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Cos’è Milele? La spiegazione dell’origine delle Terre dell’Orgoglio del Re Leone

Mufasa Il Re Leone Milele

Mufasa: Il Re Leone è incentrato sul leone protagonista e suo fratello Taka che cercano di raggiungere la favolosa terra di Milele; tuttavia, non basta il loro arrivo perché il luogo diventi la Pride Lands. Nel 2019, la Disney ha creato un adattamento in live-action del film d’animazione del 1994 Il Re Leone, ottenendo recensioni contrastanti. Piuttosto che adattare semplicemente il film sequel per il grande schermo, la casa di produzione ha creato una storia originale che sposta l’attenzione da Simba, mettendo invece in evidenza l’infanzia di suo padre.

Il percorso di Mufasa da bambino sperduto a re non è semplice, poiché non aveva alcuna pretesa al trono. Tuttavia, il suo arco caratteriale in Mufasa: Il Re Leone dimostra che possedeva tutte le qualità necessarie per comandare molto prima di diventare il monarca regnante delle Terre dell’Orgoglio. Tutto ciò di cui aveva bisogno era una comunità che lo seguisse e un luogo da chiamare casa. Nel prequel, questo prende la forma di Milele.

Mufasa Il Re Leone film

Cosa significa Milele e dove si trova?

Milele rappresenta stabilità e sicurezza

All’inizio del film, Mufasa chiede a sua madre Afia cosa c’è nell’area in cui la luce tocca la Terra e lei gli dice che è Milele, che canta l’omonima canzone nella colonna sonora di Mufasa: Il Re Leone. La mamma e il papà di Mufasa, Afia e Masego, lo portano a Milele all’inizio del film, prima di separarsi. La parola “Milele” significa “per sempre” in lingua swahili e rappresenta un luogo in cui avranno sicurezza e abbondanza perenni. Afia descrive Milele come un luogo situato nel punto più lontano, oltre il canyon più profondo, dove la luce tocca la terra.

Durante il viaggio verso Milele, Mufasa e Taka – a cui si uniranno in seguito Sarabi, Zazu e Rafiki – attraversano una cascata, un canyon e una catena montuosa. Alla fine trovano Milele, il luogo che diventa le Terre dell’Orgoglio. Quest’area ha bellissime praterie, cascate, un fiume, alberi e molti animali. Tuttavia, Milele non ha la Roccia dell’Orgoglio fino alla fine di Mufasa: Il Re Leone, quando si verifica un terremoto durante la battaglia culminante. Prima di allora, la località presenta semplicemente una collina rocciosa che si erge sul resto dell’area.

Milele è un mito ne Il Re Leone

I leoni sanno dell’esistenza di Milele ma non credono che esista

In base al modo in cui il Mufasa: Il Re Leone parlano di Milele, il luogo sembra un mito di cui tutti i leoni sono a conoscenza, ma in cui nessuno è mai stato. Il mito sfida i confini dei pride, con gruppi diversi che conoscono tutti il luogo leggendario. Mufasa, Afia e Rafiki sono gli unici a credere che il luogo esista se si viaggia abbastanza lontano. Anche Taka e Nala, che viaggiano con lui, sembrano scettici sull’esistenza di Milele, ma assecondano Mufasa perché per lui è importante.

Non è chiaro se i leoni vivessero un tempo a Milele o se si tratti semplicemente di un mito che ha finito per diventare vero. Considerando che la descrizione del luogo coincide con le immagini delle Terre dell’Orgoglio, sembra che i loro antenati abbiano vissuto a Milele e siano emigrati per qualche motivo.

In questo caso, il luogo diventerebbe un mito una volta che sono passate abbastanza generazioni senza che siano tornati nella loro casa, continuando a tramandare la storia orale. Se il franchise del Re Leone dovesse mai aggiungere un altro film originale, sarebbe interessante vedere un prequel che spieghi come e perché i leoni hanno lasciato Milele. Tuttavia, un prequel live-action che non coinvolga i personaggi noti sarebbe un rischio che la Disney probabilmente non vorrebbe correre.

Mufasa Il Re Leone 2024

Come Mufasa trasforma Milele nelle Terre dell’Orgoglio

La guida di Mufasa aiuta a creare le Terre dell’Orgoglio in Mufasa: Il Re Leone

Milele e le Terre dell’Orgoglio potrebbero occupare lo stesso spazio, ma non sono la stessa cosa. Milele è la terra su cui è costruito il regno delle Terre dell’Orgoglio, e il primo diventa il secondo solo grazie alla guida e all’ispirazione di Mufasa. Quando Mufasa e il suo gruppo arrivano a Milele, gli animali non vogliono che restino. C’è una divisione tra le specie, ognuna delle quali guarda ai propri interessi.

È solo una formalità quando gli animali decidono di incoronare il personaggio principale come loro re, facendo delle Terre dell’Orgoglio un regno.

Tuttavia, tutti temono che i leoni diano la caccia a Mufasa e Taka, sapendo che potrebbero portare scompiglio a Milele. Fortunatamente, Mufasa motiva gli animali a lavorare insieme contro i leoni nemici, spiegando i punti di forza delle diverse specie. Assicura loro che non è migliore di loro solo perché è un leone.

Il momento in cui tutti gli animali si riuniscono per combattere Kiros e il suo gruppo in Mufasa: Il Re Leone è quando Milele diventa le Terre dell’Orgoglio. Sono tutti un’unica comunità, che difende i propri fratelli da nemici violenti. Un danno a uno è un danno a tutti, e non si arrenderanno senza combattere. È semplicemente una formalità quando gli animali decidono di incoronare il personaggio principale come loro re, facendo diventare Le Terre dell’Orgoglio un regno.

 
 

Dune: Prophecy, HBO rinnova la serie per una seconda stagione

Dune: Prophecy
Dune: Prophecy -

Dune: Prophecy (qui la recensione) tornerà per una seconda stagione. La notizia, riportata da Deadline, è stata annunciata oggi durante una conferenza stampa virtuale con la showrunner Alison Schapker e le star Emily Watson e Olivia Williams. La conferma arriva a pochi giorni dal finale di stagione di questa serie prequel dei film di Dune diretti da Denis Villeneuve, che andrà in onda domenica. Dune: Prophecy segue la formazione delle Bene Gesserit, un ordine di donne che diventano le burattinaie delle grandi case dell’Impero. Watson e Williams interpretano due sorelle moralmente ambigue che gestiscono il culto de facto.

Nei film, Lady Jessica Atreides, interpretata da Rebecca Ferguson, ha legami con le Gesserit. Le sue doti spirituali coltivate con l’ordine sono state trasmesse al figlio, Paul Atreides, interpretato da Timothee Chalamet. Nello show co-prodotto da Legendary Television, Travis Fimmel interpreta Desmond Hart, un rivale delle due sorelle, dotato di alcuni poteri. Nel finale ci sarà sicuramente una grande rivelazione sui rapporti tra i tre personaggi. “Il modo in cui la sorellanza sopravvive è parte integrante della seconda stagione”, ha dichiarato Schapker durante la conferenza stampa di oggi, anticipando dunque ciò che sarà alla base del futuro di questa serie.

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Quello che c’è da sapere su Dune: Prophecy

Dune: Prophecy si svolge 10.000 anni prima degli eventi dei film di Dune di Villeneuve ed è ispirato al romanzo di Brian Herbert e Kevin J. AndersonSisterhood of Dune.Co-prodotta con Legendary Television, la serie in sei episodi segue due sorelle Harkonnen mentre combattono le forze che minacciano il futuro dell’umanità e fondano la mitica setta che diventerà nota come Bene Gesserit.

Oltre a Watson nel ruolo di Valya Harkonnen, Dune: Prophecy include anche attori del calibro di Jodhi May (The Witcher) nel ruolo dell’imperatrice Natalya, Mark Strong (Sherlock Holmes) nel ruolo dell’imperatore Javicco Corrino e Olivia Williams (The Sixth Sense) nel ruolo di Tula Harkonnen, con le interpretazioni aggiuntive di Travis Fimmel (Vikings), Jade Anouka (Cleaning Up), Chris Mason (Dirty John), Sarah-Sofie Boussnina (The Bird Catcher), Shalom Brune-Franklin (Cursed), Faoileann Cunningham (The Northman), Aoife Hinds (The Man in the Hat) e Chloe Lea (Great Expectations).

 
 

Yellowstone, la spiegazione del finale: cosa succede al ranch dei Dutton

Il finale della quinta stagione di Yellowstone sembra il finale di una serie (anche se Paramount Network non l’ha pubblicizzato come tale), con momenti che chiudono il cerchio, una profezia che si avvera, morti, nuovi inizi e molto altro. Il popolare dramma neo-western di Taylor Sheridan è stato trasmesso per la prima volta nel 2018 e da allora è stato un successo. Tuttavia, tutte le cose belle devono finire, soprattutto quando iniziano a perdere la loro magia. Di conseguenza, Yellowstone è (presumibilmente) giunto al termine dopo la stagione 5, episodio 14, “Life Is a Promise”, ma ciò non significa che la famiglia Dutton e le loro storie siano scomparse per sempre.

Taylor Sheridan avrebbe in cantiere molti spin-off di Yellowstone, tra cui The Madison con Michelle Pfeiffer, lo spin-off senza titolo di Yellowstone con Beth e Rip, 1943 e 6666.

Dopo la rivelazione del piano segreto di Kayce nella stagione 5, episodio 13 di Yellowstone, il finale affronta il destino del ranch dei Dutton a Yellowstone, insieme al finale di tutti i personaggi. L’idea di Kayce funziona, salvando il ranch dalle mani di avide società e trovando qualcuno che si prenderà cura della terra. Sfortunatamente, ciò significa che la famiglia e i braccianti devono andarsene e intraprendere strade diverse. Alla fine di “Life Is a Promise”, ogni personaggio di Yellowstone ha un nuovo scopo, nel bene o nel male.

Perché Kayce vende il ranch Dutton di Yellowstone al capo Rainwater (ma mantiene la casa della sua famiglia)

Come anticipato alla fine dell’episodio 13 della quinta stagione di Yellowstone, Kayce si rivolge al capo Thomas Rainwater con una proposta: venderà il ranch Dutton di Yellowstone al capo e alla sua tribù per lo stesso prezzo pagato dagli antenati dei Dutton quando lo acquistarono, ovvero 1,25 dollari per acro. Francamente è un affare, ed è proprio questo il punto. Kayce e Beth devono vendere la terra perché non possono permettersi di pagare l’imposta di successione, e nemmeno i membri della riserva di Broken Rock. Tuttavia, se il capo Rainwater la acquista per una piccola somma, l’imposta sarà calcolata in base al prezzo pagato.

Con la riduzione dell’imposta, il capo Rainwater può permettersi di acquistare il ranch e, com’era prevedibile, coglie al volo l’occasione. Sebbene sia triste separarsi dal ranch (beh, non tanto per Kayce), i Dutton sanno che è in buone mani, poiché il capo Rainwater e la sua gente se ne prenderanno cura. La terra non sarà acquisita da ricche società che intendono costruire centri commerciali, resort, ecc. Inoltre, Kayce si assicura che lui e la sua famiglia possano mantenere la loro casa a East Camp come parte dell’accordo.

Spotted Eagle ha detto: “Tra sette generazioni il mio popolo si ribellerà e ve lo riprenderà”, ed è esattamente ciò che accade nel finale della quinta stagione di Yellowstone.

Con la vendita, la storia di Yellowstone è giunta al termine. Come alcuni ricorderanno, 1883 si è concluso con una profezia: Spotted Eagle ha detto a James Dutton che un giorno il suo popolo avrebbe ripreso possesso della terra. Nello specifico, Spotted Eagle ha detto: “Tra sette generazioni il mio popolo si ribellerà e ve la riprenderà”, ed è esattamente ciò che accade nel finale della quinta stagione di Yellowstone.

Perché Beth uccide Jamie e come riesce a farla franca

L’altro momento importante della stagione 5 di Yellowstone, episodio 14, è quando Beth uccide Jamie, cosa che molti avevano previsto prima della premiere del finale. La rivalità tra Beth e Jamie va avanti da anni e finalmente raggiunge il culmine in “Life Is a Promise”. Entrambi giurano di uccidersi a vicenda, ma Beth ha la meglio.

Dopo il funerale di John, Beth è consumata dal desiderio di vendetta. Sa che Jamie ha qualcosa a che fare con la morte del padre, quindi prende uno spray anti-orso e un coltello e va a casa di Jamie. Quando lui torna a casa, Beth lo attacca. Jamie riesce ad avere la meglio, anche dopo che Beth lo colpisce agli occhi con lo spray anti-orso. Poi, quando Beth informa Jamie che hanno venduto il ranch, la rabbia travolge Jamie, che inizia a strangolare Beth. Rip arriva però e salva Beth. Mentre Rip tiene fermo Jamie, Beth lo pugnala allo stomaco e si assicura che il suo viso sia l’ultima cosa che lui vede.

Dopo la morte di Jamie, Rip e Lloyd portano il suo corpo alla stazione ferroviaria nella stagione 5, episodio 14 di Yellowstone, e guidano la sua auto fino all’Idaho, dove le danno fuoco e la abbandonano.

Beth vendica suo padre, proprio come aveva promesso. Odiava Jamie da quando lui l’aveva fatta sterilizzare senza il suo consenso quando era adolescente. Quindi, la morte di John dà a Beth tutte le munizioni di cui ha bisogno per uccidere finalmente suo fratello. Dopo la morte di Jamie, Rip e Lloyd portano il suo corpo alla stazione ferroviaria nella Yellowstone stagione 5, episodio 14, e guidano la sua auto fino all’Idaho, dove le danno fuoco e la abbandonano. Nel frattempo, Beth viene portata in ospedale per le ferite riportate e dice alla polizia che Jamie l’ha aggredita e poi è fuggito. Sembrano crederle e Beth la fa franca.

Dove vanno Beth e Rip dopo aver lasciato il ranch?

All’inizio del finale della serie Yellowstone, Beth dice a Rip che ha comprato una proprietà a Dillon, nel Montana. Sapeva che la proposta di Kayce al capo Rainwater avrebbe funzionato, il che significava che doveva trovare una nuova casa per sé, suo marito e Carter (il loro figlio adottivo che tecnicamente non hanno ancora adottato). Beth voleva un posto lontano dai turisti dove poter costruire un nuovo ranch, e Dillon era l’opzione migliore.

Durante gli ultimi momenti dell’episodio, Beth, Rip e Carter si sistemano nella loro casa di Dillon, a due ore da Yellowstone. I tre iniziano una nuova vita lì, lasciandosi alle spalle quella vecchia. Sebbene abbiano un lieto fine, la storia di Beth e Rip continuerà in uno spin-off di Yellowstone, presumibilmente ambientato a Dillon. Al momento della stesura di questo articolo, non si sa se Carter tornerà. Tuttavia, Deadline ha riportato che nello spin-off appariranno volti più familiari, suggerendo che Finn Little potrebbe riprendere il ruolo di Carter nel cast.

Il destino di tutti i ranch hand nel finale di Yellowstone

Poiché i Dutton lasciano il Yellowstone durante il finale della quinta stagione di Yellowstone, lo stesso fanno i ranch hand. La maggior parte di loro trova lavoro altrove, mentre altri sembrano andare in pensione o mantenere aperte le opzioni. Dopo la morte di Colby nella quinta stagione di Yellowstone, episodio 12, Teeter vuole andarsene dal Montana. Quindi, punta gli occhi sul Texas. Teeter chiede a Travis un lavoro al Bosque Ranch, che lui le concede, ma a una condizione: deve perdere il suo accento “hillbilly”.

Teeter raggiunge Jimmy in Texas, mentre Lloyd e Ryan hanno idee diverse per il loro futuro. Rip offre a Lloyd un lavoro nel suo nuovo ranch a Dillon, insieme a Beth, ma Lloyd rifiuta. Spiega che se non può lavorare allo Yellowstone, allora non vuole lavorare affatto. Ryan, invece, decide di diventare uno spirito libero dopo aver lasciato il ranch e cerca Abby a uno dei suoi concerti. Ryan convince Abby a dargli una seconda possibilità e i due piccioncini hanno anche loro un lieto fine.

Chi narra le scene finali della quinta stagione di Yellowstone

1883

Mentre i Dutton lasciano lo Yellowstone, una voce narra il loro finale nella stagione 5, episodio 14. Chi ha visto 1883 potrebbe riconoscere la voce di Elsa Dutton, interpretata da Isabel May nella serie prequel. Elsa dice:

“141 anni fa, mio padre venne a sapere di questa valle, ed è qui che siamo rimasti. Sette generazioni. A mio padre dissero che sarebbero venuti a reclamare questa terra, e lui promise di restituirla. Quella promessa non era scritta da nessuna parte. Svanì con la morte di mio padre, ma in qualche modo continuò a vivere nello spirito di questo luogo. Gli uomini non possono davvero possedere la terra selvaggia. Per possedere la terra, bisogna ricoprirla di cemento, coprirla di edifici, riempirla di case così fitte che le persone possono sentire l’odore della cena degli altri. Bisogna violentarla per venderla. La terra grezza, selvaggia, libera non può mai essere posseduta, ma alcuni uomini pagano a caro prezzo il privilegio di custodirla. Soffriranno e si sacrificheranno per viverci e sperare di insegnare alla generazione successiva a fare lo stesso. E se vacillano, troveranno qualcun altro disposto a mantenere la promessa”.

Come accennato in precedenza, Kayce adempie alla profezia della sua famiglia quando vende il ranch al capo Rainwater. La profezia iniziò con la morte di Elsa, quando suo padre, James Dutton, cercava un luogo dove seppellire il suo corpo. Spotted Eagle gli donò la terra vicino a Yellowstone, ma lo avvertì che un giorno il suo popolo l’avrebbe ripresa. Ora, la storia dell’universo di Yellowstone è giunta al termine e Elsa narra la fine così come tutto è iniziato con lei.

Il vero significato del finale di Yellowstone

Il finale della quinta stagione di Yellowstone termina con i Dutton che rinunciano al ranch perché quello era sempre stato il destino della loro famiglia. Sin dalla fine del 1800, era solo questione di tempo prima che perdessero la loro terra. Purtroppo, per alcuni il prezzo da pagare è alto, ma per altri si aprono nuove porte. Se questo è davvero il traguardo del dramma neo-western, la sua storia si conclude come doveva. Tuttavia, il finale della quinta stagione di Yellowstone non è certamente la fine per Beth e Rip, dato che è in lavorazione uno spin-off e altri personaggi potrebbero unirsi a loro.

 
 

Conclave: recensione del film di Edward Berger con Ralph Fiennes

Conclave

Reduce dal premio Oscar per Niente di Nuovo sul Fronte OccidentaleEdward Berger cambia completamente la prospettiva del suo sguardo e dagli spazi sconfinati e afflitti della Prima Guerra Mondiale, passa agli spazi claustrofobici ma ugualmente afflitti di un conclave. Il film è una provocatoria incursione nelle stanze segrete del potere religioso e politico. Acclamato alla sua anteprima mondiale al Telluride Film Festival e successivamente accolto al Festival di San Sebastian e alla Festa del Cinema di Roma, il film tratto dall’omonimo romanzo di Robert Harris fonde dramma e tensione in una vicenda che intreccia il thriller psicologico con una potente esplorazione dell’animo umano.

Il Conclave comincia con la morte del Pontefice

La storia ha inizio con la morte improvvisa del Papa, un evento cataclismatico per la Chiesa che attua di conseguenza tutti i protocolli per avviare le pratiche di una nuova elezione. Berger mette al centro della narrazione il cardinale Thomas Lawrence, interpretato magistralmente da Ralph Fiennes. Con l’imponente Cappella Sistina come sfondo, Lawrence e i suoi compagni cardinali intraprendono una battaglia per il potere, fatta di alleanze instabili e di sospetti crescenti. Sotto la sua guida ferma, i cardinali devono fare i conti con il loro passato e le loro reali prospettive per il futuro per capire qual è la scelta migliore per guidare la chiesa, mentre i cardinali si scontrano, tra riformismo e conservatorismo.

L’intreccio e il simbolismo visivo

Berger utilizza lo strumento più evocativo e distintivo che il cinema gli mette a disposizione: la luce. Volti, espressioni, azioni, ogni cosa viene illuminata (o non illuminata) per dargli senso ed espressività, a scardinare le sicurezze e a mostrare i moti interiori del personaggi.  Soprattutto quello di Fiennes, che è l’ago morale della storia ma anche il principale attore di fa e disfa le decisioni del conclave stesso.  Dilemmi etici si scontrano con ambizioni personali in un racconto che procedere con l’avvincente tono di un thriller ad altissima tensione.

Lawrence/Fiennes porta sulle spalle il peso del film e si rende protagonista di straordinari piani di ascolto nelle diverse scene che condivide con un cast in stato di grazia: Stanley TucciSergio Castellitto e Isabella Rossellini. Il cast dipinge personaggi irresistibili, anche nelle loro discrepanze. In mezzo a tutti questi volti interessati, con scopi propri personali, la figura di Lawrence è un osservatore disincantato e, al tempo stesso, un giocatore esperto in un contesto che di sacro ha solo l’apparenza.

Cast stellare e resa dei personaggi

conclave

Berger si affida a un cast di nomi altisonanti che interpretano una varietà di personaggi. Ogni attore, che sia anglofono o italiano, apporta una sfumatura unica e ben distinta al suo personaggio, contribuendo a creare una tensione palpabile tra le pareti marmoree e affrescate del Vaticano. Questo equilibrio crea un mosaico di voci e volti che arricchisce l’atmosfera generale del film, regalando un’esperienza immersiva capace di lasciare il segno.

La vera natura misteriosa di Conclave è dettata dalla sua capacità di porre domande profonde e “pesanti” allo spettatore, al di là del tono da thriller che non ne sovrasta mai la sua natura enigmatica. Il film pone delle domande allo spettatore, che nel finale a sorpresa, molto ironico e plausibile, sembra porre lo spettatore di fronte a un fatto compiuto che non può essere procrastinato ancora a lungo. È una questione di probabilità, in fin dei conti!

Un finale sorprendente per Conclave

Proprio in quel finale sorprendente, il film trova la sua compiutezza, senza scivolare nella banalità, introduce un tocco di misticismo inaspettato. Come in un’opera di Dan Brown, al netto della sua spettacolarizzazione e del suo simbolismo inevitabile, la spiritualità rientra in gioco proprio quando sembra essere stata dimenticata. Il film ci mette di fronte alla contraddizione tra fede e potere, mostrandoci comunque che nessuna delle due cose ha senso senza l’altra che la sostiene.

Berger riesce a trasformare una storia di potere ecclesiastico in una disamina profonda delle debolezze e dei peccati umani. Conclave non è solo un thriller drammatico, ma una riflessione sulla natura dell’esistenza, sugli errori passati, sulle ambizioni future e soprattutto su cosa è giusto fare per il bene collettivo.

 
 

Mufasa: il Re Leone, recensione del film di Barry Jenkins

Nessuno lo avrebbe detto mai dalle premesse, eppure Mufasa: Il Re Leone è un prequel ambizioso e emozionante che amplia l’universo di uno dei film Disney più amati di sempre, offrendo una nuova prospettiva sulla storia del padre di Simba. Diretto da Barry Jenkins, premio Oscar per Moonlight, ma autore anche della potente serie La ferrovia sotterranea e del delicato Se la strada potesse parlare, il film si distingue per un approccio narrativo che unisce profondità emotiva, chiarezza di temi, un’estetica visiva elaborata, a una regia che sfrutta a pieno le potenzialità della computer grafica, il tutto mantenendo uno stretto legame con l’eredità del classico del 1994.

Qual è la storia di Mufasa: Il Re Leone?

La trama si svolge molto prima degli eventi de Il Re Leone originale e ci introduce a un giovane Mufasa (interpretato in italiano da Luca Marinelli). Cresciuto come orfano dopo una tragica alluvione che gli porta via i genitori, Mufasa è costretto a trovare il suo posto in un branco estraneo, dove viene visto come un outsider e una potenziale minaccia alla gerarchia esistente. Questo contesto iniziale è fondamentale per comprendere come il futuro re sviluppi la saggezza e l’umiltà che lo renderanno un leader unico e così rappresentativo. In questo nuovo contesto, Mufasa imparerà ad ascoltare la natura e a vivere secondo il suo ordine, stringendo un forte legame d’amicizia con il giovane Taka, principe del branco.

