidente a Londinium, che ha un Colosseo e acquedotti che portano l’acqua al castello di Camelot. Il Vallo di Adriano è visibile nelle mappe dell’Inghilterra, della Scozia e dell’Irlanda mostrate. Ci sono anche i Vichinghi con cui sia Vortigern che Artù hanno a che fare come re. Tuttavia, l’Inghilterra del film è un paese in cui esiste la magia. Nel film ci sono una serie di creature magiche: elefanti da guerra giganti grandi come montagne, lupi giganti, serpenti giganti e falchi giganti, oltre a ninfe degli alberi. C’è persino un’isola magica chiamata Terre Oscure dove Artù deve portare Excalibur.
Le Terre Oscure sono il luogo in cui vivono la maggior parte di queste creature giganti. Quando la sua strategia con Mordred fallì, Vortigern si rivolse alle Sirene per strappare il trono d’Inghilterra a suo fratello. Le Sirene vivono nelle acque sotto la torre magica in costruzione a Camelot. Mostri composti da tre donne, due belle e una grottesca, con la parte inferiore del corpo costituita da tentacoli di polpo, le Sirene aiutano Vortigern a un prezzo: egli deve uccidere e sacrificare una persona cara alle Sirene affinché queste gli prestino la loro magia oscura. Vortigern uccide prima sua moglie Elsa per strappare il trono a Uther. Per la sua battaglia decisiva con Artù, Vortigern uccide sua figlia, la principessa Catia.
In entrambe le occasioni, le Sirene trasformano Vortigern in un gigantesco demone dal volto di teschio circondato dalle fiamme. Quando Artù uccide Vortigern, usa Excalibur per abbattere la torre magica, eliminando presumibilmente anche le Sirene. La razza dei maghi in Re Artù è vista come un esercito, e anche Mordred e Merlino compaiono brevemente nel film. Il personaggio principale dei maghi è una donna conosciuta solo come la Maga (Àstrid Bergès-Frisbey). Viene inviata da Merlino per aiutare Artù nella sua missione di diventare re, anche se è frustrata dalla sua riluttanza ad afferrare il suo destino. La Maga può controllare magicamente e trasformarsi negli animali giganti del film.
Alcuni media dedicati a King Arthur – Il potere della spada identificano il personaggio di Bergès-Frisbey come Ginevra, ma nel film non viene mai chiamata con questo nome né con alcun altro nome proprio. Se alla fine la Maga si rivelasse essere Ginevra, questa versione andrebbe contro la tradizione e la allineerebbe maggiormente alla regina guerriera dei Pitti dipinta di blu, Ginevra, interpretata da Keira Knightleynel film King Arthurdel 2004 diretto da Antoine Fuqua. Che la Maga sia o meno Ginevra, in King Arthur – Il potere della spada non c’è alcuna storia d’amore tra lei e Artù.
Gli uomini che diventeranno i Cavalieri di Artù alla fine di King Arthur – Il potere della spada sono tutt’altro che l’ideale tradizionale della cavalleria medievale. L’unico che assomiglia a un cavaliere arturiano tradizionale è Sir Bedivere (Djimon Hounsou), che era un cavaliere alla corte di re Uther ma fuggì per lavorare al fianco dei maghi quando Vortigern usurpò il trono. Gli altri sono la variegata banda di furfanti di Artù provenienti dai bordelli e dai vicoli di Londinum, che include il criminale tiratore scelto Goosefat Bill (Aidan Gillen). Combattono al fianco di Artù e scatenano una rivoluzione contro Vortigern.
Quando Artù finalmente sale al trono, il nuovo re nomina i suoi compagni cavalieri, che diventano Sir Percival, Sir William e Sir George. Infine, alla fine del film viene presentata la Tavola Rotonda (completata solo per due terzi), accompagnata da battute in cui i nuovi cavalieri si chiedono cosa sia esattamente. King Arthur – Il potere della spada doveva essere destinato a essere il primo di una serie di sei film. I sequel avrebbero dunque dato più ampio spazio a personaggi classici come Lancillotto, Galahad e Morgana. Tuttavia, i piani per questa saga sono poi stati abbandonati.
Mentre è in corso la ricerca del prossimo James Bond, uno dei nuovi produttori della serie fornisce un aggiornamento sulla tempistica di uscita del reboot della saga. All’inizio di quest’anno, i produttori di lunga data Barbara Broccoli e Michael G. Wilson hanno ceduto il controllo creativo della serie Bond alla Amazon MGM Studios, un cambiamento epocale per un’icona della narrativa britannica per eccellenza.
Una delle poche cose certe sulla nuova era di Bond è che il regista di Dune e Blade Runner 2049 Denis Villeneuve (di origine canadese) dirigerà il primo film in uscita. Tuttavia, Bond non è completamente fuori dal controllo britannico. L’acclamato produttore britannico David Heyman ha collaborato con la produttrice americana Amy Pascal per riportare Bond sul grande schermo, e il creatore di Peaky Blinders Steven Knight scriverà la sceneggiatura.
Durante un’intervista conScreen Daily, Heyman ha rivelato che al momento non esiste una tempistica di produzione definita per il primo film di Bond della nuova era, spiegando che “Denis [Villeneuve] sta ancora girando Dune [3]”. Heyman ha anche sottolineato che non esiste una scadenza precisa per il casting del prossimo James Bond. Ha poi continuato:
“L’unica cosa su cui ho un certo controllo è trovare progetti e lavorare con persone fantastiche e di talento che credo possano avere la possibilità di realizzare qualcosa di straordinario. Non è sempre stato così. Quando inizi, non hai questa opportunità, cerchi solo di tirare avanti e pagare l’affitto. Sono stato così per molto tempo, poi la mia vita è cambiata e ora mi trovo in una posizione molto privilegiata”.
Heyman non è nuovo alle grandi franchise britanniche, dato che lui e la sua società di produzione, la Heyday Films, sono dietro a diversi mega successi britannici, tra cui tutti gli otto film di Harry Potter – e il prossimo remake di Harry Potter della HBO – così come i film live-action Paddington, acclamati dalla critica e amati dal pubblico.
Dune: Parte Tre uscirà nelle sale nel dicembre 2026 e il film richiederà un ampio lavoro di post-produzione. Ci vorrà un po’ di tempo prima che Villeneuve possa dedicarsi completamente a James Bond. In precedenza si vociferava che la produzione sarebbe iniziata nel 2027, ma le dichiarazioni di Heyman lasciano intendere che anche questa tempistica è flessibile.
Per quanto riguarda il casting di James Bond, Villeneuve ha dichiarato a Deadline a settembre che avrebbe iniziato la ricerca di un nuovo James Bond il prossimo anno, dopo aver completato la produzione di Dune: Parte Terza. Deadline ha anche riferito che Amazon, Heyman, Pascal e Villeneuve vogliono che il prossimo Bond sia un uomo britannico “dal volto nuovo”, “un sconosciuto tra i 20 e i 30 anni”, presumibilmente in modo che l’attore possa crescere con il franchise per una nuova generazione.
Questa descrizione non corrisponde alla lista dei candidati Bond pubblicata quest’estate, che includeva Tom Holland, Harris Dickinson e Jacob Elordi. Sebbene tutti e tre gli attori abbiano attualmente circa 30 anni, nessuno di loro può essere definito “sconosciuto”. Elordi è anche australiano, anche se va notato che George Lazenby, che ha interpretato Bond subito dopo (e prima) Sean Connery in Al servizio segreto di Sua Maestà, era anch’egli australiano.
Dopo l’addio emozionante e audace di Daniel Craig in No Time to Die nel 2021, c’è molta pressione per trovare un James Bond in grado di portare il franchise in un’era completamente nuova. Chiaramente, Amazon e il team creativo di Bond non sono disposti ad affrettare il processo, creando ancora più hype intorno al ritorno di questo personaggio amato in tutto il mondo.
La mattina del 2 luglio 1881, Charles Guiteau si assicurò un posto infame nella storia politica americana quando sparò due colpi a James Garfield. Il ventesimo presidente degli Stati Uniti sarebbe morto quasi tre mesi dopo. La vita di Guiteau terminò l’anno successivo, all’estremità di una corda.
L’assassinio fu l’ultima risposta violenta di Guiteau a una vita in cui non aveva ricevuto ciò che riteneva di meritare dal mondo. Quasi certamente affetto da una malattia mentale non diagnosticata, Guiteau fallì come avvocato, giornalista, autore e predicatore; fallì come marito e come membro di una comunità religiosa; e fallì, in modo ridicolo, nella sua incursione nella politica.
Si potrebbe dire che l’unica cosa in cui ebbe successo fu uccidere il presidente. E anche in questo fallì quasi.
Death by Lightning, una serie drammatica in quattro episodi di Netflix del 2025 con Matthew Macfadyen nel ruolo di Guiteau e Michael Shannon in quello di Garfield, racconta la storia di Guiteau riconoscendo che, tra gli assassini di presidenti, il suo nome non è certo famoso come quello di John Wilkes Booth o Lee Harvey Oswald, rispettivamente assassini di Abraham Lincoln e John F. Kennedy. La frase di apertura della serie, pronunciata mentre il cervello conservato di Guiteau rotola sul pavimento in un barattolo, riassume il tutto: “Chi c***o è Charles Guiteau?!”
Chi era il vero Charles Guiteau?
Cortesia di Netflix
Charles Julius Guiteau ebbe un’infanzia difficile. Nato l’8 settembre 1841 a Freeport, nell’Illinois, era il quarto di sei figli di una madre affetta da episodi psicotici. Lei morì quando Charles aveva sette anni e suo padre era un uomo severo e spesso violento.
