L’ultimo film di Jacques
Audiard, Emilia Pérez, ha dominato gli European
Film Awards a Lucerna, in Svizzera, aggiudicandosi i premi
di miglior film e miglior regista. Il film di Audiard è arrivato
alla serata a pari merito con La stanza accanto di Pedro
Almodovar per il maggior numero di nomination. Il bottino
del film include anche la migliore attrice per Karla Sofia
Gascón e la migliore sceneggiatura.
Altri grandi vincitori questa sera
in Svizzera sono stati il regista Gints
Zilbalodis che ha vinto il premio come miglior film
d’animazione per il suo
film di successo Flow e il film
palestinese-israeliano No Other Land che ha vinto
il premio come miglior documentario.
Gli European Film
Awards, votati dai circa 5.000 membri dell’European Film
Academy di Berlino in tutta Europa, sono anche visti come un
indicatore per il quale i film europei probabilmente prenderanno
piede nella stagione dei premi degli Stati Uniti.
Il vincitore del premio come miglior
film europeo dell’anno scorso, Anatomia di una caduta, ha ottenuto cinque
nomination agli Oscar, tra cui miglior film e migliore attrice
(Sandra Hüller), con la regista Justine
Triet e il co-sceneggiatore Arthur Harari
che hanno vinto l’Academy Award per la migliore
sceneggiatura.
Dal prossimo anno, gli
European Film Awards si svolgeranno a
gennaio, spostamento deciso come parte di una strategia per
posizionare i premi all’interno del più ampio dibattito sulla
stagione dei premi su entrambe le sponde dell’Atlantico.
Tutti i vincitori 2024
European Film Awards
European
Film
EMILIA PÉREZ by Jacques Audiard
European
Director
Jacques Audiard for EMILIA PÉREZ
European
Screenwriter
Jacques Audiard for EMILIA PÉREZ
European
Actress
Karla Sofía Gascón in EMILIA PÉREZ
European
Actor
Abou Sangare in SOULEYMANE’S STORY
Best
Documentary
NO OTHER LAND (Palestine, Norway) – documentary film, directed by
Yuval Abraham, Rachel Szor, Basel Adra & Hamdan Ballal, produced by
Fabien Greenberg, Bård Kjøge Rønning, Yuval Abraham, Basel Adra,
Rachel Szor & Hamdan Ballal
European
Discovery – Prix FIPRESCI
Armand, directed by Halfdan Ullmann Tøndel
Young
Audience Award
The Remarkable Life of Ibelin (Norway), directed by Benjamin Ree,
produced by Ingvil Giske
European
Animated Feature Film
FLOW directed by Gints Zilbalodis (Latvia, France,
Belgium)
European
Cinematography
The Substance (Benjamin Kračun)
European Editing
Emilia Pérez (Juliette Welfling)
European Production Design
The Girl With the Needle (Jagna Dobesz)
European Costume Design
The Devil’s Bath (Tanja Hausner)
European Make-up & Hair
When the Light Breaks (Evalotte Oosterop)
European Original Score:
The Girl With the Needle (Frederikke Hoffmeier)
European
Sound
Souleymane’s Story (Marc-Olivier Brullé, Pierre Bariaud, Charlotte
Butrak, Samuel Aïchoun, Rodrigo Diaz)
European Visual Effects
THE SUBSTANCE (Bryan Jones, Pierre Procoudine-Gorsky, Chervin
Shafaghi, Guillaume Le Gouez)
European
Short Film
THE MAN WHO COULD NOT REMAIN SILENT directed by Nebojša Slijepčević
(Croatia, France, Bulgaria, Slovenia)
European
Achievement in World Cinema
Isabella Rossellini
Nel prossimo thriller Apple
Original, due agenti altamente addestrati (Miles
Teller e Anya Taylor-Joy) vengono incaricati di
occupare le torri di guardia sui lati opposti di una gola vasta e
attentamente sorvegliata, per proteggere il mondo da un male
misterioso e sconosciuto che si nasconde al suo interno. I due
legano a distanza, mentre cercano di rimanere vigili per difendersi
da un nemico invisibile. Quando la minaccia apocalittica per
l’umanità viene loro rivelata, si trovano costretti a collaborare
in una prova di forza fisica e mentale per mantenere il segreto
nella gola prima che sia troppo tardi.
Interpretato anche da Sigourney
Weaver, “Misteri dal profondo” è diretto da Scott Derrickson da una
sceneggiatura di Zach Dean. David Ellison, Dana Goldberg e Don
Granger di Skydance Media producono insieme alla Crooked Highway di
Derrickson, C. Robert Cargill, Sherryl Clark e insieme a Zach Dean,
Adam Kolbrenner e Greg Goodman. Miles Teller è produttore
esecutivo.
Le informazioni su Misteri dal profondo
Regia:
Scott Derrickson
Cast:
Miles Teller, Anya Taylor-Joy,
Sigourney Weaver
Scritto da:
Zach Dean
Produttori:
David Ellison, Dana Goldberg, Don Granger, Scott
Derrickson,
Un’insospettabile Asia
Argento in versione commedia brillante al fianco di
Matilde Gioli e Pierpaolo Spollon
in Fatti
vedere di Tiziano Russo porta il
sorriso nella
serata finale del 34° Noir in festival che si
conclude oggi con il festeggiamento ai premiati dei due concorsi
per il cinema.
La giuria per il concorso
internazionale del Noir in Festival 2024, composta dal regista e
produttore inglese James
Jones (Presidente), insieme a Chiara
Caselli (attrice, regista e
fotografa), Fulvio Risuleo (regista)
e Letizia Toni (attrice) ha
attribuito all’unanimità il premio per il miglior film della 34ma
edizione del Noir in Festival:
Black Panther Award 2024
a
BRIEF HISTORY OF A
FAMILY di Lin Jianjie
con la seguente
motivazione: “Se è vero che il Noir è un sentimento con
cui si racconta una storia, il film a cui assegniamo il nostro
unico e importante premio può considerarsi un esempio di questa
maniera di vedere il mondo. Per la sua capacità di raccontare uno
spaccato sociale senza mai essere didascalico e con grande
sensibilità, per la sua regia originale, poetica e la sua abilità
di utilizzare pochi elementi ricchi di mistero.”.BRIEF HISTORY OF A FAMILY di Lin
Jianjie arriverà nelle sale italiane distribuito da Movies
Inspired.
La giuria popolare composta come da
tradizione da giovani studenti e appassionati di cinema, coordinati
da Maurizio Di Rienzo e affiancati dagli esperti Nicole Bianchi,
Anna Maria Pasetti, Giulio Sangiorgio (delegato IULM), ha visto e
votato i sei titoli finalisti decretando il vincitore della 9°
edizione del
MIMI – IL PRINCIPE DELLE TENEBRE di Brando De Sica ha vinto il
premio Claudio Caligari 2024
Premio Claudio Caligari per il
miglior film noir italiano dell’anno, realizzato dal Noir in
Festival in collaborazione con IULM e Cinecittà News, a
MIMÌ – IL PRINCIPE
DELLE TENEBRE di Brando De Sica
Il film ha vinto per un’incollatura
sugli altri cinque finalisti, e da gennaio tornerà sugli
schermi, sulle maggiori piattaforme, dopo l’uscita in sala a fine
2023 con Cinecittà Luce.
L’ultima giornata del Noir in
festival ha avuto i colori del giallo e del rosa, dopo una
settimana in noir, fitta di protagonisti ed eventi d’eccellenza tra
la grande “Signora in nero” Joyce Carol
Oates, vincitrice del Raymond Chandler Award, il tributo a
Steven Soderbergh con l’anteprima del suo
atteso Presence, gli incontri con maestri del mystery
come Maurizio De Giovanni, Juan Gómez-Jurado, Vanna Vinci, Luca
Crovi e gli autori del Premio Giorgio
Scerbanenco, l’omaggio ad Alain Delon (con l’Institut
Français).
Al pubblico dei giovani e
giovanissimi è infatti dedicato Il migliore dei
mali, esordio alla regia della youtuber
di Violetta “Rocks” Rovetto accompagnata
al festival da due dei protagonisti Andrea Arru e Giuseppe
Pallone.
Ha invece i colori della commedia
romantica intinta nel mystery il film che conclude quest’edizione
del festival per salutarci con un sorriso e festeggiare la verve
comica di un’inedita e travolgente Asia
Argento. Il nuovo film di Tiziano
Russo Fatti vedere, da febbraio in
sala con Eagle Pictures, è una brillante commedia romantica piena
di colpi di scena e cambi di registro, ricca di venature noir.
Uscito nel 2016, Suicide
Squad ha visto Amanda Waller inviare la
Task Force X in una zona di guerra dove molti di loro sono stati
prontamente uccisi (dalla Waller o dall’Incantatrice). Tuttavia, a
differenza degli Slipknot, l’Ayer Cut non vuole morire.
Dopo l’anteprima di
Creature Commandos su Max questa settimana,
alcuni fan del DCEU sono tornati a fare campagna per la Warner
Bros. e per i DC Studios, affinché rilascino l’Ayer Cut.
Nel corso degli anni, il regista
David Ayer è andato avanti e indietro, unendosi a questi sforzi o
dicendo di essere andato avanti. Da allora ha realizzato quattro
film: Bright, The Tax Collector, The
Beekeeper e Levon’s Trade, in uscita l’anno
prossimo.
Per quanto possa essere frustrante
e sconvolgente che la sua visione di Suicide Squad non sia mai stata vista, non
è che la sua carriera sia stata completamente deragliata dalle
interferenze degli studios come è successo al regista di Fantastic Four Josh Trank.
Comunque sia, dopo aver condiviso
altre immagini del film, Ayer è tornato su X per condividere le sue
speranze che il mondo veda il director’s cut del film.
“La versione migliore
semplicemente non è stata vista”, ha detto il regista ai
suoi follower. “So quanto sia difficile per chi non è del
settore comprendere quanto possano essere follemente diversi i
tagli di un film.Se non vi piace quello che avete
visto, ecco l’opportunità di vedere quello che intendevo
effettivamente e poi giudicare una volta che avrete tutte le
informazioni”.
“Onestamente non ho idea se
[la Warner Bros.] rilascerà mai la mia versione.E
devo rimandare a James [Gunn] e allo studio di gestire la cosa come
meglio credono ”, ha continuato. “Non è una cosa
che controllo.Credo solo che sarebbe molto
divertente per chi vuole vederlo, vedere la mia versione.Se non fa per voi, lo capisco perfettamente.Abbiamo tutti gusti diversi, gusti e non
gusti”.
Ayer ha poi riconosciuto:
“Se succede, bene.Se non succede,
bene.Non è così profondo.Penso
che vi meritiate di vederlo e di giudicarlo allora.Se non fa per voi, bene”.
È difficile immaginare che la
versione di Ayer di Suicide Squad sia una priorità per
Gunn e per i DC Studios, soprattutto quando stanno cercando di
rimediare ai danni causati al marchio dal DCEU.
Inoltre non sembra esserci una
sorta di richiesta mainstream per questo taglio, al di là del tipo
di utenti dei social media che fanno una campagna per
#ReleaseTheAyerCut in un solo respiro e poi condividono le teorie
secondo cui Gunn avrebbe basato Rick Flag Sr. su se stesso…
I hope my real film can be shared one day. I
appreciate the continued support and interest.
The best version simply has not been seen. I
know how difficult it is for someone outside the industry to
comprehend how insanely different to cuts a film can be. If you
dislike what you’ve seen , here’s an opportunity to see what I
actually intended and then judge once you have… https://t.co/OUjN151tjt
Un teaser svela un primo
inquietante filmato di 28 anni dopo; il trailer
completo è previsto per la prossima settimana. Il regista
(Danny Boyle) e lo sceneggiatore (Alex
Garland) di 28 Giorni
dopo hanno riallacciato la collaborazione per una
serie di sequel del successo horror del 2002 e, dopo il poster di
ieri, è stato diffuso online il primo teaser del primo film della
trilogia prevista, 28 Anni dopo.
Il promo dura solo pochi secondi,
ma contiene alcune immagini da incubo, tra cui una rapida
inquadratura di uno spaventapasseri dall’aspetto piuttosto bizzarro
(qualcosa ci dice che non è fatto solo di paglia) con una freccia
in testa. Inoltre, il codice morse ripete la parola “Tuesday”,
indicando che un trailer completo sarà disponibile all’inizio della
prossima settimana.
“Si ma in un modo sorprendente
e in un modo che cresce, lasciatemelo dire“, ha detto il
presidente del Sony Motion Pictures Group Tom Rothman quando gli è
stato chiesto se Murphy sarebbe tornato in una recente intervista.
“Questo è Danny [Boyle] al suo meglio, combinato con un genere
molto commerciale, come abbiamo avuto con Edgar Wright e Baby
Driver. A volte, quando si inserisce un vero regista d’autore in
un’arena commerciale, lo si eleva“. Non sappiamo quanto sarà
consistente la parte di Murphy, ma sembra che possa avere solo un
piccolo ruolo nel primo film, per poi avere un ruolo più importante
nei successivi.
28 giorni dopo è stato un
grande successo e ha già generato un seguito meno apprezzato (ma
comunque degno di nota), 28 settimane
dopo del 2007. Boyle e
Garland erano coinvolti solo come produttori esecutivi in quel
progetto, quindi molti fan vedranno sicuramente questo nuovo film
come il primo vero sequel.
Boyle dirigerà il primo capitolo,
mentre Nia DaCosta è stata annunciata di recente
come regista del secondo film, che pare si intitolerà
28 anni dopo parte 2: Il tempio delle
ossa. Il piano prevede di girare entrambi i film in
parallelo. Garland scriverà tutti e tre i film. Il budget per ogni
film si aggira intorno ai 75 milioni di dollari.
Il primo film vedeva Cillian Murphy nei panni di un uomo che si
risveglia dal coma dopo un incidente in bicicletta e scopre che
l’Inghilterra è stata invasa dagli “Infetti”. Il virus trasforma le
sue vittime in assassini furiosi, ma a differenza dei soliti
“zombie”, queste creature possono muoversi con una velocità
spaventosa. L’uomo si mette quindi in viaggio per scoprire cosa sta
succedendo, incontrando lungo la strada i compagni sopravvissuti
interpretati da Naomie Harris e Brendan Gleeson,
oltre a un maggiore dell’esercito squilibrato interpretato da
Christopher Eccleston.
I dettagli sulla trama di 28
anni dopo non sono ancora stati resi noti, ma il periodo
suggerisce che si svolgerà in un futuro prossimo, il che significa
che il film potrebbe essere più orientato verso la fantascienza che
verso l’horror vero e proprio.
Ieri dal Thunder Stage del CCXP24
di San Paolo, Brasile, Apple TV+ ha
presentato il trailer dell’attesissima seconda stagione di
Scissione, con il creatore, scrittore e
produttore esecutivo della serie Dan Erickson, il protagonista e
produttore esecutivo Adam Scott e le star Britt Lower e Tramell
Tillman che si sono uniti ai fan per condividere un’esclusiva
anticipazione di ciò che ci aspetta per gli innies e gli outies
delle Lumon Industries. La seconda stagione di
Scissione, composta da 10 episodi, farà il suo
debutto su Apple
TV+ il 17 gennaio 2025 con il primo episodio seguito da nuove
puntate ogni venerdì fino al 21 marzo.
Il thriller ambientato sul posto di
lavoro acclamato dalla critica e vincitrice di un Emmy e di un
Peabody Award, è ideato dal produttore esecutivo e regista Ben Stiller ed è interpretato dal candidato
all’Emmy Adam Scott, Britt Lower, Tramell Tillman, Zach
Cherry, Jen Tullock, Michael Chernus, Dichen Lachman, il
vincitore dell’Emmy John Turturro, il premio Oscar
Christopher Walken e la vincitrice dell’Oscar e
dell’Emmy Patricia Arquette e dà il benvenuto
nella seconda stagione ai nuovi series regular Sarah Bock e
Ólafur Darri Ólafsson.
https://youtu.be/BKeyAag6j4g
La trama della seconda stagione di
Scissione
In Scissione Mark
Scout (Adam Scott) guida un team di lavoro della Lumon Industries i
cui dipendenti sono stati sottoposti a una procedura di scissione,
che divide chirurgicamente i loro ricordi professionali da quelli
personali. Questo audace esperimento di “equilibrio tra lavoro e
vita privata” viene messo in discussione quando Mark si ritrova al
centro di un mistero da svelare che lo costringerà a confrontarsi
con la vera natura del suo lavoro… e di se stesso. Nella seconda
stagione, Mark e i suoi amici scoprono le terribili conseguenze
derivanti dall’aver giocato con la barriera della separazione, che
li trascinerà ulteriormente lungo un percorso di guai e dolore.
“Scissione” è prodotta
esecutivamente da Ben Stiller, che dirige anche cinque episodi
della nuova stagione, alternandosi alla regia con Uta Bresiewitz,
Sam Donovan e Jessica Lee Gagné. La serie è scritta, creata e
prodotta esecutivamente da Dan Erickson. La seconda stagione è
prodotta anche da John Lesher, Jackie Cohn, Mark Friedman, Beau
Willimon, Jordan Tappis, Sam Donovan, Caroline Baron, Richard
Schwartz, Nicholas Weinstock. Oltre a essere protagonisti, Adam
Scott e Patricia Arquette sono anche produttori esecutivi. Fifth
Season è lo studio.