Jenkins e lo sceneggiatore Jeff Nathanson riescono a tessere abilmente una storia che approfondisce il personaggio di Mufasa, esplorando temi universali come l’identità, la resilienza e il destino. Con esso struttura e approfondisce anche altri personaggi, che saranno poi fondamentale per la vita del futuro re, tra cui ovviamente Taka/Scar e Sarabi (Elodie), ma anche l’enigmatico, saggio e buffo Rafiki (Toni Garrani), come al solito Most Valuable Player e narratore della storia. In netto contrasto con Simba, che in Il Re Leone canta con entusiasmo “Non vedo l’ora di essere re”, il giovane Mufasa sembra inizialmente riluttante ad abbracciare il suo futuro regale, soprattutto perché non si sente degno del posto che spetterebbe, per nascita, a suo fratello acquisito, Taka.

Mufasa e Taka: da fratelli a nemici

Uno degli aspetti più affascinanti del film è il rapporto tra Mufasa e Taka (interpretato da Alberto Boubakar Malanchino per l’Italia), che diventerà in seguito Scar. I due cuccioli, uniti da un desiderio condiviso di appartenenza, sviluppano un legame fraterno che viene messo alla prova da circostanze esterne e ambizioni divergenti. Questo legame è esplorato attraverso la canzone “I Always Wanted a Brother”, che offre un toccante momento di introspezione, ma trasmette anche la gioia incontenibile di essersi trovati. Tuttavia, l’ombra del tradimento futuro è sempre presente, creando una tensione emotiva che culmina in una rivelazione sorprendente.

Dal punto di vista visivo, Jenkins opta per uno stile che bilancia il fotorealismo de Il Re Leone del 2019 con una maggiore espressività nei volti degli animali e un respiro molto più epico e avventuroso, dato da una maggiore ambizione dello sguardo rispetto a Jon Favreau. Jenkins ha una visione impeccabile della storia che vuole mettere in scena, aggrappandosi forte ai temi che vuole portare avanti e imparando a gestire un linguaggio, quello dell’animazione in CGI, che prima di questo film non conosceva. Il risultato è un

Rimpiangendo Hans Zimmer

Le musiche rappresentano un altro elemento di discussione. Mentre le tracce originali di Hans Zimmer e Lebo M continuano a evocare un forte impatto emotivo, le nuove composizioni di Lin-Manuel Miranda si dimostrano meno memorabili e a tratti fuori luogo. “Hakuna Mufasa”, una variazione di “Hakuna Matata”, offre un momento di sollievo comico ma manca della magia delle canzoni originali. Tuttavia, il brano corale “We Go Together”, ispirato a un proverbio africano, si distingue come uno dei punti salienti della colonna sonora, sottolineando i temi della solidarietà e della comunità. Il vero problema è che Miranda è indissolubilmente legato alle sue origini sudamericane, che gli hanno permesso nel tempo di arricchire di sonorità tipiche molti film di grande pregio, nonché il gioiello della sua produzione, il musical Hamilton. Confrontarsi con musicalità e tradizioni africane lo ha però messo in difficoltà, con il risultato che gli unici momenti in cui la colonna sonora brilla, sono quelli in cui è Zimmer a riecheggiare ancora una volta con potenza e emozione.

La famiglia di elezione e la dignità del singolo

Mufasa: Il Re Leone si fa promotore di due temi estremamente contemporanei e potenti. Da una parte il film fa sua l’idea di una famiglia che va oltre i legami di sangue e si costruisce, nel corso della vita, come una comunità legata da affinità elettive emotive e di intenti, da una consonanza di sentimenti che nasce spontanea, e non fa riferimento a gerarchie o al diritto di nascita. Allo stesso modo, il film insegna, con una “morale” perfettamente integrata nel tessuto narrativo, partendo dall’archetipico contrasto tra natura e cultura, che non è scritto nel nostro DNA cosa diventeremo e cosa siamo destinati a essere perché tutto dipende dalle nostre capacità e da quello che apprendiamo nel nostro percorso personale. Sono queste le caratteristiche che fanno di noi leader, servitori, seguaci, compagni per la vita, fratelli e anche avversari. Questo è particolarmente evidente nella trasformazione di Mufasa, il cui viaggio personale lo conduce a riconoscere che un vero re è definito non dal potere, ma dalla capacità di servire il suo popolo.

La storia di Mufasa non è certo rivoluzionaria o estremamente originale, ma offre una nuova prospettiva a quello che è il racconto classico de Il Re Leone, ne arricchisce senza dubbio la loro e per certi versi ne rende più pesante l’eredità e il messaggio. In questo suo rimando continuo all’originale, il film riesce comunque a trovare una propria voce e, probabilmente, anche un proprio posto nella videoteca del classici Disney. È un’opera che celebra la forza dell’umiltà e della comunità, offrendo una lezione tempestiva per le nuove generazioni e un’esperienza nostalgica ed emozionante per i fan di lunga data.

 
 

 The Madison, lo spin-off di Yellostone aggiunge quattro nuovi membri al cast (tra cui uno del 1923)

The Madison serie tv

L’imminente spin-off di Yellowstone The Madison ha aggiunto quattro nuovi membri del cast al suo crescente elenco, tra cui un attore che ha un ruolo in 1923. La storia di The Madison segue Stacy Clyburn (Michelle Pfeiffer), una donna che trasferisce la sua famiglia da New York al Montana dopo la tragica morte del marito in un incidente aereo. Tra gli altri membri del cast che interpretano vari personaggi importanti figurano Patrick J. Adams, Elle Chapman, Matthew Fox, Beau Garrett, Amiah Miller e Ben Schnetzer. Al momento non è chiaro quanto sarà diretto il collegamento dello show con Yellowstone .

Ora, Variety ha confermato che quattro nuovi attori si uniranno a The Madison : Kevin Zegers, Rebecca Spence, Alaina Pollack e Danielle Vasinova. Zegers interpreta Cade, vicino di casa di Stacy e precedente custode della sua casa nel Montana. Spence interpreta Liliana Weeks, un’altra donna di New York City amica della protagonista. Polloack è Macy, la figlia di Abigail (Garrett), che ha familiarità con la vita a New York. E Vasinova è Kestrel, moglie di un ranchero del Montana con origini indigene. Tra tutti gli attori, Vasinova ha già familiarità con l’universo della serie, avendo recitato anche nella seconda stagione di 1923 nel ruolo di Ata Waipa.

Cosa significa l’ampliamento del cast di Madison per lo spinoff di Yellowstone

Vengono introdotte molte nuove prospettive

Alla fine di Yellowstone non sono stati fatti accenni al modo in cui The Madison si inserirà nel più ampio franchise, segnalando che lo show contribuirà a inaugurare un nuovo inizio per il suo universo. I nuovi personaggi mostrano quanto saranno ampie le prospettive dello spinoff, dai vicini e amici di Stacy a personaggi il cui ruolo più ampio non è ancora chiaro. Tuttavia, proprio come il numero di personaggi introdotti nella serie principale, questo spinoff potrebbe essere destinato a raccontare una moltitudine di storie complesse con i suoi nuovi arrivati.

L’aggiunta più curiosa resta comunque quella di Vasinova, il cui ruolo nella seconda stagione di 1923 sarà pienamente rivelato quando lo show tornerà nel febbraio 2025. Al momento non è chiaro se Kestrel e Ata Waipa abbiano un qualche tipo di legame l’una con l’altra, nonostante i 100 anni di distanza. Il suo personaggio potrebbe finire per essere il tessuto connettivo tra The Madison e Yellowstone, a seconda che la sua partecipazione a entrambi gli show sia stata pensata per evocare una connessione tra loro.

 
 

Barry Jenkins a Roma per Mufasa: “La leadership non è determinata dalla tua origine”

Barry Jenkins – Foto Cortesia @Disney

Dopo il travolgente successo del “live action” diretto da Jon Favreau nel 2019, la Disney torna nelle Terre del Branco con Mufasa: Il Re Leone, una storia prequel sul famoso papà di Simba che questa volta vede il coinvolgimento, sulla sedia di regia, del premio Oscar Barry Jenkins.

Cosa spinge un regista noto per il cinema indie a realizzare un costoso blockbuster per la Disney? Secondo Jenkins è stata la sceneggiatura. Ecco cosa ha raccontato alla stampa romana: “Non ho ancora capito come mai la Disney ha pensato a me, in che modo il regista di Moonlight poteva essere adatto a dirigere questo film. Quando sono venuti da me la prima volta ho risposto di no. Il mio agente mi ha chiamato, dicendomi che la Disney mi voleva per un film su Il Re Leone, e io ho risposto di no, senza neanche leggere la sceneggiatura. Ma lui mi ha risposto che non si poteva dire di no alla Disney, e così è passato del tempo. E visto che loro insistevano, io ho chiesto al mio agente di leggere la sceneggiatura per dirmi se fosse valida o meno, ma lui mi ha risposto che non poteva, era del materiale top secret a cui solo io potevo avere accesso. Dopo 8 giorni, mia moglie (la regista Lulu Wang, ndr) mi ha detto che ero stupido a rifiutarlo senza leggere, e così l’ho fatto. Avete visto i primi 39 minuti e 50 secondi di film perché è a questo punto che mi sono fermato, nella lettura, e ho pensato che ci fosse qualcosa di speciale in questa storia. La sceneggiatura mi ha convinto.”

Lui, come Greta Gerwig, Ryan Coogler, Chloe Zhao, ha parte di una generazione di registi indipendenti che hanno deciso di prestare il loro occhio al cinema mainstream. Come si spiega questo fenomeno?

Barry Jenkins – Foto Cortesia @Disney

“Negli anni ’70 e ’80 questi franchise non esistevano. E credo di far parte della prima generazione di registi che è cresciuta con quei franchise e che ora si trova ad avere la possibilità di dirigerne un pezzo. Quando la possibilità di dirigere questi film arriva a me non è come un elemento esterno che entra nella mia vita, ma è come una parte diversa della mia vita. Perché io divido la mia vita di spettatore in due fasi: i film che ho visto prima della scuola di cinema e i film che ho visto dopo la scuola di cinema.”

Scardinare una storia che tutti credono di conoscere da 30 anni

Come si racconta la storia di Mufasa, un personaggio che tutti credono di conoscere da 30 anni, ma che poi si rivela sorprendente?

“In tutto il mondo, chiunque sollevi in alto un pupazzetto di peluche sa che quel gesto fa riferimento a Rafiki che presenta Simba agli animali, è un gesto universale che da 30 anni tutto il mondo condivide e per questi 30 anni tutti abbiamo pensato che Mufasa è re perché è un leone saggio e giusto e discende dai re, che Scar è cattivo perché è nato cattivo. Eppure io ho sempre creduto alla differenza tra natura e cultura. All’inizio di questo film, Mufasa perde tutta la sua famiglia e viene trovato da Taka e dalla sua famiglia. Vediamo come il papà di Taka sia un pessimo padre e come invece sua madre, a cui viene affidato il piccolo Mufasa, insegni al giovane leone i segreti e gli equilibri della natura. Poteva succedere il contrario, è un caso che i due siano stati cresciuti con due modelli di genitorialità differenti. E diventano così degli adulti completamente diversi tra loro.”

Lo scontro tra natura e cultura, nel racconto di Barry Jenkins, si fonde anche con il giusto valore al merito a scapito della predestinazione di nascita, un tema che il regista sente molto suo.

“La leadership non è determinata dalla tua origine, in questo film. Questo è uno degli aspetti che ho amato di più, perché mi rispecchia. Io sono nato in un quartiere che ricorda molto la realtà di Moonlight, era difficile per me immaginare che avrei girato il mondo promuovendo un film de Il Re Leone che avrei diretto io, eppure eccomi qui, il film esiste e io sono qui. La vita che conduci e la comunità che costruisci intorno a te fanno la differenza.”

Mufasa è un film di Barry Jenkins

In che modo Mufasa è un film di Barry Jenkins?

“Quando ho letto la sceneggiatura ho pensato che poteva diventare un mio film, con tanto lavoro. Chi ha lavorato con me è stato molto paziente, dovevo capire bene come adattare questa  tecnologia al mio modo di lavorare, tenendo accanto a me il nucleo centrale della produzione, il direttore della fotografia e la montatrice. Chi ha lavorato agli effetti visivi del film è stato particolarmente paziente e gentile.”

Jenkins ha continuato spiegando come il lavoro con la motion capture non è stato possibile in questo processo di apprendimento. Mufasa: Il Re Leone infatti è stato realizzato a partire dalla colonna sonora, registrando tutte le voci dei personaggio, come fosse un radio dramma. Questa colonna è stata poi montata e storyboardata, e poi, alla fine, sui disegni, sono state realizzate le animazioni che non hanno coinvolto attori, ma animatori veri e propri che, con una tecnologia particolare hanno disegnato i personaggi con i loro movimenti. Barry Jenkins si è trovato quindi a dirigere il corpo degli animatori.

Moonlight (2016)In che modo Mufasa si connette ai suoi film precedenti?

“Credo che Mufasa e Chiron (protagonista di Moonlight, ndr) abbiamo moltissime cose in comune. Entrambi sono orfani e devono attraversare la vita da soli, per conoscere se stessi e il mondo in cui vivono, costruendosi intorno una realtà in cui sono degni di amore. Sto descrivendo sia l’uno che l’altro, e la cosa incredibile è che non l’ho scritto io Mufasa, ma è arrivato da me. La somiglianza più grande però la vedo nella sfera personale. Nel film, Mufasa incontra Taka, poi Rafiki, Sarabi e Zazu, e comincia a costruirsi una famiglia intorno con delle persone che lo amano e che lui ama. La sua vita diventa il risultato dei suoi incontri ed è quello che è successo a me, con i miei amici e i miei collaboratori che ormai sono la mia famiglia.”

Il film ha involontariamente rappresentato una preparazione a un lutto importante: “Mia madre è morta mentre facevo questo film. E non mi sono reso conto in che modo potente e folle questo film mi stava preparando al trauma della perdita di mia madre – ha raccontato Barry Jenkins – Mi è stato detto che i film che facciamo dovrebbero essere un riassunto delle nostre vite in quel momento, e guardandoli uno per uno dovresti sapere esattamente a che punto della vita eri quando lo hai girato. E con Mufasa posso farlo.”

Mufasa: Il Re Leone arriva al cinema il 19 dicembre, in tempo per le feste natalizie, e è distribuito da The Walt Disney Company Italia.

 
 

Conclave: guida al cast e ai personaggi, chi sono i Cardinali coinvolti?

Conclave è un mystery-thriller del 2024 che ruota attorno all’elezione di un nuovo Papa, e l’ensemble è completato da attori di immenso talento. Il nuovo film è diretto da Edward Berger, regista noto soprattutto per il film premio Oscar Tutto tranquillo sul fronte occidentale”. Conclave è il suo secondo adattamento di un denso testo di narrativa storica, basato sull’omonimo romanzo del 2016 dell’autore Robert Harris. Presentato in anteprima al Telluride Film Festival nell’agosto 2024, Conclave ha ricevuto recensioni positive, con un punteggio del 95% su Rotten Tomatoes e un 7,4/10 su IMDb.

Il film segue Thomas Lawrence, un cardinale incaricato di organizzare la successione di un nuovo papa dopo che il precedente è morto con misteri persistenti. Lawrence gioca un pericoloso gioco politico: i cardinali in lizza per il posto vacante cercano il suo favore, sapendo che la sua influenza sarà vitale per le loro possibilità di vincere l’elezione. Nel frattempo, continua a scoprire informazioni sui segreti del papa precedente, con conseguenti scoperte che riguardano i potenziali candidati. Conclave è nelle sale dal 19 Dicembre.

Ralph Fiennes nel ruolo del cardinale Thomas Lawrence

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Ralph Fiennes è un attore inglese che si è fatto notare per la prima volta per il ruolo dell’antagonista nel film drammatico di Steven Spielberg sulla Seconda Guerra Mondiale , Schindler’s List, che gli è valso la prima nomination all’Oscar. Poco dopo, ha recitato ne Il paziente inglese, un altro film che ha vinto come miglior film. Nel XXI secolo, Fiennes è diventato ampiamente riconoscibile per i suoi ruoli in vari film. I migliori film di Ralph Fiennes includono personaggi di franchising come Voldemort nella serie di Harry Potter e ruoli da protagonista in titoli acclamati dalla critica come Grand Budapest Hotel e Il menu.

Personaggio: Il cardinale Thomas Lawrence gestisce il processo di elezione del papa. È essenzialmente il capo dei cardinali, ma non si ritiene adatto a diventare il prossimo papa

Stanley Tucci nel ruolo del Cardinale Bellini

Stanley Tucci è un attore americano di Peekskill, New York, noto soprattutto per aver interpretato ruoli di supporto in un vasto assortimento di film e serie televisive, che gli sono valsi sei Emmy, due Golden Globe e nomination agli Oscar. Tra i suoi film più noti ricordiamo Il diavolo veste Prada, per il quale ha ricevuto una nomination all’Oscar, la serie Hunger Games , SpotlightJulie & Julia e altri ancora. Recentemente, ha condotto la popolarissima serie di documentari Stanley Tucci: Searching for Italy, che ha ricevuto ampi consensi e ammirazione.

Personaggio: Il cardinale Bellini è un amico intimo del cardinale Thomas che ha l’ambizione di diventare il nuovo papa.

John Lithgow nel ruolo del Cardinale Tremblay

Attore: John Lithgow è un attore americano di Rochester, New York, che ha costruito una carriera leggendaria nel cinema e nella televisione negli ultimi cinque decenni, interpretando numerosi personaggi iconici e apparendo in decine di opere acclamate dalla critica. All’inizio della sua carriera, Lithgow ha ricevuto consensi per essere apparso nei film di Brian De Palma, tra cui Obsession e Blow Out. In tempi più recenti, è noto per i suoi ruoli di supporto in film come Interstellar e Killers of the Flower Moon, oltre che in serie televisive come Perry Mason e The Crown.

Personaggio: Il cardinale Tremblay è uno dei contendenti per diventare il nuovo papa, ma possiede oscuri segreti.

Carlos Diehz: Cardinale Benitez

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Attore: Carlos Diehz è un attore messicano che si è cimentato nella recitazione solo di recente, il che significa che sarà un volto quasi del tutto originale per il pubblico che vedrà Conclave. Prima del film del 2024, i suoi unici crediti includevano due cortometraggi, The Vegan Vampire e It Gets Dark Too Early.

Personaggio: Il personaggio di Diehz è il Cardinale Benitez, un misterioso nuovo arrivato che continua a votare per Lawrence.

Cast e personaggi di supporto del Conclave

Isabella Rossellini nel ruolo di Suor Agnes: Isabella Rossellini ha contribuito con interpretazioni iconiche a film e spettacoli televisivi per oltre quattro decenni, tra cui un ruolo da protagonista in Velluto blu di David Lynch.

Sergio Castellitto nel ruolo del Cardinale Tedesco: Sergio Castellitto è un attore, regista e sceneggiatore italiano che ha lavorato a progetti nel suo paese d’origine per oltre quattro decenni, tra cui il film del 2004 Non ti muovere, che ha diretto e interpretato al fianco di Penelope Cruz.

Lucian Msamati nel ruolo del Cardinale Adeyemi: Lucian Msamati è un attore britannico-tanzaniano noto soprattutto per i ruoli in serie televisive come Gangs of London e Game of Thrones.

Brían F. O’Byrne nel ruolo di Monsignor Raymond O’Malley: Brían F. O’Byrne è un attore irlandese apparso in film e serie televisive come Million Dollar Baby, Before the Devil Knows You’re Dead e Mildred Pierce.

Merab Ninidze nel ruolo del Cardinale Sabbadin: Merab Ninidze è un attore georgiano noto soprattutto per aver lavorato in film e spettacoli europei, tra cui Nowhere in Africa e The Courier.

 
 

Conclave, la spiegazione del finale: cosa significa il segreto del nuovo Papa

Conclave

Il finale di Conclave è memorabile e fa parlare di sé. Il film, diretto da Edward Berger su sceneggiatura di Peter Straughan, è tratto dall’omonimo romanzo di Robert Harris. Le recensioni di Conclave sono state estremamente positive, con un punteggio elevato su Rotten Tomatoes e con un’attenzione particolare alla stagione dei premi. Il thriller politico si conclude con il conclave che ha votato un nuovo papa – il cardinale Vincent Benitez – dopo un lungo e arduo processo pieno di rivelazioni su intenzioni, etica e comportamento. Il cardinale Thomas Lawrence sembra un po’ deluso di non essere stato scelto come papa, nonostante in precedenza non fosse interessato alla posizione. Il libro di Robert Harris è uscito nel 2016 ed è diventato un best seller.

Dopo che il cardinale Benitez viene rivelato come nuovo papa al conclave, ma non ancora al pubblico, il cardinale Lawrence gli fa visita dopo essere stato messo al corrente di una procedura che Benitez ha quasi subito. Interpellato, Benitez rivela di essersi quasi sottoposto a un’isterectomia, ma di aver deciso di non farlo perché voleva valorizzare la persona che Dio ha fatto di lui. Il cardinale Lawrence è stupito perché non ne aveva davvero idea, ma non dice nulla agli altri cardinali sulla situazione di Benitez. Il Conclave si conclude con una fumata bianca che rivela che il nuovo Papa è stato finalmente eletto dopo molti giorni di segregazione.

La spiegazione del colpo di scena del Conclave del cardinale Benitez

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Il colpo di scena del Conclave di Benitez è destinato a sorprendere, soprattutto perché il cardinale sarebbe ora il primo papa a non essere nato maschio. Benitez è una persona intersessuale che ha creduto di essere maschio fino all’età adulta. Il suo sesso non è mai stato messo in discussione ed è stato mandato in seminario molto presto. Tuttavia, solo quando è stato ferito da un’autobomba in Afghanistan, un esame medico ha rivelato la verità: Benitez aveva l’utero. Ritenendo che ciò lo squalificasse dalla sua posizione, si offrì di dimettersi, ma il Papa fece in modo che Benitez fosse sottoposto a isterectomia.

Alla fine il cardinale Benitez ha deciso di non sottoporsi all’isterectomia, scegliendo di rimanere come Dio lo ha creato. Benitez non ne parlò a nessuno, tranne che al Papa e al medico che lo visitò. La sua cartella clinica fu secretata ed egli continuò a essere un sacerdote prima che il defunto papa lo nominasse cardinale. Probabilmente Benitez continuerà a tenere segreto il fatto di avere un utero al resto dei cardinali – almeno per il momento. Ma ora che Benitez è papa, potrebbero decidere di rivelare la verità al resto dei cardinali, alla Chiesa cattolica e al mondo.

Perché Lawrence tiene nascosto il segreto di Benitez agli altri cardinali

Il cast di Conclave è composto da otto cardinali principali e dalla sorella Agnes di Isabella Rossellini, che non ha alcuna voce in capitolo nel conclave. Nel corso del film, il cardinale Lawrence scopre tutti i loro segreti e li tiene in riga per poter avere un’elezione giusta. Pur volendo rivelare ciò che gli altri cardinali nascondono, il cardinale Lawrence non rivela la verità sulla situazione del cardinale Benitez. Probabilmente perché Benitez è già papa quando Lawrence ne viene a conoscenza. Lawrence ritiene inoltre che Benitez sia sincero nella sua fede e che rivelare Benitez agli altri cardinali sarebbe un tradimento.

Credendo che questo lo squalificasse dalla sua posizione, si offrì di dimettersi, ma il papa fece in modo che Benitez fosse sottoposto a isterectomia.

Inoltre, non è un segreto di Lawrence da rivelare, e dirlo agli altri cardinali non cambierebbe l’esito dell’elezione. C’è anche il fatto che gli altri cardinali avevano a che fare con ricatti e segreti che erano altrimenti sinistri e dannosi per la loro moralità. L’intersessualità di Benitez non era un caso di etica, e aveva il potenziale per cambiare positivamente la Chiesa cattolica. E se al defunto Papa andava bene che Benitez fosse così com’era, probabilmente andava bene anche a Lawrence.

Perché le ambizioni del cardinale Lawrence di diventare Papa sono cambiate

Il cardinale Lawrence ha cercato di gestire il conclave con il massimo senso di correttezza. È per questo che non era disposto a rimanere in silenzio quando scoprì ciò che il cardinale Tremblay stava facendo, soprattutto perché non lo avrebbe ammesso. Allo stesso tempo, Lawrence non era convinto di diventare Papa, nonostante Benitez avesse sempre votato per lui. Aveva i suoi dubbi, ma il fatto di essere rimasto relativamente neutrale per tutto il tempo, a parte la sua spinta per Bellini come papa, lo metteva anche in corsa.

