Emily, la protagonista di La sposa cadavere, era già morta all’inizio del film di Tim Burton, ma man mano che la storia di Victor si svolge, i dettagli della sua morte diventano chiari. L’abbigliamento del cadavere indica che è stata uccisa il giorno del suo matrimonio, e il numero musicale “Remains of the Day” lo conferma. Si scopre che è stata uccisa dal suo stesso fidanzato, che ha rubato i gioielli della sua famiglia e ha lasciato il suo cadavere a marcire nella foresta. Tuttavia, solo alla fine di La sposa cadavere viene rivelata l’identità del suo assassino.
Ambientato nell’Inghilterra vittoriana, La sposa cadavere(2005) di Tim Burton segue Victor Van Dort (Johnny Depp), che inconsapevolmente sposa un cadavere. La sua nuova sposa, Emily (Helena Bonham Carter), lo porta con sé negli inferi, dove spera che potranno trascorrere i loro giorni “vivendo” felici e contenti. Naturalmente, Victor si era già innamorato di un’altra persona: Victoria Everglot (Emily Watson), che era ancora viva. Il suo viaggio per tornare dalla sua amata incontrò diversi ostacoli, tra cui il fidanzamento di Victoria con Lord Barkis Bittern (Richard E. Grant). Tuttavia, gli eventi di questa macabra storia divennero ancora più complicati.
Emily fu uccisa dal suo fidanzato, Barkis, in La sposa cadavere
L’inizio di La sposa cadavere rivelò che Emily era stata una delle donne più belle della città prima della sua morte. Avrebbe potuto sposare chiunque, ma si innamorò di un uomo misterioso che suo padre disapprovava. Quando a Emily fu proibito di sposare quest’uomo, la coppia progettò di fuggire insieme, sopravvivendo grazie a una piccola fortuna che la sposa avrebbe rubato alla sua famiglia. Tragicamente, durante il loro incontro nella foresta, Emily fu uccisa dal suo promesso sposo, che le rubò la fortuna e la lasciò morire.
Naturalmente, La sposa cadavere alla fine rivelò che quest’uomo non era altro che Lord Barkis, anche se non è chiaro esattamente come l’abbia uccisa. Considerando la ferita sul fianco di Emily e il fatto che lui abbia tentato di uccidere Victor con una spada, è stato ipotizzato che lui l’abbia pugnalata. A peggiorare le cose, Emily afferma, dopo aver capito l’identità di Barkis, che lui l’aveva lasciata “per morta”, indicando che era ancora viva quando Barkis fuggì dalla foresta con la fortuna della sua famiglia.
Emily aveva probabilmente circa 19 anni quando morì
L’età di Emily non viene mai confermata in La sposa cadavere. Tutto ciò che sappiamo con certezza è che Barkis l’ha uccisa nove anni prima di tentare di sposare Victoria. Tuttavia, dato che Emily era una ragazza non sposata appartenente a una ricca famiglia vittoriana, si può supporre che fosse poco più che adolescente. Ciò è supportato dal fatto che Victor e Victoria hanno entrambi 19 anni durante gli eventi del film di Tim Burton, dato che Emily sembra avere più o meno la stessa età dei suoi compagni personaggi di La sposa cadavere. Naturalmente, ciò significherebbe che è rimasta diciannovenne per quasi un decennio, aggiungendosi alla tragedia del suo spregevole omicidio.
La storia originale di La sposa cadavere è ispirata a una leggenda ashkenazita che ha tragici collegamenti con eventi realmente accaduti. Il film fantasy dark di Tim Burton del 2005 è basato sulla storia di una persona vivente che sposa accidentalmente il fantasma di una futura sposa assassinata. Tuttavia, la narrazione agrodolce de La sposa cadavere ha aggiunto significative espansioni alla trama e modifiche all’ambientazione e ai personaggi. Sia La sposa cadavere di Tim Burton che il folklore ebraico che lo ha ispirato hanno purtroppo origine nei pogrom russi di inizio secolo, in cui i matrimoni finivano in tragedia.
La sposa cadavere, ambientato nell’Inghilterra vittoriana, racconta la macabra storia di Victor Van Dort, che inavvertitamente si fidanza con Emily, una vittima non morta di uno spietato serial killer. Con Victor diviso tra la sua simpatia per Emily e il suo amore sincero per la sua fidanzata vivente Victoria Everglot, le cose si complicano ulteriormente quando l’assassino di Emily riappare e trama di sposare, uccidere e derubare Victoria. Il finale agrodolce del film vede il complotto dell’assassino di Emily sventato ed Emily che permette a Victor e Victoria di rimanere insieme piuttosto che negare loro la vita che lei stessa aveva perso.
La storia che ha ispirato La sposa cadavere
La storia originale di La sposa cadavere è vagamente ispirata alla fiaba ebraica conosciuta come “Il dito”. La storia narra di alcuni uomini che, mentre camminavano nel bosco, videro quello che pensavano fosse un ramo che spuntava dal terreno. Quando si avvicinarono, videro che si trattava di un dito e uno di loro scherzò chiedendo chi avrebbe messo un anello su quel dito. Il più anziano dei ragazzi, che stava per sposarsi, scherzò dicendo che lo avrebbe fatto lui e, quando lo fece, il dito cominciò a contrarsi e il corpo di una donna morta si alzò e reclamò il suo marito.
La versione originale era, curiosamente, una storia molto più cupa, con la sposa non morta priva di nome o di tragica storia personale, il cui matrimonio accidentale viene annullato alla fine della storia, portandola a dissolversi in un mucchio di ossa, anche se alcune versioni della storia finiscono con una nota più felice, con la moglie vivente dello sposo che le promette che lei e la vita che non ha mai avuto saranno onorate dai vivi. Sebbene Il dito non specifichi perché il corpo di una futura sposa sia stato trovato in mezzo al bosco, l’ambientazione suggerisce che fosse vittima di un pogrom, un evento tragicamente comune nell’Impero russo all’inizio del secolo.
Come Il dito è diventato La sposa cadavere
Mentre i pogrom hanno devastato le comunità ebraiche durante la loro storia di diaspora in Russia, l’inizio del XX secolo ha visto un’ondata di attacchi particolarmente raccapriccianti, con le future spose spesso uccise e gettate in tombe poco profonde, ancora nei loro abiti da sposa. Il film di Tim Burton conserva vagamente questo dettaglio facendo di Emily la vittima di un serial killer, ma la nuova ambientazione del film e i personaggi reinventati sono privi del significato implicito di The Finger. Il messaggio del finale alternativo più felice di The Finger potrebbe essere quello di ricordare le vite stroncate da questi orribili pogrom, ma la nuova ambientazione di La sposa cadavere, purtroppo, rende impossibile questo messaggio, anche se i personaggi sono amati e simpatici.
Sebbene la storia originale di Corpse Bride fosse ispirata a The Finger, Burton ha deciso di rimuovere i personaggi religiosi ed etnici ebraici della fiaba ambientando La sposa cadavere nell’Inghilterra vittoriana, con personaggi bianchi e cristiani. Burton voleva rendere La sposa cadavere una moderna “fiaba”, quindi, invece di rappresentare una popolazione levantina dell’Europa orientale, l’ha modificata per conformarla alla sensibilità più tipica dell’Europa occidentale e cristiana. La sposa cadavere è tanto commovente quanto tragico, ma il folklore e la storia ebraici che lo hanno ispirato lo rendono ancora più straziante.
Tim Burton è uno dei registi più creativi della sua epoca, ma se c’è una cosa che ha fatto diventare un’abitudine, è quella di prendere vecchie storie e dar loro un tocco gotico. Il folklore ebraico di La sposa cadavere ne è un esempio, ma ce ne sono molti altri. Il film d’esordio di Burton, Pee-Wee’s Big Adventure, era in realtà basato sul classico dramma italiano Ladri di biciclette, ma come parodia di quel film magistrale. Con Batman, Burton ha preso il personaggio dei fumetti e ha trasformato Gotham City in un paesaggio gotico che ha resistito alla prova del tempo.
Sleepy Hollow era la rivisitazione di Burton del classico racconto breve di Washington Irving sul cavaliere senza testa, mentre Alice in Wonderland era una rivisitazione dell’iconico romanzo di Lewis Carroll, Alice’s Adventures in Wonderland. Burton non si è tirato indietro nemmeno quando si è trattato di prendere vecchi film e programmi televisivi e aggiungervi il suo tocco personale. Lo ha fatto con il remake di Planet of the Apes e Dark Shadows, entrambi racconti familiari che hanno riportato i classici sul grande schermo. Per Charlie e la fabbrica di cioccolato, Burton si è ispirato più al racconto originale di Roald Dahl che al film di Gene Wilder, ma la storia era comunque simile.
Tim Burton ha realizzato un musical nel 2007 con Sweeney Todd: Il diabolico barbiere di Fleet Street, basato sul musical teatrale di Stephen Sondheim e Hugh Wheeler, a sua volta ispirato all’opera teatrale di Christopher Bond. Mentre Frankenweenie è stato influenzato dal romanzo di Mary Shelley Frankenstein, Miss Peregrine’s Home for Peculiar Children è stato tratto da un romanzo più recente di Ransom Riggs, pubblicato nel 2011. Anche se il legame con il folklore ebraico di La sposa cadavere non era chiaro in quel film, il più delle volte i film di Tim Burton mostrano chiaramente le influenze delle loro storie.
Prima della sua revisione creativa, la prima stagione di Daredevil: Rinascita non includeva Bullseye interpretato da Wilson Bethel. Foggy Nelson sarebbe morto fuori dallo schermo, con alcuni poliziotti corrotti di Hell’s Kitchen che alla fine sarebbero stati rivelati come gli autori del suo omicidio. La serie Disney+ si è invece conclusa rivelando che Vanessa Fisk aveva manipolato Dex affinché uccidesse l’avvocato, ed è chiaro che ora lui è in cerca di vendetta.
Anche se i video girati durante la seconda stagione hanno suggerito che Bullseye avrebbe collaborato con Daredevil, di certo non sembra un grande “eroe” in questa foto trapelata del suo costume. La tuta tattica di Dex ha subito alcune modifiche e ora presenta le familiari strisce bianche a forma di occhio di bue intorno al collo. Anche se lo stile della maschera del cattivo rimarrà sostanzialmente lo stesso in Daredevil: Rinascita Stagione 2, abbiamo motivo di credere che anche questa includerà il logo dell’occhio di bue.
Da dove provengono queste foto dei costumi? Beh, anche se sono autentiche, è un po’ un mistero. Tuttavia, sembra che i fan abbiano ottenuto scatti simili da Avengers: Doomsday, e vi forniremo alcuni dettagli al riguardo nel corso della giornata. Durante una recente apparizione a una convention, Bethel ha parlato della continuazione della storia del cattivo. “Ci sono aspetti completamente nuovi dell’interessante e contorta psiche di Dex che potremo esplorare, e ci sono cose davvero molto divertenti in arrivo per Bullseye e Dex”.
“Penso che la sequenza di combattimento di Bullseye più bella che abbiamo ancora da vedere nella serie faccia parte della [stagione 2]”, ha aggiunto l’attore, “una sequenza davvero fottutamente fantastica”. Commentando la terza stagione, ora confermata, Bethel ha anticipato: “Come alcuni di voi forse sapranno, abbiamo già ottenuto il rinnovo per un’altra nuova stagione che inizieremo a girare il prossimo anno. Ci saranno altri episodi con Bullseye, Kingpin e tutti gli altri”.
In Daredevil: Rinascita della Marvel Television, Matt Murdock (Charlie Cox), un avvocato cieco con capacità straordinarie, lotta per ottenere giustizia nel suo vivace studio legale, mentre l’ex boss mafioso Wilson Fisk (Vincent D’Onofrio) persegue le sue iniziative politiche a New York. Quando le loro identità passate iniziano a emergere, entrambi gli uomini si ritrovano inevitabilmente su una rotta di collisione. Entrambi torneranno nella Stagione 2.
La serie vede la partecipazione anche di Margarita Levieva, Deborah Ann Woll, Elden Henson, Zabryna Guevara, Nikki James, Genneya Walton, Arty Froushan, Clark Johnson, Michael Gandolfini, con Ayelet Zurer e Jon Bernthal. Dario Scardapane è lo showrunner.
È stato svelato il budget di Predator: Badlands, una cifra record rispetto agli altri film della saga di fantascienza. La storia di Predator: Badlands sta portando la saga a livelli mai visti prima, concentrandosi su Dek, un giovane Yautja emarginato che dà la caccia a una creatura impossibile da uccidere. Il film è ambientato su un pianeta alieno, caratterizzato da diverse minacce disumane.
Ora, Variety ha pubblicato un rapporto che conferma che Predator: Badlands ha un budget di produzione di 105 milioni di dollari. Questo rende l’ultimo film il più costoso della saga. Si prevede che il thriller d’azione fantascientifico incasserà 60 milioni di dollari in tutto il mondo durante il suo weekend di apertura, circa la metà del budget dichiarato, esclusi i costi pubblicitari.
Il budget dichiarato per Predator: Badlands supera il precedente detentore del record per il film Predator più costoso, che era The Predator del 2018 con 88 milioni di dollari. È anche il film più costoso del franchise diretto da Dan Trachtenberg, i cui altri capitoli includono Prey del 2022 (65 milioni di dollari) e Predator: Killer of Killers del 2025 (50 milioni di dollari).
Considerando le recensioni positive per Predator: Badlands, sembra che finora siano stati soldi ben spesi. Al momento in cui scrivo, il film ha un Certified Fresh 90% su Rotten Tomatoes basato su 80 recensioni di critici. Le aspettative di 60 milioni di dollari per il weekend di apertura sono anche al di sotto di quelli che potrebbero diventare 68 milioni di dollari di guadagni in tutto il mondo.
Sebbene non sia chiaro quanto sia stato investito nel marketing del film, una buona regola pratica è che, affinché un film vada in pareggio, deve raddoppiare il suo budget. Questo significa che Predator: Badlands potrebbe aver bisogno di 210 milioni di dollari al botteghino prima di poter iniziare a generare profitti. Fortunatamente, un buon passaparola potrebbe contribuire ad aumentare le sue possibilità.
Il film beneficia anche del fatto di essere il primo film di Predator PG-13 della saga. Questo lo apre a un mercato più ampio, a differenza di quanto sarebbe stato se fosse stato classificato come vietato ai minori di 17 anni. La sua classificazione potrebbe contribuire a rafforzare il suo pubblico, rendendo così il suo budget più elevato non solo giustificato, ma anche facilmente recuperabile attraverso la sua rappresentazione cinematografica globale.
Con un budget così elevato, sembra che Predator: Badlands rappresenterà un rischio significativo per il franchise. Fortunatamente, questa svolta verso un’avventura fantascientifica sembra aver convinto i critici di quanto la serie possa evolversi in vari modi. Se il film avrà successo, potrebbe portare ad altri film con budget altrettanto elevati.
Si è chiusa la votazione delle due giurie, dei lettori sul sito del Noir in festival e della Giuria Letteraria, composta da Cecilia Scerbanenco (Presidente), Valerio Calzolaio, Maria Teresa Carbone, Liborio Conca, Luca Crovi, Cecilia Lavopa, Sergio Pent, Sebastiano Triulzi e John Vignola.
