Ora che Se solo Potessi ti prenderei a calci è disponibile in sala, si può finalmente andare in sala per ammirare l’incredibile performance di Rose Byrne che potrebbe valerle il suo primo Oscar.

Scritto e diretto da Mary Bronstein (nota in precedenza per la commedia indipendente del 2008 Yeast), il film ha come protagonista Byrne nei panni di una madre che si prende cura da sola della figlia malata, perdendo progressivamente la ragione. Tra gli altri interpreti ci sono Conan O’Brien nel ruolo del terapeuta di Linda, e A$AP Rocky come ospite del motel in cui Linda soggiorna. Se solo Potessi ti prenderei a calci è un sogno febbrile e stiloso sulla tensione materna. Il film ha ricevuto recensioni entusiastiche, ma non ha ancora ottenuto tutti i riconoscimenti attesi. Fortunatamente, Byrne è stata nominata come Miglior Attrice agli Oscar 2026, e lo merita pienamente.

Molti spettatori potrebbero trovarlo astratto o esistenziale in alcune parti. Se vi siete persi qualcosa, non preoccupatevi: ecco un’analisi della trama e del finale, e il significato del film.

Trama di Se solo Potessi ti prenderei a calci

Linda (Rose Byrne) è una madre stressata che si prende cura della figlia gravemente malata, collegata a un sondino alimentare. Non viene mai mostrato il volto della bambina, ma solo la sua voce fuori campo. Sappiamo però che deve raggiungere un certo peso per poter essere staccata dal sondino. Linda disperatamente cerca di farlo per tornare a una vita normale, ma la figlia è estremamente schizzinosa con il cibo.

Il marito di Linda, Charles (Christian Slater), capitano di nave, è in viaggio di lavoro di otto settimane, lasciando Linda da sola con la figlia malata e il suo lavoro a tempo pieno come terapeuta. Per peggiorare le cose, il soffitto della loro casa cede a causa di una perdita, costringendo madre e figlia a trasferirsi in un motel fatiscente. Ora Linda condivide la stanza con la figlia e la macchina del sondino che suona incessantemente, impedendole di dormire.

Le notti insonni di Linda, gli unici momenti per sé stessa, le vede bere vino, mangiare dolci, fumare marijuana e ascoltare musica. Cammina sempre più lontano dal motel, tanto che il baby monitor che porta con sé per ascoltare la figlia si disconnette. Quando va a casa, scopre che il soffitto non è stato riparato, nonostante le promesse del marito. Chiamandolo per lamentarsi, riceve nessuna empatia.

Linda si sfoga con il suo terapeuta e collega, interpretato da Conan O’Brien, che però offre poco supporto. Come terapeuta, Linda fatica a mantenere la calma anche con i suoi clienti, tra cui un’altra madre stressata, Caroline, che abbandona il suo neonato a Linda durante una sessione. Il marito di Caroline non lascia il lavoro per andare a prenderlo, e il terapeuta rifiuta di aiutare, costringendo Linda a chiamare la polizia per denunciare la madre come scomparsa e il bambino come abbandonato.

Intanto la figlia non mangia a sufficienza e Linda continua a non dormire. Stringe amicizia con un lavoratore del motel, James (A$AP Rocky), e lo porta a casa per mostrare il buco nel soffitto. Mentre osserva il buco, Linda ha un flashback traumatico in ospedale, quando le infermiere tenevano ferma la figlia urlante presumibilmente per inserire il sondino. Il flashback termina quando James cade attraverso il buco, rompendosi una gamba. Linda chiama un’ambulanza, ma se ne va prima che arrivi.

Linda ossessivamente pensa a Andrea Yates, donna reale che confessò di aver annegato i suoi cinque figli nel 2001, temendo di poter diventare come lei. Chiede aiuto a tutti intorno a lei: centro di cura, marito, terapeuta, ma nessuno le dà supporto. La terapeuta la abbandona come paziente per aver superato i limiti professionali. Linda ritira la figlia dal programma di cura dopo un confronto con i responsabili, dicendole che ora sta bene e può rimuovere da sola il sondino.

Nel mezzo della notte, Caroline arriva al motel in stato di angoscia e chiede aiuto. Linda tenta di portarla in ospedale, ma Caroline scappa lungo la spiaggia. Linda la insegue, ma la perde.

