Tutto il cinema di Barry Jenkins si lascia guidare dai colori più che dalle parole, quindi dall’immaginario di piccoli gesti che scaturiscono al solo guardarli. Il grigio, in Medicine for Melanchony, descriveva l’incertezza di un rapporto nato per caso dopo una one night stand; il blu, in Moonlight, comunicava l’inquietudine nella vita di un giovane omosessuale cresciuto nei sobborghi di Miami; il giallo, nell’ultimo e bellissimo If Beale Street Could Talk (tratto dal romanzo di James Baldwin), trasmette un forte senso di speranza riscaldato dal calore di un abbraccio.

Quello che fisicamente e idealmente Jenkins traduce con un movimento di macchina sempre più dolce, protettivo, spesso doloroso ma non per questo insopportabile. Esasperando il lato emotivo della realtà rispetto a ciò che percepiamo come oggettivo, prediligendo il valore espressivo dei sentimenti, dei piccoli gesti, del modo in cui una tonalità interviene sulla scena. E nel caso di Beale Street, dove ancora una volta l’elemento estetico prevale su tutto il resto (senza trascurare il cuore, l’anima della storia), il giallo racchiude tra l’inizio e la fine il senso del film: un’ostinata ricerca di bellezza nel brutto, nella povertà, nell’ingiustizia, che timidamente si insinua come fa la luce del sole attraverso i vetri. Li trapassa ma non li infrange. 

Jenkins è l’unico dei cineasti neri contemporanei capace di prestare il fianco ad una riflessione politica sullo stato della comunità afroamericana, passata e presente, senza i pugni chiusi e il muso duro della denuncia sociale alla Spike Lee. Le immagini invece si nutrono di un romanticismo dimenticato, fatto di passeggiate sotto la pioggia tra i rifiuti di Harlem, di notti d’amore in uno scantinato, di sguardi innocenti e sogni di un futuro felice, vibrano come corde di violino, si tramandano come memorie condivise e universali.

In If Beale Street Could Talk ogni cosa fluisce e ogni cosa si sovrappone con grande eleganza, confermando che il regista premio Oscar non è soltanto il più vivo rappresentante di un nuovo storytelling, radicato nella cultura black e al tempo stesso rivolto all’esterno (dalle parti dell’espressionismo europeo), ma testimone lampante di quel processo di apertura e contaminazione che dovrebbe e potrebbe salvarci dall’ignoranza e dall’incapacità di immedesimarci negli altri.

Se la strada potesse parlare, il trailer

Nel 2004 il regista Michael Moore vince la Palma d’Oro al Festival di Cannes con il documentario Fahrenheit 9/11, controversa opera incentrata sui presunti legami tra il presidente Bush con l’attacco terroristico dell’11 settembre. A quattordici anni di distanza, Moore presenta alla Festa del Cinema di Roma il suo nuovo film, intitolato Fahrenheit 11/9, e incentrato sulle cause che portarono all’elezione di Donald Trump come presidente degli Stati Uniti il 9 novembre 2016.

Il richiamo al film che ha reso celebre Moore nel mondo è evidente. Questo nuovo film sembra essere un vero e proprio sequel, o quantomeno la documentata involuzione del mondo post 11 settembre. Le conseguenze di quel terribile evento, che ha cambiato la storia per sempre, si manifestano qui in tutta la loro pericolosità.

Provocatorio e sarcastico come sempre, il regista apre il film ripercorrendo con materiale di repertorio quella che da tutti era considerata la sicura vittoria di Hillary Clinton per la presidenza. Feste, concerti, persone entusiaste o con lacrime di gioia. Tutti a festeggiare qualcosa che era stato dato per certo dai media, ma che nella concretezza dei fatti doveva ancora essere ufficializzato.

Con lo scorrere delle immagini davanti ai nostri occhi, Moore costruisce un’atmosfera sempre più festosa. Ci si rende presto conto, e con profonda tristezza, che in realtà ci sta dando un primo, sonoro, schiaffo. Impossibile non riconoscersi in quanti festeggiavano prima del dovuto, dando per certa l’impossibilità di vincere di Donald Trump. Difficile non provare rabbia, ma soprattutto delusione e tristezza, davanti alle immagini che Moore riunisce. Egli costruisce una narrazione che rapidamente porta lo spettatore a confrontarsi con una delle più pericolose crisi della nostra contemporaneità.

