Dopo la prima mondiale di Wakanda
Forever a Hollywood, che ha ottenuto
un’accoglienza complessivamente positiva dai primi spettatori,
Rihanna ha condiviso il suo singolo principale intitolato “Lift Me
Up” dalla prossima colonna sonora originale del film Black
Panther: Wakanda
Forever.
Il brano è stato co-scritto da
Tems, dal vincitore dell’Oscar Ludwig Göransson, da
Rihanna e dal regista candidato all’Oscar Ryan
Coogler come tributo alla vita straordinaria e all’eredità
del compianto Chadwick Boseman, che ha interpretato Re
T’Challa in quattro film Marvel. I film degli Studios prima
di morire tragicamente nel 2020 dopo una battaglia durata quattro
anni contro il cancro al colon.
In una dichiarazione sull’ideazione
della canzone, Tems ha detto: ” Dopo aver parlato
con Ryan e aver ascoltato la sua direzione per il film e la
canzone, volevo scrivere qualcosa che ritraesse un caloroso
abbraccio da tutte le persone che ho perso nel mio vita. Ho
cercato di immaginare come mi sentirei se potessi cantare per loro
ora ed esprimere quanto mi mancano. Rihanna è stata
un’ispirazione per me, quindi sentirla trasmettere questa canzone è
un grande onore. ” La nuova uscita dovrebbe
anche inaugurare una nuova era nella carriera di Rihanna, segnando
il tanto atteso ritorno alla musica del vincitore di 9 Grammy Award
dopo una pausa di sei anni.
Il sequel del MCU onorerà il
defunto Chadwick Boseman mentre continuerà l’eredità
del suo personaggio, T’Challa. Black
Panther: Wakanda Forever arriverà nelle sale l’11
novembre 2022. Il presidente dei Marvel Studios,
Kevin Feige, ha confermato che T’Challa, il
personaggio interpretato al compianto Chadwick
Boseman nel primo film, non verrà interpretato da
un altro attore, né tantomeno ricreato in CGI.
Nel film Marvel Studios
Black Panther:
Wakanda Forever, la Regina Ramonda (Angela
Bassett), Shuri (Letitia
Wright), M’Baku (Winston Duke), Okoye (Danai
Gurira) e le Dora Milaje (tra cui Florence Kasumba)
lottano per proteggere la loro nazione dalle invadenti potenze
mondiali dopo la morte di Re T’Challa. Mentre gli abitanti del
Wakanda cercano di comprendere il prossimo capitolo della loro
storia, gli eroi devono riunirsi con l’aiuto di War Dog Nakia
(Lupita
Nyong’o) e di Everett Ross (Martin
Freeman) e forgiare un nuovo percorso per il regno del
Wakanda. Il film presenta Tenoch Huerta nel ruolo
di Namor, re di Talokan, ed è interpretato anche da
Dominique Thorne, Michaela Coel, Mabel Cadena e
Alex Livinalli.
L’attore Russell Crowe
ha fornito un sincero ricordo delle sue esitazioni iniziali
riguardo all’accettare il ruolo di Massimo Decimo Meridio in
Il gladiatore di Ridley Scott. Il film, vincitore in
totale di cinque premi Oscar, tra cui quello per il miglior attore
per la performance di Crowe, è ampiamente considerato ancora oggi
come uno dei migliori film dell’attore ed è stato determinante nel
riaccendere l’interesse di Hollywood per le epopee storiche.
Nonostante questo successo, la produzione originale del film è
notoriamente stata afflitta da problemi, molti dei quali derivanti
da una sceneggiatura incompiuta che ha richiesto più riscritture
anche mentre le riprese erano in corso.
Crowe è tornato a parlare proprio di
quei problemi di sceneggiatura, affermando che: “lasceneggiatura era spazzatura, assoluta spazzatura. Aveva tutte
queste strane sequenze. Una di queste riguardava i carri e come
famosi gladiatori avevano accordi di sponsorizzazione per l’olio
d’oliva e cose del genere, ed è tutto vero, ma non sarebbe mai
andato bene per gli spettatori moderni, avrebbero detto: “Che cazzo
è tutto questo?“. “Ho pensato più volte che forse la mia
migliore opzione fosse semplicemente salire su un aereo e andarmene
da lì”, ha aggiunto poi Crowe. “Sono state le mie
continue conversazioni con Ridley a darmi fiducia“, ha
concluso l’attore.
Come noto e già riportato poc’anzi,
il film si è poi rivelato un grande successo, riuscendo a rimediare
o nascondere alle mancanze della sceneggiatura. Dopo oltre
vent’anni, si attende ora il sequel ufficiale, con il ritorno di
Scott come regista, il quale seguirà Lucius Verus, interpretato da
Paul Mescal, figlio ormai adulto dell’imperatrice
romana Lucilla. Anche il due volte vincitore del premio Oscar
Denzel Washington è stato
confermato in un ruolo non rivelato, mentre sembra che
Barry Keoghan interpreterà il
controverso imperatore romano Geta. Ricordiamo che Crowe non sarà
presente in esso, ma l’attore è attualmente al cinema con il
film L’esorcista del
Papa.
Moon Knight ha debuttato su Disney+ nel 2022 e, sebbene la
maggior parte dei fan sembrasse apprezzare la serie, a tratti è
stata caotica quanto la psiche di Marc Spector. Le scene ambientate
nel manicomio non avevano molto senso (forse era proprio questo il
punto), e Arthur Harrow di Ethan Hawke era ben lungi dall’essere il
miglior cattivo che abbiamo visto nell’MCU.
Il lavoro di Hawke è stato stellare,
però, così come quello di Oscar Isaac. Moon
Knight si è concluso con l’emergere di una terza
personalità, Jake Lockley, ma il personaggio non è più stato visto
da allora e al momento non si prevede che venga preso in
considerazione in Avengers: Doomsday.
Se la variante di Kang Rama-Tut
fosse ancora in gioco, probabilmente lo avrebbe fatto. Tuttavia, i
piani cambiano, cosa che Jeremy Slater, sceneggiatore capo di
Moon Knight, ha chiarito in una recente intervista
con ComicBook.com. A quanto pare, il Moon
Knight che ha scritto era molto diverso da quello che
abbiamo visto tre anni fa.
“Alla fine, [Marvel] ha preso
una direzione diversa e il regista ha messo insieme il suo team di
sceneggiatori”, ha spiegato. “Sai quando ti ritrovi a
giocare in un mondo così grande che… prendi in prestito i
giocattoli di qualcun altro per un breve periodo di tempo e, alla
fine, non ti appartengono. Lo sai già, quindi non è stata una
sorpresa.”
“L’obiettivo era che se Marc
Spector fosse stato l’Avatar di Khonshu, avremmo preso Bushman e lo avremmo
trasformato nell’avatar di una divinità egizia diversa, lasciando
che se la vedessero”, ha detto lo sceneggiatore a proposito
dei piani abbandonati per uno dei nemici più popolari di Moon
Knight.
Ha aggiunto: “Il problema che
continuavamo a incontrare era che Black Panther era appena uscito e Michael B. Jordan era così dannatamente
bravo nei panni di Killmonger in quel film, che proiettava un’ombra
così grande… che tutto ciò che scrivevamo finiva per sembrare un
po’ derivativo”.
Il personaggio di Bushman era stato
accennato in Moon Knight, quindi la porta è aperta alla
possibilità che i Marvel Studios rivisitino il personaggio in
futuro. Tuttavia, se e quando ciò accadrà, Slater non ha alcuna
intenzione di essere coinvolto.
“Se ci sarà un altro Moon
Knight, la palla sarà nel campo di Kevin Feige e Oscar Isaac”, ha osservato lo
sceneggiatore. “Una volta che Kevin avrà capito il modo
migliore per usare quel personaggio, qual è la storia giusta e chi
sono i narratori giusti per darle vita, sarei scioccato se non lo
rivedessimo a un certo punto”. Ha poi aggiunto che, per ora, è
più concentrato sulla regia e non ha intenzione di tornare
nell’MCU.
Sebbene molti saranno delusi
dall’assenza di Bushman, sembra che Slater non sia riuscito a
trovare un nuovo approccio al villain. Questo è probabilmente uno
dei motivi per cui è stato reclutato un nuovo team di
sceneggiatori, una mossa arrivata in un momento in cui i Marvel
Studios stavano ancora cercando di adottare un approccio
cinematografico per lo sviluppo della serie.
Tutti glòi episodi di Moon Knight sono disponibili in streaming su
Disney+.
ScreenRant ha avuto
l’opportunità di intervistare alcune delle figure chiave coinvolte
nel prossimo reboot di The
Toxic Avenger, tra cui le star
Peter Dinklage ed
Elijah Wood. Sebbene The Toxic Avenger
(la
recensione) sembri fedele al film originale, Peter Dinklage ha confermato che c’è stata una
cosa che non è riuscito a fare con la sua interpretazione del
personaggio.
Parlando con ScreenRant, a
Peter Dinklage è stato chiesto del processo di riprese di The
Toxic Avenger, compreso il processo di doppiaggio della
performance di un altro attore nel costume di Toxic Avenger.
Nonostante inizialmente fosse preoccupato, Dinklage ha detto che
l’attrice all’interno del costume, Luisa Guerreiro, era
“incredibile” e che “ha colto tutti i miei manierismi,
anche quelli che non sapevo nemmeno di avere”.
Dinklage ha parlato di come hanno
sviluppato la doppia performance, dicendo: “Abbiamo provato
insieme in una sala prove. In pratica ho recitato l’intero film
come se fossi Toxie“. Dinklage dice ”Non ho altro che elogi
per“ Guerreiro, perché se avesse girato con il costume ”in
Bulgaria in piena estate… [lui] si sarebbe lamentato per tutto il
tempo“. Ecco i commenti completi di Dinklage ed Elijah
Woods:
Peter Dinklage: Sì, sono sempre
pronto per nuove sfide, nuove esperienze, e Macon mi ha detto
all’inizio del progetto che non sarei stato io. All’inizio, il mio
lato maniaco del controllo ha pensato: “Oh oh. Come? La gente
penserà che sono io, e devo assicurarmi che sia infuso con ciò che
farei se non fossi io”. Ma Luisa Guerreiro, che ha indossato il
costume e ha interpretato il 70% del film nei panni di Toxie, è
stata incredibile. Abbiamo provato insieme in una sala prove. Ho
praticamente recitato l’intero film come se fossi Toxie, e lei ha
colto tutti i miei manierismi, anche quelli di cui non ero nemmeno
consapevole, e ora sono davvero consapevole di questi manierismi.
[Ridacchia] Ma lei ha davvero tirato fuori tutto questo, e poi
quando abbiamo registrato la voce fuori campo per l’intero film,
Macon e io l’abbiamo fatto nella sala ADR, mi è sembrato quasi di
essere fuori dal mio corpo, e incredibilmente adatto al tono del
film, avendolo in un certo senso doppiato, immagino. Ma sembrava
davvero reale, ma allo stesso tempo distante. È difficile da
spiegare, ma ha fatto un lavoro incredibile, ed era in Bulgaria in
piena estate, dove fa molto caldo, e io ho rinunciato al mio
controllo. [Ridacchia] E sì, non ho altro che elogi per
lei.
Dinklage: Oh sì, più di quanto
lo sarei io. Io mi lamenterei tutto il tempo.
Cosa significano i commenti
di Peter Dinklage per il reboot di The Toxic Avenger
Quanto costa l’attore in The
Toxic Avenger?
I commenti di Peter Dinklage sono
interessanti, perché evidenziano come gli spettatori non guardino
effettivamente la sua performance per la maggior parte di The Toxic
Avenger, nonostante lui sia la star. Secondo Dinklage, Lisa
Guerreiro interpreta il personaggio principale per “il 70% del
film”, il che significa che lei occuperà la maggior parte del tempo
sullo schermo di Toxic Avenger.
È anche interessante notare che
Peter Dinklage ha dovuto affrontare il ruolo di Toxic Avenger come
se fosse un ruolo di doppiaggio, dato che la maggior parte della
sua performance è in voce fuori campo. Fortunatamente, Dinklage
non è nuovo a questo tipo di lavoro, avendo già prestato la sua
voce in progetti come Wicked, L’era glaciale 4 – Continenti alla
deriva, Transformers: Rise of the Beasts, The Angry
Birds Movie, Destiny e altri ancora.
Presentato Fuori Concorso alla
Mostra del Cinema di
Venezia, The Penitent – A
Rational Man è il nuovo film da regista di
Luca
Barbareschi, presente al Lido anche in qualità di
produttore di The
Palace, il film di Roman
Polanski presentato anch’esso nella sezione Fuori
Concorso. Intervistato per presentare la sua nuova fatica da
regista, Barbareschi spiega innanzitutto il perché abbia scelto di
adattare per il grande schermo un testo del drammaturgo David Mamet, da lui già portato in
teatro.
In esso si racconta di uno
psichiatra di nome Carlos David Hirsh, che vede
deragliare la sua carriera e la sua vita privata dopo essersi
rifiutato di testimoniare a favore di un ex paziente violento e
instabile che ha causato la morte di diverse persone.
L’appartenenza alla comunità LGBT del giovane paziente, il credo
ebreo del dottore, la fame di notizie della stampa e il giudizio
severo della legge, aggravati da un errore di stampa dell’editor di
un giornale, sembrano essere gli elementi che fanno scatenare una
reazione a catena esplosiva, che costringerà Hirsh a dover lottare
per la verità.
“Ho scelto questo testo perché
racchiude, grazie all’opportunità di un fatto di cronaca, tutta
l’imbecillità e la violenza che c’è nei confronti di un pensiero
diverso, che non dico che sia giusto ma penso che tutti abbiano
idee diverse e non per questo siano necessariamente meglio o
peggio, anzi è interessante avere un’idea diversa – spiega
Barbareschi. “Questo film doveva farlo un altro attore, ma alla
fine Mamet mi ha detto “secondo me sei più bravo tu, perché non lo
fai?” e a quel punto mi sono trovato a confrontarmi con un
personaggio in cui mi sono ritrovato moltissimo”.