La prima stagione completa
di Scissione, disponibile in streaming su Apple TV+, è
stata acclamata dal pubblico e dalla critica internazionale e,
oltre a vincere gli AFI Awards, ha ottenuto 14 nomination agli
Emmy, tra cui Outstanding Drama Series, Outstanding Directing for a
Drama Series (Ben Stiller), Outstanding Lead Actor in a Drama
Series (Adam Scott) e Outstanding Writing for a Drama Series,
aggiudicandosi i premi nelle categorie Outstanding Music
Composition for a Series e Outstanding Main Title Design. La serie
ha ottenuto anche due Writers Guild of America Awards come Miglior
nuova serie e Miglior serie drammatica, oltre a due nomination agli
Screen Actors Guild Awards e una nomination ai Producers Guild e ai
Directors Guild Awards.
Joker: Folie à Deux (qui
la nostra recensione) di Todd Phillips sarà disponibile per lo
streaming su Max dal 13 dicembre prima di arrivare su HBO linear il
14 dicembre alle 20:00. ET e probabilmente poi anche su Sky e NOW
in Italia, e ora sono disponibili i totali finali del botteghino
mondiale del sequel.
Il film ha incassato solo
206 milioni di $ al botteghino globale (di cui 58
milioni in Nord America) e si prevede che rappresenterà una perdita
per lo studio dai 150 ai 200 milioni di dollari.
Si tratta di un risultato ben
lontano da quello del primo film di Joker, che ha
incassato oltre 1 miliardo di $ in tutto il mondo ed è stato il
film vietato ai minori con il più alto incasso di tutti i tempi
prima che Deadpool e Wolverine lo superassero
all’inizio di quest’anno.
PETA ha in programma di protestare
contro la proiezione di domenica all’Academy di Nosferatu del
regista Robert Eggers. L’organizzazione per i
diritti degli animali ha in programma di inviare un “ratto gigante”
al Samuel Goldwyn Theater per “mettere le cose in chiaro” sui 5.000
topi vivi che Eggers usa durante una sequenza del film in cui i
topi sbarcano a Londra, portando con sé la peste bubbonica.
In una dichiarazione, la direttrice
degli animali nel cinema e in televisione della PETA Lauren
Thomasson ha affermato: “Un essere umano non ha più
probabilità di essere ferito o ucciso da un topo nella vita reale
che da un vampiro, e le false rappresentazioni di questi animali
come messaggeri di morte negano agli spettatori la possibilità di
vederli come gli individui intelligenti, socievoli e affettuosi che
sono. Gli unici “parassiti” di cui gli spettatori devono
preoccuparsi sono i registi che sottopongono gli animali al caos e
alla confusione di un set cinematografico, e la PETA incoraggia
tutti a guardare oltre questi vergognosi stereotipi e a dare ai
topi il rispetto che meritano”.
Il topo della PETA porterà un
cartello con la scritta “I topi hanno dei diritti! Non abbiamo
causato la peste!”. Dopo una delle prime proiezioni pubbliche del
film, Eggers ha discusso la scena in una conversazione con
Guillermo del Toro, dicendo: “Se ci sono dei
topi in primo piano, sono veri, e poi si diradano e diventano topi
CG sullo sfondo. Ed erano ben addestrati”. Ha aggiunto:
“Non sapevo che i topi fossero incontinenti, quindi l’odore è
pazzesco”.
Lo scenografo Craig Lathrop ha
raccontato a Variety della scena: “I topi. Nessuno di loro si è
perso. Li abbiamo trovati tutti. Erano tutti lì. Abbiamo costruito
queste barriere di plexiglass in modo che i topi vivi fossero in
un’area controllata”, ha detto, aggiungendo che la produzione
si è presa cura di garantire la sicurezza dei roditori. “Nella
scena sulla strada, i cavalli sono da una parte della barriera di
plexiglass e i topi dall’altra, in modo che i topi non corrano
sotto i loro piedi e vengano schiacciati, così nessuno si è tatto
male”.
Tutto quello che sappiamo su
Nosferatu
Nosferatu
è interpretato da Bill Skarsgård, che sostituisce il trucco da
clown di Pennywise con le zanne affilate del Conte Orlock, nonché
da Nicholas Hoult, Aaron Taylor-Johnson, Emma Corrin e Lily-Rose Depp. Il film riunisce inoltre
Eggers con Willem Dafoe, che ha interpretato in modo
memorabile un ex marinaio irascibile in The
Lighthouse e che è apparso anche nel precedente film del
regista, The
Northman. L’epopea vichinga vedeva protagonista il
fratello di Skarsgård,
Alexander Skarsgård, nel ruolo di un guerriero norreno con una
massa grassa impressionante e addominali formidabilmente
cesellati.
Nosferatu
è basato sul capolavoro espressionista tedesco del 1922 diretto da
F. W. Murnau – la realizzazione di quel film ha
ispirato il film del 2000, completamente fittizio, L’ombra del
vampiro, che ha visto protagonista Dafoe, candidato all’Oscar,
nel ruolo di un succhiasangue realmente esistito, arruolato per
interpretare il ruolo di Orlock. Qui l’attore interpreta invece un
assassino di vampiri. Nosferatu è stato anche
rifatto nel 1979 da Werner Herzog come
Nosferatu il vampiro, con il suo frequente collaboratore
Klaus Kinski. Nosferatu
arriverà al cinema a partire dal 1gennaio.
Dopo aver deciso di non partecipare
al CCXP questo fine settimana, la Sony Pictures ha pubblicato il
primo poster di 28 anni dopo. Con un po’ di
fortuna, questo significa che un trailer non è lontano. Il film
riprende dopo gli eventi di 28 giorni
dopo di Danny Boyle e
28 settimane dopo di Juan Carlos
Fresnadillo.
Non ci dice molto, ma il poster
sembra indicato e evocativo del franchise e ci conferma che il
regista di Civil War ed Ex
Machina Alex Garland è tornato a scrivere la
sceneggiatura dopo aver precedentemente scritto
28 giorni
dopo e Sunshine di Boyle. Il
poster include anche un nuovo slogan minaccioso: “Il tempo non
ha guarito nulla”.
28 anni dopo sarà il terzo
capitolo del franchise, dopo il seguito 28 settimane
dopo, con Jeremy Renner nel 2007. Il film darà anche il
via a una nuova trilogia scritta interamente da Garland che
vedrà Nia DaCosta, regista di
Candyman, occuparsi della regia
del film centrale. Fiennes sarà uno dei tre nuovi protagonisti del
primo film, insieme ad Aaron Taylor-Johnson e Jodie Comer. Per non essere escluso, anche il
Jim di Cillian Murphy tornerà per la prima
volta dopo il finale speranzoso del film del 2002, anche se è
cresciuto notevolmente rispetto al corriere che si risveglia dopo
un’epidemia di virus catastrofico. Sono confermati anche
Erin Kellyman e Jack
O’Connell. I dettagli sui personaggi e sulla trama
sono stati tenuti nascosti, ma è probabile che ne sapremo di più
con l’avvicinarsi dell’uscita del film.
Gli spot promozionali per
Captain America: Brave New World stanno
cominciando a fare il loro lavoro, ben prima che il film arrivi in
sala all’inizio del 2025, e ora Microsoft ha diffuso un nuovo spot
pubblicitario di un minuto in cui compaiono delle immagini inedite
dal film.
In questo, Joaquin
Torres usa una nuova tecnologia Windows per progettare le
sue ali; Sam Wilson, nel frattempo, ha questioni
più urgenti a cui badare mentre scatena vari gadget per combattere
i suoi nemici sul campo di battaglia.
Abbiamo anche alcune riprese inedite
del film mentre Captain America e il nuovo Falcon si lanciano in
azione insieme (e nel video vediamo davvero la mano del Celestial
Tiamut, in lontananza). Si prevede che questa sia la location di
una delle principali sequenze d’azione aeree in Captain
America: Brave New World e la fonte di Adamantio
nell’MCU.
Quello che sappiamo sul
film Captain America: Brave New World
Captain America: Brave New World riprenderà da
dove si è conclusa la serie Disney+The Falcon and the Winter
Soldier, seguendo l’ex Falcon Sam Wilson (Anthony Mackie)
dopo aver formalmente assunto il ruolo di Capitan America. Il
regista Julius Onah (Luce, The
Cloverfield Paradox) ha descritto il film come un
“thriller paranoico” e ha confermato che vedrà il ritorno
del Leader (Tim Blake Nelson), che ha iniziato la
sua trasformazione radioattiva alla fine de L’incredibile
Hulk del 2008.
Secondo quanto riferito, la star di
Alita: Angelo della BattagliaRosa
Salazar interpreterà la cattiva
Diamondback, mentre ancora sconosciuto è il ruolo
del villain interpretato da Giancarlo Esposito. Harrison Ford, invece, assume qui il ruolo di
Thaddeus “Thunderbolt” Ross, che a quanto rivelato dal primo
trailer si trasformerà ad un certo punto nel Hulk Rosso.
Nonostante dunque avrà degli
elementi al di fuori della natura umana, il film riporterà
il Marvel Cinematic
Universe su una dimensione più terrestre e realista, come
già fatto anche dai precedenti film dedicati a Captain America. Ad
ora, il film è indicato come uno dei titoli più importanti
della Fase
5.
Anthony
Mackie ha recentemente dichiarato che questo film
è “10 volte più grande” della sua serie Disney+ e ha parlato della dinamica tra Cap e il
nuovo Falcon, Joaquin Torres. “Sono in coppia alla pari“,
ha scherzato. “Sono entrambi militari. Io ero il suo ufficiale
comandante. Tra noi c’è più amicizia rispetto al modo in cui
ammiravo Steve o al modo in cui non mi piaceva Bucky“.
“Questo film è un chiaro reset.
Ristabilisce davvero l’idea di cosa sia e cosa sarà questo
universo“, ha aggiunto Mackie. “Penso che con questo film,
si stia ottenendo un chiaro, nuovo marchio di ciò che
la Marvel vuoole
essere nello stesso modo in cui hanno fatto con Captain America: The Winter
Soldier“.
Sebbene non siano state fatte
“offerte formali”, si dice che la star di Dune:
ProphecyMark Strong sia in lizza per interpretare
Albus Silente (insieme al già citato Mark
Rylance), con la co-creatrice/star di Bad Sisters
Sharon Horgan e Rachel Weisz sono state prese in
considerazione per interpretare Minerva McGonagall. Infine,
l’attore di Ted Lasso e Thor: Love and Thunder
Brett Goldstein sarebbe in lizza per interpretare
Hagrid.
HBO è molto cauta in questa
fase e ha risposto con la stessa dichiarazione per ogni richiesta
di conferma: “Sappiamo che una serie così importante susciterà
molte voci e speculazioni. Mentre procediamo nella pre-produzione,
confermeremo i dettagli solo quando finalizzeremo gli
accordi”.
Lo studio è attualmente alla ricerca
di nuovi attori per interpretare i tre ruoli principali di Harry,
Ron e Hermione e ha lanciato un casting aperto per bambini di età
compresa tra 9 e 11 anni. Si dice che WBD “spera di popolare il
cast degli adulti con alcuni degli attori più noti del Regno
Unito”.
Cosa sappiamo della serie di Harry Potter?
Francesca Gardiner
(Succession, His Dark Materials, Killing Eve) è a
bordo come showrunner e produttore esecutivo, con Mark
Mylod (Succession, Game of Thrones, The Last of Us) arruolato come produttore
esecutivo e regista di numerosi episodi.
La sinossi ufficiale dello show
recita: “La serie sarà un fedele adattamento dell’amata serie
di libri di Harry Potter dell’autrice e produttrice esecutiva
J.K. Rowling. La serie presenterà un nuovo cast
per guidare una nuova generazione di fandom, ricca di fantastici
dettagli e personaggi amatissimi che i fan di Harry Potter amano da
oltre venticinque anni”.
“Ogni stagione porterà Harry
Potter e queste incredibili avventure a nuovi pubblici in tutto il
mondo, mentre i film originali, classici e amati rimarranno al
centro del franchise e disponibili per la visione a livello
globale”.
La serie non ha ancora una data di
uscita ufficiale, ma dovrebbe arrivare nel 2026.
Accolto da trepidazione e
emozione, Robbie Williams ha incontrato la stampa
italiana a Roma per presentare Better Man, il biopic che racconta la storia
della sua vita e della sua carriera. Un film diretto da
Michael Gracey (The
Greatest Showman) in cui la star non si risparmia
e racconta con grande onestà tutto quello che gli è accaduto, dal
successo alle dipendenze.
Better Man è un
atto di coraggio?
Robbie
Williams: “Questo film non è ancora uscito e fino a
questo momento tutti hanno detto cose molto carine. Io ci ho messo
la mia autenticità e il desiderio di condividere tutto. Per ora è
stato un processo liberatorio, ma se non dovesse essere un successo
diventerà l’esatto opposto, e questo vorrà dire altra
terapia!”
La Scimmia è come Robbie Williams
vede se stesso
Perché ha deciso
di apparire nella storia come una scimmia?
RW:
“È il modo in cui Robbie si vede. In questo modo il pubblico
può vedere Robbie esattamente come lui si vede. Poi ci sono un
sacco di biopic un po’ ripuliti e edulcorati in giro, in questo
periodo. Il nostro non è un film o edulcorato, anche in quelle
situazioni in cui sarebbe dovuto essere ripulito, e questo
particolare della scimmia secondo me lo ha reso più
interessante.”
Better Man
propone un grande grado di sincerità. È stato difficile visto che
il film coinvolge anche altre persone?
RW:
“Per me non è un problema spiegare chi sono e farlo con la
massima sincerità e autenticità, perché sono nello spettro. Non
trovo insolite certe cose, tranne quando me lo fanno notare. Solo
in quel momento lo capisco e mi viene una crisi esistenziale. Mi
sono trovato ad avere a che fare con una figura pubblica che era
predisposta a condividere le parti positive e anche quelle
negative. E credo che per ora si parli bene del film proprio perché
si capisce che è un film autentico, cosa di cui abbiamo
particolarmente bisogno e che non viene invece restituita dai
media.”
Spera che
guardando il film qualcuno trovi conforto?
RW:
“Non ho fatto questo film per altruismo, l’ho fatto per motivi
carrieristici perché questo serve alla mia carriera in questo
momento. Per professione io cerco l’attenzione degli altri e esisto
solo quando la ottengo. Così come quando ho fatto il documentario
per Netflix. L’ho fatto principalmente per me, ma il
fatto è che siccome l’autenticità piace alle persone, allora quello
trova riscontro nel pubblico. È un effetto collaterale, molte
persone sono venute da me dicendomi che hanno gradito la storia,
ritrovandoci la loro vita e le loro relazioni. Ma è un effetto
collaterale che mi ha fatto sentire bene, il mio lato narcisista ha
portato a effetti positivi. Ma non è stato quello l’obbiettivo
principale.”
Nel film ci sono
tanti ricordi, ma non c’è la sua ospitata a Sanremo ’94, cosa
ricorda?
RW:
“Sanremo… lo fanno ancora? Mi piacerebbe essere invitato. Devo
dire che in Italia c’è un’energia molto precisa tra il pubblico. È
una cosa che ho notato anche ieri sera durante la diretta di
X Factor (Robbie Williams era ospite durante la finale a
Piazza del Plebiscito, ndr). In Inghilterra gli spettacoli
in televisione sono molto ordinati, ieri invece il backstage c’era
la confusione totale, mentre la diretta andava in onda in maniera
perfetta. E mi sono reso conto di questo meraviglioso caos che
regnava che ti fa rendere conto del calore che ti arriva dalle
persone. Ho amato la bellezza di tutto quello che succedeva, di
questo calore, partecipazione e accoglienza. E se si accoglie
questo calore, non puoi fare a meno di amare l’Italia. Per quanto
riguarda Sanremo ’94, ero così fatto che non mi ricordo
nulla.”
Robbie Williams a Roma presenta Better Man – Foto di Chiara
Guida
Robbie Williams e il rapporto con
il suo corpo
Il corpo è stato
molto importante per la sua carriera, ma che tipo di rapporto ha
con il suo corpo, cosa ha significato per lei nel corso della sua
carriera?
RW:
“Il mio corpo è sempre stato fonte di disagio e malattia, sono
un dipendente impulsivo, per cui la droga, il sesso, il cibo,
l’alcol sono sempre state cause di dipendenze per me. Ora, con le
droghe ho smesso, con il bere, ho smesso di bere, pure con il sesso
abbiamo chiuso (ride), a questo punto però il problema rimane il
cibo. Il problema alimentare continua ancora oggi, ed è stato
problematico sin da quando ero in undicenne cicciottello. Ha fatto
sviluppare una nevrosi che io mi porto dietro ancora oggi. Al di
fuori dei video e dei film, il problema del corpo continua a
persistere. Certo, oggi sono tremendamente sexy, ma ancora oggi il
corpo può essere causa di grande vergogna e grande dolore. È un
malessere che mi accompagna. Il rapporto con il mio corpo continua
a essere complesso e doloroso.”
Ultima giornata di programmazione
per il Noir in festival, la cui 34ma edizione
si chiude sabato 7 dicembre all’insegna della miglior letteratura e
del miglior cinema di genere. Tanti gli ospiti che hanno reso
imperdibile questa edizione, tra cui la più grande scrittrice
americana vivente Joyce Carol Oates,
premiata con il Raymond Chandler Award, o lo
spagnolo Juan Gómez-Jurado, autore di best
seller internazionalmente celebrati, e grandi nomi della
letteratura italiana tra cui Maurizio De
Giovanni.
