Quando Matlock tornerà nel 2026 con la seconda
metà della
stagione 2, lo farà senza uno dei suoi personaggi principali.
La pausa invernale prolungata del palinsesto CBS 2025-2026 ha
lasciato i fan in attesa di nuovi sviluppi, ma ora è arrivata una
conferma che cambia sensibilmente gli equilibri della serie guidata
da
Kathy Bates.
L’ultimo episodio inedito di Matlock è andato in onda a inizio dicembre 2025, con un
mid-season
finale carico di colpi di scena. Senior è stato colpito da un
ictus finendo in coma farmacologico, mentre la riconciliazione tra
Madeline e Olympia sembrava finalmente a un passo. In mezzo a
questo caos narrativo, però, la serie aveva già iniziato a
preparare l’uscita di Billy.
L’attore David del Rio è stato infatti licenziato dopo accuse di
molestie presentate dalla co-star Leah Lewis. A seguito
dell’accaduto, l’attore è stato allontanato immediatamente dal set
e la produzione è entrata in una pausa programmata. CBS ha
successivamente riaperto l’indagine interna, ma secondo quanto
riportato da EW la decisione finale è stata quella di confermare il
licenziamento.
L’uscita di Billy cambia gli equilibri del piano di vendetta di
Madeline
La scelta del network significa che Billy non tornerà in
Matlock. Anche se
narrativamente il personaggio è ancora vivo – la sua uscita dallo
studio Jacobson Moore era legata alla perdita della gravidanza di
Sarah – la situazione fuori dallo schermo rende di fatto definitiva
la sua assenza. La showrunner Jennie Snyder Urman ha inoltre
confermato che il ruolo non verrà riassegnato a un altro attore: al
suo posto entreranno nuovi personaggi.
Dal punto di vista narrativo, la perdita di Billy incide
direttamente sul cuore della stagione. Il personaggio faceva parte
del duo di collaboratori di Olympia insieme a Sarah ed era già
presente nello studio quando Madeline aveva iniziato il suo piano
di vendetta sotto copertura. Billy aveva sviluppato un rapporto di
fiducia con Madeline, diventando un potenziale alleato prezioso
all’interno dello studio legale.
La sua uscita, quindi, riduce la rete di supporto su cui Madeline
poteva contare. Tuttavia, l’impatto sulla trama principale legata
al caso Wellbrexa potrebbe essere meno devastante del previsto.
Senior aveva infatti coinvolto direttamente Sarah come sua
informatrice, rendendola un nodo narrativo più centrale rispetto a
Billy. Se quest’ultimo avrebbe probabilmente finito per essere
coinvolto nella cospirazione, al momento del licenziamento era
ancora relativamente ai margini della storyline più ampia.
Paradossalmente, la scrittura aveva già predisposto una via
d’uscita coerente attraverso la sottotrama della gravidanza di
Sarah, offrendo agli autori uno spazio credibile per riorganizzare
gli equilibri senza stravolgere completamente l’arco narrativo.
Resta ora da capire come la seconda parte della stagione 2
ricalibrerà le dinamiche interne allo studio e in che modo il piano
di vendetta di Madeline si evolverà senza uno dei suoi
interlocutori chiave.
Kayce è tornata in Marshals:
A Yellowstone Story, ma non si sa dove siano
finiti
Rip e Beth nello spin-off di Yellowstone. Quando Yellowstone è terminato nel
2024, nonostante la sua popolarità continuasse, la famiglia ha
subito diverse perdite negli ultimi episodi. Innanzitutto, l’uscita
di scena scioccante di Kevin Costner ha costretto gli autori
della serie a eliminare John III e, considerando il suo impegno nei
confronti del ranch, non c’era nessun altro motivo valido per
giustificare la sua assenza. In secondo luogo, Beth ha finalmente
ottenuto la vendetta che aveva sempre desiderato con la morte di
Jamie.
Questo ha lasciato solo due figli
sopravvissuti al personaggio di Costner: Beth e
Kayce. Entrambi i personaggi hanno ottenuto la loro
versione di “e vissero felici e contenti”, dopo il ritorno del
ranch Yellowstone alla riserva indiana di Broken Rock. Certo,
Yellowstone non è riuscito a sviluppare il rapporto tra i fratelli
fino alla morte di John III. Detto questo, è comunque curioso
sapere perché Beth e Rip non si vedono da nessuna parte durante il
nuovo inizio di Kayce in Marshals.
Rip e Beth si sono allontanati dal
ranch Yellowstone alla fine della serie
La vendita del ranch Yellowstone è
stata la manifestazione della promessa di lunga data del franchise
su come sarebbe tornato ai suoi abitanti originari. Come parte
dell’accordo, Kayce, Monica e Tate avrebbero mantenuto East Camp,
cosa che rimane valida in Marshals. Nel frattempo, dato che la casa
principale sarebbe stata demolita, Beth e Rip hanno acquistato un
ranch più piccolo a Dillon, nel Montana, dove alla fine si sono
trasferiti.
Come descritto nella serie
principale, Dillon si trova a circa 40 miglia a ovest della zona di
Bozeman, dove si sono svolti gli eventi della serie principale e
ancora nella stessa zona in cui si trova Kayce. Ciò significa che
la coppia e il loro figlio adottivo, Carter, sono abbastanza
lontani da avere una certa separazione, soprattutto perché presto
debutteranno con il loro spin-off, Dutton Ranch, ma abbastanza vicini da consentire
a Taylor Sheridan e al suo team di mettere in
scena un crossover.
Dato che il primo episodio di
Marshals: A Yellowstone Story, e
probabilmente anche i prossimi, saranno incentrati sulla nuova vita
di Kayce come membro degli U.S. Marshals e sul nuovo inizio di
Tate, non c’è davvero bisogno che Rip e Beth compaiano a questo
punto. Anche se qualsiasi tipo di cameo è fantastico, è molto
meglio se c’è qualcosa di più di un semplice fan service.
Rip e Beth appariranno mai in Marshals: A
Yellowstone Story?
Come accennato in precedenza, la
logistica rende più facile la comparsa di Rip e Beth in
Marshals: A Yellowstone Story. A questo
punto, si tratta solo di trovare un motivo che giustifichi il fatto
che dedichino parte della loro giornata alla creazione del proprio
ranch e al viaggio verso East Camp. Come si vede in Yellowstone, la
famiglia Dutton ama concentrarsi sui propri affari, a meno che non
sia assolutamente necessario interferire in quelli degli altri.
Il produttore esecutivo di Dutton
Ranch, Chad Feehan, ha recentemente affrontato la questione e, pur
non escludendo questa possibilità, ammette che l’obiettivo
principale di entrambe le serie al momento è quello di affermarsi.
Ciò significa che, invece di lavorare a un crossover, stanno dando
la priorità alle rispettive trame narrative. Dal punto di vista
pragmatico, questo è l’approccio giusto, poiché è più importante
definire prima l’identità di Marshals e Dutton Ranch per poi
realizzare un crossover migliore.
L’episodio 1 di Marshals:
A Yellowstone Story si conclude con una serie di
eventi che anticipano il futuro di Kayce Dutton. La CBS aggiunge il franchise di
Yellowstone alla sua programmazione 2025-2026,
mentre la serie neo-western di Taylor Sheridan arriva sulla TV nazionale.
Nel sequel spin-off con Luke Grimes, l’eredità dei Dutton continua con
Kayce, ma sebbene Marshals: A Yellowstone Story
presenti alcuni personaggi familiari e ambientazioni riconoscibili,
si discosta dal dramma familiare che ha reso popolare la serie
originale.
In “Piya Wiconi”, Kayce intraprende
un nuovo inizio entrando a far parte della squadra degli U.S.
Marshals. Vivendo ancora a East Camp, l’insediamento che ha scelto
alla fine di Yellowstone quando ha rivenduto il ranch alla riserva
indiana di Broken Rock, il figlio minore di John III è l’unico
membro della famiglia Dutton che vive ancora nella zona.
Ritrovandosi con il suo ex compagno di squadra dei SEAL in una
missione, Kayce decide di unirsi ufficialmente alla squadra per
ricominciare da capo.
Il destino di Monica e come questo
influenzerà il futuro di Kayce e Tate
L’assenza di Kelsey Asbille dal
cast ufficiale di Marshals quando è stato annunciato ha sollevato
dubbi sul destino di Monica dopo gli eventi della serie madre. Era
semplicemente impossibile che la coppia si separasse, soprattutto
dopo tutto quello che avevano passato. Il primo episodio di
Marshals: A Yellowstone Story suggerisce
chiaramente cosa è successo a Monica. Sebbene l’episodio non
spieghi completamente i dettagli della questione, è stato stabilito
fin dall’inizio che lei è morta tra gli eventi di Yellowstone e
Marshals: A Yellowstone Story.
Dopo l’emozionante conversazione di
Kayce con Tate sul trovare entrambi un nuovo inizio, la scena
finale dell’episodio 1 di Marshals mostra il personaggio di Grimes
che visita la tomba di Monica. Ammette di sentire la sua mancanza e
di come la sua morte abbia reso la sua vita molto più difficile. Le
parla anche del suo cambiamento di rotta, dell’entrata ufficiale
nei Marshals degli Stati Uniti come modo per trovare una nuova
strada. A questo punto, Marshals non ha ancora rivelato come sia
morta esattamente Monica, e si può dire con certezza che la serie
lo rivelerà gradualmente nel corso della stagione.
Comprensibilmente, la morte di
Monica è tragica, forse anche più di quella di John III nella
quinta stagione di Yellowstone. Almeno, l’uscita molto discussa di
Kevin Costner dal neo-western di Sheridan è
servita da avvertimento per il destino finale del suo personaggio,
poiché non c’era altro modo per spiegare la sua assenza dalla
serie. La perdita di Monica, tuttavia, è particolarmente devastante
a causa della tempistica degli eventi. Per anni, Kayce ha lottato
per la vita che avevano una volta venduto il ranch, eppure non
hanno avuto molto tempo per godersela.
Per quel che vale, la storia di
Marshals: A Yellowstone Story non sarebbe
stata possibile senza la morte di Monica. Se fosse stata viva,
Kayce non avrebbe avuto alcun interesse a cambiare la vita
tranquilla che avrebbe avuto con lei e Tate a East Camp. Mentre il
futuro del più giovane dei Dutton è già tracciato, Tate continua a
cercare il suo. In “Piya Wiconi”, sembra che stia agendo in modo
automatico, svolgendo le faccende perché devono essere fatte. Dice
che forse non vuole la vita a East Camp e Kayce lo sostiene. Di
questo passo, si può dire con certezza che è solo questione di tempo prima che anche il
futuro di Tate sia tracciato.
Cosa significa per Marshals
l’uccisione del lupo da parte di Kayce
L’ultima scena dell’episodio 1 di
Marshals si svolge dopo la visita di Kayce alla tomba di Monica.
Mentre scende dalla collina dove si trova la tomba e torna al suo
cavallo, la telecamera inquadra un lupo all’orizzonte. Chi ha visto
Yellowstone sa quanto questo animale sia importante per la storia
di Kayce, dato che è apparso più volte davanti a lui nel corso
della serie. Durante un incontro memorabile con uno di essi, Kayce
ha stretto un patto con un lupo, promettendo di non fargli del male
se non avesse disturbato loro nelle pianure. Questo è rimasto vero
fino a quando Kayce non ha preso il fucile e gli ha sparato con
decisione alla fine di “Piya Wiconi”.
La mossa di Kayce è indicativa del
suo futuro in Marshals: A Yellowstone
Story. Dopo anni passati a cercare di mantenere la
pace senza causare danni, è pronto ad assumere un ruolo più attivo
come protettore. Il finale dell’episodio si ricollega a una
conversazione precedente che Kayce ha avuto quando ha fatto visita
a Rainwater, in convalescenza. Il figlio di John III ha confessato
le sue preoccupazioni di trovarsi sempre dalla parte sbagliata dopo
il precedente incidente che ha portato il capo della riserva
indiana di Broken Rock in ospedale. Rainwater lo ha confortato,
dicendogli che mentre tutti i Dutton hanno un istinto killer, Kayce
è un protettore.
Qualsiasi dubbio nella mente di
Kayce riguardo all’entrare nei Marshals: A Yellowstone
Story degli Stati Uniti è stato efficacemente
spazzato via dalle successive parole di Mo: “Con tutti i lupi là
fuori, abbiamo bisogno di cani da pastore più che mai”. Questo lo
convinse ad assumere un ruolo più importante nella protezione, non
solo per qualcosa che aveva menzionato durante la conversazione, ma
per qualcuno. Con un nuovo obiettivo che ora è più grande di lui e
della sua famiglia, Kayce intraprende questa strada nei Marshals
per fare qualcosa di utile per il bene comune.
Arrivano aggiornamenti importanti su The
Pitt – Stagione 3. Noah
Wyle, protagonista del medical drama HBO, ha
parlato dello stato dei lavori sulla nuova stagione della serie,
offrendo ai fan un’indicazione chiara: la produzione entrerà presto
nel vivo e il ritorno potrebbe essere più vicino del previsto.
Wyle interpreta il dottor Michael “Robby” Robinavitch, figura
centrale del Pittsburgh Trauma Medical Center, ospedale in cui si
svolge la serie. The Pitt segue Robby e il suo team
durante turni estenuanti e situazioni di emergenza che mettono alla
prova non solo le competenze mediche, ma anche la stabilità emotiva
dei protagonisti. La serie si è distinta fin dall’esordio per il
suo approccio realistico e per l’attenzione al peso psicologico del
lavoro in pronto soccorso.
Durante un’intervista rilasciata nella press room degli Actor
Awards 2026, Wyle ha confermato che la writers’ room della terza
stagione aprirà a breve. L’attore ha spiegato che, come accade per
ogni ciclo produttivo della serie, il primo passo sarà confrontarsi
con professionisti del settore sanitario per garantire la massima
accuratezza possibile nella scrittura.
The Pitt – Stagione 3
affronterà le nuove crisi del sistema sanitario americano
Nel dettaglio, Wyle ha rivelato che gli sceneggiatori stanno
programmando incontri con esperti provenienti da diversi ambiti
dell’assistenza sanitaria. L’obiettivo è comprendere quali temi
siano più urgenti e rilevanti per chi lavora quotidianamente negli
ospedali, così da costruire trame che riflettano fedelmente la
realtà. Un metodo che conferma l’identità della serie: non solo
intrattenimento, ma racconto consapevole del sistema sanitario
contemporaneo.
L’attore ha inoltre anticipato che la nuova stagione sarà
“tempestiva”, suggerendo un forte legame con le dinamiche attuali.
Tra i temi potenzialmente al centro della narrazione ci sarebbero i
problemi legati ai tagli al Medicare, la chiusura di ospedali e le
difficoltà economiche che stanno colpendo il settore sanitario
statunitense. Questioni che, secondo Wyle, rappresentano solo la
punta dell’iceberg di una crisi più ampia.