“Proprio come capita al
protagonista, tante volte è capitato anche a me di essere stato
linciato dalla stampa e ho visto quanta sofferenza questo tipo di
situazioni provoca. Alla fine non c’era più differenza tra quello
che dicevo e quello che facevo e questo film è uno dei rari
privilegi in cui il meccanismo della finzione, della
rappresentazione, dà un’opportunità di offrire una restituzione
affettiva allo spettatore, mediata da una realtà dei fatti molto
forte”.
Mostra del Cinema di Venezia, tra
omologazione e controversie
Barbareschi passa poi a parlare più
in generale della Mostra di quest’anno, dove sono presenti autori
controversi come il già citato Polanski e Woody
Allen con Coup de
Chance. Proprio durante il red carpet di
quest’ultimo si è svolto un piccolo evento di protesta per la
presenza del regista newyorkese. “Vedere insultato in quel modo
Woody Allen mi ha fatto male al cuore. Se in quel gruppo ci fosse
stato Gabriel Garcia Marquez, Joyce e Dante Alighieri, allora
sarebbe stata un’interessante sfida ermeneutica tra giganti della
letteratura che danno del mascalzone ad uno dei più grandi registi
della terra”.
“Invece erano un branco di
imbecilli a cui la stampa ufficiale dà voce. Il giornalismo è
importante se mantiene il sacerdozio della sua funzione, cioè della
responsabilità”, continua a spiegare Luca Barbareschi.
“Non ci può essere un giudizio morale sull’artista, peggio
ancora un avviso di garanzia al passato. L’arte non è criticabile
moralmente. Alberto Barbera penso abbia preso seriamente questa
cosa e ha avuto il coraggio di presentare in questa Mostra, ovvero
un’esibizione di arte, registi provocatori”.
“Io vorrei fosse ancor più
provocatoria in realtà, vorrei essere stupito, anche disturbato!
Sono cresciuto vedendo film dove non si capiva nulla ma uscivi
dalla sala e sapevi di esserti confrontato con qualcosa che dice
effettivamente delle cose. Troppo spesso invece il cinema si
omologa, così come si è omologata la critica”.
Il ruolo della critica cinematografica
Luca Barbareschi passa allora a
parlare della critica cinematografica, affermando che: “un
tempo la critica proponeva dei saggi così precisi e chiari da
riuscire davvero ad influenzare il pubblico. Nel tempo lo spazio
per questo tipo di scrittura si è però ridotto, si è corrotto, si è
mercificato e si è autoreferenzializato”.
“Nel momento in cui tu ti metti
davanti al film, tu crei uno stallo per cui non è più importante il
quadro, è importante il fatto che io guardi il quadro. –
continua a spiegare il regista – Diventa più importante chi
guarda dell’artista. Questo nella critica cinematografica è grave.
Tu puoi parlar male di un film, ma non puoi dire “è peggio di
Vanzina”, perché allora sei un imbecille, perché primo devi
rispettare Polanski e poi analizzare il film se sei capace di
farlo. Liquidare un’opera con poco svilisce la critica, la
delegittima e alla fine è un danno per tutti”.
“Io credo che nessuno sappia le
differenze tra le lenti che ho usato per The Penitent – A Rational
Man. Se non lo sai vedi sfocata l’immagine sullo schermo e pensi
sia un errore, mentre l’obiettivo era quello di tenere apposta una
sfocatura per dare un senso di destabilizzazione. Questa è sapienza
narrativa, io ho studiato per usare queste robe qua. Mi andrebbe
bene che mi dicessero “Luca perché usi questo tipo di lenti che è
come fare un errore sintattico?”, allora ti rispetto. Se no non ha
valore il tuo giudizio, a quel punto tanto vale che ci leviamo la
giacca e veniamo alle mani”, conclude Luca Barbareschi.
Che Terrence Malick
fosse un’entità scostante e quasi eterea, era cosa nota; si
potrebbe quindi quasi giustificare l’incauto giornalista che, non
avendolo mai visto, non ne riconosce le fattezze e scambia il
produttore del suo ultimo film, Knight of
Cups, che presenzia alla conferenza stampa del film
al Festival di Berlino 2015, proprio per il
regista.
Peccato però che non sia stato
l’unico a non riconoscerlo. Ecco cosa è accaduto durante la
conferenza stampa del film, con sommo divertimento di un
Christian Bale in gran forma!
Per tutti i curiosi che non
conoscono il viso di Malick e che, incontrandolo, potrebbero non
riconoscerlo, ecco di seguito una foto del regista, uno dei
rarissimi scatti che circolano in rete.
Così sarete preparati in caso di un
fortuito e fortunato incontro!
Figura portante della sesta
generazione del cinema cinese, il regista Jia
Zhang-Ke è stato protagonista, insieme alla moglie e
attrice Zhao Tao, di un incontro ravvicinato con
il pubblico all’interno della Festa del Cinema di Roma.
Per questa occasione, la coppia è stata intervistata riguardo gli
esordi nell’industria cinematografica, arrivando poi a parlare nel
dettaglio dei film che li hanno resi celebri.
“Dall’inizio degli anni novanta
mi sono avvicinato al mondo del cinema. – esordisce
Jia Zhang-Ke – A quel tempo c’era un grande
fervore all’interno dell’industria cinematografica cinese. In quel
periodo, attraverso le opere della quinta generazione di registi,
mi resi conto di come il cinema poteva essere un strumento di
incredibile valore. Decisi così di dedicarmi a quest’arte, ma c’era
solo un modo per farlo, ovvero entrare all’accademia del cinema di
Pechino.”
“Sono nato alla fine della
rivoluzione culturale che si diffuse in Cina tra gli anni sessanta
e settanta. – continua il regista – Questo ha permesso
l’arrivo nel Paese di alcuni film stranieri che mi segnarono
profondamente. Il primo fu senz’altro Ladri di Biciclette, di
Vittorio De Sica. Non mi era mai capitato di vedere protagonisti di
un film dei ladruncoli, come quelli che potevo incontrare
abitualmente per le strade della mia città. Erano personaggi di
vita quotidiana, e pur appartenenti ad una cultura diversa li
sentivo a me particolarmente vicini.”
Il regista passa poi a raccontare
delle prime difficoltà incontrate nel realizzare i suoi primi film.
Più di una volta infatti si è trovato ostacolato dalla censura
ancora vigente negli anni novanta. “All’epoca in Cina c’erano
soltanto sedici studi cinematografici, ed erano tutti a gestione
pubblica. Pertanto era difficile che questi permettessero di
raccontare storie di ladri, di gente ai margini, insomma storie di
vita quotidiana. Mi resi conto che fare i film che volevo era più
difficile del previsto. Perciò intrapresi la strada dei film
indipendenti, trovando i mezzi e i metodi per esprimere le mie
idee.”
Jia Zhang-Ke passa poi a raccontare
dell’incontro con Zhao Tao, divenuta attrice dei
suoi film, musa ispiratrice e sua moglie. “Il mio secondo film
si intitolava Platform. Per poter girare questo film mi occorreva
un’attrice protagonista che corrispondesse ai miei criteri.
Occorreva infatti che sapesse parlare il dialetto della provincia
di cui sono originario, perché desideravo girare lì il film. Dopo
alcune ricerche, incontrai proprio Zhao Tao.”
“Capii che era perfetta per i
miei film quando durante il set decisi di non seguire più il
copione, che non trovavo più soddisfacente, e di proseguire sulla
base di un improvvisazione il più spontanea possibile. La
spontaneità per me è tutto. Tao seppe adattarsi senza problemi a
tutto ciò, anzi in più di un’occasione mi aiutò a gestire e
indirizzare il film sulla strada giusta.”
È poi proprio l’attrice a raccontare
dal proprio punto di vista l’incontro che le cambiò la vita:
“Ero terrorizzata quando Jia mi scelse per il suo film. Non
avevo mai recitato prima, non sapevo cosa mi aspettasse. Però
decisi di provare, ed evidentemente il mio non essere
professionista si sposò a meraviglia con la sua ricerca di
spontaneità. La collaborazione si rivelò così un
successo.”
Il regista spiega poi la sua
attrazione per gli attori non professionisti, particolarmente
ricorrenti all’interno dei suoi film. “Ci sono diversi motivi
per cui preferisco lavorare con attori non professionisti. Il primo
è che voglio che recitino in dialetto. La Cina è un paese
grandissimo, con numerosissimi dialetti. Si tendeva però a recitare
esclusivamente in cinese mandarino così da poter essere compresi in
ogni angolo del Paese.”
“Questo però non faceva per me,
io volevo che si usassero i dialetti e le loro sottili sfumature.
Ciò poteva essere ottenuto solo con attori non professionisti. Un
altro motivo è che questi sanno essere spontanei, sono dotati di
una naturalezza tipica della vita quotidiana. Con loro posso poi
sapere se la sceneggiatura è sufficientemente realistica o se ha
bisogno di essere modificata. Anche i movimenti di macchina sono
dipendenti dai loro movimenti naturali, non il contrario. Tutto
deve mirare ad una sincera fedeltà della vita a cui si assiste ogni
giorno per strada.”
A prendere la parola è poi
nuovamente Zhao Tao, che racconta dell’esperienza avuta sul set
italiano del film Io sono lì, girato nel
2011 dal regista Andrea Segre. Per la sua
interpretazione nel film l’attrice ha vinto un David di Donatello
come miglior attrice protagonista. “Fino a quel momento le mie
esperienze cinematografiche si limitavano ai film di Jia, e lui
raramente lavora con una sceneggiatura. Per cui ero spaventata dal
dovermi confrontare con un metodo diverso di regia.”
“Con Andrea facemmo prove per un
mese intero. Era un lavoro completamente diverso da quello a cui
ero abituata, ma mi permise di entrare in stretto contatto con gli
altri attori, finendo con il sentirmi sempre meno una straniera.
Alla fine quel mese di prove, unito alla recitazione spontanea a
cui ero abituata, si combinarono particolarmente bene e riuscì a
dar vita ad un mio metodo, fatto di preparazione ma allo stesso
tempo di naturalezza.”
Per concludere l’incontro, l’autore
cinese parla di uno dei temi più ricorrenti nel suo cinema: quello
del silenzio. “Il silenzio per me è la lingua che contiene il
maggior numero di informazioni. Questo è legato anche ad una
caratteristica tipica del popolo cinese e di come esprimono o meno
i propri sentimenti. L’abitudine, nel parlare di questi, è quella
di rimanere in silenzio, e fare in modo che siano gli altri a
cercare di comprenderne il contenuto. Quello che tento di fare è
portare sullo schermo questo particolare modo di esprimersi. Il non
detto è fondamentale, permette agli altri, agli spettatori, di
cercare una spiegazione tramite le proprie emozioni. Solo così può
crearsi un’interazione attiva con il film.”
Anteprima romana di “Il loro
Natale” di Gaetano Di Vaio alla Casa del Cinema – Mercoledì 23 febbraio 2011 alle ore 17.30 verrà
presentata l’anteprima romana del film documentario “Il loro
natale” diretto da Gaetano Di Vaio alla Casa del Cinema a Villa
Borghese, Largo Marcello Mastroianni, 1 in sala Deluxe. L’anteprima
del film inaugura la rassegna di documentari italiani “In Questo
Paese” curata da Maurizio Di Rienzo.
Durante l’intervista, Evans è stato
chiesto se fosse strano vedere Downey Jr. interpretare uno dei
cattivi più iconici della Marvel, e l’ex protagonista di Captain
America ha condiviso quanto segue, spiegando anche a Johnson come
sia possibile questo casting:
Chris Evans:Voglio dire, non vedo l’ora di
vedere cosa farà. Sono sicuro che sarà incredibile.
Dakota Johnson:Adesso è un cattivo?
Chris Evans:Sì, adesso è il Dr. Doom.
Dakota Johnson:Si può fare? Si può
semplicemente scegliere?
Chris Evans: Quando l’ho sentito per la prima volta, ho
pensato: “Eh?”. Ma è quasi come il formaggio e la crosta.È come dire: “Non c’è più niente da fare con questa pizza”, e
poi pensi: “Oh, cavolo. Sai? Cos’altro? E se facessimo così? (fa un
movimento di capovolgimento). Wow”.
Chris Evans:Ottima domanda. Potrei
anche dire Downey. Ho fatto film per 10 anni prima di salire sul
treno della Marvel.
ScreenRant:Perché è stato lui a chiamarti,
giusto?
Chris Evans:Sì. È stato lui a convincermi. Non
volevo accettare il ruolo. Ho detto di no un paio di volte ed è
stato lui a farmi capire.
Dakota Johnson:Non volevi essere Capitan
America?
Chris Evans:Ho detto di no diverse volte. Lo
so. Semplicemente non volevo farlo. Avevo paura, ero intimidito.
Non sapevo. Era un impegno importante e stavo pensando di lasciare
la recitazione in generale. Non lo so.
Cosa significano i commenti
di Chris Evans su Robert Downey Jr.
Molti si aspettavano che un
nuovo attore fosse scelto per interpretare Victor von Doom nell’MCU
quando fosse arrivato il momento di introdurre quel personaggio nel
franchise, soprattutto considerando il potenziale di una storia
così lunga sullo schermo. Ecco perché la Marvel Studios è diventata
una delle notizie più importanti, se non la più importante, del San
Diego Comic-Con 2024 quando Downey Jr. ha svelato la sua identità
nella Hall H. La reazione di Evans è, per molti versi,
rappresentativa di come molti fan hanno reagito nel vedere l’ex
attore di Iron Man tornare nel MCU per Avengers: Doomsday e
Avengers: Secret Wars, ma con quello che è forse il colpo di scena
più grande di tutti i tempi per la Marvel Studios.
