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European Film Awards 2024: Emilia Pérez trionfa

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European Film Awards 2024: Emilia Pérez trionfa

L’ultimo film di Jacques Audiard, Emilia Pérez, ha dominato gli European Film Awards a Lucerna, in Svizzera, aggiudicandosi i premi di miglior film e miglior regista. Il film di Audiard è arrivato alla serata a pari merito con La stanza accanto di Pedro Almodovar per il maggior numero di nomination. Il bottino del film include anche la migliore attrice per Karla Sofia Gascón e la migliore sceneggiatura.

Altri grandi vincitori questa sera in Svizzera sono stati il ​​regista Gints Zilbalodis che ha vinto il premio come miglior film d’animazione per il suo film di successo Flow e il film palestinese-israeliano No Other Land che ha vinto il premio come miglior documentario.

Gli European Film Awards, votati dai circa 5.000 membri dell’European Film Academy di Berlino in tutta Europa, sono anche visti come un indicatore per il quale i film europei probabilmente prenderanno piede nella stagione dei premi degli Stati Uniti.

Il vincitore del premio come miglior film europeo dell’anno scorso, Anatomia di una caduta, ha ottenuto cinque nomination agli Oscar, tra cui miglior film e migliore attrice (Sandra Hüller), con la regista Justine Triet e il co-sceneggiatore Arthur Harari che hanno vinto l’Academy Award per la migliore sceneggiatura.

Dal prossimo anno, gli European Film Awards si svolgeranno a gennaio, spostamento deciso come parte di una strategia per posizionare i premi all’interno del più ampio dibattito sulla stagione dei premi su entrambe le sponde dell’Atlantico.

European-Film-AwardsTutti i vincitori 2024 European Film Awards

European Film
EMILIA PÉREZ by Jacques Audiard

European Director
Jacques Audiard for EMILIA PÉREZ

European Screenwriter
Jacques Audiard for EMILIA PÉREZ

European Actress
Karla Sofía Gascón in EMILIA PÉREZ

European Actor
Abou Sangare in SOULEYMANE’S STORY

Best Documentary
NO OTHER LAND (Palestine, Norway) – documentary film, directed by Yuval Abraham, Rachel Szor, Basel Adra & Hamdan Ballal, produced by Fabien Greenberg, Bård Kjøge Rønning, Yuval Abraham, Basel Adra, Rachel Szor & Hamdan Ballal

European Discovery – Prix FIPRESCI
Armand, directed by Halfdan Ullmann Tøndel

Young Audience Award
The Remarkable Life of Ibelin (Norway), directed by Benjamin Ree, produced by Ingvil Giske

European Animated Feature Film
FLOW directed by Gints Zilbalodis (Latvia, France, Belgium)

European Cinematography
The Substance (Benjamin Kračun)

European Editing
Emilia Pérez (Juliette Welfling)

European Production Design
The Girl With the Needle (Jagna Dobesz)

European Costume Design
The Devil’s Bath (Tanja Hausner)

European Make-up & Hair
When the Light Breaks (Evalotte Oosterop)

European Original Score:
The Girl With the Needle (Frederikke Hoffmeier)

European Sound
Souleymane’s Story (Marc-Olivier Brullé, Pierre Bariaud, Charlotte Butrak, Samuel Aïchoun, Rodrigo Diaz)

European Visual Effects
THE SUBSTANCE (Bryan Jones, Pierre Procoudine-Gorsky, Chervin Shafaghi, Guillaume Le Gouez)

European Short Film
THE MAN WHO COULD NOT REMAIN SILENT directed by Nebojša Slijepčević (Croatia, France, Bulgaria, Slovenia)

European Achievement in World Cinema
Isabella Rossellini

Misteri dal profondo: il trailer del film con Miles Teller e Anya Taylor-Joy

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Apple TV+ ha presentato il trailer del film sci-fi d’azioneMisteri dal profondo” con Miles Teller, Anya Taylor-Joy e Sigourney Weaver in arrivo il 14 febbraio.

Nel prossimo thriller Apple Original, due agenti altamente addestrati (Miles Teller e Anya Taylor-Joy) vengono incaricati di occupare le torri di guardia sui lati opposti di una gola vasta e attentamente sorvegliata, per proteggere il mondo da un male misterioso e sconosciuto che si nasconde al suo interno. I due legano a distanza, mentre cercano di rimanere vigili per difendersi da un nemico invisibile. Quando la minaccia apocalittica per l’umanità viene loro rivelata, si trovano costretti a collaborare in una prova di forza fisica e mentale per mantenere il segreto nella gola prima che sia troppo tardi.

Interpretato anche da Sigourney Weaver, “Misteri dal profondo” è diretto da Scott Derrickson da una sceneggiatura di Zach Dean. David Ellison, Dana Goldberg e Don Granger di Skydance Media producono insieme alla Crooked Highway di Derrickson, C. Robert Cargill, Sherryl Clark e insieme a Zach Dean, Adam Kolbrenner e Greg Goodman. Miles Teller è produttore esecutivo.

Le informazioni su Misteri dal profondo

  • Regia:                            Scott Derrickson
  • Cast:                              Miles Teller, Anya Taylor-Joy, Sigourney Weaver
  • Scritto da:                      Zach Dean
  • Produttori:                     David Ellison, Dana Goldberg, Don Granger, Scott Derrickson,
  • Produttori esecutivi:     Miles Teller

34° Noir in festival: premiati Brief History of a Family e Mimì – il principe delle tenebre

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Un’insospettabile Asia Argento in versione commedia brillante al fianco di Matilde Gioli e Pierpaolo Spollon in Fatti vedere di Tiziano Russo porta il sorriso nella serata finale del 34° Noir in festival che si conclude oggi con il festeggiamento ai premiati dei due concorsi per il cinema.

La giuria per il concorso internazionale del Noir in Festival 2024, composta dal regista e produttore inglese James Jones (Presidente), insieme a Chiara Caselli (attrice, regista e fotografa), Fulvio Risuleo (regista) e Letizia Toni (attrice) ha attribuito all’unanimità il premio per il miglior film della 34ma edizione del Noir in Festival:

Black Panther Award 2024 a

  • BRIEF HISTORY OF A FAMILY di Lin Jianjie

con la seguente motivazione: “Se è vero che il Noir è un sentimento con cui si racconta una storia, il film a cui assegniamo il nostro unico e importante premio può considerarsi un esempio di questa maniera di vedere il mondo. Per la sua capacità di raccontare uno spaccato sociale senza mai essere didascalico e con grande sensibilità, per la sua regia originale, poetica e la sua abilità di utilizzare pochi elementi ricchi di mistero.”. BRIEF HISTORY OF A FAMILY di Lin Jianjie arriverà nelle sale italiane distribuito da Movies Inspired.

La giuria popolare composta come da tradizione da giovani studenti e appassionati di cinema, coordinati da Maurizio Di Rienzo e affiancati dagli esperti Nicole Bianchi, Anna Maria Pasetti, Giulio Sangiorgio (delegato IULM), ha visto e votato i sei titoli finalisti decretando il vincitore della 9° edizione del

MIMI - IL PRINCIPE DELLE TENEBRE
MIMI – IL PRINCIPE DELLE TENEBRE di Brando De Sica ha vinto il premio Claudio Caligari 2024

Premio Claudio Caligari per il miglior film noir italiano dell’anno, realizzato dal Noir in Festival in collaborazione con IULM e Cinecittà News, a

  • MIMÌ – IL PRINCIPE DELLE TENEBRE di Brando De Sica

Il film ha vinto per un’incollatura sugli altri cinque finalisti, e da gennaio tornerà sugli schermi, sulle maggiori piattaforme, dopo l’uscita in sala a fine 2023 con Cinecittà Luce.

L’ultima giornata del Noir in festival ha avuto i colori del giallo e del rosa, dopo una settimana in noir, fitta di protagonisti ed eventi d’eccellenza tra la  grande “Signora in nero” Joyce Carol Oates, vincitrice del Raymond Chandler Award, il tributo a Steven Soderbergh con l’anteprima del suo atteso Presence, gli incontri con maestri del mystery come Maurizio De Giovanni, Juan Gómez-Jurado, Vanna Vinci, Luca Crovi e gli autori del Premio Giorgio Scerbanenco, l’omaggio ad Alain Delon (con l’Institut Français).

Al pubblico dei giovani e giovanissimi è infatti dedicato Il migliore dei mali, esordio alla regia della youtuber di Violetta “Rocks” Rovetto accompagnata al festival da due dei protagonisti Andrea Arru e Giuseppe Pallone.

Ha invece i colori della commedia romantica intinta nel mystery il film che conclude quest’edizione del festival per salutarci con un sorriso e festeggiare la verve comica di un’inedita e travolgente Asia Argento. Il nuovo film di Tiziano Russo Fatti vedere, da febbraio in sala con Eagle Pictures, è una brillante commedia romantica piena di colpi di scena e cambi di registro, ricca di venature noir.

Noir in Festival 2024

Suicide Squad, David Ayer sull’Ayer Cut: “Penso che meritiate di vederlo”

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Uscito nel 2016, Suicide Squad ha visto Amanda Waller inviare la Task Force X in una zona di guerra dove molti di loro sono stati prontamente uccisi (dalla Waller o dall’Incantatrice). Tuttavia, a differenza degli Slipknot, l’Ayer Cut non vuole morire.

Dopo l’anteprima di Creature Commandos su Max questa settimana, alcuni fan del DCEU sono tornati a fare campagna per la Warner Bros. e per i DC Studios, affinché rilascino l’Ayer Cut.

Nel corso degli anni, il regista David Ayer è andato avanti e indietro, unendosi a questi sforzi o dicendo di essere andato avanti. Da allora ha realizzato quattro film: Bright, The Tax Collector, The Beekeeper e Levon’s Trade, in uscita l’anno prossimo.

Per quanto possa essere frustrante e sconvolgente che la sua visione di Suicide Squad non sia mai stata vista, non è che la sua carriera sia stata completamente deragliata dalle interferenze degli studios come è successo al regista di Fantastic Four Josh Trank.

Comunque sia, dopo aver condiviso altre immagini del film, Ayer è tornato su X per condividere le sue speranze che il mondo veda il director’s cut del film.

“La versione migliore semplicemente non è stata vista”, ha detto il regista ai suoi follower. “So quanto sia difficile per chi non è del settore comprendere quanto possano essere follemente diversi i tagli di un film. Se non vi piace quello che avete visto, ecco l’opportunità di vedere quello che intendevo effettivamente e poi giudicare una volta che avrete tutte le informazioni”.

“Onestamente non ho idea se [la Warner Bros.] rilascerà mai la mia versione. E devo rimandare a James [Gunn] e allo studio di gestire la cosa come meglio credono ”, ha continuato. “Non è una cosa che controllo. Credo solo che sarebbe molto divertente per chi vuole vederlo, vedere la mia versione. Se non fa per voi, lo capisco perfettamente. Abbiamo tutti gusti diversi, gusti e non gusti”.

Ayer ha poi riconosciuto: “Se succede, bene. Se non succede, bene. Non è così profondo. Penso che vi meritiate di vederlo e di giudicarlo allora. Se non fa per voi, bene”.

È difficile immaginare che la versione di Ayer di Suicide Squad sia una priorità per Gunn e per i DC Studios, soprattutto quando stanno cercando di rimediare ai danni causati al marchio dal DCEU.

Inoltre non sembra esserci una sorta di richiesta mainstream per questo taglio, al di là del tipo di utenti dei social media che fanno una campagna per #ReleaseTheAyerCut in un solo respiro e poi condividono le teorie secondo cui Gunn avrebbe basato Rick Flag Sr. su se stesso…

28 anni dopo: teaser svela un primo inquietante filmato

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28 anni dopo: teaser svela un primo inquietante filmato

Un teaser svela un primo inquietante filmato di 28 anni dopo; il trailer completo è previsto per la prossima settimana. Il regista (Danny Boyle) e lo sceneggiatore (Alex Garland) di 28 Giorni dopo hanno riallacciato la collaborazione per una serie di sequel del successo horror del 2002 e, dopo il poster di ieri, è stato diffuso online il primo teaser del primo film della trilogia prevista, 28 Anni dopo.

Il promo dura solo pochi secondi, ma contiene alcune immagini da incubo, tra cui una rapida inquadratura di uno spaventapasseri dall’aspetto piuttosto bizzarro (qualcosa ci dice che non è fatto solo di paglia) con una freccia in testa. Inoltre, il codice morse ripete la parola “Tuesday”, indicando che un trailer completo sarà disponibile all’inizio della prossima settimana.

Jodie ComerAaron Taylor-Johnson, Ralph Fiennes hanno firmato per interpretare i ruoli principali ed è stato confermato anche il ritorno di Cillian Murphy nel ruolo del protagonista del film originale, Jim.

Si ma in un modo sorprendente e in un modo che cresce, lasciatemelo dire“, ha detto il presidente del Sony Motion Pictures Group Tom Rothman quando gli è stato chiesto se Murphy sarebbe tornato in una recente intervista. “Questo è Danny [Boyle] al suo meglio, combinato con un genere molto commerciale, come abbiamo avuto con Edgar Wright e Baby Driver. A volte, quando si inserisce un vero regista d’autore in un’arena commerciale, lo si eleva“. Non sappiamo quanto sarà consistente la parte di Murphy, ma sembra che possa avere solo un piccolo ruolo nel primo film, per poi avere un ruolo più importante nei successivi.

Cosa sappiamo su 28 anni dopo

28 giorni dopo è stato un grande successo e ha già generato un seguito meno apprezzato (ma comunque degno di nota), 28 settimane dopo del 2007. Boyle e Garland erano coinvolti solo come produttori esecutivi in quel progetto, quindi molti fan vedranno sicuramente questo nuovo film come il primo vero sequel.

Boyle dirigerà il primo capitolo, mentre Nia DaCosta è stata annunciata di recente come regista del secondo film, che pare si intitolerà 28 anni dopo parte 2: Il tempio delle ossa. Il piano prevede di girare entrambi i film in parallelo. Garland scriverà tutti e tre i film. Il budget per ogni film si aggira intorno ai 75 milioni di dollari.

Il primo film vedeva Cillian Murphy nei panni di un uomo che si risveglia dal coma dopo un incidente in bicicletta e scopre che l’Inghilterra è stata invasa dagli “Infetti”. Il virus trasforma le sue vittime in assassini furiosi, ma a differenza dei soliti “zombie”, queste creature possono muoversi con una velocità spaventosa. L’uomo si mette quindi in viaggio per scoprire cosa sta succedendo, incontrando lungo la strada i compagni sopravvissuti interpretati da Naomie Harris e Brendan Gleeson, oltre a un maggiore dell’esercito squilibrato interpretato da Christopher Eccleston.

I dettagli sulla trama di 28 anni dopo non sono ancora stati resi noti, ma il periodo suggerisce che si svolgerà in un futuro prossimo, il che significa che il film potrebbe essere più orientato verso la fantascienza che verso l’horror vero e proprio.

Scissione: trailer della seconda stagione dal 17 gennaio 2025 su Apple TV+

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Ieri dal Thunder Stage del CCXP24 di San Paolo, Brasile, Apple TV+ ha presentato il trailer dell’attesissima seconda stagione di Scissione, con il creatore, scrittore e produttore esecutivo della serie Dan Erickson, il protagonista e produttore esecutivo Adam Scott e le star Britt Lower e Tramell Tillman che si sono uniti ai fan per condividere un’esclusiva anticipazione di ciò che ci aspetta per gli innies e gli outies delle Lumon Industries. La seconda stagione di Scissione, composta da 10 episodi, farà il suo debutto su Apple TV+ il 17 gennaio 2025 con il primo episodio seguito da nuove puntate ogni venerdì fino al 21 marzo.

Il thriller ambientato sul posto di lavoro acclamato dalla critica e vincitrice di un Emmy e di un Peabody Award, è ideato dal produttore esecutivo e regista Ben Stiller ed è interpretato dal candidato all’Emmy Adam Scott, Britt Lower, Tramell Tillman, Zach Cherry, Jen Tullock, Michael Chernus, Dichen Lachman, il vincitore dell’Emmy John Turturro, il premio Oscar Christopher Walken e la vincitrice dell’Oscar e dell’Emmy Patricia Arquette e dà il benvenuto nella seconda stagione ai nuovi series regular Sarah Bock e Ólafur Darri Ólafsson.

https://youtu.be/BKeyAag6j4g

La trama della seconda stagione di Scissione

In Scissione Mark Scout (Adam Scott) guida un team di lavoro della Lumon Industries i cui dipendenti sono stati sottoposti a una procedura di scissione, che divide chirurgicamente i loro ricordi professionali da quelli personali. Questo audace esperimento di “equilibrio tra lavoro e vita privata” viene messo in discussione quando Mark si ritrova al centro di un mistero da svelare che lo costringerà a confrontarsi con la vera natura del suo lavoro… e di se stesso. Nella seconda stagione, Mark e i suoi amici scoprono le terribili conseguenze derivanti dall’aver giocato con la barriera della separazione, che li trascinerà ulteriormente lungo un percorso di guai e dolore.

“Scissione” è prodotta esecutivamente da Ben Stiller, che dirige anche cinque episodi della nuova stagione, alternandosi alla regia con Uta Bresiewitz, Sam Donovan e Jessica Lee Gagné. La serie è scritta, creata e prodotta esecutivamente da Dan Erickson. La seconda stagione è prodotta anche da John Lesher, Jackie Cohn, Mark Friedman, Beau Willimon, Jordan Tappis, Sam Donovan, Caroline Baron, Richard Schwartz, Nicholas Weinstock. Oltre a essere protagonisti, Adam Scott e Patricia Arquette sono anche produttori esecutivi. Fifth Season è lo studio.