La spiegazione del finale di Se solo Potessi ti prenderei a calci

Tornata nella stanza con la figlia addormentata e la macchina del sondino che suona, Linda inizia a cambiare le sacche ma rovescia tutto accidentalmente. Frustrata, rimuove da sola il sondino dallo stomaco della figlia. La macchina smette di suonare, e Linda pulisce con cura il buco nello stomaco della bambina, che sembra pulsare e magicamente chiudersi iniziando a guarire.

Linda corre a casa e trova uomini in tute hazmat che lavorano alla riparazione e il marito, rientrato dal viaggio. Quando Charles chiede della figlia, Linda mente dicendo che è con una babysitter. Rimane stupita nel vedere il buco del soffitto magicamente riparato, proprio come quello nello stomaco della figlia.

Tornando al motel, trovano James con la figlia. Linda tenta di far finta che sia la babysitter, ma James rifiuta e rivela che la bambina si è svegliata terrorizzata, urlando e sanguinante. Nonostante quello che Linda aveva visto, il buco non era guarito.

Charles realizza che Linda ha rimosso da sola il sondino della figlia. Linda scappa verso la spiaggia, cercando ripetutamente di annegarsi. Alla fine ritorna a riva, collassa e pratica gli esercizi di respirazione che insegna ai suoi pazienti. Chiude gli occhi, vede luci e sente voci, tra cui quella della figlia che la chiama.

Quando apre gli occhi, vede la figlia piegata su di lei. Per la prima volta il pubblico vede il volto della bambina. Linda promette che starà meglio. Il film termina.

Il significato del film

Mary Bronstein ha spiegato che il volto della figlia appare solo alla fine perché, fino a quel momento, Linda non la vedeva come persona, ma come peso e responsabilità.

“Siamo nella realtà di Linda tutto il tempo, e lei non può vedere la figlia come bambina. La vede solo come qualcosa che le viene imposto, che la opprime, che è un peso.”

Bronstein voleva che il pubblico provasse empatia per Linda, non per la figlia. Allo stesso modo, vedere solo la voce del marito fino alla fine simboleggia la distanza nel loro matrimonio.

Le allucinazioni nel buco del soffitto, che scatenano flashback traumatici, sono definite da Bronstein “il portale”: un luogo spaventoso pieno di voci e ricordi dolorosi, che rappresentano il trauma che Linda non può sfuggire, incluso il ricordo del sondino e forse del suo stesso trauma infantile.

Il film affronta il tabù che a volte le madri possono non voler essere madri o voler sfuggire al proprio bambino.

“Alle donne viene venduta l’idea falsa che avere un bambino significhi sapere automaticamente come essere madre. Le madri sono esseri umani. Hanno sentimenti di cui non sempre siamo a conoscenza, e va bene. Non diventa sbagliato finché non abusano del figlio, ma avere pensieri e sentimenti e esprimerli in privato è spaventoso.”

Fonte: Decider

Il famoso attore di “Scrubs” Zach Braff è anche un regista che sa come raccontare una storia, come dimostra l’heist movie (film di rapine) del 2017 Insospettabili sospetti. Inoltre, con attori leggendari come Morgan Freeman, Michael Caine, Alan Arkin e Christopher Lloyd a guidare il cast, il film si rivela accattivante e molto efficace dal punto di vista comico. Un trio di pensionati si ritrova con le spalle al muro quando le loro pensioni vengono improvvisamente cancellate. Tuttavia, poiché hanno ancora delle famiglie da mantenere, i tre tentano di mettere a segno un’audace rapina.

La vecchiaia è senza dubbio d’oro in questa commedia d’azione, che nasconde temi come la famiglia e la gerontologia dietro un abito esilarante e presentabile. Dopo la sua anteprima nell’estate del 2017, il film ha ottenuto una buona risposta da parte dei fan, ma un’accoglienza mista da parte della critica, che ha sottolineato come il film non si discosti troppo dagli schemi. Tuttavia, ci si potrebbe chiedere se il film sia basato su una storia vera di pensionati privati dei loro diritti che rivendicano ciò che è loro dovuto. In tal caso, esaminiamo la credibilità della storia.

Insospettabili sospetti è basato su una storia vera?