Questa scelta narrativa si inserisce in una tradizione consolidata
del medical drama americano, capace di intercettare i cambiamenti
sociali attraverso le storie dei suoi personaggi. Grazie a un cast
corale che include, tra gli altri, Tracy Ifeachor, Patrick
Ball, Katherine LaNasa, Fiona Dourif e Sepideh Moafi,The Pitt può contare su
figure ricche e multidimensionali, pronte a evolversi in risposta
alle nuove sfide. Le prime due stagioni sono attualmente
disponibili in streaming su HBO
Max, mentre la terza non ha ancora una data ufficiale di
uscita. Secondo le prime indiscrezioni, il debutto potrebbe
avvenire nel gennaio 2027.
Sono in tutto
dieci, con il ‘Nastro della Legalità’ dedicato a Giulio Regeni, i
titoli premiati dai Giornalisti Cinematografici ai Nastri d’Argento
per i migliori Documentari 2026: con il ‘Nastro dell’anno’ per
Attitudini: Nessuna di Sophie
Chiarello, che racconta da vicino Aldo Giovanni e Giacomo e il loro
stile inimitabile, vincono
Sotto le nuvoledi Gianfranco Rosi per il
‘Cinema del reale’ enella sezione ‘Cinema, Spettacolo, Cultura’
Roberto Rossellini – Più di una vita di
Ilaria De Laurentiis, Andrea Paolo Massara e Raffaele Brunetti
(Cinema) che racconta per la prima volta gli ultimi vent’anni del
maestro del cinema fra vita pubblica e privata, e
Ellroy vs L.A. di Francesco Zippel
(Cultura) che indaga il rapporto difficile tra lo scrittore noir
più amato dal cinema americano e Los Angeles, la sua città. Il
Nastro d’Argento per il Miglior documentario tra i titoli della
selezione speciale dedicata quest’anno alla ‘Musica’ va, infine, ad
Andando dove non so. Mauro Pagani, una vita da
fuggiasco di Cristiana Mainardi che accende
finalmente un riflettore sulla storia e sul valore di un autore
straordinario tra memorie e musica, ripercorrendone la carriera
artistica e personale tra molte testimonianze importanti.
I Giornalisti
Cinematografici (SNGCI) hanno anche assegnato tre Premi speciali: a
Toni D’Angelo per la regia del documentario
dedicato al padre Nino D’Angelo, Nino. 18
giorni, racconto di una vita non solo artistica
segnata dal grande successo popolare ma anche da forti delusioni.
Una storia intensa che svela l’anima di un artista molto amato che
da mezzo secolo attraversa la canzone come il cinema, fin dai
‘musicarelli’, accompagnato dall’affetto di tante generazioni e,
nonostante molte difficoltà, sempre fedele alle proprie radici. Un
altro Premio è andato alla straordinaria avventura di Gregorio
Sassoli e Alejandro Cifuentes autori di San
Damiano: due anni di lavoro sul campo – seguiti da
una straordinaria riflessione nel dibattito che ne ha poi
accompagnato le proiezioni in sala – per raccontare il mondo
degli ultimi e della vita borderline intorno alla stazione
Termini di Roma. Il documentario segue in particolare la
quotidianità di Damien, senzatetto polacco trentacinquenne arrivato
in Italia in cerca di una nuova vita che si è fermata, però, sulla
torre più alta delle Mura Aureliane, a un passo da Termini, nel
peggior degrado di un’ esistenza fatta di espedienti di ogni genere
sognando un successo da cantante. Particolarmente significativo
infine, anche da un punto di vista giornalistico, il Premio
speciale a Quarant’anni senza Giancarlo
Siani di Filippo Soldi, omaggio alla storia del
giovane cronista de ‘Il Mattino’ assassinato sotto casa dalla
camorra nel 1985, che ha pagato con la vita il coraggio e la
tenacia di non lasciarsi mai intimidire dalle minacce.
Con i Nastri
d’Argento e i tre Premi speciali protagonisti della premiazione
romana, ancora una volta al Cinema Barberini di Roma, una
menzione speciale – oltre la selezione ufficiale – è stata
assegnata ad un documentario decisamente originale: The
Madmen Coach di Carlo Liberatori, storia della prima
nazionale senegalese di calcio per persone con problemi di salute
mentale. Un film che dimostra come lo sport, in questo caso il
calcio, riesca a vincere la sfida contro i pregiudizi più
radicati, diventando un rifugio inclusivo ma anche
un’opportunità di riscatto e di guarigione. Proprio come dimostra
l’esperienza dello psichiatra Santo Rullo, che ha fortemente voluto
e guidato l’esperimento mettendone a fuoco poi il racconto con
Valerio Di Tommaso e Carlo Liberatori che ha diretto il film.
Il
‘Nastro della legalità’
Completa come ogni anno
il palmarès dei Nastri d’Argento per i Documentari il
‘Nastro della legalità’ andato al film Giulio Regeni – Tutto il male del
mondo e già consegnato al regista Simone Manetti,
agli autori Emanuele Cava e Matteo Billi e ai produttori Ganesh e
Fandango, rendendo omaggio anche ai genitori – Paola Deffendi e
Claudio Regeni – del ricercatore italiano torturato e assassinato
in Egitto, e alla tenacia dell’avvocata Alessandra Ballerini che li
affianca da dieci anni nella battaglia per la giustizia e i diritti
civili.
La
selezione ufficiale
È disponibile sul
sito d’informazione del SNGCI www.cinemagazineweb.it firmata dal Direttivo
Nazionale dei Giornalisti Cinematografici Italiani che ha appena
concluso il suo mandato (ed è pronto ad un nuovo triennio,
rinnovato nella composizione). Ne hanno fatto parte con Laura
Delli Colli (Presidente), Fulvia Caprara
(Vicepresidente), Oscar Cosulich, Susanna
Rotunno, Paolo Sommaruga, Stefania Ulivi e
Maurizio di Rienzo, in particolare per il coordinamento
delle proposte esaminate. Sono stati 195 i documentari
visionati, editi nel 2025 e proposti entro il 31
dicembre scorso dai Festival più importanti o nelle rassegne
specializzate, e in qualche caso, usciti in sala e/o trasmessi poi
su reti o piattaforme televisive.
Il 6 marzo arriva
in esclusiva su RaiPlayAgente Speciale Legs
Weaver, la nuova serie animata
prodotta da Sergio Bonelli Editore, in collaborazione con Rai Kids.
4 episodi da 10 minuti dedicati allo storico
personaggio del fumetto Legs Weaver.
Creata dal
dinamico trio di sceneggiatori Michele Medda, Antonio Serra
e Bepi Vigna, Legs Weaver balza dalle pagine di
Nathan Never direttamente sugli schermi,
diventando la prima eroina femminile titolare di una
testata nell’universo Bonelli. AGENTE SPECIALE
LEGS WEAVER rappresenta una rivoluzione nell’adult
animation firmata da Sergio Bonelli Editore: pensata specificamente
per un pubblico ampio, che utilizza i codici dell’animazione con
una consapevolezza e una maturità narrativa uniche nel suo
genere. La scelta dell’animazione 2D rappresenta una precisa
strategia creativa che mira a creare un ponte tra l’animazione
occidentale e quella orientale, rivolgendosi a un pubblico di
appassionati che da anni segue produzioni giapponesi pensate per un
pubblico non solo di bambini.
La storia conduce
gli spettatori in una futuristica metropoli chiamata Città Est,
dove decine di milioni di persone navigano tra i pericoli di ogni
giorno, dai piccoli criminali ai super-cattivi che sognano di
conquistare il mondo. In questo contesto, Legs e i suoi colleghi
dell’agenzia di vigilanza Alfa, incluso l’eroico Nathan Never, si
tuffano in avventure mozzafiato, combattendo il crimine con un mix
esplosivo di azione, adrenalina e una buona dose di ironia.
L’atmosfera è leggera e divertente e nel cuore di ogni episodio
brucia la passione per la vera avventura. AGENTE SPECIALE
LEGS WEAVER è però pensata anche gli amanti della
rottura della quarta parete: mentre Legs e May combattono le
antagoniste, un editor sta realizzando un cartone animato su di
loro, e la stessa animazione cambia stile in tempo reale,
richiamando il gioco metalinguistico che da sempre caratterizza il
fumetto.
Dichiara
Vincenzo Sarno, Produttore Esecutivo Bonelli
Entertainment e Responsabile dell’Ufficio Sviluppo di Sergio
Bonelli Editore: «Con Agente Speciale Legs
Weaver portiamo su RaiPlay un personaggio iconico
dell’universo Bonelli, che ha saputo conquistare generazioni di
lettori con la sua forza, la sua ironia e il suo spirito
indipendente. Questa serie animata rappresenta per noi un passo
importante: è l’incontro tra la nostra tradizione narrativa e un
linguaggio contemporaneo, capace di parlare a un pubblico nuovo
senza perdere l’identità e la profondità che da sempre
contraddistinguono le nostre storie. Legs è un’eroina moderna e
assieme a Rai Kids siamo orgogliosi di vederla finalmente
protagonista anche sullo schermo”.
Agente Speciale Legs
Weaver
Una produzione Sergio Bonelli Editore
con la partecipazione di Rai Kids.
Cast
tecnico-artistico
Regia: Federico
Rossi Edrighi e Raffaele Compagnoni
Soggetto: Michele Medda, Antonio Serra, Bepi
Vigna
Adattamento e
Sceneggiature: Adriano Barone
Produttore
Esecutivo: Vincenzo Sarno
Direttore di
Produzione: Antonio Navarra
Produttore
Rai: Sonia Farnesi
Produttori
Creativi: Giovanni Masi, Mauro Uzzeo
Produttori
Associati Federico Riboldazzi, Marco Ficarra
Dalla pluripremiata sceneggiatrice
e regista Mona Fastvold (The
World to Come, The Brutalist) arriva la
straordinaria storia vera di Ann Lee, fondatrice della setta
religiosa nota come gli Shakers. La candidata all’Oscar®
Amanda Seyfried interpreta l’indomabile leader
del movimento, che predicava l’uguaglianza di genere e sociale ed
era venerata dai suoi seguaci. Il Testamento
di Ann Lee cattura l’estasi e il tormento della
sua missione utopica, con oltre una dozzina di inni tradizionali
Shaker reinterpretati come movimenti estatici, coreografati
da Celia Rowlson-Hall (Vox
Lux) e accompagnati da brani originali e colonna
sonora firmati dal vincitore dell’Oscar® Daniel
Blumberg (The
Brutalist).
Fastvold si è imbattuta negli inni
degli Shaker, che l’hanno spinta a riportare alla luce la storia di
Ann Lee, una figura così forte eppure sorprendentemente poco
conosciuta come “leader religiosa femminista ribelle
nell’America della fine del 1700”, ricorda. Convinta che Lee
fosse stata completamente ignorata dalla storia, Fastvold ha deciso
di scrivere, produrre e dirigere questo film con grande passione,
spiegando: “Per me, essere un’artista significa sempre lottare
per creare l’impossibile: è questo che mi ha attratto di Ann Lee.
Questo film è un omaggio al suo sogno e al silenzio che ora lo
circonda”.
Scritto da Fastvold e Brady Corbet,
Il Testamento di Ann
Lee ha ottenuto molti riconoscimenti nei festival
cinematografici e ha ricevuto numerose nomination, tra cui quella
ai Golden Globe come Miglior Attrice in un Film – Musical o Comedy
e quella della Critics Choice Association. Il film, che vede anche
la partecipazione di
Thomasin McKenzie, Lewis Pullman, Stacy
Martin, Tim Blake Nelson e Christopher
Abbott, arriverà nelle sale italiane il 12 marzo.
Paramount Pictures presenta, in collaborazione con Miramax, una
produzione dei fratelli Wayans:
arriva il nuovoScary Movie, per la
regia di Michael Tiddes, con personaggi ideati da
Shawn Wayans & Marlon Wayans & Buddy Johnson & Phil Beauman e Jason
Friedberg & Aaron Seltzer e da una sceneggiatura di Marlon Wayans &
Shawn Wayans & Keenen Ivory Wayans & Craig Wayans & Rick
Alvarez.
Nel
cast di Scary Movie compaiono:
Marlon Wayans, Shawn Wayans, Anna
Faris, Regina Hall, Damon Wayans Jr., Gregg Wayans, Kim Wayans,
Benny Zielke, Cameron Scott Roberts, Cheri Oteri, Chris Elliott,
Dave Sheridan, Heidi Gardner, Lochlyn Munro, Olivia Rose Keegan,
Ruby Snowber, Savannah Lee Nassif, Sydney Park.
Il
film uscirà il 10 giugno distribuito da Eagle Pictures.
La
trama di Scary Movie (2026)
Ventisei anni dopo essere sfuggiti a un killer mascherato fin
troppo familiare (“Ghostface”), i Core Four tornano nel mirino
dell’assassino — e nessun franchise horror è al sicuro. Marlon
Wayans (“Shorty”), Shawn Wayans (“Ray”), Anna Faris (“Cindy”) e
Regina Hall (“Brenda”) si riuniscono in Scary Movie insieme a volti amatissimi di
ritorno e nuove facce pronte a fare a pezzi reboot, remake, requel,
prequel, sequel, spin-off, elevated horror, origin story, qualsiasi
cosa contenga la parola “legacy” e ogni “capitolo finale” che
finale non è mai. Niente è sacro. Nessun cliché sopravvive. Ogni
limite viene superato. I Wayans sono tornati per cancellare la
Cancel Culture.
Karl Urban ha appena accennato a un possibile
ritorno a uno dei suoi personaggi sovrumani. L’attore ha
recentemente recitato al fianco di Priyanka Chopra
Jonas nel nuovo film Amazon Prime The Bluff, un
film d’avventura sui pirati con una forte protagonista femminile e
epici duelli con la spada. I due hanno parlato con The Playlist del loro tempo sul
set e dei prossimi progetti. È stato allora che Urban ha rivelato
il ruolo che più gli piacerebbe rivisitare.
Nel 2012 ha interpretato il giudice
Dredd nel film Dredd – Il giudice dell’apocalisse. Il suo
personaggio non ha poteri da supereroe, ma è un eccellente
tiratore, un combattente superiore in tutte le forme di
combattimento ed è un essere umano al massimo delle sue capacità.
Fa rispettare la legge nella città immaginaria di Mega-City One,
invasa dai criminali.
“Mi piacerebbe molto riprendere
quel ruolo. Davvero. Mi sono divertito tantissimo a girare quel
film“. Ha affermato l’attore: ”Se non ne farò parte, mi
sta bene. Voglio solo vedere altre storie di Dredd“. Nel
luglio 2025 è stato riportato che Taika Waititi è stato scelto per dirigere un nuovo
film su Giudice Dredd che sarà scritto da Drew
Pearce, noto per Mission: Impossible – Rogue
Nation. Al momento, non si sa molto del film, ma è stato
detto che sarà basato più sui fumetti che sulle precedenti
interpretazioni live-action del personaggio.