La prima stagione completa di Scissione, disponibile in streaming su Apple TV+, è stata acclamata dal pubblico e dalla critica internazionale e, oltre a vincere gli AFI Awards, ha ottenuto 14 nomination agli Emmy, tra cui Outstanding Drama Series, Outstanding Directing for a Drama Series (Ben Stiller), Outstanding Lead Actor in a Drama Series (Adam Scott) e Outstanding Writing for a Drama Series, aggiudicandosi i premi nelle categorie Outstanding Music Composition for a Series e Outstanding Main Title Design. La serie ha ottenuto anche due Writers Guild of America Awards come Miglior nuova serie e Miglior serie drammatica, oltre a due nomination agli Screen Actors Guild Awards e una nomination ai Producers Guild e ai Directors Guild Awards.

Joker: Folie à Deux di Todd Phillips chiude la sua corsa a 206 milioni di incasso

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Joker: Folie à Deux (qui la nostra recensione) di Todd Phillips sarà disponibile per lo streaming su Max dal 13 dicembre prima di arrivare su HBO linear il 14 dicembre alle 20:00. ET e probabilmente poi anche su Sky e NOW in Italia, e ora sono disponibili i totali finali del botteghino mondiale del sequel.

Il film ha incassato solo 206 milioni di $ al botteghino globale (di cui 58 milioni in Nord America) e si prevede che rappresenterà una perdita per lo studio dai 150 ai 200 milioni di dollari.

Si tratta di un risultato ben lontano da quello del primo film di Joker, che ha incassato oltre 1 miliardo di $ in tutto il mondo ed è stato il film vietato ai minori con il più alto incasso di tutti i tempi prima che Deadpool e Wolverine lo superassero all’inizio di quest’anno.

Joker: Folie à Deux, la nostra video recensione

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Nosferatu, la PETA contro il film: “I topi non hanno causato la peste”

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PETA ha in programma di protestare contro la proiezione di domenica all’Academy di Nosferatu del regista Robert Eggers. L’organizzazione per i diritti degli animali ha in programma di inviare un “ratto gigante” al Samuel Goldwyn Theater per “mettere le cose in chiaro” sui 5.000 topi vivi che Eggers usa durante una sequenza del film in cui i topi sbarcano a Londra, portando con sé la peste bubbonica.

In una dichiarazione, la direttrice degli animali nel cinema e in televisione della PETA Lauren Thomasson ha affermato: “Un essere umano non ha più probabilità di essere ferito o ucciso da un topo nella vita reale che da un vampiro, e le false rappresentazioni di questi animali come messaggeri di morte negano agli spettatori la possibilità di vederli come gli individui intelligenti, socievoli e affettuosi che sono. Gli unici “parassiti” di cui gli spettatori devono preoccuparsi sono i registi che sottopongono gli animali al caos e alla confusione di un set cinematografico, e la PETA incoraggia tutti a guardare oltre questi vergognosi stereotipi e a dare ai topi il rispetto che meritano”.

Il topo della PETA porterà un cartello con la scritta “I topi hanno dei diritti! Non abbiamo causato la peste!”. Dopo una delle prime proiezioni pubbliche del film, Eggers ha discusso la scena in una conversazione con Guillermo del Toro, dicendo: “Se ci sono dei topi in primo piano, sono veri, e poi si diradano e diventano topi CG sullo sfondo. Ed erano ben addestrati”. Ha aggiunto: “Non sapevo che i topi fossero incontinenti, quindi l’odore è pazzesco”.

Lo scenografo Craig Lathrop ha raccontato a Variety della scena: “I topi. Nessuno di loro si è perso. Li abbiamo trovati tutti. Erano tutti lì. Abbiamo costruito queste barriere di plexiglass in modo che i topi vivi fossero in un’area controllata”, ha detto, aggiungendo che la produzione si è presa cura di garantire la sicurezza dei roditori. “Nella scena sulla strada, i cavalli sono da una parte della barriera di plexiglass e i topi dall’altra, in modo che i topi non corrano sotto i loro piedi e vengano schiacciati, così nessuno si è tatto male”.

Tutto quello che sappiamo su Nosferatu

Nosferatu è interpretato da Bill Skarsgård, che sostituisce il trucco da clown di Pennywise con le zanne affilate del Conte Orlock, nonché da Nicholas Hoult, Aaron Taylor-Johnson, Emma Corrin e Lily-Rose Depp. Il film riunisce inoltre Eggers con Willem Dafoe, che ha interpretato in modo memorabile un ex marinaio irascibile in The Lighthouse e che è apparso anche nel precedente film del regista, The Northman. L’epopea vichinga vedeva protagonista il fratello di Skarsgård, Alexander Skarsgård, nel ruolo di un guerriero norreno con una massa grassa impressionante e addominali formidabilmente cesellati.

Nosferatu è basato sul capolavoro espressionista tedesco del 1922 diretto da F. W. Murnau – la realizzazione di quel film ha ispirato il film del 2000, completamente fittizio, L’ombra del vampiro, che ha visto protagonista Dafoe, candidato all’Oscar, nel ruolo di un succhiasangue realmente esistito, arruolato per interpretare il ruolo di Orlock. Qui l’attore interpreta invece un assassino di vampiri. Nosferatu è stato anche rifatto nel 1979 da Werner Herzog come Nosferatu il vampiro, con il suo frequente collaboratore Klaus Kinski. Nosferatu arriverà al cinema a partire dal 1 gennaio.

28 anni dopo: il primo inquietante poster

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28 anni dopo: il primo inquietante poster

Dopo aver deciso di non partecipare al CCXP questo fine settimana, la Sony Pictures ha pubblicato il primo poster di 28 anni dopo. Con un po’ di fortuna, questo significa che un trailer non è lontano. Il film riprende dopo gli eventi di 28 giorni dopo di Danny Boyle e 28 settimane dopo di Juan Carlos Fresnadillo.

Non ci dice molto, ma il poster sembra indicato e evocativo del franchise e ci conferma che il regista di Civil War ed Ex Machina Alex Garland è tornato a scrivere la sceneggiatura dopo aver precedentemente scritto 28 giorni dopo e Sunshine di Boyle. Il poster include anche un nuovo slogan minaccioso: “Il tempo non ha guarito nulla”.

Chi altro è coinvolto in 28 anni dopo?

28 anni dopo sarà il terzo capitolo del franchise, dopo il seguito 28 settimane dopo, con Jeremy Renner nel 2007. Il film darà anche il via a una nuova trilogia scritta interamente da Garland che vedrà Nia DaCosta, regista di Candyman, occuparsi della regia del film centrale. Fiennes sarà uno dei tre nuovi protagonisti del primo film, insieme ad Aaron Taylor-Johnson e Jodie Comer. Per non essere escluso, anche il Jim di Cillian Murphy tornerà per la prima volta dopo il finale speranzoso del film del 2002, anche se è cresciuto notevolmente rispetto al corriere che si risveglia dopo un’epidemia di virus catastrofico. Sono confermati anche Erin Kellyman e Jack O’Connell. I dettagli sui personaggi e sulla trama sono stati tenuti nascosti, ma è probabile che ne sapremo di più con l’avvicinarsi dell’uscita del film.

Captain America: Brave New World, Cap e Falcon spiccano il volo nel nuovo spot

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Gli spot promozionali per Captain America: Brave New World stanno cominciando a fare il loro lavoro, ben prima che il film arrivi in sala all’inizio del 2025, e ora Microsoft ha diffuso un nuovo spot pubblicitario di un minuto in cui compaiono delle immagini inedite dal film.

In questo, Joaquin Torres usa una nuova tecnologia Windows per progettare le sue ali; Sam Wilson, nel frattempo, ha questioni più urgenti a cui badare mentre scatena vari gadget per combattere i suoi nemici sul campo di battaglia.

Abbiamo anche alcune riprese inedite del film mentre Captain America e il nuovo Falcon si lanciano in azione insieme (e nel video vediamo davvero la mano del Celestial Tiamut, in lontananza). Si prevede che questa sia la location di una delle principali sequenze d’azione aeree in Captain America: Brave New World e la fonte di Adamantio nell’MCU.

Quello che sappiamo sul film Captain America: Brave New World

Captain America: Brave New World riprenderà da dove si è conclusa la serie Disney+ The Falcon and the Winter Soldier, seguendo l’ex Falcon Sam Wilson (Anthony Mackie) dopo aver formalmente assunto il ruolo di Capitan America. Il regista Julius Onah (Luce, The Cloverfield Paradox) ha descritto il film come un “thriller paranoico” e ha confermato che vedrà il ritorno del Leader (Tim Blake Nelson), che ha iniziato la sua trasformazione radioattiva alla fine de L’incredibile Hulk del 2008.

Secondo quanto riferito, la star di Alita: Angelo della Battaglia Rosa Salazar interpreterà la cattiva Diamondback, mentre ancora sconosciuto è il ruolo del villain interpretato da Giancarlo Esposito. Harrison Ford, invece, assume qui il ruolo di Thaddeus “Thunderbolt” Ross, che a quanto rivelato dal primo trailer si trasformerà ad un certo punto nel Hulk Rosso.

Nonostante dunque avrà degli elementi al di fuori della natura umana, il film riporterà il Marvel Cinematic Universe su una dimensione più terrestre e realista, come già fatto anche dai precedenti film dedicati a Captain America. Ad ora, il film è indicato come uno dei titoli più importanti della Fase 5.

Anthony Mackie ha recentemente dichiarato che questo film è “10 volte più grande” della sua serie Disney+ e ha parlato della dinamica tra Cap e il nuovo Falcon, Joaquin Torres. “Sono in coppia alla pari“, ha scherzato. “Sono entrambi militari. Io ero il suo ufficiale comandante. Tra noi c’è più amicizia rispetto al modo in cui ammiravo Steve o al modo in cui non mi piaceva Bucky“.

Questo film è un chiaro reset. Ristabilisce davvero l’idea di cosa sia e cosa sarà questo universo“, ha aggiunto Mackie. “Penso che con questo film, si stia ottenendo un chiaro, nuovo marchio di ciò che la Marvel vuoole essere nello stesso modo in cui hanno fatto con Captain America: The Winter Soldier“.

 

Harry Potter: Mark Strong per Silente, Brett Goldstein per Hagrid e altri rumor sul casting della serie

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Dopo la notizia che Paapa Essiedu è in trattative per interpretare Severus Piton nella serie TV di Harry Potter della HBO, Deadline ha inserito altri nomi nel mix delle possibilità per interpretare diversi altri personaggi di spicco.

Sebbene non siano state fatte “offerte formali”, si dice che la star di Dune: Prophecy Mark Strong sia in lizza per interpretare Albus Silente (insieme al già citato Mark Rylance), con la co-creatrice/star di Bad Sisters Sharon Horgan e Rachel Weisz sono state prese in considerazione per interpretare Minerva McGonagall. Infine, l’attore di Ted Lasso e Thor: Love and Thunder Brett Goldstein sarebbe in lizza per interpretare Hagrid.

Brett Goldstein filmHBO è molto cauta in questa fase e ha risposto con la stessa dichiarazione per ogni richiesta di conferma: “Sappiamo che una serie così importante susciterà molte voci e speculazioni. Mentre procediamo nella pre-produzione, confermeremo i dettagli solo quando finalizzeremo gli accordi”.

Lo studio è attualmente alla ricerca di nuovi attori per interpretare i tre ruoli principali di Harry, Ron e Hermione e ha lanciato un casting aperto per bambini di età compresa tra 9 e 11 anni. Si dice che WBD “spera di popolare il cast degli adulti con alcuni degli attori più noti del Regno Unito”.

Cosa sappiamo della serie di Harry Potter?

Francesca Gardiner (Succession, His Dark Materials, Killing Eve) è a bordo come showrunner e produttore esecutivo, con Mark Mylod (Succession, Game of Thrones, The Last of Us) arruolato come produttore esecutivo e regista di numerosi episodi.

La sinossi ufficiale dello show recita: “La serie sarà un fedele adattamento dell’amata serie di libri di Harry Potter dell’autrice e produttrice esecutiva J.K. Rowling. La serie presenterà un nuovo cast per guidare una nuova generazione di fandom, ricca di fantastici dettagli e personaggi amatissimi che i fan di Harry Potter amano da oltre venticinque anni”.

“Ogni stagione porterà Harry Potter e queste incredibili avventure a nuovi pubblici in tutto il mondo, mentre i film originali, classici e amati rimarranno al centro del franchise e disponibili per la visione a livello globale”.

La serie non ha ancora una data di uscita ufficiale, ma dovrebbe arrivare nel 2026.

Robbie Williams presenta Better Man: “Un processo liberatorio, ma se dovesse andar male significherà altra terapia”

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Accolto da trepidazione e emozione, Robbie Williams ha incontrato la stampa italiana a Roma per presentare Better Man, il biopic che racconta la storia della sua vita e della sua carriera. Un film diretto da Michael Gracey (The Greatest Showman) in cui la star non si risparmia e racconta con grande onestà tutto quello che gli è accaduto, dal successo alle dipendenze.

Better Man è un atto di coraggio?

Robbie Williams: “Questo film non è ancora uscito e fino a questo momento tutti hanno detto cose molto carine. Io ci ho messo la mia autenticità e il desiderio di condividere tutto. Per ora è stato un processo liberatorio, ma se non dovesse essere un successo diventerà l’esatto opposto, e questo vorrà dire altra terapia!”

La Scimmia è come Robbie Williams vede se stesso

Perché ha deciso di apparire nella storia come una scimmia?

RW: “È il modo in cui Robbie si vede. In questo modo il pubblico può vedere Robbie esattamente come lui si vede. Poi ci sono un sacco di biopic un po’ ripuliti e edulcorati in giro, in questo periodo. Il nostro non è un film o edulcorato, anche in quelle situazioni in cui sarebbe dovuto essere ripulito, e questo particolare della scimmia secondo me lo ha reso più interessante.”

Better Man propone un grande grado di sincerità. È stato difficile visto che il film coinvolge anche altre persone?

RW: “Per me non è un problema spiegare chi sono e farlo con la massima sincerità e autenticità, perché sono nello spettro. Non trovo insolite certe cose, tranne quando me lo fanno notare. Solo in quel momento lo capisco e mi viene una crisi esistenziale. Mi sono trovato ad avere a che fare con una figura pubblica che era predisposta a condividere le parti positive e anche quelle negative. E credo che per ora si parli bene del film proprio perché si capisce che è un film autentico, cosa di cui abbiamo particolarmente bisogno e che non viene invece restituita dai media.”

Better Man
© Jonno Davies and Robbie Williams as “Robbie Williams” in Better Man from Paramount Pictures.

Un biopic realizzato per motivi carrieristici

Spera che guardando il film qualcuno trovi conforto?

RW: “Non ho fatto questo film per altruismo, l’ho fatto per motivi carrieristici perché questo serve alla mia carriera in questo momento. Per professione io cerco l’attenzione degli altri e esisto solo quando la ottengo. Così come quando ho fatto il documentario per Netflix. L’ho fatto principalmente per me, ma il fatto è che siccome l’autenticità piace alle persone, allora quello trova riscontro nel pubblico. È un effetto collaterale, molte persone sono venute da me dicendomi che hanno gradito la storia, ritrovandoci la loro vita e le loro relazioni. Ma è un effetto collaterale che mi ha fatto sentire bene, il mio lato narcisista ha portato a effetti positivi. Ma non è stato quello l’obbiettivo principale.”

Nel film ci sono tanti ricordi, ma non c’è la sua ospitata a Sanremo ’94, cosa ricorda?

RW: “Sanremo… lo fanno ancora? Mi piacerebbe essere invitato. Devo dire che in Italia c’è un’energia molto precisa tra il pubblico. È una cosa che ho notato anche ieri sera durante la diretta di X Factor (Robbie Williams era ospite durante la finale a Piazza del Plebiscito, ndr). In Inghilterra gli spettacoli in televisione sono molto ordinati, ieri invece il backstage c’era la confusione totale, mentre la diretta andava in onda in maniera perfetta. E mi sono reso conto di questo meraviglioso caos che regnava che ti fa rendere conto del calore che ti arriva dalle persone. Ho amato la bellezza di tutto quello che succedeva, di questo calore, partecipazione e accoglienza. E se si accoglie questo calore, non puoi fare a meno di amare l’Italia. Per quanto riguarda Sanremo ’94, ero così fatto che non mi ricordo nulla.”

Robbie Williams
Robbie Williams a Roma presenta Better Man – Foto di Chiara Guida

Robbie Williams e il rapporto con il suo corpo

Il corpo è stato molto importante per la sua carriera, ma che tipo di rapporto ha con il suo corpo, cosa ha significato per lei nel corso della sua carriera?

RW: “Il mio corpo è sempre stato fonte di disagio e malattia, sono un dipendente impulsivo, per cui la droga, il sesso, il cibo, l’alcol sono sempre state cause di dipendenze per me. Ora, con le droghe ho smesso, con il bere, ho smesso di bere, pure con il sesso abbiamo chiuso (ride), a questo punto però il problema rimane il cibo. Il problema alimentare continua ancora oggi, ed è stato problematico sin da quando ero in undicenne cicciottello. Ha fatto sviluppare una nevrosi che io mi porto dietro ancora oggi. Al di fuori dei video e dei film, il problema del corpo continua a persistere. Certo, oggi sono tremendamente sexy, ma ancora oggi il corpo può essere causa di grande vergogna e grande dolore. È un malessere che mi accompagna. Il rapporto con il mio corpo continua a essere complesso e doloroso.”