È anche importante ricordare che
Evans non è nuovo al personaggio di Doctor Doom, avendo già
interpretato la Torcia Umana nei film della Fox Fantastic
Four, dove il cattivo Marvel era interpretato da Julian
McMahon. Considerando che il Doctor Doom di Downey Jr.sarà molto diverso quando apparirà per la prima volta in
Avengers: Doomsday, sarà sicuramente un’esperienza surreale, per
non dire altro. Allo stato attuale, sembra che dare al Dottor
Destino dell’MCU lo stesso volto di Tony
Stark, un eroe che ha dato la vita in Avengers: Endgame, porterà una certa
tensione emotiva in Avengers: Doomsday.
Molti dei film dello sceneggiatore e
regista Christopher
Nolan sono caratterizzati da narrazioni complesse e
non lineari, caratteristica che ha reso il suo cinema dotato di una
forte personalità. Il regista, il cui nuovo film
Oppenheimer (qui la recensione) arriverà in
Italia il 23 agosto, ha ora spiegato perché si avvicina alla
narrazione per cinema in questo particolare modo. Sebbene
ampiamente noto per il suo lavoro sulla trilogia de Il cavaliere oscuro,
molti dei film di Nolan, come The Prestige, Inception e fino al recente
Tenet, richiedono più visioni per poter
essere veramente compresi.
In una recente intervista con il
canale YouTube HugoDécrypte per promuovere il
suo nuovo film, Nolan, usando la battuta presente in Tenet,“Non cercare di capirlo, sentilo”,
come premessa alla sua spiegazione, ha dichiarato che: “Non
vedo i film in termini di equilibrio tra semplicità e complessità,
penso che sia più una questione che ha a che fare col mistero. Le
nostre aspettative nei confronti dei film, grossomodo per tutta la
mia vita, ma soprattutto dagli anni ’50, sono state influenzate
dalla televisione e dalle sue aspettative. E a volte non è il
massimo“.
“Per questo spesso uso strutture
non cronologiche, non lineari. – ha poi continuato a spiegare
Nolan – Questa cosa era un espediente che veniva sfruttato
molto nell’era del cinema muto, nei primi film sonori, fino
all’arrivo della televisione. Poi la televisione ha imposto un
approccio più lineare e semplice, a causa del modo in cui abbiamo
iniziato a guardarla dagli anni ’50 in poi. In seguito, quando sono
arrivati l’home video e i DVD e ora lo streaming, siamo nuovamente
tornati a essere più avventurosi perché puoi guardare qualcosa,
fermarlo, riavvolgerlo e rivederlo. E possiamo creare narrazioni
più dense e complesse“.
“Ma a conti fatti, –
conclude Nolan – la cosa fondamentale riguardante l’esperienza
di una sala cinematografica piena di persone, è che dovrebbe essere
un’esperienza incentrata sul mistero. Non desideri capire l’intera
storia fin dall’inizio. Altrimenti, non c’è nulla da svelare e
scoprire. Quindi, in realtà, il compito del regista è cercare di
essere un po’ avanti rispetto al pubblico, non troppo avanti, non
troppo indietro. Quando sei indietro rispetto al pubblico, il
pubblico capisce le cose prima che tu le spieghi, e il pubblico
rimane frustrato in un altra maniera.”
Tutto quello che sappiamo sul
film Oppenheimer
Scritto e diretto
daChristopher Nolan,
Oppenheimer è un
thriller storico girato in IMAX che porta il pubblico
nell’avvincente storia paradossale di un uomo enigmatico che deve
rischiare di distruggere il mondo per poterlo salvare. Il film è
interpretato da Cillian
Murphy nel ruolo di J. Robert Oppenheimer e
da Emily
Blunt nel ruolo della moglie, la biologa e
botanica Katherine “Kitty” Oppenheimer. Il premio
Oscar Matt
Damon interpreta il generale Leslie Groves Jr.,
direttore del Progetto Manhattan, e Robert Downey Jr.
interpreta Lewis Strauss, commissario fondatore della Commissione
statunitense per l’energia atomica. La candidata all’Oscar Florence
Pugh interpreta la psichiatra Jean Tatlock,
Benny Safdie interpreta il fisico teorico Edward
Teller, Michael Angarano interpreta Robert Serber
e Josh Hartnett
interpreta il pionieristico scienziato nucleare americano Ernest
Lawrence. Il film è anche interpretato dal vincitore
dell’Oscar Rami
Malek e questo film vede Nolan riunirsi con
l’attore, scrittore e regista otto volte candidato
all’Oscar Kenneth
Branagh. Il cast comprende anche Dane DeHaan
(Valerian e la città dei mille pianeti), Dylan
Arnold (serie Halloween), David Krumholtz
(La ballata di Buster Scruggs), Alden Ehrenreich
(Solo: A Star
Wars Story) e Matthew Modine (Il Cavaliere
Oscuro – Il ritorno).
Il film è tratto dal libro vincitore
del premio Pulitzer American Prometheus: The Triumph and Tragedy of J. Robert
Oppenheimer di Kai Bird e del compianto
Martin J. Sherwin. Il film è prodotto da
Emma Thomas, Charles Roven di
Atlas Entertainment e Christopher Nolan. Oppenheimer è girato sia
in IMAX 65mm che in pellicola di grande formato 65mm che include,
per la prima volta in assoluto, sezioni in fotografia analogica
IMAX in bianco e nero. I film di Nolan, tra cui Tenet, Dunkirk, Interstellar, Inception e la
trilogia del Cavaliere Oscuro, hanno incassato più di 5 miliardi di
dollari al botteghino mondiale e sono stati premiati con 11 Oscar e
36 nomination, tra cui due nomination come miglior film.
In vista dell’uscita di Avengers:
Endgame, i fratelli Russo avevano condiviso sui
social media una foto del dietro le quinte che, a un’analisi più
attenta, sembrava contenere la scritta “ENDGAME”. Ora, ne abbiamo
un’altra dai registi per Avengers:
Doomsday e desta perplessità.
Potrebbe esserci una “A” di Avengers
sul lato sinistro, ma per il resto è difficile dire a cosa stiano
alludendo i due. Vale la pena ricordare che la loro anticipazione
di Avengers:
Endgame è stata scattata sul set dove Hulk ha usato il
Guanto dell’Infinito per riportare in vita il resto
dell’universo.
Con questo in mente, questa location
potrebbe essere altrettanto cruciale. Sfortunatamente, finché non
vedremo Avengers:
Doomsday il prossimo dicembre, la data è ancora
da definire.
Comandante, diretto da
Edoardo De Angelis, con Pierfrancesco
Favino, è il nuovofilm
d’apertura, in prima mondiale in
Concorso, dell’80. Mostra Internazionale
d’Arte Cinematografica della Biennale di
Venezia. Il film è ambientato all’inizio della Seconda
guerra mondiale, ed ha per protagonista Salvatore Todaro, comandante del
sommergibile Cappellini della Regia Marina. Nell’ottobre del 1940,
mentre naviga in Atlantico, nel buio della notte affronta un
mercantile armato che viaggia a luci spente e lo affonda a colpi di
cannone. Ed è a questo punto che il Comandante prende una decisione
destinata a fare la storia: salvare i 26 naufraghi belgi condannati
ad affogare in mezzo all’oceano per sbarcarli nel porto sicuro più
vicino, come previsto dalla legge del mare. Per accoglierli a bordo
è costretto a navigare in emersione per tre giorni, rendendosi
visibile alle forze nemiche e mettendo a repentaglio la sua vita e
quella dei suoi uomini.
Salvatore Todaro, il comandante che salvava l’uomo
“Mi commuove l’idea della forza
intesa come la intendeva Salvatore Todaro, ovvero come la capacità
di correre in soccorso di chi è più debole. Questo è l’uomo forte e
ho voluto raccontare nella sua storia.”, spiega il regista
Edoardo de Angelis. “Era il 2018 quando ci
siamo imbattuti in essa, l’abbiamo ascoltata dall’Ammiraglio
Pettorino, che in occasione della celebrazione dei 123 anni della
Guardia Costiera aveva l’esigenza di dare un’indicazione ai suoi
uomini su come comportarsi in mare e scelse la strada della
parabola, raccontando la storia di Salvatore Todaro, che affondava
il ferro nemico ma salvava l’uomo e a chi gli chiedeva perché lui
rispondeva ‘lo facciamo perché siamo italiani’. Ecco,
quando ho conosciuto Salvatore Todaro ho pensato che se è
questo che significa essere italiano, allora voglio essere
italiano!”
“Nell’estate in cui è scoppiato
questo disonore, io lo considero un disonore, ovvero di
disattendere le più elementari e millenarie regole del mare, cioè
di soccorre chi è in necessità, c’era un clima piuttosto pesante e
sprezzante. – racconta il co-sceneggiatore Sandro
Veronesi – La storia di Salvatore Todaro era una
risposta perfetta, come ce ne sono tante, perché la storia del
nostro popolo, ma direi della civiltà a cui apparteniamo, è una
storia di soccorsi. Poter lavorare a questa storia, con il miracolo
di avere a disposizione, grazie alla famiglia, degli effetti
personali di Todaro, ci ha permesso di essere molto fedeli ad essa
e capire meglio l’uomo che ne è protagonista e che ha posto il
rispetto delle regole del mare davanti al servire la
patria”.
“Mentre stavamo ultimando il
montaggio del film, a inizio 2023, è avvenuto un fatto che mi ha
molto colpito. – racconta poi De Angelis, approfondendo
ulteriormente i valori del film – Un natante russo in
balia delle onde dell’Oceano è stato posto in salvo da un piroscafo
con bandiera panamense con capitano ed equipaggio ucraini. Il
marinaio russo ha poi dichiarato ‘Siamo tutti alla stessa distanza
da Dio, la distanza di un braccio, quello che ti salva’. Ecco,
volevo che fosse quello l’inizio del film. Per ricordarci che così
come Todaro si sente lo stesso uomo che duemila anni prima guidava
una triremi romana, anche noi possiamo sentirci lo stesso salvatore
Todaro che salvava gli uomini inermi”.
Credits: Giorgio Zucchiatti, La Biennale di Venezia – Foto
ASAC
Un film dal potenziale internazionale
“Considero il cinema italiano
come internazionale e credo che questo film, ad esempio, possa
mostrare che siamo pronti per film che possono andare oltreoceano e
spero se ne potranno fare sempre di più. –
afferma Pierfrancesco Favino,
chiamato a dire la sua sullo stato del cinema italiano in rapporto
alle produzioni estere. – Questa produzione, quella
diComandante,è stata particolarmente
coraggiosa per la nostra industria. Inoltre, vorrei che sempre più
attori e attrici italiane trovino la possibilità fossero presenti
in produzioni estere, specialmente se si tratta di interpretare
personaggi italiani. È un problema quando attori americani, ad
esempio, interpretano personaggi italiani al posto nostro. Ci sono
tanti bravi attori e attrici nel nostro paese e sono tutti in
attesa del giusto ruolo”.
Passa poi la parola agli altri due
attori presenti alla conferenza stampa, Silvia
D’Amico e Johan Heldenbergh.
“Essere salita a bordo su questo film è stata un’esperienza
incredibile, al di là dei suoi valori politici. – afferma la
D’Amico – Sono stata accompagnata dalla sensibilità di Edoardo
e dalla sua capacità di gestire i ruoli femminili. Il mio
personaggio non è solo la moglie di Todaro che lo aspetta a casa,
ma un punto fermo ricorrente nel suo viaggio. Fondamentali è stato
poi potermi confrontare con la figlia del comandante Todaro, che ha
reso questa un’esperienza ancor più formativa”. La parola
passa poi a Heldenbergh, interprete del capitano belga nel film.
“Sono sempre stato innamorato del mio paese ma questo
non vuole dire che ne sia anche orgoglioso. Ed è questo senso di
amore ma non orgoglio che ho ritrovato nel film, decidendo dunque
di farne parte!”
“Se sono preoccupato dalle
reazioni del ministro Matteo Salvini quando guarderà il film? È
chiaro che le reazioni di chi guarda un film trascendono il
controllo di chi il film lo ha fatto. Mi auguro che chiunque lo
guarderà converrà sul fatto che esistono delle leggi eterne,
immutabili, come la legge del mare e che sono leggi che non vanno
infrante. Mai”. Così si conclude la conferenza stampa di
Comandante, diretto da Edoardo De
Angelis e da lui scritto insieme a Sandro
Veronesi. Il film è una produzione Indigo
Film e O’Groove con Rai
Cinema, Tramp LTD,
V-Groove, Wise Pictures, in
associazione con Beside Productions, in
collaborazione con la Marina Militare Italiana e
Cinecittà. Il film sarà distribuito da 01
Distribution nelle sale italiane dal 1
novembre.
Secondo Matthew
Vaughn, regista di X-Men: L’Inizio, i problemi del MCU saranno risolti all’uscita di
Deadpool 3.
Nelle parole di Vaughn, il film riporterà in vita il corpo morto
del MCU.
Marvel è reduce da qualche passo
falso, a giudicare principalmente dall’accoglienza di pubblico e
critica delle sue ultime produzioni (The
Marvels e Ant-Man and the Wasp: Quantumania). Tuttavia
il suo unico film che uscirà nel 2024, Deadpool 3, potrebbe rimettere in carreggiata il
suo percorso.
Deadpool
3 è il film che chiuderà la trilogia del
Mercenario Chiacchierone che vede protagonista Ryan Reynolds nel ruolo del protagonista e
questa volte il pubblico è ancora più ansioso di vederlo in scena
per via del fatto che con lui torna anche Hugh Jackman
nel ruolo di Wolverine. Ora, nel corso della promozione del suo
ultimo film, Argylle,
Matthew Vaughn si è sbilanciato dicendo che questo
film potrebbe essere la salvezza del MCU:
“Questo sarà lo shock…
l’universo Marvel sta per subire uno shock e riporterà in vita quel
corpo… penso che Ryan Reynolds e Hugh Jackman stiano per salvare l’intero
universo Marvel.”
Chi c’è in Deadpool
3?
