Sarà disponibile dal 15 novembre su RaiPlayLast Swim, l’esordio cinematografico del regista britannico Sasha Nathwani, presentato in anteprima mondiale alla 74ª edizione del Festival Internazionale del Cinema di Berlino nella sezione Generation 14plus. Il film, accolto con entusiasmo da pubblico e critica, si è distinto per la delicatezza con cui ritrae l’adolescenza contemporanea e per la capacità di esplorare temi come l’identità culturale, il senso di appartenenza e la paura del futuro in una Londra multiculturale e vibrante.
Ambientato durante un’estate assolata, Last Swim racconta l’ultima giornata di libertà di Ziba, un’adolescente anglo-iraniana brillante e sensibile che si trova di fronte a una scelta capace di cambiare per sempre la sua vita. È il giorno dei risultati degli esami di maturità, e Ziba, unica del suo gruppo ad aver ottenuto voti eccellenti, decide di attraversare la città con i suoi amici Tara, Shea, Merf e Malcolm per festeggiare l’inizio di una nuova fase. Tra corse nei parchi, bagni nel fiume e la trepidante attesa per un raro evento astronomico, la giovane vive il suo “ultimo tuffo” nell’adolescenza, cercando di affrontare il segreto che la tormenta e la paura di crescere in un mondo incerto.
Last Swim è un racconto di formazione intenso e visivamente potente, che unisce la leggerezza dei momenti di amicizia alla malinconia del cambiamento. Nathwani — nato a Londra da madre iraniana e padre indiano, laureato alla Tisch School of the Arts di New York — firma la regia e la sceneggiatura insieme a Helen Simmons, dando vita a un’opera nata durante la pandemia, capace di riflettere il senso di sospensione e vulnerabilità di un’intera generazione.
«Questo film parla di controllo, di perdita e di come i nostri sogni e le nostre scelte cambino quando gli anni più importanti ci vengono sottratti», ha raccontato il regista. «Ziba rappresenta la tensione tra la voglia di vivere e l’impulso di fuggire dal dolore. È una storia di speranza, di crescita e di resilienza».
Il cast vede protagonista Deba Hekmat nel ruolo di Ziba, affiancata da Narges Rashidi, Denzel Baidoo, Solly McLeod, Lydia Fleming, Jay Lycurgo e Michelle Greenidge. La fotografia è firmata da Olan Collardy, il montaggio da Stephen Dunne, le scenografie da Julija Fricsone-Gavriss, i costumi da Natalie Caroline Wilkins, le musiche originali da Federico Albanese e il suono da George Castle.
Il film è prodotto da Campbell Beaton, Bert Hamelinck, Nisha Mullea, Sorcha Shepherd, Helen Simmons e James Isilay per Caviar London e Pablo and Zeus, con la presentazione di Screencrib e la collaborazione dei produttori esecutivi Ruby Walden, Kelly Peck, Jess Ozeri, Max Fisher e Liam Johnson.
Con il suo sguardo intimo e autentico, Last Swim si impone come uno dei titoli più promettenti del cinema indipendente europeo e segna l’inizio di un percorso autoriale da seguire con grande attenzione.
George Clooney è uno dei nomi e dei volti più riconoscibili di Hollywood, quindi è ironico che lui stesso si descriva come una persona che ha avuto una “mancanza di successo”, ma se si considera il contesto la cosa acquista più senso. Clooney ha sfondato nel mondo dello spettacolo come star televisiva, interpretando il dottor Doug Ross in ER, prima di diventare una star del cinema acclamata.
Clooney ha poi recitato nei film iconici Ocean’s Eleven all’inizio degli anni 2000, e in seguito ha ottenuto ruoli in alcuni veri successi di critica. I migliori film di Clooney oggi includono Michael Clayton, Paradiso amaro e Syriana, l’ultimo dei quali gli è valso l’Oscar come miglior attore non protagonista. Il suo nuovo lungometraggio Jay Kelly, distribuito da Netflix, arriverà in alcuni cinema il 14 novembre.
Il trailer di Jay Kelly mostra il personaggio principale, una star del cinema in declino, che intraprende un viaggio trasformativo con il suo manager di lunga data (Adam Sandler). In una nuova intervista, Seth Doane della CBS sottolinea che “alcuni elementi inseriti” nel personaggio di Jay Kelly sono stati evidentemente tratti dalla vita di Clooney, tra cui il fatto che sia originario del Kentucky e che gli sia stato chiesto di candidarsi alla presidenza.
Lo stesso Clooney ne aggiunge poi un’altra: la percezione che Kelly (ovvero Clooney) interpreti solo se stesso. Tuttavia, dopo aver cercato di dissipare questa critica comune affermando di “non essere mai stato un agente della CIA o un ladro”, Clooney prosegue dicendo che il suo successo commerciale relativamente mediocre gli ha permesso di interpretare molti ruoli diversi, anziché rimanere bloccato in un unico genere.
Leggi qui sotto il commento completo di Clooney:
George Clooney: Beh, non lo so, in realtà non sono mai stato un agente della CIA né un ladro. C’è una parte della mia carriera che è stata affascinante, ovvero il fatto di aver avuto un enorme successo, ma non un successo esagerato, non quello, sapete, dei franchise multimiliardari. Sai, i film della serie Ocean’s hanno avuto un grande successo, ma molti dei miei successi sono stati doppi, sai, Michael Clayton, è costato 12 milioni di dollari e ne abbiamo incassati circa 90 [milioni]. Ma è un film fantastico […] Quindi, se ne fai alcuni, Up in the Air è la stessa cosa, The Descendants è la stessa cosa, perché non hanno avuto un successo enorme, non vieni etichettato come uno che può fare solo commedie o solo drammi. E grazie a questo mi è stato permesso di fare O Brother [Where Art Thou?] e Syriana. È molto divertente per me non essere bloccato in un genere, quindi in un certo senso la mia mancanza di successo…
Seth Doane: La gente farà fatica ad accettare questa affermazione.
George Clooney: Beh, sai, ma lo capirai se lo confronti con la carriera di altri attori. Non mi sembra che la mia carriera non abbia funzionato, mi sembra di stare andando bene. Ma una parte importante del mio lavoro di attore è che posso fare cose che molti attori non possono fare perché sono diventati famosi con un film d’azione e quindi sono delle star d’azione. […] Io sono il beneficiario di aver fatto dei doppi invece che, sai, dei fuoricampo.
Secondo The Numbers, Clooney si colloca solo al 76° posto tra gli attori più redditizi di tutti i tempi, con le star dell’MCUScarlett Johansson, Samuel L. Jackson e Robert Downey Jr. che occupano i primi tre posti. Questi attori saranno anche prontamente accolti in qualsiasi film drammatico candidato ai premi, compresi Marriage Story e Oppenheimer negli ultimi anni.
È vero che Clooney ha recitato in commedie, drammi, film d’azione e altro ancora, anche se alcuni spettatori potrebbero pensare che i suoi personaggi abbiano tutti personalità simili. Tra i film più particolari di Clooney ci sono Gravity, The American e Fantastic Mr. Fox. Tuttavia, il tipo di successo che lui sostiene di non aver raggiunto permette generalmente agli attori di perseguire progetti diversi, con gli studios che puntano sul loro potere di star.
Clooney mette in evidenza i diversi criteri di successo a Hollywood, poiché lui stesso ha un incredibile potere di star, ma potrebbe non essere la scelta preferita di tutti i produttori che vogliono un successo al botteghino. Jay Kelly era un film scritto intorno a George Clooney, e potrebbe ancora faticare a ottenere nomination agli Oscar di quest’anno. Tuttavia, l’attore ha chiaramente ancora una carriera redditizia e l’opportunità di intraprendere lavori più entusiasmanti.
100 Nights of Hero, con Maika Monroe, ha ufficialmente pubblicato un nuovo trailer del film fantasy che mostra il cast stellare e un potenziale triangolo amoroso.
La sinossi ufficiale di 100 Nights of Hero è:
“Ambientato a Darkly End, un mondo alternativo governato dal dispotico Birdman. Cherry è infelicemente sposata con Jerome, che non vuole passare del tempo con lei. Considerando il loro “dovere” di generare un erede, la situazione è preoccupante. L’unico raggio di sole nella giornata di Cherry è la sua domestica, Hero. Hero fa parte di una società segreta che raccoglie storie di donne che si sono ribellate e hanno incontrato destini ingiusti, giurando che i loro sacrifici non saranno dimenticati…
Perché la morte non è mai lontana per le donne qui. Quindi, quando Jerome parte misteriosamente per un “viaggio di lavoro” e lascia Cherry con il suo amico donnaiolo Manfred, Hero ha un brutto presentimento. Mentre l’affascinante Manfred si sistema, Cherry si ritrova intrappolata tra l’unico uomo che l’ha mai ascoltata e la domestica per cui sta sviluppando sentimenti proibiti. Tutte le donne ribelli finiscono per morire: Cherry e Hero riusciranno a sfuggire a quel destino?“
Il cast include Emma Corrin nel ruolo di Hero, Nicholas Galltzine nel ruolo di Manfred, Monroe nel ruolo di Cherry, Charli XCX nel ruolo di Rosa e Richard E. Grant nel ruolo di Birdman. La data di uscita ufficiale del film è il 5 dicembre. Il film ha attualmente un punteggio perfetto del 100% su Rotten Tomatoes prima della sua uscita, con i critici che lodano la narrazione “eccentrica e divertente” di Jackman.
Questo fantasy storico è il secondo lungometraggio della regista Julia Jackman, dopo il film Bonus Track del 2023 e numerosi cortometraggi. 100 Nights of Hero è basato sul romanzo grafico di Isabel Greenberg intitolato The One Hundred Nights of Hero. Il film esplora la sessualità, il desiderio e la misoginia in un’ambientazione fantasy in stile gotico con scenografie e costumi elaborati.
L’adattamento del romanzo di Greenberg è distribuito dalla Independent Film Company e ha avuto la sua prima mondiale al Festival Internazionale del Cinema di Venezia il 6 settembre. Non ci sono dati ufficiali in termini di budget, ma trattandosi di un film indipendente, è probabile che il budget non sia troppo elevato. Tuttavia, il cast impressionante è un punto di forza per portare questo fantasy eccentrico alla stagione dei premi.
Monroe interpreta l’innocente sposa Cherry, mentre Corrin interpreta la sua damigella Hero. La chimica tra Monroe e Corrin ha conquistato il cuore dei critici, essendo uno dei motivi principali delle recensioni e dei commenti così positivi, che hanno portato a un punteggio perfetto su Rotten Tomatoes.
Dopo quasi un anno di cause legali reciproche, parte della battaglia legale post It Ends With Us tra Blake Lively e Justin Baldoni è giunta al termine. Già autori dell’adattamento cinematografico del controverso romanzo di Colleen Hoover, Baldoni e Lively hanno lavorato insieme al successo al botteghino del 2024, diventando oggetto di discussioni scandalistiche a causa delle voci e delle notizie che circolavano sui loro conflitti sul set e sul minimo coinvolgimento del regista/produttore nella promozione del film.
La situazione è esplosa quando Lively ha presentato una denuncia contro Baldoni per aver reso il set di It Ends With Us un ambiente di lavoro tossico, e sono emerse notizie secondo cui il regista avrebbe assunto un team di PR per danneggiare la sua immagine pubblica.
Ciò si è trasformato in una serie di cause legali e denunce tra i due, tra cui molestie sessuali contro Baldoni, cause per diffamazione contro Lively e The New York Times e citazioni in giudizio per far testimoniare Taylor Swift e Perez Hilton, tra gli altri, sul loro coinvolgimento nella produzione.
Come riportato per la prima volta da PEOPLE, la controquerela per diffamazione da 400 milioni di dollari intentata da Baldoni contro Lively e Ryan Reynolds è stata archiviata dal giudice della Corte Distrettuale degli Stati Uniti Lewis Liman. La sentenza è stata favorevole a questi ultimi dopo che il regista di It Ends With Us e la sua società di produzione, Wayfarer Studios, non sono riusciti a presentare ulteriori denunce modificate prima della scadenza fissata dal giudice dopo che il caso era stato archiviato a giugno.
Nel documento della causa, Lively sarebbe stata l’unica a rispondere alla richiesta del giudice a entrambe le parti di chiudere completamente il caso. Oltre alla sconfitta legale del regista, il giudice ha accolto la richiesta di Lively che Baldoni coprisse le sue spese legali, e al momento della stesura di questo articolo, il regista di It Ends With Us non ha esercitato il suo diritto di appellarsi contro la sentenza.
Nei 10 mesi trascorsi da quando Lively ha presentato la sua denuncia iniziale contro Baldoni, il regista ha agito in difesa nelle varie battaglie legali contro la suaco-protagonista. Oltre al già citato rigetto della sua causa per diffamazione contro la Lively, poiché quest’ultima era protetta da una legge della California relativa alle sue accuse di molestie, la causa da 250 milioni di dollari intentata da Baldoni contro The New York Times è stata respinta, mentre è stato anche abbandonato dalla sua agenzia di talenti, la WME, e allontanato da vari altri attori.
La Lively, che ha ottenuto il sostegno esplicito di numerosi importanti personaggi di Hollywood, tra cui Hoover, alcuni membri del cast di It Ends With Us e la Sony, non ha ottenuto finora una vittoria totale. La causa dell’attrice contro l’esperto di pubbliche relazioni Jed Wallace, che secondo lei avrebbe partecipato alla presunta campagna diffamatoria contro di lei, è stata respinta senza pregiudizio, poiché il giudice ha ritenuto che la star non avesse fornito prove sufficientemente definitive per citare in giudizio Wallace.
Con la causa principale di Lively contro Baldoni che andrà in giudizio nel marzo 2026, la sua ultima vittoria contro il regista di It Ends With Us continua a essere un colpo più dannoso per la carriera di quest’ultimo che per quella della prima. Lively ha già diversi altri progetti in varie fasi di sviluppo, tra cui la commedia romantica d’azione The Survival List, che la riunisce con i produttori della Simple Favor franchise Lionsgate, mentre Baldoni non ha ancora in programma nessuna impresa importante.
Più affiatati che mai, tra set infuocati, provini da incubo e talent sempre più indomabili, sono pronti ad affrontare una nuova, scoppiettante stagione i protagonisti di Call My Agent – Italia, la serie Sky Original remake del cult Dix pour cent sul dietro le quinte dello show business italiano, che torna con i nuovi episodi dal 14 novembre in esclusiva su Sky e in streaming solo su NOW.
Sempre prodotta da Sky Studios e da Palomar (a Mediawan Company), la terza stagione della serie è diretta da Simone Spada (Hotel Gagarin, Studio Battaglia, Rocco Schiavone) e scritta da Federico Baccomo (Call My Agent – Italia, Improvvisamente Natale, Studio Battaglia), autore del soggetto di serie e dei soggetti di puntata, con Camilla Buizza (ep. 2 e 5) e Tommaso Renzoni (ep. 4).
Col consueto tono brillante e autoironico, la terza stagione celebrerà ancora una volta il nostro star system raccontando il dietro le quinte del mondo dello spettacolo attraverso le vicende di una immaginaria – e ormai amatissima – agenzia di spettacolo, la CMA, e dei suoi agenti, che nei nuovi episodi, pronti ad affrontare un nuovo anno esplosivo, si prepareranno a una vera e propria rivoluzione che rischierà di far deflagrare la loro straordinaria famiglia.
Sullo sfondo di una Roma ritratta nelle sue location più esclusive e rappresentative del jet set, la nuova stagione sarà ricchissima di volti noti. Affiancati anche quest’anno da tanti sorprendenti camei, tornano i protagonisti delle prime due stagioni: Michele Di Mauro, Sara Drago e Maurizio Lastrico ancora nei ruoli di Vittorio, Lea e Gabriele, talentuosi, instancabili e appassionati agenti di alcuni fra i più grandi protagonisti del mondo dello spettacolo italiano. E i loro assistenti: Monica (Sara Lazzaro), Pierpaolo (Francesco Russo) e Camilla (Paola Buratto). Nei nuovi episodi ritornano anche Kaze nel ruolo di Sofia, Emanuela Fanelli in quello di Luana Pericoli e Corrado Guzzanti.
A complicare la vita degli agenti e, di conseguenza, quella dei loro assistenti, anche nei nuovi episodi tanti nuovi nomi di primissimo piano, guest di ciascuna puntata nei panni di se stessi: Luca Argentero (protagonista di Ligas, da marzo su Sky e Now) è deciso a mettere da parte la carriera per dedicarsi alla famiglia; Michelle Hunziker e Aurora Ramazzotti sono chiamate a essere mamma e figlia anche sul set; Stefania Sandrelli è in cerca di una nuova sfida da aggiungere al suo lungo curriculum; il cast di “Romanzo Criminale – La serie” (Marco Bocci, Vinicio Marchioni, Francesco Montanari, Edoardo Pesce, Alessandro Roia, Daniela Virgilio) si ritrova per una reunion attesissima che prende però una piega inaspettata; Miriam Leone dopo la maternità è pronta a tornare sul set, ma è sommersa da proposte che sono spesso ruoli di madri; la coppia Ficarra & Picone in piena crisi alla vigilia di un importante anniversario, quello dei 30 anni di carriera. Nella terza stagione anche Nicolas Maupas nei panni di se stesso e Gianmarco Saurino in quelli dell’intermediario di UBA tra Italia e Stati Uniti. E con la partecipazione di Cristina Marino, Simon & the Stars, Matteo Giuggioli, Elia Nuzzolo, Alessandro Borghese, Tananai, Giorgia.
Ora che non c’è più Elvira, gli equilibri alla CMA sono destinati a mutare, anche perché UBA, la più grande agenzia mondiale, si sta apprestando a sbarcare sul suolo italiano, decisa a spazzare via la concorrenza. Vittorio, Lea e Gabriele sono determinati e pronti a raccogliere la sfida, ma non si tratta di una battaglia facile, soprattutto ora che la vita privata dei tre spariglia le carte in tavola. Tra amori che nascono, relazioni che finiscono e contrattempi imprevedibili, i nostri tre agenti, insieme ai loro fedeli assistenti, affronteranno una vera e propria lotta contro il tempo per salvare il futuro della CMA.
Negli anni successivi all’esecuzione di Aileen Wuornos nel 2002 — dopo gli omicidi di sette uomini avvenuti in Florida tra il 1989 e il 1990 — la sua storia è stata oggetto di dibattiti, reinterpretazioni e mitizzazioni, ispirando l’interpretazione premiata con l’Oscar di Charlize Theron nel film Monster (2003) e numerosi documentari true crime.