La somma ponderata dei voti delle due giurie ha determinato la seguente cinquina finalista del Premio Giorgio Scerbanenco per il miglior romanzo noir italiano edito nell’anno 2025 (in ordine alfabetico di autore):
Barbara Baraldi, Gli omicidi dei tarocchi, Giunti
Giorgia Lepore, Forse è così che si diventa uomini, Edizioni E/O
Davide Longo, La donna della mansarda, Einaudi
Alessandro Robecchi, Il tallone da killer, Sellerio
Mirko Zilahy, La stanza delle ombre, Mondadori
I cinque romanzi finalisti saranno presentati mercoledì3 dicembre alle ore 17.30 alla Casa del Manzoni a Milano dove, in serata, avverrà la premiazione del vincitore, scelto quest’anno dalla Giuria Letteraria a cui si affiancheranno Isabella Fava, Alessandra Tedesco e i 5 giurati del Circolo dei Lettori di Milano: Bianca Battagion, Serena Caprara, Eugenio Gaslini, Christian Hill e Chiara Mariani.
Il romanzo più votato sul sito del Noir in Festival è risultato L’Educatore, di Antonio Lanzetta, Newton Compton. L’autore riceverà, nella stessa serata del 3 dicembre a Casa Manzoni, il Premio dei Lettori – Premio Città di Lignano Sabbiadoro dalle mani dell’Assessore alla cultura del Comune di Lignano Sabbiadoro.
Ringraziamo per la preziosa collaborazione all’edizione 2025 del Premio Scerbanenco il Sistema Bibliotecario di Milano, il Circolo dei Lettori di Milano, Casa Manzoni e il Comune di Lignano Sabbiadoro.
La giornata del 3 dicembre, dedicata al Premio Giorgio Scerbanenco 2025, si aprirà quest’anno con la proiezione alle ore 15:30 al Cinema Arlecchino di Milano di un inedito omaggio documentario agli scrittori di genere noir italiani, Chi è senza colpa, di Katiuscia Magliarisi con la regia di Riccardo Alessandri, una produzione Rai – Contenuti Digitali e Transmediali, in cui compaiono molti scrittori già ospiti del Noir in festival e legati al Premio, come ad esempio il “narratore-inviato” nel film Orso Tosco, vincitore dell’edizione 2024 del Premio, o come il giurato Luca Crovi, i già premiati o finalisti Massimo Carlotto, Piero Colaprico, Maurizio De Giovanni, Gabriella Genisi, Gaetano Savatteri, tra gli altri, e per finire Antonio Lanzetta, vincitore del Premio dei Lettori – Premio Città di Lignano Sabbiadoro 2025. Infine, alle 16.45, alla Casa del Manzoni, prima dell’incontro con i finalisti e della consegna del Premio, sarà presentato il libro di Alberto Pezzotta, Il nero italiano e Scerbanenco (Mimesis).
Sono state rivelate le prime foto di Here Comes the Flood. L’attesissimo film di Netflix unirà due talenti unici: Denzel Washington e Robert Pattinson. Durante una recente intervista per promuovere il suo nuovo film, Die My Love, Pattinson ha rivelato di aver iniziato le riprese di Here Comes the Flood “questa settimana a New York“.
Ora, tramite What’s on Netflix, sono state rivelate le prime foto dal set di Here Comes the Flood. Le foto mostrano Denzel Washington e Robert Pattinson a Bloomfield, nel New Jersey, mentre tengono in mano i copioni e si preparano per una scena, vestiti con abiti casual e adatti alle condizioni meteo. Clicca sul link qui sotto e scorri verso il basso per vedere le foto dal set:
Diretto dal candidato all’Oscar Fernando Meirelles (City of God), con una sceneggiatura scritta dal candidato all’Oscar Simon Kinberg (The Martian), Here Comes the Flood segue “una guardia di banca, un cassiere e un ladro provetto in un mortale gioco di truffe e doppi incroci”, si legge nella sinossi ufficiale, che lo descrive anche come “un film di rapina non convenzionale”.
Guidato da Robert Pattinson e dal due volte premio Oscar Denzel Washington (Glory, Training Day), il cast include anche Daisy Edgar-Jones, candidata ai BAFTA per Normal People, nota anche per i suoi ruoli in Where the Crawdads Sing (2022) e Twisters (2024). Il cast di supporto include Danai Gurira (The Walking Dead), Sean Harris (Mission: Impossible), Moises Arias (Fallout) e il candidato agli Emmy Justin Kirk (Angels in America).
Here Comes the Flood segna la prima volta che Denzel Washingtone Daisy Edgar-Jones saranno i protagonisti di un film Netflix, sebbene il primo abbia prodotto progetti come Ma Rainey’s Black Bottom (2020) e The Piano Lesson (2024).
Le riprese nel New Jersey dovrebbero proseguire fino a gennaio 2026. Se la produzione si concluderà in tempo, sembra probabile un’uscita su Netflix per Here Comes the Flood verso la fine del 2026.
Nel corso degli anni abbiamo visto più che abbastanza personaggi come Joker, Due Facce e Il Pinguino sui nostri schermi. Quindi, ora speriamo che The Batman – Parte II e The Brave and the Bold possano spostare l’attenzione su alcuni volti meno familiari. Hush, Mr. Freeze e Poison Ivy sono tra i suggerimenti più popolari dei fan. Dopo essersi vestita come quest’ultima cattiva per Halloween un paio di anni fa, la star di Riverdale e The StrangersMadelaine Petsch ha chiarito che vuole provare a trasformarsi nella villain sullo schermo.
In una nuova intervista, l’attrice ha spiegato perché è così interessata a dare vita a Poison Ivy e ha suggerito che potrebbe farlo nel sequel di The Batman di Matt Reeves. “Ci stiamo lavorando”, ha esordito. “Mi sono vestita da Poison Ivy, molti Halloween fa, solo per attirare la loro attenzione. È come dire: ‘Ehi, Matt Reeves, ci stai prestando attenzione?’. Non hanno ancora realizzato il film, quindi chi lo sa?”. Le foto (si possono vedere qui) qui sotto dimostrano che Petsch sarebbe perfetta per la parte, ma sarebbe adatta a interpretare la cattiva?
Questo è oggetto di dibattito, anche se l’attrice ha un vasto seguito di fan ed è chiaramente appassionata del ruolo. A meno di una profonda reinvenzione, tuttavia, Poison Ivy probabilmente non è adatta al Batverse di Reeves. Un personaggio con la capacità di controllare le piante e di soggiogare gli uomini con un bacio non è proprio l’ideale per il mondo realistico che il regista ha immaginato, ma la DCU e The Brave and the Bold? Quello potrebbe essere un film in cui Poison Ivy potrebbe trovare il proprio spazio.
Tutto quello che sappiamo su The Batman – Parte II
The Batman – Parte II è uno dei film più attesi del nuovo panorama DC, ma il suo percorso produttivo non è stato privo di ostacoli. Inizialmente previsto per ottobre 2025, il sequel diretto da Matt Reeves è stato rinviato al 1° ottobre 2027. I ritardi sono stati giustificati da esigenze legate alla scrittura della sceneggiatura e al calendario riorganizzato della DC sotto la nuova guida di James Gunn e Peter Safran, che stanno ristrutturando l’intero universo narrativo. Nonostante ciò, Reeves ha confermato che le riprese inizieranno nella primavera 2026 e Gunn ha recentemente letto la sceneggiatura, definendola “grandiosa”, un segnale incoraggiante per i fan.
Sul fronte del cast, è confermato il ritorno di Robert Pattinson nei panni di Bruce Wayne/Batman, all’interno dell’universo narrativo alternativo noto come “Elseworlds”, separato dal DCU principale. Dovrebbero tornare anche Jeffrey Wright come il commissario Gordon e Andy Serkis nel ruolo di Alfred. I rumor più insistenti ruotano attorno alla possibile introduzione di Hush e Clayface(che avrà inoltre un film tutto suo) come villain principali, anche se nulla è stato ancora ufficializzato. C’è chi ipotizza un ampliamento del focus sulla corruzione sistemica di Gotham, riprendendo i toni noir e investigativi del primo capitolo, con Batman sempre più immerso in un mondo in cui la linea tra giustizia e vendetta si fa sottile.
Per quanto riguarda la trama, le indiscrezioni suggeriscono un’evoluzione psicologica per Bruce Wayne, alle prese con le conseguenze delle sue azioni e un Gotham sempre più caotica, anche dopo gli eventi della serie spin-off The Penguin con Colin Farrell (anche lui probabile membro del cast). Alcune fonti parlano di un possibile scontro morale con Harvey Dent, figura ambigua per eccellenza, o di un Batman costretto a confrontarsi con i limiti del suo metodo. Al momento, tutto è però ancora avvolto nel riserbo, ma la conferma della sceneggiatura completa e approvata lascia ben sperare per l’inizio delle riprese entro l’autunno e per un sequel che promette di essere ancora più cupo, ambizioso e introspettivo.
Reeves spera naturalmente che il suo prossimo film su Batman abbia lo stesso successo del primo. The Batman del 2022 ha avuto un’ottima performance al botteghino, incassando oltre 772 milioni di dollari in tutto il mondo e ottenendo un ampio consenso da parte della critica. Queste recensioni entusiastiche sono state portate avanti nella stagione dei premi, visto che il film ha ottenuto quattro nomination agli Oscar. Nel frattempo, Reeves ha espanso la serie DC Elseworld con la già citata serie spin-off di Batman, The Penguin, disponibile su Sky e NOW, per l’Italia.
Napoli, 1977. La storia di come tutto è iniziato: di come un giovanissimo Pietro Savastano entrerà nel mondo della criminalità, sullo sfondo di una Napoli in piena trasformazione, povera, segnata dal contrabbando di sigarette e all’alba dell’arrivo dell’eroina. Questo e molto altro nelle prime immagini appena rilasciate col teaser ufficiale di Gomorra – Le Origini, attesissimo prequel in sei episodi prodotto da Sky Studios e da Cattleya, parte di ITV Studios, dell’epica saga crime Sky Original tratta dall’omonimo bestseller di Roberto Saviano. La serie arriverà in esclusiva su Sky e in streaming solo su NOW a gennaio.
La trama di Gomorra – Le Origini
La storia inizia nel 1977 con un giovanissimo Pietro, figlio di nessuno, che cresce come fratello adottivo in una famiglia della parte più povera di Secondigliano. Ragazzo di strada, si arrabatta come può sognando un benessere che gli è ancora precluso. Si attraversa la perdita dell’innocenza di Pietro insieme ai suoi fratelli ed amici di sempre, le loro ambizioni e il suo primo grande amore, che, come per ogni adolescente, sarà folle e appassionato. L’incontro con Angelo, detto ‘A Sirena, il reggente di Secondigliano, segna poi il suo ingresso nel mondo della criminalità. Tra violenza, alleanze e tradimenti, Pietro scopre però a sue spese il prezzo che quella vita comporta.
La nuova serie, origin story sull’educazione criminale del futuro boss, fornendo una nuova prospettiva sulle radici del potere di Pietro, cattura un’epoca che ha definito il volto della criminalità moderna.
I primi quattro episodi della serie sono diretti da Marco D’Amore, anche supervisore artistico e co-sceneggiatore del progetto nonché già indimenticabile protagonista di Gomorra – La Serie, mentre gli ultimi due sono diretti da Francesco Ghiaccio (Dolcissime, Un posto sicuro). Creata da Leonardo Fasoli, Maddalena Ravagli e Roberto Saviano, è distribuita internazionalmente da Beta Film.
Luca Lubrano interpreta il giovane Pietro, qui ambizioso e inquieto ragazzo di strada di Secondigliano che insieme al suo inseparabile gruppo di amici sogna una vita migliore, per loro e per le loro famiglie.
GOMORRA – LA SERIE. LE ORIGINI Photo credit. Marco Ghidelli
Con lui nel cast: Francesco Pellegrino nei panni di Angelo ‘A Sirena, carismatico malavitoso che lavora per il clan dei Villa gestendo una bisca, ruolo che gli sta molto stretto; Flavio Furno interpreta ‘O Paisano, malavitoso detenuto in carcere, dove inizia a raccogliere «fedeli» che lo seguano nel suo progetto: una camorra nuova, che sia senza schiavi e senza capi; Tullia Venezia è una giovanissima Imma, che frequenta il liceo, suona al conservatorio e sogna di andare a studiare in America; Antonio Buono, Ciro Burzo e Luigi Cardone sono rispettivamente Mimì, Tresette e ‘A Macchietta, amici di Angelo ‘A Sirena; Antonio Del Duca, Mattia Francesco Cozzolino, Junior Rancel Rodriguez Arcia e il piccolo Antonio Incalza interpretano gli amici del gruppo di Pietro, rispettivamente Lello, Manuele, Toni e Fucariello; Renato Russo nei panni di Michele Villa, detto ‘O Sant, erede al trono di una delle famiglie dell’aristocrazia criminale di Napoli, i Villa. Il padre, Don Antonio, è il boss di Forcella. A interpretarlo è Ciro Capano. E ancora Biagio Forestieri nei panni di Corrado Arena, re del contrabbando di sigarette a Napoli; Fabiola Balestriere che interpreta Annalisa Magliocca, la futura Scianel, qui giovane madre vittima della gelosia violenta del marito; e Veronica D’Elia nei panni di Anna, sorella di ‘O Paisano.
Come la storica serie madre che ha conquistato pubblico e critica in oltre 190 territori nel mondo, GOMORRA – LE ORIGINI è tratta dal romanzo “Gomorra” di Roberto Saviano, edito da Arnoldo Mondadori Editore. Il soggetto di serie e i soggetti di puntata sono scritti da Leonardo Fasoli, Maddalena Ravagli e Roberto Saviano, mentre le sceneggiature sono firmate dagli stessi Fasoli e Ravagli con Marco D’amore.
Dieci anni dopo l’uscita di Star Wars: Il Risveglio della Forza, Daniel Craig rivela la parte peggiore del suo cameo. Craig ha un cameo non accreditato nei panni di uno stormtrooper del Primo Ordine che appare quando Rey (Daisy Ridley) viene tenuta prigioniera sulla Base Starkiller. È lo stesso stormtrooper su cui Rey usa un trucco mentale Jedi per liberarla dalle catene.
L’apparizione di Craig è stata tenuta segreta prima dell’attesissima uscita nelle sale cinematografiche, ed è stato solo in seguito che il cameo è diventato di dominio pubblico. È successo mentre Craig stava girando Spectre, il film di James Bond. Ha chiesto a Ben Dixon, che ha lavorato a Spectre e Il Risveglio della Forza come secondo assistente alla regia, di apparire nel nuovo film di Star Wars, e il regista J.J. Abrams ha accettato.
Durante la promozione di Wake Up Dead Man: A Knives Out Mystery su Sirius XM, a Daniel Craig è stato chiesto se l’uniforme da stormtrooper fosse scomoda. Ha confermato di sì, poiché l’uniforme emanava un odore sgradevole e le maniche troppo lunghe e rigide gli hanno causato dolore al pollice per una settimana dopo l’uso. Nonostante il disagio, Craig è grato per l’esperienza. Ecco i suoi commenti qui sotto:
“In pratica è indossata da molti stuntman nel deserto, quindi… non ha un buon odore. Inoltre, le maniche della mia erano troppo lunghe, ed è rigida, e non ho sentito il pollice per una settimana. Ma per il resto, è stato fantastico.”