Deadpool 3
riunisce il protagonista Ryan Reynolds con Shawn Levy, regista di
Free Guy e The Adam Project, che ha firmato la regia
dell’atteso progetto. Hugh Jackman
uscirà finalmente dal suo pensionamento da supereroi per riprendere
il ruolo di Wolverine. Sebbene i dettagli
ufficiali della storia di Deadpool 3, con
protagonista Ryan Reynolds,
non siano infatti ancora stati rivelati, si presume che la trama
riguarderà il Multiverso. Il modo più semplice per i Marvel Studios di unire la
serie di film di Deadpool – l’unica parte del
franchise degli X-Men sopravvissuta all’acquisizione
della Fox da parte della Disney – è stabilire che i film di
Reynolds si siano svolti in un universo diverso.
Ciò preserva i film degli X-Men
della Fox nel loro universo, consentendo al contempo a Deadpool e
Wolverine, di nuovo interpretato da Hugh Jackman,
viaggiare nell’universo principale dell’MCU. Nel film saranno poi presenti anche personaggi
presenti nei primi due film di Deadpool, come Colossus e
Testata Mutante Negasonica. Da tempo, però, si vocifera che anche
altri X-Men possano fare la loro
comparsa nel film, come anche alcuni altri supereroi della
Marvel comparsi sul
grande schermo nei primi anni Duemila, in particolare il Daredevil di Ben
Affleck.
Una voce recente afferma che anche
Liev Schreiber
sia presente riprendendo il suo ruolo Sabretooth. Di certo,
Morena Baccarin
(Vanessa), Karan Soni (Dopinder), Leslie
Uggams (Blind Al), Rob Delaney (Peter) e
Shioli Kutsuna (Yukio) torneranno tutti nei panni
dei rispettivi personaggi, e a loro si uniranno i nuovi arrivati in
franchising Emma Corrin (The
Crown) e Matthew
Macfadyen (Succession), i cui ruoli sono ancora segreti. Un
recente report afferma inoltre che la TVA di Loki, incluso l’agente
Mobius (Owen Wilson) e
Miss Minutes, saranno coinvolti nel film. Deadpool 3
uscirà nei cinema il 26 luglio 2024.
Trent Reznor,
compositore di colonne sonore da Oscar (The Social Network) e leader
dei Nine Inch Nails, ha affidato a Rolling Stones
il suo ricordo dell’artista, collega e mentore David
Bowie, scomparso lo scorso 10 gennaio.
Ecco cosa ha ricordato Trent:
La sua musica mi ha aiutato a
relazionarmi con me stesso e a capire chi ero. Era un enorme fonte
d’ispirazione, in termini di cosa un artista dovrebbe essere, non
ci sono regole.
Poi a metà degli anni ’90 si
rivolse a me e disse “Faremo un tour insieme”. È difficile
descrivere quanto fu convalidante e surreale l’intera esperienza
legata a quel tour – incontrare quell’uomo in carne ed ossa e
scoprire, con grande gioia, che aveva superato ogni mia
aspettativa. Il fatto che avesse questo elegante e felice carattere
impavido è stato molto d’ispirazione per me.
Durante quel tour, onestamente,
ero molto incasinato. Ci fu il primo grande successo dei Nine Inch
Nails, in termini di fama. E questo in qualche modo distorse la mia
personalità [..] La sottile linea tra il ragazzo sul palco e quello
che ero realmente iniziava ad offuscarsi. Affrontai la vita
intorpidendo me stesso con alcol e droghe, perché mi faceva sentire
meglio e in grado di affrontare tutto. [..] Non ero pienamente
consapevole di quanto male mi stessi facendo, ma nel mio cuore
sentivo che era uno spericolato e insostenibile percorso
autodistruttivo.
Quando incontrai David lui era
felice, in pace con se stesso, aveva una moglie che chiaramente
amava. Alcune volte ci siamo trovati da soli e lui ha condiviso con
me dei pezzi di saggezza che ancora porto con me: “Sai, c’è un modo
migliore, non deve finire tutto nella morte o nella disperazione,
in fondo”.
Pochi anni dopo venne a L.A. ed
io ero sobrio da una discreta quantità di tempo. Lo volevo
ringraziare per l’aiuto che mi aveva dato. [..]. Ho ritrovato lo
stesso amore ed affetto. Iniziai a dire “Ehi senti, sono pulito
da..”, probabilmente non finii nemmeno la frase e lui mi diede un
forte abbraccio e disse “Lo sapevo, sapevo che lo avresti fatto.
Sapevo che ne saresti uscito”. Ho ancora la pelle d’oca se ripenso
a quel momento.
Si presenta silenziosamente e a
capo chino il regista giapponese Hirokazu
Kore’eda, protagonista di uno degli incontri ravvicinati
della Festa del Cinema di Roma.
Nonostante l’umiltà con cui si mostra al pubblico, Kore’eda è tra i
più premiati e apprezzati cineasti oggi in attività. Con premi
ricevuti a importanti festival come quelli di Venezia e Cannes,
dove ha vinto la Palma d’Oro per Un affare di
famiglia, il regista è attualmente in sala con il
suo ultimo film, Le
verità, con protagoniste Catherine
Deneuve e Juliette
Binoche.
Per inaugurare l’incontro il
regista racconta di come si sia avvicinato al cinema, avendo lui
intrapreso la sua carriera inizialmente nel mondo della
televisione. “Dopo aver realizzato alcuni prodotti mi ero reso
conto di esserne già stufo. Tutto andava fatto con tempistiche
molto frenetiche, e questo semplicemente non era un lavoro adatto a
me. Ho così iniziato a girare miei documentari, dove potevo gestire
io la macchina da presa, potevo prendere il tempo di cui avevo
bisogno e approfondire ciò che desideravo. Nonostante ciò non smisi
mai di continuare a scrivere mie sceneggiature, e alla fine mi sono
deciso a debuttare con una di queste al cinema, tornando al genere
di fiction.”
Nel corso dell’incontro, durato
circa due ore, sono state mostrate clip tratte dai più celebri film
del maestro, raggruppate tuttavia per ordine tematico. Il primo di
questi è stato riguardo il grande lavoro svolto dal regista, in
quasi tutti i suoi film, con i bambini protagonisti.
“Riprendere i bambini è un’attività indubbiamente complessa, ma
altrettanto interessante. Di solito i bambini che scelgo per i miei
film non hanno esperienze recitative, il che è un bene perché gli
permette di essere naturali, non costruiti. Per aiutarli inoltre
non li pongo al confronto con attori adulti protagonisti, perché il
divario genererebbe soltanto stress. Quindi spesso prediligo attori
senza o con poca esperienza davanti la camera. Inoltre raramente
fornisco il copione ai bambini, perché per esperienza risultano più
spontanei se sanno cosa fare solo poco prima di doverlo
fare.”
Il secondo gruppo tematico riguarda
invece i concetti di dolore, morte ed elaborazione del lutto,
presenti sotto varie sfumature in tutta la filmografia del regista.
“Si dice che nel momento in cui moriamo, si rivede tutta la
nostra vita impressa su pellicola cinematografica, come un grande
flashback che ci scorre davanti agli occhi. Non so se questo sia
vero, però l’idea di riproporre questo concetto è certamente alla
base di questa mia volontà di indagine sulla morte.”
“Per parlare di ciò tuttavia
non mi rivolgo mai ai flashback. Io credo nella ridondanza del
presente, nella persistenza del passato e nell’imminenza del
futuro. Nei miei film ciò che è stato doloroso è già passato, non
accade sullo schermo. Il dolore nei miei film appartiene al
passato, esiste al di fuori del frammento di narrazione su cui mi
concentro. Il fondo e la cima dell’emotività stanno al di fuori
della pellicola, e mi concentro invece sul ritrarre ciò che è al
centro di questa triplice spartizione, è questo che mi
interessa.
Il terzo blocco è invece legato al
concetto di tempo, che Kore’eda sembra rimutuare dalla tradizione
cinematografica giapponese precedente, in particolare da
Yasujirō Ozu.“Più volte mi è stato fatto notare che il tempo nei miei film è
trattato in modo simile a quello nei film di Ozu, e la risposta più
precisa che mi è stata data è riguardo il modo in cui scorre il
tempo. Non c’è una linearità, ma una circolarità, e penso sia vero.
Il punto di arrivo dei miei film è di poco distante dal punto di
partenza, dopo aver compiuto tuttavia un viaggio intorno a
questo.
Al regista viene poi chiesto di
parlare della sua prima esperienza regista al di fuori del
Giappone, avvenuta con il film Le Verità,
presentato proprio all’ultima edizione del Festival di Venezia.
“Per quanto riguarda il set e il mio modo di gestire la regia,
posso dire che non ci sono state grandi differenze con quanto avevo
fatto già in Giappone. Anche in questo caso ho osservato gli
attori, e sulla base di quanto loro fanno decido se apportare o
meno modifiche alla sceneggiatura. È stato un set dove tutti noi
imparavamo le cose direttamente sul posto. Molte cose le capivamo,
percepivamo soltanto lì. La differenza di approccio è stata che in
un momento difficile i giapponesi tacciono, mentre gli europei
tendono più a scontrarsi. E a questo ho fatto attenzione
mentre scrivevo il copione.”
Per concludere l’incontro, il
regista dedica un pensiero all’attrice Kirin Kiki,
protagonista di numerosi suoi film e scomparsa nel settembre del
2018. “Quando abbiamo girato Un affare di famiglia stava
piuttosto bene, non mi aspettavo assolutamente che sarebbe morta
così all’improvviso. C’è una cosa in particolare che ricordo di lei
in quel film. Quando abbiamo girato la scena sulla spiaggia, io ho
ripreso il suo volto di profilo mentre guardava la famiglia. In
sala di montaggio mi sono reso conto che lei stava muovendo
leggermente la bocca. Guardando molto attentamente mi sono reso
conto che stava dicendo “grazie”.”
“Non era una battuta presente
nella sceneggiatura, – continua Kore’eda – ma lei la
pronunciò lo stesso. Nel film ci sono tante cose che rimangono non
dette, lasciate in sospeso, e lei ha capito perfettamente ciò,
sottolineando questa cosa con il suo silenzioso “grazie”. È un
contributo splendido, un regalo meraviglioso che lei ha fatto sia
nei confronti dell’opera sia nei miei, e le sono eternamente
grato.”
Fin dalla prima folata di vento
sulla brughiera, è chiaro che questo “Cime
Tempestose”, dal 12 febbraio nelle nostre sale
distribuito da Warner Bros, non è l’Heights di un tempo, ma una
visione alterata, a metà strada tra sogno e stato febbrile, dove
l’amore arde luminoso e muore giovane, e le generazioni che un
tempo seguivano vengono inghiottite interamente dal silenzio. La
versione del 2026 di Emerald Fennell
dell’immortale tragedia di Emily Brontë, con
Margot Robbie nel ruolo di Catherine Earnshaw
e Jacob Elordi in quello di Heathcliff, non
si limita ad adattare il romanzo: lo distilla.
Del romanzo rimane la tempesta di
Cathy e Heathcliff; viene scartato il lungo regolamento di conti
che Brontë dispiega con spietata pazienza. Riducendo la storia alle
sue passioni più febbrili, il film rimodella il significato stesso
del finale. Dove il romanzo parla di eredità, vendetta e pace
inquieta, il film si arresta al crepacuore e, così facendo, altera
l’anima della vicenda. Attraversiamo dunque entrambe le brughiere e
osserviamo ciò che è andato perduto, ciò che è stato trasfigurato e
ciò che, forse, è stato tradito.
Cortesia Warner Bros Discovery
Un racconto un tempo narrato due
volte, ora raccontato una sola
Il romanzo di Brontë è incorniciato
dalla distanza e dal ricordo. Il lettore entra per la prima volta a
Wuthering Heights attraverso gli occhi del signor Lockwood, un
estraneo il cui disagio rispecchia il nostro. Il suo incontro con
gli abitanti cupi della casa — un servo dal carattere aspro, una
giovane donna riservata e pungente, un ragazzo rozzo — prepara il
terreno alla memoria spettrale che segue. Attraverso il lungo
racconto della governante Nelly Dean, il passato
si dispiega come una tempesta ricordata. Il film ignora tutto
questo.
Non c’è Lockwood a restare attonito
sulla soglia. Nessuna notte bloccata dalla neve, nessun graffiare
disperato alla finestra, nessuna apparizione spettrale a introdurre
la tragedia. La storia non è più un racconto trasmesso da una voce
all’altra; è immediata, non filtrata, priva di quella sensazione
ossessiva di retrospezione. Abbandonando la narrazione
stratificata, il film rinuncia all’idea che questa vicenda marcisca
e riecheggi nel tempo. Non è più un’eredità di sofferenza,
ma una calamità isolata. Nel disegno di Brontë il passato
sanguina nel presente. Nella visione di Fennell, il passato si
consuma da sé.
Earnshaw trasformati e stirpi
cancellate
Nel romanzo, la casa degli Earnshaw
è un crogiolo di rivalità. Catherine non è figlia unica: ha un
fratello, Hindley, la cui gelosia e crudeltà alimentano l’amarezza
di Heathcliff. Il padre, pur con i suoi difetti, mostra bontà verso
l’orfano che porta a casa da Liverpool. È Hindley a degradare
Heathcliff, a picchiarlo, a ridurlo in servitù dopo la morte del
padre. Nel film questa crudeltà cambia volto.
Catherine (Margot Robbie) è figlia unica.
Hindley, con la moglie Frances e il figlio Hareton, non esiste. È
il padre Earnshaw (interpretato da Martin Clunes)
a diventare il tiranno, colpendo Heathcliff (Jacob Elordi) e umiliandolo. La fonte
dell’umiliazione di Heathcliff si modifica: nel romanzo nasce dalla
rivalità fraterna e dal risentimento di classe incarnato da
Hindley; nel film discende direttamente dalla brutalità
patriarcale.
Questo mutamento semplifica
il panorama morale. La discesa di Hindley nel vizio e nel
gioco d’azzardo, fondamentale per la futura vendetta di Heathcliff,
viene eliminata. L’intricata rete di decadenza familiare è recisa
di netto. Senza Hindley non può esserci Hareton; senza Hareton, il
futuro di Wuthering Heights svanisce. Il mondo di Brontë è fatto di
legami aggrovigliati e conseguenze generazionali. Quello del film è
più stretto, più solitario. Conosce solo tre cuori principali, e
quando uno smette di battere, la storia finisce.