Waititi è noto per aver già portato
alcune storie di fumetti sul grande schermo. Non solo ha diretto
entrambi i film MarvelThor: Ragnarök e
Thor: Love and Thunder, ma ha
anche diretto e recitato nel film What We Do in the
Shadows e nella satira sulla Seconda Guerra Mondiale Jojo
Rabbit, che gli è valsa un Oscar. Al momento Waititi è però
impegnato su molteplici progetti, per cui non è chiaro se e quando
si occuperà di un nuovo Giudice Dredd. Di conseguenza, al di là
delle speranze di Karl
Urban, non ci sono certezze riguardo un suo ritorno nel
ruolo.
Secondo recenti notizie,
Zendaya e Tom
Holland si sarebbero già sposati. Law Roach ha
dichiarato ad Access Hollywood durante gli Actor’s Awards: “Il
matrimonio c’è già stato, ve lo siete perso“. Roach è lo
stilista esclusivo di Zendaya dal 14 marzo 2023, quando ha deciso
di prendersi una pausa dal lavoro con altre celebrità. Anche se
all’epoca era esausto, ha continuato a lavorare con Zendaya perché
la considerava come una sorella: “È la mia sorellina, ed è vero
amore, non il falso amore del mondo dello spettacolo”.
Zendaya e il suo partner, Holland,
hanno recitato insieme nel film Spider-Man:
Homecoming del 2017. Sono circolate molte voci su una
presunta relazione tra i due sul set, ma la loro relazione è stata
confermata solo nel 2021. La coppia ha annunciato il fidanzamento
nel dicembre 2024.
La data esatta del matrimonio è
sconosciuta, con l’annuncio di Roach che ha sconvolto il mondo
domenica sera. La coppia ha mantenuto la propria relazione per lo
più privata, quindi non sorprende che le nozze siano state
probabilmente un evento intimo. Il motivo dietro la segretezza è
probabilmente perché sia Zendaya che Holland trovano l’attenzione
nei loro confronti invadente e strana. Lei ha spiegato come
volessero che la loro relazione fosse privata e qualcosa di
speciale che appartenesse solo a loro.
“Piuttosto strano, bizzarro,
confuso e invasivo. Il sentimento che condividiamo entrambi è che
quando ami davvero e tieni a qualcuno, alcuni momenti o cose
vorresti fossero solo tuoi… Penso che amare qualcuno sia una cosa
sacra e speciale, qualcosa che vuoi affrontare, vivere,
sperimentare e goderti insieme alla persona che ami“.
La coppia è al centro
dell’attenzione sin dal loro successo del 2017. Le compilation
video delle loro interazioni hanno milioni di visualizzazioni. La
loro leggendaria Lip Sync Battle, con Holland che esegue un medley
di “Umbrella / Singin’ in the Rain” e Zendaya che rende omaggio al
collaboratore Bruno Mars con “24 Karat Magic”, è ancora uno degli
episodi più visti di sempre.
Il 2026 si preannuncia già un anno
intenso per la star di Dune.
Zendaya ha in programma 4 film di successo e il ritorno di Euphoria. Due dei suoi film vedono anche la
partecipazione di Holland. Entrambi recitano in
The
Odyssey di Christopher Nolan e tornano nei
loro ruoli iconici di Peter e MJ in Spider-Man: Brand New
Day.
Roach ha curato lo stile di
Zendaya per molte delle sue prime cinematografiche
e probabilmente sta facendo gli straordinari per preparare look
unici, eleganti e in tema per tutti i red carpet a cui dovrà
partecipare quest’anno. Da The Drama con
Robert Pattinson ad aprile, alle
uscite di dicembre Dune: Parte Tre e
Shrek
5, la coppia ha chiaramente molto lavoro da
fare.
Sebbene non ci sia ancora una
conferma ufficiale da parte di nessuno dei due attori, il ruolo di
insider di Roach aggiunge credibilità alla notizia. Tuttavia, solo
il tempo dirà quando e come sceglieranno di fare l’annuncio.
Lo
sviluppo del prossimo film di Jason Bourne subisce un cambio
importante: a quanto pare Matt Damon non
tornerà più nel ruolo dell’agente segreto. A settembre,
Edward Berger
aveva confermato a THR di essere ancora pronto a dirigere il nuovo
capitolo: “Lo farò se Matt vorrà farlo. Dobbiamo sentire che
stiamo aggiungendo qualcosa di nuovo ai grandi film di Bourne già
esistenti. Solo così Matt vorrà farlo e io avrò voglia di
dirigere”.
Oggi, però, sembra che Damon abbia deciso di dire addio al
personaggio. La notizia arriva grazie a Jeff Sneider, che nel podcast The Hot Mic ha accennato a un imminente annuncio
ufficiale riguardante il franchise, confermando che Damon non sarà
più coinvolto. Lo scorso marzo, Universal ha
riacquisito i diritti della saga con l’obiettivo di
“rilanciare” il franchise, probabilmente attraverso un reboot.
L’ultimo script, firmato da Joe Barton (Black Doves), è già pronto, ma a questo punto non si sa
chi potrebbe interpretare il nuovo Bourne.
La saga, ad oggi, ha incassato complessivamente 1,64 miliardi di
dollari al botteghino mondiale. I primi tre film — Identity, Supremacy e Ultimatum —
rimangono i più apprezzati, mentre gli ultimi due capitoli hanno
ricevuto critiche tiepide, riducendo l’entusiasmo per un eventuale
sesto episodio. L’ultimo Bourne con Damon è stato il film del 2016,
Jason Bourne, diretto nuovamente da
Paul Greengrass,
che pur ottenendo recensioni moderate ha incassato oltre 400
milioni di dollari nel mondo. Chi prenderà il posto di Damon resta
un mistero, ma Universal sembra intenzionata a far tornare l’agente
segreto sul grande schermo.
Sarah Michelle Gellar ha
rivelato un delizioso ricordo per i fan di Buffy –
l’Ammazzavampiri, il suo iconico ruolo degli anni
’90, parlando del suo coinvolgimento nel prossimo sequel della
commedia horror Finché Morte non ci Separi 2.
Finché Morte non ci
Separi 2 riprende subito dopo gli eventi del
sorprendente successo del 2019 Finché Morte non ci
Separi. In quell’originale, Grace MacCaullay,
interpretata da Samara Weaving, ha vissuto un
matrimonio infernale quando il tradizionale gioco a nascondino dei
suoi nuovi suoceri si è trasformato in una lotta mortale per la
sopravvivenza. Finché Morte non ci Separi
2 vede protagonisti Weaving, Gellar, Kathryn
Newton, Elijah Wood, Shawn Hatosy, Néstor
Carbonell e Kevin Durand.
Parlando del film con Entertainment Tonight,
Sarah Michelle Gellar ha rivelato che
Kathryn Newton, che interpreta Faith, la sorella
di Grace, ha intenzionalmente fatto riferimento a uno dei
look di Buffy per il suo personaggio, cosa di cui Gellar
inizialmente non si era nemmeno resa conto. Leggi il commento
completo di Gellar qui sotto:
La cosa davvero divertente è
che non sapevo nulla di tutto questo. Così Kathryn [Newton] ha
portato una foto di Buffy con questo vestito. Aveva in un certo
senso un’idea di cosa fosse.
E poi sono nella prima scena
con lei e le ho detto: “Sai, il tuo vestito mi ricorda qualcosa”. E
lei: “Davvero?”. Quindi abbiamo un bellissimo fianco a fianco. Sì,
l’acconciatura è esattamente la stessa.
Il look a cui Newton
faceva riferimento non era altro che l’iconico outfit di Gellar
nell’episodio pilota di Buffy –
l’ammazzavampiri. Il personaggio di Newton in
Finché Morte non ci Separi
2 replica il look, dalla camicia blu
abbottonata all’acconciatura spettinata. È un piccolo ma potente
Easter egg che i fan di Buffy apprezzeranno moltissimo quando il
nuovo film arriverà al cinema.
Il duo di Radio Silence, Matt Bettinelli-Olpin e
Tyler Gillett, tornano alla regia per
l’attesissimo sequel, ambientato subito dopo gli eventi del suo
predecessore, dopo che Grace è stata avvicinata dalla polizia nel
finale del primo Ready or Not.
La rivelazione di Gellar
sull’abbigliamento di Faith aggiunge un ulteriore livello di
divertimento all’uscita del film, soprattutto per coloro che sono
cresciuti con Buffy. La serie soprannaturale degli anni ’90 è
diventata un punto fermo della cultura pop grazie al suo mix di
horror, umorismo e un’attenta caratterizzazione dei personaggi, e
vederne l’influenza, anche solo con un piccolo accenno, nel sequel
di un amato film horror contemporaneo non può che suscitare
entusiasmo.
Finché Morte non ci Separi 2 uscirà
nei cinema questa primavera, inaugurando un nuovo capitolo della
serie horror di culto. Con i suoi giochi letali, il nuovo cast e i
giocosi richiami alla storia dell’horror, il sequel si preannuncia
come uno dei film più attesi del 2026. Il film arriverà nei
cinema il 9 aprile.
Revenant –
Redivivo è basato sulla storia vera di
Hugh Glass; l’esploratore non morì dopo gli eventi
raccontati nel film che è ambientato nel 1823. Infatti Glass morì
solo un decennio dopo, nel 1833. Dopo gli eventi del film, Glass
tornò a casa e continuò a partecipare a spedizioni.
Per quanto incredibile possa
sembrare il viaggio di Hugh Glass nel film, Revenant –
Redivivo rimane piuttosto fedele ai fatti
relativi agli eventi reali e alla vita di Glass. Tuttavia, il film
modifica anche aspetti chiave del personaggio, come la moglie
Pawnee e il figlio, entrambi figure di finzione. Anche
il finale apporta alcuni cambiamenti rispetto a ciò che accadde
realmente, sia condensando il suo viaggio sia alterando lo
scontro finale con Fitzgerald.
Se l’idea che Glass non
uccida personalmente Fitzgerald può essere sembrata a qualcuno un
anticlimax cinematografico, nella storia vera è addirittura peggio.
Glass riesce a rintracciare Fitzgerald fino a una base
dell’esercito, dove scopre che si è arruolato da poco. A Glass
viene detto che non gli è permesso uccidere un soldato, altrimenti
verrebbe arrestato. Invece, Glass si limita a chiedere che
Fitzgerald gli restituisca il fucile che gli era stato
sottratto.
La storia di Glass è stata adattata
in numerosi libri, ma poiché nessuna delle fonti è Glass stesso, è
difficile stabilire quale sia la versione autentica dei fatti.
The Hollywood Reporter
riporta anche un’altra versione degli eventi, in cui Glass incontra
finalmente Fitzgerald e sceglie semplicemente di perdonare l’uomo
che gli aveva fatto un torto, in modo simile a quanto fa con
Bridger nel film. Sebbene questi finali avrebbero potuto offrire
spunti interessanti sul tema della vendetta in Revenant –
Redivivo, non sorprende che il film abbia scelto
una direzione diversa.
Il finale di Revenant –
Redivivo chiude la sconvolgente storia di
sopravvivenza di Alejandro González Iñárritu.
Revenant è
uno dei film più acclamati dalla critica e più memorabili degli
anni 2010; il film che ha finalmente fatto vincere a
Leonardo DiCaprio l’Oscar come
Miglior Attore; è riuscito a mantenere il suo status di uno dei
western moderni e delle storie di vendetta più iconiche, e a 10
anni dalla sua prima uscita in sala, torna sugli schermi italiani.
Una buona occasione per ripercorrere la tragica eppure sorprendente
e avventurosa parabola di Hugh Glass.
Revenant
racconta la storia vera di Hugh Glass (Leonardo
DiCaprio), un uomo di frontiera dei primi anni
dell’Ottocento che rimane bloccato nei boschi dopo essere stato
tradito dal suo gruppo e attaccato da un orso. Nonostante ciò,
Glass riesce a trascinarsi attraverso la foresta nel tentativo di
dare la caccia a coloro che lo hanno tradito e ottenere la sua
vendetta. Revenant –
Redivivo vanta un cast di grande richiamo,
con DiCaprio affiancato da Tom
Hardy, Will Poulter, Domhnall
Gleeson e altri. Il finale del film conclude l’epico e
durissimo viaggio del protagonista, ma merita di essere esplorato
più a fondo.
Il film di Alejandro
González Iñárritu inizia presentando una situazione
estremamente tragica per Hugh Glass: il suo gruppo lo tradisce
abbandonandolo dopo che viene attaccato da un orso grizzly.
L’abbandono di Hugh Glass da parte del gruppo implica che suo
figlio Hawk debba andare via con loro, ma lui si rifiuta. Quando
Tom S. Fitzgerald (interpretato da Hardy) tenta di uccidere Glass,
Hawk cerca di fermarlo, e questo porta Fitzgerald ad accoltellare
Hawk a morte. Glass viene quindi lasciato indietro e dato per
morto; lui però lentamente recupera le forze prima di iniziare a
strisciare attraverso la natura selvaggia per dare la caccia a
Fitzgerald.
Verso la fine del film, una squadra
di ricerca trova Glass, a malapena ancora vivo, e lui spiega che
Fitzgerald è il responsabile dell’omicidio di Hawk. Il gruppo parte
quindi alla caccia di Fitzgerald, che è in fuga. Glass e Fitzgerald
finiscono per trovarsi da soli, ed è qui che avviene lo scontro.
Sebbene Glass abbia la possibilità di uccidere Fitzgerald, decide
invece di spingerlo nel fiume, permettendogli di essere trascinato
a valle fino a un gruppo di nativi americani Arikara. Gli Arikara
uccidono Fitzgerald e Glass se ne va, dopo aver avuto un’ultima
conversazione con lo spirito di sua moglie.
Hugh Glass muore alla fine
del film?
Revenant –
Redivivo si conclude con una nota strana:
l’ultima scena mostra Hugh Glass mentre parla con lo spirito di sua
moglie. Sebbene la moglie venga menzionata più volte nel corso del
film, questa apparizione spettrale ha implicazioni particolari, che
potrebbero suggerire che Hugh Glass sia effettivamente anche lui
morto. Dopotutto, Glass è sull’orlo della morte per gran parte del
film, e il suo desiderio di vendetta è l’unica cosa che lo mantiene
in vita. Il finale potrebbe quindi essere interpretato come il
momento in cui Glass si concede finalmente di morire in pace,
ricongiungendosi alla moglie e al figlio nell’aldilà.
Tuttavia, non è così. Revenant –
Redivivo è basato sulla storia vera di
Hugh Glass, e la figura reale non morì dopo gli
eventi raccontati nel film. È ambientato nel 1823, e
Glass morì solo un decennio dopo, nel 1833. Dopo gli eventi del
film, Glass tornò a casa e continuò a partecipare a spedizioni.