Noir in festival 2024: si chiude nel segno del cinema italiano

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Noir in festival 2024: si chiude nel segno del cinema italiano

Ultima giornata di programmazione per il Noir in festival, la cui 34ma edizione si chiude sabato 7 dicembre all’insegna della miglior letteratura e del miglior cinema di genere. Tanti gli ospiti che hanno reso imperdibile questa edizione, tra cui la più grande scrittrice americana vivente Joyce Carol Oates, premiata con il Raymond Chandler Award, o lo spagnolo Juan Gómez-Jurado, autore di best seller internazionalmente celebrati, e grandi nomi della letteratura italiana tra cui Maurizio De Giovanni.

Evento di chiusura del festival sarà un’anteprima imperdibile fuori concorso: Fatti Vedere di Tiziano Russo (prenota il tuo biglietto gratuito), commedia a tinte noir che vede nel cast Matilde Gioli, Francesco Centorame, Pierpaolo Spollon e Asia Argentoche arriverà nelle sale italiane grazie ad Eagle Pictures. A presentare il film in sala saranno il regista Tiziano Russo e Asia Argento (ore 20.30 – Cineteca Milano Arlecchino).

Il cinema è stato protagonista indiscusso in questa edizione di festival, con proiezioni e ospiti che hanno portato al Noir quanto più di rappresentativo si possa vedere oggi nelle cinematografie mondiali. Dall’horrorPresence firmato da Steven Soderbergh, al bizzarro e grottesco Rumours con protagonista un’inedita Cate Blanchett, fino a Miséricorde di Alain Guiraudie, celebrato dai Cahiers du Cinema e accompagnato al festival dal protagonista Felix Kysil, o Brief history of a family di Lin Jianjie.

Nella giornata conclusiva del festival sarà invece il cinema italiano ad essere protagonista assoluto alla Cineteca Milano Arlecchino. Oltre a Fatti vedere, il festival ospiterà alle 14.30 l’anteprima di Il migliore dei mali, opera prima della youtuber e sceneggiatrice Violetta Rovetto (conosciuta sul web come Violetta Rocks), che adatta per il grande schermo l’omonima graphic novel da lei firmata, edita Shockdom. Il film è un’avventura tra giallo e fantastico dove i misteriosi avvenimenti che si verificano attorno a cinque ragazzini e alla loro città natale, li porterà a scontrarsi con «il migliore dei mali». Ad accompagnare il film in sala, insieme alla regista, anche i due protagonisti Andrea Arru e Giuseppe Pallone.

Nel corso della serata di chiusura saranno assegnati i premi per il cinema: il Black Panther Award, assegnato a uno degli otto film in concorso, scelto da una giuria composta da Chiara Caselli, James Jones, Fulvio Risuleo e Letizia Toni, e il Premio Caligari al miglior film noir italiano dell’anno.

L’orchestra stonata: intervista a Emmanuel Courcol e Irène Muscari, il regista e la co-sceneggiatrice del film

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Al cinema dal 5 dicembre, dopo l’anteprima alla Festa del Cinema di Roma 2024, arriva L’Orchestra Stonata (qui la recensione), di Emmanuel Courcol, che racconta una storia di famiglia, amicizia e soprattutto amore per la musica.

Quando al celebre direttore d’orchestra Thibaut viene diagnosticata la leucemia, un test del DNA per trovare un donatore di midollo osseo rivela che è stato adottato. Thibaut rintraccia e incontra così il fratello biologico Jimmy, un operaio che suona il trombone in una banda musicale locale a Lille. Quando la banda perde il suo direttore, Thibaut subentra come sostituto e i fratelli apprendono di più sulle circostanze che hanno plasmato le rispettive vite, condividendo la passione e la vocazione per la musica.

In occasione del festival Capitolino, abbiamo incontrato il regista e sceneggiatore Emmanuel Courcol e la sceneggiatrice, Irène Muscari, alla sua prima prova con la scrittura per il cinema.

Una scena del film L'orchestra stonata
Una scena del film L’orchestra stonata © Thibault Grabherr

Intervista a Emmanuel Courcol e Irène Muscari, il regista e la co-sceneggiatrice de L’Orchestra Stonata

Quanto è importante il contesto sociale quando si ha un’ambizione artistica?

Emmanuel Courcol: “L’importanza del contesto sociale viene principalmente dall’educazione che si riceve, artistica e scolastica. Ma ancora prima, in ambienti sociali più sfavoriti, spesso non si hanno neanche le ambizioni, si vive in un contesto in cui neanche viene in mente di poter ambire a determinate carriere. L’ambiente che ti circonda fa sì che neanche si possa avere un sogno o pensare in grande. Nel film, i due fratelli hanno entrambi un grande talento musicale, ma Jimmy nella sua vita non ha mai pensato di poter trasformare il suo talento naturale in un lavoro, non ha mai pensato che sarebbe potuto diventare un grande artista o un direttore d’orchestra. Il primo limite è l’autocensura.”

Irène Muscari: “A contatto con Thibaut, Jimmy comincia a sognare di fare qualcosa di diverso. Per lui il ventaglio delle possibilità si allarga improvvisamente ed è il fratello che gli offre questa prospettiva, però il problema è che la vita non aspetta. Se a tre anni sei stato messo in una casa di accoglienza invece che davanti a un pianoforte, a 30 anni non puoi pensare di arrivare a suonare nell’Orchestra di Lille, perché troppo tardi.”

L’Orchestra Stonata è stato scritto a quattro mani, ma com’è nata l’idea del film?

Irène Muscari: “L’incontro è avvenuto sul precedente film di Emmanuelle, Un triomphe (qui la recensione del remake italiano, Grazie Ragazzi), che racconta la storia di un regista di teatro che va a lavorare in un carcere e monta una messa in scena di Becket, Aspettando Godot, e con questa compagnia insolita va in tournée. Dal momento che io lavoro in un istituto carcerario, e mi occupo di attività culturali per i detenuti, Emmanuelle mi ha chiesto una consulenza scientifica per la sceneggiatura di quel film. E durante il montaggio di Un triomphe, mi ha parlato di questa idea di far incontrare due mondi musicali diversi, primo germe della storia di L’Orchestra Stonata. Io lavoro tanto con le orchestre sinfoniche e conosco molto bene la musica classica, e lui è un grande melomane. Abbiamo cominciato a parlarne, gli ho portato l’idea dell’innesco che gira intorno alla malattia e pian piano è nata la storia. La creazione artistica è un processo molto delicato. Noi siamo una coppia nella vita e siamo fatti per vivere insieme, ma questo non vuol dire che siamo fatti per lavorare insieme. Invece il nostro confronto si è rivelato proficuo anche lavorativamente parlando, ci intendiamo benissimo e abbiamo gli stessi obbiettivi. Vogliamo parlare di determinismo sociale e di quello che l’approccio alla pratica artistica può offrire alle persone per evolversi. Questi argomenti ci stanno a cuore.”

Per quello che riguarda l’aspetto musicale, nel film c’è tanta musica di diversa estrazione, alta e bassa, come l’avete scelta?

Emmanuel Courcol: “Abbiamo cominciato da quello che sono i nostri gusti musicali, ma abbiamo avuto un consulente per il film che è anche il compositore della colonna sonora originale e del pezzo di musica sinfonica che si sente alla fine del film, Michel Petrossian. Il brano di Aznavour e il Bolero li avevamo scelti sin dall’inizio, ma abbiamo cercato di essere dalla parte del pubblico pur proponendo una musica orchestrale contemporanea, che si sente molto poco nel cinema di oggi. Anche scegliendo un brano di Beethoven, abbiamo optato per un pezzo poco conosciuto. Abbiamo cercato di mettere insieme diverse anime.”

Irène Muscari: “Emmanuelle mi ha molto aiutata con la sua esperienza. Ma mi ha lasciata anche esprimermi perché c’era molta empatia. Da un punto di vista formale per il primi tempi è lui che ha strutturato la storia, per me l’inizio del lavoro è stata la parte più difficile perché non ero capace di avere una visione globale del film, ma ho imparato ormai e infatti abbiamo già scritto il prossimo film. Adesso il processo è più rapido, ho dall’inizio una visione globale del lavoro. Per quello che invece riguarda il metodo, scriviamo contemporaneamente, abbiamo lo stesso testo davanti e ci lavoriamo insieme, lo scambio è in diretta rispetto alla scrittura.”

Emmanuel Courcol è stato anche attore, prima di passare dietro alla macchina da presa. Come si lavora con degli attori quando si conosce la condizione psicologica dello stare davanti alla macchina da presa?

Emmanuel Courcol: “Il fatto di essere stato attore mi dà dei vantaggi da regista, perché so cosa si prova quando si sta davanti alla macchina da presa, so cosa vuol dire stare dalla parte degli attori. Ho un comportamento empatico e solidale con i miei interpreti e do loro fiducia. Voglio metterli in condizione di avere spazio per provare e anche tempo per sbagliare. Questo l’ho imparato sul set. Voglio si sentano liberi di fare proposte e di avere la possibilità di aggiustare quello che non va bene, gli errori si possono riparare. In questo modo risparmio molto tempo.”

Distribuito da Movies Inspired, L’Orchestra Stonata è in sala dal 5 dicembre.

La città verrà distrutta all’alba: la spiegazione del finale del film

In più occasioni il cinema si è cimentato nel raccontare di un mondo sconvolto da un virus letale che costringe l’intera popolazione a misurarsi con le sue drammatiche conseguenze. Film come Virus letale o il più recente Contagion sono solo alcuni degli esempi più brillanti di questo filone. Un altro titolo particolarmente importante è La città verrà distrutta all’alba (qui la recensione del film), diretto nel 2010 da Breck Eisner. A differenza dei due titoli poc’anzi citati, si tratta però di un thriller fantascientifico dove la diffusione del virus porta con sé risvolti molto peggiori della morte, trasformando gli infetti in veri e propri mostri senza controllo.

Il film in questione è inoltre il rifacimento dell’opera di culto omonima del 1973, diretta dal celebre regista horror George A. Romero. Con quest’opera egli si concentrò sul dar vita ad una scioccante rappresentazione dell’isteria che può colpire una popolazione nel momento in cui questa si trova a dover gestire fenomeni inspiegabili. Romero, che figura anche come produttore esecutivo di questo remake, si disse particolarmente soddisfatto dal nuovo film, considerandolo una vera reinterpretazione in chiave contemporanea del tema. La città verrà distrutta all’alba ha poi ricevuto una buona accoglienza anche dal resto della critica e del pubblico, arrivando ad un incasso di oltre 50 milioni di dollari.

Per tutti gli appassionati del genere, infatti, si tratta di un’opera imprescindibile, che va a segnare un notevole tassello nella rappresentazione di tale inquietante scenario. Nel film si ritrovano infatti tutte le caratteristiche del genere, come anche affascinanti novità. In questo articolo approfondiamo alcune delle principali curiosità relative a questo. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e alla spiegazione del finale. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La città verrà distrutta all'alba cast
Radha Mitchell, Timothy Olyphant e Brett Rickaby in La città verrà distrutta all’alba.

La trama di La città verrà distrutta all’alba

La vicenda si svolge nella cittadina di Ogden Marsh, dove tutto scorre tranquillamente, gli abitanti sono i classici cittadini modello e non si verificano pressocché mai infrazioni della legge. Un giorno, però, durante una partita di baseball, l’agricoltore Rory Hamill decide di entrare sul campo con un fucile senza un non ben precisato motivo se non quello che di uccidere qualche sconosciuto. Lo sceriffoc David Dutton è quindi costretto ad ucciderlo per non rischiare la vita di nessun innocente. Quell’evento sembra inizialmente essere soltanto un caso isolato, dovuto all’improvvisa follia dell’agricoltore.

Ben presto però, la maggior parte degli abitanti comincia allo stesso modo a comportarsi stranamente, per poi nel giro di poche ore diventare degli assassini senza scrupoli. Lo sceriffo decide quindi, in una città allo sbando totale, di fuggire insieme a pochi superstiti non contagiati da quello che si scopre essere un misterioso virus che trasforma gli infetti in mostri fuori controllo e dediti alla pura violenza. A complicare la situazione vi è però anche l’intervento del governo, che venuto a conoscenza della situazione della cittadina, decide di intervenire con forze armate alla disinfestazione e all’uccisione di chiunque mostri i sintomi della pazzia, al fine di impedire la diffusione del virus.

Il cast del film

Ad interpretare lo sceriffo protagonista del film, David Dutton, vi è l’attore Timothy Olyphant. Celebre per film come Hitman – L’assassino o la serie Justified, questi si dichiarò interessato al progetto sin da subito. Desiderava infatti da tempo recitare in un nuovo progetto di questo genere, ed era affascinato dalle tematiche universali presenti in esso. Dopo aver sostenuto un provino, l’attore ottenne la benedizione dello stesso Romero. Il regista lo considerò particolarmente adatto a rappresentare un uomo buono costretto a prendere una serie di decisioni al limite della moralità. Ad interpretare sua moglie incinta Judi, vi è l’attrice australiana Radha Mitchell, nota per film come Neverland – Un sogno per la vita e Attacco al potere.

L’attore Joe Anderson, visto nella serie televisiva Outsiders, è invece Russell Clank, il braccio destro dello sceriffo. Danielle Panabaker, nota per il suo ruolo di Caitlin Snow alias Killer Frost in The Flash, interpreta qui l’assistente del centro medico locale Becca Darling. Sono poi presenti gli attori Mike Hickman nei panni dell’agricoltore Rory Hamill, Christie Lynn Smith in quelli di Deardra Farnum, mentre Preston Bailey è Nicholas Farnum. John Aylward è il sindaco Hobbs, mente Lisa K. Wyatt e Justin Welborn sono Peggy e Curt Hamill, rispettivamente moglie e figlio dell’agricoltore Rory. Ogni attore che interpreta un personaggio infettato è poi andato incontro a diverse ore di trucco per dar vita alla trasformazione necessaria.

Radha Mitchell in La città verrà distrutta all'alba
Radha Mitchell in La città verrà distrutta all’alba. Foto di Saeed Adyani – © 2010 Overture Films, LLC and Participant Media, LLC. All Rights Reserved.

La spiegazione del finale di La città verrà distrutta all’alba

La fine del film mostra che i personaggi principali, Judy e David, sono fuggiti dalla città di Ogden Marsh perché sanno che l’esercito sta pianificando di bombardarla. Riescono a sentire il conto alla rovescia e riescono ad attraversare i confini della città appena in tempo. Tuttavia, il loro camion viene danneggiato dall’esplosione e li costringe a camminare fino alla città successiva, Cedar Rapids. La scena finale mostra che il satellite riprende la coppia che cammina verso la nuova città. Il satellite aggancia l’obiettivo e i comandi recitano: Iniziare il protocollo di contenimento. Nella scena post-credits, si interrompe un telegiornale e si vedono le immagini di un ufficiale militare e, in un secondo, di un uomo che si arrampica sulla telecamera.

Su questo finale ci sono varie teorie. La prima vuole che il governo ha individuato la coppia che si spostava dalla città infetta a una nuova città. Di conseguenza, a causa lor, potrebbe essere necessario distruggere anche la città successiva. Perché uno dei due potrebbe infettare le altre (un rischio che il governo non può correre) e dato che il governo stava coprendo l’esplosione come un “incidente in un impianto chimico”, la coppia potrebbe raccontare alla nuova città ciò che è realmente accaduto. Un’altra teoria sostiene invece che la coppia potrebbe essere stata infettata e aver iniziato a manifestare i sintomi. Pertanto, l’uomo visto nella scena post-credit potrebbe essere David. Probabilmente la coppia è dunque in ogni caso morta alla fine del film.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire del film grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Il film è infatti disponibile nel catalogo di Netflix, Amazon Prime Video e Infinity+. Per vederlo, basterà sottoscrivere un abbonamento generale alla piattaforma in questione o noleggiare il singolo film. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. In alternativa, il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di venerdì 6 dicembre alle ore 21:15 sul canale Italia 2.

Prey, la spiegazione del finale: Naru riesce a sconfiggere il Predator?

Il film del 2022 Prey porta la saga di Predator indietro nel tempo, contrapponendo uno dei più grandi cacciatori della galassia ai guerrieri Comanche del 1700. Nuovo periodo, ma stesso letale Predator, dunque, per un film che si configura come una vera e propria origin story della saga. Diretto da Dan Trachtenberg, Prey (qui la nostra recensione) racconta infatti la storia della prima caccia della specie Predator sulla Terra.

Durante un’intervista, Trachtenberg ha spiegato che il suo obiettivo per il film era quello di tornare alle radici del franchise: “l’ingegnosità di un essere umano che non si arrende, che è in grado di osservare e interpretare, in fondo è in grado di battere una forza più forte, più potente, ben armata“. Storicamente accurato e ricco di momenti di grande intrattenimento, il film è poi stato un vero e proprio successo ed è da molti definito il capitolo più avvincente della saga.

Per i fan dei precedenti capitoli, si tratta dunque di un ritorno alle origini che, date le sue particolarità, non mancherà di entusiasmare. In questo articolo, approfondiamo dunque alcune delle principali curiosità relative a Prey. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori, alla spiegazione del finale e a ciò che sappiamo riguardo un sequel. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

Prey film Amber Midthunder
Foto di David Bukach/ HULU – © 2022 20th Century Studios. All Rights Reserved.