No, Insospettabili sospetti non è basato su una storia vera. Zach Braff ha diretto il film da una sceneggiatura scritta da Theodore Melfi, che ha tratto la storia dall’omonimo film di Martin Brest del 1979. Edward Cannon ha invece scritto la storia originale. Nel XXI secolo abbiamo assistito a diversi remake di titoli classici, il che dimostra l’importanza dei classici nella cultura popolare e nell’immaginario collettivo. Il 12 ottobre 2012, la New Line Cinema e la Warner Brothers hanno così reso noto che stavano valutando la possibilità di realizzare un remake della commedia del 1979. Tony Bill, coproduttore del film originale, ha ricoperto anche il ruolo di produttore esecutivo nel remake.

Tuttavia, il film aggiorna la trama del film precedente per un finale più felice. Melfi ha insistito per aggiornare la storia originale, dato che i personaggi principali muoiono o finiscono in prigione nel finale del film del 1979. Non si tratta affatto di un lieto fine, e Melfi ha ragionato che non avrebbe voluto vedere un film con un finale tragico dopo due ore in cui gli spettatori tifavano per gli eroi. Ha cercato di far compiere agli eroi una rapina perfetta e di farli fuggire con il denaro verso il tramonto, e i produttori erano d’accordo con lui. È così che è nata la storia del film del 2017.

Il discorso che Joe tiene dopo il trapianto di rene di Willie e Al sembra quasi un discorso funebre, anche se in seguito si scopre che si tratta di un discorso di nozze. Questa scena è stata scritta in omaggio al film precedente, in cui i personaggi di Willie e Al muoiono di vecchiaia poco dopo la rapina. La sceneggiatura di Melfi era ricca di colpi di scena e adrenalina, e Zach ha affermato che il cast di veterani ha accettato di partecipare dopo aver apprezzato la sceneggiatura.

Sir Michael Caine avrebbe poi affermato che questo è stato uno dei film più felici della sua lunga carriera di attore. Le riprese si sono svolte durante le vacanze estive e la star ha così potuto raddoppiare il programma con una vacanza in famiglia. Ha portato con sé la sua famiglia, ha trovato un alloggio vicino al set e si è goduto le vacanze con i suoi cari. Tornando all’aspetto del realismo, gli attori veterani hanno eseguito la maggior parte delle acrobazie da soli e gli stuntman non hanno dovuto fare molto. Secondo il regista, gli attori erano fin troppo felici di partecipare alle scene d’azione perché provavano un’inevitabile scarica di adrenalina.

Inoltre, Joey King ha trascorso settimane con un vero allenatore di softball per perfezionare le sue scene di softball. Anche il veicolo utilizzato per la rapina risulta piuttosto realistico. Il team di scenografi ha preso in considerazione diversi veicoli per la sua realizzazione, tra cui la Mystery Machine di “Scooby-Doo”. La banca immaginaria, chiamata Williamsburg Savings Bank (WSB), è forse un po’ meno immaginaria di quanto si possa pensare. Una banca con questo nome esisteva davvero fino a quando la HSBC Bank non ne ha rilevato le attività. Le scene sono state girate anche nella vecchia sede della WSB nel quartiere di Brooklyn.

Durante la rapina, Joe, Al e Willie nascondono la loro identità indossando maschere di Frank Sinatra, Dean Martin e Sammy Davis, Jr. Conosciuto collettivamente come il “Rat Pack”, l’iconico trio ha recitato nell’originale “Ocean’s 11”. Un altro film di rapine citato nel film è “Quel pomeriggio di un giorno da cani” di Sidney Lumet, un classico del genere. Considerando tutti gli aspetti, il film è abbastanza consapevole dei suoi predecessori e, anche se non è così realistico, regala risate di cuore.

Il film King Arthur del 2004 rappresenta uno dei tentativi più ambiziosi del cinema contemporaneo di reinterpretare il mito arturiano in chiave storica. Diretto da Antoine Fuqua, regista noto per titoli come Training Day e The Equalizer, il film cerca di allontanarsi dall’immaginario medievale cavalleresco tipico delle storie di Camelot per proporre una versione più realistica e radicata nella tarda antichità. Il risultato è un racconto epico che combina elementi storici, suggestioni archeologiche e libertà narrative, presentando una figura di Artù più vicina a un comandante romano-britannico che al sovrano leggendario dei romanzi cavallereschi.