Come l’uomo che avrebbe poi ucciso, il giovane Guiteau cercò di migliorare la sua situazione attraverso l’istruzione, ma fallì nel tentativo di entrare all’Università del Michigan, inciampando nell’esame di ammissione. Abbandonando gli studi, nel 1860 entrò a far parte di una setta religiosa, la Oneida Community, nello Stato di New York.
Charles Guiteau, l’assassino del presidente James A Garfield, sparò al presidente nel luglio 1881 e fu giustiziato per impiccagione l’anno successivo. Il suo atto di violenza sconvolse la nazione e portò a nuove richieste di riforma della pubblica amministrazione negli Stati Uniti. (Foto di Getty Images)
Charles Giteau entrò a far parte di una comunità di “amore libero”?
Sì, lo fece. La Oneida Community credeva nella possibilità del perfezionismo, nell’essere totalmente liberi dal peccato sulla Terra. A tal fine, praticavano la critica reciproca (riunendosi in gruppi per rimproverarsi a vicenda i peccati), una forma di proto-eugenetica per garantire che nascessero solo bambini perfetti, e il “matrimonio complesso”, in cui chiunque poteva andare a letto con chiunque altro.
Sebbene Guiteau idolatrasse il suo fondatore, John Humphrey Noyes, non riuscì mai ad integrarsi nella Oneida. Detestava i lavori umili e non riusciva a trovare piacere nella dottrina dell’amore libero, poiché nessuno voleva essere suo partner. Trovandolo egocentrico, i membri della comunità lo chiamavano “Charles Gitout”.
Lui acconsentì, andandosene per fondare un giornale basato sugli insegnamenti della Oneida, The Daily Theocrat. Il giornale fallì, così come il suo ritorno nella comunità e le conseguenti cause legali contro Noyes. A questo punto, diverse persone lo descrivevano come “pazzo”, compresa sua sorella Frances, che ricordava come una volta lui avesse brandito un’ascia sopra la sua testa come per ucciderla.
Trasferitosi a Chicago, Guiteau riuscì a superare un esame molto facile per essere ammesso all’ordine degli avvocati e sposò una bibliotecaria di nome Annie Bunn. Ciò non migliorò però la sua situazione: invece di diventare avvocato, lavorò come esattore (e rubò denaro ai clienti, per cui fu condannato a un periodo di carcere) e maltrattò Annie fino a quando lei chiese il divorzio.
Nel 1872, mentre si trovava a New York, Guiteau mostrò il suo primo interesse per la politica scrivendo un discorso a sostegno di un candidato alla presidenza, Horace Greeley. Solo per questo, credeva di meritare una ricompensa sotto forma di un incarico di ambasciatore in Cile.
Quando ciò non funzionò, Guiteau tornò brevemente alla religione, scrivendo un libro intitolato The Truth, che essenzialmente copiò dalla letteratura di Oneida, e divenne un predicatore itinerante. Nessuno sembrava rispondere ai suoi sermoni sconclusionati, ma lui era sempre più convinto non solo di stare compiendo l’opera di Dio, ma anche, dopo essere sopravvissuto al naufragio di un battello a vapore, di godere della protezione divina.
Con questo incrollabile senso di determinazione, che a quel punto era chiaramente visto dagli altri come fantasia, Guiteau tornò alla politica.
Charles Guiteau incontrò James Garfield?
Cortesia di Netflix
Non è noto se i due uomini si incontrarono durante le elezioni presidenziali del 1880, in cui Garfield aveva vinto la candidatura repubblicana, anche se non c’era alcun motivo concreto per cui dovessero farlo, dato che Guiteau non aveva un ruolo attivo nella campagna elettorale. Non fu per mancanza di tentativi: egli offrì costantemente e disperatamente la sua assistenza.
Questo iniziò prima che Garfield fosse candidato. Alla Convention Nazionale Repubblicana del 1880, molti si aspettavano che Ulysses S Grant ottenesse la nomina, dato che aveva già ricoperto la carica due volte ed era il capo della fazione dominante del partito, gli Stalwarts.
Questo gruppo sosteneva il mantenimento del “spoils system”, un sistema di clientelismo di lunga data in base al quale le cariche governative venivano assegnate a sostenitori e amici piuttosto che in base al merito. Guiteau, ripensando alla carica di ambasciatore che riteneva di meritare in cambio del suo sostegno a Greeley, credeva che avrebbe tratto vantaggio dal sistema delle nomine, quindi appoggiò Grant.
Scrisse un discorso intitolato “Grant contro Hancock” (il candidato democratico, Winfield Scott Hancock). Tuttavia, Guiteau aveva puntato sul cavallo sbagliato: alla convention, Grant non riuscì a ottenere abbastanza voti per la nomina e Garfield divenne inaspettatamente il candidato di compromesso.
Questo non fu un problema per Guiteau: semplicemente modificò il suo discorso sostituendo tutti i riferimenti a “Grant” con “Garfield” e lasciando tutto il resto invariato. Sebbene possa averlo pronunciato davanti a un piccolo gruppo di persone e averne stampato alcune copie da distribuire, questo fu tutto il suo contributo alle elezioni del 1880.
Questo ritratto raffigura James Abram Garfield, il ventesimo presidente degli Stati Uniti. Ex generale dell’Unione e membro del Congresso, la presidenza di Garfield nel 1881 fu interrotta da un assassinio. (Foto di Getty Images)
Perché Charles Guiteau assassinò James Garfield?
Cortesia di Netflix
Quando Garfield vinse le elezioni presidenziali, Guiteau si convinse che fosse stato solo grazie al suo discorso. In cambio, si aspettava di ottenere un incarico prestigioso nella sua amministrazione e iniziò a chiedere il consolato a Vienna, in Austria, che in seguito cambiò con quello di Parigi, in Francia.
Unendosi alla folla di aspiranti funzionari a Washington DC, Guiteau, ormai indigente, passava il tempo a interrogare chiunque per avere notizie su ciò che gli era dovuto. Il resto del tempo lo trascorreva nascondendosi tra le pensioni senza pagare. Concentrò gran parte dei suoi sforzi su James Blaine, allora Segretario di Stato, disturbandolo regolarmente. Un giorno, nel maggio 1881, secondo quanto riferito, Blaine, esasperato, sbottò: “Non parlarmi mai più del consolato a Parigi finché vivrai!”.
Devastato, Guiteau giunse a una conclusione: Garfield voleva distruggere il sistema delle nomine politiche e l’unico modo per salvarlo – e ottenere il posto a Parigi – era ucciderlo. Il vicepresidente di Garfield, Chester Arthur, figura di spicco della fazione degli Stalwarts, avrebbe preso il suo posto. Inoltre, Guiteau concluse che Dio gli aveva detto che la “rimozione” di Garfield era per il bene del Partito Repubblicano e del Paese.
Quando e come Charles Guiteau assassinò James Garfield?
Dopo aver preso in prestito del denaro da un parente, Guiteau acquistò una pistola British Bulldog a canna corta, scegliendo il modello con impugnatura in avorio anziché in legno perché pensava che sarebbe stato più attraente quando l’arma sarebbe inevitabilmente diventata parte di una mostra museale sull’assassinio.
Provò la sua mira sparando contro gli alberi nei parchi di Washington e poi iniziò a seguire Garfield. Durante il processo, è emerso chiaramente che in alcune occasioni aveva rinunciato a sparare, una volta in una chiesa e un’altra volta per non uccidere Garfield davanti a sua moglie. Alla fine, Guiteau vide la sua occasione sul giornale: il presidente avrebbe preso un treno il 2 luglio 1881.
Quella mattina, Guiteau attese Garfield e il suo piccolo entourage alla stazione ferroviaria di Baltimora e Potomac. Anche dopo l’assassinio di Abraham Lincoln 16 anni prima, i presidenti non avevano una scorta di sicurezza, quindi nessuno fermò Guiteau mentre si avvicinava e sparava. Un colpo sfiorò il braccio di Garfield, mentre l’altro lo colpì alla schiena.
Guiteau cercò di fuggire, ma si imbatté in un poliziotto. Accettando il suo arresto, dichiarò: “Sono uno Stalwart. Arthur è ora il presidente degli Stati Uniti”.
Questa illustrazione raffigura l’assassinio del presidente James A Garfield da parte di Charles Guiteau nel 1881. (Foto di Getty Images)
Garfield sopravvisse all’attacco e avrebbe potuto guarire completamente se non fosse stato per le cure mediche scadenti che ricevette, tipiche dei medici che curavano la sua ferita con strumenti e mani non sterilizzati. Le sue condizioni peggiorarono gradualmente e morì 11 settimane dopo l’assassinio, il 19 settembre 1880. Era stato presidente per poco più di otto mesi. Per tutto quel tempo, Guiteau attese in prigione.
Cosa accadde al processo di Charles Guiteau?
Cortesia di Netflix
Una volta morto Garfield, Guiteau poté essere accusato di omicidio e il suo processo iniziò a novembre. Suo cognato George Scoville agì come suo avvocato difensore e presentò una richiesta di infermità mentale.
Guiteau diede certamente credito a quella difesa con il suo comportamento irregolare in tribunale. Interrompeva e insultava tutti, compreso Scoville; pronunciava la sua testimonianza come se fosse un poema epico; e passava biglietti agli spettatori chiedendo consigli.
Tuttavia, pur affermando di essere stato pazzo al momento dello sparo – poiché Dio gli aveva tolto il libero arbitrio – insisteva nel dire che non era pazzo dal punto di vista medico, con grande disappunto della sua difesa. Finì per concordare con l’accusa sul fatto che sapeva che le sue azioni erano illegali.
Inoltre, sosteneva che la responsabilità della morte di Garfield ricadeva sui suoi medici, non su di lui. “Io gli ho solo sparato”, disse.