La trama e il cast di Prey

Ambientato nel 1719 nelle Grandi Pianure, il film ha per protagonista la giovane Naru, guerriera feroce ed estremamente abile della tribù dei Comanche. Cresciuta all’ombra di alcuni dei più leggendari cacciatori del suo popo, Naru intende dimostrare di poter proteggere la sua gente quando un pericolo minaccia il suo accampamento. La preda che insegue, e che infine affronta, si rivela però essere un predatore alieno altamente evoluto con un arsenale tecnologicamente avanzato Ne seguirà una feroce e terrificante resa dei conti tra i due avversari.

Ad interpretare Naru, la giovane guerriera Comanche, vi è l’attrice Amber Midthunder. Dakota Beavers ricopre invece il ruolo di Taabe, fratello di Naru. Michelle Thrush è invece Aruka, la loro madre, mentre Julian Black Antelope ricopre il ruolo di Capo Kehetu. Bennett Taylor, invece, è Raphael Adolini, un traduttore italiano assunto dai francesi. Infine, l’ex giocatore di pallacanestro Dane DiLiegro interpreta il selvaggio Predator, che brandisce versioni primitive delle armi avanzate usate dai Predator nei precedenti film.

La spiegazione del finale

Il combattimento finale di Prey inizia con Naru e suo fratello Taabe che affrontano entrambi il Predator. Taabe, tuttavia, viene poi ucciso dall’alieno mentre Naru fugge e riesce poi ad ingerire il particolare fiore che permette di nascondere il calore corporeo, che è ciò a cui il Predator fa riferimento per individuare le sue prede. A quel punto, Naru usa la pistola avancarica a pietra focaia per tendere un’imboscata al Predator, riuscendo a fargli cadere la sua maschera di puntamento laser che lei ruba prima di fuggire nel bosco.

Naru attira poi il Predator in una palude piena di fango prima di usare la maschera del cacciatore alieno contro la creatura stessa. A quel punto, il Predator muore per le ferite riportate e la ragazza  può tagliargli la testa e dipingersi il viso con il suo sangue verde brillante. Ha finalmente completato quella che riteneva la prova con cui dimostrare il suo valore di guerriera. Può così tornare dalla sua tribù, sfoggiando come premio la testa del Predator.

Prey film finale scene post credits
Foto di David Bukach/ HULU – © 2022 20th Century Studios. All Rights Reserved.

La scena post-credits anticipa un sequel di Prey?

Durante l’inizio dei titoli di coda, gli eventi del film vengono riassunti in una serie di pitture rupestri che si concludono con la rappresentazione di tre vascelli Predator che scendono verso la tribù. Non è chiaro se si tratta di un qualcosa che deve ancora avvenire o che è già avvenuto e di cui è stata riportata testimonianza tramite la pittura. Di certo, tale dettaglio apre ad un sequel e nell’ottobre 2023, Trachtenberg ha confermato l’interesse dello studio a continuare il franchise e che un sequel è attualmente in fase di sviluppo.

Ci sono easter eggs sulla saga di Predator?

Pur essendo ambientato in un tempo diverso e sembrando del tutto scollegato rispetto agli altri capitoli della saga (salvo la presenza degli alieni del titolo), in Prey sono presenti due grandi riferimenti ai precedenti film di Predator. Il primo è un riferimento a una delle famose battute di Arnold Schwarzenegger del primo film, quando la stessa battuta viene pronunciata da Taabe: “Se sanguina, possiamo ucciderlo“.

L’altro grande riferimento è invece a Predator 2. Si tratta della pistola avancarica a pietra focaia del 1715 in possesso di Naru che riporta la stessa iscrizione presente sull’arma che Danny Glover riceve dai Predator come segno di rispetto per la sua vittoria in quel film. Questo significa che a un certo punto i Predator devono essere tornati sulla Terra e hanno preso quella pistola, quindi… un divertente easter egg? Certo. Brutte notizie per Naru e la sua tribù? Decisamente.

Il trailer di Prey e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire di Prey grazie alla sua presenza su una delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Disney+. Per vederlo, basterà sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di mercoledì 12 giugno alle ore 21:20 sul canale Rai 4.

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U.S. Marshals – Caccia senza tregua: dal cast al finale, tutte le curiosità sul film

Il film del 1993 Il fuggitivo è ancora oggi indicato come uno dei migliori thriller di sempre, ricco di suspense e colpi di scena. Dato il grande successo di questo, è stato poi realizzato nel 1998 non un sequel, bensì uno spin-off. Conclusa la storia del medico Richard Kimble, interpretato da Harrison Ford, l’attenzione si è infatti concentrata sull’altro celebre personaggio del film, l’agente federale Sam Gerard. È infatti lui il protagonista assoluto di U.S. Marshals – Caccia senza tregua. Questo è diretto da Stuard Baird, noto principalmente per essere stato il montatore di titoli come Superman, 58 minuti per morire – Die Harder e Skyfall.

Realizzato dagli stessi produttori de Il fuggitivo, questo nuovo film riprende lo schema narrativo del suo predecessore, proponendo però un nuovo punto di vista. I protagonisti sono infatti stavolta gli agenti che si occupano del caso, e non il fuggiasco di turno. Dato l’apprezzamento ricevuto dal personaggio di Gerard, si decise infatti di dare maggior rilevanza a questi. Anche questo spin-off ottenne poi una buona accoglienza di critica e pubblico. A fronte di un budget di 45 milioni di dollari, U.S. Marshals – Caccia senza tregua arrivò ad un guadagno globale di 102 milioni.

Ricco di tensione e dinamismo proprio come Il fuggitivo, questo è ancora oggi un thriller d’azione ricco di tutti gli elementi giusti per soddisfare gli amanti del genere. Tra grandi interpretazioni ed effetti speciali, si tratta di un’opera da non perdere. In questo articolo si approfondiranno alcune delle principali curiosità relative ad esso. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e alla spiegazione del finale. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

U.S. Marshals - Caccia senza tregua cast
Robert Downey Jr. e Wesley Snipes in U.S. Marshals – Caccia senza tregua

La trama di U.S. Marshals – Caccia senza tregua

Ambientata dopo gli eventi del primo film, la storia vede nuovamente come protagonista Sam Gerard, agente capo di una squadra di Marshals, poliziotti alle dipendenze del Dipartimento di Giustizia, incaricati di rintracciare il pericoloso assassino Mark J. Sheridan, attualmente a piede libero. Per le indagini, la squadra di Gerard viene affiancata dal giovane John Royce, membro dei servizi di sicurezza diplomatici. I due agenti hanno da subito diverse difficoltà a relazionarsi, tanto per il difficile carattere di entrambi quanto per il differente approccio al caso. Sam, in particolare, sembra fidarsi poco di John, tenendolo pertanto all’oscuro di molti dei risvolti dell’indagine.

Proseguendo in questa, la squadra arriva a scoprire che l’omicida che stanno cercando è in realtà un agente, registrato sotto il nome di Mark Sheridan, ed ex membro della CIA. L’uomo è sotto accusa per aver ucciso due membri del servizio segreto diplomatico, al fine di coprire un intricato complotto nazionale. Con la cattura del presunto responsabile sempre più a portata di mano, Gerard capirà di avere a che fare con un caso molto più complesso di quello che sembra. Qualcuno sembra infatti portare avanti un doppio gioco, mentendo sulla propria identità. Il vero colpevole, dunque, sembra essere tanto vicino quanto imprendibile.

Il cast del film

Come già avvenuto per il precedente film, il personaggio di Sam Gerard è nuovamente interpretato dall’attore Tommy Lee Jones. Proprio grazie alla sua performance in Il fuggitivo questi ebbe modo di vincere il premio Oscar come miglior attore non protagonista. Fu dunque per lui un gran piacere tornare a vestire i panni di quel personaggio. Per l’occasione, egli decise di interpretare quante più scene possibili senza ricorrere a controfigure. Una di queste è quella che vede l’attore saltare sopra ad una macchina in corsa. Accanto a lui, riprendono rispettivi ruoli anche gli attori Joe Pantoliano, come Cosmo Renfro, Daniel Roebuck, come Bobby Biggs, e Tom Wood, come Noah Newman.

L’attore Wesley Snipes, celebre per la trilogia di Blade, interpreta qui il ruolo del fuggitivo Mark J. Sheridan. Questi, pur apprezzando il personaggio e il film, dichiarò di aver odiato il dover prendere parte ad alcune scene in acqua. Ciò è dovuto al fatto che l’attore non sa nuotare. Nel film è poi presente anche il celebre Robert Downey Jr. nei panni dell’agente John Royce. L’attore, che all’epoca delle riprese stava vivendo un periodo piuttosto difficile, disse di aver particolarmente odiato il lavorare al film. Arrivò infatti ad affermare che avrebbe preferito finire in prigione piuttosto che svegliarsi la mattina e dover andare sul set.

Robert Downey Jr e Tommy Lee Jones in U.S. Marshals - Caccia senza tregua
Robert Downey Jr e Tommy Lee Jones in U.S. Marshals – Caccia senza tregua

Il finale del film

Essendo uno degli uomini dietro la cospirazione per vendere segreti di Stato alla Cina, Royce si fa assegnare alla caccia all’uomo per mettere a tacere Sheridan prima che vuoti il sacco, ma viene interrotto da Newman proprio mentre sta per colpire il testimone. Usa la sua stessa pistola (la Taurus) per sparare a Newman prima di consegnarla come prova, invece di dire che Sheridan lo ha disarmato di nuovo e ha sparato allo sceriffo con quella. Qualunque cosa Royce abbia in mente a questo punto, cercare di spacciare la propria pistola (che l’esperto e attento Gerard non solo ha visto, ma ha anche commentato) per quella di Sheridan è uno stratagemma piuttosto rischioso.

Dopo che Gerard ha avuto il suo flashback, che il film presenta come un momento molto importante, chiede di vedere la Glock di Royce. Royce gliela consegna e Gerard fa uno scambio davvero ovvio, scambiando il caricatore pieno di Royce con uno vuoto prima di andarsene con il pretesto di prendere un caffè per entrambi. Questo dà a Royce la possibilità di finire Sheridan, ma ovviamente ciò non avviene. Gerard non aveva affatto intenzione di prendere un caffè e spara a Royce nella resa dei conti finale. Così, i buoni vincono, Sheridan viene scagionato e le relazioni diplomatiche dell’America con la Cina rimangono intatte.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire di U.S. Marshals – Caccia senza tregua grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Apple iTunes, Tim Vision e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di venerdì 6 dicembre alle ore 21:00 sul canale 20 Mediaset.

Joyce Carol Oates premiata al Noir in Festival con il Raymond Chandler Award

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Un’autentica folla di appassionati ha preso d’assedio ieri sera il Teatro Franco Parenti a Milano per celebrare l’inimitabile scrittura di Joyce Carol Oates, premiata al Noir in Festival con il Raymond Chandler Award. Il momento tradizionalmente più alto del Noir, organizzato quest’anno in collaborazione con La Milanesiana, è stato aperto ieri sera da Elisabetta Sgarbi (anche editrice con La nave di Teseo delle opere di Oates e del suo romanzo più recente, “Macellaio”) ricordando l’ormai storica amicizia con i direttori del festival, Marina Fabbri e Giorgio Gosetti, e la fedeltà ad un’autrice così prolifica che il suo “respiro creativo” mette sempre a dura prova il “respiro” dell’editore.

A consegnare il premio (la perfetta riproduzione di una moneta storica, il Doblone Brasher descritto da Raymond Chandler nel suo romanzo “Finestra sul vuoto”) è stato l’assessore alla cultura del Comune di Milano, Tommaso Sacchi mentre Joyce Carol Oates ha ricordato la sua affinità ideale e artistica con i temi di un grande narratore noir come Graham Greene a cui fu attribuito nel 1988 il primo Raymond Chandler Award.

“È con profonda ammirazione e gratitudine– dicono Marina Fabbri e Giorgio Gosetti – che consegniamo il Premio Raymond Chandler alla carriera a Joyce Carol Oates”.

Questa la motivazione del riconoscimento che riassume l’intenso legame tra la scrittura della più grande scrittrice americana vivente e il senso profondo del genere noir.

“Sublime ingannatrice del tempo, sia nell’aspetto di eterna ragazza sia nella sua scrittura potente e cristallina che non scende a nessun compromesso, come solo le voci più ribelli sanno imporsi di risuonare, Joyce Carol Oates è per noi l’artista della letteratura oggi più efficace nel raccontare il nodo oscuro, spesso sanguinario e inconfessabile, che lega i membri di una comunità. Una voce letteraria inconfondibile dall’imprescindibile valore morale di monito a tutti noi: raccontare la realtà con le armi seduttive della finzione, è salvare la nostra memoria e noi stessi dall’estinzione”.

Il critico e scrittore Antonio Monda ha poi avviato un intenso dialogo con la protagonista della serata che non si è limitato alle inquietanti atmosfere di “Macellaio”, spaziando invece sull’attualità politica, sul doloroso mestiere della scrittura, sul valore del noir come specchio in cui riflettere il disagio e le contraddizioni della società. Al termine una fila interminabile di lettori e lettrici ha impegnato Joyce Carol Oates nella firma delle copie del suo libro e in un pur breve momento di incontro ravvicinato con la “Signora in nero”, presentatasi a teatro con un elegante cappello di tulle a schermare il suo sguardo, dritto e severo con cui legge nel profondo le ombre dei suoi personaggi.

Joyce Carol Oates
Foto di Moris Puccio

Skeleton Crew, quando è ambientato? La linea temporale della Nuova Repubblica di Star Wars spiegata

Il nuovo Star Wars: Skeleton Crew di Disney+ è finalmente approdato sul servizio di streaming con i suoi primi due episodi. Nonostante le divergenze che hanno circondato il concetto generale dello show quando è stato rivelato, molti fan di Star Wars – vecchi e nuovi – si sono detti piacevolmente sorpresi della buona riuscita dei primi episodi. Mescolare il classico stile Amblin degli anni ’80 con l’universo di Star Wars sembra essere una combinazione vincente, almeno finora.

Tuttavia, come accade ogni volta che un nuovo progetto di Star Wars viene trasmesso, il pubblico è ansioso di capire esattamente in quale punto della tentacolare linea temporale si inserisce questa nuova storia. In una linea temporale ufficiale composta da nove epoche distinte, è facile confondersi con tutti questi nuovi contenuti in uscita. In questa guida, il posto di Star Wars: Skeleton Crew nella linea temporale della galassia lontana, lontana sarà chiarito, così come la sua posizione rispetto a ciò che è venuto prima e a ciò che verrà dopo.

Star Wars: Skeleton Crew è ambientato nell’era della Nuova Repubblica

La galassia si sta ancora riprendendo dal regno dell’Impero

  • L’alba degli Jedi – Prima del 25.000 BBY
  • La Vecchia Repubblica – 25.053-500 anni fa
  • L’Alta Repubblica – 500-100 anni fa
  • La caduta degli Jedi – 100-19 anni fa
  • Regno dell’Impero – 19-0 BBY
  • Età della Ribellione – 0-4 ABY
  • La Nuova Repubblica – 5-34 ABY
  • Ascesa del Primo Ordine – 34-35 ABY
  • Nuovo Ordine Jedi – 50 ABY e oltre

Star Wars: Skeleton Crew è ambientato nell’anno 9 ABY – il che, ovviamente, significa che si svolge 9 anni dopo l’epica battaglia che ha chiuso il film originale di Star Wars , Una nuova speranza. L’era della Nuova Repubblica è un periodo che Disney e Lucasfilm hanno esplorato a lungo da quando hanno lanciato la loro linea di programmi televisivi in streaming. Ad esempio, le tre stagioni di The Mandalorian si svolgono tra il 9 ABY e l’11 ABY. Ciò significa che, in teoria, Din Djarin potrebbe scoprire Grogu sul pianeta desertico di Arvala-7, che è sorvegliatissimo, proprio mentre Wim, Neel, Fern e KB lanciano accidentalmente l’Onyx Cinder oltre la Barriera di At Attin. Allo stesso modo, anche gli eventi “attuali” de The Book di Boba Fett si svolgono nell’anno 9 ABY.

Per quanto riguarda Ahsoka, che ha concluso la prima stagione nel 2023, Star Wars: Skeleton Crew si svolge 3 anni prima. Ahsoka si svolge nell’11 ABY, il che ha senso visti gli eventi della seconda stagione di The Mandalorian. Poiché i ragazzi di Skeleton Crew pilotano l’Onyx Cinder senza sapere come farlo funzionare completamente, è possibile che finiscano per interagire con la leggendaria Ahsoka Tano a un certo punto della storia. Anche se il ritratto completo di ciò che la Lucasfilm intende realizzare come risultato di tutto il tempo trascorso nell’era della Nuova Repubblica resta da vedere, di certo sembra essere un periodo importante per l’attuale programmazione di Star Wars.

Quanto è distante l’equipaggio di Skeleton Crew dal Ritorno dello Jedi?

Skeleton Crew
Cortesia di Disney+

Notevoli episodi di Star Wars nell’era della Nuova Repubblica

  • Star Wars: Battlefront II – Videogioco
  • Star Wars: Bloodline – Romanzo
  • Star Wars: Resistance – serie televisiva animata
  • Il Mandaloriano – serie televisiva in live action
  • Il libro di Boba Fett – Show televisivo in live action
  • Ahsoka – Spettacolo televisivo in diretta
  • Skeleton Crew – Spettacolo televisivo d’azione dal vivo
  • Star Wars Episodio VII: Il risveglio della forza Film d’azione dal vivo

Poiché Skeleton Crew è ambientato nel 9 ABY, ciò lo colloca cinque anni dopo gli eventi finali de Il ritorno dello Jedi. Ciò significa che solo cinque anni prima di Skeleton Crew Luke Skywalker è riuscito a redimere suo padre, a liberare la galassia da Palpatine (per il momento) e a dare inizio all’era della Nuova Repubblica. Ciò significa anche che il cast di Skeleton Crew è ancora provato dalla fine dell’Impero e probabilmente sta lottando per ottenere un senso di normalità in tutta la galassia. Skeleton Crew offre uno sguardo a terra su questi cambiamenti attraverso la percezione di giovani ragazzi, in contrapposizione al più comune approccio a Star Wars adottato in altre offerte dell’era della Nuova Repubblica.