Nel ruolo del protagonista troviamo Clive Owen, affiancato da un cast che include Keira Knightley nei panni di Ginevra, Ioan Gruffudd come Lancillotto e Mads Mikkelsen nel ruolo di Tristano. Il film appartiene al genere epico storico con forti componenti d’azione e di guerra, cercando di ricostruire un’epoca di transizione in cui l’Impero romano stava progressivamente abbandonando la Britannia mentre nuove popolazioni, come i Sassoni, iniziavano a conquistare il territorio. L’intento dichiarato della produzione era quello di raccontare la “vera storia” dietro la leggenda di Artù, un obiettivo ribadito anche dalla campagna promozionale del film.

Proprio questa ambizione di realismo storico ha alimentato negli anni numerose discussioni tra storici, appassionati di letteratura medievale e critici cinematografici. Il film infatti prende spunto da alcune teorie storiografiche e archeologiche, ma allo stesso tempo modifica profondamente molti elementi tradizionali della leggenda arturiana. Nel resto dell’articolo analizzeremo dunque quanto King Arthur sia realmente accurato rispetto alla storia e alle fonti del ciclo arturiano, evidenziando le differenze più significative tra la versione cinematografica e le tradizioni letterarie e storiche.

LEGGI ANCHE: King Arthur: la spiegazione del finale del film

Il rapporto con la leggenda arturiana

Una delle prime cose da notare è che la trama del film non deriva direttamente dalle fonti classiche della leggenda di Artù. Le opere medievali che hanno definito il mito, come le cronache di Geoffrey of Monmouth o i racconti cavallereschi sviluppati tra il XII e il XV secolo, vengono utilizzate solo in parte. Nel film ritroviamo alcuni elementi iconici come la presenza dei Sassoni come principali antagonisti e la celebre battaglia di Badon Hill, ma molti altri aspetti fondamentali della tradizione sono completamente assenti. Tra le omissioni più evidenti ci sono elementi simbolici come il Santo Graal, uno dei motivi centrali della letteratura arturiana medievale.

Anche il celebre triangolo amoroso tra Artù, Lancillotto e Ginevra è quasi del tutto marginale nella narrazione cinematografica. La relazione tra i personaggi esiste, ma viene ridotta a pochi accenni, lasciando spazio soprattutto alla dimensione militare e politica della storia. Il film modifica inoltre la caratterizzazione di molti cavalieri della Tavola Rotonda. Un esempio evidente è il personaggio di Bors, che nella tradizione medievale è noto per la sua purezza morale e per essere uno dei pochi cavalieri degni di assistere alla visione del Graal. Nel film, invece, viene rappresentato come un guerriero rude, amante dei piaceri della vita e padre di numerosi figli.

Questa versione è molto lontana dal personaggio letterario e ricorda piuttosto altre figure cavalleresche della tradizione. Anche la relazione tra alcuni personaggi cambia significativamente. Lancillotto e Galahad, ad esempio, appaiono come guerrieri della stessa generazione, mentre nei testi medievali Galahad è il figlio di Lancillotto. Questo tipo di modifica dimostra come il film utilizzi i nomi e alcuni tratti della leggenda senza necessariamente rispettare la genealogia e la struttura narrativa tradizionale.

Una Ginevra molto diversa dalla tradizione

Tra i cambiamenti più evidenti introdotti dal film c’è la figura di Ginevra. Nella maggior parte delle opere medievali, Ginevra è una regina associata alla corte di Camelot e alle dinamiche sentimentali del racconto. In molti romanzi cavallereschi appare come una dama nobile e raffinata, spesso coinvolta in intrighi amorosi ma raramente impegnata direttamente in battaglia. Nel film, invece, Ginevra viene reinterpretata come una guerriera celtica capace di combattere al fianco dei cavalieri. Questa scelta si ispira più alla tradizione delle regine guerriere della storia e del mito celtico che alle fonti arturiane.

Figure come la regina britannica Boudica dimostrano che nella storia antica esistevano donne che guidavano eserciti e partecipavano alle battaglie. Alcuni studiosi hanno osservato che la rappresentazione cinematografica ricorda maggiormente personaggi della mitologia irlandese come la regina Medb piuttosto che la Ginevra della tradizione medievale. In alcune fonti gallesi esistono comunque accenni a una Ginevra dotata di forza straordinaria o legata a elementi soprannaturali, il che rende questa reinterpretazione meno arbitraria di quanto possa sembrare a prima vista.