Con Rian Johnson alla regia e alla sceneggiatura del sequel de Il Risveglio della Forza, Gli Ultimi Jedi, sia lui che Daniel Craig hanno lavorato alla trilogia sequel prima di collaborare per i loro film di Knives Out. Molto prima del primo Cena con delitto e quando Il Risveglio della Forza era ancora in produzione, Johnson aveva già capito che non si trattava di un semplice attore di contorno in uniforme da stormtrooper.
Durante una sessione di domande e risposte durante una proiezione a New York per il press tour di Wake Up Dead Man, moderata da Abrams, Johnson ha ricordato quanto la scena lo avesse colpito. Ha chiesto dell’attore che interpretava lo stormtrooper, e gli è stato confermato che era Craig a interpretarlo.
“Quando stavo scrivendo l’ottavo episodio, guardavamo le riprese giornaliere, perché [Abrams] stava girando il settimo. Un giorno… c’era una scena con Daisy [Ridley] in cui usa la Forza per controllare mentalmente uno stormtrooper e gli fa aprire le sue cose. È arrivato il controllo giornaliero, è arrivato lo stormtrooper, lei lo ha detto, lo stormtrooper non ha detto nulla, si è solo avvicinato a lei.
E io ho fatto questo: “Chi è quell’attore?” E Pablo [Hidalgo] della Lucasfilm ha detto: “Penso che sia solo uno stuntman con una cosa da stormtrooper”, e io ho risposto: “No, è un vero attore, solo per come ha camminato sul palco”.
Per quanto scomoda fosse l’uniforme da stormtrooper, Daniel Craig ha comunque dato una presenza significativa alla parte, facendo sì che Johnson notasse il personaggio semplicemente dal modo in cui camminava. Oltre a rendere distintivo il piccolo ruolo, la performance di Craig ha contribuito a dare forma a un momento importante nel canone di Star Wars, poiché è su di lui che Rey fa il suo primo Trucco mentale Jedi e scopre ulteriormente il suo forte legame con la Forza.
Craig è noto soprattutto per i film di Cena con delitto e James Bond, ma il suo cameo lo rende ufficialmente parte della vasta linea temporale di Star Wars e del franchise di lunga data. Con Star Wars: Il Risveglio della Forza che celebra il suo decimo anniversario, è un pezzo memorabile dell’eredità del film.
Predator: Badlands ha ricevuto un’ottima valutazione su Rotten Tomatoes, dimostrando che il suo regista potrebbe essere il nuovo re del franchise. Predator è nato come uno spettacolo di fantascienza d’azione in cui gli umani combattevano contro un letale assassino alieno. È iniziato nella giungla nel 1987 con Arnold Schwarzenegger, ma alla fine si è spostato in ambienti urbani, culminando in uno scontro con gli Xenomorfi di Alien.
Negli ultimi anni, il franchise ha avuto molti tentativi di reboot falliti, come Predators del 2010 e The Predator del 2018. Tuttavia, è stato solo con Prey del 2022 che la serie ha iniziato a riacquistare un po’ di slancio. Diretto da Dan Trachtenberg, Prey ha sorpreso i fan di Predator e affascinato i nuovi arrivati con una storia su piccola scala che tornava alle radici dell’universo.
Dan Trachtenberg è tornato a dirigere Badlands, il primo film uscito nelle sale cinematografiche dal 2018. Il suo ultimo film sta ricevendo recensioni entusiastiche dalla critica, ottenendo un punteggio dell’89% su RT. È il suo terzo film consecutivo di Predator, con grandi elogi, il che suggerisce che Trachtenberg potrebbe essere il fattore principale del successo della serie. Dan Trachtenberg ha diretto 3 film di Predator completamente diversi, con punteggi elevati su RT.
Dopo che il film di Shane Black del 2018 ha portato Predator a livelli assurdi, la serie aveva bisogno di essere riportata alla semplicità. Prey ha raggiunto esattamente questo obiettivo, seguendo le vicende di una donna Comanche che cerca di proteggere la sua tribù da una pericolosa minaccia aliena. Ambientato nel 1719, il film ha un’impostazione unica, in cui la protagonista principale usa armi primitive per sconfiggere un cacciatore tecnologicamente avanzato.
Prey detiene attualmente un 94% su RT, poiché i critici hanno elogiato il film per le sue sequenze d’azione creative e l’avvincente interpretazione di Amber Midthunder. Dopo il successo del film su Hulu, Trachtenberg è tornato a dirigere un altro film di Predator, che ha portato il franchise in un’altra direzione.
Uscito nel giugno 2025, Predator: Killer of Killers è un film antologico animato che racconta le storie di un vichingo, un ninja e un pilota della Seconda Guerra Mondiale, tutti sopravvissuti agli incontri con i Predator. Sebbene ogni storia sia ambientata in un periodo storico diverso, si uniscono per un finale che introduce diverse possibilità intriganti per il canone dell’universo.
Non tutte le storie sono avvincenti come le altre, ma i critici hanno comunque apprezzato questo progetto nel complesso, che ha ottenuto un punteggio del 95% su RT. È il film con il punteggio più alto della serie ed è stata un’altra vittoria per Trachtenberg e Hulu. Con Predator: Badlands, il regista di 10 Cloverfield Lane ha creato una trilogia non ufficiale di Predator, ricca di beniamini della critica.
Ciò che è ancora più impressionante del successo di Trachtenberg è che questi tre film sono distinti. Prey riporta il franchise nell’America coloniale, Killer of Killers è il primo capitolo animato/antologico e Badlands è il primo capitolo ad avere un Predator come protagonista principale.
Hanno tutti angoli di visione unici, ma includono comunque il gore, la suspense e l’azione a cui il pubblico è abituato. Predator: Badlands dimostra che Dan Trachtenberg comprende questo franchise meglio di chiunque altro, offrendo blockbuster fantascientifici divertenti che presentano qualcosa di nuovo.
È piuttosto comune che gli studi cinematografici candidino i film sui supereroi nella maggior parte delle categorie principali durante la stagione dei premi. Anche se alcuni, come Black Panther e Joker, riescono occasionalmente a entrare nelle categorie principali, il genere è riconosciuto soprattutto per gli effetti speciali e altri risultati tecnici. Tuttavia, la DC Studios sta facendo un passo avanti candidando Supermannelle categorie drammatiche dei Golden Globe.
Come spiega Variety, questo segnala “l’intenzione di James Gunn di posizionare l’iconico supereroe come qualcosa di più di un semplice intrattenimento evasivo”. Lo studio ha presentato Superman per “Miglior film” (Drammatico), “Miglior attore” (Drammatico) per David Corenswet, “Miglior attrice non protagonista” (Drammatico) per Rachel Brosnahan e “Miglior attore non protagonista” (Drammatico) per Nicholas Hoult.
Altre candidature includono “Miglior regista” (Drammatico) e “Miglior sceneggiatura” (Drammatico) per James Gunn, insieme a “Miglior canzone originale” per “The Mighty Crabjoy’s Theme” di Gunn, Eric Nally e Devin Williams. Con un incasso di oltre 150 milioni di dollari in tutto il mondo, Superman sarà anche candidato al premio “Outstanding Cinematic and Box Office Achievement”, una categoria solitamente riservata ai film popcorn che altrimenti verrebbero ignorati dalle giurie dei premi.
“Il posizionamento nella categoria drammatica sottolinea l’ambizione di Gunn di presentare l’Uomo d’Acciaio, tradizionalmente associato alla verità, alla giustizia e allo stile di vita americano, come veicolo per temi importanti”, scrive la rivista. “Al di là dei Golden Globe, ‘Superman’ sta generando un certo interesse per gli Oscar all’interno dei settori artigianali dell’Academy”.
“Secondo i membri dell’AMPAS e alcune fonti, il film sarebbe tra i primi favoriti per gli effetti visivi, con Stephane Ceretti, Enrico Damm, Stéphane Nazé e Guy Williams alla guida del team, anche se l’attesissimo ‘Avatar: Fuoco e Cenere’ si profila come un formidabile concorrente”. Ci sono anche buone possibilità che Superman venga premiato nelle categorie sonoro, trucco e acconciature, anche se la colonna sonora non sarà presa in considerazione perché presenta in modo massiccio il lavoro di John Williams (il che significa che tecnicamente non è abbastanza “originale” per essere nominata).
Con Un semplice incidente (Un simple accident in originale), Jafar Panahi torna alla regia dopo anni di silenzio forzato, portando in concorso al Festival di Cannes un’opera tanto minimale nei mezzi quanto dirompente nel contenuto. Il film segna anche il suo ritorno pubblico: è la prima volta in quattordici anni che il regista iraniano riesce a lasciare il Paese per accompagnare personalmente una propria opera, accolto da una lunga e commossa ovazione al Grand Théâtre Lumière. Non si tratta solo di una presenza simbolica, ma di un gesto politico e artistico che rafforza il valore già altissimo del film.
La storia si apre con una scena ordinaria, quasi dimessa: una famiglia viaggia di notte su un’auto sgangherata lungo una strada deserta. Il padre, Eghbal, investe un cane e il guasto che ne deriva li costringe a fermarsi in un’officina. Lì si trova Vahid, un uomo segnato dalla prigione, che riconosce nell’andatura claudicante del conducente — provocata da una protesi — il suo ex aguzzino. Da quel momento la narrazione vira bruscamente: Eghbal viene sequestrato, portato nel deserto e costretto a scavarsi la fossa. Ma Vahid non riesce a chiudere il cerchio: il dubbio si insinua, e con esso nasce la necessità di confermare quell’identità.
Un road movie atipico, claustrofobico e pieno di incertezze
Un semplice incidente (guarda il trailer del film) diventa così un road movie atipico, claustrofobico e pieno di incertezze, costruito attraverso una serie di tappe che mettono in discussione ogni presunta verità. Vahid cerca testimoni tra gli ex detenuti che, come lui, hanno subito torture da parte dello stesso uomo: una fotografa, una giovane donna che si sta per sposare, una ex coppia. Tutti raccontano le stesse violenze, ma nessuno può affermare con sicurezza che quell’uomo — ora prigioniero e in silenzio — sia davvero il responsabile. In molti casi, l’unico ricordo che rimane è un dettaglio sensoriale: l’odore del sudore, un suono familiare, un’impressione fisica rimasta impressa nella memoria più del volto.
Il film riflette in modo diretto e tagliente su ciò che accade quando la giustizia istituzionale viene meno, e lascia spazio al sospetto, all’odio, alla tentazione di farsi giudici e carnefici. Ma al centro del racconto c’è sempre il dubbio, che non solo frena l’azione, ma la disarma. Anche quando tutti sembrano concordi sulla colpevolezza, resta la domanda: “E se ci sbagliassimo?”
Con mezzi limitati e attori in gran parte non professionisti, Panahi costruisce un’opera compatta, priva di orpelli, che lavora per sottrazione. La tensione cresce con naturalezza, grazie a una regia che dosa con precisione il tempo e lo spazio. Gli ambienti — quasi sempre chiusi o notturni — contribuiscono a creare un senso di isolamento e di precarietà. Il montaggio evita l’enfasi, mentre il suono ha un ruolo centrale: nel finale, un’inquadratura apparentemente neutra è resa disturbante proprio da ciò che si sente, non da ciò che si vede.
Come già accaduto in Taxi Teheran o No Bears, Panahi fa della semplicità un punto di forza. La messa in scena è scarna, ma ogni elemento — un’inquadratura fissa, un silenzio prolungato, un rumore fuori campo — ha un peso specifico. E se il film prende spunto da un’esperienza personale, Panahi evita l’autobiografismo diretto per costruire un racconto corale, in cui l’Iran contemporaneo è rappresentato attraverso una serie di volti e storie che si intrecciano nella precarietà della sopravvivenza.
Durante la conferenza stampa, Panahi ha parlato apertamente della propria detenzione nella famigerata prigione di Evin, raccontando condizioni di vita al limite dell’umano e interrogatori quotidiani. Ha spiegato come il film sia nato proprio da quella esperienza: «In un certo senso, non sono io ad aver fatto questo film. È la Repubblica Islamica che l’ha fatto, perché mi ha messo in carcere». E ha poi rivolto un pensiero ai colleghi e agli artisti che ancora oggi non possono lavorare: «Oggi sono qui con voi, ma dietro di me c’è un muro. E dietro quel muro ci sono ancora tanti altri che sono rimasti dentro».
Vendetta, giustizia, memoria e trauma senza retorica
Un simple accident è un film che parla di vendetta, giustizia, memoria e trauma, ma lo fa evitando la retorica. È un’opera che pone domande più che offrire risposte, e che racconta un Paese dove i confini tra vittima e carnefice si confondono, dove la verità è sempre filtrata dalla paura e dal dolore. Panahi firma così uno dei film più potenti e necessari della sua carriera: un’opera compatta, etica, politica, ma anche umanissima. E conferma ancora una volta la sua centralità in un cinema che resiste, anche quando tutto sembra spingerlo verso il silenzio.
Il film d’azione ricco di acrobazie The Fall Guyha finora entusiasmato il pubblico, ma The Fall Guy 2 vedrà mai la luce? Basato sull’omonima serie TV degli anni ’80 con Lee Majors, The Fall Guy è ambientato sul set del prossimo blockbuster hollywoodiano, Metalstorm, dove uno stuntman e un regista esordiente diventano inconsapevoli pedine di un piano malvagio ordito da un attore protagonista geloso e da un produttore intrigante. Leggero nella trama e ricco di divertimento, The Fall Guy è tanto un omaggio all’arte poco conosciuta delle acrobazie quanto alla classica serie degli anni ’80.
Questo film esplosivo e ambizioso sul mondo del cinema ha soddisfatto la critica e ha persino recuperato al botteghino dopo un’apertura deludente. Uno dei punti di forza di The Fall Guy è l’intesa tra i protagonisti, con Ryan Gosling che completa perfettamente Emily Blunt in questo film d’azione e commedia. I film di Ryan Gosling hanno portato l’attore dai ruoli più drammatici a quelli più comici, e The Fall Guy è un perfetto esempio della straordinaria versatilità di questo attore di prima grandezza. I film d’azione sono sempre stati il terreno fertile perfetto per i sequel, e The Fall Guy 2 sembra una possibilità concreta.
Ultime notizie su The Fall Guy 2
Gosling conferma la sceneggiatura del sequel
Sebbene l’esercizio di scrittura possa essere stato catartico per Blunt e Gosling, rappresenta la possibilità molto concreta che The Fall Guy 2 possa diventare realtà.
Sebbene non si tratti di un annuncio ufficiale della realizzazione del sequel, le ultime notizie vedono Ryan Gosling rivelare che la sceneggiatura di The Fall Guy 2 è stata scritta. In una recente intervista, Gosling ha lasciato intendere che lui e Blunt hanno scritto una sceneggiatura per un sequel di Fall Guy, in modo da poter “sapere, solo per noi stessi, cosa succede a Colt e Jody.” Sebbene l’esercizio di scrittura possa essere stato catartico per Blunt e Gosling, esso rappresenta la possibilità molto concreta che The Fall Guy 2 possa diventare realtà.
