Ogni anno Babbo Natale porta doni ai bambini buoni di tutto il mondo, un compito non da poco, su cui più volte il cinema si è interrogato. Tra i tanti modi di raccontare tale responsabilità, è finalmente arrivato anche quello che ce la propone non come una gioia bensì come un peso divenuto insostenibile. È così che incontriamo uno dei Babbo Natale più scorretti che si siano mai visti sul grande schermo, protagonista assoluto di Una notte violenta e silenziosa, che con il suo titolo originale (Violent Night) fa il verso alla celebre canzone natalizia Silent Night, inneggiante alla pace e alla bontà.

Valori del tutto estranei a questo film diretto da Tommy Wirkola, regista norvegese resosi celebre per aver dato vita a nazisti zombie in Dead Snow. Quella durante il quale si svolge questo film è infatti tutt’altro che una notte pacifica, perché in fondo il male non concede tregue neanche a Natale. E così quando un gruppo di criminali, capeggiati da un leader con l’eloquente nome in codice di Mr. Scrooge (John Leguizamo), irrompe nell’abitazione della conflittuale famiglia Lighstone, ecco che Babbo Natale (David Harbour) si troverà a dover dar vita ad un bel po’ di sana violenza, magari ritrovando la gioia verso il suo ormai odiato lavoro.

Il film perfetto per chi non sopporta il Natale

Esiste una ricca categoria di film dissacranti nei confronti del Natale, dei suoi valori e della sua iconografia. Opere particolarmente congeniali a chi meno sopporta tale festività, troppo spesso snaturata dal crescente consumismo. Una notte violenta e silenziosa si inserisce perfettamente in tale tipologia di opere, offrendo l’altro lato della medaglia. Al di là del Babbo Natale alcolizzato e violento, la famiglia protagonista del film, ad esempio, è tutto fuorché ricca di umiltà, compassione e spirito natalizio. Lo spettatore si imbatte dunque in una serie di personaggi sgradevoli, che risultano tali anche in quanto coerenti con i tempi che realmente viviamo.

È difficile trovare qualcuno per cui fare il tifo, specialmente quando anche lo stesso Babbo Natale eccede nell’applicare una certa giustizia, sfociando in sequenze estremamente violente, ai limiti dello splatter. L’unica dotata di umanità sembra essere la piccola Trudy (Leah Brady), ma anche lei non si risparmia nell’escogitare brutali trappole per gli invasori, sulla scia del Kevin di Mamma ho perso l’aereo. Tutti questi personaggi risultano dunque prodotti di una società sempre più individualista e arrivista, da Wirkola messa alla berlina con una satira continua che tra battute e situazioni scorrente diverte ma spaventa allo stesso tempo.

Una notte violenta e silenziosa deride dunque i miti e le tradizioni del Natale, molti dei quali rafforzatisi proprio grazie alla vasta filmografia dedicata a tale festività. Nel farlo, però, sembra mirare a ricordarci quelli che dovrebbero esserne i veri valori, portando dunque lo spettatore alla loro riscoperta attraverso la violenza, la goliardia e in generale attraverso un eccesso particolarmente ben dosato e divertente. Uno degli aspetti migliori del film è infatti proprio il modo in cui il regista, partendo dalla sceneggiatura di Pat Casey e Josh Miller, confezioni una messa in scena ricca di trovate visive, punti di vista insoliti e occasioni per sorprendere continuamente lo spettatore.

David Harbour magnifico protagonista di Una notte violenta e silenziosa

All’interno di questo “pacco regalo” che è il film, si ritrova poi la sorpresa vera e propria. È innegabile come molto del fascino di Una notte violenta e silenziosa dipendesse dall’interprete che avrebbe dato vita al violentissimo Babbo Natale. David Harbour, noto per aver interpretato lo sceriffo Hopper di Stranger Things e il demoniaco Hellboy nel film omonimo, si presentava da subito come la scelta ideale. Nel vederlo compiere azioni brutali vestito di rosso e con il tipico barbone bianco di Babbo Natale, ce ne si convince ancor di più. Harbour non è solo un attore particolarmente portato per gli antieroi, personaggi scorretti ma dotati comunque di cuore, ma anche un interprete dotato di una presenza scenica straordinaria.

La sua fisicità, la sua espressività e i modi in cui tali aspetti si mescolino alla comicità e alla violenza sono semplicemente irresistibili. Grazie alla sua presenza, si possono mettere in secondo piano anche gli aspetti meno convincenti del film, con la possibilità dunque di godersi un film che offre ciò che prometteva: sangue, risate, alcol, ossa rotte e ancora risate. In mezzo ai tanti patinati film natalizi che ogni anno vengono proposti al cinema, Una notte violenta e silenziosa risulta dunque una gradita variazione sul tema che, inaspettatamente, potrebbe anche risultare molto più vicina al vero significato del Natale rispetto ai titoli più classici, troppo spesso artificiosi.