Il nuovo documentario della regista Emily Turner, Aileen: storia di una serial killer, ora disponibile su Netflix, torna sul caso nel 2025 — non per rimettere in discussione il verdetto, ma per comprendere meglio chi fosse Wuornos e perché la sua storia continui a resistere a spiegazioni semplici.
«È così confusa e così complessa, in modo del tutto opposto a come ci piace che le donne siano», racconta Turner a Tudum. «E per me era davvero importante che non stessimo realizzando un film che cercasse di giustificare ciò che aveva fatto. Spero che le persone arrivino a conclusioni molto diverse tra loro».
Cosa c’è di nuovo nel documentario su Aileen Wuornos?
Il film include nuove conversazioni audio con figure chiave del caso Wuornos, insieme a filmati d’archivio dei servizi di Dateline della giornalista Michele Gillen, scene di tribunale e registrazioni della polizia. Mostra anche conversazioni mai viste prima tra Wuornos — quando si trovava nel braccio della morte — e la regista Jasmine Hirst.
La scelta di Turner di rinunciare alle interviste filmate aveva due obiettivi: innanzitutto, permettere agli spettatori di vivere gli eventi con maggiore immediatezza, lasciando che i filmati d’archivio scorressero senza interruzioni da parte di commentatori; inoltre, favorire riflessioni più sincere e rivelatrici da parte dei partecipanti.
«Ero sbalordita da quanto la gente ti racconti quando non hai una telecamera davanti», dice Turner. «Volevamo che quelle voci risultassero il più possibile dirette, non filtrate».
Il risultato è un’inversione deliberata della classica struttura del true crime. Invece di ricostruzioni cronologiche e interviste di esperti che attribuiscono significato agli eventi, gli spettatori vengono immersi direttamente nell’indagine, osservando filmati grezzi, reazioni spontanee e contraddizioni in tempo reale.
«[Volevamo] che sembrasse di guardare i filmati grezzi della storia che si sviluppa insieme alle persone che ne facevano parte», spiega Turner. «Così, quando si vede quel poliziotto, lui sta effettivamente guardando il materiale che voi state guardando, e quelle sono le sue reazioni a cose che non vedeva da trent’anni».
Aileen: storia di una serial killer – Immagine dal set
Cosa spinse Wuornos a uccidere sette uomini?
Mostrando momenti non filtrati del caso così come emersero, Turner ha voluto superare la visione semplicistica di Wuornos come “assassina o vittima”. Si è invece concentrata sui momenti chiave che hanno plasmato — e alla fine deformato — il corso della sua vita.
«È molto più facile liquidare qualcuno che ha commesso atti così orribili come un assassino a sangue freddo, piuttosto che vederlo come un essere umano profondamente ferito», afferma Turner. «In realtà, lei è stata creata, e questo è agghiacciante».
Nata nel 1956 nel Michigan, Wuornos non conobbe mai suo padre e fu abbandonata dalla madre a quattro anni. Fu cresciuta dai nonni, da cui subì abusi fisici e sessuali. A 14 anni rimase incinta dopo uno stupro e diede alla luce un bambino che fu costretta a dare in adozione. Abbandonò la scuola e, dopo essere stata cacciata di casa dal nonno, visse nei boschi vicini.
Fece autostop fino in Florida, sopravvivendo grazie al lavoro sessuale e a piccoli reati. Attraverso filmati d’archivio e interviste, il documentario suggerisce che questo percorso traumatico e instabile fu la premessa dei crimini che la resero famosa.
Le eco di quella storia di violenza risuonano anche in tribunale, quando il film rievoca la difesa di Wuornos, basata sull’autodifesa. Il documentario presenta la sua testimonianza riguardo a una brutale aggressione sessuale da parte della sua prima vittima, Richard Mallory, senza interrompere la narrazione con commenti esterni.
Rivela inoltre che i documenti sulla precedente condanna di Mallory per tentato stupro e i suoi anni di trattamento in una struttura per autori di reati sessuali non furono mai presentati come prove. Gli spettatori sono quindi invitati a valutare il racconto di Wuornos alla luce di questi dettagli e a chiedersi se ciò cambi il giudizio sul suo caso.
Fu condannata per l’omicidio di Mallory e condannata a morte. Quello fu il suo unico processo: in seguito si dichiarò colpevole (senza ammettere formalmente la colpa) per altri cinque omicidi, mentre non fu mai incriminata per il settimo.
Che Wuornos meriti o meno compassione per le violenze subite, Turner sottolinea che la dissonanza è parte integrante del messaggio. «Spero che due persone guardino questo film e arrivino a conclusioni completamente diverse», dice. «Voglio che il pubblico si senta confuso».
In che modo genere e stigma hanno influenzato il caso Wuornos?
Rara donna in una categoria criminale dominata dagli uomini, Wuornos affrontò un’attenzione morbosa da parte dei media e del sistema giudiziario. Durante la realizzazione del film, Turner e la sua squadra si sono trovate a dover contrastare quegli stessi pregiudizi.
«Eravamo una squadra piuttosto piccola e quasi tutta al femminile, quindi ci mettevamo costantemente in discussione», racconta Turner. «Parlavamo di lei ogni giorno, e ciascuna di noi si trovava a cambiare punto di vista di continuo. Era proprio quello il mio obiettivo: portare gli spettatori nello stesso viaggio che abbiamo fatto noi».
Nei materiali d’archivio e nelle interviste audio, il pregiudizio emerge chiaramente: i giornalisti la etichettano e la sensazionalizzano come una prostituta («È stata definita la “prostituta infernale”», dice un servizio nel film). Il procuratore capo, John Tanner, un cristiano rinato, la descrisse come irrimediabilmente malvagia e degna della punizione più severa possibile.
La figura imponente di Tanner come procuratore “fuoco e zolfo” portò Turner a scoprire un collegamento sorprendente tra lui e un altro famigerato serial killer: Ted Bundy. Questo rivelò un evidente doppio standard di genere.
«Era qualcosa che all’epoca era stato riportato, ma per noi è stata una sorpresa: John Tanner, il procuratore, era stato il “compagno di preghiera” di Ted Bundy pochi anni prima del processo a Wuornos, trascorrendo ore a pregare con lui come parte del suo ministero carcerario», spiega Turner. «E poi, solo pochi anni dopo, lo stesso uomo persegue Aileen e scrive articoli d’opinione in cui sostiene che le prostitute sono la causa dei mali della società — è qualcosa di profondamente immorale, nel migliore dei casi».
Questo contrasto solleva una domanda che il film pone più volte: chi ha diritto alla complessità, alla grazia o alla possibilità di cambiamento — e chi no?
Turner sottolinea come quel clima culturale si fosse insinuato anche nella percezione che Wuornos aveva di sé stessa in carcere. «Il suo rifiuto di vedersi come vittima era un aspetto molto difficile della sua personalità», afferma. «Dice a Jasmine: “Non sono una donnicciola debole”. È devastante sentirla accennare con leggerezza a ciò che aveva sopportato crescendo».
Qual era la relazione tra Wuornos e Tyria Moore?
Tyria Moore era la fidanzata di Wuornos durante il periodo degli omicidi e divenne parte dell’indagine quando la polizia cominciò a sospettare di Aileen. Dopo aver lasciato la Florida, Moore collaborò con le autorità e, durante telefonate registrate organizzate dalla polizia, cercò di spingere Wuornos a fare ammissioni compromettenti.
Nel documentario si sentono frammenti di quelle chiamate, in cui Moore incalza Wuornos a confessare, seguiti da dichiarazioni implicite di colpevolezza da parte di quest’ultima. Moore poi testimoniò contro Wuornos in tribunale, e la sua deposizione fu determinante per la condanna.
Il film presenta la collaborazione di Moore con gli investigatori come il risultato della pressione del momento e della complessità del legame che la univa a Wuornos. «È giusto dire che Tyria non vuole far parte del racconto di questa storia», osserva Turner.
Le famiglie delle vittime di Wuornos partecipano al documentario?
Pur insistendo sul fatto che il genere, lo stigma e la relazione di Wuornos con Moore debbano essere considerati per comprendere il caso, Turner è altrettanto attenta a non cadere nell’estremo opposto — quello di trasformare Wuornos in una sorta di vendicatrice femminista che oscuri il dolore reale delle sue vittime. «Alcuni si chiedono se possa essere considerata un’icona femminista. Io credo che la verità di ciò che ha fatto sia brutale», afferma.
Questo equilibrio si riflette anche nel modo in cui il film tratta le persone più direttamente colpite. Turner spiega che la troupe è rimasta in contatto con le famiglie e ha valutato con cura le proprie responsabilità nei loro confronti, scegliendo di non trasformare il loro dolore in materiale filmico.
«Ci sono delle vittime al centro di tutto questo, e rimangono sempre in primo piano nei nostri pensieri», dice. «Abbiamo riflettuto molto sulle nostre responsabilità come registi. Ma un regista deve scegliere la storia che vuole raccontare, e sarebbe stato sbagliato ridurre i traumi di quelle famiglie a brevi spezzoni in questo progetto».
Come si conclude il documentario?
Nel finale, Aileen: storia di una serial killer invita gli spettatori a confrontarsi con una verità scomoda: questa storia non offre risposte nette — e il modo in cui vediamo Wuornos rivela tanto di noi quanto di lei.
«Penso che, soprattutto oggi, in un mondo di soluzioni rapide, ci venga continuamente detto come pensare, e che tutto si divida in bianco e nero. Ma non è così», afferma Turner. «Vogliamo che Aileen sia o la vittima impotente creata dalla società, a cui la vita è semplicemente accaduta, oppure l’assassina a sangue freddo. Ma nessuna di queste due immagini le rende giustizia. È carismatica, ed è un’assassina… È solo molto più facile pensare in termini assoluti. Ma la vita non è così, vero?».
La storia di Aileen Wuornos — che uccise sette uomini tra il 1989 e il 1990 e fu giustiziata mediante iniezione letale nel 2002 — è da tempo una presenza fissa nella cultura popolare, raccontata in versioni televisive e adattata per il cinema, con Charlize Theron che interpretò la serial killer in un ruolo vincitore dell’Oscar.
Wuornos era una prostituta in Florida e confessò di aver ucciso a colpi di arma da fuoco sette uomini di mezza età in un periodo di dodici mesi, tra il 1989 e il 1990. Fu condannata solo per uno di questi omicidi nel 1992, all’età di 35 anni. Più di due decenni dopo, i suoi motivi restano poco chiari.
Ora, un nuovo documentario di Netflix, Aileen: storia di una serial killer, uscito il 30 ottobre, ripercorre i suoi crimini e include una rara testimonianza della stessa Wuornos, tratta da un’intervista del 1997 condotta dall’artista e regista Jasmine Hirst, che divenne sua corrispondente mentre Wuornos era in prigione.
La conversazione, filmata in carcere, offre uno sguardo sullo stato mentale di Wuornos al momento degli omicidi e costituisce la spina dorsale del documentario. Nel film sono inoltre inseriti estratti audio di interviste che la regista Emily Turner ha realizzato la scorsa estate con membri delle forze dell’ordine coinvolti nel caso, oltre che con la famiglia e gli amici di Wuornos.
Ecco le principali rivelazioni dell’intervista e le teorie più accreditate sui motivi di Wuornos.
Durante l’intervista con Hirst, Wuornos si presenta come una vittima, descrivendo un’infanzia difficile trascorsa sotto la rigida educazione dei suoi nonni, devoti cristiani. Scappò di casa a 15 anni e trascorse i cinque anni successivi viaggiando in autostop, dormendo sotto i viadotti e nei pascoli. «Sono tosta», dice a Hirst. Afferma di essere stata stuprata più volte in quel periodo.
La sua amica d’infanzia, Dawn Botkins, crede che Wuornos sia diventata prostituta per guadagnare abbastanza da poter sfamare il fratello, che viveva anch’egli con i nonni. Sebbene Wuornos abbia sempre sostenuto che l’uomo per il cui omicidio fu condannata nel 1989, Richard Mallory, l’avesse stuprata e sodomizzata, nell’intervista con Hirst ammette di aver mentito riguardo alla sodomia.
«C’è solo una cosa su cui ho mentito: non c’è stata alcuna sodomia», dice, aggiungendo che aveva “sbagliato con i poliziotti” e poi aveva cominciato a “parlare a vanvera”, pensando “alle donne stuprate, ai loro problemi e ai miei”. Dice che per lei fu frustrante dover “portare avanti quella stupida bugia durante tutto il processo”.
Sostiene di non identificarsi con il termine “serial killer”, affermando che divenne un’assassina solo a causa dell’abuso di alcol. Come dice lei stessa: «Ci sono diventata, ma il mio vero io non è quello». Nonostante le sue affermazioni di non riconoscersi nell’etichetta di “serial killer”, Wuornos sembrava compiacersi dell’attenzione legata ai suoi crimini. «Voi guadagnerete milioni con tutto questo», sussurra a Hirst, sistemando i capelli prima dell’intervista davanti alla telecamera.
«È una cosa così triste», dice la regista Turner, «che la prima volta nella sua vita in cui Aileen si sia sentita ascoltata o considerata qualcuno sia stata quando è diventata una serial killer».
Secondo Turner, una teoria su cosa abbia spinto Wuornos a uccidere è che fosse stata talmente brutalizzata nella vita da agire per vendetta. La sua sessualità ne faceva parte: al momento dell’uccisione di Mallory, aveva una relazione stabile con una donna di nome Tyria Moore, alla quale confessò il delitto. «Dopo aver avuto così tante relazioni violente con uomini, decise, come dice lei stessa, di “provare il lesbismo”», spiega Turner. Il lavoro sessuale con gli uomini era solo un modo per guadagnare qualcosa e sopravvivere “alla giornata”.
Wuornos è «una narratrice incredibilmente inaffidabile».
Il vero movente di Wuornos potrebbe non essere mai pienamente compreso. «Probabilmente non esiste una risposta semplice», dice Turner. «Voglio che la gente guardi il film e tragga le proprie conclusioni».
Giovedì 6 novembre 2025, il Cineclub Roma ospita una serata speciale dedicata al cinema del reale con la proiezione di Notturno, il pluripremiato documentario di Gianfranco Rosi, all’interno della rassegna Semi di pace.
L’iniziativa, promossa da Blade Runner Foundation con il patrocinio della Presidenza dell’Assemblea Capitolina, offrirà al pubblico un’occasione unica per riscoprire uno dei lavori più intensi del cinema contemporaneo italiano, capace di attraversare i confini mediorientali per restituire, attraverso il linguaggio poetico e rigoroso di Rosi, un ritratto intimo e universale della sofferenza civile e della dignità umana.
La serata inizierà alle 19:00 con l’ingresso del pubblico, seguita dalla proiezione del film alle 20:30. A chiudere l’incontro, alle 22:00, un dibattito con la produttrice Donatella Palermo, che condividerà con il pubblico riflessioni e retroscena sul processo creativo di Notturno e sul ruolo del cinema come strumento di testimonianza e consapevolezza sociale.
Girato lungo i confini di Iraq, Kurdistan, Siria e Libano, Notturno raccoglie immagini di vita quotidiana segnate dalla guerra, ma anche momenti di straordinaria umanità. Come affermava Rosi in occasione della presentazione del film:
“Volevo raccontare ciò che accade dopo le bombe, dopo il rumore: le ferite invisibili, il silenzio delle persone che continuano a vivere.”
L’appuntamento si inserisce nel progetto Semi di pace, che attraverso il linguaggio cinematografico intende promuovere una riflessione collettiva sulla pace e sulla responsabilità civile.
Vice – L’uomo nell’ombra (qui la recensione) ricostruisce l’ascesa politica di Dick Cheney (interpretato da Christian Bale) trasformandolo in una figura quasi machiavellica, capace di manovrare la politica americana da dietro le quinte con una freddezza “da burattinaio”. Adam McKay sceglie una narrazione satirica, tagliente e spesso volutamente esasperata, facendo emergere un ritratto che, per molti aspetti, si distacca dalla realtà dei fatti. Per capire chi fosse davvero Cheney, bisogna attraversare la sua storia dalla giovinezza fino agli anni alla Casa Bianca, distinguendo ciò che il film suggerisce da ciò che è documentato.
La storia vera dietro Vice – L’uomo nell’ombra
Dick Cheney nasce nel 1941 a Lincoln, Nebraska, e cresce in Wyoming, un luogo che lui stesso descriverà sempre come fondamentale per la sua identità. Figlio di un impiegato governativo, non ha un percorso accademico brillante come ci si aspetterebbe da un futuro vicepresidente degli Stati Uniti. Nel film vediamo un giovane Cheney completamente allo sbando, ed è vero che il suo arrivo a Yale fu un fallimento: il giovane Dick venne ammesso grazie a una borsa di studio e al sostegno di un petroliere del Wyoming, ma finì per abbandonarsi all’alcol e alle cattive compagnie.
Ufficialmente, Cheney venne espulso, non una ma due volte, dopo aver tentato senza successo di rientrare. Nel film, la sceneggiatura aggiunge episodi inventati, come la rissa che lo etichetta come “dirtbag”, dettaglio mai confermato da documenti o testimonianze. Dopo gli anni bui, Cheney lavorò per un periodo come operaio, occupandosi della posa delle linee elettriche: nel film viene mostrato come lineman, arrampicato sui pali, mentre la realtà è meno spettacolare. Era un “groundman”, addetto a scavare, sollevare cavi e assistere chi si arrampicava davvero. In quel periodo venne arrestato due volte per guida in stato di ebbrezza, tra i 21 e i 22 anni.
Le cronache confermano tutto: multe, ritiro temporaneo della patente e un momento di svolta nella sua vita personale. Cheney stesso ammise che le due denunce lo costrinsero a guardarsi allo specchio e a capire che stava andando nella direzione sbagliata. La sua compagna di allora, Lynne Vincent, avrà un ruolo decisivo nella trasformazione. Nella versione cinematografica, Lynne sembra quasi salvarlo con una predica infuocata e ultimativa, un momento romanzato ma basato su qualcosa di reale. Cheney raccontò che smise di frequentare bar, trovò disciplina e decise di sposarsi. Tornò a studiare, si iscrisse all’Università del Wyoming e, questa volta, completò il percorso: prima la laurea, poi un master in Scienze Politiche.