L’apparizione dello spirito della moglie di Glass non rappresenta
quindi la sua morte, ma è piuttosto un simbolo dei veri desideri
familiari che alimentano la sua vendetta.
Hugh Glass non ottiene la sua
vendetta
Nonostante la vendetta sia ciò che
guida Hugh Glass per tutta la durata di Revenant –
Redivivo, uno degli aspetti più interessanti del
finale è che in realtà Glass non ottiene davvero la sua vendetta.
L’obiettivo principale di Glass è raggiungere Fitzgerald e
presumibilmente ucciderlo, con la sua rabbia che rappresenta il
fattore decisivo dietro la sua capacità di sopravvivere all’attacco
dell’orso e di trascinarsi fino a casa. In un western di vendetta
più tradizionale, il momento in cui Glass raggiunge Fitzgerald
sarebbe quello trionfale in cui Glass lo uccide — ma qui non
accade.
Invece, Glass decide di mandare
Fitzgerald lungo il fiume, permettendo agli Arikara di fare il
lavoro al posto suo. Questo dimostra che Glass ha compreso che la
vendetta non è la chiave della felicità, e che il suo desiderio di
vendetta porta solo delusione. Sebbene Glass sappia che Fitzgerald
finirà morto, la decisione di lasciarlo al suo destino fa da
parallelo alla scelta di Fitzgerald di lasciare Glass indietro,
così l’arco narrativo di Fitzgerald funge da contrappunto a quello
di Glass.
Uno degli aspetti più interessanti
di Revenant –
Redivivo è il modo in cui tratta i nativi
americani, presentandosi come un western che va contro i tropi
razzisti del genere. Il western ha storicamente rappresentato i
nativi americani in modo negativo, dipingendo i popoli indigeni
come violenti antagonisti. Il film sovverte immediatamente
questo schema, mostrando il figlio di Hugh Glass come mezzo Pawnee
e ponendo il suo omicidio al centro della storia di vendetta di
Glass. Commenti razzisti su Hawk vengono fatti continuamente, ma il
film si impegna a dimostrare quanto queste visioni siano
sbagliate.
A un livello ancora più profondo,
Revenant –
Redivivo diventa una storia di vendetta per i
nativi americani: infatti Glass che rinuncia letteralmente alla
propria vendetta per permettere agli Arikara di ottenere la loro.
Nel corso del film, gli Arikara vengono usati come capri espiatori
e massacrati, con Fitzgerald che li sfrutta come scusa per
abbandonare Glass. Sebbene a tratti siano antagonisti, The
Revenant li ritrae in una luce estremamente empatica, andando
contro i tropi di molti altri western. Inoltre il film ha
rappresentato gli Arikara con grande accuratezza storica,
rafforzando ulteriormente questa narrazione positiva.
Il vero significato del finale di
The Revenant
Nel suo nucleo, Revenant –
Redivivoè un film sulla
vendetta. Iñárritu pone domande sul valore della vendetta
e su chi la meriti davvero, affermando al contempo che il desiderio
di vendetta porta solo distruzione e delusione. Le storie di
vendetta vengono spesso rappresentate come eroiche, ma la vendetta
qui sovverte questa idea, utilizzando la vicenda di Hugh Glass per
mettere in luce i pericoli di queste ossessioni. Sebbene Revenant –
Redivivo sia un film popolare che gioca con
molti tropi del western, è proprio questo punto tematico centrale a
renderlo davvero straordinario.
Ma cosa succede davvero alla fine
del film e qual è la sorte dei nostri anti(eroi)? Ecco la
spiegazione del finale di Lo chiamavano Jeeg Robot.
Cosa succede alla fine di
Lo chiamavano Jeeg Robot?
Il finale del film non può essere
capito senza ricordare il percorso di Enzo Ceccotti. Enzo non nasce
come eroe: è un ladro solitario, cinico, privo di empatia,
interessato solo alla propria sopravvivenza. I suoi poteri non lo
rendono automaticamente “migliore”; al contrario, all’inizio li usa
per scopi egoistici.
La svolta arriva con la morte di
Alessia, evento che spezza definitivamente l’equilibrio del
personaggio. È proprio la perdita — non il potere — a costringerlo
a guardarsi dentro. Il finale rappresenta quindi il momento
in cui Enzo decide chi vuole essere, non perché costretto,
ma per scelta.
La morte di Alessia: il
trauma che dà senso al sacrificio
Alessia muore prima del climax
finale, ma la sua assenza domina ogni scena conclusiva. Uccisa
dallo Zingaro, Alessia non è solo una vittima: è la fonte
morale del cambiamento di Enzo. Lei vedeva Enzo come
Hiroshi Shiba, l’eroe di Jeeg Robot, proiettando su di lui una
missione che lui inizialmente rifiuta.
Nel finale, Enzo non combatte “per
vendetta” nel senso classico, ma per onorare lo sguardo che
Alessia aveva su di lui. Il suo sacrificio non è inutile:
è ciò che trasforma un uomo senza legami in qualcuno disposto a
morire per gli altri. La ragazza muore tragicamente, ma diventa il
cuore simbolico del film. È l’unico personaggio che “vince”
davvero, perché la sua visione dell’eroe si realizza.
Lo Zingaro: l’antagonista come
specchio distorto dell’eroe
Lo Zingaro è il villain perfetto
perché è, in fondo, il riflesso oscuro di Enzo.
Lui cerca riconoscimento, fama, potere. Ma mentre Enzo è costretto
a confrontarsi con il dolore, lo Zingaro lo rifiuta.
Il confronto finale tra Enzo e lo
Zingaro non è solo fisico: è ideologico. Una volta che anche lo
Zingaro ha acquisito i poteri, lo scontro fisico è ad armi pari, ma
il potere della motivazione dà una forza diversa a Enzo. Lo Zingaro
combatte per il proprio ego; Enzo combatte per qualcosa che va
oltre sé stesso. Viene sconfitto e muore nell’esplosione finale. La
sua morte è coerente: un uomo che vive per lo spettacolo finisce
distrutto dallo spettacolo stesso.
Il sacrificio finale: Enzo
diventa Hiroshi Shiba
Alla fine del film, Enzo viene
creduto morto insieme allo Zingaro. I due sono toccati
dall’esplosione, ma nell’ultima epica inquadratura finale scopriamo
che Enzo guarda Roma dall’alto del Colosseo, la sua città ha
bisogno di lui e lui, indossato il manto di Jeeg (la maschera che
gli aveva realizzato Alessia per assomigliare all’eroe dell’anime
giapponese), si avvia verso il suo destino di eroe non più
riluttante, per proteggere i deboli. Non sarà mai un eroe classico,
ma avrà sempre il cuore dalla parte giusta. E così Enzo si
trasforma in Hiroshi Shiba, l’eroe che era sempre stato agli occhi
di Alessia.
Scream
7 (leggi
qui la recensione) avrebbe potuto avere un aspetto molto
diverso. Matt Bettinelli-Olpin e Tyler
Gillett sono entrati a far parte del franchise di Scream nel 2022 con il sequel omonimo,
inaugurando una nuova era per Ghostface. Sebbene il loro seguito,
Scream 6 del 2023, sia stato un grande
successo, il duo di registi, che costituisce i due terzi del team
di produzione Radio Silence, ha infine lasciato il franchise per
realizzare Abigail (2023).
In
un’intervista con EW, Bettinelli-Olpin e Gillett rivelano però
di aver avuto alcuni progetti iniziali per Scream
7 prima di decidere di concentrare i loro sforzi altrove.
Il duo chiarisce di non essere arrivato al punto di contattare gli
sceneggiatori, ma dipinge un quadro di un film che avrebbe portato
il franchise in una direzione cupa e particolarmente intensa. Come
spiega Bettinelli-Olpin: “Non abbiamo mai letto una bozza di
nessuna versione di Scream 7 che avremmo realizzato perché prima
avevamo lasciato il progetto per dedicarci ad Abigail“.
“L’idea che avevamo in mente
per Scream 7 era più o meno questa: ‘Fino a che punto possiamo
spingerci?’. Ne abbiamo parlato molto. Per noi, l’idea era sempre
questa: se Scream VI è come un film segreto che ti fa stare bene,
Scream 7 ti distruggerà. Questo è tutto ciò che abbiamo potuto
fare”. Gillett aggiunge poi ulteriori dettagli sull’approccio
che avevano immaginato in termini di portata, spiegando che
avrebbero reso il film più contenuto e immediato rispetto al più
vasto Scream 6, ambientato a New York City.
“Dato che abbiamo ampliato la
portata della storia andando a New York, l’altra cosa di cui
avevamo parlato – solo Matt e io, tra l’altro, non era una
conversazione con gli sceneggiatori – era: ‘Come si fa il contrario
per il 7?’. Ad esempio, ridurlo e renderlo ultra-contenuto, quasi
continuo, come una cosa minuto per minuto. Ma al di là della nostra
stupida idea, non eravamo a conoscenza di alcun piano oltre al
semplice ‘Ce ne sarà un altro’“.
Sia Scream del
2022 che il suo seguito del 2023 sono stati accolti favorevolmente
dalla critica e hanno avuto successo al botteghino. I due film di
Radio Silence hanno introdotto una manciata di nuovi personaggi,
tra cui le sorelle Sam e Tara Carpenter, interpretate
rispettivamente da Melissa Barrera e
Jenna Ortega, pronte a portare avanti
il franchise. Dopo che Bettinelli-Olpin e Gillett hanno deciso di
perseguire Abigail invece di un’altra uscita di Ghostface,
il regista Christopher Landon è stato coinvolto
per continuare la storia delle sorelle Carpenter.
Questa versione di Scream
7 è però fallita dopo che Barrera è stata licenziata per i
suoi tweet provocatori sul conflitto tra Israele e Hamas e Ortega
ha lasciato il progetto a causa di conflitti di programmazione, il
che a sua volta ha portato all’abbandono di Landon. Il film ha
quindi subito un’altra svolta, con il ritorno dello sceneggiatore
originale di Scream, Kevin
Williamson, alla serie per scrivere e dirigere il
settimo capitolo. Dopo aver saltato il film precedente a causa di
una disputa salariale, Neve Campbell torna nei
panni di Sidney Prescott per affrontare un nuovo Ghostface che ha
preso di mira sua figlia adolescente.
Scream 8 è già in lavorazione, ma
Bettinelli-Olpin e Gillett non sembrano avere piani immediati per
tornare al franchise. Il prossimo film del duo è Finché morte
non ci separi 2, che uscirà nelle sale il 20 marzo. Anche se
la loro visione originale per Scream 7
probabilmente non vedrà mai la luce, è chiaro che avrebbe portato
il franchise in una direzione diversa.
Le speculazioni sui piani della HBO
riguardo a LordVoldemort nella prossima
serie TV di Harry
Potter continuano a dominare le conversazioni
tra i fan del mondo magico. Sebbene il personaggio non compaia
fisicamente nei libri fino al quarto volume, Il calice di
fuoco, il suo volto simile a quello di un serpente è visibile
sulla nuca del professor Raptor in La pietra filosofale.
Una versione più giovane del cattivo, lo studente di Hogwarts Tom
Riddle, è anche una parte importante de La camera dei
segreti.
Le foto dal set di Harry
Potter suggeriscono che la prima stagione conterrà un
flashback della notte in cui Voldemort uccise i genitori di Harry.
Si tratta di una sequenza riservata a una parte molto più avanzata
dei romanzi, e sono circolate voci su tutto, dal
doppiatore scelto al possibile ruolo di una donna nei panni di
Colui-Che-Non-Deve-Essere-Nominato. Un nome che è però stato
ripetutamente citato (anche
da Ralph Fiennes, che ha interpretato
Voldemort nei film di Harry Potter) è quello di
Cillian Murphy, protagonista di Oppenheimer.
Durante una recente intervista con
The Times, l’attore irlandese ha
però ribadito la sua estraneità alla serie Harry
Potter. “Non interpreterò assolutamente
Voldemort”, ha dichiarato Murphy. “Potete metterlo in
titolo?” Non è una grande sorpresa. Anche se Murphy ha
recitato in alcune serie televisive come Peaky Blinders, la serie HBO vede
protagonisti principalmente attori che ci si aspetta di vedere sul
piccolo schermo, con poche eccezioni. Tenendo presente questo, non
sembra probabile che Harry Potter avrà come
protagonista un attore di prima grandezza nel ruolo di Voldemort,
soprattutto perché si tratterebbe di un impegno di quasi un
decennio.
Cosa sappiamo della serie HBO
su Harry Potter
La prima stagione sarà tratta dal
romanzo La pietra filosofale e abbiamo già visto alcuni
altri momenti chiave del romanzo d’esordio di J.K. Rowling essere
trasposti sullo schermo. La prima stagione di Harry
Potter dovrebbe essere girata fino alla
primavera del 2026, mentre la seconda stagione entrerà in
produzione pochi mesi dopo. Ogni libro dovrebbe costituire una
singola stagione, il che significa che avremo sette stagioni
nell’arco di quasi un decennio.
HBO descrive la serie come un
“adattamento fedele” della serie di libri della Rowling.
“Esplorando ogni angolo del mondo magico, ogni stagione porterà
‘Harry Potter’ e le sue incredibili avventure a un pubblico nuovo
ed esistente”, secondo la descrizione ufficiale. Le riprese
dovrebbero avere inizio nel corso dell’estate 2025, per una messa
in onda prevista per il 2026.
La serie è scritta e prodotta da
Francesca Gardiner, che ricopre anche il ruolo di
showrunner. Mark Mylod sarà il produttore
esecutivo e dirigerà diversi episodi della serie per HBO in
collaborazione con Brontë Film and TV e Warner Bros. Television. La
serie è prodotta da Rowling, Neil Blair e
Ruth Kenley-Letts di Brontë Film and TV, e
David Heyman di Heyday Films.
Come già annunciato,
Dominic McLaughlin interpreterà Harry,
Arabella Stanton sarà Hermione e Alastair
Stout sarà Ron. Il cast principale include John
Lithgow nel ruolo di Albus Silente, Janet
McTeer nel ruolo di Minerva McGranitt, Paapa
Essiedu nel ruolo di Severus Piton, Nick
Frost nel ruolo di Rubeus Hagrid, Katherine
Parkinson nel ruolo di Molly Weasley, Lox
Pratt nel ruolo di Draco Malfoy, Johnny
Flynn nel ruolo di Lucius Malfoy, Leo
Earley nel ruolo di Seamus Finnigan, Alessia
Leoni nel ruolo di Parvati Patil, Sienna
Moosah nel ruolo di Lavender Brown, Bertie
Carvel nel ruolo di Cornelius Fudge, Bel
Powley nel ruolo di Petunia Dursley e Daniel
Rigby nel ruolo di Vernon Dursley.