Dopo l’immenso successo ottenuto in Giappone, il 1 Dicembre arriva anche in Italia One Piece Film: Red, una storia che unisce i personaggi del famoso anime a musica e novità.

Presentato in anteprima al Lucca Comics and Games 2022, One Piece Film: Red è pronto per uscire in sala ed incontrare il grande pubblico. Dal 1 Dicembre sarà possibile vedere in sala Luffy e la ciurma del Cappello di Paglia insieme a personaggi come Uta e Shanks. Tra rimandi al mondo dei manga e degli anime di One Piece, in Red non mancano le novità, a livello di trama e di modalità narrativa. Scopriamo i dettagli del film diretto da Goro Taniguchi e prodotto da TOEI Animation.

La sinossi di One Piece Film: Red

Uta è una celeberrima cantante la cui voce viene definita addirittura “ultraterrena’’. All’apice del suo successo, Uta organizza un concerto colossale sull’isola di Elegia. In quest’occasione, la cantante decide – in stile Hannah Montana – di svelare per la prima volta il suo volto (e la sua vera identità). La ragazza dai capelli rosa non è infatti soltanto una pop star, ma cela un sostanzioso segreto: è la figlia di Shanks!

Ad assistere alla rivelazione sono presenti anche gli esponenti della Marina e i Pirati di Cappello di Paglia, capitanati ovviamente da Luffy. Non appena Luffy e Shanks scoprono il pericoloso potenziale celato nella voce di Uta, si mettono in azione. Tra musica e colpi di scena, comincia una battaglia per la libertà dalla portata colossale…

Il ritorno di Shanks

Oltre alle novità, tornano i personaggi iconici. Nel film possiamo rivedere Luffy che compie un’evoluzione: parte come un allegro ragazzo e diventa piano piano più maturo di testa e più solido nell’aspetto, una vera e propria montagna di muscoli. One Piece film: Red vede anche il ritorno di uno dei character più interessanti creati da Oda. Stiamo parlando di Shanks il Rosso. Shanks è uno dei quattro imperatori che sprona Luffy fin da piccolo e lo esorta a diventare un pirata. Nel film, il personaggio diventa il padre di Uta, il nuovo personaggio principale.

Manga e anime, ma soprattutto musica

Il tratto pop di One Piece film: Red è ciò che balza principalmente all’occhio e all’orecchio dello spettatore. La cantante Uta appartiene completamente a questo mondo, dall’estetica del personaggio fino alle interpretazioni musicali. Uta è simile a quelle star che riescono a conquistare gli adolescenti: è un’eroina pop, una star dalla doppia identità con un padre ingombrante come Hannah Montanta (aka Miley Cyrus), ma anche una performer capace di radunare migliaia di fan al pari dei cantanti della k-(vedi le Pink Panther). Uta ricorda anche un’altra protagonista di un film anime dello scorso anno: Belle. Come quest’ultima, anche Uta viene ricoperta di responsabilità e sembra avere una funzione quasi salvifica. In sostanza, il personaggio è un po’ tutti e nessuno, ma ha senza dubbio lo charme necessario per farsi apprezzare da un certo tipo di pubblico.

La musica è una novità ingombrante per il mondo di One Piece. Nella serie anime, manca la componente sonora, mentre in One Piece Film: Red le canzoni si mischiano costantemente con l’azione: i pezzi musicali cantati dalla star giapponese Ado condiscono e accompagnano l’azione. Chissà se quest’aspetto verrà apprezzato dai fan italiani come da quelli nipponici: per ora in Giappone la pellicola è a la più redditizia del franchise e ha guadagnato il record come miglior incasso anime del 2022 (oltre 124 milioni di Euro).

Quando esce One Piece film: Red?

Dopo le uscite in anteprima in lingua originale avvenute nel corso di Novembre, sarà possibile vedere One Piece Film: Red in italiano dal 1° dicembre 2022. Il film diretto da Goro Taniguchi verrà distribuito da Anime Factory. I doppiatori principali sono Renato Novara (Luffy), Luca Bottale, Emanuela Pacotto e Patrizio Prata.

Arriva finalmente nelle sale italiane The Woman King, l’atteso film con Viola Davis protagonista, qui comandante dell’esercito africano delle Agojie, composto da sole donne e che operò nell’Africa Occidentale del 1823. Con questa pellicola, la regista Gina Prince-Bythewood conferma di voler restituire al pubblico opere che esplorino il passato ma non si dimentichino delle preoccupazioni dell’attuale secolo, proprio come ha fatto con The Old Guard (2020), una gradita reinterpretazione della formula del cinecomic.