L’origine romana di Artù

Un altro elemento centrale del film è l’idea che Artù abbia origini romane. Nel film il suo nome completo è Artorius Castus e viene presentato come il figlio di un generale romano e di una donna celtica. Questa scelta riflette una teoria storica che cerca di individuare possibili modelli reali per la figura leggendaria del re. Il nome Artorius richiama infatti una figura storica realmente esistita, Lucius Artorius Castus, un comandante romano attivo probabilmente tra il II e il III secolo. Alcuni studiosi hanno ipotizzato che le sue imprese militari possano aver contribuito alla nascita del mito di Artù.

Tuttavia la distanza cronologica tra questo personaggio e l’epoca in cui si collocano le prime tradizioni arturiane rende questa teoria piuttosto controversa. Molti storici ritengono invece che la figura più plausibile dietro la leggenda possa essere il comandante romano-britannico Ambrosius Aurelianus, che combatté contro i Sassoni nel V secolo. Questa ipotesi è più coerente con le cronache antiche e con il periodo storico generalmente associato alle origini del mito arturiano.

L’ipotesi dei cavalieri sarmati

Uno degli aspetti più originali del film riguarda l’origine dei cavalieri della Tavola Rotonda. Nel film essi sono presentati come guerrieri sarmati, un popolo nomade delle steppe che avrebbe servito nell’esercito romano come cavalleria ausiliaria. Questa idea deriva dalla cosiddetta “ipotesi sarmata”, proposta negli anni Settanta dagli studiosi C. Scott Littleton e Ann C. Thomas. Secondo questa teoria, alcuni elementi della leggenda arturiana potrebbero derivare dalle tradizioni dei cavalieri sarmati stanziati in Britannia nel II secolo.

Si ritiene che circa 5500 guerrieri sarmati siano stati trasferiti nell’isola durante le guerre marcomanniche. La teoria suggerisce che le storie di questi cavalieri, unite alle tradizioni locali britanniche, possano aver contribuito alla nascita del ciclo arturiano. Tuttavia la maggior parte degli storici considera questa ipotesi affascinante ma priva di prove sufficienti. Per questo motivo il film viene spesso criticato per aver trasformato una teoria minoritaria in un elemento centrale della propria narrazione.

Alcune inaccuratezze storiche presenti nel film

Anche dal punto di vista storico il film prende diverse libertà. Una delle più evidenti riguarda la data del ritiro delle legioni romane dalla Britannia. Nel film questo evento viene collocato nel 467 d.C., mentre in realtà l’Impero romano aveva già abbandonato l’isola nel 410. Questa differenza di quasi sessant’anni cambia profondamente il contesto storico della storia. Nel V secolo la Britannia era ormai un territorio frammentato in piccoli regni locali, molto lontano dalla struttura amministrativa romana mostrata nel film.

Anche la missione che porta Artù e i suoi cavalieri oltre il Vallo di Adriano presenta diversi problemi storici. Sebbene i Romani abbiano occasionalmente organizzato spedizioni nel nord della Scozia, il Vallo di Adriano rappresentava generalmente il limite stabile del controllo romano sull’isola. Il film introduce anche alcune semplificazioni nella rappresentazione dei popoli della Britannia. I Pitti, ad esempio, vengono chiamati “Woads”, un termine che deriva da una pianta usata per ottenere una tintura blu. In passato si è ipotizzato che i Pitti utilizzassero questa sostanza per dipingersi il corpo prima delle battaglie, ma molti storici ritengono che questa idea sia in gran parte un mito.

Anche la rappresentazione dei Sassoni presenta alcune imprecisioni. Nel film essi appaiono come invasori provenienti dal nord e guidati da leader che muoiono nella battaglia finale. Tuttavia le fonti storiche indicano che i capi sassoni più noti arrivarono in Britannia solo alla fine del V secolo e fondarono regni stabili diversi decenni dopo gli eventi mostrati nel film. Queste semplificazioni riflettono la necessità narrativa di creare un conflitto chiaro tra due schieramenti, ma riducono la complessità storica delle migrazioni e delle guerre che caratterizzarono la Britannia post-romana.