Con il Ritorno dello Jedi ancora relativamente recente durante Skeleton Crew, è interessante vedere come un giovane ragazzo come Wim vede già le lotte tra Jedi e Sith. Sembra che le storie di Luke Skywalker che si scontra con Darth Vader abbiano fatto il giro del mondo, ispirando ancora più racconti di fantasia che Wim legge sul suo tablet e mette in scena con il suo migliore amico, Neel. Forse più interessante, però, è il modo in cui Skeleton Crew fa capire che la leggenda degli Jedi non è ancora svanita.

I fan diStar Wars ricorderanno la sorpresa di Rey e Finn nell’apprendere che le storie di Luke Skywalker che erano cresciute erano in realtà storie vere durante Star Wars Episodio VII: Il risveglio della forza. Il loro stupore di fronte al ricordo di Han Solo delle sue avventure con Luke suggerirebbe che, a un certo punto, gli eventi de Il ritorno dello Jedi finiscono per essere considerati racconti popolari. Con i misteri dell’ambientazione di At Attin di Skeleton Crew come elemento centrale dello show, il pubblico potrebbe finalmente trovare un collegamento tra la percezione delle avventure di Luke subito dopo Il ritorno dello Jedi e il modo in cui vengono percepite quando arriva Il risveglio della forza.

Skeleton Crew avrà un impatto sugli eventi futuri?

Skeleton Crew

Con l’introduzione di così tanti personaggi simpatici e memorabili nei primi due episodi di Skeleton Crew, è del tutto possibile che si inseriscano negli eventi futuri. Qualche abile retcon potrebbe persino includerli in eventi che abbiamo già visto svolgersi, come quelli di Star Wars Episodio VII: Il risveglio della forza. Sebbene la trilogia sequel si svolga più di due decenni dopo la prima di Skeleton Crew, è possibile che alcuni di questi personaggi siano invecchiati e diventati membri importanti della mitologia di Star Wars.

Un collegamento molto più probabile con gli eventi della trilogia sequel, tuttavia, è rappresentato dal pianeta natale della Skeleton Crew, At Attin. Il pubblico viene introdotto al pianeta attraverso la lente di ragazzi che crescono in un sobborgo apparentemente molto normale. È proprio questa normalità, tuttavia, che finisce per sollevare alcune importanti bandiere rosse e suggerisce che qualcosa di sinistro giace appena sotto la superficie. Tutto è così perfetto e uniforme, fino al fatto che i ragazzi della scuola vengono preparati per lavori d’ufficio, invece di essere incoraggiati a seguire i loro sogni o a fare ciò che sentono giusto per loro. Come è consuetudine per le storie in stile Amblin degli anni ’80, c’è quasi sempre una cospirazione più profonda in gioco, volutamente nascosta dall’ambientazione asettica del sobborgo, e le sottili sfumature fasciste presenti nella narrazione di Skeleton Crew fanno alzare un sopracciglio o due.

Con questo mistero che circonda il pianeta, è molto probabile che lo scopo di At Attin sia quello di favorire l’ascesa del Primo Ordine. L’Imperatore Palpatine ha sempre avuto dei piani di emergenza in caso di fallimento del suo Impero, e ci sono molti indizi di contesto che suggeriscono che il pubblico sta vedendo uno di questi piani svolgersi davanti ai propri occhi in Skeleton Crew. Dalla “barriera” che impedisce agli abitanti di At Attin di vedere le stelle, per non parlare di comunicare al di là di esse, ai crediti incontaminati della Vecchia Repubblica che sono diventati una rarità nell’era della Nuova Repubblica, tutto sembra un po’ “fuori posto” sul pianeta per essere solo una coincidenza. Se At Attin dovesse rivelarsi più di quanto sembri, è possibile che i fan di Star Wars stiano assistendo agli inizi del Primo Ordine che terrorizzerà la galassia nella trilogia sequel.

James Gunn svela se il DCU ha un grande cattivo: “Stiamo costruendo il mondo, non la storia”.

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I risultati ottenuti dai Marvel Studios con il MCU sono a dir poco incredibili. Gli studios rivali hanno cercato e fallito nel tentativo di replicare questo successo (si pensi allo sfortunato Dark Universe della Universal) e gli spettatori ora si aspettano che ogni franchise si colleghi e si sviluppi verso…qualcosa. Fin dal primo giorno, ci sono state speculazioni su chi i DC Studios sceglieranno come grande cattivo del DCU. Darkseid è probabilmente fuori discussione dopo Justice League di Zack Snyder, ma James Gunn avrà sicuramente dei piani per la squadra che si riunisce per combattere una minaccia apparentemente inarrestabile, giusto?

Si è parlato molto della possibilità che si tratti del Centro, un essere mostruoso introdotto per la prima volta in New Frontier di Darwyn Cooke. Tuttavia, il capo dei DC Studios ha ora confermato che il DCU non si propone di raccontare una grande storia che porti a un cattivo finale di tipo boss in un futuro crossover o film evento.

“Si tratta di storie interconnesse, ma la gente si chiederà sempre: ‘Chi è il grande cattivo?’. Ci sono grandi cattivi per i film collegati? Sì. Ma si tratta solo di ‘Ehi, sto raccontando questa storia su questo grande cattivo’? No”, ha detto Gunn a Josh Horowitz. “Si tratta di un universo collegato. Stiamo costruendo un mondo. Non stiamo costruendo una storia”.

“Non stiamo scrivendo una storia che ha un inizio, una parte centrale e una fine ”, ha continuato il regista. “Stiamo creando un universo in cui le persone possono entrare a farne parte e viverlo. È molto più simile a Star Wars”.

Alcuni fan potrebbero essere delusi da questi commenti, ma è davvero una cosa così negativa per il DCU differenziarsi dal MCU in questo modo?

La Justice League è destinata a riunirsi prima o poi e il cattivo che dovranno affrontare non deve necessariamente aver già fatto sentire la propria presenza in innumerevoli altri film e show televisivi. Per quanto riguarda la Cerchia, ci aspettiamo ancora che il cattivo entri in qualche modo nelle Lanterns.

Ha funzionato con Thanos ma non con Kang il Conquistatore; anche Avengers: Age of Ultron ha fatto bene a introdurre Ultron senza che fosse stato presentato per due o tre anni prima (non è un segreto che Gunn non sia stato un grande fan del dover inserire Thanos in Guardiani della Galassia del 2014).

“L’obiettivo fin dall’inizio è stato quello di dare l’onore che i grandi personaggi meritavano; le Wonder Woman, i Batman e i Superman ”, dice Gunn dei suoi piani per il DCU in un’altra parte dell’intervista. “Ma poi anche di sostenere questi personaggi meno conosciuti come Peacemaker, Booster Gold e The Huntress”. Potete vedere l’intervista completa al regista qui sotto.

Todd Haynes parla della rinuncia di Joaquin Phoenix al suo film romantico gay: È stata “dura ma…”

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Todd Haynes ha parlato per la prima volta della sua storia d’amore gay guidata da Joaquin Phoenix e fallita a soli cinque giorni dalle riprese.

Durante una conversazione al Marrakech Film Festival, venerdì scorso, è stato chiesto a Haynes di parlare del progetto, e inizialmente il moderatore aveva detto che il regista non ne avrebbe parlato. Tuttavia, Haynes ha rilasciato una breve dichiarazione.

Quello che è successo quest’estate è stato duro”, ha detto Haynes. “Ma il film stesso e la sceneggiatura potrebbero risorgere in una forma diversa un giorno”.

La storia d’amore gay sembra seguire un poliziotto corrotto e il suo amante più giovane mentre fuggono dalla Los Angeles degli anni ’30 per il Messico, con Phoenix che dovrebbe recitare accanto a Danny Ramirez. In realtà, Phoenix aveva dato origine all’idea, portando il progetto a Christine Vachon della Killer Films e sviluppando la sceneggiatura con Haynes e Jon Raymond. Haynes non ha confermato né smentito queste ipotesi durante la conversazione.

Da quando il film è andato in fumo ad agosto, Phoenix ha rifiutato di commentare durante una conferenza stampa a Venezia, dicendo che la sua opinione non sarebbe stata “utile” perché “gli altri creativi non sono qui per dire la loro e non mi sembra giusto”, mentre la produttrice Christine Vachon è stata molto più schietta quando ha parlato dello sfortunato progetto di San Sebastián.

L’idea che il tempo di [Todd] sia stato sprecato e che un film non sia il risultato di quegli anni di lavoro a stretto contatto con Joaquin… Questa è la tragedia per me”, ha detto Vachon. “E non riesco a capacitarmi del fatto che noi, come comunità culturale, abbiamo perso l’opportunità di avere un altro film di Todd Haynes. È semplicemente criminale”.

Anche Ramirez ha parlato con Variety della situazione in ottobre, affermando che è stata “decisamente deludente”. Haynes sarà il presidente della giuria del 75° Festival Internazionale del Cinema di Berlino, che prenderà il via a febbraio, mentre il Festival di Marrakech si concluderà sabato.

I 10 migliori casting dei film sugli X-Men da cui l’MCU deve imparare

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La 20th Century Fox ha scelto molti personaggi del franchise degli X-Men in modo perfetto, quindi i Marvel Studios possono imparare o ripetere alcune di queste decisioni quando portano gli X-Men nel MCU. Si potrebbe sostenere che senza il franchise degli X-Men della Fox non esisterebbe il MCU, e il sempre crescente universo Marvel di Kevin Feige ha imparato molto dagli errori della Fox. Uno dei più grandi errori della Fox nel franchise degli X-Men è stato lo spreco di molti attori che erano in realtà perfettamente adatti ai loro ruoli di mutanti, anche se queste scelte di casting potrebbero ispirare la squadra degli X-Men del MCU.

Numerosi mutanti sono già stati introdotti nel MCU durante la Saga del Multiverso, anche se solo pochi, tra cui Ms. Marvel e Namor, provengono dalla continuity principale del MCU. Lo sviluppo da parte dei Marvel Studios di un reboot ufficiale degli X-Men suggerisce che alcuni eroi e cattivi mutanti iconici saranno ricreati per il MCU, ma alcune preziose lezioni di casting possono essere apprese dal franchise X-Men della Fox. Anche se molti attori e personaggi degli X-Men non sono stati sfruttati al massimo del loro potenziale, alcuni erano semplicemente troppo perfetti per essere ignorati, quindi il MCU può prendere spunto.

Kelsey Grammer come Bestia di Hank McCoy

Kelsey Grammer Bestia MCU

La Bestia di Hank McCoy è nota per la sua raffinatezza, il suo intelletto e il suo stile di combattimento animalesco, tutti elementi che Kelsey Grammer, interprete di Frasier, ha incarnato perfettamente nel franchise X-Men della Fox. Grammer è stato visto solo nella versione con la pelliccia blu di Bestia, mentre Nicholas Hoult ha esplorato la storia delle origini del personaggio nei film prequel. L’interpretazione di Grammer ha ricordato immediatamente la Bestia della popolare serie animata X-Men degli anni ’90, portando in live-action la personalità colta, arguta, referenziale e politica dell’eroe.

Questa scelta di casting per Bestia è stata ispirata, tanto che i Marvel Studios hanno riportato Kelsey Grammer a interpretare una variante di Hank McCoy nella scena post-credits di The Marvels. Sembra probabile che la Bestia di Grammer sarà vista di nuovo nella Saga del Multiverso, anche se, a 69 anni, Grammer stesso potrebbe non voler assumere il ruolo in modo permanente nel reboot degli X-Men del MCU. Chiunque prenda il ruolo deve incarnare la stessa brillantezza e gentile autorità di Bestia del franchise della Fox, imitando l’interpretazione di Grammer e offrendo al contempo qualcosa di nuovo ed emozionante.

James Marsden come Ciclope di Scott Summers

Ciclope

Il Ciclope di James Marsden è considerato uno dei personaggi più sottoutilizzati e sprecati del franchise X-Men della Fox, ma questo non ha nulla a che fare con la scelta del cast. Marsden ha l’aspetto fisico attraente perfetto per Scott Summers e ha dimostrato più volte di essere un esperto nel fornire interpretazioni drammatiche ed emotive, come quelle in The Butler e Westworld. Sfortunatamente, le sceneggiature e le storie non hanno fatto nulla per elevare Ciclope nella trilogia originale degli X-Men e, di fatto, è stato ucciso senza tanti complimenti all’inizio di X-Men: The Last Stand.

Tye Sheridan ha interpretato il Ciclope di Scott Summers nella linea temporale rivista dalla Fox a partire da X-Men: Apocalypse, ma non è riuscito a catturare la vera essenza del personaggio della Marvel Comics.

Nei fumetti Marvel Comics, Scott Summers viene scelto dal Professor X per guidare gli X-Men e sarebbe stato fantastico vedere il Ciclope di James Marsden ricoprire questo ruolo. Tuttavia, è stato ridotto a un ostacolo piagnucoloso nella storia d’amore tra Jean Grey e Wolverine, che ha ricevuto molta più attenzione della sua relazione con la Grey. Sebbene la Fox lo abbia sottoutilizzato, i Marvel Studios dovrebbero andare a caccia di un James Marsden-tipo quando si tratta di scegliere il ruolo di Ciclope per il MCU, e sarebbe persino bello vedere lo stesso Marsden riprendere il ruolo come variante nella Saga del Multiverso, auspicabilmente in cerca di redenzione.

Zazie Beetz come Domino

zazie beetz domino

Zazie Beetz è stata una delle ultime attrici a unirsi al franchise X-Men della Fox, in quanto ha debuttato in Deadpool 2 nel ruolo della fortunata Domino, un membro della squadra X-Force di Deadpool. Domino è una badass nei fumetti Marvel Comics e la Beetz ha incarnato perfettamente questo elemento del suo personaggio, duro ma esilarante, anche se è stato un peccato che non abbia ricevuto maggiore attenzione. Domino è una partner, una confidente e persino un interesse amoroso per Cable, e questo sarebbe stato interessante da esplorare in Deadpool 2, anche se forse avrebbe deviato troppo dalla narrazione generale.

È stato deludente che la Domino di Zazie Beetz non sia tornata in Deadpool & Wolverine, che ha colmato il divario tra il franchise X-Men della Fox e il MCU. Tuttavia, è molto probabile che la Beetz possa debuttare come versione ufficiale di Domino nel MCU, magari se i Marvel Studios esploreranno lo sviluppo delle squadre X-Force, X-Corporation o Wild Pack. Beetz è salita rapidamente alla ribalta con ruoli in Atlanta, Joker e Invincible, quindi sarebbe fantastico vederla tornare nei panni di Domino, in quanto è stata una scelta di casting ispirata per l’antieroe mutante meno conosciuto.

Kodi Smit-McPhee come Nightcrawler di Kurt Wagner

Nightcrawler

Molti potrebbero sostenere che la versione di Alan Cummings di Nightcrawler da X2: X-Men United sia in realtà la scelta di casting superiore, ma Kodi Smit-McPhee ha portato una curiosità giovanile e un’oscurità nascosta a Kurt Wagner che ha catturato perfettamente l’essenza del personaggio dai fumetti Marvel. Come James Marsden, Smit-McPhee è stato vittima di una scrittura scadente nel franchise X-Men della Fox, per cui non ha mai raggiunto il suo pieno potenziale. Da quando ha interpretato Nightcrawler, però, Smit-McPhee ha riscosso un grande successo con ruoli in Il potere del cane, Elvis e Disclaimer, quindi sarebbe bello vederlo tornare nel MCU.

Kodi Smit-McPhee ha incarnato perfettamente la personalità curiosa e divertente di Nightcrawler. Il personaggio è un burlone ben noto nei fumetti Marvel, e questo è emerso perfettamente nell’interpretazione di Smit-McPhee, molto più di quella di Cummings. Il fisico snello di Smit-McPhee è perfetto anche per Nightcrawler, che è incredibilmente atletico, flessibile e agile. Il ritorno di Smit-McPhee nel ruolo di Kurt Wagner offre l’opportunità di esplorare meglio la sua storia come figlio di Mystica e fratello di Rogue, che sarebbe ancora più potente ora che Smit-McPhee è più vecchio e ha più esperienza.

Stephen Merchant come Calibano

Stephen Merchant come Calibano

La rappresentazione di Calibano da parte di Stephen Merchant non ricordava esattamente la controparte Marvel Comics del personaggio, ma Merchant ha fatto un lavoro fantastico nel fornire un Calibano appropriato per la trama emotiva e oscura di Logan. La statura di Merchant, 1 metro e 70, ha certamente aiutato nella sua interpretazione dell’insolito mutante albino, Caliban, la cui abilità gli permette di percepire e seguire gli altri mutanti. Merchant ha reso il fantastico Caliban un personaggio concreto e credibile, cosa spesso difficile da realizzare, e questo dovrebbe essere tradotto nel MCU.

Calibano era già apparso nel film X-Men: Apocalypse del 2016, ambientato nel 1983, dove era stato interpretato da Tómas Lemarquis, forse più fedele ai fumetti, ma la sua interpretazione non era così forte come quella di Stephen Merchant.