Leggi qui sotto il commento completo di Gosling:
Il sequel si è scritto da solo, in un certo senso. Conosciamo già [la storia] molto bene. Speriamo solo che questo film piaccia abbastanza al pubblico da permetterci di continuare a raccontare la storia di questi personaggi. Li amiamo tantissimo, amiamo questo mondo e sono sicuro che ce la possiamo fare… Oh sì, [abbiamo già una sceneggiatura]. Noi già… voglio dire, amiamo così tanto questi personaggi che volevamo sapere, solo per noi stessi, cosa succede a Colt e [al personaggio di Emily Blunt] Jody dopo la fine del film? Qual è la fase successiva per loro? E sappiamo esattamente di cosa si tratta. Quindi speriamo che anche il pubblico voglia saperlo.
The Fall Guy 2 non è confermato
Ancora nessuna notizia sul sequel
Nonostante tutto sia pronto per un sequel, The Fall Guy 2 non è stato confermato. Con Gosling, Blunt e il regista David Leitch che hanno tutti espresso il desiderio di un sequel, non c’è dubbio che potrebbe realizzarsi. Tuttavia, i dati al botteghino di The Fall Guy saranno un fattore decisivo per il futuro del franchise, ma non sembrano nemmeno così male. Sebbene non sia il successo strepitoso che gli studios avrebbero sperato, i risultati iniziali suggeriscono che è ben lontano dall’essere un flop.
Il cast di The Fall Guy 2
Blunt e Gosling torneranno?
Nonostante sia un film su un grande blockbuster hollywoodiano, il cast principale di The Fall Guy era relativamente piccolo, e alla fine del film era ancora più ridotto. Ci sono solo una manciata di attori che potrebbero tornare per The Fall Guy 2, e quel piccolo ensemble è guidato da Ryan Gosling nel ruolo dello stuntman Colt Seavers ed Emily Blunt nel ruolo della regista Jody Moreno. Se The Fall Guy 2 alla fine vedrà la luce, probabilmente introdurrà una serie di nuovi personaggi e alcuni di essi potrebbero anche rimanere se in futuro ci saranno ulteriori sequel.
La trama di The Fall Guy 2
Ci saranno altre acrobazie nel futuro di Colt?
Gli scioperi di Hollywood del 2023 hanno messo in luce le disparità all’interno della più grande industria di Tinseltown, e un sequel di Fall Guy potrebbe mettere queste questioni al centro dell’attenzione, pur continuando a offrire una storia coinvolgente ed emozionante.
Il finale di The Fall Guy è stato conclusivo e ha risolto tutte le principali trame. Tuttavia, questo non ha mai impedito a Hollywood di sfornare altri sequel, soprattutto con una coppia come Blunt e Gosling che rappresenta una miniera d’oro al botteghino. La trama più probabile di The Fall Guy 2è tratta dalla serie TV e, sebbene condivida il titolo, gran parte del classico degli anni ’80 è stato tralasciato nel primo film. Il sequel potrebbe vedere Colt diventare un cacciatore di taglie che usa la sua esperienza nelle acrobazie per ottenere ricompense lucrative.
D’altra parte, The Fall Guy 2 potrebbe essere un’altra lettera d’amore alla comunità degli stuntman ed esplorare le questioni che devono affrontare coloro che lavorano nell’industria cinematografica in ruoli poco conosciuti. Gli scioperi di Hollywood del 2023 hanno messo in luce la disparità all’interno della più grande industria di Tinseltown, e un sequel di Fall Guy potrebbe mettere queste questioni al centro della scena, pur offrendo una storia coinvolgente ed emozionante.
Cynthia Erivo sostituisce la tunica nera di Elphaba in Wicked con la toga nera di un avvocato difensore e la parrucca grigia nella prima immagine di Prima Facie. L’attrice britannica è stata candidata due volte all’Oscar per i suoi ruoli di Harriet Tubman in Harriet (2019) e di Elphaba in Wicked (2024). Riprende quest’ultimo ruolo in Wicked – Parte Due, in uscita il 21 novembre.
Tramite Variety, è stata rivelata la prima immagine di Cynthia Erivo nell’adattamento cinematografico di Prima Facie. Guardala qui sotto:
Cortesia Embankment Films via Variety
Prima Facie segue Cynthia Erivo nei panni di Tessa Ensler, una giovane e talentuosa avvocatessa britannica che, partendo da un ambiente operaio, ha iniziato a difendere uomini accusati di violenza sessuale. Tuttavia, mentre la sua carriera inizia a decollare, si trova di fronte a una scelta che la costringe a conciliare la sua passione per la legge con la sua spinta personale a cercare vera giustizia.
L’adattamento cinematografico è diretto dalla vincitrice del BAFTA e due volte candidata agli Emmy Susanna White (Bleak House, Jane Eyre, Generation Kill), con una sceneggiatura scritta da Suzie Miller basata sulla sua pluripremiata opera teatrale, interpretata da Jodie Comer e vincitrice dei Laurence Olivier Awards come Miglior Nuova Opera e Miglior Attrice, oltre a un Tony Award come Miglior Attrice.
Oltre all’uscita di un’immagine in anteprima, è stato annunciato il cast di supporto del film. Il cast include Daniel Ings, Elizabeth Dulau, Noma Dumezweni, il candidato agli Emmy Toheeb Jimoh (Ted Lasso), Harry Treadaway, Sarah Junillon, Elliot Levey e il due volte vincitore del BAFTA Simon Russell Beale (The Hollow Crown, A Dance to the Music of Time).
Le riprese dell’adattamento cinematografico di Prima Facie sono terminate a Londra.
La scena post-crediti di The Fall Guy include cameo importanti, ed ecco cosa potrebbero significare per il futuro del franchise. Il film d’azione del 2024 vede protagonisti Ryan Gosling ed Emily Blunt in un remake moderno dell’omonima serie TV degli anni ’80. Il cast di The Fall Guy mantiene l’attenzione su Colt Seavers di Gosling e Jody Moreno di Blunt, mentre le vite dello stuntman e della regista esordiente si intrecciano nuovamente. La trama principale del film segue Colt mentre cerca di trovare il protagonista scomparso del film di Jody, solo per scoprire che fa parte di un piano elaborato da Tom Ryder (Aaron Taylor-Jonson).
Quando The Fall Guy giunge al termine, il pubblico ha seguito il viaggio di Colt e Jody per smascherare il piano di Tom sul set di Metalstorm. Tra acrobazie mozzafiato e scene d’azione, vengono gettate le basi per un potenziale nuovo franchise. Con un’intera serie TV di materiale a cui ispirarsi per i futuri capitoli, le aspettative sul franchise non hanno fatto altro che aumentare la probabilità che The Fall Guy abbia una scena dopo i titoli di coda. A quanto pare, il film utilizza i titoli di coda per diversi scopi.
The Fall Guy ha una scena dopo i titoli di coda
C’è una scena a metà dei titoli di coda
È confermato che The Fall Guy ha una scena dopo i titoli di coda. Il filmato aggiuntivo viene mostrato durante la sequenza a metà dei titoli di coda del film e non c’è una seconda scena dopo i titoli di coda alla fine. Ciò significa che il pubblico deve solo guardare le prime parti dei titoli di coda quando e dove guarda The Fall Guy senza temere di perdersi alcun potenziale sviluppo del franchise. Si consiglia comunque di guardare l’intera sequenza dei titoli di coda per vedere i nomi di tutti coloro che hanno lavorato al film, soprattutto dopo la scena a metà dei titoli di coda di The Fall Guy.
I titoli di coda di The Fall Guy rendono omaggio alla squadra di stuntman
Prima della scena post-titoli di coda, gli spettatori possono godersi il dietro le quinte della squadra di stuntmandi The Fall Guy mentre eseguono le varie scene d’azione. Il film è una lettera d’amore alla comunità degli stuntman sotto molti aspetti, quindi mostrare i controfigura in azione dopo la conclusione del film è un meraviglioso tributo. Ciò consente a The Fall Guy di prendersi una pausa dalla trama del film, dall’impostazione di un franchise o dal collegamento con la serie originale per mostrare l’incredibile team di stuntman che ha dato vita al film.
La scena a metà dei titoli di coda di The Fall Guy riporta in scena le star della serie TV originale
Lee Majors e Heather Thomas tornano
Il contenuto effettivo della scena a metà dei titoli di coda di The Fall Guy è l’occasione per il film di rendere omaggio alla serie TV originale. Dopo le riprese dietro le quinte delle acrobazie, i titoli di coda tornano al finale del film sul set di Metalstorm. La sequenza mostra i poliziotti che arrivano per arrestare Tom e Gail (Hannah Waddingham), con Tom che si fa saltare in aria cercando di chiamare aiuto.
È qui che la scena dei titoli di coda di The Fall Guyinclude i cameo di Lee Majors e Heather Thomas, due dei protagonisti della serie TV originale degli anni ’80.
Nella serie TV The Fall Guy, Lee Majors interpretava Colt Seavers, il ruolo che ora ricopre Ryan Gosling. Heather Thomas interpretava Jody Banks, una stuntwoman che lavorava spesso con Colt. I due erano i protagonisti della serie originale insieme a Howie Munson, interpretato da Douglas Barr. Non si sa perché Douglas Barr non si sia unito a Majors e Thomas per la comparsa. Lee Majors e Heather Thomas non riprendono i loro ruoli nella scena a metà dei titoli di codadi The Fall Guy, poiché i poliziotti che interpretano sono personaggi completamente nuovi. Inoltre, non interagiscono con le nuove versioni dei loro vecchi ruoli ora interpretati da Gosling e Blunt.
Lee Majors ha confermato che apparirà in The Fall Guy nel 2023. Majors è accreditato come The Fall Guy, mentre Thomas è accreditata come Jody Banks, anche se non sembrano essere gli stessi personaggi della serie originale.
Cosa significa la scena dopo i titoli di coda di The Fall Guy per il sequel
Lee Majors e Heather Thomas torneranno?
A differenza della maggior parte delle scene post-crediti dei potenziali franchise, la scena a metà dei titoli di coda di The Fall Guy non ha lo scopo di preparare il terreno per un sequel. Il contenuto della scena viene invece utilizzato per concludere ulteriormente la storia principale, arrivando persino a spiegare il cameo di Jason Momoa in The Fall Guy. Sembra invece che lo scopo principale del tag fosse quello di inserire i cameo di Lee Majors e Heather Thomas.
David Leitch voleva trovare un modo per rendere omaggio alle star originali e includerle nel reboot. Alla fine, il film ha optato per i cameo di entrambi a metà dei titoli di coda.
Il ritorno di Lee Majors e Heather Thomas nei titoli di coda di The Fall Guy non fa probabilmente parte di un piano che prevede ruoli più importanti per loro in un eventuale sequel. I loro nuovi personaggi di poliziotti potrebbero potenzialmente tornare per futuri cameo se venissero realizzati altri film e Colt e Jody continuassero a fare scalpore. Tuttavia, non ci si dovrebbe aspettare che Majors e Thomas abbiano ruoli più importanti in The Fall Guy 2 dopo le loro apparizioni nella scena a metà dei titoli di coda.
È piuttosto sorprendente vedere The Fall Guy utilizzare una scena a metà dei titoli di coda il cui unico scopo non è quello di preparare il terreno per futuri sequel. Questo può però giocare a favore del franchise, poiché lascia la porta aperta a ciò che potrebbe accadere in un sequel. Il primo film avrebbe potuto mettere il franchise in un vicolo cieco con un sequel più diretto nei titoli di coda. È più sicuro per la scena post-titoli di coda di The Fall Guy onorare le star della serie TV originale con cameo e aspettare di vedere se il film avrà abbastanza successo da meritare un franchise prima di stuzzicare il pubblico.
Dal 2008, il Marvel Cinematic Universe ha portato al cinema (e in tv) molti amati eroi e cattivi del mondo dei fumetti. Mentre diversi attori di alto profilo si sono uniti alla timeline dell’MCU negli ultimi due anni, il viaggio potrebbe presto concludersi per un grande beniamino dei fan.
Durante la sua recente apparizione allo Stronger Podcast, Sebastian Stan ha parlato apertamente del suo futuro con i Marvel Studios e di quanto a lungo si vede interpretare Bucky Barnes. La star candidata all’Oscar ha dichiarato: “Devo cercare di offrire qualcosa di diverso rispetto a prima”.
Stan ha continuato: “E non ho mai favorito un ruolo rispetto a un altro. Il materiale Marvel, lo sentirò sempre, fino alla fine dei tempi, [mi] ha davvero aiutato a crescere come persona e come attore, e mi ha insegnato le relazioni”. Il co-protagonista di Falcon & The Winter Soldier ha sottolineato gli aspetti chiave del suo lavoro con star come “Robert Downey [Jr.] e Scarlett [Johansson] e tutte queste persone che ammirava”.
Mentre per lui “era un lavoro. Era una famiglia e mi ha dato un senso di appartenenza, e c’è sempre stato”, Stan ha sottolineato che il suo mandato nel MCU “è stato solo il primo passo per me”. L’attore è stato visto l’ultima volta sul grande schermo nel MCU come parte del cast del film Thunderbolts*.
Il 26 marzo 2025, Sebastian Stan è stato uno dei tanti attori rivelati come parte del cast di Avengers: Doomsday durante la diretta streaming a sorpresa dei Marvel Studios per il capitolo della Fase 6. Le riprese principali di questo capitolo si sono concluse il 19 settembre 2025.
Non è noto se il Bucky di Stan farà parte del cast di Avengers: Secret Wars, poiché le riprese del finale della Fase 6 devono ancora iniziare. Ma con l’ultimo film della Saga del Multiverso che dovrebbe resettare l’MCU, il 2027 potrebbe potenzialmente essere l’ultima volta che molte star di lunga data del franchise, tra cui Sebastian Stan, interpretano i rispettivi personaggi.
Il finale di The Fall Guyrisolve i nodi irrisolti della trama e culmina con un destino scioccante per Tom Ryder. Diretto da David Leitch, il cast di The Fall Guy include Ryan Gosling ed Emily Blunt nei panni rispettivamente dello stuntman Colt Seavers e della regista esordiente Jody Moreno. Sebbene Colt l’abbia lasciata dopo l’infortunio alla schiena che ha quasi posto fine alla sua carriera, lui e Jody hanno riaccendo la loro storia d’amore alla fine del film. Colt e Jody hanno scoperto che Tom non solo era vivo, ma che lui e Gail stavano tramando un piano malvagio per attribuire le loro malefatte a Colt e uscirne indenni.
Jody e Colt reclutano l’intera squadra di stuntman che lavora al film di Jody, Metalstorm, per ottenere la confessione di Tom in modo che Colt non finisca in prigione. Gail fa del suo meglio per fermarli, ma Colt riesce a ottenere la confessione prima che lei voli via in elicottero. Nonostante i cartelli che avvertono che i cellulari sono pericolosi vicino alle aree delle acrobazie esplosive, Tom usa il suo telefono prima di essere portato via dalla polizia e finisce per farsi saltare in aria. Poco dopo, Jody finalmente finisce il suo primo film e il trailer viene presentato in anteprima al Comic-Con.