#RomaFF13, Michael Moore: “Sono molto preoccupato per la situazione del cinema oggi”

Fahrenheit 11/9 è senza dubbio un film sull’ascesa di Donald Trump. Egli è il protagonista assoluto del documentario, ma è un protagonista che rimane sullo sfondo. Perché Moore decide di concentrarsi non tanto direttamente su di lui, quanto su ciò che ha portato alla sua affermazione. Ha così inizio un lungo viaggio tra gli orrori degli dell’acqua avvelenata della cittadina di Flint, Michigan, i devastanti tagli all’istruzione, dalle colpe della stampa al silenzio politico riguardo le continue sparatorie nelle scuole, per arrivare agli errori dell’amministrazione di Obama e del Partito Democratico.

Moore non si schiera, attacca tutti come solo lui sa fare, con le prove dei fatti in una mano e la voce del popolo nell’altra. Questo suo nuovo documentario è un’opera dalle numerose sfaccettature, in grado di far ridere, arrabbiare, piangere e infine di lasciare un profondo senso di paura e smarrimento nell’animo e nella mente dello spettatore. Il risultato finale sembra essere che da quel fatidico 11 settembre, l’umanità abbia venduto la propria libertà in cambio della sicurezza. Una sicurezza fittizia, da cui Moore ci mette in guardia.

A riguardo il regista decide di togliere ogni dubbio, con una sequenza di immagini decisamente esplicative. Mentre scorrono foto e video di repertorio dell’avvento dei regimi dittatoriali nel primo Novecento, udiamo parole che commentano il recente affermarsi delle politiche neofasciste e neonaziste. Audio e video, pur provenienti da epoche diverse, si sposano perfettamente in un monito in grado di far gelare il sangue.

Il regista danese Thomas Vinterberg, celebre per film come Festen e Il sospetto, porta alla Festa del Cinema di Roma il suo nuovo film, Kursk, tratto dal romanzo A Time to Die di Robert Moore e basato sul reale incidente del sottomarino K-141 Kursk. Il film si avvale di un cast di attori europeo tra cui spiccano Matthias Schoenaerts, Colin Firth e Léa Seydoux.

Nel film Kursk il 12 agosto 2000 un sottomarino della Flotta del Nord della Marina Militare Russa subisce una serie di esplosioni interne, che lo fecero precipitare sul fondo delle acque artiche. Solo 23 dei 118 marinai a bordo sopravvissero. Nei nove giorni seguenti, i marinai lottarono per la sopravvivenza, mentre le operazioni di soccorso procedevano a rilento e i familiari si battevano contro gli ostacoli burocratici.

Come dichiarato da Vinterberg stesso, questo non vuole essere un film di denuncia, ma un’opera che pone al centro di tutto il concetto di umanità. Il regista inizia infatti con il presentarci il contesto famigliare dei marinai protagonisti, esaltandone i piccoli momenti che lo rendono tanto importante. Una volta svelata l’umanità privata dei protagonisti, possiamo dunque entrare nel freddo sottomarino, che diventa ancor più luogo claustrofobico al momento dell’incidente.

A partire dall’ottima sceneggiatura di Robert Rodat, già autore di Salvate il soldato Ryan, Vinterberg costruisce tre piani narrativi, intrecciati tra loro. Abbiamo il punto di vista dei marinai intrappolati in fondo al mare, quello delle loro famiglie che tentano disperatamente di sapere cosa stia accadendo, e quello politico, che vede la Russia più impegnata a non fare una brutta figura a livello internazionale piuttosto che salvare i propri marinai accettando aiuti esteri.

Così facendo, il regista ci offre una panoramica completa della storia, portandoci ora ad essere in apprensione per gli intrappolati, ora in profonda frustrazione per chi non riesce ad ottenere la verità. Si arriva dunque al film di denuncia, certo, ma il regista non si abbandona a del facile moralismo o sentimentalismo, intento invece a dare una lucida fotografia della situazione. Il suo interesse maggiore, e questo sarà sempre chiaro durante la visione del film, è incentrato sulla ricerca delle motivazioni che muovono i suoi personaggi. E questa ricerca dell’interiorità è certamente l’aspetto più coinvolgente del film, che si muove a partire dallo sguardo innocente dei bambini.

Allo stesso tempo Kursk non lascia fuori la componente di intrattenimento cinematografico, che al contrario è molto forte. Il film riesce così a reggersi in equilibrio tra spettacolarità visiva e impegno, toccando temi cari al regista danese. Dal nucleo famigliare, al disperato tentativo di sopravvivenza. Dalla lotta del singolo contro un potere più grande, alla paura della morte e della fine. Temi che si intrecciano tra loro per costruire una riflessione più ampia sull’importanza dell’umanità.