Anche la ricostruzione dell’equipaggiamento militare è piuttosto libera. I cavalieri sarmati del film indossano armature che mescolano elementi romani, mongoli e persino medievali, mentre storicamente i guerrieri sarmati utilizzavano corazze molto diverse, tipiche della cavalleria pesante delle steppe. Allo stesso modo i Sassoni vengono mostrati mentre utilizzano balestre, un’arma che non era diffusa in Europa settentrionale nel V secolo. Alcuni prototipi di balestre esistevano già nell’antichità, ma il loro utilizzo su larga scala in Europa avvenne molti secoli dopo. Un’altra curiosità riguarda l’uso di macchine d’assedio simili a trebuchet da parte dei guerrieri britannici. Anche queste armi comparvero in Europa molto più tardi rispetto al periodo storico in cui è ambientato il film.

Una reinterpretazione del mito arturiano

Lo slogan principale di King Arthur sosteneva che il film raccontasse la “vera storia” dietro la leggenda di Artù. Alla luce di quanto fin qui riportato, molti storici hanno però criticato questa affermazione, sottolineando che non esiste alcun consenso sull’esistenza storica di re Artù. La pubblicità faceva riferimento anche a presunte scoperte archeologiche recenti che dimostrerebbero l’esistenza del personaggio. In realtà nessuna scoperta ha mai fornito prove definitive. Alcuni reperti, come la cosiddetta “Arthur stone” trovata a Tintagel, hanno attirato l’attenzione degli studiosi ma non sono stati considerati prove decisive. King Arthur del 2004 rappresenta dunque semplicemente un tentativo interessante di reinterpretare il mito arturiano attraverso una lente più storica e realistica.

Il film introduce idee affascinanti come l’origine romana di Artù e la teoria dei cavalieri sarmati, cercando di collocare la leggenda nel contesto turbolento della Britannia tardo-romana. Tuttavia, l’analisi delle fonti storiche e della tradizione letteraria dimostra che molte delle scelte narrative del film si discostano significativamente sia dalla storia documentata sia dalle versioni classiche del ciclo arturiano. Personaggi, eventi e contesti vengono spesso modificati per esigenze drammatiche o spettacolari. In definitiva, King Arthur non può essere considerato una ricostruzione accurata della storia o della leggenda. Piuttosto rappresenta una reinterpretazione moderna che combina elementi storici, teorie speculative e immaginazione cinematografica.

Dopo oltre quindici anni lontana dalla regia di lungometraggi, Mary Bronstein torna dietro la macchina da presa con Se potessi ti prenderei a calci, uno dei film indipendenti più discussi dell’anno. Presentato in anteprima al Sundance Film Festival, il progetto targato A24 ha già attirato l’attenzione della critica e degli addetti ai lavori, soprattutto dopo che Rose Byrne ha vinto l’Orso d’Argento per la miglior interpretazione protagonista al Berlin International Film Festival.

Il film segna il ritorno alla regia di Bronstein dopo il suo esordio con la commedia indipendente Yeast del 2008, in cui recitava accanto ad Amy Judd e alla futura regista di Le Cronache di Narnia, Greta Gerwig. Dopo quel debutto e il cortometraggio Round Town Girls del 2009, Bronstein si era dedicata principalmente alla carriera di attrice. Il nuovo film rappresenta quindi un ritorno significativo alla scrittura e alla regia.

Una storia di fragilità

Al centro della storia c’è Linda, una terapeuta interpretata da Byrne che si trova sull’orlo di un crollo emotivo. La donna cerca di gestire contemporaneamente diversi problemi: la misteriosa malattia della figlia, che sviluppa una forte avversione per il cibo, le continue assenze del marito e una relazione sempre più tesa con la propria terapeuta.

La situazione precipita quando il soffitto del suo appartamento crolla, allagando l’abitazione e costringendo Linda e la figlia a trasferirsi temporaneamente in un motel fatiscente. In questo contesto instabile, la protagonista trova una sorta di conforto nel supervisore dell’edificio, ma la scomparsa di una persona collegata alla sua vita professionale contribuisce a far peggiorare ulteriormente il suo stato mentale.