Colt e Jody smascherano il piano di Tom Ryder nel finale di The Fall Guy
Tutto ciò che accade a Colt è opera di Tom e Gail
Colt e Jody escogitano un piano per smascherare i piani di Tom e Gail usando la debolezza di Tom contro di lui.
Colt sapeva che Tom odiava che gli venisse chiesto se avesse fatto le sue acrobazie; l’attore voleva essere lodato per un lavoro che non aveva fatto. Colt pensò di lasciare che Tom dimostrasse il suo valore mettendolo al volante di un’auto da stunt, spingendolo a confessare di aver ucciso lo stuntman e di aver cercato di incastrare Colt per questo. Questo chiude il cerchio di The Fall Guy, poiché mette in pericolo la vita di Tom come lui ha fatto con Colt all’inizio del film.
Inoltre, Colt scopre che tutto, compresa la sua caduta, è successo a causa di Tom e Gail. Gail, nel frattempo, stava anche cercando di mettere zizzania tra Colt e Jody, allontanandoli ulteriormente in modo che nessuno dei due sospettasse cosa stesse succedendo. Ciò che Gail finì per fare, tuttavia, fu avvicinare Colt e Jody. I teppisti di Tom che tentarono di uccidere Colt e che furono quasi incastrati per omicidio gli fecero davvero vedere le cose in prospettiva. Questo ha insegnato a Colt ad affidarsi a Jody per chiedere aiuto invece di allontanarla.
Cosa succede a Metalstorm dopo la morte di Tom
La produzione del film non si ferma nonostante la morte di Tom
La morte di Tom ha lasciato Metalstorm senza protagonista, ma Jason Momoa ha assunto il ruolo lasciato da Tom, entrando ufficialmente a far parte del cast di The Fall Guy. Anche senza Gail come produttrice, Jody è riuscita a finire il terzo atto del film, che lo studio ha finito per amare. Con Momoa a bordo, Jody è finalmente riuscita a completare Metalstorm senza grossi intoppi, prendendo ispirazione dalla sua vita per la storia. Con il trailer presentato in anteprima al SDCC con grande energia e clamore, Metalstorm era pronto a diventare un grande successo per Jody, realizzando il suo sogno di diventare una regista d’azione.CorrelatiDove guardare The Fall Guy: orari e disponibilità in streamingIl film d’azione con Ryan Gosling ed Emily Blunt è arrivato, ed ecco dove guardare The Fall Guy con gli orari delle proiezioni nelle sale e in streaming da casa.
Perché Gail ha davvero assunto Jody per dirigere Metalstorm
Gail ha usato Jody per i propri scopi
Gail non era una semplice spettatrice nel piano di Tom; credeva semplicemente che l’attore fosse troppo importante per finire in prigione per i suoi crimini, tra cui quello di aver ferito intenzionalmente Colt durante le riprese di un’acrobazia sul set un anno prima. Jody desiderava da tempo diventare regista; aveva solo bisogno di un’occasione per mettersi alla prova. Gail le diede quell’occasione, ma solo perché credeva che Jody fosse una persona facilmente influenzabile, che avrebbe potuto manipolare a suo piacimento.
Gail utilizzò Jody anche per assicurarsi che Tom avesse un film d’azione in cui recitare, soprattutto considerando la sua storia con gli stuntman e il suo comportamento generalmente pessimo. Gail sapeva che riportare Colt sulla scena avrebbe distratto Jody, dandole più tempo per pianificare con Tom. Sfortunatamente per Gail, Jody non era così facile da influenzare. Il seme del dubbio aveva iniziato a germogliare e, nonostante fosse un po’ disillusa, Jody continuava a fidarsi più di Colt che di Gail. Alla fine di The Fall Guy, Jody aveva capito tutto e aveva dimostrato a Gail che non era una con cui scherzare.
Come The Fall Guy si collega alla serie TV originale
Due volti familiari fanno la loro comparsa
La scena a metà dei titoli di coda di The Fall Guy include due cameo di Lee Majors e Heather Thomas, i protagonisti della serie TV originale The Fall Guy. Gli attori interpretano due agenti di polizia che arrivano sulla scena dopo che The Fall Guy ha completato le scene acrobatiche. Nella serie originale, Majors interpretava Colt Seavers mentre Thomas interpretava Jody Banks, una stuntwoman che a volte lavorava con Colt. Anche se Major e Thomas non riprendono i loro ruoli originali, i loro cameo sono un bel omaggio alla serie TV degli anni ’80.
Il finale di The Fall Guy è una dedica agli stuntman
The Fall Guy non solo rende omaggio alle star della serie, ma è anche una lettera d’amore alla comunità degli stuntman. Il finale della commedia d’azione presenta filmati dietro le quinte degli stuntman reali che hanno lavorato al film. Il film stesso rende omaggio al lavoro della comunità degli stuntman di Hollywood, ma il finale di The Fall Guy è una vera e propria dedica allo sforzo che hanno profuso nel film e alle pericolose acrobazie che riescono a compiere, facendo allo stesso tempo fare bella figura agli attori. Il finale rende giustizia alla comunità degli stuntman e mette in luce il loro duro lavoro e il loro impegno.
Come il finale di The Fall Guy prepara il terreno per un sequel
Fall Guy 2 potrebbe esplorare più a fondo il mondo delle acrobazie
The Fall Guy può avere un finale definitivo, che conclude la sua storia e riunisce Colt e Jody, ma ciò non significa che il pubblico non vedrà più i personaggi. Il finale del film mostra quanto si può fare con le acrobazie, e The Fall Guy 2 potrebbe esplorare più a fondo il mondo delle acrobazie e chi ne fa parte. È possibile che Colt, come nella serie originale, diventi un cacciatore di taglie, conciliando questa attività con la sua vita di stuntman. È riuscito a uscire da una situazione in cui era stato incastrato e un sequel potrebbe vederlo mettere a frutto il suo lavoro di stuntman in altri ambiti.
Cosa hanno detto il cast e il regista di The Fall Guy riguardo a un sequel
Il finale diThe Fall Guy non anticipa direttamente un altro film, ma il regista David Leitch è sicuramente interessato a realizzare un sequel della commedia d’azione. Se dipendesse da lui, ne realizzerebbe più di uno. Parlando con Variety, Leitch ha discusso la possibilità di realizzare The Fall Guy 2. Ecco cosa ha detto:
Se il pubblico lo desidera, siamo tutti d’accordo. È stata un’esperienza fantastica per tutti. Ryan ed Emily vogliono tornare, noi vorremmo tornare. Vogliamo realizzarne cinque. È stata una delle migliori esperienze cinematografiche che abbiamo mai avuto. Facciamolo.
Emily Blunt ha condiviso un sentimento simile quando ha parlato di un potenziale sequel di The Fall Guy. Alla fine del film, il suo personaggio ha realizzato il suo sogno di finire il suo primo lungometraggio come regista, e un sequel potrebbe affrontare ciò che succede dopo per Jody. Ecco cosa ha detto Blunt sulle possibilità di un sequel (tramite Total Film):
Se potessi, farei molti Fall Guys. È stato troppo divertente.
Allo stesso tempo, la Blunt ammette che il sequel di The Fall Guy dipende davvero dagli spettatori, poiché lo studio dovrà vedere se “la gente lo ama” o meno. Ryan Gosling rivela lo stesso. Ha detto a Fast Company che lui, Blunt e Leitch “conoscono già la storia” di ciò che comporterebbe un sequel, ma che spetta al pubblico amare abbastanza il film, il che significa che The Fall Guy deve avere successo al botteghino, in modo che possano continuare a giocare nel mondo del film.
Il vero significato del finale di The Fall Guy
Il finale di The Fall Guy rende omaggio a coloro che lavorano nell’ombra di Hollywood e suggerisce che la comunità degli stuntman, proprio come qualsiasi star del cinema, dovrebbe essere sotto i riflettori. In un certo senso, la conclusione di The Fall Guy prende in giro gli attori che non danno il giusto merito ai loro controfigura. Tom passa tutto il film ad arrabbiarsi perché la gente mette in discussione le sue acrobazie, ma fa in modo che i suoi stuntman non gli rubino la scena. The Fall Guyriconosce in definitiva che gli attori non sono nulla senza le loro controfigure e la squadra di stuntman in generale, senza i quali le scene d’azione non funzionerebbero.
Inoltre, il finale di The Fall Guy è una lezione per Colt, che dopo l’infortunio si sentiva come se avesse perso una parte di sé. Colt non sapeva più chi fosse se non faceva acrobazie, ma ha imparato che chi lo amava non lo considerava inferiore per questo. Ha anche capito che non avrebbe dovuto allontanare Jody e che avere qualcuno dalla sua parte era una cosa positiva. Tutto sommato, Colt ha messo da parte il suo orgoglio alla fine di The Fall Guy ed è riuscito ad accettare l’aiuto e l’amore, il che lo ha reso una persona più forte.
Il finale di The Fall Guy include un cameo di un importante attore hollywoodiano che cattura perfettamente il tono meta del film. Il film vede Ryan Gosling nel suo attesissimo seguito al film di maggior incasso del 2023, Barbie. È anche una grande lettera d’amore e un tributo alla storia degli stuntman e delle stuntwoman di Hollywood, con diverse acrobazie spericolate e scorci della magia del cinema dietro le quinte. The Fall Guy è in parte una commedia romantica, in parte una commedia d’azione e al 100% un divertimento che piace al pubblico. Gosling brilla nel cast di The Fall Guy insieme a Emily Blunt e a un cast di supporto stellare composto da Aaron Taylor-Johnson, Hannah Waddingham e Winston Duke.
Nonostante l’accoglienza positiva della critica, The Fall Guy ha deluso al botteghino, incassando meno di 28 milioni di dollari nel weekend di apertura e un totale mondiale di 180 milioni di dollari a fronte di un budget di produzione di 125 milioni di dollari. Anche se The Fall Guy è considerato un flop al botteghino, va considerato anche il fatto che The Fall Guy è attualmente uno dei primi 20 film di maggior incasso del 2024. The Fall Guy ha anche criticato gli Oscar per la mancanza di rappresentanza degli stuntman e ha chiesto l’introduzione di una categoria ufficiale dedicata agli stuntman agli Academy Awards. Inoltre, The Fall Guy ha stabilito un nuovo Guinness World Record per il maggior numero di capriole con un’auto in uno stunt di un film.
Jason Momoa fa un cameo nel finale di The Fall Guy nei panni di se stesso
Momoa è la nuova star del film fittizio Metalstorm
Nel finale di The Fall Guy, Jason Momoa fa un’apparizione a sorpresa. Il film è incentrato sullo stuntman protagonista interpretato da Ryan Gosling, Colt Seavers, alla ricerca della star scomparsa di un film chiamato Metalstorm, diretto dal personaggio di Emily Blunt, Jody. Colt viene coinvolto in una cospirazione che porta alla rivelazione che la star scomparsa, Tom Ryder interpretato da Aaron Taylor Johnson, ha ucciso un altro stuntman. Alla fine, Ryder viene licenziato da Metalstorm e arrestato, aprendo la strada al cameo di Momoa.
Il finale di The Fall Guyrivela che Momoa è l’attore ingaggiato per sostituire Tom Ryder nel ruolo principale del film di Jody. Ciò significa che il primo interpreta una versione meta-fiction di se stesso in The Fall Guy, recitando nel film di Jody, Metalstorm. Poiché la trama di The Fall Guy è autoreferenziale, ingaggiare Momoa per interpretare se stesso si adatta perfettamente al tono del film. La spiegazione del cameo si estende anche alla scena post-crediti di The Fall Guy.
The Fall Guy ha anticipato il cameo di Momoa all’inizio del film, quando Colt trova un post-it di Ryder con scritto “È Momoa o Mamoa?”
Il cameo di Jason Momoa in The Fall Guy prepara il terreno per un ruolo nel sequel
Jason Momoa potrebbe tornare in The Fall Guy 2
Sebbene il cameo di Momoa in The Fall Guy sia di per sé una gag divertente, potrebbe anche preparare il terreno per una storia in The Fall Guy 2. Un sequel di The Fall Guy non è stato confermato, ma l’inclusione di Momoa potrebbe portare a un seguito. Il primo film era incentrato su Colt coinvolto nel dramma della vita di Ryder, qualcosa che potrebbe facilmente continuare se Momoa fosse utilizzato in un sequel. Questo non solo consentirebbe un perfetto duo sullo schermo tra Jason Momoa e Ryan Gosling, ma continuerebbe anche il meta-senso dell’umorismo di The Fall Guy.
Avere Momoa in un ruolo più importante come versione romanzata di se stesso potrebbe portare a una fantastica commedia autoreferenziale. In questo caso, The Fall Guy 2 potrebbe continuare la storia del primo film, con Colt coinvolto negli affari di un attore, anche se con il notevole cambiamento che Momoa non sarebbe il cattivo. Ciò consentirebbe a un potenziale sequel di The Fall Guy di sembrare familiare ma allo stesso tempo fresco, sfruttando al contempo l’esilarante cameo di Momoa nel primo film.
Perché Jason Momoa ha un cameo in The Fall Guy
Sostituisce il personaggio di Aaron-Taylor Johnson nel film immaginario
Jason Momoa interpreta se stesso in The Fall Guy in un momento meta-cinematografico. Viene chiamato a sostituire il personaggio immaginario della star del cinema Tom Ryder, interpretato da Aaron-Taylor Johnson, dopo che Colt Seavers, lo stuntman di Tom interpretato da Ryan Gosling, lo smaschera. Alla fine di The Fall Guy, si scopre che Tom Ryder aveva cospirato con Gail Meyer, la sua fedele e spietata produttrice, per sbarazzarsi di Colt, geloso del fatto che questi gli rubasse la scena durante la produzione del film d’azione fantascientifico immaginario di Jody Moreno, Metalstorm. Dopo che Colt trova Tom, che è “scomparso” sullo yacht di Gail, viene incastrato e quasi ucciso, ma alla fine fa pagare sia Tom che Gail.
Momoa, che è una delle star di grande nome nel blockbuster fantascientifico di Denis Villeneuve del 2021 Dune, sostituisce Tom Ryder dopo che questi viene licenziato dal film di Jody una volta scoperto il complotto suo e di Gail. The Fall Guy si conclude con Tom che muore in un’esplosione e Gail che probabilmente dovrà affrontare accuse penali grazie alla pronta reazione dei personaggi dei poliziotti interpretati da Lee Majors e Heather Thomas, che negli anni ’80 hanno recitato rispettivamente nei panni di Colt e Jody nella serie televisiva Fall Guy. Metalstorm ha già elementi satirici di Dune con i suoi temi fantascientifici e l’ambientazione desertica, il che rende Momoa una scelta esilarante e azzeccata per interpretare il ruolo di Tom nel film fittizio all’interno del film.CorrelatiContinuo a sperare in The Fall Guy 2, affinché la sfortuna di Ryan Gosling ed Emily Blunt con i franchise finiscaThe Fall Guy avrebbe dovuto lanciare un franchise d’azione per Ryan Gosling ed Emily Blunt, e spero che il sequel venga realizzato per porre fine alla loro sfortuna.