Si avranno poi Rory
Wilmot nel ruolo di Neville Paciock, Amos
Kitson nel ruolo di Dudley Dursley, Louise
Brealey nel ruolo di Madama Rolanda Hooch e Anton
Lesser nel ruolo di Garrick Ollivander. Ci sono poi i
fratelli di Ron: Tristan Harland interpreterà Fred
Weasley, Gabriel Harland George Weasley,
Ruari Spooner Percy Weasley e Gracie
Cochrane Ginny Weasley.
La serie debutterà nel 2027 su HBO
e HBO
Max (ove disponibile) ed è guidata dalla showrunner e
sceneggiatrice Francesca Gardiner (“Queste oscure materie”,
“Killing Eve”) e dal regista Mark Mylod (“Succession”). Gardiner e Mylod sono produttori
esecutivi insieme all’autrice della serie J.K. Rowling, Neil Blair
e Ruth Kenley-Letts di Brontë Film and TV, e David Heyman di Heyday
Films. La serie di “Harry Potter” è prodotta da HBO in
collaborazione con Brontë Film and TV e Warner Bros.
Television.
Netflix ha finalmente rotto il silenzio dopo
una svolta scioccante nella battaglia per acquisire Warner
Bros. Discovery e le sue attività. A dicembre, Netflix ha
annunciato di aver raggiunto un accordo per acquistare gli studi
Warner Bros. e HBO
Max, con diversi comunicati stampa che annunciavano
l’entusiasmante fusione. Tuttavia, Paramount
Skydance e il suo CEO, David Ellison,
erano alle loro calcagna in quella che sembrava una corsa senza
fine per superare l’offerta di Netflix e che, alla fine, ha portato
alla vittoria di Paramount.
In un’intervista con Bloomberg, il co-amministratore
delegato di Netflix Ted Sarandos ha ora rivelato
perché ha abbandonato la corsa all’acquisizione di WBD dopo che
Paramount ha aumentato la sua offerta. WBD ha rivelato che
Paramount aveva aumentato la sua offerta e ha dato a Netflix
quattro giorni per rispondere, ma il gigante dello streaming
si è ritirato dalla guerra delle offerte, causando uno shock in
tutta Hollywood. Non era chiaro a nessuno chi volessero che
vincesse.
“Avevamo un margine molto
ristretto che eravamo disposti a pagare e abbiamo fatto
quell’offerta quando abbiamo concluso l’accordo. Non ci siamo
discostati molto da quella cifra, tranne che per il passaggio al
contante, che è servito ad accelerare l’accordo. Sono contento di
dove siamo arrivati e contento di dove siamo usciti.
Abbiamo capito subito, quando giovedì abbiamo ricevuto la
notizia che avevano un’offerta superiore e i dettagli dell’accordo.
Sapevamo esattamente cosa avremmo fatto“.
Il nuovo accordo della Paramount
con la WBD sta causando molte speculazioni, poiché è stato rivelato
che la società avrebbe preso in prestito decine di miliardi di
dollari per acquisire l’entità mediatica, il che, secondo Sarandos,
richiederebbe a Ellison di tagliare 16 miliardi di dollari di costi
per evitare il debito, compresa l’eliminazione di migliaia di posti
di lavoro. La Paramount ha dovuto pagare 2,8 miliardi di dollari a
Netflix per il suo nuovo accordo, poiché la fusione originale era
stata annullata.
Alla domanda se la nuova fusione
della Paramount debba essere approvata, Sarandos ha dichiarato:
“Dovrebbe essere esaminata con grande attenzione, così come
sono lieto che la nostra sia stata esaminata con grande attenzione.
Dovrebbe essere esaminata con la stessa attenzione. Ricordate, ci è
stato chiesto di andare a testimoniare. Sia a me che a David. Io ci
sono andato“. La nuova offerta della Paramount era di 31
dollari per azione, il che non rappresentava un aumento
significativo. Tuttavia, Sarandos riteneva di avere a che fare con
un acquirente irrazionale in Ellison.
“Insolito, sì, insolito,
irrazionale, qualunque parola vogliate usare. Sarà affascinante
vedere i prossimi passi. Nelle ultime due settimane ho parlato
molto di come vedo il futuro. Sono fiducioso nel nostro futuro e
credo che non saremo influenzati da tutto questo. Anzi, forse sarà
un vantaggio per noi. Ma spero di sbagliarmi, per il bene del
settore“.
Non è tutto negativo per il co-CEO
di Netflix, che lascia intendere che questa non sarà l’ultima volta
che WBD potrebbe essere messa in vendita. Alla domanda se l’asset
potrebbe essere nuovamente messo in vendita a breve, Sarandos ha
aggiunto: “È possibile. Oppure, se si guarda alla storia della
Warner Bros…”.
Dopo che la saga cyberpunk di
fantascienza Matrix è stata finalmente
ripresa nel 2021, Matrix
Resurrections ha ottenuto risultati deludenti al
botteghino, incassando solo 160 milioni di dollari a fronte di un
budget di 190 milioni. Tuttavia, ciò non ha impedito alla Warner
Bros. di perseguire un nuovo capitolo con Drew
Goddard alla sceneggiatura e alla regia. Dopo l’annuncio
iniziale nel 2024, gli aggiornamenti su Matrix 5
sono però stati minimi, ma ora ci sono alcune buone notizie.
In un’intervista con Liam Crowley
di ScreenRant per L’ultima
missione – Project Hail Mary, Goddard ha confermato
che il quinto capitolo è “ancora in lavorazione”.
“Sono nella mia caverna a scrivere. Non so per quanto tempo
rimarrò lì, ma quando ne uscirò avrò delle novità da
condividere“.
Quando Matrix 5
è stato annunciato nel 2024, il dirigente della Warner Bros.
Jesse Ehrman ha confermato che la storia “farà
progredire il mondo fantastico senza allontanarsi troppo da ciò che
ha reso la serie un successo”. Tuttavia, non sono stati
forniti ulteriori dettagli sulle potenziali riprese e sulla
finestra di uscita, ma ciò dipenderà in ultima analisi
dall’approvazione della sceneggiatura da parte dei dirigenti.
Sebbene ci siano stati pochi
progressi e non sia stata definita una tempistica di produzione, il
nuovo aggiornamento è rassicurante in quanto conferma che il quinto
film di Matrix è ancora in fase di realizzazione. Tuttavia, i
dettagli della trama rimangono segreti e non è chiaro se star del
calibro di Keanu Reeves e Carrie-Anne
Moss abbiano intenzione di riprendere i loro ruoli di Neo
e Trinity.
Il prossimo capitolo sarà però il
primo senza il coinvolgimento diretto delle sorelle Wachowski,
ideatrici della popolare serie. Tuttavia, Lana
Wachowski ricoprirà il ruolo di produttrice esecutiva,
dopo aver già diretto il quarto capitolo senza la sorella. In ogni
caso, non c’è dubbio che ci potrebbe essere una certa pressione per
perfezionare la sceneggiatura alla luce di Matrix
Resurrections. Anche se l’accoglienza della critica e del
pubblico è leggermente migliorata rispetto al terzo film,
attualmente il quarto detiene un punteggio del 63% su Rotten
Tomatoes.
Purtroppo, quest’ultimo capitolo è
stato considerato un flop dopo non essere riuscito a recuperare la
maggior parte del budget. Tuttavia, vale la pena notare che il film
è uscito durante la pandemia di COVID-19 ed è stato distribuito
contemporaneamente nelle sale e in streaming su HBO
Max. Va però infine sottolineato che sebbene Matrix
5 sia ancora in fase di sviluppo, non è chiaro quale
impatto avrà l’accordo di acquisizione tra Warner Bros. e Paramount
sullo stato del film. Fino ad allora, potrebbe volerci un po’ di
tempo prima di avere maggiori certezze sul prossimo capitolo e su
chi tornerà.
Presentato alla Festa del Cinema di Roma 2025, e in
corsa agli Oscar 2026 per la migliore
interpretazione femminile, Se solo potessi ti prenderei a calci
(titolo originale If I Had Legs I’d Kick
You) è il nuovo film di Mary
Bronstein con protagonista una intensa Rose Byrne. Il film esce in sala in Italia il
5 marzo distribuito da I Wonder Pictures. Le
abbiamo incontrate entrambe, ecco quello che ci hanno raccontato
sul film.
Scritto e diretto
da Mary Bronstein, SE SOLO POTESSI TI
PRENDEREI A CALCI è un film personale e visionario
che indaga il momento in cui le responsabilità della vita si
accumulano fino a rendere necessario ridefinire il proprio
equilibrio. Protagonista è Linda, terapeuta e madre che cerca di
tenere insieme la propria esistenza mentre affronta la misteriosa
malattia della figlia, un marito assente, una paziente scomparsa e
un rapporto sempre più conflittuale con il proprio psicologo. Le
difficoltà si intrecciano trascinando lo spettatore in un percorso
emotivo instabile ma profondamente umano.
Dopo aver
conquistato pubblico e critica tra Cannes e Berlino ed essere stato
presentato in anteprima italiana nella sezione Best of alla 20ª
Festa del Cinema di Roma, Se solo potessi ti prenderei
a
calci(If
I Had Legs I’d Kick You) arriva nelle sale italiane
dal 5 marzo distribuito da I Wonder
Pictures.
Cosa racconta Se solo
potessi ti prenderei a calci
Una straordinaria
Rose Byrne, candidata all’Oscar e vincitrice del
Golden Globe, è Linda, affermata psicologa e madre alle prese con
le sfide della vita quotidiana. Quando il soffitto del suo salotto
le crolla letteralmente addosso, si trova davanti a una nuova prova
da affrontare. Rifugiatasi in un motel con la figlia che necessita
di attenzioni mediche, dovrà trovare il modo di barcamenarsi tra il
lavoro, un marito assente, una paziente scomparsa e una sfilata di
personaggi eccentrici, in una spirale di situazioni sempre più
fuori controllo. La pluripremiata regista Mary Bronstein dirige con
maestria una vicenda familiare intensa e coinvolgente, un’opera
audace, ironica e vibrante che ha conquistato Sundance e Berlinale.
I Peccatori, un film sui vampiri ambientato nel
Sud segregato, ha trionfato agli
Actor Awards 2026 di domenica sera, vincendo il primo premio
per il miglior cast corale in un film, mentre il suo protagonista
Michael B. Jordan è stato eletto
miglior attore protagonista.
The
Studio, una presa in giro di molti dei potenti del
pubblico, ha vinto tre premi, tra cui il miglior cast corale in una
serie comica. The
Pitt, un crudo medical drama, è arrivato subito
dietro con due premi, tra cui il miglior cast corale in una serie
drammatica.
I premi, noti come Screen Actors
Guild Awards fino al cambio di nome lo scorso novembre, vengono
assegnati dal sindacato SAG-AFTRA e premiano le migliori
performance sia sul grande che sul piccolo schermo.
Sul fronte cinematografico,
Jessie Buckley è stata scelta come
migliore attrice protagonista per aver interpretato una madre
addolorata in Hamnet –
nel nome del figlio, mentre Jordan è stato premiato per la
sua interpretazione di due gemelli contrabbandieri in “Sinners”.
“Il solo fatto di essere in
questa stanza in questo momento con tutte queste persone che mi
hanno visto crescere davanti alla telecamera… sento l’amore e il
sostegno che mi avete sempre dato e che mi hanno incoraggiato ad
andare avanti e a dare il massimo”, ha detto Jordan
visibilmente sbalordito.
Ryan Coogler, il
regista di “Sinners”, ha fatto la storia, diventando il primo
regista a dirigere due film vincitori del premio come miglior cast
nella storia degli Actor Awards. In precedenza aveva vinto il primo
premio con Black Panther nel 2018. Gli Actor
Awards sono considerati un importante precursore degli Oscar, che
si terranno il 15 marzo. “Sinners”, che ha un record di 16
nomination, è in lizza per la vittoria con “One Battle
After Another”, che ha trionfato ai Directors Guild Awards e ai
Producers Guild Awards.
I premi per l’attore non
protagonista sono andati a due performance da cattivo, con Sean
Penn vincitore per l’interpretazione di un soldato demente in
“One Battle After Another” e Amy Madigan premiata per aver
interpretato una vera e propria strega in “Weapons”.
“Gli attori amano altri attori,
adorano stare con loro”, ha detto Madigan a proposito di un
premio assegnato dai suoi colleghi dello spettacolo.
Seth
Rogen, co-creatore di The
Studio, si è aggiudicato il premio come attore
protagonista in una serie comica per aver interpretato uno
sfortunato direttore cinematografico. La sua co-protagonista
Catherine O’Hara, scomparsa a gennaio all’età di
71 anni, ha vinto postumo come attrice protagonista. Rogen ha
ritirato il premio e ha riflettuto sull’abitudine di O’Hara di
offrire suggerimenti che valorizzassero il suo personaggio e
The Studio.
“Nelle ultime settimane mi sono
meravigliato della sua capacità di essere generosa, gentile e
cortese, senza mai minimizzare il proprio talento e la sua capacità
di contribuire al lavoro che stavamo svolgendo”, ha detto
Rogen. “Sapeva di poter distruggere, e voleva distruggere ogni
giorno sul set.”
Con sorpresa, Keri Russell, che interpreta un’astuta
ambasciatrice in The
Diplomat, è stata eletta miglior attrice
protagonista in una serie drammatica, superando Rhea
Seehorn di Pluribus.
Noah
Wyle, che in precedenza aveva vinto un Emmy e un
Golden Globe per la sua interpretazione di un medico del pronto
soccorso in The Pitt, ha aggiunto un
premio come miglior attore in una serie drammatica alla sua
bacheca.
Michelle Williams
ha vinto il premio come miglior attrice in una miniserie per aver
interpretato una donna con un cancro terminale in Dying
for Sex. Owen Cooper, la star
sedicenne di Adolescence, ha battuto il
suo co-protagonista Stephen Graham nella categoria
miglior attore in una miniserie.
Harrion Ford ha
invece
ritirato il premio alla carriera. “Sono in una stanza piena
di attori, molti dei quali sono qui perché sono stati nominati per
ricevere un premio per il loro straordinario lavoro, mentre io sono
qui per ricevere un premio per essere vivo”, ha detto Ford,
che ha trattenuto le lacrime in diversi punti del suo discorso.
Ma la serata non è stata del tutto
festosa. Gli Actor Awards si sono svolti mentre Stati Uniti e
Israele sono impegnati nella guerra con l’Iran. “I nostri
pensieri sono con tutti coloro le cui vite sono in pericolo
all’estero in questo momento, e penso che se c’è una cosa su cui
possiamo essere tutti d’accordo, è che desideriamo la pace e
piangiamo coloro che hanno perso la vita”, ha detto al
pubblico Duncan Crabtree-Ireland, direttore
esecutivo di SAG-AFTRA, poco prima dell’inizio della cerimonia.