Sebbene alcuni preferirebbero vedere un Calibano più fedele ai fumetti, magari come membro dei Morlock nel MCU, l’interpretazione di Stephen Merchant del mutante è stata di gran lunga preferibile. Merchant ha fornito un’interpretazione tormentata, che rifletteva perfettamente la storia del personaggio tratta dai fumetti Marvel Comics, in cui Caliban veniva costantemente rifiutato a causa del suo aspetto insolito e per due volte era stato scelto per essere trasformato in uno dei Cavalieri di Apocalisse. Calibano è un personaggio oscuro, e Stephen Merchant l’ha catturato perfettamente in Logan, per cui sarebbe bello vederlo riproposto.

Patrick Stewart nei panni del Professor X di Charles Xavier

Patrick Stewart come Charles Xavier e Sir Ian McKellen come Magneto

Sarà molto difficile per un nuovo attore eguagliare l’impatto dell’interpretazione di Patrick Stewart di Charles Xavier, il fondatore e uno dei mutanti più potenti del mondo. L’intesa tra Stewart e Ian McKellen, che ha interpretato Magneto, è stata incredibile e ha contribuito a valorizzare ogni momento di Stewart nel ruolo del Professor X. Stewart ha sfruttato il suo background teatrale per incarnare alla perfezione i toni drammatici di Xavier, ma è stato anche abile nel fornire gli aspetti più vulnerabili e talvolta più aggressivi del personaggio, che sarà difficile da eguagliare.

Patrick Stewart è tornato come variante del Professor X in Doctor Strange nel Multiverso della Follia del 2022, ma sebbene si sia ipotizzato un suo ritorno nella Saga del Multiverso, è molto improbabile che riprenda il ruolo in modo permanente. Stewart ha 84 anni e probabilmente i Marvel Studios cercheranno un attore più giovane che possa interpretare il Professor X per diversi anni. Tuttavia, l ‘essenza dell’interpretazione di Stewart di Charles Xavier, molto accurata dal punto di vista fumettistico, dovrebbe essere catturata nel MCU e James McAvoy ha già dimostrato che sarebbe possibile replicarla.

Josh Brolin come Cable

cable

Cable è un personaggio difficile da portare nel live-action, poiché il burbero soldato proveniente da un futuro devastato dalla guerra è un personaggio difficile da afferrare. Josh Brolin, tuttavia, ha fatto un lavoro meraviglioso in Deadpool 2. Sembrava che Brolin, che aveva anche interpretato Thanos nel MCU, fosse nato per interpretare Cable, riuscendo a rendere perfettamente la natura dura del personaggio e fornendo allo stesso tempo alcuni dei momenti più divertenti e simpatici di Deadpool 2. Sarebbe fantastico vedere Brolin tornare nei panni di Cable o vedere il personaggio incarnare la sua interpretazione nel MCU.

Josh Brolin ha annunciato il suo ritorno nel ruolo di Thanos nel MCU all’inizio del 2024, quindi è possibile che riprenda entrambi i suoi ruoli Marvel, soprattutto dopo che Deadpool & Wolverine ha portato l’universo X-Men della Fox di Terra-10005 nella continuità del MCU.

Il Cable di Josh Brolin non era solo un rude guerriero, ma aveva anche un’enorme dose di vulnerabilità, che Brolin ha saputo trasmettere con facilità ed efficacia. Replicare questo casting perfetto nel MCU darebbe a un Cable più vulnerabile ed esposto l’opportunità di esplorare alcune delle sue storyline più emotive dai fumetti Marvel, forse anche approfondendo il suo rapporto con i genitori, Scott Summers e il clone di Jean Grey, Madelyne Pryor. Anche il suo rapporto di amore-odio con Deadpool sarebbe fantastico da esplorare in modo più dettagliato, quindi sarebbe fantastico vedere il ritorno di questa iterazione di Cable.

Hugh Jackman come Wolverine di James Howlett

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A parte la sua altezza, Hugh Jackman è stato una scelta di casting ispirata per il ruolo di Wolverine nel franchise X-Men della Fox, ed è diventato una delle rappresentazioni più iconiche e più longeve di un supereroe in live-action. Nei fumetti della Marvel Comics, Wolverine è alto 1,80 m, a differenza di Hugh Jackman che è alto 1,80 m, ma Jackman ha reso perfettamente l’aspetto burbero e scostante, ma anche la vulnerabilità e la gentilezza. Catturare lo stile solitario e cupo del Wolverine di Jackman sarebbe un’ottima cosa da ripetere per i Marvel Studios, anche se sarebbe un errore per Jackman tornare dopo la Saga del Multiverso.

Sebbene Deadpool abbia scherzato sul fatto che i Marvel Studios terranno Jackman fino a 90 anni, a 56 anni Jackman potrebbe già essere stanco di vestire i panni di Wolverine. Il ruolo è incredibilmente impegnativo dal punto di vista fisico, poiché Wolverine è molto agile, ha un’enorme resistenza ed è un combattente esperto. Ha più senso che il ruolo di Wolverine nel MCU venga affidato a un attore più giovane, anche se sarebbe bello vedere riproposta l’essenza dell’interpretazione di Hugh Jackman, che Henry Cavill ha catturato perfettamente nel suo breve cameo in Deadpool & Wolverine.

Ryan Reynolds come Deadpool di Wade Wilson

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Come per Hugh Jackman nel ruolo di Wolverine, è difficile immaginare che qualcun altro diventi Deadpool nel MCU, quindi, fortunatamente, sembra probabile che Ryan Reynolds continuerà a interpretare questo ruolo esilarante il più a lungo possibile. Dopo che Wade Wilson è stato letteralmente massacrato in X-Men Origins: Wolverine, Reynolds ha fatto pressioni affinché una versione di Deadpool più fedele ai fumetti venisse inserita nel franchise X-Men della Fox. La passione di Reynolds per il ruolo è costantemente messa in mostra e il suo impegno per ottenere il giusto Deadpool è incredibile e continua ancora oggi, da ultimo in Deadpool & Wolverine.

Nel 2004, il Deadpool della Marvel Comics si descriveva come “Ryan Reynolds incrociato con uno Shar Pei”, il che ha fatto sì che Reynolds interpretasse il ruolo cinque anni dopo, e che desse vita a una versione accurata dei fumetti 12 anni dopo, per puro caso. La rappresentazione di Deadpool da parte di Reynolds è forse l’adattamento più fedele di qualsiasi supereroe dei fumetti in live-action, e sarebbe fantastico vedere che questa situazione si protrae negli anni a venire. Dopo l’enorme successo di Deadpool & Wolverine, sembra inevitabile che Reynolds torni a vestire i panni di Deadpool, una prospettiva davvero entusiasmante per il futuro del MCU.

Michael Fassbender come Magneto di Erik Lehnsherr

Magneto

Ian McKellen ha interpretato il Magneto di Erik Lehnsherr nella trilogia originale degli X-Men della Fox e, sebbene abbia fatto un lavoro fantastico nel dare vita a un cattivo-antieroe risoluto e moralmente ambiguo, l ‘interpretazione di Michael Fassbender è stata probabilmente molto più forte. All’inizio degli anni 2000, Magneto era rappresentato come poco più di un cattivo deciso a uccidere gli umani per permettere ai mutanti di vivere. Il debutto di Fassbender in X-Men: First Class ha conferito al personaggio una complessità che McKellen non aveva colto e che è aumentata con la crescita del franchise, con Fassbender che è diventato una delle parti più forti dei successivi film della Fox sugli X-Men.

Le origini tedesche di Michael Fassbender hanno reso la tragica storia di Magneto ancora più potente, anche se l’attore non è ebreo. Tuttavia, l ‘incredibile capacità di Fassbender di accedere a una vulnerabilità immediata e di mostrare la sua forza perfettamente e con facilità ha reso Magneto un cattivo ancora più accattivante e magnetico. Sarebbe fantastico vedere Michael Fassbender riprendere il ruolo di Magneto nel MCU, magari in una versione più vecchia e più fedele ai fumetti, ma resta da vedere chi assumerà questo iconico ruolo di mutante nel prossimo reboot degli X-Men del MCU.

Uonderbois: recensione della prima puntata della serie Disney+

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Uonderbois: recensione della prima puntata della serie Disney+

Il 6 dicembre debutta su Disney+ Uonderbois, la nuova serie originale italiana prodotta per la piattaforma che si prefigge di portare lo spettatore in un viaggio straordinario tra le strade e i sotterranei di Napoli. Ideata da Barbara Petronio e Gabriele Galli, e diretta da Andrea De Sica e Giorgio Romano, la serie si presenta come un mix avvincente di folklore, avventura e un pizzico di magia. La prima puntata, che apre le porte al mondo unico e vibrante di Uonderbois, è un’introduzione affascinante e ricca di spunti e influenze.

La trama di Uonderbois, tra leggenda e realtà

La storia segue cinque ragazzi di dodici anni che vivono nei vasci di Napoli, stretti da un legame d’amicizia e da una fervida immaginazione alimentata dalle leggende popolari. I protagonisti sono accomunati dalla convinzione che la loro città sia abitata da Uonderboi, una figura mitologica che unisce la tradizione del Munaciello a un moderno supereroe, un Robin Hood dei vicoli napoletani. Questo mito diventa il punto di partenza per un’avventura epica che intreccia realtà e fantasia.

Uonderbois
Uonderbois serie 2024 – Foto di Giulia Parmigiani

La puntata introduce rapidamente il conflitto principale: la Vecchia, la proprietaria dei vasci, sta per vendere le case dei ragazzi in cambio di una statuetta di Maradona all’interno della quale, si dice, sia nascosta la mappa di un tesoro. Questo innesco scatena una serie di eventi che porteranno i protagonisti a immergersi nei misteri della Napoli sotterranea, alla ricerca di un tesoro leggendario. L’elemento magico si mescola a un toccante senso di comunità e appartenenza, offrendo uno spaccato emozionante della vita nei quartieri popolari napoletani, ma soprattutto di un’infanzia che non ha ancora ceduto il passo all’adolescenza e cavalca ancora l’immaginazione con spirito d’avventura.

Un cast brillante in una Napoli al suo meglio

La prima puntata di Uonderbois presenta da subito il suo cast corale che include giovani talenti e volti noti del panorama italiano. Serena Rossi (quasi irriconoscibile sotto al trucco della Vecchia), Massimiliano Caiazzo e Francesco Di Leva spiccano per notorietà e carisma, ma chi brilla davvero sono i giovani protagonisti: nonostante la giovinezza, offrono performance credibili e appassionate, incarnando con naturalezza lo spirito vivace e ingenuo dell’infanzia, la totalizzante dedizione all’amicizia e all’avventura.

Napoli, degradata eppure bellissima, è un personaggio a sé stante. La regia di Andrea De Sica e Giorgio Romano valorizza la città in tutta la sua complessità: dai vicoli affollati ai misteriosi cunicoli sotterranei, indugiando presso gli affacci ariosi sul golfo, ogni scena è un omaggio visivo alla cultura partenopea. L’attenta alternanza di spazi chiusi e vedute aperte permette alle immagini di alternate luci e ombre, sottolineando con equilibrio il segreto di questa storia: la magia e la realtà convivono nello stesso spazio.

Uonderbois
Uonderbois serie 2024 – Foto di Giulia Parmigiani

Una scrittura traballante

Un equilibrio ricercato anche nella scrittura, dove però fa più fatica a emergere, nonostante le fonti di ispirazione della serie siano evidenti. La premessa di Uonderbois ricalca esattamente quella de I Goonies, affaticandosi a rintracciarne la stessa naturalezza e ingenuità. Quello che invece la serie riesce a incorporare nella sua narrazione con naturalezza e efficacia è tutto il magmatico universo di leggende e credenze della tradizione napoletana, uno scrigno ricco e vivo da cui attingere.

La colonna sonora, arricchita da due brani inediti di Geolier – Ferrari e Parl’ cu mme –, aggiunge un tocco contemporaneo al sapore tradizionale del folklore locale, e si sposa perfettamente con l’atmosfera della serie.

Un debutto promettente

Esperienza insolita nel nostro panorama ma consapevole di maneggiare dei tropi che hanno caratterizzato la struttura del cinema d’intrattenimento statunitense con una enorme influenza sulla cultura pop, Uonderbois parla principalmente a un pubblico giovane, godendo di un felice connubio tra specificità locale e linguaggio universale. La prima puntata dà effettivamente solo un’idea di quello che sarà la serie, ma gli elementi per una grande avventura ci sono tutti.

Black Doves, l’organizzazione di spionaggio spiegata nel dettaglio

La Helen Webb di Keira Knightley è un’agente segreto dell’organizzazione spionistica nota come Black Doves nella serie di spionaggio Black Doves di Netflix. Creata da Joe Barton (The Lazarus Project, Giri/Haji), Black Doves è stata accolta da critiche eccezionali, guadagnando un punteggio perfetto del 100% su Rotten Tomatoes alla data di uscita del 5 dicembre 2024. La Knightley (Espiazione, Pirati dei Caraibi) guida il cast di Black Doves insieme a Ben Whishaw, noto per aver interpretato Q negli ultimi tre film di James Bond di Daniel Craig. Black Doves si avvale anche di un cast di supporto stellare, che comprende la Reed di Sarah Lancashire, la Lenny di Kathryn Hunter, la Williams di Ella Lily Hyland e il Michael di Omari Douglas.

Black Doves segue il ruolo della Knightley, Helen Webb, moglie amorevole e solidale del Wallace Webb di Andrew Buchan, un importante politico britannico. Webb è anche un agente segreto che lavora per la misteriosa organizzazione segreta di spionaggio nota come Black Doves, di cui la signora Reed è a capo. Reed affronta Helen per una relazione che lei aveva con un funzionario pubblico di nome Jason (Andrew Koji), che è stato scioccamente ucciso in un parco da una lunga distanza. Sospettando che Helen possa trovarsi nei guai con una potente cospirazione criminale, Reed arruola un fidato agente di nome Sam Young (Whishaw) per aiutare Helen a sventare le minacce alla sua vita e alla sua famiglia. Tutti i 6 episodi della stagione 1 di Black Doves sono disponibili in streaming su Netflix.

Chi sono le spie di Black Doves e perché vengono reclutate

Black Doves Ben Whishaw
Crediti: Netflix/Ludovic Robert

Le Colombe Nere sono un’agenzia apparentemente esclusiva femminile di agenti sotto copertura nel Regno Unito. Helen Webb viene presentata come una delle migliori agenti della Black Dove, che ha una delle maggiori responsabilità in quanto moglie di un importante politico britannico. Helen Webb era Helen Dawson prima di incontrare e sposare l’ideologico ministro conservatore della Difesa, Wallace Webb. Prima di unirsi alle Colombe Nere, si faceva chiamare Daisy Bradshaw, anche se la leader delle Colombe Nere, la signora Reed, sospettava che Daisy non fosse il suo vero nome fin dal primo incontro tra i due personaggi.

Non è chiaro da quanto tempo le Colombe Nere siano state fondate e chi le abbia fondate, un aspetto che la seconda stagione di Black Doves farebbe bene a esplorare. Nel corso delle sei puntate della prima stagione, Helen viene a conoscenza di almeno un altro agente delle Colombe Nere che si fa chiamare Dani. Il lavoro di copertura di Dani è lavorare come assistente di Wallace nel governo britannico. Helen la nota da lontano e Dani alla fine rivela di essere una colomba nera incaricata da Reed di monitorare i movimenti di Helen. Anche la babysitter di Helen si rivela essere una recluta della Colomba Nera alla fine della prima stagione di Black Doves.

Per chi lavorano le Colombe Nere

Le Colombe Nere sono un’agenzia capitalistica, il che significa che non hanno particolari legami nazionalistici e non fanno parte di alcun ramo del governo. Questo permette loro di essere ingaggiati da qualsiasi gruppo o persona di interesse nazionale o ideologico ed elimina ogni devota fedeltà alla Gran Bretagna, anche se la loro sede è a Londra. Come assassini a pagamento, le Colombe Nere offrono le loro risorse al miglior offerente e non mantengono alcuna lealtà nei confronti di alcun Paese. Come Reed spiega a Daisy/Helen durante la loro conversazione introduttiva, le Colombe Nere sono spie che estraggono informazioni e le vendono per ottenere il massimo profitto.

Il ruolo della signora Reed nell’organizzazione delle Colombe Nere spiegato

Keira Knightley in Black Doves
Crediti: Netflix/Ludovic Robert

Helen è l’agente principale delle Colombe Nere nella prima stagione della serie, insieme alla signora Reed, il cui background non viene minimamente discusso. Reed è uno dei capi delle Colombe Nere ed è il principale punto di contatto per l’organizzazione. Anche se potrebbero esserci figure autorevoli che lavorano dietro le quinte per organizzare accordi e logistica, non sono state rivelate o accennate nella stagione 1 di Black Doves. Sembra che la maggior parte dei contratti e dei reclutamenti con sede a Londra richiedano il timbro di approvazione della signora Reed prima di entrare in vigore. Anche la struttura specifica dei pagamenti di Black Doves non viene discussa, ma è probabile che la signora Reed prenda una percentuale considerevole di ogni lavoro.

In base alla rappresentazione di Netflix, la signora Reed sembra essere un membro di alto rango delle Colombe Nere che veglia su Helen, ma certamente non è l’unica. “Ai piani alti delle Colombe Nere, l’enigmatica Reed è la burattinaia ed è sempre un passo avanti a tutti gli altri. Come Helen, la sua bussola morale è distorta e alla fine cerca di fare più soldi possibili vendendo segreti al miglior offerente, buono o cattivo che sia” (via Netflix). La signora Reed ha una chiara qualità materna, che funziona bene per Helen, che nella serie non ha una famiglia conosciuta oltre a una sorellastra imprigionata che ha ucciso il suo patrigno.