La fiducia di Benitez in lui e la sensazione che ha provato dopo il suo discorso ai cardinali hanno iniziato a fargli cambiare idea sulla possibilità di vedersi o meno come papa dopo aver scartato l’idea con tanto fervore in precedenza. Con i suoi continui sforzi per un’elezione giusta, volendo sempre fare ciò che è meglio, e dopo aver visto quanto gli altri cardinali avrebbero fatto per rubare l’elezione, il cardinale Lawrence si è convinto che, dopo tutto, potrebbe essere una buona scelta per il papa. Lawrence passa dall’essere uno che dubita ad essere un po’ più sicuro man mano che il Conclave va avanti.

Tutto ciò che il Papa sapeva sui cardinali prima di morire

Mentre il Papa muore all’inizio del Conclave, si scopre che sapeva molto di più sui cardinali di quanto avesse lasciato intendere. Il defunto papa sapeva che il cardinale Tremblay stava corrompendo altri cardinali nel tentativo di ottenere i loro voti. Per questo motivo chiese le dimissioni di Tremblay, che non avvennero mai perché morì poco dopo. Il Papa sapeva anche di Benitez, e lo ha nominato cardinale “in pectore” poco prima di morire, all’insaputa degli altri cardinali fino a quando Benitez non si è presentato poco prima dell’inizio del conclave. Di certo, il Papa sapeva molte cose che non aveva rivelato.

Cosa cambia il Conclave rispetto al libro

Uno dei maggiori cambiamenti riguarda il nome del cardinale Lawrence. Nel romanzo, egli è il cardinale Lomeli, ma poiché Ralph Fiennes interpreta il ruolo in Conclave, e non è italiano, è possibile che il cognome sia stato cambiato per riflettere questo fatto. Inoltre, l’arrivo di una suora dalla Nigeria mette in difficoltà il cardinale Adeyemi. Si tratta di una persona del suo passato, anche se si scopre che il cardinale Tremblay ha chiesto il trasferimento della suora in Vaticano per far arrabbiare Adeyemi e impedirgli di vincere. La suora è presente anche nel libro, ma gli eventi relativi a questa sottotrama si svolgono in modo leggermente diverso.

Per il resto, Conclave è un adattamento abbastanza fedele del libro di Harris. Dal ricatto del cardinale Tremblay all’esplorazione interiore del cardinale Lawrence sulle proprie ambizioni e al colpo di scena a sorpresa del cardinale Benitez alla fine, l’adattamento cinematografico di Berger è fedele alla storia e ai suoi dettagli. Ci sono molti adattamenti che apportano cambiamenti drastici o tralasciano molte cose, ma Conclave, come i cardinali Lawrence e Benitez, è fedele.

Il vero significato del Conclave

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Conclave parla molto di tradizioni, di cambiamenti e dell’intersezione di questi due aspetti. Concentrandosi sul conclave, il film sottolinea le usanze della Chiesa cattolica che sono state portate al presente, mentre i personaggi – i cardinali Lawrence, Benitez e Bellini – si interrogano e riflettono sulla strada da seguire e sui cambiamenti che la Chiesa cattolica deve fare per sopravvivere in un mondo in continua evoluzione. Si tratta anche del tumulto interiore e dell’inquietudine dei cardinali, che hanno tutti opinioni diverse, e di come possano essere un fronte unito per i loro parrocchiani.

Il conclave li vede a un bivio. L’isolamento dagli altri è una manifestazione fisica del loro non essere troppo coinvolti nel mondo circostante. Alcuni degli intrallazzi politici dei cardinali sono più legati alla vittoria che alla volontà di aiutare. I personaggi si interrogano sul loro ruolo, e Lawrence è particolarmente dubbioso: vorrebbe come papa qualcuno che non è sicuro delle cose, perché questo rende più disposti a cambiare e a tracciare un percorso in avanti piuttosto che rimanere rigidamente bloccati nei modi del passato. Il segreto di Benitez è forse il modo migliore e più inaspettato per far progredire completamente la Chiesa cattolica.

 
 

Siviglia 1992 di Netflix è basato su una storia vera?

Siviglia 1992

La serie Siviglia 1992 di Netflix presenta molte trame realistiche e personaggi con cui è facile identificarsi, rendendo difficile non chiedersi se sia basata su una storia vera. Quando si tratta di thriller sui serial killer, alcuni sembrano adattare direttamente le storie di persone coinvolte in crimini violenti realmente accaduti. Ad esempio, la controversa serie Netflix Monster, in ogni stagione sceglie un serial killer realmente esistito e ripercorre la serie di crimini da lui commessi e le potenziali motivazioni che lo hanno spinto a uccidere. Ci sono poi altre serie che attingono solo da eventi reali che hanno coinvolto serial killer, ma adottano narrazioni originali.

Cross di Prime Video è l’esempio perfetto di questo approccio perché, anche se contiene molti riferimenti a serial killer reali, il personaggio centrale è fittizio. L’approccio adottato da Siviglia 1992 di Netflix sembra abbastanza simile all’adattamento di Alex Cross di Prime Video perché, nonostante i molti elementi fittizi nella narrazione, la serie cerca di includere una parvenza di realismo. Sebbene sia discutibile se l’approccio di 1992 funzioni efficacemente, riesce comunque a radicare la serie in un mondo che sembra allo stesso tempo familiare e terrificante.

Siviglia 1992 non è basato su una storia vera

Siviglia 1992

La serie offre retroscena realistici ai suoi personaggi

Per quanto alcuni elementi di Siviglia 1992 possano sembrare realistici, la serie TV non è basata su una storia vera. Molti aspetti dei metodi e delle motivazioni del killer del lanciafiamme, personaggio centrale della serie, sembrano anche un po’ esagerati nella serie spagnola di Netflix. Tuttavia, la serie riesce ad aggiungere molti livelli di realismo al personaggio, sostenendo le sue azioni con una solida storia di fondo. Anche per quanto riguarda gli altri personaggi della serie, Siviglia 1992 li rende più umani e riconoscibili, dando un assaggio di come sono le loro vite al di là dei misteri centrali e degli eventi che li circondano.

Ad esempio, 1992 descrive in modo realistico come un personaggio di nome Richi perda tutto, dal lavoro alla famiglia, a causa dell’alcolismo. La serie mette in evidenza come, nonostante abbia perso tutto, Richi lotti per rompere il circolo vizioso della sua dipendenza. Ci sono persino momenti in cui decide di smettere di colpo. Purtroppo, nonostante i suoi sforzi, Richi fatica a controllare il suo alcolismo, che gli impedisce di realizzare il suo vero potenziale come investigatore. Oltre a questo, 1992 adotta in modo interessante alcuni espedienti narrativi tratti dalla vita reale per coinvolgere efficacemente gli spettatori nel suo dramma poliziesco.

L’Expo di Siviglia del 1992 e la mascotte Curro sono reali

Siviglia 1992

Siviglia 1992 di Netflix adotta un’ambientazione reale nella sua linea temporale passata

Il titolo 1992 fa riferimento all’Expo di Siviglia del 1992, un evento reale che ha celebrato il 500° anniversario dell’arrivo di Cristoforo Colombo in America dopo essere salpato dal porto di Siviglia. Come mostrato nel film, Curro era la mascotte ufficiale della fiera, che rappresentava un uccello gigante bianco con le zampe di un elefante e un becco color arcobaleno. A differenza dell’Expo raffigurata in 1992 di Netflix, tuttavia, quella reale fu un successo e i suoi padiglioni furono smantellati solo dopo la sua conclusione.

Nessuno morì durante gli eventi che circondarono la fiera originale e nessun serial killer nella vita reale ha mai usato la mascotte della fiera come maschera mentre commetteva i suoi crimini. Nella serie, un gruppo di uomini potenti usa anche l’Expo di Siviglia del 1992 come piattaforma per chiedere illegalmente denaro al governo. Il racconto di Siviglia 1992 è interamente fittizio, poiché non ci sono prove che durante la fiera si siano svolte attività corrotte di questo tipo.

 
 

Matt Murdock è sul caso nella nuova immagine di Daredevil: Born Again

Daredevil: Born Again
Charlie Cox nei panni di Matt Murdock in "Daredevil: Born Again". © MARVEL

Il ritorno di Matt Murdock (Charlie Cox) è quasi vicino. TV Line ha pubblicato una nuova immagine di Daredevil: Rinascita, la prossima serie televisiva Disney+ che segnerà il ritorno dell’eroe introdotto nello show di Netflix. La nuova immagine mostra Charlie Cox nei panni di Matt Murdock e, sebbene il personaggio possa sembrare un innocente avvocato che cerca semplicemente di rendere il mondo un posto migliore, Murdock punisce segretamente i criminali di New York City come Daredevil. L’imminente serie televisiva porterà il protagonista lungo un percorso che lo ricongiungerà al suo più grande nemico, il Kingpin (Vincent D’Onofrio).

Daredevil: Born Again ha subito un complicato processo di sviluppo da parte di Disney+. Quando Netflix ha deciso di staccare la spina a Daredevil, molti fan in tutto il mondo volevano ancora vedere altre grintose avventure del vigilante. Fortunatamente, Charlie Cox è tornato a vestire i panni di Matt Murdock durante gli eventi di Spider-Man: No Way Home. Quella che era iniziata come una piccola apparizione nel sequel guidato da Tom Holland si è trasformata in un ritorno in She-Hulk: Attorney at Law e in Echo di quest’anno. Il palcoscenico è stato preparato perché Daredevil possa divertire ancora una volta il pubblico quando salverà la città in Daredevil: Born Again.

Alcuni vecchi amici tornano in Daredevil: Born Again

Matt Murdock e Wilson Fisk non saranno gli unici personaggi della serie Netflix a tornare in televisione dopo la prima di Daredevil: Born Again. Karen Page (Deborah Ann Woll) e Foggy Nelson (Elden Henson) torneranno per aiutare Matt Murdock nella sua vita da avvocato. Oltre a riunirsi con i suoi amici, Daredevil incrocerà ancora una volta il suo rivale di sempre, il Punitore (Jon Bernthal).

Daredevil: Born Again debutterà su Disney+ il 4 marzo 2025. Fino ad allora, le prime tre stagioni di Daredevil sono disponibili in streaming su Disney+.

Iscriviti a Disney+ per guardare Daredevil: Born Again e molto altro. Dove vuoi, quando vuoi.

 
 

Dream Productions: recensione della nuova serie nel mondo di Inside Out

Sulla scia del travolgente successo al box office di Inside Out 2, arriva Dream Productions (qui il trailer), la nuova serie animata ambientata nello stesso universo Pixar, che arricchisce il mondo di Riley. La serie, diretta da Mike Jones e prodotta da Jaclyn Simon, adotta lo stile del mockumentary per raccontare le vicende dello studio cinematografico all’interno della mente della giovane protagonista, dove i sogni prendono forma ogni notte, con un’attenzione maniacale ai dettagli ma sempre rispettando tempi e budget.

Un vero e proprio set, insomma, con tutti i pregi, i difetti, le situazioni di scontro e quelle irresistibilmente comiche. Disponibile dal 20 dicembre in esclusiva su Disney+, Dream Productions si fonda principalmente su un umorismo leggero indirizzato alla rappresentazione della vita di set, che riesce a virare su riflessioni più intime e profonde quando lo sguardo si allarga verso il mondo della protagonista.

Dream Productions propone una storia brillante e surreale

La trama si sviluppa tra gli eventi di Inside Out e Inside Out 2. Riley si sta affacciando all’adolescenza, un periodo cruciale in cui emozioni e ricordi vengono continuamente rielaborati. È qui che entra in scena la Dream Productions, il reparto che trasforma i ricordi e le emozioni in sogni: dai semplici episodi notturni alle narrazioni più elaborate che aiutano Riley a elaborare i momenti più complessi della sua vita, talvolta aiutandola a prendere delle decisioni. Al centro della serie troviamo la regista Paula Persimmon (doppiata in originale da Paula Pell), un’esperta professionista che deve affrontare una sfida impegnativa: creare un sogno di successo collaborando con Xeni (Richard Ayoade), un regista ambizioso e sperimentale proveniente dal reparto “sogni a occhi aperti”.

Questa dinamica tra Paula e Xeni rappresenta una parte importante della serie, a cui si unisce anche il viaggio personale di Janelle (Ally Maki) la brillante assistente di Paula che cerca la promozione e la sua possibilità di diventare regista dei sogni di Riley. La prima è una veterana pragmatica, abituata alle difficoltà di produzione, il secondo è un sognatore, pieno di idee stravaganti ma poco pratiche, la terza è il contraltare perfetto per Paula: giovane, aperta al cambiamento, l’ideale per accogliere i nuovi sogni da adolescente della loro bambina. L’interazione tra queste tre spinte differenti dà vita a momenti di grande comicità e rappresenta una metafora del contrasto tra creatività e realismo, tra passato e presente, un tema che risuona non solo nel mondo del cinema, ma anche nella vita quotidiana.

Il fascino dello stile mockumentary

L’approccio mockumentary permette di esplorare il mondo di Riley da un punto di vista ironico e metanarrativo. Gli spettatori sono introdotti ai dettagli dello studio di produzione, completo di dipendenti bizzarri, problemi tecnici, e pressioni lavorative che riflettono situazioni comuni nel mondo reale e nella vita di set. Questo stile dà alla serie freschezza e rende Dream Productions accessibile sia ai bambini, che apprezzeranno l’umorismo slapstick e le situazioni surreali, sia agli adulti, che coglieranno le sfumature più satiriche e riflessive.

I sogni: tra ordine e caos

Se Dream Productions soffre dello stesso “difetto” di Inside Out – ovvero il bisogno di razionalizzare qualcosa di intrinsecamente irrazionale – lo fa con una consapevolezza che rende questo limite quasi perdonabile. La narrazione non si perde mai completamente nella logica, lasciando spazio a momenti surreali e imprevedibili che mantengono viva la magia del mondo Pixar.

Uno dei punti più interessanti, ma anche più controversi, di Dream Productions è il modo in cui cerca di dare una struttura organizzata ai sogni. Questo approccio è coerente con il mondo di Inside Out, dove la mente umana è rappresentata come un sistema altamente ordinato, ma rischia di allontanarsi dall’essenza stessa del mondo onirico, che per definizione è caotico e destrutturato.

Nonostante ciò, la serie riesce a trovare una strada costruttiva, soprattutto per il pubblico più giovane. Dream Productions suggerisce che i sogni non sono solo una fuga dalla realtà, ma possono servire come strumento per affrontare e dipanare le difficoltà. Che si tratti di un’idea illuminante o di un conforto in un momento difficile, i sogni sembrano fornire un supporto che viene da dentro di noi, quasi a suggerire che abbiamo già tutte le risorse necessarie per affrontare le nostre sfide.

Il mondo di Iside Out si arricchisce

Dream Productions si inserisce con grazia nell’universo di Inside Out, arricchendolo con nuovi personaggi e un’ambientazione originale. Nonostante i design pigri dei personaggi protagonisti, persino più pigri di quelli delle “classiche” emozioni alla consolle di Riley, e qualche limite nella rappresentazione del mondo onirico, riesce a intrattenere con uno scopo costruttivo, perfetto per i più giovani ma in grado di parlare anche agli adulti. Se vi manca la mente di Riley, l’uscita su Disney+ di questa serie è provvidenziale.

 
 

Willem Dafoe: intervista a uno dei protagonisti di Nosferatu di Robert Eggers

intervista a Willem Dafoe

Ecco la nostra intervista a Willem Dafoe, l’attore che interpreta il Professor Albin Eberhart Von Franz in Nosferatu, di Robert Eggers, che racconta di nuovo la fiaba oscura del Conte Orlock, come aveva fatto Murnau prima di lui, nel 1922, e Werner Herzog dopo, nel 1979.

Tutto quello che sappiamo su Nosferatu

Nosferatu è interpretato da Bill Skarsgård, che sostituisce il trucco da clown di Pennywise con le zanne affilate del Conte Orlock, nonché da Nicholas HoultAaron Taylor-JohnsonEmma Corrin e Lily-Rose Depp. Il film riunisce inoltre Eggers con Willem Dafoe, che ha interpretato in modo memorabile un ex marinaio irascibile in The Lighthouse e che è apparso anche nel precedente film del regista, The Northman. L’epopea vichinga vedeva protagonista il fratello di Skarsgård, Alexander Skarsgård, nel ruolo di un guerriero norreno con una massa grassa impressionante e addominali formidabilmente cesellati.

Nosferatu è basato sul capolavoro espressionista tedesco del 1922 diretto da F. W. Murnau – la realizzazione di quel film ha ispirato il film del 2000, completamente fittizio, L’ombra del vampiro, che ha visto protagonista Dafoe, candidato all’Oscar, nel ruolo di un succhiasangue realmente esistito, arruolato per interpretare il ruolo di Orlock. Qui l’attore interpreta invece un assassino di vampiri. Nosferatu è stato anche rifatto nel 1979 da Werner Herzog come Nosferatu il vampiro, con il suo frequente collaboratore Klaus KinskiNosferatu arriverà al cinema a partire dal 1 gennaio.

 
 

Secret Level: recensione della serie di Tim Miller

Secret Level, la nuova serie antologica animata di Prime Video, debutta il 10 dicembre con l’ambizioso obiettivo di omaggiare alcuni tra i videogiochi più iconici di sempre. Creata da Tim Miller (qui la nostra intervista) e prodotta dal suo Blur Studio, la serie porta in scena quindici racconti brevi, ognuno ambientato negli universi di franchise videoludici differenti, e vanta un cast stellare che include Arnold Schwarzenegger, Keanu Reeves, Temuera Morrison, e molti altri.

Secret Level propone un format familiare e un approccio variegato

Le serie antologiche si distinguono per la loro natura episodica: ogni puntata rappresenta una storia autonoma con narrazione verticale. Secret Level segue questa formula, proponendo episodi che spaziano tra generi e atmosfere, da fantasy a fantascienza, da azione ad horror, offrendo una celebrazione della varietà del medium videoludico. Tra gli universi rappresentati, troviamo Dungeons & Dragons, Warhammer 40K, Unreal Tournament, e persino un’interpretazione sorprendente e inquietante di Pac-Man. Tutto sotto la guida di Tim Miller, che ha selezionato e scelto personalmente gli universi da visitare, e affidando ognuno di essi a un gruppo di lavoro diverso e ricco di voci e punti di vista differenti.

Ciascun episodio riflette lo spirito del gioco di riferimento, grazie alla capacità del team di Miller di adattarsi alle specificità di ogni IP. Tuttavia, questa varietà è talvolta limitata da narrazioni troppo semplici e talvolta ripetitive, nel caso in cui si dovesse scegliere di fruire la serie in binge watching. La durata breve degli episodi (tra 10 e 30 minuti) non sempre consente di sviluppare trame complesse, e molte puntate si limitano a esplorare un’idea centrale senza andare oltre. Tuttavia questa carenza drammaturgica viene spesso equilibrata da uno sforzo tecnico ulteriore che arricchisce l’episodio e lo rende un’esperienza visiva impareggiabile. L’esempio perfetto è il segmento dedicato a Sifu: la breve storia ricalca il gioco originale, senza aggiungere nuove prospettive, ma visivamente presenta delle animazioni mozzafiato e una regia ricercata che fa invidia a buona parte degli action in circolazione.

L’eccellenza visiva di Blur Studio

Sul piano tecnico, Secret Level mostra tutta l’expertise di Blur Studio nella CGI. La maggior parte degli episodi utilizza animazione 3D classica, optando per il fotorealismo in diversi casi, sempre a seconda del mondo che si mette in scena. La scelta stilistica appare più cauta rispetto al precedente lavoro di Blur, Love, Death & Robots, che si spingeva più in là dal punto di vista della sperimentazione. E infatti, nei casi in cui Secret Level osa, i risultati sono notevoli: il riferimento è agli episodi dedicati a Pac-Man e Spelunky, in cui drammaturgia e linguaggio fanno un passo avanti per sviluppare la PI di partenza.

La regia, comunque, è efficace nel catturare momenti spettacolari e coreografie di combattimento mozzafiato. Le puntate con una concezione dell’azione più classica, come quelle ispirate a Unreal Tournament e Warhammer 40K, offrono un’esperienza visivamente appagante, grazie a sequenze fluide e dinamiche.

Secret Level vanta un cast stellare

Uno degli aspetti più pubblicizzati di Secret Level è il suo cast di voci, che include nomi di grande richiamo. Arnold Schwarzenegger, Keanu Reeves, Gabriel Luna sono solo alcune delle star che contribuiscono a dare vita ai personaggi della serie. Le performance sono generalmente convincenti, con momenti di spicco come la recitazione intensa di Ricky Whittle e Claudia Doumit in Crossfire. Certo, si tratta pur sempre di ruoli piccoli, quasi comparse, ma ogni dettaglio contribuisce a rendere ogni episodio un piccolo gioiello, un viaggio in un mondo affascinante che, in ogni caso, ci sembra di conoscere e che poi si rivela anche altro.

Un mosaico di proprietà intellettuali di diverso “livello”

Un aspetto molto interessante del progetto è come si è lavorato sulle diverse proprietà intellettuali a cui Miller ha avuto accesso. Secret Level sfrutta non solo titoli leggendari come Dungeons & Dragons e Warhammer 40K, ma anche franchise meno noti o che necessitano di promozione, come New World di Amazon Gaming o il cancellato Concord. Questa scelta da una parte potrebbe generare meno interesse verso gli episodi di universi più “deboli”, dall’altro però permette una maggiore libertà e creatività laddove i franchise scomodati sono meno canonizzati nelle menti degli spettatori. Il risultato è un’esperienza sempre stimolante e fresca.

Un atto d’amore verso i videogiochi

Secret Level è una serie ambiziosa che celebra il mondo dei videogiochi, e che si ingegna per sfruttare sempre al massimo il potenziale di quello che si sceglie di raccontare. Una seconda stagione potrebbe senza dubbio però spingere di più l’acceleratore sui limiti narrativi dei singoli episodi, rendendo lo show un’esperienza ancora più stimolante per lo spettatore. La serie rappresenta un punto di partenza solido, in cui si manifesta una forte volontà di sperimentazione che in questo periodo di ripetitività tecnica è un’oasi preziosa e da valorizzare.

 
 

L’Amica Geniale – Storia della bambina perduta: recensione del finale di stagione e di serie

L'Amica Geniale 4×09

Volge al termine, con due episodi dolorosi e liberatori, la quarta e ultima stagione dell’adattamento della tetralogia scritta da Elena Ferrante e lette (e guardata) in tutto il mondo, L’Amica Geniale: Storia della bambina perduta. Gli ultimi due episodi”La Scomparsa” e “La Restituzione”, chiudono chiudono un quarto ciclo che, pur mantenendo alcuni dei temi centrali del romanzo, si discosta significativamente nella narrazione e nello sviluppo dei personaggi. Questo distacco, se da un lato apre nuove possibilità interpretative, dall’altro mina la coerenza emotiva e stilistica che ha caratterizzato l’opera letteraria, lasciando spesso un senso di incompiutezza.

La Scomparsa, il punto di non ritorno

Il titolo di questo quarto romanzo (e della rispettiva serie) dovrebbe aver messo gli spettatori condizione di non rimanere troppo sorpresi di fronte alla svolta drammatica che questo episodio porta al finale della serie. “La Scomparsa” si concentra su un evento tragico: la sparizione di Tina, la figlia di Lila e Enzo, che segna un punto di non ritorno per tutti i protagonisti. L’episodio inizia con una serie di tensioni familiari: la piccola Emma comincia a sentire con forza l’esigenza di avere anche lei una figura paterna, e Nino come da aspettativa non eccelle nell’essere presente per la figlia. Tuttavia, riesce a trovare il tempo di fare visita alla bambina al rione, in occasione del mercato domenicale. Mentre Lila tiene Imma in braccio e conversa rapita con Nino, Tina scompare. La bimba non si trova più: le ricerche si intensificano, ma si rivelano vane, lasciando un vuoto devastante. Che fine ha fatto la piccola e brillante Tina? 