La carriera politica
Quando nel film vediamo un Cheney spaesato e senza convinzioni politiche, pronto a scegliere un partito quasi per caso dopo aver assistito a un comizio di Donald Rumsfeld, siamo lontani dalla realtà. Cheney aveva già idee conservative radicate, sviluppate proprio negli anni universitari. Alcuni professori influenti, come H. Bradford Westerfield, formarono la sua visione di politica estera e gli diedero basi che lo avrebbero accompagnato per tutta la carriera. Il film suggerisce che Cheney arrivò a Washington privo di identità politica, ma la storia dice altro: il giovane Dick si era già fatto notare come assistente parlamentare e analista politico, e la collaborazione con Donald Rumsfeld nacque da interessi e visioni già compatibili.
La sua carriera governativa fu fulminante: consigliere sotto Nixon, capo di gabinetto alla Casa Bianca con Gerald Ford, poi membro del Congresso. Vice – L’uomo nell’ombra racconta la campagna elettorale per il suo seggio del 1978 come un disastro che costringe Lynne a sostituire il marito ai comizi, ribaltando il risultato. Non esistono fonti che confermino questo passaggio, e nella realtà Cheney si impose con una comunicazione prudente ma efficace. Anche il suo voto sulla festività dedicata a Martin Luther King viene alterato nel film: votò contro in un primo momento, ma nel 1983 sostenne la proposta, a differenza di quanto la sceneggiatura lascia intendere.
Uno dei tocchi più sensazionalistici riguarda la madre di Lynne Cheney. Nel film si insinua che il padre di Lynne l’abbia uccisa per annegamento, gesto volutamente lasciato sospeso per alimentare tensione narrativa. La realtà è molto diversa: la donna è caduta accidentalmente nel lago Yesness, probabilmente stordita dai farmaci per la pressione. Il coroner escluse ogni traccia di omicidio e Lynne non ha mai accusato il padre, morto due anni dopo per depressione e alcolismo. Negli anni ’80 Cheney diventa una figura influente nel Congresso e un importante sostenitore di Reagan.
Nel film gli viene attribuito il merito – o la colpa – di aver salvato il Veto presidenziale sulla Fairness Doctrine, aprendo secondo la narrazione la strada all’ascesa di Fox News e dell’informazione polarizzata. La storia, però, smentisce l’episodio: non esistono documenti che provino il ruolo decisivo di Cheney e nel 1987 non era neppure capogruppo repubblicano alla Camera. Il film sceglie poi di saltare quasi completamente gli anni della Guerra del Golfo, quando Cheney, nominato Segretario della Difesa da George H. W. Bush, divenne una delle figure più rispettate della politica americana.
Dopo l’11 Settembre
Sotto la sua guida l’intervento contro Saddam Hussein fu rapido, limitato e sostenuto da gran parte del Congresso. Erano anni di popolarità e riconoscimento pubblico: difficile conciliare questa fase con l’immagine del “burattinaio oscuro” che McKay costruisce fin dall’inizio. La trasformazione più poderosa della sua immagine avviene dopo l’attacco dell’11 settembre. Vice – L’uomo nell’ombra suggerisce che Cheney accettò il ruolo di vicepresidente già con un piano per estendere i poteri della Casa Bianca. La documentazione storica racconta invece qualcosa di più pragmatico: il progetto fu una risposta – discutibile ma reale – all’idea che gli Stati Uniti fossero entrati in guerra e che, come in guerra, la priorità fosse prevenire nuovi attacchi.
È in questa cornice che nascono il Patriot Act, la sorveglianza interna, la detenzione di sospetti terroristi e le tecniche di interrogatorio estreme, tra cui il waterboarding. Cheney fu tra i principali sostenitori delle misure, convinto che fossero necessarie. Il film lo mostra come unico responsabile morale, ignorando che istituzioni, servizi segreti, Congresso e perfino amministrazioni successive scelsero di proseguire su quella strada: Barack Obama tentò di chiudere Guantanamo ma non ci riuscì, lasciando molte politiche di Bush e Cheney inalterate. Un’altra invenzione cinematografica riguarda l’ordine di abbattere gli aerei dirottati l’11 settembre.
Nel film Cheney agisce senza consultare il Presidente, ma sia George W. Bush che Condoleezza Rice hanno dichiarato che la decisione fu concordata telefonicamente in diretta emergenza. Il rapporto della Commissione 9/11 non ha trovato una documentazione scritta della chiamata, senza però smentirne l’esistenza. Uno dei capitoli più controversi del film riguarda l’Iraq. Il film sostiene che Cheney abbia sostenuto l’invasione solo per favorire Halliburton, l’azienda per cui fu CEO prima della vicepresidenza. È vero che Halliburton guadagnò enormemente, ed è vero che Cheney ottenne un ricco compenso vendendo le sue azioni, ma ridurre l’intervento a un movente personale è un’interpretazione politica.
Dopo l’11 settembre, una parte consistente dell’esecutivo e del Congresso credeva – erroneamente – che Saddam Hussein possedesse armi di distruzione di massa e avesse legami con al-Qaeda. Quando l’ONU non trovò prove, ormai la macchina era già partita. Critici e sostenitori, ancora oggi, discutono quanto Cheney abbia pesato nella decisione. Sul tema dei diritti civili, Vice – L’uomo nell’ombra dipinge Cheney come un opportunista pronto a tradire la sua figlia omosessuale, Mary, pur di sostenere la carriera politica dell’altra figlia Liz. La realtà è più sfumata: Cheney aveva espresso sostegno pubblico per le unioni tra persone dello stesso sesso già nel 2000, e ribadirà la sua posizione nel 2009.
Quando Liz si presentò alle elezioni con una posizione contraria, la coppia decise di sostenerla comunque, senza cambiare idea su Mary. Nel film diventa un gesto gretto e calcolato, nella realtà è un equilibrio familiare imperfetto e doloroso. Celebre è anche l’episodio della battuta di caccia, quando Cheney accidentalmente sparò all’amico Harry Whittington. Il film lo ritrae impassibile e privo di empatia. Nella realtà, Cheney si assunse la responsabilità dell’incidente e dichiarò pubblicamente che “fu uno dei giorni peggiori” della sua vita. Il caso diventò un fenomeno mediatico e alimentò la sua cattiva reputazione pubblica.
Gli ultimi anni di Dick Cheney
In molti momenti Vice – L’uomo nell’ombra fa di Cheney un genio del male, un “uomo nell’ombra” che controlla ogni leva del potere americano. Diversi funzionari dell’epoca hanno smentito la narrazione: Cheney ebbe un ruolo influente, soprattutto sulla sicurezza nazionale, ma non fu il regista occulto dell’amministrazione Bush. Una figura potente, sì, ma non onnipotente. Cheney sopravvisse a cinque attacchi cardiaci, un numero enorme, e nel 2012 ricevette un trapianto di cuore. A differenza di quanto si potrebbe dedurre dall’arco narrativo del film, non è mai scomparso nell’ombra dopo il 2009: ha scritto libri, rilasciato interviste e difeso con fermezza la sua visione politica. Muore, infine, il 4 novembre 2025 all’età di 84 anni.
Vice – L’uomo nell’ombra resta un’opera feroce, visionaria e apertamente schierata. È cinema, non archivio storico. Molti dei dialoghi sono inventati, molte scene semplificano o distorcono, altre suggeriscono verità alternative utili alla satira politica. Il ritratto che ne emerge è provocatorio, ma lontano dalla realtà documentata. Per alcuni rimarrà il simbolo di un’America paranoica e aggressiva, per altri un difensore della sicurezza nazionale in un momento senza precedenti. La verità, come spesso accade, non vive nei toni estremi del film, ma in quella zona grigia in cui storia, politica e morale raramente coincidono.
Frank Grillo (“The Purge”, “Kingdom”) e Maria Bakalova (“The Apprentice”, “Borat Subsequent Movie Film”) saranno i protagonisti del thriller di fantascienza survival Override. Il film, entrato in produzione questo mese a Belfast, verrà lanciato al prossimo American Film Market da Capture, la società di vendita fondata all’inizio di quest’anno come joint venture tra Capstone Global e Signature Entertainment.
Descritto come un “thriller mozzafiato”, Override è diretto e co-sceneggiato da Jordan Downey (“The Head Hunter”, “The Cycle”) insieme agli sceneggiatori Jackson Murray e Kevin Stewart.
Il film segue una soldato futuristica (Bakalova) che viene data per morta. Ma con l’aiuto di un angelo sintetico (Grillo) – l’ultima novità in fatto di intelligenza artificiale sul campo di battaglia – dovrà lottare contro il tempo per sopravvivere a una ferita mortale. Riunisce Grillo e Bakalova dopo che entrambi hanno prestato la loro voce alla serie animata di supereroi per adulti di James Gunn “Creature Commandos”, lanciata alla fine dell’anno scorso.
Override è prodotto da James Harris della Tea Shop Productions, già autore di film di successo come “Fall”, “Obsession” e “47 Meters Down” (e Michael Downey (“The Big Ugly”, “The Swallow”). È stato finanziato da Capstone di Christian Mercuri.
Oltre a gestire le vendite internazionali di “Override”, il catalogo di Capture include anche il thriller sportivo “Killa Bee” con Daisy Ridley, il thriller sugli squali “Above & Below” con Antonio Banderas, il thriller d’azione e avventura “Dark Jungle” e il thriller poliziesco “Spring Breakers: Salvation Mountain”.
Le prossime uscite di Tea Shop includono “Giant”, con Amir El-Masry e Pierce Brosnan, e “Obsession” del regista Curry Barker. Grillo è rappresentato da CAA, Entertainment 360, 42West e Paul Hastings. Bakalova è rappresentata da CAA, Insight Management, Brookside Artist Management e Yorn, Levine, Barnes, Krintzman.
Netflix Italia ha diffuso il trailer e il poster di Terrazza sentimento, la nuova serie documentario che ripercorre, in 3 episodi, i fatti che hanno coinvolto Alberto Genovese, l’imprenditore, ragazzo d’oro delle start up italiane (è lui il fondatore di Prima.it e Facile.it), portandolo ad un’accusa, prima, e ad una condanna, poi, per violenza sessuale, lesioni personali aggravate, detenzione di materiale pedopornografico, cessione e detenzione di sostanze stupefacenti.
La serie, disponibile solo su Netflix dal 5 novembre, è prodotta da Fremantle Italia, sviluppata e scritta da Alessandro Garramone (anche executive producer), scritta con Davide Bandiera e Annalisa Reggi, prodotta da Gabriele Immirzi, con la regia di Nicola Prosatore.
Cortesia di Netflix
Terrazza Sentimento racconta gli abusi perpetrati dall’imprenditore Alberto Genovese ai danni di alcune ragazze che frequentavano le sue feste. Partendo dallo spunto di un tremendo caso di cronaca che ha catalizzato l’attenzione dell’opinione pubblica per diverso tempo, la serie vuole tuttavia raccontare anche il lato oscuro di un mondo in apparenza meraviglioso, fatto di soldi, bellezza e gioventù. C’è una protagonista indiretta, Milano, la città delle grandi opportunità, come le start up tecnologiche, di cui Genovese era considerato un guru, ma anche una città a due facce, di cui una incredibilmente oscura. Poi c’è la protagonista vera e propria, Terrazza Sentimento, l’attico a 5 stelle di Genovese che non solo dà il titolo alla serie ma che, attraverso il suo triste riferimento alla cronaca nera, offre l’occasione per immergersi in una storia dove l’abuso sembra la normalità. Che sia abuso delle proprie possibilità finanziarie, abuso di sostanze stupefacenti in quantità irreali, abuso, ed è il punto di non ritorno, della volontà delle ragazze che resteranno coinvolte dalla vicenda. Ma è anche abuso di se stessi, una storia di cattiveria verso tutti, fino all’autodemolizione.
La Toho ha avviato ufficialmente la produzione del sequel di Godzilla Minus One, con l’uscita prevista per il prossimo anno. Takashi Yamazaki tornerà alla regia e si occuperà nuovamente della sceneggiatura e degli effetti visivi (premiati con l’Oscar). Dopo mesi di riservatezza sul possibile seguito, il successo internazionale del film — sia al botteghino che presso la critica — ha reso l’annuncio altamente probabile.
Nel corso del Godzilla Fest 2025, organizzato in occasione del Godzilla Day alla Kanadevia Hall di Tokyo, è dunque stato svelato il titolo del nuovo capitolo del franchise: Godzilla Minus Zero. L’annuncio è stato accompagnato dalla presentazione del logo ufficiale (lo si può vedere qui), realizzato a mano dallo stesso Yamazaki. Al momento non sono state fornite indicazioni sul significato del titolo. Se “Godzilla Minus One” richiamava eventi ambientati prima del film originale del 1954, la nuova rivelazione non aggiunge ulteriori dettagli, limitandosi a rimandare aggiornamenti futuri.
Secondo quanto riportato da The Wrap, la nuova produzione potrebbe rappresentare una reinterpretazione del classico del 1954, ma non è stata ancora confermata alcuna informazione in merito. Le recenti dichiarazioni di Yamazaki suggeriscono comunque una continuità narrativa con Godzilla Minus One, con lo sviluppo dei personaggi principali e una struttura da vero e proprio sequel.
Il progetto, caratterizzato da un budget più elevato e un’impostazione produttiva su scala ampliata, avrebbe già iniziato le riprese tre mesi fa. Nonostante l’assenza di una data ufficiale di uscita, un report di aprile indicava una possibile distribuzione a fine 2026. Godzilla Minus One è stato il 37º film complessivo del franchise e la 33ª produzione Godzilla firmata Toho. Il film ha ottenuto ampi riconoscimenti, ricevendo elogi pubblici anche da parte di registi come Guillermo Del Toro, Steven Spielberg e Christopher Nolan.
La macchina produttiva dei Marvel Studios prosegue senza soste. Nonostante le recenti difficoltà dell’MCU, il franchise è tornato a puntare sui film dedicati agli Avengers. Avengers: Doomsday ha infatti da poco completato la sua lunga fase di riprese nel 2025, lavorando dal 28 aprile fino alla metà di settembre. Terminata le riprese principali, il film entrerà ora in un periodo di post-produzione stimato in circa 15 mesi, salvo eventuali riprese aggiuntive. Secondo quanto riportato da Hollywood North Buzz, la tempistica sarebbe legata alla lavorazione consecutiva del sequel, Avengers: Secret Wars, anch’esso affidato ai fratelli Russo.
Avengers: Secret Wars dovrebbe essere girato nuovamente a Vancouver, tra aprile e settembre del prossimo anno, e seguire un analogo periodo di post-produzione di circa 15 mesi. Entrambi i progetti sono descritti come produzioni di grande scala, caratterizzate da un massiccio impiego di effetti visivi, numerosi cameo e possibili sessioni di riprese supplementari. Sempre Hollywood North Buzz segnala che le riprese aggiuntive di Avengers: Doomsday sarebbero programmate per gennaio 2026. La tempistica suggerisce possibili riscritture o modifiche al cast, nell’ambito della regolare fase di aggiustamento delle produzioni Marvel.
La sinossi ufficiale conferma il ritorno di Robert Downey Jr. all’interno dell’universo Marvel, questa volta nel ruolo di Doom. La trama resta però al momento sotto riserbo. Stephen McFeely e Michael Waldron risultano accreditati come sceneggiatori.
Nel 2026 inizieranno le riprese del prequel di “Ocean’s Eleven”, con Margot Robbie e Bradley Cooper nei ruoli principali. Lee Isaac Chung (“Minari”) sarà il regista, mentre Linus Sandgren (“La La Land”, ‘Saltburn’, “Babylon”) sarà il direttore della fotografia. Secondo alcune indiscrezioni, il premio Oscar Benicio del Torosarebbe in trattative per entrare a far parte del cast del prequel. Anche se i dettagli sui personaggi rimangono segreti, sembra che del Toro sia stato preso in considerazione per un potenziale ruolo da antagonista.
Del Toro, Robbie e Cooper formano sicuramente un cast avvincente, ma ci sono ancora altri membri del cast che devono essere rivelati. Il film è in fase di sviluppo alla Warner Bros. dal maggio 2022; a un certo punto, Ryan Gosling avrebbe dovuto recitare al fianco di Robbie, con Jay Roach alla regia, ma poi le cose sono cambiate. Non resta a questo punto che attendere l’ufficialità del coinvolgimento di del Toro, come anche di avere ulteriori dettagli sul film.
Cosa riserva il futuro alla saga di Ocean’s
Sebbene i dettagli della trama siano stati definiti “definitivi”, secondo Deadline, Roger Friedman di Showbiz411 aveva precedentemente riportato che il film si sarebbe intitolato ‘Oceans’, con Cooper e Robbie nei panni dei genitori di Danny Ocean, il personaggio interpretato da George Clooney nella trilogia originale. Sempre stando a quanto riportato, nel film prequel gli Ocean insegneranno ai loro figli, i giovani Danny e Debbie (quest’ultima poi interpretata da Sandra Bullock in Ocean’s 8), l’arte di rubare ai ricchi.
Ambientato sullo sfondo del Gran Premio di Monaco del 1962, il progetto è stato descritto come un’elegante avventura vecchio stile ispirata a “Caccia al ladro” di Hitchcock. La sceneggiatura attuale è di Carrie Solomon, autrice del film Netflix del 2024 “A Family Affair”, che non ha però riscosso molto successo. Solomon non ha altri crediti come sceneggiatrice elencati sulla sua pagina IMDb.
Clayface ha recentemente concluso le riprese e il protagonista Tom Rhys Harries ha condiviso un’altra foto dal set, che ha rapidamente cancellato. L’immagine potrebbe infatti fornire alcuni indizi su cosa aspettarsi dal prossimo film horror della DCU. La teoria prevalente tra i fan è che le parole scritte sui muri e sulla porta siano battute di dialogo. Fuori contesto, non sembrano rivelare troppo, ma ci deve essere un motivo per cui Harries ha rapidamente rimosso questa foto dopo averla condivisa su Instagram (la si può comunque vedere qui).
Il fatto che Clayface abbia un lungo periodo di post-produzione non è troppo sorprendente, soprattutto perché la trasformazione di Matt Hagen richiederà probabilmente molti effetti speciali. Abbiamo visto alcuni effetti pratici nelle foto dal set, ma questi avranno un effetto limitato quando lui diventerà un mostro di argilla a tutti gli effetti. Nei fumetti, Hagen era il secondo Clayface, un avventuriero che si trasformò in un mostro dopo essere entrato in contatto con una pozza radioattiva di protoplasma.