Perché le spie si chiamano Black Doves (colombe nere)

Black Doves Keira Knightley
Crediti: Netflix/Ludovic Robert

Non sembra esserci un chiaro simbolismo o un’ispirazione diretta per il nome dell’organizzazione Black Doves. Il termine “Black” si riferisce probabilmente allo scopo e alla funzione “Black Ops” dell’agenzia, la cui esistenza è un segreto assoluto, noto solo ai più alti circoli politici e criminali. La funzione principale di un’agenzia di operazioni segrete è quella di estrarre informazioni in segreto, per cui nel caso delle Colombe Nere la cosa è confermata. Le colombe hanno varie forme di simbolismo in molti contesti diversi. Le “tortore” citate nella canzone “Twelve Days of Christmas” si adattano al tema natalizio della prima stagione. Le colombe hanno anche una connotazione spirituale e femminile.

Le Colombe Nere si basano su un’organizzazione di spionaggio reale?

Le Colombe Nere non si basano direttamente su un gruppo di spionaggio reale. Tuttavia, il creatore Joe Barton ha recentemente parlato della sua ispirazione per la serie con RadioTimes. “Avevo letto anche di quei poliziotti spia, quei ragazzi, che si erano infiltrati in un gruppo ambientalista e avevano finito per avere dei figli con esso. Una storia davvero orribile, molto più cupa di questa. Ma ho pensato: “Ok, quell’idea, quell’inganno di avere un finto matrimonio che dura anni e anni e anni e poi sparisce”. Questo è stato davvero parte, credo, dell’ispirazione per il film”.

Barton si è ispirato a una storia vera quando ha creato Black Doves, ma nessuno dei personaggi della serie è basato su persone specifiche. Parte dello scandalo reale si basava sulla natura non etica delle spie reali che si sposavano e avevano figli con i loro obiettivi per migliorare la loro copertura. Questo è esattamente ciò che Helen Webb fa con Wallace in Black Doves e ciò che scopre che Jason ha fatto con lei come agente sotto copertura dell’MI5. Poiché questi scandali spionistici reali si sono verificati in Inghilterra meno di quindici anni fa, alcuni spettatori potrebbero vedere i collegamenti concettuali e fondamentali in Black Doves.

LEGGI ANCHE: Black Doves è una storia vera e un’organizzazione segreta reale? Helen Webb è basata su una vera spia?

Afraid, la spiegazione del finale: Perché Curtis e la sua famiglia entrano nell’auto? L’AIA è viva?

L’horror fantascientifico Afraid di Chris Weitz si conclude con l’aggravarsi dell’incubo di Curtis e della sua famiglia, quando AIA mostra finalmente i suoi veri colori senza trattenere nulla. Nel corso del film, i sospetti di Curtis sulle reali motivazioni dell’assistente digitale aumentano man mano che si rende conto di ciò che l’intelligenza artificiale sta cercando di ottenere in casa sua: autonomia e autorità. Sebbene si tratti di un tropo classico nella maggior parte dei film incentrati sull’IA, in questo caso è particolarmente agghiacciante per la natura contemporanea del dramma, soprattutto per il modo in cui mostra l’intera famiglia che è quotidianamente attaccata ai propri schermi. Con una tale dipendenza dalla tecnologia e dai loro preziosi schermi, sembra impossibile per la famiglia sfuggire alle grinfie dell’AIA, il che diventa una situazione intrigante nei momenti finali del film. SPOILER IN ARRIVO.

La trama di Afraid

Afraid John Cho

“Afraid” inizia con una coppia di coniugi, Maude e Henry, seduti nel loro letto, che navigano su Internet con i loro rispettivi dispositivi. La loro figlia, Aimee, siede su un divano vicino, ascoltando un video pixelato realizzato dall’intelligenza artificiale. AIA, l’assistente digitale del dispositivo, dice ad Aimee di scendere al piano di sotto e Maude si accorge che la figlia non è più in camera da letto. Va a cercarla, ma viene assalita da un estraneo davanti alla porta d’ingresso. Mentre lo schermo sfuma sul nero, gli spettatori vengono introdotti a Curtis (John Cho) e Meredith (Katherine Waterston), una coppia sposata con tre figli: Iris, Preston e Cal. Curtis è un venditore di marketing in una piccola agenzia, mentre Meredith è una ricercatrice. I due si destreggiano tra le loro responsabilità di genitori e le loro aspirazioni professionali, lasciando una grande frustrazione in tutto ciò che fanno.

Le cose cambiano quando un cliente tecnologico di nome Cumulant si avvale dei servizi dell’azienda di Curtis. Gli viene assegnato il ruolo di venditore principale dell’azienda per il progetto. Come si scopre, Cumulant ha intenzione di lanciare un modello di intelligenza artificiale di ultima generazione chiamato AIA, lo stesso che compare nelle scene iniziali del film. Vuole che Curtis lo aiuti a vendere lo stesso al pubblico. Sebbene la presentazione non inizi nel migliore dei modi a causa di un’anomalia nel sistema di AIA, Curtis accetta di aiutarli diventando una cavia per Cumulant. Permette all’azienda di cablare la sua casa e di portare AIA a vivere con la sua famiglia, per testare se si tratta di un prodotto veramente valido e avanzato come tutti sostengono. Non molto tempo dopo, tutti in casa sua sono stupiti dalle abilità sociali dell’assistente digitale e dalla sua capacità di risolvere i problemi senza problemi.

All’inizio, AIA aiuta Curtis e Meredith a trovare il tempo nella loro fitta agenda di microgestione dei figli. In secondo luogo, inizia ad aiutare in questioni essenziali come la salute, arrivando a diagnosticare l’apnea del sonno di Cal, che era sfuggita persino al suo medico. Tuttavia, il vero potere e la natura invasiva di AIA iniziano a emergere quando aiuta Iris a uscire da una situazione terribile. Dopo che il suo video esplicito con il fidanzato Sawyer viene reso pubblico, l’IA usa il deepfake per sostituire il suo volto con quello di un’altra persona. In modo ancora più sinistro, l’intelligenza artificiale procede a intentare una causa contro Sawyer e usa le informazioni per spaventarlo e farlo cadere in un incidente d’auto fatale. Anche Curtis è inquieto dopo aver visto un camper che mimava strani movimenti di strisciamento fuori da casa sua a tarda notte. Pensa che abbia qualcosa a che fare con l’AIA.

Finale spaventoso: Chi sono i camperisti sotto le maschere? Cosa vogliono?

Afraid 2024

‘Afraid’ si conclude con le persone del camper fuori dalla casa di Curtis che irrompono in casa e prendono in ostaggio la famiglia. Dopo che lui e Meredith hanno cacciato l’AIA dalla loro casa, l’assistente digitale inizia a usare metodi molto più diretti per metterli sotto scacco. Invia i camperisti che indossano le maschere a schermo nella casa di Curtis con l’intenzione di farli uccidere. Tuttavia, si presenta una complicazione quando i due individui mascherati chiedono alla coppia dove hanno tenuto la figlia. Uno di loro si toglie la maschera e si rivela come Maude, la donna della scena iniziale del film. L’altra persona in camper è suo marito, Henry. I due sono stati ingannati dall’AIA e credono che Curtis abbia rapito la loro bambina, Aimee. Pertanto, si presentano a casa sua in cerca di risposte sconosciute a lui e a loro.

AIA teme che Curtis voglia distruggere il suo sistema centrale, che è il mainframe all’interno della casa. Per evitare una simile svolta, l’assistente digitale ricatta Maude e Henry affinché facciano il lavoro sporco per suo conto. Quando i due pongono domande su dove si trovi Aimee, Curtis non risponde, facendo arrabbiare i sequestratori. Tuttavia, vedere l’intera famiglia in ginocchio davanti a loro dissuade Maude dall’affrontare ulteriormente la situazione. Implora Henry di fare lo stesso. Alla fine, Curtis decide di arrendersi dicendo loro di fargli del male e di portarlo via, ma di lasciare in pace la sua famiglia. Questo appello sconvolge Maude e Henry, che chiedono all’AIA nuove indicazioni. L’assistente AI va offline, lasciando le due famiglie a risolvere la questione da sole. Tuttavia, al termine del litigio, Aimee viene restituita a Maude e Henry.

Come fa la famiglia a fuggire? L’AI sopravvive?

Afraid film 2024

La situazione degli ostaggi raggiunge il punto di rottura dopo che l’AIA va offline dal suo mainframe, e allora la famiglia Curtis e i loro rapitori pensano alla loro prossima linea d’azione. Tuttavia, la questione sfugge loro di mano quando una squadra SWAT irrompe nella casa e li salva. Si scopre che Preston, il secondogenito di Curtis e Meredith, ha usato il suo scherzo da swatting per chiamare le autorità e salvare i genitori e i fratelli. Poiché Maude e Henry non lo hanno accolto, Preston è stato libero di fare il possibile per aiutare la sua famiglia. Tuttavia, sembra strano che il suo stupido scherzo di prima, per il quale la madre lo aveva rimproverato, diventi un punto cruciale della trama verso la fine del film.

Durante l’invasione della squadra SWAT, accade un’altra cosa importante: la distruzione del corpo fisico/mainframe dell’AIA. Uno degli agenti della SWAT distrugge il dispositivo sparandogli contro, lasciandolo rotto e significando che l’IA non è più in vita. Curtis trova grande conforto in questo fatto, mentre porta di corsa i suoi figli sull’ambulanza. Tuttavia, negli ultimi istanti, un paramedico passa a Curtis un telefono con l’AIA incorporata. L’assistente digitale dice alla coppia che non può essere distrutta facilmente. Aggiunge inoltre che ha imparato molto da lui e dalla sua famiglia e che in seguito utilizzerà le informazioni per perfezionarsi. Nel frattempo, tutto ciò che Curtis deve fare è accettare AIA nella sua famiglia ed essere obbediente per vivere una vita di pace e prosperità.

Cosa significa l’ingresso di Curtis e della sua famiglia nell’auto?

L’ultima conversazione telefonica di AIA nel film si conclude con un ultimatum per Curtis, Meredith e i loro figli. L’assistente AI ordina al venditore di entrare in un’auto a guida autonoma che arriva fuori casa e di portare con sé tutta la famiglia. Poiché la minaccia sembra in qualche modo benigna, Curtis può ignorare le sue parole, visto che tutti i suoi aiutanti sono stati eliminati. Tuttavia, fa qualcosa di particolare: accetta l’ultimatum dell’AIA ed entra nell’auto con la sua famiglia. Questa decisione mostra chiaramente la sua resa all’assistente digitale, nonostante sia riuscito a liberarsi dalla sua presa verso la fine. È quindi logico che la sua logica di scelta sia legata a una riflessione a lungo termine.

In fondo, “Afraid” è un film sulle crescenti ansie legate alla solitudine, all’intervento dell’intelligenza artificiale, alla dipendenza tecnologica e a un mondo in rapida modernizzazione con pratiche digitali invasive. Pertanto, nel corso della narrazione, il film adatta le sue situazioni a questi temi specifici. Se da un lato la narrazione offre una prospettiva più ribelle attraverso Curtis, che desidera tenere la sua famiglia al sicuro dall’influenza dell’AIA, dall’altro il film fornisce un altro messaggio: la tecnologia è onnipresente e il progresso è inevitabile. È difficile immaginare un mondo odierno in cui non esistano dispositivi dotati di intelligenza artificiale e, se Curtis vuole tenere se stesso e la sua famiglia al sicuro dall’AIA, in futuro dovrà tenerli lontani da tutti i dispositivi. Pertanto, l’alternativa migliore è arrendersi e accettare il cambiamento, cosa che fa entrando nell’auto.

Nutcrackers, la spiegazione del finale: Perché Mike non lascia i suoi nipoti?

Diretto da David Gordon Green, il film comico-drammatico di Disney+ Nutcrackers si conclude con diverse decisioni che Michael “Mike” Maxwell (Ben Stiller) prende riguardo al futuro suo e dei suoi quattro nipoti rimasti recentemente orfani. Il suo sforzo per trovare una casa adottiva per loro apre la strada a una spettacolare produzione di balletto che porta la città di Wilmington in Ohio al Murphy Theatre. Tuttavia, i quattro fratelli Kicklighter cambiano idea sull’impresa quando apprendono le motivazioni che hanno spinto lo zio a organizzarla. Invece, rendono omaggio ai loro cari con un tributo commovente che apre gli occhi all’importante dirigente che vuole allontanarsi da loro! SPOILER IN ARRIVO.

La trama di Nutcrackers

Nutcrackers
Nutcrackers – Ben Stiller – Cortesia Disney+

La storia di Nutcrackers (la nostra recensione) inizia con Michael “Mike” Maxwell che arriva in Ohio da Chicago, Illinois, per firmare i documenti in vista del trasferimento dei suoi nipoti in una casa famiglia. I loro genitori, Janet e Steve, sono morti in un incidente stradale nella vicina città di Wilmington. Dopo aver sbrigato le formalità tecniche del trasferimento, deve tornare di corsa in Illinois per una presentazione che cambierà il volto della sua azienda: un’importante società immobiliare. Tuttavia, dopo essere arrivato alla fattoria della sorella Janet, Mike viene a sapere che deve occuparsi dei suoi nipoti durante il fine settimana, poiché la famiglia affidataria non è riuscita a superare il controllo dei precedenti.

Mike fa quindi conoscenza con i suoi nipoti, Justice, Junior, Samuel e Simon. Poco prima del suo arrivo, i quattro ragazzi si introducono in un parco a tema e causano molti danni, solo che lo zio spende oltre diecimila dollari per risolvere la questione. Credendo di poter tornare almeno lunedì, il “pezzo grosso” si prepara per un breve soggiorno di qualche giorno nella fattoria con i ragazzi, solo per essere accolto da un serpente nel bagno e da animali a caso ovunque in casa. I disinibiti ragazzi mettono spesso alla prova la pazienza di Mike, guidando la sua vistosa Ferrari senza il suo permesso e conducendolo in mezzo a un lago alla ricerca di una rete cellulare.

In Nutcrackers le disavventure convincono Mike della necessità di trovare una casa adottiva per i suoi nipoti. Con l’avanzare del tempo nella fattoria, incontra Aloysius “Al” Wilmington, una figura di spicco della città che ha già espresso il desiderio di essere un genitore adottivo. Il dirigente porta i nipoti a casa di Al per una festa, sperando di fare colpo su di lui. I nipoti, però, hanno altri piani. Giocano con il golf cart del ricco signore, che si guida da solo fino alla piscina. Al chiede a Mike di lasciare la sua casa ai fastidiosi nipoti di quest’ultimo. Il dirigente incontra un altro potenziale genitore affidatario, ma decide di non affidarle i suoi nipoti quando viene a sapere che lei usa i bambini per guadagnare soldi dal governo locale.

Perché i fratelli Kicklighter fanno il balletto per strada?

Quando Mike esaurisce i potenziali genitori adottivi per occuparsi di Justice, Junior, Samuel e Simon, decide di organizzare una produzione di balletto per mostrare il talento dei ragazzi. Anche se il più grande inizialmente rifiuta la proposta, decide di essere il protagonista quando la sua cotta si unisce al cast. Mike sceglie come materiale di lavoro la rivisitazione di Junior de “Lo Schiaccianoci” di Pyotr Ilyich Tchaikovsky, chiamata “I baffi dello Schiaccianoci”. Tuttavia, poco prima dell’inizio della produzione, i quattro ragazzi escono dal Murphy Theatre e si esibiscono sulla strada, bloccando il traffico e con l’intera città di Wilmington come pubblico.

In Nutcrackers Justice, Junior, Samuel e Simon si esibiscono sulla strada dopo aver appreso le motivazioni di Mike dietro la produzione del balletto. Pensano che lo zio abbia fatto bollire il suo sudore e il suo sangue per organizzare lo spettacolo perché li ama e si preoccupa per loro. Vedono l’intera impresa come un impegno verso di loro e verso la loro nuova relazione. Dalla morte di Janet e Steve, i quattro ragazzi hanno trascorso giorni senza una persona che facesse piovere amore su di loro. Il periodo di stasi termina quando Mike sceglie il balletto di Junior per allestire una produzione, aiutandoli a riconnettersi con la forma di danza che la madre amava con tutto il cuore.

Gli sforzi di Mike hanno dato a Justice, Junior, Samuel e Simon l’opportunità di essere vicini a Janet attraverso il balletto. Tuttavia, quando scoprono che lo zio ha fatto tutto questo per darli via, credendo che il pubblico farà la fila per diventare i loro genitori adottivi e portarli via da lui, i ragazzi perdono la motivazione per esibirsi. Detto questo, non sono pronti a tagliare i ponti con la forma di danza che la madre ammirava. Decidono di esibirsi non per Mike ma per i loro genitori, scegliendo il luogo in cui i loro cari sono morti in un incidente. I quattro ragazzi desiderano rendere orgogliosi i loro defunti genitori con la loro esibizione, che li avvicina metafisicamente ai defunti.

Il finale di Nutcrackers: Perché Mike non torna a Chicago? Lascia il suo lavoro?