Cortesia Warner Bros Discovery
I Linton reinventati e la vendetta
attenuata
Nel libro, l’episodio in cui
Catherine e Heathcliff spiano i Linton è decisivo. Lei viene
aggredita dal cane; viene accolta e raffinata; lui viene
allontanato e umiliato. Questo approfondisce il divario tra loro.
Più tardi, Hindley ed Edgar Linton deridono Heathcliff, alimentando
il suo voto di vendetta.
Il film riduce l’incontro a una
scena più intima. Catherine è sola quando viene scoperta. Scivola
con la gamba; Edgar la afferra. La violenza del cane, l’autorità
genitoriale dei Linton e l’umiliazione sociale inflitta a
Heathcliff sono attenuate o eliminate. Il commento sul ceto
e sulla classe, così penetrante nel romanzo, quasi scompare
nell’adattamento.
Nel testo di Brontë, la vendetta di
Heathcliff è metodica. Torna ricco e sfrutta la dipendenza di
Hindley dal gioco fino a ipotecare Wuthering Heights. Corteggia
Isabella Linton per ferire Edgar e Catherine. Ordisce matrimoni per
assicurarsi proprietà ed eredità. La sua vendetta è fredda come il
vento che spazza la brughiera.
Nel film, queste strategie si
dissolvono nell’ombra. Heathcliff ritorna e ottiene Wuthering
Heights, ma manca l’ingranaggio accurato della sua ritorsione.
Nessuna rovina elaborata di Hindley, nessun figlio Linton come
pedina. La narrazione della vendetta, così centrale nella seconda
parte del romanzo, si placa. Heathcliff appare meno
architetto della distruzione e più amante tragico
sconfitto.
Cortesia Warner Bros Discovery
Una stanza rosa e una furia
attenuata
Impossibile ignorare le audaci
scelte estetiche del film. La camera di Catherine, immaginata in
tonalità rosa confetto e concepita in armonia con l’incarnato di
Margot Robbie, contrasta nettamente con
l’austera penombra associata al romanzo. Dove Brontë evoca interni
ombrosi e spogli, il film osa morbidezza e artificio.
Anche il personaggio di Nelly
cambia. Nel film è una serva solida, sebbene imperfetta, talvolta
invadente ma radicata nella realtà. Nel romanzo ha un’aura più
ambigua, quasi complice delle miserie che racconta.
Il film indulge inoltre in una
sensualità appena accennata nelle pagine di Brontë. I baci si
prolungano. Gli abbracci si susseguono. La passione tra Catherine e
Heathcliff è resa con abbondanza corporea, mentre nel romanzo la
potenza risiede nell’intensità del sentimento espresso più
attraverso parole e gesti che attraverso la carne.
Amplificando l’elemento sensuale, il film rende l’amore
immediato e tangibile, forse a scapito della sua selvaggia
contenutezza.
La questione dell’aspetto di
Heathcliff
Tra le modifiche più discusse vi è
la scelta di Jacob Elordi come Heathcliff. Nel testo di
Brontë, Heathcliff è descritto come dalla pelle scura, di origine
ambigua e forse straniera, paragonato a uno zingaro, forse
proveniente da terre lontane (storicamente, potrebbe avere
plausibilmente origini indiane). Il suo essere estraneo non è solo
sociale ma anche etnico, sottolineando l’alienazione all’interno
della famiglia Earnshaw e della comunità.
La scelta del film ha suscitato
accuse di “sbiancamento” di un personaggio la cui alterità è
fondamentale per l’esplorazione del pregiudizio. Riducendo questo
aspetto, l’adattamento attenua la riflessione del romanzo
sull’esclusione. Heathcliff diventa meno l’estraneo permanente
segnato dalla differenza visibile e più l’eroe romantico tormentato
dai tratti familiari. Così il commento su casta ed emarginazione si
affievolisce.
Cortesia Warner Bros Discovery
Un finale reciso: morte senza
conseguenze
Qui sta il cuore della questione.
Nel film, Catherine muore prima di avere figli. Heathcliff resta,
devastato e desolato. La storia si chiude sul suo dolore. Nessun
erede, nessuna seconda generazione, nessun lento dispiegarsi delle
conseguenze nel corso dei decenni. Il sipario cala sulla
perdita.
Nel romanzo, Catherine muore dopo
aver dato alla luce una figlia, Cathy. Da lei nasce la seconda metà
della vicenda. Isabella partorisce un figlio malaticcio di
Heathcliff. Hareton, figlio di Hindley, cresce rozzo e incolto
sotto il dominio di Heathcliff. Con crudeltà calcolata, Heathcliff
intreccia i destini di questi giovani per possedere sia Wuthering
Heights sia Thrushcross Grange, dei Linton.
Gli anni passano. Cathy e Hareton,
inizialmente estranei e risentiti, giungono infine alla tenerezza.
Lei gli insegna a leggere; lui recupera dignità. Nella loro unione
risiede una fragile redenzione che sorge dalle macerie delle
passioni dei padri. Heathcliff, perseguitato dal ricordo di
Catherine, si consuma e muore nella sua vecchia stanza. Le
proprietà vengono restaurate. Le brughiere sussurrano di fantasmi
in pace.
Brontë non conclude con la sola
morte, ma con una restaurazione inquieta. L’amore, corrotto in una
generazione, trova espressione più mite nella successiva. Il film
abbandona del tutto questo arco. Fermandosi alla morte di
Catherine e al dolore di Heathcliff, trasforma una saga di eredità
in una tragedia di devozione esclusiva. Nessuna Cathy ad
addolcire il lascito, nessun Hareton a reclamare Heights, nessun
accenno al fatto che il tempo possa temperare l’ira. La brughiera
resta sospesa nel lutto, non nel rinnovamento.
Cosa si guadagna e cosa si
perde?
Concentrandosi sulla prima metà del
romanzo, il film intensifica l’immediatezza.
L’amore tra Catherine e Heathcliff diventa l’unico sole attorno a
cui tutto ruota. Per chi privilegia la loro storia sopra ogni cosa,
questa scelta può apparire potente e pura. Eppure qualcosa di
profondo viene sacrificato.
Il genio di Brontë non consiste
solo nel ritrarre un amore feroce come il fulmine, ma nel
tracciarne gli effetti rovinosi attraverso le generazioni. Scrive
di proprietà e orgoglio, di confini sociali e vendetta, di figli
che portano il peso dei peccati dei genitori. Il suo finale
suggerisce che, sebbene la passione possa devastare, il tempo e
l’umiltà possano ancora guarire.
Il film, al contrario, sceglie la
ferita eterna invece della lenta ricucitura. Ci lascia con un
Heathcliff non redento, una Catherine non redenta, e un mondo in
cui la violenza dell’amore non ha contrappeso. I fantasmi possono
ancora vagare, ma non vi sono cuori vivi a rimettere ordine nella
casa.
Una brughiera
reinventata
Il “Cime
Tempestose” di Emerald
Fennell è visionario a suo modo, audace nei colori,
fervido nella sensualità, e disposto a ridurre una narrazione ampia
al suo nucleo più incendiario. La Catherine di Margot
Robbie brucia di tragico ardore; l’Heathcliff di
Jacob Elordi medita in intensa ferita. La loro
unione non è una leggenda distante, ma una conflagrazione
immediata.
Tuttavia, scambiando ampiezza con
concentrazione, l’adattamento rimodella il significato di Brontë.
Il romanzo si chiude con tombe affiancate, con proprietà
restituite, con giovani amanti che progettano un futuro più dolce.
Parla, nella sua cupezza, di cicli compiuti e tempeste placate.
Il film termina ancora nella
tempesta. E così la domanda resta sospesa come nebbia sulla
brughiera: “Cime
Tempestose” è la storia di un amore che ha
distrutto tutto, o di un mondo che, spezzato, si è lentamente
ricomposto? Brontë risponde con la continuità. Fennell risponde con
la frattura.
Jacob Elordi e Alison Oliver
hanno offerto le loro interpretazioni di una delle scene più
discutibili del nuovo “Cime
Tempestose”.
Come sappiamo, quando Cathy decide
di interrompere la usa relazione clandestina con Heathcliffe, lui
comincia a corteggiare insistentemente Isabella, per ripicca, tanto
che alla fine i due si sposano, contro ogni buonsenso e contro la
volontà di chiunque. Ma l’ossessione di Heathcliff per Cathy
significa che questo matrimonio era destinato al fallimento fin
dall’inizio. Verso la fine del film, la governante Nelly Dean
(Hong Chau) fa visita a Isabella e Heathcliff a
Cime Tempestose e trova il posto in preda al
caos, con Isabella incatenata al camino con un collare da cane.
“È stata davvero divertente quella scena”, ha detto Elordi
a Entertainment Weekly.
I cani sono un motivo ricorrente
nel romanzo di Cime Tempestose, sia nella loro versione
naturale, in quanto attaccano violentemente le persone in diverse
occasioni, sia nella loro versione figurata, in quanto spesso i
personaggi vengono paragonati a cani. Il film ne sceglie una
lettura diversa, forse più pruriginosa e moderna, e la racchiude in
quella scena. “Penso che Emerald abbia in un certo senso preso
l’uccisione del cane e queste parti davvero oscure del romanzo e le
abbia inserite in questa scena“, ha continuato Elordi.
“Isabella e Heathcliff sono completamente fuori di testa.
Vivono in una specie di inferno, capisci?“
Ma soprattutto, Heathcliff vive
nell’infelicità perché non può stare con Cathy e le sue azioni non
attirano la sua attenzione come vorrebbe. “Per lui, è un
inferno autogenerato. È il momento in cui la sua ossessione si
trasforma in qualcos’altro – in una disperazione rabbiosa – e perde
ogni parvenza di compostezza“, dice Elordi. “E non
funziona più, e lo scherzo è finito, il che significa che è reale,
capisci? E devono affrontarlo.“
Dal punto di vista di Isabella,
Alison Oliver ha descritto dettagliatamente lo
stato d’animo del suo personaggio nella stessa intervista.
“Perché [Isabella] è in realtà una persona piuttosto repressa,
e poiché è stata così infantilizzata, tutto ciò che viene represso,
quando viene fuori, è disordinato e disorganizzato”, ha
ricordato Oliver in precedenza. “E si trova in un posto
completamente sconosciuto, strano, diverso. Gran parte di questo è
dovuto semplicemente al caos del nuovo posto in cui si
trova.”
La rappresentazione di Isabella
come apparentemente in qualche modo felice di questa dinamica
relazionale con Heathcliff è
un’altra deviazione dal romanzo in Cime Tempestose del
2026, che The Guardian critica, affermando che “Fennell prende
alla leggera la crudeltà [di Heathcliff] nei suoi confronti
dipingendo Isabella come una sottomessa consenziente e
sorridente”. Isabella alla fine fugge dal matrimonio violento
del libro e dà alla luce un figlio.
Isabella è anche la sorella di
Edgar nel romanzo, invece che la sua pupilla come nel film. È stato
chiarito che questo adattamento di Cime
Tempestose non è affatto fedele al materiale originale, e
Fennell esplora una diversa iterazione di Isabella e di come
affronta il suo matrimonio con Heathcliff. La storia è sempre molto
cupa e prende molte svolte selvagge prima di giungere alla
fine.
Mettere tra virgolette il titolo
“Cime
Tempestose” non è un vezzo grafico, ma una
dichiarazione di poetica. Emerald Fennell sembra
dirci fin dall’inizio che ciò che stiamo per vedere non è
Wuthering Heights, bensì un oggetto cinematografico
autonomo, liberamente – anzi liberissimamente – ispirato al romanzo
di Emily Brontë. Un’operazione che non mira alla
fedeltà, né alla riscrittura filologica, ma a una trasformazione
radicale: prendere una delle storie più oscure, violente e
moralmente disturbanti della letteratura ottocentesca e renderla
tollerabile, seducente, glamour. In una parola:
consumabile.
Il risultato è un melodramma
romantico lucidissimo, furbo, levigato fino a diventare una
superficie riflettente in cui lo spettatore può specchiarsi senza
mai ferirsi davvero.
Un adattamento che cancella il
buio per salvare la passione
Il romanzo di Brontë è un
racconto di vendetta nera, fantasmi, ossessione e distruzione
morale. È una storia che non cerca empatia ma vertigine,
che mette il lettore davanti a personaggi sgradevoli, crudeli,
incapaci di redenzione. Tutto questo, nel film di Fennell, viene
sistematicamente eliminato o pesantemente modificato.
Cortesia Warner Bros Discovery
Restano Cathy e Heathcliff. Tutto
il resto – la coralità, le generazioni, la brutalità sociale,
l’odio che si trasmette come una malattia – viene sacrificato per
costruire una narrazione binaria, centrata esclusivamente sul
legame sentimentale tra i due protagonisti. Il conflitto non è più
etico o sociale, ma emotivo. Non c’è più vendetta, ma frustrazione
amorosa. Non c’è più orrore, ma sofferenza romantica.
In questa scelta si rivela l’anima
dell’operazione: “Cime
Tempestose” diventa un romanzo Harmony travestito da cinema
d’autore, una storia che banalizza il materiale originale
proprio per renderlo accettabile a un pubblico contemporaneo che
vuole emozionarsi senza essere messo realmente in crisi.
Un non-tempo storico tra
postmodernità e ricerca etetica
Uno degli aspetti più interessanti
del film è la sua collocazione temporale. Fennell rifiuta qualsiasi
classificazione storica precisa e costruisce un non-tempo
cinematografico in cui elementi antichi e futuristici
convivono senza attrito. I costumi di Jacqueline Durran citano
l’Ottocento ma lo stilizzano; i dialoghi suonano arcaici ma hanno
una musicalità moderna; i corpi degli attori sono contemporanei,
liberi, quasi anacronistici.
È un lavoro profondamente
postmoderno, che però non rinuncia a una forma di ricerca
filologica: non tanto sul testo, quanto sull’immaginario.