Questo aspetto è stato modificato in Batman: The Animated Series, dove è stato descritto come un attore che ha usato una crema antietà per sembrare più giovane. Dopo essersi messo contro il suo creatore, Roland Daggett, Hagen è stato immerso in una vasca piena di quella sostanza ed è diventato il “classico” Clayface che tutti conosciamo dai fumetti. In ogni caso, possiamo aspettarci di ascoltare le battute scritte sulla porta nel film, anche se non sembrano rivelare poi molto se non grandi conflitti.
Al momento sono stati rivelati pochi dettagli sulla trama, ma abbiamo appreso che Matt Hagen sarà al centro dell’attenzione. Nei fumetti, era il secondo Clayface, un avventuriero che si è trasformato in un mostro dopo aver incontrato una pozza radioattiva di protoplasma. Questo è cambiato in Batman: The Animated Series, dove è stato ritratto come un attore che usava una crema anti-età per sembrare più giovane. Dopo essersi scontrato con il suo creatore, Roland Daggett, Hagen viene immerso in una vasca di quella sostanza e diventa il “classico” Clayface che tutti conoscete dai fumetti.
Stando ad alcuni rumor emersi online, la storia di Clayface sarà incentrata su un attore in ascesa il cui volto è sfigurato da un gangster. Come ultima risorsa, il divo si rivolge a uno scienziato eccentrico per poter ottenere nuovamente il suo fascino. All’inizio l’esperimento ha successo, ma le cose prenderanno presto una piega inaspettata.
Poiché Clayface sarà ambientato nell’universo DC, i fan dovrebbero aspettarsi molti collegamenti con l’universo più ampio, e saremmo molto sorpresi se Batman apparisse o fosse anche solo menzionato. Il produttore Peter Safran ha condiviso alcuni nuovi dettagli sulla sceneggiatura di Flanagan, sottolineando che il film sarà effettivamente un film horror in piena regola, sulla scia di La mosca di David Cronenberg, ma si dice trarrà anche ispirazione dal successo horror di Coralie Fargeat, The Substance.
“Clayface, vedete, è una storia horror hollywoodiana, secondo le nostre fonti, che utilizza l’incarnazione più popolare del cattivo: un attore di film di serie B che si inietta una sostanza per rimanere rilevante, solo per scoprire che può rimodellare il proprio viso e la propria forma, diventando un pezzo di argilla ambulante”, ha dichiarato Safran.
Tom Rhys Harries interpreterà il personaggio principale di Clayface, il film dei DC Studios. Il film vedrà anche la partecipazione di Max Minghella nel ruolo di John, un detective di Gotham City che inizia a nutrire sospetti sulla relazione tra la sua fidanzata Caitlin e Matt Hagen. Naomi Ackie interpreta invece proprio Caitlin Bates, amministratrice delegata di un’azienda biotecnologica che cura Matt dopo che questi è stato sfigurato.
Il film è basato su una storia di Mike Flanagan, attore di La caduta della casa degli Usher (l’ultima bozza è stata firmata da Hossein Amini, sceneggiatore di Drive), con James Watkins, regista di Speak No Evil, alla regia.
Clayface è attualmente previsto per l’arrivo nelle sale l’11 settembre 2026.
Dopo il grande successo ottenuto con We Bury the Dead, Daisy Ridley ha già messo gli occhi sul suo prossimo grande ruolo.
Deadline riporta che la star britannica ha ottenuto il suo prossimo progetto, Killa Bee, che si concentrerà sulla storia vera di Bryony Tyrell, che vive una vita complicata sia come infermiera di terapia intensiva alle prese con “le sfide del servizio sanitario nazionale”, sia come “una delle promesse britanniche della gabbia” durante la notte.
Originaria di Southampton, ha iniziato a praticare kickboxing durante gli anni dell’università fino a raggiungere il livello di cintura nera, dedicandosi anche alle arti marziali. Durante la sua carriera, Tyrell ha vinto diverse cinture entrando nel mondo dei professionisti.
Il film sulla lottatrice di MMA esplora anche la vita di Tyrell, che ha un master in infermieristica e una laurea in biologia molecolare, e che si destreggia tra la vita di madre di due bambini. Ridley ha condiviso la seguente dichiarazione sul portare in vita la storia dell’infermiera attraverso Killa Bee:
Daisy Ridley: La storia di Bryony è una storia di straordinario coraggio e resilienza. Sono rimasta profondamente commossa dal suo viaggio emotivo e stimolante. Non vedo l’ora di portare il suo spirito sullo schermo”.
Knockout Productions sta producendo Killa Bee, insieme a Picture Perfect. Ruth Sewell, che ha scritto i cortometraggi Kill e Fish Love, ha scritto la sceneggiatura di Killa Bee, che sarà diretto da Farah’s Kenton Oxley. Il produttore esecutivo Michael Foster, insieme ai produttori Mark Vennis e Lucinda Thakrar, ha condiviso questa dichiarazione sull’adattamento della vita di Tyrell al cinema:
Bryony Tyrell è stata coinvolta nel progetto con Kenton Oxley sin dall’inizio e sostiene l’idea di portare la sua storia ispiratrice sul grande schermo. Sta fornendo attivamente la sua consulenza sul progetto. Il processo di scrittura della sceneggiatura è stato modellato in stretto dialogo con la famiglia di Bryony, garantendo la verità emotiva e l’integrità creativa in ogni fase. Il regista Kenton, amico di lunga data di Bryony sin dai tempi della scuola, porta nella storia una visione profondamente personale, radicata nella fiducia, nella storia e in una forte lealtà creativa.
Secondo il settore, Capture inizierà le vendite mondiali di Killa Bee prima dell’American Film Market, che si terrà la prossima settimana. Le riprese principali del film con Ridley sono previste per il secondo trimestre del 2026.
Oltre al suo ultimo progetto, l’attrice 33enne sta anche valutando il suo ritorno nell’universo di Star Wars, dato che un film New Jedi Order con Rey è in lavorazione alla Lucasfilm e alla Disney. Killa Bee al momento non ha una data di uscita definita.
La quinta stagione di Only Murders in the Building si è conclusa in grande stile, con il famoso trio di detective dilettanti della serie che ha risolto il suo ultimo misterioso omicidio in un casinò clandestino nascosto all’interno dell’edificio Arconia. Il titolo dell’episodio finale, “The House Always…” (La casa vince sempre…), allude al vecchio adagio del gioco d’azzardo secondo cui la casa vince sempre, cosa che Mabel, Charles e Oliver possono confermare.
Dimostrando ancora una volta di essere all’altezza dei migliori show polizieschi in circolazione, Only Murders in the Building inizia il finale della quinta stagione invalidando il depistaggio con cui ci aveva stuzzicato alla fine del penultimo episodio della stagione. Nonna Caccimelio, infatti, non ha nulla a che fare con l’omicidio del portiere dell’Arconia, Lester Coluca.
Tuttavia, fornisce al trio di podcaster un indizio importante che restringe il campo dei possibili colpevoli, rivelando che il dito trovato da Oliver tra i piatti del buffet del suo matrimonio apparteneva all’amante di sua figlia Sofia. Mentre stanno interrogando i miliardari amici di poker di Nicky Caccimelio sui loro incontri amorosi con Sofia nel casinò dell’Arconia, il vero assassino entra nella stanza.
La migliore serie TV di Steve Martin è un regalo che continua a dare soddisfazioni agli appassionati di gialli, con la quinta stagione che si rivela avere la trama più elaborata e intricata mai vista. Only Murders in the Building ha fatto nuovamente centro, approfondendo i segreti dell’Arconia per smascherare un altro assassino.
Chi ha ucciso Lester alla fine della quarta stagione di Only Murders in the Building
Come avranno intuito gli appassionati di giochi di parole, Lester Coluca è stato ucciso nientemeno che dal sindaco fittizio di New York Beau Tillman, interpretato da Keegan-Michael Key. Only Murders in the Building ha aggiunto Key al cast della quinta stagione a marzo, ma alla fine è stato solo uno dei tanti volti famosi aggiunti allo show.
Only Murders In The Building StagioneIdentità dell’assassinoStagione 1Jan BellowsStagione 2Poppy White/Becky ButlerStagione 3Donna & Cliff DeMeo
È stato il sindaco Tillman a infliggere a Lester una ferita mortale alla testa, nel cortile dell’edificio dove aveva lavorato come portiere per 32 anni. Anche se la modalità della morte stessa potrebbe essere stata accidentale, non c’è dubbio che Tillman fosse intenzionato a compiere un atto violento.
Perché Lester è stato ucciso nel cortile dell’Arconia
Lester è diventato la vittima principale della quinta stagione di Only Murders in the Building quando il sindaco Tillman lo ha scaraventato contro il centro in pietra della fontana del cortile dell’Arconia. Questo atto di violenza ha apparentemente fratturato il cranio dell’anziano portiere con una forza tale da causarne la morte.
Sembra tuttavia che Tillman non avesse intenzione di uccidere Lester. Voleva semplicemente usare la forza fisica per riavere il suo dito mancante, che era convinto Lester gli avesse nascosto. Tillman aveva giustamente ipotizzato che il suo dito perduto potesse essere usato come prova per implicarlo nella morte del mafioso Nicky Caccimelio, l’altra vittima di omicidio nella quinta stagione.
Come è morto Nicky Caccimelio e chi ha fatto sparire il suo corpo
Lo showrunner di Only Murders in the Building, John Hoffman, aveva rivelato ad agosto che la quinta stagione sarebbe stata un mistero mafioso con una differenza, e così è stato con la morte di Nicky Caccimelio. Gli episodi precedenti della stagione sembravano confermare che Lester Coluca avesse ucciso Nicky, ma il finale presenta una versione più complicata di ciò che è accaduto.
Mentre Nicky inseguiva il sindaco Tillman, l’amante di sua moglie, nella sala del casinò dell’Arconia con una mannaia, Lester lo ha colpito alla nuca con una manovella dell’ascensore dell’edificio, implicandolo nel presunto omicidio. In realtà, Nicky è poi caduto su Lester mentre ancora impugnava la mannaia, infliggendosi accidentalmente una ferita mortale.
Il colpo ben assestato alla testa che Nicky ha ricevuto da Lester potrebbe essere stato sufficiente a ucciderlo, anche se questo scenario è improbabile. Più realistico è che Nicky sia stato ucciso dalla ferita inflitta dal coltello da macellaio e che la sua morte sia stata accidentale.
Come rivela Jay, l’interesse amoroso di Mabel, nell’atto finale dell’episodio finale, su ordine del sindaco, lui e gli altri soci miliardari di Nicky, Camila White e Bash Steed, si sono sbarazzati del corpo di Nicky. Hanno usato il telo da pittura di Camila per trasportare il corpo fuori dalla sala del casinò, la camera criogenica di Bash per congelarlo, e Jay stesso lo ha scaricato nella lavanderia a secco di Nicky.
Perché il dito è finito nei gamberetti del matrimonio di Oliver
Il finale della quinta stagione offre un’altra delle battute più divertenti di Oliver Putnam in Only Murders in the Building, quando lui, Charles e Mabel irrompono nella sala del casinò e dichiarano che il sindaco Tillman è l’assassino. “E il suo dito era nel mio gamberetto!” aggiunge Oliver in modo drammatico.
Si scopre che era davvero il dito di Tillman a trovarsi tra gli antipasti del matrimonio di Oliver, ed era stato Lester a mettercelo. Nel caos che è seguito dopo che Nicky ha tagliato il dito a Tillman, è stato colpito alla testa da Lester e poi si è impalato su una mannaia, Lester è scappato al piano di sopra con il dito mancante.
Sperava che potesse essere usato come prova per smascherare il coinvolgimento corrotto di Tillman con mafiosi e finanzieri disonesti, a patto che riuscisse a consegnarlo a Charles, Mabel e Oliver. Ecco perché lo vediamo dire a Tillman poco prima della sua morte: “I miei amici ti prenderanno”. Lo nasconde nell’unico posto in cui sa che lo troveranno: tra il cibo del matrimonio di Oliver.
Naturalmente, il dito è poi finito nelle mani della famiglia Caccimelio, che lo ha rubato dalla casa di Charles e lo ha venduto ai miliardari, che volevano usarlo come leva su Tillman. È Mabel a rivelare che appartiene al sindaco, quando taglia il suo dito finto con lo stesso coltello da macellaio usato da Nicky.
Come Mabel, Charles e Oliver risolvono l’omicidio
Dato che sono podcaster dilettanti di true crime in uno show comico, è difficile mettere Mabel, Charles e Oliver nella stessa categoria dei migliori detective televisivi. Tuttavia, hanno sicuramente un dono raro quando si tratta di risolvere gli omicidi nel loro palazzo, come dimostra la rapida connessione di Mabel tra il nome del sindaco Beau Tillman e l’ultimo messaggio di testo di Lester.
Quando questo messaggio è apparso per la prima volta in “Flatbush”, il sesto episodio della quinta stagione di Only Murders, si è pensato che Lester stesse semplicemente ricordando con nostalgia la prima volta che aveva parlato con sua moglie. In realtà, però, la parola “beautiful” nel messaggio era una versione autocorretta del nome del sindaco “Beau Tillman”.
Mabel risolve questo enigma quando riceve un messaggio simile da Howard, che poi le invia immediatamente un altro messaggio per correggersi, dicendole: “È Beautiful. Scusa, correzione automatica. È Beau Tillman”. Da questo momento in poi, tutti gli indizi vanno al loro posto e Tillman rivela come ha commesso il suo crimine.
La quinta stagione è l’ultima di Only Murders in the Building?
Possiamo confermare con certezza che la stagione 5 non sarà l’ultima della serie, poiché Hulu ha ora confermato il suo rinnovo per la sesta stagione. In un comunicato stampa, il gigante dello streaming di proprietà della Disney ha annunciato quanto segue:
“La serie comica originale di Hulu Only Murders in the Building, prodotta dalla 20th Television, è stata rinnovata per una sesta stagione composta da 10 episodi”.
Questa notizia potrebbe sorprendere alcuni, soprattutto considerando i commenti di Martin Short su quante stagioni Only Murders in the Building potrebbe continuare ad andare avanti, fatti ad agosto. Ma finché c’è ancora richiesta da parte del pubblico, recensioni entusiastiche da parte della critica e un nuovo omicidio da risolvere all’Arconia, non c’è motivo per cui la serie non debba continuare.
Come il finale della quinta stagione prepara Only Murders In The Building alla sesta stagione
È già stato confermato che Only Murders in the Building stagione 6 cambierà location e si trasferirà a Londra, dove Oliver, Charles e Mabel tenteranno di risolvere un omicidio legato all’altra sponda dell’Atlantico. Il finale della stagione 5 si conclude con la rivelazione che l’omicidio su cui indagheranno è quello della podcaster di true crime Cinda Canning, interpretata da Tina Fey.
Canning era un personaggio secondario di spicco nella seconda stagione della serie e, a quanto pare, era appena tornata dalla registrazione di un podcast sui misteriosi omicidi nel Regno Unito quando è stata trovata morta fuori dall’Arconia. Il trio protagonista della serie stava ascoltando il podcast proprio prima di trovare il corpo di Canning.
Questa situazione suggerisce cosa possiamo aspettarci nella stagione 6 di Only Murders in the Building. Si deduce che le indagini di Canning sull’omicidio britannico per il suo podcast “The Girl with the Curls” l’abbiano portata a scontrarsi con qualcuno di pericoloso. La trama si infittisce quando notiamo che Canning stessa indossa una parrucca rossa riccia quando muore.
La serie televisiva spagnola su NetflixRespira (Breathless) vede i lavoratori dell’ospedale Joaquin Sorolla affrontare nuove difficili sfide, poiché la privatizzazione della struttura porta inevitabilmente a una nuova e fastidiosa gestione. Nicolas, un uomo che condivide un passato familiare sfortunato con Biel, prende il controllo dell’ospedale, più desideroso di realizzare profitti che di fare del bene. Tuttavia, il suo arrivo ha il vantaggio di portare con sé una nuova responsabile del reparto di oncologia, Sophie Lafont, che sta lavorando a un trattamento sperimentale rivoluzionario.
Tuttavia, anche se questo si rivela vantaggioso per la presidente Patricia, Nestor non può fare a meno di rimanere sospettoso nei confronti della nuova oncologa e dei suoi metodi. Nel frattempo, il dramma interpersonale tra i professionisti sanitari rimane più vivo che mai, soprattutto perché le conseguenze dell’aggressione subita da Jesica la costringono a prendere decisioni definitive sul suo futuro. Pertanto, quando alcuni volti nuovi entrano nel gruppo, nel bene e nel male, Sorolla si ritrova ad essere un focolaio di disastri in attesa di verificarsi. SPOILER IN ARRIVO!
Cosa succede in Respira – Stagione 2
All’inizio della stagione, Joaquin Sorolla sta attraversando un periodo difficile mentre il personale affronta le conseguenze dell’accoltellamento di Jesica, con Pilar, Biel e altri membri dello staff che si occupano della sua operazione. Contemporaneamente, viene diffusa la notizia dell’imminente privatizzazione dell’ospedale, secondo la decisione del Presidente. Due settimane dopo, la situazione sembra più cupo che mai. Il chirurgo ferito è in convalescenza e Patricia ha assegnato una nuova direzione all’ospedale: Nicolas. Questa decisione si rivela particolarmente sinistra quando Biel rivela che quell’uomo è suo padre, che lo ha abbandonato insieme alla madre durante la sua infanzia dopo la diagnosi di cancro. Nonostante il loro passato tormentato, Nicolas sostiene di essere un uomo cambiato che vuole solo il meglio per l’ospedale e per suo figlio. Inoltre, chiama Sophie Lafont, una rinomata oncologa francese, per supervisionare Patricia attraverso un nuovo trattamento per il suo cancro al seno.
Naturalmente, Nestor è scontento di questo abuso di potere. Di conseguenza, finisce per rivolgersi ai media, che mettono sotto esame le decisioni di Patricia al punto che l’opposizione lancia l’idea di un voto di sfiducia. Questo costringe il presidente ad annunciare una rielezione che avrebbe avuto luogo tre mesi dopo. Dopo questo annuncio, un problema di salute costringe la donna a sottoporsi a un intervento chirurgico, che riduce ulteriormente le sue possibilità di guarigione. Tuttavia, la natura terminale della sua condizione la rende la candidata perfetta per partecipare alla sperimentazione top-secret di Sophie. Poco dopo, l’oncologa viene assunta a Sorolla, che le garantisce l’istituzione e i finanziamenti necessari per continuare la sua promettente ricerca. Inoltre, Nicolas le assegna anche la carica di nuovo capo del reparto di oncologia.