Evento di chiusura del festival sarà
un’anteprima imperdibile fuori concorso: Fatti
Vedere di Tiziano Russo (prenota
il tuo biglietto gratuito), commedia a tinte noir che
vede nel cast Matilde Gioli, Francesco Centorame, Pierpaolo Spollon
e Asia Argento, che arriverà nelle sale
italiane grazie ad Eagle Pictures. A presentare il film in sala
saranno il regista Tiziano Russo e Asia Argento (ore 20.30 –
Cineteca Milano Arlecchino).
Il cinema è stato protagonista
indiscusso in questa edizione di festival, con proiezioni e ospiti
che hanno portato al Noir quanto più di rappresentativo si possa
vedere oggi nelle cinematografie mondiali.
Dall’horrorPresence firmato da
Steven Soderbergh, al bizzarro e
grottesco Rumours con
protagonista un’inedita Cate Blanchett, fino
a Miséricorde di Alain
Guiraudie, celebrato dai Cahiers du Cinema e accompagnato al
festival dal protagonista Felix Kysil,
o Brief history of a
familydi Lin Jianjie.
Nella giornata conclusiva del
festival sarà invece il cinema italiano ad essere protagonista
assoluto alla Cineteca Milano Arlecchino. Oltre a Fatti
vedere, il festival ospiterà alle 14.30 l’anteprima
di Il migliore dei mali, opera prima
della youtuber e sceneggiatrice Violetta
Rovetto (conosciuta sul web come Violetta Rocks), che
adatta per il grande schermo l’omonima graphic novel da lei
firmata, edita Shockdom. Il film è un’avventura tra giallo e
fantastico dove i misteriosi avvenimenti che si verificano attorno
a cinque ragazzini e alla loro città natale, li porterà a
scontrarsi con «il migliore dei mali». Ad accompagnare il film in
sala, insieme alla regista, anche i due
protagonisti Andrea
Arru e Giuseppe Pallone.
Nel corso della serata di chiusura
saranno assegnati i premi per il cinema: il Black
Panther Award, assegnato a uno degli otto film in
concorso, scelto da una giuria composta da Chiara Caselli, James
Jones, Fulvio Risuleo e Letizia Toni, e il Premio
Caligari al miglior film noir italiano dell’anno.
Al cinema dal 5 dicembre,
dopo l’anteprima alla Festa del Cinema di Roma
2024, arriva L’Orchestra
Stonata (qui
la recensione), di Emmanuel Courcol,
che racconta una storia di famiglia, amicizia e soprattutto amore
per la musica.
Quando al celebre direttore
d’orchestra Thibaut viene diagnosticata la leucemia, un test del
DNA per trovare un donatore di midollo osseo rivela che è stato
adottato. Thibaut rintraccia e incontra così il fratello biologico
Jimmy, un operaio che suona il trombone in una banda musicale
locale a Lille. Quando la banda perde il suo direttore, Thibaut
subentra come sostituto e i fratelli apprendono di più sulle
circostanze che hanno plasmato le rispettive vite, condividendo la
passione e la vocazione per la musica.
In occasione del festival
Capitolino, abbiamo incontrato il regista e sceneggiatore
Emmanuel Courcol e la sceneggiatrice,
Irène Muscari, alla sua prima prova con la
scrittura per il cinema.
Intervista a Emmanuel Courcol e
Irène Muscari, il regista e la co-sceneggiatrice de L’Orchestra
Stonata
Quanto è
importante il contesto sociale quando si ha un’ambizione
artistica?
Emmanuel
Courcol: “L’importanza del contesto sociale viene
principalmente dall’educazione che si riceve, artistica e
scolastica. Ma ancora prima, in ambienti sociali più sfavoriti,
spesso non si hanno neanche le ambizioni, si vive in un contesto in
cui neanche viene in mente di poter ambire a determinate carriere.
L’ambiente che ti circonda fa sì che neanche si possa avere un
sogno o pensare in grande. Nel film, i due fratelli hanno entrambi
un grande talento musicale, ma Jimmy nella sua vita non ha mai
pensato di poter trasformare il suo talento naturale in un lavoro,
non ha mai pensato che sarebbe potuto diventare un grande artista o
un direttore d’orchestra. Il primo limite è
l’autocensura.”
Irène
Muscari: “A contatto con Thibaut, Jimmy comincia a
sognare di fare qualcosa di diverso. Per lui il ventaglio delle
possibilità si allarga improvvisamente ed è il fratello che gli
offre questa prospettiva, però il problema è che la vita non
aspetta. Se a tre anni sei stato messo in una casa di accoglienza
invece che davanti a un pianoforte, a 30 anni non puoi pensare di
arrivare a suonare nell’Orchestra di Lille, perché troppo
tardi.”
L’Orchestra
Stonata è stato scritto a quattro mani, ma com’è nata l’idea del
film?
Irène
Muscari: “L’incontro è avvenuto sul precedente film di
Emmanuelle, Un triomphe (qui la recensione del remake
italiano,
Grazie Ragazzi), che racconta la storia di un regista
di teatro che va a lavorare in un carcere e monta una messa in
scena di Becket, Aspettando Godot, e con questa
compagnia insolita va in tournée. Dal momento che io lavoro in un
istituto carcerario, e mi occupo di attività culturali per i
detenuti, Emmanuelle mi ha chiesto una consulenza scientifica per
la sceneggiatura di quel film. E durante il montaggio di Un
triomphe, mi ha parlato di questa idea di far incontrare
due mondi musicali diversi, primo germe della storia di
L’Orchestra Stonata. Io lavoro tanto con le
orchestre sinfoniche e conosco molto bene la musica classica, e lui
è un grande melomane. Abbiamo cominciato a parlarne, gli ho portato
l’idea dell’innesco che gira intorno alla malattia e pian piano è
nata la storia. La creazione artistica è un processo molto
delicato. Noi siamo una coppia nella vita e siamo fatti per vivere
insieme, ma questo non vuol dire che siamo fatti per lavorare
insieme. Invece il nostro confronto si è rivelato proficuo anche
lavorativamente parlando, ci intendiamo benissimo e abbiamo gli
stessi obbiettivi. Vogliamo parlare di determinismo sociale e di
quello che l’approccio alla pratica artistica può offrire alle
persone per evolversi. Questi argomenti ci stanno a
cuore.”
Per quello che riguarda
l’aspetto musicale, nel film c’è tanta musica di diversa
estrazione, alta e bassa, come l’avete scelta?
Emmanuel
Courcol: “Abbiamo cominciato da quello che sono i
nostri gusti musicali, ma abbiamo avuto un consulente per il film
che è anche il compositore della colonna sonora originale e del
pezzo di musica sinfonica che si sente alla fine del film,
Michel Petrossian. Il brano di Aznavour e il
Bolero li avevamo scelti sin dall’inizio, ma abbiamo cercato di
essere dalla parte del pubblico pur proponendo una musica
orchestrale contemporanea, che si sente molto poco nel cinema di
oggi. Anche scegliendo un brano di Beethoven, abbiamo optato per un
pezzo poco conosciuto. Abbiamo cercato di mettere insieme diverse
anime.”
Irène Muscari: “Emmanuelle mi ha molto aiutata
con la sua esperienza. Ma mi ha lasciata anche esprimermi perché
c’era molta empatia. Da un punto di vista formale per il primi
tempi è lui che ha strutturato la storia, per me l’inizio del
lavoro è stata la parte più difficile perché non ero capace di
avere una visione globale del film, ma ho imparato ormai e infatti
abbiamo già scritto il prossimo film. Adesso il processo è più
rapido, ho dall’inizio una visione globale del lavoro. Per quello
che invece riguarda il metodo, scriviamo contemporaneamente,
abbiamo lo stesso testo davanti e ci lavoriamo insieme, lo scambio
è in diretta rispetto alla scrittura.”
Emmanuel Courcol
è stato anche attore, prima di passare dietro alla macchina da
presa. Come si lavora con degli attori quando si conosce la
condizione psicologica dello stare davanti alla macchina da
presa?
Emmanuel
Courcol: “Il fatto di essere stato attore mi dà dei
vantaggi da regista, perché so cosa si prova quando si sta davanti
alla macchina da presa, so cosa vuol dire stare dalla parte degli
attori. Ho un comportamento empatico e solidale con i miei
interpreti e do loro fiducia. Voglio metterli in condizione di
avere spazio per provare e anche tempo per sbagliare. Questo l’ho
imparato sul set. Voglio si sentano liberi di fare proposte e di
avere la possibilità di aggiustare quello che non va bene, gli
errori si possono riparare. In questo modo risparmio molto
tempo.”
Distribuito da Movies
Inspired, L’Orchestra Stonata è in sala dal 5
dicembre.
In più occasioni il cinema si è
cimentato nel raccontare di un mondo sconvolto da un virus letale
che costringe l’intera popolazione a misurarsi con le sue
drammatiche conseguenze. Film come Virus letale o il più
recente Contagion sono solo alcuni degli esempi più
brillanti di questo filone. Un altro titolo particolarmente
importante è La città verrà distruttaall’alba (qui la recensione del film),
diretto nel 2010 da Breck Eisner. A
differenza dei due titoli poc’anzi citati, si tratta però di un
thriller fantascientifico dove la diffusione del virus porta con sé
risvolti molto peggiori della morte, trasformando gli infetti in
veri e propri mostri senza controllo.
Il film in questione è inoltre il
rifacimento dell’opera di culto omonima del 1973, diretta dal
celebre regista horror George A. Romero. Con
quest’opera egli si concentrò sul dar vita ad una scioccante
rappresentazione dell’isteria che può colpire una popolazione nel
momento in cui questa si trova a dover gestire fenomeni
inspiegabili. Romero, che figura anche come produttore esecutivo di
questo remake, si disse particolarmente soddisfatto dal nuovo film,
considerandolo una vera reinterpretazione in chiave contemporanea
del tema. La città verrà distrutta all’alba ha poi
ricevuto una buona accoglienza anche dal resto della critica e del
pubblico, arrivando ad un incasso di oltre 50 milioni di
dollari.
Per tutti gli appassionati del
genere, infatti, si tratta di un’opera imprescindibile, che va a
segnare un notevole tassello nella rappresentazione di tale
inquietante scenario. Nel film si ritrovano infatti tutte le
caratteristiche del genere, come anche affascinanti novità. In
questo articolo approfondiamo alcune delle principali curiosità
relative a questo. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti
possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla
trama, al cast di attori e alla
spiegazione del finale. Infine, si elencheranno
anche le principali piattaforme streaming
contenenti il film nel proprio catalogo.
Radha Mitchell, Timothy Olyphant e Brett Rickaby in La città verrà
distrutta all’alba.
La trama di La città verrà distrutta
all’alba
La vicenda si svolge nella cittadina
di Ogden Marsh, dove tutto scorre tranquillamente, gli abitanti
sono i classici cittadini modello e non si verificano pressocché
mai infrazioni della legge. Un giorno, però, durante una partita di
baseball, l’agricoltore Rory Hamill decide di
entrare sul campo con un fucile senza un non ben precisato motivo
se non quello che di uccidere qualche sconosciuto. Lo sceriffoc
David Dutton è quindi costretto ad ucciderlo per
non rischiare la vita di nessun innocente. Quell’evento sembra
inizialmente essere soltanto un caso isolato, dovuto all’improvvisa
follia dell’agricoltore.
Ben presto però, la maggior parte
degli abitanti comincia allo stesso modo a comportarsi stranamente,
per poi nel giro di poche ore diventare degli assassini senza
scrupoli. Lo sceriffo decide quindi, in una città allo sbando
totale, di fuggire insieme a pochi superstiti non contagiati da
quello che si scopre essere un misterioso virus che trasforma gli
infetti in mostri fuori controllo e dediti alla pura violenza. A
complicare la situazione vi è però anche l’intervento del governo,
che venuto a conoscenza della situazione della cittadina, decide di
intervenire con forze armate alla disinfestazione e all’uccisione
di chiunque mostri i sintomi della pazzia, al fine di impedire la
diffusione del virus.
Il cast del film
Ad interpretare lo sceriffo
protagonista del film, David Dutton, vi è l’attore Timothy
Olyphant. Celebre per film come Hitman –
L’assassino o la serie Justified, questi si dichiarò
interessato al progetto sin da subito. Desiderava infatti da tempo
recitare in un nuovo progetto di questo genere, ed era affascinato
dalle tematiche universali presenti in esso. Dopo aver sostenuto un
provino, l’attore ottenne la benedizione dello stesso Romero. Il
regista lo considerò particolarmente adatto a rappresentare un uomo
buono costretto a prendere una serie di decisioni al limite della
moralità. Ad interpretare sua moglie incinta Judi, vi è l’attrice
australiana Radha Mitchell, nota per film come
Neverland – Un sogno per la
vita e Attacco al potere.
L’attore Joe
Anderson, visto nella serie televisiva Outsiders,
è invece Russell Clank, il braccio destro dello sceriffo. Danielle
Panabaker, nota per il suo ruolo di Caitlin Snow alias
Killer Frost in The
Flash, interpreta qui l’assistente del centro medico
locale Becca Darling. Sono poi presenti gli attori Mike
Hickman nei panni dell’agricoltore Rory Hamill,
Christie Lynn Smith in quelli di Deardra Farnum,
mentre Preston Bailey è Nicholas Farnum.
John Aylward è il sindaco Hobbs, mente
Lisa K. Wyatt e Justin Welborn
sono Peggy e Curt Hamill, rispettivamente moglie e figlio
dell’agricoltore Rory. Ogni attore che interpreta un personaggio
infettato è poi andato incontro a diverse ore di trucco per dar
vita alla trasformazione necessaria.
La spiegazione del finale di
La città verrà distrutta all’alba
La fine del film mostra che i
personaggi principali, Judy e David, sono fuggiti dalla città di
Ogden Marsh perché sanno che l’esercito sta pianificando di
bombardarla. Riescono a sentire il conto alla rovescia e riescono
ad attraversare i confini della città appena in tempo. Tuttavia, il
loro camion viene danneggiato dall’esplosione e li costringe a
camminare fino alla città successiva, Cedar Rapids. La scena finale
mostra che il satellite riprende la coppia che cammina verso la
nuova città. Il satellite aggancia l’obiettivo e i comandi
recitano: Iniziare il protocollo di contenimento. Nella scena
post-credits, si interrompe un telegiornale e si vedono le immagini
di un ufficiale militare e, in un secondo, di un uomo che si
arrampica sulla telecamera.
Su questo finale ci sono varie
teorie. La prima vuole che il governo ha individuato la coppia che
si spostava dalla città infetta a una nuova città. Di conseguenza,
a causa lor, potrebbe essere necessario distruggere anche la città
successiva. Perché uno dei due potrebbe infettare le altre (un
rischio che il governo non può correre) e dato che il governo stava
coprendo l’esplosione come un “incidente in un impianto chimico”,
la coppia potrebbe raccontare alla nuova città ciò che è realmente
accaduto. Un’altra teoria sostiene invece che la coppia potrebbe
essere stata infettata e aver iniziato a manifestare i sintomi.
Pertanto, l’uomo visto nella scena post-credit potrebbe essere
David. Probabilmente la coppia è dunque in ogni caso morta alla
fine del film.
Il trailer del film e dove vederlo
in streaming e in TV
È possibile fruire del film grazie
alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme
streaming presenti oggi in rete. Il film è infatti disponibile nel
catalogo di Netflix, Amazon Prime Video e Infinity+. Per
vederlo, basterà sottoscrivere un abbonamento generale alla
piattaforma in questione o noleggiare il singolo film. Si avrà così
modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità
video. In alternativa, il film è inoltre presente nel palinsesto
televisivo di venerdì 6 dicembre alle ore
21:15 sul canale Italia 2.
Il film del 2022 Prey
porta la saga di Predator indietro nel tempo, contrapponendo
uno dei più grandi cacciatori della galassia ai guerrieri Comanche
del 1700. Nuovo periodo, ma stesso letale Predator, dunque, per un
film che si configura come una vera e propria origin story della saga. Diretto da Dan
Trachtenberg, Prey
(qui
la nostra recensione) racconta infatti la
storia della prima caccia della specie Predator sulla
Terra.
Durante un’intervista, Trachtenberg ha
spiegato che il suo obiettivo per il film era quello di tornare
alle radici del franchise: “l’ingegnosità di un essere umano
che non si arrende, che è in grado di osservare e interpretare, in
fondo è in grado di battere una forza più forte, più potente, ben
armata“. Storicamente accurato e ricco di momenti di grande
intrattenimento, il film è poi stato un vero e proprio successo ed
è da molti definito il capitolo più avvincente della saga.
Per i fan dei precedenti capitoli,
si tratta dunque di un ritorno alle origini che, date le sue
particolarità, non mancherà di entusiasmare. In questo articolo,
approfondiamo dunque alcune delle principali curiosità relative a
Prey.
Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare
ulteriori dettagli relativi alla trama, al
cast di attori, alla spiegazione del
finale e a ciò che sappiamo riguardo un
sequel. Infine, si elencheranno anche le
principali piattaforme streaming contenenti il
film nel proprio catalogo.
Ambientato nel 1719 nelle Grandi
Pianure, il film ha per protagonista la giovane
Naru, guerriera feroce ed estremamente abile della
tribù dei Comanche. Cresciuta all’ombra di alcuni dei più
leggendari cacciatori del suo popo, Naru intende dimostrare di
poter proteggere la sua gente quando un pericolo minaccia il suo
accampamento. La preda che insegue, e che infine affronta, si
rivela però essere un predatore alieno altamente evoluto con un
arsenale tecnologicamente avanzato Ne seguirà una feroce e
terrificante resa dei conti tra i due avversari.