Per il secondo anno consecutivo,
Kristen Bell ha presentato la cerimonia di
premiazione che è andata in onda su Netflix. Il servizio di streaming ha fatto notizia
questa settimana dopo essersi ritirato da un’accesa guerra di
offerte con Paramount Skydance per acquistare Warner Bros.
Discovery. La Paramount, che ha vinto un solo premio agli Actor
Awards per le acrobazie di Mission:
Impossible, ha un accordo per acquistare il
conglomerato mediatico per 110 miliardi di dollari.
Vedi l’elenco completo dei
vincitori dei Actor Awards 2026
Frankenstein, Una
Battaglia dopo l’Altra e I Fantastici
Quattro: Gli Inizi hanno vinto i premi
cinematografici più importanti alla 30a edizione degli Art
Directors Guild (ADG Awards 2026) Excellence in Production Design
Awards.
I premi sono stati consegnati sabato sera all’InterContinental Los
Angeles Downtown. Tra i vincitori televisivi figuranoAndor, Scissione
eThe Studio.
L’evento ha celebrato i visionari
team di scenografie dietro ai film, alle serie televisive e ai
progetti musicali più ambiziosi dell’anno, riconoscendo i risultati
eccezionali nell’arte della creazione di mondi cinematografici ed
episodici.
Kpop Demon
Hunters ha continuato la sua serie di successi,
aggiudicandosi l’ADG Award nella categoria lungometraggi
d’animazione. La scorsa settimana ha vinto 10 Annie Awards, tra cui
quello per il miglior lungometraggio e tre premi della Visual
Effects Society. Ha vinto anche il premio Producers Guild.
La Producers Guild ha conferito
riconoscimenti speciali al regista Jon M. Chu, che
ha ricevuto il Cinematic Imagery Award. La deputata Laura Friedman
(D-CA) ha ricevuto il set per il President’s Award. Lo scenografo
Thomas E. Sanders (“Salvate il soldato Ryan” e “Dracula di Bram
Stoker”) è stato inserito postumo nella ADG Hall of Fame. La
Producers Guild ha assegnato quattro Lifetime Achievement Awards.
Tra i premiati figurano lo scenografo e direttore artistico Jann
Engel, lo scenografo Bo Welch, lo scenografo Tom Southwell e lo
scenografo Stephen McNally.
Welch ha dedicato il suo premio
“alla mia splendida e brillante moglie Catherine O’Hara e ai
nostri figli Matthew e Luke, che mi ispirano ogni giorno e
rappresentano il più grande traguardo della mia vita”. O’Hara
è morta il mese scorso nella sua casa di Los Angeles, ed era
sposata con Welch.
Durante il suo discorso, Friedman
ha promesso di difendere l’industria cinematografica e televisiva.
Friedman, che si batte per ottenere un credito d’imposta nazionale
per il cinema, ha iniziato il suo discorso parlando di come i film
mostrino al mondo cos’è l’America. “È il motivo per cui le
persone sono immigrate qui in primo luogo. È il motivo per cui le
persone in altri paesi che non godono di queste libertà capiscono
cosa significherebbe per le loro vite e per quelle dei loro figli.
Quindi quello che fate tocca i cuori e le menti”.
Friedman ha detto alla sala di aver
smesso di leggere dal gobbo e di parlare con il cuore. Ha detto:
“Porteremo a termine il lavoro per ottenere un credito
d’imposta nazionale per il cinema, perché vale la pena lottare per
Hollywood. Vale la pena lottare per l’industria
cinematografica”.
Ha detto: “Difenderò
quest’industria. La difenderò dalle produzioni delocalizzate. La
difenderò il più possibile dalle concentrazioni aziendali. La
difenderò assolutamente dall’intelligenza artificiale che sottrae
il lavoro agli artisti”. Friedman ha continuato:
“Lotteremo per questo in Georgia, a New York, nel New Jersey,
in tutto il Paese, perché quando abbiamo un’industria
cinematografica e televisiva forte, l’America ha successo. Quindi
continueremo a lavorare su questo credito d’imposta. Ho grande
fiducia che ce la faremo.”
Mentre ha ritirato il premio, Chu ha detto: “Avete mai messo
così tanto amore in qualcosa come il vero amore da non volerlo mai
finire, come se ti facesse male, come se ti facesse male
fisicamente allo stomaco pensare alla tua vita senza?”. Ha
aggiunto: “È a questo punto che mi trovo ora con “Wicked”. È
così che mi sento a dire addio a “Wicked”, perché questa potrebbe
essere una delle ultime volte che potrò festeggiarlo.” Ha parlato
dell’arte della scenografia e ha chiamato a raccolta coloro con cui
aveva lavorato nel corso della sua carriera, da Nelson Coates (“In
the Heights”) a Nathan Crowley (“Wicked”). Chu ha definito il
cinema “un esercizio di empatia insito nella nostra cultura da
generazioni, e la scenografia è ciò che lo rende possibile. È il
linguaggio ufficiale di questa connessione”. Ha detto alla sala di
scenografi e decoratori: “Non siete semplicemente designer. Credo
che siate degli esploratori”.
Ecco l’elenco completo dei vincitori dei ADG Awards 2026
FILM:
PERIOD FEATURE FILM
“Frankenstein”
Production Designer: Tamara Deverell
I grandi vincitori della 37a
edizione annuale dei PGA Awards sono stati svelati ieri sera a Los
Angeles. Una
Battaglia dopo l’Altra, favorito della stagione
dei premi, si è aggiudicato il premio principale della serata, lo
Zanuck Award. The
Pitt e Adolescence si sono
aggiudicati i premi televisivi più importanti.
Lo Zanuck Award del PGA è una
categoria di riferimento per gli Oscar, che si è allineata con il
premio Oscar per il Miglior Film 17 volte negli ultimi 22 anni.
L’anno scorso, si è allineato con l’Oscar quando il PGA ha
assegnato il premio ad Anora.
Ecco i vincitori dei PGA
Awards 2026
Darryl
F. Zanuck Award for Outstanding Producer of Theatrical Motion
Picture
Il
nuovo spot TV di Scream 7
è stato diffuso nelle ultime ore, riportando Ghostface al centro
della scena con un montaggio serrato e diverse immagini inedite.
Dopo il debutto da record al box office, la campagna marketing del
settimo capitolo entra nella sua fase più aggressiva, puntando
tutto su suspense, identità e paranoia.
Il
breve promo televisivo — pensato per il circuito prime time —
alterna frammenti di dialogo a sequenze ad alta tensione, con un
ritmo molto più incalzante rispetto al trailer ufficiale. La scelta
è chiara: non raccontare la trama, ma alimentare l’idea che nessuno
sia davvero al sicuro. La tagline finale insiste su un concetto
ormai centrale nel franchise: il pericolo è più vicino di quanto si
pensi.
Con questo nuovo spot, la saga creata da Wes Craven
continua a giocare con il proprio pubblico, mescolando nostalgia e
rinnovamento. Il marketing di Scream
7 non punta soltanto sull’eredità del brand, ma sulla
sensazione che il capitolo attuale rappresenti un punto di svolta
nella mitologia di Ghostface.
Il marketing di Scream 7 punta sulla paranoia e sul mistero
dell’identità
A
differenza dei trailer più estesi, lo spot TV riduce al minimo le
informazioni narrative e accentua la componente psicologica. I
tagli rapidi, i silenzi improvvisi e l’uso insistito della voce
distorta di Ghostface contribuiscono a creare un senso di minaccia
immediata. È una strategia coerente con l’evoluzione recente del
franchise, che ha spostato l’attenzione dalla semplice dinamica
slasher alla dimensione meta e identitaria.
Il focus resta sull’enigma dell’assassino: chi si nasconde dietro
la maschera questa volta? Lo spot evita qualsiasi spoiler ma
suggerisce un livello di tradimento e ambiguità superiore ai
capitoli precedenti. La comunicazione punta chiaramente sul
coinvolgimento diretto dello spettatore, invitato implicitamente a
“giocare” ancora una volta con la teoria del killer.
Dal punto di vista industriale, la diffusione dello spot arriva in
un momento strategico. Dopo un’apertura forte al botteghino,
mantenere alta la tensione mediatica è fondamentale per consolidare
il passaparola. L’obiettivo non è solo attirare nuovi spettatori,
ma spingere chi ha già visto il film a tornare in sala per cogliere
dettagli sfuggiti alla prima visione.
Con un brand ormai consolidato e una campagna che alterna mistero e
spettacolarità, Scream
7 dimostra come un franchise storico possa ancora reinventare
la propria comunicazione senza tradire la propria identità. E
Ghostface, ancora una volta, sembra pronto a dimostrare che la
paura è un linguaggio universale.
Il film di Martin Scorsese,
The Wolf of Wall Street (leggi
qui la recensione), è basato sulla vera storia della famigerata
ascesa e caduta del broker e criminale americano Jordan
Belfort. Leonardo DiCaprio interpreta Belfort nel film,
esplorando il suo stile di vita scandaloso, i vari personaggi della
sua vita e i crimini che hanno portato alla sua rovina. La versione
drammatizzata degli eventi descritti nel film è per lo più fedele
al libro di memorie omonimo del 2007. Tuttavia, ci sono molte
critiche su come Belfort descrive se stesso e la verità, anche da
parte delle persone presenti in The Wolf of Wall
Street.
Il vero Jordan Belfort della storia
è stato definito da molti un truffatore manipolatore, quindi è
plausibile che i suoi ricordi e aneddoti sugli eventi descritti nel
film e nel libro siano distorti ed esagerati per adattarsi alla sua
presunta immagine di sé gonfiata. Numerose fonti reali hanno
denunciato l’inesattezza della rappresentazione degli eventi nella
storia di Belfort, suggerendo che la sua sensibilità fraudolenta
potrebbe aver ingannato Hollywood come aveva fatto a Wall
Street.
The Wolf of Wall
Street è fedele alle memorie di Jordan
Belfort
Diversi dettagli chiave del film
The Wolf of Wall Street di Martin Scorsese sono stati
confermati come accurati sulla base della rappresentazione che
Belfort fa di sé stesso e della sua società di intermediazione, la
Stratton Oakmont, nelle sue memorie. Secondo il libro, Belfort
aveva chiesto ai suoi suoceri di contrabbandare denaro nelle banche
svizzere e la Stratton Oakmont aveva svolto un ruolo significativo
nell’aiutare la linea di scarpe di lusso Steve Madden a diventare
pubblica. Anche la rappresentazione del personaggio di Mark
Hanna interpretato da Matthew McConaughey si basa sulla descrizione
di Belfort, compresa la rozza filosofia di Hanna.
Altri dettagli del film che sono
accurati rispetto al libro di memorie di Belfort includono:
Donnie Azoff (ispirato al vero Danny
Porush, interpretato da Jonah Hill nel film) ha sposato sua cugina per
poi divorziare da lei. Belfort ha affondato uno yacht in Italia che
un tempo apparteneva a Coco Chanel e ha fatto schiantare il suo
elicottero mentre cercava di atterrare sotto l’effetto di sostanze
stupefacenti. Belfort ha anche scontato una pena detentiva ridotta
dopo aver denunciato i suoi amici. Non ha cercato di salvare Porush
dall’autoincriminazione, come mostra il film, ma nella vita reale
ha denunciato Porush.
L’accuratezza di The Wolf
of Wall Street è stata contestata da figure chiave
Il film è stato criticato per aver
minimizzato le vittime dei crimini di Belfort e per essersi
concentrato principalmente su di lui che derubava i ricchi. Secondo
il New York Times, Belfort prendeva di mira persone di ogni tipo di
estrazione finanziaria per vendere loro azioni senza valore. Un
uomo della California ha utilizzato la linea di credito sulla sua
casa per investire con Belfort e da allora ha subito gravi
conseguenze finanziarie. La rappresentazione di Belfort nel film di
Scorsese come portavoce di una classe svantaggiata, giustificata
nel rivoltarsi contro il sistema, è stata oggetto di dibattito sin
dall’uscita del film nel 2013.
Anche i veri Donnie e Naomi
contestano gran parte di ciò che accade sia nel libro di memorie di
Jordan che nel film di Scorsese. Nadine Macaluso,
rappresentata dal personaggio di Naomi, interpretato da Margot Robbie in The Wolf of Wall
Street, ha affermato che il film era accurato
principalmente dal punto di vista di Jordan, ma non da un punto di
vista oggettivo o tenendo conto del punto di vista di Nadine
riguardo al loro matrimonio. Nadine ha poi conseguito un dottorato
di ricerca ed è diventata un’esperta in traumi relazionali.
Perché l’accuratezza (o meno) di
The Wolf of Wall Street fa parte della sua
eredità
La glorificazione della
dissolutezza che circonda lo stile di vita e le pratiche
commerciali di Belfort si adatta al mistero che circonda la
rappresentazione di eventi reali nel film. Questa disparità tra ciò
che è realmente vero nel film e nel libro di memorie e ciò che
altre parti coinvolte nella vita reale hanno da dire sulle
invenzioni fa parte del suo fascino sconsiderato e disfunzionale.
Persino Martin Scorsese è stato criticato per aver
celebrato le azioni corrotte del vero truffatore nel suo film, che
dovrebbe essere visto come una satira generale del capitalismo
piuttosto che come un’approvazione di Belfort. Indipendentemente
dal suo grado di accuratezza, il film è un esercizio
estremamente divertente sull’avidità senza limiti.
Come la vita di Jordan Belfort è
stata cambiata dall’eredità del film
Mentre i crimini commessi in
passato da Jordan Belfort lo hanno aiutato a farsi un nome dopo il
periodo trascorso in prigione, il film di Martin
Scorsese ha ulteriormente aumentato la notorietà
dell’uomo. Negli anni successivi all’uscita di The Wolf of
Wall Street, Belfort è diventato più famoso come
personaggio della cultura pop e continua a sfruttare il successo
del film nella sua vita personale.
Il patrimonio netto di Jordan
Belfort nel 2024 potrebbe essere significativamente inferiore a
quello che guadagnava al culmine della sua attività criminale.
Tuttavia, sta ancora accumulando una fortuna grazie principalmente
alla sua carriera di relatore. Proprio come nel film, si è discusso
se i discorsi di Belfort assumessero la responsabilità dei suoi
crimini o celebrassero lo stile di vita dissoluto a cui
partecipava.
Nel 2020, Belfort ha citato in
giudizio i produttori di The Wolf of Wall Street
per frode, chiedendo un risarcimento di 300 milioni di dollari.
Belfort ha sostenuto che i produttori della società Red Granite
fossero coinvolti in un piano di appropriazione indebita
multimilionario e avessero utilizzato il denaro rubato per
acquistare i diritti cinematografici della sua storia. A partire
dalla presentazione della causa nel 2020, non ci sono state
ulteriori notizie sul caso.