Nello stesso periodo, le condizioni di Jesica peggiorano, soprattutto dopo che entra in uno stato di delirio durante la convalescenza e finisce per riaprire le ferite. Di conseguenza, finisce per perdere il fegato e i reni. Con il passare del tempo, il suo fidanzato Lluís decide di usare la sua posizione di direttore dell’ospedale per falsificare dei documenti che le consentano di ricevere gli organi di un donatore all’ultimo minuto. A sua volta, Nicolas usa questo fatto per avviare un’indagine contro il medico, destituendolo dalla sua posizione. In sua assenza, offre il ruolo a Pilar, che è critica nei suoi confronti ma capace di gestire l’istituto medico. Nel frattempo, Patricia inizia il suo trattamento con Sophie e fa amicizia con uno degli altri partecipanti, Ximo. Pertanto, i suoi sospetti riguardo al trattamento riservato dell’oncologo aumentano quando quest’ultimo paziente inizia a soffrire di effetti collaterali significativi. Quando si allea con Nestor per indagare sulla situazione, scoprono la sua apparente morte e il fatto che ci sono discrepanze nelle sue cartelle cliniche sigillate.
Tornati al Sorolla, il pronto soccorso deve affrontare problemi di sottofinanziamento e carenza di personale. Tuttavia, invece di trovare una soluzione praticabile, Nicolas propone l’idea di stringere una partnership poco saggia con Healock, l’azienda farmaceutica. Nonostante le preoccupazioni di Pilar riguardo a tale partnership, finisce per dare il via libera all’accordo alle sue spalle. Inevitabilmente, questo accordo porta a una serie di complicazioni, soprattutto per Rocio e gli altri operatori del pronto soccorso. Anche se assumono una nuova dottoressa, Hacia, lei finisce per causare attriti generali quando viene coinvolta nel triangolo amoroso tra Jesica, il suo fidanzato Lluís e il suo ex amante Biel. Tuttavia, quest’ultimo ha problemi più gravi da affrontare, poiché finisce per unirsi a Nestor nella sua missione di scoprire il segreto di Sophie e assicurarla alla giustizia. Anche se il loro piano alla fine funziona, Pilar, un’altra collaboratrice, agisce precipitosamente denunciando l’oncologa alle autorità.
Finale della seconda stagione di Respira: Nicolas ha informato Sophie? È morto?
Alla fine, Nestor, Biel e Pilar sono più vicini che mai a catturare Sophie e a svelare la verità sulla sua ricerca disonesta. Una volta ottenute le prove che dimostrano la falsificazione dei dati sulla terapia da parte dell’oncologa francese, Pilar, che ha un conto in sospeso con Nicolas, è fin troppo ansiosa di denunciarla direttamente alla polizia. L’unico motivo per cui il chirurgo aggira qualsiasi comitato è quello di assicurarsi che Sophie non abbia alcuna possibilità di coprire le sue tracce dopo la prima accusa. Pertanto, allo stato attuale, nessuno al di fuori di Pilar, Biel e Nestor è a conoscenza dell’intenzione delle autorità di arrivare a Sorolla per arrestare Sophie. Questo fino a quando Biel finisce per rivelare il segreto a suo padre, Nicolas.
Biel e Nicolas non hanno certo un rapporto molto stretto. Tuttavia, un’emergenza medica a casa del padre avvicina i due in breve tempo. È evidente che l’uomo più anziano è desideroso di sistemare le cose con suo figlio e guadagnarsi la sua fiducia. Per lo stesso motivo, condivide un segreto con il medico residente, rivelando che ha intenzione di entrare a far parte della Healock Pharmaceuticals, alla luce dell’accordo che ha facilitato tra l’azienda e l’ospedale. Nel tentativo di ricambiare la fiducia, il giovane finisce per rivelare a suo padre il piano di Pilar, avvertendolo che le autorità avrebbero indagato su Sophie. Poiché è stato Nicolas a portare la dottoressa a Sorolla, dopo il suo arresto sarà sottoposto a un controllo particolare. Tuttavia, l’arresto non avrà mai luogo. Così, una volta che diventa evidente che Sophie è stata in qualche modo informata del tentativo di arresto, il sospetto immediato di Biel ricade inevitabilmente su Nicolas.
Nonostante ciò, il padre insiste sulla sua innocenza quando viene confrontato al telefono. Si spinge fino ad accettare di difendere la sua causa di persona. Sfortunatamente, nel bel mezzo di questa intensa conversazione telefonica, l’auto di Nicolas finisce per essere tamponata da un camion. Di conseguenza, questo incidente inaspettato lascia due cose in sospeso. In primo luogo, le condizioni di Nicolas rimangono ambigue, poiché le sue possibilità di sopravvivere al grave incidente sono incerte. Inoltre, questo lascia anche irrisolto il mistero del misterioso collaboratore di Sophie. Anche se è probabile che il padre abbia mentito a Biel per salvarsi la pelle, non sarebbe saggio escluderlo così rapidamente. Fin dall’introduzione di Sophie, la narrazione sottolinea che l’oncologa ha contatti in alto luogo. Per lo stesso motivo, è del tutto possibile che la soffiata provenga da altrove, forse anche dalle autorità stesse.
Patricia vincerà la rielezione? È guarita dal cancro?
Uno degli sfortunati effetti collaterali dell’entusiasmo di Pilar nel riferire la notizia rimane l’effetto che ha sui pazienti attuali di Sophie. Anche se la sua terapia è attualmente in fase sperimentale, è riuscita a procurarsi un certo numero di pazienti volontari, come Patricia. Per la presidente e altri come lei, la terapia era l’ultima speranza di guarigione, poiché ogni altra strada era fallita. Nel caso particolare di Patricia, la terapia sembra addirittura funzionare, quasi curandole le varie cellule tumorali presenti nel suo corpo. Tuttavia, quando Pilar denuncia Sophie, la seduta della politica non è ancora terminata.
Pertanto, una volta che Nestor si rende conto che l’arrivo delle autorità a Sorolla porterà alla chiusura del trattamento, non ha altra scelta che avvisare Patricia. Patricia ha già molto da fare, compresa la rielezione. Si dà il caso che la polizia sia pronta a fare irruzione nell’ala di ricerca di Sophie la notte dei risultati delle elezioni. Pertanto, quando Nestor cerca di accelerare le sedute della politica nel corso di un solo giorno, lei si oppone all’idea. Saltare eventi e comizi la notte della sua possibile rielezione sarebbe un incubo per la presidente, soprattutto perché da tempo mente al pubblico dicendo di essere completamente guarita dal cancro.
Per lo stesso motivo, decide di rimanere con il suo team lontano dall’ospedale mentre la serata volge al termine. Quando si rende conto che sta mettendo a rischio tutta la sua vita, sembra già troppo tardi. Anche il piano rischioso di Nestor di rubare l’ultima dose del trattamento per completare la sua sessione fallisce, poiché il laboratorio di Sophie è stato misteriosamente ripulito. Così, la fine della serata porta una realtà polarizzante per Patricia. Nonostante la natura tesa della sua campagna di rielezione, finisce per vincere, consolidando nuovamente la sua posizione di presidente. Tuttavia, nel bel mezzo dei festeggiamenti, nasconde un segreto enorme. Anche se la cura di Sophie l’ha quasi completamente guarita dal cancro, senza l’ultima seduta è destinato a ripresentarsi.
Cosa nasconde Sophie? Verrà scoperta?
Nestor rimane sospettoso nei confronti di Sophie e della sua cura fin dall’inizio, quando lei insiste costantemente per escluderlo dalla sua ricerca in nome della riservatezza. Sospetta che l’ambiguità che circonda la sua reputazione e la sua abitudine di cambiare continuamente ospedale siano chiari tentativi di nascondere una potenziale storia di cattiva condotta. Inizialmente, Patricia è d’accordo con i suoi piani investigativi. Tuttavia, cede quando Sophie riesce a dimostrare che la sua cura ha effettivamente funzionato per Ximo e che il cancro non è stato la causa della sua morte. Tuttavia, più o meno nello stesso periodo, Biel, che lavora come tirocinante nella sperimentazione di Sophie, scopre alcune prove schiaccianti contro l’oncologa.
Biel scopre che Sophie ha manomesso i dati sui sintomi e gli effetti collaterali del trattamento, modificandoli per presentarli in modo più favorevole nel programma ufficiale. Tuttavia, la rapida occhiata che il tirocinante riesce a dare non è affatto sufficiente per costituire una prova adeguata per intraprendere un’azione ufficiale. Fortunatamente, con un piccolo aiuto da parte di Pilar, riescono a simulare un codice rosso in ospedale, che fa guadagnare al medico oncologo il tempo necessario per ottenere informazioni dall’hard disk personale di Sophie. In questo modo, scoprono che, anche se Sophie sostiene che il suo trattamento ha un tasso di successo del 60%, la statistica reale è più vicina al 40%. Ciò significa che ha utilizzato dati falsificati per portare avanti la sua ricerca e convincere i pazienti a partecipare alle sperimentazioni. Di conseguenza, molti di loro, come Ximo, non sono nemmeno consapevoli delle probabilità a cui si stanno sottoponendo. Tuttavia, Nestor e Biel inizialmente hanno entrambi delle riserve sullo stop all’intero trattamento, poiché la discrepanza nelle statistiche non è astronomicamente alta. Ciononostante, Pilar prende la decisione finale. Tuttavia, nonostante le azioni intraprendenti del chirurgo, Sophie riesce comunque a svignarsela.
Cosa è successo a Lola? È sopravvissuta?
Questa stagione introduce una nuova trama romantica per l’anestesista Quique, la cui vita sentimentale è notoriamente in crisi. La sua relazione con Oscar finisce presto, in parte a causa del suo desiderio e della decisione del giovane di iniziare a curare il suo disturbo bipolare. Tuttavia, non ci vuole molto perché un nuovo uomo misterioso appaia all’orizzonte. Inizialmente, il chirurgo Jon Balanzetegui non porta altro che guai a Quique. Tuttavia, col passare del tempo, i due iniziano ad avvicinarsi. Quest’ultimo ha paura di iniziare una relazione con Jon perché lui è padre e sta divorziando. Le persistenti complicazioni relative alla custodia dei figli costringono l’altro uomo a stare lontano da scene di festa potenzialmente scandalose.
Pertanto, Jon rappresenta un nuovo tipo di pericolo per Quique. Avendo una relazione con lui, accetta una relazione più domestica, priva di sguardi rubati e appuntamenti segreti. Tuttavia, sostituirà anche i rave notturni con la colazione con il suo ragazzo e sua figlia. Nonostante tutto, questa realtà finisce per andare abbastanza bene all’anestesista. Questo fino a quando non si verifica una tragedia e la figlia di Jon, Lola, finisce al pronto soccorso. In seguito, i risultati mostrano che le sue condizioni sono state causate dall’ecstasy che aveva trovato a casa di suo padre. Naturalmente, Quique, le cui tendenze festaioli sono ben note, rimane l’unico sospettato. Alla fine, Lola riesce a sopravvivere all’incidente, superandolo, cosa che non si può dire della relazione tra Quique e Jon.
Irene partorirà? Lei e il suo bambino sopravviveranno?
Irene, la compagna di Nicolas, vive una gravidanza complicata fin dal primo trimestre. Dopo aver avuto un episodio, i medici scoprono che il feto nel suo grembo ha un tumore, che ne renderà quasi impossibile la sopravvivenza. Tuttavia, poiché lei rimane riluttante ad abortire, non hanno altra scelta che operare sia lei che il feto. L’operazione, sebbene snervante, alla fine ha successo. Tuttavia, questa non è la peggiore delle esperienze di Irene. Il giorno dei risultati delle elezioni, Nicolas riesce a convincere Biel a cenare a casa sua, un evento a cui quest’ultimo coinvolge Lucia. Tuttavia, tutti i piani per una piacevole cena vanno in fumo quando la compagna di Nicolas entra inaspettatamente in travaglio.
Anche se Irene è lontana dalla data prevista per il parto, Lucia si rende conto che non c’è modo di evitare il travaglio e che la donna dovrà semplicemente partorire il bambino prematuramente. A peggiorare le cose, i precedenti controlli hanno rivelato che il bambino è in posizione podalica. Per lo stesso motivo, la soluzione più sicura sarebbe quella di procedere con un parto cesareo. Tuttavia, data la posizione remota della casa di Nicolas, sarebbe impossibile per un’ambulanza arrivare sul posto in tempo. Alla fine, Lucia e Biel devono eseguire il parto cesareo da soli, utilizzando strumenti improvvisati e con Leo al telefono che li guida durante il processo. Nonostante le difficoltà, le loro competenze esperte assicurano la sopravvivenza sia di Irene che di suo figlio.
La serie televisiva spagnola diNetflixRespira (Breathless) offre un’esperienza avvincente ai suoi spettatori. Ambientata nell’ospedale Joaquín Sorolla di Valencia, in Spagna, i personaggi centrali si uniscono per creare un dramma medico che è allo stesso tempo accattivante e stimolante. La serie, originariamente intitolata “Respira”, segue Biel, un medico interno di un ospedale pubblico che affronta giornate frenetiche piene di cure d’emergenza e gestione delle risorse per fornire il miglior trattamento possibile ai suoi pazienti. Tuttavia, le sue sfide rivelano che la realtà è ben lontana dall’ideale.
In un sistema sanitario pubblico alle prese con la carenza di risorse, le condizioni di lavoro dei medici negli ospedali sono ben lontane da quelle che meritano. Quando arriva un paziente di alto profilo, le tensioni latenti vengono a galla. Viene annunciato uno sciopero dei professionisti del settore medico, lasciando Biel combattuto tra il sostegno alla causa e il suo impegno nei confronti dei pazienti, che secondo lui non dovrebbero soffrire a causa di queste circostanze. Creata da Carlos Montero, noto per “Elite”, la serie solleva questioni importanti e, date le crescenti crisi sociali e istituzionali, ci si potrebbe chiedere se gli eventi siano basati su una storia vera.
I creatori di Respira hanno prestato grande attenzione all’accuratezza sul set
Scritta da Carlos Montero, Carlos Ruano, Guillermo Escribano e Pablo Saiz, la serie TV di otto episodi non è basata su alcuna storia o incidente reale. Tuttavia, il team ha condotto ricerche approfondite e lavori preparatori per cogliere l’essenza del settore sanitario pubblico del Paese. Il risultato è un ambiente iperrealistico in cui personaggi di fantasia si incontrano e interagiscono. In questo modo, sono riusciti a sollevare questioni di grande rilevanza per il dibattito politico in Spagna e nel mondo.
L’ospedale Joaquín Sorolla, dove è ambientata la serie, è stato realizzato con meticolosa attenzione ai dettagli. Il set è quasi una struttura permanente, con solo alcune pareti progettate per essere mobili per facilitare le riprese. I creatori e tutti i membri del team di produzione si sono impegnati a rendere l’ospedale il più realistico possibile, prestando molta attenzione anche ai minimi dettagli. Ad esempio, i nomi sulle liste d’attesa dei pazienti, i poster alle pareti e persino le etichette sui flaconi dei medicinali sono stati creati con grande precisione. Ci sono voluti quasi sei mesi per completare il set, migliorando notevolmente l’esperienza immersiva degli spettatori.
In un’intervista, Montero ha detto di essere rimasto impressionato da ciò che era stato creato la prima volta che è entrato sul set. Tuttavia, a differenza di un ospedale perfettamente funzionante, ha notato che tutto era troppo ordinato e pulito. Durante le riprese sono stati aggiunti graffi, carrelli abbandonati, scarabocchi sui muri e altri piccoli dettagli per aumentare l’autenticità. Questi tocchi hanno reso il set più simile a un vero ospedale, conferendo alla serie un maggiore senso di realismo.
Echi delle proteste della vita reale in Respira
Inoltre, lo sciopero dei professionisti del settore medico non è raro nella storia spagnola. La prima grande protesta è avvenuta nel 2012, durante il picco della crisi finanziaria spagnola. Conosciuta come il movimento “Marea Bianca”, questa serie di manifestazioni ha visto gli operatori sanitari di tutto il paese scendere in piazza per opporsi alle misure di austerità imposte dal governo. Queste misure includevano tagli al bilancio, privatizzazione dei servizi sanitari e licenziamenti del personale, con gravi ripercussioni sulla qualità dell’assistenza. I professionisti del settore medico, vestiti con camici bianchi, hanno guidato massicce manifestazioni in città come Madrid e Barcellona, protestando contro il deterioramento del sistema sanitario pubblico.
Un’altra importante protesta medica in Spagna si è verificata nel 2018, quando i medici di base della Catalogna hanno organizzato uno sciopero di cinque giorni per chiedere migliori condizioni di lavoro e più tempo da dedicare ai pazienti. Questa protesta ha messo in evidenza la cronica carenza di personale e il sovraccarico di lavoro dei medici, che spesso erano costretti a visitare fino a 40 pazienti al giorno con poco tempo a disposizione per fornire cure di qualità. L’opinione pubblica ha ampiamente sostenuto lo sciopero, poiché molte persone erano frustrate dai lunghi tempi di attesa e dal calo degli standard nell’assistenza sanitaria di base. Le proteste hanno risposto ad anni di tagli ai finanziamenti sanitari, che avevano lasciato il sistema a corto di risorse e sovraccarico. A seguito dello sciopero, il governo catalano ha accettato di assumere più medici e ridurre il carico di pazienti, riconoscendo le questioni critiche sollevate dai manifestanti.
Pertanto, Respira non è solo un’opera creativa che esiste in modo isolato e senza contesto. Oltre al suo obiettivo di intrattenere il pubblico con un dramma ad alto rischio, sottolinea anche il potere della voce del popolo e il suo potenziale di apportare cambiamenti sostanziali. Evidenziando un incidente, anche se fittizio, la serie svolge un ruolo significativo nel fissarlo nella memoria del pubblico e nel ricordargli che il cambiamento è sempre a portata di mano.