L’episodio è così devastante per tutti i personaggi coinvolti che sembra che da quel momento le tragedie e i dolori non possano fare altro che aumentare. Gennaro, il fratello di Lila, viene trovato morto, sopraffatto dalla droga; Generino, il primogenito di Lila, anche lui preda della dipendenza, ripudia suo padre Stefano, ridotto all’ombra di se stesso, e rende complicatissima la vita della madre e di Enzo, ormai vero e proprio padre adottivo del giovane. Intanto Lila è quello che più di tutti subisce le devastanti conseguenze della scomparsa della bimba: convinta che Tina sia ancora viva, cede in una spirale di follia. Il monologo immaginato da Lenù, che tenta di ricostruire il pensiero di un’amica ormai irraggiungibile, è un tocco narrativo interessante ma poco incisivo. La serie sembra più interessata a raccontare il lento disfacimento della comunità che a soffermarsi sulle implicazioni psicologiche che non siano teatrali.

La vicinanza di Elena diventa salvifica per Lila, la mantiene ancorata alla realtà, ma l’omicidio dei fratelli Solara renderà l’ambiente del rione sempre più pericoloso e tossico per la donna che, con tre figlie, cercherà di mettersi al riparo da quella violenza, una volta per tutte.

La Restituzione (di Tina e Nu)

Arrivati all’ultimo episodio di L’Amica Geniale: Storia della bambina perduta, ci troviamo di fronte a una serie di scelte narrative che movimentano l’addio alla storia e allo stesso tempo ne viziano l’elegante fissità che aveva fatto dell’ultimo romanzo della tetralogia un piccolo capolavoro di riflessione sull’esistenza, sui dolori e le perdite, soprattutto sul tempo che passa e sui sentimenti, gli affetti che restano, pur nelle loro storture. Ebbene, per l’adattamento di un romanzo così potente si è pensato bene di abbassare il tono e di aggiungere alla storia svolte da soap opera che confondono le acque e il racconto dei personaggi. Nel decimo episodio torna alla ribalta Pasquale, che viene arrestato per aver assassinato Michele e Marcello Solara.

Parte dell’episodio è dedicato ai tentativi di Lenù di intercedere per lui tramite le conoscenze politiche di Nino, il quale, neanche a dirlo, si rivela poco utile. Più avanti nella storia, sembra che Generino e Dede, primogenita di Elena, si innamorino, tuttavia scopriamo poi che il figlio di Lila scapperà di casa con Elsa, la secondogenita di Lenù, una svolta del tutto inaspettata, sia per la madre in pena, che per gli spettatori a dir poco sorpresi. Elena parte allora con Enzo per recuperare i ragazzi a Bologna, ma scopre che sono dalla nonna. Questa importante deviazione rispetto al materiale originale da una parte genera perplessità, soprattutto per la superficialità con cui viene trattata sia la vicenda di Pasquale (lui, a differenza degli altri interpreti, non è “cresciuto” avendo sempre il volto di Eduardo Scarpetta) che quella di Gennarino e Elsa, dall’altra dà finalmente la possibilità a Enzo di emergere, con un toccante monologo che Pio Stellaccio ci regala con una grande autenticità e commozione.

L’addio al rione, che segue queste sgangherate vicende, è un momento cruciale per Lenù, come si può ben intuire, tuttavia anch’esso è poco valorizzato. Addirittura l’ultimo saluto tra lei e Lila appare freddo e convenzionale, due caratteristiche che non hanno niente a che vedere con nessuno dei due personaggi. Elena parte quindi per Torino, mentre le sue figlie maggiori prendono strade diverse: Dede va a New York dal padre, seguita anni dopo da Elsa, mentre Enzo, che capisce che non ha più un posto accanto a Lila, si trasferisce a Milano. Nino, nel frattempo, viene arrestato, per lui un epilogo che appare affrettato, ma che comunque ci regala una certa soddisfazione, qualunque siano le ragioni dell’arresto, che non vengono condivise.

L’ultima sequenza, ci riporta lì dove tutto era cominciato: un’anziana Elena viene svegliata dalla telefonata di Gennarino, spaventato perché da 48 ore “mammà non s’ trov’”. Lila decide così di sparire, disfarsi nel nulla, portando con sé tutte le fotografie, gli oggetti personali, tutto ciò che testimonia il suo passaggio nel mondo, sparisce per unirsi alla sua Tina, mai dimenticata, lasciando dietro di sé soltanto un figlio smarrito, e una vaga perplessità nella mente della sua amica. Alla quale però dedica il suo ultimo pensiero, prima di dissolversi: rientrando a casa, un giorno, Elena trova nella cassetta della posta Tina e Nu, le bambole di pezza che avevano perso da bambine.

L’Amica Geniale – Storia della bambina perduta perduta rinuncia alla poesia in favore della televisione

Con un adattamento poco fedele principalmente nello spirito del racconto, la quarta stagione de L’Amica Geniale chiude in anti-climax una delle serie che a ragione verranno ricordate come uno dei migliori prodotti televisivi della produzione italiana. E nonostante questo, la quarta stagione è senza dubbio il momento più basso di questa trasposizione quasi sempre elegante e preziosa. La tendenza constante di questo quarto ciclo è stata quella di operare un abbassamento di tono costante, una trivializzazione del materiale di partenza che, come dote principale aveva quella di rendere alti e poetici anche i discorsi più volgari e carnali. Probabilmente perché la scrittura consente l’utilizzo di metafore e sottintesi che la serie, come linguaggio di comunicazione, pretende di mostrare con le immagini. La serie perde quella capacità di Ferrante di rendere sublimi anche gli eventi più violenti, sporchi e quotidiani, scadendo talvolta in una rappresentazione ruvida che suscita più ilarità che empatia.

Ma non è solo un “problema” di tono: i personaggi secondari, in particolare Generino, le figlie di Elena e Alfonso, sono trattati con superficialità, preferendo il cliché all’approfondimento psicologico, un difetto che si riscontra esclusivamente nelle scelte di scrittura, e non nelle interpretazioni degli attori che rimangono uno dei punti forti della serie, con la sola eccezione di Alba Rohrwacher, quasi condannata a una Elena che proprio non le calza. Nonostante questa forzatura, è lei la vera protagonista della serie, non solo voce narrante ma anche punto di vista dal quale percepiamo tutto e tutti, mentre il personaggio di Lila, interpretato splendidamente da Irene Maiorino, rimane un personaggio secondario, letto attraverso il filtro dell’amica e mai (più) centro vivo, selvaggio e propulsivo dell’azione.

Il potenziale emotivo dell’opera viene solo parzialmente sfruttato, rendendo questi ultimi episodi un’occasione mancata per onorare appieno il capolavoro letterario da cui traggono origine.

 
 

Scissione: trailer della seconda stagione dal 17 gennaio 2025 su Apple TV+

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Ieri dal Thunder Stage del CCXP24 di San Paolo, Brasile, Apple TV+ ha presentato il trailer dell’attesissima seconda stagione di Scissione, con il creatore, scrittore e produttore esecutivo della serie Dan Erickson, il protagonista e produttore esecutivo Adam Scott e le star Britt Lower e Tramell Tillman che si sono uniti ai fan per condividere un’esclusiva anticipazione di ciò che ci aspetta per gli innies e gli outies delle Lumon Industries. La seconda stagione di Scissione, composta da 10 episodi, farà il suo debutto su Apple TV+ il 17 gennaio 2025 con il primo episodio seguito da nuove puntate ogni venerdì fino al 21 marzo.

Il thriller ambientato sul posto di lavoro acclamato dalla critica e vincitrice di un Emmy e di un Peabody Award, è ideato dal produttore esecutivo e regista Ben Stiller ed è interpretato dal candidato all’Emmy Adam Scott, Britt Lower, Tramell Tillman, Zach Cherry, Jen Tullock, Michael Chernus, Dichen Lachman, il vincitore dell’Emmy John Turturro, il premio Oscar Christopher Walken e la vincitrice dell’Oscar e dell’Emmy Patricia Arquette e dà il benvenuto nella seconda stagione ai nuovi series regular Sarah Bock e Ólafur Darri Ólafsson.

La trama della seconda stagione di Scissione

In Scissione Mark Scout (Adam Scott) guida un team di lavoro della Lumon Industries i cui dipendenti sono stati sottoposti a una procedura di scissione, che divide chirurgicamente i loro ricordi professionali da quelli personali. Questo audace esperimento di “equilibrio tra lavoro e vita privata” viene messo in discussione quando Mark si ritrova al centro di un mistero da svelare che lo costringerà a confrontarsi con la vera natura del suo lavoro… e di se stesso. Nella seconda stagione, Mark e i suoi amici scoprono le terribili conseguenze derivanti dall’aver giocato con la barriera della separazione, che li trascinerà ulteriormente lungo un percorso di guai e dolore.

“Scissione” è prodotta esecutivamente da Ben Stiller, che dirige anche cinque episodi della nuova stagione, alternandosi alla regia con Uta Bresiewitz, Sam Donovan e Jessica Lee Gagné. La serie è scritta, creata e prodotta esecutivamente da Dan Erickson. La seconda stagione è prodotta anche da John Lesher, Jackie Cohn, Mark Friedman, Beau Willimon, Jordan Tappis, Sam Donovan, Caroline Baron, Richard Schwartz, Nicholas Weinstock. Oltre a essere protagonisti, Adam Scott e Patricia Arquette sono anche produttori esecutivi. Fifth Season è lo studio.

La prima stagione completa di Scissione, disponibile in streaming su Apple TV+, è stata acclamata dal pubblico e dalla critica internazionale e, oltre a vincere gli AFI Awards, ha ottenuto 14 nomination agli Emmy, tra cui Outstanding Drama Series, Outstanding Directing for a Drama Series (Ben Stiller), Outstanding Lead Actor in a Drama Series (Adam Scott) e Outstanding Writing for a Drama Series, aggiudicandosi i premi nelle categorie Outstanding Music Composition for a Series e Outstanding Main Title Design. La serie ha ottenuto anche due Writers Guild of America Awards come Miglior nuova serie e Miglior serie drammatica, oltre a due nomination agli Screen Actors Guild Awards e una nomination ai Producers Guild e ai Directors Guild Awards.

 
 

Black Doves: gli eventi reali che hanno ispirato la serie di Netflix e Keira Knightley

Black Doves

Il creatore di Black Doves di Netflix spiega l’ispirazione reale alla base della serie. In uscita il 5 dicembre, Black Doves è una serie Netflix che racconta la storia di una donna di nome Helen che intraprende una relazione appassionata. L’unico problema è che Helen ha un’identità segreta che mette in grave pericolo il suo nuovo amante. Black Doves vanta un cast di tutto rispetto, tra cui Keira Knightley, Ben Whishaw, Andrew Koji, Tracey Ullman, Sarah Lancashire e Andrew Buchan. È stata creata da Joe Barton e avrà sei episodi nella sua prima stagione.

In un’intervista a RadioTimes, il creatore Barton spiega l’ispirazione reale dietro Black Doves. Il creatore racconta che stava “leggendo anche di quei poliziotti spia” che “si erano infiltrati in quel gruppo ambientalista.” Da lì ha tratto ispirazione per scrivere una storia su “quella doppiezza di avere un matrimonio finto che dura anni e anni e anni e poi scompare.” Sono stati questi eventi reali a diventare l’ispirazione per Black Doves. Ecco la citazione completa di Barton:

Stavo leggendo anche di quei poliziotti spia, quei tizi che si erano infiltrati in quel gruppo ambientalista e avevano finito per avere dei figli con loro. Insomma, una storia davvero orribile, molto più oscura di questa.

Ma ho pensato: OK, questa idea, questa doppiezza di un matrimonio finto che dura anni e anni e anni e poi scompare. Credo che anche questo abbia contribuito a ispirarmi.

Cosa significa questa ispirazione per Black Doves

In questa intervista, Barton fa riferimento allo scandalo dei “poliziotti spia”. Questo evento reale ha coinvolto membri della polizia britannica sotto copertura che hanno iniziato relazioni intime con gruppi di protesta. Questi scandali hanno avuto luogo principalmente nel 2010 e nel 2011 e hanno portato ad azioni legali contro questi agenti, alcuni dei quali hanno sposato o avuto figli con le persone che volevano ingannare. I principali gruppi presi di mira da questo scandalo dei poliziotti spia erano gruppi di difesa della giustizia sociale e ambientale.

Questo collegamento con la realtà potrebbe aiutare Black Doves a sembrare ancora più credibile agli occhi dei britannici o di chiunque sia a conoscenza della storia degli “spy cops”. Nella serie, la protagonista Helen è una spia nel vero senso della parola, poiché lavora per un’organizzazione di super spie chiamata Black Doves. Sarà affascinante vedere cosa succederà a Helen nella sua storia romanzata in Black Doves e come questa potrà rispecchiare o meno gli eventi reali.

 
 

The Bad Guy 2: la recensione della serie Prime Video

È bene dirlo senza mezzi termini: la seconda stagione di The Bad Guy, disponibile su Prime Video dal 5 dicembre e ancora una volta diretta dal duo Giuseppe G. Stasi e Giancarlo Fontana, conferma e supera le aspettative, offrendo un’avvincente seguito della storia di Nino Scotellaro, ex magistrato diventato spietato malavitoso. Con il suo mix di riferimenti al cinema d’azione anni ’90 e un profondo radicamento nella realtà italiana, la serie si impone come uno dei prodotti più interessanti del panorama televisivo contemporaneo.

Un omaggio al grande cinema e alla cultura pop

Era chiaro dall’inizio che The Bad Guy fosse un prodotto creato da chi ama il cinema. La passione dei registi per maestri come Tony Scott, Michael Bay, John Woo e Quentin Tarantino permea ogni episodio, donando alla serie una dimensione cinematografica che la rende unica. A questi riferimenti si aggiungono influenze pop e più contemporanee che danno alla serie il suo tono così specifico: c’è dramma e emozioni forti, ma anche ironia, gusto per il grottesco e commedia. Nino Scotellaro è proprio un Walter White che affronta una sua discesa del suo personale inferno per trasformarsi in Balduccio Remora, senza via di ritorno.

Un protagonista sempre più complesso

La seconda stagione riparte esattamente dal punto in cui si era conclusa la prima: Nino (Luigi Lo Cascio) si trova faccia a faccia con il suo nemico giurato, Mariano Suro (Antonio Catania). Ma la vendetta deve attendere. L’archivio, una cassetta contenente prove scottanti di rapporti tra Stato e mafia, diventa il fulcro della trama. Nino è sempre più combattuto tra il richiamo della sua vita precedente, rappresentata principalmente da Lui e Leo, e la crescente attrazione per il potere e il controllo che il suo nuovo ruolo gli offre. Questa evoluzione è esplorata con grande attenzione e consapevolezza: vediamo un uomo che, nonostante tutto, sembra ancora lottare per qualcosa di giusto, anche quando le sue azioni raccontano il contrario.

The Bad Guy (s): Stefano Accorsi è la grande novità

Tra le tante sorprese di questa stagione, spicca Stefano Accorsi nel ruolo di Stefano Testanuda, agente segreto dalla moralità ambigua e dall’aspetto fuori dagli schemi. Con capelli biondi e un’aria glaciale, Accorsi si diverte e diverte, rendendo il suo personaggio una scheggia impazzita: la sua entrata in scena è già un momento iconico. Si è forse sempre detto troppo poco della bravura di Accorsi, relegato per chiari meriti estetici troppo spesso al “bello della storia”: Stefano Accorsi è versatile e talentoso e soprattutto ha dimostrato che quando non si prende troppo sul serio è in grado di regalare personaggi e interpretazioni memorabili.

the bad guy 2
_LugiLoCascio_ClaudiaPandolfi_TheBadGuy2_foto di Kimberley Ross

Un mondo di donne

Ma si sa che un personaggio, per quanto caratterizzato bene, non funziona mai da solo. Deve avere delle controparti all’altezza. Il cast di The Bad Guy 2 si arricchisce di nuovi volti che aggiungono dinamismo alla storia. Ma se Lo Cascio e Accorsi sono due pilastri di questa seconda stagione, sono le donne che fanno davvero il bello e il cattivo tempo. Claudia Pandolfi è ancora una volta convincente nel ruolo di Luvi Bray, moglie di Nino e avvocata divisa tra dovere e sentimenti contrastanti, la sua interpretazione è il cuore romantico della storia che mostra in quanti modi di possa amare un uomo totalmente. Selene Caramazza, nei panni della sorella di Nino e maresciallo dei carabinieri Leonarda Scotellaro, occupa un maggiore spazio narrativo, ed è il centro emotivo, viscerale, passionale della storia, perché è tutta istinto e non comprende l’aspetto calcolatore e compromissorio che invece appartiene a Luvi. Giulia Maenza (Teresa Suro) continua a sorprendere con un’interpretazione carismatica di una donna di potere che dribbla ogni cliché e offre un ritratto fresco e autentico. La passione dei registi per la cultura pop si svela anche nella scelta di alcuni precisi volti per comparse e piccoli ruoli: Aldo Baglio, in un’inedita parte drammatica, e Carolina Crescentini, che invece compare in un piccolo ruolo, sono veramente un regalo per lo spettatore.

Un racconto che non si concede distrazioni

Una delle caratteristiche distintive di The Bad Guy è la fiducia che i suoi creatori ripongono nello spettatore. Non c’è spazio per “spiegoni” o riassunti: tutto è lasciato all’azione e ai dettagli disseminati lungo la trama. Ogni inquadratura, ogni espressione e ogni oggetto di scena raccontano qualcosa, invitando chi guarda a non distrarsi nemmeno per un secondo. Questo approccio, in un’epoca dominata dal binge-watching bulimico, premia il pubblico con una narrazione densa e avvincente, che soprattutto basa la sua fidelizzazione sul tono specifico e inconfondibile che aveva già fatto la fortuna della prima stagione.

The Bad Guy 2 conferma i motivi del successo della prima stagione, riesce a tenere alta la tensione, approfondendo al contempo la psicologia dei personaggi e offrendo momenti di grande spettacolarità e divertimento. In attesa di un (inevitabile?) terzo capitolo che concluda la storia, questa seconda stagione è uno degli appuntamenti imperdibili di dicembre su Prime Video.

 
 

Uonderbois: recensione del primo episodio della serie Disney+

Il 6 dicembre debutta su Disney+ Uonderbois, la nuova serie originale italiana prodotta per la piattaforma che si prefigge di portare lo spettatore in un viaggio straordinario tra le strade e i sotterranei di Napoli. Ideata da Barbara Petronio e Gabriele Galli, e diretta da Andrea De Sica e Giorgio Romano, la serie si presenta come un mix avvincente di folklore, avventura e un pizzico di magia. La prima puntata, che apre le porte al mondo unico e vibrante di Uonderbois, è un’introduzione affascinante e ricca di spunti e influenze.

La trama di Uonderbois, tra leggenda e realtà

La storia segue cinque ragazzi di dodici anni che vivono nei vasci di Napoli, stretti da un legame d’amicizia e da una fervida immaginazione alimentata dalle leggende popolari. I protagonisti sono accomunati dalla convinzione che la loro città sia abitata da Uonderboi, una figura mitologica che unisce la tradizione del Munaciello a un moderno supereroe, un Robin Hood dei vicoli napoletani. Questo mito diventa il punto di partenza per un’avventura epica che intreccia realtà e fantasia.

La puntata introduce rapidamente il conflitto principale: la Vecchia, la proprietaria dei vasci, sta per vendere le case dei ragazzi in cambio di una statuetta di Maradona all’interno della quale, si dice, sia nascosta la mappa di un tesoro. Questo innesco scatena una serie di eventi che porteranno i protagonisti a immergersi nei misteri della Napoli sotterranea, alla ricerca di un tesoro leggendario. L’elemento magico si mescola a un toccante senso di comunità e appartenenza, offrendo uno spaccato emozionante della vita nei quartieri popolari napoletani, ma soprattutto di un’infanzia che non ha ancora ceduto il passo all’adolescenza e cavalca ancora l’immaginazione con spirito d’avventura.

Un cast brillante in una Napoli al suo meglio

La prima puntata di Uonderbois presenta da subito il suo cast corale che include giovani talenti e volti noti del panorama italiano. Serena Rossi (quasi irriconoscibile nel trucco della Vecchia), Massimiliano Caiazzo e Francesco Di Leva spiccano per notorietà e carisma, ma chi brilla davvero sono i giovani protagonisti: nonostante la giovinezza, offrono performance credibili e appassionate, incarnando con naturalezza lo spirito vivace e ingenuo dell’infanzia, la totalizzante dedizione all’amicizia e all’avventura.

Napoli, degradata eppure bellissima, è un personaggio a sé stante. La regia di Andrea De Sica e Giorgio Romano valorizza la città in tutta la sua complessità: dai vicoli affollati ai misteriosi cunicoli sotterranei, indugiando presso gli affacci ariosi sul golfo, ogni scena è un omaggio visivo alla cultura partenopea. L’attenta alternanza di spazi chiusi e vedute aperte permette alle immagini di alternate luci e ombre, sottolineando con equilibrio il segreto di questa storia: la magia e la realtà convivono nello stesso spazio.

Una scrittura traballante

Un equilibrio ricercato anche nella scrittura, dove però fa più fatica a emergere, nonostante le fonti di ispirazione della serie siano evidenti. La premessa di Uonderbois ricalca esattamente quella de I Goonies, affaticandosi a rintracciarne la stessa naturalezza e ingenuità. Quello che invece la serie riesce a incorporare nella sua narrazione con naturalezza e efficacia è tutto il magmatico universo di leggende e credenze della tradizione napoletana, uno scrigno ricco e vivo da cui attingere.

La colonna sonora, arricchita da due brani inediti di Geolier – Ferrari e Parl’ cu mme –, aggiunge un tocco contemporaneo al sapore tradizionale del folklore locale, e si sposa perfettamente con l’atmosfera della serie.

Un debutto promettente

Esperienza insolita nel nostro panorama ma consapevole di maneggiare dei tropi che hanno caratterizzato la struttura del cinema d’intrattenimento statunitense con una enorme influenza sulla cultura pop, Uonderbois parla principalmente a un pubblico giovane, godendo di un felice connubio tra specificità locale e linguaggio universale. La prima puntata dà effettivamente solo un’idea di quello che sarà la serie, ma gli elementi per una grande avventura ci sono tutti.

 
 

Black Doves: recensione della serie tv con Keira Knightley

Black Doves

L’abbondanza di serie tv di stampo spy-action sulle piattaforme non è una cosa nuova: per definizione, la narrazioni che si muovono nel territorio dello spionaggio e contano su una marcata componente action sono tra i prodotti che più chiamano visualizzazioni. In un panorama ormai saturo all’inverosimile di queste proposte, è cosa rara incappare in un esperimento seriale che lasci, effettivamente, la sensazione di qualcosa di “fresco” allo spettatore. Per fortuna, questo è il caso di Black Doves, disponibile su Netflix dal 5 dicembre, sviluppata da Sister e Noisy Bear e con due noti attori britannici protagonisti: Keira Knightley e Ben Wishaw.

Black Doves: mia moglie è una spia

Tutto ha inizio una notte in cui tre persone vengono assassinate quasi contemporaneamente mentre parlano al telefono: chi sono e cosa stavano progettando? La serie parte da questo interrogativo concentrandosi nello specifico sulla morte di uno di loro, un certo Jason (Andrew Koji), che era l’amante di Helen (Knightley), la moglie del Ministro della Difesa (Andrew Buchan). Apprendiamo subito che Helen è in realtà una spia di un’organizzazione chiamata “Black Doves”, che risponde agli ordini di Reed (Sarah Lancashire), per cui è una sorta di insider a cui rivela tutti i segreti del marito politico.

La donna continua a ribadire che la sua relazione con Jason non nascondeva alcun sotterfugio compromettente per il suo lavoro, tutt’altro: era veramente innamorata del ragazzo, ed è per questo che decide di mettersi a indagare sulla sua morte. Lo fa con l’aiuto di un vecchio amico dell’organizzazione, Sam (Whishaw), che torna in Gran Bretagna dopo sette anni di clandestinità a causa di una storia precedente che ha avuto un impatto sulle vite di tutti e che verrà raccontata in flashback. Queste tre morti saranno l’iniziale “innesco” di un complicato conflitto internazionale poiché, in concomitanza con questi eventi, l’ambasciatore cinese in Gran Bretagna viene trovato morto: non tarda troppo tempo per capire che tutti questi eventi potrebbero essere collegati tra loro.