Quando non era in tribunale, dettò la sua autobiografia per The New York Herald, che includeva un annuncio personale in cui cercava “una simpatica signora cristiana sotto i 30 anni”, e iniziò a pianificare cosa fare dopo il processo. Guiteau sosteneva di aver fatto la cosa giusta e credeva che molti americani lo sostenessero. Scrisse persino ad Arthur dicendogli che avrebbe dovuto essere grato per lo stipendio più alto ora che era presidente.
Sicuro di essere rilasciato, Guiteau prevedeva di intraprendere un tour di conferenze in tutto il paese, seguito dalla sua candidatura alla presidenza nel 1884.
Invece, quando il processo si concluse alla fine di gennaio del 1882, la giuria impiegò meno di un’ora per dichiararlo colpevole, al che lui urlò: “Siete tutti dei miserabili, dei perfetti idioti!”. Guiteau fu condannato a morte per impiccagione.
Quando fu giustiziato Charles Guiteau?
L’esecuzione fu eseguita il 30 giugno 1882, due giorni prima del primo anniversario della sparatoria.
Sul patibolo, Guiteau recitò una poesia che aveva scritto quella mattina, un verso sconclusionato con le frasi “Gloria alleluia” e “Sto andando dal Signore” ripetute più e più volte.
La sua richiesta di avere un’orchestra che lo accompagnasse musicalmente fu respinta.
Che fine ha fatto il cervello di Charles Guiteau?
Death by Lightning ci fa credere che il cervello di Charles Guiteau sia conservato in un barattolo da qualche parte, e questo è assolutamente vero. Alcune parti sono ancora esposte al Mütter Museum di Filadelfia, un’istituzione specializzata in storia della medicina.
Dopo l’impiccagione, il corpo di Guiteau fu sottoposto ad autopsia e il suo cervello fu inviato per essere studiato nella speranza di trovare una spiegazione anatomica alla sua follia. Il suo stato mentale rimane ancora oggi oggetto di dibattito, con diagnosi che vanno dalla sifilide alla schizofrenia e alla psicopatia.
I creatori di Stranger Things, Matt e Ross Duffer, hanno risposto alle accuse di molestie mosse da Millie Bobby Brown e David Harbour prima della premiere della quinta stagione. In vista dell’uscita della quinta stagione di Stranger Things, un articolo del Daily Mailha riportato che Brown avrebbe presentato una denuncia per molestie e bullismo contro Harbour prima dell’inizio delle riprese degli episodi finali.
Parlando con The Hollywood Reporterdurante la premiere della quinta stagione di Stranger Things, Ross Duffer ha affrontato le accuse secondo cui Harbour avrebbe bullizzato Brown sul set della serie Netflix. Il co-creatore della serie ha spiegato di non poter affrontare “questioni personali sul set”, ma ha sottolineato la forza dei legami tra i membri principali del cast dello show:
Ovviamente capite che non posso entrare nel merito di questioni personali sul set, ma vi dirò che lavoriamo con questo cast da 10 anni e a questo punto sono come una famiglia per noi e teniamo molto a loro. Quindi, sapete, niente è più importante che avere un set dove tutti si sentono al sicuro e felici.
L’articolo, pubblicato sabato dal quotidiano britannico, sostiene che la Brown abbia presentato una denuncia per molestie e bullismo contro Harbour, che ha portato a un’indagine durata mesi da parte di Netflix. Sebbene la natura esatta della presunta denuncia non sia stata specificata nell’articolo, la fonte anonima citata dal Daily Mail ha affermato che “non includeva accuse di scorrettezza sessuale”.
Il rapporto sostiene che Brown avesse un rappresentante sul set con lei durante le riprese Stranger Things – stagione 5, che sono durate per la maggior parte del 2024. Anche se Netflix non ha risposto al rapporto, Brown e Harbour sono stati visti abbracciarsi al red carpet della premiere dell’ultima stagione. Anche il regista e produttore esecutivo Shawn Levy ha definito il rapporto “estremamente impreciso.”
Sullo schermo, Eleven di Brown e Jim Hopper di Harbour sono una coppia padre-figlia surrogata, con un arco narrativo lungo diverse stagioni che li lega come una famiglia. La loro dinamica è un aspetto centrale tra i personaggi di Stranger Things, ben lontano dalle accuse di molestie riportate nell’articolo. Sebbene la loro validità rimanga poco chiara, la dichiarazione di Duffer segnala che c’è stata una risoluzione amichevole.
Stranger Things stagione 5 debutta su Netflix con i primi quattro episodi il 26 novembre alle 20:00 ET, seguiti dai prossimi tre episodi il 25 dicembre e dal finale di serie il 31 dicembre. Nel finale tutti i personaggi principali della serie si uniranno per sconfiggere Vecna e impedire all’Upside Down di distruggere il mondo.
Ora che i Duffer hanno affrontato la questione, resta da vedere se Netflix o i rappresentanti di Brown e Harbour risponderanno. Anche se non è chiaro se la notizia virale avrà un impatto sul successo della quinta stagione di Stranger Things, le parole del co-creatore sembrano rassicurare sul fatto che qualsiasi cosa sia successa internamente è stata risolta in modo adeguato.
Alan Ritchson è stato preso in considerazione per un ruolo nel DC Universe di James Gunn.
In un’intervista conScreenRantper il suo prossimo film Playdate, a Ritchson è stato chiesto se ci fosse la possibilità che entrasse a far parte del franchise DCU. La star di Reacher ha confermato che è effettivamente in trattativa per un ruolo “caotico” nel franchise di Gunn, come ha rivelato:
Alan Ritchson: Sì. Sì. La conversazione che ho avuto con loro è stata più o meno questa: “Voglio interpretare un personaggio un po’ più caotico”. E ho detto loro che, se avessi accettato, avrei interpretato il tipo di personaggio che volevo e spiegato cosa avrebbe significato per il loro mondo, e penso che sia qualcosa che tutti vorrebbero vedere in questo momento. Quindi sì, voglio interpretare un personaggio un po’ più sporco rispetto al tipico protagonista pulito e ordinato.
FOTO IN COPERTINA: Alan Ritchson arriva al Charlize Theron Africa Outreach Project (CTAOP) 2023 Block Party. Foto di Image Press Agency via DepositPhotos.com
Ecco il trailer di Tua madre, il docufilm di Leonardo Malaguti, prodotto da Umberto Maria Angrisani con Dania Rendano, scritto da Margherita Arioli e Leonardo Malaguti, prossimamente al cinema.
Che cos’è una mamma?
Per molti, la parola evoca amore, calore e protezione. Ma dietro questa immagine si nasconde una realtà più complessa, fatta di ruoli, aspettative e identità in continuo cambiamento.
Tua Madre esplora come la società percepisce e definisce una donna quando diventa madre, chiedendosi se quel modello sia davvero naturale o una costruzione culturale che può evolversi. Attraverso le voci di donne (e non solo) provenienti da contesti diversi — tra cui esperte di sociologia, psicologia, politica e letteratura — il film offre un ritratto corale dell’esperienza materna contemporanea. A guidare questa ricerca è Dania (25), una studentessa di cinema che scopre di essere incinta e decide di trasformare il proprio dubbio in un documentario.
Il suo viaggio personale si intreccia con una riflessione collettiva, mostrando che essere madre dovrebbe essere, prima di tutto, una scelta individuale, influenzata ma non imposta dalla società.
C’è un genere che si è ormai affermato su Netflix: la docuserie. Nel corso degli anni, la piattaforma lo ha sempre più raffinato. Si sceglie un argomento, si realizzano interviste, si aggiungono ricostruzioni in modo che il parlato abbia una controparte visiva, e tutto ciò che viene mostrato sullo schermo viene persino estetizzato per ottenere un pacchetto pulito, impeccabile, quasi anestetizzato. La prima docuserie a stabilire un punto di riferimento è stata SanPa – Luci e tenebre di San Patrignano, che, a differenza di tutte le altre produzioni che ne hanno seguito le orme, aveva qualcosa che non si è mai ripetuto: la spontaneità.
Non quella degli intervistati o nel modo in cui i fatti sono stati presentati, ma nel genuino desiderio di raccontare una storia, di farlo con una certa struttura e scelte specifiche che, di fatto, si adattassero all’argomento. Eppure, da allora ce ne sono stati altri, ognuno dei quali ha perso sempre più quella cruda onestà che ha decretato il successo dell’originale. È su questa linea che arriva Terrazza Sentimento.
Chi è Alberto Genovese?
La docuserie in tre parti ricostruisce il caso dell’imprenditore Alberto Genovese e le violenze inflitte a diverse giovani donne che frequentavano la sua casa. Lo scandalo è scoppiato nell’ottobre 2020, gettando nuova luce sul cosiddetto stile di vita milanese da bere, sulla cocaina e i suoi effetti, e sulla scena mondana che prosperava nel periodo immediatamente successivo alla pandemia (e, a quanto pare, anche durante).
A differenza della docuserie in sé – il cui obiettivo sembra essere quello di produrre nuovi contenuti senza trovare un modo originale o incisivo per farlo, finendo per essere un mero contenitore di fatti – il risultato sembra più un’aggiunta alla libreria Netflix che una vera e propria indagine su uno dei più recenti scandali pubblici italiani. Questa impressione è rafforzata dal breve intervallo di tempo tra i fatti realmente accaduti e il loro adattamento in streaming.
Cortesia di Netflix
Terrazza Sentimento
Terrazza Sentimento avrebbe potuto essere l’occasione per far luce su come il privilegio diventi una scusa per giustificare gli atti più riprovevoli, sulla facilità con cui le donne rimangono costantemente esposte al pericolo e, soprattutto, sulla rapidità con cui vengono accusate di “cercarselo” anziché essere sostenute. La docuserie non è male, sebbene alcune scelte siano discutibili, come la necessità di tornare all’infanzia di Genovese per mostrare che era vittima di bullismo ed escluso dalle feste, una spiegazione che stride con la narrazione sulle feste edonistiche che organizzava da adulto e sugli abusi inflitti a donne drogate, sedate e violentate.