Cosa ha detto Jason Momoa sul suo cameo in The Fall Guy
Momoa ha promosso il suo film nel film sui social media
Momoa ha utilizzato Instagram per promuovere The Fall Guy in occasione dell’uscita del film nelle sale all’inizio di maggio 2024. Con il suo nome utente “prideofgypsies” in un post congiunto con “thefallguymovie”, ‘davidmleitch’ e “87northaction”, Momoa ha pubblicato un trailer di Metalstorm che mostrava il suo personaggio vestito in abiti western mentre sparava agli extraterrestri in un deserto polveroso. Momoa ha scritto nella didascalia:
È MOMOA, non MAMOA.
Mahalos Kelly McCormick @kmc_87n e David Leitch @davidmleitch per avermi invitato a partecipare🤍
TUTTI DEVONO VEDERE @thefallguymovie ORA, questo film è il motivo per cui amiamo i film: amore, risate, qualche lacrima e ACROBAZIE, acrobazie da Guinness dei primati una dopo l’altra.
È ora di tornare al cinema. Aloha J
Sebbene Momoa appaia solo per pochi istanti in The Fall Guy, la sua presenza a sorpresa è una delle migliori battute dell’intero film.
Dan Trachtenberg ha dato nuova vita al franchise di Predator, e c’è un personaggio originale che vorrebbe riportare in auge. Da quando si è unito alla serie d’azione fantascientifica con l’acclamato Prey, il regista ha offerto diversi spunti sulla tradizione che circonda la razza aliena omonima, tra cui l’antologia plurisecolare Killer of Killers e l’ambientazione cosmica Badlands.
Ora, in un’intervista con Ash Crossan di ScreenRant per l’uscita di Predator: Badlands, a Trachtenberg è stato chiesto quale personaggio del passato del franchise vorrebbe riportare in vita. Ridendo mentre ammette che la maggior parte sono stati “uccisi in modo piuttosto raccapricciante e brutale” da vari Yautja, ha espresso il suo amore per Billy, interpretato da Sonny Landham nell’originale, pur riconoscendo che lui e il suo team hanno “riportato in vita molti dei nostri personaggi preferiti o hanno creato le condizioni per riportarli in vita”.
La stile di Dan Trachtenberg
Nei suoi tre capitoli, Dan Trachtenberg ha portato un mix di nostalgia e originalità ai suoi film Predator.Prey ha utilizzato ritmi familiari dell’originale con Arnold Schwarzenegger, esplorando al contempo un’epoca e un gruppo di personaggi principali diversi con la sua tribù Comanche, mentre Killer of Killers ha presentato personaggi resilienti che si scontrano con gli Yautja.
Quest’ultimo film, tuttavia, è il più vicino che il franchise abbia mai visto al ritorno di personaggi principali oltre all’alieno del titolo. Il finale di Predator: Killer of Killers ha visto Naru (Amber Midthunder), Mike Harrigan (Danny Glover) e Dutch (Schwarzenegger) tutti in animazione sospesa, aprendo la strada a un loro ritorno in futuro, il primo dei quali era già atteso, dato che negli anni successivi si sono susseguite voci su Prey 2.
Per quanto riguarda Dan Trachtenberg, riportare Billy in vita in una futura storia di Predator è complicato dopo la morte del personaggio nell’originale. Come molte delle vittime degli Yautja, Billy è stato scuoiato e gli sono stati rimossi la spina dorsale e il cranio come trofeo. A questo si aggiunge la scomparsa di Landham nel 2017, a meno che Trachtenberg non cerchi di mostrare conversazioni allucinatorie tra Billy e Dutch, il suo ritorno sarà un’impresa ancora più ardua.
Il prossimo film della saga di Star Wars, Star Wars: Starfighter, è diretto da Shawn Levy e l’uscita nelle sale è prevista per il 28 maggio 2027. Il cast include Ryan Gosling, Flynn Gray, Mia Goth, Aaron Pierre, Simon Bird, Jamael Westman, Daniel Ings, Amy Adams e Matt Smith. Il 28 agosto Lucasfilm ha annunciato l’inizio delle riprese nel Regno Unito, confermando il cast e rivelando una foto in bianco e nero di Gosling e Gray sul set. Sebbene i dettagli della trama e dei personaggi siano ancora segreti, è stato confermato che si tratterà di una storia autonoma ambientata negli anni successivi a L’ascesa di Skywalker.
Ora, durante una conversazione con l’attrice Genevieve Gaunt nella boutique di Paul Smith a Mayfair (tramite A Rabbit’s Foot), l’attore Matt Smith ha rivelato che inizierà le riprese di Starfighter a dicembre. Ha anche parlato di come sta lavorando per definire il costume e l’aspetto generale del suo personaggio. “Sto affrontando questo processo ora per il lavoro che sto per fare. Stiamo cercando di trovare un costume, e a volte non sai se ti piace un costume finché non lo indossi per un paio di giorni”.
“Sto per girare Star Wars a dicembre e stiamo cercando di sviluppare il look per quel film“, ha poi aggiunto l’attore. Quando è stata diffusa la notizia che Smith avrebbe recitato in Star Wars: Starfighter, è stato riferito che avrebbe interpretato un cattivo, e anche Goth avrebbe interpretato un cattivo. Tuttavia, dato che Smith inizierà le riprese solo a dicembre e che il prossimo film di Star Wars è in produzione da agosto, il suo ruolo potrebbe essere meno importante di quanto inizialmente previsto.
Come per ogni cattivo di Star Wars, il costume e l’estetica generale sono essenziali. Prima che Smith inizi le riprese, si sta dunque dedicando del tempo alla finalizzazione di questi elementi. Finora, le uniche foto dal set rilasciate mostrano i personaggi di Gosling e Gray, con un’immagine di loro in mare svelata poche settimane dopo la prima immagine in bianco e nero. Al momento, però, on ci sono ancora state anteprime di Smith, Goth o di qualsiasi altro attore coinvolto nel film.
Cosa sappiamo di Star Wars: Starfighter
Il prossimo film di Star Wars è descritto come un capitolo autonomo dell’iconica saga fantascientifica che si svolgerà cinque anni dopo gli eventi di L’ascesa di Skywalker del 2019. Oltre a Ryan Goslingnel cast ritroviamo Amy Adams, Aaron Pierre, Flynn Gray, Simon Bird, Jamael Westman e Daniel Ings. Gli attori Matt Smithe Mia Goth interpreteranno invece due antagonisti nel film.
Finora, la trama del prossimo film di Star Wars è rimasta segreta. Tuttavia, l’immagine condivisa nel post dell’annuncio sembra suggerire che il personaggio di Ryan Gosling sarà in qualche modo una figura protettrice o mentore del personaggio interpretato da Flynn Gray. Questo evocherebbe una relazione adulto-bambino che è comune in tutta la saga di Star Wars ed è stata al centro di episodi come The Mandalorian, Obi-Wan Kenobi, Skeleton Crew e La minaccia fantasma.
Prima che Predator: Badlands diventasse un team tra Yautja e sitetici Weyland-Yutani, il regista Dan Trachtenberg aveva altre idee entusiasmanti su come rendere, per la prima volta nella storia del franchise, il Predator come protagonista. A un certo punto, tra queste idee, c’era persino una potenziale ambientazione durante la Seconda Guerra Mondiale, un richiamo alle radici paramilitari del film Predator del 1987.
In un’intervista con Ash Crossan di ScreenRant, il regista Dan Trachtenberg ha rivelato che una delle prime idee scartate per Predator: Badlands avrebbe visto gli Yautja affrontare i nazisti. L’idea è nata dal tentativo di Trachtenberg di capire come trasformare il Predator in eroe, il che, se avesse optato per la vittoria degli Yautja contro gli umani, avrebbe significato trovare un gruppo di cattivi per cui il pubblico non avrebbe fatto il tifo:
“In realtà è nato dal tentativo di capire cosa avesse fatto il franchise in precedenza. C’era questo sentimento diffuso tra i fan: ‘Perché il Predator viene sempre massacrato?’. Dovrebbe essere il più grande cacciatore della galassia e lo vediamo sempre perdere!
Così ho cercato di immaginare una storia che abbracciasse la domanda ‘E se vincesse il Predator?’. Ma non volevo solo fare uno slasher in cui alla fine vince il cattivo. All’inizio, pensavo: ‘Beh, forse potrebbe essere lui contro i nazisti o qualcosa del genere’, ma niente di tutto ciò ha funzionato davvero finché non ho trovato il mio equilibrio nel renderlo su un Predator in un clan follemente intenso e brutale che cerca di dimostrare il suo valore.”
Il codice Yautja di Predator li obbliga a dare la caccia agli assassini più pericolosi per ottenere la massima gloria, il che ha portato a una varietà di prede in tutto il franchise. Tra queste, la squadra paramilitare di Predator, la polizia e i cartelli della droga di Predator 2, vari killer esperti in Predators, soldati con disturbo da stress post-traumatico in The Predator, cacciatori Comanche e commercianti di pellicce francesi in Prey e guerrieri di varie epoche in Predator: Killer of Killers. Tuttavia, c’è sempre stato un motivo per tifare almeno per la maggior parte dei personaggi umani.
I progetti di Hollywood sulla caccia ai nazisti come Bastardi senza gloria, Sisu e Hunters di Prime Video hanno riscosso una comprovata popolarità nel corso degli anni, ed è un concetto che si adatterebbe facilmente alla premessa generale di “killer of killers” del franchise di Predator. Sebbene il personale militare abbia spesso avuto un ruolo, sorprende che Predator non abbia ancora presentato un film ambientato nella Prima o Seconda Guerra Mondiale per i territori di caccia degli Yautja.
Tuttavia, Predator: Killer of Killers ha effettivamente toccato l’argomento della Seconda Guerra Mondiale nella sezione “The Bullet” del film antologico. Ambientata nel 1942, quella storia animata era incentrata su un pilota di caccia della Marina statunitense coinvolto in una battaglia con il Pilot Predator che attaccava entrambe le fazioni in guerra. Pertanto, sebbene abbiamo visto brevemente uno Yautja inserirsi in una battaglia in corso, non lo abbiamo mai visto prendere di mira una singola truppa nel mezzo di una delle due guerre mondiali per un intero lungometraggio.
Sebbene Dan Trachtenberg abbia in programma un altro film di Predator dopo Badlands, sembra improbabile che un film live-action sulla caccia ai nazisti durante la Seconda Guerra Mondiale con gli Yautja possa concretizzarsi a breve. Trachtenberg si è concentrato sul portare il franchise dove non è mai stato prima, quindi il prossimo capitolo probabilmente presenterà una premessa con una direzione completamente diversa da quella che avrebbe potuto dare a Badlands.
Alla fine, Trachtenberg ha trovato l’idea giusta per Badlands: immergersi profondamente nella cultura Yautja, trasformare Predator in un protagonista con tratti distintivi e una storia da sfavorito con cui il pubblico può identificarsi, ed evitare di sminuire il suo ruolo eroico rifiutando di includere personaggi umani.
Netflix ha pubblicato il trailer ufficiale di The Abandons, la nuova serie originale che debutterà sulla piattaforma il 4 dicembre 2025. Creata da Kurt Sutter, già autore di Sons of Anarchy, la serie si preannuncia come un dramma western epico e spietato, ambientato nel cuore dell’Ottocento americano e costruito attorno al conflitto tra due famiglie destinate a scontrarsi per il potere, la terra e la sopravvivenza.
La storia di The Abandons ruota intorno a una comunità di pionieri che, ai margini della civiltà, tenta di costruire una nuova vita tra violenza, avidità e ingiustizia. Ma quando le autorità locali e i ricchi proprietari terrieri minacciano di strappar loro tutto, i protagonisti si troveranno costretti a combattere per difendere ciò che amano. Al centro della narrazione due donne forti e carismatiche: Lena Headey, celebre per il ruolo di Cersei Lannister in Game of Thrones, e Gillian Anderson, indimenticabile interprete di The X-Files e The Crown. Le due attrici guidano un cast corale in un racconto di frontiera che esplora la linea sottile tra giustizia e vendetta.
Descritta come una saga “dei ricchi e dei poveri”, The Abandons mette in scena una lotta di classe ambientata nel selvaggio West, unendo il linguaggio visivo del cinema alla profondità emotiva del grande racconto televisivo. Il trailer lascia intravedere paesaggi spettacolari, tensione crescente e una fotografia cinematografica che restituisce tutta la brutalità e la bellezza di un’epoca di frontiera.
Con la regia e la scrittura di Sutter, e due protagoniste d’eccezione, The Abandons si candida a essere uno dei titoli più attesi del catalogo Netflix di fine anno: una storia di potere, famiglia e ribellione che promette di ridefinire il western moderno.
Sono arrivate le prime reazioni aThe Running Man, il film diretto da Edgar Wright e tratto dal romanzo di Stephen King del 1982. La storia segue Ben Richards (Glen Powell), che partecipa a un gioco televisivo mortale chiamato The Running Man, dove lotta per sopravvivere mentre i Cacciatori cercano di trovarlo e ucciderlo.
A poco più di una settimana dall’uscita nelle sale, i critici hanno potuto vedere The Running Man in anteprima, e il consenso generale è che il film è all’altezza delle aspettative. Perri Nemiroff di Collider elogia l’adattamento per essere “più fedele” al materiale originale rispetto alla versione del 1987 con Arnold Schwarzenegger e per concludere in bellezza un anno stellare di adattamenti di King.
Rachel Leishman di The Mary Sue dichiara che “Edgar Wright ha davvero catturato la magia” e ha realizzato “un classico istantaneo” con la sua versione “ricca di azione ed emozioni” del romanzo di King. Jimmy O di JoBlo elogia la performance di Powell e osserva che questo adattamento è “molto diverso” dalla versione del 1987. Riconosce che “è un po’ troppo lungo e con troppi personaggi”, ma riesce comunque a essere “un film che piace al pubblico”.
Kathy Paz di WSVN 7News sottolinea invece la “performance potente” di Powell e il modo in cui rende Richards un protagonista di Stephen King per cui vale la pena tifare, sottolineando anche che il film è “emozionante e adrenalinico, dall’inizio alla fine”. Andrew Korpan di ClutchPoints è impressionato da come questo adattamento migliori il materiale originale, poiché Wright “ha tagliato le parti più deboli del libro e ha persino apportato modifiche e miglioramenti” e “Glen Powell conferisce maggiore umanità a Ben Richards”.
Uno dei punti ricorrenti in queste reazioni è la forza della performance da protagonista di Powell. Sembra non solo rendere giustizia al personaggio di Ben, ma riesce persino a renderlo più umano e degno di essere tifato rispetto al romanzo originale di King. La regia di Wright riceve elogi simili, senza lasciare dubbi sul fatto che il suo approccio funzioni meglio rispetto al film del 1987.
Per quanto impressionanti siano la performance di Powell e la regia di Wright, sembra però esserci il problema che il cast di The Running Man ha troppi personaggi in un film potenzialmente troppo lungo. Oltre a Powell, il cast include Colman Domingo, Josh Brolin, Lee Pace, Jayme Lawson, Michael Cera, William H. Macy, David Zayas e Katy O’Brian.
Con una durata di 2 ore e 13 minuti, non è lungo come molti blockbuster moderni, e non tutti i critici hanno sollevato questioni sul ritmo, compresi quelli che lo hanno trovato forte dall’inizio alla fine. Le reazioni estremamente positive fanno dunque ben sperare per ulteriori recensioni positive prima dell’uscita di The Running Man nelle sale il 13 novembre, insieme alle possibilità che il film diventi un successo al botteghino.