In Black Doves c’è tutto quello che ci aspetteremmo di trovare in una serie del genere: un’investigazione dall’assoluto grado di segretezza; una donna che, dietro la facciata della moglie perfetta, nasconde un’indole decisamente più dinamica; l’ampio respiro internazionale, con le nostre superspie in continuo movimento e, nel caso del personaggio di Whishaw, che non sembrano appartenere davvero a nessun luogo.

Una serie che sorprende

Grazie soprattutto a interpreti decisamente calati nella parte e alla scelta di incorporare un po’ di sano humor british, Black Doves regala al pubblico un’esperienza di visione soddisfacente. La serie cerca di caratterizzare al meglio i suoi volti di punta, tanto che la vita privata di questi assume un ruolo di primo piano nello sviluppo degli eventi. Anche se potrebbe sembrare che aderiscano alla fredda regola del non portare sul lavoro i conflitti casalinghi, qui non c’è intrigo internazionale in cui questi aspetti emotivi non siano almeno in parte coinvolti.

L’aspetto più problematico di Black Doves emerge a partire dalla metà della serie: i suoi personaggi di contorno sono così tanti e così poco definiti, che è molto difficile mantenere il livello di credibilità di cui questo tipo di show ha bisogno. Fortunatamente, come dicevamo, i due personaggi principali colmano le lacune, dando corpo e anima alla serie.

Il connubio tra action e comedy

Knightley, che torna sulla piattaforma dopo il film Lo strangolatore di Boston (2023), si afferma come baricentro drammatico di tutto ciò che accade, gestendo molto bene il classico conflitto dell’infiltrata che vive una doppia vita al punto da non riuscire più a distinguere chi è e di chi deve veramente fidarsi. D’altra parte, Whishaw si mette alla prova portando in scena un forte dramma emotivo personale: Sam è gay, aveva un compagno che ha dovuto lasciare per motivi di lavoro, e di cui sente ancora la mancanza. Questo profondo conflitto interiore deve coesistere con una sottotrama che coinvolge una coppia di assassini professionisti e il loro capo, un’accoppiata che sembra uscita direttamente da un film di Guy Ritchie.

Tra battute taglienti e una spiccata ironia, Knightley non vi farà mai perdere di vista la sua Helen, mentre Whishaw conferisce al suo Sam una vulnerabilità irresistibile, che vi farà pensare di non avere mai incontrato un sicario del genere nell’audiovisivo. Tra di loro, la componente comedy funziona egregiamente, ma l’incantesimo non si applica a tutti i personaggi e alle storyline secondarie che incontriamo strada facendo. Effettivamente, forse questa dispersione tonale potrebbe respingere qualche spettatore ma, per chi saprà comprendere che è parte del gioco, Black Doves promette di riservare le giuste sorprese.

LEGGI ANCHE: Black Doves è una storia vera e un’organizzazione segreta reale? Helen Webb è basata su una vera spia?

 
 

FBI – Stagione 7: data di uscita, cast, trama e tutto quello che sappiamo

FBI - Stagione 7

Dal produttore Dick Wolf, FBI è stato uno dei più grandi successi della CBS negli ultimi tempi, e il procedurale di polizia ricco di azione tornerà per la settima stagione. Debuttata nel 2018, la serie segue gli agenti dell’ufficio dell’FBI di New York City mentre proteggono la città e il paese da varie minacce interne. Le impronte digitali di Dick Wolf sono presenti su FBI, che raggiunge un buon equilibrio tra la tipica formula del caso della settimana con il vantaggio di personaggi ben scritti e l’aggiunta della gravitas dell’FBI.

Non ci è voluto molto perché la serie ricevesse uno spinoff, e l’episodio della prima stagione “Most Wanted” è servito come episodio pilota per l’omonima serie. Negli anni successivi, il popolare procedurale della CBS è stato nuovamente scorporato e sta rapidamente diventando il prossimo franchise televisivo con più serie. Come altre creazioni di Dick Wolf, come Law and Order e la serie One ChicagoFBI funziona così bene grazie alle possibilità quasi illimitate che potrebbero facilmente vedere la serie principale estendersi per decenni. Anche con sei stagioni all’attivo, FBI non mostra segni di arresto.

Ultime notizie su FBI Stagione 7

Sebbene il cast della serie principale non sia cambiato molto in sei stagioni, le ultime notizie confermano che un membro del cast lascia l’FBI e un altro entra a farne parte. Katherine Renee Kane è entrata a far parte dello show nella terza stagione nel ruolo dell’agente speciale Tiffany Wallace, ma si prevede che se ne andrà nel corso della settima stagione. Al suo posto, Lisette Olivera si unirà al cast nel ruolo di Syd , membro dell’Unità di Analisi Comportamentale. Non è stata fornita alcuna ragione per l’uscita di scena della Kane, ma apparirà in almeno un episodio della stagione 7.

Data di uscita della stagione 7 di FBI

La stagione 7 debutterà a ottobre

La CBS ha debuttato con i suoi show sull ‘FBI nel febbraio 2024, e ci sono voluti solo pochi mesi perché la rete desse a tutti e tre gli ordini di stagioni aggiuntive. Il programma del martedì interamente dedicato all’FBI ha aiutato la CBS a dominare gli ascolti, e la rete continuerà questa tendenza quando la serie tornerà martedì 15 ottobre, a partire dalle 20:00 con FBI. Lo show di punta sarà seguito da FBI: International alle 21.00 e FBI: Most Wanted alle 22.00.

La stagione 6 di FBI si è conclusa il 21 maggio 2024.

FBI Stagione 7 Cast

Aspettatevi il ritorno dell’intero cast

I procedurali come FBI sono noti per mantenere i membri del cast per molto tempo, e non ci sono molti cambiamenti da una stagione all’altra. Anche se la sesta stagione ha visto la tragica morte del personaggio ricorrente Trevor Hobbs, interpretato da Roshawn Franklin, in genere i personaggi principali non cambiano spesso. Per questo motivo, ilcast della settima stagione dell‘FBI sarà probabilmente molto simile a quello della sesta, con il ritorno di Missy Peregrym nei panni dell’agente speciale Maggie Bell e del resto della sua squadra.

Katherine Renee Kane riprenderà il ruolo dell’agente speciale Tiffany Wallace nella stagione 7, ma lascerà il ruolo nel corso della stagione. Al suo posto ci sarà la nuova arrivata Lisette Olivera nel ruolo di Syd, un membro dell’Unità di Analisi Comportamentale. L’elenco dei ritorni previsti comprende:

  • Missy Peregrym – Agente speciale Maggie Bell
  • Zeeko Zaki -Agente speciale Omar Adom “OA” Zidan
  • John Boyd – Agente speciale Stuart Scola
  • Katherine Renee Kane – Agente speciale Tiffany Wallace
  • Alana de la Garza – SAC Isobel Castille
  • Jeremy Sisto – Assistente SAC Jubal Valentine
  • Lisette Olivera – Syd

FBI Stagione 7 – Storia

Previsto un formato caso per settimana

Il finale della stagione 6 dell’FBI non ha cambiato la traiettoria dello show, e la squadra ha eliminato con successo Hakim e ha anche dato a Wallace un po’ di chiusura emotiva dopo aver perso il suo partner sotto copertura nell’episodio 1. Detto questo, è difficile indovinare quale potrebbe essere la storia generale della prossima stagione, ammesso che ce ne sia una. Tuttavia, è quasi certo che la stagione 7 dell’FBI sarà come la maggior parte dei procedurali di successo e presenterà un formato di caso della settimana in cui gli agenti dovranno affrontare alcune delle più grandi minacce che la Grande Mela ha da offrire.

 
 

Star Wars: Skeleton Crew, recensione dei primi tre episodi

Con Star Wars: Skeleton Crew, Lucasfilm propone un’interessante deviazione dal percorso tradizionale della saga stellare. Con le prime tre puntate (due delle quali disponibili su Disney+ dal 2 dicembre, mentre le altre una a settimana), questa nuova serie punta i riflettori su un gruppo di pre-adolescenti che si trovano coinvolti in un’avventura cosmica, attingendo al sentimento nostalgico di classici come I Goonies. Ma riesce davvero a essere Star Wars, o è il sintomo di un franchise che si sta adattando a un nuovo pubblico?

La trama di Star Wars: Skeleton Crew: uno spirito d’avventura senza confini

La premessa di Skeleton Crew è semplice e accattivante. Quattro ragazzi – rispettivamente interpretati da Ravi Cabot-Conyers, Ryan Kiera Armstrong, Kyriana Kratter e Robert Timothy Smith – scoprono qualcosa di misterioso sul loro apparentemente tranquillo pianeta natale. Quella che inizia come una ricerca di una semplice avventura per staccare dalla routine, si trasforma in un’odissea galattica, piena di incontri inaspettati, pericoli e scoperte. Guidati da un enigmatico Jude Law in un ruolo ancora avvolto dal mistero, i giovani protagonisti sono costretti a navigare una galassia pericolosa, in cui alleati e nemici si mescolano in modi imprevedibili.

L’aspetto che colpisce immediatamente è l’approccio visivo. Grazie alla regia alternata di Jon Watts, David Lowery, i Daniels e altri, Star Wars: Skeleton Crew offre un mix di atmosfere: dal fiabesco al surreale, con momenti che ricordano il fascino artigianale di The Mandalorian e l’intimità visiva di Andor. Tuttavia, è lo spirito da “film per ragazzi anni ‘80” che domina, regalando una sensazione di leggerezza e scoperta che si amalgama bene con la narrazione.

Un cast giovane e promettente

Il cuore della serie sono i suoi giovani protagonisti. I quattro ragazzi offrono performance genuine, catturando con autenticità lo stupore e il terrore di trovarsi in un mondo molto più grande e pericoloso di quanto avessero mai immaginato. Jude Law, nel ruolo del loro mentore (o forse qualcosa di più ambiguo?), riesce a mantenere alta la tensione drammatica senza rubare troppo spazio alla narrazione dei ragazzi, tenendo in equilibrio il mistero del suo personaggio con un sorriso sornione irresistibile. Il cast di supporto, che include Kerry Condon e Nick Frost, aggiunge profondità e tonalità variegate alla serie.

Regia e scrittura: una visione poliedrica

Uno dei punti di forza di Skeleton Crew è la sua regia diversificata. Ogni episodio ha una sua identità visiva e tonale, pur mantenendo una coerenza narrativa. I Daniels portano il loro caratteristico stile eccentrico, mentre David Lowery aggiunge una sensibilità più malinconica e poetica. Questo approccio rende ogni episodio un’esperienza unica, anche se potrebbe disorientare chi preferisce uno stile più uniforme.

Sul fronte della scrittura, Jon Watts e Christopher Ford riescono a bilanciare momenti di leggerezza con temi più profondi, come la paura dell’ignoto e il desiderio di appartenenza. Tuttavia, alcuni dialoghi rischiano di cadere nel cliché, soprattutto quando cercano di veicolare lezioni morali esplicite.

Il dilemma dell’identità: cos’è Star Wars oggi?

Le prime tre puntate di Star Wars: Skeleton Crew offrono un’esperienza fresca e originale, e la serie si presenta così come una storia di formazione travestita da avventura spaziale, strizzando l’occhio a chi cerca emozioni più intime e meno epiche. Non sarà lo Star Wars che tutti conosciamo, ma forse è quello di cui il franchise ha bisogno in questo momento.

Il fatto che Skeleton Crew sia effettivamente una serie fresca e interessante fa emergere una domanda fondamentale: questo è ancora Star Wars? I puristi della saga potrebbero storcere il naso. Non ci sono Jedi iconici o conflitti cosmici di proporzioni epiche. Non ci sono Sith che complottano né battaglie stellari mozzafiato. Piuttosto, la serie esplora un lato più intimo e personale della galassia lontana lontana. È come se Lucasfilm stesse sperimentando con il formato: cosa succede se mettiamo da parte la mitologia e lasciamo spazio a storie più piccole?

Questo spostamento potrebbe sembrare estraniante per chi associa Star Wars a un immaginario ben definito. Tuttavia, è anche un segnale di maturazione del franchise, che cerca di adattarsi a un pubblico più giovane senza rinunciare alla possibilità di raccontare qualcosa di nuovo. Lo spirito di Skeleton Crew non è quello di Una nuova speranza o L’Impero colpisce ancora, ma forse è proprio questo il punto: lo Star Wars del passato è morto, lunga vita al nuovo Star Wars.

 
 

Dune: Prophecy – Episodio 3: perché Valya fa visita a suo zio e cosa significa per il futuro?

Dune: Prophecy - episodio 2 Valya

Con l’episodio 3, Dune: Prophecy si tuffa nelle vite di Valya e Tula Harkonnen, e si conclude con una sequenza in cui Valya fa visita allo zio e al nipote. Le attrici Emily Watson e Jessica Barden interpretano Valya Harkonnen, la protagonista della serie, in momenti diversi nel tempo. L’episodio 3 ha utilizzato diversi flashback per mostrare una parte importante della vita di Valya mentre si allontanava dalla sua famiglia e legava la sua lealtà alla Madre Superiora Racquella e alla Sorellanza, preparandola a diventare in seguito il leader dell’organizzazione.

Valya Harkonnen è una figura ultra-potente a questo punto della linea temporale di Dune, poiché è la leader di un’organizzazione che ha le sue radici scavate in tutto l’Imperium. L’episodio 2 ha visto parte della sua influenza recisa, tuttavia, quando Desmond Hart ha convinto l’imperatore Javicco Corrino a estrometterla dal Palazzo Imperiale e ha anche resistito al potere della Voce. Valya ha fatto una mossa interessante nell’episodio 3, i flashback dimostrano la dualità del suo personaggio e perché tutto ciò è importante.

Valya in visita allo zio si allontana da “Sisterhood Above All”

“Sisterhood Above All” è il titolo dell’episodio 3 di Dune: Prophecy, che esamina il percorso di Valya Harkonnen da membro orgoglioso della sua casa, desiderosa di vendetta contro la Casa Atreides, a leader della Sorellanza. Una delle sue prove più significative è pronunciare la frase “Sisterhood Above All”, dichiarando che metterà sempre le esigenze dell’organizzazione al di sopra di quelle della sua persona e della sua famiglia. È destinata a lasciarsi alle spalle i legami familiari, cosa che sembra fare quando usa la Voce su Sonya e porta Tula con sé nella Sorellanza.

Questo rende il suo incontro con lo zio e il nipote nel finale dell’episodio 3 di Dune: Prophecy ancora più significativo, poiché sembra che stia tornando a tenere alla sua famiglia di provenienza. Il potere della Voce e l’influenza della Sorellanza non hanno funzionato per lei, quindi sta tornando ai suoi legami con gli Harkonnen per chiedere aiuto. Valya è disperata nell’episodio 3 e mostra quanto sia in conflitto, come personaggio. Può affermare di aver fatto sacrifici per la Sorellanza, ma è disposta a piegare le regole quando la sua posizione è minacciata.

In che modo lo zio di Valya aiutarla davvero?

La Casa Harkonnen ha sofferto negli anni precedenti agli eventi di Dune: Prophecy, poiché sono stati considerati codardi dalla Casa Atreides alla fine della Jihad Butleriana. Non hanno l’influenza che avranno durante i film di Dune, ma potrebbero comunque avere delle connessioni e un certo livello di influenza che può aiutare Valya in cambio del suo sostegno nell’aumentare la loro reputazione come casa. È difficile dire esattamente quale sia il suo gioco, ma la Casa Harkonnen non dovrebbe mai essere completamente esclusa dall’universo di Dune.

 
 

L’amica Geniale – Storia della bambina perduta: recensione degli episodi 7 e 8

Dopo un dittico che sicuramente ha fatto discutere, a tratti sgradevole e violento nei confronti delle sue protagoniste, L’amica geniale – Storia della Bambina Perduta torna su RaiUno con le puntate 7 e 8, Il ritorno e L’indagine. Dopo decenni che le due amiche erano separate, questi due episodi le vedono tornare insieme, confidenti e collaboratrici, di nuovo vicine, mentre la loro relazione assume dei contorni nuovi che fino a quel momento non si erano mai definiti così bene. Il loro rapporto di forze si evolve ulteriormente e se Lila continua a essere quella tra le due che tende a prevaricare l’altra, Elena si conferma una donna piena di risorse, soprattutto dopo la fine della storia con Nino.

L’addio a Nino e “Il ritorno” al rione

Con il settimo episodio, dal titolo Il ritorno, la storia si immerge di nuovo nel tumulto emotivo di Elena, che torna alle sue radici e al suo inizio, prendendo di nuovo casa al rione, proprio sotto all’appartamento di Lila. La rottura definitiva con Nino è un momento di liberazione e consapevolezza: un legame tossico che viene reciso, non senza amarezza, ma con grande decisione. La scena del loro confronto nella casa di Via Petrarca però non è il trionfo della volontà di Elena, quanto piuttosto un verboso e depotenziato colloquio tra due persone che, almeno da una parte, un tempo si erano amate. Nino confessa tutte le sue piccolezze e questa volta Lenù ha gli strumenti per allontanarlo, definitivamente. La scelta degli sceneggiatori di mostrare il tradimento di Nino con una donna sformata e anziana è stato un inciampo di scrittura davvero sgradevole, come se solo vedendosi tradire con una donna così poco attraente, Lenù avesse capito che quest’uomo, che ha amato per così tanto tempo, non merita quella devozione. Il tradimento perpetrato nel tempo da Nino, la sua ostinazione a coltivare se stesso al posto della sua storia con Elena, il continuo desiderio di affermazione e conferma, l’insicurezza che mortificava l’intelligenza della compagna erano ben più gravi di una sveltita con l’attempata domestica. Ma una scelta “grafica” rispetto agli eleganti non detti allusivi del romanzo, è sembrata più adeguata alla televisione. Non sarà l’unica volta in questa coda di serie, né sarà la più sgradevole.

Archiviato finalmente Nino dal suo cuore (ma non dalla sua vita, continuano a condividere una figlia, dopotutto) Elena torna al rione, dove riafferma la propria autonomia, nonostante la difficoltà di essere una donna sola con tre bimbe. Questo ritorno alle origini diventa un catalizzatore per la sua scrittura, che finalmente trova una nuova forza e autenticità. La pubblicazione del suo libro e il successo che ne deriva trasformano Elena in una figura di spicco, ma il prezzo del suo successo diventa evidente: la distanza crescente tra lei e un ambiente che implode su sé stesso. Elena è ormai un elemento estraneo al rione e tuttavia una componente importante per il suo ecosistema, una voce narrante.

L’evento che fa seguito al ritorno di Lenù al rione è il tanto atteso matrimonio di Marcello Solara con la sorella di Elena, Elisa, una delle sequenze più cariche di tensione dell’episodio. La scena mira a sottolineare un punto in particolare, che però non viene spiegato adeguatamente: Michele Solara è definitivamente libero dall’incantesimo di Lila, ormai la disprezza soltanto e con lei disprezza anche la sua “brutta copia”, Alfonso. Vestito da donna, l’uomo fa irruzione al matrimonio, creando agitazione e tensione. Verrà cacciato e allontanato, solo Lila e Lenù gli rimarranno accanto, fino a che Michele non lo picchierà a sangue per le strade del rione, davanti all’indifferenza di tutti (tranne del buon Enzo, al quale però Lila impedirà di intervenire). Edoardo Pesce, il Michele adulto, è superbo nella messa in scena della bruta e cieca cattiveria del Solara maggiore. Il pestaggio di Alfonso è uno dei momenti più crudi e disturbanti dell’intera serie, eppure il trattamento del personaggio appare forzato rispetto alla delicatezza con cui era stato tratteggiato nei romanzi.

Punto fermo rimane l’amicizia tra Lila e Lenù, sempre in bilico tra parità e abuso, onestà e inganno, in balia degli umori della prima che continuano a influenzare e travolgere la seconda che, dopo tutto questo tempo, appare finalmente più consapevole e capace di schermarsi dalle inevitabili cattiverie dell’amica.

La scrittura come strumento di attacco al potere: L’indagine

L’ottavo episodio tira le fila di molteplici tensioni, portando alla luce l’influenza opprimente dei Solara e l’ineluttabile disgregazione del rione. La morte di Alfonso segna un punto di non ritorno: non solo per la sua brutalità, ma per il modo in cui spezza definitivamente la già fragile speranza di una resistenza al potere dei Solara. La reazione di Lila, fredda e piena di disprezzo, è un elemento di distacco che evidenzia quanto la serie scelga di calcare la mano sull’aspetto più crudo e spietato della realtà narrata. La donna è spezzata dalla morte dell’amico, eppure sceglie di reagire in maniera fredda, senza lasciarsi attraversare da quel dolore che però, lo vedremo, avrà il tempo di esplodere per altre ragioni.

Il degrado del rione e la ritrovata ispirazione di Elena si fondono come un’arma nelle mani di Lila: la donna desidera che la compagna si faccia voce della protesta e del cambiamento, vuole utilizzare le parole per distruggere la violenza dei Solara, pensiero che ne rivela la fondamentale ingenuità, soprattutto di fronte a una violenza cieca e sorda che prende corpo in Michele. La ribellione delle due amiche le vede brevemente fiorire in un nuovo afflato collaborativo: scrivono, lavorano, si confrontano, tornano a essere le due bimbe piene di speranze nel mondo delle idee, per poi scontrarsi contro una realtà ben più cruda. Le parole che mettono insieme non servono ad altro che a mettere Elena in una posizione di difficoltà all’interno del rione, mentre Michele, sempre più violento e minaccioso, si erge come un simbolo di quella brutalità sistemica che soffoca ogni tentativo di cambiamento.

Elena si trova costretta ad affrontare una querela e i problemi economici che ne derivano, trovandosi a dover difendere la propria carriera e integrità. L’episodio riflette bene la spirale di compromessi e minacce che circondano entrambe le protagoniste, mostrando una Napoli senza speranza che divora i suoi figli. Ancora una volta L’amica geniale guarda oltre i confini del privato, affacciandosi con approccio problematico alla società, al pubblico, instaurando uno stretto legame trai due aspetti della narrazione.

L’amica geniale giunge alla svolta decisiva

Gli episodi 7 e 8 segnano un passaggio cruciale nella narrazione de L’amica geniale – Storia della Bambina Perduta, confermando il talento della serie nel coniugare il dramma personale con il contesto sociale. Tuttavia, alcune scelte narrative, come il trattamento del personaggio di Alfonso, potrebbero risultare discutibili per chi ha amato la delicatezza del romanzo. Resta potente, invece, il rapporto tra Elena e Lila, sempre più sfaccettato e complesso. Questi episodi ci ricordano che il rione non è solo un luogo fisico, ma un’entità viva, un microcosmo di potere e lotte, in cui i sogni di emancipazione si scontrano con la brutalità del sistema.

 
 

Dune: Prophecy – Episodio 3, la spiegazione del finale

Dune: Prophecy - Episodio 3

Il finale dell’episodio 3 di Dune: Prophecy, dal titolo “Sisterhood Above All”, solleva diverse domande sul passato e sul futuro di Tula HarkonnenDune: Prophecy è una serie in sei parti basata sul romanzo del 2012 Sisterhood of Dune, scritto dal figlio dell’autore originale di Dune Frank HerbertBrian, e Kevin J. Anderson. La storia si svolge più di 10.000 anni prima dell’ascesa di Paul Atreidies, raccontata in Dune (2020) e Dune: Parte Due (2024) di Denis VillenueveDune: Prophecy rivela le origini della potente sorellanza ombra nota come Bene Gesserit e come hanno manipolato il destino dell’umanità.

L’episodio 1 di Dune: Prophecy “The Hidden Hand” ha presentato Valya Harkonnen (Emily Watson), una leader feroce e calcolatrice, e sua sorella biologica, Tula Harkonnen. L’episodio 2 di Dune: Prophecy rivela cosa è successo a Lila e a sua nonna, la Reverenda Madre Dorotea, dopo che Tula e Valya Harkoennen l’hanno incoraggiata a sopportare prematuramente un rituale pericoloso per la vita noto come The Agony. Nell’episodio 3 di Dune: Prophecy, Tula prende in mano la vita di Lila dopo che è apparentemente morta durante il rituale The Agony e cerca di resuscitarla tramite l’uso di Macchine Pensanti proibite, nascoste da Valya e dalle Bene Gesserit.

Cosa è successo a Griffin Harkonnen

L’episodio 3 di Dune: Prophecy presenta l’unico fratello di Valya e Tula, Griffin Harkonnen. Tornati sul loro pianeta natale di Lankiveil, la Casa Harkonnen è stata evitata dall’Imperium a causa della presunta codardia del loro antenato durante la Battaglia di Corrino contro Vorian Atredies. Mentre il popolo degli Harkonnen si è ridotto a raccogliere pellicce di balena, una Valya audace e ribelle si rifiuta di permettere che il suo cognome venga scartato dall’Imperium.