Certamente un film lontano dall’estetica del movimento Dogma 95, ideato da Vinterberg e Lars Von Trier negli anni novanta, ma non per questo meno importante per la filmografia del regista. Al contrario, Kursk afferma le doti registiche di Vinterberg anche su registri più spettacolari, senza perdere la propria impronta autoriale.

Kursk, il trailer

Nasce da una riflessione estemporanea, da una scintilla, il fuoco che ha portato Luna Gualano a realizzare Go Home – A Casa Loro, lo zombie movie presentato ad Alice nella Città durante al tredicesima Festa del Cinema di Roma. La regista ha infatti spiegato che l’idea è partita mentre discuteva con il suo compagno, il produttore musicale Emiliano Rubbi (autore della sceneggiatura) dell’omicidio a Fermo del migrante nigeriano, ucciso in seguito ai suoi tentativi di difendere la sua compagna, insultata.

“Questa rabbia, questo odio sembra quasi il tema del contagio dei film di zombie, dovremmo fare un film su questo” avrebbe detto Rubbi, e così è nata la storia di Go Home: un’epidemia zombie si diffonde durante uno scontro tra estremisti di destra e i responsabili di un centro di accoglienza.

Il film, dal budget bassissimo (stimato intorno ai 35mila euro), è la traduzione di questa riflessione: la rabbia e l’odio, concetti universali, sembrano pervadere sempre più a fondo la nostra società, dalle istituzioni alla quotidianità, e questi sentimenti forti generano l’infezione e quindi l’epidemia. Il racconto è elementare e riesce con questa semplicità a mettere in evidenza due punti interessantissimi. Il primo riguarda appunto lo stimolo che ha generato il film intero, il concetto di rabbia come malattia che corrompe e deforma i corpi e le menti delle persone, che siano essi estremisti di destra, migranti o chi cerca semplicemente di aiutare.

A questa riflessione si collega direttamente un ritorno dell’horror e in particolare dello zombie movie alla metafora politica, intenzione confermata dallo stesso sceneggiatore che chiama in causa George Romero, che con il suo Zombi ha trasformato il genere in un atto d’accusa verso il capitalismo. Lo zombi, in quanto creatura fantastica, si presta benissimo a questo tipo di utilizzo, diventando di volta in volta metafora di tante cose, a seconda del la lettura che si dà alla creatura stessa.

Dopo tanto cinema e tante televisione che hanno riportato in auge lo zombie, proponendolo in termini più leggeri ed edulcorati rispetto a quelli “politici” che Romero aveva raccontato nel 1978, la Gualano sceglie di tornare all’origine. Il suo approccio è sicuramente schierato dalla parte di chi accoglie i migranti, tuttavia riesce a rimanere imparziale nella rappresentazione dell’odio e della rabbia, che serpeggiano da entrambi i lati della barricata. Nessuno è immune e nessuno viene risparmiato.

Go Home – A Casa Loro è una fotografia impietosa e senza speranza, scattata attraverso la lente del genere fantastico, che attribuisce di nuovo al genere il suo valore sociale e politico.

Il progetto ha incontrato da subito il sostegno di tanti personaggi pubblici che hanno partecipato alla produzione, da Piotta, il Muro del pianto, Train to Roots , fino al fumettista Zerocalcare, che ha disegnato il poster.

Arriva alla Festa del Cinema di Roma 2018, dopo essere stato annunciato in pompa magna sin dall’inizio delle riprese, Beautiful Boy, il film diretto da Felix Van Groeningen e basato su due libri di memorie, quello di David Sheff (padre) e quello di Nic Sheff (figlio). Entrambi i volumi parlano dell’adolescenza turbolenta di Nic, preda della dipendenza da alcol e da ogni tipo di droga. Van Groeningen si avvale di Steve Carell e Timothée Chalamet per dare il volto ai suoi protagonisti, portando sullo schermo una storia unica, che abbraccia i due punti di vista, e che, nella sua semplice tragicità, è la storia di un padre che vuole a tutti i costi salvare suo figlio, ma che si scopre di volta in volta impotente di fronte al mostro della dipendenza, che attanaglia il ragazzo.