Il creatore di Stranger Things ha appena difeso il calendario di uscita della prossima stagione finale. L’attesa per la quinta stagione di Stranger Things è alle stelle, ma la popolare piattaforma di streaming ha deciso di pubblicare la stagione in tre parti, in concomitanza con tre importanti festività, una scelta che è stata oggetto di critiche.
I primi quattro episodi saranno pubblicati il giorno prima del Ringraziamento, i tre episodi successivi il giorno di Natale e il finale della serie è previsto per la vigilia di Capodanno.
Durante la promozione dell’ultima stagione, il co-creatore di Stranger Things, Ross Duffer, ha difeso Netflix riguardo al piano di uscita in tre parti. Ha ammesso alla rivista SFX Magazine (tramite GamesRadar) di non essere a conoscenza della decisione della piattaforma di streaming di dividere la quarta stagione in due parti, cosa che ha attribuito alla pandemia di COVID-19 e non ai dirigenti di Netflix.
Il programma è stato creato in modo che gli episodi potessero essere pubblicati il prima possibile.
Tuttavia, il programma di pubblicazione in tre parti della quinta stagione di Stranger Things era stato pianificato in anticipo e Duffer ne era a conoscenza ben prima dell’inizio della produzione, il che ha aiutato lui e il co-creatore Matt Duffer a costruire la trama attorno al programma.
Ad esempio, Duffer definisce il Volume 1 (i primi quattro episodi) un “mega-film” con “un proprio climax”. Il finale di metà stagione, ovvero l’episodio 4, si è rivelato l’episodio “più impegnativo”, ancora più del finale della serie, che di per sé era il “più difficile” a “livello emotivo”.
Parlando del finale, Duffer ha ammesso di non piangere molto “se non quando guarda i film della Pixar”, ma la produzione del finale della serie ha fatto piangere il co-showrunner numerose volte durante il processo.
Sono anche entusiasta del primo volume perché, nella quarta stagione, non sapevamo che sarebbe stato diviso in due. Non è colpa di Netflix, non è colpa di nessuno. C’è stata la pandemia e abbiamo finito per dividerla in due in modo da poter pubblicare gli episodi prima. Ma questa volta sapevamo che l’avremmo divisa in due, quindi è davvero in due parti. Il volume uno è davvero un mega-film a sé stante. Ha un suo climax.
L’episodio quattro è stato il più impegnativo che abbiamo mai realizzato, compreso il finale, anche se a livello emotivo il finale è stato il più difficile. Non so quanti giorni mi sono ritrovato a piangere, e non sono una persona che piange molto spesso, a parte quando guardo i film della Pixar.
Foto Credits Netflix
La maggior parte delle serie Netflix rilascia un’intera stagione in una volta sola, un modello che è diventato noto come binge-watching. Questo è stato il modello seguito dalle prime tre stagioni di Stranger Things.
Tuttavia, la stagione 4 è stata divisa in due parti, con il Volume 1 pubblicato il 27 maggio e il Volume 2 in uscita il 1° luglio. Come ha detto Duffer, l’unico motivo per cui hanno adottato questo programma è stato quello di consentire al pubblico di tornare a guardare Stranger Things il più presto possibile dopo i ritardi causati dalla pandemia.
La stagione 5 di Stranger Things seguirà un programma di pubblicazione in più parti simile. La differenza principale questa volta è che il finale della serie avrà una data di uscita propria, il 31 dicembre, insieme a un’uscita simultanea nelle sale cinematografiche.
Un altro cambiamento unico per la stagione finale è l’orario di uscita. La maggior parte dei programmi Netflix esce a mezzanotte, ora del Pacifico, ma ogni serie di episodi, compreso il finale della serie, della stagione 5 di Stranger Things sarà disponibile in streaming a partire dalle 20:00 ET/17:00 PT.
Negli ultimi anni, Netflix ha sperimentato diversi modelli di distribuzione. La seconda stagione di Wednesday, ad esempio, è stata divisa in due parti, con gli ultimi quattro episodi distribuiti circa un mese dopo i primi quattro. Netflix ha ricevuto molte critiche sui social media per questa strategia di programmazione, e le reazioni negative sono state riprese per Stranger Things.
Gli spettatori televisivi sono solitamente abituati a due formule: la pubblicazione dell’intera stagione in una volta sola e la pubblicazione di un episodio alla settimana (come sulle reti televisive tradizionali). Sembra che molti abbonati ai servizi di streaming non siano soddisfatti delle programmazioni in due o tre parti.
Stranger Things Stagione 5, i dettagli
Il cast della quinta stagione vedrà il ritorno di tutti i volti principali. Millie Bobby Brown sarà ancora Undici, pronta a usare i suoi poteri in una battaglia decisiva. Fanno poi parte del cast Finn Wolfhard (Mike), Noah Schnapp (Will), Gaten Matarazzo (Dustin), Caleb McLaughlin (Lucas), Sadie Sink (Max) e Natalia Dyer (Nancy), Joe Keery (Steve), Charlie Heaton (Jonathan), Maya Hawke (Robin), Winona Ryder(Joyce) e David Harbour (Hopper). Grande attesa anche per il ritorno di Jamie Campbell Bower nel ruolo di Vecna/Henry, ancora più potente e vendicativo.
La star di American Horror StorySarah Paulson ha rivelato quale stagione della serie antologica horror di Ryan Murphy non le è piaciuta molto. Sebbene la puntata fosse popolare tra molti fan, l’attrice ha detto che semplicemente non faceva per lei.
Nel programma di Andy Cohen Watch What Happens Live, a Paulson è stato chiesto quale stagione di American Horror Story fosse quella che le era piaciuta meno. La veterana della serie ha esitato a rispondere all’inizio: “Sarà controverso perché molte persone lo adorano”. Tuttavia, alla fine ha deciso di rivelare quale delle 12 stagioni esistenti avrebbe potuto fare a meno, Roanoke.
Roanoke è il sesto capitolo della serie horror. Girava attorno alla colonia reale di Roanoke (ora Outer Banks della Carolina del Nord) che scomparve tra il 1587 e il 1590. La prima metà della stagione è stata pubblicata come un mockumentary, My Roanoke Nightmare.Raccontava le attività paranormali che tormentavano una coppia nella loro casa nella Carolina del Nord.
La seconda metà era uno show di follow-up intitolato Return to Roanoke: Three Days in Hell. Essenzialmente era presentato come un film found footage con il cast del documentario originale. E, nel tipico stile di American Horror Story, gli attori iniziano lentamente a sperimentare attività soprannaturali reali mentre i confini tra realtà e finzione si confondono.
Roanoke vedeva la partecipazione di moltiveterani di American Horror Story, come Paulson, Kathy Bates, Lily Rabe, Evan Peters, Angela Bassett, Denis O’Hare, Wes Bentley e Cheyenne Jackson. Sono presenti anche alcuni nuovi arrivati nella serie, Cuba Gooding Jr. e Andre Holland.
Un’altra rivelazione sorprendente su Watch What Happens Live è che, a quanto pare, né Cohen né Paulson sapevano che Murphy avesse già annunciato il cast della tredicesima stagione di American Horror Story. Il conduttore ha chiesto all’attrice se avrebbe mai preso in considerazione l’idea di tornare nella serie, e lei ha risposto di sì. Cohen le ha poi chiesto se avrebbe partecipato alla prossima stagione, e lei ha risposto: “Forse”.
Il finale della settima stagione ha portato alla conclusione la longeva serie fantasy della ABC Once upon a time (C’era una volta): ecco cosa è successo nell’ultimo episodio. Le prime sei stagioni di Once upon a time (C’era una volta) erano incentrate su Emma Swan e sulla strana e meravigliosa cittadina di Storybrooke, nel Maine, ma la serie ha preso una nuova direzione dopo che la maggior parte dei personaggi ha ottenuto il proprio lieto fine con la rimozione dell’ennesima maledizione nel finale della sesta stagione.
La settima stagione di Once upon a time (C’era una volta) è stata una sorta di soft reboot, con la maggior parte del cast originale che ha lasciato la serie. L’attenzione si è spostata su Henry Mills, ormai adulto, che vive sotto una nuova maledizione nel quartiere Hyperion Heights di Seattle, e sugli sforzi di sua figlia Lucy per aiutarlo a ricordare chi è veramente.
Negli episodi che precedono il finale della settima stagione, è stato rivelato un altro colpo di scena di Once upon a time (C’era una volta): Eloise (alias Madre Gothel) aveva lanciato una maledizione che ha riportato indietro nel tempo i personaggi. Ciò significa che la linea temporale della settima stagione si svolgeva in realtà in concomitanza con gli eventi del primo episodio della settima stagione, in cui il giovane Henry viveva ancora a Storybrooke.
Henry rompe la maledizione e si ricongiunge con Lucy e sua moglie Ella, ma i festeggiamenti durano poco con l’arrivo di Rumplestiltskin dal Regno dei Desideri, che porta via la sua famiglia nel Regno dei Desideri. Nell’episodio finale di Once upon a time (C’era una volta), “Leaving Storybrooke”, viene rivelato che Rumple del Regno dei Desideri intende mandare tutti in regni separati per vivere finali infelici con l’aiuto del giovane Sir Henry, con cui ha stretto un accordo.
Nel frattempo, Henry adulto è bloccato in una prigione a forma di palla di neve con Lucy, Ella, Hook e Weaver, ma vengono liberati con l’aiuto di Robin e Alice. Il vendicativo Sir Henry vuole la testa di Regina, di cui ha bisogno per aiutare Rumple del Regno dei Desideri a condannare i personaggi a un finale infelice. Regina e il giovane Henry si affrontano in un duello con la spada che apre i portali verso i regni separati, ma fortunatamente Regina riesce a convincere Henry che lo ama, riportandolo alla ragione e chiudendo i portali.
In un altro momento del finale di Once upon a time (C’era una volta), Hook salva sua figlia Alice dall’essere risucchiata nel portale, ma l’eroica azione riempie il suo cuore di veleno, con grande gioia di Rumple del Regno dei Desideri, che sfida il suo alter ego Weaver a distruggerlo. Weaver strappa il proprio cuore e lo dà a Hook, riportandolo indietro dall’orlo della morte e distruggendo sia Rumple del Regno dei Desideri che Weaver, che finalmente si ricongiunge con Belle nell’aldilà.
Con il malvagio Rumplestiltskin sconfitto, Regina lancia un’altra maledizione, ma questa volta per amore, che unisce tutti i regni delle fiabe a Storybrooke. Le scene finali del finale della settima stagione di Once upon a time (C’era una volta) sono ambientate qualche tempo dopo e vedono Regina sorpresa da un’incoronazione che rivela che i cittadini dei vari regni hanno deciso di incoronarla Regina Buona dei Regni Uniti, ottenendo finalmente il suo lieto fine.
Aggregate Films e August Night stanno producendo il film di genere crime Evil Genius, con Patricia Arquette eDavid Harbour come protagonisti e Courteney Cox alla regia. Ispirato all’acclamata serie di documentari true crime di Barbara Schroeder e Trey Borzillieri, la sceneggiatura è stata scritta da Courtenay Miles, candidata al WGA.
Il film esplora la vera storia del famigerato caso del “pizza bomber”, che si addentra nella storia più profondamente umana dell’inganno, della disperazione e del confine tra vittima e criminale. Nel cast figurano anche Michael Chernus, Garrett Dillahunt, Danielle MacDonald, Tom McCarthy, Gregory Alan Williams, Ryan Eggold, Owen Teague e Harlow Jane.
August Night finanzierà e produrrà il film con Jason Bateman, Michael Costigan e John Buderwitz con la loro Aggregate Films. Cox è anche produttrice. La produzione è attualmente in corso nel New Jersey.
“Sono rimasto affascinato da Evil Genius fin dalla prima volta che ho visto il documentario”, ha detto Courteney Cox. “È più strano della finzione. A tratti è cupamente divertente, ma allo stesso tempo profondamente emozionante. Una storia d’amore, solitudine, manipolazione e di persone ai margini che vengono trascinate in qualcosa di molto più grande di loro”.
Il regista di Predator: Badlands, Dan Trachtenberg, ha spiegato come il montaggio finale abbia sbalordito James Cameron dopo un’incredibile conversazione tra i due. La storia di Predator: Badlands porta il franchise in una direzione completamente nuova, concentrandosi su un giovane Yautja caduto in disgrazia di nome Dek, alla ricerca di una famosa bestia da uccidere per dimostrare il suo valore alla famiglia.
Il concetto di un Predator come protagonista è unico per il franchise. Ma è un’idea che Trachtenberg è stato incoraggiato da Cameron a perseguire. Parlando con The Hollywood Reporter, il regista ha spiegato come ha contattato Cameron per la sua idea di Predator: Badlands prima dell’inizio dello sviluppo. Il regista più esperto lo incoraggiò a perseguire l’idea, dicendo che pensava potesse funzionare:
“Mi considero incredibilmente fortunato, e probabilmente è in gran parte merito del fatto che entrambi abbiamo girato film con gli stessi collaboratori alla 20th Century Fox. Lui vide Prey e gli piacque molto, quindi eravamo rimasti in contatto. E quando andai in Nuova Zelanda per iniziare a preparare Badlands, mi invitò a vedere cosa stava facendo a Wellington. Così trascorsi un po’ di tempo con lui sul set e in sala montaggio [di Avatar: Fuoco e Cenere]. In sala montaggio, gli raccontai la cosa folle che stavamo facendo, il modo folle in cui la stavamo facendo, e quanto sarebbe stata una novità assoluta per il franchise e una novità per me come regista.
Poi andammo a cena separatamente, e quando entrò e si sedette, disse: “Stavo solo pensando a quello che stai facendo, e penso che funzionerà”. Così, con tutto quel vento in poppa, sono tornato ad Auckland per dirlo alla mia troupe. La benedizione di quell’uomo, che ha affrontato sfide davvero impossibili e le ha portate a termine, è stata assolutamente incredibile.”
Tuttavia, solo quando Trachtenberg ha mostrato il montaggio finale a Cameron, questi ha rivelato di non essere stato molto sicuro del film all’inizio. Ma ha detto a Trachtenberg di “avercela fatta”. Il regista di Predator: Badlands ha paragonato la dichiarazione di Cameron a qualcosa che aveva bisogno di sentirsi dire in quel momento per rendere il film il migliore possibile:
“Poi abbiamo condiviso il montaggio con lui quando non era ancora pronto. C’erano alcune domande specifiche che avevo in mente e volevo vedere se poteva darci qualche suggerimento utile. Così ha visto il film un paio di mesi fa e mi ha detto: “Devo essere onesto con te. Quando ho sentito per la prima volta cosa stavi facendo, non pensavo che avrebbe funzionato. Ma santo cielo, ce l’hai fatta.” O non ricordava quella prima conversazione che per me ha significato molto, oppure sa davvero cosa ha bisogno di sentirsi dire da qualcuno nella mia posizione per ottenere risultati. Credo che sia più quest’ultima ipotesi. Quindi ci ha dato la carica al momento giusto, e ho dovuto assicurarmi di ringraziarlo in modo speciale.”