Un’altra scelta discutibile è l’uso di ricostruzioni digitali in assenza di materiali originali, complete di conversazioni simulate. Che Terrazza Sentimento abbia rapidamente raggiunto la vetta delle classifiche Netflix era prevedibile. Ma ciò che merita maggiore riflessione è la nostra continua fascinazione per l’approfondimento superficiale di storie inquietanti e la nostra ricerca della spettacolarizzazione del male, un fenomeno che ha poco a che fare con la qualità produttiva di queste docuserie.
La serie Death by Lightning, acclamata dalla critica e disponibile su Netflix, racconta il drammatico assassinio del presidente americano James A. Garfield, interpretato da Matthew Macfadyen, e del suo assassino Charles Guiteau, a cui dà volto Michael Shannon.
Pur essendo una produzione di altissimo livello, la miniserie omette un elemento importante della storia reale: il processo e la condanna di Guiteau.
A oltre 140 anni dai fatti, il caso è però ben documentato grazie a giornali dell’epoca e al libro del 1882 The Life of Guiteau and the Official History of the Most Exciting Case on Record di H.H. Alexander. È quindi possibile ricostruire nel dettaglio ciò che accadde dopo l’attentato, nella parte che la serie non mostra.
Il processo di Charles Guiteau
Il 2 luglio 1881, come mostrato nella serie, Charles Guiteau sparò due colpi di pistola al presidente Garfield nella stazione ferroviaria di Baltimore e Potomac. Fu immediatamente arrestato e rimase in prigione per oltre dieci settimane, mentre il presidente lottava tra la vita e la morte.
Quando Garfield morì, il suo vice Chester Arthur divenne presidente, e quello stesso giorno Guiteau fu incriminato per omicidio. Durante l’udienza preliminare del 14 ottobre 1881, si dichiarò non colpevole, sostenendo di essere stato temporaneamente folle e accusando i medici di Garfield di aver causato la morte con cure sbagliate.
Il suo avvocato e cognato, George Scoville, fece cadere le accuse di negligenza medica, e dopo un mese di rinvii, il processo iniziò il 14 novembre 1881. A rappresentare l’accusa c’erano il procuratore di Washington D.C., George Corkhill, e due rinomati legali, John Porter e Walter Davidge.
Guiteau tenta di difendersi da solo
Sin dal primo giorno del processo, Guiteau cercò di licenziare i suoi avvocati per assumere la propria difesa, sostenendo di conoscere il caso meglio di chiunque altro.
In aula, definì i suoi legali “incapaci e ottusi”, accusandoli di non sapere come condurre la difesa. Il giudice Walter Cox decise comunque di mantenerli, ma fu costretto a tollerare le frequenti interruzioni e gli sfoghi del detenuto per evitare un annullamento del processo. Guiteau arrivò persino ad accusare il giudice di volerlo “mettere a tacere”.
Un processo-spettacolo
Il processo di Charles Guiteau divenne presto un vero e proprio spettacolo pubblico.
L’imputato, convinto di essere popolare, trasformò l’aula in un palcoscenico, tra insulti, dichiarazioni assurde e continui interventi fuori luogo. Contestava le domande dei suoi stessi avvocati, derideva i testimoni della difesa e insultava Scoville definendolo “un asino nelle controinterrogazioni”. Come se non bastasse, decise di testimoniare in propria difesa, cosa che si rivelò disastrosa. Raccontò nei dettagli come aveva pianificato l’omicidio, descrivendo persino la scelta della pistola — con manici d’avorio — perché “sarebbe stata più bella da esporre in un museo”.
Con queste dichiarazioni, vanificò completamente la strategia della follia momentanea, sostenendo di essere stato “pazzo solo nel momento dello sparo”, ma perfettamente lucido durante il processo. Arrivò persino a dire che l’assassinio avrebbe reso famoso il suo libro autobiografico. Alla fine del processo, Guiteau cantò John Brown’s Body e si paragonò a George Washington, un gesto che confermò, secondo molti esperti, che il suo comportamento fosse in gran parte una recita per simulare la pazzia.
Gli esperti divisi sulla sua sanità mentale
Il caso Guiteau fu il primo grande processo americano a invocare la difesa per infermità mentale. Si basava sulla regola di M’Naghten, secondo cui un imputato è considerato folle solo se, al momento del crimine, non comprendeva ciò che stava facendo o non sapeva che fosse sbagliato.
Furono chiamati 36 medici, 23 per l’accusa e 13 per la difesa, ma le loro testimonianze risultarono contraddittorie. Alcuni sostenevano che Guiteau fosse nato folle, altri che avesse sviluppato disturbi mentali in seguito; qualcuno attribuiva la follia alla forma del cranio o a difetti di linguaggio, mentre altri dicevano che le lesioni cerebrali ne fossero la causa — anche se Guiteau non ne mostrava alcuna traccia.
La condanna a morte
Il 25 gennaio 1882, dopo due mesi di processo, la giuria impiegò appena 65 minuti per dichiararlo colpevole. Il 4 febbraio venne condannato alla pena di morte per impiccagione. Nonostante il ricorso alla Corte Suprema, la sua richiesta fu respinta. Disperata, la sorella di Guiteau cercò aiuto dalla vedova del presidente, Lucretia Garfield, ma fu respinta freddamente. Anche la figlia della coppia, Mollie Garfield, si indignò per l’audacia della donna.
L’esecuzione e la fine di Guiteau
Convinto fino all’ultimo di ricevere la grazia, Guiteau scrisse al nuovo presidente Chester Arthur, sostenendo che il suo gesto lo aveva favorito e meritava riconoscenza. Arthur, però, rifiutò ogni intervento. L’esecuzione fu fissata per il 30 giugno 1882 (la serie riporta per errore l’anno 1992).
Oltre 20.000 persone parteciparono a una lotteria per assistere all’impiccagione, ma solo 250 ottennero i biglietti per vedere la scena dal vivo. Proprio come mostrato in Death by Lightning, Guiteau salì sul patibolo, recitò la poesia “I Am Going to the Lordy” e fu infine impiccato.
Nel finale di Death by Lightning, la serie mantiene la promessa del suo inizio, ma lascia ancora molte domande su cosa accadrà dopo e sul significato complessivo della storia. La miniserie drammatica esplora la vita e la presidenza di James Garfield, il 20º presidente degli Stati Uniti, e la sua morte prematura, che pose fine al suo mandato dopo meno di un anno.
A causa del suo breve periodo alla Casa Bianca, l’eredità di Garfield è stata col tempo diluita e dimenticata, oscurata dalla tragedia della sua morte. Tuttavia, Death by Lightning riesce a ridare vita alla sua storia, approfondendo anche la mente dell’uomo che lo assassinò: Charles Guiteau.
Cosa succede alla fine di Death bey Lightning?
Il primo episodio chiarisce subito che la serie ruota attorno a James Garfield e al suo assassino, Charles Guiteau. Nel penultimo episodio, Guiteau spara due colpi contro il presidente Garfield, e il finale esplora le conseguenze di questo tragico evento. Inizialmente, le condizioni del presidente sembrano stabili: Garfield sopravvive per diverse settimane, ricevendo cure e potendo salutare la sua famiglia. Tuttavia, a causa della negligenza di un medico che rifiuta le teorie sui germi e la contaminazione, la ferita si infetta e Garfield muore.
Dopo la sua morte, Guiteau viene impiccato per l’attentato, ma il suo comportamento in prigione è bizzarro: concede interviste alla stampa e parla di un libro che vorrebbe pubblicare dopo la sua esecuzione. Quando la vedova di Garfield lo visita in carcere, gli dice chiaramente che il suo nome sarà dimenticato e che il suo libro non verrà mai pubblicato.
Nel frattempo, il vicepresidente Chester Arthur, inizialmente rivale politico di Garfield, ne diventa il successore. Dopo aver assistito alla bontà e all’integrità di Garfield, mostra un sincero cambiamento di cuore.
Il finale di Death by Lightning è storicamente accurato?
Come molte serie storiche, anche Death by Lightning si prende alcune libertà narrative, ma la maggior parte degli eventi è rappresentata fedelmente. Garfield fu realmente colpito da Guiteau due volte in una stazione ferroviaria e morì per un’infezione causata da cure mediche inadeguate. Chester Arthur divenne presidente dopo di lui e portò avanti parte del suo programma politico. Alcune scene, come quella dell’incontro in prigione tra la signora Garfield e Guiteau, sono invenzioni drammatiche, create per rendere la storia più emotiva e cinematografica.
Dopo la morte di Garfield, Chester Arthur divenne presidente in virtù del suo ruolo di vicepresidente. Era uno dei primi casi di questo tipo, e non esisteva ancora una procedura chiara per la transizione del potere o per nominare un nuovo vicepresidente.
Arthur governò quindi senza un vicepresidente per l’intero mandato. Il suo operato ha ricevuto giudizi contrastanti: alcuni lo lodano per le riforme introdotte, altri lo criticano per mancanza di carisma e direzione. Alla fine del suo mandato, i Democratici vinsero per la prima volta dalla Guerra Civile, segno forse che il Paese desiderava un cambiamento dopo la sua presidenza.
Cortesia di Netflix
Charles Guiteau scrisse davvero un libro sulla sua vita?
Nella serie si fa riferimento a un libro intitolato Truth, che in realtà esiste: si trattava di un articolo scritto da Guiteau per raccontare la sua versione dei fatti sull’assassinio. Fu pubblicato, ma non ebbe alcun impatto.