Griffin spiega alla sua famiglia che si sta dirigendo a Zimia, che è la città principale del pianeta natale dei Corrino, Salusa Secundus, perché Landsraad, ovvero l’organismo che rappresentava tutte le Grandi Casate, ha accettato la sua petizione per ottenere un accordo commerciale migliore per la pelliccia di balena. Mentre è a Zimia, Griffin si mette alla ricerca e affronta Vorian Atreides, che Valya incolpa per aver disonorato Casa Harkonnen. È implicito che Griffin abbia affrontato Vorian come Valya voleva e sia morto nello scontro.

Perché Tula Harkonnen ha ucciso Orry Atreides

Valya e Tula Harkonnen hanno dedicato le loro vite a vendicare il nome della loro famiglia e la morte del loro fratello Griffin, la cui morte ha ulteriormente alimentato il loro odio per Casa Atreides. Mentre Valya andava ad allenarsi con la Sorellanza, Tula nascose la sua vera identità e “si innamorò” di Orry Atreides sul pianeta natale degli Atriedes, Caladan. Orry e Tula si erano incontrati in un mercato dove Orry aveva iniziato una conversazione e aveva chiesto a Tula di sposarlo solo pochi mesi dopo. Tula sembra accettare la proposta di matrimonio di Orry ma solo dopo rivela di essere una Harkonnen, il che sconvolge Orry. Fa appena in tempo e vedere i suoi familiari morti quando Tula piomba su di lui e lo uccide, come aveva fatto con tutti gli altri.

Il significato del toro in Casa Harkonnen spiegato

Tula uccide Orry con un veleno relativamente indolore e rapido, ma il modo in cui più di due dozzine di membri degli Atreides siano morti è più ambiguo. Dopo che Tula uccide Orry ma risparmia un giovane ragazzo Atreides che potrebbe benissimo essere Keiran, alza lo sguardo verso la cima di una rupe e vede un mitico toro nero. Sebbene non venga mai detto nell’episodio 3 di Dune: Prophecy, sembra che il toro abbia assassinato tutti gli Atreides nell’accampamento. Il toro è un simbolo della Casa Harkonnen poiché il nome Harkonnen è basato sul nome finlandese Härkönen che significa “bue” o “persona simile a un bue”. Poiché Tula non avrebbe potuto uccidere tutti quegli Atreides da sola, il mitico toro che vede dopo aver ucciso Orry è il colpevole più probabile.

Cosa ha mostrato Raquella a Valya nei tunnel

L’episodio 3 di Dune: Prophecy rivela come la Madre Reverenda Superiora Raquella abbia mostrato un interesse speciale per un’allieva in difficoltà di nome Valya Harkonnen. Raquella ha preso Valya sotto la sua ala e ha iniziato a farle conoscere la sua grande visione per le Bene Gesserit, che era quella di stabilire un enorme indice genetico per allevare governanti ideali per l’Imperium. Raquella è colpita dall’abilità di Valya con la Voce e le affida il compito di portare avanti la sua visione delle Bene Gesserit al posto della figlia più puritana, Dorotea. Invece di imparare da Dorotea, Valya riceve una speciale guida da Raquella, che le mostra come assembla il suo indice genetico di allevamento nei tunnel usando la tecnologia proibita delle Macchine Pensanti.

Cosa è successo a Valya durante The Agony

Non è esattamente chiaro cosa abbia visto Valya durante il suo rituale auto-somministrato, a cui si è sottoposta da sola a Lankiveil. Entra nello stesso sinistro regno spirituale con tutte le sue antenate Harkonnen come Lila ha fatto con le sue antenate nell’episodio 2 di Dune: Prophecy. Valya è in grado di tornare alla realtà dopo essere sopravvissuta all’Agonia e si riunisce a Tula con una nuova visione per il futuro. Insoddisfatta della sua vita a Lankiveil e detestata dai suoi genitori, Valya giura in questo momento di dedicare tutta la sua vita alla sua nuova famiglia: la Sorellanza. Tornerà dalla Madre Reverenda Superiora Raquella per completare il suo voto di Sorellanza.

A chi fa visita Valya alla fine dell’episodio 3?

Tornando alla linea temporale presente in Dune: Prophecy, Valya fa una visita a sorpresa a suo nipote, Harrow Harkonnen, e al suo anziano padre, Evengy Harkonnen. Dice nell’ascensore mentre sale a casa di Evengy: “I sacrifici devono essere fatti. La sorellanza prima di tutto”. La scena si interrompe e l’episodio si conclude prima che possa accadere qualsiasi altra cosa. Nel contesto della linea temporale attuale della serie, Valya sta cercando ansiosamente di capire cosa fare dopo aver tentato senza successo di usare la Voce su Desmond Hart per ucciderlo ed essere stata bandita da Salusa Secundus. È possibile che possa offrire suo zio e/o suo nipote come una sorta di manovra di pacificazione o di affermazione del potere.

Come Tula progetta di riportare in vita Lila

Tula usa i computer di indicizzazione genetica di Raquella e Valya nella scena finale dell’episodio 3 di Dune: Prophecy in un ultimo disperato tentativo di riportare in vita Lila con una dose di spezia attentamente regolata. Tula ha chiaramente un cuore più grande di Valya e farà di tutto per riportarla in vita da una morte prematura ingiusta in nome della Sorellanza. Anche se Tula non è la madre di Lila, l’ha cresciuta come tale dopo che sua madre è morta durante il parto, o almeno questo è ciò che Tula afferma sia successo. La tecnologia informatica che Tula usa alla fine di Dune: Prophecy cercherà di riportare in vita Lila e di tirarla fuori dal regno in cui ha incontrato Raquella e Dorotea.

 
 

From – Stagione 4: cast, storia e tutto quello che sappiamo

from tv series

La serie horror soprannaturale di Paramount+ From ha già riscosso un grande successo con le sue tre stagioni e ora è stata rinnovata per una quarta stagione. Debuttata nel 2022, la serie racconta la storia di una misteriosa città dell’America centrale che intrappola chiunque vi entri ed è circondata da mostri letali che infestano i boschi fuori dalla città. Riprendendo la trama contorta di serie come Lost e aggiungendo un tocco spaventoso, From si è rapidamente affermata come una delle serie horror di punta nel mondo altamente saturo delle serie TV in streaming.

Il finale della seconda stagione di From ha preparato il terreno per una terza stagione ancora più terrificante, e ogni nuova scoperta solleva più domande invece di dare risposte. Il vero potere della serie è stato il mistero che la avvolge e, come nei migliori puzzle, ogni colpo di scena rende la trama ancora più contorta. Con From che ha ottenuto un successo quasi unanime (compresi gli elogi del maestro dell’horror Stephen King), il futuro della serie sembra roseo. Il futuro sembra ancora più roseo ora che MGM+ ha deciso di rinnovare la serie per una quarta stagione.

Ultime notizie su From – stagione 4

Diversi mesi dopo il rinnovo dello show, arrivano le ultime notizie sotto forma di un’anticipazione sulla data di uscita della stagione 4. Il produttore esecutivo Jeff Pinkner e il co-produttore/creatore della serie John Griffin hanno espresso opinioni contrastanti sulla data di ritorno della serie, anche se Griffin sembra aver avuto l’ultima parola. Anche se Pinker ha detto che c’erano grandi speranze che la serie tornasse prima della fine del 2025, Griffin ha sottolineato che “probabilmente sarà all’inizio del 2026”. Questo perché le riprese della quarta stagione non finiranno prima delle vacanze del 2025.

Un intervallo di poco più di un anno tra una stagione e l’altra non è insolito nell’era dello streaming, e tutte e tre le stagioni di From sono state rilasciate in periodi diversi dell’anno. I commenti di Pinker sull’arrivo entro la fine del 2025 erano probabilmente solo un pio desiderio, o forse aveva semplicemente dimenticato il calendario di produzione. In ogni caso, la risposta più certa di Griffin significa che l’inizio del 2026 è la data più probabile per l’uscita.

Leggi qui i commenti di Griffin e Pinker:

Griffin: “Prima di passare alla prossima domanda, vorrei intervenire, se posso, perché non voglio che Jeff o io veniamo presi di mira da persone arrabbiate. Jeff, correggimi se sbaglio, probabilmente non finiremo le riprese prima delle vacanze. Quindi, molto probabilmente, sarà all’inizio del 2026, no?”

Pinkner: “Probabilmente sarà all’inizio del 2026”.

La quarta stagione è confermata

Fin dall’inizio della terza stagione, sono iniziate le speculazioni sulla quarta stagione di From, ma MGM+ non ha lasciato i fan con il fiato sospeso a lungo. A pochi giorni dal finale della terza stagione, MGM+ ha deciso di rinnovare la serie horror per un’altra stagione. Questo conferma la fiducia della piattaforma di streaming nella serie originale, molto apprezzata, e probabilmente significa che lo show potrebbe andare avanti ancora per un bel po’. È stato anche annunciato che le riprese della quarta stagione inizieranno nel 2025 e che l’uscita è prevista per l’inizio del 2026.

Per commemorare il rinnovo, la pagina ufficiale From su X (precedentemente Twitter) ha condiviso un video del protagonista della serie Harold Perrineau che strappa una bottiglia da un albero con la scritta “From stagione 4 in arrivo”.

Dettagli sul cast della quarta stagione

Il cast della quarta stagione di From è difficile da prevedere, dato che la terza stagione eliminerà senza dubbio alcuni personaggi prima che sia tutto finito. Tuttavia, la forza costante durante l’intera serie è stata Harold Perrineau nei panni di Boyd Stevens, lo sceriffo e leader de facto della città, che dovrebbe tornare nella quarta stagione. Nonostante il suo status fosse incerto all’inizio della terza stagione, si prevede che Catalina Sandino Moreno tornerà a interpretare Tabitha Matthews.

Jim Matthews, interpretato da Eion Bailey, sembrava un altro candidato sicuro per il cast della quarta stagione, ma la sua morte scioccante nella terza stagione significa che probabilmente non tornerà. Tuttavia, con i viaggi nel tempo, quasi tutti potrebbero tornare ad un certo punto. Come negli anni precedenti, la quarta stagione probabilmente aggiungerà anche alcuni membri del cast, anche se è impossibile prevederlo finché non saranno disponibili ulteriori informazioni.

Dai dettagli della trama della quarta stagione

Come molte serie horror sconvolgenti, la trama di From è costellata da colpi di scena enormi che potrebbero portare la serie in qualsiasi direzione in un attimo. Il finale della terza stagione di From non è stato privo di sorprese scioccanti, anche se è servito principalmente a rivelare la natura ciclica del male che affligge la città. Con la rinascita di Smiley, c’è un oscuro senso di disperazione, poiché tutto sembra essere vano. Tuttavia, alcune cose sono cambiate con la morte di Jim e gli abitanti della città sono in grado di minacciare i mostri a modo loro.

Scoprire che tutto è un ciclo può sembrare disperato, ma offre anche ai sopravvissuti la possibilità di analizzare lo schema e trovare il modo di spezzarlo.

La prossima stagione vedrà probabilmente i sopravvissuti cercare di sfruttare ciò che hanno imparato e apportare modifiche. Scoprire che tutto è un ciclo può sembrare disperato, ma offre anche ai sopravvissuti la possibilità di analizzare lo schema e trovare il modo di spezzarlo. Tuttavia, più resistono al ciclo, più le loro vite sono in pericolo in From – Stagione 4.

 
 

Yellowstone è basato su una storia vera? L’ispirazione alla vita reale del western, spiegata

Yellowstone Kevin Costner
© Paramount

Yellowstone è incentrata sulla famiglia Dutton. John Dutton, il patriarca della famiglia interpretato da Kevin Costner, è una figura chiave della serie fin dalla prima stagione. Il potente proprietario di ranch e la sua famiglia controllano il più grande allevamento di bestiame contiguo del Paese, e con esso nascono conflitti con gli interessi degli indigeni e con gli sviluppatori aziendali che cercano di estendere le loro catene e i loro oscuri segreti. Anche se può essere difficile da credere, Yellowstone è il primo ruolo di Costner in una serie regolare. Sheridan aveva proposto a Costner diversi ruoli prima di John Dutton, ma è stato questo progetto a convincere l’attore a partecipare.

Sin dall’uscita di Yellowstone, le persone sono state attratte dalla rappresentazione autentica della vita nei ranch e dei problemi della vita reale. Se lo show sia basato sulla vita reale è una domanda che spesso viene posta agli spettatori. La serie western è semplicemente uno degli show che sembrano troppo reali per non esserlo, il che la dice lunga sulla qualità della narrazione di Sheridan. La verità è che sia la storia che il personaggio di Costner attingono a persone e conflitti reali.

Taylor Sheridan e Kevin Costner hanno co-creato John Dutton

Taylor Sheridan Yellowstone
Taylor Sheridan nella serie tv Yellowstone – Credit Paramount Network

John Dutton non è esattamente “un bravo ragazzo”. È il tipo di eroe che “può fare cose che non ti piacciono molto”, secondo quanto dichiarato da Sheridan in un’intervista congiunta con Costner, rilasciata al LA Times. Il creatore dello show ha ammesso che gli piace che i suoi “eroi facciano cose” che “non piacciono” alla gente, perché così gli spettatori si interrogano sulle loro decisioni. Secondo Costner, il suo Dutton “vive nel grigio”, ma non perché il patriarca della famiglia lo voglia. L’attore ritiene che Dutton non sia “una persona che nella sua mente vive nel grigio”. La sua posizione unica e il peso sulle sue spalle lo spingono a prendere decisioni “per portare a termine le cose”, il che suona molto simile a un’altra figura dell’universo di Sheridan: il Tommy Norris di Billy Bob Thorton in Landman.

Il ruolo di John Dutton è stato creato su misura per Costner, che ha anche aggiunto il suo contributo nel plasmare il personaggio. “Taylor e io abbiamo trascorso molto tempo a parlarne, perché ho dovuto mettere mano a certe cose”, ha detto Costner. Dal punto di vista di Sheridan, avere Costner a bordo significava avere un grande attore in grado di gestire le “situazioni conflittuali” in cui lo aveva gettato. Grazie a Costner, Sheridan ha potuto scrivere molto di più sul ruolo che è diventato John Dutton. Il creatore dello show ha dichiarato a Variety:

Kevin è una delle più grandi star del cinema degli ultimi 40 anni, e se lo merita. È un incredibile narratore di storie come regista, scrittore e attore, e quindi quando hai questo tipo di strumenti nella tua cassetta degli attrezzi, puoi scriverlo in alcune situazioni davvero conflittuali.

Kevin Costner ha portato suo padre in John Dutton

yellowstone kevin costner

Per la ricerca, Kevin Costner si è tuffato nella storia americana per trovare ispirazione. Ha guardato documentari, libri e momenti socioeconomici della Guerra Civile per esplorare l’origine del suo personaggio; ma è stato suo padre ad aiutarlo a entrare nel personaggio. La star del western ha spesso citato il padre come figura chiave di ispirazione. Ha raccontato a The Hollywood Reporter:

Lui [mio padre] era un duro; era un combattente; sapeva combattere e mi ha insegnato in un modo che era progettato per vincere.

L’attore ha portato con sé l’eredità del padre e del nonno attraverso la sua interpretazione del patriarca dei Dutton, in particolare il fucile di John Dutton, un calibro 30-30 che apparteneva al padre di Costner. L’attore ha rivelato questo fatto divertente al Dan Patrick Show, rivelando che il fucile era un piccolo gesto che gli ricordava la fattoria dei suoi nonni in Oklahoma. Suo padre, William Costner, è cresciuto in una fattoria di grano insieme agli altri 10 fratelli.

Quando TV Insider gli ha chiesto se avesse portato un po’ di suo padre nello show, l’attore ha rivelato che suo padre era “un duro che combatteva a pugni e con un’unica mente, uscito dalla Dust Bowl durante la Grande Depressione”, e la calibro 30-30 che ha usato a Yellowstone lo ha aiutato a entrare nel personaggio ogni volta che l’ha puntata alla guancia. “Mio padre è proprio lì”, ha detto Costner. Ha anche rivelato che , grazie a suo padre, sapeva “cosa significa essere una persona che è una specie di John Dutton, senza l’omicidio”.

È interessante notare che anche Beth Dutton ha avuto un’ispirazione nella vita reale, ma non quella che gli spettatori normalmente si aspetterebbero. La Beth di Kelly Reilly è una figlia cresciuta tra gli uomini, ma il fatto di essere una donna l’ha resa più spietata. Nell’intervista rilasciata al LA Times, Sheridan ha ammesso che “potrebbe benissimo essere la cosa migliore” che ha scritto nello show. L’ispirazione è stata la preferenza di Angelina Jolie nel capovolgere il genere dei suoi personaggi quando si tratta di interpretare un ruolo. Con Beth, l’idea centrale è che se fosse stata Ben, non sarebbe cambiato nulla.

Yellowstone è stato ispirato dalla vita reale

Anche se non esiste un John Dutton nella vita reale, chiunque abbia visto almeno un episodio di Yellowstone sa che l’autenticità è al centro della serie. Il creatore dello show, Taylor Sheridan, che è un cowboy in carne e ossa, non ha bisogno di guardare oltre per trovare ispirazione. Sheridan è cresciuto in un ranch fuori Waco, in Texas. Essendo l’attuale proprietario del 6666 Ranch e avendo vissuto in Wyoming negli ultimi anni, i cambiamenti che Sheridan ha visto intorno a sé nel corso degli anni sono l’ispirazione per Yellowstone.

Il potere, l’allevamento, lo sviluppo del territorio e le cose che la gente fa intorno ai tre sono tutti problemi e scenari reali. Anche se le storie dello show sono di fantasia, non si discostano molto dalla realtà. Nell’intervista rilasciata al LA Times, Sheridan ha anche rivelato che tutti i problemi di “sviluppo del territorio, cattiva gestione delle risorse, oppressione e povertà estrema e disuguaglianza nel governo” esistono nella vita reale, ma “quando accadono in una piccola area, in una zona rurale”, sono amplificati e più drastici. Ha detto:

Questi problemi di sviluppo del territorio, di cattiva gestione delle risorse, di oppressione, di estrema povertà e di iniquità nel governo – esistono anche qui, ma quando accadono in una piccola area, in un’area rurale… e perché c’è meno gente, le conseguenze sembrano molto più acute. Quando si inizia a vedere Costcos in un paesaggio di fattorie e ranch, è molto più drammatico che se ne inceppassero uno nella San Fernando Valley.

Le ispirazioni della vita reale sono il motivo per cui Yellowstone esiste. La serie nasce dal desiderio di Sheridan di far conoscere situazioni reali che di solito vengono affrontate solo nei documentari. In effetti, Yellowstone non era inizialmente pensato come una serie televisiva. “Non è una mossa intelligente, fare una cosa sull’allevamento moderno”, ha detto Sheridan, che ha ammesso che l’intera faccenda ha avuto delle sfide che l’hanno resa ‘non una mossa intelligente’. L’aggiunta di elementi di finzione è stata necessaria perché “se vuoi fare qualcosa senza alcuna resistenza, fai qualcosa che sa di qualcos’altro”. Con Yellowstone, parte dell’accordo è il collegamento tra la vita del ranch e il resto del mondo. Nella stessa intervista, Sheridan ha dichiarato:

Quando le persone vedranno questo film, penso che capiranno: “Anche se è un mondo così diverso, vedo molte somiglianze nei problemi, vedo molte somiglianze nei conflitti. Anche se il loro stile di vita mi è così estraneo, non siamo poi così diversi”, e non lo siamo, ma ogni volta che si riesce a ricordarlo alla gente, credo sia una buona cosa.

Yellowstone è stato girato in un vero ranch

Yellowstone 5 Beth e Rip

In tutti gli spin-off e i prequel della serie Yellowstone di Taylor Sheridan, sebbene tutti i personaggi siano per lo più di fantasia, le riprese si sono svolte in luoghi reali. Il ranch di Yellowstone della serie è un ranch storico realmente funzionante, il Chief Joseph Ranch, a Darby, nel Montana. La serie porta gli spettatori in giro per il ranch, con luoghi chiave come l’armeria, la baita di Rip (nota come baita di Ben Cook), la baita di Lee (nota come baita del pescatore) e la baita del trapper.

L’autenticità e i paesaggi mozzafiato sono il motivo per cui gli spettatori visitano spesso la serie. “Non credo che ci stancheremo mai di vedere fiumi che scorrono, valli e montagne”, ha detto Costner a CBS This Morning. Le location svolgono un ruolo fondamentale nel lavoro di Sheridan. Trovarsi in un vero ranch sullo sfondo del paesaggio del Montana fa sì che gli spettatori e gli attori comprendano la vita e le storie che sta raccontando. “Taylor [Sheridan] è un grande fan dell’autenticità e voleva che tutti noi capissimo in cosa stavamo entrando”, ha detto a Vanity Fair l’attore di Kayce Dutton, Luke Grimes. Ha spiegato che per il pubblico, la ricerca di autenticità di Sheridan è quella di “mostrare questo a persone che normalmente non capirebbero che questo è ancora un modo di vivere per molte persone”.

 
 

Senna: recensione della miniserie Netflix

Netflix porta sul piccolo schermo la vita di Ayrton da Silva in Senna, una miniserie di sei episodi che, per la prima volta, racconta in forma drammatica la vita e la leggenda del pilota brasiliano, uno dei più grandi della storia della Formula 1. Una produzione che non si limita a esplorare i circuiti e i record, ma si addentra nella vita privata, nelle origini e nella tragica scomparsa di un uomo che ha vissuto e amato senza riserve il mondo delle corse.

Senna è un simbolo di passione

Ayrton Senna non è solo un’icona sportiva: è un simbolo di passione, talento e determinazione. La serie riesce a catturare la complessità di questa figura leggendaria, evitando di cadere nei cliché. Attraverso la buona interpretazione di Gabriel Leone, attore brasiliano classe ’93, il ritratto del pilota emerge vivido e autentico, realizzato con grande sensibilità. Leone non si limita a una somiglianza fisica, ma incarna le movenze, il carisma e quella determinazione feroce che hanno reso Senna un fuoriclasse.

La serie si colloca a metà tra l’adrenalina della pista e l’intimità del campione, bilanciando la dimensione dello sportivo con quella dell’uomo. Le corse, girate con realismo e grande padronanza dei ritmi, portano sullo schermo l’eccitazione, l’elettricità di quei secondi in cui tutto sembra sospeso, mentre i momenti più lenti rivelano le fragilità ma soprattutto le ambizioni di un uomo che, dietro il casco, era molto più di un semplice pilota.

Un biopic che non ha paura di osare

I biopic, soprattutto quelli dedicati a figure di culto, rischiano spesso di essere apologetici. Troppo spesso si sbilanciano verso la sola celebrazione o, al contrario, si impantanano in una critica fredda e distaccata. Senna evita entrambe le trappole, riuscendo a rendere omaggio al campione senza perdere l’obiettività narrativa, ritraendo anche le sue ombre e i suoi eccessi. Questo equilibrio fa sì che la serie sia coinvolgente anche per coloro che non subiscono il culto del pilota, quindi anche per spettatori più giovani, che non sono vissuti nell’eco di quel nome: gli appassionati di Formula 1 troveranno nei dettagli tecnici e nelle ricostruzioni storiche un tributo sincero alla loro passione, e chi non ha mai seguito una gara potrà lasciarsi trasportare da una storia universale di sacrificio, ambizione e amore per ciò che si fa, anche fuori dal mito.

Una regia tra velocità e introspezione

Uno degli aspetti più sorprendenti della serie è senza dubbio la regia firmata da Julia Rezende. Le sequenze di corsa, con inquadrature ravvicinate e movimenti di macchina che seguono le traiettorie delle auto, trasmettono l’adrenalina di una gara. Il suono dei motori, i cambi di ritmo e la tensione palpabile immergono lo spettatore nell’esperienza, facendogli provare la stessa scarica di energia che Senna viveva in pista. I piedi sui pedali diventano materia più che immagini, seguendo un ritmo incalzante impreziosito da un lavoro eccellente del reparto sonoro.

Ma nelle pause, nei momenti in cui la macchina da presa si concentra sul volto di Gabriel Leone o su uno scambio di battute con i familiari, emerge tutta l’umanità del protagonista. La narrazione rallenta, si fa intima, mostrando il lato più fragile e sincero del campione, anche capriccioso e ostinato.