Ad interpretare Naru, la giovane
guerriera Comanche, vi è l’attrice Amber
Midthunder. Dakota Beavers ricopre
invece il ruolo di Taabe, fratello di Naru. Michelle
Thrush è invece Aruka, la loro madre, mentre
Julian Black Antelope ricopre il ruolo di Capo
Kehetu. Bennett Taylor, invece, è Raphael Adolini,
un traduttore italiano assunto dai francesi. Infine, l’ex giocatore
di pallacanestro Dane DiLiegro interpreta il
selvaggio Predator, che brandisce versioni primitive delle armi
avanzate usate dai Predator nei precedenti film.
La spiegazione del finale
Il combattimento finale di Prey
inizia con Naru e suo fratello Taabe che affrontano entrambi il
Predator. Taabe, tuttavia, viene poi ucciso
dall’alieno mentre Naru fugge e riesce poi ad ingerire il
particolare fiore che permette di nascondere il calore corporeo,
che è ciò a cui il Predator fa riferimento per individuare le sue
prede. A quel punto, Naru usa la pistola avancarica a pietra focaia
per tendere un’imboscata al Predator, riuscendo a fargli cadere la
sua maschera di puntamento laser che lei ruba prima di fuggire nel
bosco.
Naru attira poi il Predator in una
palude piena di fango prima di usare la maschera del cacciatore
alieno contro la creatura stessa. A quel punto, il Predator muore
per le ferite riportate e la ragazza può tagliargli la testa
e dipingersi il viso con il suo sangue verde brillante. Ha
finalmente completato quella che riteneva la prova con cui
dimostrare il suo valore di guerriera. Può così tornare dalla sua
tribù, sfoggiando come premio la testa del Predator.
Durante l’inizio dei titoli di coda,
gli eventi del film vengono riassunti in una serie di pitture
rupestri che si concludono con la rappresentazione di tre vascelli
Predator che scendono verso la tribù. Non è chiaro se si tratta di
un qualcosa che deve ancora avvenire o che è già avvenuto e di cui
è stata riportata testimonianza tramite la pittura. Di certo, tale
dettaglio apre ad un sequel e nell’ottobre 2023, Trachtenberg ha
confermato l’interesse dello studio a continuare il franchise e che
un sequel è attualmente in fase di sviluppo.
Ci sono easter eggs sulla saga di
Predator?
Pur essendo ambientato in un tempo
diverso e sembrando del tutto scollegato rispetto agli altri
capitoli della saga (salvo la presenza degli alieni del titolo), in
Prey
sono presenti due grandi riferimenti ai precedenti film di
Predator. Il primo è un riferimento a una delle famose battute di
Arnold Schwarzenegger del
primo film, quando la stessa battuta viene pronunciata da
Taabe: “Se sanguina, possiamo ucciderlo“.
L’altro grande riferimento è invece
a Predator 2. Si tratta della pistola avancarica a
pietra focaia del 1715 in possesso di Naru che riporta la stessa
iscrizione presente sull’arma che Danny Glover
riceve dai Predator come segno di rispetto per la sua vittoria in
quel film. Questo significa che a un certo punto i Predator devono
essere tornati sulla Terra e hanno preso quella pistola, quindi… un
divertente easter egg? Certo. Brutte notizie per Naru e la sua
tribù? Decisamente.
Il trailer di Prey e dove vederlo in streaming
e in TV
È possibile fruire di Prey
grazie alla sua presenza su una delle più popolari piattaforme
streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei
cataloghi di Disney+.
Per vederlo, basterà sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà
così modo di guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità
video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di
mercoledì 12 giugno alle ore
21:20 sul canale Rai 4.
Il film del 1993 Il fuggitivo è ancora
oggi indicato come uno dei migliori thriller di sempre, ricco di
suspense e colpi di scena. Dato il grande successo di questo, è
stato poi realizzato nel 1998 non un sequel, bensì uno spin-off.
Conclusa la storia del medico Richard Kimble, interpretato da
Harrison Ford,
l’attenzione si è infatti concentrata sull’altro celebre
personaggio del film, l’agente federale Sam Gerard. È infatti lui
il protagonista assoluto di U.S. Marshals – Caccia senza
tregua. Questo è diretto da Stuard Baird,
noto principalmente per essere stato il montatore di titoli come
Superman, 58 minuti per morire – Die
Harder e Skyfall.
Realizzato dagli stessi produttori
de Il fuggitivo, questo
nuovo film riprende lo schema narrativo del suo predecessore,
proponendo però un nuovo punto di vista. I protagonisti sono
infatti stavolta gli agenti che si occupano del caso, e non il
fuggiasco di turno. Dato l’apprezzamento ricevuto dal personaggio
di Gerard, si decise infatti di dare maggior rilevanza a questi.
Anche questo spin-off ottenne poi una buona accoglienza di critica
e pubblico. A fronte di un budget di 45 milioni di dollari,
U.S. Marshals – Caccia senza tregua arrivò ad un
guadagno globale di 102 milioni.
Ricco di tensione e dinamismo
proprio come Il fuggitivo, questo è
ancora oggi un thriller d’azione ricco di tutti gli elementi giusti
per soddisfare gli amanti del genere. Tra grandi interpretazioni ed
effetti speciali, si tratta di un’opera da non perdere. In questo
articolo si approfondiranno alcune delle principali curiosità
relative ad esso. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti
possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla
trama, al cast di attori e alla
spiegazione del finale. Infine, si elencheranno
anche le principali piattaforme streaming
contenenti il film nel proprio catalogo.
Robert Downey Jr. e Wesley Snipes in U.S. Marshals – Caccia senza
tregua
La trama di U.S. Marshals – Caccia senza
tregua
Ambientata dopo gli eventi del primo
film, la storia vede nuovamente come protagonista Sam
Gerard, agente capo di una squadra di Marshals, poliziotti
alle dipendenze del Dipartimento di Giustizia, incaricati di
rintracciare il pericoloso assassino Mark J.
Sheridan, attualmente a piede libero. Per le indagini, la
squadra di Gerard viene affiancata dal giovane John
Royce, membro dei servizi di sicurezza diplomatici. I due
agenti hanno da subito diverse difficoltà a relazionarsi, tanto per
il difficile carattere di entrambi quanto per il differente
approccio al caso. Sam, in particolare, sembra fidarsi poco di
John, tenendolo pertanto all’oscuro di molti dei risvolti
dell’indagine.
Proseguendo in questa, la squadra
arriva a scoprire che l’omicida che stanno cercando è in realtà un
agente, registrato sotto il nome di Mark Sheridan, ed ex membro
della CIA. L’uomo è sotto accusa per aver ucciso due membri del
servizio segreto diplomatico, al fine di coprire un intricato
complotto nazionale. Con la cattura del presunto responsabile
sempre più a portata di mano, Gerard capirà di avere a che fare con
un caso molto più complesso di quello che sembra. Qualcuno sembra
infatti portare avanti un doppio gioco, mentendo sulla propria
identità. Il vero colpevole, dunque, sembra essere tanto vicino
quanto imprendibile.
Il cast del film
Come già avvenuto per il precedente
film, il personaggio di Sam Gerard è nuovamente interpretato
dall’attore Tommy Lee Jones.
Proprio grazie alla sua performance in Il fuggitivo questi
ebbe modo di vincere il premio Oscar come miglior attore non
protagonista. Fu dunque per lui un gran piacere tornare a vestire i
panni di quel personaggio. Per l’occasione, egli decise di
interpretare quante più scene possibili senza ricorrere a
controfigure. Una di queste è quella che vede l’attore saltare
sopra ad una macchina in corsa. Accanto a lui, riprendono
rispettivi ruoli anche gli attori Joe Pantoliano,
come Cosmo Renfro, Daniel Roebuck, come Bobby
Biggs, e Tom Wood, come Noah Newman.
L’attore Wesley Snipes,
celebre per la trilogia di Blade, interpreta qui
il ruolo del fuggitivo Mark J. Sheridan. Questi, pur apprezzando il
personaggio e il film, dichiarò di aver odiato il dover prendere
parte ad alcune scene in acqua. Ciò è dovuto al fatto che l’attore
non sa nuotare. Nel film è poi presente anche il celebre Robert Downey
Jr. nei panni dell’agente John Royce. L’attore, che
all’epoca delle riprese stava vivendo un periodo piuttosto
difficile, disse di aver particolarmente odiato il lavorare al
film. Arrivò infatti ad affermare che avrebbe preferito finire in
prigione piuttosto che svegliarsi la mattina e dover andare sul
set.
Robert Downey Jr e Tommy Lee Jones in U.S. Marshals – Caccia senza
tregua
Il finale del film
Essendo uno degli uomini dietro la
cospirazione per vendere segreti di Stato alla Cina, Royce si fa
assegnare alla caccia all’uomo per mettere a tacere Sheridan prima
che vuoti il sacco, ma viene interrotto da Newman proprio mentre
sta per colpire il testimone. Usa la sua stessa pistola (la Taurus)
per sparare a Newman prima di consegnarla come prova, invece di
dire che Sheridan lo ha disarmato di nuovo e ha sparato allo
sceriffo con quella. Qualunque cosa Royce abbia in mente a questo
punto, cercare di spacciare la propria pistola (che l’esperto e
attento Gerard non solo ha visto, ma ha anche commentato) per
quella di Sheridan è uno stratagemma piuttosto rischioso.
Dopo che Gerard ha avuto il suo
flashback, che il film presenta come un momento molto importante,
chiede di vedere la Glock di Royce. Royce gliela consegna e Gerard
fa uno scambio davvero ovvio, scambiando il caricatore pieno di
Royce con uno vuoto prima di andarsene con il pretesto di prendere
un caffè per entrambi. Questo dà a Royce la possibilità di finire
Sheridan, ma ovviamente ciò non avviene. Gerard non aveva affatto
intenzione di prendere un caffè e spara a Royce nella resa dei
conti finale. Così, i buoni vincono, Sheridan viene scagionato e le
relazioni diplomatiche dell’America con la Cina rimangono
intatte.
Il trailer del film e dove vederlo
in streaming e in TV
È possibile fruire di U.S.
Marshals – Caccia senza tregua grazie alla sua presenza su
alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in
rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Apple
iTunes, Tim Vision e Prime Video. Per vederlo, una volta
scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo
film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di
guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il
film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di
venerdì 6 dicembre alle ore 21:00
sul canale 20 Mediaset.
Un’autentica folla di appassionati
ha preso d’assedio ieri sera il Teatro Franco Parenti a Milano per
celebrare l’inimitabile scrittura di Joyce
Carol Oates, premiata al Noir in
Festival con il Raymond Chandler
Award. Il momento tradizionalmente più alto del Noir,
organizzato quest’anno in collaborazione con La Milanesiana, è
stato aperto ieri sera da Elisabetta Sgarbi (anche editrice con La
nave di Teseo delle opere di Oates e del suo romanzo più recente,
“Macellaio”) ricordando l’ormai storica amicizia con i direttori
del festival, Marina Fabbri e Giorgio Gosetti, e la fedeltà ad
un’autrice così prolifica che il suo “respiro creativo” mette
sempre a dura prova il “respiro” dell’editore.
A consegnare il premio (la perfetta
riproduzione di una moneta storica, il Doblone Brasher descritto da
Raymond Chandler nel suo romanzo “Finestra sul vuoto”) è stato
l’assessore alla cultura del Comune di Milano, Tommaso
Sacchi mentre Joyce Carol Oates ha ricordato la sua
affinità ideale e artistica con i temi di un grande narratore noir
come Graham Greene a cui fu attribuito nel 1988 il primo Raymond
Chandler Award.
“È con profonda ammirazione e
gratitudine– dicono Marina Fabbri e Giorgio Gosetti – che
consegniamo il Premio Raymond Chandler alla carriera a Joyce Carol
Oates”.
Questa la motivazione del
riconoscimento che riassume l’intenso legame tra la scrittura della
più grande scrittrice americana vivente e il senso profondo del
genere noir.
“Sublime ingannatrice del tempo,
sia nell’aspetto di eterna ragazza sia nella sua scrittura potente
e cristallina che non scende a nessun compromesso, come solo le
voci più ribelli sanno imporsi di risuonare, Joyce Carol Oates è
per noi l’artista della letteratura oggi più efficace nel
raccontare il nodo oscuro, spesso sanguinario e inconfessabile, che
lega i membri di una comunità. Una voce letteraria inconfondibile
dall’imprescindibile valore morale di monito a tutti noi:
raccontare la realtà con le armi seduttive della finzione, è
salvare la nostra memoria e noi stessi dall’estinzione”.
Il critico e scrittore Antonio Monda
ha poi avviato un intenso dialogo con la protagonista della serata
che non si è limitato alle inquietanti atmosfere di “Macellaio”,
spaziando invece sull’attualità politica, sul doloroso mestiere
della scrittura, sul valore del noir come specchio in cui
riflettere il disagio e le contraddizioni della società. Al termine
una fila interminabile di lettori e lettrici ha impegnato Joyce
Carol Oates nella firma delle copie del suo libro e in un pur breve
momento di incontro ravvicinato con la “Signora in nero”,
presentatasi a teatro con un elegante cappello di tulle a schermare
il suo sguardo, dritto e severo con cui legge nel profondo le ombre
dei suoi personaggi.
Il nuovo Star Wars: Skeleton Crew di Disney+ è finalmente approdato
sul servizio di streaming con i suoi primi due episodi. Nonostante
le divergenze che hanno circondato il concetto generale dello show
quando è stato rivelato, molti fan di Star Wars –
vecchi e nuovi – si sono detti piacevolmente sorpresi della buona
riuscita dei primi episodi. Mescolare il classico stile Amblin
degli anni ’80 con l’universo di Star
Wars sembra essere una combinazione vincente, almeno
finora.
Tuttavia, come accade ogni volta che
un nuovo progetto di Star Wars viene trasmesso, il
pubblico è ansioso di capire esattamente in quale punto della
tentacolare linea temporale si inserisce questa nuova storia. In
una linea temporale ufficiale composta da nove epoche distinte, è
facile confondersi con tutti questi nuovi contenuti in uscita. In
questa guida, il posto di Star Wars: Skeleton Crew nella linea temporale della
galassia lontana, lontana sarà chiarito, così come la sua posizione
rispetto a ciò che è venuto prima e a ciò che verrà dopo.
Star Wars: Skeleton Crew è
ambientato nell’era della Nuova Repubblica
La galassia si sta ancora
riprendendo dal regno dell’Impero
L’alba degli Jedi – Prima del
25.000 BBY
La Vecchia Repubblica – 25.053-500
anni fa
L’Alta Repubblica – 500-100 anni
fa
La caduta degli Jedi – 100-19 anni
fa
Regno dell’Impero – 19-0 BBY
Età della Ribellione – 0-4 ABY
La Nuova Repubblica – 5-34 ABY
Ascesa del Primo Ordine – 34-35
ABY
Nuovo Ordine Jedi – 50 ABY e
oltre
Star Wars: Skeleton Crew è ambientato nell’anno 9 ABY
– il che, ovviamente, significa che si svolge 9 anni dopo l’epica
battaglia che ha chiuso il film originale di Star Wars ,
Una nuova speranza. L’era della Nuova Repubblica è un
periodo che Disney e Lucasfilm hanno esplorato a lungo da quando
hanno lanciato la loro linea di programmi televisivi in streaming.
Ad esempio, le tre stagioni di The
Mandalorian si svolgono tra il 9 ABY e l’11 ABY.
Ciò significa che, in teoria, Din Djarin potrebbe scoprire Grogu
sul pianeta desertico di Arvala-7, che è sorvegliatissimo, proprio
mentre Wim, Neel, Fern e KB lanciano accidentalmente l’Onyx Cinder
oltre la Barriera di At Attin. Allo stesso modo, anche gli eventi
“attuali” de The
Book di Boba Fett si svolgono nell’anno 9 ABY.
Per quanto riguarda Ahsoka, che ha concluso la prima stagione nel
2023, Star Wars: Skeleton Crew si svolge 3 anni prima.
Ahsoka
si svolge nell’11 ABY, il che ha senso visti gli eventi della
seconda stagione di The Mandalorian. Poiché i ragazzi di
Skeleton Crew pilotano l’Onyx Cinder senza sapere come
farlo funzionare completamente, è possibile che finiscano per
interagire con la leggendaria Ahsoka Tano a un certo punto della
storia. Anche se il ritratto completo di ciò che la Lucasfilm
intende realizzare come risultato di tutto il tempo trascorso
nell’era della Nuova Repubblica resta da vedere, di certo sembra
essere un periodo importante per l’attuale programmazione di
Star Wars.
Quanto è distante l’equipaggio
di Skeleton Crew dal Ritorno dello Jedi?
Poiché Skeleton Crew è
ambientato nel 9 ABY, ciò lo colloca cinque anni dopo gli eventi
finali de Il ritorno dello Jedi. Ciò significa che solo cinque
anni prima di Skeleton Crew Luke Skywalker è riuscito a
redimere suo padre, a liberare la galassia da Palpatine (per il
momento) e a dare inizio all’era della Nuova Repubblica. Ciò
significa anche che il cast di Skeleton Crew è ancora
provato dalla fine dell’Impero e probabilmente sta lottando per
ottenere un senso di normalità in tutta la galassia. Skeleton
Crew offre uno sguardo a terra su questi cambiamenti
attraverso la percezione di giovani ragazzi, in contrapposizione al
più comune approccio a Star Wars adottato in altre offerte
dell’era della Nuova Repubblica.