“Cime Tempestose” non è
ambientato in un’epoca, ma in un’idea di romanticismo eterno,
slegato dalla storia e quindi perfetto per essere consumato come
mito. Questa sospensione temporale è anche il modo con cui Fennell
neutralizza il peso politico e sociale dell’opera originale,
trasformandola in una favola passionale fuori dal mondo.
Cortesia Warner Bros Discovery
Jacob Elordi e Margot Robbie:
bellezza come dispositivo narrativo
Se il film regge, lo fa soprattutto
grazie ai suoi interpreti. Jacob Elordie
Margot Robbie sono due corpi cinematografici
potentissimi, e Fennell lo sa benissimo. La macchina da presa li
ama, li contempla, li esibisce. Heathcliff e Cathy non sono più
personaggi disturbanti, ma icone romantiche, quasi
modelli su una passerella emotiva.
Elordi costruisce un Heathcliff
tormentato ma mai realmente inquietante, più fragile che feroce,
più ferito che vendicativo. Robbie, dal canto suo, offre una Cathy
magnetica, volitiva, ma sempre leggibile, sempre empatica,
leggermente bisbetica. La loro chimica è indiscutibile, e diventa
il vero motore emotivo del film. È un cinema che usa la
bellezza come anestetico: tutto è dolore, ma un dolore elegante,
fotogenico, pronto per essere condiviso emotivamente senza lasciare
cicatrici.
Regia, estetica e colonna sonora:
un melodramma consapevole
Emerald Fennell
dirige con una sicurezza impressionante. Ogni inquadratura è
pensata, ogni scelta estetica è coerente con l’idea di fondo. La
fotografia di Linus Sandgren avvolge il racconto
in una luce che oscilla tra il pittorico e il patinato, tenendo
sempre a mente che in scena deve sempre esserci qualcosa di rosso,
che sia un nastro, un abito, o anche il colore del fiume, non
importa che non sia realistico. Mentre la scenografia di
Suzie Davies costruisce spazi che sembrano più
stati d’animo che luoghi reali.
La colonna sonora, che include
canzoni originali di Charli XCX, è forse
l’elemento più esplicitamente contemporaneo: un ponte diretto verso
il pubblico giovane, verso un immaginario pop che dialoga
apertamente con il melodramma classico. È una scelta audace ma
perfettamente in linea con l’idea di “Cime
Tempestose” come oggetto ibrido, sospeso tra alto e
basso, tra cinema d’autore e prodotto mainstream.
Cortesia Warner Bros Discovery
Cinema “tra amiche”: un film che
sa esattamente a chi parla
In definitiva, “Cime
Tempestose” è una passerella glamour perfetta per un cinema da
visione condivisa, un film pensato per far piangere e
sospirare. Non è per tutti i gusti, e non vuole esserlo. Non cerca
la complessità morale del romanzo, né la sua violenza simbolica.
Cerca invece un pubblico preciso, un’estetica riconoscibile, una
risposta emotiva immediata.
Il fatto che il titolo venga
presentato tra virgolette non è casuale: è il modo più onesto per
dichiarare la distanza dall’originale e, allo stesso tempo,
rivendicare la legittimità di un’interpretazione che non vuole
essere fedele, ma efficace.
Da Warner Bros. Pictures e dalla
regista premio Oscar Emerald Fennell, “Cime
Tempestose” arriva nelle sale italiane il 12 febbraio 2026
come manifesto di una volontà di cinema estremamente chiara:
trasformare l’oscurità in melodramma, la crudeltà in
glamour, la letteratura in emozione condivisa. Una scelta
discutibile, ma indubbiamente coerente.
Il personale del Brontë
Parsonage Museum, con sede nella vera casa della famiglia
Brontë a Howarth, ha assistito giovedì alla proiezione di “Cime
Tempestose” di Emerald Fennell,
organizzata dalla Warner Bros. Nonostante le controverse modifiche
apportate al film rispetto al romanzo – tra cui la rappresentazione
di Heathcliff come un uomo bianco e la presenza di elementi più
apertamente sessuali – l’accoglienza è stata ampiamente
positiva.
“Non siamo stati coinvolti
nella realizzazione del film”, ha dichiarato Rebecca
Yorke (tramite The Guardian), direttrice del
museo e della Brontë Society, “ma Emerald Fennell è stata
ospite del nostro festival di scrittura femminile Brontë a
settembre, dove ha parlato con eloquenza di Cime Tempestose e della sua personale
opinione. Qualsiasi nuova interpretazione probabilmente piacerà più
a un pubblico che a un altro e susciterà un acceso
dibattito.”
“Ad alcuni potrebbero non
piacere [i cambiamenti]”, ha detto Sue, del reparto di
apprendimento, “ma è un film emozionante da guardare di per
sé”, mentre Diane, responsabile della divulgazione, ha
commentato: “È fedele? No. È per i puristi? No. È una
divertente rivisitazione del romanzo? Sì!”. Il Guardian
riporta anche le speranze dello staff che il film incoraggi le
persone a leggere il libro, il che significa che saranno esposte ai
diversi temi del materiale originale.
In un’intervista con ScreenRant,
Emerald Fennell ha spiegato
perché diversi personaggi sono stati tagliati da “Cime
Tempestose”, dicendo: “Cathy e Heathcliff, credo
che quelli di noi che amano il libro, pensino che sia questo il
punto”. In linea con ciò, Ruth, coordinatrice dell’esperienza
dei visitatori del Brontë Museum, ha affermato che il film dimostra
“alcune verità essenziali sul libro e sul rapporto tra
Heathcliff e Cathy”.
Anche Mia, responsabile del
coinvolgimento digitale, ha commentato: “Sembra davvero un
incubo”. Inoltre, la più recente biografa di Brontë, la
Dott.ssa Claire O’Callaghan, ha assistito alla
prima proiezione pubblica del film a Leeds venerdì e lo ha elogiato
come “davvero rinfrescante” perché “non c’è alcun
tentativo di fedeltà all’originale. Se fosse più un dramma d’epoca,
la gente potrebbe rimanerne più turbata. Ma questo è così lontano
da quello, ed è così esagerato“.
“Interpretazioni brillanti. C’è
molto divertimento, così come intensità e tragedia“, ha detto
anche O’Callaghan. Naturalmente, non tutti coloro che hanno
recensito il film la pensano allo stesso modo. I critici sono
divisi sulla chimica tra Margot Robbie e Jacob Elordi e sulle loro
interpretazioni rispettivamente di Cathy e Heathcliff, così come
sui temi che l’adattamento sceglie di affrontare.
La casa in cui Emily, Charlotte e
Anne Brontë scrissero i loro famosi romanzi – e dove Emily morì
all’età di 30 anni nel 1848, un anno dopo aver pubblicato Cime
tempestose – fu acquistata da Sir James Roberts nel 1928 e donata
alla Brontë Society. Le reazioni positive dello staff e degli
esperti delle Brontë Society potrebbero sorprendere, visto quanto
Fennell si allontana dal materiale originale, ma stanno apprezzando
il film tanto quanto sembra già fare il pubblico.
A
distanza di 27 anni dall’uscita di Batman &
Robin, George
Clooney è tornato a commentare uno degli
elementi più discussi — e derisi — della sua unica interpretazione
del Cavaliere Oscuro: il celebre Batsuit con i capezzoli.
Durante un’intervista con Variety,
realizzata nell’ambito di un gioco in cui l’attore doveva
riconoscere battute tratte dai suoi film, Clooney ha identificato
correttamente la frase «This is why Superman works alone» come
appartenente proprio a Batman &
Robin. Da lì, il racconto si è trasformato in un ironico tuffo
nel passato.
Con
tono scherzoso, Clooney ha dichiarato: «Io ero il
miglior Batman, e lo sai tu e lo so io. E non voglio sentire altre
stron*ate».
Un costume scomodo e un set tutt’altro che semplice
L’attenzione si è poi spostata sul costume, diventato negli anni un
simbolo degli eccessi del film diretto da Joel
Schumacher. «Batman ha i capezzoli, amico»,
ha detto Clooney ridendo, aggiungendo una battuta surreale sul
rapporto tra Bruce Wayne e i pipistrelli.
Al di là dell’ironia, l’attore ha ricordato quanto l’esperienza sul
set fosse fisicamente complicata. Il Batsuit, rigido e pesante,
limitava drasticamente i movimenti, rendendo le riprese
particolarmente faticose. Clooney ha raccontato di essere spesso
immobilizzato su una tavola mentre Schumacher impartiva indicazioni
tramite un microfono, per poi essere sollevato solo per pronunciare
la battuta «I’m Batman» e immediatamente rimesso giù.
Batman & Robin, che
vedeva nel cast anche Chris
O’Donnell, Arnold
Schwarzenegger, Uma
Thurman e Alicia
Silverstone, è stato duramente stroncato
dalla critica e resta una delle versioni più divisive del
personaggio.
Perché il Batsuit aveva i capezzoli (e perché non li ha più
avuti)
La scelta estetica del costume non nacque con Clooney. I capezzoli
apparvero per la prima volta nel Batsuit di Val Kilmer in Batman Forever (1995), sempre sotto
la regia di Schumacher, ma furono resi ancora più evidenti nel film
del 1997.
Il regista attribuì la decisione al costume designer
Jose
Fernandez, che in passato spiegò come l’idea
fosse ispirata alle armature dell’antica Roma, in particolare a quelle
dei centurioni, e a una visione fortemente anatomica dei personaggi
dei fumetti. Una scelta che, all’epoca, non sembrava destinata a
diventare oggetto di scherno duraturo.
Negli anni successivi, tuttavia, nessuna incarnazione
cinematografica di Batman ha ripreso quell’elemento: dai film con
Christian Bale e
Ben
Affleck, fino alla versione di
Robert Pattinson, il
costume è tornato a un design più sobrio e realistico.
Clooney è riapparso brevemente come Bruce Wayne in The
Flash (2023), ma senza indossare il costume. E tutto
lascia pensare che l’era dei capezzoli sul Batsuit si sia
definitivamente chiusa con Batman & Robin.
Il futuro del personaggio proseguirà con The Batman – Part
II di Matt Reeves, atteso per il 2027, e
con The Brave and the Bold, progetto
ambientato nel nuovo DCU di James
Gunn. Due visioni molto diverse tra
loro, ma entrambe lontane dagli eccessi estetici degli anni
Novanta.
Arriva dal New York
Times una confessione shock della figliastra
Dylan di Woody Allen che lo
accusa di violenza sessuale. Oggi la 27enne Dylan
Farrow, figlia di Mia Farrow racconta ciò
che le è accaduto in una lettera aperta al sito del noto
giornale:
«Quando avevo 7 anni il mio
patrigno, Woody Allen, mi prese per mano, mi portò in un stanza, mi
disse di stendermi e di giocare con il trenino di mio
fratello. Poi mi abusò sessualmente di me, sussurandomi che
ero una brava ragazza, che era il nostro segreto, promettendomi che
sarei andata con lui a Parigi e sarei stata una star nei suoi
film».
L’accaduto non è nuovo, dato che
simili accuse vennero mosse durante la causa di divorzio tra il
regista e l’attrice nel 1993.
Verso il 1980, Allen iniziò
una lunga relazione, durata oltre dodici anni, con
l’attrice Mia Farrow, la quale, come Louise
Lasser prima e Diane Keaton poi, avrà da quel
momento i ruoli da protagonista in diversi suoi film, come ad
esempio in Una commedia sexy in una notte di mezza
estate (1982). La Farrow ed Allen non si sposarono né
convissero mai per lunghi periodi. La Farrow adottò altri due
bambini, Dylan Farrow (che ha poi cambiato il suo nome in “Eliza” e
successivamente in “Malone”) e Moses “Misha” Farrow, il quale
chiese esplicitamente ad Allen di adottarlo. Ebbero un figlio
biologico, Satchel Ronan O’Sullivan Farrow Allen (noto poi come
Seamus Ronan O’Sullivan Farrow e poi come Ronan Farrow).
Secondo dichiarazioni della Farrow, in realtà Ronan potrebbe non
essere figlio naturale di Allen (come lei aveva precedentemente
dichiarato), ma dell’ex marito dell’attrice, Frank Sinatra,
con cui non ha mai smesso di frequentarsi nei successivi vent’anni
dopo il loro divorzio.
Allen non adotterà nessuno degli
altri figli della Farrow e del suo ex-marito André Previn,
compresa l’orfana coreana Soon-Yi Farrow Previn. Allen e
la Farrow si separano nel 1992, dopo che l’attrice scoprì
alcune fotografie di Soon-Yi nuda scattate dal compagno nel mese di
gennaio e dopo la successiva ammissione di Allen della relazione
con la figliastra, iniziata un mese prima della scoperta.[51] Inizialmente Allen tentò di ricucire
il rapporto, ma alla fine fu costretto ad andarsene di casa con
Soon-Yi. Con la separazione, iniziò una lunga e pubblica battaglia
legale tra Allen e la Farrow per la custodia dei figli.
Durante il processo, la Farrow
accusò l’ex compagno di abusi sessuali sulla figlia adottiva Dylan,
di sette anni.Il giudice concluse che le accuse erano prive di
fondamento e la vertenza non giunge mai in tribunale. Allen non
venne indagato, ma il giudice definì comunque “inappropriata” la
sua condotta. I periti medici e psicologici dichiararono
nel 1993 che non è mai esistito alcun abuso da parte di
Allen, che le accuse erano “frutto di fantasia”, anche se entrambi
i genitori vennero definiti “psicologicamente instabili” e
“inadeguati” … (fonte Wikipedia)
Tron:
Ares ci riporterà sulla Griglia per la prima volta da
Tron: Legacy del 2010, ma il terzo
capitolo sembra destinato a presentare un solo volto noto del
franchise che ha esordito nel 1982.
Stiamo parlando, ovviamente, di
Jeff Bridges nei panni del ritorno di
Kevin Flynn (fortunatamente, questa volta non sarà ringiovanito).