La scena del confronto tra Guiteau e la vedova Garfield è quindi puramente fiction, pensata per enfatizzare il tema della futilità del gesto di Guiteau e del fatto che la sua memoria sarebbe svanita nel tempo. È una scena emotiva ed efficace, ma non basata su eventi reali.
Cortesia di Netflix
Il vero significato del finale di Death by Lightning
La serie mette in evidenza i parallelismi tra la corruzione politica dell’epoca di Garfield e quella moderna, ma soprattutto riflette su eredità e moralità. Entrambi i protagonisti — Garfield e Guiteau — muoiono, ma i loro destini restano intrecciati. All’inizio, Guiteau ammira Garfield, ma dopo essere stato respinto, intraprende un percorso folle nel tentativo di lasciare un segno nella storia. Garfield, invece, è descritto come un uomo umile, interessato non alla gloria personale ma al bene del Paese, desideroso di mostrare un’alternativa alla politica corrotta.
Il messaggio della serie è chiaro: un solo uomo può cambiare una nazione, ma allo stesso tempo un solo uomo può distruggerne l’eredità. Il finale di Death by Lightning è dunque riflessivo e provocatorio, invitando gli spettatori a meditare su quanto il potere, la moralità e la memoria storica possano essere fragili.
Con i Giovani favolosi sabato 8 novembre prende ufficialmente il via la 30esima edizione di Linea d’Ombra Festival. Si parte dal futuro, con lo sguardo rivolto alla nuova generazione del cinema italiano: un passaggio di testimone ideale che dialoga con la storia e la memoria di trent’anni di ricerca sull’audiovisivo.
Un’edizione sold out per le giurie, con oltre 500 iscritti nelle due sezioni in concorso, che segna un successo già prima di cominciare e che promette di essere, più che una celebrazione, un nuovo inizio. Per festeggiare questo simbolico anniversario, Linea d’Ombra Festival, ideato e diretto da Peppe D’Antonio e Boris Sollazzo, proporrà fino al 15 novembre una densa otto giorni con oltre settanta eventi tra cinema, musica, libri, arti visive e formazione.
Ogni appuntamento sarà l’occasione per interrogarsi sul senso profondo dei Diritti/Rights, in particolare sul “diritto al sapere”, tema di questo trentennale. Un diritto che si fa racconto, ma anche visione e indagine. Un filo rosso che unisce la memoria dei trent’anni trascorsi al desiderio di conoscenza che anima il presente. Perché sapere è comprensione, scelta, partecipazione.
I luoghi di questo percorso simbolico sono proprio i tre concorsi: Passaggi d’Europa_30, con sei lungometraggi europei di finzione; CortoEuropa_30, con ventuno cortometraggi europei di finzione, animazione e documentario; e UniFest, con dieci opere audiovisive prodotte dagli studenti universitari di tutto il mondo.
IL PROGRAMMA DELLA GIORNATA. La trentesima edizione si apre con la meglio gioventù del cinema italiano. L’atteso Ring serale, alle 21.30 e moderato da Boris Sollazzo, vedrà protagonisti i Giovani favolosi, la nuova generazione del cinema italiano. L’incontro sarà con Samuele Carrino, che ha commosso l’Italia con Il ragazzo dai pantaloni rosa, Carlotta Gamba, titanica e lacerante in Dostoevskij dei fratelli D’Innocenzo, Aurora Giovinazzo che ha elettrizzato in Freaks Out e Ludovica Nasti, l’esplosiva Lila nella prima stagione de L’amica geniale. I 4 giovani favolosi dialogheranno con il pubblico in un evento simbolico che sarà possibile anche in diretta streaming sui canali di Linea d’Ombra Festival.
La sezione competitiva del festival, preceduta dall’apertura istituzionale di Linea d’Ombra Festival, prende il via alle 16.30 in Sala Pasolini con CortoEuropa_30, presentata da Carla Paglioli e Aldo Galelli. I titoli che verranno proiettati sono: Domenica sera di Matteo Tortone (Italia, 2024), Your Favourite Film di Claire Bonnefoy (Francia, 2025), Retirement Plan di John Kelly (Regno Unito, 2025), I’m glad you’re dead now (Tawfeek Barhom, 2025). Al termine dell’incontro è previsto un Q&A con gli autori. A seguire, La parola ai giurati, lo spazio di dibattito dedicato alla giuria popolare.
Alle 18.30 si prosegue con la sezione competitiva del festival. In Sala Pasolini, presentato da Peppe D’Antonio, sarà On the edge di Guérin van de Vorst, Sophie Muselle (Belgio, 2024), ad aprire il concorso Passaggi d’Europa_30, racconto con protagonista una giovane tirocinante in un ospedale psichiatrico che stringerà un forte legame con una giovane paziente di origine ceca, convinta di essere trattenuta nell’ospedale senza ragione. Al termine dell’incontro è previsto un Q&A con gli autori.
GLI OSPITI. Numerosi, quest’anno, gli ospiti che saranno presenti durante le otto giornate di Linea d’Ombra Festival. Dopo i Giovani favolosi, che apriranno la prima giornata di programmazione, il festival ospiterà, domenica 9 novembre alle ore 21.30 in Sala Pasolini un Ring con protagonista lo scrittore Donato Carrisi, che ripercorrerà la sua carriera di autore e regista. La giornata di martedì 11 novembre si aprirà con la prima delle tre masterclass, con protagonista Milena Mancini (ore 9.00, Complesso San Michele – Sala Formazione), attrice, autrice, danzatrice e performer, in un incontro dal titolo La costruzione del personaggio attraverso il movimento – dal testo all’azione. Si prosegue mercoledì 12 novembre alle ore 17.00 al Complesso San Michele – Sala Affreschi con la masterclass del fumettista Roberto Recchioni, moderata da Roberto Policastro, un incontro dedicato ai molteplici volti della narrazione. Sempre mercoledì 12 sarà ospite il regista Vincenzo Marra, che presenterà, Fuori Concorso, il documentario 58%, girato a Gaza nel 2004, e protagonista del Ring serale al Piccolo Teatro di Porta Catena dal titolo Marra(dona) è meglio ‘e Pelè, in un dialogo dedicato alla sua carriera. L’ultima masterclass dell’edizione, venerdì 14 al Piccolo Teatro di Porta Catena, sarà con il regista Edoardo De Angelis, produttore, scrittore e sceneggiatore. Una riflessione sul mestiere del regista oggi, tra creatività, consapevolezza e adattamento alle nuove pratiche produttive e distributive. Grande l’attesa per l’ospite internazionale dell’edizione, il regista Eran Riklis, in arrivo al festival venerdì 14 novembre. Alle 20.30 in Sala Pasolini Riklis sarà protagonista di un Ring dedicato alla sua lunga e proficua carriera e riceverà il Premio speciale Linea d’Ombra Maestri del Cinema. A Riklis, dalle 23.00 in Sala Pasolini, sarà dedicata l’attesa Maratona Notturna, durante la quale saranno proiettati cinque titoli cardine della sua filmografia. Uno speciale fuori programma sarà la presentazione, Sabato 15 alle ore 19:00 al Cinema Fatima, del film 40 secondi in presenza del regista, Vincenzo Alfieri, e due dei protagonisti, l’attrice Beatrice Puccilli e l’attore Justin De Vivo.
Saranno inoltre presenti al festival: lo scrittore e regista Manlio Castagna, per presentare il documentario I love Lucca Comics & Games, dedicato alla celebre manifestazione; il regista salernitano Loris G. Nese, per presentare al pubblico una proiezione speciale del lungometraggio Una cosa vicina, presentato alle Giornate degli Autori della 82a Mostra del Cinema di Venezia nel 2025; il regista Loris Lai, per la proiezione del film da lui realizzato, I bambini di Gaza. Sulle ali della libertà; Adriana Savarese, nota al grande pubblico come coprotagonista della fiction Belcanto e qui attrice protagonista del corto Trotula e il sentiero nel vento di Federica Avagliano. E ancora, numerosi i registi dei tre concorsi che saranno presenti durante le giornate di festival, protagonisti di incontri e Q&A con il pubblico.
Richard Linklater ha attualmente due nuovi film in procinto di arrivare al cinema, Nouvelle Vague (qui la recensione) e Blue Moon, ma resta da definire quale sarà il suo prossimo progetto. Negli ultimi anni il regista ha mantenuto un ritmo produttivo costante, rilasciando quattro film in quattro anni. Da tempo Linklater sta però anche sviluppando un’opera dedicata al trascendentalismo, movimento letterario che coinvolse figure come Margaret Fuller, Ralph Waldo Emerson e Henry David Thoreau.
Il regista ha descritto il progetto come un film ambientato nel XIX secolo, con un taglio vicino alle sue classiche “hangout movies”, e legato ai temi delle origini del femminismo, dell’ambientalismo e dell’abolizionismo. In una nuova intervista concessa a Filmmaker Magazine, Linklater ha dichiarato che il film è in lavorazione da circa vent’anni e potrebbe essere finalmente vicino alla produzione. Il regista ha inoltre fornito un aggiornamento sul possibile cast.
Ethan Hawke sarebbe coinvolto nel ruolo di Emerson, mentre Natalie Portman e Oscar Isaac potrebbero interpretare rispettivamente Margaret Fuller e Henry David Thoreau. Parallelamente, Linklater è al sesto anno di lavorazione di Merrily We Go Along, iniziato nel 2019 e caratterizzato dalla scelta di far invecchiare gli attori in tempo reale, come già avvenuto in Boyhood. Il film — che vede tra i protagonisti Paul Mescal, Beanie Feldstein e Ben Platt — dovrebbe arrivare nelle sale intorno al 2040.