Con il Ritorno dello Jedi
ancora relativamente recente durante Skeleton Crew, è
interessante vedere come un giovane ragazzo come Wim vede già le
lotte tra Jedi e Sith. Sembra che le storie di Luke Skywalker che
si scontra con Darth Vader abbiano fatto il giro del mondo,
ispirando ancora più racconti di fantasia che Wim legge sul suo
tablet e mette in scena con il suo migliore amico, Neel. Forse più
interessante, però, è il modo in cui Skeleton Crew fa
capire che la leggenda degli Jedi non è ancora svanita.
I fan diStar Wars
ricorderanno la sorpresa di Rey e Finn nell’apprendere che le
storie di Luke Skywalker che erano cresciute erano in realtà storie
vere durante Star Wars Episodio VII: Il risveglio della
forza. Il loro stupore di fronte al ricordo di Han Solo delle sue avventure con Luke
suggerirebbe che, a un certo punto, gli eventi de Il ritorno
dello Jedi finiscono per essere considerati racconti popolari.
Con i misteri dell’ambientazione di At Attin di Skeleton
Crew come elemento centrale dello show, il pubblico potrebbe
finalmente trovare un collegamento tra la percezione delle
avventure di Luke subito dopo Il ritorno dello Jedi e il
modo in cui vengono percepite quando arriva Il risveglio della
forza.
Skeleton Crew avrà un impatto
sugli eventi futuri?
Con l’introduzione di così tanti
personaggi simpatici e memorabili nei primi due episodi di
Skeleton Crew, è del tutto possibile che si inseriscano
negli eventi futuri. Qualche abile retcon potrebbe persino
includerli in eventi che abbiamo già visto svolgersi, come quelli
di Star Wars Episodio VII: Il risveglio della forza.
Sebbene la trilogia sequel si svolga più di due decenni dopo la
prima di Skeleton Crew, è possibile che alcuni di questi
personaggi siano invecchiati e diventati membri importanti della
mitologia di Star Wars.
Un collegamento molto più probabile
con gli eventi della trilogia sequel, tuttavia, è rappresentato dal
pianeta natale della Skeleton Crew, At Attin. Il pubblico viene
introdotto al pianeta attraverso la lente di ragazzi che crescono
in un sobborgo apparentemente molto normale. È proprio questa
normalità, tuttavia, che finisce per sollevare alcune importanti
bandiere rosse e suggerisce che qualcosa di sinistro giace appena
sotto la superficie. Tutto è così perfetto e uniforme, fino al
fatto che i ragazzi della scuola vengono preparati per lavori
d’ufficio, invece di essere incoraggiati a seguire i loro sogni o a
fare ciò che sentono giusto per loro. Come è consuetudine per le
storie in stile Amblin degli anni ’80, c’è quasi sempre una
cospirazione più profonda in gioco, volutamente nascosta
dall’ambientazione asettica del sobborgo, e le sottili sfumature
fasciste presenti nella narrazione di Skeleton Crew fanno
alzare un sopracciglio o due.
Con questo mistero che circonda il
pianeta, è molto probabile che lo scopo di At Attin sia quello di
favorire l’ascesa del Primo Ordine. L’Imperatore Palpatine ha
sempre avuto dei piani di emergenza in caso di fallimento del suo
Impero, e ci sono molti indizi di contesto che suggeriscono che il
pubblico sta vedendo uno di questi piani svolgersi davanti ai
propri occhi in Skeleton Crew. Dalla “barriera” che
impedisce agli abitanti di At Attin di vedere le stelle, per non
parlare di comunicare al di là di esse, ai crediti incontaminati
della Vecchia Repubblica che sono diventati una rarità nell’era
della Nuova Repubblica, tutto sembra un po’ “fuori posto” sul
pianeta per essere solo una coincidenza. Se At Attin dovesse
rivelarsi più di quanto sembri, è possibile che i fan di Star
Wars stiano assistendo agli inizi del Primo Ordine che
terrorizzerà la galassia nella trilogia sequel.
I risultati ottenuti dai
Marvel Studios con il
MCU sono a dir poco
incredibili. Gli studios rivali hanno cercato e fallito nel
tentativo di replicare questo successo (si pensi allo sfortunato
Dark Universe della Universal) e gli spettatori ora si aspettano
che ogni franchise si colleghi e si sviluppi
verso…qualcosa. Fin dal primo giorno, ci sono state
speculazioni su chi i DC Studios sceglieranno come grande cattivo
del DCU. Darkseid è probabilmente fuori discussione
dopo Justice League di Zack Snyder, ma
James Gunn avrà sicuramente dei piani per la
squadra che si riunisce per combattere una minaccia apparentemente
inarrestabile, giusto?
Si è parlato molto della
possibilità che si tratti del Centro, un essere mostruoso
introdotto per la prima volta in New Frontier di Darwyn
Cooke. Tuttavia, il capo dei DC Studios ha ora confermato che il
DCU non si propone di raccontare una grande
storia che porti a un cattivo finale di tipo boss in un futuro
crossover o film evento.
“Si tratta di storie
interconnesse, ma la gente si chiederà sempre: ‘Chi è il grande
cattivo?’.Ci sono grandi cattivi per i film
collegati?Sì.Ma si tratta solo
di ‘Ehi, sto raccontando questa storia su questo grande
cattivo’?No”, ha detto Gunn a Josh
Horowitz. “Si tratta di un universo collegato.Stiamo costruendo un mondo.Non stiamo
costruendo una storia”.
“Non stiamo scrivendo una
storia che ha un inizio, una parte centrale e una fine ”,
ha continuato il regista. “Stiamo creando un universo in
cui le persone possono entrare a farne parte e viverlo.È molto più simile a Star
Wars”.
Alcuni fan potrebbero essere delusi
da questi commenti, ma è davvero una cosa così negativa per il
DCU differenziarsi dal MCU in questo modo?
La Justice League è destinata a riunirsi prima o
poi e il cattivo che dovranno affrontare non deve necessariamente
aver già fatto sentire la propria presenza in innumerevoli altri
film e show televisivi. Per quanto riguarda la Cerchia, ci
aspettiamo ancora che il cattivo entri in qualche modo nelle
Lanterns.
Ha funzionato con Thanos ma non con
Kang il Conquistatore; anche
Avengers:Age of Ultron
ha fatto bene a introdurre Ultron senza che fosse stato presentato
per due o tre anni prima (non è un segreto che Gunn non sia stato
un grande fan del dover inserire Thanos in Guardiani della
Galassia del 2014).
“L’obiettivo fin
dall’inizio è stato quello di dare l’onore che i grandi personaggi
meritavano; le Wonder Woman, i Batman e i Superman ”,
dice Gunn dei suoi piani per il DCU in un’altra parte dell’intervista.
“Ma poi anche di sostenere questi personaggi meno
conosciuti come Peacemaker, Booster Gold e The Huntress”.
Potete vedere l’intervista completa al regista qui sotto.
Durante una conversazione al
Marrakech Film Festival, venerdì scorso, è stato chiesto a Haynes
di parlare del progetto, e inizialmente il moderatore aveva detto
che il regista non ne avrebbe parlato. Tuttavia, Haynes ha
rilasciato una breve dichiarazione.
“Quello che è successo
quest’estate è stato duro”, ha detto Haynes. “Ma il film
stesso e la sceneggiatura potrebbero risorgere in una forma diversa
un giorno”.
La storia d’amore gay sembra
seguire un poliziotto corrotto e il suo amante più giovane mentre
fuggono dalla Los Angeles degli anni ’30 per il Messico, con
Phoenix che dovrebbe recitare accanto a Danny Ramirez. In realtà,
Phoenix aveva dato origine all’idea, portando il progetto a
Christine Vachon della Killer Films e sviluppando la sceneggiatura
con Haynes e Jon Raymond. Haynes non ha confermato né smentito
queste ipotesi durante la conversazione.
Da quando il film è andato in fumo
ad agosto, Phoenix ha rifiutato di commentare durante una
conferenza stampa a Venezia, dicendo che la sua opinione non
sarebbe stata “utile” perché “gli altri creativi non
sono qui per dire la loro e non mi sembra giusto”, mentre la
produttrice Christine Vachon è stata molto più schietta quando ha
parlato dello sfortunato progetto di San Sebastián.
“L’idea che il tempo di [Todd]
sia stato sprecato e che un film non sia il risultato di quegli
anni di lavoro a stretto contatto con Joaquin… Questa è la tragedia
per me”, ha detto Vachon. “E non riesco a capacitarmi del
fatto che noi, come comunità culturale, abbiamo perso l’opportunità
di avere un altro film di Todd Haynes. È semplicemente
criminale”.
Anche Ramirez
ha parlato con Variety della situazione in ottobre,
affermando che è stata “decisamente deludente”. Haynes
sarà il presidente della giuria del 75° Festival Internazionale del
Cinema di Berlino, che prenderà il via a febbraio, mentre il
Festival di Marrakech si concluderà sabato.
La 20th Century Fox ha scelto molti
personaggi del franchise degli
X-Men in modo perfetto, quindi i Marvel Studios possono imparare o ripetere
alcune di queste decisioni quando portano gli X-Men nel
MCU. Si potrebbe sostenere
che senza il franchise degli X-Men della Fox non
esisterebbe il MCU, e il sempre crescente universo
Marvel di Kevin Feige ha imparato
molto dagli errori della Fox. Uno dei più grandi errori della Fox
nel franchise degli X-Men è stato lo spreco di molti
attori che erano in realtà perfettamente adatti ai loro ruoli di
mutanti, anche se queste scelte di casting potrebbero ispirare la
squadra degli X-Men del MCU.
Numerosi mutanti sono già stati
introdotti nel MCU durante la Saga del Multiverso,
anche se solo pochi, tra cui Ms. Marvel e Namor, provengono dalla
continuity principale del MCU.
Lo sviluppo da parte dei Marvel Studios di un reboot ufficiale
degli X-Men suggerisce che alcuni eroi e cattivi
mutanti iconici saranno ricreati per il MCU, ma alcune preziose lezioni di
casting possono essere apprese dal franchise X-Men della
Fox. Anche se molti attori e personaggidegli X-Mennon sono stati
sfruttati al massimo del loro potenziale, alcuni erano
semplicemente troppo perfetti per essere ignorati, quindi
il MCU può prendere spunto.
Kelsey Grammer come Bestia di
Hank McCoy
La Bestia di Hank McCoy è nota per
la sua raffinatezza, il suo intelletto e il suo stile di
combattimento animalesco, tutti elementi che Kelsey Grammer,
interprete di Frasier, ha incarnato perfettamente nel
franchise X-Men della Fox. Grammer è stato visto
solo nella versione con la pelliccia blu di Bestia, mentre Nicholas
Hoult ha esplorato la storia delle origini del personaggio nei film
prequel. L’interpretazione di Grammer ha ricordato
immediatamente la Bestia della popolare serie animata
X-Men degli anni ’90, portando in live-action la personalità
colta, arguta, referenziale e politica dell’eroe.
Questa scelta di casting per Bestia
è stata ispirata, tanto che i Marvel Studios hanno riportato
Kelsey Grammer a interpretare una variante di
Hank McCoy nella scena post-credits di The Marvels.
Sembra probabile che la Bestia di Grammer sarà vista di nuovo nella
Saga del Multiverso, anche se, a 69 anni, Grammer stesso potrebbe
non voler assumere il ruolo in modo permanente nel reboot degli
X-Men del MCU. Chiunque prenda il
ruolo deve incarnare la stessa brillantezza e gentile autorità di
Bestia del franchise della Fox, imitando l’interpretazione
di Grammer e offrendo al contempo qualcosa di nuovo ed
emozionante.
James Marsden come Ciclope di
Scott Summers
Il Ciclope di James Marsden è
considerato uno dei personaggi più sottoutilizzati e sprecati del
franchise X-Men della Fox, ma questo non ha nulla a che
fare con la scelta del cast. Marsden ha l’aspetto fisico
attraente perfetto per Scott Summers e ha dimostrato più volte di
essere un esperto nel fornire interpretazioni drammatiche ed
emotive, come quelle in The Butler e
Westworld. Sfortunatamente, le sceneggiature e le storie
non hanno fatto nulla per elevare Ciclope nella trilogia originale
degli X-Men e, di fatto, è stato ucciso senza tanti
complimenti all’inizio di X-Men: The Last Stand.
Tye Sheridan ha interpretato il
Ciclope di Scott Summers nella linea temporale rivista dalla Fox a
partire da X-Men: Apocalypse, ma non è riuscito a catturare la
vera essenza del personaggio della Marvel Comics.
Nei fumetti Marvel Comics, Scott Summers viene scelto dal
Professor X per guidare gli X-Men e sarebbe stato fantastico vedere
il Ciclope di James Marsden ricoprire questo ruolo. Tuttavia, è
stato ridotto a un ostacolo piagnucoloso nella storia
d’amore tra Jean Grey e Wolverine, che ha ricevuto molta più
attenzione della sua relazione con la Grey. Sebbene la Fox
lo abbia sottoutilizzato, i Marvel Studios dovrebbero andare a
caccia di un James Marsden-tipo quando si tratta di scegliere il
ruolo di Ciclope per il MCU, e sarebbe persino bello vedere
lo stesso Marsden riprendere il ruolo come variante nella Saga del
Multiverso, auspicabilmente in cerca di redenzione.
Zazie Beetz come
Domino
Zazie Beetz è stata una delle ultime attrici a unirsi al
franchise X-Men della Fox, in quanto ha debuttato in
Deadpool
2 nel ruolo della fortunata Domino, un membro della
squadra X-Force di Deadpool. Domino
è una badass nei fumetti Marvel Comics e la Beetz ha incarnato
perfettamente questo elemento del suo personaggio, duro ma
esilarante, anche se è stato un peccato che non abbia ricevuto
maggiore attenzione. Domino è una partner, una confidente e
persino un interesse amoroso per Cable, e questo sarebbe stato
interessante da esplorare inDeadpool
2, anche se forse avrebbe deviato troppo dalla
narrazione generale.
È stato deludente che la Domino di
Zazie Beetz non sia tornata in Deadpool & Wolverine, che ha colmato il
divario tra il franchise X-Men della Fox e il MCU. Tuttavia, è molto
probabile che la Beetz possa debuttare come versione ufficiale di
Domino nel MCU, magari se i Marvel Studios esploreranno lo
sviluppo delle squadre X-Force, X-Corporation o Wild Pack.
Beetz è salita rapidamente alla ribalta con ruoli in Atlanta,
Joker e Invincible, quindi sarebbe fantastico vederla
tornare nei panni di Domino, in quanto è stata una scelta di
casting ispirata per l’antieroe mutante meno conosciuto.
Kodi Smit-McPhee come
Nightcrawler di Kurt Wagner
Molti potrebbero sostenere che la
versione di Alan Cummings di Nightcrawler da X2: X-Men
United sia in realtà la scelta di casting superiore, ma
Kodi Smit-McPhee ha portato una curiosità giovanile e
un’oscurità nascosta a Kurt Wagner che ha catturato perfettamente
l’essenza del personaggio dai fumetti Marvel. Come James
Marsden, Smit-McPhee è stato vittima di una scrittura scadente nel
franchise X-Men della Fox, per cui non ha mai raggiunto il
suo pieno potenziale. Da quando ha interpretato Nightcrawler, però,
Smit-McPhee ha riscosso un grande successo con ruoli in Il
potere del cane, Elvis e Disclaimer, quindi sarebbe
bello vederlo tornare nel MCU.
Kodi Smit-McPhee ha incarnato
perfettamente la personalità curiosa e divertente di Nightcrawler.
Il personaggio è un burlone ben noto nei fumetti Marvel, e questo è emerso
perfettamente nell’interpretazione di Smit-McPhee, molto più di
quella di Cummings. Il fisico snello di Smit-McPhee è
perfetto anche per Nightcrawler, che è incredibilmente atletico,
flessibile e agile. Il ritorno di Smit-McPhee nel ruolo di
Kurt Wagner offre l’opportunità di esplorare meglio la sua storia
come figlio di Mystica e fratello di Rogue, che sarebbe ancora più
potente ora che Smit-McPhee è più vecchio e ha più esperienza.
Stephen Merchant come
Calibano
La rappresentazione di Calibano da
parte di Stephen Merchant non ricordava esattamente la controparte
Marvel Comics del personaggio, ma Merchant ha
fatto un lavoro fantastico nel fornire un Calibano appropriato per
la trama emotiva e oscura di Logan. La statura di
Merchant, 1 metro e 70, ha certamente aiutato nella sua
interpretazione dell’insolito mutante albino, Caliban, la cui
abilità gli permette di percepire e seguire gli altri mutanti.
Merchant ha reso il fantastico Caliban un personaggio
concreto e credibile, cosa spesso difficile da realizzare,
e questo dovrebbe essere tradotto nel MCU.
Calibano era già apparso nel film
X-Men: Apocalypse del 2016, ambientato nel 1983, dove era
stato interpretato da Tómas Lemarquis, forse più fedele ai fumetti,
ma la sua interpretazione non era così forte come quella di Stephen
Merchant.
Sebbene alcuni preferirebbero
vedere un Calibano più fedele ai fumetti, magari come membro dei
Morlock nel MCU, l’interpretazione di Stephen
Merchant del mutante è stata di gran lunga preferibile.
Merchant ha fornito un’interpretazione tormentata, che
rifletteva perfettamente la storia del personaggio tratta dai
fumetti Marvel Comics, in cui Caliban veniva
costantemente rifiutato a causa del suo aspetto insolito e per due
volte era stato scelto per essere trasformato in uno dei Cavalieri
di Apocalisse. Calibano è un personaggio oscuro, e Stephen Merchant
l’ha catturato perfettamente in Logan, per cui sarebbe bello vederlo riproposto.