Sembra che non ci sia spazio nel film per Sam Flynn di
Garrett Hedlund, Quorra di
Olivia Wilde o Dillinger Jr. di
Cillian Murphy, uno sviluppo
deludente per i fan che speravano che questo film fungesse da
sequel di Legacy.
Il regista Joachim Rønning
e il produttore Justin Springer hanno condiviso le
loro opinioni a riguardo durante un’intervista con GamesRadar+
(tramite SFFGazette.com), con il primo che ha spiegato: “Queste
non sono solo scelte creative; a volte gli attori non vogliono più
farne parte”. Ha aggiunto: “Ci sono diversi modi di vedere
la cosa, ma credo che la storia sia arrivata a un punto in cui
sentivamo di non aver bisogno che i vecchi personaggi fossero al
centro dell’attenzione. Volevamo dare una nuova direzione, onorando
allo stesso tempo l’universo in cui ci troviamo”.
L’opinione di Springer era che la
priorità di Tron:
Ares fosse quella di presentarci una serie di nuovi
personaggi, a partire da Jared Leto nei panni di Ares. “Stiamo
raccontando una storia ambientata 14 anni dopo, e la cosa più
importante è raccontare questa nuova storia in un modo che
funzioni.”
“Inserire solo dei cameo, una
sfilza di personaggi che amiamo di questo franchise, mi sembra un
fan service che non serve alla storia. Ma siamo decisamente
concentrati su come sorprendere il pubblico.
“Se non tocchiamo qualcosa in
questo film, penso sempre a dove altro potremmo giocare. Ho
prodotto la serie animata [Tron: Uprising] e ho lavorato alle
giostre del parco a tema”, ha continuato. “Ci sono molti
modi diversi per mantenere viva la mitologia, che si tratti di un
film, di una serie o di qualsiasi altra cosa, se siamo così
fortunati.”
Mentre molti fan rimarranno delusi
dalla mancanza di cameo (e dal fatto che non si tratti di un
seguito diretto di Tron: Legacy), sono passati
quindici anni dall’uscita dell’ultimo film, e non è che abbia avuto
un grande successo all’epoca. Resta da vedere se il film avrà
un successo maggiore.
Il
film rappresenta una svolta importante per la saga, introducendo
per la prima volta una narrazione che si estende oltre il confine
digitale, con Ares che entra nel mondo reale. Questo cambio di
prospettiva permette alla saga di esplorare nuove tematiche legate
al rapporto tra intelligenza artificiale e società, con toni che
sembrano più cupi e riflessivi rispetto ai precedenti capitoli.
Le riprese di
Tron: Ares si sono concluse nella primavera del
2024 a Vancouver, dopo numerosi ritardi legati prima allo sviluppo
e poi agli scioperi dell’industria hollywoodiana. La produzione è
stata supportata da tecnologie all’avanguardia per effetti visivi e
scenografie digitali, promettendo un’esperienza visiva innovativa.
La speranza dei fan è che questo nuovo capitolo possa rilanciare
definitivamente il franchise, rimasto dormiente dal 2010, anno di
uscita di Tron:
Legacy.
I creatori di fumetti hanno da
tempo difficoltà a ricevere royalties per i media e il
merchandising basati sui personaggi che hanno creato. Di recente,
sembrava che fosse emerso un nuovo caso quando è circolata
un’intervista realizzata dall’outlet brasiliano Jamesons con
Sara Pichelli — co-creatrice di Miles Morales
insieme a Brian Michael Bendis — durante il CCXP.
L’artista aveva dichiarato di non aver ricevuto alcun compenso per
il successo cinematografico e videoludico di Miles.
Ora, però, la creatrice è
intervenuta sui social media per chiarire le sue dichiarazioni.
Secondo Pichelli, la sua conversazione con Jamesons era stata
“rilassata” e “ironica”, e non intendeva essere percepita come un
lamento o come un suo essere “arrabbiata”. La dichiarazione completa dell’artista è la
seguente:
«È giunta alla mia attenzione
una notizia con un titolo su di me che diceva qualcosa riguardo
alle royalties di Miles, scritta dopo un’intervista qui al CCXP.
Volevo lasciar perdere, ma visto che molti di voi mi stanno
scrivendo, voglio chiarire le cose. Quel titolo è un imbarazzante
titolo acchiappaclick. Chi l’ha scritto ha completamente distorto
il tono della nostra conversazione, che era rilassata e ironica, e
inoltre quella era una piccolissima parte della nostra
conversazione, in cui non stavo né lamentandomi né arrabbiandomi,
stavo solo dicendo poche righe sull’industria del settore.
So che royalties e copyright
sono un tema caldo, ma per favore non usate me o il mio lavoro per
prendere posizione o dire str—ate. Non ve lo permetto. Inoltre,
quando un creatore rilascia un’intervista durante una fiera (e il
CCXP era incredibilmente impegnativo), è generoso e gentile: per
favore non approfittate di questo per creare contenuti discutibili
solo per ottenere più follower. Si può fare meglio, siate
migliori.»
L’outlet ha risposto al chiarimento
di Pichelli con una dichiarazione su X. Jamesons ha affermato che
non era sua intenzione rendere sensazionalistica la copertura
dell’intervista, e ha pubblicato un video dell’incontro con
Pichelli — che sembra sia stato condiviso dopo la dichiarazione
dell’artista.
«IL RUOLO DEL
GIORNALISTA
Questo weekend al CCXP, il
nostro caro @nogabeverso ci ha rappresentato nella copertura
dell’evento e nelle interviste esclusive. Una di queste interviste
è diventata virale ieri su varie pagine e portali in Brasile e
all’estero. Sara Pichelli, l’artista co-creatrice di Miles Morales,
ha fatto una chiacchierata super informale con Gabe su temi come il
processo creativo di Miles, gli attacchi che il personaggio ha
dovuto affrontare, le origini rom della Scarlet Witch, e i suoi
futuri progetti in Marvel. Abbiamo postato tutte
quelle clip qui sul profilo. […]
Tuttavia, ciò che è diventato
virale in mezzo a tutto questo è stata la clip in cui Gabe chiede a
Sara se riceva qualche compenso per aver creato un personaggio così
popolare e importante, già adattato in vari media multimilionari
come i videogiochi Sony e i film dello Spider-Verse. La risposta di
Sara è stata negativa. Ha scherzato: “Magari! […] Sarei
miliardaria. […] Non ricevo nulla. Ed è la parte più triste della
mia vita.”
Abbiamo pubblicato quella clip
completa qui, con il titolo “(LA MANCANZA DI) DIRITTI DEI
CREATIVI!”, proprio come abbiamo fatto con le altre parti della
conversazione. Sebbene il tema dei ‘diritti degli autori’ generi
spesso polemiche su questo social, non ci aspettavamo la risonanza
che ha avuto, con grandi testate come [Bleeding Cool] che hanno
pubblicato la storia. Sappiamo che quando un’intervista viene
trascritta, intonazioni e contesti possono perdersi. È
comprensibile che frasi come “è la parte più triste della mia vita”
suonino molto più drammatiche nel testo di quanto non fossero in
quel momento, tra le risate. È importante dire che Jamesons non ha
mai cercato di distorcere quella dichiarazione.
Non troverete alcun post in cui
abbiamo usato quella frase fuori contesto o al di fuori
dell’intervista completa. Il nostro portale ha due anime chiare.
Siamo un media composto da giornalisti professionisti e al CCXP
eravamo accreditati come stampa. […] Il ruolo del giornalismo non è
solo intrattenere o celebrare le opere. È anche quello di fare
domande scomode. Sarebbe più comodo mantenere la conversazione
soltanto nel campo dell’ammirazione, ma mettere in discussione le
strutture dell’industria, soprattutto quando coinvolgono cifre
miliardarie e creatori senza royalties, è nostro dovere come
stampa.
Se la risposta a una domanda
legittima porta alla luce una realtà negativa o controversa, questo
non è sensazionalismo; è l’esposizione di un fatto che deve essere
discusso. Ecco perché, anche se il nostro obiettivo iniziale era
solo quello di riportare la chiacchierata informale con la
creatrice, abbiamo anche fatto un sincero appello affinché gli
artisti vengano riconosciuti (e compensati) per i loro lavori.
Dopotutto, le aziende miliardarie traggono profitto dal loro
lavoro. Confermiamo quella opinione e quella battaglia. Infine,
vogliamo ringraziare ancora Sara per aver concesso l’intervista,
che è stata divertente e illuminante. Potete vederla qui sotto,
senza alcuna “distorsione”.»
Prima della dichiarazione di
Pichelli, Jamesons aveva anche pubblicato il seguente messaggio su
X:
«PAGATE I CREATIVI! Ieri
abbiamo postato un estratto dell’intervista con Sara Pichelli,
l’artista co-creatrice di Miles Morales, in cui rivelava di non
ricevere nulla per l’enorme successo dell’eroe. E le abbiamo detto:
è ora di trasformare questa indignazione in campagna politica, in
un vero movimento online. I creatori hanno bisogno di un giusto
riconoscimento economico per le loro opere. Ore dopo, l’intervista
è esplosa in tutto il mondo. Le più grandi pagine di cultura pop a
livello globale l’hanno rilanciata. Artisti di fumetti hanno
parlato in suo supporto. Portali nazionali e internazionali hanno
amplificato la sua dichiarazione.
Milioni di persone sono state
raggiunte, e la stragrande maggioranza, giustamente, si è
indignata. La campagna è lanciata. Sta già funzionando. Abbiamo
diffuso il messaggio. Ora dobbiamo andare avanti. Ma prima è
essenziale capire: Sara non è un caso isolato. È solo una in mezzo
a tanti artisti sfruttati. Questo non è un problema limitato alla
Marvel. È un problema strutturale e diffuso. Nel caso di Sara
Pichelli, è un problema più con Sony, che ha realizzato il film
dello Spider-Verse e il gioco di Miles. Ma Marvel e DC hanno molti
casi di artisti non compensati come dovrebbero. La famiglia di Jack
Kirby, che ha creato l’Universo Marvel come lo conosciamo insieme a
Stan Lee, ha dovuto lottare in tribunale per ottenere un
risarcimento multimilionario per il suo lavoro, arrivato solo dopo
la sua morte.
Sul fronte DC, è accaduta la
stessa cosa con la famiglia del creatore di Superman. E non possiamo
dimenticare Peter David, che ci ha lasciato nel 2025 dopo anni a
letto, costretto a organizzare raccolte fondi online per pagare le
spese mediche, mentre le sue storie hanno ispirato franchise da
miliardi come Hulk e Aquaman. Questo mostra chiaramente la
situazione in cui viviamo: non esiste un’azienda benevola. Sono
tutte macchine che stritolano gli artisti, ingranaggi di un
capitalismo che trasforma la creatività in profitto senza un equo
ritorno per chi crea. Per questo dobbiamo: Valorizzare gli
artisti.
Pretendere dalle
megacorporazioni. Esigere giustizia. Marvel, DC, Sony e tutti gli
studios devono riconoscere economicamente coloro che hanno dato
vita alle opere che oggi generano miliardi. Il ciclo attuale è il
seguente: l’artista crea in condizioni precarie da freelancer,
riceve un pagamento comune, e anni dopo vede il proprio lavoro
trasformarsi in un impero multimilionario, mentre gli esecutivi si
arricchiscono senza una goccia di sudore. Nulla, o quasi nulla, una
miseria, torna agli artisti creatori. Questo non è
giusto.»
’71
racconta della Belfast dei primi anni Settanta, una vera e propria
zona di guerra, in cui l’esercito inglese cercava di sedare con
l’utilizzo della forza le rivolte dall’IRA. Ma le divisioni non
erano solo tra cattolici e protestanti, tra IRA ed esercito
britannico: l’IRA era frazionata, così come lo erano i protestanti.
A questo si aggiungevano ovviamente le bande di strada, spesso
composte da militanti poco più che adolescenti.
È in questo contesto
che ’71vede lo
straordinario Jack O’Connell nei panni
del soldato Gary Hook, una recluta missing in
action durante un’operazione militare nella zona più
calda della città. Inizia così per lui la lotta per la
sopravvivenza nel corso di una notte che sembra non voler finire
mai.
Jack O’Connell
Diretto da Yann
Demange, regista francese trapiantato in Inghilterra, il
film presenta uno dei cliché più funzionali per ogni war-movie che
si rispetti: il soldato semplice gettato nella mischia senza
un’adeguata preparazione. L’Odissea notturna di O’Connell,
le sue fughe e i suoi scontri sono ben girati e risultano
avvincenti, ma il pubblico fatica a seguire una trama in cui
trovano collocazione decine di personaggi dediti a un doppio gioco
continuo e alla rivendicazione di un proprio, grottesco, diritto di
sovranità.
Ma ogni volta che il film si
concentra sul soldato Gary, O’Connell fa rimanere
incollati allo schermo. La capacità dell’attore di esprimere
tranquillamente tutta una serie di emozioni con il linguaggio del
corpo e con lo sguardo, è sconcertante – soprattutto perché, per
gran parte del film, zoppica ed è coperto di sangue.
Uno dei difetti del film di
Demange è rintracciabile nella poca chiarezza che
circonda la lettura del movimento armato irlandese, piuttosto
basica e fin troppo semplificata, anche se la ricostruzione d’epoca
è accurata e ruvidissima, anche grazie alla fotografia
di Tat Radcliffe.
Attraverso la furia dei movimenti di
macchina e l’attenzione ai dettagli e ai piccoli movimenti di
massa, il regista ricerca il grido disperato di una terra senza più
alcuna possibilità di redenzione.
’71 non prende una posizione netta
in materia bellica, ma Demange stende un
apologo contro ogni assurda guerra che travalica lo specifico della
questione irlandese.
Il regista condanna chiunque, da
qualsiasi parte di quelle barricate si trovino i coinvolti, e in
generale mostra l’assurdità della violenza, la totale mostruosità
della guerra, tracciando le linee di una storia senza dei e senza
eroi, in cui solo il sangue può lavare via l’odore del sangue.