Nel corso della sua carriera, Linklater ha realizzato una filmografia ampia e diversificata, che include titoli come La vita è un sogno, Before Sunrise, Before Sunset, Boyhood, Waking Life, School of Rock, Tutti vogliono qualcosa!!, Bernie e Apollo 10½, oltre ai recentiBlue Moone Nouvelle Vague. Questo nuovo progetto, ancora senza titolo ufficiale, andrebbe dunque ad aggiungersi ad una filmografia estremamente entusiasmante, di quello che è uno dei più grandi registi attualmente in attività.
In occasione dell’anniversario della scomparsa di Will Byers a Hawkins nel 1983, il 6 novembre i fan in tutto il mondo hanno festeggiato lo “Stranger Things Day”. Per celebrare questa speciale ricorrenza, ieri si è tenuta a Los Angeles la première globale della quinta e ultima stagione dell’amatissima serie, che ha visto la presenza dei protagonisti Millie Bobby Brown, Finn Wolfhard, Gaten Matarazzo, Caleb McLaughlin, Noah Schnapp, Winona Ryder, David Harbour, Sadie Sink, Natalia Dyer, Charlie Heaton, Joe Keery, Maya Hawke, Jamie Campbell Bower, dei creatori Matt & Ross Duffer e del resto del cast.
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Stranger Things. - Stagione 5 Premiere - Cortesia di Netflix
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A seguire sono stati poi rivelati in anteprima esclusiva i primi 5 minuti dell’attesissima quinta stagione, disponibili a questo link. Il capitolo conclusivo della serie debutterà su Netflix in tre volumi: il Volume 1 il 27 novembre (ep.1-4), il Volume 2 (ep.5-7) il 26 dicembre e il Finale il 1º gennaio 2026, tutti alle 2 del mattino (ora italiana). Le novità non sono finite: la nuova serie animata Stranger Things: Storie dal 1985 uscirà nel 2026 e sono da ora disponibili due immagini inedite e un video dietro le quinte. In questa avventura d’animazione i personaggi originali dovranno combattere nuovi mostri e svelare un mistero paranormale che terrorizza la loro cittadina.
Informazioni su Stranger Things: Storie dal 1985
Data di uscita: nel 2026
Sinossi: Bentornati a Hawkins nel rigido inverno del 1985, dove i personaggi originali devono combattere nuovi mostri e svelare un mistero paranormale che terrorizza la loro cittadina in Stranger Things: Tales from ’85, un’epica nuova serie animata.
Showrunner e Produttore Esecutivo: Eric Robles
Produttori Esecutivi: Matt e Ross Duffer, insieme a Hilary Leavitt, per Upside Down Pictures; Shawn Levy per 21 Laps; Dan Cohen
Studio di animazione: Flying Bark Productions
Doppiatori originali: Brooklyn Davey Norstedt (Undici), Jolie Hoang-Rappaport (Max), Luca Diaz (Mike), Ej (Elisha) Williams (Lucas), Braxton Quinney (Dustin), Ben Plessala (Will) e Brett Gipson (Hopper). Con la partecipazione di Odessa A’zion, Janeane Garofalo e Lou Diamond Phillips.
INFORMAZIONI SU STRANGER THINGS 5
● Date di uscita: 27 novembre 2025 h. 2:00 (Vol. 1 ep. 1-4), 26 dicembre 2025 h. 2:00 (Vol. 2 ep. 5-7), 1 gennaio 2026 h. 2:00 (Episodio Finale)
● Sinossi: Autunno 1987. Hawkins è rimasta segnata dall’apertura dei portali e i nostri eroi sono uniti da un unico obiettivo: trovare e uccidere Vecna, che è svanito nel nulla: non si sa dove si trovi né quali siano i suoi piani. A complicare la missione, il governo ha messo la città in quarantena militare e ha intensificato la caccia a Undici, costringendola a nascondersi di nuovo. Con l’avvicinarsi dell’anniversario della scomparsa di Will si fa strada una paura pesante e familiare. La battaglia finale è alle porte e con essa un’oscurità più potente e letale di qualsiasi altra situazione mai affrontata prima. Per porre fine a quest’incubo è necessario che il gruppo al completo resti unito, per l’ultima volta.
● Creata dai Duffer Brothers, Stranger Things è prodotta da Upside Down Pictures & 21 Laps Entertainment con i Duffer Brothers come produttori esecutivi, insieme a Shawn Levy di 21 Laps Entertainment e Dan Cohen.
● Cast: Winona Ryder (Joyce Byers), David Harbour (Jim Hopper), Millie Bobby Brown (Undici), Finn Wolfhard (Mike Wheeler), Gaten Matarazzo (Dustin Henderson), Caleb McLaughlin (Lucas Sinclair), Noah Schnapp (Will Byers), Sadie Sink (Max Mayfield), Natalia Dyer (Nancy Wheeler), Charlie Heaton (Jonathan Byers), Joe Keery (Steve Harrington), Maya Hawke (Robin Buckley), Priah Ferguson (Erica Sinclair), Brett Gelman (Murray), Jamie Campbell Bower (Vecna), Cara Buono (Karen Wheeler), Amybeth McNulty (Vickie), Nell Fisher (Holly Wheeler), Jake Connelly (Derek Turnbow), Alex Breaux (tenente Akers) e Linda Hamilton (dottoressa Kay)
Jurassic World – La rinascita(qui la recensione) ha superato gli 870 milioni di dollari al box-office mondiale e, secondo nuove indiscrezioni, Universal sarebbe al lavoro sul prossimo capitolo della saga. Come riportato da The InSneider, il regista Gareth Edwards sarebbe in trattative finali per tornare dietro la macchina da presa e dirigere il nuovo film del franchise. Il sequel dovrebbe vedere nuovamente protagonista Scarlett Johansson nel ruolo dell’esperta di operazioni sotto copertura Zoe Bennett. Attesi al ritorno anche Jonathan Baileye Mahershala Ali.
Non è ancora stato indicato lo sceneggiatore, ma tra i possibili nomi figura David Koepp, già autore del nuovo film della saga. In Jurassic World – La rinascita, la storia riprendeva cinque anni dopo gli eventi di Il dominio: i dinosauri esistono ancora in alcune aree isolate del pianeta e la comunità internazionale ritiene di aver ristabilito il controllo. Zoe Bennett guida una missione per ottenere campioni di DNA dai tre esemplari più grandi di terra, mare e aria, materiali considerati decisivi per potenziali sviluppi medici. La situazione, però, cambia rapidamente nel corso dell’operazione.
La regia del film era passata a Gareth Edwards — già autore de The Creator e Rogue One: A Star Wars Story — dopo l’uscita dal progetto del precedente regista David Leitch, ufficialmente per “divergenze creative”. Non sono ancora note tempistiche di produzione o data di uscita. Ulteriori aggiornamenti sul cast, sullo sviluppo e sulla distribuzione saranno annunciati da Universal nei prossimi mesi.
Predator: Badlands si conclude con un finale cruento ma appagante, che lascia aperto quanto basta per permettere al futuro della saga di svilupparsi in diverse direzioni. Il film di Dan Trachtenberg, seguito di Prey e Predator: Killer of Killers, si concentra su Dek, un giovane cacciatore Yautja determinato a dimostrare il proprio valore, sia a se stesso che alla sua tribù.
Il finale di Predator: Badlands prepara le future avventure di Dek e Thia
Il finale di Predator: Badlands getta le basi per il futuro del franchise, con Dek, Thia e Bud pronti per nuove avventure insieme. Alla fine del film, tutti e tre i protagonisti sono stati separati dalle rispettive famiglie, chi per scelta brutale, chi per perdita dolorosa. Tuttavia, hanno formato la loro tribù personale, costruita sull’amicizia e sulla solidarietà.
L’alleanza tra Dek e Thia sembra sfidare le regole della cultura tradizionale Yautja, dandogli motivo di restare costantemente in movimento e creando numerose opportunità per nuove avventure. È un approccio simile a quello di The Mandalorian, che prende un universo fantascientifico consolidato e lo espande in molteplici direzioni narrative.
Dek riesce a sconfiggere il padre, mentre Thia ferma la sorella; tuttavia, entrambi restano minacciati da figure materne. L’ultima inquadratura del film lascia intendere che la madre di Dek potrebbe essere la principale antagonista di un eventuale seguito, mentre MU/TH/UR potrebbe rappresentare perfettamente la minaccia costante della corporazione Weyland-Yutani.
Accanto a loro c’è Bud, il simpatico compagno animale — per quanto letale — che accompagna i protagonisti e porta un tocco di leggerezza. La conclusione della prima avventura cinematografica di Dek lascia quindi la porta spalancata per il ritorno dei tre eroi, con la possibilità di trasformarli nei protagonisti ricorrenti di un nuovo ciclo narrativo.
Come Predator: Badlands amplia la mitologia degli Yautja
Per molto tempo, la cultura Yautja è rimasta in secondo piano nei film della saga Predator. Le pellicole si erano sempre concentrate sugli esseri umani costretti ad affrontare i cacciatori alieni, sfruttando il mistero che li circondava per creare tensione e dramma. Questa volta, invece, spostando il punto di vista su un Predator, Badlands ha l’occasione di espandere il mondo e la cultura di questa specie.
Mentre Predator: Killer of Killers mostrava un’arena di combattimento e guerrieri catturati, Badlands si focalizza su una singola tribù. Le norme culturali Yautja considerano la pietà e il dolore come segni di debolezza, difetti da estirpare dal collettivo. È una società brutale, dove il padre di Dek considera una morte rapida come un vero atto di misericordia.