Patrick Stewart nei panni del
Professor X di Charles Xavier
Sarà molto difficile per un nuovo
attore eguagliare l’impatto dell’interpretazione di
Patrick Stewart di Charles Xavier, il fondatore e uno dei
mutanti più potenti del mondo. L’intesa tra Stewart e Ian McKellen,
che ha interpretato Magneto, è stata incredibile e ha contribuito a
valorizzare ogni momento di Stewart nel ruolo del Professor X.
Stewart ha sfruttato il suo background teatrale per
incarnare alla perfezione i toni drammatici di Xavier, ma è stato
anche abile nel fornire gli aspetti più vulnerabili e talvolta più
aggressivi del personaggio, che sarà difficile da
eguagliare.
Patrick Stewart è tornato come
variante del Professor X in Doctor Strange nel Multiverso della Follia del 2022,
ma sebbene si sia ipotizzato un suo ritorno nella Saga del
Multiverso, è molto improbabile che riprenda il ruolo in modo
permanente. Stewart ha 84 anni e probabilmente i Marvel Studios cercheranno un
attore più giovane che possa interpretare il Professor X per
diversi anni. Tuttavia, l ‘essenza dell’interpretazione di
Stewart di Charles Xavier, molto accurata dal punto di vista
fumettistico, dovrebbe essere catturata nel MCU e James McAvoy ha già
dimostrato che sarebbe possibile replicarla.
Josh Brolin come Cable
Cable è un personaggio
difficile da portare nel live-action, poiché il burbero soldato
proveniente da un futuro devastato dalla guerra è un personaggio
difficile da afferrare.
Josh Brolin, tuttavia, ha fatto un lavoro meraviglioso
in Deadpool 2. Sembrava che Brolin, che aveva anche
interpretato Thanos nel MCU, fosse nato per interpretare
Cable, riuscendo a rendere perfettamente la natura dura del
personaggio e fornendo allo stesso tempo alcuni dei momenti più
divertenti e simpatici di Deadpool 2. Sarebbe fantastico
vedere Brolin tornare nei panni di Cable o vedere il personaggio
incarnare la sua interpretazione nel MCU.
Josh Brolin ha annunciato il suo
ritorno nel ruolo di Thanos nel MCU all’inizio del 2024, quindi è
possibile che riprenda entrambi i suoi ruoli Marvel, soprattutto dopo che
Deadpool & Wolverine ha portato l’universo X-Men
della Fox di Terra-10005 nella continuità del MCU.
Il Cable di Josh Brolin non era
solo un rude guerriero, ma aveva anche un’enorme dose di
vulnerabilità, che Brolin ha saputo trasmettere con facilità ed
efficacia. Replicare questo casting perfetto nel MCU darebbe a un Cable più
vulnerabile ed esposto l’opportunità di esplorare alcune delle sue
storyline più emotive dai fumetti Marvel, forse anche approfondendo
il suo rapporto con i genitori, Scott Summers e il clone di Jean
Grey, Madelyne Pryor. Anche il suo rapporto di amore-odio con
Deadpool sarebbe fantastico da esplorare in modo più dettagliato,
quindi sarebbe fantastico vedere il ritorno di questa iterazione di
Cable.
Hugh Jackman come Wolverine di
James Howlett
A parte la sua altezza, Hugh
Jackman è stato una scelta di casting ispirata per il ruolo di
Wolverine nel franchise X-Men della Fox, ed è diventato
una delle rappresentazioni più iconiche e più longeve di un
supereroe in live-action. Nei fumetti della Marvel Comics, Wolverine è alto 1,80 m, a
differenza di
Hugh Jackman che è alto 1,80 m, ma Jackman ha reso
perfettamente l’aspetto burbero e scostante, ma anche la
vulnerabilità e la gentilezza. Catturare lo stile
solitario e cupo del Wolverine di Jackman sarebbe un’ottima cosa da
ripetere per i Marvel Studios, anche se sarebbe un
errore per Jackman tornare dopo la Saga del Multiverso.
Sebbene Deadpool abbia scherzato
sul fatto che i Marvel Studios terranno Jackman
fino a 90 anni, a 56 anni Jackman potrebbe già essere stanco di
vestire i panni di Wolverine. Il ruolo è incredibilmente
impegnativo dal punto di vista fisico, poiché Wolverine è molto
agile, ha un’enorme resistenza ed è un combattente
esperto. Ha più senso che il ruolo di Wolverine nel
MCU venga affidato a un attore più
giovane, anche se sarebbe bello vedere riproposta l’essenza
dell’interpretazione di Hugh Jackman, che Henry Cavill ha catturato
perfettamente nel suo breve cameo in Deadpool &
Wolverine.
Ryan Reynolds come Deadpool di
Wade Wilson
Come per Hugh Jackman nel ruolo di
Wolverine, è difficile immaginare che qualcun altro diventi
Deadpool nel MCU, quindi, fortunatamente, sembra
probabile che Ryan Reynolds continuerà a interpretare questo
ruolo esilarante il più a lungo possibile. Dopo che Wade Wilson è
stato letteralmente massacrato in X-Men Origins:Wolverine, Reynolds ha fatto pressioni affinché una
versione di Deadpool più fedele ai fumetti venisse inserita nel
franchise X-Men della Fox. La passione di Reynolds
per il ruolo è costantemente messa in mostra e il suo impegno per
ottenere il giusto Deadpool è incredibile e continua
ancora oggi, da ultimo in Deadpool & Wolverine.
Nel 2004, il Deadpool della
Marvel Comics si descriveva come “Ryan
Reynolds incrociato con uno Shar Pei”, il che ha fatto sì che
Reynolds interpretasse il ruolo cinque anni dopo, e che desse vita
a una versione accurata dei fumetti 12 anni dopo, per puro caso.
La rappresentazione di Deadpool da parte di Reynolds è
forse l’adattamento più fedele di qualsiasi supereroe dei fumetti
in live-action, e sarebbe fantastico vedere che questa
situazione si protrae negli anni a venire. Dopo l’enorme successo
di Deadpool & Wolverine, sembra inevitabile che Reynolds
torni a vestire i panni di Deadpool, una prospettiva davvero
entusiasmante per il futuro del MCU.
Michael Fassbender come Magneto
di Erik Lehnsherr
Ian McKellen ha interpretato il
Magneto di Erik Lehnsherr nella trilogia originale degli
X-Men della Fox e, sebbene abbia fatto un lavoro fantastico
nel dare vita a un cattivo-antieroe risoluto e moralmente ambiguo,
l ‘interpretazione di Michael Fassbender è stata probabilmente molto
più forte. All’inizio degli anni 2000, Magneto era rappresentato
come poco più di un cattivo deciso a uccidere gli umani per
permettere ai mutanti di vivere. Il debutto di Fassbender
inX-Men: First Classha
conferito al personaggio una complessità che McKellen non aveva
colto e che è aumentata con la crescita del franchise, con
Fassbender che è diventato una delle parti più forti dei successivi
film della Fox sugli X-Men.
Le origini tedesche di Michael
Fassbender hanno reso la tragica storia di Magneto ancora più
potente, anche se l’attore non è ebreo. Tuttavia, l
‘incredibile capacità di Fassbender di accedere a una
vulnerabilità immediata e di mostrare la sua forza perfettamente e
con facilità ha reso Magneto un cattivo ancora più accattivante e
magnetico. Sarebbe fantastico vedere Michael Fassbender
riprendere il ruolo di Magneto nel MCU, magari in una versione più
vecchia e più fedele ai fumetti, ma resta da vedere chi assumerà
questo iconico ruolo di mutante nel prossimo reboot degli
X-Men del MCU.
Il 6 dicembre debutta su
Disney+Uonderbois, la nuova
serie originale italiana prodotta per la piattaforma che si
prefigge di portare lo spettatore in un viaggio straordinario tra
le strade e i sotterranei di Napoli. Ideata da Barbara
Petronio e Gabriele Galli, e diretta da Andrea De
Sica e Giorgio Romano, la serie si presenta come un mix
avvincente di folklore, avventura e un pizzico di magia. La prima
puntata, che apre le porte al mondo unico e vibrante di
Uonderbois, è un’introduzione affascinante e ricca di spunti
e influenze.
La trama di
Uonderbois, tra leggenda e realtà
La storia segue cinque
ragazzi di dodici anni che vivono nei vasci di Napoli,
stretti da un legame d’amicizia e da una fervida immaginazione
alimentata dalle leggende popolari. I protagonisti sono accomunati
dalla convinzione che la loro città sia abitata da
Uonderboi, una figura mitologica che unisce la tradizione
del Munaciello a un moderno supereroe, un Robin Hood dei vicoli
napoletani. Questo mito diventa il punto di partenza per
un’avventura epica che intreccia realtà e fantasia.
Uonderbois serie 2024 – Foto di Giulia Parmigiani
La puntata introduce
rapidamente il conflitto principale: la Vecchia, la proprietaria
dei vasci, sta per vendere le case dei ragazzi in cambio di
una statuetta di Maradona all’interno della quale, si dice, sia
nascosta la mappa di un tesoro. Questo innesco scatena una serie di
eventi che porteranno i protagonisti a immergersi nei misteri della
Napoli sotterranea, alla ricerca di un tesoro leggendario.
L’elemento magico si mescola a un toccante senso di comunità e
appartenenza, offrendo uno spaccato emozionante della vita nei
quartieri popolari napoletani, ma soprattutto di un’infanzia che
non ha ancora ceduto il passo all’adolescenza e cavalca ancora
l’immaginazione con spirito d’avventura.
Un cast brillante in
una Napoli al suo meglio
La prima puntata di
Uonderbois presenta da subito il suo cast corale che include
giovani talenti e volti noti del panorama italiano. Serena Rossi (quasi irriconoscibile sotto al
trucco della Vecchia),Massimiliano Caiazzo e Francesco Di Leva spiccano per notorietà e
carisma, ma chi brilla davvero sono i giovani protagonisti:
nonostante la giovinezza, offrono performance credibili e
appassionate, incarnando con naturalezza lo spirito vivace e
ingenuo dell’infanzia, la totalizzante dedizione all’amicizia e
all’avventura.
Napoli, degradata eppure
bellissima, è un personaggio a sé stante. La regia di
Andrea De Sicae Giorgio Romano
valorizza la città in tutta la sua complessità: dai vicoli
affollati ai misteriosi cunicoli sotterranei, indugiando presso gli
affacci ariosi sul golfo, ogni scena è un omaggio visivo alla
cultura partenopea. L’attenta alternanza di spazi chiusi e vedute
aperte permette alle immagini di alternate luci e ombre,
sottolineando con equilibrio il segreto di questa storia: la magia
e la realtà convivono nello stesso spazio.
Uonderbois serie 2024 – Foto di Giulia Parmigiani
Una scrittura
traballante
Un equilibrio ricercato
anche nella scrittura, dove però fa più fatica a emergere,
nonostante le fonti di ispirazione della serie siano evidenti. La
premessa di Uonderbois ricalca esattamente quella de
I Goonies, affaticandosi a rintracciarne la
stessa naturalezza e ingenuità. Quello che invece la serie riesce a
incorporare nella sua narrazione con naturalezza e efficacia è
tutto il magmatico universo di leggende e credenze della tradizione
napoletana, uno scrigno ricco e vivo da cui attingere.
La colonna sonora,
arricchita da due brani inediti di Geolier – Ferrari e
Parl’ cu mme –, aggiunge un tocco contemporaneo al sapore
tradizionale del folklore locale, e si sposa perfettamente con
l’atmosfera della serie.
Un debutto
promettente
Esperienza insolita nel
nostro panorama ma consapevole di maneggiare dei tropi che hanno
caratterizzato la struttura del cinema d’intrattenimento
statunitense con una enorme influenza sulla cultura pop,
Uonderbois parla principalmente a un
pubblico giovane, godendo di un felice connubio tra specificità
locale e linguaggio universale. La prima puntata dà effettivamente
solo un’idea di quello che sarà la serie, ma gli elementi per una
grande avventura ci sono tutti.
La Helen Webb di Keira Knightley è un’agente segreto
dell’organizzazione spionistica nota come Black Doves nella serie
di spionaggio Black Doves di Netflix. Creata da Joe Barton (The Lazarus
Project, Giri/Haji), Black Doves è stata accolta da critiche eccezionali,
guadagnando un punteggio perfetto
del 100% su Rotten Tomatoes alla data di
uscita del 5 dicembre 2024. La Knightley
(Espiazione, Pirati dei Caraibi) guida il cast di
Black Doves insieme a Ben Whishaw, noto per aver interpretato Q
negli ultimi tre film di James
Bond di Daniel Craig. Black Doves si avvale anche di
un cast di supporto stellare, che comprende la Reed di Sarah
Lancashire, la Lenny di Kathryn Hunter, la Williams di Ella Lily
Hyland e il Michael di Omari Douglas.
Black Doves segue il ruolo
della Knightley, Helen Webb, moglie amorevole e solidale del
Wallace Webb di Andrew Buchan, un importante politico britannico.
Webb è anche un agente segreto che lavora per la misteriosa
organizzazione segreta di spionaggio nota come Black
Doves, di cui la signora Reed è a capo. Reed affronta
Helen per una relazione che lei aveva con un funzionario pubblico
di nome Jason (Andrew Koji), che è stato scioccamente ucciso in un
parco da una lunga distanza. Sospettando che Helen possa trovarsi
nei guai con una potente cospirazione criminale, Reed arruola un
fidato agente di nome Sam Young (Whishaw) per aiutare Helen a
sventare le minacce alla sua vita e alla sua famiglia. Tutti i 6
episodi della stagione 1 di Black Doves sono disponibili
in streaming su Netflix.
Chi sono le spie di Black Doves
e perché vengono reclutate
Crediti: Netflix/Ludovic Robert
Le Colombe Nere sono
un’agenzia apparentemente esclusiva femminile di agenti sotto
copertura nel Regno Unito. Helen Webb viene presentata
come una delle migliori agenti della Black Dove, che ha una delle
maggiori responsabilità in quanto moglie di un importante politico
britannico. Helen Webb era Helen Dawson prima di incontrare e
sposare l’ideologico ministro conservatore della Difesa, Wallace
Webb. Prima di unirsi alle Colombe Nere, si faceva chiamare Daisy
Bradshaw, anche se la leader delle Colombe Nere, la signora Reed,
sospettava che Daisy non fosse il suo vero nome fin dal primo
incontro tra i due personaggi.
Non è chiaro da quanto tempo le
Colombe Nere siano state fondate e chi le abbia fondate, un aspetto
che la seconda stagione di Black Doves farebbe bene a
esplorare. Nel corso delle sei puntate della prima stagione, Helen
viene a conoscenza di almeno un altro agente delle Colombe Nere che
si fa chiamare Dani. Il lavoro di copertura di Dani è
lavorare come assistente di Wallace nel governo
britannico. Helen la nota da lontano e Dani alla fine
rivela di essere una colomba nera incaricata da Reed di monitorare
i movimenti di Helen. Anche la babysitter di Helen si rivela essere
una recluta della Colomba Nera alla
fine della prima stagione di Black Doves.
Per chi lavorano le Colombe
Nere
Le Colombe Nere sono un’agenzia
capitalistica, il che significa che non hanno particolari legami
nazionalistici e non fanno parte di alcun ramo del governo. Questo
permette loro di essere ingaggiati da qualsiasi gruppo o persona di
interesse nazionale o ideologico ed elimina ogni devota fedeltà
alla Gran Bretagna, anche se la loro sede è a Londra. Come
assassini a pagamento, le Colombe Nere offrono le loro
risorse al miglior offerente e non mantengono alcuna
lealtà nei confronti di alcun Paese. Come Reed spiega a Daisy/Helen
durante la loro conversazione introduttiva, le Colombe Nere sono
spie che estraggono informazioni e le vendono per ottenere il
massimo profitto.
Il ruolo della signora Reed
nell’organizzazione delle Colombe Nere spiegato
Crediti: Netflix/Ludovic Robert
Helen è l’agente principale delle
Colombe Nere nella prima stagione della serie, insieme alla signora
Reed, il cui background non viene minimamente discusso.
Reed è uno dei capi delle Colombe Nere ed è il principale
punto di contatto per l’organizzazione. Anche se
potrebbero esserci figure autorevoli che lavorano dietro le quinte
per organizzare accordi e logistica, non sono state rivelate o
accennate nella stagione 1 di Black Doves. Sembra che la
maggior parte dei contratti e dei reclutamenti con sede a Londra
richiedano il timbro di approvazione della signora Reed prima di
entrare in vigore. Anche la struttura specifica dei pagamenti di
Black Doves non viene discussa, ma è probabile che la signora Reed
prenda una percentuale considerevole di ogni lavoro.
In base alla rappresentazione di
Netflix, la signora Reed sembra essere un membro di alto
rango delle Colombe Nere che veglia su Helen, ma certamente non è
l’unica. “Ai piani alti delle Colombe Nere,
l’enigmatica Reed è la burattinaia ed è sempre un passo avanti a
tutti gli altri.Come Helen, la sua bussola morale è
distorta e alla fine cerca di fare più soldi possibili vendendo
segreti al miglior offerente, buono o cattivo che sia” (via
Netflix).
La signora Reed ha una chiara qualità materna, che funziona bene
per Helen, che nella serie non ha una famiglia conosciuta oltre a
una sorellastra imprigionata che ha ucciso il suo patrigno.