La storia di Trachtenberg indica che il regista di Avatar: Fuoco e Cenere voleva incoraggiarlo con Predator: Badlands, perseguendo l’idea nonostante il rischio che comportava. Il film è un punto di forza della saga, sia per il personaggio principale Yautja, sia per la sua classificazione PG-13. Affronta anche elementi fantascientifici più intensi rispetto a qualsiasi altro film precedente.
La visione di Trachtenberg per il franchise di Predator lo ha portato in direzioni molto diverse e uniche. Dall’ambientazione di Prey nel 1700 a Predator: Killer of Killers che evidenzia vari momenti storici attraverso un’antologia animata connessa, il regista ha trasformato la serie in un franchise di fantascienza unico. L’incoraggiamento di Cameron per Badlands ha senza dubbio contribuito a questa impresa più ampia.
Con l’uscita di Predator: Badlands ormai alle porte, il sigillo di approvazione di Cameron aumenta l’attesa per un capitolo già di per sé eccezionale del franchise. Dato che Trachtenberg è apparentemente riuscito a sfruttare al meglio le qualità uniche del film, sembra che sarà un capitolo memorabile e adrenalinico della serie di fantascienza. Potrebbe persino aprire le porte a storie più avvincenti e originali in futuro.
Il film Serenity – L’isola dell’inganno spiegava che nulla era come sembrava e si concludeva con un finale a sorpresa diverso da quasi tutti gli altri. Il film di Steven Knight, stroncato dalla critica, sembrava un thriller tradizionale, ma un colpo di scena nell’atto finale sconvolge la struttura narrativa. Serenity – L’isola dell’inganno inizia con un primo piano degli occhi di un ragazzino, e da lì l’attenzione si sposta immediatamente su Matthew McConaughey nei panni di Baker Dill, una guida di pesca. Quando l’ex moglie di Baker, Karen (Anne Hathaway), si presenta, gli fa un’offerta che lui non può rifiutare.
Vuole che Baker uccida il suo marito violento, Frank (Jason Clarke), durante una battuta di pesca programmata. Baker è più interessato a essere un buon padre per suo figlio e a comunicare con lui attraverso mezzi apparentemente telepatici. Dati gli elementi noir di Serenity – L’isola dell’inganno, la narrazione suggerisce che il libero arbitrio di Baker determina in ultima analisi il risultato. Tuttavia, il colpo di scena principale è che Baker è controllato da qualcun altro e che Plymouth Island è una simulazione al computer. In questo mondo, Serenity – L’isola dell’inganno non è solo una barca e Justice non è solo un pesce.
Serenity – L’isola dell’inganno parla di un videogioco di pesca ricodificato per vendetta
Il figlio di Baker ha creato il gioco basandosi sui ricordi di suo padre
In tutto Serenity – L’isola dell’inganno, Baker parla con suo figlio assente, suggerendo che esiste un forte legame tra loro e che alla fine si riuniranno; un’immagine surreale di Baker che incontra un ragazzo sott’acqua si allinea con la sua storia. Nel frattempo, il nemico di Baker, Frank, parla del suo figliastro e di come gli piaccia giocare ai videogiochi, con il film che taglia ripetutamente su un adolescente che crea un codice nella sua stanza (mentre gli adulti litigano nelle vicinanze).
La carta jolly di Serenity – L’isola dell’inganno è il misterioso uomo d’affari interpretato da Strong, Reid Miller. Durante una notte di pioggia battente, raggiunge Baker e, dopo aver bevuto un po’ di alcol, gli rivela un’informazione cruciale. Il suo obiettivo principale è vendere a Baker una nuova attrezzatura da pesca, ma prima gli offre una prova gratuita. Quando Baker insiste con Reid sulle sue intenzioni, lui esclama: “Io sono le regole”. Alla fine, Baker scopre di vivere in un mondo videoludico creato da suo figlio Patrick (Rafael Sayegh).
La compulsione di Baker per la pesca è solo un tratto del suo carattere, un pezzo di codice informatico.
L’obiettivo principale viene modificato. La compulsione di Baker per la pesca è solo un tratto del suo carattere, un pezzo di codice informatico. Patrick decide di cambiare drasticamente “le regole” per realizzare la fantasia di uccidere il suo patrigno violento nella vita reale. Nella simulazione, il protagonista Baker, ora consapevole di sé, è destabilizzato dal codice in continua evoluzione, senza sapere se pescare o uccidere. Una volta che Patrick completa il nuovo codice, Baker esegue il comando.
È in parte aiutato da un nuovo personaggio che sembra essere una versione simulata del creatore del videogioco: Patrick. In Serenity – L’isola dell’inganno, Baker trova Justice e Frank, la versione simulata del patrigno di Patrick, intraprende un viaggio finale verso Justice. Ma questa non è la rivelazione finale di Serenity: l’ispirazione nella vita reale di Baker, il padre di Patrick, è deceduto. È stato ucciso durante il servizio militare in Iraq. Baker rappresenta una versione idealizzata di ciò che avrebbe potuto essere.
Patrick uccide il suo patrigno nella realtà alla fine di Serenity – L’isola dell’inganno
Patrick pugnala l’uomo con un coltello
Per la maggior parte di Serenity – L’isola dell’inganno, Patrick usa il libero arbitrio in un mondo di sua creazione. Agli occhi dello spettatore, può sembrare un ragazzo impotente, costretto a sopportare la violenza che si svolge nella stanza accanto. Come molti bambini in situazioni simili, Patrick si rifugia nella sua “compulsione” personale, trasferendo così la sua energia alla versione simulata del padre defunto. Attraverso Baker, Patrick può vedere sua madre e suo padre riunirsi. Può infondere la sua influenza creativa per manipolare un mondo personalizzato.
Ma quando il cablaggio del cervello di Patrick cambia in Serenity, i suoi concetti creativi diventano una fantasia oscura e contorta. Dare a Baker il libero arbitrio di uccidere Frank non è sufficiente. Patrick trasferisce invece il potere di Baker a se stesso, nel mondo reale, e il creatore del gioco alla fine lascia il suo computer per cercare giustizia nella vita reale. Serenity – L’isola dell’inganno non finisce con la libertà di Patrick nella vita reale, anche se lui sperimenta la salvezza nella sua mente (ne parleremo più avanti).
Il presagio del colpo di scena del videogioco Serenity – L’isola dell’inganno
Il film lo prepara fin dalla prima scena
Fin dall’inizio, Serenity – L’isola dell’inganno preannuncia un mondo simulato. Naturalmente, c’è la scena iniziale, in cui il pubblico viene trasportato nella mente di un ragazzino, Patrick. Quando Baker appare per la prima volta, tuttavia, non c’è alcuna indicazione che ciò che viene presentato sullo schermo non sia reale. Baker sembra essere un altro pescatore scontroso, appassionato del proprio lavoro. In questo senso, l’introduzione di Baker è universalmente riconoscibile, poiché fallisce mentre fa qualcosa che ama; non riesce a catturare il pesce grosso, Justice.
Baker DIll è l’eroe, Duke il compagno, Karen la femme fatale, Frank il cattivo e Constance l’interesse amoroso idealizzato.
C’è qualcosa che non va nelle scene terrestri di Serenity – L’isola dell’inganno. I personaggi non sembrano avere molta profondità; parlano per cliché. Inoltre, il personaggio di McConaughey viene ripetutamente chiamato con il suo nome completo, Baker Dill. Col senno di poi, gli archetipi noir hanno senso perché i personaggi non dovrebbero avere molta profondità; sono solo versioni appena velate degli archetipi del genere: Baker Dill è l’eroe, Duke il compagno, Karen la femme fatale, Frank il cattivo e Constance l’interesse amoroso idealizzato.
Inoltre, Karen fa riferimento al “mondo reale” quando parla di Facebook. A quel punto, Serenity – L’isola dell’inganno suggerisce che questi personaggi vivono in un mondo parallelo, per quanto sottile possa essere. Mentre offre 10 milioni di dollari a Baker, Karen riconosce il motivo per cui è lì: fare un’offerta che il suo ex marito non può rifiutare. Più tardi, un personaggio secondario dice a Baker che è solo nella sua testa, e Duke, l’amico fedele, ribadisce alcune regole che Baker deve seguire.
In questa simulazione, Baker ha davvero un passato legato all’Iraq. E durante un momento di riflessione, afferma di “non essere davvero tornato”. Man mano che Serenity – L’isola dell’inganno procede, diventa evidente che nessuno dovrebbe morire nella simulazione di Patrick, il che spiega la confusione collettiva dei personaggi quando il creatore inizia a lavorare su un nuovo codice, contemplando nel contempo il proprio libero arbitrio.
A completamento delle anticipazioni del dialogo, Serenity – L’isola dell’inganno utilizza motivi visivi per sostenere i tropi di genere, associando i personaggi a colori specifici. Plymouth Island è ricca di rossi, verdi, bianchi e blu intensi, che si abbinano al design della stanza di Patrick. Quando Baker accetta di far parte di una simulazione, chiede a qualcuno la posizione esatta dell’isola nel mondo. Nella successiva scena della telefonata, la combinazione di colori è rosso, bianco e blu, in linea con la posizione geografica di Patrick, gli Stati Uniti.
Cosa significa davvero il finale di Serenity – L’isola dell’inganno
Nella sequenza finale di Serenity – L’isola dell’inganno, il film rende omaggio alle influenze del genere cinematografico, ma allo stesso tempo lancia un messaggio più ampio. Quando Baker parla al telefono con suo figlio, è qui che Serenity si presta a diverse interpretazioni, a seconda delle esperienze personali dello spettatore. Da un certo punto di vista, il finale di Serenity sembra suggerire che Patrick abbia accettato la morte di suo padre, il che a sua volta è correlato a un nuovo inizio e alla vita stessa.
Quando i due si incontrano su un molo nell’ultima scena, Patrick indossa una camicia rosso vivo e Baker ora ne indossa una blu vivo. Ciò implica che Patrick non è fuori dai guai, per così dire, ha sicuramente dei problemi legali (il rosso simboleggia i guai). E per Baker c’è un senso di chiarezza, evidenziato da una tonalità di blu intenso. Ma soprattutto, i due sono insieme, circondati da una luce bianca brillante.
Serenity solleva anche interrogativi sulla teoria della simulazione, l’idea che il mondo sia controllato da un potere superiore, un Dio tecnologico. L’autore Chuck Klosterman affronta questo concetto nel suo libro del 2016 But What If We’re Wrong?: Thinking About the Present As If It Were the Past, in cui discute l’idea che la vita come la conosciamo sia semplicemente la creazione di un ragazzo come Patrick di Serenity – L’isola dell’inganno, qualcuno che vive nel futuro e mette in scena varie simulazioni e fantasie. La giustizia assume molte forme e Serenity – L’isola dell’inganno può significare molte cose.
Altri film con finali simulati
Ci sono diversi film in cui l’intera trama ruota attorno a una simulazione al computer. L’esempio più evidente è Matrix. In quel film, non è la fine ad essere una simulazione, ma l’inizio. Tuttavia, con il proseguire della serie, ci si è chiesti cosa fosse reale e cosa fosse simulato. Ci sono persino indizi in Matrix: Resurrections che anche il mondo reale e la ribellione fossero simulazioni al computer per tenere gli umani occupati a pensare di liberarsi mentre i computer rimanevano al comando.
The Truman Show era l’esempio perfetto di un intero film che era una simulazione.
Pur non essendo una “simulazione al computer”, The Truman Show era l’esempio perfetto di un intero film che era una simulazione.
In questo film, Jim Carrey interpreta Truman Burbank, un uomo che vive una vita ideale. Tuttavia, presto si rende conto che qualcosa potrebbe non essere giusto. Alla fine scopre che la sua vita è falsa. Vive in una città dove tutti gli altri sono attori e la sua intera vita è uno dei programmi televisivi più seguiti al mondo. È l’unico a non sapere di vivere in un mondo fantastico.
Duncan Jones ha creato un film che utilizza una simulazione per risolvere un crimine. In Source Code, Jake Gyllenhaal interpreta il capitano dell’esercito americano Colter Steven. Sale su un treno e poi, con suo grande orrore, si rende conto che c’è una bomba. Il treno esplode e lui muore. L’unico problema è che si sveglia e sale di nuovo sul treno. Ben presto, Colt scopre di essere un soldato che è stato quasi ucciso, ha perso gran parte del suo corpo ed è tenuto in vita da macchine per scoprire chi ha piazzato la bomba sul treno. A differenza di Serenity – L’isola dell’inganno, quando Colt capisce cosa sta succedendo, decide di cambiare le cose.
Jennifer Lawrence, Emma Stone e Cole Escola stanno unendo le forze per dare a Miss Piggy il trattamento da star del cinema.
Secondo fonti ben informate, la Disney, che detiene i diritti dei Muppets, sta sviluppando un film sulla capricciosa diva pupazzo. Il personaggio iconico, creato negli anni ’70 da Bonnie Erickson e Frank Oz, non è mai stato protagonista di un lungometraggio. Lawrence e Stone saranno i produttori insieme a Escola, vincitore di un Tony Award per la loro commedia di successo a Broadway “Oh, Mary!”, che scriverà la sceneggiatura.
“Non so se posso annunciarlo, ma lo farò comunque… Emma Stone e io stiamo producendo un film su Miss Piggy e Cole lo sta scrivendo”, ha rivelato Lawrence nel podcast “Las Culturistas”, condotto da Bowen Yang e Matt Rogers. Dopo che i co-conduttori hanno urlato di gioia e chiesto se le amiche di lunga data Stone e Lawrence avrebbero recitato insieme nel film, Lawrence ha scherzato: “Penso di sì. Dobbiamo farlo… È assurdo [che non abbiamo mai fatto un film insieme]”.
Lawrence ha anche raccontato di aver pensato di portare il suo talento a Broadway per “Oh, Mary!” e di aver voluto interpretare il personaggio principale, Mary Todd Lincoln. La commedia gonzo è ambientata nei giorni precedenti l’assassinio di Lincoln e immagina l’ex first lady come un’aspirante star del cabaret alcolizzata. (“L’intera cosa è uno scherzo di cui lei è complice”, ha detto Lawrence. “Mi sentivo come se potessi diventare famosa e stare al gioco”). Tuttavia, ha cambiato idea dopo aver considerato la routine estenuante di otto spettacoli a settimana del Great White Way.
“Non credo che sarei brava [nel teatro]… è tutta una questione di corpo e voce”, ha detto Lawrence, che attualmente sta promuovendo il suo nuovo film “Die My Love”, un dramma psicologico con Robert Pattinson. “L’unica volta che ho voluto fare teatro è stato quando ho voluto fare ‘Oh, Mary!’. Mi hanno detto: ‘Sono otto spettacoli a settimana e sei settimane di prove’. Io ho risposto: ‘Avete un asilo nido lì?’. Non avrebbe funzionato”.
Come già accaduto in Taxi Teheran o No Bears, Panahi fa della semplicità un punto di forza. La messa in scena è scarna, ma ogni elemento — un’inquadratura fissa, un silenzio prolungato, un rumore fuori campo — ha un peso specifico. E se il film prende spunto da un’esperienza personale, Panahi evita l’autobiografismo diretto per costruire un racconto corale, in cui l’Iran contemporaneo è rappresentato attraverso una serie di volti e storie che si intrecciano nella precarietà della sopravvivenza.
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