Ciò che rende interessante il viaggio di Dek è il modo in cui resiste ad alcuni aspetti della sua cultura pur rimanendo fedele ad altri. Non smette mai di combattere e di rispettare i costumi del suo popolo, fino a guadagnarsi onorevolmente il suo mantello da cacciatore. Tuttavia, accoglie anche la filosofia di Thia, che gli parla dei branchi di lupi e del ruolo dell’“Alpha”, concetto che adotta per fondare il suo stesso clan nel finale del film.
Questa evoluzione rispecchia i temi centrali del film, che parlano di amore familiare e abuso, con Dek che onora la memoria del fratello Kwei diventando per gli altri il protettore che Kwei era stato per lui. Il film si apre citando il Codice Yautja, che sottolinea l’importanza per un predatore di stare solo. Ma Dek sceglie un’altra via: essere un Alpha che protegge, non solo uno che uccide.
Cortesia Disney
Il futuro di Badlands potrebbe intrecciarsi con Killer of Killers e l’universo di Alien
Uno degli aspetti più affascinanti del finale di Predator: Badlands è il modo in cui semina spunti per collegarsi non solo a un possibile sequel, ma anche ai precedenti film e all’universo di Alien. La nave che si dirige verso Dek, Thia e Bud nelle ultime scene potrebbe appartenere alla madre di Dek, oppure essere la stessa nave usata da Torres e Kenji in Killer of Killers.
Questo collegamento permetterebbe ai due film di intrecciarsi direttamente, portando alla cattura dei protagonisti da parte di una razza aliena. Se invece la nave appartenesse alla madre di Dek, potrebbe arrivare per reclutare il figlio in una nuova caccia, introducendo così un dilemma morale che metterebbe in conflitto la natura da cacciatore di Dek con l’umanità ereditata da Thia.
Inoltre, la presenza di Thia nel film consolida un aspetto importante: sotto il marchio Disney, gli universi di Alien e Predator coesistono ufficialmente. Considerando che Alien: Romulus si conclude con i protagonisti che fuggono nello spazio profondo, non sarebbe impossibile immaginare un loro atterraggio nello stesso pianeta di Dek e Thia.
Anche la natura delle creature aliene presenti su Genna potrebbe servire da ponte con la serie Alien: Earth, rafforzando il legame tra la serie televisiva e i film. Le bestie pericolose di quello show FX si adatterebbero perfettamente all’ecosistema letale del pianeta di Badlands. Tutto questo potrebbe portare a un nuovo, epico Alien vs. Predator.
Cortesia Disney
Il vero significato di Predator: Badlands
Predator: Badlands segue una linea emotiva semplice ma potente, usando l’ambientazione fantascientifica e le assurde creature aliene come superficie d’intrattenimento per raccontare una storia più profonda: quella del dolore — e della salvezza — che può nascere dal legame familiare. Dek e Thia iniziano davvero a capirsi e a empatizzare solo quando scoprono di condividere un rapporto fraterno.
Dek è ossessionato per tutto il film dalla perdita di suo fratello Kwei; è questa ferita che lo spinge a completare la caccia, onorando le ultime parole del fratello e dimostrando che la sua morte non è stata vana. Allo stesso modo, Thia ha un rapporto conflittuale con la propria “sorella” Tessa, che inizia come alleata, quasi sacrificandosi per salvarla dal Kalisk che dovevano catturare. Tuttavia, Tessa finisce per incarnare la stessa crudeltà del padre di Dek, interpretando la morte di Kwei come una “lezione” e abbandonando Thia, considerata troppo debole.
Sia Dek che Thia si trovano quindi a dover affrontare un familiare — reale o simbolico — che distrugge la figura del protettore. Perfino Bud condivide un destino simile: si scopre che è un cucciolo di Kalisk, separato dalla madre e costretto ad assistere alla sua morte per mano di Tessa. Alla fine, però, questi tre “orfani” — Dek, Thia e Bud — formano una nuova famiglia, più forte e unita di prima.
C’è un cuore morale dolce e sorprendente in Predator: Badlands, che sottolinea l’importanza della comunità attraverso tre emarginati che si uniscono per affrontare un mondo crudele.
Il film dona a un Predator, a un androide e a un piccolo alieno una umanità condivisa, costruita con semplicità e sincerità. Sotto tutta l’azione, il sangue e i mostri, Predator: Badlands racconta una verità semplice ma potente: l’onore e la forza più grandi si trovano nella famiglia.
Russell Crowe ha appena rivelato di aver conosciuto per la prima volta il suo co-protagonista di Highlander, Henry Cavill, quando quest’ultimo era ancora un adolescente. I due attori avevano già lavorato insieme in Man of Steel, dove Crowe interpretava Jor-El e Cavill Clark Kent/Superman. Più di dieci anni dopo, si ritrovano fianco a fianco per il reboot di Highlander.
Durante la promozione del suo nuovo film Norimberga, Crowe è stato ospite del The Joe Rogan Experience, dove ha raccontato di aver incontrato Cavill molti anni prima delle riprese di Man of Steel.
All’epoca, Crowe stava lavorando a un film intitolato Proof of Life (Rapimento e riscatto), uscito nel 2000. Una delle scene veniva girata alla Stowe School in Inghilterra, durante una partita di rugby. Mentre cercava di concentrarsi sulla scena, Crowe non poteva fare a meno di osservare il gioco, colpito dalle straordinarie abilità di uno dei ragazzi in campo.
Durante una pausa dalle riprese, quel ragazzo — che altri non era se non un giovanissimo Henry Cavill — si avvicinò a Crowe, si presentò e gli chiese come si potesse iniziare una carriera da attore. I due ebbero così una breve conversazione, prima di essere circondati dagli altri studenti e separarsi.
Qualche giorno dopo, Crowe tornò alla Stowe School per partecipare a un evento in onore di Merlin Hanbury-Tenison, il ragazzo che nel film interpretava suo figlio in Proof of Life.
Mentre era lì, decise di firmare una foto per il giovane giocatore di rugby che lo aveva colpito, scoprendo che il suo nome era Henry. Sulla foto scrisse: “A Henry, un viaggio di mille miglia inizia con un solo passo. Russell.”
Crowe ha ricordato quell’incontro con affetto: “Adoro Henry. Lo conosco da tanto tempo, da quando era ancora uno scolaro. L’ho incontrato in un posto chiamato Stowe School, in Inghilterra. Stavo girando una scena per un film intitolato Proof of Life, in cui parlavo con mio figlio nel film, mentre sullo sfondo si giocava una partita di rugby. Stavo cercando di concentrarmi, ma continuavo a guardare il campo: c’era un ragazzo che aveva un vero talento, un’intelligenza naturale per il gioco. Quando abbiamo finito la scena e lo sfondo si è svuotato, quel ragazzo si è avvicinato a me. Era proprio lui, quello che avevo osservato. Voleva fare due chiacchiere. Si è presentato e mi ha chiesto come si fa a diventare attore. Abbiamo avuto una conversazione molto breve, poi siamo stati sommersi dagli altri studenti.”
“Qualche giorno dopo stavo preparando un regalo per il ragazzo che interpretava mio figlio, Merlin Hanbury-Tenison. Mi erano avanzate alcune foto e ho pensato: come si chiamava quell’altro ragazzo? Henry. Così ho scritto su una foto di Il gladiatore — che non era ancora uscito all’epoca — ‘A Henry, un viaggio di mille miglia inizia con un solo passo. Russell.’ A quanto pare, Henry ha conservato quella foto con sé ovunque vivesse, continuando a tenere vivo e ardente il suo sogno.”
Anni dopo, Russell Crowe e Cavill si ritrovarono nella stessa palestra, in Illinois, per prepararsi alle riprese di L’Uomo d’Acciaio. “La volta successiva in cui ho visto Henry Cavill è stata in una palestra, vicino a Chicago. Io mi allenavo da una parte, lui dall’altra. E pensavo tra me e me: beh, io sono il padre di Superman… quindi quello dev’essere Superman, no? In effetti gli somiglia. Abbiamo passato una settimana o più ad allenarci nello stesso posto prima di parlarci. Un giorno si è avvicinato, mi ha stretto la mano e abbiamo cominciato a parlare. A un certo punto gli ho chiesto: ‘Ti conosco, vero?’ E lui mi ha risposto: ‘Sì, signore, mi conosce.’ Poi mi ha ricordato dove ci eravamo incontrati. E io: ‘Henry? Quell’Henry? Sei tu, Henry?’ È stato pazzesco. Davvero incredibile, no?”
Crowe ha definito quella coincidenza “assolutamente folle” e “incredibile”. Secondo l’attore, Cavill ha conservato la foto autografata indipendentemente da dove vivesse o da che lavoro stesse facendo, mantenendo sempre viva la passione per la recitazione.
Con i due attori ora pronti per il reboot di Highlander, si scopre che è stato proprio Cavill a voler fortemente Crowe nel cast, nel ruolo di Ramirez, il personaggio interpretato originariamente da Sean Connery nel film del 1986. Per Cavill, Crowe era “l’unica opzione possibile”.
Crowe, entusiasta della scelta, ha dichiarato: “Ora ci troviamo in questa nuova situazione, con Henry nel ruolo del nuovo Highlander. Gli hanno chiesto chi volesse come Ramirez, e lui ha risposto: ‘Ho una sola opzione, dovete prendere lui.’ È fantastico. Sarà molto divertente quando finalmente potremo girarlo. Questo è il terzo capitolo della nostra connessione, e quando arriverà il momento, sarà bellissimo.”
Le riprese di Highlander sarebbero dovute iniziare già da tempo, ma Cavill ha subito la rottura del tendine d’Achille, costringendo la produzione a rinviare il progetto.
Highlander è una saga fantasy nata nel 1986 con Christopher Lambert nei panni di Connor MacLeod (lo stesso personaggio che interpreterà Cavill nel reboot) e Sean Connery come suo mentore, Ramirez. Il film originale ha dato vita a quattro sequel, un film d’animazione e tre serie televisive. La storia ruota attorno a Connor, che scopre di essere immortale e di dover combattere contro un guerriero rivale per sopravvivere.