In Beautiful Boy David è un giornalista freelance di grande successo, con un figlio nato dal suo primo matrimonio, Nic, appena diciottenne. Vive a San Francisco, in una casa di legno, un ambiente stimolante pieno di libri e quadri, dipinti dalla sua nuova moglie, dalla quale ha avuto altri due bambini, entrambi devotissimi (e ricambiati) al fratellastro maggiore. Nic, giovane di belle speranza, brillante, interessato alla lettura, alla scrittura e al disegno, inciampa nell’abuso di droghe. Appena il padre scopre il vizio del figlio, cerca in tutti i modi di aiutarlo, dando origine ad un lungo circolo vizioso, in cui ogni volta sembra che il ragazzo possa davvero allontanarsi dal baratro aperto sotto i suoi piedi, ricade, per rabbia, noia o debolezza.

Certamente non estraneo alle storie dolorose (si pensi ad Alabama Monroe – Una storia d’amore), Felix Van Groeningen sceglie di raccontare tutto il percorso di Nic e David, dalla prima rehab all’ultima disperata richiesta d’aiuto del figlio al padre. Un’altalena dolorosa che determinano un ritmo ripetitivo che mina la capacità del film di entrare in connessione con lo spettatore. Una scelta poco mirata che si causa il mancato “aggancio emotivo” con il pubblico, nonostante l’utilizzo di una musica invadente che arriva puntualmente a sottolineare, come una fastidiosa tautologia sonora, lo stato d’animo che la scena di volta in volta dovrebbe generare nello spettatore.

Di fronte alla poca incisività del film si stagliano però i due protagonisti, straordinari. Da una parte c’è l’ormai consolidato Steve Carell, che offre una performance tutta in sottrazione, ritraendo con intensità un padre addolorato e spaventato, un uomo vittima anche di un senso di impotenza devastante di fronte alla possibilità, ogni volta più concreta, di veder morire il figlio. Di fronte a lui, spalle sempre più forti e talento brillante, c’è quel Timothée Chalamet che ha fatto battere il cuore di tutti gli spettatori nella scorsa stagione cinematografica in Chiamami col tuo nome, di Luca Guadagnino. Sembra chiaro che questo film, o almeno queste performance, sono già con il collo allungato a guardare in avanti, verso la stagione dei premi.

Nella sua natura più elementare, Beautiful Boy è la storia di un padre che cerca in tutti i modi di aiutare il figlio, scoprendosi ogni volta impotente di fronte alla sua dipendenza. Un racconto che vorrebbe e potrebbe far leva su sentimenti comuni (il desiderio di un padre di proteggere sempre il proprio figlio), ma che per non rinunciare a raccontare tutti i fatti, fallisce nel raccontare le emozioni.

Beautiful Boy, il trailer

Che il movimento Me Too abbia provocato una serie di danni collaterali al sistema hollywoodiano è indubbio, come è altrettanto vero che l’asse di produzioni sembra essersi leggermente spostato verso progetti diretti da donne o con protagoniste donne “forti” in grado di rovesciare le regole del maschilismo al cinema.  Nel 1978 Halloween – La notte delle streghe di John Carpenter e l’anno successivo Alien di Ridley Scott avevano in qualche modo “anticipato i tempi, in un’epoca in cui i reclami erano più silenti e non vi era alcuna ragione politica dietro quella scelta. Piuttosto sembrava molto più funzionale alla storia e realistico proporre sullo schermo due personaggi che riuscivano a sopravvivere perché scaltri, furbi e intelligenti come solo le donne sanno essere; e non è un giudizio negativo, anzi, semplicemente un dato di fatto.

Ciò che colpisce è in che maniera registi e autori contemporanei stanno riflettendo su questo ribaltamento di campo senza rimanere preda della facile morale femminista: ne L’Inganno, Sofia Coppola mostrava con una violenza inedita e una maniacale precisione le varie sfumature e la complessità del carattere femminile in presenza di un predatore, mentre Halloween (che de La notte della streghe è il sequel diretto) non avrà lo stesso spessore né la stessa profondità di sguardo, tuttavia può partecipare al discorso che riflette sulla vendetta invece che sulla rivendicazione.

Lo fa lavorando al limite della copia dell’originale mentre decide di cambiare alcune dinamiche fondamentali: così, se nel film di Carpenter era Michael Myers a inseguire la sua vittima, qui è Laurie Strode a impugnare il fucile. È lei che dà la caccia all’uomo nero, che detta le regole del gioco e il ritmo della partita, che “apre l’armadio” sorprendendo il suo incubo (l’esatto contrario di quanto accadeva nel ’78). Dall’altra parte gli uomini – mariti, fidanzati, amici, poliziotti, non sembrano mai in grado di gestire il pericolo sotto pressione, e vengono ritratti come individui sciocchi e superficiali; loro provano ad azionare una trappola per topi e falliscono, Laurie (Jamie Lee Curtis) con figlia e nipote metteranno in scena un piano ben più complesso.