Un’interpretazione da pole position

Gabriel Leone merita una menzione speciale. La sua trasformazione in Ayrton Senna è straordinaria, tanto da far dimenticare allo spettatore di trovarsi davanti a un attore e non al vero campione. E l’efficacia della sua interpretazione, oltre che sulla somiglianza fisica, si fonda sulla delicatezza con cui è in grado di interpretare l’Ayrton privato. La sua performance è una delle ragioni di maggior pregio di questa miniserie.

Un racconto che conquista tutti

La grande forza di Senna sta nella sua capacità di parlare a un pubblico trasversale. Quando si toccano i miti si corre sempre il rischio di lasciarli in disparte, perché troppo in alto per la gente comune, e invece la serie trascina giù l’idolo dal piedistallo, lo abbraccia e lo schiaffeggia, rendendo umana la divinità, popolano il re (per usare una metafore della serie stessa). Il cuore pulsante di Senna non sono solo le gare, ma i valori che Ayrton rappresentava: la dedizione, il coraggio, il sacrificio. È un racconto che inevitabilmente ispira, ma anche che sottolinea l’eccezionalità del soggetto. Senna è un tributo sincero e appassionato a un uomo che ha cambiato la storia dello sport.

 
 

Film recenti da vedere: tutti i titoli più belli degli ultimi anni

Film recenti da vedere: tutti i titoli più belli degli ultimi anni

Gli ultimi anni sono stati particolarmente difficili per il cinema, rallentato prima dalla pandemia e poi (per quanto riguarda quello statunitense) dagli scioperi verificatisi a Hollywood. Eppure, nonostante ciò, la settima arte ha ugualmente trovato la forza di portare sul grande (o sul piccolo) schermo, grazie ad alcuni film recenti, storie giuste per questi tempi, capaci di risollevare gli animi, infondere nuova speranza e ricordare a tutti la forza che il cinema stesso possiede e quanto sia indispensabile, oggi più che mai, per comunicare e raccontare storie, di cui l’essere umano ha tanto bisogno.

In questi anni si è infatti assistito al ritorno di celebri autori, molti dei quali impegnati proprio a riflettere su sé stessi attraverso il cinema stesso, ma ci si è imbattuti anche in nuove generazioni di registi che stanno dimostrando di possedere voci ben distinte e originali, capaci di comunicare nuove cose sul mondo, sull’uomo e sulla vita. Nonostante siano stati anni difficili, dunque, c’è stata tanta bellezza al cinema. Qui di seguito, si propongono una lista dei film migliori degli ultimi anni, titoli da vedere assolutamente per il proprio bene.

Film recenti da vedere in uscita nel 2025

Il 2025 si preannuncia come un anno ricco di opere straordinarie, pronte a riaffermare ancora una volta il potere del cinema, offrendo nuovi racconti, scenari ed emozioni. Sono già molti i film più attesi con l’anno che è iniziato con una pellicola horror. Sarà un anno segnato da grandi ritorni, sequel, film originali e opere ancora poco conosciute, ma che non tarderanno a farsi scoprire. Di seguito, ecco alcuni dei titoli da non perdere.

  • Nosferatu. Il film horror gotico scritto e diretto da Robert Eggers e remake del film Nosferatu: A Symphony of Horror (1922), a sua volta un adattamento non autorizzato del romanzo Dracula (1897) di Bram Stoker. Il film è interpretato da Bill Skarsgård, Nicholas Hoult e Lily-Rose Depp. Il cast di supporto comprende Aaron Taylor-Johnson, Emma Corrin, Ralph Ineson, Simon McBurney e Willem Dafoe.
  • Il Signore degli Anelli: La guerra dei Rohirrim. Film anime fantasy diretto da Kenji Kamiyama da una sceneggiatura di Jeffrey Addiss & Will Matthews e Phoebe Gittins & Arty Papageorgiou, basata sui personaggi creati da J. R. R. Tolkien. Ambientato circa 200 anni prima delle trilogie cinematografiche de Il Signore degli Anelli (2001-2003) e Lo Hobbit (2012-2014) di Peter Jackson, racconta la storia del leggendario re di Rohan Helm Hammerhand. Quando i vicini Dunlendings gli propongono di sposare sua figlia Héra, Helm uccide involontariamente il loro capo, scatenando una guerra.
  • Sonic – Il film 3 – basato sulla serie di videogiochi Sonic. Terzo film della serie Sonic, è stato diretto da Jeff Fowler e scritto da Pat Casey, Josh Miller e John Whittington. Jim Carrey, Ben Schwartz, Colleen O’Shaughnessey, James Marsden, Tika Sumpter e Idris Elba riprendono i loro ruoli, mentre Keanu Reeves si unisce al cast. Nel film, Sonic, Tails e Knuckles affrontano Shadow the Hedgehog, che si allea con gli scienziati pazzi Ivo e Gerald Robotnik per vendicarsi dell’umanità.
  • Better Man, film musicale biografico co-scritto, prodotto e diretto da Michael Gracey sulla vita del cantante inglese Robbie Williams. Williams è ritratto come uno scimpanzé antropomorfo con immagini generate al computer (CGI), interpretato da Jonno Davies con il motion capture e doppiato sia da Williams che da Davies.
  • Maria, il film drammatico biografico diretto da Pablo Larraín e scritto da Steven Knight. È una coproduzione internazionale tra Italia, Germania e Stati Uniti. Il film ha come protagonista Angelina Jolie nei panni della cantante lirica Maria Callas e segue i sette giorni precedenti la sua morte a Parigi nel 1977, mentre riflette sulla sua vita e sulla sua carriera.
  • A Complete Unknown, il film biografico diretto da James Mangold, che ha co-scritto la sceneggiatura con Jay Cocks, sul cantautore americano Bob Dylan. Basato sul libro del 2015 Dylan Goes Electric! di Elijah Wald, il film ritrae Dylan attraverso i suoi primi successi musicali folk fino alla controversia epocale sull’uso di strumenti elettrici al Newport Folk Festival del 1965. Timothée Chalamet (che è anche produttore) interpreta il ruolo di Dylan, con Edward Norton, Elle Fanning, Monica Barbaro, Boyd Holbrook, Dan Fogler, Norbert Leo Butz, Eriko Hatsune, Big Bill Morganfield, Will Harrison e Scoot McNairy nei ruoli secondari. Il titolo del film deriva dal ritornello del singolo di Dylan del 1965 “Like a Rolling Stone”.
  • L’abbaglio, film diretto da Roberto Andò e racconta di Giuseppe Garibaldi che ha ormai allestito la spedizione dei Mille. A guidarla vi è anche il ferreo tenente colonnello siciliano Vincenzo Orsini, pronto a scontrarsi col suo passato in quanto ex ufficiale borbonico. All’arruolamento delle camicie rosse nei pressi di Quarto si presentano, tra i vari volontari, prima Domenico Tricò, contadino con problemi di zoppia, poi Rosario Spitale, un baro.
  • The Brutalist è il film diretto e prodotto da Brady Corbet, che ne ha curato la sceneggiatura insieme a Mona Fastvold. Il film ha come protagonista Adrien Brody nei panni di un ebreo ungherese sopravvissuto all’Olocausto che emigra negli Stati Uniti, dove lotta per realizzare il Sogno Americano fino a quando un ricco cliente non gli cambia la vita.

Film recenti da vedere in uscita nel 2024

Film recenti da vedere: 2024
Anya Taylor-Joy in Furiosa di George Miller

Anche il 2024 promette di essere ricco di opere potenzialmente straordinarie, dotate della forza di riaffermare una volta di più il potere del cinema offrendo nuovi racconti, scenari e ed emozioni. Sono già tanti i film più attesi per il 2024, tra cui si annoverano molti film horror. Sarà infatti un anno ricco di grandi ritorni, di sequel, di film originali e di opere ancora non presenti sui nostri radar ma che non tarderanno a farsi scoprire. Di seguito, ecco giusto qualche titolo da non perdere.

  • Anora di Sean Baker. Anora, una prostituta di Brooklyn, ha la possibilità di vivere una storia da Cenerentola quando incontra e sposa il figlio di un oligarca. Quando la notizia arriva in Russia, la sua favola è minacciata.
  • Inside Out 2 (2024). Film d’animazione del 2024 diretto da Kelsey Mann al suo debutto alla regia. Il film è il sequel di Inside Out prodotto dai Pixar Animation Studios, in co-produzione con Walt Disney Pictures, e distribuito da Walt Disney Studios Motion Pictures.
  • Kung Fu Panda 4, (2024). Quando una potente mutaforma mette gli occhi sul Bastone della Saggezza di Po, quest’ultimo si rende conto di aver bisogno di aiuto. Facendo squadra con una volpe corsara dalla grande prontezza di spirito, Po fa una scoperta.
  • Dune – Parte 2, Denise Villeneuve (2024). Paul Atreides si raduna dietro Chani e i Fremen mentre trama la sua vendetta contro coloro che hanno distrutto la sua famiglia. Deve fare di tutto per prevenire un terribile futuro che solo lui può prevedere. Al cinema il 28 febbraio 2024.
  • Past Lives, Celine Song (2023). All’età di dodici anni, i due amici d’infanzia Nora e Hae Sung vengono separati dopo che la famiglia di Nora è emigrata dalla Corea del Sud. 24 anni dopo, si riuniscono per una settimana quando Hae Sung va a trovare Nora a New York. Al cinema il 14 Febbraio 2024.
  • Povere creature!, Yorgos Lanthimos (2023). Il film racconta la storia di Bella Baxter, una donna riportata in vita da uno scienziato molto interessato alle contaminazioni, che le ha però donato il cervello di un’infante. Per Bella, dunque, pur avendo un aspetto da adulta tutto è nuovo e tutto merita di essere scoperto. Ha così inizio un folle viaggio ricco di passioni, amore e scoperta della propria indipendenza.
  • The Zone of Interest, Jonathan Glazer (2023). Rudolf Höß, comandante del campo di concentramento di Auschwitz, sua moglie Hedwig, i loro cinque figli e altri personaggi trascorrono la propria quotidianità all’interno della cosiddetta area di interesse (Interessengebiet) di circa 25 miglia attorno al campo, volutamente ciechi all’orrore che si sta consumando al di là del muro che li divide. Al cinema il 22 Febbraio 2024.
  • Challengers, Luca Guadagnino (2024). Tashi deve abbandonare il campo e rimane nel mondo del tennis come allenatrice di suo marito, Art. Dopo alcune vittorie, Tashi iscrive il marito Art al Challenger Tour, dove il destino vuole che si scontri con Patrick, ex fidanzato di Tashi. Al cinema il 24 Aprile 2024.
  • Estranei (All of Us Strangers), Andrew Haigh. Adam viene trasportato nella sua casa d’infanzia quando stringe un legame con il misterioso vicino Harry. Sembra che i suoi genitori siano ancora vivi, proprio come il giorno in cui sono morti 30 anni fa. Al cinema dal 29 Febbraio 2024.
  • Civil War, Alex Garland (2024). In un futuro prossimo, un team di giornalisti attraversa gli Stati Uniti, documentando la guerra civile in atto. Garland porta al cinema un nuovo film dopo il thriller Men, dando vita a degli Stati Uniti distopici che sembrano però non essere poi così distanti dalla realtà dei fatti. Al cinema il 18 Aprile 2024.
  • Il regno del pianeta delle scimmie, Wes Ball (2024). Quasi 300 anni dopo la morte di Cesare, diverse società di scimmie sono emerse, come quella di cui fa parte il giovane scimpanzé Noa. Dopo un improvviso attacco da parte di un clan guidato da un altro scimpanzé, che ha distorto gli insegnamenti di Cesare, i membri del clan di Noa vengono ridotti in schiavitù. Nella sua avventura per salvarli, Noa unisce le forze con Raka, un orango, e Mae, una ragazza umana. Al cinema il 24 maggio 2024
  • Furiosa, George Miller (2024). In un mondo post-apocalittico, Furiosa, rapita da bambina dal Luogo Verde delle Molte Madri in cui viveva, viene accolta sotto l’ala del folle signore della guerra Dementus, il cui esercito di motociclisti arriverà presto a scontrarsi con la potenza rivale di quelle terre desertiche rappresentata da Immortan Joe. Prequel di Mad Max: Fury Road, il film segna il ritorno al cinema della saga di Mad Max.
  • Hit Man, Richard Linklater (2024). Gary Johnson diventa per caso un finto sicario, un agente sotto copertura che fingendosi omicida spinge i suoi clienti ad autodenunciarsi e farsi arrestare. Quando però viene assoldato da una donna realmente bisognosa d’aiuto, si troverà davanti ad un bivio che cambierà per sempre la sua vita.
  • Perfect Days, Wim Wenders (2023). Il film racconta la storia di Hirayama, un uomo umile ma sereno. Lavora come addetto alle pulizie dei bagni pubblici di Tokyo, segue un’assidua routine giornaliera che gli permette di coltivare le sue passioni: la musica, i libri, la fotografia e gli alberi.

Film recenti da vedere: 2023

Film recenti da vedere: 2023

Il 2023 è stato un anno molto importante, che ha visto arrivare al cinema film degni di nota tra attesi sequel, opere d’animazioni, titoli italiani e riadattamenti in live action di classici Disney. Certo, gli scioperi verificatisi ad Hollywood hanno portato tanti film previsti per quest’anno ad essere rimandati, ma ci sono ugualmente state numerose opere di grande valore, provenienti da tutto il mondo, a calcare il grande schermo. Nell’attesa di poterli vedere tutti, ecco quelli ad ora usciti da recuperare assolutamente.

  • Barbie, Greta Gerwig (2023). Barbie, che vive a Barbie Land, viene cacciata dal paese perché non è una bambola dall’aspetto perfetto. Senza un posto dove andare, parte per il mondo umano e cerca la vera felicità. Inizierà dunque per lei un viaggio che la porterà a confrontarsi con sé stessa e la propria eredità.
  • Oppenheimer, Christopher Nolan (2023). Il fisico J Robert Oppenheimer lavora con una squadra di scienziati durante il Progetto Manhattan, che porta allo sviluppo della bomba atomica. La sua scoperta cambierà per sempre la storia del mondo e dell’umanità, non necessariamente in meglio.
  • Io capitano, Matteo Garrone (2023). In un’odissea contemporanea, Seydou e Moussa lasciano Dakar per raggiungere l’Europa, attraverso le insidie del deserto, gli orrori dei centri di detenzione in Libia e i pericoli del mare. Il film è stato candidato agli Oscar 2024 nella categoria Miglior film internazionale.
  • Killers of the Flower Moon, Martin Scorsese (2023). Il film racconta la storia vera di quanto accaduto in Oklaoma, nella contea di Osage agli inizi degli anni Venti. Una serie di omicidi, aventi come vittime alcuni cittadini facoltosi della tribù indiana di Osage ha portato ad un’indagine da parte dell’FBI che ha svelato una serie di manipolazioni ed estorsioni con l’inganno dei beni degli Osage fino a ricorrere all’omicidio.
  • C’è ancora domani, Paola Cortellesi (2023). Nella Roma della seconda metà degli anni Quaranta, Delia riveste esclusivamente i ruoli di moglie e madre, mentre il marito Ivano è il capofamiglia. Il fidanzamento della primogenita, con un ragazzo proveniente dal ceto borghese, crea fermento in famiglia. Quando Delia riceve una misteriosa lettera, la donna è determinata a rovesciare i ruoli prestabiliti e riesce finalmente a immaginare un futuro migliore.
  • The Killer, David Fincher (2023). Un uomo solitario e freddo, metodico e libero da scrupoli o rimpianti, l’assassino attende nell’ombra, spiando il suo prossimo obiettivo. Eppure più aspetta, più pensa di perdere la testa, se non la calma. Una storia noir brutale, sanguinosa ed elegante di un assassino professionista perso in un mondo senza una bussola morale, questo è un caso di studio di un uomo solo, armato fino ai denti e che sta lentamente perdendo la testa.
  • Anatomia di una caduta, Justin Trier (2023). Sandra è una scrittrice tedesca che vive in uno chalet di montagna con il marito Samuel e il figlio undicenne Daniel non vedente. Quando Samuel viene trovato morto, gli inquirenti sospettano che possa non essersi trattato di suicidio e Sandra diventa la principale sospettata di omicidio. Il processo porterà alla luce verità indicibili.
  • Napoleon, Ridley Scott (2023). La rapida e spietata scalata di Napoleone Bonaparte per diventare imperatore di Francia si scontra con la sua disfunzionale e volatile relazione con la moglie Giuseppina, il suo vero amore.
  • Godzilla Minus One, Takashi Yamazaki (2023). Shikishima è tornato dalla guerra ed è schiacciato dal rimorso di essere un sopravvissuto e dal senso di colpa per quanto accaduto. Inizia a lavorare su una barca dragamine, ma dopo una serie di test nucleari americani dell’Operazione Crossroads condotti nell’atollo di Bikini, una gigantesca creatura nota come Godzilla, evolutasi a causa delle radiazioni, inizia ad attaccare Tokyo, spargendo morte e distruzione.
  • Il male non esisteRyûsuke Hamaguchi (2023). Il film segue Takumi e sua figlia Hana, che vivono nel villaggio di Mizubiki, vicino a Tokyo. Un giorno, gli abitanti di questo vengono a conoscenza di un piano per costruire un glamping vicino alla casa di Takumi, offrendo ai residenti della città una comoda fuga nella natura. Quando due rappresentanti dell’azienda di glamping arrivano nel villaggio per tenere un incontro, diventa chiaro che il progetto avrà un impatto negativo sull’approvvigionamento idrico locale, provocando disordini.
  • Il ragazzo e l’airone, Hayao Miyazaki (2023). Mahito, un ragazzino di 12 anni, fatica ad ambientarsi in una nuova città dopo la morte della madre. Tuttavia, quando un airone parlante lo informa che sua madre è ancora viva, entra in un mondo fantastico alla sua ricerca.
  • The Holdovers, Alexander Payne (2023). Il film racconta la storia di uno scontroso professore di una scuola privata del New England, che rimane nel campus durante le vacanze di Natale per sorvegliare gli studenti che non possono tornare a casa.  Alla fine stringe un improbabile legame con uno di loro, un ragazzo strambo e problematico, e con la cuoca della scuola, il cui figlio è rimasto ucciso in Vietnam.
  • The Iron Claw, Sean Durkin (2023). Il film racconta la vera storia degli inseparabili fratelli Von Erich, che hanno fatto la storia nel mondo molto competitivo del wrestling professionistico nei primi anni ’80. Attraverso la tragedia e il trionfo, all’ombra del loro prepotente padre e allenatore, i fratelli cercano un’immortalità straordinaria sul più grande palcoscenico dello sport.
  • Scream VI, Tyler Gillett e Matt Bettinelli-Olpin (2023). Quattro sopravvissuti agli omicidi di Ghostface si lasciano alle spalle Woodsboro per ricominciare da capo a New York. Tuttavia, si ritrovano presto a lottare per le loro vite quando un nuovo assassino si lascia dietro una scia di morti.
  • Bussano alla porta, M. Night Shyamalan (2023). Mentre sono in vacanza in una baita isolata, una giovane ragazza e i suoi genitori vengono presi in ostaggio da quattro sconosciuti armati che chiedono alla famiglia di compiere una scelta impensabile per evitare l’apocalisse.
  • Beau ha paura, Ari Aster (2023). Beau è un uomo spaventato da ogni cosa che lo circonda. Quando si vede costretto ad intraprendere un viaggio per tornare dalla sua autoritaria madre, ha per lui inizio un’Odissea imprevedibile, composta da situazioni assurde, momenti drammatici e continue riflessioni sulla sua intera vita.
  • L’ultima notte di Amore, Andrea Di Stefano (2023). Nella sua ultima notte prima del pensionamento, il poliziotto Franco Amore si trova a dover risolvere una situazione critica, che metterà a rischio la sua vita e i suoi anni di onorata carriera. Ad interpretare il protagonista di questo cupo polar vi è l’attore Pierfrancesco Favino.
  • Il sol dell’Avvenire, Nanni Moretti (2023). Giovanni è un regista italiano che ha smesso di credere nell’avvenire, diviso tra una moglie in analisi e un produttore sull’orlo del fallimento. Proprio come il protagonista del suo nuovo film, Giovanni sembra allora pronto a farla finita col mondo che avanza in direzione ostinata e contraria, ma qualcosa potrebbe cambiare.
  • Air – La storia del grande salto, Ben Affleck (2023). Il clamoroso accordo, destinato a rivoluzionare la cultura e il mondo dello sport, fra un allora sconosciuto Michael Jordan e il neonato reparto pallacanestro della Nike, che diede vita al brand Air Jordan.
  • Spider-Man: Across the Spider-Verse, Joaquim Dos Santos, Justin K. Thompson, Kemp Powers (2023). Miles Morales torna per un’epica avventura che porterà il nostro eroe di Brooklyn attraverso il multiverso per unire le forze con Gwen Stacy e una nuova squadra di supereroi.
  • Mission: Impossible – Dead ReckoningChristopher McQuarrie (2023). Ethan Hunt e la sua squadra dell’IMF si trovano di fronte alla sfida più pericolosa che abbiano mai affrontato: trovare e disinnescare una nuova terrificante arma che minaccia l’ intera umanità. Con il destino del mondo e il controllo del futuro appesi a un filo, la squadra inizierà una frenetica missione in tutto il mondo, per impedire che l’arma cada nelle mani sbagliate.

Film recenti da vedere: 2022

Film recenti da vedere: 2022

Il 2022 è stato un anno veramente ricchissimo, con film di grande valore provenienti da ogni parte del mondo. Qui raccogliamo solo alcuni dei più belli, tra grandi kolossal fino ad opere più piccole e autoriali, senza dimenticare le tante opere di genere, i film passati per i festival o premiati agli Oscar. Ecco dunque il meglio dell’anno da poco passato.

  • Avatar – La via dell’acqua, James Cameron (2022). In questo atteso sequel, Jake vive felicemente la sua vita insieme a Neytiri ma Pandora nasconde ancora numerosi misteri. Per difendere la  sua famiglia, si ritroverà a dover combattere una nuova dura guerra contro gli umani e contro un vecchio nemico.
  • The Fabelmans, Steven Spielberg (2022). Il giovane Sammy Fabelman si innamora del cinema dopo che i genitori lo portano a vedere il film Il più grande spettacolo del mondo. Armato di una cinepresa, Sammy inizia a girare i suoi film a casa, per la gioia della madre che lo sostiene.
  • Pinocchio, Guillermo del Toro (2022). Il desiderio di un padre porta magicamente in vita un bambino di legno in Italia, dandogli la possibilità di prendersene cura. Rivisitazione in stop-motion del classico di Collodi, arricchito qui di nuovi significati, valori ed elementi magici.
  • Le buone stelle – Broker, Kore’eda Hirokazu (2022). Due uomini si guadagnano da vivere trovando nuovi genitori per i bambini che vengono abbandonati in delle scatole. Incontrano una giovane donna che ha abbandonato il suo bambino, ma che ora lo rivuole.
  • Gli spiriti dell’isola, Martin McDonagh (2022).Su un’isola remota al largo della costa irlandese, Pádraic è sconvolto quando il suo compagno Colm interrompe improvvisamente la loro amicizia di una vita. Pádraic si propone di riparare il rapporto danneggiato con ogni mezzo necessario.
  • Everything Everywhere All At Once, The Daniels (2022). Evelyn Wang, un’immigrata cinese sulla cinquantina, attualmente impegnata in una lezione noiosa e condiscendente, si ritrova in un ripostiglio delle scope con una versione di suo marito proveniente da un universo alternativo.
  • Elvis, Baz Luhrmann (2022). La nascita, l’ascesa e il travolgente successo mondiale di Elvis Presley, stella incontrastata del firmamento musicale, viste dagli occhi del suo manager storico, il colonnello Tom Parker.
  • Tàr, Todd Field (2022). La celebre musicista Lydia Tár sta per registrare la sinfonia che rappresenterà l’apice della sua arte e carriera. Tuttavia, quando il destino sembra essere contro di lei, trova conforto solo in Petra, la sua figlia adottiva.
  • Top Gun: MaverickJoseph Kosinski (2022). Pete Mitchell, detto Maverick, continua a superare i suoi limiti dopo essere stato per anni uno dei migliori aviatori della Marina. Tuttavia, deve affrontare il suo passato mentre addestra un nuovo gruppo per una missione estremamente pericolosa.
  • Close, Lukas Dhont (2022). I tredicenni Léo e Rémis hanno un rapporto di profonda amicizia a scuola e nei campi dove, insieme ai genitori, si occupano della raccolta di fiori. Quando i compagni di scuola seminano zizzania nel loro rapporto, le conseguenze sono fatali.
  • Crimes of the Future, David Cronenberg (2022). Gli esseri umani stanno mutando e il dolore è quasi scomparso. In questo nuovo mondo, due artisti della performance hanno trasformato le operazioni in una forma d’arte di successo e redditizia.
  • Decision to Leave, Park Chan-wook (2022). L’ispettore Hae Joon avvia un’indagine sulla morte apparentemente innaturale di un uomo su una montagna e incontra la vedova Seo Rae. Hae Joon lsospetta che sia lei la responsabile dell’omicidio, ma allo stesso tempo subisce il suo fascino.
  • The Whale, Darren Aronofsky (2022). Un insegnante di inglese obeso e solitario cerca di riallacciare i rapporti con la figlia adolescente allontanata per avere un’ultima possibilità di redenzione. Vincitore del premio Oscar al miglior attore protagonista Brendan Fraser.
  • Babylon, Damien Chazelle (2022). Los Angeles negli anni ’20. Una storia di ambizione smodata ed eccesso sfrenato, l’ascesa e la caduta di vari personaggi nella creazione di Hollywood, un’epoca di decadenza e depravazione sfrenate.
  • Master Gardener, Paul Schrader (2022). Narvel Roth è un esperto orticolturista incaricato del mantenimento dei giardini di una tenuta sudista appartenente alla ricca vedova Norma Haverhill. Quando quest’ultima gli affida la giovane nipote Maya, orfana ed arrivata alla tenuta per sfuggire a una storia di droga, rischia di far riemergere il passato violento che Narvel ha cercato per tutti quegli anni di lasciarsi alle spalle.
  • L’amore secondo Dalva, Emmanuelle Nicot (2022).
  • Ritorno a Seoul, Davy Chou (2022). Freddie, una ragazza di 25 anni che è stata adottata e vive in Francia, decide di recarsi in Corea del Sud per cercare i suoi genitori biologici, ma il suo viaggio prende una piega inaspettata.