Un nuovo film biografico su Audrey Hepburn sta attualmente cercando l’attrice perfetta per interpretare la Hepburn, ma non sarà Lily Collins, che per anni è stata considerata dai fan la candidata ideale per interpretare la defunta attrice.
Deadline ha riportato che il nuovo film biografico su Hepburn, intitolato Dinner With Audrey, ha scelto come protagonista Thomasin McKenzie, nota per i suoi ruoli in Late Night in Soho e Jojo Rabbit. Ansel Elgort apparirà al fianco della Hepburn interpretata da McKenzie nel ruolo dello stilista Hubert de Givenchy. Michael Shannon, due volte candidato all’Oscar, potrebbe partecipare al progetto.
Dinner With Audrey è diretto da Abe Sylvia, che ha al suo attivo Palm Royale,Dead to Me e The Eyes of Tammy Faye. Il film esplorerà i 40 anni di amicizia tra la Hepburn e lo stilista de Givenchy nel corso di una magica notte a Parigi. La cena ha dato il via alla loro lunga collaborazione sugli abiti più iconici della Hepburn, tra cui quelli di Colazione da Tiffany, Cenerentola a Parigi, Sciarada e Sabrina.
Kara Holden, nota per Clouds e Carrie Pibly, sta scrivendo la sceneggiatura. Ashok Amritraj e Priya Amritraj produrranno il film biografico attraverso Hyde Park insieme a Mad Chance e Wayfarer.
McKenzie reciterà nella parodia britannica Fackham Hall al fianco di Tom Felton ed è la voce narrante dell’ultimo film di Mona Fastvold, The Testament of Anne Lee, al fianco di Amanda Seyfried. Elgort è noto per The Fault in Our Stars, West Side Story e Baby Driver.
L’amicizia tra la Hepburn e de Givenchy iniziò nel 1953 e durò fino alla morte dell’attrice, avvenuta nel 1993 all’età di 63 anni a causa di un tumore all’appendice. De Givenchy descriveva spesso la defunta attrice come sua sorella e musa ispiratrice. Si incontrarono per la prima volta quando la Hepburn entrò nell’atelier parigino di Givenchy nel 1953, mentre lui stava aspettando Katharine Hepburn. La loro prima collaborazione fu il guardaroba per il suo ruolo in Sabrina.
Givenchy si ritirò dalla moda nel 1995 e pubblicò un libro con bozzetti di moda intitolato To Audrey with Love, che fu poi oggetto di una mostra nel 2016. Lo stilista francese morì all’età di 91 anni nel 2018.
Molti hanno spesso immaginato Collins nei panni della Hepburn per via delle loro somiglianze fisiche, e la Collins rende spesso omaggio allo stile unico e iconico della Hepburn nella sua ultima serie Netflix, Emily in Paris. Tuttavia, la McKenzie ha un tono di voce morbido e lineamenti simili a quelli della Hepburn e ha offerto interpretazioni crude ed emozionanti nei suoi ultimi ruoli, che possono essere paragonati a quelli della Hepburn.
La CBS ha fatto centro con la sua esilarante sitcom The Neighborhood, che ora tornerà per la sua ottava e ultima stagione. Creata per il piccolo schermo da Jim Reynolds (e debuttata nel 2018), la serie segue la famiglia Johnson, bianca e originaria del Midwest, che si trasferisce in un quartiere prevalentemente nero di Los Angeles. Sebbene la famiglia, eccessivamente cordiale, susciti qualche malumore, stringe un’insolita amicizia con i vicini, i Butler. La sitcom tocca molti temi familiari relativi allo scontro culturale già affrontati in programmi precedenti, ma lo fa con un senso dell’umorismo moderno e aperto.
Le migliori sitcom di tutti i tempi in genere si allontanano dalle trame più attuali, ma The Neighborhood non ha mai avuto paura di affrontare temi scottanti senza alienare il pubblico. Gli spettatori hanno visto le famiglie Johnson e Butler crescere e cambiare insieme nel corso dei quasi dieci anni di durata dello show, e questo tipo di continuità lo ha reso uno dei gioielli della corona della CBS. Purtroppo, The Neighborhood sta iniziando a concludere la sua impressionante permanenza in onda. Anche se la CBS ha rinnovato lo show per l’ottava stagione, questa sarà anche l’ultima.
Ultime notizie su The Neighborhood – Stagione 8
La CBS rinnova e cancella The Neighborhood
Con la rete in uno stato di cambiamento, le ultime notizie confermano che la CBS ha rinnovato e cancellato The Neighborhood. Con una doppia mossa, la CBS ha deciso di riportare le famiglie Butler e Johnson per un’ottava stagione, annunciando al contempo che la stagione 8 sarà l’ultima per The Neighborhood. Questo annuncio arriva in mezzo a una serie di altre cancellazioni alla CBS, e la rete ha già eliminato FBI: International, FBI: Most Wanted e, forse la più controversa di tutte, S.W.A.T.con Shemar Moore.
La CBS aveva precedentemente ordinato uno spin-off di The Neighborhood con Sheaun McKinney e Marcel Spears, che avrebbe dovuto debuttare durante la stagione televisiva 2025-2026. Tuttavia, la rete ha infine deciso di non portare avanti il progetto.
L’ottava stagione di The Neighborhood è confermata come l’ultima
Ritorno a The Neighborhood un’ultima volta
Anche se The Neighborhood è diventata una delle sitcom più popolari della TV generalista odierna, il suo futuro non è mai stato certo alla CBS. Alla fine, la rete ha deciso di rinnovare lo show nel marzo 2025. Tuttavia, con l’avvertenza che l’ottava stagione di The Neighborhood sarebbe stata l’ultima della serie originale. Durante i suoi quasi dieci anni di programmazione, The Neighborhood è stato un successo costante per la CBS, ma tra una serie di cancellazioni, è chiaro che la rete è in uno stato di cambiamento.
The Neighborhood è stato un appuntamento fisso dell’autunno sin dalla sua prima messa in onda, e non c’è motivo per cui l’ottava e ultima stagione non debba seguire lo stesso programma.
Poiché l’ordine di rinnovo è ancora recente, ci sono pochi dettagli sulla prossima stagione finale della serie. La maggior parte delle informazioni sono semplicemente supposizioni e ipotesi plausibili a questo punto. Tuttavia, dato che la CBS sta cercando di eliminare The Neighborhood dal suo palinsesto futuro, la sitcom probabilmente debutterà nell’autunno del 2025. Come la maggior parte dei programmi televisivi, The Neighborhood è stato un appuntamento fisso autunnale sin dalla sua prima messa in onda, e non c’è motivo per cui l’ottava e ultima stagione non debba seguire lo stesso programma.
Dettagli sul cast dell’ottava stagione di The Neighborhood
I Johnson e i Butler torneranno
Le sitcom si affidano alla coerenza del loro cast per garantire continuità da una stagione all’altra, e il legame tra i Johnson e i Butler è il vero cuore di The Neighborhood. Pertanto, non ci saranno grandi cambiamenti nell’ottava stagione e Cedric the Entertainer tornerà ancora una volta a interpretare il burbero ma adorabile Calvin Butler. Ad affiancarlo ci sarà il suo vicino, Dave Johnson (interpretato da Max Greenfield), con cui non sempre va d’accordo. Tichina Arnold tornerà nei panni della molto più comprensiva Tina, moglie di Calvin, mentre Beth Behrs riprenderà il ruolo di Gemma, moglie di Dave.
Anche il resto delle famiglie Johnson e Butler dovrebbe tornare, compreso il giovane Hank Greenspan nei panni di Grover Johnson, il precoce ragazzino. Anche i figli di Calvin e Tina, Marty (il più giovane, interpretato da Marcel Spears) e Malcolm (il più grande, interpretato da Sheaun McKinney), torneranno come personaggi fissi della serie, vista la cancellazione dello spin-off The Neighborhood. Anche Courtney, interpretata da Skye Townsend, è diventata parte integrante della trama da quando ha avuto un bambino con Marty nella sesta stagione.
Dettagli sulla trama dell’ottava stagione di The Neighborhood
Le famiglie Butler e Johnson crescono insieme
È impossibile prevedere esattamente cosa accadrà nella stagione 8 di The Neighborhood, dato che la serie segue ogni anno una formula sitcom molto familiare. Molti episodi contengono solitamente una storia autonoma che esplora un conflitto che viene tipicamente risolto entro la fine. Tuttavia, alcune cose si protrarranno nel futuro, tra cui il percorso genitoriale di Marty e Courtney. Inoltre, dovrebbe entrare in gioco la lotta dei Johnson con Grover che diventa adolescente e Calvin e Tina che diventano genitori con figli ormai grandi.
Durante un’intervista con TV Insider dopo il finale della settima stagione di The Neighborhood, Cedric the Entertainer ha anticipato qualcosa sugli episodi finali della serie. Ha detto: “Non sappiamo esattamente dove andrà a parare la nostra serie, ma per me un buon finale di serie ti dà sempre qualcosa da cui trarre ispirazione, che possa accadere o meno, ma alla fine tutti i tuoi eroi hanno un finale da eroi”.
Gli eventi del finale della settima stagione di The Neighborhood avranno anche un profondo effetto sui prossimi episodi. Durante il finale in due parti, Marty e Malcolm si trasferiscono in una nuova casa a Venice Beach. L’uscita di scena dei due personaggi dalla casa dei genitori avrebbe dovuto preparare il terreno per lo scartato spin-off di Marty e Malcolm di The Neighborhood, ma ora che la CBS non porterà avanti lo show, l’ottava stagione incorporerà le loro nuove avventure. Come sempre, però, lo scontro culturale tra le famiglie sarà il cuore di The Neighborhood, che dovrebbe risultare veritiero nella stagione 8.
Jared Leto ha debuttato nei panni del Joker nel film Suicide Squad del 2016, e qualcosa di curioso è successo con la sua interpretazione. Prima dell’uscita del film, c’era molta eccitazione intorno alla sua scelta per il ruolo. Poi, è stata rilasciata una prima immagine del personaggio e le aspettative nei suoi confronti sono radicalmente cambiate. Ma il peggio doveva ancora arrivare. Il film è stato universalmente disapprovato al momento dell’uscita, e una delle critiche più grandi riguardava proprio il Joker di Leto.
Il film è poi rimasto l’unica incursione dell’attore nell’universo DC per alcuni anni, al punto che sembrava destinato a essere l’ultima. Tuttavia, le cose sono cambiate quando Zack Snyder è stato richiamato dalla Warner Bros. per completare la sua versione di Justice League. Con una mossa a sorpresa, Leto è tornato nei panni del Principe Clown del Crimine per una sequenza post-apocalittica.
Alla fine, la Zack Snyder’s Justice League sarebbe diventata l’ultimo film in cui abbiamo visto il personaggio. Tuttavia, sempre grazie a Snyder, ora abbiamo una nuova immagine del personaggio con un look completamente nuovo. Continuando la sua tendenza a condividere immagini dei progetti DC passati, il regista ha infatti pubblicato questa foto inquietante del Joker di Leto.
Il post era accompagnato dalla didascalia: “Obiettivo 50 mm Dream Leica monocromatico”. Sebbene breve, il suo ritorno nei panni del Joker nella Justice League rielaborata ha permesso al cattivo di Leto di interagire con il Batman di Ben Affleck sullo schermo per la prima volta nel DCEU (anche se gli attori hanno girato le loro scene separatamente). Ad ogni modo, l’immagine ci mostra un Joker potenzialmente pronto allo scontro, cosa che purtroppo non abbiamo avuto modo di vedere nel DCEU.
Diane Ladd è morta all’età di 89 anni. Nata il 29 novembre 1935 a Laurel, nel Mississippi, Ladd è stata candidata tre volte all’Oscar come migliore attrice non protagonista per le sue interpretazioni in Alice non abita più qui (1974) di Martin Scorsese, Cuore selvaggio (1990) di David Lynch e Rambling Rose (1991), con quest’ultimo che l’ha vista recitare insieme alla figlia Laura Dern.
In una dichiarazione rilasciata a The Hollywood Reporter, Laura Dern ha condiviso la notizia della morte di sua madre Diane Ladd. “La mia straordinaria eroina e il mio dono più grande, mia madre Diane Ladd, è venuta a mancare questa mattina, con me al suo fianco, nella sua casa di Ojai, in California. Era la figlia, la madre, la nonna, l’attrice, l’artista e lo spirito empatico più straordinari che solo i sogni avrebbero potuto creare. Siamo stati fortunati ad averla. Ora sta volando con i suoi angeli”.
Diane Ladd era una classica bellezza del sud e un’attrice vivace, nota per le sue interpretazioni intense che combinavano forza, vulnerabilità, umorismo e fascino. Il ruolo che le ha dato la notorietà, quello di Flo, la cameriera dalla lingua tagliente e dai capelli voluminosi in Alice non abita più qui, ha messo perfettamente in mostra il suo talento. Quel film ha segnato anche il debutto di sua figlia Laura Dern, che appare brevemente nella scena finale mentre mangia un cono gelato in una tavola calda all’età di 7 anni.
Il talento di Ladd per l’improvvisazione l’ha aiutata a ottenere il ruolo di Marietta Fortune, la madre autoritaria ed emotivamente segnata di Lula (interpretata sempre da Laura Dern), in Cuore selvaggio. Madre e figlia si sono poi riunite sullo schermo l’anno successivo in Rambling Rose, in cui Ladd interpretava un’eccentrica matriarca del Sud la cui famiglia viene gettata nel caos quando la tormentata Rose (interpretata da Dern) diventa la loro domestica. Anche Dern ha ricevuto una nomination all’Oscar per la sua interpretazione.
Ladd ha incontrato il suo ex marito, l’attore Bruce Dern, in una produzione off-Broadway nel 1958. I due si sono sposati nel 1960 e Ladd ha debuttato al cinema al fianco di lui in The Wild Angels (1966). Ladd ha dato alla luce la loro figlia, Laura Dern, nel 1967, e i due hanno divorziato nel 1969. Tra i film interpretati da Diane Ladd figurano anche Chinatown(1974), Something Wicked This Way Comes (1983), National Lampoon’s Christmas Vacation (1989), Primary Colors (1998) e, più recentemente, Joy(2015).
Tracker stagione 3, episodio 3, “First Fire”, segna la fine di un’era per la serie di successo di Justin Hartley. In testa alla programmazione della CBS per il 2025-2026, la serie procedurale basata sul romanzo “The Never Game” ha riscosso un enorme successo sin dal suo debutto nel febbraio 2024. È impressionante come sia riuscito a mantenere il suo posto come programma televisivo numero 1 nonostante la forte concorrenza di serie consolidate e programmi più recenti.
Aprendo la Tracker – stagione 3 con uno speciale di due episodi, la serie di Hartley ha immediatamente chiarito che non ha intenzione di rallentare il ritmo. Dopo non essere tornato per un’altra apparizione nella seconda stagione, Jensen Ackles ha ottenuto un ruolo più importante, apparendo nei primi due episodi di quest’anno. Tuttavia, man mano che le cose iniziano a stabilizzarsi in “First Fire”, i cambiamenti in Tracker diventano più evidenti, portando alla fine definitiva della sua serie originale.
Tracker Stagione 3, Episodio 3 Completa il Rinnovamento della Squadra di Colter Shaw
Prima del suo ritorno in prima serata, è stato annunciato che Abby McEnany ed Eric Graise non sarebbero tornati nei panni di Velma e Bobby nella terza stagione di Tracker. Francamente, non è ancora chiaro perché siano stati eliminati dalla serie, soprattutto perché entrambi hanno fatto parte della squadra di Colter fin dall’inizio come suoi assistenti e supporto tecnico/informativo. In precedenza, Tracker aveva già perso Robin Weigert nel ruolo di Teddi.
Randy ha effettivamente assunto il ruolo di Bobby in Tracker. Infatti, ha persino stabilito un legame con Reenie trasferendosi nel suo ufficio. Non ci sono stati indizi che lo show stia cercando di sostituire anche Velma; lo show non ha portato nessuno a riempire il posto lasciato libero da Teddi. La situazione cambia, tuttavia, nella terza stagione di Tracker, episodio 3, con l’assunzione di Mel. Lei svolgerà essenzialmente il lavoro che Velma svolgeva sia per Reenie che per Colter. Se rimarrà nel suo posto di lavoro, tuttavia, è tutta un’altra storia.
Vale la pena notare che, sebbene Reenie sia ancora in Tracker, non ha mai fatto parte della squadra di Colter sin dall’inizio. Inizialmente, appariva solo quando c’era un intoppo legale nella missione. Da allora, però, il suo ruolo si è ampliato. Ma per quanto riguarda il vero sistema di supporto di Colter, tutti i suoi membri sono già stati sostituiti, segnando così la fine di un’era per Tracker.
Velma, Teddi e Bobby torneranno mai in Tracker?
Nessuno dei personaggi usciti da Tracker ha avuto un addio adeguato. La loro uscita di scena è avvenuta fuori dallo schermo, con la loro sorte spiegata successivamente attraverso scene espositive. A quanto pare, Bobby ha accettato un lavoro redditizio in una start-up tecnologica, mentre Velma si è riunita con Teddi. Pragmaticamente, tutti i personaggi hanno avuto un’uscita di scena felice e, dato che nessuno di loro è morto, possono essere facilmente reinseriti nella serie.
Il loro ritorno dipende ora dagli sceneggiatori di Tracker, che devono decidere se c’è una valida ragione narrativa per la loro ricomparsa. Naturalmente, dipende anche dalla disponibilità degli attori a riprendere i loro ruoli, ma ci deve essere una giustificazione narrativa per il loro ritorno. Sarebbe irrispettoso riportarli in Tracker per un cameo forzato.
Il futuro della serie The Expendables è stato confermato dopo lo scarso successo di Expend4blesnel 2023. ConSylvester Stallone nel ruolo principale, questa serie d’azione con un cast stellare è iniziata nel 2010, ma l’accoglienza riservata all’ultimo film ha sollevato grandi interrogativi sul suo futuro.
Due anni dopo, Lionsgate ha annunciato di aver acquisito i diritti del franchise Expendables da Millennium Media. Questo accordo conferisce allo studio, che ha distribuito i quattro film del franchise in Nord America e nel Regno Unito, i diritti per sviluppare e produrre tutti i futuri film, programmi TV e videogiochi di quell’universo.
L’accordo tra Lionsgate e Millennium Media include anche i diritti di distribuzione globale del prossimo film prequel di Rambo, John Rambo. Noah Centineo è attualmente in fase di trattative finali per interpretare il ruolo principale precedentemente interpretato da Stallone. Lionsgate è anche diventata lo studio principale e partner di produzione di tutti i futuri film di Rambo.