Il cast del film riunisce volti molto diversi tra loro. Accanto a Byrne compaiono Conan O’Brien, qui nel suo primo grande ruolo cinematografico come terapeuta di Linda; il candidato ai Golden Globe Awards Christian Slater, che interpreta il marito della protagonista; il rapper e attore ASAP Rocky, nei panni di James, il supervisore del motel; e Danielle Macdonald, che interpreta una delle pazienti di Linda, la cui improvvisa scomparsa diventa un elemento chiave della storia.

L’origine enigmatica del titolo

Uno degli aspetti più curiosi del film è il suo titolo insolito. In lingua originale il film si chiama If I Had Legs, I’d Kick You, che tradotto letteralmente sarebbe “Se avessi le gambe, ti prenderei a calci”, una frase che suscita immediatamente domande e interpretazioni.

Secondo Bronstein la sua origine è sorprendentemente casuale. La regista ha rivelato di aver inventato quella frase quando aveva appena 18 anni, senza sapere se e come l’avrebbe mai utilizzata. Quando anni dopo ha iniziato a scrivere il film, non aveva ancora trovato un titolo definitivo, finché quell’espressione non le è tornata improvvisamente in mente.

Quando le viene però chiesto quale sia il suo vero significato all’interno della storia, Bronstein non è ancora pronta a dare una sua interpretazione, perché vuole che “lo spettatore interpreti quello che vuole”. Proprio questa ambiguità contribuisce a rendere il progetto ancora più intrigante.

Un film “senza genere”

Negli ultimi anni lo studio A24 si è costruito una reputazione per la produzione di film difficili da incasellare in un solo genere. Opere come Everything Everywhere All at Once, vincitore di sette Oscar, o il surreale Beau Is Afraid hanno dimostrato quanto la casa di produzione ami sperimentare.

Se potessi ti prenderei a calci si inserisce perfettamente in questa tradizione. Bronstein definisce infatti il suo film “senza genere”, spiegando di aver utilizzato elementi provenienti da diversi registri cinematografici per costruire la storia.

Nel corso della narrazione emergono infatti componenti di horror psicologico, dark comedy, dramma realistico e persino momenti di cinema surrealista e sperimentale. Il risultato è un racconto che mescola tensione emotiva e momenti grotteschi, senza mai aderire completamente a una sola categoria.

Secondo la regista, il vero cuore del film è però il “terrore esistenziale”: una paura che non deriva da un pericolo esterno ma da qualcosa di profondamente radicato nella psiche della protagonista.

“Non è come un uomo che corre lungo un corridoio con un coltello”, ha spiegato Bronstein parlando del film. “È qualcosa che si trova dentro di te. Linda sta disperatamente cercando di scappare da ciò che la tormenta, ma non può farlo”.

Non i soliti attori

Un altro elemento distintivo del progetto è la scelta degli interpreti. Bronstein ha spiegato di essere attratta dall’idea di sovvertire le aspettative del pubblico, scegliendo attori che possano sorprendere in ruoli diversi da quelli a cui sono associati.

È il caso di Conan O’Brien, noto soprattutto come conduttore televisivo e comico. Nel film interpreta invece un personaggio più controllato e introverso, permettendo al pubblico di scoprire un lato meno visibile della sua personalità.

Per quanto riguarda ASAP Rocky, la regista ha sfruttato il carisma naturale del rapper per costruire il personaggio di James. Il nome del personaggio è stato scelto come omaggio a James Dean, icona cinematografica che rappresentava l’idea di una presenza magnetica e carismatica.

“Non puoi dirigere questa qualità in qualcuno. Non puoi insegnarla. Deve esserci già”, ha spiegato. “Quindi io utilizzo quello che Rocky ha naturalmente. È uno che può entrare in una stanza, fare l’occhiolino a una donna, ed è del tutto naturale per lui.”

Nel film, però, Bronstein lo mette in una situazione completamente diversa da quella a cui il pubblico è abituato: non interpreta un musicista o un rapper, ma il sovrintendente di un motel davvero malandato.

Secondo la regista, è proprio la combinazione tra performer atipici come O’Brien e Rocky e un’attrice di grande livello come Rose Byrne che le ha permesso di creare un film diverso dagli altri, capace di distinguersi nel panorama del cinema indipendente.