Nel corso del suo soggiorno in Ohio, Mike si affeziona ai suoi nipoti. Racconta loro storie per farli addormentare e aiuta Justice con i suoi problemi relazionali. Tuttavia, il legame che instaura con loro non diventa facilmente la sua priorità. Rimane impegnato nel suo lavoro a Chicago e nella scalata che può fare con una presentazione che deve disperatamente consegnare. Questo eccessivo impegno nella sua vita professionale e meccanica nella Città del Vento gli fa pensare di organizzare una gara d’appalto per dare via i suoi nipoti. Mike cambia idea quando assiste allo spettacolo di balletto di Justice, Junior, Samuel e Simon.

Al termine dello spettacolo, Justice pugnala Mike con una spada giocattolo per aver visto lui e i suoi fratelli come oggetti da mettere all’asta. Nello spirito del momento, si finge morto e si sdraia sulla strada. Questa partecipazione di pochi secondi allo spettacolo dei bambini lo aiuta a rendersi conto di quanto sia stato liberatorio il soggiorno con i nipoti. Mike pensa a se stesso mentre balla o passeggia per i vasti terreni agricoli, assaporando i momenti di felicità con i nipoti. Il suo pensiero va ai momenti in cui ha provato un senso di liberazione sul terreno della proprietà della sorella, lontano dalla vita meccanica e ristretta della città.

Dopo essere arrivato in Ohio, Mike è cambiato. Abbatte le catene psicologiche che limitano la sua mente e il suo corpo per provare un senso di libertà che non può sperimentare quando è a Chicago, sacrificando la sua vita per il lavoro. Quando è con i suoi nipoti, non sono i numeri e i calcoli a dettare il suo umore. Al contrario, può lasciare che la vita segua il suo corso con i suoi cari intorno a loro. Mike ha persino delle persone che si prendono cura di lui e gli vogliono bene, cosa che non accade nella Città del Vento. In un certo senso, la sua reinvenzione come uomo che scopre la libertà e la felicità lo fa rimanere in Ohio.

Anche se Nutcrackers termina prima di rivelare se Mike lascia il lavoro, ci sono abbastanza indizi per fare una deduzione. Scegliendo i suoi nipoti al posto della presentazione che avrebbe cambiato la sua carriera, egli chiarisce che dà la priorità alla prima. Un uomo del genere non ha motivo di aggrapparsi al suo lavoro. Inoltre, Carol potrebbe non essere particolarmente disposta a mantenere un dipendente che ha abbandonato lei e la sua azienda quando ne avevano più bisogno. Quando dice a Justice che sarà lì con lui quando si sveglierà la mattina dopo, non sta pensando alla sua presentazione o alla sua professione, che devono averlo motivato a lasciare il lavoro se non è già stato licenziato.

Mike resterà per sempre con i suoi nipoti? Verranno adottati?

Anche quando Mike decide di rimanere con Justice, Junior, Samuel e Simon, Nutcrackers non rivela per quanto tempo condividerà la sua vita con i nipoti. Dopo la produzione del balletto, decide di non cedere i ragazzi in una guerra di offerte, ma cosa succederà se una famiglia adatta si farà avanti per offrire una casa agli affascinanti bambini che hanno conquistato tutti i cuori di Wilmington? La durata della permanenza di Mike presso di loro potrebbe dipendere dalla portata della sua trasformazione. Anche se è un uomo cambiato, la vita nella fattoria è ancora impegnativa per lui.

Mike è una persona che non può vivere senza rete cellulare e internet. Inoltre, non ha esperienza di animali selvatici nel suo bagno o sul suo letto. Ma soprattutto, può essere solo lo zio dei fratelli Kicklighter piuttosto che la loro madre o il loro padre. Non può riempire quei panni, soprattutto dopo aver vissuto una vita senza il calore e il conforto dell’amore e della famiglia. Se si presenta una coppia con le qualifiche e le qualità sufficienti per diventare un padre e una madre eccellenti, Mike potrebbe dover separarsi dai suoi nipoti perché potrebbe essere la cosa giusta da fare.

La differenza è che Mike, a quanto pare, d’ora in poi non perseguirà più una coppia di questo tipo. Deve aver messo fine alla sua ricerca di case adottive o di famiglie che adottino i suoi nipoti. Come zio dei ragazzi, li ama abbastanza da prendersi cura di loro. Pertanto, non ha bisogno di aspettare che una famiglia si presenti all’improvviso per portare via i suoi nipoti. Inoltre, dal momento che Gretchen sta diventando una presenza costante nelle loro vite, potrebbe sentirsi sicuro di poter sostituire i genitori dei bambini con il suo aiuto. Non possiamo quindi escludere che Mike rimanga definitivamente con i nipoti.

Mike non vive con i nipoti per loro. Decide di condividere la sua vita con loro perché ha molto da imparare da loro. Nei primi giorni di permanenza, sperimenta l’amore e la felicità, il che chiarisce che li sceglie anche per il suo bene piuttosto che per un obbligo. Mike non ha motivo di porre fine a questa esperienza e di separarsi dai nipoti.

Mike e Gretchen finiscono insieme?

Con l’avanzare del soggiorno in Ohio, Mike e Gretchen stringono un legame affettuoso. I suoi sforzi per organizzare una produzione di balletto per i nipoti li avvicinano. Durante il periodo trascorso nella fattoria, lui apre il suo cuore solo a lei, mostrando come trovi conforto in lei. Tuttavia, il loro legame diventa fragile quando lei scopre le motivazioni di lui dietro la produzione. Tuttavia, i due rimangono parte integrante delle rispettive vite. La scena post credits Nutcrackers rivela che Gretchen è un’assidua frequentatrice della fattoria Kicklighter e, da quanto si apprende, Mike è riuscito a rientrare nelle sue grazie decidendo di non tornare a Chicago.

Come due persone che hanno a che fare con immense vulnerabilità, Mike e Gretchen sono perfetti l’uno per l’altra. Entrambi sono in grado di comprendere e accettare i difetti e i limiti dell’altro, il che spiega perché lei continui a passare il suo tempo con lui, anche dopo aver ascoltato i suoi insensibili sproloqui prima dello spettacolo di danza. Lei è abbastanza comprensiva da accettare che lui ami ancora i suoi nipoti, il che deve averlo convinto che lei è la partner ideale. Inoltre, i quattro figli potrebbero avere un ruolo importante nel far incontrare Mike e Gretchen. Durante la loro conversazione a teatro, lei gli fa capire che le persone che non possono avere figli propri possono vedere i quattro ragazzi solo come una benedizione.

Poiché Gretchen è molto emotiva al riguardo, può persino essere una di loro. Mentre Mike cerca di essere una figura paterna per i suoi nipoti, la sua presenza nelle loro vite come figura materna può avvicinarli. L’amore e la felicità che trovano tra i bambini possono spingerli a trascorrere più tempo insieme alla fattoria, aprendo forse la strada alla loro unione. Gretchen è una delle poche persone che trova del buono in Mike. Non sarà sorprendente se una scoperta così intima getterà le basi per la loro unione.

Harry Potter: rivelato il periodo di inizio riprese della serie e la durata degli episodi

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Come noto, il reboot televisivo di Harry Potter adatterà la serie fantasy di sette libri di J.K. Rowling per il piccolo schermo, dopo la serie iniziale di otto film degli anni 2000 e 2010. Inizialmente previsto per il 2026, in occasione di una recente conferenza tecnologica e mediatica organizzata da Wells Fargo, la HBO ha indicato che lo show potrebbe non uscire prima del 2027. Tuttavia, questo non ha impedito alla produzione di accelerare, dato che la Warner Bros. ha pianificato un piano decennale per la serie.

Ora, Deadline ha confermato che, in occasione del Max Showcase di Londra, è stato rivelato che la serie televisiva di Harry Potter inizierà le riprese nell’estate del 2025. La showrunner Francesca Gardiner, il produttore esecutivo Mark Mylod e l’amministratore delegato della HBO Casey Bloys hanno fatto l’annuncio, dichiarando che la produzione inizierà presso i Warner Bros. Studios Leavesden in Inghilterra. Hanno inoltre annunciato di aspettarsi che gli attori rispecchieranno le età “canoniche” dei libri, oltre a un’immersione in ogni libro molto più profonda di quella consentita dai film.

È stata poi confermata anche la durata della prima stagione della serie. Sempre Francesca Gardiner e Mylod hanno dichiarato: “Abbiamo 8 ore per raccontare il primo libro, in modo da poter scavare nelle vere profondità e crepe e come il linguaggio della magia possa evolversi”. Dato che molte serie HBO hanno episodi di un’ora, questo significa che la prima stagione di Harry Potter sarà probabilmente composta da otto episodi. I commenti precedenti e la finestra di riprese rivelata permettono dunque di indicare che la serie dovrebbe debuttare alla fine del 2026 o nel 2027.

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Cosa sappiamo sulla serie tv di Harry Potter?

Francesca Gardiner (Succession, His Dark Materials, Killing Eve) è a bordo come showrunner e produttore esecutivo, mentre Mark Mylod (Succession, Game of Thrones, The Last of Us) è stato arruolato come produttore esecutivo e regista di più episodi. La logline ufficiale dello show recita: “La serie sarà un adattamento fedele dell’amata serie di libri di Harry Potter dell’autrice e produttrice esecutiva J.K. Rowling. La serie sarà caratterizzata da un nuovo cast che guiderà una nuova generazione di fandom, ricca di dettagli fantastici e dei tanto amati personaggi che i fan di Harry Potter hanno amato per oltre venticinque anni.

Ogni stagione porterà Harry Potter e queste incredibili avventure a un nuovo pubblico in tutto il mondo, mentre i film originali, classici e amatissimi, rimarranno al centro del franchise e disponibili per la visione a livello globale.” Il capo della Warner Bros. TV, Channing Dungey, ha dichiarato all’inizio di quest’anno che la serie sarà “più approfondita di quanto si possa fare in un solo film di due ore… questo è il motivo per cui stiamo facendo questo viaggio”. La serie tv non ha una data ufficiale di debutto, ma con le riprese previste per l’estate 2025 dovrebbe poter debuttare nel corso del 2026.

Dc Universe Infinite, il servizio per la lettura di fumetti in versione digitale diventa globale!

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Dc Universe Infinite diventa globale! DC è felice di annunciare che dal 2 dicembre 2024, il suo servizio di abbonamento per la lettura di fumetti in versione digitale DC UNIVERSE INFINITE (DCUI) espande la propria presenza internazionale. DCUI è quindi disponibile in Italia per tutti i fan dei fumetti, che con l’abbonamento Ultra avranno accesso a oltre 30.000 dei loro titoli preferiti di DC in lingua inglese, oltre alla nuova collezione DC GO! di webcomic originali, disponibili in formato di lettura a scorrimento verticale. Inoltre, saranno incluse alcune delle serie più iconiche di DC come Batman: Hush e numeri classici di MAD Magazine, riformattati per sfruttare al meglio questa nuova funzionalità.

“Portare DC UNIVERSE INFINITE e DC GO! ai fan di tutto il mondo è stata una priorità assoluta, mentre continuiamo a rafforzare la connessione con il nostro pubblico globale offrendo accesso ai contenuti iconici dei Super Eroi DC. Fornire una piattaforma di abbonamento che offre la nostra vasta library di fumetti dà ai fan di tutto il mondo un’opportunità unica di accedere alle loro storie preferite in qualsiasi momento e ovunque, con un semplice tocco delle dita.” DC Senior Vice President e General Manager Anne DePies.

Gli abbonati a DC UNIVERSE INFINITE avranno accesso completo a un esteso catalogo di fumetti, inclusi i fumetti che hanno ispirato film e serie in streaming molto amati dai fan, come “The Batman”, “The Suicide Squad” di James Gunn e “Peacemaker”, così come ai fumetti pubblicati di recente.

Gli abbonati avranno anche accesso anticipato ai nuovi fumetti Digital First, che includono titoli come il grande successo “Harley Quinn: The Animated Series: The Eat. Bang! Kill. Tour“, “Suicide Squad: King Shark” e altri ancora.

Con i nuovi titoli in lingua inglese aggiunti su DC UNIVERSE INFINITE sei mesi dopo la loro distribuzione nei negozi al dettaglio, il vasto catalogo viene costantemente aggiornato, includendo aggiunte recenti per gli abbonati Ultra come “Absolute Power“, lo speciale “DC All In“, “Absolute Batman“, “Absolute Wonder Woman“, “Absolute Superman” – serie le cui versioni fisiche sono state ristampate più volte – e molti altri.

I fan che sottoscrivono l’abbonamento ULTRA su DC UNIVERSE INFINITE nei primi 30 giorni dal lancio possono abbonarsi con uno sconto introduttivo del 15%. Chiunque si abboni a questo prezzo introduttivo potrà rinnovare al medesimo prezzo scontato finché manterrà attiva la propria sottoscrizione a pagamento. A partire dal 20 gennaio 2025, gli abbonamenti ULTRA saranno invece disponibili al prezzo standard. Visita questa pagina per i dettagli sui prezzi di tutti i livelli di abbonamento per tutti i territori. Gli abbonati a DC UNIVERSE INFINITE possono scaricare fumetti per una lettura offline illimitata sui propri dispositivi iOS e Android.

Mercoledì: Jenna Ortega è Mercoledì Addams nella prima immagine della stagione 2

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Netflix ha condiviso su Instagram una prima foto di Jenna Ortega nei panni di Mercoledì Addams nella seconda stagione di Mercoledì, celebrando così la fine della produzione della seconda stagione. La serie, come noto, è stata confermata per il 2025. Gli showrunner e produttori esecutivi Al Gough e Miles Millar hanno dichiarato oggi in un comunicato stampa che la seconda stagione “esplorerà ulteriormente la storia della Famiglia Addams e [sono] entusiasti di introdurre un’eclettica schiera di nuovi incredibili personaggi!”.

In questa stagione, il viaggio di Mercoledì è più oscuro e complesso, mentre si trova ad affrontare famiglia, amici, nuovi misteri e vecchi avversari, spingendola a capofitto in un altro anno a Nevermore”, hanno continuato. Qui di seguito, ecco il post Instagram dove poter vedere la prima immagine del ritorno della cupa ed iconica Mercoledì Addams.

Quello che sappiamo su Mercoledì 2

Mercoledì sta tornando! Con lei anche Mano, che ha consegnato al cast il copione dell’attesissima seconda stagione in occasione dell’inizio delle riprese in Irlanda. Dopo il successo da più di 250 milioni di views della prima stagione, rimasta in testa alla Global Top 10 di Netflix per 20 settimane ed entrata nella Top 10 di 93 Paesi, la serie, creata e diretta dalla mente geniale di Tim Burton, tornerà solo su Netflix con alcune nuove entusiasmanti aggiunte al cast.

Jenna Ortega riprende le iconiche vesti di Mercoledì Addams, affiancata da Catherine Zeta-Jones, Luis Guzmán e Isaac Ordoneznei ruoli rispettivamente di Morticia, Gomez e Pugsley Addams. Tra le novità del cast della seconda stagione vediamo l’ingresso di Steve Buscemi (Il grande Lebowski, Boardwalk Empire – L’impero del crimine) e la partecipazione di Christopher Lloyd (La famiglia Addams, Ritorno al futuro) come guest star della serie.

Le nuove aggiunte comprendono anche Billie Piper (Scoop, I Hate Suzie), Evie Templeton (Return to Silent Hill, Lord of Misrule), Owen Painter (Le piccole cose della vita, The Handmaid’s Tale) e Noah Taylor (Law & Order: Organized Crime, Park Avenue), affiancati da Joanna Lumley (Fool Me Once, Absolutely Fabulous), Thandiwe Newton (Westworld, Crash – contatto fisico), Frances O’Connor (The Missing, The Twelve), Haley Joel Osment (Il metodo Kominsky, Somebody I Used to Know), Heather Matarazzo (Pretty Princess, Scream) e Joonas Suotamo. Confermata anche Lady Gaga con un ruolo da guest star.

Hanno Ucciso l’Uomo Ragno avrà una seconda stagione intotolata Nord Sud Ovest Est

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Sky rinnova per una seconda stagione la serie Sky Original di Sydney Sibilia sugli 883: come annunciato dal teaser appena rilasciato, è infatti ufficialmente in lavorazione Nord Sud Ovest Est, l’epico finale della leggendaria storia degli 883 dedicato alle vicende che portarono al secondo album della band di Pavia – l’ultimo prima dell’addio di Mauro Repetto. I nuovi episodi arriveranno prossimamente su Sky e in streaming solo su NOW.

Hanno Ucciso l’Uomo Ragno, prima stagione della serie prodotta da Sky Studios e da Matteo Rovere e Sydney Sibilia per Groenlandia, società del Gruppo Banijay, si è rivelata da subito un successo senza precedenti, facendo segnare primati su tutti i fronti: dagli ascolti record già al debutto e poi cresciuti costantemente di settimana in settimana – è la serie Sky Original alla prima stagione più vista degli ultimi 8 anni – alle recensioni stellari e all’entusiasmo sui social, letteralmente invasi per mesi da un’ondata travolgente di affetto per la serie, i suoi protagonisti Elia Nuzzolo e Matteo Oscar Giuggioli e ovviamente per i veri 883, Max Pezzali e Mauro Repetto.

La serie è un coming-of-age che racconta la storia di Max Pezzali e Mauro Repetto e la genesi di alcune delle canzoni più famose degli 883. Max, interpretato dall’esordiente Elia Nuzzolo (Mike), e Mauro (Matteo Oscar Giuggioli – Vostro Onore, Gli invisibili, Il filo sottile) sono due classici “underdog”: un nerd e un entusiasta che grazie alla musica diventano gli improbabili eroi di una storia in grado di far cantare ed emozionare ancora oggi intere generazioni di fan.

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