Il COO di Lionsgate, Brian Goldsmith, ha rilasciato la seguente dichiarazione sull’accordo, esprimendo entusiasmo per il futuro delle serie Expendables e Rambo:
“Questo accordo amplia il portafoglio di Lionsgate di franchise d’azione che definiscono il genere e rafforza il nostro impegno a fornire IP di livello mondiale su più piattaforme. Siamo entusiasti di reimmaginare sia The Expendables che Rambo al cinema e in televisione e, con John Rambo, stiamo riunendo un team creativo audace per reinventare un personaggio classico per una nuova generazione di fan”.
Anche il presidente della Millennium Media, Jonathan Yunger, ha rilasciato una dichiarazione, elogiando Lionsgate come partner forte per il futuro di queste due proprietà:
“Abbiamo sempre creduto nel potere duraturo di questi franchise, e questa partnership offre loro la portata, il supporto creativo e la diffusione globale che meritano. La solida esperienza di Lionsgate con le principali proprietà d’azione la rende il partner ideale per contribuire a plasmare i prossimi capitoli di The Expendables e Rambo”.
L’annuncio include la conferma che Jalmari Helander (Sisu) dirigerà John Rambo e che le riprese del progetto inizieranno il prossimo anno in Thailandia.
Per quanto riguarda il franchise di The Expendables, l’accordo è un segno che questa proprietà intellettuale non è ancora morta. Dopo il successo commerciale dei primi tre film, con The Expendables 2 (2012) che ha segnato il record del franchise con 314 milioni di dollari incassati in tutto il mondo, il quarto capitolo ha fatto registrare un crollo con soli 51 milioni di dollari. Con un budget stimato di 100 milioni di dollari, il film è stato un fallimento significativo.
Dopo aver recitato in tutti e tre i film precedenti, il personaggio di Stallone, Barney Ross, passa in secondo piano in The Expendables 4, che doveva servire da passaggio di testimone a una generazione più giovane di star d’azione, tra cui Jason Statham e Megan Fox. Il punteggio del 14% su Rotten Tomatoes, insieme al risultato al botteghino, suggerisce che il film sia stato ampiamente rifiutato dal pubblico.
La domanda principale che si pone per i film futuri è se riporteranno attori come Stallone, Statham, Fox, 50 Cent, Dolph Lundgren e Iko Uwais, tra gli altri, o se ricominceranno da zero con un nuovo cast di star. Data la reazione a Expend4bles, la seconda ipotesi sembra più probabile, ma Statham rimane una star di successo, grazie a film come The Meg (2018) e The Beekeeper (2024).
Invece di tornare sul grande schermo, è certamente possibile che il franchise faccia prima un tentativo sul piccolo schermo, il che sarebbe un interessante test dell’appeal dell’IP su diversi media. Resta da vedere cosa riserva il futuro a The Expendables, ma il franchise, proprio come Barney Ross di Stallone, è evidentemente difficile da uccidere.
Il finale della prima stagione di One Piecedi Netflix è tutt’altro che definitivo, con molti misteri da risolvere, capitoli da adattare e mari da esplorare per Monkey D. Rufy. Seguendo lo stesso formato dell’iconica serie anime e manga di Eiichiro Oda, la prima stagione di One Piece comprendeva una serie di brevi archi narrativi che introducevano i primi cinque membri dei Pirati di Cappello di Paglia al cast live-action di One Piece. Questa saga iniziale è culminata in una battaglia per la libertà di Nami contro i temibili pirati di Arlong dell’East Blue. Spinto dalla rabbia per la crudeltà dell’uomo-pesce, Rufy ha scatenato le sue tecniche Gum Gum più letali per sconfiggere Arlong e distruggere il suo quartier generale, un parco acquatico. Il villaggio di Nami ha finalmente assaporato la libertà.
Il finale di One Piece ha poi visto Rufy confrontarsi con la trama secondaria, ovvero suo nonno, Monkey D. Garp. Piuttosto che arrestare suo nipote per pirateria, il pestaggio di Garp si è rivelato essere una prova per assicurarsi che il pirata alle prime armi fosse pronto per i pericoli della Rotta Maggiore. Soddisfatto della convinzione di Rufy, Garp ha permesso ai Cappelli di Paglia di salpare, con il quintetto che ha consolidato il proprio status di vera ciurma pirata tramite il cerimoniale calcio al barile. Inevitabilmente, il pericolo è in agguato, poiché il finale della stagione 1 di One Piece rivela nuove minacce in attesa di Rufy Cappello di Paglia nella stagione 2.
Chi è l’uomo misterioso nel finale della prima stagione di One Piece
One Piece La prima stagione si conclude con un’immagine di una figura misteriosa che brucia il poster di Monkey D. Rufy con un sigaro acceso. I capelli chiari e la propensione al tabacco confermano che questo nuovo personaggio live-action è il capitano Smoker, un marine particolarmente potente il cui Frutto del Diavolo gli permette di trasformare il suo corpo in puro fumo, rendendo inefficaci i pugni di Rufy. Un giovane Smoker può essere effettivamente individuato all’inizio della stagione di debutto di One Piece, mentre assiste all’esecuzione di Gold Roger durante il flashback iniziale. Il personaggio è molto simile a Garp dal punto di vista morale. Smoker detesta i pirati e li dà la caccia con tenacia, ma non è corrotto o malvagio come Morgan o l’ufficiale che Arlong pagava.
L’introduzione di Smoker suggerisce che la prima location della One Piece – stagione 2 sarà Loguetown, il luogo nell’East Blue dove Gold Roger è stato giustiziato. Quest’isola è l’ultima tappa prima che i pirati si uniscano alla Grand Line, e Smoker è il capitano della base locale della Marina, che schiaccia i sogni di molti equipaggi di raggiungere il leggendario oceano prima ancora che lo raggiungano. Questo è il motivo per cui Smoker viene mostrato mentre brucia il poster di Rufy nel finale della One Piece stagione 1. Non c’è alcun legame personale tra i due, ma la rapida ascesa di Rufy a pirata più ricercato dell’East Blue è qualcosa che Smoker trova particolarmente irritante.
Sebbene l’inseguimento di Rufy da parte del viceammiraglio Garp durante la prima stagione di One Piece fosse solo un modo per mettere alla prova il suo coraggio prima della fase successiva della sua avventura, Garp ride stranamente quando si rende conto che la determinazione di Rufy a diventare il Re dei Pirati è incrollabile. Questa reazione inaspettata è dovuta al fatto che, in quel preciso momento, Rufy ricorda a suo nonno Gold Roger, il precedente Re dei Pirati.
Roger viene mostrato mentre ride quando Garp assiste alla sua esecuzione nel flashback introduttivo di One Piece e, come rivelato dalla storia originale dell’anime e del manga, i due erano in realtà amici, nonostante fossero su fronti opposti della legge.
Quando Garp tiene Luffy per il collo e suo nipote ride mentre ribadisce il suo desiderio di trovare il tesoro di One Piece, il viceammiraglio ricorda immediatamente il suo defunto amico pirata. Questa consapevolezza si ricollega al commento di Dracule Mihawk a Garp all’inizio della stagione 1 di One Piece, in cui il Warlord sottolineava una strana somiglianza tra Rufy e Roger. Gli spettatori che hanno visto solo la versione live-action potrebbero essere perdonati se pensassero che Roger sia in realtà il padre di Rufy e, quindi, il figlio di Garp. Non è così, ma i personaggi provengono dallo stesso antico clan.
Dove stanno andando ora i Pirati di Cappello di Paglia?
L’introduzione del Capitano Smoker suggerisce fortemente che la seconda stagione di One Piece inizierà a Loguetown, ma il finale della prima stagione ha già preparato il terreno per l’arrivo della Going Merry alla Grand Line. Quando Nami è confusa dalla sua mappa che sembra indicare un fiume che scorre su una montagna nelle scene finali di One Piece, lei preannuncia la famosa Reverse Mountain. Nami presume che si tratti di un errore sulla mappa, ma Reverse Mountain sarà un momento importante nella seconda stagione di One Piece e la pietra miliare in cui la serie Netflix lascerà alle spalle East Blue per spostarsi esclusivamente sulla Grand Line.
Per quanto riguarda ciò che attende dall’altra parte di Reverse Mountain, One Piece di Netflix ha già fatto diversi riferimenti espliciti a una losca organizzazione nota come Baroque Works. I suoi membri saranno i principali antagonisti della seconda stagione di One Piece e, rompendo l’attuale formula episodica della serie, Baroque Works fornirà una trama generale a lungo termine che culminerà con la comparsa di un secondo Warlord of the Sea. Al momento della stesura di questo articolo, Netflix non ha confermato che la seconda stagione di One Piece andrà avanti, ma la prima stagione getta comunque basi significative per le storie future.
Perché Rufy ha una taglia (e perché gli altri Cappelli di Paglia no)
Il Governo Mondiale assegna le taglie in base a quanto considera pericoloso un pirata, e Rufy conclude la stagione 1 di One Piece con un’enorme taglia di 30.000.000 di berry sulla sua testa, nonostante abbia preso di mira solo criminali e altri pirati. Questo perché il Governo Mondiale considera i Pirati di Cappello di Paglia un pericolo per la pace e l’ordine, piuttosto che un pericolo per i cittadini. Sconfiggendo Arlong, il precedente detentore della taglia più alta dell’East Blue, Rufy si vede automaticamente assegnata una taglia più alta. Pertanto, il sistema di taglie di One Piece funziona in linea di massima come un modo per classificare la forza dei pirati, anche se tale confronto non è sempre accurato.
Rufy è l’unico pirata di Cappello di Paglia a ricevere una taglia perché, francamente, gli altri non sono ancora considerati abbastanza importanti dal Governo Mondiale. In qualità di capitano della ciurma, nonché responsabile dell’abbattimento di Arlong, Rufy è l’unico Cappello di Paglia che il Governo Mondiale è attualmente interessato a catturare. Man mano che la notorietà della ciurma aumenterà, la situazione cambierà e tutti i nakama di Rufy finiranno per ricevere a loro volta ingenti taglie.
Arlong è morto dopo la fine della prima stagione di One Piece?
One Piece La fine della prima stagione non chiarisce direttamente cosa succede ad Arlong dopo che Rufy lo sconfigge. Il pirata uomo-pesce viene sepolto sotto le macerie della sua ex casa e solo Rufy emerge. Il viceammiraglio Garp ordina ai suoi marines di dare la caccia ai pirati rimasti che sono fuggiti durante l’attacco dei Cappelli di Paglia, ma questi momenti conclusivi non fanno alcun riferimento ad Arlong. Sebbene Arlong non sia mai tornato fisicamente nel manga One Piece dopo la sua sconfitta, il materiale originale di Eiichiro Oda ha confermato verbalmente che il cattivo è sopravvissuto alla brutale Gum Gum Battleaxe di Rufy.
Lo stesso vale probabilmente per la serie TV One Piece di Netflix, anche se il tono un po’ più cupo e l’approccio più maturo fanno sì che non sia assurdo supporre che Arlong sia stato schiacciato a morte. In entrambi i casi, è altamente improbabile che il cattivo ritorni nella seconda stagione di One Piece. Con molti nuovi nemici da introdurre e nessun precedente per il suo ritorno nel materiale originale, la storia di Arlong sembra conclusa in One Piece.
Cosa significa il nuovo tatuaggio di Nami
Come rivelato in One Piece durante la stagione 1, l’ingresso di Nami nella ciurma dei Pirati di Arlong ha significato per lei l’obbligo di farsi tatuare il simbolo di Arlong sul braccio. Dopo la sconfitta di Arlong, il tatuaggio di Nami è stato modificato, sostituendo la bandiera di Arlong con un disegno meno offensivo. La nuova body art di Nami simboleggia la sua ritrovata libertà dal controllo di Arlong, ma l’immagine del tatuaggio, una girandola combinata con un’arancia, ha un significato ancora più profondo. Nel manga originale, la girandola era un giocattolo regalato a Nami da bambina dal capo del suo villaggio, Genzo, mentre i mandarini erano coltivati come specialità dalla madre adottiva di Nami, Bell-mère.
Nella storia di Netflix, il tatuaggio è un omaggio più generico al villaggio natale di Nami. L’immagine del mandarino rappresenta sia Bell-mère, che coltivava i frutti, sia il villaggio di Coco nel suo complesso, dove sono una specialità locale. I flashback di One Piece di Netflix mostrano Bell-mère che regala a Nami una girandola fatta con la buccia di mandarino, che probabilmente ha ispirato l’elemento della girandola nel nuovo tatuaggio di Nami. Stranamente, però, i flashback mostrano anche il giovane Genzo con una girandola nel cappello, la stessa che regala a Nami nell’anime. Genzo non viene mai mostrato mentre le consegna il giocattolo, quindi il capo del villaggio non ha alcun legame con il tatuaggio ridisegnato di Nami nella versione live-action.
Come Mihawk e Shanks si conoscono
In una scena finale di festa, il finale della stagione 1 di One Piece mostra Shanks il Rosso e la sua ciurma di pirati ai giorni nostri, che brindano allegramente alla prima taglia su Monkey D. Rufy. Stranamente, a loro si unisce Dracule Mihawk, un ufficiale Warlord of the Sea al servizio del Governo Mondiale. Tecnicamente parlando, Mihawk non dovrebbe bere così cordialmente con un pirata del calibro di Shanks. La conversazione tra i due trasuda familiarità, dando l’impressione di una rivalità amichevole che si è protratta nel corso degli anni. La natura completa del rapporto tra Shanks e Mihawk – ammesso che ce ne sia uno al di là delle occasionali scaramucce in mare – deve ancora essere rivelata, anche nel manga One Piece.
Buggy e Alvida stanno formando una squadra?
One Piece La prima stagione si conclude mostrando le reazioni dei vari amici e nemici di Rufy al suo nuovo manifesto di ricercato, e una delle reazioni meno entusiastiche proviene da un cupo Buggy il Clown, ora tornato dalla sua temporanea alleanza con i Pirati di Cappello di Paglia. Lamentandosi del suo nemico elastico, Buggy trova un’anima gemella in Alvida, l’originale capitano di Koby e la pirata che Rufy ha scaraventato in mare durante l’episodio iniziale. Questa scena suggerisce fortemente un’alleanza tra questi due avversari di basso livello nella seconda stagione di One Piece, e questa teoria è supportata dall’anime e dal manga originali, in cui Buggy e Alvida recitano entrambi nell’arco narrativo di Loguetown di One Piece al fianco del capitano Smoker.
È interessante notare che la collaborazione tra Buggy e Alvida in One Piece ha importanti ripercussioni che vanno oltre la sola seconda stagione. Buggy è un personaggio significativo anche nei capitoli attuali del manga, e Alvida rimane parte del suo equipaggio, anche se non ha un ruolo di primo piano. Resta da vedere se la versione di Netflix arriverà a quel punto, ma il finale della prima stagione di One Piece non nasconde nulla nella definizione delle trame future.
“Golden” è il suono perfetto di una canzone pop, ma non è il brano che meglio cattura il messaggio di KPop Demon Hunters. Questo fine settimana sono andato a una proiezione con karaoke di KPop Demon Hunters (Netflix ha riportato il film nelle sale per Halloween, due mesi dopo una distribuzione già storica), che mi ha permesso di rivedere il film con un pubblico che conosceva ogni canzone a memoria.
Da tutti che urlavano “Fit check for my Napalm era” durante “How It’s Done” all’intero cinema che muoveva le spalle al ritornello di “Soda Pop”, è incredibile quanto KPop Demon Hunters abbia risuonato con persone di tutte le età. Ma mentre tutte le canzoni del film sono orecchiabili e si collegano alla storia in modo intelligente, “Golden” è il campione indiscusso quando si tratta di popolarità.
Dopo che “Golden” ha raggiunto il primo posto nella Billboard Global 200, è diventato chiaro che anche HUNTR/X stavano salendo, salendo, salendo nel nostro mondo. La canzone è diventata il simbolo di KPop Demon Hunters, con le voci di Rumi, Mira e Zoey che l’hanno persino eseguita dal vivo al The Tonight Show. Tuttavia, per quanto “Golden” sia fantastica ed emozionante, c’è un’altra canzone degli HUNTR/X che merita lo stesso amore.
“What It Sounds Like” è il vero cuore dei KPop Demon Hunters
Se ‘Golden’ è la canzone che avrebbe suggellato l’Honmoon, “What It Sounds Like” è la canzone che ha creato la nuova versione migliorata di cui parlava Rumi. In “Golden”, Rumi canta di lasciarsi alle spalle gli schemi e diventare la ragazza che tutti vedono. Nel contesto della storia, “Golden” non è mai stata una canzone sull’accettazione.
Si può sentire la voce di Celine nelle parole di ‘Golden’: Rumi, Mira e Zoey sono cacciatrici, hanno voci forti e i loro difetti e le loro paure non devono mai essere visti. Le ragazze dovevano essere perfette, anche se questo significava non affrontare mai i propri demoni. È solo in “What It Sounds Like” che finalmente sentiamo le loro vere voci. È la canzone che non sono riuscite a scrivere, dopotutto.
“What It Sounds Like” è un’esperienza catartica, sia per il pubblico che per le Huntrix. Rumi ha passato tutta la sua vita pensando che ci fosse qualcosa di sbagliato in lei che doveva essere corretto. Ma in “What It Sounds Like” finalmente vede la bellezza nel vetro rotto. Anche Mira e Zoey accettano chi sono, indipendentemente dai loro difetti.
Ammetto che “What It Sounds Like” non è la canzone più commerciale, soprattutto se paragonata a ‘Golden’ o “Soda Pop”. A differenza di queste due, “What It Sounds Like” funziona solo nel contesto del film. Il testo e la melodia sono direttamente legati a ciò che accade sullo schermo, e la canzone perde il suo impatto senza momenti visivi chiave come l’abbraccio di gruppo o il sacrificio di Jinu.
“Golden” è diventata più grande di KPop Demon Hunters
Anche se mi sarebbe piaciuto vedere “What It Sounds Like” diventare un successo ancora più grande, ‘Golden’ merita assolutamente il suo successo. Nonostante la dolceamarezza del testo, “Golden” è una bellissima canzone che parla di trovare la forza di tracciare la propria strada, indipendentemente dal proprio passato o dalle avversità che si sono affrontate.