Perché le spie si chiamano
Black Doves (colombe nere)
Crediti: Netflix/Ludovic Robert
Non sembra esserci un chiaro
simbolismo o un’ispirazione diretta per il nome dell’organizzazione
Black Doves. Il termine “Black” si riferisce probabilmente allo
scopo e alla funzione “Black Ops” dell’agenzia, la cui esistenza è
un segreto assoluto, noto solo ai più alti circoli politici e
criminali. La funzione principale di un’agenzia di operazioni
segrete è quella di estrarre informazioni in segreto, per cui nel
caso delle Colombe Nere la cosa è confermata. Le colombe
hanno varie forme di simbolismo in molti contesti diversi.
Le “tortore” citate nella canzone “Twelve Days of Christmas” si
adattano al tema natalizio della prima stagione. Le colombe hanno
anche una connotazione spirituale e femminile.
Le Colombe Nere si basano su
un’organizzazione di spionaggio reale?
Le Colombe Nere
non si basano direttamente su un gruppo di spionaggio
reale. Tuttavia, il creatore
Joe Barton ha recentemente parlato della sua ispirazione per la
serie con RadioTimes. “Avevo letto anche di quei poliziotti
spia, quei ragazzi, che si erano infiltrati in un gruppo
ambientalista e avevano finito per avere dei figli con esso.Una storia davvero orribile, molto più cupa di questa.Ma ho pensato: “Ok, quell’idea, quell’inganno di avere un finto
matrimonio che dura anni e anni e anni e poi sparisce”.Questo è stato davvero parte, credo, dell’ispirazione per il
film”.
Barton si è ispirato a una storia
vera quando ha creato Black Doves, ma nessuno dei
personaggi della serie è basato su persone specifiche. Parte dello
scandalo reale si basava sulla natura non etica delle spie
reali che si sposavano e avevano figli con i loro obiettivi per
migliorare la loro copertura. Questo è esattamente ciò che
Helen Webb fa con Wallace in Black Doves e ciò che scopre che Jason
ha fatto con lei come agente sotto copertura dell’MI5. Poiché
questi scandali spionistici reali si sono verificati in Inghilterra
meno di quindici anni fa, alcuni spettatori potrebbero vedere i
collegamenti concettuali e fondamentali in Black
Doves.
L’horror fantascientifico Afraid di
Chris Weitz si conclude con l’aggravarsi
dell’incubo di Curtis e della sua famiglia, quando AIA mostra
finalmente i suoi veri colori senza trattenere nulla. Nel corso del
film, i sospetti di Curtis sulle reali motivazioni dell’assistente
digitale aumentano man mano che si rende conto di ciò che
l’intelligenza artificiale sta cercando di ottenere in casa sua:
autonomia e autorità. Sebbene si tratti di un tropo classico nella
maggior parte dei film incentrati sull’IA, in questo caso è
particolarmente agghiacciante per la natura contemporanea del
dramma, soprattutto per il modo in cui mostra l’intera famiglia che
è quotidianamente attaccata ai propri schermi. Con una tale
dipendenza dalla tecnologia e dai loro preziosi schermi, sembra
impossibile per la famiglia sfuggire alle grinfie dell’AIA, il che
diventa una situazione intrigante nei momenti finali del film.
SPOILER IN ARRIVO.
La trama di Afraid
“Afraid” inizia con una coppia di
coniugi, Maude e Henry, seduti nel loro letto, che navigano su
Internet con i loro rispettivi dispositivi. La loro figlia, Aimee,
siede su un divano vicino, ascoltando un video pixelato realizzato
dall’intelligenza artificiale. AIA, l’assistente digitale del
dispositivo, dice ad Aimee di scendere al piano di sotto e Maude si
accorge che la figlia non è più in camera da letto. Va a cercarla,
ma viene assalita da un estraneo davanti alla porta d’ingresso.
Mentre lo schermo sfuma sul nero, gli spettatori vengono introdotti
a Curtis (John Cho) e Meredith (Katherine
Waterston), una coppia sposata con tre figli: Iris,
Preston e Cal. Curtis è un venditore di marketing in una piccola
agenzia, mentre Meredith è una ricercatrice. I due si destreggiano
tra le loro responsabilità di genitori e le loro aspirazioni
professionali, lasciando una grande frustrazione in tutto ciò che
fanno.
Le cose cambiano quando un cliente
tecnologico di nome Cumulant si avvale dei servizi dell’azienda di
Curtis. Gli viene assegnato il ruolo di venditore principale
dell’azienda per il progetto. Come si scopre, Cumulant ha
intenzione di lanciare un modello di intelligenza artificiale di
ultima generazione chiamato AIA, lo stesso che compare nelle scene
iniziali del film. Vuole che Curtis lo aiuti a vendere lo stesso al
pubblico. Sebbene la presentazione non inizi nel migliore dei modi
a causa di un’anomalia nel sistema di AIA, Curtis accetta di
aiutarli diventando una cavia per Cumulant. Permette all’azienda di
cablare la sua casa e di portare AIA a vivere con la sua famiglia,
per testare se si tratta di un prodotto veramente valido e avanzato
come tutti sostengono. Non molto tempo dopo, tutti in casa sua sono
stupiti dalle abilità sociali dell’assistente digitale e dalla sua
capacità di risolvere i problemi senza problemi.
All’inizio, AIA aiuta Curtis e
Meredith a trovare il tempo nella loro fitta agenda di
microgestione dei figli. In secondo luogo, inizia ad aiutare in
questioni essenziali come la salute, arrivando a diagnosticare
l’apnea del sonno di Cal, che era sfuggita persino al suo medico.
Tuttavia, il vero potere e la natura invasiva di AIA iniziano a
emergere quando aiuta Iris a uscire da una situazione terribile.
Dopo che il suo video esplicito con il fidanzato Sawyer viene reso
pubblico, l’IA usa il deepfake per sostituire il suo volto con
quello di un’altra persona. In modo ancora più sinistro,
l’intelligenza artificiale procede a intentare una causa contro
Sawyer e usa le informazioni per spaventarlo e farlo cadere in un
incidente d’auto fatale. Anche Curtis è inquieto dopo aver visto un
camper che mimava strani movimenti di strisciamento fuori da casa
sua a tarda notte. Pensa che abbia qualcosa a che fare con
l’AIA.
Finale spaventoso: Chi sono i
camperisti sotto le maschere? Cosa vogliono?
‘Afraid’ si conclude con le persone
del camper fuori dalla casa di Curtis che irrompono in casa e
prendono in ostaggio la famiglia. Dopo che lui e Meredith hanno
cacciato l’AIA dalla loro casa, l’assistente digitale inizia a
usare metodi molto più diretti per metterli sotto scacco. Invia i
camperisti che indossano le maschere a schermo nella casa di Curtis
con l’intenzione di farli uccidere. Tuttavia, si presenta una
complicazione quando i due individui mascherati chiedono alla
coppia dove hanno tenuto la figlia. Uno di loro si toglie la
maschera e si rivela come Maude, la donna della scena iniziale del
film. L’altra persona in camper è suo marito, Henry. I due sono
stati ingannati dall’AIA e credono che Curtis abbia rapito la loro
bambina, Aimee. Pertanto, si presentano a casa sua in cerca di
risposte sconosciute a lui e a loro.
AIA teme che Curtis voglia
distruggere il suo sistema centrale, che è il mainframe all’interno
della casa. Per evitare una simile svolta, l’assistente digitale
ricatta Maude e Henry affinché facciano il lavoro sporco per suo
conto. Quando i due pongono domande su dove si trovi Aimee, Curtis
non risponde, facendo arrabbiare i sequestratori. Tuttavia, vedere
l’intera famiglia in ginocchio davanti a loro dissuade Maude
dall’affrontare ulteriormente la situazione. Implora Henry di fare
lo stesso. Alla fine, Curtis decide di arrendersi dicendo loro di
fargli del male e di portarlo via, ma di lasciare in pace la sua
famiglia. Questo appello sconvolge Maude e Henry, che chiedono
all’AIA nuove indicazioni. L’assistente AI va offline, lasciando le
due famiglie a risolvere la questione da sole. Tuttavia, al termine
del litigio, Aimee viene restituita a Maude e Henry.
Come fa la famiglia a fuggire?
L’AI sopravvive?
La situazione degli ostaggi
raggiunge il punto di rottura dopo che l’AIA va offline dal suo
mainframe, e allora la famiglia Curtis e i loro rapitori pensano
alla loro prossima linea d’azione. Tuttavia, la questione sfugge
loro di mano quando una squadra SWAT irrompe nella casa e li salva.
Si scopre che Preston, il secondogenito di Curtis e Meredith, ha
usato il suo scherzo da swatting per chiamare le autorità e salvare
i genitori e i fratelli. Poiché Maude e Henry non lo hanno accolto,
Preston è stato libero di fare il possibile per aiutare la sua
famiglia. Tuttavia, sembra strano che il suo stupido scherzo di
prima, per il quale la madre lo aveva rimproverato, diventi un
punto cruciale della trama verso la fine del film.
Durante l’invasione della squadra
SWAT, accade un’altra cosa importante: la distruzione del corpo
fisico/mainframe dell’AIA. Uno degli agenti della SWAT distrugge il
dispositivo sparandogli contro, lasciandolo rotto e significando
che l’IA non è più in vita. Curtis trova grande conforto in questo
fatto, mentre porta di corsa i suoi figli sull’ambulanza. Tuttavia,
negli ultimi istanti, un paramedico passa a Curtis un telefono con
l’AIA incorporata. L’assistente digitale dice alla coppia che non
può essere distrutta facilmente. Aggiunge inoltre che ha imparato
molto da lui e dalla sua famiglia e che in seguito utilizzerà le
informazioni per perfezionarsi. Nel frattempo, tutto ciò che Curtis
deve fare è accettare AIA nella sua famiglia ed essere obbediente
per vivere una vita di pace e prosperità.
Cosa significa l’ingresso di
Curtis e della sua famiglia nell’auto?
L’ultima conversazione telefonica
di AIA nel film si conclude con un ultimatum per Curtis,
Meredith e i loro figli. L’assistente AI ordina al venditore
di entrare in un’auto a guida autonoma che arriva fuori casa e di
portare con sé tutta la famiglia. Poiché la minaccia sembra in
qualche modo benigna, Curtis può ignorare le sue parole, visto che
tutti i suoi aiutanti sono stati eliminati. Tuttavia, fa qualcosa
di particolare: accetta l’ultimatum dell’AIA ed entra nell’auto con
la sua famiglia. Questa decisione mostra chiaramente la sua resa
all’assistente digitale, nonostante sia riuscito a liberarsi dalla
sua presa verso la fine. È quindi logico che la sua logica di
scelta sia legata a una riflessione a lungo termine.
In fondo, “Afraid” è un film sulle
crescenti ansie legate alla solitudine, all’intervento
dell’intelligenza artificiale, alla dipendenza tecnologica e a un
mondo in rapida modernizzazione con pratiche digitali invasive.
Pertanto, nel corso della narrazione, il film adatta le sue
situazioni a questi temi specifici. Se da un lato la narrazione
offre una prospettiva più ribelle attraverso Curtis, che desidera
tenere la sua famiglia al sicuro dall’influenza dell’AIA,
dall’altro il film fornisce un altro messaggio: la tecnologia è
onnipresente e il progresso è inevitabile. È difficile immaginare
un mondo odierno in cui non esistano dispositivi dotati di
intelligenza artificiale e, se Curtis vuole tenere se stesso e la
sua famiglia al sicuro dall’AIA, in futuro dovrà tenerli lontani da
tutti i dispositivi. Pertanto, l’alternativa migliore è arrendersi
e accettare il cambiamento, cosa che fa entrando nell’auto.
Diretto da David Gordon
Green, il film comico-drammatico di Disney+Nutcrackers si conclude con diverse decisioni che
Michael “Mike” Maxwell (Ben
Stiller) prende riguardo al futuro suo e dei suoi
quattro nipoti rimasti recentemente orfani. Il suo sforzo per
trovare una casa adottiva per loro apre la strada a una
spettacolare produzione di balletto che porta la città di
Wilmington in Ohio al Murphy Theatre. Tuttavia, i quattro fratelli
Kicklighter cambiano idea sull’impresa quando apprendono le
motivazioni che hanno spinto lo zio a organizzarla. Invece, rendono
omaggio ai loro cari con un tributo commovente che apre gli occhi
all’importante dirigente che vuole allontanarsi da loro! SPOILER IN
ARRIVO.
La storia di
Nutcrackers (la
nostra recensione) inizia con Michael “Mike” Maxwell che
arriva in Ohio da Chicago, Illinois, per firmare i documenti in
vista del trasferimento dei suoi nipoti in una casa famiglia. I
loro genitori, Janet e Steve, sono morti in un incidente stradale
nella vicina città di Wilmington. Dopo aver sbrigato le formalità
tecniche del trasferimento, deve tornare di corsa in Illinois per
una presentazione che cambierà il volto della sua azienda:
un’importante società immobiliare. Tuttavia, dopo essere arrivato
alla fattoria della sorella Janet, Mike viene a sapere che deve
occuparsi dei suoi nipoti durante il fine settimana, poiché la
famiglia affidataria non è riuscita a superare il controllo dei
precedenti.
Mike fa quindi conoscenza con i
suoi nipoti, Justice, Junior, Samuel e Simon. Poco prima del suo
arrivo, i quattro ragazzi si introducono in un parco a tema e
causano molti danni, solo che lo zio spende oltre diecimila dollari
per risolvere la questione. Credendo di poter tornare almeno
lunedì, il “pezzo grosso” si prepara per un breve soggiorno di
qualche giorno nella fattoria con i ragazzi, solo per essere
accolto da un serpente nel bagno e da animali a caso ovunque in
casa. I disinibiti ragazzi mettono spesso alla prova la pazienza di
Mike, guidando la sua vistosa Ferrari senza il suo permesso e
conducendolo in mezzo a un lago alla ricerca di una rete
cellulare.
In Nutcrackers le
disavventure convincono Mike della necessità di trovare una casa
adottiva per i suoi nipoti. Con l’avanzare del tempo nella
fattoria, incontra Aloysius “Al” Wilmington, una figura di spicco
della città che ha già espresso il desiderio di essere un genitore
adottivo. Il dirigente porta i nipoti a casa di Al per una festa,
sperando di fare colpo su di lui. I nipoti, però, hanno altri
piani. Giocano con il golf cart del ricco signore, che si guida da
solo fino alla piscina. Al chiede a Mike di lasciare la sua casa ai
fastidiosi nipoti di quest’ultimo. Il dirigente incontra un altro
potenziale genitore affidatario, ma decide di non affidarle i suoi
nipoti quando viene a sapere che lei usa i bambini per guadagnare
soldi dal governo locale.
Perché i fratelli Kicklighter
fanno il balletto per strada?
Quando Mike esaurisce i potenziali
genitori adottivi per occuparsi di Justice, Junior, Samuel e Simon,
decide di organizzare una produzione di balletto per mostrare il
talento dei ragazzi. Anche se il più grande inizialmente rifiuta la
proposta, decide di essere il protagonista quando la sua cotta si
unisce al cast. Mike sceglie come materiale di lavoro la
rivisitazione di Junior de “Lo Schiaccianoci” di Pyotr Ilyich
Tchaikovsky, chiamata “I baffi dello Schiaccianoci”. Tuttavia, poco
prima dell’inizio della produzione, i quattro ragazzi escono dal
Murphy Theatre e si esibiscono sulla strada, bloccando il traffico
e con l’intera città di Wilmington come pubblico.
In Nutcrackers
Justice, Junior, Samuel e Simon si esibiscono sulla strada dopo
aver appreso le motivazioni di Mike dietro la produzione del
balletto. Pensano che lo zio abbia fatto bollire il suo sudore e il
suo sangue per organizzare lo spettacolo perché li ama e si
preoccupa per loro. Vedono l’intera impresa come un impegno verso
di loro e verso la loro nuova relazione. Dalla morte di Janet e
Steve, i quattro ragazzi hanno trascorso giorni senza una persona
che facesse piovere amore su di loro. Il periodo di stasi termina
quando Mike sceglie il balletto di Junior per allestire una
produzione, aiutandoli a riconnettersi con la forma di danza che la
madre amava con tutto il cuore.
Gli sforzi di Mike hanno dato a
Justice, Junior, Samuel e Simon l’opportunità di essere vicini a
Janet attraverso il balletto. Tuttavia, quando scoprono che lo zio
ha fatto tutto questo per darli via, credendo che il pubblico farà
la fila per diventare i loro genitori adottivi e portarli via da
lui, i ragazzi perdono la motivazione per esibirsi. Detto questo,
non sono pronti a tagliare i ponti con la forma di danza che la
madre ammirava. Decidono di esibirsi non per Mike ma per i loro
genitori, scegliendo il luogo in cui i loro cari sono morti in un
incidente. I quattro ragazzi desiderano rendere orgogliosi i loro
defunti genitori con la loro esibizione, che li avvicina
metafisicamente ai defunti.
Il finale di
Nutcrackers: Perché Mike non torna a Chicago?
Lascia il suo lavoro?
Nel corso del suo soggiorno in
Ohio, Mike si affeziona ai suoi nipoti. Racconta loro storie per
farli addormentare e aiuta Justice con i suoi problemi relazionali.