Halloween è la dimostrazione che non tutte le storie di vendetta devono essere interpretate come atti politici, perché esiste una gamma infinita di possibilità – scenario che contempla pure percorsi scomodi e immagini sgradevoli – per i personaggi femminili. Quando ce ne renderemo conto si uscirà finalmente da certi schemi che, oggi più che mai, stanno soffocando la bellezza del cinema e l’atteggiamento critico nei confronti di queste opere.

Trailer del film Halloween di David Gordon Green

Presentato nella Selezione Ufficiale della Festa del Cinema di Roma 2018, Il mistero della casa del tempo è il nuovo film del regista Eli Roth, con protagonisti Jack Black, Cate Blanchett e il giovane Owen Vaccaro. Il film è tratto dall’omonimo romanzo di John Bellairs, primo di una serie di classici della letteratura per ragazzi con elementi che spaziano dal fantasy all’horror.

Il mistero della casa del tempo racconta l’avventura magica e misteriosa di un ragazzino di dieci anni, Lewis Barnavelt (Owen Vaccaro), che rimasto orfano si trasferisce a vivere nella casa vecchia e stramba dell’eccentrico zio Jonathan (Jack Black) e della sua amica, Mrs Zimmerman (Cate Blanchett). In questa strana dimora si nasconde un mondo segreto ricco di magie, misteri, streghe e stregoni. Ben presto Lewis verrà coinvolto in un’importante missione segreta: scoprire l’origine e il significato del ticchettio di un orologio nascosto da qualche parte nei muri di casa.

Prodotto dalla Amblin Entertainment di Steven Spielberg, Il mistero della casa del tempo si presenta come un chiaro omaggio al cinema per ragazzi anni ’80, al quale si mescola un’estetica da anni ’50, nei quali la storia è ambientata. Facendo riferimento a queste due epoche, il film vive delle particolarità cinematografiche che li hanno caratterizzati. Eli Roth, dopo numerose opere di puro stampo horror, si misura con una materia più leggera, riuscendo tuttavia ad imprimere in essa il proprio particolare gusto per la suspense e il terrore, ispirandosi ai classici della sua gioventù come I Goonies e Gremlins.

Ne deriva un efficace prodotto in grado di divertire, specialmente grazie all’ormai noto talento comico di Jack Black, ma anche di spaventare, con un’adeguata costruzione della suspense che lentamente porta lo spettatore in uno stato di inquietudine. Atmosfera questa che Roth costruisce sapientemente allontanandosi dai canoni del film del terrore odierno. Nella misteriosa casa protagonista, le cose accadono sullo sfondo, quasi impercettibili allo sguardo, e quando finalmente notiamo il cambiamento che da queste è derivato, si diventa così suscettibili che anche il ticchettio di un orologio può generare spavento.

L’elemento interessante de Il mistero della casa del tempo tuttavia, ancor prima di quello magico, sono i suoi tre protagonisti. Tre personaggi ognuno a loro modo costretti ad affrontare una sconfitta personale, un lutto che ha rotto qualcosa in loro. All’interno della casa, che con le sue particolarità assume le caratteristiche vere e proprie di un quarto personaggio, i tre dovranno essere in grado di riconoscersi per le loro somiglianze unendo le loro forze. Ad opporsi a loro c’è un malvagio stregone degno di nota, interpretato da Kyle Maclachlan, che svela anch’egli un proprio interessante background, a conferma che la scrittura del film non si è risparmiata in dettagli, cercando di scavare quanto più in profondità possibile nel cuore dei personaggi.

All’interno di questo quadro Il mistero della casa del tempo presenta invenzioni visive e comiche ben costruite e riuscite, che si alternano a qualche momento di maggior rallentamento del ritmo o a qualche prevedibilità narrativa, ma che grazie anche ad una messa in scena particolarmente ricca, specialmente da un punto di vista scenografico e dei costumi, consegna un perfettamente godibile prodotto di intrattenimento, capace anche di dare una propria interpretazione sul concetto di magia, vista non più come materia per bambini ma come elemento indispensabile per la vita e la crescita di ognuno di noi.