Film recenti da vedere: 2021

Film recenti da vedere: 2021

Il 2021 è stato il primo anno in cui gradualmente, molto gradualmente, si è tornati ad una “normalità”, con i cinema che dopo i primi mesi dell’anno hanno ricominciato ad aprire, proiettando nuovi film. Tra questi, naturalmente, si annoverano grandi ritorni, opere di genere e in generale titoli capaci di suscitare grandi emozioni.

  • È stata la mando di Dio di Paolo Sorrentino (2021). Napoli, anni Ottanta. La vita del diciassettenne Fabietto Schisa cambia radicalmente in seguito a due avvenimenti: l’arrivo di Maradona al Napoli e un grave incidente, che interrompe la felicità familiare. La storia è basata sulla vita di Sorrentino stesso, che da ragazzo perse i genitori che rimasero vittima di un’esplosione in una casa di montagna. Anche Paolo doveva essere lì, ma Maradona lo salvò. Perché? Perché proprio quel giorno, Paolo riuscì ad avere il permesso dai genitori di andare allo stadio a vedere Maradona, invece che in montagna con i genitori.
  • Tenet, Christopher Nolan (2021). Un’azione epica che ruota intorno allo spionaggio internazionale, ai viaggi nel tempo e all’evoluzione, mentre un agente segreto deve cercare in tutti i modi di prevenire la Terza Guerra Mondiale.
  • Titane, Julia Ducournau (2021). Alexia adora le automobili, sin da quando, bambina, un incidente le ha donato una placca di titanio nella testa. Facendola rinascere, gonfia di rabbia e amore represso che la trasformeranno in un essere ibrido e nuovo. Il film è stato premiato con la Palma d’Oro, il premio più importante del Festival di Cannes.
  • L’ultima notte a Soho, Edgar Wright (2021). In questo thriller psicologico, Eloise, che sogna di diventare una fashion designer, riesce misteriosamente a catapultarsi negli anni Sessanta dove incontra Sandie, un’aspirante cantante di grande fascino. Ma il glamour non è esattamente quello che sembra: i sogni del passato iniziano a infrangersi e approderanno a qualcosa di molto più oscuro.
  • Malignant, James Wan (2021). Nel film, Madison è paralizzata da visioni scioccanti di orribili omicidi e il suo tormento peggiora quando scopre che questi sogni ad occhi aperti sono delle terrificanti realtà. Wan, maestro dell’horror contemporaneo, porta al cinema una nuova favola nera, ricca di inquietudini e orrori.
  • Il potere del cane, Jane Campion (2021). Il film presentato in concorso alla 78° Mostra del cinema di Venezia racconta di George e Phil, una coppia di fratelli che possiede un ranch nel Montana. Quando George sposa la giovane vedova Rose e la porta a vivere nel ranch, Phil prende di mira la donna e suo figlio Peter, tormentandoli senza sosta. La pellicola è l’adattamento cinematografico dell’omonimo romanzo del 1967 di Thomas Savage, è interpretato da Benedict Cumberbatch, Kirsten Dunst, Jesse Plemons e Kodi Smit-McPhee.
  • Candyman, Nia DaCosta (2021). Anthony, un artista visivo, incontra un veterano che espone la vera storia dietro Candyman. Ansioso di usare questi dettagli macabri per i dipinti, scatena inconsapevolmente una terrificante ondata di violenza.
  • A Quiet Place II, John Krasinski (2021). La famiglia Abbott affronta i terrori del mondo esterno. Costretti ad avventurarsi nell’ignoto, i membri della famiglia si rendono conto che le creature che cacciano dal suono non sono le uniche minacce che si nascondono oltre il sentiero di sabbia.
  • Halloween Kills, David Gordon Green (2021). Laurie Strode lascia il mostro mascherato Michael Myers rinchiuso nel suo seminterrato, convinta di essersi finalmente liberata di lui. Ma quando Michael riesce a liberarsi dalla trappola di Laurie, la sua carneficina continua.
  • Old, M. Night shyamalan (2021). Una vacanza tropicale si trasforma in un orribile incubo quando una famiglia visita una spiaggia appartata che in qualche modo li sta facendo invecchiare rapidamente, riducendo la loro intera vita in un solo giorno.
  • Io sono nessuno, Ilya Naishuller (2021). Un violento episodio scatena in Hutch Mansell, un marito trascurato e un papà sottovalutato, una rabbia a lungo repressa, facendogli scoprire abilità letali e portando alla luce oscuri segreti.
  • La donna alla finestra, Joe Wright (2021). La dottoressa Anna Fox passa le sue giornate rinchiusa nella sua casa di New York, bevendo vino mentre guarda vecchi film e spiando i suoi vicini. Un giorno, guardando fuori dalla finestra, vede qualcosa che accade nell’abitazione dei Russell.
  • Licorice Pizza, Paul Thomas Anderson (2021). La storia di Alana Kane e Gary Valentine, che crescono e si innamorano nella San Fernando Valley del 1973, in California. Il film segue i loro primi passi esitanti sulla via dell’amore. Nostalgico, divertente, ricco di sentimenti, Licorice Pizza è un nuovo grande film di uno dei più grandi registi attualmente in attività.
  • Belfast, Kenneth Branagh (2021). Le vite di una famiglia operaia e del loro giovane figlio, cresciuto durante il tumulto degli anni ’60 nella capitale dell’Irlanda del Nord.
  • No time to die, Cary Joji Fukunaga (2021). Bond si gode una vita tranquilla in Giamaica dopo essersi ritirato dal servizio attivo. Il suo quieto vivere viene però bruscamente interrotto quando Felix Leiter, un vecchio amico ed agente della CIA, ricompare chiedendogli aiuto. La missione per liberare uno scienziato dai suoi sequestratori si rivela essere più insidiosa del previsto, portando Bond sulle tracce di un misterioso villain armato di una nuova e pericolosa tecnologia.
  • DuneDenis Villeneuve (2021). In un distante futuro dell’umanità, il duca Leto Atreides accetta la gestione di un pericoloso pianeta, Dune, l’unica fonte di una droga in grado di allungare la vita e fornire eccezionali capacità mentali.
  • La fiera delle illusioni – Nightmare Alley, Guillermo Del Toro (2021). Un giostraio ambizioso con un talento per manipolare le persone con poche parole ben scelte inizia una relazione con una psichiatra che si rivela essere ancora più pericolosa di lui.
  • West Side Story, Steven Spielberg (2021). Due adolescenti di diverse origini etniche si innamorano nella New York degli anni 50. Una rivisitazione del leggendario musical West Side Story sullo scontro tra due bande di strada di New York.
  • Parigi 13Arr., Jacques Audiard (2021). Le vite di Émilie, Camille, Nora e Amber, amici e occasionalmente amanti, si intrecciano nel quartiere parigino di Les Olympiades. Audiard dà voce ad un trio di giovani in cerca del proprio posto nel mondo, tra sesso, inganni e paure per il futuro.
  • Drive My Car, Ryūsuke Hamaguchi (2021). Un attore e regista teatrale rimasto vedovo cerca un autista. L’uomo si rivolge al suo meccanico, che finisce per consigliargli una ragazza di 20 anni. Nonostante i timori iniziali, tra i due si sviluppa una relazione molto speciale. Vincitore del premio Oscar al Miglior film internazionale.
  • Scompartimento n. 6, Juho Kuosmanen (2021). Una ragazza finlandese sale su un treno diretto a Murmansk per sfuggire a una tormentata storia d’amore, trovandosi a dividere il vagone letto con un minatore russo durante il lungo viaggio. Da un iniziale diffidenza nascerà una profonda amicizia. Un’inno a chi fugge, a chi si apre al mondo e a chi ritrova la propria strada nei modi più imprevedibili.
  • Spencer, Pablo Larraìn (2021). Nel 1991, durante le vacanze di Natale con la famiglia reale a Sandringham House, nel Norfolk, Diana Spencer decide di porre fine al suo matrimonio da tempo in crisi con Carlo, principe del Galles.

Film recenti da vedere: 2020

Film recenti belli da vedere

Ecco di seguito alcuni dei migliori film del 2020, che offrono storie di redenzione, con personaggi alla ricerca di sé stessi o chiamati a scendere a patti con il labirinto che è la propria mente. Ma si ritrovano anche opere di genere, dal thriller all’horror, passando per l’avventura e altro ancora.

  • Nomadland, Chloé Zhao (2020). Dopo aver perso il marito e il lavoro durante la Grande recessione, la sessantenne Fern lascia la città aziendale di Empire, Nevada, per attraversare gli Stati Uniti occidentali sul suo furgone, facendo la conoscenza di altre persone che, come lei, hanno deciso o sono stati costretti a vivere una vita da nomadi moderni, al di fuori delle convenzioni sociali.
  • L’uomo invisibile, Leigh Whannell (2020). Intrappolata in una relazione violenta con un brillante scienziato, Cecilia Kass scappa nel cuore della notte facendo perdere le sue tracce. Nel frattempo, l’uomo sta escogitando un diabolico piano.
  • Minari, Lee Isaac Chung (2020). Negli anni ottanta, la vita del piccolo coreano-americano David cambia drasticamente quando la sua famiglia si trasferisce dalla costa occidentale nel cuore dell’Arkansas rurale per inseguire il sogno lavorativo del padre Jacob, incurante delle preoccupazioni di sua moglie. A complicare le cose in casa si aggiunge l’arrivo dell’anziana nonna dalla Corea, i cui modi così diversi dai loro suscitano la curiosità di David e della sua sorellina.
  • Mank, David Fincher (2020). La Hollywood degli anni ’30 è rivalutata attraverso gli occhi e la graffiante ironia dello sceneggiatore alcolista Herman J. Mankiewicz mentre termina la scrittura del capolavoro che sarà Quarto potere. Nel film di Fincher si ricostruisce dunque un periodo particolare della storia del cinema, affrontando questioni come l’autorialità e i giochi di potere alla base dell’industria cinematografica.
  • I Care a Lot, J. Blakeson (2020). Mala Grayson è una truffatrice che prosciuga i risparmi degli anziani di cui ha la tutela. Tuttavia, una donna che cerca di truffare si rivela essere più furba di quanto non appaia.
  • Fino all’ultimo indizio, John Lee Hancock (2020). Il Vice Sceriffo della Kern County, Joe “Deke” Deacon viene mandato a Los Angeles per quello che doveva essere un veloce incarico di raccolta di prove. Al contrario, si trova coinvolto nella caccia al killer che sta terrorizzando la città. A guidare l’indagine, il Sergente Jim Baxter che, colpito dall’istinto di Deke, richiede il suo aiuto non ufficiale. Ma mentre danno la caccia al killer, Baxter ignora che l’indagine sta riportando a galla alcune situazioni vissute in passato da Deke, svelando segreti scomodi che potrebbero mettere a repentaglio molto più che il suo caso.
  • Sto pensando di finirla qui, Charlie Kaufman (2020). In viaggio dai genitori di lui qualcosa va storto, ma fidanzato, famiglia e realtà frammentata non c’entrano nulla. Kaufman dà vita ad un nuovo oscuro viaggio nella mente umana, attraverso il subconscio, la memoria, i sentimenti e i rapporti umani. Il risultato è un film tanto folle quanto rigoroso ed emotivamente forte.
  • Le strade del male, Antonio Campos (2020). Predicatori diabolici, poliziotti corrotti e amanti omicidi: in un luogo totalmente sperduto, un giovane di forti valori ha sete di giustizia. Un grande cast di attori recita in quest’opera corale dove tutte le sfumature del male (ma anche del bene) finiscono per convergere nella stessa direzione, offrendo un ritratto variegato e cupo dell’essere umano.
  • Il processo ai Chicago 7, Aaron Sorkin (2020). Il film narra il processo ad un gruppo di attivisti contro la guerra in Vietnam accusati di aver causato lo scontro tra i manifestanti e la Guardia Nazionale il 28 agosto 1968 a Chicago. Una storia vera magnificamente scritta e diretta dallo sceneggiatore di The Social Network. Il film ha poi ricevuto sei nomination all’Oscar.
  • Il caso Minamata, Andrew Levitas (2020). Il fotografo americano W. Eugene Smith va in Giappone per indagare sui casi di avvelenamento di mercurio nei villaggi costieri, causati dall’inquinamento delle industrie chimiche. Johnny Depp recita nel ruolo del fotografo Smith alla ricerca di verità che si preferirebbe non conoscere ma che è indispensabile siano diffuse. Un’opera di denuncia, che sconvolge per la sua forza.
 
 

Oceania 2 (Moana 2), spiegazione del finale: cosa succede a Vaiana e come ci prepara a Oceania 3 (Moana 3)

Oceania 2 spiegazione finale
Foto di Disney/DISNEY - © Walt Disney Studios

Il finale di Oceania 2 (Moana 2) è un grande finale esplosivo che cambia radicalmente l’eroe e pone le basi per un futuro Oceania 3 (Moana 3). Dopo il successo del film del 2016, il sequel lancia la protagonista in un nuovo viaggio attraverso l’oceano. Incaricata di ripristinare un’isola perduta e di sciogliere un’enorme maledizione che mette in pericolo la sua tribù, Vaiana si imbarca in una missione insieme a un gruppo di leali abitanti del villaggio e al ritorno di Maui. Tuttavia, il loro cammino li porta direttamente nelle macchinazioni del malvagio dio Nalo, che ha lanciato la maledizione.

Oceania 2 (Moana 2) è destinato a diventare un successo al botteghino, il che potrebbe spiegare perché il film si conclude con una chiara allusione alle direzioni future di altri possibili sequel. In particolare, https://www.cinefilos.it/tutto-film/recensioni/oceania-2-657305″> Oceania 2 (Moana 2) si conclude con un enorme cambiamento per Vaiana e il suo mondo, ampliando la portata del suo mondo e amplificando la sua natura in modo inaspettato. Ecco come il finale di Oceania 2 (Moana 2) eleva il personaggio e prepara ulteriori avventure.

Vaiana muore e diventa semidio

L’esperienza di quasi morte di Vaiana finisce per darle più forza che mai

Tuttavia, grazie all’oceano, gli spiriti degli antenati di Vaiana (tra cui sua nonna e Tautai Vasa) sono in grado di riportarla in vita. Questo la trasforma in un semidio come Maui, conferendole potenzialmente lo stesso tipo di immortalità che ha permesso a Maui di vivere per oltre mille anni e di sopportare ferite altrimenti fatali.

Nello stesso modo in cui i poteri più evidenti di Maui sono incanalati attraverso il suo potente amo, il remo di Vaiana assume un nuovo significato come arma spirituale. Il remo è ora ornato da una scritta dorata e sembra essere un’estensione delle nuove capacità di Vaiana. Sebbene sia probabile che anche lei, come Maui, benefici di nuovi attributi fisici da semidio, il remo è la fonte dei suoi poteri soprannaturali più evidenti. Questo rende il remo un accessorio ancora più importante per l’eroina in futuro.

Vaiana in Oceania 2
Foto di Disney/DISNEY – © Walt Disney Studios

I nuovi poteri di Vaiana

I nuovi poteri di Vaiana sono probabilmente simili alla capacità di Maui di trasformarsi grazie all’uso del suo amo. Nel primo film, la separazione dall’amo ha fatto sì che Maui perdesse l’accesso alle sue capacità di trasformazione, pur mantenendo il suo corpo senza età e la sua impressionante resistenza. Il remo di Vaiana, invece, non le permette di trasformarsi. Ma grazie alla luce dorata che emette, Vaiana può usare il remo per modellare le maree e creare percorsi nell’oceano. Queste abilità saranno probabilmente fondamentali per la futura esplorazione dell’oceano.

I tatuaggi di Vaiana

Con questa ascesa, Vaiana ottiene anche alcuni tatuaggi. Sembrano raffigurare persone che festeggiano sull’isola di Motufetu, facendo riferimento agli eventi del film come a una grande azione da parte di Vaiana. Questo è simile al modo in cui i numerosi tatuaggi di Maui sono stati rivelati nel primo film come riferimenti ai suoi successi come semidio. È probabile che, man mano che Vaiana andrà avanti nella vita e raggiungerà altri traguardi, possa ottenere altri tatuaggi. Potrebbero anche essere vivi come il Mini Maui, creando una Mini Vaiana che apparirà in future storie sul personaggio.

Come Vaiana riconnette il popolo dell’oceano

Il motivo per cui Vaiana si mette alla ricerca di Motufetu è una visione di Tautai Vasa, che la informa che l’isola affondata e superata da Nalo ha di fatto isolato l’angolo di mare di Vaiana dal resto dell’umanità. Se rimarranno isolati troppo a lungo, i popoli dell’oceano (compresa la tribù di Vaiana e i Kakamora) si estingueranno. Questo rafforza gli sforzi di Vaiana per trovare altre tribù, dando il via all’avventura del film. Risollevando Motufetu e spezzando la maledizione di Nalo, la protagonista ripristina le linee di collegamento dell’oceano.

L’impegno si rivela subito proficuo: altri esploratori provenienti da tutto il mondo approdano rapidamente su Motufetu. Vaiana li riporta sulla sua isola natale, dove i vari Wayfinder di diverse tribù vengono mostrati mentre parlano con Tui e probabilmente creano alleanze. Si tratta di una conclusione promettente per il film, in quanto apre la strada a molti nuovi angoli del mondo da esplorare. Potrebbe anche creare un potenziale dramma, dato che l’esistenza di altre tribù significa anche che c’è spazio per possibili conflitti in futuro.

Maui in Oceania 2
Foto di Disney/DISNEY – © Walt Disney Studios

Cosa succede a Matangi in Oceania 2 (Moana 2)

A prima vista, in Oceania 2 (Moana 2) Matangi si presenta come un pericoloso cattivo. Capace di sopraffare e catturare Maui con relativa facilità, Matangi all’inizio fa intendere di avere piani più grandi per lui e Vaiana. Tuttavia, si scopre che Matangi è in realtà una serva involontaria di Nalo ed è rimasta intrappolata nella vongola grande come un’isola per anni. Sperando che rompere la maledizione che Nalo ha lanciato sull’oceano la liberi dalla sua morsa, Matangi dà a Vaiana alcuni consigli fondamentali e la aiuta (insieme a Maui e al resto dell’equipaggio di Vaiana) ad avventurarsi sull’isola.

In questo modo Matangi diventa un avversario potenzialmente riluttante per Vaiana, che segue i comandi di Nalo anche se desidera liberarsi di lui. Tuttavia, una Vaiana potenziata potrebbe trovare un modo per liberarla, trasformando Matangi in un alleato.

La vendetta di Nalo e come ci prepara a Moana 3

Nalo è il vero cattivo di Oceania 2 (Moana 2), anche se i Nalo cerca attivamente di uccidere Vaiana e il suo equipaggio, inviando enormi serpenti marini e saette luminose contro il gruppo quando si avvicinano all’isola. Anche dopo essere stato sconfitto, l’apparizione della divinità nella scena dei titoli di coda rivela un dio furioso e intenzionato a vendicarsi. Tutto ciò pone le basi per un epico Oceania 3, soprattutto in considerazione dell’importante aumento di potenza di Vaiana.

Come il finale di Oceania 2 (Moana 2) si basa sul finale del primo film

In Oceania, la maledizione causata da Maui che ha preso il Cuore di Te Fiti stava lentamente uccidendo tutta la vita biologica del mondo. Allo stesso modo, Vaiana parte per la sua avventura con la consapevolezza che l’incapacità di espandere l’oceano al suo vero potenziale porterà alla scomparsa del suo popolo.

Oceania 2 (Moana 2) si concentra in definitiva sull’importanza di abbracciare il nuovo e di avere il coraggio di rischiare tutto per l’esplorazione. Tutti i personaggi di Oceania 2 (Moana 2) sono costretti ad abbracciare nuove strade pericolose, con la nonna di Vaiana che nel primo atto comunica alla nipote di aver compreso il costo potenziale delle sue avventure. La tribù deve letteralmente espandersi attraverso l’oceano, altrimenti si estinguerà. I membri dell’equipaggio di Vaiana crescono attraverso l’accettazione del cambiamento, che si tratti dell’abbraccio di Loto alla sperimentazione costante, di Moni che supera le sue paure o di Kele che si adatta all’oceano.

Anche Vaiana e Maui affrontano questa sfida: entrambi sono costretti ad accettare percorsi difficili a cui sono naturalmente contrari. Gli sforzi di Maui per proteggere Vaiana dal pericolo non fanno altro che prolungare la missione a Motufetu, e i due vincono quando accettano di potersela cavare da soli. Al contrario, Vaiana deve imparare ad abbracciare un percorso diverso, accettando la guida di Matangi di “perdersi”, tracciando una strada diversa da quella che le è congeniale per poter continuare ad andare avanti. È una morale interessante da esplorare, soprattutto in relazione alla svolta di Vaiana su Te Fiti.

Khaleesi Lambert-Tsuda e Auli'i Cravalho in Oceania 2
Foto di Disney/DISNEY – © Walt Disney Studios

Quanti film su Vaiana ci saranno?

Oceania 3 non è stato confermato, ma il remake in live action arriverà presto

Al momento in cui scriviamo, non c’è stata alcuna conferma di Oceania 3. Dato che ci sono voluti otto anni prima che Oceania 2 (Moana 2) continuasse la storia dell’Indomita, potrebbe passare un po’ di tempo prima che il pubblico abbia la conferma, in un senso o nell’altro, se vedrà ancora la giovane donna avventurosa. Tuttavia, l’atteso successo al botteghino di Oceania 2 (Moana 2), insieme al palese richiamo al sequel nella scena a metà dei titoli di coda, potrebbe dare alla Walt Disney Animation un motivo in più per riportare il personaggio per altre avventure.

Un eventuale terzo film potrebbe addirittura seguire la traiettoria di altri sequel animati Disney confermati, come Frozen, di cui è già stata confermata la presenza di due sequel in fase di pre-produzione. I fan di Oceania avranno anche un remake live-action nel 2026, con Catherine Laga’aia nel ruolo di Vaiana e Dwayne Johnson che riprenderà il ruolo di Maui. Questo assicura che, anche dopo Oceania 2 (Moana 2), ci saranno altre occasioni per vedere la giovane eroina nelle sale cinematografiche.