L’accuratezza del film in
realtà non ha importanza
Se c’è un film che ha una
reputazione che forse non merita, quello è The Wolf of Wall
Street. Il problema principale della sua reputazione è che
molte persone hanno accusato Martin Scorsese di
aver glorificato l’avidità e la corruzione presenti nella vita di
Jordan Belfort. Tuttavia, questo film non ha nulla a che vedere con
la glorificazione dei crimini di Belfort; è invece una commedia
dark sugli ideali di avidità e ricchezza in una società che sembra
ignara dei problemi che essi causano.
Questo film è simile ad
American Psycho, che non è un film che glorifica i serial
killer, ma che prende in giro i super ricchi e la loro idea di
successo. Ecco perché l’accuratezza della storia reale di Belfort
non ha importanza. A nessuno importa se ha fatto tutto ciò che il
film mostra o se valeva davvero quanto indicato. Jordan Belfort, in
The Wolf of Wall Street, è un pagliaccio, e il
film mostra come sia rimasto all’oscuro della sua rovina, anche
quando tutto intorno a lui ha cominciato a crollare.
Uscito nel 2003, Master & Commander – Sfida ai confini del
mare rappresenta una delle opere più ambiziose della
carriera di Peter Weir,
autore di film celebri come L’attimo fuggente,
The Truman Show e
Witness – Il
testimone. Con questo progetto, Weir si confronta con il
grande cinema d’avventura storica, portando sullo schermo un
racconto marinaresco di straordinario rigore formale e immersività.
Il film è tratto dal Ciclo di romanzi
Aubrey-Maturin di Patrick
O’Brian, saga ambientata durante le guerre
napoleoniche che segue le vicende del capitano Jack
Aubrey e del medico di bordo Stephen
Maturin.
I
due protagonisti sono interpretati rispettivamente da Russell
Crowe e Paul
Bettany, coppia al centro di un
equilibrio narrativo fondato su amicizia, disciplina e tensione
morale. Il capitano Aubrey incarna l’etica militare e il senso del
dovere della Royal Navy, mentre Maturin rappresenta la razionalità
scientifica e uno sguardo più riflessivo sul conflitto. Il film,
pur costruito attorno a spettacolari battaglie navali, privilegia
una ricostruzione storica minuziosa e un realismo quasi
documentaristico della vita a bordo, inserendosi nel solco del war
movie e del cinema d’avventura classico.
Per Russell
Crowe, reduce dal successo de Il gladiatore e già
affermato come interprete di figure carismatiche e combattive, il
ruolo di Aubrey consolida la sua immagine di protagonista epico
capace di coniugare autorità e vulnerabilità. Il film ottenne un
importante riconoscimento critico, arrivando a dieci nomination
agli Oscar e vincendo due statuette, confermando la solidità del
progetto sul piano tecnico e artistico. Nel resto dell’articolo
proporremo un approfondimento sul finale del film, analizzandone il
significato e le implicazioni tematiche.
La trama di Master & Commander – Sfida ai confini del
mare
Nell’aprile del 1805, la HMS Surprise, fregata britannica guidata
dal capitano Jack Aubrey, solca i mari del Sud
America durante le guerre napoleoniche. A bordo convivono ufficiali
e guardiamarina di estrazione aristocratica con l’equipaggio
popolare formato da esperti marinai. Tra loro si distingue il
dottor Stephen Maturin, medico e naturalista
interessato più alla scienza che alla guerra. La nave riceve
l’incarico di affrontare l’Acheron, potente vascello francese che
minaccia le rotte britanniche. Dopo uno scontro iniziale, la
Surprise riesce a salvarsi, ma Aubrey deve decidere se abbandonare
la missione o inseguire il nemico per proteggere la propria patria,
guidando la nave in un lungo e pericoloso inseguimento lungo il Sud
America e oltre le Galápagos.
Durante la navigazione,
la rivalità tra Surprise e Acheron alterna momenti di confronto
diretto e inganni tattici, mentre Aubrey mette a frutto tutta la
sua abilità strategica. La nave e l’equipaggio affrontano
condizioni estreme, dalla nebbia ai mari tempestosi, mentre cresce
il legame tra Aubrey e Maturin, un’amicizia costruita su fiducia,
rispetto e musica condivisa. Nelle acque delle Galápagos, il dottor
Maturin può dedicarsi alla sua passione scientifica e l’equipaggio
si prepara all’ultimo scontro, pronto a sostenere il comandante per
completare la loro pericolosa missione con coraggio e lealtà.
La spiegazione del finale del
film
Nel
terzo atto di Master & Commander – Sfida ai confini del
mare, la HMS Surprise mette in atto il piano decisivo
contro la nave francese Acheron. Ispirato dall’osservazione di un
insetto mimetico studiato da Maturin, il capitano Aubrey ordina di
travestire la propria fregata da baleniera danneggiata, inducendo
il nemico ad avvicinarsi con fiducia. L’inganno riesce e la
Surprise apre il fuoco a distanza ravvicinata, disalberando
l’Acheron. Segue un violento abbordaggio corpo a corpo, in cui
l’equipaggio britannico prevale dopo uno scontro brutale e serrato,
sancendo apparentemente la vittoria definitiva contro il temuto
corsaro.
Conquistata la nave francese, Aubrey accetta la resa e riceve la
spada del comandante nemico, mentre l’equipaggio ripara entrambe le
imbarcazioni. Il primo tenente Pullings viene promosso e incaricato
di condurre l’Acheron verso Valparaíso con i prigionieri a bordo.
Tuttavia, un dettaglio rivelato da Maturin altera nuovamente gli
equilibri. Il chirurgo francese che aveva consegnato la spada
risulta ufficialmente morto mesi prima. Aubrey comprende che il
capitano dell’Acheron è ancora vivo e in fuga. Senza esitazione
ordina di prepararsi al combattimento e riprende l’inseguimento,
rinunciando ancora una volta al ritorno in patria.
Questo finale porta a compimento il tema centrale dell’opera,
ovvero la tensione costante tra dovere militare e desiderio
personale. Aubrey sceglie nuovamente la missione rispetto alla
quiete e alla sicurezza, confermando la propria identità di
comandante votato alla guerra navale. La decisione di inseguire
l’Acheron anche dopo una vittoria apparente dimostra che il
conflitto non è soltanto strategico, ma esistenziale. Il mare
diventa uno spazio ciclico, dove l’onore e la responsabilità
prevalgono su ogni appagamento individuale, incluso il ritorno a
casa.
Parallelamente, il rapporto tra Aubrey e Maturin trova nel finale
una sintesi significativa. Il medico viene privato ancora della
possibilità di esplorare le Galápagos, ma la battuta sul cormorano
incapace di volare suggerisce un’ironia affettuosa che mantiene
intatto il loro legame. La musica che i due suonano insieme
ribadisce l’equilibrio tra disciplina militare e sensibilità
intellettuale. Il film suggerisce che amicizia e rispetto reciproco
sono l’unico vero porto sicuro in un mondo dominato dall’incertezza
della guerra.
Ciò che il film lascia
allo spettatore è una riflessione sul senso del comando e sulla
natura interminabile del conflitto. La scelta di non chiudere con
un ritorno trionfale, ma con un nuovo inseguimento, sottolinea la
dimensione aperta della storia e della guerra stessa. L’onore, la
lealtà e la competenza tecnica emergono come valori fondanti, ma
sempre accompagnati dal sacrificio. Master & Commander celebra la professionalità e il
coraggio, mostrando al tempo stesso il prezzo umano di una vita
consacrata al mare e alla bandiera.
Uscito nel 2020, Sonic – Il film (leggi
qui la recensione) porta sul grande schermo uno dei personaggi
più iconici della storia videoludica, nato dalla saga Sega
Sonic the Hedgehog.
Diretto da Jeff Fowler,
il film mescola live action e CGI, affidando la voce del
protagonista a Ben Schwartz
e il ruolo del carismatico antagonista a Jim Carrey. Accanto a loro troviamo James Marsden e Tika Sumpter
nei panni dei coniugi Wachowski. Il risultato è una commedia
d’avventura dal ritmo sostenuto che ha conquistato il pubblico,
diventando uno dei maggiori successi commerciali tratti da un
videogioco.
Il film rielabora
l’immaginario del gioco in chiave accessibile e familiare,
costruendo una dinamica buddy movie tra Sonic e lo sceriffo Tom,
senza rinunciare a sequenze spettacolari e a un antagonista sopra
le righe. Dopo un esordio segnato da polemiche sul design del
protagonista, la revisione grafica ha contribuito al trionfo in
sala e al consolidamento di un nuovo franchise cinematografico. In
questo approfondimento ci concentreremo sul finale del film,
analizzando cosa accade negli ultimi minuti e in che modo le scene
durante i titoli di coda anticipano gli sviluppi del sequel.
Alla fine di Sonic – Il
film, Sonic (Ben Schwartz) e il Dr.
Robotnik (Jim
Carrey) si lanciano in un inseguimento frenetico
intorno al mondo. Da San Francisco alla Cina, per poi tornare a
Green Hills, nel Montana, il malvagio dottore segue il nostro amico
peloso attraverso i suoi portali di trasporto ad anello con una
macchina volante alimentata da uno degli aculei elettrificati di
Sonic. Ritornato nella piccola città in cui ha vissuto segretamente
per circa un decennio, l’esistenza di Sonic viene confermata agli
abitanti della città, in particolare al teorico dei ricci “Crazy
Carl”. Pronto a eliminare il suo piccolo nemico, il Dr. Robotnik
esorta la città a farsi da parte e lasciare che le cose seguano il
loro corso.
Ma il nuovo amico di Sonic, lo
sceriffo Tom Wachowski (James
Marsden), si frappone tra il riccio svenuto e il suo
aspirante assassino. Quando gli viene chiesto perché lo abbia
fatto, Tom risponde che è perché lui e Sonic sono amici.
Risvegliatosi dal suo stato di ferito e carico per la battaglia,
Sonic si alza e lancia uno dei suoi anelli dietro l’aereo del Dr.
Robotnik. In vero stile Sonic, il nostro eroe si raggomitola nella
sua caratteristica posizione a palla e si scontra con la malvagia
macchina volante del Dr. Robotnik. La forza dell’impatto non solo
distrugge il veicolo, ma scaraventa il malvagio cattivo nella
dimensione in cui Sonic stava originariamente cercando di fuggire:
un pianeta pieno di funghi, presumibilmente la Mushroom Hill Zone
di Sonic & Knuckles.
L’esistenza di Sonic non è più un
segreto
Con la battaglia finale in
Sonic – Il film ormai conclusa, la sonnolenta
cittadina di Green Hills, nel Montana, ora sa ufficialmente che
Sonic esiste davvero. Naturalmente, il governo degli Stati Uniti
sta ancora cercando di catturare Sonic. Tuttavia i Wachowski
affermano di non sapere dove si trovi. In realtà Sonic è più vicino
di quanto alcuni potrebbero pensare. Vivendo in una replica della
sua caverna nascosta dall’inizio del film, egli risiede nella
soffitta dei Wachowski, insieme ad alcuni tocchi aggiuntivi di
casa. Sembra un finale felice e completamente chiuso, giusto? Ci
sono però due rivelazioni piuttosto importanti nelle sequenze a
metà dei titoli di coda che direbbero il contrario.
Robotnik è attualmente in esilio
in un altro mondo
Sebbene in Sonic – Il
film abbiamo visto il Dr. Robotnik spedito verso un’altra
dimensione, ovviamente questa non è la fine della sua storia. Ci
vorrà ben più di un semplice atterraggio di fortuna e una nave
distrutta per impedire a un genio con un QI di 300 di tornare a
casa, ed egli è piuttosto determinato a farlo prima di Natale.
Trovato mentre si rade la testa per assomigliare di più al
tradizionale Robotnik/Eggman che conosciamo dai giochi di Sonic
The Hedgehog, recupera l’unica cosa di cui ha bisogno dalla
sua nave caduta: l’ago elettrico di Sonic che ha ottenuto durante
un precedente incontro a casa di Tom Wachowski.
L’introduzione di Miles “Tails”
Prower, il migliore amico di Sonic
Una sorpresa ancora più grande
arriva dalla seconda scena a metà dei titoli di coda di
Sonic – Il film, quando l’attenzione si sposta su
un punto casuale nel bosco. Presumibilmente non troppo lontano da
Green Hills, nel Montana, si apre un portale e vediamo una creatura
dal pelo dorato leggermente oscurata con una sorta di
localizzatore/misuratore di potenza tra le mani. Quella creatura si
rivela essere Miles “Tails” Prower, una volpe a
due code che funge da braccio destro/migliore amico di Sonic e che
accompagna Sonic nelle sue avventure a partire da Sonic
The Hedgehog 2. Con un balzo dalla scogliera su cui è
appollaiato e le sue code gemelle che ruotano come il rotore di un
elicottero, Tails vola via, pronto a trovare il suo amico nella
nostra dimensione.
Come il film anticipa gli eventi
di Sonic 2
Le
scene post credits del primo film trovano poi pieno sviluppo in
Sonic 2 – Il film (leggi
qui la recensione), dove l’arrivo di Miles Tails Prower dalla
dimensione di origine di Sonic si traduce in una vera alleanza sul
campo. La giovane volpe, doppiata in originale da
Colleen
O’Shaughnessey, rintraccia Sonic sulla Terra
per avvertirlo del ritorno del Dr. Robotnik. Quest’ultimo,
interpretato ancora da Jim
Carrey, riesce infatti a fuggire dal
pianeta dei funghi grazie all’incontro con
Knuckles, guerriero echidna deciso a recuperare il
Master Emerald. Le premesse dimensionali e mitologiche accennate
nel primo capitolo diventano qui il motore centrale della
narrazione.
Il film amplia dunque
l’universo narrativo introducendo proprio Knuckles, interpretato da
Idris
Elba, inizialmente alleato di Robotnik e
convinto che Sonic sia responsabile della scomparsa del suo popolo.
La ricerca del Master Emerald e il richiamo implicito alle Chaos
Emeralds trasformano l’avventura in una corsa globale dal respiro
epico. Sonic, sostenuto da Tails e dai Wachowski, affronta una
minaccia che supera la dimensione locale del primo film e assume
contorni cosmici. Le anticipazioni post credits si concretizzano
così in un’espansione mitologica che prepara ulteriori sviluppi per
il franchise.
In una mossa inaspettata dopo le
ultime settimane di rumors,
Paramount e Warner Bros. Discovery
(WBD) hanno ufficialmente firmato un accordo di fusione
definitivo. Prima c’è stato il
flirt con Netflix, seguito da un breve e
febbrile fidanzamento che si è concluso con una rottura molto
costosa. Ma a fine febbraio 2026, l’accordo è definito:
Paramount Skydance ingloberà WBD
per la bella cifra di 111 miliardi di dollari.
Paramount sta acquistando WBD per
31 dollari ad azione in contanti. Se pensate che siano un sacco di
soldi per un’azienda che sembra cancellare i propri film per
detrazioni fiscali, avete ragione.