Box office completamente stravolto
anche questa settimana negli Stati Uniti, grazie soprattutto alle
nuove entrate che subito scalano la classifica, rubando la vetta al
film di Ben
Affleck – ‘The Town’ – sceso in terza
posizione. A soffiare il posto all’attore/regista 38enne ci
pensa Oliver Stone con il ritorno di ‘Wall
Street’ a ventitrè anni di distanza dal primo
episodio.
‘Wall Street 2: Il
denaro non dorme mai’ guadagna 19 milioni di dollari su un totale
di 5.100 sale a disposizione (in 3.565 località): una cifra che
conferma l’amore degli americani per il genere e per il primo film,
ma che si rivela abbastanza deludente in relazione alla campagna
promozionale portata avanti dalla Fox, che si aspettava – forse –
qualcosa in più. Seconda posizione per il nuovo cartone
animato in 3D della Warner Bros, ‘Il Regno di Ga’ Hoole –
La leggenda dei guardiani’, altro nuovo ingresso, che
guadagna nel week end 16,3 milioni di dollari. Prevedibilmente, il
nuovo cartone vince la battaglia contro ‘Alpha &
Omega’ della Lionsgate, ma anche per ‘Il Regno di
Ga’Hoole’ bisogna ammettere un debutto ‘tiepido’, nonostante gli
occhialetti che spesso alzano l’incasso (considerando soprattutto
il record della distribuzione in 3D in ben 2.479
località).
Terza posizione – come già
accennato – per ‘The Town’: nel week end la
pellicola di Ben Affleck incassa 15,6 milioni di
dollari, arrivando ad un totale di 48,7 milioni in dieci giorni.
Tutto sommato, Ben Affleck non si può lamentare! Resiste in quarta
posizione ‘Easy A’, la teen comedy che guadagna,
nel fine settimana, 10.6 milioni di dollari. La commedia piace al
pubblico, ma non così tanto quanto ci si aspettava. Nel complesso,
tuttavia, il film con Emma
Stone guadagna 32,8 milioni di dollari: un incasso buono,
soprattutto considerando la concorrenza.
Quinta posizione per l’ultima new
entry della settimana: ‘You Again’, commedia con
Kristen Bell come protagonista (ma soprattutto con
Jamie Lee Curtis e Sigourney Weaver), guadagna 8,3 milioni di
dollari. Anche questa volta, bisogna parlare di una cifra al di
sotto delle aspettative, ma la quinta posizione non è di certo un
flop per la Buena Vista.
Sesta posizione per
‘Devil’ (6,6 milioni di dollari), seguito da
‘Resident Evil: Afterlife’ (4,9 milioni).
Precipita invece in ottava posizione il cartoon ‘Alpha & Omega’,
che guadagna 4,7 milioni di dollari per un totale non entusiasmante
di circa 15 milioni in dieci giorni. Chiudono la top ten gli
‘irriducibili’ ‘Takers’ (1,6 milioni e
‘,Inception’ (1,2 milioni), giunto
finalmente anche nelle nostre sale. Il prossimo weekend debutterà
sugli schermi statunitensi l’attesissimo ‘The Social Network’:
‘Wall Street’ dovrà cedere il trono o riuscirà a
sorprenderci?
Per le sale cinematografiche
statunitensi, il weekend appena trascorso è stato pieno di novità e
attesissime anteprime. Per questo motivo, ci si aspettava una vera
e propria lotta al botteghino, anche se nessuno si immaginava che
ad avere la meglio, alla fine, sarebbe stato ‘The
Town’ di Ben
Affleck.
E invece, con grande sorpresa di
tutti, il giovane attore e regista conquista il Box Office,
guadagnando circa 23,8 milioni di dollari nel weekend del proprio
debutto, con una distribuzione in circa 3.500 sale. Ben Affleck,
contro ogni aspettativa, ha dunque sbaragliato la concorrenza,
superando in un solo fine settimana l’incasso complessivo della sua
precedente esperienza di regista in ‘Gone Baby Gone’. Merito
sicuramente anche della Warner Bros, la cui campagna di promozione
della pellicola è stata piuttosto intensa, sia in televisione che
in occasione di vari eventi (tra cui il nostro Festival di
Venezia). Un successo di pubblico e di critica per Ben Affleck, che
si conferma così non solo attore, ma anche ottimo regista e
sceneggiatore (come l’Oscar per la sceneggiatura di ‘Will Hunting’
nel 1997, del resto, ci aveva fatto giustamente presupporre).
Secondo posto per ‘Easy A’, la commedia con
Emma
Stone che offre una creativa rivisitazione moderna del romanzo
‘La Lettera Scarlatta’. Anche per ‘Easy A’ questo era il weekend
del debutto e la pellicola è riuscita a guadagnare 18,2 milioni di
dollari: anche se il risultato finisce per passare inosservato di
fronte al successo del film di Ben Affleck, non si può negare che
la commedia superi certamente tutte le aspettative, diventando una
delle ‘teen-comedy’ col guadagno più alto di sempre nel weekend del
debutto.
Grande delusione, invece, per il
nuovo film scritto e prodotto da M. Night Shyamalan,
‘Devil’, che incassa solo 12,6 milioni di dollari.
È il guadagno più basso di sempre per un film di Shyamalan, oltre
ad essere un risultato non esaltante per un film horror, dal quale
ci si aspettava qualcosa di più. Nessun problema a rientrare nei
costi di produzione (che comprendono 27 milioni spesi per ottenere
i diritti dalla Media Rights Capital), soprattutto perché a livello
mondiale il film dovrebbe comunque registrare alti incassi, ma
negli USA il debutto è stato indubbiamente sottotono.
Scende al quarto posto perdendo la
vetta della classifica ‘Resident Evil –
Afterlife’, che guadagna comunque 10,1 milioni di dollari,
arrivando ad un totale di 44 milioni di dollari incassati in due
settimane negli Stati Uniti e a circa 100 milioni nel resto del
mondo. Sebbene rispetto allo scorso weekend il film con Milla Jovovich mostri un calo del 62%,
‘Afterlife’ continua ad essere – fuori dagli USA – il maggior
successo della saga ispirata al celebre videogioco.
Ultima new entry in classifica è
‘Alpha & Omega’, che mostra un debutto piuttosto
tiepido: quinta posizione e 9,2 milioni di dollari incassati per il
cartone in 3D prodotto dalla Crest Animation Productions e
distribuito dalla Lionsgate. Difficile che il cartone animato scali
la classifica, considerando le anteprime previste per la prossima
settimana (tra cui Il ‘Regno di Ga’Hoole – La Leggenda dei
Guardiani’).
Resiste in sesta posizione
‘Takers’, che questo weekend ha incassato 3
milioni di dollari, seguito da ‘The American’
(2,76 milioni di dollari), che, con un incasso totale di 32,8
milioni,risulta un po’ sotto le aspettative, soprattutto
considerando la presenza di George Clooney. Scende invece molto lentamente
‘Inception’, che guadagna 2 due milioni di
dollari, mostrando la percentuale più bassa di declino tra tutti i
film già presenti la settimana scorsa in classifica (appena il
28%). ‘Inception’ rientra in questo modo negli
unici tre film dell’anno ad essere rimasti in classifica per 10
settimane (oltre al film di Nolan hanno raggiunto questo risultato
‘Avatar’ e ‘Dragon Trainer’). Chiudono la classifica
‘I poliziotti di riserva’ (2 milioni di dollari) e
‘Machete’ (1,7 milioni di dollari).
Disney+ ha annunciato la docuserie
originale italiana in quattro parti ‘Ndrangheta, World
Wide Mafia. Prodotta da Disney, IBC Movie e Sunset
Press e basata su eventi reali, questo nuovo progetto originale
scritto e diretto da Jacques Charmelot e François Chayé racconta
per la prima volta la storia dell’organizzazione criminale italiana
sotto forma di docuserie. Insieme alla già annunciata serie locale
The Good Mothers, questa nuova produzione italiana offrirà
al pubblico un racconto completo, unico ed esclusivo sul fenomeno
italiano della ‘Ndrangheta.
‘Ndrangheta, World Wide Mafia
quando esce e dove vederla in streaming
‘Ndrangheta, World Wide Mafia uscirà
nel 2022 su Disney+
‘Ndrangheta, World Wide Mafia,
trama e cast
‘Ndrangheta, World Wide
Mafia è una docuserie crime originale composta
da quattro episodi che racconta la storia della guerra portata
avanti dal procuratore della Repubblica di Catanzaro Nicola
Gratteri contro una delle organizzazioni criminali
più potenti al mondo, la ‘Ndrangheta. La
segretissima organizzazione criminale italiana è una delle
principali realtà a livello mondiale nel business della droga e del
riciclaggio di denaro e si è infiltrata ovunque, dall’economia
legale ai circoli politici. La docuserie racconterà anche lo
storico maxi-processo aperto nel gennaio 2021 a Lamezia Terme, in
Calabria, guidato da Gratteri contro più di 350 imputati: un
processo le cui sorti avranno conseguenze anche sul traffico
internazionale della droga.
Con un accesso non comune al lavoro investigativo
condotto da Gratteri, dai suoi collaboratori e dalla sua
squadra di sicurezza, questa docuserie racconta la lotta a tutto
campo che si svolge in una delle regioni più povere d’Europa, la
Calabria, nel sud Italia. Gratteri in questi anni ha ricevuto
molteplici minacce di morte e da più di trent’anni vive sotto
scorta. Durante la serie gli spettatori scopriranno la sua storia
personale e la realtà quotidiana della sua lotta, seguiranno il suo
lavoro di “comandante in capo” di un’indagine che coinvolge servizi
segreti, polizia, unità militari e forze speciali.
Il pubblico avrà modo di conoscere personaggi unici: quelli
dalla parte della giustizia e quelli al servizio dei clan,
contrapposti in uno scontro mortale che condanna la Calabria a una
maledizione senza fine. ‘Ndrangheta, World Wide
Mafia racconterà come una delle regioni più
povere d’Europa abbia visto nascere e crescere un’organizzazione
tentacolare, che ha corrotto la società e le istituzioni e renderà
gli spettatori parte integrante dell’azione reale in un modo unico
e senza precedenti, con riprese suggestive che nessuna troupe
cinematografica ha mai realizzato prima d’ora.
‘Ndrangheta, World Wide
Mafia sarà prodotta da Disney insieme alla
società di produzione italiana IBC Movie e alla società di
produzione francese Sunset Presse. Gli Executive Producer per IBC
sono Francesca Andreoli e Maurizio Feverati. Gli Executive Producer
per Sunset Presse sono Carlos Carvalho Da Silva, Stéphanie de
Montvalon, David Tillier. La docuserie è diretta da Jacques
Charmelot e François Chayé ed è scritta da Jacques Charmelot e
François Chayé insieme a Giovanni Filippetto e Michela Gallio.
Il regista Na
Hong-jin ha confermato che un sequel di
Hope è
già stato scritto e potrebbe entrare in produzione non appena si
presenterà l’occasione giusta. La notizia arriva direttamente dal
Festival di Cannes, dove il film è stato
presentato il 18 maggio 2026, scatenando immediatamente discussioni
per la sua ambizione visiva e narrativa. Il progetto, che mescola
survival drama e fantascienza aliena, è già considerato uno dei
titoli più sorprendenti della stagione festivaliera.
Secondo quanto dichiarato dal
regista durante la conferenza stampa, esisterebbe già una
sceneggiatura pronta per il seguito: “Penso che il sequel sia
facilmente immaginabile. C’è già una sceneggiatura che vorrei
girare, se ne avrò l’opportunità lo realizzerò”, ha spiegato
Na Hong-jin. Il film, prodotto su larga scala, vede nel cast
Michael Fassbender, Alicia Vikander e Taylor Russell,
che interpretano creature aliene in CGI, accanto a star coreane
come Hwang Jung-min e Zo In-sung. Le dichiarazioni
arrivano da Cannes, riportate da Variety, dove il cast ha
anche raccontato il proprio coinvolgimento nel progetto.
Sul piano industriale, la conferma
di un sequel già scritto segnala una strategia precisa:
“Hope” non è concepito come film isolato ma come potenziale
franchise internazionale. In un panorama in cui la
fantascienza originale fatica a imporsi fuori dai grandi brand
consolidati, l’idea di un universo narrativo guidato da un autore
come Na Hong-jin rappresenta un’eccezione significativa e
potenzialmente di rottura.
Un universo alieno tra cinema
d’autore coreano e star system hollywoodiano
Il cuore di Hope
sta proprio nella sua natura ibrida: da un lato l’estetica e la
tensione tipiche del cinema coreano contemporaneo, dall’altro la
presenza di star hollywoodiane inserite in un contesto narrativo
completamente alieno. Alicia Vikander ha raccontato di essersi
avvicinata al progetto dopo aver scoperto il cinema asiatico ai
festival internazionali, mentre Michael Fassbender ha ironizzato
sul fatto di aver accettato il ruolo anche grazie alla moglie.
Taylor Russell, invece, ha sottolineato il desiderio di lavorare in
produzioni internazionali guidate da autori forti.
Questa convergenza tra industria
coreana e star system occidentale suggerisce una direzione chiara:
la progressiva dissoluzione dei confini produttivi tradizionali. Na
Hong-jin, già noto per il suo cinema teso e ipnotico, sembra qui
tentare un salto ulteriore, costruendo un’opera che non si limita a
“ospitare” attori internazionali, ma li integra in una mitologia
completamente nuova.
La presenza di un sequel già
scritto rafforza l’idea che “Hope” non sia soltanto un esperimento
isolato, ma l’inizio di un progetto narrativo più ampio. Se
confermato, il seguito potrebbe consolidare una delle operazioni
più ambiziose mai tentate nel cinema di genere recente.
Una brughiera
reinventata
![“[Non] usate me o il mio lavoro per prendere posizione”: Sara Pichelli chiarisce i commenti sulle royalty di Miles Morales](https://www.cinefilos.it/wp-content/uploads/2023/06/miles-morales-breaking-canon-event-in-across-the-spider-verse-1.jpg "“[Non] usate me o il mio lavoro per prendere posizione”: Sara Pichelli chiarisce i commenti sulle royalty di Miles Morales")