EJAE, che ha co-scritto la canzone e ha prestato la sua voce a Rumi, ha parlato di quanto “Golden” sia speciale e personale per lei. Con “Golden”, l’ex tirocinante K-pop ha trasformato alcune delle sue difficoltà in un inno che ora sta raggiungendo persone di tutto il mondo.
Anche se Rumi, come personaggio, aveva bisogno di crescere oltre il messaggio di “Golden” nella storia, il testo della canzone non potrebbe essere più stimolante. ‘Golden’ è per KPop Demon Hunters ciò che “Let It Go” è per Frozen: una canzone che forse non definisce completamente il personaggio principale, ma con cui il film sarà per sempre associato.
La seconda stagione dell’adattamento live-action di One Piece di Netflix è in arrivo e ci sono già molte notizie sul cast, sulla trama e sulla data di uscita per quanto riguarda il futuro di Rufy e dei Pirati di Cappello di Paglia. Basato sul manga e sull’anime One Piece, lo show live-action di Netflix racconta la storia di Monkey D. Rufy e della sua ciurma, i Pirati di Cappello di Paglia. Nella prima stagione, Rufy ha riunito la banda, nonostante l’iniziale esitazione di Zoro e Nami, e si è messo alla ricerca del tesoro di Gold Roger, il One Piece, sulla Grand Line.
Poiché è basata sul manga e sull’anime di Eiichiro Oda, c’è già molto da discutere sulla prossima stagione di One Piece su Netflix. La seconda stagione live-action di One Piece seguirebbe gli eventi della prima, che copriva la saga East Blue del manga. Monkey D. Rufy ha giurato di diventare un grande pirata e, alla fine della One Piece – stagione 1, è sulla buona strada per raggiungere i suoi obiettivi, ottenendo il suo poster da ricercato, la sua nave e il suo equipaggio. La One Piece stagione 2 segue l’arco narrativo successivo del manga e dell’anime, la saga di Arabasta, mostrando le prime tappe del viaggio dei Pirati di Cappello di Paglia verso la Grand Line.
Notizie recenti su One Piece – Stagione 3
Un nuovo teaser rivela l’arrivo di Tashigi
A distanza di mesi dalla scelta dell’attrice per interpretare il ruolo, arrivano le ultime notizie sotto forma di un teaser sul personaggio di Julia Rehwald, Tashigi. L’account ufficiale One Piecesu Netflix su X (ex Twitter) ha condiviso un breve video in cui Rehwald risponde a domande su se stessa e su Tashigi, oltre che sul processo di ripresa della seconda stagione. Il video scherzoso non rivela molto sui prossimi episodi, ma è chiaro che, come nell’anime, Tashigi avrà un ruolo importante nella nuova stagione.
La serie live-action di Netflix One Piece è stata rinnovata per la seconda stagione
Presto arriverà ancora più follia con i Cappelli di Paglia
Netflix ha rinnovato One Piece per la seconda stagione. La conferma è arrivata nel settembre 2023, due settimane dopo la prima della serie. Il rinnovo di Netflix One Piece per un’altra stagione non è stato una sorpresa, anche se la notizia è stata comunque accolta con grande entusiasmo. One Piece ha ricevuto recensioni incredibilmente positive ed è stato un successo tra gli abbonati, ottenendo l’82% su Rotten Tomatoes dai critici e un punteggio ancora più alto, pari al 94%, dal pubblico. Con l’enorme successo della serie, sembra che Netflix abbia finalmente spezzato la maledizione degli anime live-action, da tempo noti per essere un genere difficile.
Netflix ha pubblicato tutti gli episodi della stagione 1 di One Piece il 31 agosto 2023.
Stato di produzione della seconda stagione di One Piece live-action
Le riprese sono iniziate nel giugno 2024
Sebbene le notizie siano state piuttosto scarse da quando lo show è stato rinnovato nel settembre 2023, è stato ora rivelato che la seconda stagione di One Piece è entrata in produzione nel giugno 2024 e si è conclusa nel febbraio 2025. La serie, ricca di effetti speciali, avrà probabilmente un periodo di post-produzione prolungato, il che significa che la seconda stagione potrebbe debuttare non prima degli ultimi mesi del 2025. Netflix lo ha confermato quando ha annunciato una finestra di rilascio per la fine del 2025 (tra ottobre e dicembre).
Cast della seconda stagione di One Piece live-action
Il ritorno della ciurma di Cappello di Paglia
Il cast della seconda stagione di Netflix One Piece riporterà molto probabilmente i personaggi della prima stagione nei ruoli principali. A capitanare la Going Merry nel cast di One Piece nei panni di Monkey D. Luffy c’è Iñaki Godoy, affiancato da Mackenyu Arata nel ruolo del suo secondo in comando, Roronoa Zoro. Emily Rudd interpreta la navigatrice della nave, Nami, e Jacob Romero Gibson interpreta il cecchino della ciurma, Usop. Infine, Taz Skylar interpreta il ruolo dello chef, Sanji.
I nuovi arrivati si sono già uniti al cast della seconda stagione, dato che è stata rivelata la Baroque Works. A guidare la squadra c’è David Dastmalchian nel ruolo di Mr. 3, affiancato da Daniel Lasker nel ruolo di Mr. 9. Camrus Johnson è stato scelto per interpretare il ruolo di Mr. 5 e apparirà al fianco di Jazzara Jaslyn, che interpreta Miss Valentine. La Baroque Works è un collettivo di cattivi che sono i principali antagonisti della saga di Arabasta. Alla ciurma della Baroque Works si aggiungono Joe Manganiello nel ruolo di Mr 0. e Lera Abova nel ruolo di Miss All Sunday.
Continuando ad arricchire il team di Baroque Works, Sophia Anne Caruso interpreterà ora l’iconica cattiva Miss Goldenweek, che usa trappole di colore per controllare la mente dei suoi avversari. Chess, l’arciere in bianco e nero di Drum Island, sarà interpretato da Mark Penwill. Allo stesso modo, il più temibile difensore della legge di Drum Island, Kuromarimo, sarà interpretato da Anton David Jeftha.
Si prevede che nella seconda stagione torneranno anche Vincent Regan nei panni di Garp, Morgan Davies nei panni di Koby, Aidan Scott nei panni di Helmeppo, Jeff Ward nei panni di Buggy e Ilia Isorelýs Paulino nei panni di Alvida. Ci saranno anche molti altri nuovi personaggi che la prossima stagione dell’adattamento live-action di One Piece richiederà nuovi attori per interpretare. Ci sono ancora 3 Pirati di Cappello di Paglia che dovrebbero unirsi alla ciurma nella seconda stagione: Chopper, Nico Robin e Jinbe (anche se l’apparizione di Jinbe potrebbe avvenire solo dopo la prossima stagione).
Storia della seconda stagione live-action di One Piece
Sembra che la storia della seconda stagione live-action di One Piece terminerà probabilmente con l’arco narrativo di Loguetown per poi proseguire con la saga di Arabasta, che è la seconda saga del manga dopo quella di East Blue. Per concludere l’arco narrativo di Loguetown, i Cappelli di Paglia dovranno affrontare il capitano Smoker, come anticipato nel finale della prima stagione, ma anche combattere i nemici che vogliono la taglia. Qui viene introdotto anche Monkey D. Dragon.
l’eventuale introduzione del malvagio leader della Baroque Works Crocodile, coinvolto in una grande guerra civile ad Arabasta.
Per quanto riguarda la saga di Arabasta, questa contava 117 capitoli, quindi non è chiaro quanto apparirà nella storia della seconda stagione di One Piece su Netflix. Naturalmente, la saga di East Blue era composta da 100 capitoli e rimane solo l’ultima parte da raccontare. Per quanto riguarda i momenti salienti che potrebbero affrontare i Cappelli di Paglia, questi includono la loro nave che viene inghiottita da una balena gigante, l’introduzione di Mr. 9 e Ms. Wednesday (entrambi della Baroque Works), un’isola piena di dinosauri e l’eventuale introduzione del malvagio leader della Baroque Works Crocodile, che è parte di una massiccia guerra civile ad Arabasta.
La Baroque Works continuerà a essere una spina nel fianco dei Pirati di Cappello di Paglia, dato che la terza stagione di One Pieceha inserito nel cast un personaggio importante dell’organizzazione. La seconda stagione di One Piece introdurrà la Baroque Works, un’organizzazione segreta che opera nella Grand Line e che cerca di ottenere il potere sull’area centrale in cui si svolge la trama.
A cinque mesi dall’introduzione della seconda stagione, Netflixha annunciato sui propri social media che Cole Escola è entrato a far parte del cast della terza stagione di One Piece come membro chiave del gruppo. La star di Big Mouth, che è non binaria e usa i pronomi they/them, interpreterà il membro della Baroque Works Bon Clay, noto anche come Mr. 2 e Bentham.
Bon Clay ha la capacità di trasformarsi in una copia esatta di chiunque abbia mai toccato con la mano destra. La sua interpretazione sarà reimmaginata come una figura non binaria invece che come un personaggio drag, come era stato rappresentato nel manga originale e nell’adattamento anime. Dai un’occhiata all’annuncio ufficiale del casting qui sotto:
Escola si unisce a molti altri nuovi arrivati nel cast di One Piece che interpreteranno i membri della Baroque Works. Tra i nomi più importanti figurano David Dastmalchian nel ruolo di Mr. 3, Sophia Anne Caruso nel ruolo di Miss Goldenweek, Lera Abova nel ruolo di Miss All Sunday, ovvero Nico Robin, e Joe Manganiello nel ruolo di Mr. 0, ovvero Crocodile. Anche Bon Clay è un altro membro importante del gruppo.
Nel manga e nell’anime, Bentham viene introdotto durante l’arco narrativo Little Garden, inizialmente stringendo amicizia con i Pirati di Cappello di Paglia mentre nutre i propri obiettivi malvagi a causa della sua associazione con la Baroque Works. Il suo arco narrativo è però più dinamico rispetto a quello degli altri membri, durando per tutta la saga di Alabasta dell’anime.
Nella versione live-action, tuttavia, non appariranno fino alla terza stagione di One Piece. Poiché Little Garden sarà presente nella seconda stagione, questo segna un cambiamento fondamentale nella loro apparizione. Resta da vedere se questo comporterà anche altre differenze nella trama.
Escola è un attore esperto, il che lo rende una scelta azzeccata per Bon Clay. Recentemente ha prestato la sua voce al dramma animato Boys Go to Jupiter e ha vinto numerosi premi per la sceneggiatura e la recitazione nella commedia Oh Mary!. Il suo background comico e drammatico lo rende perfetto per il ruolo di Baroque Works.
Poiché la seconda stagione di One Piece è ancora lontana, ci vorrà ancora un po’ di tempo prima che la versione di Bentham interpretata da Escola arrivi sullo schermo. La versione rivisitata del personaggio apre le porte a nuove possibilità narrative, pur mantenendo gli stessi elementi per cui è noto nel materiale originale. Questo, insieme alla sua successiva apparizione in live-action in contrasto con l’anime, lo rende ancora più avvincente.
One Piece stagione 2 arriverà il 10 marzo 2026 su Netflix.
Il finale di Prey (qui la nostra recensione) conclude egregiamente questo prequel di Predatore la storia di Naru, ma lascia anche la porta aperta a Prey 2 e a future avventure fantascientifiche con l’iconico cacciatore interstellare. Il film presenta una serie di temi ricorrenti nel corso del film, primo fra tutti quello secondo cui le persone dovrebbero seguire la propria vocazione, indipendentemente da ciò che la tradizione può imporre.
Con Amber Midthunder nel ruolo di Naru, l’ambientazione di Prey ha spostato la serie dal presente al 1719 in Nord America, in una storia che potrebbe benissimo essere la prima spedizione in assoluto della razza Predator sulla Terra. La storia si concentra su Naru, una Comanche che sente la vocazione di diventare una cacciatrice all’interno della sua tribù, ma è ostacolata dal ruolo tradizionale che è destinata a ricoprire.
Nel film, il fratello di Naru, Taabe, combatte il Predator al campo dei cacciatori, ferendo la creatura e poi sacrificandosi affinché Naru possa fuggire, dicendole: “Questo è il massimo che posso fare. Non posso andare oltre. È finita. Porta a casa il risultato“. Mentre era stato catturato dai cacciatori e utilizzato come esca per il Predatore, Taabe rivela di aver catturato il puma utilizzando il piano originale di Naru, dicendo che lei lo aveva indebolito e che era sempre in grado di vedere ciò che lui non vedeva.
Il che significa che forse non avrebbe ucciso la bestia se non avesse utilizzato il piano di Naru. Taabe si rende conto che, sebbene sia un grande cacciatore, Naru è più intelligente e astuta di lui, e alla fine ripone la sua fiducia in lei quando capisce che il Predator sta per ucciderlo, sapendo che lei ha le migliori possibilità di porre fine alla minaccia. Questo momento non solo è stato incredibilmente tragico, ma ha anche aggiunto un significativo peso emotivo alla vittoria finale di Naru contro il guerriero intergalattico durante il finale di Prey.
La spiegazione del piano di Naru per sconfiggere il Predator alla fine di Prey
La battaglia finale tra Naru e il Predator alla fine di Prey è stata uno dei momenti salienti del film, anche perché lei ha usato la sua intelligenza e la sua abilità marziale per sconfiggere il suo temibile nemico. Naru conosceva bene la sua posizione, poiché era fuggita da poco da una pozza di fango vicino al campo dei cacciatori all’inizio del film. Aveva anche notato fin dall’inizio che i mirini laser sulla maschera del Predator avrebbero inviato i proiettili che sparava direttamente dove puntavano i laser.
Rubare la maschera del Predator era una parte fondamentale del suo piano, così come una serie di trappole, tra cui l’uso di esche umane per attirare il Predator, un piano simile a quello usato in precedenza dai cacciatori. Tuttavia, i cacciatori non si rendevano conto che il Predator non voleva esche disarmate, ma voleva cacciare, ed è per questo che Naru dà al cacciatore che cattura un fucile. Naru studia il Predator, osservando come pensa, si muove, combatte e uccide, capendo alla fine come usare tutti i suoi punti di forza e di debolezza contro di lui.
Così, mette insieme un piano basato sulla sua esperienza, creatività e astuzia. Il piano di Naru era quello di ferire ulteriormente il Predator distraendolo con un’altra preda, rubargli la maschera e poi attirarlo verso di lei dove lo attendeva una serie di trappole, tra cui la fossa di fango, dove aveva posizionato la maschera per colpire il Predator e ucciderlo con la sua stessa tecnologia. Naru osserva, pensa e pianifica costantemente, senza mai usare la forza bruta al posto dell’intelligenza, dimostrando che un vero cacciatore è colui che conosce la sua preda.
Cosa significano le ultime parole di Naru al Predator
Ci sono state molte citazioni iconiche nella serie Predator, specialmente quando gli eroi affrontano l’alieno durante i vari finali. Anche il finale di Prey contiene una citazione incredibilmente soddisfacente di Naru, ma il suo significato è un po’ più sfumato rispetto al semplice insultare il suo nemico un’ultima volta. Una volta che Naru si rende conto di aver intrappolato il Predator in Prey e che il colpo finale è inevitabile, pronuncia la frase che suo fratello le ha insegnato all’inizio, la stessa che lui pronuncia prima di sacrificarsi al Predator per permetterle di fuggire.
“Questo è il limite massimo che puoi raggiungere. Non puoi andare oltre. È finita”, dice, proprio prima che il Predator si uccida con la sua stessa tecnologia. La frase è quella che il fratello di Naru le aveva detto di pronunciare quando stava per uccidere la sua preda durante la caccia, e che trova piena realizzazione nel momento in cui lei abbatte il Predator alla fine di Prey. Suo fratello ha accettato il suo destino quando è stato cacciato e ucciso dal Predator, ed è questo che lo ha spinto a dire quella frase a Naru – e il fatto che lei la ripeta quando ha sconfitto la creatura è il completamento del cerchio che la riporta a lei.
Ci sarà un Prey 2? Come i titoli di coda preparano il terreno per un sequel
Il finale del film Prey vede Naru dire alla sua tribù che devono spostare il loro accampamento perché “c’è pericolo nelle vicinanze” e che devono trasferirsi in un “terreno più facile da proteggere”. Il Predator che Naru sconfigge era stato mostrato venire lasciato da una nave Predator all’inizio del film, il che suggerisce che possono facilmente tornare (se non sono già nelle vicinanze). Questa idea è rafforzata dall’animazione dei titoli di coda di Prey, che suggerisce che una flotta di navi Predator arriverà per attaccare nuovamente la sua tribù.
Potrebbe anche semplicemente suggerire che altri Predator stanno arrivando, non necessariamente per vendetta, ma semplicemente perché gli eventi di Prey rappresentano la prima caccia alle creature aliene, che ha portato alla morte di uno di loro, il che significa che ora è considerato un terreno di caccia impegnativo e ricco di prede degne sotto forma di esseri umani. Fortunatamente, i fan della serie avranno delle risposte sul significato del teaser del sequel nei titoli di coda. Prey 2 è stato confermato nel 2024, anche se non ci sono stati dettagli sulle tempistiche, prossimamente il film dovrebbe prendere forma.
Il vero significato del finale di Prey
Il finale di Prey gioca con il doppio significato del titolo e la dualità dei termini predatore e preda, mentre Naru lotta con il suo desiderio di essere una cacciatrice invece che una raccoglitrice, scoprendo ciò che serve per raggiungere questo obiettivo: diventare sia predatrice che preda, così come l’alieno che combatte ricoprendo entrambi questi ruoli. “Vuoi cacciare qualcosa che sta cacciando te?” è una domanda che le viene posta da suo fratello all’inizio del film e che risuona per tutta la durata della pellicola.
Quando Naru ha l’occasione di abbattere un pericoloso puma, sembra fallire la prova, ma si scopre che il suo piano per ucciderlo era più astuto e intelligente di quanto si pensasse inizialmente. Applica le lezioni apprese da quell’esperienza e ritrova la sua sicurezza mentre sfugge più volte all’alieno Predator, studiandolo, imparando i suoi punti di forza e le sue debolezze nel corso del film, prima di applicare le sue conoscenze per intrappolarlo e ucciderlo. Nel finale di Prey, Naru subisce un cambiamento quando diventa lei la predatrice e il Predator la preda, completando il suo percorso per diventare una cacciatrice e una guerriera.