The Woman King: la storia delle Agojie

Quella di The Woman King si presenta come un’epopea storica ispirata a eventi realmente accaduti nel Regno del Dahomey, uno degli Stati più potenti dell’Africa nel XVIII e XIX secolo. La trama del film segue Nanisca (Davis), generale dell’unità militare tutta al femminile, e Nawi (Thuso Mbedu), ambiziosa recluta. Insieme hanno combattuto contro i nemici che hanno violato il loro onore, ridotto in schiavitù il loro popolo e minacciato di distruggere tutto ciò per cui avevano vissuto.

Avventurandosi nella storia di questo peculiare esercito, il film ci mostra una serie di esperienze preziose, in cui spiccano i temi dell’eroismo, servizio, disciplina, leadership, amicizia e lealtà. Incontriamo l’ambiente di addestramento e di reggimento delle Agojie, donne che danno il massimo per i principi speciali di questa unità d’élite, fedele al re e alla sua leadership interna, in un’atmosfera di continua motivazione, di rigida disciplina, di partecipazione diretta dei comandanti che insegnano con l’esempio e la loro presenza in prima linea nell’azione. Queste donne vivono a palazzo, in quanto fungono da guardia personale del re, dove sono isolate dalla vita normale della popolazione e da qualsiasi tipo di relazione amorosa. Si addestrano per il combattimento corpo a corpo, pronte a sconfiggere i nemici sui campi di battaglia adiacenti ai villaggi, alle giungle e ai campi, senza mai concedergli tregua.

Un film dall’intenzione incerta

Sebbene The Woman King utilizzi la sua consapevolezza di genere come prova della sua originalità, finisce per poggiarsi sugli stessi cliché di titoli dallo stesso respiro, tra cui Braveheart e Il Gladiatore – indubbiamente rivoluzionari al loro tempo. Pur rendendo omaggio e facendo conoscere alla gran maggioranza del pubblico occidentale le guerriere Agojie, continua a non sapere se preferisce funzionare come film d’azione o esplorare temi profondi quali la schiavitù, il colonialismo o le violenze e sevizie a cui le donne erano sottoposte.

Il punto di forza del film sono sicuramente le sequenze di combattimento, che enfatizzano come queste guerriere lottino per esorcizzare i traumi che si portano dietro in quanto donne in un periodo e luogo a loro sfavorevole, tratto che conferisce a questi frangenti una componente indubbiamente catartica. È un peccato, quindi, che il film sia molto più intento ad accumulare sottotrame di vendetta, storie di amore proibiti e parenti perduti improbabilmente ritrovati, che spingono il film in territorio melodrammatico. La lacuna maggiore di The Woman King è che non si preoccupa di approfondire la storia delle Agojie quanto avremmo voluto, né di mettere loro in bocca qualcosa in più di aforismi e discorsi motivazionali: il film è così impegnato a sottolinearne la loro rilevanza simbolica che dimentica di renderle interessanti.

The Woman King non cerca di mettere in discussione la mascolinità del genere, ma si limita a sostituire i Leonida dell’epoca con donne iper-mascolinizzate. Adotta i principi di forma di 300, un film che ha cambiato il modo di rappresentare i corpi maschili al cinema, ma viene da domandarsi se, così facendo, riesca davvero a portare una prospettiva diversa nel genere. Viola Davis, il cui approccio poderoso alla recitazione l’ha portata ad incarnare personaggi caparbi senza mai rinnunciare alla propria femminilità, sembra prostarsi al servizio di un action-movie beffardo, che si presenta come inno femminista ma non fa che invertire la fantasia virile dei nostalgici del testosterone anni ’80, quella che film come American Psycho si sono divertiti a sovvertire.

I punti di forza di The Woman King

La fotografia e il design della produzione sono certamente due elementi di punta di The Woman King, che ne evidenziano la portata epica con cui vuole imporsi sullo schermo. Non meno di rilievo sono le interpretazioni: Thuso Mbedu, Lashana Lynch, Sheila Atim, interpreti delle Agojie, alzano i loro bastoni, scudi, fucili e coltelli per difendere se stesse e tutto ciò a cui tengono e che è stato loro sottratto per anni. Corrono, saltano e attaccano con movimenti decisi, calcolati, rapidi e feroci. Improvvisamente, siamo con loro: la loro energia risucchia certamente lo spettatore e garantisce una visione quantomeno intrattenitiva.

In definitiva, la storia delle nazioni africane, così ricca di episodi, di epopee, di contrasti tra coraggio, trionfo, umiliazione e sfruttamento, finisce per essere raccontata sotto le influenze di un passato molto complesso e di visioni in costruzione non ancora sufficientemente strutturate e culturalizzate: storie come quella delle donne Agoji, del loro mitico comandante e dei loro giovani guerrieri, aiutano in qualche modo a sanare il passato e a sognare un futuro migliore.