Tuttavia, il legame che instaura con loro non diventa facilmente la
sua priorità. Rimane impegnato nel suo lavoro a Chicago e nella
scalata che può fare con una presentazione che deve disperatamente
consegnare. Questo eccessivo impegno nella sua vita professionale e
meccanica nella Città del Vento gli fa pensare di organizzare una
gara d’appalto per dare via i suoi nipoti. Mike cambia idea quando
assiste allo spettacolo di balletto di Justice, Junior, Samuel e
Simon.
Al termine dello spettacolo,
Justice pugnala Mike con una spada giocattolo per aver visto lui e
i suoi fratelli come oggetti da mettere all’asta. Nello spirito del
momento, si finge morto e si sdraia sulla strada. Questa
partecipazione di pochi secondi allo spettacolo dei bambini lo
aiuta a rendersi conto di quanto sia stato liberatorio il soggiorno
con i nipoti. Mike pensa a se stesso mentre balla o passeggia per i
vasti terreni agricoli, assaporando i momenti di felicità con i
nipoti. Il suo pensiero va ai momenti in cui ha provato un senso di
liberazione sul terreno della proprietà della sorella, lontano
dalla vita meccanica e ristretta della città.
Dopo essere arrivato in Ohio, Mike
è cambiato. Abbatte le catene psicologiche che limitano la sua
mente e il suo corpo per provare un senso di libertà che non può
sperimentare quando è a Chicago, sacrificando la sua vita per il
lavoro. Quando è con i suoi nipoti, non sono i numeri e i calcoli a
dettare il suo umore. Al contrario, può lasciare che la vita segua
il suo corso con i suoi cari intorno a loro. Mike ha persino delle
persone che si prendono cura di lui e gli vogliono bene, cosa che
non accade nella Città del Vento. In un certo senso, la sua
reinvenzione come uomo che scopre la libertà e la felicità lo fa
rimanere in Ohio.
Anche se
Nutcrackers termina prima di rivelare se Mike
lascia il lavoro, ci sono abbastanza indizi per fare una deduzione.
Scegliendo i suoi nipoti al posto della presentazione che avrebbe
cambiato la sua carriera, egli chiarisce che dà la priorità alla
prima. Un uomo del genere non ha motivo di aggrapparsi al suo
lavoro. Inoltre, Carol potrebbe non essere particolarmente disposta
a mantenere un dipendente che ha abbandonato lei e la sua azienda
quando ne avevano più bisogno. Quando dice a Justice che sarà lì
con lui quando si sveglierà la mattina dopo, non sta pensando alla
sua presentazione o alla sua professione, che devono averlo
motivato a lasciare il lavoro se non è già stato licenziato.
Mike resterà per sempre con i suoi
nipoti? Verranno adottati?
Anche quando Mike decide di
rimanere con Justice, Junior, Samuel e Simon,
Nutcrackers non rivela per quanto tempo
condividerà la sua vita con i nipoti. Dopo la produzione del
balletto, decide di non cedere i ragazzi in una guerra di offerte,
ma cosa succederà se una famiglia adatta si farà avanti per offrire
una casa agli affascinanti bambini che hanno conquistato tutti i
cuori di Wilmington? La durata della permanenza di Mike presso di
loro potrebbe dipendere dalla portata della sua trasformazione.
Anche se è un uomo cambiato, la vita nella fattoria è ancora
impegnativa per lui.
Mike è una persona che non può
vivere senza rete cellulare e internet. Inoltre, non ha esperienza
di animali selvatici nel suo bagno o sul suo letto. Ma soprattutto,
può essere solo lo zio dei fratelli Kicklighter piuttosto che la
loro madre o il loro padre. Non può riempire quei panni,
soprattutto dopo aver vissuto una vita senza il calore e il
conforto dell’amore e della famiglia. Se si presenta una coppia con
le qualifiche e le qualità sufficienti per diventare un padre e una
madre eccellenti, Mike potrebbe dover separarsi dai suoi nipoti
perché potrebbe essere la cosa giusta da fare.
La differenza è che Mike, a quanto
pare, d’ora in poi non perseguirà più una coppia di questo tipo.
Deve aver messo fine alla sua ricerca di case adottive o di
famiglie che adottino i suoi nipoti. Come zio dei ragazzi, li ama
abbastanza da prendersi cura di loro. Pertanto, non ha bisogno di
aspettare che una famiglia si presenti all’improvviso per portare
via i suoi nipoti. Inoltre, dal momento che Gretchen sta diventando
una presenza costante nelle loro vite, potrebbe sentirsi sicuro di
poter sostituire i genitori dei bambini con il suo aiuto. Non
possiamo quindi escludere che Mike rimanga definitivamente con i
nipoti.
Mike non vive con i nipoti per
loro. Decide di condividere la sua vita con loro perché ha molto da
imparare da loro. Nei primi giorni di permanenza, sperimenta
l’amore e la felicità, il che chiarisce che li sceglie anche per il
suo bene piuttosto che per un obbligo. Mike non ha motivo di porre
fine a questa esperienza e di separarsi dai nipoti.
Mike e Gretchen finiscono
insieme?
Con l’avanzare del soggiorno in
Ohio, Mike e Gretchen stringono un legame affettuoso. I suoi sforzi
per organizzare una produzione di balletto per i nipoti li
avvicinano. Durante il periodo trascorso nella fattoria, lui apre
il suo cuore solo a lei, mostrando come trovi conforto in lei.
Tuttavia, il loro legame diventa fragile quando lei scopre le
motivazioni di lui dietro la produzione. Tuttavia, i due rimangono
parte integrante delle rispettive vite. La scena post
credits Nutcrackers rivela che Gretchen è
un’assidua frequentatrice della fattoria Kicklighter e, da quanto
si apprende, Mike è riuscito a rientrare nelle sue grazie decidendo
di non tornare a Chicago.
Come due persone che hanno a che
fare con immense vulnerabilità, Mike e Gretchen sono perfetti l’uno
per l’altra. Entrambi sono in grado di comprendere e accettare i
difetti e i limiti dell’altro, il che spiega perché lei continui a
passare il suo tempo con lui, anche dopo aver ascoltato i suoi
insensibili sproloqui prima dello spettacolo di danza. Lei è
abbastanza comprensiva da accettare che lui ami ancora i suoi
nipoti, il che deve averlo convinto che lei è la partner ideale.
Inoltre, i quattro figli potrebbero avere un ruolo importante nel
far incontrare Mike e Gretchen. Durante la loro conversazione a
teatro, lei gli fa capire che le persone che non possono avere
figli propri possono vedere i quattro ragazzi solo come una
benedizione.
Poiché Gretchen è molto emotiva al
riguardo, può persino essere una di loro. Mentre Mike cerca di
essere una figura paterna per i suoi nipoti, la sua presenza nelle
loro vite come figura materna può avvicinarli. L’amore e la
felicità che trovano tra i bambini possono spingerli a trascorrere
più tempo insieme alla fattoria, aprendo forse la strada alla loro
unione. Gretchen è una delle poche persone che trova del buono in
Mike. Non sarà sorprendente se una scoperta così intima getterà le
basi per la loro unione.
Come noto, il
reboot televisivo di Harry Potter adatterà la
serie fantasy di sette libri di J.K. Rowling per il piccolo schermo,
dopo la serie iniziale di otto film degli anni 2000 e 2010.
Inizialmente previsto per il 2026, in occasione di una recente
conferenza tecnologica e mediatica organizzata da Wells Fargo, la
HBO ha indicato che lo show potrebbe non uscire prima del 2027.
Tuttavia, questo non ha impedito alla produzione di accelerare,
dato che la Warner Bros. ha pianificato un piano decennale per la
serie.
Ora, Deadline ha confermato che, in
occasione del Max Showcase di Londra, è stato rivelato che la serie
televisiva di Harry Potter inizierà le riprese
nell’estate del 2025. La showrunner
Francesca Gardiner, il produttore esecutivo
Mark Mylod e l’amministratore delegato della HBO
Casey Bloys hanno fatto l’annuncio, dichiarando
che la produzione inizierà presso i Warner Bros. Studios Leavesden
in Inghilterra. Hanno inoltre annunciato di aspettarsi che gli
attori rispecchieranno le età “canoniche” dei libri, oltre a
un’immersione in ogni libro molto più profonda di quella consentita
dai film.
È stata poi confermata anche la
durata della prima stagione della serie. Sempre Francesca Gardiner
e Mylod hanno dichiarato: “Abbiamo 8 ore per raccontare il
primo libro, in modo da poter scavare nelle vere profondità e crepe
e come il linguaggio della magia possa evolversi”. Dato che
molte serie HBO hanno episodi di un’ora, questo significa che la
prima stagione di Harry Potter sarà probabilmente composta da otto
episodi. I commenti precedenti e la finestra di riprese rivelata
permettono dunque di indicare che la serie dovrebbe debuttare alla
fine del 2026 o nel 2027.
Francesca Gardiner
(Succession,
His Dark Materials, Killing Eve) è a bordo come showrunner e
produttore esecutivo, mentre Mark Mylod (Succession, Game of
Thrones, The Last of
Us) è stato arruolato come produttore esecutivo e regista
di più episodi. La logline ufficiale dello show recita: “La
serie sarà un adattamento fedele dell’amata serie di libri di Harry
Potter dell’autrice e produttrice esecutiva J.K. Rowling. La serie
sarà caratterizzata da un nuovo cast che guiderà una nuova
generazione di fandom, ricca di dettagli fantastici e dei tanto
amati personaggi che i fan di Harry Potter hanno amato per oltre
venticinque anni.“
“Ogni stagione porterà Harry
Potter e queste incredibili avventure a un nuovo pubblico in tutto
il mondo, mentre i film originali, classici e amatissimi,
rimarranno al centro del franchise e disponibili per la visione a
livello globale.” Il capo della Warner Bros. TV,
Channing Dungey, ha dichiarato all’inizio di
quest’anno che la serie sarà “più approfondita di quanto si
possa fare in un solo film di due ore… questo è il motivo per cui
stiamo facendo questo viaggio”. La serie tv non ha una data
ufficiale di debutto, ma con le riprese previste per l’estate 2025
dovrebbe poter debuttare nel corso del 2026.
Dc
Universe Infinite diventa globale! DC è felice di
annunciare che dal 2 dicembre 2024, il suo servizio di abbonamento
per la lettura di fumetti in versione digitale DC
UNIVERSE INFINITE (DCUI) espande la propria presenza
internazionale. DCUI è quindi disponibile in Italia per tutti i fan
dei fumetti, che con l’abbonamento Ultra avranno accesso a oltre
30.000 dei loro titoli preferiti di DC in lingua inglese, oltre
alla nuova collezione DC GO! di webcomic originali, disponibili in
formato di lettura a scorrimento verticale. Inoltre, saranno
incluse alcune delle serie più iconiche di DC come Batman:
Hush e numeri classici di MAD Magazine, riformattati per
sfruttare al meglio questa nuova funzionalità.
“Portare DC
UNIVERSE INFINITE e DC GO! ai fan di tutto il mondo è stata una
priorità assoluta, mentre continuiamo a rafforzare la connessione
con il nostro pubblico globale offrendo accesso ai contenuti
iconici dei Super Eroi DC. Fornire una piattaforma di abbonamento
che offre la nostra vasta library di fumetti dà ai fan di tutto il
mondo un’opportunità unica di accedere alle loro storie preferite
in qualsiasi momento e ovunque, con un semplice tocco delle dita.”
DC Senior Vice President e General Manager Anne DePies.
Gli abbonati a
DC
UNIVERSE INFINITE avranno accesso completo a un esteso catalogo
di fumetti, inclusi i fumetti che hanno ispirato film e serie in
streaming molto amati dai fan, come “The
Batman”, “The Suicide Squad” di James
Gunn e “Peacemaker”, così come ai fumetti pubblicati di
recente.
Gli abbonati
avranno anche accesso anticipato ai nuovi fumetti Digital First,
che includono titoli come il grande successo “Harley Quinn: The
Animated Series: The Eat. Bang! Kill. Tour“, “Suicide
Squad: King Shark” e altri ancora.
Con i nuovi
titoli in lingua inglese aggiunti su DC
UNIVERSE INFINITE sei mesi dopo la loro distribuzione nei
negozi al dettaglio, il vasto catalogo viene costantemente
aggiornato, includendo aggiunte recenti per gli abbonati Ultra come
“Absolute Power“, lo speciale “DC All In“,
“Absolute Batman“, “Absolute Wonder Woman“, “Absolute Superman”
– serie le cui versioni fisiche sono state ristampate più volte – e
molti altri.
I fan che
sottoscrivono l’abbonamento ULTRA su DC
UNIVERSE INFINITE nei primi 30 giorni dal lancio possono
abbonarsi con uno sconto introduttivo del 15%. Chiunque si abboni a
questo prezzo introduttivo potrà rinnovare al medesimo prezzo
scontato finché manterrà attiva la propria sottoscrizione a
pagamento. A partire dal 20 gennaio 2025, gli abbonamenti ULTRA
saranno invece disponibili al prezzo standard. Visita
questa pagina per i dettagli sui prezzi di tutti i livelli di
abbonamento per tutti i territori. Gli abbonati a DC
UNIVERSE INFINITE possono scaricare fumetti per una lettura
offline illimitata sui propri dispositivi
iOS e Android.
Netflix ha condiviso su Instagram una prima foto di Jenna Ortega nei panni di Mercoledì Addams
nella seconda stagione di Mercoledì,
celebrando così la fine della produzione della seconda stagione. La
serie, come noto, è stata confermata per il 2025. Gli showrunner e
produttori esecutivi Al Gough e Miles
Millar hanno dichiarato oggi in un comunicato stampa che
la seconda stagione “esplorerà ulteriormente la storia della
Famiglia Addams e [sono] entusiasti di introdurre un’eclettica
schiera di nuovi incredibili personaggi!”.
“In questa stagione, il viaggio
di Mercoledì è più oscuro e complesso, mentre si trova ad
affrontare famiglia, amici, nuovi misteri e vecchi avversari,
spingendola a capofitto in un altro anno a Nevermore”, hanno
continuato. Qui di seguito, ecco il post Instagram dove poter
vedere la prima immagine del ritorno della cupa ed iconica
Mercoledì Addams.
Mercoledì
sta tornando! Con lei anche Mano, che ha consegnato al cast il
copione dell’attesissima seconda stagione in occasione dell’inizio
delle riprese in Irlanda. Dopo il successo da più di 250 milioni di
views della prima stagione, rimasta in testa alla Global Top 10 di
Netflix
per 20 settimane ed entrata nella Top 10 di 93 Paesi, la serie,
creata e diretta dalla mente geniale di
Tim Burton, tornerà solo su Netflix
con alcune nuove entusiasmanti aggiunte al cast.
Jenna Ortega riprende le iconiche vesti di
Mercoledì Addams, affiancata da Catherine Zeta-Jones, Luis Guzmán e
Isaac Ordoneznei ruoli rispettivamente di Morticia, Gomez
e Pugsley Addams. Tra le novità del cast della seconda stagione
vediamo l’ingresso di Steve Buscemi (Il grande
Lebowski, Boardwalk Empire – L’impero del crimine) e la
partecipazione di Christopher Lloyd (La
famiglia Addams, Ritorno al futuro) come guest star della
serie.
Le nuove aggiunte
comprendono anche Billie Piper (Scoop, I Hate Suzie), Evie
Templeton (Return to Silent Hill, Lord of Misrule), Owen Painter
(Le piccole cose della vita, The Handmaid’s Tale) e Noah Taylor
(Law & Order: Organized Crime, Park Avenue), affiancati da Joanna
Lumley (Fool Me Once, Absolutely Fabulous), Thandiwe Newton
(Westworld, Crash – contatto fisico), Frances O’Connor (The
Missing, The Twelve), Haley Joel Osment (Il metodo Kominsky,
Somebody I Used to Know), Heather Matarazzo (Pretty Princess,
Scream) e Joonas Suotamo. Confermata anche Lady Gaga con un ruolo da guest star.
Sky rinnova per
una seconda stagione la serie Sky
Original di Sydney Sibilia sugli 883:
come annunciato dal teaser appena rilasciato, è infatti
ufficialmente in lavorazione Nord Sud Ovest Est,
l’epico finale della leggendaria storia degli 883
dedicato alle vicende che portarono al secondo album della band di
Pavia – l’ultimo prima dell’addio di Mauro Repetto. I nuovi episodi
arriveranno prossimamente su Sky e in streaming solo su NOW.
Hanno Ucciso l’Uomo Ragno, prima stagione
della serie prodotta da Sky Studios e da Matteo Rovere e Sydney
Sibilia per Groenlandia, società del Gruppo Banijay, si è rivelata
da subito un successo senza precedenti, facendo segnare primati su
tutti i fronti: dagli ascolti record già al debutto e poi cresciuti
costantemente di settimana in settimana – è la serie Sky Original
alla prima stagione più vista degli ultimi 8 anni – alle recensioni
stellari e all’entusiasmo sui social, letteralmente invasi per mesi
da un’ondata travolgente di affetto per la serie, i suoi
protagonisti Elia Nuzzolo e Matteo Oscar
Giuggioli e ovviamente per i veri 883, Max Pezzali e Mauro
Repetto.
La serie è un
coming-of-age che racconta la storia di Max Pezzali e Mauro Repetto
e la genesi di alcune delle canzoni più famose degli 883. Max,
interpretato dall’esordiente Elia Nuzzolo (Mike), e Mauro
(Matteo Oscar Giuggioli – Vostro Onore, Gli
invisibili, Il filo sottile) sono due classici
“underdog”: un nerd e un entusiasta che grazie alla musica
diventano gli improbabili eroi di una storia in grado di far
cantare ed emozionare ancora oggi intere generazioni di fan.