Il reboot di Highlander è in sviluppo da diversi anni, con vari attori e registi associati al progetto in momenti diversi. Oltre a Crowe e Cavill, nel cast figurano anche Marisa Abela, Karen Gillan, Djimon Hounsou, Max Zhang, Dave Bautista e Drew McIntyre. La produzione dovrebbe iniziare nel 2026, una volta che Cavill si sarà completamente ripreso dal suo infortunio.
È un’immagine potente ed evocativa quella affidata alla matita di La Came dal Noir in Festival 2025: l’ombra avvolgente del maestro Andrea Camilleri scopre una scena simbolica dell’universo noir, tra Porto Empedocle e la città, una scena notturna rischiarata appena dai fasci di luce di chi indaga.
Alla fine delle celebrazioni per il centenario del grande scrittore (premiato al Noir in Festival nel 2011 con il nostro massimo premio, il Raymond Chandler Award), era naturale che Noir in Festival lo salutasse con un omaggio, in accordo con la famiglia e il Fondo Andrea Camilleri, che la disegnatrice La Came ha reinterpretato con il suo stile inconfondibile.
Alla vigilia della sua 35° edizione, Noir in Festival (Milano, 1-6 dicembre) svela la sua immagine dell’anno anticipando così la sua identità che non muta: raccontare il mondo del mystery, oggi autentico punto di riferimento della narrazione in tutto il mondo, tra disagio, inchiesta, ossessioni e paure grazie al cinema, alla letteratura, alla serialità, fumetto e new media. Sono già stati svelati i film finalisti del Premio Claudio Caligari per il miglior film italiano di genere (promosso dal festival insieme all’Università IULM), mentre nei prossimi giorni saranno note le anticipazioni della nuova edizione in programma al Cinema Arlecchino – Cineteca di Milano dal 24 al 30 novembre nel quadro dell’iniziativa “Uno, due tre…Festival!” con Piccolo Grande Cinema e Filmmaker Festival. Infine, c’è già grande attesa per la pre-inaugurazione di domenica 30 novembre con Maurizio De Giovanni alla Libreria Rizzoli Galleria (ore 18.00).
Il programma completo di Noir in Festival 2025 verrà invece presentato nel corso della conferenza stampa in programma il 20 novembre a Palazzo Marino, sede del Comune di Milano.
L’autrice dell’immagine del Noir in Festival 2025
Laura Camelli (La Came), fumettista, illustratrice, pittrice e bookbinder ossessionata di autoproduzioni e microeditoria. Fa parte del collettivo di fumettisti Mammaiuto con cui pubblica Suomi, I Tre Cani e DVNZN. Per Inuit Bookshop pubblica in risograph JSB e Versus. Di recente ha disegnato il fumetto horror Malanottescritto da Marco Taddei, una storia breve per Lupo Alberto scritta da Lorenzo La Neve e fa parte del team di che ha realizzato il nuovo progetto a fumetti di Caparezza. Collabora con storie brevi per varie realtà editoriali indipendenti e non, come Lok-Zine, Attaccapanni Press, La Revue, Jacobin, Linus, Quasi rivista.
La Came sarà al Noir in Festival il 2 dicembre alle ore 15.00 alla IULM per incontrare il pubblico e gli studenti dell’Università.
Il film horror soprannaturale di Stan Lee sta finalmente prendendo forma dopo 50 anni di inattività, a conferma che il film si farà. Lee è noto soprattutto per il suo lavoro nella Marvel Comics, dove ha creato supereroi e cattivi classici come Spider-Man e Dottor Destino. Ma nel 1969, concepì un film horror, insieme al regista Lloyd Kaufman, che non fu mai realizzato.
Ora, secondo Bloody Disgusting, il film mai realizzato di Lee e Kaufman, Night of the Witch, è entrato in pre-produzione tramite Little Spark Films. Il film sarà diretto dal proprietario della casa di produzione, Joe Manco, che ha co-scritto la sceneggiatura insieme a Kaufman. Da parte sua, Kaufman sarà anche produttore esecutivo.
La trama di Night of the Witch
Il film seguirà la stessa trama che Lee e Kaufman avevano immaginato nel 1969, sviluppandola poi in una prima bozza di sceneggiatura nel 1971. Night of the Witch racconta la storia di una ragazza messicano-americana accusata di stregoneria durante il 200° anniversario di un processo alle streghe di importanza storica. Manko e Kaufman hanno rilasciato dichiarazioni entusiaste per la realizzazione del film:
Joe Manco: È una storia molto potente. Una volta capito cosa Lloyd cerca di dire nelle sue sceneggiature, si capisce il significato nascosto di tutto; il messaggio. Questo è ciò che mi interessa di più. La notte della strega è attuale oggi quanto lo era nel 1970, forse anche di più, e la nostra missione è renderla più incisiva, più brutale e ricordare alle persone che queste stesse battaglie sono state combattute per decenni.
Lloyd Kaufman: Riconosco il talento quando lo vedo – la mia esperienza lo dimostra – e Joe è il regista giusto per dare finalmente vita a questa storia. Proprio come ho passato la scopa di Toxie a Macon Blair al Comic-Con, passo Night of the Witch a Joe Manco. È pronto, più che pronto, a raccogliere il testimone e finalmente realizzare questo film.
Quando cominceranno le riprese di Night of the Witch
Le riprese del film dovrebbero iniziare a Dallas, in Texas, e nelle aree circostanti, nel 2026. Ci saranno contatti per finanziare la produzione mentre la pre-produzione è in corso, con la speranza che gli investitori contribuiscano a finanziare il film. Inoltre, Little Spark produrrà un documentario sul prossimo film horror, intitolato Passing the Torch, sullo sviluppo del film da parte di Manco.
Lee non è riuscito a vedere Night of the Witch concretizzarsi, essendo morto nel novembre 2018, molto prima che iniziassero le trattative per la sua realizzazione. Tuttavia, Passing the Torch è destinato a riconoscere il suo contributo al film, insieme al modo in cui ha aiutato Kaufman a far decollare il suo classico del 1984 The Toxic Avenger.
Sebbene i dettagli esatti della trama rimangano segreti, sembra che Kaufman e Manco intendano incarnare le idee fondamentali della sceneggiatura originale, adattandola al XXI secolo. Non è chiaro quante idee di Lee rimarranno valide per la versione finale. Ma, dato che sarà onorato durante la produzione, è probabile che il suo contributo fondamentale rimanga.
Con Night of the Witch in pieno svolgimento il prossimo anno, l’eredità di Lee vivrà nel film, anche se non ha avuto la possibilità di vederlo. La collaborazione tra Manco e Kaufman fornirà al film un solido punto di partenza per il successo. Con il procedere della pre-produzione, ulteriori informazioni arriveranno sicuramente a tempo debito.
La star di Game of Thrones, Emilia Clarke, è stata individuata in un’anteprima della sua nuova commedia romantica, Next Life, in cui recita al fianco di Edgar Ramírez. L’attrice ha ottenuto diversi ruoli dalla fine della serie fantasy. Tra questi, un ruolo vocale di Pippa in The Twits del 2025 e un ruolo importante come G’iah in Secret Invasion.
Ora, Deadline ha pubblicato la prima immagine di Next Life, il suo prossimo film commedia romantica. L’immagine mostra Clarke e il suo co-protagonista, Ramírez, seduti insieme su un treno. Nel film, Clarke interpreta Ivy, una ragazza che sperimenta possibili vite in universi paralleli con Diego (Ramirez) e Noah (Jack Farthing). Date un’occhiata alla prima immagine del film qui sotto:
Next Life Rocket Science
In Next Life, gli universi paralleli che Ivy, interpretata da Clarke, attraversa fungono da portali verso potenziali decisioni di vita che potrebbe prendere. In uno, c’è Diego, che incoraggia costantemente i suoi sogni e le sue ambizioni, indipendentemente da ciò che deve fare per sostenerla. Nell’altro, c’è Noah, un amore passato con cui riaccende un profondo legame.
Il film non ha ancora una data di uscita, ma la casa di produzione Rocket Science presenterà il film ai potenziali acquirenti prima dell’American Film Market della prossima settimana. Il CEO di Rocket Science, Thorsten Schumacher, ha descritto il film come “un film che piace al pubblico, che insegna a seguire le proprie passioni”, elogiandone l’ambientazione londinese, l’influenza musicale e l’interpretazione principale di Clarke.
Sebbene la prossima commedia romantica non abbia ancora una data di uscita ufficiale, la dichiarazione di Schumacher suggerisce che sarà un altro ruolo fondamentale per Clarke dopo Il Trono di Spade. Sarà anche il primo ruolo da attrice per Femi Koleoso, leader degli Ezra Collective, un pluripremiato gruppo jazz britannico. Il compositore candidato all’Oscar Dan Romer ha composto la musica del film.
Questo non è l’unico progetto imminente che Emilia Clarke ha in cantiere. Avrà un ruolo principale nel dramma poliziesco di Prime VideoCriminal con Charlie Hunnam, e sarà la protagonista del thriller di spionaggio in costume Ponies per Peacock. Next Life è solo uno dei tanti grandi progetti che usciranno presto.
Ma è anche uno dei suoi più singolari, grazie al suo uso distorto del tempo e agli elementi comici. Questo primo sguardo a Next Life sottolinea come procederà il viaggio di Ivy, ma senza rivelare troppo sul film e sulla sua direzione. Mentre cerca la distribuzione, senza dubbio verranno rivelati maggiori dettagli su cosa riserva il futuro.
Come Predator: Badlands amplia la mitologia degli Yautja
Anni dopo, 