Inoltre, poiché WBD aveva già
firmato un accordo con Netflix a dicembre 2025, ha dovuto pagare una penale
del tipo “ci dispiace, abbiamo trovato qualcuno più
ricco“. Paramount sta pagando una penale di 2,8 miliardi di
dollari a Netflix solo per liberare la strada. Netflix, da parte
sua, se n’è andata con quasi 3 miliardi di dollari in contanti e un
prezzo delle azioni che è schizzato del 14% perché gli investitori
si sono resi conto di non voler gestire il fardello caotico di CNN
e della TV tradizionale.
La grande domanda per noi di The TV
Cave è semplice: cosa significa questo per il telecomando?
L’obiettivo è un “Super-Streamer” che combini Max e Paramount+.
HBO: HBO è il
fiore all’occhiello in questo caso, e il timore è che il “tocco
Skydance” possa dare priorità a IP sicure e di successo rispetto ai
drammatici e prestigiosi che amiamo.
L’universo DC: Il
nuovo DCU di James
Gunn è ora tecnicamente sotto lo stesso tetto di Star Trek. Non
stiamo dicendo che ci sarà un crossover, ma con questa economia,
mai dire mai.
La nuvola del
“debito”: La nuova entità ha un debito di circa 57
miliardi di dollari. Di solito, quando i giganti dei media hanno
così tanti debiti, iniziano a “ottimizzare” (leggi: cancellano la
tua serie fantascientifica di nicchia preferita dopo una
stagione).
Bridgerton –
Stagione 4 ha reso omaggio a due membri della sua
troupe con una dedica nel finale della quarta stagione.
La serie drammatica romantica in
stile Regency, basata sui romanzi di Julia Quinn,
ha pubblicato gli ultimi quattro episodi della sua ultima stagione
giovedì (26 febbraio), incentrati sulla storia d’amore tra Benedict
Bridgerton (Luke Thompson) e la
domestica Sophie Baek
(YerinHa).
Dopo la scena finale, la serie
Netflix ha reso omaggio a due membri scomparsi della
troupe di Bridgerton. Prima dei titoli di coda, un cartello con la
dedica recitava: “In amorevole ricordo di Nicholas Braimbridge,
Tony Cooper”.
Braimbridge era uno scenografo che
ha lavorato sia alla serie che al suo spin-off, Queen
Charlotte: A Bridgerton Story. È stato affiancato nel
team di produzione da Cooper, che ha lavorato come autista per il
cast in entrambe le serie.
La collega di Braimbridge a
Bridgerton, la direttrice artistica Alison Gartshore, ha reso
omaggio all’artista lo scorso maggio, descrivendolo come “di
enorme talento”.
“Era un esperto di finte
finiture, noto per le sue squisite marmorizzazioni e finiture
effetto legno, la cui conoscenza si è sviluppata in anni di lavoro
con designer d’interni di alto livello e, più tardi, nel settore
cinematografico e televisivo”, ha scritto su una pagina
GoFundMe per le sue due figlie.
“Ho lavorato a stretto contatto
con Nick ed era parte integrante del nostro team del reparto
artistico, ed era un uomo delizioso, affascinante e divertente, un
vero gentiluomo. Tutti quelli che lo hanno conosciuto lo amavano e
noi, come team, siamo molto addolorati per la sua scomparsa, ci
mancherà moltissimo”.
Cooper ha lavorato a numerosi
successi cinematografici e programmi TV come autista durante la sua
carriera, essendo stato autista di reparto per gli ultimi tre film
di Harry Potter. Nel frattempo, è stato uno degli attori principali
del cast di Cenerentola del 2015, del film
biografico su Winston Churchill L’ora più buia, di The
Crown di Netflix e di Black Widow
della Marvel.
Bridgerton è arrivato su Netflix
per la prima volta a dicembre 2020, portando alla ribalta le star
della prima stagione Phoebe Dynevor e Regé-Jean Page. Prodotta dalla casa
di produzione Shondaland di Shonda Rhymes, la serie si è
concentrata su un diverso fratello Bridgerton in ogni stagione:
Daphne (Dynevor) è stata protagonista nella prima stagione e
Anthony (Jonathan Bailey) è stato il
protagonista della seconda.
Colin (Luke
Newton) e Francesca (Hannah Dodd) hanno
condiviso i riflettori nella terza stagione, mentre la storia
d’amore tra Benedict e Sophie è stata la trama principale della
serie attuale. Divisa in due parti, i primi quattro episodi sono
arrivati su Netflix a gennaio, mentre gli ultimi quattro episodi
sono usciti un mese dopo.
La
stagione 2 di En el barro
(In the Mud) riporta lo spettatore dentro i corridoi brutali di
La Quebrada,
trasformando il carcere femminile in un ecosistema politico dove
ogni alleanza è una moneta e ogni errore costa sangue. Gladys “La
Borges” Guerra rientra in prigione dopo un tentativo fallito di
reinserimento nella società, ma il vero shock non è il ritorno
dietro le sbarre: è scoprire che la piramide del potere è cambiata.
Al vertice ora c’è Gringa
Casares, che controlla l’“outing business”, il sistema
corrotto che mette in connessione detenute e guardie per operazioni
notturne di adescamento e rapina. È un’economia criminale che regge
La Quebrada come un governo ombra: chi la gestisce, decide la vita
e la morte.
L’innesco emotivo che spinge Gladys a sporcarsi di nuovo le mani
non è l’ambizione ma la famiglia. Il rapimento del nipote la
costringe a muoversi in un territorio dove non può più restare
neutrale. E qui la stagione fa la sua mossa più efficace: intreccia
la guerra interna per il controllo del carcere con un ricatto
esterno, facendo collassare dentro La Quebrada la stessa logica del
mondo fuori. La prigione diventa una cassa di risonanza: ogni
scelta “strategica” produce conseguenze intime, e viceversa.
Il finale, in particolare, funziona perché non cerca un colpevole
“giusto”, ma un colpevole “utile”. La domanda “chi prende la colpa
per la morte di Julián?” non è un giallo: è il cuore del meccanismo
di potere. Non vince chi dice la verità, ma chi riesce a
imporla.
Chi prende la colpa per la morte di Julián e perché Aquino punisce
Antín
La morte di Julián è l’evento che svela il vero volto
dell’istituzione. Il ragazzo viene sequestrato da Gladys come mossa
disperata per ottenere uno scambio con Aquino (un figlio per un
figlio), ma l’operazione si inceppa quando la guerra tra Gringa e
Zurda manda in crisi l’intero sistema delle uscite notturne. A quel
punto entra in gioco la dirigenza: Beatriz, la direttrice, e
Antín, figura
chiave del controllo interno, scoprono il rapimento prima che lo
scambio possa avvenire. Da lì la serie si sposta su un piano più
oscuro: non è più il crimine delle detenute a determinare gli
esiti, ma la necessità dell’apparato di coprire le proprie
tracce.
Antín comprende che Julián, se tornasse vivo dal padre,
trasformerebbe La Quebrada in un obiettivo. Non per moralità, ma
per vendetta: Aquino saprebbe esattamente chi colpire e dove
colpire. La soluzione estrema scelta da Antín — far sparire
definitivamente il problema — non è un colpo di scena gratuito, è
l’esito logico di un potere che si auto-protegge. Nel linguaggio
della stagione 2, la vita di Julián diventa un rischio
reputazionale e operativo. E quando un sistema è corrotto, il
rischio si elimina, non si gestisce.
Il passaggio decisivo del finale è il tentativo di Antín di
scaricare la responsabilità su Gladys. La “capra espiatoria”
perfetta: detenuta, recidiva, legata a un piano di ricatto. Ma
Aquino non si lascia manipolare. Qui la serie è precisa: il boss
non è presentato come giusto o umano, ma come lucido. Ha abbastanza
elementi per ricostruire la catena dei comandi e, soprattutto, ha
un secondo testimone disposto a vendersi la verità per vendetta:
Beatriz, che
Antín aveva già cercato di usare come parafulmine per il caos
interno al carcere. È una dinamica classica di potere: quando
tradisci un alleato, gli stai insegnando a distruggerti.
Per questo, nel finale, non è Gladys a “pagare” per la morte di Julián. A
pagare è Antín, perché Aquino riconosce in lui il vero nodo: non
l’esecutore materiale, ma l’uomo che ha trasformato un rapimento
“negoziabile” in un omicidio “irreparabile” per preservare se
stesso. La punizione ha anche un valore simbolico: non è solo
vendetta, è ristabilire gerarchie. Aquino mostra che nessun
funzionario può giocare con la sua famiglia e pensare di uscirne
pulito.
Gringa muore? Perché il potere passa a Zurda e cosa cambia davvero
a La Quebrada
Parallelamente alla vicenda di Julián, la stagione costruisce
l’inevitabilità della caduta di Gringa. Il suo dominio si fonda su
una gestione predatoria dell’outing business: Zurda e le sue fanno
il lavoro sporco, Gringa incassa e controlla. È un modello
coloniale interno al carcere, e infatti genera resistenza. La serie
chiarisce che Gringa non è solo un’antagonista personale, è un
assetto di potere incompatibile con l’equilibrio fragile di La
Quebrada. Troppa concentrazione, troppa violenza, troppa arroganza:
prima o poi qualcuno ti presenta il conto.
La svolta arriva quando Gladys, fallita la strada dello scambio con
Julián, ha bisogno di un uomo fuori capace di agire. Entra in scena
Lalo, legato a
Zurda, e la trattativa è brutalmente coerente con il mondo della
serie: aiuto in cambio di appoggio politico. Il carcere come Stato
parallelo, con patti, alleanze e colpi di mano. In questo senso,
Gladys è il personaggio che meglio rappresenta la “politica della
sopravvivenza”: non si muove per ideologia, ma per necessità, e
proprio per questo diventa una pedina decisiva.
Lo scontro finale in cortile è costruito come un rovesciamento di
regime. Zurda non vince perché è più “buona”, vince perché ha più
consenso e perché sa usare le crepe del sistema. Gringa e la figlia
finiscono isolate, circondate, senza la rete di paura che le
proteggeva. La loro morte non è solo un epilogo violento: è
l’esecuzione di una sentenza collettiva. La Quebrada non perdona
chi rompe il patto implicito della convivenza carceraria, quello
per cui il potere può essere sporco, ma deve restare funzionale.
Gringa era caos che si credeva ordine.
Eppure il dettaglio più importante è quello che viene dopo:
il sistema
continua. Antín — prima di essere punito — aveva bisogno
di un capo per far ripartire l’operazione. È qui che la serie mette
il coltello nella piaga: la rivoluzione non abolisce la corruzione,
la redistribuisce. Zurda prende il comando e paga “formalmente” un
prezzo (isolamento, conseguenze gestibili), ma il carcere resta un
dispositivo di sfruttamento. La stagione 2 non racconta la
liberazione: racconta il ricambio delle élite.
Nicole e Solita riescono a scappare? Il finale come fuga
dall’industria della prigione
Dentro questa guerra di potere, la storyline di Nicole e Solita
lavora su un’altra idea: la prigione come macchina economica che ti
divora. Nicole entra nell’outing business per sopravvivere e
sostenere la famiglia fuori, e la sua relazione con Solita è un
atto di resistenza intima in un contesto dove l’intimità è sempre
un rischio. La serie maneggia materiale duro (abusi e violenze) e
il punto narrativo non è lo shock, ma la funzione: mostrare quanto
rapidamente un sistema senza tutele trasformi i corpi in oggetti di
scambio e punizione.
Il loro finale è, tra tutti, quello più “classico” e per questo più
potente: la fuga. Non una fuga romantica, ma una fuga costruita con
opportunismo, paura e strategia. L’elemento chiave è il denaro:
Nicole usa l’occasione offerta da Julián per ottenere risorse, poi
prepara l’uscita con l’aiuto della madre. Quando Zurda rilancia le
uscite notturne, Nicole e Solita sfruttano la normalità ritrovata
come copertura perfetta: la libertà non arriva quando il sistema è
in crisi, arriva quando il sistema riparte e abbassa la
guardia.
Il senso del loro epilogo è netto: l’unico modo per vincere davvero
a La Quebrada non è diventare regina, è sparire dalla mappa. È
anche un contrappunto morale alla scalata di Zurda: mentre il
potere si ricompone, chi vuole una vita deve scappare. In una serie
così cinica, questo è un lieto fine possibile, ma non consolatorio:
la fuga è l’eccezione, non la regola.
Helena e Cristian: perché il finale taglia il legame e cosa dice
sulla “verità” in prigione
La storyline di Helena è quella più scomoda e la serie la usa come
test di coerenza per la comunità carceraria. Helena è introdotta
come figura “utile” e quasi rispettata, ma il suo segreto ribalta
completamente la percezione. Il punto, qui, non è indugiare nei
dettagli (che restano estremamente delicati), ma osservare la
dinamica: in carcere la reputazione è protezione, e quando crolla,
crolla tutto. La reazione delle detenute — violenta e immediata —
mostra come La Quebrada non abbia giustizia, ma codici: chi viola
certe linee perde ogni diritto informale alla sicurezza.
Il finale, con Cristian che prende coscienza e recide il legame, ha
una funzione narrativa precisa: interrompere la manipolazione. È
uno dei pochi momenti in cui la stagione 2 concede un atto di
“riparazione” fuori dal circuito del potere. Non risolve il trauma,
ma spezza la catena. E serve anche a ricordare che, per quanto La
Quebrada sia il centro della serie, le sue onde d’urto arrivano
ovunque: famiglie, figli, comunità, futuro.
![Marshals: A Yellowstone Story – Episodio 1, spiegazione del finale: Perché Kayce uccide [SPOILER]](https://www.cinefilos.it/wp-content/uploads/2025/11/Luke-Grimes-and-Ash-Santos-in-in-Marshals-A-Yellowstone-Story-2026-768x513.webp "Marshals: A Yellowstone Story – Episodio 1, spiegazione del finale: Perché Kayce uccide [SPOILER]")
Completa come ogni anno
il palmarès dei Nastri d’Argento per i Documentari il
‘Nastro della legalità’ andato al film 
Il look a cui Newton
faceva riferimento non era altro che l’iconico outfit di Gellar
nell’episodio pilota di Buffy –
l’ammazzavampiri. Il personaggio di Newton in
Se l’idea che Glass non
uccida personalmente Fitzgerald può essere sembrata a qualcuno un
anticlimax cinematografico, nella storia vera è addirittura peggio.
Glass riesce a rintracciare Fitzgerald fino a una base
dell’esercito, dove scopre che si è arruolato da poco. A Glass
viene detto che non gli è permesso uccidere un soldato, altrimenti
verrebbe arrestato. Invece, Glass si limita a chiedere che
Fitzgerald gli restituisca il fucile che gli era stato
sottratto.
Hugh Glass muore alla fine
del film?
La morte di Alessia: il
trauma che dà senso al sacrificio
Il sacrificio finale: Enzo
diventa Hiroshi Shiba
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vincitori dei Actor Awards 2026
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